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[:es]Premio Juana de Vega de Intervenciones en el Paisaje 2019[:gl]Premio Juana de Vega de Intervencións na Paisaxe 2019[:en]Premio Juana de Vega de Intervenciones en el Paisaje 2019[:]

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Premio Juana de Vega de Intervenciones en el Paisaje 2019

En el año 2019 se convoca el Premio en la categoría de INTERVENCIONES EN ESPACIOS EXTERIORES, que tiene por objeto reconocer aquellas intervenciones realizadas en espacios exteriores tanto públicos cómo privados que contribuyan a mejorar la calidad del paisaje.

Pueden ser candidatos al premio: autor/eres del proyecto o de la intervención, cuyo promotor sea una persona física o jurídica de naturaleza pública o privada.

Sólo se admitirán intervenciones realizadas en Galicia, que fueran finalizadas entre el 1 de enero de 2014 y el 31 de diciembre de 2018.

El plazo para la presentación de candidaturas estará abierto hasta el 28 de junio de 2019 y el fallo del jurado se dará a conocer en el último cuatrimestre del año.

El jurado para esta convocatoria estará formado por:

· Teresa Andresen, ingeniera agrónoma,  doctora en Ciencias Aplicadas y Medioambiente por la Universidad de Aveiro, Máster en Arquitectura del Paisaje por la Universidad de  Massachusetts, catedrática del Departamento de Botánica de la Universidad de Porto.

· Juan Manuel Palerm Salazar, catedrático de la Escuela de Arquitectura de las Palmas de Gran Canaria. Presidente de UNISCAPE.

· Pedro Calaza Martínez, doctor ingeniero agrónomo y  doctor en Arquitectura del Paisaje. Decano del Colegio de Ingenieros Agrónomos y miembro del Comité de Expertos de la Escuela Gallega de Paisaje  Juana de  Vega.

· Covadonga Carrasco López, arquitecta en CREUS y CARRASCO, con varios galardones entre ellos: tres Premios  Juana de  Vega de viviendas unifamiliares y Premio en la Bienal de Venecia por la Remodelación del Puerto de Malpica.

· Mª Isabel Iglesias Díaz, doctora ingeniera agrónoma, Profesora Titular en el Departamento de Producción Vegetal y Proyectos de Ingeniería de la USC. Coordinadora del Máster en Arquitectura del Paisaje Juana de Vega y del Grado en Paisaje.

· Inés Santé Riveira, doctora ingeniera agrónoma, Profesora Titular en el Departamento de Ingeniera Agroforestal de la  USC. Exdirectora del IET de la Xunta de Galicia.

· Enrique Sáez Ponte, Presidente de la Fundación  Juana de  Vega.

· Isabel Aguirre de Urcola, arquitecta y paisajista, Directora de la Escuela Gallega del Paisaje  Juana de Vega.

El premio tendrá una dotación económica de 6.000,00 €. Además, los premiados recibirán un diploma acreditativo.

A criterio del jurado podrán concederse dos accésits, dotados cada uno de ellos con un diploma y una cantidad económica de 1.500,00 €.

Consulta toda la información en las bases.

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Premio Juana de Vega de Intervenciones en el Paisaje 2019

No ano 2019 convócase o Premio na categoría de INTERVENCIÓNS EN ESPAZOS EXTERIORES, que ten por obxecto recoñecer aquelas intervencións realizadas en espazos exteriores tanto públicos como privados que contribúan a mellorar a calidade da paisaxe.

Poden ser candidatos ao premio: autor/es do proxecto ou da intervención, cuxo promotor sexa unha persoa física ou xurídica de natureza pública ou privada.

Só se admitirán intervencións realizadas en Galicia, que fosen finalizadas entre o 1 de xaneiro de 2014 e o 31de decembro de 2018.

O prazo para a presentación de candidaturas estará aberto ata o 28 de xuño de 2019 e o fallo do xurado darase a coñecer no último cuadrimestre do ano.

O xurado para esta convocatoria estará formado por:

· Teresa Andresen, enxeñeira agrónoma, doctora en Ciencias Aplicadas e Medioambiente pola Universidade de Aveiro, Máster en Arquitectura da Paisaxe pola Universidade de Massachusetts, catedrática do Departamento de Botánica da Universidade de Porto.

· Juan Manuel Palerm Salazar, catedrático da Escola de Arquitectura das Palmas de Gran Canaria. Presidente de UNISCAPE.

· Pedro Calaza Martínez, doctor enxeñeiro agrónomo e doctor en Arquitectura da Paisaxe. Decano do Colexio de Enxeñeiros Agrónomos e membro do Comité de Expertos da Escola Galega de Paisaxe Juana de Vega.

· Covadonga Carrasco López, arquitecta en CREUS e CARRASCO, con varios galardóns entre eles: tres Premios Juana de Vega de vivendas unifamiliares e Premio na Bienal de Venecia pola Remodelación do Porto de Malpica.

· Mª Isabel Iglesias Díaz, doctora enxeñeira agrónoma, Profesora Titular no Departamente de Produción Vexetal e Proxectos de Enxeñería da USC. Coordinadora do Máster en Arquitectura da Paisaxe Juana de Vega e do Grado en Paisaxe.

· Inés Santé Riveira, doctora enxeñeira agrónoma, Profesora Titular no Departamento de Enxeñería Agroforestal da USC. Exdirectora do IET da Xunta de Galicia..

· Enrique Sáez Ponte, Presidente da Fundación Juana de Vega.

· Isabel Aguirre de Urcola, arquitecta e paisaxista e Directora da Escola Galega da Paisaxe Juana de Vega.

O premio terá unha dotación económica de 6.000,00 €. Ademais, os premiados recibirán un diploma acreditativo.

A criterio do xurado poderán concederse dous accésits, dotados cada un deles cun diploma e unha cantidade económica de 1.500,00 €.

Consulta toda a información nas bases.

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Premio Juana de Vega de Intervenciones en el Paisaje 2019

En el año 2019 se convoca el Premio en la categoría de INTERVENCIONES EN ESPACIOS EXTERIORES, que tiene por objeto reconocer aquellas intervenciones realizadas en espacios exteriores tanto públicos cómo privados que contribuyan a mejorar la calidad del paisaje.

Pueden ser candidatos al premio: autor/eres del proyecto o de la intervención, cuyo promotor sea una persona física o jurídica de naturaleza pública o privada.

Sólo se admitirán intervenciones realizadas en Galicia, que fueran finalizadas entre el 1 de enero de 2014 y el 31 de diciembre de 2018.

El plazo para la presentación de candidaturas estará abierto hasta el 28 de junio de 2019 y el fallo del jurado se dará a conocer en el último cuatrimestre del año.

El jurado para esta convocatoria estará formado por:

· Teresa Andresen, ingeniera agrónoma,  doctora en Ciencias Aplicadas y Medioambiente por la Universidad de Aveiro, Máster en Arquitectura del Paisaje por la Universidad de  Massachusetts, catedrática del Departamento de Botánica de la Universidad de Porto.

· Juan Manuel Palerm Salazar, catedrático de la Escuela de Arquitectura de las Palmas de Gran Canaria. Presidente de UNISCAPE.

· Pedro Calaza Martínez, doctor ingeniero agrónomo y  doctor en Arquitectura del Paisaje. Decano del Colegio de Ingenieros Agrónomos y miembro del Comité de Expertos de la Escuela Gallega de Paisaje  Juana de  Vega.

· Covadonga Carrasco López, arquitecta en CREUS y CARRASCO, con varios galardones entre ellos: tres Premios  Juana de  Vega de viviendas unifamiliares y Premio en la Bienal de Venecia por la Remodelación del Puerto de Malpica.

· Mª Isabel Iglesias Díaz, doctora ingeniera agrónoma, Profesora Titular en el Departamento de Producción Vegetal y Proyectos de Ingeniería de la USC. Coordinadora del Máster en Arquitectura del Paisaje Juana de Vega y del Grado en Paisaje.

· Inés Santé Riveira, doctora ingeniera agrónoma, Profesora Titular en el Departamento de Ingeniera Agroforestal de la  USC. Exdirectora del IET de la Xunta de Galicia.

· Enrique Sáez Ponte, Presidente de la Fundación  Juana de  Vega.

· Isabel Aguirre de Urcola, arquitecta y paisajista, Directora de la Escuela Gallega del Paisaje  Juana de Vega.

El premio tendrá una dotación económica de 6.000,00 €. Además, los premiados recibirán un diploma acreditativo.

A criterio del jurado podrán concederse dos accésits, dotados cada uno de ellos con un diploma y una cantidad económica de 1.500,00 €.

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[:es]Teorías de final abierto | Miquel Lacasta [:gl]Teorías de final aberto | Miquel Lacasta [:en]Theories of opened end | Miquel Lacasta [:]

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Orfanato Municipal de Aldo Van Eyck en Amstelveenseweg, Amsterdam, 1960 | fuckyeahbrutalism.tumblr.com

La voluntad del mi blog, axonométrica, y del ejercicio semanal de reflexión acerca de la arquitectura en su dimensión teórica, se basa entre otras referencias e inspiraciones, en lo que Peter Eisenman desarrolla en su tesis doctoral como Teorías polemistas de final abierto. Es decir, tanto la voluntad del blog, la de la práctica arquitectónica que hacemos en Archikubik, con mis socios Marc Chalamanch y Carmen Santana, como también, la actividad docente que desarrollamos en la ESARQ con Marta García-Orte, no es la de sentar cátedra, cerrar proyectos o crear líneas de trabajo end road. Todo lo contrario, creo firmemente en la lógica de los procesos abiertos en arquitectura, que los proyectos, la docencia, las reflexiones teóricas acerca de la arquitectura son mucho más importantes que las personas que lo realizan. La arquitectura en definitiva está por encima de los arquitectos. Es evidente que sin arquitectos la arquitectura sería algo muchos más débil, pero también lo es, que como arquitectos, tenemos que entender que solamente podemos a aspirar a ser un eslabón de una cadena de valor, mucho más importante para la sociedad que nuestra figura particular. 

Es por ello que me parece ideal, reflexionar acerca de la idea de teoría como un proceso abierto, enmarcando así una trilogía acerca de los primeros años de Peter Eisenman.

Ya en 1962, Eisenman reclama en su tesis doctoral The Formal Basis of Modern Architecture1 que también existe una categoría de teorías que parecen proveer las bases de una reflexión más contemporánea. Esta es la categoría del ensayo polémico que puede ilustrarse en los escritos Geoffrey Scott principalmente, y de manera menor en otros autores como Abbe Laugler o Augustus Welby Northmore Pugin.

En Scott parece que nos encontramos ante la fundación de una teoría de final abierto que permite que ésta esté siempre en proceso de expansión y de continua aplicación. Para Scott la arquitectura es un campo con tres ramas principales: el ámbito científico, el ámbito práctico y el ámbito de lo estético. La arquitectura pues, debe ser estudiada como un arte, como una materia donde debe analizarse lo estético en el sentido más estricto, de manera que clarifique y haga inteligible la historia e igualmente permita un goce completo. Sin embargo, Scott mantiene que los análisis del pasado sobre lo estético habían oscurecido el entendimiento de la arquitectura con pensamientos borrosos de manera que el objetivo declarado de su libro The Architecture of Humanism: A Study in the History of Taste2 fue el trazar la medida total de tal confusión y en lo posible corregirla.

Así pues, Scott se dedica a desgranar lo que considera las falacias del pasado entre las que se encuentran la que él llama el culto a lo extinto o en otro capítulo habla de la falacia de la tradición académica. Si bien Scott era un apóstol del orden tradicional académico, observó que aunque el orden es siempre importante en arquitectura, no es por sí mismo suficiente para crear buena arquitectura. Muchos de los modelos más feos y de la mayoría de los edificios tristes, él escribió, poseen orden en un alto nivel; exhiben coeficientes fijos y evidentes de diseño.Pero

¿porque carecen de la levadura del buen gusto, en términos de Scott, y fallan?

¿Cuál es la esencia del gusto, del buen gusto?

En una palabra, es el cuerpo humano. Scott volvió una y otra vez a la importancia del cuerpo humano como la medida imprescindible en arquitectura.

Las necesidades y las disposiciones del espíritu humano encarnado en un cuerpo, proporcionan la medida del valor principal de lo arquitectónico, del núcleo duro de la arquitectura, de lo apropiado.

Scott habla en parte como historiador de la arquitectura, en parte como guardián de los valores del humanista que fueron articulados con tino exuberante en la arquitectura del renacimiento. En verdad, esa articulación de un discurso humanista por encima de cualquier otra consideración académica, hace que su libro no esté considerado como una reliquia de anticuario, sino como una inspiración siempre contemporánea, incluso para alguien como Peter Eisenman que siempre estará en el cutting edge, del pensamiento arquitectónico.

Abastecer de ese instinto del humanista al medio natural de la arquitectura, el espacio, debería ser la vocación y el proyecto vital del arquitecto. Evidentemente hay un componente estético en este proyecto: un componente que se satisface en el arreglo de masas, de líneas, de sombras, y de espacios. Pero las necesidades cambiantes y el estado incompleto, fundamentales de la condición humana, garantiza que la arquitectura no se puede nunca juzgar por criterios estéticos solamente. La arquitectura está subordinada a los usos generales que la humanidad hace de ella. Por tanto la arquitectura a la que Scott, repitiendo la famosa fórmula kantiana, llama un deseo desinteresado de belleza, siempre ha quedado y quedará atada a la referencia continua de los usos y las costumbres del ser humano, al inventario cotidiano de imperativos físicos, psicológicos, y sociales.

Es por ello que para Scott la teoría de la arquitectura no implicaba ninguna restricción, no se trataba de un juego con reglas establecidas, sino más bien de una síntesis de todas las teorías precedentes, y a su vez la base sobre la que construir teorías en el futuro. Realmente, fue esta noción de la teoría de la arquitectura considerada como ensayo polémico, a la vez que su aversión por las tradicionales teorías de final cerrado del siglo anterior, que hicieron brillar al autor entre el gran número de manifestaciones y declaraciones sobre arquitectura a principios del siglo XX.

La dimensión humanista de las teorías de Scott sobre la arquitectura, dotan a esta de una línea continua de desarrollo. La idea de final abierto en las teorías de arquitectura en realidad lo que abren es una especie de espacio temporal anclado en el presente continuo, en constante evolución y en eterna discusión, aunando matices, detalles, giros, etc.

Para Eisenman, el trabajo de Scott ejemplifica la idea de la teoría polemista, de final abierto y en constante proceso de maduración. Es decir, ante las teorías al uso, cerradas, rotundas y tratadistas de espíritu, teorías que por otra parte fueron moneda común durante el periodo de surgimiento de las vanguardias de principios de siglo XX y sobre todo durante el periodo histórico al que llamamos modernidad, se contrapone una idea de teoría abierta, en continua evolución y que no pretende sentar cátedra, sino más bien ir clarificando y fijando posiciones para hacer el debate más útil, mas aprovechable.

Esta condición de movimiento de las ideas por un lado, y la intención de deshacer entuertos teóricos del pasado, por el otro, estructuran la esencia del modelo teórico polemista, entendido como modelo de final abierto. Lo que hace de Eisenman un teórico especialmente brillante, y así lo ha demostrado a lo largo de su carrera como ensayista e investigador, es haber dado desde muy joven en una de las dianas de la complejidad, la continuidad.

Complejidad, Continuidad.

Si al hablar de teorías tratadistas, hablamos de actitudes tradicionales que llegaron hasta el movimiento moderno, también podemos encuadrar en esta actitud la persistente manera de entender los edificios como entidades individuales. De hecho la idea tradicional de orden se concebía en situaciones específicas.

En muchos casos cuando los intentos de desarrollar esa idea de orden iban más allá del edificio individual, el concepto de un orden absoluto era remplazado por una interpretación subjetiva del mismo. El planeamiento urbano en general evitaba la idea de orden racional total, y prefería camuflarse a sí mismo bajo las nociones de la aleatoriedad y lo orgánico, que por su naturaleza, oscurecía la claridad de cualquier orden, e incluso creaba la impresión de la ausencia de cualquier planificación.

Para Eisenman desenmascarar la supuesta idea de continuidad ligada al orden total del entorno, asociada algunas veces a los proyectos del movimiento moderno, es muy importante para así proponer su metodología de la continuidad y de final abierto para el desarrollo de una teoría de la arquitectura. Por ello prosigue con la idea al afirmar:

pero si la idea de un orden total del entorno es aceptada, entonces deberíamos intentar investigar las posibilidades inherentes en las organizaciones continuas y en organizaciones estáticas, y esto a su vez, haría reflexionar sobre la cuestión del porqué la arquitectura moderna ha intentado propagar la idea de una entidad externa estática cuando en realidad estaba usando una organización interna de naturaleza continua.

A la luz de las siguientes citas de los leading apologistdel movimiento moderno, la cuestión de si la construcción teórica de la arquitectura se entiende a partir de una lógica estática o contrariamente se puede construir dentro de una lógica de la continuidad, va a ser crítica.

El manifiesto de De Stijl de 1918 dice: Hay una vieja y una nueva conciencia de nuestro tiempo. La vieja está conectada al individuo. La nueva está conectada con lo universal.Está claro que existe una ecuación implícita en esta cita donde lo individual está relacionado con lo estático y lo universal con lo continuo. Esta suposición historicista vino seguida de una polémica contingente de una racionalidad menos obvia.

De nuevo en la introducción que hace Walter Gropius en una publicación de la Bauhaus en 1923 afirma:

La idea del mundo de hoy todavía puede ser reconocida… La vieja imagen dualista del mundo, el ego como oposición al universo, se está desvaneciendo; la concepción de una nueva unidad del mundo, incluyendo la absoluta neutralidad de todas las tensiones opuestas, en cambio aparece.7

Así, tanto la cita de De Stijl como de Gropius indican que cualquier preferencia que puedan tener ambos por una sistema continuo, está fundado en territorios incontestablemente morales, filosóficos y humanísticos y por tanto fuera de la esfera de consideraciones estrictamente racionales y formales.

La nueva arquitectura iba en busca de nuevas formas, y era totalmente de esperar que se ajustara idealmente al potencial estructurador del acero, el hormigón y el vidrio como expresión del romanticismo de la máquina. De todas formas, esto no explica la aparente contradicción envuelta en el uso de sistemas continuos, que implican referencias perceptivas abstractas así como personales, en vez de referencias conceptuales consistentes en la idea de la sociedad universal. Eisenman se pregunta aquí si el orden volumétrico continuo del plano abierto propio del movimiento moderno era en realidad una verdadera representación de la continuidad interna/externa.

Parece que la autentificación de esta validación depende más de las interpretaciones escritas de los edificios que buscan ese orden, que de los edificios en sí mismos.

En Wright encontramos una naturaleza diferente de atribuir la continuidad a sus propios edificios. En An Organic Architecture: the Architecture of Democracy8  escribió:

En la arquitectura clásica todo estaba sujeto… ahora… dejemos que las paredes, los techos, los suelos se vean como partes compuestas de unas con otras, sus superficies flotan de unas a otras. Aquí… un principio… entrando en el edificio como una nueva estética, la continuidad. …en mi trabajo, la idea de plasticidad, puede ser vista ahora como un elemento de continuidad.  

Para Eisenman, estos arquitectos han producido edificios que solamente pueden ser pensados como entidades estáticas. La mera invocación de transparencia en la vidriada fachada de Dessau no proporciona ninguna noción de continuidad. El edificio de la Bauhaus queda simplemente como unas aspas de molino articuladas, con tres brazos de naturaleza diferenciada, cada uno expresando un aspecto de la organización interna tripartita.

Según el autor, estas aspas no pueden ser leídas como un orden total, pues el negativo de estos volúmenes son de diferente magnitud que los volúmenes positivados, y por tanto la lectura de la interrelación en términos de figura y fondo se vuelve muy dificultosa, y la sugestión de continuidad con el entorno comprometida.

Esta condición estática, y por tanto no continua, es aún más aparente en los edificios de Wright, particularmente en las praire houses. Wright lleva demasiado lejos la longitud necesaria para articular el final de cada volumen, provocando un abrupto parón a alguna percepción de flujo continuado del espacio dentro/fuera. En algunos casos, prosigue Eisenman, cuando los volúmenes externos están ordenados de manera similar a la organización interna, las conexiones axiales suelen estar rotas o distorsionadas.

La causa de estas incongruencias para el joven Eisenman reside en la naturaleza conflictiva ente la palabra escrita y la ejecución de la obra. El uso impreciso y metafórico del lenguaje en la teoría arquitectónica ha tendido a negar la validez crítica de la misma, y parece probable que es el resultado de la confusión, intencionada o no, entre criterios morales y formales. El trabajo del crítico en arquitectura no consiste en interpretar y direccionar la arquitectura, sino más bien en proveer de cierto orden, en dar algunos puntos de referencia sobre el que se desarrolle la comprensión de un trabajo concreto.

La idea de fondo de la tesis de Eisenman consiste en dejar patente la necesidad de abandonar la tradición historicista del siglo XIX y la tradición polemista del siglo XX para poder así construir un sistema de prioridades basado en una lógica consistente, si se quiere que la teoría de arquitectura tenga algún tipo de validez.

En resumen la teoría debe de estar envuelta por la comprensión de principios y no por la codificación de verdades. La teoría arquitectónica ha de tender hacia la clarificación de los fundamentos y proveer un lenguaje para la discusión y la interpretación de estos fundamentos. En definitiva la teoría no debería ser considerada como una jugada preparada o como un paquete cuidadosamente envuelto, sino como una solicitud aplicada continuamente y también por lógica como una metodología de final abierto.

Sin lugar a dudas las dos ideas principales que lanza Eisenman en su trabajo de investigación marcan claramente la dirección de la complejidad, o mejor dicho, asumen la complejidad implícitamente como un hecho ineludible de la contemporaneidad. La función compleja ha entrado tan a fondo en el conocimiento práctico y teórico de la arquitectura que ya parece imposible definir un sistema que estructure conceptualmente la narración teórica como si se tratara de un texto con principio, desarrollo y final, es decir la estructura de cualquier teoría de la arquitectura no puede ser más, a la vez, ni lineal ni cerrada.

La exuberante complejidad de lo arquitectónico obliga al arquitecto a dejar abiertas las conclusiones sobre cualquier razonamiento que concierna a la arquitectura, y en todo caso lo máximo que puede permitirse es apuntar unas conclusiones provisionales, unas balas trazadoras que indican la dirección y referencian del camino a seguir.

La condición compleja del cuerpo teórico a tratar acaba imponiéndose a la restrictiva visión de cualquier autor y como mecanismo de defensa intelectual, cualquier teoría debe ser susceptible de ser completada, matizada o incluso corregida, sin que eso tenga que entenderse como una derrota o una contradicción en negativo, sino más bien, a la manera Venturiana, la función compleja lleva implícita un cierto nivel de contradicción, o mejor dicho, deja abierta la puerta a la contradicción, una vez el pensar teórico de la arquitectura se vaya completando una y otra vez.

Entendido esto, se entiende igualmente que el proceso de conceptualización de la arquitectura queda también abierto, se entiende como una aplicación continua en el tiempo, un repensar lo mismo constantemente para conseguir avanzar.

Por último cabe remarcar también que el hecho de que cualquier teoría de la arquitectura se transforme en un proceso abierto y continuo no excluye que tal proceso sea susceptible de sistematizarse. En realidad podemos entender el trabajo posterior de Eisenman, durante toda su fértil carrera como teórico de la arquitectura, como un esfuerzo titánico por sistematizar un modelo de pensamiento arquitectónico, elaborando así un instrumental conceptual propio de significativo valor. Es incluso irónico que la necesaria estructura plástica del modelo teórico de Eisenman, contraste de manera tan viva con la perseverante y estricta disciplina de la que el autor siempre ha hecho gala.

Valga como demostración de coherencia los dos últimos párrafos de la tesis de Eisenman, que ponen en evidencia el trato que debe darse a toda nueva teoría y aunque sea solamente como testimonio de las consecuencias que comporta el asumir la función compleja, vale la pena traducir literalmente:

Esta disertación está limitada a una sola fase del problema total, que podríamos llamar la manifestación formal de ideas conceptuales, y haciendo esto se ha intentado desarrollar un argumento en términos racionales y lógicos. Se ha intentado excluir toda consideración metafísica y toda preferencia estética particular, e igualmente no se han intentado explicar los indiscriminados prejuicios, y las predilecciones analizadas a medias, evidentes en la crítica moderna. No hay pretensión que este trabajo sea un trabajo completo y de hecho esto es algo que solo puede desarrollarse en continuidad.

Esta disertación, por lo tanto, debe ser considerada solamente como una demostración de un método, como una posible manera de aproximarse a una problemática arquitectónica, y por consiguiente debe considerarse como un final abierto. En este sentido, puede no tener conclusiones, y su intención es limitarse a proveer una base para clarificar el pensamiento conceptual.10 

Miquel Lacasta. Doctor arquitecto
Barcelona, marzo 2013

Notas:

EISENMAN, Peter, The Formal Basis of Modern Architecturepublicado originalmente como tesis doctoral por el Trinity College de la Universidad de Cambridge en Agosto de 1963 y posteriormente reeditada en Lars Müller Publishers, Baden, 2006.

SCOTT, Geoffrey, The Architecture of Humanism: A Study in the History of Taste, Charles Scribner’s Sons, Nueva York, 1969

Op. Cit., EISENMAN, 2006 (1963), p. 345.

4 Op. Cit., EISENMAN, 2006(1963), p. 347.

Así es como el joven Eisenman se refiere a Gropius, Wright o al movimiento De Stijl. Indudablemente el espíritu crítico contra cualquier cosa que pareciera propia del movimiento moderno provocaba una reacción de carácter casi alérgica.

6 Op. Cit., EISENMAN, 2006 (1963), p. 347.

7 Op. Cit., EISENMAN, 2006 (1963), p. 349.

9 Op. Cit., EISENMAN, 2006 (1963), p. 351.

10 Op. Cit., EISENMAN, 2006 (1963), p. 353.

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Orfanato Municipal de Aldo Van Eyck en Amstelveenseweg, Amsterdam, 1960 | fuckyeahbrutalism.tumblr.com

A vontade do meu blogue, axonométrica, e do exercicio semanal de reflexión achega da arquitectura na súa dimensión teórica, baséase entre outras referencias e inspiracións, no que Peter Eisenman desenvolve na súa tese doctoral como Teorías polemistas de final aberto. É dicir, tanto a vontade do blog, a da práctica arquitectónica que facemos en Archikubik, cos meus socios Marc Chalamanch e Carmen Santana, como tamén, a actividade docente que desenvolvemos na ESARQ con Marta García-Orte, non é a de sentar cátedra, pechar proxectos ou crear liñas de traballo end road. Todo o contrario, creo firmemente na lóxica dos procesos abertos en arquitectura, que os proxectos, a docencia, as reflexións teóricas achega da arquitectura son moito máis importantes que as persoas que o realizan. A arquitectura en definitiva está por encima dos arquitectos. É evidente que sen arquitectos a arquitectura sería algo moitos máis débil, pero tamén o é, que como arquitectos, temos que entender que soamente podemos a aspirar a ser un eslabón dunha cadea de valor, moito máis importante para a sociedade que a nosa figura particular.

É por iso que me parece ideal, neste post conmemorativo, reflexionar achega da idea de teoría como un proceso aberto, enmarcando así unha trilogía achega dos primeiros anos de Peter Eisenman.

Xa en 1962, Eisenman reclama na súa tese doctoral The Formal Basis of Modern Architecture1 que tamén existe unha categoría de teorías que parecen prover as bases dunha reflexión máis contemporánea. Esta é a categoría do ensaio polémico que pode ilustrarse nos escritos Geoffrey Scott principalmente, e de xeito menor noutros autores como Abbe Laugler ou Augustus Welby Northmore Pugin.

En Scott parece que nos atopamos ante a fundación dunha teoría de final aberto que permite que esta estea sempre en proceso de expansión e de continua aplicación. Para Scott a arquitectura é un campo con tres ramas principais: o ámbito científico, o ámbito práctico e o ámbito do estético. A arquitectura pois, debe ser estudada como unha arte, como unha materia onde debe analizarse o estético no sentido máis estrito, de maneira que clarifique e faga inteligible a historia e igualmente permita un goce completo. Con todo, Scott mantén que as análises do pasado sobre o estético escureceran o entendemento da arquitectura con pensamentos borrosos de maneira que o obxectivo declarado do seu libro The Architecture of Humanism: A Study in the History of Taste2 foi o trazar a medida total de tal confusión e no posible corrixila.

Así pois, Scott dedícase a debullar o que considera as falacias do pasado entre as que se atopan a que el chama o culto ao extinto ou noutro capítulo fala da falacia da tradición académica. Aínda que Scott era un apóstolo da orde tradicional académico, observou que aínda que a orde é sempre importante en arquitectura, non é en por si suficiente para crear boa arquitectura. Moitos dos modelos máis feos e da maioría dos edificios tristes, el escribiu, posúen orde nun alto nivel; exhiben coeficientes fixos e evidentes de deseño.Per

Así pues, Scott se dedica a desgranar lo que considera las falacias del pasado entre las que se encuentran la que él llama el culto a lo extinto o en otro capítulo habla de la falacia de la tradición académica. Si bien Scott era un apóstol del orden tradicional académico, observó que aunque el orden es siempre importante en arquitectura, no es por sí mismo suficiente para crear buena arquitectura. Muchos de los modelos más feos y de la mayoría de los edificios tristes, él escribió, poseen orden en un alto nivel; exhiben coeficientes fijos y evidentes de diseño.Pero

por que carecen do fermento do bo gusto, en termos de Scott, e erran?

Cal é a esencia do gusto, do bo gusto?

Nunha palabra, é o corpo humano. Scott volveu unha e outra vez á importancia do corpo humano como a medida imprescindible en arquitectura.

As necesidades e as disposicións do espírito humano encarnado nun corpo, proporcionan a medida do valor principal do arquitectónico, do núcleo duro da arquitectura, do apropiado.

Scott fala en parte como historiador da arquitectura, en parte como gardián dos valores do humanista que foron articulados con xeito exuberante na arquitectura do renacemento. En verdade, esa articulación dun discurso humanista por encima de calquera outra consideración académica, fai que o seu libro non estea considerado como unha reliquia de anticuario, senón como unha inspiración sempre contemporánea, mesmo para alguén como Peter Eisenman que sempre estará no cutting edge, do pensamento arquitectónico.

Abastecer dese instinto do humanista ao medio natural da arquitectura, o espazo, debería ser a vocación e o proxecto vital do arquitecto. Evidentemente hai un compoñente estético neste proxecto: un compoñente que se satisfai no arranxo de masas, de liñas, de sombras, e de espazos. Pero as necesidades cambiantes e o estado incompleto, fundamentais da condición humana, garante que a arquitectura non se pode nunca xulgar por criterios estéticos soamente. A arquitectura está subordinada aos usos xerais que a humanidade fai dela. Por tanto a arquitectura á que Scott, repetindo a famosa fórmula kantiana, chama un desexo desinteresado de beleza, sempre quedou e quedará atada á referencia continua dos usos e os costumes do ser humano, ao inventario cotián de imperativos físicos, psicolóxicos, e sociais.

É por iso que para Scott a teoría da arquitectura non implicaba ningunha restrición, non se trataba dun xogo con regras establecidas, senón máis ben dunha síntese de todas as teorías precedentes, e á súa vez a base sobre a que construír teorías no futuro. Realmente, foi esta noción da teoría da arquitectura considerada como ensaio polémico, á vez que a súa aversión polas tradicionais teorías de final pechado do século anterior, que fixeron brillar ao autor entre o gran número de manifestacións e declaracións sobre arquitectura a principios do século XX.

A dimensión humanista das teorías de Scott sobre a arquitectura, dotan a esta dunha liña continua de desenvolvemento. A idea de final aberto nas teorías de arquitectura en realidade o que abren é unha especie de espazo temporal ancorado no presente continuo, en constante evolución e en eterna discusión, axuntando matices, detalles, xiros, etc.

Para Eisenman, o traballo de Scott ejemplifica a idea da teoría polemista, de final aberto e en constante proceso de maduración. É dicir, ante as teorías ao uso, pechadas, rotundas e tratadistas de espírito, teorías que por outra banda foron moeda común durante o período de xurdimento das vangardas de principios de século XX e sobre todo durante o período histórico ao que chamamos modernidade, contraponse unha idea de teoría aberta, en continua evolución e que non pretende sentar cátedra, senón máis ben ir clarificando e fixando posicións para facer o debate máis útil, mais aproveitable.

Esta condición de movemento das ideas por unha banda, e a intención de desfacer agravios teóricos do pasado, polo outro, estruturan a esencia do modelo teórico polemista, entendido como modelo de final aberto. O que fai de Eisenman un teórico especialmente brillante, e así o demostrou ao longo da súa carreira como ensaísta e investigador, é dar desde moi novo nunha das dianas da complexidade, a continuidade.

Complexidade, Continuidade.

Se ao falar de teorías tratadistas, falamos de actitudes tradicionais que chegaron ata o movemento moderno, tamén podemos encadrar nesta actitude a persistente maneira de entender os edificios como entidades individuais. De feito a idea tradicional de orde concibíase en situacións específicas.

En moitos casos cando os intentos de desenvolver esa idea de orde ían máis aló do edificio individual, o concepto dunha orde absoluta era remplazado por unha interpretación subxectiva do mesmo. O plan urbano en xeral evitaba a idea de orde racional total, e prefería camuflarse a si mesmo baixo as nocións da aleatoriedad e o orgánico, que pola súa natureza, escurecía a claridade de calquera orde, e mesmo creaba a impresión da ausencia de calquera planificación.

Para Eisenman desenmascarar a suposta idea de continuidade ligada á orde total da contorna, asociada algunhas veces aos proxectos do movemento moderno, é moi importante para así propoñer a súa metodoloxía da continuidade e de final aberto para o desenvolvemento dunha teoría da arquitectura. Por iso prosegue coa idea ao afirmar:

pero se a idea dunha orde total da contorna é aceptada, entón deberiamos tentar investigar as posibilidades inherentes nas organizacións continuas e en organizacións estáticas, e isto á súa vez, faría reflexionar sobre a cuestión do porqué a arquitectura moderna ha tentado propagar a idea dunha entidade externa estática cando en realidade estaba a usar unha organización interna de natureza continua.

Á luz das seguintes citas dos leading apologist5 do movemento moderno, a cuestión de se a construción teórica da arquitectura enténdese a partir dunha lóxica estática ou contrariamente pódese construír dentro dunha lóxica da continuidade, vai ser crítica.

O manifesto de De Stijl de 1918 di: Hai unha vella e unha nova conciencia do noso tempo. A vella está conectada ao individuo. A nova está conectada co universal.Está claro que existe unha ecuación implícita nesta cita onde o individual está relacionado co estático e o universal co continuo. Esta suposición historicista veu seguida dunha polémica continxente dunha racionalidade menos obvia.

De novo na introdución que fai Walter Gropius nunha publicación da Bauhaus en 1923 afirma:

A idea do mundo de hoxe aínda pode ser recoñecida… A vella imaxe dualista do mundo, o ego como oposición ao universo, está a desvanecerse; a concepción dunha nova unidade do mundo, incluíndo a absoluta neutralidade de todas as tensións opostas, en cambio aparece.7

Así, tanto a cita de De Stijl como de Gropius indican que calquera preferencia que poidan ter ambos os por unha sistema continuo, está fundado en territorios incontestablemente morais, filosóficos e humanísticos e por tanto fóra da esfera de consideracións estritamente racionais e formais.

A nova arquitectura ía en busca de novas formas, e era totalmente de esperar que se axustase idealmente ao potencial estructurador do aceiro, o formigón e o vidro como expresión do romanticismo da máquina. De todos os xeitos, isto non explica a aparente contradición envolta no uso de sistemas continuos, que implican referencias perceptivas abstractas así como persoais, no canto de referencias conceptuais consistentes na idea da sociedade universal. Eisenman pregúntase aquí se a orde volumétrico continuo do plano aberto propio do movemento moderno era en realidade unha verdadeira representación da continuidade interna/externa.

Parece que a autenticación desta validación depende máis das interpretacións escritas dos edificios que buscan esa orde, que dos edificios en si mesmos.

En Wright atopamos unha natureza diferente de atribuír a continuidade aos seus propios edificios. An Organic Architecture: the Architecture of Democracy8  escribió:

Na arquitectura clásica todo estaba suxeito… agora… deixemos que as paredes, os teitos, os chans véxanse como partes compostas dunhas con outras, as súas superficies flotan dunhas a outras. Aquí… un principio… entrando no edificio como unha nova estética, a continuidade. …no meu traballo, a idea de plasticidade, pode ser vista agora como un elemento de continuidade.  

Para Eisenman, estes arquitectos produciron edificios que soamente poden ser pensados como entidades estáticas. A mera invocación de transparencia na vidriada fachada de Dessau non proporciona ningunha noción de continuidade. O edificio da Bauhaus queda simplemente como unhas aspas de muíño articuladas, con tres brazos de natureza diferenciada, cada un expresando un aspecto da organización interna tripartita.

Segundo o autor, estas aspas non poden ser lidas como unha orde total, pois o negativo destes volumes son de diferente magnitude que os volumes positivados, e por tanto a lectura da interrelación en termos de figura e fondo vólvese moi dificultosa, e a sugestión de continuidade coa contorna comprometida.

Esta condición estática, e por tanto non continua, é aínda máis aparente nos edificios de Wright, particularmente nas praire houses. Wright leva demasiado lonxe a lonxitude necesaria para articular o final de cada volume, provocando un abrupto parón a algunha percepción de fluxo continuado do espazo dentro/fóra. Nalgúns casos, prosegue Eisenman, cando os volumes externos están ordenados de maneira similar á organización interna, as conexións axiales adoitan estar rotas ou distorsionadas.

A causa destas incongruencias para o mozo Eisenman reside na natureza conflitiva ente a palabra escrita e a execución da obra. O uso impreciso e metafórico da linguaxe na teoría arquitectónica ha tendido a negar a validez crítica da mesma, e parece probable que é o resultado da confusión, intencionada ou non, entre criterios morais e formais. O traballo do crítico en arquitectura non consiste en interpretar e direccionar a arquitectura, senón máis ben en prover de certa orde, en dar algúns puntos de referencia sobre o que se desenvolva a comprensión dun traballo concreto.

A idea de fondo da tese de Eisenman consiste en deixar patente a necesidade de abandonar a tradición historicista do século XIX e a tradición polemista do século XX para poder así construír un sistema de prioridades baseado nunha lóxica consistente, se se quere que a teoría de arquitectura teña algún tipo de validez.

En resumo a teoría debe de estar envolvida pola comprensión de principios e non pola codificación de verdades. A teoría arquitectónica ha de tender cara á clarificación dos fundamentos e prover unha linguaxe para a discusión e a interpretación destes fundamentos. En definitiva a teoría non debería ser considerada como unha xogada preparada ou como un paquete coidadosamente envolto, senón como unha solicitude aplicada continuamente e tamén por lóxica como unha metodoloxía de final aberto.

Sen dúbida as dúas ideas principais que lanza Eisenman no seu traballo de investigación marcan claramente a dirección da complexidade, ou mellor devandito, asumen a complexidade implicitamente como un feito ineludible da contemporaneidad. A función complexa ha entrado tan a fondo no coñecemento práctico e teórico da arquitectura que xa parece imposible definir un sistema que estruture conceptualmente a narración teórica coma se tratásese dun texto con principio, desenvolvemento e final, é dicir a estrutura de calquera teoría da arquitectura non pode ser máis, á vez, nin lineal nin pechada.

A exuberante complexidade do arquitectónico obriga ao arquitecto para deixar abertas as conclusións sobre calquera razoamento que concierna á arquitectura, e en todo caso o máximo que pode permitirse é apuntar unhas conclusións provisionais, unhas balas trazadoras que indican a dirección e referencian do camiño para seguir.

A condición complexa do corpo teórico a tratar acaba impoñéndose á restritiva visión de calquera autor e como mecanismo de defensa intelectual, calquera teoría debe ser susceptible de ser completada, matizada ou mesmo corrixida, sen que iso teña que entenderse como unha derrota ou unha contradición en negativo, senón máis ben, á maneira Venturiana, a función complexa leva implícita un certo nivel de contradición, ou mellor devandito, deixa aberta a porta á contradición, unha vez o pensar teórico da arquitectura se vaia completando unha e outra vez.

Entendido isto, enténdese igualmente que o proceso de conceptualización da arquitectura queda tamén aberto, enténdese como unha aplicación continua no tempo, un repensar o mesmo constantemente para conseguir avanzar.

Por último cabe remarcar tamén que o feito de que calquera teoría da arquitectura transfórmese nun proceso aberto e continuo non exclúe que tal proceso sexa susceptible de sistematizarse. En realidade podemos entender o traballo posterior de Eisenman, durante toda a súa fértil carreira como teórico da arquitectura, como un esforzo titánico por sistematizar un modelo de pensamento arquitectónico, elaborando así un instrumental conceptual propio de significativo valor. É mesmo irónico que a necesaria estrutura plástica do modelo teórico de Eisenman, contraste de maneira tan viva coa perseverante e estrita disciplina da que o autor sempre fixo gala.

Valga como demostración de coherencia os dous últimos parágrafos da tese de Eisenman, que poñen en evidencia o trato que debe darse a toda nova teoría e aínda que sexa soamente como testemuño das consecuencias que comporta o asumir a función complexa, vale a pena traducir literalmente:

Esta disertación está limitada a unha soa fase do problema total, que poderiamos chamar a manifestación formal de ideas conceptuais, e facendo isto tentouse desenvolver un argumento en termos racionais e lóxicos. Tentouse excluír toda consideración metafísica e toda preferencia estética particular, e igualmente non se tentaron explicar os indiscriminados prexuízos, e as predileccións analizadas a medias, evidentes na crítica moderna. Non hai pretensión que este traballo sexa un traballo completo e de feito isto é algo que só pode desenvolverse en continuidade.

Esta disertación, por tanto, debe ser considerada soamente como unha demostración dun método, como unha posible maneira de aproximarse a unha problemática arquitectónica, e por conseguinte debe considerarse como un final aberto. Neste sentido, pode non ter conclusións, e a súa intención é limitarse a prover unha base para clarificar o pensamento conceptual.10 

Miquel Lacasta. Doutor arquitecto
Barcelona, marzo 2013

Notas:

EISENMAN, Peter, The Formal Basis of Modern Architecture, publicado orixinalmente como tese doutoral polo Trinity College da Universidade de Cambridge en agosto de 1963 e posteriormente reeditada en Lars Müller Publishers, Baden, 2006.

SCOTT, Geoffrey, The Architecture of Humanism: A Study in the History of Taste, Charles Scribner’s Sons, Nova Iork, 1969

Op. Cit., EISENMAN, 2006 (1963), p. 345.

4 Op. Cit., EISENMAN, 2006(1963), p. 347.

Así é como o mozo Eisenman refírese a Gropius, Wright ou ao movemento De Stijl. Indubidablemente o espírito crítico contra calquera cousa que parecese propia do movemento moderno provocaba unha reacción de carácter case alérxica.

6 Op. Cit., EISENMAN, 2006 (1963), p. 347.

7 Op. Cit., EISENMAN, 2006 (1963), p. 349.

9 Op. Cit., EISENMAN, 2006 (1963), p. 351.

10 Op. Cit., EISENMAN, 2006 (1963), p. 353.

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Aldo Van Eyck’s Municipal orphanage in Amstelveenseweg, Amsterdam, 1960 | fuckyeahbrutalism.tumblr.com

The will of the blog, axonométrica, and of the weekly exercise of reflection brings over of the architecture in his theoretical dimension, is based between other references and inspirations, in what Peter Eisenman develops in his doctoral thesis as Theories debaters of opened end. That is to say, so much the will of the blog, that of the architectural practice that we do in Archikubik, with my partners Marc Chalamanch and Carmen Santana, since also, the educational activity that we develop in the ESARQ with Marta Garcia-Orte, is not her of sitting chair, closing projects or creating lines of work end road. Everything opposite, I believe firmly in the logic of the processes opened in architecture, which the projects, the teaching, the theoretical reflections brings over of the architecture they are much more important than the persons than it realize.The architecture definitively is over the architects. It is evident that without architects the architecture would be slightly great weaker, but also it it is, that as architects, we have to understand that only we can to aspiring to be a link of a chain of value, more important much for the company that our particular figure.

It is for it that seems to me to be ideal, in this commemorative post, to think brings over of the idea of theory as an open session, framing this way a trilogy brings over of the first years of Peter Eisenman.

Already in 1962, Eisenman claims in his doctoral thesis The Formal Basis of Modern Architecture1  that also exists a category of theories that seem to provide the bases of the most contemporary reflection. This one is the category of the polemic test that Geoffrey Scott can learn in the writings principally, and in a minor way in other authors as Abbe Laugler or Augustus Welby Northmore Pugin.

En Scott parece que nos encontramos ante la fundación de una teoría de final abierto que permite que ésta esté siempre en proceso de expansión y de continua aplicación. Para Scott la arquitectura es un campo con tres ramas principales: el ámbito científico, el ámbito práctico y el ámbito de lo estético. La arquitectura pues, debe ser estudiada como un arte, como una materia donde debe analizarse lo estético en el sentido más estricto, de manera que clarifique y haga inteligible la historia e igualmente permita un goce completo. Sin embargo, Scott mantiene que los análisis del pasado sobre lo estético habían oscurecido el entendimiento de la arquitectura con pensamientos borrosos de manera que el objetivo declarado de su libro The Architecture of Humanism: A Study in the History of Taste2 fue el trazar la medida total de tal confusión y en lo posible corregirla.

Así pues, Scott se dedica a desgranar lo que considera las falacias del pasado entre las que se encuentran la que él llama el culto a lo extinto o en otro capítulo habla de la falacia de la tradición académica. Si bien Scott era un apóstol del orden tradicional académico, observó que aunque el orden es siempre importante en arquitectura, no es por sí mismo suficiente para crear buena arquitectura. Muchos de los modelos más feos y de la mayoría de los edificios tristes, él escribió, poseen orden en un alto nivel; exhiben coeficientes fijos y evidentes de diseño.Pero

¿porque carecen de la levadura del buen gusto, en términos de Scott, y fallan?

¿Cuál es la esencia del gusto, del buen gusto? En una palabra, es el cuerpo humano. Scott volvió una y otra vez a la importancia del cuerpo humano como la medida imprescindible en arquitectura.

Las necesidades y las disposiciones del espíritu humano encarnado en un cuerpo, proporcionan la medida del valor principal de lo arquitectónico, del núcleo duro de la arquitectura, de lo apropiado.

Scott habla en parte como historiador de la arquitectura, en parte como guardián de los valores del humanista que fueron articulados con tino exuberante en la arquitectura del renacimiento. En verdad, esa articulación de un discurso humanista por encima de cualquier otra consideración académica, hace que su libro no esté considerado como una reliquia de anticuario, sino como una inspiración siempre contemporánea, incluso para alguien como Peter Eisenman que siempre estará en el cutting edge, del pensamiento arquitectónico.

Abastecer de ese instinto del humanista al medio natural de la arquitectura, el espacio, debería ser la vocación y el proyecto vital del arquitecto. Evidentemente hay un componente estético en este proyecto: un componente que se satisface en el arreglo de masas, de líneas, de sombras, y de espacios. Pero las necesidades cambiantes y el estado incompleto, fundamentales de la condición humana, garantiza que la arquitectura no se puede nunca juzgar por criterios estéticos solamente. La arquitectura está subordinada a los usos generales que la humanidad hace de ella. Por tanto la arquitectura a la que Scott, repitiendo la famosa fórmula kantiana, llama un deseo desinteresado de belleza, siempre ha quedado y quedará atada a la referencia continua de los usos y las costumbres del ser humano, al inventario cotidiano de imperativos físicos, psicológicos, y sociales.

Es por ello que para Scott la teoría de la arquitectura no implicaba ninguna restricción, no se trataba de un juego con reglas establecidas, sino más bien de una síntesis de todas las teorías precedentes, y a su vez la base sobre la que construir teorías en el futuro. Realmente, fue esta noción de la teoría de la arquitectura considerada como ensayo polémico, a la vez que su aversión por las tradicionales teorías de final cerrado del siglo anterior, que hicieron brillar al autor entre el gran número de manifestaciones y declaraciones sobre arquitectura a principios del siglo XX.

La dimensión humanista de las teorías de Scott sobre la arquitectura, dotan a esta de una línea continua de desarrollo. La idea de final abierto en las teorías de arquitectura en realidad lo que abren es una especie de espacio temporal anclado en el presente continuo, en constante evolución y en eterna discusión, aunando matices, detalles, giros, etc.

Para Eisenman, el trabajo de Scott ejemplifica la idea de la teoría polemista, de final abierto y en constante proceso de maduración. Es decir, ante las teorías al uso, cerradas, rotundas y tratadistas de espíritu, teorías que por otra parte fueron moneda común durante el periodo de surgimiento de las vanguardias de principios de siglo XX y sobre todo durante el periodo histórico al que llamamos modernidad, se contrapone una idea de teoría abierta, en continua evolución y que no pretende sentar cátedra, sino más bien ir clarificando y fijando posiciones para hacer el debate más útil, mas aprovechable.

Esta condición de movimiento de las ideas por un lado, y la intención de deshacer entuertos teóricos del pasado, por el otro, estructuran la esencia del modelo teórico polemista, entendido como modelo de final abierto. Lo que hace de Eisenman un teórico especialmente brillante, y así lo ha demostrado a lo largo de su carrera como ensayista e investigador, es haber dado desde muy joven en una de las dianas de la complejidad, la continuidad.

Complejidad, Continuidad.

Si al hablar de teorías tratadistas, hablamos de actitudes tradicionales que llegaron hasta el movimiento moderno, también podemos encuadrar en esta actitud la persistente manera de entender los edificios como entidades individuales. De hecho la idea tradicional de orden se concebía en situaciones específicas.

En muchos casos cuando los intentos de desarrollar esa idea de orden iban más allá del edificio individual, el concepto de un orden absoluto era remplazado por una interpretación subjetiva del mismo. El planeamiento urbano en general evitaba la idea de orden racional total, y prefería camuflarse a sí mismo bajo las nociones de la aleatoriedad y lo orgánico, que por su naturaleza, oscurecía la claridad de cualquier orden, e incluso creaba la impresión de la ausencia de cualquier planificación.

Para Eisenman desenmascarar la supuesta idea de continuidad ligada al orden total del entorno, asociada algunas veces a los proyectos del movimiento moderno, es muy importante para así proponer su metodología de la continuidad y de final abierto para el desarrollo de una teoría de la arquitectura. Por ello prosigue con la idea al afirmar:

pero si la idea de un orden total del entorno es aceptada, entonces deberíamos intentar investigar las posibilidades inherentes en las organizaciones continuas y en organizaciones estáticas, y esto a su vez, haría reflexionar sobre la cuestión del porqué la arquitectura moderna ha intentado propagar la idea de una entidad externa estática cuando en realidad estaba usando una organización interna de naturaleza continua.

A la luz de las siguientes citas de los leading apologistdel movimiento moderno, la cuestión de si la construcción teórica de la arquitectura se entiende a partir de una lógica estática o contrariamente se puede construir dentro de una lógica de la continuidad, va a ser crítica.

El manifiesto de De Stijl de 1918 dice: Hay una vieja y una nueva conciencia de nuestro tiempo. La vieja está conectada al individuo. La nueva está conectada con lo universal.Está claro que existe una ecuación implícita en esta cita donde lo individual está relacionado con lo estático y lo universal con lo continuo. Esta suposición historicista vino seguida de una polémica contingente de una racionalidad menos obvia.

De nuevo en la introducción que hace Walter Gropius en una publicación de la Bauhaus en 1923 afirma:

La idea del mundo de hoy todavía puede ser reconocida… La vieja imagen dualista del mundo, el ego como oposición al universo, se está desvaneciendo; la concepción de una nueva unidad del mundo, incluyendo la absoluta neutralidad de todas las tensiones opuestas, en cambio aparece.7

Así, tanto la cita de De Stijl como de Gropius indican que cualquier preferencia que puedan tener ambos por una sistema continuo, está fundado en territorios incontestablemente morales, filosóficos y humanísticos y por tanto fuera de la esfera de consideraciones estrictamente racionales y formales.

La nueva arquitectura iba en busca de nuevas formas, y era totalmente de esperar que se ajustara idealmente al potencial estructurador del acero, el hormigón y el vidrio como expresión del romanticismo de la máquina. De todas formas, esto no explica la aparente contradicción envuelta en el uso de sistemas continuos, que implican referencias perceptivas abstractas así como personales, en vez de referencias conceptuales consistentes en la idea de la sociedad universal. Eisenman se pregunta aquí si el orden volumétrico continuo del plano abierto propio del movimiento moderno era en realidad una verdadera representación de la continuidad interna/externa.

Parece que la autentificación de esta validación depende más de las interpretaciones escritas de los edificios que buscan ese orden, que de los edificios en sí mismos.

En Wright encontramos una naturaleza diferente de atribuir la continuidad a sus propios edificios. En An Organic Architecture: the Architecture of Democracy8  escribió:

En la arquitectura clásica todo estaba sujeto… ahora… dejemos que las paredes, los techos, los suelos se vean como partes compuestas de unas con otras, sus superficies flotan de unas a otras. Aquí… un principio… entrando en el edificio como una nueva estética, la continuidad. …en mi trabajo, la idea de plasticidad, puede ser vista ahora como un elemento de continuidad.  

Para Eisenman, estos arquitectos han producido edificios que solamente pueden ser pensados como entidades estáticas. La mera invocación de transparencia en la vidriada fachada de Dessau no proporciona ninguna noción de continuidad. El edificio de la Bauhaus queda simplemente como unas aspas de molino articuladas, con tres brazos de naturaleza diferenciada, cada uno expresando un aspecto de la organización interna tripartita.

Según el autor, estas aspas no pueden ser leídas como un orden total, pues el negativo de estos volúmenes son de diferente magnitud que los volúmenes positivados, y por tanto la lectura de la interrelación en términos de figura y fondo se vuelve muy dificultosa, y la sugestión de continuidad con el entorno comprometida.

Esta condición estática, y por tanto no continua, es aún más aparente en los edificios de Wright, particularmente en las praire houses. Wright lleva demasiado lejos la longitud necesaria para articular el final de cada volumen, provocando un abrupto parón a alguna percepción de flujo continuado del espacio dentro/fuera. En algunos casos, prosigue Eisenman, cuando los volúmenes externos están ordenados de manera similar a la organización interna, las conexiones axiales suelen estar rotas o distorsionadas.

La causa de estas incongruencias para el joven Eisenman reside en la naturaleza conflictiva ente la palabra escrita y la ejecución de la obra. El uso impreciso y metafórico del lenguaje en la teoría arquitectónica ha tendido a negar la validez crítica de la misma, y parece probable que es el resultado de la confusión, intencionada o no, entre criterios morales y formales. El trabajo del crítico en arquitectura no consiste en interpretar y direccionar la arquitectura, sino más bien en proveer de cierto orden, en dar algunos puntos de referencia sobre el que se desarrolle la comprensión de un trabajo concreto.

La idea de fondo de la tesis de Eisenman consiste en dejar patente la necesidad de abandonar la tradición historicista del siglo XIX y la tradición polemista del siglo XX para poder así construir un sistema de prioridades basado en una lógica consistente, si se quiere que la teoría de arquitectura tenga algún tipo de validez.

En resumen la teoría debe de estar envuelta por la comprensión de principios y no por la codificación de verdades. La teoría arquitectónica ha de tender hacia la clarificación de los fundamentos y proveer un lenguaje para la discusión y la interpretación de estos fundamentos. En definitiva la teoría no debería ser considerada como una jugada preparada o como un paquete cuidadosamente envuelto, sino como una solicitud aplicada continuamente y también por lógica como una metodología de final abierto.

Sin lugar a dudas las dos ideas principales que lanza Eisenman en su trabajo de investigación marcan claramente la dirección de la complejidad, o mejor dicho, asumen la complejidad implícitamente como un hecho ineludible de la contemporaneidad. La función compleja ha entrado tan a fondo en el conocimiento práctico y teórico de la arquitectura que ya parece imposible definir un sistema que estructure conceptualmente la narración teórica como si se tratara de un texto con principio, desarrollo y final, es decir la estructura de cualquier teoría de la arquitectura no puede ser más, a la vez, ni lineal ni cerrada.

La exuberante complejidad de lo arquitectónico obliga al arquitecto a dejar abiertas las conclusiones sobre cualquier razonamiento que concierna a la arquitectura, y en todo caso lo máximo que puede permitirse es apuntar unas conclusiones provisionales, unas balas trazadoras que indican la dirección y referencian del camino a seguir.

La condición compleja del cuerpo teórico a tratar acaba imponiéndose a la restrictiva visión de cualquier autor y como mecanismo de defensa intelectual, cualquier teoría debe ser susceptible de ser completada, matizada o incluso corregida, sin que eso tenga que entenderse como una derrota o una contradicción en negativo, sino más bien, a la manera Venturiana, la función compleja lleva implícita un cierto nivel de contradicción, o mejor dicho, deja abierta la puerta a la contradicción, una vez el pensar teórico de la arquitectura se vaya completando una y otra vez.

Entendido esto, se entiende igualmente que el proceso de conceptualización de la arquitectura queda también abierto, se entiende como una aplicación continua en el tiempo, un repensar lo mismo constantemente para conseguir avanzar.

Por último cabe remarcar también que el hecho de que cualquier teoría de la arquitectura se transforme en un proceso abierto y continuo no excluye que tal proceso sea susceptible de sistematizarse. En realidad podemos entender el trabajo posterior de Eisenman, durante toda su fértil carrera como teórico de la arquitectura, como un esfuerzo titánico por sistematizar un modelo de pensamiento arquitectónico, elaborando así un instrumental conceptual propio de significativo valor. Es incluso irónico que la necesaria estructura plástica del modelo teórico de Eisenman, contraste de manera tan viva con la perseverante y estricta disciplina de la que el autor siempre ha hecho gala.

Valga como demostración de coherencia los dos últimos párrafos de la tesis de Eisenman, que ponen en evidencia el trato que debe darse a toda nueva teoría y aunque sea solamente como testimonio de las consecuencias que comporta el asumir la función compleja, vale la pena traducir literalmente:

Esta disertación está limitada a una sola fase del problema total, que podríamos llamar la manifestación formal de ideas conceptuales, y haciendo esto se ha intentado desarrollar un argumento en términos racionales y lógicos. Se ha intentado excluir toda consideración metafísica y toda preferencia estética particular, e igualmente no se han intentado explicar los indiscriminados prejuicios, y las predilecciones analizadas a medias, evidentes en la crítica moderna. No hay pretensión que este trabajo sea un trabajo completo y de hecho esto es algo que solo puede desarrollarse en continuidad.

Esta disertación, por lo tanto, debe ser considerada solamente como una demostración de un método, como una posible manera de aproximarse a una problemática arquitectónica, y por consiguiente debe considerarse como un final abierto. En este sentido, puede no tener conclusiones, y su intención es limitarse a proveer una base para clarificar el pensamiento conceptual.10 

Miquel Lacasta. Doctor arquitecto
Barcelona, marzo 2013

Notas:

EISENMAN, Peter, The Formal Basis of Modern Architecturepublicado originalmente como tesis doctoral por el Trinity College de la Universidad de Cambridge en Agosto de 1963 y posteriormente reeditada en Lars Müller Publishers, Baden, 2006.

SCOTT, Geoffrey, The Architecture of Humanism: A Study in the History of Taste, Charles Scribner’s Sons, Nueva York, 1969

Op. Cit., EISENMAN, 2006 (1963), p. 345.

4 Op. Cit., EISENMAN, 2006(1963), p. 347.

Así es como el joven Eisenman se refiere a Gropius, Wright o al movimiento De Stijl. Indudablemente el espíritu crítico contra cualquier cosa que pareciera propia del movimiento moderno provocaba una reacción de carácter casi alérgica.

6 Op. Cit., EISENMAN, 2006 (1963), p. 347.

7 Op. Cit., EISENMAN, 2006 (1963), p. 349.

9 Op. Cit., EISENMAN, 2006 (1963), p. 351.

10 Op. Cit., EISENMAN, 2006 (1963), p. 353.

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La excusa de tomar el té | Piano Piano Studio

La excusa de tomar el té | Piano Piano Studio ©Milena Villalba
La excusa de tomar el té | Piano Piano Studio ©Milena Villalba

Todas las casas son ojos
que resplandecen y acechan.

Todas las casas son bocas
que escupen, muerden y besan.

Todas las casas son brazos
que se empujan y se estrechan.

A los intocables versos de Miguel Hernández en su Cancionero y Romancero de ausencias, yo añadiría que todas las casas son corazón que todo lo rige y nos mueve por dentro. Todas las casas tienen un núcleo, un lugar especial, o un simple rincón que nos hace sentir los latidos de forma más fuerte. Cabe buscar ese elemento corazón, si las puertas son bocas, y ventanas los ojos, que representa el centro de la vida de una casa.

En este poema, más allá de la metáfora más palpable, existe otra: que en todas las casas hay cuerpos —personas, familias, grupos humanos— que habitan en ellos, que tienen unas maneras de ser, una forma de vivir, personal y única. Que nadie es igual, y que esa personalidad confiere al cobijo unas cualidades humanas. El arquitecto es entonces un traductor, que tomando de un lado los modos, y del otro el conocimiento técnico y cultural de la arquitectura, crea un lenguaje entendido por ambos.

En 2014, en la Bienal de Venecia, Rem Koolhaas volcó en la muestra Elements of Architecture los resultados de dos años de investigación sobre los fundamentals de la arquitectura,

“utilizados por cualquier arquitecto, en cualquier momento y en cualquier lugar: el suelo, la pared, el techo, el tejado, la puerta, la ventana, la fachada, el balcón, el pasillo, la chimenea, el inodoro, la escalera, el ascensor, la rampa”.

Quería, a través de ese desglose exhaustivo, desentrañar las

“micro-narrativas reveladas al enfocarnos en la escala del detalle o el fragmento”.

Hoy vamos a leer esas micro-historias en el proyecto “La excusa de tomar el té”, realizado en Valencia por las arquitectas Maria Donnini y Maria Grifo al frente del estudio Piano Piano; una vivienda que gira en torno a un elemento (por el que todo pasa): la escalera.

El proyecto surge de la necesidad de unir dos apartamentos de 1935, independientes, situados en las plantas 4ª y 5ª de un edificio plurifamiliar en el barrio de Russafa, para volver a ser ocupados como vivienda única por la familia formada por Eva, Fernando, y sus dos hijos. El genoma del proyecto es simple y claro (abrir un hueco en un forjado y colocar en él una escalera), sin embargo, en este caso, 1+1 no es 2. Ese gesto sencillo transformará por completo el modo de recorrer y emplear el resto de los espacios de la (ahora) vivienda, por lo que la escalera, pieza nacida para unir, no sólo tendría que unir.

Tanto Eva como Fernando querían un elemento ligero; y sabían lo que no querían: un lugar de paso, estrecho, ni una escalera de caracol, ni un elemento masivo… Les gustaba la idea de que fuera un espacio cómodo, como el de esa casa que habían dejado en Detroit para trasladarse a Valencia. Poco a poco, este vacío que permitía llamar “casa” a lo que antes eran dos piezas soberanas y separadas, se va consagrando como elemento determinante de la misma.

“Se convirtió en un proyecto que tenía que pensar y definir los espacios que rodearían la escalera. Esta intervención de conjunto iba a permitir cambiar y mejorar las actividades cotidianas de la casa y dar respuesta a una multiplicidad de objetivos que iban más allá de sumar dos espacios; la escalera iba a ser el soporte de las micro-costumbres de la familia”,

explican las arquitectas.

“Una cocina que antes contaba con poco más de 3m2 iba a ampliarse y a fusionarse con el comedor; éste a su vez enlazaría con la escalera, que al tiempo lo haría con una estancia compartida entre los juegos de los niños y la lavandería, también nueva. Todos los espacios, antes muy fragmentados, se iban a convertir así prácticamente en uno. Y la escalera se erigiría en el elemento facilitador del dinamismo entre ellos”.

Me vino entonces a la mente aquel té en la cocina de una de las viviendas experimentales de la Ciudad Abierta “Amereida”, en Ritoque (Chile). Las excéntricas viviendas, vistas desde el exterior, se aclaraban y definían tras cruzar la puerta. Ahí, su morador me contó cómo se construía (con las manos, en comunidad, agrupando a los arquitectos-habitantes de la onírica ciudad) cada una de las viviendas de Amereida:

“las casas aquí se empiezan por el corazón; en este caso, para mí lo más importante es cocinar, así que empezamos por hacer una cocina. El resto de la vivienda emerge de aquí, se despliega hacia afuera, por trozos; nosotros construimos de dentro hacia afuera”.

Para realizar esta obra en Valencia, las arquitectas también se valieron de las manos sabias de un gran elenco de artesanos de sus oficios:

“Un albañil que realizase la parte tosca, pero tan significante y necesaria, de abrir el forjado, y su aporte de aire y luz. Un herrero que trasladase a la realidad la sinuosidad y la idea del dinamismo y la levedad deseados. Y en una última fase, el solícito trabajo de la forja (incluso recuperando piezas de derribo para conformar los antepechos), el cuidadoso empeño del carpintero que aportase la calidez de la madera de roble y la labor precisa de un marmolista”.

Esta reforma parcial de Piano Piano Studio dibuja una obra de gestos sencillos pero precisos, acertados, y cuidadosamente ejecutados. El detalle y el mimo, yendo de la mano de las pequeñas historias aportadas por los nuevos moradores, son soporte al resto de memorias que están por venir. En “la excusa de tomar el té”, la afirmación

“las escaleras importan porque constituyen el elemento conectivo más elemental de la arquitectura”

(de Santiago de Molina), tiene otra lectura: la de conectar personas, no sólo lugares, sentadas junto al luminoso y vivo corazón de la casa.

Obra: La excusa de tomar el té
Autores: Piano Pinao Studio
Objeto:Vivienda en edificio plurifamiliar
Tipo de intervención: Reforma parcial de vivienda
Superficie construida: 53 m2
Año de finalización: 2018
Ubicación: Russafa, Valencia (España)
Colaboradores: Temcco Estructuras
Proveedores:Carpintería metálica Indenox / Cocinas Schmidt / Parquets Turia
Fotógrafa: Milena Villalba
Artículo Redacción: Ana Asensio
+ pianopiano-studio.com

[:es]Alberto Giacometti en el Museo del Prado[:gl]Alberto Giacometti en el Museo del Prado[:en]Alberto Giacometti at the Prado Museum[:]

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[:es]https://youtu.be/0ozkduMLIh0

El Museo del Prado, en el marco de la celebración del Bicentenario, con la colaboración de la Comunidad de Madrid y la Fondation Beyeler y el apoyo de la Embajada de Suiza y el Grupo Mirabaud, presenta “Giacometti en el Museo del Prado”, uno de los artistas más influyentes del siglo XX, quien concebía el arte como un único y simultáneo lugar de confluencia del tiempo pasado y presente.

Aunque nunca viajó a España, asistió en 1939 a la exposición Chefs-d’œuvre du Musée du Prado celebrada en Ginebra, donde habían sido trasladadas gran parte de sus colecciones durante la Guerra Civil Española. En esa exposición se encontraban representados varios de los pintores predilectos de Giacometti, como Durero, Rafael, Tintoretto, El Greco, Goya o Velázquez.

Alberto Giacometti en el Museo del Prado

Carmen Giménez, su comisaria, concibe la exposición como un paseo póstumo, donde las esculturas del artista, transitan por las galerías principales del Prado. Las 20 obras expuestas -18 esculturas y dos óleos- proceden de colecciones públicas y privadas nacionales e internacionales.

El recorrido empieza en la sala de Las meninas de Velázquez, continúa frente a Carlos V en la batalla de Mühlberg de Tiziano, en proximidad al Lavatorio de Tintoretto, discurre junto a la obra del Greco y contrasta con los cuerpos colosales representados por Zurbarán en su serie de Hércules.

Alberto Giacometti en el Museo del Prado 2

Alberto Giacometti en el Museo del Prado
Museo Nacional del Prado. Madrid
02/04/2019 – 07/07/2019

[:gl]https://youtu.be/0ozkduMLIh0

O Museo do Prado, no marco da celebración do Bicentenario, coa colaboración da Comunidad de Madrid e a Fondation Beyeler e o apoio da Embaixada de Suíza e o Grupo Mirabaud, presenta “ Giacometti no Museo do Prado”, un dos artistas máis influentes do século XX, quen concibía a arte como un único e simultáneo lugar de confluencia do tempo pasado e presente.

Aínda que nunca viaxou a España, asistiu en 1939 á exposición Chefs-d’œuvre du Musée du Prado celebrada en Xenebra, onde foran trasladadas gran parte das súas coleccións durante a Guerra Civil Española. Nesa exposición atopábanse representados varios dos pintores predilectos de Giacometti, como Durero, Rafael, Tintoretto, O Greco, Goya ou Velázquez.

Alberto Giacometti en el Museo del Prado

Carmen Giménez, a súa comisaria, concibe a exposición como un paseo póstumo, onde as esculturas do artista, transitan polas galerías principais do Prado. As 20 obras expostas -18 esculturas e dous óleos- proceden de coleccións públicas e privadas nacionais e internacionais.

O percorrido empeza na sala de As meninas de Velázquez, continúa fronte a Carlos V na batalla de Mühlberg de Tiziano, en proximidade ao Lavatorio de Tintoretto, discorre xunto á obra do Greco e contrasta cos corpos colosais representados por Zurbarán na súa serie de Hércules.

Alberto Giacometti en el Museo del Prado 2

Alberto Giacometti no Museo del Prado
Museo Nacional del Prado. Madrid
02/04/2019 – 07/07/2019

[:en]https://youtu.be/0ozkduMLIh0

Bicentennial, with the collaboration of the Community of Madrid and the Fondation Beyeler and the support of the Embassy of Switzerland and the Mirabaud Group, presents “Giacometti in the Prado Museum«,”, one of the most influential artists of the twentieth century, who conceived art as a single and simultaneous place of confluence of past and present time.

Although he never traveled to Spain, he attended in 1939 the exhibition Chefs-d’œuvre du Musée du Prado held in Geneva, where a large part of his collections had been moved during the Spanish Civil War. In this exhibition several of Giacometti’s favorite painters were represented, such as Durero, Rafael, Tintoretto, El Greco, Goya or Velázquez.

Alberto Giacometti en el Museo del Prado

Carmen Giménez, its curator, conceives the exhibition as a posthumous walk, where the sculptures of the artist pass through the main galleries of the Prado. The 20 works exhibited -18 sculptures and two oil paintings- come from national and international public and private collections.

The tour begins in the room of Las meninas by Velázquez, continues in front of Carlos V in the battle of Mühlberg by Titian, near the Lavatory by Tintoretto, runs next to the work of El Greco and contrasts with the colossal bodies represented by Zurbarán in his Hercules series.

Alberto Giacometti en el Museo del Prado 2

Alberto Giacometti at the Prado Museum
Museo Nacional del Prado. Madrid
02/04/2019 – 07/07/2019

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Clases en una palabra | Miguel Ángel Díaz Camacho

Cita de Fancisco Javier Sáenz de Oiza
Cita de Francisco Javier Sáenz de Oiza

A menudo recordamos a nuestros maestros tanto por sus obras como por sus alocuciones, aforismos breves a modo de razonamientos comprimidos que tantos giros alcanzan con los años. Seguro que ya se agolpan en la memoria las más clásicas y conocidas «citas», algunas dogmáticas como sentencias probablemente desenfocadas.

Sin embargo, algunas de esas frases concisas se revisten de ingenio y se condensan con sentido del humor en una sola palabra, una sola voz indispensable: ejercicios eléctricos para mordaces.

Recuerdo la primera vez que pude escuchar la teoría de Antonio Miranda sobre el papanatismo o «admiración lela por lo exótico», matizando inmediatamente después:

«a fin de cuentas lo exótico es lo mismo (de aquí) pero con más plumas».1

Risas. En esa misma línea hilarante y al mismo tiempo incisiva, muy reveladora del universo sobre el que discurre el autor, se encuentran las inolvidables ñoñotopías de José Miguel de Prada Poole, un inventor de hermosas estructuras y atmósferas, a veces traducidas al lenguaje mediante el empleo de una sola palabra.2

Otros como Sota recurren al cultismo francés déshabillé como expresión firme del compromiso con una construcción austera y poco refinada, diseñitis decíamos hace años ante el innecesario barroquismo en el detalle, una actitud sin duda de origen papanático.3

Una sola palabra bastará para enseñarte. En ocasiones las palabras se convierten en advertencias luminosas, signos como promesas de un modo de estar y comportarse: palabras actitud. Es entonces cuando comprendemos la capacidad de los mejores para transmitir desde la síntesis, más allá de los juegos de palabras y sus conocidas cadenas «evolutivas»: menos es más, más con menos, menos es menos, más es más, más o menos, sí es más

Conviene no ejercer el más recalcitrante de los papanatismos ante alguna de estas afirmaciones. Tal vez la arquitectura se encuentre más cercana al cuento de Oíza y la vaca Charito, una lección sobre el Mundo de origen rural y nombre de mujer4: cuánto más se puede concentrar el conocimiento. Cuántas clases caben en una palabra.

Miguel Ángel Díaz Camacho. Doctor Arquitecto
Madrid. Marzo 2016.
Autor de Parráfos de arquitectura#arquiParrafos

Notas:

1 Antonio Miranda, Un Canon de Arquitectura Moderna, Madrid, Cátedra, 2005, pág. 87. A continuación y en tono más serio, Miranda cita a Gandhi: «lo mejor es lo más próximo». En realidad el papanatismo se define como «Actitud que consiste en admirar algo o a alguien de manera excesiva, simple y poco crítica». Diccionario de la Lengua Española, RAE, 2001.

2 No se conoce alusión escrita a este término.

3 En un intento de aplicar en la enseñanza de arquitectura este modelo sencillo -ejercido siempre desde el sentido del humor más inclusivo- hemos utilizado en nuestras clases palabras como pasillitis tabicosis indicando dolencias espaciales leves de fácil tratamiento, arquitectónico en este caso.

4 La historia de la vaca Charito la cuenta Oíza -con detalle- en el número monográfico dedicado a su obra El Croquis nº32-33, págs. 11 y 12.

La experimentación en vivienda social ya sólo tiene lugar en el museo | Landa Hernández Martínez

En la película Children of men, dirigida por el mexicano Alfonso Cuarón, el protagonista, Theo, visita en cierto momento a su primo, Nigel, encargado por el gobierno del Reino Unido del Arca de las Artes, un programa del Ministerio de Arte situado en la Tate Modern de Londres. Al mismo tiempo, la película presenta un panorama desolador donde la sociedad se enfrenta al fin de los tiempos, causado por la inexplicable imposibilidad de nuevos nacimientos humanos. Ante eso, Theo no duda en preguntar de qué sirve mantener todas esas obras si no quedará nadie para poder verlas en el futuro. La respuesta de Nigel es sencilla:

“Simplemente, procuro no pensar en ello”.

En el mundo imaginado por la película, Nigel disfruta para sí de las mejores piezas de arte de la historia: el Guernica de Picasso, el globo-cerdo de Pink Floyd, el British Cops Kissing de Banksy o un mutilado David de Miguel Ángel. Entrar ahí es posible sólo para unos pocos; esos que, desde la tranquilidad de su posición social, se permiten no pensar en por qué es necesaria esa labor de preservación del arte.

La escena resuena en mi cabeza ahora que se anuncia que el Victoria&Albert Museum, desde su Departamento de Diseño, Arquitectura y Digital, ha comprado una sección de la fachada del malogrado Robin Hood Gardens (RHG):

“una sección de tres pisos (…) completa, con las Calles en el cielo

incluidas; esa propuesta de Alison y Peter Smithson para sus diseños en los que se vincula la escala urbana y la arquitectónica. Después que se anunciara la demolición del conjunto, su deriva ha sido compleja: plataformas de apoyo y defensa de uno de los proyectos brutalistas y de vivienda social más destacados del siglo XX que, sin embargo, nunca pudo salir bien parado de las acusaciones de políticos como el ex Primer Ministro del Reino Unido, David Cameron, quien lo señaló al su diseño como responsable de fomentar la delincuencia y la pobreza: la culpa es de la arquitectura, vino a decir. La solución entonces pasaba por eliminar, destruir su sola presencia para hacer desaparecer sus vergüenzas, que son también las del propio gobierno británico, responsable e impulsor de su construcción hace más de 40 años.

Robin Hood Gardens
Robin Hood Gardens | Fotografía: Museo Victoria and Albert | Fuente: vam.ac.uk

La propuesta de derribo — que ya comienza a ser efectiva sobre algunos de los bloques del conjunto, haciendo que la vida de los dos edificios proyectados por los Smithsons esté cada vez más cerca de su final — va acompañada, además, de la venta de los terrenos al mercado inmobiliario. Dicho de otra forma, donde había un proyecto de carácter público se cede paso ahora al capital privado, creando un conjunto que, si bien tiene cierta orientación hacia vivienda asequible, aumenta de forma considerable el número de viviendas y, con ello, las oportunidades de negocio.

No se trata sin embargo de argumentar contra el nuevo diseño, sino de poner de relieve cómo las políticas de vivienda social se encuentran, casi en cualquier lugar del mundo, en completo abandono frente al mercado. Se manifiesta aquí aquello que Reinier de Graaf apuntó en el último MEXTRÓPOLI: el siglo XX es una anomalía. Una anomalía provocada, en realidad, por el propio capital, que cedió su carácter natural — el de la acumulación de riqueza en manos de unos pocos — para hacer frente a acontecimientos como la posguerra y el comunismo: se trataba de crear una masa social consumista que pudiera cumplir con el sueño de mejorar desde ese mismo consumo su calidad de vida. Es la época del Estado del bienestar. Por eso, durante el siglo XX la vivienda fue también un campo de batalla: la vivienda digna, la vivienda saludable, la vivienda moderna, alabada por Le Corbusier, debía evitar la revolución. Los mecanismos fueron varios. En especial después de la Segunda Guerra Mundial, cuando el Estado se convirtió en un importante benefactor, impulsando proyectos de vivienda. El problema estuvo, más que nada, en la falta de perspectiva: construida la vivienda — el corto plazo — había que incentivar otras política de integración social, que tuvieran que ver con la economía, el empleo o el acceso a servicios — el largo plazo.

No hizo falta mucho tiempo para darse cuenta que, para unos pocos, era más rentable hacer vivienda privada que pública, reduciendo mantenimiento, costo y problemas. El resultado lógico de este otro modelo es el de la expulsión de aquellos que no pueden pagar. Eso, más o menos, puede servir de resumen al caso de RHG: la vivienda social — y la gente que ahí habitaba — cede su lugar a otro grupo social, aquel que puede tener acceso a una vivienda propia en una ciudad como Londres, donde los precios de renta y venta son de los más altos de Europa.

Robin Hood Gardens
Robin Hood Gardens | Fotografía: Museo Victoria and Albert | Fuente: vam.ac.uk

Que ahora un museo público se haga con un trozo de la fachada de un proyecto también público para salvaguardar, si es que eso es posible así, un pedazo de la historia de la arquitectura británica, no deja de ser extraño: la vivienda social se traslada a las paredes del museo, ese lugar para ciertas élites; ese lugar donde unos cuantos pueden discutir acerca de las

preguntas importantes sobre la historia y el futuro de la vivienda en Gran Bretaña y sobre lo que queremos de nuestras ciudades”:1

ese lugar donde a veces parece que no pasa nada y los discursos se anulan; ese lugar donde se construyen las ficciones, como esa del siglo XX que, recordando a de Graaf, al parecer nunca existió.

Pedro Hernández · arquitecto
Madrid. Abril 2019

Notas:

El título del artículo se lo debo a Jose Castillo quien tuiteó “Como cuando la experimentación en vivienda social ya solo tiene lugar en el museo y no en la ciudad”, referido a la compra de las tres secciones del Robin Hood Gardens por parte del Victoria & Albert (LINK)

Comunicado de prensa de Victoria & Albert. Palabras de Christopher Turner, jefe del Departamento de Diseño, Arquitectura y Digital del museo.

[:es]Call for Papers. VAD 01. Los inicios [:gl]VAD 01. Call for Papers. Os inicios[:en]VAD 01. Call for Papers. The begins[:]

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LOS INICIOS.

Del latín initium, inicio es un término que la propia RAE define con un sinónimo, comienzo, que a su vez se revela como “principio, origen o raíz de algo”. Por tanto, un inicio puede enfocarse desde dos puntos vista: desde lo tangible, relacionado con la existencia de un orden o de una serie de elementos estructurados según unos parámetros, pero también puede desvelarse desde la esfera de lo simbólico, es decir, un hito vinculado a un hecho futuro que supone el arranque de una expresión de anhelo.

Y es que no se puede hablar de arquitectura sin hablar de deseo, unos de los materiales con el que están construidas las decisiones iniciales.

Un gran abanico de cuestiones se prestan a la reflexión y pueden tener cabida en este primer número de VAD. veredes, arquitectura y divulgación. Todas deben favorecer un debate más amplio para entender el camino que recorren las ideas antes de materializarse. Son importantes los datos objetivos de partida o las asociaciones entre disciplinas, pero también las obsesiones ocultas y los métodos que se dejan entrever.

En este sentido, el concepto puede aplicarse en diversos contextos y situaciones, pues un inicio puede ser un comienzo observable, y por lo tanto reseñable. En palabras de Louis I. Kahn:

“Amo los inicios. Los inicios me llenan de maravilla. Yo creo que el inicio es lo que garantiza la consecución”.

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OS INICIOS.

Del latín initium, inicio es un término que la propia RAE define con un sinónimo, comienzo, que a su vez se revela como “principio, origen o raíz de algo”. Por tanto, un inicio puede enfocarse desde dos puntos vista: desde lo tangible, relacionado con la existencia de un orden o de una serie de elementos estructurados según unos parámetros, pero también puede desvelarse desde la esfera de lo simbólico, es decir, un hito vinculado a un hecho futuro que supone el arranque de una expresión de anhelo.

Do latín initium, inicio é un termo que a propia RAE define cun sinónimo, comenzo, que á súa vez se revela como “principio, orixe ou raíz de algo”. Polo tanto, un inicio pode enfocarse desde dous puntos vista: desde o tanxible, relacionado coa existencia dunha orde ou dunha serie de elementos estruturados segundo uns parámetros, pero tamén pode desvelarse desde a esfera do simbólico, é dicir, un fito vinculado a un feito futuro que supón o arranque dunha expresión de anhelo.

E é que non se pode falar de arquitectura sen falar de desexo, uns dos materiais co que están construídas as decisións iniciais.

Un gran abanico de cuestións préstanse á reflexión e poden ter cabida neste primeiro número de VAD. veredes, arquitectura e divulgación. Todas deben favorecer un debate máis amplo para entender o camiño que percorren as ideas antes de materializarse. Son importantes os datos obxectivos de partida ou as asociacións entre disciplinas, pero tamén as obsesións ocultas e os métodos que se deixan entrever.

Neste senso, o concepto pode aplicarse en diversos contextos e situacións, pois un inicio pode ser un comezo observable, e por tanto reseñable. En palabras de Louis I. Kahn:

“Amo os inicios. Os inicios énchenme de marabilla. Eu creo que o inicio é o que garante a consecución”.

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LOS INICIOS.

Del latín initium, inicio es un término que la propia RAE define con un sinónimo, comienzo, que a su vez se revela como “principio, origen o raíz de algo”. Por tanto, un inicio puede enfocarse desde dos puntos vista: desde lo tangible, relacionado con la existencia de un orden o de una serie de elementos estructurados según unos parámetros, pero también puede desvelarse desde la esfera de lo simbólico, es decir, un hito vinculado a un hecho futuro que supone el arranque de una expresión de anhelo.

Y es que no se puede hablar de arquitectura sin hablar de deseo, unos de los materiales con el que están construidas las decisiones iniciales.

Un gran abanico de cuestiones se prestan a la reflexión y pueden tener cabida en este primer número de VAD. veredes, arquitectura y divulgación. Todas deben favorecer un debate más amplio para entender el camino que recorren las ideas antes de materializarse. Son importantes los datos objetivos de partida o las asociaciones entre disciplinas, pero también las obsesiones ocultas y los métodos que se dejan entrever.

En este sentido, el concepto puede aplicarse en diversos contextos y situaciones, pues un inicio puede ser un comienzo observable, y por lo tanto reseñable. En palabras de Louis I. Kahn:

“Amo los inicios. Los inicios me llenan de maravilla. Yo creo que el inicio es lo que garantiza la consecución”.

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Parque Castellar Oliveral. Paisajes de juego | HDH arquitectos

[:es]

Parque Castellar Oliveral. Paisajes de juego HDH arquitectos o7 ©Milena Villalba
Parque Castellar Oliveral. Paisajes de juego | HDH arquitectos ©Milena Villalba

El juego es un acto de espontaneidad, que por tanto, requiere libertad para poder desarrollarse. Es creación en streaming, un episodio donde un ámbito u objeto cualquiera se transforman en otra cosa diferente, a través de la imaginación o la ensoñación. Este mundo paralelo, casi virtual, se basa así en un soporte físico para construir esa nueva realidad que posibilita un sinfín de sensaciones o sentimientos. Poder provocar la aventura, el susto, la revuelta, el ánimo, la emoción, el límite, lo inimaginable…, basándonos en una dimensión que podemos ocupar: ésa es la magia de jugar. El juego es una apropiación de lo físico para llevarlo un plano más allá. Y esa apropiación construye ciudad.

“El espacio público: La ciudad, la calle y la plaza, son el soporte de nuestras actividades, el lugar donde se produce todo el complejo social. […] Según el filósofo e historiador Johan Huizinga, el juego cumple una función biológica, y dentro de una comunidad, es un vector para la socialización y la conexión de las personas, lo que viene determinado como una función cultural.”

Sabrina Gaudino. Artículo “El derecho al juego en la ciudad”.

Por eso, cuando nos encontramos en emplazamientos de la ciudad con grandes particularidades, esta ocupación del espacio adquiere un gran interés. Porque recordemos que la ciudad, esa gran maquinaria engranada para funcionar de manera unificada, está llena de heterogeneidades.

El proyecto “Paisajes de juego” del estudio valenciano HDH arquitectos, situado en la pedanía de Castellar-Oliveral, en el margen sur de la ciudad de Valencia (Poblats del Sur), nos ayuda a entender ese “vector para la socialización y la conexión”, no solo de personas, sino de percepciones urbanas diferentes.

El proyecto se sitúa en un antiguo parque urbano en el límite de la barriada Castellar – Oliveral con la huerta de Valencia, una huerta que palpita y sobrevive encajada entre las vecinas intervenciones que el desarrollo de la ciudad impuso, la megaestructura del nuevo cauce del Río Turia flanqueada por la autovía V-30, y el borde costero. Esta pedanía, formada por dos poblados anexionados a la ciudad de Valencia en 1950, es símbolo de la desigualdad habitual entre el centro de las ciudades y una periferia que ha sido maltratada por viales, industrias, infraestructuras portuarias, etc.

“Durante décadas el sur se convirtió en el patio trasero de Valencia […]. A la desigualdad crónica entre el centro y la periferia, se añadió la geográfica entre la parte sur y la parte norte de la capital. Castellar-Oliveral es el ejemplo paradigmático de ello. Combina esa doble condición de sureña y de situarse en las afueras. Incluso, es más acentuada al tratarse de una pedanía”.

Moisés Pérez.  Artículo “Castellar-Oliveral: un paraíso de huerta ahogado por las infraestructuras”.

En ese contexto particular marcado por una perseverancia vecinal que durante años ha luchado por no ser ni arrollada ni marginada por la propia ciudad, encontramos la intervención de Paisajes de Juego, como una remodelación del antiguo jardín existente entre la Avenida Ruiz y Comes con el camino del Tremolar, que se dirige, a través de las huertas, al mar. Esta remodelación se convierte en una restauración, una sutura urbana, que reafirma la relación de la barriada con su huerta, mientras elimina las propias barreras internas que lo acusaban.

“El proyecto se gesta como respuesta a factores muy diversos; el parque presentaba una serie de problemáticas que debían ser resueltas mediante una remodelación que lo adaptase a sus necesidades actuales. Tras una serie de reuniones con los vecinos de Castellar, se consiguieron detectar los principales problemas.”,

explican desde HDH. Áreas de juegos deterioradas, pavimentos muy desgastados, o distintas zonas mal conectadas entre sí, habiendo incluso barreras arquitectónicas a cota 0 que impedían un recorrido sin obstáculos, eran algunas de las situaciones de partida. El proyecto, además, debía incorporar, según programa del Ayuntamiento de Valencia, zonas amplias para la socialización de perros, e integrar un nuevo tramo junto a la esquina noroeste del antiguo jardín, en contacto con la calle trasera.

Este análisis previo marca una dirección de actuación: la de convertir el nuevo parque en un espacio que conecta dos lugares, en oposición a ser un espacio estático con un único acceso como hasta ahora, y desarrollar los vínculos internos,

“desdibujando los límites inconexos”.

Como esa capa de reinterpretación que el mismo juego crea, el proyecto redibuja un trazado, y crea un recorrido que se expande y contrae, y que integra a su paso todos los espacios deseados. De hecho, como el equipo cuenta, el proyecto

“mantiene y reutiliza mediante su restauración todos aquellos elementos y superficies cuyo uso sigue siendo esencial para la ciudadanía, como el área verde y su arbolado, las mesas de picnic, el castillo multijuegos… incluso las maderas de techumbre de la antigua pérgola se emplean para uso de bancos y protección de alcorques en la zona canina”.

Así, la propuesta es en sí la conceptualización de un eje, de ese vector de unión entre dos puntos, que en su materialización crea diferentes espacios de socialización, comúnmente separados en bloques (infantil, adultos, mascotas), pero que en este proyecto de disuelven y engarzan con naturalidad. La “zonificación” viene más bien marcada por sensaciones y percepciones que se tienen en cada espacio, o por elementos que se sitúan en ellos. Es como si hubiesen tomado la esencia de un juego de estimulación infantil y la hubiesen trasladado al espacio físico, donde las rocas simbolizan una cosa, los troncos de madera otra, la tierra, la hierba… también para los adultos.

“El eje se convierte en un elemento vertebrador, en el que los usos que se asocian con el mismo y se sitúan siguiendo una evolución gradual de edad de los usuarios, aumentando paulatinamente el nivel de dificultad de los mismos. Con esta intención, se adapta la materialidad en los distintos tramos del parque para que los usuarios se desarrollen mediante el contacto con ingredientes y atmosferas completamente distintas”.

Paseando por el nuevo paisaje del parque, uno puede llegar a intuir diferentes personalidades, sin que ninguna de ellas esté encorchetada: el área de picnic junto a la entrada sur, que se llena de adultos y abuelitos disfrutando del recreo de los más pequeños; una zona central de geometría ovalada con una composición de desniveles, que se convierte a su vez en gradería de descanso y en escenario de saltos, escaladas y batallitas; yendo hacia el norte, atravesando una zona verde junto al área de juegos en castillo, nos encontramos con una serie de espacios que construyen provocaciones al juego con superficies y texturas distintas…; en el lateral, por un desfase de las orgánicas líneas del trazo del proyecto, se sitúa el área para mascotas, entendida también como un rincón de estar.

En este proyecto de HDH arquitectos se resuelven las barreras arquitectónicas con juegos de taludes, la zonificación con estimulación material, el presupuesto con ingenio, la ocupación del espacio con la libertad de jugar, y el posible conflicto con heterogeneidad y puesta en común. Este pequeño y sencillo parque, esta actuación, se convierte en la representación de lo que Castellar Oliveral reivindica: un diálogo entre polos, un reconocimiento de las preexistencias, propuestas de futuro amables; y mucha huerta por muchos años más. A jugar.

Autor: HDH arquitectos
Título oficial del proyecto: Proyecto de remodelación del jardín en Av.Ruíz y Comes confluencia con el Camino del tremolar.
*Este título venía impuesto por la administración, lo tratamos como “Paisajes de juego”.
Objeto: Jardín-playground
Tipo de intervención: Remodelación
Superficie construida: 2.732,53m2
Año de finalización: 2108
Ubicación: Castellar Oliveral, Valencia.
Agentes Implicados: HDH arquitectos. El equipo consta de 3 arquitectos (Álvaro Hidalgo Núñez, Francisco Hidalgo Núñez y Teresa Sanchis Darocas), un arquitecto técnico, Francisco Hidalgo Delgado, y un ingeniero técnico agrícola Alejandro Yllera González).
Empresa constructora: Vivers Centre Verd SA (no disponemos del nombre de las subcontratas).
Fotógrafa: Milena Villalba
Artículo Redacción: Ana Asensio
+ hdharquitectos.com

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Parque Castellar Oliveral. Paisajes de juego HDH arquitectos o7 ©Milena Villalba

El juego es un acto de espontaneidad, que por tanto, requiere libertad para poder desarrollarse. Es creación en streaming, un episodio donde un ámbito u objeto cualquiera se transforman en otra cosa diferente, a través de la imaginación o la ensoñación. Este mundo paralelo, casi virtual, se basa así en un soporte físico para construir esa nueva realidad que posibilita un sinfín de sensaciones o sentimientos. Poder provocar la aventura, el susto, la revuelta, el ánimo, la emoción, el límite, lo inimaginable…, basándonos en una dimensión que podemos ocupar: ésa es la magia de jugar. El juego es una apropiación de lo físico para llevarlo un plano más allá. Y esa apropiación construye ciudad.

“El espacio público: La ciudad, la calle y la plaza, son el soporte de nuestras actividades, el lugar donde se produce todo el complejo social. […] Según el filósofo e historiador Johan Huizinga, el juego cumple una función biológica, y dentro de una comunidad, es un vector para la socialización y la conexión de las personas, lo que viene determinado como una función cultural.”

Sabrina Gaudino. Artículo “El derecho al juego en la ciudad”.

Por eso, cuando nos encontramos en emplazamientos de la ciudad con grandes particularidades, esta ocupación del espacio adquiere un gran interés. Porque recordemos que la ciudad, esa gran maquinaria engranada para funcionar de manera unificada, está llena de heterogeneidades.

El proyecto “Paisajes de juego” del estudio valenciano HDH arquitectos, situado en la pedanía de Castellar-Oliveral, en el margen sur de la ciudad de Valencia (Poblats del Sur), nos ayuda a entender ese “vector para la socialización y la conexión”, no solo de personas, sino de percepciones urbanas diferentes.

El proyecto se sitúa en un antiguo parque urbano en el límite de la barriada Castellar – Oliveral con la huerta de Valencia, una huerta que palpita y sobrevive encajada entre las vecinas intervenciones que el desarrollo de la ciudad impuso, la megaestructura del nuevo cauce del Río Turia flanqueada por la autovía V-30, y el borde costero. Esta pedanía, formada por dos poblados anexionados a la ciudad de Valencia en 1950, es símbolo de la desigualdad habitual entre el centro de las ciudades y una periferia que ha sido maltratada por viales, industrias, infraestructuras portuarias, etc.

“Durante décadas el sur se convirtió en el patio trasero de Valencia […]. A la desigualdad crónica entre el centro y la periferia, se añadió la geográfica entre la parte sur y la parte norte de la capital. Castellar-Oliveral es el ejemplo paradigmático de ello. Combina esa doble condición de sureña y de situarse en las afueras. Incluso, es más acentuada al tratarse de una pedanía”.

Moisés Pérez.  Artículo “Castellar-Oliveral: un paraíso de huerta ahogado por las infraestructuras”.

En ese contexto particular marcado por una perseverancia vecinal que durante años ha luchado por no ser ni arrollada ni marginada por la propia ciudad, encontramos la intervención de Paisajes de Juego, como una remodelación del antiguo jardín existente entre la Avenida Ruiz y Comes con el camino del Tremolar, que se dirige, a través de las huertas, al mar. Esta remodelación se convierte en una restauración, una sutura urbana, que reafirma la relación de la barriada con su huerta, mientras elimina las propias barreras internas que lo acusaban.

“El proyecto se gesta como respuesta a factores muy diversos; el parque presentaba una serie de problemáticas que debían ser resueltas mediante una remodelación que lo adaptase a sus necesidades actuales. Tras una serie de reuniones con los vecinos de Castellar, se consiguieron detectar los principales problemas.”,

explican desde HDH. Áreas de juegos deterioradas, pavimentos muy desgastados, o distintas zonas mal conectadas entre sí, habiendo incluso barreras arquitectónicas a cota 0 que impedían un recorrido sin obstáculos, eran algunas de las situaciones de partida. El proyecto, además, debía incorporar, según programa del Ayuntamiento de Valencia, zonas amplias para la socialización de perros, e integrar un nuevo tramo junto a la esquina noroeste del antiguo jardín, en contacto con la calle trasera.

Este análisis previo marca una dirección de actuación: la de convertir el nuevo parque en un espacio que conecta dos lugares, en oposición a ser un espacio estático con un único acceso como hasta ahora, y desarrollar los vínculos internos,

“desdibujando los límites inconexos”.

Como esa capa de reinterpretación que el mismo juego crea, el proyecto redibuja un trazado, y crea un recorrido que se expande y contrae, y que integra a su paso todos los espacios deseados. De hecho, como el equipo cuenta, el proyecto

“mantiene y reutiliza mediante su restauración todos aquellos elementos y superficies cuyo uso sigue siendo esencial para la ciudadanía, como el área verde y su arbolado, las mesas de picnic, el castillo multijuegos… incluso las maderas de techumbre de la antigua pérgola se emplean para uso de bancos y protección de alcorques en la zona canina”.

Así, la propuesta es en sí la conceptualización de un eje, de ese vector de unión entre dos puntos, que en su materialización crea diferentes espacios de socialización, comúnmente separados en bloques (infantil, adultos, mascotas), pero que en este proyecto de disuelven y engarzan con naturalidad. La “zonificación” viene más bien marcada por sensaciones y percepciones que se tienen en cada espacio, o por elementos que se sitúan en ellos. Es como si hubiesen tomado la esencia de un juego de estimulación infantil y la hubiesen trasladado al espacio físico, donde las rocas simbolizan una cosa, los troncos de madera otra, la tierra, la hierba… también para los adultos.

“El eje se convierte en un elemento vertebrador, en el que los usos que se asocian con el mismo y se sitúan siguiendo una evolución gradual de edad de los usuarios, aumentando paulatinamente el nivel de dificultad de los mismos. Con esta intención, se adapta la materialidad en los distintos tramos del parque para que los usuarios se desarrollen mediante el contacto con ingredientes y atmosferas completamente distintas”.

Paseando por el nuevo paisaje del parque, uno puede llegar a intuir diferentes personalidades, sin que ninguna de ellas esté encorchetada: el área de picnic junto a la entrada sur, que se llena de adultos y abuelitos disfrutando del recreo de los más pequeños; una zona central de geometría ovalada con una composición de desniveles, que se convierte a su vez en gradería de descanso y en escenario de saltos, escaladas y batallitas; yendo hacia el norte, atravesando una zona verde junto al área de juegos en castillo, nos encontramos con una serie de espacios que construyen provocaciones al juego con superficies y texturas distintas…; en el lateral, por un desfase de las orgánicas líneas del trazo del proyecto, se sitúa el área para mascotas, entendida también como un rincón de estar.

En este proyecto de HDH arquitectos se resuelven las barreras arquitectónicas con juegos de taludes, la zonificación con estimulación material, el presupuesto con ingenio, la ocupación del espacio con la libertad de jugar, y el posible conflicto con heterogeneidad y puesta en común. Este pequeño y sencillo parque, esta actuación, se convierte en la representación de lo que Castellar Oliveral reivindica: un diálogo entre polos, un reconocimiento de las preexistencias, propuestas de futuro amables; y mucha huerta por muchos años más. A jugar.

Autor: HDH arquitectos
Título oficial del proyecto: Proyecto de remodelación del jardín en Av.Ruíz y Comes confluencia con el Camino del tremolar.
*Este título venía impuesto por la administración, lo tratamos como “Paisajes de juego”.
Objeto: Jardín-playground
Tipo de intervención: Remodelación
Superficie construida: 2.732,53m2
Año de finalización: 2108
Ubicación: Castellar Oliveral, Valencia.
Agentes Implicados: HDH arquitectos. El equipo consta de 3 arquitectos (Álvaro Hidalgo Núñez, Francisco Hidalgo Núñez y Teresa Sanchis Darocas), un arquitecto técnico, Francisco Hidalgo Delgado, y un ingeniero técnico agrícola Alejandro Yllera González).
Empresa constructora: Vivers Centre Verd SA (no disponemos del nombre de las subcontratas).
Fotógrafa: Milena Villalba
Artículo Redacción: Ana Asensio
+ hdharquitectos.com

[:en]

Parque Castellar Oliveral. Paisajes de juego HDH arquitectos o7 ©Milena Villalba

El juego es un acto de espontaneidad, que por tanto, requiere libertad para poder desarrollarse. Es creación en streaming, un episodio donde un ámbito u objeto cualquiera se transforman en otra cosa diferente, a través de la imaginación o la ensoñación. Este mundo paralelo, casi virtual, se basa así en un soporte físico para construir esa nueva realidad que posibilita un sinfín de sensaciones o sentimientos. Poder provocar la aventura, el susto, la revuelta, el ánimo, la emoción, el límite, lo inimaginable…, basándonos en una dimensión que podemos ocupar: ésa es la magia de jugar. El juego es una apropiación de lo físico para llevarlo un plano más allá. Y esa apropiación construye ciudad.

“El espacio público: La ciudad, la calle y la plaza, son el soporte de nuestras actividades, el lugar donde se produce todo el complejo social. […] Según el filósofo e historiador Johan Huizinga, el juego cumple una función biológica, y dentro de una comunidad, es un vector para la socialización y la conexión de las personas, lo que viene determinado como una función cultural.”

Sabrina Gaudino. Artículo “El derecho al juego en la ciudad”.

Por eso, cuando nos encontramos en emplazamientos de la ciudad con grandes particularidades, esta ocupación del espacio adquiere un gran interés. Porque recordemos que la ciudad, esa gran maquinaria engranada para funcionar de manera unificada, está llena de heterogeneidades.

El proyecto “Paisajes de juego” del estudio valenciano HDH arquitectos, situado en la pedanía de Castellar-Oliveral, en el margen sur de la ciudad de Valencia (Poblats del Sur), nos ayuda a entender ese “vector para la socialización y la conexión”, no solo de personas, sino de percepciones urbanas diferentes.

El proyecto se sitúa en un antiguo parque urbano en el límite de la barriada Castellar – Oliveral con la huerta de Valencia, una huerta que palpita y sobrevive encajada entre las vecinas intervenciones que el desarrollo de la ciudad impuso, la megaestructura del nuevo cauce del Río Turia flanqueada por la autovía V-30, y el borde costero. Esta pedanía, formada por dos poblados anexionados a la ciudad de Valencia en 1950, es símbolo de la desigualdad habitual entre el centro de las ciudades y una periferia que ha sido maltratada por viales, industrias, infraestructuras portuarias, etc.

“Durante décadas el sur se convirtió en el patio trasero de Valencia […]. A la desigualdad crónica entre el centro y la periferia, se añadió la geográfica entre la parte sur y la parte norte de la capital. Castellar-Oliveral es el ejemplo paradigmático de ello. Combina esa doble condición de sureña y de situarse en las afueras. Incluso, es más acentuada al tratarse de una pedanía”.

Moisés Pérez.  Artículo “Castellar-Oliveral: un paraíso de huerta ahogado por las infraestructuras”.

En ese contexto particular marcado por una perseverancia vecinal que durante años ha luchado por no ser ni arrollada ni marginada por la propia ciudad, encontramos la intervención de Paisajes de Juego, como una remodelación del antiguo jardín existente entre la Avenida Ruiz y Comes con el camino del Tremolar, que se dirige, a través de las huertas, al mar. Esta remodelación se convierte en una restauración, una sutura urbana, que reafirma la relación de la barriada con su huerta, mientras elimina las propias barreras internas que lo acusaban.

“El proyecto se gesta como respuesta a factores muy diversos; el parque presentaba una serie de problemáticas que debían ser resueltas mediante una remodelación que lo adaptase a sus necesidades actuales. Tras una serie de reuniones con los vecinos de Castellar, se consiguieron detectar los principales problemas.”,

explican desde HDH. Áreas de juegos deterioradas, pavimentos muy desgastados, o distintas zonas mal conectadas entre sí, habiendo incluso barreras arquitectónicas a cota 0 que impedían un recorrido sin obstáculos, eran algunas de las situaciones de partida. El proyecto, además, debía incorporar, según programa del Ayuntamiento de Valencia, zonas amplias para la socialización de perros, e integrar un nuevo tramo junto a la esquina noroeste del antiguo jardín, en contacto con la calle trasera.

Este análisis previo marca una dirección de actuación: la de convertir el nuevo parque en un espacio que conecta dos lugares, en oposición a ser un espacio estático con un único acceso como hasta ahora, y desarrollar los vínculos internos,

“desdibujando los límites inconexos”.

Como esa capa de reinterpretación que el mismo juego crea, el proyecto redibuja un trazado, y crea un recorrido que se expande y contrae, y que integra a su paso todos los espacios deseados. De hecho, como el equipo cuenta, el proyecto

“mantiene y reutiliza mediante su restauración todos aquellos elementos y superficies cuyo uso sigue siendo esencial para la ciudadanía, como el área verde y su arbolado, las mesas de picnic, el castillo multijuegos… incluso las maderas de techumbre de la antigua pérgola se emplean para uso de bancos y protección de alcorques en la zona canina”.

Así, la propuesta es en sí la conceptualización de un eje, de ese vector de unión entre dos puntos, que en su materialización crea diferentes espacios de socialización, comúnmente separados en bloques (infantil, adultos, mascotas), pero que en este proyecto de disuelven y engarzan con naturalidad. La “zonificación” viene más bien marcada por sensaciones y percepciones que se tienen en cada espacio, o por elementos que se sitúan en ellos. Es como si hubiesen tomado la esencia de un juego de estimulación infantil y la hubiesen trasladado al espacio físico, donde las rocas simbolizan una cosa, los troncos de madera otra, la tierra, la hierba… también para los adultos.

“El eje se convierte en un elemento vertebrador, en el que los usos que se asocian con el mismo y se sitúan siguiendo una evolución gradual de edad de los usuarios, aumentando paulatinamente el nivel de dificultad de los mismos. Con esta intención, se adapta la materialidad en los distintos tramos del parque para que los usuarios se desarrollen mediante el contacto con ingredientes y atmosferas completamente distintas”.

Paseando por el nuevo paisaje del parque, uno puede llegar a intuir diferentes personalidades, sin que ninguna de ellas esté encorchetada: el área de picnic junto a la entrada sur, que se llena de adultos y abuelitos disfrutando del recreo de los más pequeños; una zona central de geometría ovalada con una composición de desniveles, que se convierte a su vez en gradería de descanso y en escenario de saltos, escaladas y batallitas; yendo hacia el norte, atravesando una zona verde junto al área de juegos en castillo, nos encontramos con una serie de espacios que construyen provocaciones al juego con superficies y texturas distintas…; en el lateral, por un desfase de las orgánicas líneas del trazo del proyecto, se sitúa el área para mascotas, entendida también como un rincón de estar.

En este proyecto de HDH arquitectos se resuelven las barreras arquitectónicas con juegos de taludes, la zonificación con estimulación material, el presupuesto con ingenio, la ocupación del espacio con la libertad de jugar, y el posible conflicto con heterogeneidad y puesta en común. Este pequeño y sencillo parque, esta actuación, se convierte en la representación de lo que Castellar Oliveral reivindica: un diálogo entre polos, un reconocimiento de las preexistencias, propuestas de futuro amables; y mucha huerta por muchos años más. A jugar.

Autor: HDH arquitectos
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[:es]VAD. veredes, arquitectura y divulgación[:gl]VAD. veredes, arquitectura e divulgación[:en]VAD. veredes, architecture and disclosure[:]

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VAD. veredes, arquitectura y divulgación

VAD. veredes, arquitectura y divulgación es una revista científica internacional de periodicidad semestral y formato digital que pretende ser un canal de difusión de trabajos y reflexiones centrados en la cultura, la teoría y el proyecto de arquitectura.

VAD. veredes, arquitectura y divulgación acepta para su revisión y posible publicación artículos científicos (4000-5000 palabras), críticas de arquitectura (500-800 palabras) y reseñas de libros (400-500 palabras) propios de los campos de investigación, según su nomenclatura UNESCO:

– 5506 Historia: por especialidades: Historia de la arquitectura.

– 6201 Arquitectura: Diseño arquitectónico, Jardines y parques, Urbanismo.

Se evaluarán únicamente contenidos originales en español e inglés no publicados anteriormente, aspirando a alcanzar la mayor calidad posible en los trabajos, aplicando para ello los procedimientos habituales en las revistas científicas. La valoración de los revisores externos incidirá en el interés del artículo, el juicio crítico desarrollado, los referentes bibliográficos manejados, la calidad de la redacción, así como su contribución al conocimiento en el ámbito de la historia, de la teoría y del diseño arquitectónico y urbano.

VAD. veredes, arquitectura y divulgación ofrece acceso abierto a todo el contenido publicado, con el objetivo de potenciar una investigación gratuita y accesible a todo el mundo, apoyando así un intercambio de conocimiento global. Se publica bajo el sistema de licencias «Creative Commons Reconocimiento-No comercial 4.0» (CC-by-nc), cumpliendo con la definición de acceso abierto de la declaración de Budapest a favor del acceso abierto.

Como todo nuevo proyecto no estará exento de obstáculos a superar por lo que te pedimos amable lector que tengas paciencia y que nos ayudes a mejorar poco a poco. Esperamos crecer y la mejor forma hacerlo es en vuestra compañía y con vuestro apoyo.

Por último y no menos importante, es dar las gracias tanto a los miembros públicos actuales que forman VAD. veredes, arquitectura y divulgación como a los que tras los focos hacen posible que estos inicios sean menos duros.

Y con esta cita de Louis I. Kahn…

“Amo los inicios. Los inicios me llenan de maravilla. Yo creo que el inicio es lo que garantiza la consecución. Si ésta no tiene lugar, nada podría ni querría existir. Tengo un gran respeto por la instrucción porque es una inspiración fundamental. (…) La voluntad de aprender, el deseo de aprender, es una de las mayores aspiraciones. No me emociona en igual medida la educación. Aprender está bien, pero la educación es algo que siempre está en discusión porque ningún sistema consigue captar jamás el verdadero significado de aprender”.

…comenzamos….

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Por último e non menos importante, é dar as grazas tanto aos membros públicos actuais que forman VAD. veredes, arquitectura e divulgación como aos que tras os focos fan posible que estes inicios sexan menos duros.

E con esta cita de Louis I. Kahn…

“Amo os inicios. Os inicios énchenme de marabilla. Eu creo que o inicio é o que garante a consecución. Se esta non ten lugar, nada podería nin querería existir. Teño un gran respecto pola instrución porque é unha inspiración fundamental. (…) A vontade de aprender, o desexo de aprender, é unha das maiores aspiracións. Non me emociona en igual medida a educación. Aprender está ben, pero a educación é algo que sempre está en discusión porque ningún sistema consegue captar xamais o verdadeiro significado de aprender”.

…comezamos….

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As any new project will not be free of obstacles to overcome so we kindly ask you to be patient and help us improve little by little. We hope to grow and the best way to do it is in your company and with your support.

Last but not least, is to thank both the current public members who form VAD. veredes, architecture and disclosure as those who, after the spotlight, make these beginnings less difficult.

And with this Louis I. Kahn´s quote…

“I love the beginnings. The beginnings fill me with wonder. I believe that the beginning is what guarantees the achievement. If it does not take place, nothing could or would not exist. I have a great respect for instruction because it is a fundamental inspiration. (…) The will to learn, the desire to learn, is one of the greatest aspirations. Education does not affect me in the same way. Learning is fine, but education is something that is always under discussion because no system can ever grasp the true meaning of learning”.

…we started….

[:]

Otro brasileño esencial | Óscar Tenreiro Degwitz

Una acuarela de Lucio Costa de un rincón colonial brasileño, hecha en 1927
Una acuarela de Lucio Costa de un rincón colonial brasileño, hecha en 1927

Este deambular por el legado de Oscar Niemeyer lo lleva a uno a la cultura brasileña. Y dentro de ella la arquitectura como expresión aceptada, promovida e integrada a una suerte de “ser” nacional. Porque ese trayecto del hombre centenario y excepcional es también el trayecto de una cultura.

Para comprobar lo dicho basta referirse a Lucio Costa (1902-1998) como figura tutelar, personaje callado, tranquilo y enormemente agudo, que fue no sólo gestor del proceso de abrir a Brasil hacia la arquitectura moderna, sino que actuó como compañero de ruta que deja en manos de aquel a quien acompaña la palabra principal cuando corresponde, como es el caso de Niemeyer, o como vínculo instrumental gracias a su papel de consejero y referencia.

Y el libro que publicó Maria Elisa su hija, arquitecta y mujer de gran cultura, poco después de su muerte, escrito y organizado casi enteramente por él mismo, ayuda no sólo a situar su contribución al pensamiento sobre arquitectura, sino la amplitud de sus intereses, su relación con el mundo brasileño que elabora ideas, que debate, que discurre, que produce; informa sobre su obra de arquitecto-diseñador y constructor, modesta podría decirse pero marcada por una fe rigurosa en los postulados de la modernidad que cultivó activamente, acompañada de una búsqueda en el legado de la sombra, los corredores, la tranquilidad heredada de la arquitectura colonial, búsquedas que interrumpió en un momento dado para entregarse mejor a su papel de mediación e intercesión.

La totalidad de una vida

En sus páginas se incluyen sus numerosos escritos, casi todos destinados a razonar para impulsar decisiones del sector político o ayudar a tomar conciencia de los valores de la arquitectura y sus consecuencias urbanas. Otros, muchos, de carácter personal, escritos con estilo conciso y hermoso. Y muchas referencias a su vida familiar, a la herencia espiritual de sus padres, Joaquín y Alina, él ingeniero naval; sus hijas Helena y Maria Elisa. Y como presencia permanente la relación con Le Corbusier, estrecha y reflexiva, de la cual tuve una muestra inesperada al leer muchos años atrás, en la Fundación LC, una carta personal donde relata de un modo que me conmovió hasta las lágrimas la muerte de Leleta, su esposa y entrañable compañera, en un accidente de automóvil que marcó su vida. Relación que lo llevó, estaba casualmente en Francia en ese momento, a trasladarse con Charlotte Perriand hasta Roquebrunne-Cap Martin, a buscar el cadáver de Le Corbusier para trasladarlo hasta París pernoctando a medio camino en una celda del convento de La Tourette. El título del libro subraya lo que su autor quiso de él, mostrar no sólo su obra sino el mundo de sus intereses, su espacio intelectual y afectivo, que es en definitiva lo que hace a un hombre: “Lucio Costa, registro de una vivencia”.

Y por supuesto que en el libro hay documentos sobre Brasilia. Está la Memoria Descriptiva con la que acompañó su propuesta en el concurso para el Plan Maestro. Si una vez hace casi cincuenta años ese texto despertó en mí una gran admiración, hoy sigue siendo una muestra de esa especie de chispa, de toque de “genio” en el sentido de Robert Graves (saltar más allá de lo inmediato, de lo predecible) que es el principio organizativo de esa extraordinaria ciudad. En él se capta el concepto básico de lo que es la ciudad, de su “ser” en el sentido más amplio del término, más allá de las simples aplicaciones de técnicas de vialidad o transporte, de especulaciones económicas, de tecnicismos que esquivan la cuestión central: una ciudad es hoy y será siempre una propuesta de construcción dentro de un orden.

Respeto y reflexión desde el Poder

He dicho ya demasiado que en la presencia de Lucio Costa, en el respeto que le tuvo el Poder Político, en su labor de intermediario, está la clave de que Brasilia sea una realidad indiscutible, más allá de reservas o preguntas. Pero Lucio no es una casualidad. Lucio se hizo y realizó en una sociedad que lo respetó y le abrió su alma. No sin luchas desde luego, pero se impuso el respeto a un punto de vista, a una forma de ver el mundo que marcó un punto alto, muy alto. Eso no es poca cosa. Por cosas como ésta y por otras muchas que viven en mi intimidad, he admirado siempre a ese país y lo que representa.

Y dejo para terminar esta reflexión:

¿Qué hace que en un país se le encargue la construcción de la Residencia Presidencial a su más grande arquitecto vivo, dándole total libertad porque se trata de un lugar modélico, singular, que es de todos y sobre todo de una cultura?

Y por el contrario

¿Cuál mecanismo hace que en un lugar del mundo muy cercano al anterior se entregue una tarea similar a un arquitecto allegado o amigo “del partido” de gobierno, en busca de un “neo colonial” de buenas maneras, con corredores y jardines de cierto tono, sin repercusión cultural alguna?

Buena pregunta para todos nosotros, en este país cruzado por la mezquindad.

El libro de Lucio incluye como separata una carta que con ocasión de su cumpleaños 95 le escribió el Presidente de Brasil Fernando Enrique Cardoso en 1997, que incluye estas frases:

“Usted sabe de mi admiración por su obra y por su contribución singular al desarrollo en el Brasil de un pensamiento y una práctica arquitectónica y urbanística”…

“usted está entre aquellos que, en este siglo, contribuyeron a inventar y construir un Brasil que se hace moderno sin dejar de ser brasileño”…

Manifestaciones así desde el Poder, sinceras y respetuosas, conocedoras de la persona, contribuyen a formar una tradición y hacen grande a una sociedad. Ayudan a responder las dos preguntas anteriores.

Porque Lucio, efectivamente, construyó un modo de pensar que abrió puertas a una cultura.

Óscar Tenreiro Degwitz, Arquitecto.
Venezuela, junio 2009
Entre lo Cierto y lo Verdadero

[:es]Una arquitecta en Disney | Jorge Gorostiza[:gl]Unha arquitecta en Disney | Jorge Gorostiza[:en]An architect woman at Disney | Jorge Gorostiza[:]

[:es]

Sylvia Moberly-Holland
Sylvia Moberly-Holland

En un número de la revista Glamour of Hollywood de 1941, se publicó un artículo titulado «Chicas trabajando para Disney», con el subtítulo

«El gran dibujante abre una nueva carrera para chicas con talento en su estudio de Hollywood». 

Este artículo comienza explicando:

«Hasta hace pocos meses el trabajo de animar personajes en los estudios de Walt Disney era solamente masculino. Hoy hay una clase de arte especial formada por jóvenes mujeres con talento de la organización, que están recibiendo la capacitación final en el trabajo de crear toda la galería de personajes de Disney, de animar efectos tan interesantes como nubes de humo, agua y otros fenómenos encantadores de Disney».

También cita otras labores que realizan mujeres:

«En los vastos y complejos talleres que conforman la organización Disney, las mujeres ocupan cargos importantes en el desarrollo de historias y personajes, fondos y montaje; la montadora musical que editó Fantasía es una mujer, Louisa Field».

Parece que el texto está a favor de este trabajo, pero al final se menciona algo inevitable en aquellos años:

«Los días hábiles se trabaja de 8:30 a 5:30, entre semana y los sábados se libra. Los salarios están desde 18$ a 75$ por semana, serían más altos si más chicas no trabajaran un par de años. Se casaran y renunciaran. Las oportunidades de un romance son casi las mismas que en una universidad mixta. Muchas de las chicas se han casado con empleados de Disney y se han quedado».

En fin, que el destino de las chicas, -se usa «girls» en vez de «women»- que ya es un término peyorativo, es casarse y por eso, por su culpa, no cobran más dinero, teniendo además en cuenta que «tienen la suerte» de conseguir marido sin salir de la Disney, eso si tenían la suerte de ser aceptadas en la productora, porque otras no lo consiguieron.

El artículo de dos páginas está ilustrado con ocho fotografías, entre ellas de Mary Welser, con un pie de foto que indica:

«Jefa eficaz del equipo todo de chicas del laboratorio de color de Disney»

Ethel Kulsar,

«que diseño parte de la suite del Cascanueces de Fantasía»;

Mildred Rossi, animadora

«que ha demostrado que el suyo no es estrictamente un trabajo de hombres»;

Gyo

«una artista japonesa que creó el programa de mano de Fantasía»;

la elefanta Mabel y Retta Scott,

«especialista en bocetos de animales»;

y de Sylvia Holland

«dibujante y única arquitecta mujer de Canadá»,

evidentemente esta es la arquitecta que se menciona en el título.

Debo reconocer que no la conocía, pero por suerte es muy conocida y aunque no fue la primera arquitecta canadiense, hay mucha información en Internet sobre ella, por ejemplo en el interesante blog Un día una arquitecta, este artículo de Eve Lazarus o incluso en Wikipedia, donde no se indica que fuera arquitecta y se le da más importancia a su etapa con Disney, aunque sí recuerda que fue expulsada de la productora después de la Segunda Guerra Mundial.

Girls at work for disney, 1941 | Fuente: cartoonbrew.com
Girls at work for disney, 1941 | Fuente: cartoonbrew.com

Como puede comprobarse, las arquitectas y los arquitectos no han trabajado en el cine solo como escenógrafos, sino que sus labores han sido mucho más complejas y abarcando muchas especialidades diferentes.

Jorge Gorostiza, Doctor arquitecto.
Santa Cruz de Tenerife, septiembre 2018
Autor del blog Arquitectura+Cine+Ciudad

[:gl]

Sylvia Moberly-Holland
Sylvia Moberly-Holland

Nun número da revista Glamour of Hollywood de 1941, publicouse un artigo titulado «Mozas traballando para Disney», co subtítulo

«O gran debuxante abre unha nova carreira para mozas con talento no seu estudo de Hollywood». 

Este artigo comeza explicando:

«Ata hai poucos meses o traballo de animar personaxes nos estudos de Walt Disney era soamente masculino. Hoxe hai unha clase de arte especial formada por novas mulleres con talento da organización, que están a recibir a capacitación final no traballo de crear toda a galería de personaxes de Disney, de animar efectos tan interesantes como nubes de fume, auga e outros fenómenos encantadores de Disney».

Tamén cita outros labores que realizan mulleres:

«Nos vastos e complexos talleres que conforman a organización Disney, as mulleres ocupan cargos importantes no desenvolvemento de historias e personaxes, fondos e montaxe; a montadora musical que editou Fantasía é unha muller, Louisa Field».

Parece que o texto está a favor deste traballo, pero ao final menciónase algo inevitable naqueles anos:

«Os días hábiles trabállase de 8:30 a 5:30, entre semana e os sábados líbrase. Os salarios están desde 18$ a 75$ por semana, serían máis altos se máis mozas non traballasen un par de anos. casasen e renunciasen. As oportunidades dun romance son case as mesmas que nunha universidade mixta. Moitas das mozas casáronse con empregados de Disney e quedáronse».

En fin, que o destino das mozas, -úsase «girls» no canto de «women»- que xa é un termo peiorativo, é casar e por iso, pola súa culpa, non cobran máis diñeiro, tendo ademais en conta que «teñen a sorte» de conseguir marido sen saír da Disney, iso se tiñan a sorte de ser aceptadas na produtora, porque outras non o conseguiron

O artigo de dúas páxinas está ilustrado con oito fotografas, entre elas de Mary Welser, cun pé de foto que indica:

«Xefa eficaz do equipo todo de mozas do laboratorio de cor de Disney»

Ethel Kulsar,

«que deseñou parte da suite do Crebanoces dee Fantasía»;

Mildred Rossi, animadora

«que demostrou que o seu non é estritamente un traballo de homes»;

Gyo

«unha artista xaponesa que creou o programa de man de Fantasía»;

a elefanta Mabel e Retta Scott,

«especialista en bosquexos de animais»;

e de Sylvia Holland

«debuxante e a única arquitecta muller de Canadá»,

evidentemente esta é a arquitecta que se menciona no título.

Debo recoñecer que non a coñecía, pero por sorte é moi coñecida e aínda que non foi a primeira arquitecta canadense, hai moita información na internet sobre ela, por exemplo no interesante blogue Un día una arquitecta, este artigo de Eve Lazarus ou mesmo en Wikipedia, onde non se indica que fose arquitecta e dáselle máis importancia á súa etapa con Disney, aínda que si lembra que foi expulsada da produtora despois da Segunda Guerra Mundial

Girls at work for disney, 1941 | Fuente: cartoonbrew.com
Girls at work for disney, 1941 | Fonte: cartoonbrew.com

Como pode comprobarse, as arquitectas e os arquitectos non traballaron no cinema só como escenógrafos, senón que os seus labores foron moito máis complexas e abarcando moitas especialidades diferentes.

Jorge Gorostiza, Doutor arquitecto.
Santa Cruz de Tenerife, setembro 2018
Autor do blogue Arquitectura+Cine+Ciudad

[:en]

Sylvia Moberly-Holland
Sylvia Moberly-Holland

In an issue of the Glamor of Hollywood magazine of 1941, an article entitled «Girls at work for disney», was published, with the subtitle

«The great cartonist opens up new careers for talented girls in his Hollywood studio». 

This article begins by explaining:

«Until a few months ago the work of animating characters in the Walt Disney studios was purely a man´s job. Today  there is a special art class made up of talented young women of the organization, who are receiving the final training in the job of creating the whole gallery of Disney characters, of animating such interesting effects as smoke clouds, water and other Disney phenomena».

He also cites other tasks carried out by women:

«In the vast and complex workshops which go to make up the Disney organization, women are holding important posts in stories and characters development, backgrounds, layouts and cutting; the music editor who cut «Fantasia» is a woman, Louisa Field».

It seems that the text is in favor of this work, but in the end something inevitable was mentioned in those years::

«Working days are from 8:30 a.m. to 5:30 a.m, weekdays, every Saturdays off. Salaries are from $18 to $75 per week, would be higher if more girls didn´t work a couple of years, marry and quit. Romance oportunities are about the same as at a co-ed university. Many of the girls have married Disney employees and tstayed on».

In short, that the fate of the girls, -she uses «girls» instead of «women» – which is already a pejorative term, is to get married and that is why, because of her, they do not charge more money, also taking into account that «They are lucky» to get a husband without leaving Disney, if they were lucky enough to be accepted in the production company, because others did not.

The two-page article is illustrated with eight photographs, including Mary Welser, with a caption that states:

El artículo de dos páginas está ilustrado con ocho fotografías, entre ellas de Mary Welser, con un pie de foto que indica:

«Efficient head of all girls cream wich comprises the Disney color laboratory»

Ethel Kulsar,

«who designed much of «Fantasia´s»  Nutcraker Suite»;

Mildred Rossi,

«talented Disney animator, who has demostrated that hers is not strictly a man´s job»;

Gyo

«a japanes artist, who designed the elaborate theater program od «Fantasia»

Mabel, an elephant model in Disney´s menagerie, poses for y Retta Scott,

«specialist in animal sketches»;

y de Sylvia Holland

«Disney sketcher, and formerly Canada´s sole woman architect»,

Obviously, this is the architect mentioned in the title.

I must admit that I did not know her, but luckily she is well known and although she was not the first Canadian architect, there is a lot of information on the Internet about her, for example in the interesting blog Un día una arquitecta, this Eve Lazarus´s article or even in Wikipedia, where it is not indicated that she was an architect and she gives more importance to her stage with Disney, although she does remember that she was expelled from the production company after the Second World War.

Girls at work for disney, 1941 | Fuente: cartoonbrew.com
Girls at work for disney, 1941 | Source: cartoonbrew.com

As can be seen, the architects and architects have not worked in the cinema only as set designers, but their work has been much more complex and covering many different specialties.

Jorge Gorostiza, PhD architect.
Santa Cruz de Tenerife, september 2018
Author of the blog Arquitectura+Cine+Ciudad

 

[:]

Mies

[:es]

MIES novela gráfica Agustín Ferrer Casas,

En el transcurso del vuelo a Berlín Occidental para acudir a la colocación de la primera piedra de la Galería Nacional, el famoso arquitecto Mies van der Rohe hace balance de su azarosa vida con su nieto, el también arquitecto Dirk Lohan. Recuerdos de las épocas más convulsas del siglo XX en los que se mezclan proyectos, clientes, socios, adversarios, amigos, amantes…

En definitiva, una intensa vida marcada por la ambición por construir. Pero sobre todos ellos, la memoria nítida de un hecho que no puede olvidar y que siempre ha mantenido en secreto.

– En 2019 se cumple el 50 aniversario de la muerte de Mies Van der Rohe.

– Dirigió la vanguardista escuela Bauhaus hasta su cierre por la llegada de los nazis.

– Un viaje a través delos momentos más importantes de la historia del Siglo XX.

Un cómic de Agustín Ferrer Casas.

MIES novela gráfica Agustín Ferrer Casas 2

Coincidiendo con el 50 aniversario de la muerte de Mies van der Rohe, su autor Agustín Ferrer Casas, hace un recorrido por la vida y obra del genial arquitecto. Un viaje por la historia vista a través de los ojos de un hombre obsesionado por construir. Alguien que vivió los momentos más convulsos del siglo XX: dos Guerras Mundiales, el auge del nazismo, el resurgir de Estados Unidos como primera potencia mundial o el nacimiento de las vanguardias.

Han sido cuatro años de intenso trabajo y ardua documentación. El álbum ha contado con la inestimable participación de Anatxu Zabalbeascoa, inspiradora de este proyecto a través de sus escritos sobre Mies van der Rohe en medios como el diario El País.

Y nos complace anunciar que contamos con la colaboración de Norman Foster, que abre esta obra con un elocuente prólogo.

[:gl]

MIES novela gráfica Agustín Ferrer Casas,

No transcurso do voo a Berlín Occidental para acudir á colocación da primeira pedra da Galería Nacional, o famoso arquitecto Mies van der Rohe fai balance da súa azarosa vida co seu neto, o tamén arquitecto Dirk Lohan. Recordos das épocas máis convulsas do século XX nos que se mesturan proxectos, clientes, socios, adversarios, amigos, amantes…

En definitiva, unha intensa vida marcada pola ambición por construír. Pero sobre todos eles, a memoria nítida dun feito que non pode esquecer e que sempre mantivo en segredo.

– En 2019 cúmprese o 50 aniversario da morte de Mies Van der Rohe.

– Dirixiu a vangardista escola Bauhaus ata o seu peche pola chegada dos nazis.

– Unha viaxe a través delos momentos máis importantes da historia do Século XX.

Un cómic de Agustín Ferrer Casas.

MIES novela gráfica Agustín Ferrer Casas 2

Coincidindo co 50 aniversario da morte de Mies van der Rohe, o seu autor Agustín Ferrer Casas,, fai un percorrido pola vida e obra do xenial arquitecto. Unha viaxe pola historia vista a través dos ollos dun home obsesionado por construír. Alguén que viviu os momentos máis convulsos do século XX: dúas Guerras Mundiais, o auxe do nazismo, o rexurdir de Estados Unidos como primeira potencia mundial ou o nacemento das vangardas.

Foron catro anos de intenso traballo e ardua documentación. O álbum contou coa inestimable participación de Anatxu Zabalbeascoa, inspiradora deste proxecto a través dos seus escritos sobre Mies van der Rohe en medios como o diario El País.

E comprácenos anunciar que contamos coa colaboración de Norman Foster, que abre esta obra cun elocuente prólogo.

[:en]

MIES novela gráfica Agustín Ferrer Casas,

In the course of the flight to West Berlin to attend the laying of the first stone of the National Gallery, the famous architect Mies van der Rohe takes stock of his hazardous life with his grandson, the also architect Dirk Lohan. Memories of the most convulsive times of the twentieth century in which projects, clients, partners, adversaries, friends, lovers …

In short, an intense life marked by the ambition to build. But above all of them, the clear memory of a fact that can not be forgotten and that has always been kept secret.

– In 2019 marks the 50th anniversary of the death of Mies Van der Rohe.

– He led the avant-garde Bauhaus school until its closure by the arrival of the Nazis.

– A journey through the most important moments in the history of the 20th Century.

The Agustín Ferrer Casas´s comic.

MIES novela gráfica Agustín Ferrer Casas 2

Coinciding with the 50th anniversary of the death of Mies van der Rohe, its author Agustín Ferrer Casas, makes a tour of the life and work of the great architect. A journey through history seen through the eyes of a man obsessed with building. Someone who lived through the most convulsive moments of the 20th century: two World Wars, the rise of Nazism, the resurgence of the United States as the world’s leading power, or the birth of the vanguards.

It has been four years of hard work and hard documentation. The album has had the invaluable participation of Anatxu Zabalbeascoa, inspirer of this project through his writings on Mies van der Rohe in media such as the newspaper El País.

And we are pleased to announce that we have the collaboration of Norman Foster, who opens this work with an eloquent prologue.

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[:es]Cortes Metalúrgicos Oviedo | contextos de arquitectura y urbanismo[:gl]Cortes Metalúrxicos Oviedo | contextos de arquitectura e urbanismo[:en]Metalworking Industry Building | contextos de arquitectura y urbanismo[:]

[:es]

Cortes Metalúrgicos Oviedo contextos de arquitectura y urbanismo o13

La luz, como origen del proyecto; como elemento inmaterial principio del orden estructural, de su ritmo y su proporción. La propia disposición de la parcela, en el eje este-oeste, imponía su búsqueda. El proyecto se concibió desde la sección; a modo de apilamiento vertical compuesto por una sucesión de elementos contrapeados en altura con el único fin de aprovechar al máximo la iluminación natural. No sólo se debía proveer de un estimable ahorro energético sino que además debíamos facilitar una atmosfera más propicia, cálida, para el desarrollo de la vida laboral.

Iluminar de manera natural, sin deslumbrar, aprovechando las orientaciones y las sombras; en un entorno anodino, anónimo, jalonado de construcciones sin arquitectura, que podría ser la foto fija de cualquier polígono situado en el extrarradio de una ciudad de tamaño medio-grande. No podía faltar a esta cita con la luz la concepción de las oficinas. Recortándose sobre el fondo de la nave, se sitúan al frente, a pie de calle, accesibles tras la apertura de sendas cercha-puerta.

La piel de cristal es transparente en planta baja, protegida por el cuerpo volado de la primera planta, que aun siendo también de cristal se refugia de las miradas; imaginándose pesado a partir del muro cortina de “U” glass y vidrio térmico. La cámara existente entre ellos ayuda a disipar y controlar la temperatura.

El interior de las oficinas, revestidas de acero y cristal, están consideradas a modo de arquitecturas dentro de otras. Los despachos y salas de reuniones, de menor escala, se reparten por una planta de sección mayor, a modo de recinto envolvente que genera su propia atmósfera. Se disponen forjados de chapa colaborante a modo de cielo, así como soles de led y luz blanquecina, abarcante y englobadora del muro cortina dispuesto como horizonte. Recrear un mundo dentro de otro. Un control del espacio y de la luz que dotase a las instalaciones de un confortable ámbito de trabajo.

Nuestra reivindicación – y propuesta al cliente – fue la de reconvertir el tradicional espacio industrial dotándole de nueva atmósfera que buscase el beneficio de las personas que trabajasen en su interior.

Obra: Cortes Metalúrgicos Oviedo
Autor: Óscar Miguel Ares Álvarez
Dirección de obra: Óscar Miguel Ares Álvarez, Javier Palomero Alonso
Fecha: 2016 -18
Ubicación: Calle Aluminio nº37, Valladolid; España
Colaboradores: Bárbara Arranz González, Jesús J. Ruiz Alonso, Dorota Tokarska, Sergio Alonso, Jaime San José
Fotógrafo: Jesús J. Ruiz Alonso | Pedro Iván Ramos Martín
Superficie: 7.500 m2
Promotor: Cortes Metalúrgicos Oviedo.
Ingeniería: Arbor s.l.
Contrata: Obras y Contratas San Gregorio s.a. y Rearasa s.a./ Navinor S.L../ Agosa S.A/ Tecnaire S.L
Mobiliario: Moi interiorismo y equipamiento s.l.
+ contextosdearquitectura.com

 [:gl]

Cortes Metalúrgicos Oviedo contextos de arquitectura y urbanismo o13

A luz, como orixe do proxecto; como elemento inmaterial principio da orde estrutural, do seu ritmo e a súa proporción. A propia disposición da parcela, no eixo este-oeste, impoñía a súa procura. O proxecto concibiuse desde a sección; a modo de apilamiento vertical composto por unha sucesión de elementos contrapeados en altura co único fin de aproveitar ao máximo a iluminación natural. Non só se debía prover dun estimable aforro enerxético senón que ademais debiamos facilitar unha atmosfera máis propicia, cálida, para o desenvolvemento da vida laboral.

Iluminar de maneira natural, sen cegar, aproveitando as orientacións e as sombras; nunha contorna anodino, anónimo, balizado de construcións sen arquitectura, que podería ser a foto fixa de calquera polígono situado no arrabalde dunha cidade de tamaño medio-grande. Non podía faltar a esta cita coa luz a concepción das oficinas. Recortándose sobre o fondo da nave, sitúanse á fronte, a pé de rúa, accesibles tras a apertura de senllas cercha-porta. A pel de cristal é transparente en planta baixa, protexida polo corpo voado da primeira planta, que aínda sendo tamén de cristal refúxiase das miradas; imaxinándose pesado a partir do muro cortina de “U” glass e vidro térmico. A cámara existente entre eles axuda a disipar e controlar a temperatura.

O interior das oficinas, revestidas de aceiro e cristal, están consideradas a modo de arquitecturas dentro doutras. Os despachos e salas de reunións, de menor escala, repártense por unha planta de sección maior, a modo de recinto envolvente que xera a súa propia atmosfera. Dispóñense forxados de chapa colaborante a modo de ceo, así como soles de led e luz esbrancuxada, abarcante e englobadora do muro cortina disposto como horizonte. Recrear un mundo dentro doutro. Un control do espazo e da luz que dotase ás instalacións dun confortable ámbito de traballo.

A nosa reivindicación – e proposta ao cliente – foi a de reconverter o tradicional espazo industrial dotándolle de nova atmosfera que buscase o beneficio das persoas que traballasen no seu interior.

Obra: Cortes Metalúrxicos Oviedo
Autor: Óscar Miguel Ares Álvarez
Dirección de obra: Óscar Miguel Ares Álvarez, Javier Palomero Alonso
Data: 2016 -18
Emprazamento: Calle Aluminio nº37, Valladolid; España
Collboradores: Bárbara Arranz González, Jesús J. Ruiz Alonso, Dorota Tokarska, Sergio Alonso, Jaime San José
Fotógrafo: Jesús J. Ruiz Alonso | Pedro Iván Ramos Martín
Superficie: 7.500 m2
Promotor: Cortes Metalúrgicos Oviedo.
Enxeñería: Arbor s.l.
Contrata: Obras y Contratas San Gregorio s.a. y Rearasa s.a./ Navinor S.L../ Agosa S.A/ Tecnaire S.L
Mobiliario: Moi interiorismo y equipamiento s.l.
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 [:en]

Cortes Metalúrgicos Oviedo contextos de arquitectura y urbanismo o13

Light, intended as the origin of the project; as an immaterial element that became the principle of the structural order. The origin of its rhythm and its proportion. The layout of the plot, on the east-west axis, imposed its search. The project was conceived from the section; as a vertical stacking system composed by a sequence of elements attached in height to each other with the sole purpose of exploiting natural lighting. With our project strategy, we were not only meant to achieve an appreciable energy saving, but we should also provide the working area with the most favorable, warm atmosphere for the development of working activities.

The goal was to illuminate naturally, without dazzling, using the orientations and shadows; in an anodyne, anonymous environment, marked by constructions without character, which could be the fixed photo of any industrial state located on the outskirts of a medium-large city.

The conception of the technical offices could not miss this encounter with the light. Outlined over the warehouse background, the offices volume is placed on the main façade of the building, at street level, being accessible after crossing the opening of both truss-doors.

The glass skin is transparent on the ground floor, being protected by the suspended volume of the first floor, which, although it is also made of glass, becomes intimate and heavy by the use of a curtain wall composed by U-glass and thermal glass. The air chamber between both layers helps to dissipate heat and control the interior temperature.

The interior of the offices, clad in steel and glass, are designed as smaller pieces of architecture contained inside the bigger composition. The offices and meeting rooms, of smaller scale, are distributed inside a bigger scale space, as an enclosing enclosure that generates its own atmosphere.

The composite slab is set as a sky, establishing a dialogue with the LED luminaires and the embracing light, filtered by the curtain wall that becomes the horizon.

The aim is to recreate one world inside another. The control of space and light provides the building with a comfortable working environment.

Our claim – and proposal to the client – was to reconvert the traditional industrial space setting a new atmosphere that sought the benefit of the people who will work inside.

Work: Metalworking Industry Building
Author: Óscar Miguel Ares Álvarez
Construction management: Óscar Miguel Ares Álvarez, Javier Palomero Alonso
Date: 2016 -18
Location: Calle Aluminio nº37, Valladolid; España
Collaborators: Bárbara Arranz González, Jesús J. Ruiz Alonso, Dorota Tokarska, Sergio Alonso, Jaime San José
Photographer: Jesús J. Ruiz Alonso | Pedro Iván Ramos Martín
Area: 7.500 m2
Investor: Cortes Metalúrgicos Oviedo.
Engineers: Arbor s.l.
Contractor: Obras y Contratas San Gregorio s.a. y Rearasa s.a./ Navinor S.L../ Agosa S.A/ Tecnaire S.L
Furiniture: Moi interiorismo y equipamiento s.l.
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Premio Peña Ganchegui 2019

[:es]

Premio Peña Ganchegui 2019 a

Cuando se cumplen diez años de la muerte del arquitecto Luis Peña Ganchegui, se convoca la segunda edición del galardón que lleva su nombre, dirigido a la joven arquitectura vasca y dotado con una retribución de 6.000 € en metálico.

De carácter bienal, el premio fue creado en 2017 por el Departamento de Medio Ambiente, Planificación Territorial y Vivienda del Gobierno Vasco y el Archivo Peña Ganchegui, en memoria de quien fuera máximo referente de la Arquitectura Vasca en la segunda mitad del siglo XX. Fundador de la Escuela de Arquitectura de San Sebastián, fue autor de obras emblemáticas como la Torre de Vista Alegre (Zarautz 1959), la Plaza de la Trinidad (Donostia, 1963), la Casa Imanolena (Mutriku, 1964) o la Plaza del Tenis (Donostia, 1976), antesala del Peine del Viento, de Eduardo Chilllida.

Creado con la intención de reconocer una joven trayectoria arquitectónica e impulsar al mismo tiempo una carrera con proyección emergente, el galardón, cuya primera edición correspondió al estudio donostiarra PAUZARQ, pretende dar visibilidad a aquellas aportaciones que, además de suponer una ejemplar práctica profesional, contribuyan a promover, desarrollar y consolidar la cultura arquitectónica.

Consecuente con su vocación divulgativa, además de entregar el premio al ganador y un diploma acreditativo a los equipos finalistas, la organización produce con los trabajos de todos ellos una exposición de vocación itinerante. En la edición de 2017 fueron siete los equipos que acompañaron a Elena Usabiaga y Felipe Urtenetxe, componentes del equipo premiado: Carlos Garmendia, MUGARA, Daniel Ruiz de Gordejuela, Jon Ander Aguirre, ARQUIMAÑA, ELE Arkitektura y Diego Sologuren. Tras su montaje inicial, en el donostiarra Palacio de Miramar (en el marco de MUGAK, la Bienal Internacional de Arquitectura de Euskadi), la exposición pudo verse en la Escuela de Arquitectura del País Vasco, en la Sede del Colegio de Arquitectos de Bilbao (contando con un ciclo de conferencias a cargo de los propios finalistas), y en el Basque Living México, showroom del cúster Habic en la capital mexicana. Finalmente, y coincidiendo con la convocatoria de la edición 2019, una versión digital de la exposición podrá visitarse en la web del premio.

El jurado de la edición 2019 estará compuesto por los arquitectos: Moisés Puente (León, 1969), que tras desempeñar cargos de responsabilidad en la Gustavo Gili, Quaderns y la revista 2G, dirige actualmente la editorial Puente Editores; Eva Prats (Barcelona, 1965), profesora de Proyectos en la ETSA de Barcelona y cofundadora de Flores & Prats arquitectos, recientemente seleccionada para el Women in Architecture Award 2019; y Eduardo Mangada (Anna – Valencia, 1932), que además de Concejal de Urbanismo del Ayuntamiento de Madrid entre 1979 y 1982, y Consejero de Ordenación del Territorio, Medio Ambiente y Vivienda de la Comunidad de Madrid entre 1983 y 1991, fue compañero de estudios de Peña Ganchegui y colaborador suyo en los años sesenta. Completan el jurado, con voz pero sin voto, los también arquitectos Rocío Peña, presidenta del Archivo Peña Ganchegui, y Pablo García Astrain, Director de Vivienda y Arquitectura del Gobierno Vasco.

Premio Peña Ganchegui 2019 b

Los interesados, que tienen hasta el 14 de mayo para formalizar su inscripción, deberán presentar su candidatura antes del 2 de julio de 2019.

Podrán presentarse candidaturas individuales o colectivas, debiendo aportar los propios interesados sus méritos, que podrán incluir obras, proyectos y trabajos de investigación que supongan una aportación en el campo de la Arquitectura, abarcando todos los ámbitos y escalas, desde el diseño de objetos hasta las intervenciones en el territorio. El fallo se dará a conocer el 10 de octubre coincidiendo con la Semana de la Arquitectura, en el acto de entrega del galardón que tendrá lugar en el Instituto de Arquitectura de Euskadi, que albergará también una muestra de los trabajos finalistas.

Toda la información sobre el Premio Peña Ganchegui a la Joven Arquitectura Vasca está disponible en la página web: premio.ganchegui.com

[:gl]

Premio Peña Ganchegui 2019 a

Cuando se cumplen diez años de la muerte del arquitecto Luis Peña Ganchegui, se convoca la segunda edición del galardón que lleva su nombre, dirigido a la joven arquitectura vasca y dotado con una retribución de 6.000 € en metálico.

De carácter bienal, el premio fue creado en 2017 por el Departamento de Medio Ambiente, Planificación Territorial y Vivienda del Gobierno Vasco y el Archivo Peña Ganchegui, en memoria de quien fuera máximo referente de la Arquitectura Vasca en la segunda mitad del siglo XX. Fundador de la Escuela de Arquitectura de San Sebastián, fue autor de obras emblemáticas como la Torre de Vista Alegre (Zarautz 1959), la Plaza de la Trinidad (Donostia, 1963), la Casa Imanolena (Mutriku, 1964) o la Plaza del Tenis (Donostia, 1976), antesala del Peine del Viento, de Eduardo Chilllida.

Creado con la intención de reconocer una joven trayectoria arquitectónica e impulsar al mismo tiempo una carrera con proyección emergente, el galardón, cuya primera edición correspondió al estudio donostiarra PAUZARQ, pretende dar visibilidad a aquellas aportaciones que, además de suponer una ejemplar práctica profesional, contribuyan a promover, desarrollar y consolidar la cultura arquitectónica.

Consecuente con su vocación divulgativa, además de entregar el premio al ganador y un diploma acreditativo a los equipos finalistas, la organización produce con los trabajos de todos ellos una exposición de vocación itinerante. En la edición de 2017 fueron siete los equipos que acompañaron a Elena Usabiaga y Felipe Urtenetxe, componentes del equipo premiado: Carlos Garmendia, MUGARA, Daniel Ruiz de Gordejuela, Jon Ander Aguirre, ARQUIMAÑA, ELE Arkitektura y Diego Sologuren. Tras su montaje inicial, en el donostiarra Palacio de Miramar (en el marco de MUGAK, la Bienal Internacional de Arquitectura de Euskadi), la exposición pudo verse en la Escuela de Arquitectura del País Vasco, en la Sede del Colegio de Arquitectos de Bilbao (contando con un ciclo de conferencias a cargo de los propios finalistas), y en el Basque Living México, showroom del cúster Habic en la capital mexicana. Finalmente, y coincidiendo con la convocatoria de la edición 2019, una versión digital de la exposición podrá visitarse en la web del premio.

El jurado de la edición 2019 estará compuesto por los arquitectos: Moisés Puente (León, 1969), que tras desempeñar cargos de responsabilidad en la Gustavo Gili, Quaderns y la revista 2G, dirige actualmente la editorial Puente Editores; Eva Prats (Barcelona, 1965), profesora de Proyectos en la ETSA de Barcelona y cofundadora de Flores & Prats arquitectos, recientemente seleccionada para el Women in Architecture Award 2019; y Eduardo Mangada (Anna – Valencia, 1932), que además de Concejal de Urbanismo del Ayuntamiento de Madrid entre 1979 y 1982, y Consejero de Ordenación del Territorio, Medio Ambiente y Vivienda de la Comunidad de Madrid entre 1983 y 1991, fue compañero de estudios de Peña Ganchegui y colaborador suyo en los años sesenta. Completan el jurado, con voz pero sin voto, los también arquitectos Rocío Peña, presidenta del Archivo Peña Ganchegui, y Pablo García Astrain, Director de Vivienda y Arquitectura del Gobierno Vasco.

Premio Peña Ganchegui 2019 b

Los interesados, que tienen hasta el 14 de mayo para formalizar su inscripción, deberán presentar su candidatura antes del 2 de julio de 2019.

Podrán presentarse candidaturas individuales o colectivas, debiendo aportar los propios interesados sus méritos, que podrán incluir obras, proyectos y trabajos de investigación que supongan una aportación en el campo de la Arquitectura, abarcando todos los ámbitos y escalas, desde el diseño de objetos hasta las intervenciones en el territorio. El fallo se dará a conocer el 10 de octubre coincidiendo con la Semana de la Arquitectura, en el acto de entrega del galardón que tendrá lugar en el Instituto de Arquitectura de Euskadi, que albergará también una muestra de los trabajos finalistas.

Toda la información sobre el Premio Peña Ganchegui a la Joven Arquitectura Vasca está disponible en la página web: premio.ganchegui.com

[:en]

Premio Peña Ganchegui 2019 a

Cuando se cumplen diez años de la muerte del arquitecto Luis Peña Ganchegui, se convoca la segunda edición del galardón que lleva su nombre, dirigido a la joven arquitectura vasca y dotado con una retribución de 6.000 € en metálico.

De carácter bienal, el premio fue creado en 2017 por el Departamento de Medio Ambiente, Planificación Territorial y Vivienda del Gobierno Vasco y el Archivo Peña Ganchegui, en memoria de quien fuera máximo referente de la Arquitectura Vasca en la segunda mitad del siglo XX. Fundador de la Escuela de Arquitectura de San Sebastián, fue autor de obras emblemáticas como la Torre de Vista Alegre (Zarautz 1959), la Plaza de la Trinidad (Donostia, 1963), la Casa Imanolena (Mutriku, 1964) o la Plaza del Tenis (Donostia, 1976), antesala del Peine del Viento, de Eduardo Chilllida.

Creado con la intención de reconocer una joven trayectoria arquitectónica e impulsar al mismo tiempo una carrera con proyección emergente, el galardón, cuya primera edición correspondió al estudio donostiarra PAUZARQ, pretende dar visibilidad a aquellas aportaciones que, además de suponer una ejemplar práctica profesional, contribuyan a promover, desarrollar y consolidar la cultura arquitectónica.

Consecuente con su vocación divulgativa, además de entregar el premio al ganador y un diploma acreditativo a los equipos finalistas, la organización produce con los trabajos de todos ellos una exposición de vocación itinerante. En la edición de 2017 fueron siete los equipos que acompañaron a Elena Usabiaga y Felipe Urtenetxe, componentes del equipo premiado: Carlos Garmendia, MUGARA, Daniel Ruiz de Gordejuela, Jon Ander Aguirre, ARQUIMAÑA, ELE Arkitektura y Diego Sologuren. Tras su montaje inicial, en el donostiarra Palacio de Miramar (en el marco de MUGAK, la Bienal Internacional de Arquitectura de Euskadi), la exposición pudo verse en la Escuela de Arquitectura del País Vasco, en la Sede del Colegio de Arquitectos de Bilbao (contando con un ciclo de conferencias a cargo de los propios finalistas), y en el Basque Living México, showroom del cúster Habic en la capital mexicana. Finalmente, y coincidiendo con la convocatoria de la edición 2019, una versión digital de la exposición podrá visitarse en la web del premio.

El jurado de la edición 2019 estará compuesto por los arquitectos: Moisés Puente (León, 1969), que tras desempeñar cargos de responsabilidad en la Gustavo Gili, Quaderns y la revista 2G, dirige actualmente la editorial Puente Editores; Eva Prats (Barcelona, 1965), profesora de Proyectos en la ETSA de Barcelona y cofundadora de Flores & Prats arquitectos, recientemente seleccionada para el Women in Architecture Award 2019; y Eduardo Mangada (Anna – Valencia, 1932), que además de Concejal de Urbanismo del Ayuntamiento de Madrid entre 1979 y 1982, y Consejero de Ordenación del Territorio, Medio Ambiente y Vivienda de la Comunidad de Madrid entre 1983 y 1991, fue compañero de estudios de Peña Ganchegui y colaborador suyo en los años sesenta. Completan el jurado, con voz pero sin voto, los también arquitectos Rocío Peña, presidenta del Archivo Peña Ganchegui, y Pablo García Astrain, Director de Vivienda y Arquitectura del Gobierno Vasco.

Premio Peña Ganchegui 2019 b

Los interesados, que tienen hasta el 14 de mayo para formalizar su inscripción, deberán presentar su candidatura antes del 2 de julio de 2019.

Podrán presentarse candidaturas individuales o colectivas, debiendo aportar los propios interesados sus méritos, que podrán incluir obras, proyectos y trabajos de investigación que supongan una aportación en el campo de la Arquitectura, abarcando todos los ámbitos y escalas, desde el diseño de objetos hasta las intervenciones en el territorio. El fallo se dará a conocer el 10 de octubre coincidiendo con la Semana de la Arquitectura, en el acto de entrega del galardón que tendrá lugar en el Instituto de Arquitectura de Euskadi, que albergará también una muestra de los trabajos finalistas.

Toda la información sobre el Premio Peña Ganchegui a la Joven Arquitectura Vasca está disponible en la página web: premio.ganchegui.com

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La grapa de ABC | Alberto Ruiz

[:es]

José entró a la cocina con el ejemplar de ABC debajo del brazo. Se sentó en su butaca preferida, junto a la ventana mientras Trini le ponía un café. En tazón grande, con la leche muy caliente, como lo tomaba desde que era un crío. Abrió el periódico. Le encantaba el olor de la tinta y, sobre todo, que el periódico viniera grapado. Compraba ABC por la grapa, aunque jamás lo reconocería. A él, la política… Saltó, como solía hacer, a la crítica de toros, pero se fijó en un artículo ilustrado con una extraña imagen. Una especie de tarta redonda que, decían, era un museo. Sonrió con el titular:

“El caracol, terminado”.

El cronista lo había identificado con más tino.

“Hay que ver cómo están las cabezas” le dijo a su mujer.

“Un museo esto… Un museo es el Prado”.

“Pero si no hemos ido nunca al Prado, José. Que a ver si llevamos a los niños…”

“Un día de estos…”

ABC-12.11.1959
ABC-12.11.1959

Mi abuelo, empleado de la Telefónica, no estaba particularmente interesado por la arquitectura, menos aún por esas modernidades que de vez en cuando salían en el ABC . Su mayor aproximación al tema era acordarse de los arquitectos que no preveían una forma segura de acceder a las fachadas para arreglar el tendido telefónico. Es posible que una gran mayoría de la población española de finales de los cincuenta tampoco lo estuviera y, sin embargo, las noticias relacionadas con el tema eran frecuentes en la prensa diaria. Así que, entre crónicas taurinas y noticias de inauguración de algún pantano, se deslizaba de cuando en cuando un breve que hablaba de extraños personajes: Le Corbusier, Frank Lloyd Wright… Incluso de algunos españoles, como aquel Miguel Fisac que parecía querer enseñar urbanismo a las amas de casa1.

La arquitectura tiene impacto en nuestras vidas, seamos o no entendidos. Y si tomamos como referencia de ese impacto su difusión a través de medios de comunicación, podemos comprobar que, más allá de las revistas especializadas, que no dejan de tener un alcance limitado a la propia profesión, la difusión de la labor de los arquitectos parece estar concentrada en cuestiones que tienen más que ver con lo económico y lo político que con ese efecto sutil del que habla Paul Goldberger cuando decía que

“la arquitectura importa porque está en todo lo que nos rodea, y todo lo que nos rodea tiene que provocar cierto efecto en nosotros”2.

En un vistazo rápido a la prensa española actual, es fácil localizar columnas periódicas dedicadas a la crítica de cine, moda, música o arte, pero, salvo contadas excepciones, la difusión de la labor de los arquitectos se limita a alguna sonada inauguración o a algún –no menos sonado- escándalo inmobiliario. Si bien es cierto que, de un tiempo a esta parte, podemos encontrar referencias al tema en la mayor parte de las cabeceras, estas suelen tener un sesgo demasiado relacionado con el fenómeno social del “arquitecto estrella” mientras que la buena arquitectura, medida, sensata y responsable –que la hay- resulta difícil de encontrar en la prensa generalista. Difícil, que no imposible.

Analizar la aproximación de la prensa no generalista a la arquitectura desde una perspectiva histórica, particularmente a esa arquitectura que entendemos como “buena” (sea eso lo que sea) supone una oportunidad de acometer una recopilación de historias de arquitectura –ambas palabras deliberadamente escritas en minúscula-. Historias que ayudaron a conformar el sentimiento arquitectónico de un país que, demasiado a menudo, ha vivido de espaldas a su legado cultural. Las minúsculas en ambos términos se justifican porque en este medio tienen cabida tanto grandes nombres como hechos anecdóticos que, por su carácter anónimo, podríamos cometer el error de considerar poco importantes. A pesar de esto, la lectura de la prensa histórica requiere de un esfuerzo de entendimiento de la perspectiva temporal. La historia de España, incluso la arquitectónica, ha sido interpretada constantemente según el punto de vista del analista. Si se quiere afrontar la recopilación de casi un siglo de historias de arquitectura en “tiempo real” se deben asumir incoherencias, gazapos, e incluso algún sorprendente cambio de criterio de los redactores. La inmediatez requerida por la redacción periodística impide en ocasiones la reflexión pausada que resulta indispensable en otros ejercicios críticos. No entendemos esto como un defecto. Al contrario, apreciamos el valor que tiene acometer la difusión universal de una disciplina considerada a menudo por los propios profesionales como algo reservado en exclusiva a los iniciados.

El estudio de las fuentes impresas ha demostrado ser una herramienta indispensable para el análisis de la historia de la arquitectura. Lo que se dice, cómo se dice y, muy a menudo, quién lo dice sirve para poner en contexto una disciplina a la que en ocasiones pedimos un imposible: que sus obras expliquen por sí mismas sus intenciones, su funcionamiento, sus aciertos y errores, en definitiva, su razón de ser. Así, resulta necesario plantear un sano ejercicio de crítica con la arquitectura, más aún con aquella creada con espíritu de trascendencia. En este sentido, las revistas especializadas han jugado históricamente un papel fundamental como sistema de interpretación analítica de la historia de la disciplina. La importancia de estas publicaciones, que durante una buena parte del siglo XX eran el único cauce de difusión de determinadas propuestas, es innegable. Sin embargo, en el fondo, suponen sólo una parte de la ecuación. En su gran mayoría, las revistas de arquitectura están escritas por arquitectos, sobre arquitectos y para arquitectos. Esta relación endogámica con la crítica de nuestro propio trabajo ha terminado, posiblemente, por generar cada vez una distancia mayor entre los profesionales y el público que, a fin de cuentas, es el principal destinatario de nuestro trabajo.

Así que acompañemos a José en la cocina de casa, ojeando la prensa y encontrando, quizá, algún apunte interesante sobre el Escorial y el Valle de los Caídos, pero también sobre Fisac, Carvajal y Oíza, sobre Le Corbusier y esa extraña manía de enfoscar las casas de blanco, y sobre esos pabellones que España construía en las Exposiciones Universales y que ayudaban al país a abrir las ventanas para que se fuera el olor añoso.

Alberto Ruiz. Arquitecto, docente e investigador.
Madrid. Abril 2019.

1 FISAC, Miguel. El Urbanismo y las amas de casa. Blanco y Negro. 24 enero 1959. p. 74

GOLDBERGER, Paul. Por qué importa la arquitectura. Madrid: Ivorypress, 2012.[:gl]

José entró a la cocina con el ejemplar de ABC debajo del brazo. Se sentó en su butaca preferida, junto a la ventana mientras Trini le ponía un café. En tazón grande, con la leche muy caliente, como lo tomaba desde que era un crío. Abrió el periódico. Le encantaba el olor de la tinta y, sobre todo, que el periódico viniera grapado. Compraba ABC por la grapa, aunque jamás lo reconocería. A él, la política… Saltó, como solía hacer, a la crítica de toros, pero se fijó en un artículo ilustrado con una extraña imagen. Una especie de tarta redonda que, decían, era un museo. Sonrió con el titular:

“El caracol, terminado”.

El cronista lo había identificado con más tino.

“Hay que ver cómo están las cabezas” le dijo a su mujer.

“Un museo esto… Un museo es el Prado”.

“Pero si no hemos ido nunca al Prado, José. Que a ver si llevamos a los niños…”

“Un día de estos…”

ABC-12.11.1959
ABC-12.11.1959

Mi abuelo, empleado de la Telefónica, no estaba particularmente interesado por la arquitectura, menos aún por esas modernidades que de vez en cuando salían en el ABC . Su mayor aproximación al tema era acordarse de los arquitectos que no preveían una forma segura de acceder a las fachadas para arreglar el tendido telefónico. Es posible que una gran mayoría de la población española de finales de los cincuenta tampoco lo estuviera y, sin embargo, las noticias relacionadas con el tema eran frecuentes en la prensa diaria. Así que, entre crónicas taurinas y noticias de inauguración de algún pantano, se deslizaba de cuando en cuando un breve que hablaba de extraños personajes: Le Corbusier, Frank Lloyd Wright… Incluso de algunos españoles, como aquel Miguel Fisac que parecía querer enseñar urbanismo a las amas de casa1.

La arquitectura tiene impacto en nuestras vidas, seamos o no entendidos. Y si tomamos como referencia de ese impacto su difusión a través de medios de comunicación, podemos comprobar que, más allá de las revistas especializadas, que no dejan de tener un alcance limitado a la propia profesión, la difusión de la labor de los arquitectos parece estar concentrada en cuestiones que tienen más que ver con lo económico y lo político que con ese efecto sutil del que habla Paul Goldberger cuando decía que

“la arquitectura importa porque está en todo lo que nos rodea, y todo lo que nos rodea tiene que provocar cierto efecto en nosotros”2.

En un vistazo rápido a la prensa española actual, es fácil localizar columnas periódicas dedicadas a la crítica de cine, moda, música o arte, pero, salvo contadas excepciones, la difusión de la labor de los arquitectos se limita a alguna sonada inauguración o a algún –no menos sonado- escándalo inmobiliario. Si bien es cierto que, de un tiempo a esta parte, podemos encontrar referencias al tema en la mayor parte de las cabeceras, estas suelen tener un sesgo demasiado relacionado con el fenómeno social del “arquitecto estrella” mientras que la buena arquitectura, medida, sensata y responsable –que la hay- resulta difícil de encontrar en la prensa generalista. Difícil, que no imposible.

Analizar la aproximación de la prensa no generalista a la arquitectura desde una perspectiva histórica, particularmente a esa arquitectura que entendemos como “buena” (sea eso lo que sea) supone una oportunidad de acometer una recopilación de historias de arquitectura –ambas palabras deliberadamente escritas en minúscula-. Historias que ayudaron a conformar el sentimiento arquitectónico de un país que, demasiado a menudo, ha vivido de espaldas a su legado cultural. Las minúsculas en ambos términos se justifican porque en este medio tienen cabida tanto grandes nombres como hechos anecdóticos que, por su carácter anónimo, podríamos cometer el error de considerar poco importantes. A pesar de esto, la lectura de la prensa histórica requiere de un esfuerzo de entendimiento de la perspectiva temporal. La historia de España, incluso la arquitectónica, ha sido interpretada constantemente según el punto de vista del analista. Si se quiere afrontar la recopilación de casi un siglo de historias de arquitectura en “tiempo real” se deben asumir incoherencias, gazapos, e incluso algún sorprendente cambio de criterio de los redactores. La inmediatez requerida por la redacción periodística impide en ocasiones la reflexión pausada que resulta indispensable en otros ejercicios críticos. No entendemos esto como un defecto. Al contrario, apreciamos el valor que tiene acometer la difusión universal de una disciplina considerada a menudo por los propios profesionales como algo reservado en exclusiva a los iniciados.

El estudio de las fuentes impresas ha demostrado ser una herramienta indispensable para el análisis de la historia de la arquitectura. Lo que se dice, cómo se dice y, muy a menudo, quién lo dice sirve para poner en contexto una disciplina a la que en ocasiones pedimos un imposible: que sus obras expliquen por sí mismas sus intenciones, su funcionamiento, sus aciertos y errores, en definitiva, su razón de ser. Así, resulta necesario plantear un sano ejercicio de crítica con la arquitectura, más aún con aquella creada con espíritu de trascendencia. En este sentido, las revistas especializadas han jugado históricamente un papel fundamental como sistema de interpretación analítica de la historia de la disciplina. La importancia de estas publicaciones, que durante una buena parte del siglo XX eran el único cauce de difusión de determinadas propuestas, es innegable. Sin embargo, en el fondo, suponen sólo una parte de la ecuación. En su gran mayoría, las revistas de arquitectura están escritas por arquitectos, sobre arquitectos y para arquitectos. Esta relación endogámica con la crítica de nuestro propio trabajo ha terminado, posiblemente, por generar cada vez una distancia mayor entre los profesionales y el público que, a fin de cuentas, es el principal destinatario de nuestro trabajo.

Así que acompañemos a José en la cocina de casa, ojeando la prensa y encontrando, quizá, algún apunte interesante sobre el Escorial y el Valle de los Caídos, pero también sobre Fisac, Carvajal y Oíza, sobre Le Corbusier y esa extraña manía de enfoscar las casas de blanco, y sobre esos pabellones que España construía en las Exposiciones Universales y que ayudaban al país a abrir las ventanas para que se fuera el olor añoso.

Alberto Ruiz. Arquitecto, docente e investigador.
Madrid. Abril 2019.

1 FISAC, Miguel. El Urbanismo y las amas de casa. Blanco y Negro. 24 enero 1959. p. 74

GOLDBERGER, Paul. Por qué importa la arquitectura. Madrid: Ivorypress, 2012.[:en]

José entró a la cocina con el ejemplar de ABC debajo del brazo. Se sentó en su butaca preferida, junto a la ventana mientras Trini le ponía un café. En tazón grande, con la leche muy caliente, como lo tomaba desde que era un crío. Abrió el periódico. Le encantaba el olor de la tinta y, sobre todo, que el periódico viniera grapado. Compraba ABC por la grapa, aunque jamás lo reconocería. A él, la política… Saltó, como solía hacer, a la crítica de toros, pero se fijó en un artículo ilustrado con una extraña imagen. Una especie de tarta redonda que, decían, era un museo. Sonrió con el titular:

“El caracol, terminado”.

El cronista lo había identificado con más tino.

“Hay que ver cómo están las cabezas” le dijo a su mujer.

“Un museo esto… Un museo es el Prado”.

“Pero si no hemos ido nunca al Prado, José. Que a ver si llevamos a los niños…”

“Un día de estos…”

ABC-12.11.1959
ABC-12.11.1959

Mi abuelo, empleado de la Telefónica, no estaba particularmente interesado por la arquitectura, menos aún por esas modernidades que de vez en cuando salían en el ABC . Su mayor aproximación al tema era acordarse de los arquitectos que no preveían una forma segura de acceder a las fachadas para arreglar el tendido telefónico. Es posible que una gran mayoría de la población española de finales de los cincuenta tampoco lo estuviera y, sin embargo, las noticias relacionadas con el tema eran frecuentes en la prensa diaria. Así que, entre crónicas taurinas y noticias de inauguración de algún pantano, se deslizaba de cuando en cuando un breve que hablaba de extraños personajes: Le Corbusier, Frank Lloyd Wright… Incluso de algunos españoles, como aquel Miguel Fisac que parecía querer enseñar urbanismo a las amas de casa1.

La arquitectura tiene impacto en nuestras vidas, seamos o no entendidos. Y si tomamos como referencia de ese impacto su difusión a través de medios de comunicación, podemos comprobar que, más allá de las revistas especializadas, que no dejan de tener un alcance limitado a la propia profesión, la difusión de la labor de los arquitectos parece estar concentrada en cuestiones que tienen más que ver con lo económico y lo político que con ese efecto sutil del que habla Paul Goldberger cuando decía que

“la arquitectura importa porque está en todo lo que nos rodea, y todo lo que nos rodea tiene que provocar cierto efecto en nosotros”2.

En un vistazo rápido a la prensa española actual, es fácil localizar columnas periódicas dedicadas a la crítica de cine, moda, música o arte, pero, salvo contadas excepciones, la difusión de la labor de los arquitectos se limita a alguna sonada inauguración o a algún –no menos sonado- escándalo inmobiliario. Si bien es cierto que, de un tiempo a esta parte, podemos encontrar referencias al tema en la mayor parte de las cabeceras, estas suelen tener un sesgo demasiado relacionado con el fenómeno social del “arquitecto estrella” mientras que la buena arquitectura, medida, sensata y responsable –que la hay- resulta difícil de encontrar en la prensa generalista. Difícil, que no imposible.

Analizar la aproximación de la prensa no generalista a la arquitectura desde una perspectiva histórica, particularmente a esa arquitectura que entendemos como “buena” (sea eso lo que sea) supone una oportunidad de acometer una recopilación de historias de arquitectura –ambas palabras deliberadamente escritas en minúscula-. Historias que ayudaron a conformar el sentimiento arquitectónico de un país que, demasiado a menudo, ha vivido de espaldas a su legado cultural. Las minúsculas en ambos términos se justifican porque en este medio tienen cabida tanto grandes nombres como hechos anecdóticos que, por su carácter anónimo, podríamos cometer el error de considerar poco importantes. A pesar de esto, la lectura de la prensa histórica requiere de un esfuerzo de entendimiento de la perspectiva temporal. La historia de España, incluso la arquitectónica, ha sido interpretada constantemente según el punto de vista del analista. Si se quiere afrontar la recopilación de casi un siglo de historias de arquitectura en “tiempo real” se deben asumir incoherencias, gazapos, e incluso algún sorprendente cambio de criterio de los redactores. La inmediatez requerida por la redacción periodística impide en ocasiones la reflexión pausada que resulta indispensable en otros ejercicios críticos. No entendemos esto como un defecto. Al contrario, apreciamos el valor que tiene acometer la difusión universal de una disciplina considerada a menudo por los propios profesionales como algo reservado en exclusiva a los iniciados.

El estudio de las fuentes impresas ha demostrado ser una herramienta indispensable para el análisis de la historia de la arquitectura. Lo que se dice, cómo se dice y, muy a menudo, quién lo dice sirve para poner en contexto una disciplina a la que en ocasiones pedimos un imposible: que sus obras expliquen por sí mismas sus intenciones, su funcionamiento, sus aciertos y errores, en definitiva, su razón de ser. Así, resulta necesario plantear un sano ejercicio de crítica con la arquitectura, más aún con aquella creada con espíritu de trascendencia. En este sentido, las revistas especializadas han jugado históricamente un papel fundamental como sistema de interpretación analítica de la historia de la disciplina. La importancia de estas publicaciones, que durante una buena parte del siglo XX eran el único cauce de difusión de determinadas propuestas, es innegable. Sin embargo, en el fondo, suponen sólo una parte de la ecuación. En su gran mayoría, las revistas de arquitectura están escritas por arquitectos, sobre arquitectos y para arquitectos. Esta relación endogámica con la crítica de nuestro propio trabajo ha terminado, posiblemente, por generar cada vez una distancia mayor entre los profesionales y el público que, a fin de cuentas, es el principal destinatario de nuestro trabajo.

Así que acompañemos a José en la cocina de casa, ojeando la prensa y encontrando, quizá, algún apunte interesante sobre el Escorial y el Valle de los Caídos, pero también sobre Fisac, Carvajal y Oíza, sobre Le Corbusier y esa extraña manía de enfoscar las casas de blanco, y sobre esos pabellones que España construía en las Exposiciones Universales y que ayudaban al país a abrir las ventanas para que se fuera el olor añoso.

Alberto Ruiz. Arquitecto, docente e investigador.
Madrid. Abril 2019.

1 FISAC, Miguel. El Urbanismo y las amas de casa. Blanco y Negro. 24 enero 1959. p. 74

GOLDBERGER, Paul. Por qué importa la arquitectura. Madrid: Ivorypress, 2012.[:]

¿Interesa la arquitectura a la sociedad? | Stepienybarno

Nos parece interesante replantear cómo es la relación entre la arquitectura, los arquitectos, la ciudad y la propia sociedad a la que servimos. Y desde Stepienybarno, cada vez nos parece más importante analizar cuál es papel que jugamos los arquitectos en este planteamiento.

Así que, con vuestro permiso, vamos a intentar analizar unas cuantas claves que quizás nos den pautas para mejorar esta relación.

¿Te vienes con nosotros?

¿Interesa la arquitectura a la sociedad Stepienybarno

Por un nuevo urbanismo.

Un plan urbanístico debiera ser el mejor garante para que asegurar el buen funcionamiento de una ciudad. Estos planes han de estar firmados por un arquitecto o arquitecta, aunque cierto es que pueden ir (y debieran ir) acompañados por equipos multidisciplinares, donde se inserten sociólogos, ingenieros, ecólogos o paisajistas. Pero esta “exclusividad” ha hecho las delicias de muchas oficinas de urbanismo especialistas en poner cuadritos uno al lado de otro.

Como suele mencionar José María Ezquiaga,

“muchas de ellas se han convertido en meros repartidores de edificabilidad”.

Aun así, cada vez es más claro que un tocho infumable de en el mejor de los casos buenas intenciones para los próximos cuatro años es complicado de digerir. A día de hoy, necesitamos herramientas infinitamente más agiles y flexibles que marquen un camino a seguir, incluyendo a la ciudadanía en la medida de lo posible –con una participación real-.

Como bien dicen nuestros amigos de Paisaje Transversal,

“(…) Si bien el desarrollo de figuras legales de planeamiento urbano (Planes Generales, Planes Parciales, Planes Especiales, etc.) está sujeto legalmente a plantear mecanismos de participación pública, lo cierto es que estos suelen reducirse al periodo de alegaciones y exposición pública.

De este modo, lo que se logra es remplazar la participación por mecanismos que pertenecen únicamente al ámbito de la comunicación e información.

Esto conlleva que se acabe confundiendo la participación con la consulta pública cuando se utilizan  exclusivamente encuestas, estadísticas, etc. Esta tendencia se refleja, por un lado,  en el modelo de selección por votación popular sobre una serie de propuestas arquitectónicas ya dadas y cerradas; y también en casos como las consultas ciudadanas dirigidas a, simplemente, decidir el color del  que hay que pintar un puente (…)”.

Si esta realidad la trasladamos a los propios edificios, la problemática se agrava todavía más. La gran mayoría de los que forman el núcleo de nuestras ciudades requieren, nuevamente, la firma de un arquitecto. Así que, pararnos a entender qué es lo que hemos estado haciendo en los años de “bonanza” no parece una mala idea.

Por lo tanto, la pregunta que se viene haciendo sobre si la arquitectura interesa (o no) a la sociedad, nos parece del todo relevante.

Para responderla, los arquitectos no podemos echar balones fuera, pensar que somos unos incomprendidos (nos encanta sentirnos victimas del sistema) y que es la gente la que no se preocupa de lo que  realmente debiera.

Como bien comentaba hace tiempo el arquitecto Juan Herreros, en un post de Anatxu Zabalbeascoa,

“(…) me inquieta comprobar que los arquitectos no habitamos un lugar desde el que explicar con claridad el interés y la necesidad de nuestro trabajo. La ciudad cambia a ritmos vertiginosos impulsada por la energía, las ambiciones y la fuerza del capital, pero no tengo muy claro que estemos realmente participando de esos cambios con nuestro conocimiento e imaginación sino más bien dando forma final a un escenario cuyas reglas las escriben otros”.

Barrio de Sanchinarro
Barrio de Sanchinarro | Ortofoto, googlemaps

Nuestras ciudades a partir del efecto “Guggenheim” han querido posicionarse en el mapa a golpe de talonario. Por ello, más de un alcalde se ha aferrado a su poltrona, acompañado de la estrella arquitectónica de turno. Les ha encantado  el despliegue mediático que ello genera, gastarse todo el dinero del mundo y tener su propio hito particular (asegurando de esta forma infinidad de votos).

Desde este tipo de intervenciones, se ha transmitido a la sociedad una imagen de la arquitectura frívola y distante, más propia de programas de salsa rosa que de algo  serio y respetuoso.

Así, mucha gente  identifica a los arquitectos como unos tipos endiosados (con la cartera bien llena) y que no pegan ni golpe.

Por todo ello, entendemos que además de perder una gran oportunidad para trazar puentes entre arquitectura y sociedad, lo que ha sucedido es que nos hemos  distanciado aún más.

Ciudad de las Artes y las Ciencias
Ciudad de las Artes y las Ciencias | Fuente: wikipedia.org

Buenos arquitectos, pero bastante desconocidos.

Por otro lado, dentro de la arquitectura “pública” nos encontramos con otro grupo de edificios que, aun siendo buenos ejemplos de arquitectura de nuestro tiempo, manejan un lenguaje demasiado extraño. Aquí no hay un problema de calidad arquitectónica, sino de no haber sabido aclarar el nuevo código que se estaba utilizando. A este respecto el arquitecto Francisco Cifuentes, comentaba hace tiempo, en el foro de Arquia proxima, que

“estamos con la mirada cerrada, sin conexión con la sociedad. No se trata de renunciar a construir, pero si queremos hablar de cambio, salgamos a la calle”.

De hecho, muchas arquitecturas han tratado de imponer  cómo se han de utilizar los edificios, en vez de haberse parado a  entender las verdaderas necesidades de quien los usará y

“adaptarse a la manera de vivir de la gente, tratando de servirla, de mejorarla”,

como ya remarcaba hace ya unos años José Antonio Coderch,

“el arquitecto no debe ensañar a nadie cómo debe de vivir”.

A partir de aquí, la idea que puede tener la sociedad de los arquitectos es de lo más variada, pero, no sin parte de razón, por un gran porcentaje de la misma se les identificará como la mano ejecutora de la alianza político-inmobiliaria. En este punto, poco se puede decir, salvo admitir que la “ciudad trumanizada”, en general, ha crecido postrada al sector inmobiliario, y los arquitectos han sido un actor  más de esta triste función.

Pero no todos los arquitectos han ido dejando su huella de manera tan poco afortunada. Muchos otros han construido de manera digna y han trabajado apostando por una arquitectura silenciosa, seria y honrada. Numerosas viviendas de particulares han sido diseñadas con buen criterio y se ha producido una buena comunicación entre usuarios y proyectistas.

El único problema que vemos es que estas arquitecturas no han tenido la difusión que se merecían. Por ello, su influencia ha quedado limitada y por tanto, no se han convertido en el  referente que hubiera sido deseable a la hora de estrechar lazos entre arquitectura y sociedad.

Proyecto de Tabuenca y Leache, un estudio de primera fila que no es demasiado conocido. Excelente ejemplo de mesura y contención.
Proyecto de Tabuenca y Leache, un estudio de primera fila que no es demasiado conocido. Excelente ejemplo de mesura y contención | Casa del Condestable / Tabuenca & Leache, Arquitectos | Autor: Luis Prieto | Fuente: plataformaarquitectura.com

Llegar a un público no especializado.

Hay que destacar que, más allá de la potencia que han ido pillando durante estos años varios blogs de arquitectura, es importante la presencia de firmas solventes en medios generalistas como es el caso de David García-Asenjo, Fredy Massad, Anatxu Zabalbeascoa o Jaume Prat.

Aun así, son pocas las ocasiones que tenemos de que conceptos arquitectónicos lleguen a un público no especializado.

En este sentido, la red social de youtube cada vez es más fuerte –su buscador es el segundo más importante después de google- y son muchos los que ya se consideran youtubers. Una de ellas, es Ter, una arquitecta que normalmente trata temas ajenos a la arquitectura y tiene un canal de más de 200.000 seguidores. La cosa es que cada vez que sí que habla de arquitectura se planta delante de miles de personas y además con bastante éxito, a juzgar por el número de comentarios (cientos) y visitas de sus vídeos.

Resumiendo, vemos que, por suerte, muchos arquitectos han dado vacaciones a su potente ego para poner los pies en la tierra e intentar ser más cercanos al resto de la ciudadanía.

Otros muchos navegan en los límites de la propia arquitectura resultando sus propuestas mucho más cercanas, atractivas y entendibles.

De todo ello y mucho más, nos gustaría seguir hablando de ello en artículos venideros.

Creemos que para tener ciudades amables, sanas, vivas y sostenibleslos arquitectos tenemos que bajar la guardia, olvidarnos de nuestro “selecto” lenguaje, buscar vías de verdadera participación ciudadana y aprovechar las nuevas tecnologías para acercar la arquitectura a  la sociedad y la sociedad a la arquitectura.

Mucho por pensar, mucho por debatir, mucho por hacer.

Stepienybarno_Agnieszka Stepien y Lorenzo Barnó, arquitectos
Estella, Julio 2018

Artículo publicado originalmente en la Plataforma de La Ciudad Viva.

[:es]Maestros Modernos. Rafael de la Hoz Arderius[:gl]Mestres Modernos. Rafael de la Hoz Arderius[:en]Modern Masters. Rafael de la Hoz Arderius[:]

0

[:es]https://vimeo.com/279822131

Conferencia dedicada al arquitecto madrileño Rafael de la Hoz Arderius (1924-2000) como parte del ciclo Maestros Modernos de la Fundación Arquitectura COAM.

Con este ciclo se quiere poner de manifiesto la importancia que el patrimonio arquitectónico contemporáneo tiene para la sociedad del siglo XXI, la necesidad de su reconocimiento social y de su mantenimiento y conservación.

A lo largo de su trayectoria profesional obtiene premios tan destacados como el Premio Nacional de Arquitectura, en el año 1956, por el Colegio Mayor Aquinas; el VI Premio Antonio Camuñas de Arquitectura, en 1995 y, en el año 2000, la Medalla de Oro de la Arquitectura.

Hacia mediados de los sesenta, su estudio cordobés trabaja en toda Andalucía con realizaciones como el Edificio de la fábrica de cervezas El Águila (Córdoba), el Palacio de Congresos de Torremolinos, el hospital Provincial de Córdoba, la sede del Colegio de Médicos de Sevilla o el colegio de las Teresianas de Córdoba. En los años setenta, y ya en Madrid, proyectó la ampliación del Ministerio de Marina y el antiguo edificio del Banco Coca, sobre la Plaza de Emilio Castelar, en el número 50 del Paseo de la Castellana.

Mesa redonda con la intervención de Rafael de La-Hoz Castanys, Arturo Franco y Francisco Daroca.

[:gl]https://vimeo.com/279822131

Conferencia dedicada ao arquitecto madrileño Rafael de la Hoz Arderius (1924-2000) como parte do ciclo Mestres Modernos da Fundación Arquitectura COAM.

Con este ciclo quérese poñer de manifesto a importancia que o patrimonio arquitectónico contemporáneo ten para a sociedade do século XXI, a necesidade do seu recoñecemento social e do seu mantemento e conservación.

Ao longo da súa traxectoria profesional obtén premios tan destacados como o Premio Nacional de Arquitectura, no ano 1956, polo Colexio Maior Aquinas; o VI Premio Antonio Camuñas de Arquitectura, en 1995 e, no ano 2000, a Medalla de Ouro da Arquitectura.

Cara a mediados dos sesenta, o seu estudo cordobés traballa en toda Andalucía con realizacións como o Edificio da fábrica de cervexas O Aguia (Córdoba), o Palacio de Congresos de Torremolinos, o hospital Provincial de Córdoba, a sede do Colexio de Médicos de Sevilla ou o colexio das Teresianas de Córdoba. Nos anos setenta, e xa en Madrid, proxectou a ampliación do Ministerio de Mariña e o antigo edificio do Banco Coca, sobre a Praza de Emilio Castelar, no número 50 do Paseo da Castelá.

Hacia mediados de los sesenta, su estudio cordobés trabaja en toda Andalucía con realizaciones como el Edificio de la fábrica de cervezas El Águila (Córdoba), el Palacio de Congresos de Torremolinos, el hospital Provincial de Córdoba, la sede del Colegio de Médicos de Sevilla o el colegio de las Teresianas de Córdoba. En los años setenta, y ya en Madrid, proyectó la ampliación del Ministerio de Marina y el antiguo edificio del Banco Coca, sobre la Plaza de Emilio Castelar, en el número 50 del Paseo de la Castellana.

Mesa redonda coa intervención de Rafael de La-Hoz Castanys, Arturo Franco e Francisco Daroca.

[:en]https://vimeo.com/279822131

Conference dedicated to the Madrid architect Rafael de la Hoz Arderius (1924-2000) as part of the Modern Masters cycle of the COAM Architecture Foundation.

With this cycle we want to highlight the importance that the contemporary architectural heritage has for the society of the 21st century, the need for its social recognition and its maintenance and conservation.

Throughout his professional career, he has won prizes as outstanding as the National Architecture Prize, in 1956, for the Aquinas High School; the VI Antonio Camuñas Architecture Prize, in 1995 and, in 2000, the Gold Medal of Architecture.

Towards the middle of the sixties, his Cordoba studio works throughout Andalusia with works such as the El Águila beer factory building (Córdoba), the Torremolinos Congress Palace, the Provincial Hospital of Córdoba, the headquarters of the Medical College of Seville or the school of the Teresianas of Córdoba. In the seventies, and already in Madrid, he planned the extension of the Ministry of the Navy and the old Coca Bank building, on the Plaza de Emilio Castelar, at number 50 Paseo de la Castellana.

Round table with the intervention of Rafael de La-Hoz Castanys, Arturo Franco and Francisco Daroca.

[:]

Espai Natura | BAILORULL

[:es]

La salud y el bienestar de los individuos y el entorno son las claves de HAUS. Una manera responsable y creativa de abordar la arquitectura cuyo propósito reside en aportar un valor añadido a la construcción estandarizada. La gestora de proyectos constructivos Marcove y los arquitectos BAILORULL aúnan experiencia y solvencia para crear HAUS. Una innovadora propuesta que apuesta
por aplicar criterios saludables a los espacios que habitamos con el objetivo de mejorar la vida de las personas y el medio ambiente.

El despacho internacional de arquitectura BAILORULL es el autor de Espai Natura, una promoción de vivienda colectiva, que se compone de 16 viviendas pasantes –4 por planta– de aproximadamente 140 m2 cada una, que han sido diseñadas para mejorar la salud de los usuarios y del entorno. Situado en Sant Cugat del Vallès, el edificio, a cuatro vientos, goza de una ubicación privilegiada por su conectividad con Barcelona –se halla a tan solo 20 kilómetros de distancia–, y por disfrutar de la riqueza natural que ofrece la vertiente norte del Parc de Collserola.

Espai Natura BAILORULL o6

Tras varios años de investigación continuada y como respuesta a la inquietud de BAILORULL Arquitectura y la gestora de proyectos Marcove, de aportar nuevos estándares a la construcción, surge HAUS. Una manera responsable y creativa de abordar la arquitectura que incorpora a los espacios habitables un conjunto integral de criterios saludables, para mejorar el bienestar de los individuos y el entorno. El primer proyecto realizado bajo parámetros HAUS es Espai Natura y para su desarrollo se ha contando además, con el conocimiento de un grupo multidisciplinar de especialistas y expertos que comparten la búsqueda de la excelencia y la sensibilidad por la salud y la sostenibilidad.

En cuanto a la descripción arquitectónica del nuevo edificio, y en coherencia con la propuesta de HAUS, éste se ha fundamentado sobre todo en tres principios. En primer lugar, y como respuesta a un estudio que determina que tras la grave crisis del mercado inmobiliario de los últimos 7 años, las familias ya no invierten en el piso “puente”, un espacio de tamaño y prestaciones por debajo de lo requerido, Espai Natura plantea una tipología de vivienda amplia y flexible. Un lugar capaz de adaptarse en programa y usos a las necesidades funcionales que en cada momento puedan surgir por parte de aquellos que las habitan. En segundo lugar, con el fin de mejorar el comportamiento energético del edificio, y aprovechado la buena orientación del bloque, se han diseñado unas galerías que, al igual que las que caracterizan al ensanche barcelonés, proporcionan a cada vivienda de un espacio climático de uso polivalente. Y por último, para que el proyecto contribuya en la mayor medida posible a respetar el medioambiente se ha apostado por una materialidad sana, que huye de procesos perjudiciales y aboga por materiales sostenibles en su construcción.

A nivel de diseño, el edificio de Espai Natura toma forma a través de un volumen escalonado y compacto, de 50 m por 13,5 m de fondo y de estructura de hormigón armado, que se adapta a la topografía de la calle. Las viviendas, que cuentan con: cuatro habitaciones, una principal y tres dobles, tres baños completos, vestíbulo, sala de estar y comedor pasantes, cocina, lavadero, han sido organizadas a través de espacios amplios y proponen lugares de transición –balcones y galerías, de 1,8 m de ancho– que ofrecen a los usuarios espacios intermedios entre el interior y el exterior.

Estos espacios de transición funcionan como cojines climáticos. La fachada de poniente se resuelve con una galería con cerramientos ligeros de madera de castaño y vidrio formada por tres capas: fachada de transición, espacio cojín y fachada de cierre que se resuelve con piezas de hormigón prefabricado a modo de brise soleil. Su sección constructiva favorece la producción de calor en invierno, manteniendo el espacio cojín cerrado, y protege del calor en verano al mantener el espacio galería abierto para la ventilación.

La fachada interior se resuelve con un balcón corrido con una barandilla permeable que permite las vistas al paisaje desde la vivienda. Las soluciones pasivas propuestas en Espai Natura, la distribución, la tipología y la galería, permiten el control solar y térmico del edificio, solución, entre otras muchas, que hace posible que no sea necesario la utilización de aire condicionado, y por tanto, hacen la propuesta más sostenible y respetuosa con el medio ambiente.

Los criterios con los que se ha desarrollado Espai Natura generan beneficios como la optimización de los niveles térmicos, bioeléctricos y lumínicos; mejoran la calidad del agua y del aire; minimizan el impacto de los campos eléctricos y magnéticos, así como la toxicidad de las pinturas. Además, a través de la utilización de proveedores y materiales de proximidad, se ha garantizado la responsabilidad y la coherencia con la que se ha abordado este proyecto.

Las viviendas de Espai Natura disponen de piscina, zona ajardinada con especies autóctonas del paisaje del Vallès, área de juegos infantil y se creará un huerto que se regará con aguas pluviales. Toda esta zona será de uso común a los usuarios que ocupen otros tres edificios más ya planificados: la fase dos en construcción con un total de 15 viviendas, la fase tres con 20 viviendas dúplex y la fase cuatro con 8 viviendas. Todas ellas seguirán los criterios de HAUS.

El edificio, ubicado en Sant Cugat, ha sido reconocido con una selección en la categoría Arquitectura de los premios FAD 2018, que este año han celebrado su 60 edición; y como finalista en la XV edición de los Premios Catalunya Construcció 2018, en el apartado de Innovació en la Construcció. Espai Natura, además, es el primer edificio residencial de más de seis viviendas en el estado español que recibe la certificación de “cuatro hojas verdes” que otorga el Green Building Council. Por último, es también uno de los primeros edificios residenciales en el estado que consigue la certificación energética A.

BAILORULL Arquitectura y Marcove apuestan por una arquitectura abstracta para reinterpretar las condiciones, la utilización de los materiales y las dimensiones espaciales y por proponer espacios que respiran capaces de responder sosteniblemente a los usos contemporáneos. El reto, popularizar HAUS proyectando, construyendo, rehabilitando y asesorando a terceros en áreas como la vivienda residencial colectiva, sedes corporativas, equipamientos o el ámbito sanitario.

Obra: Espai Natura
Año: 2018
Superficie: 4.938 m2
Promotor: Marcove Industrial
Autores: BAILORULL (Manuel Bailo, Rosa Rull)
Equipo: Josep Puigdemont (Director de proyecto), Laura Gelman, Rafael Arbó
Colaboradores: Arquitecto técnico, Jose Antonio Quesada, Ingeniero, Victor Barnés, Barny Enginyeria, Estructuras, Marca Barbara, S4 Arquitectes,
Project management: HAUS
Constructor: Grup Marcove
Fotografía: José Hevia
+ addarquitectura.net[:gl]

A saúde e o benestar dos individuos e a contorna son as claves de HAUS. Unha maneira responsable e creativa de abordar a arquitectura cuxo propósito reside en achegar un valor engadido á construción estandarizada. A xestora de proxectos construtivos Marcove e os arquitectos BAILORULL aúnan experiencia e solvencia para crear HAUS. Unha innovadora proposta que aposta por aplicar criterios saudables aos espazos que habitamos co obxectivo de mellorar a vida das persoas e o medio ambiente.

O despacho internacional de arquitectura BAILORULL é o autor de Espai Natura, unha promoción de vivenda colectiva, que se compón de 16 vivendas pasantes –4 por planta– de aproximadamente 140 m2 cada unha, que foron deseñadas para mellorar a saúde dos usuarios e da contorna. Situado en Sant Cugat do Vallès, o edificio, a catro ventos, goza dunha localización privilexiada pola súa conectividade con Barcelona –áchase a tan só 20 quilómetros de distancia–, e por gozar da riqueza natural que ofrece a vertente norte do Parc de Collserola.

Espai Natura BAILORULL o6

Tras varios anos de investigación continuada e como resposta á inquietude de BAILORULL Arquitectura e a xestora de proxectos Marcove, de achegar novos estándares á construción, xorde HAUS. Unha maneira responsable e creativa de abordar a arquitectura que incorpora aos espazos habitables un conxunto integral de criterios saudables, para mellorar o benestar dos individuos e a contorna. O primeiro proxecto realizado baixo parámetros HAUS é Espai Natura e para o seu desenvolvemento se ha contando ademais, co coñecemento dun grupo multidisciplinar de especialistas e expertos que comparten a procura da excelencia e a sensibilidade pola saúde e a sustentabilidade.

En canto á descrición arquitectónica do novo edificio, e en coherencia coa proposta de HAUS, este fundamentouse sobre todo en tres principios. En primeiro lugar, e como resposta a un estudo que determina que tras a grave crise do mercado inmobiliario dos últimos 7 anos, as familias xa non invisten no piso “ponte”, un espazo de tamaño e prestacións por baixo do requirido, Espai Natura expón unha tipoloxía de vivenda ampla e flexible. Un lugar capaz de adaptarse en programa e usos ás necesidades funcionais que en cada momento poidan xurdir por parte daqueles que as habitan. En segundo lugar, co fin de mellorar o comportamento enerxético do edificio, e aproveitado a boa orientación do bloque, deseñáronse unhas galerías que, do mesmo xeito que as que caracterizan ao ensanche barcelonés, proporcionan a cada vivenda dun espazo climático de uso polivalente. E por último, para que o proxecto contribúa na maior medida posible a respectar o medioambiente apostouse por unha materialidad sa, que foxe de procesos prexudiciais e avoga por materiais sustentables na súa construción.

A nivel de deseño, o edificio de Espai Natura toma forma a través dun volume graduado e compacto, de 50 m por 13,5 m de fondo e de estrutura de formigón armado, que se adapta á topografía da rúa. As vivendas, que contan con: catro habitacións, unha principal e tres dobres, tres baños completos, vestíbulo, sala de estar e comedor pasantes, cociña, lavadoiro, foron organizadas a través de espazos amplos e propoñen lugares de transición –balcóns e galerías, de 1,8 m de ancho– que ofrecen aos usuarios espazos intermedios entre o interior e o exterior.

Estes espazos de transición funcionan como coxíns climáticos. A fachada de poñente resólvese cunha galería con cerramentos lixeiros de madeira de castiñeiro e vidro formada por tres capas: fachada de transición, espazo coxín e fachada de peche que se resolve con pezas de formigón prefabricado a modo de brise soleil. A súa sección construtiva favorece a produción de calor no inverno, mantendo o espazo coxín pechado, e protexe da calor no verán ao manter o espazo galería aberto para a ventilación.

A fachada interior resólvese cun balcón corrido cunha varanda permeable que permite as vistas á paisaxe desde a vivenda. As solucións pasivas propostas en Espai Natura, a distribución, a tipoloxía e a galería, permiten o control solar e térmico do edificio, solución, entre outras moitas, que fai posible que non sexa necesario a utilización de aire condicionado, e por tanto, fan a proposta máis sustentable e respectuosa co medio ambiente.

Os criterios cos que se desenvolveu Espai Natura xeran beneficios como a optimización dos niveis térmicos, bioeléctricos e lumínicos; melloran a calidade da auga e do aire; minimizan o impacto dos campos eléctricos e magnéticos, así como a toxicidade das pinturas. Ademais, a través da utilización de provedores e materiais de proximidade, garantiuse a responsabilidade e a coherencia coa que se abordou este proxecto.

As vivendas de Espai Natura dispoñen de piscina, zona axardinada con especies autóctonas da paisaxe do Vallès, área de xogos infantil e crearase un horto que se regará con augas pluviais. Toda esta zona será de uso común aos usuarios que ocupen outros tres edificios máis xa planificados: a fase dúas en construción cun total de 15 vivendas, a fase tres con 20 vivendas dúplex e a fase catro con 8 vivendas. Todas elas seguirán os criterios de HAUS.

O edificio, situado en Sant Cugat, foi recoñecido cunha selección na categoría Arquitectura dos premios FAD 2018, que este ano celebraron a súa 60 edición; e como finalista na XV edición dos Premios Catalunya Construcció 2018, no apartado de Innovació na Construcció. Espai Natura, ademais, é o primeiro edificio residencial de máis de seis vivendas no estado español que recibe a certificación de “catro follas verdes” que outorga o Green Building Council. Por último, é tamén un dos primeiros edificios residenciais no estado que consegue a certificación enerxética A.

BAILORULL Arquitectura e Marcove apostan por unha arquitectura abstracta para reinterpretar as condicións, a utilización dos materiais e as dimensións espaciais e por propoñer espazos que respiran capaces de responder sosteniblemente aos usos contemporáneos. O reto, popularizar HAUS proxectando, construíndo, rehabilitando e asesorando a terceiros en áreas como a vivenda residencial colectiva, sedes corporativas, equipamentos ou o ámbito sanitario.

Obra: Espai Natura
Ano: 2018
Superficie: 4.938 m2
Promotor: Marcove Industrial
Autores: BAILORULL (Manuel Bailo, Rosa Rull)
Equipo: Josep Puigdemont (Director de proxecto), Laura Gelman, Rafael Arbó
Colaboradores: Arquitecto técnico, Jose Antonio Quesada, Ingeniero, Victor Barnés, Barny Enginyeria, Estruturas, Marca Barbara, S4 Arquitectes,
Project management: HAUS
Construtor: Grup Marcove
Fotografías: José Hevia
+ addarquitectura.net[:en]

The health and wellbeing of people and their surroundings are the keys to HAUS. A responsible, creative way of approaching architecture with the aim of bringing added value to standardised construction. The construction project manager Marcove and architects BAILORULL combine their experience and reliability to create HAUS, an innovative proposal that applies healthy criteria to the spaces we live in with the aim of improving the lives of people and the environment.

The international architecture practice BAILORULL has created Espai Natura [Nature Space], a collective housing development comprising 16 cross-ventilated dwellings –four per floor– of approximately 140 m2, designed to improve the health of their occupants and surroundings. Located in Sant Cugat del Vallès, the freestanding building is ideally situated for its connectivity with Barcelona, just 20 kilometres away, and for ease of access to the natural resources offered by the north-facing slope of the Parc de Collserola.

Espai Natura BAILORULL o6

Years of continuing research in response to the shared interest of BAILORULL Arquitectura and Marcove project manager in introducing new standards into construction have produced HAUS: a responsible, creative form of architecture that brings an integrated series of healthy criteria to living spaces, improving the wellbeing of people and the environment. The first project carried out according to HAUS parameters is Espai Natura, developed with the additional knowledge of a multidisciplinary group of specialists and experts who also share the search for excellence and a sensibility for health and sustainability.

In architectural terms, the new building is based on three main principles, in keeping with HAUS proposals. Firstly, in response to a study that says that after the serious crisis in the property market in the last seven years, families are no longer investing in an interim dwelling (a smaller space with fewer functions than needed), Espai Natura proposes a spacious, flexible dwelling typology: a place that can adapt in brief and uses to the functional needs of its inhabitants at any moment. Secondly, in order to improve the building’s energy performance, exploiting the good orientation of the block, it is designed with galleries, like those that characterise Barcelona’s Eixample grid, giving each dwelling a multiuse climatic space. And, finally, to ensure maximum respect for the environment, the project is based on healthy resources that avoid harmful processes and opts for sustainable construction materials.

In terms of design, the Espai Natura building presents a compact, stepped volume, 50 m wide and 13.5 m deep, with a reinforced concrete structure that adapts to the topography of the street. The dwellings, each with four bedrooms (one master and three doubles), three full bathrooms, entrance hall, cross-ventilated living and dining rooms, kitchen and laundry room), are laid out with large spaces and places of transition –balconies and galleries, 1.8 m wide– that offer their occupants intermediate spaces between inside and out.

These transition spaces function as climate buffers. The west façade comprises a gallery of lightweight claddings of chestnut wood and glass, made up of three layers: transition façade, buffer space and facing in the form of a brise soleil of prefabricated concrete elements. The construction section encourages the production of heat in winter, keeping the buffer space closed, and provides protection from excess heat in summer by opening the gallery space for ventilation.

The inner façade takes the form of a continuous balcony with a permeable railing that allows views of the landscape from the dwelling. The layout, the typology and the gallery proposed in Espai Natura are passive solutions that enable solar and thermal control of the building, making air-conditioning unnecessary and, as a result, producing a more sustainable, environmentally friendly design.

The criteria underlying Espai Natura generate benefits such as optimised thermal, bioelectrical and light levels; improved water and air quality; and minimised impact of electric and magnetic fields, and paint toxicity. Additionally, recourse to local supplies and materials guarantees the responsibility and coherence underlying this project.

The dwellings in Espai Natura have a swimming pool, a garden area planted with native species from the surrounding Vallès landscape, and a children’s play area, and a vegetable garden, to be watered using rainwater, is planned. This whole space will be for the common use of the occupants of another three buildings at the planning stage: phase two, under construction, with a total of 15 dwellings, phase three with 20 duplex dwellings, and phase four with eight dwellings. All of them will follow HAUS criteria.

The building, in Sant Cugat, was shortlisted in the Architecture category of the FAD Awards 2018, organised for the sixtieth time this year; and chosen as a finalist in the 15th Catalunya Construcció Awards 2018, in the Innovation in Construction section. Espai Natura is, in addition, the first residential building of more than six dwellings in Spain to attain the Four Green Leaf rating of the Green Building Council. It is also one of the first residential buildings in Spain to be awarded class A energy certification.

BAILORULL Arquitectura and Marcove choose abstract architecture to reinterpret conditions, the use of materials and spatial dimensions, and to propose spaces that breathe and are capable of responding sustainably to contemporary uses. The challenge is to popularise HAUS by designing, building, rehabilitating and offering consultancy to third parties in areas such as collective housing developments, corporate headquarters, amenities and the healthcare sector.

Work: Espai Natura
Year: 2018
Superficie: 4.938 m2
Client: Marcove Industrial
Authors: BAILORULL (Manuel Bailo, Rosa Rull)
Team: Josep Puigdemont (Director de proyecto), Laura Gelman, Rafael Arbó
Collaborators: Quantity surveyor: Jose Antonio Quesada, Engineer: Victor Barnés, Barny Enginyeria, Structures: Marca Barbara, S4 Arquitectes
Project management: HAUS
Developer: Grup Marcove
Photography: José Hevia
+ addarquitectura.net[:]

Argument01. Sampling Contexts

ARGUMENT1 SAMPLIGCONTEXTS

Sampling Contexts (primer número de la serie Argument) es el libro resumen de una investigación sobre el #sampleo en arquitectura realizada en el curso 2017-2018 en el Departamento de Proyectos Arquitectónicos (DPA) de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM) de la Universidad Politécnica de Madrid (UPM). El documento adquiere el formato de un relato visual y escrito que recopila la información de trabajo, con un cuerpo principal formado por seis eventos en forma de diálogos interactivos que materializan un estado actual de la arquitectura.

Se entiende el sampleo como una técnica de gran interés en el campo de la arquitectura contemporánea. En un momento como el actual, en el que las tecnologías de la información y la comunicación permiten el acceso inmediato a todo tipo de materiales y recursos, la capacidad de los arquitectos para seleccionar y dotar de valor a ciertos fragmentos de información se vuelve más relevante. En este libro se muestran los imaginarios que cada una de las prácticas invitadas consideran de interés para sus procesos de trabajo, así como las relaciones que se establecen entre dichos fragmentos, con la intención de construir un argumento que dirija las acciones que determinan su producción.

En cada uno de los eventos, los invitados aportan una selección de 20 imágenes, organizadas en #matrices, en las que apoyan los fundamentos de sus respectivas prácticas. Son colecciones de referencias, recursos conceptuales o citas visuales que definen sus intereses y que son utilizadas para ilustrar los argumentos que se encuentran detrás de sus obras. Asimismo, dichas obras, entendidas como los resultados de los procesos descritos, han sido incorporadas a la publicación de forma fragmentada a modo de atlas compuesto por fotografías, planos, dibujos o maquetas, que manteniendo su autonomía como documentos, dialogan entre sí, generando múltiples relaciones a lo largo del libro. Se describe, por tanto, un escenario cíclico y abierto, de múltiples entradas y salidas, que pretende representar la complejidad de la producción actual de arquitectura.

Sampling Contexts promueve una reflexión en torno a qué es y cómo se hace hoy arquitectura, desvelando procesos de trabajo, de gestión y de comunicación desde lógicas contemporáneas como catalogación, remix o ensamblaje. Sampling Contexts son estudios emergentes europeos que revelan cómo producen y reproducen sus arquitecturas, un escenario valioso que no es accesible a pesar de vivir en un mundo de sobresaturación de imágenes. En Sampling Contexts han participado Jan De Vylder (DVVT, León de Plata Bienal de Venecia 2018, finalista Premios Mies van der Rohe 2019), Bruther (El Croquis 197, 2018), Maio, Arquitectura G, Gonzalo del Val, Taller de Casquería, PYO, Fake Industries, Luis Úrculo y Guillermo Santomá. Han participado también con textos en la publicación Jesús Vassallo y Enrique Walker.

Cómpralo, úsalo, rómpelo, arréglalo,

Deshazlo, modifícalo, envíalo –actualízalo.

Recárgalo, apúntalo, amplíalo, apriétalo,

Encájalo, úsalo, rápido –bórralo.

Escríbelo, córtalo, pégalo, guárdalo,

Cárgalo, revisarlo, rápido –reescríbelo.

Daft Punk,Technologic,en Human After All. 2004

Extra. Info de los eventos – Enlaces a los vídeos.

01. Maio y Arquitectura-G. 18 octubre 2017.

Compartieron cierto discurso en torno a #Domesticidad, oponiendo conceptos como posibilismo-determinismo o genérico-singular para explicar condiciones que se dan en 110 rooms (un portal singular, habitaciones genéricas) frente al Apartamento de 700 m2 para un soltero (un contexto genérico, un diseño singular), apareciendo en seguida #Series&Numeros, donde se contrapone el carácter en la comunicación acumulativo del wordpress de Arquitectura-G frente a la presentación basada en números de Maio. Ambos equipos operan especialmente mediante #Transferencias, mostrando conexiones desde el mundo del diseño industrial o la moda en el caso de G o del arte en el caso de Maio, y visibilizando cierta afinidad por una época disciplinar concreta de los años sesenta y setenta (Studio Per, etc.), compartiendo también cierto ecosistema a partir de sus experiencias en #Revistas (Apartamento y Quaderns) que han sido también determinantes en la construcción de una práctica y un archivo referencial. Otro asunto que interesó se relacionaba con #Ficciones, donde la construcción del material y la imagen en cada obra cobra importancia en la agenda de ambos estudios.

02. Taller de Casquería y Gonzalo del Val. 15 noviembre 2017.

Con sus proyectos e intervenciones como hilo conductor, y mediante el uso de sugerentes referencias, los invitados abordaron cuestiones de gran interés para el discurso arquitectónico contemporáneo. En la conversación ambas prácticas tomaron posicionamientos opuestos aunque complementarios en los diferentes contextos planteados por el equipo comisario. Hablaron de #Materialidad (del Val) y de #Ficciones (Taller de Casquería); del interés por los #Resultados (del Val) frente a los #Procesos (Taller de casquería); de los proyectos #Site Specific (del Val) y de los #ReadyMade (Taller de Casquería). Además, uno de los temas principales que surgieron en este segundo evento fue la discusión en torno a los modelos profesionales y de gestión que utilizan cada una de las oficinas: mientras Gonzalo del Val trabaja mediante #Colaboraciones puntuales para cada proyecto, Taller de Casquería utiliza un modelo basado en la #Participación colectiva de diferentes agentes.

03. PYO y FKAA -Fake Industries Architectural Agonism- (Madrid-Ginebra, Nueva York-Sidney). 29 de Noviembre, 2017.

Ambas oficinas comparten la condición de trabajar en contextos diversos alejados de su entorno inmediato. PYO, con base en Madrid y proyectos en Suiza y Burkina Faso y FKAA con oficinas en Nueva York y Sidney y proyectos y actividad docente en diferentes partes del planeta, conversaron sobre sus formas de entender una #Práctica deslocalizada. También trataron la idea de la relación entre #Tácticas y Técnicas o el concepto de #Apropiación, tanto desde el punto de vista del uso de referencias externas que se incorporan a su propia arquitectura como del conocimiento de la historia como herramienta de proyecto. Ambos invitados abordaron el tema de la #Representación y Cultura Visual entendiendo que el dibujo y las imágenes son herramientas de comunicación que mutan y se adaptan a los diferentes proyectos o bien son una oportunidad para construir un imaginario propio y representativo de la oficina. Por último, la conversación en torno al binomio #Especulación-Acción trató acerca de las convergencias y divergencias entre los ámbitos académicos y la práctica profesional.

04. Jan de Vylder (e Vylder Vinck Taillieu, DVVT). 19 febrero 2018.

La segunda parte del ciclo se inauguró con la confrencia de Jan de Vylder, socio fundador de la oficina belga Architecten De VylderVinckTaillieu. Su práctica, recientemente galardonada con el León de Plata en la Bienal de Arquitectura de Venecia representa un interesante ejercicio de sampleo en #Precarius Equilibriums desde el punto de vista de los materiales (#Material Sampling) -combinando elementos industriales y vernáculos- , de los tiempos históricos (#Sampling Times) -haciendo convivir lo nuevo con lo antiguo- y de los estilos arquitectónicos (#Whatdoesnotlookgoodmakesthatitlooksgood) -trabajando con la disrupción de los elementos arquitectónicos y la forma en que éstos se utilizan en cada obra. Asimismo, pudimos conversar con De Vylder acerca del sampleo como estrategia de diseño y de la idea de fragmento en sus procesos de trabajo: #Fragmentation and Autonomy. La arquitectura belga ha tenido recientemente un gran impacto en los medios de comunicación de arquitectura y en particular la obra de los arquitectos DVVT supone un interesante ejercicio que combina la producción con la comunicación de una agenda consciente con un trasfondo conceptual que configura su identidad como oficina. Con De Vylder, siguiendo con la tónica del ciclo, hablamos de los intereses de la oficina, de sus obras así como de los libros y monografías que editan combinando textos, fotografías y obras como parte esencial del cuerpo principal de su producción.

05. Guillermo Santomá y Luis Úrculo (Barcelona, Madrid-México). 28 de Febrero, 2018

Úrculo y Santomá abordaron su trabajo desde las prácticas de pensamiento y de producción. Ambos, el primero a través de sus obras y el segundo por medio de una ficción discursiva, expusieron temas como la praxis, la experimentación o la redefinición de los instrumentos. Entre los conceptos que pautaron el discurso destacó la #Materialidad, con lo artesanal, los sampleos materiales y las técnicas de ensamblaje; las #Series, donde los catálogos y las colecciones mostraron el potencial de trabajar con prototipos, iniciar cadenas de prueba-error y superponer elementos de origen natural y artificial. En base a una labor de #Reconstrucción de discursos presentaron la dicotomía entre la teoría y la materia, entre la abstracción y lo concreto. Otra de las características que permitió reunir a estos artistas-arquitectos fue la del #Sampleo Disciplinar, que puso en valor las prácticas periféricas, las transferencias entre contextos creativos y la redefinición de la arquitectura desde lo que ésta puede llegar a hacer o performar. Además, los #Viajes reflejaron el germen de su carrera profesional con los lugares vividos y las transferencias culturales, condición visible aún hoy en día en su trabajo: Úrculo desde México y Santomá desde la India.

06. Alexandre Theriot (Bruther). 7 mayo 2018.

Alexandre Theriot, cofundador de Bruther junto con Stéphanie Bru, presentó el trabajo de una oficina que discurre entre la arquitectura, el urbanismo, la docencia y la investigación. A través de tres obras recientes hizo patente un interés por el equilibrio entre estrategia y forma, rigor y libertad, especificidad y generalidad y evolución e inmediatez. Cultural and Sport Center Saint-Blaise en París, Residence for Researchers en la Ciudad internacional universitaria de Paris y New Generation Research Center en Caen mostraron una práctica que no nace de un corpus de pensamiento fijo, sino de una redefinición continua de la arquitectura. En un intento de llevar el programa a lo atemporal, contó las propuestas como infraestructuras abiertas que se ajustan a una gran cantidad de posibilidades, con una amplia maleabilidad de usos. Enfatizó la aceptación de las necesidades conceptuales y constructivas, pero también la capacidad de retroceder e inesperadamente encontrar nuevas áreas de experimentación. Los hashtags que arbitraron la conversación con el equipo de Sampling Contexts se estructuraron en #Machine Buildings, #Reason vs. Feeling, #Juxtaposition, #Daily Life Architecture y #Atlas and Collections, una serie de temas donde la ideación y la comunicación de los proyectos enfatizó una y otra vez la relación entre la arquitectura, el programa y el dominio frente a la obsolescencia.

 

Créditos

Argument es un proyecto de: Departamento de Proyectos Arquitectónicos, Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid. Universidad Politécnica de Madrid.
Comisarios y editores invitados de Argument 01: Sampling Contexts. Begoña de Abajo, Enrique Espinosa, Carlos García, Eva Gil, Ángela Juarranz, Álvaro Martín y Borja Sallago.
Editora de la colección: Silvia Colmenares, Subdirectora de investigación y difusión DPA.
Editan: DPA Prints y Ediciones Asimétricas
Distribuye: Ediciones Asimétricas
Fecha de los eventos: Octubre 2017- Mayo 2018
Fecha de publicación: Marzo de 2019

Errores urbanísticos del Madrid moderno o la sustitución de la ciencia urbana por la por la ingeniería de tráfico | Antón Capitel

Madrid, Gran Vía, años 30.
Madrid, Gran Vía, años 30. | Autor: Desconocido | Fuente: Granviademadrid

En los años 30, bajo el régimen de la Segunda República, de la mano maestra de Secundino Zuazo Ugalde y con el patronazgo de Indalecio Prieto como Ministro de Obras Públicas, se produjo una importante reforma urbana de Madrid, bien conocida de todos: la prolongación del Paseo de la Castellana, de un lado, y la construcción de los enlaces ferroviarios subterráneos a lo largo del gran eje del Paseo del Prado, Paseo de Recoletos, y Paseo de la Castellana, de otro, y desde la estación de Atocha hasta una supuesta estación, entonces inexistente, y que tardaría mucho en ser construida, la estación de Chamartín. Más tiempo todavía tardó también la ciudad en concluir, arquitectónica y ferroviariamente, este decisivo y nuevo rasgo metropolitano que guió su más importante crecimiento, dilatación que demostró, en definitiva, su lucidez.

Después de la guerra civil, el Plan de 1942, de la mano de Bidagor -que había aprendido casi todo del entonces desterrado Zuazo- prolongó aún la vía más importante de la ciudad más allá de la plaza de Castilla, punto de unión entre la prolongación del Paseo proyectada por Zuazo y la carretera en la que se había asentado el barrio de Tetuán de las Victorias. Pero, además, ideó otra importantísima nueva vía, la Avenida del Arroyo Abroñigal, que sólo vería la luz mucho más tarde, y transformada ya, por simples razones temporales, de una autovía de circunvalación de la ciudad, naturaleza con la que había sido pensada, en una vía interior de tráfico rápido, condición a la que el paso del tiempo la había inexorablemente llevado. Casi 40 años transcurrieron entre el pensamiento sobre esta autovía y su realización, cuando fue bautizada con el abstracto nombre de M-30.

La M-30 nacía, pues, como hija de una contradicción. Era una autovía que, sin dejar de serlo, se había convertido automáticamente en una vía urbana. Su construcción era un bien, qué duda cabe, y así la nueva vía ayudó poderosamente a estructurar más adecuadamente la metrópoli. Pero también planteaba un reto que la ciudad tendría que acabar asumiendo: la contradicción en la que nacía tendría que ser, algún día, definitivamente resuelta. La M-30 tendría que ser, con el tiempo, otra cosa. Tendría que transformarse.

Una de las posibles transformaciones fue insinuada ya cuando el ayuntamiento socialista, presidido por Tierno Galván, y con Eduardo Mangada como concejal de urbanismo, construyó el cierre de la autovía mediante una de las posibilidades de transformación que tenía la naturaleza de la antigua. La Avenida de la Ilustración, un gran paseo que compatibilizaba el gran tránsito de vehículos con su naturaleza urbana, se realizó a la manera de una Castellana nueva. Voces oscuras, partidarias del diseño de la ciudad como una cuestión de tránsito de vehículos, protestaron mucho entonces. Eran voces que ya se habían convertido en actuaciones muy a menudo, y que, a partir de entonces, fueron prácticamente únicas. Desde antes del gobierno socialista de la ciudad y, sobre todo, después de él, la metrópoli madrileña se convirtió en un territorio gobernado desde el único punto de vista de la ingeniería del tránsito privado. Un punto de vista bastante siniestro, que convirtió casi todas las actuaciones del Madrid moderno en graves errores urbanísticos, transformando negativamente el desarrollo de una ciudad que tan buenos inicios había tenido.

En esta foto del Plan de Enlaces Ferroviarios se aprecia el trazado del túnel Atocha-Chamartín representado en línea discontinua. Foto Fundación Indalecio Prieto
En esta foto del Plan de Enlaces Ferroviarios se aprecia el trazado del túnel Atocha-Chamartín representado en línea discontinua. Fuente: Fundación Indalecio Prieto

El apodo de “el tubo de la risa” con el que los madrileños bautizaron a los túneles ferroviarios construidos por Zuazo, y debido a que permanecieron vacíos desde los tiempos de la Segunda República hasta que, en los avanzados años 60, la administración de la dictadura franquista realizó la estación de Chamartín, explica bien la ignorancia que la ciudad tenía de lo que era su más positivo rasgo urbanístico moderno. Llegados aquellos años, los enlaces ferroviarios se revelaron tan lúcidos como imprescindibles, pero la óptica tan miope como interesada que el franquismo tuvo sobre la ciudad hizo que tan importante rasgo permaneciera aislado.

Aislado incluso en su misma situación, pues nunca se construyó, desgraciadamente, una línea del Metro que siguiera toda la Castellana –se pensaba, acaso, que con el paso de los trenes de cercanías por “el tubo” era suficiente- y tampoco se aprovechó la lucidez de los enlaces para pensar que, más pronto o más tarde, serían insuficientes. Al parecer, toda clase de instalaciones y otros impedimentos hicieron que no fuera demasiado práctico duplicar o triplicar los túneles del tren utilizando el subsuelo del mismo eje.

Estación de Atocha. Colección César Mohedas
Estación de Atocha. Colección César Mohedas

Pero vayamos primero a lo que permitía la existencia de la M-30, y que no fue aprovechado. La construcción de este anillo viario –completado además, y después, con los otros anillos periféricos, la M-40 y la M-50- suponía que el encuentro con él podría evitar la acometida de las grandes carreteras nacionales directamente hacia la ciudad. No fue así en la acometida de la Nacional VI, hacia Galicia, Asturias y Cantabria, que se siguió dirigiendo directamente hacia el centro de la ciudad, sacrificando para ello tanto las cualidades ambientales de la vieja entrada como las de la vía de inicio a la Ciudad Universitaria.

Es ésta, pues, una de las grandes actuaciones urbanísticas erróneas del Madrid moderno. La Ciudad Universitaria, promovida por el tramo final del decadente régimen monárquico, pero construida en realidad por la Segunda República, fue destruida por las fuerzas nacionalistas durante el transcurso del frente de guerra, pero reconstruida y reforzada después por el régimen dictatorial. Se trataba de una de las operaciones urbanas más cualificadas de Madrid, que no tiene parangón, al menos como tal uso, en ninguna ciudad de Europa. Probablemente bien consciente de ello, el régimen dictatorial reforzó mucho en la posguerra su primer tramo, esto es, el que le une a la ciudad convencional.

En efecto, después de la guerra civil, tanto las reconstrucciones como, sobre todo, las nuevas construcciones, consolidaron este primer tramo de la Ciudad Universitaria. Se realizaron en él el edificio del Museo de América , las Escuelas de Ingenieros Navales y de Ingenieros Aeronáuticos, y nuevos Colegios Mayores, y se simbolizó esta consolidación con la construcción del Arco de Triunfo, que, si bien, y de un lado, simbolizaba la victoria de las fuerzas rebeldes sobre las leales, de otro, jalonaba poderosamente el inicio de la Ciudad Universitaria, con un tramo de avenida desde el arco hasta la plaza del Cardenal Cisneros, a partir de la cual se abría el segundo tramo de la avenida hasta el lugar del nunca construido Paraninfo, final del recinto universitario.

Pero el Ministerio de Obras Públicas, ya en los años 80, ignorando la condición universitaria de este tramo de calle, y abusando sin dudarlo de su propio y muy específico papel, interpretó la ciudad a su gusto y lo convirtió en la prolongación de la Nacional VI, quitándole toda otra naturaleza que no fuera ésta. Se redujeron enormemente las aceras, se talaron filas de árboles y se construyó un túnel capaz de evitar el paso por la plaza del Cardenal Cisneros y de convertir así esta avenida universitaria en un trozo de autovía.

Igualmente se reformó el primer tramo de la nacional VI, posterior a la plaza del Cardenal Cisneros, sometiéndolo a la unidimensional ideología de la ingeniería del tráfico privado, y asolando este trozo del territorio, tal y como puede verse hoy. Recuerde, quien pueda, lo que antes hubo. La Puerta de Hierro, ridículamente aislada en medio de las vías de tránsito, es el dramático testigo mudo de la brutal reconversión que de este cualificado lugar se hizo.

Posteriormente todavía, la construcción de la central de autobuses en el “intercambiador” de Moncloa añadió el pretexto del tránsito público a la destrucción del lugar con nuevos túneles y nuevas vías, sólo recientemente acabados. Así, desde los años 80 hasta 2009 se ha realizado una destrucción sistemática de las cualidades urbanas del primer tramo de la Ciudad Universitaria, convirtiéndolo en un territorio enormemente áspero sino es acaso para los automovilistas, y destruyendo un lugar cuya transformación debería haber sido evitada, dada la existencia de los grandes anillos viarios metropolitanos.

Uno de los más grandes errores urbanísticos del Madrid moderno se ha consumado. Pero, dada la exageradísima importancia de las obras públicas en todo este asunto, y en otros semejantes, no tenemos más remedio que preguntarnos:

¿había, verdaderamente, en las intenciones de todo esto mucho más que el desvío de grandes cantidades de capital público?

Los funcionarios, políticos y técnicos, que programaron este desaguisado

¿tenían en su norte, realmente, alguna otra cosa?

Podemos imaginar, con algo de condescendencia, que se trataba, tal vez, de matar dos pájaros de un solo tiro, el servicio público de la supuesta mejora del tránsito rodado y el consiguiente negocio de la construcción de infraestructuras, pero, a la vista de los resultados, no cabe duda cuál era el pájaro principal que los expertos tiradores se proponían cobrar. (Con gran miopía, por cierto, pues resolver que esta carretera entroncara mejor con la estructura urbana de la metrópoli hubiera proporcionado obras no menos pingües, si bien más difíciles de idear y de proyectar.)

Volviendo a la Castellana, resulta más sencillo explicar el error de su final, pues es nítido y a la vista está. La calle más importante de la ciudad acaba en un aparatoso nudo de autovías, anunciado, eso sí, por los dos túneles que el automovilista ha de usar obligadamente si se dirige hacia allí. El primer túnel puede considerarse incluso caritativo, pues le impide contemplar de cerca el horror de la plaza de Castilla que, inevitablemente, habrá visto de lejos.

Allí se acumulan las peores arquitecturas de la ciudad: el mediocre monumento al protomártir de la cruzada franquista –por cierto ¿la Ley de Memoria Histórica no debería obligar a desmontar ese artefacto?- las inefables torres inclinadas de los horteras arquitectos estadounidenses, las distintas estaciones de autobuses que las acompañan y acompañaban a modo de subproducto formal, y, ahora, el estúpido monolito del ingeniero-arquitecto-escultor -¿algo más?- valenciano. Los horrores, en el caso de la plaza de Castilla son, pues, arquitectónicos, y tan sólo una obra de ingeniería –eso sí, de construcción, no de tránsito-, el depósito de agua, intenta defender, ella sola, la calidad formal. Imagino que no faltará mucho para que lo tiren.

Lo cierto es que la gran avenida, con el significativo anuncio de los túneles, renuncia a ser en su final un elemento urbano para convertirse sin más en un complicado artificio viario. La ingeniería de tráfico, ha sustituido espúreamente, y una vez más, a la urbanística. Las nuevas y elefantiásicas torres, condenadas así a ser periféricas, parecen contemplar asombradas el lugar que desproporcionadamente ocupan, mientras testimonian elocuentemente que, en el Madrid moderno, tan sólo aparece plenamente la arquitectura –la arquitectura que sea- si significa especulación.

A finales de noviembre de 1958 el Ayuntamiento aprobó el proyecto de construcción del estadio en los terrenos denominados Canalización del Manzanares. Fuente: http://historias-matritenses.blogspot.com/2014/05/estadio-vicente-calderon-o-manzanares.html
A finales de noviembre de 1958 el Ayuntamiento aprobó el proyecto de construcción del estadio en los terrenos denominados Canalización del Manzanares. Fuente: historias-matritenses.blogspot.com

Otras entradas y salidas, como las de la Nacional III, IV y V, están más unidas a la gran infraestructura viaria metropolitana que a la ciudad central. No así la Nacional II, o carretera de Barcelona. Prolongación del gran eje Cea Bermúdez-Abascal-María de Molina, que une sin razón alguna que lo justifique las radiales II y VI, la carretera de Barcelona coincide con el acceso al Aeropuerto. Ni el Ministerio de Obras públicas ni el Ayuntamiento se habían preocupado nunca de esta absurda coincidencia hasta que los atascos sistemáticos llegaron a impedir el buen acceso a Barajas.

Fue el ayuntamiento presidido por Álvarez del Manzano el que aplicó para resolverlo la mágica solución municipal madrileña, los túneles, fórmula técnica para esconder la porquería debajo de la alfombra y para desviar con ejemplar y extrema eficacia los fondos públicos hacia las empresas de Obras Públicas. (Se diría que la coincidencia de los adjetivos facilitaba la identidad de la solución).

El túnel municipal –de insólito recorrido subterráneo, pues da numerosas curvas para volver a salir de nuevo en la Avenida de América- parece haber resuelto el problema. Pero,

¿no se hubiera gastado el mismo o parecido dinero si se hubiera reservado, por ejemplo, la Avenida de América para el Aeropuerto y se hubiera buscado una alternativa desde la M-30 para la salida a Barcelona?

Esta u otra alternativa, y más allá o más acá del dinero, hubiera dado a Madrid una solución más atractiva que el enterramiento del tránsito privado, carrera en que la ciudad parece haber empeñado sus afanes hasta conseguir ser la que tenga más túneles en todo el mundo.

Coches, trolebuses, buses de uno y dos pisos… La Cibeles nunca está sola. Hacia 1955. Fuente: elpais.com
Coches, trolebuses, buses de uno y dos pisos… La Cibeles nunca está sola. Hacia 1955. Fuente: elpais.com

Pero, visto esto, llegamos de nuevo a la M-30, para la que el alcalde Gallardón reservaba una transformación aparentemente sorprendente, pero, como ya hemos visto, ligada a la tradición municipal y moderna de la ciudad. La M-30 necesitada a medio plazo una transformación que la librara de su ambigua naturaleza, como ya habíamos visto, y, en el tramo del río, fue así tocada por la varita mágica que –en vez de bastón de mando- parecen poseer los alcaldes de la ciudad, para transformarse en algo muy sencillo y, supuestamente, eficaz: un túnel, probablemente el túnel más largo y más caro del mundo. La administración de la ciudad ha quedado económicamente hipotecada hasta límites que en España eran desconocidos y que son políticamente escandalosos.

El desvío de los fondos públicos hacia las empresas de infraestructuras ha sido en este caso impúdico, y eso que todavía falta una parte muy importante, aquélla que se ha exhibido, con no menor impudicia, como coartada de la solución: la construcción superior de un parque. Esto es, el infierno debajo –es, de hecho un infierno: vayan, por favor, a comprobarlo- y el paraíso encima. He aquí el urbanismo mágico madrileño. No puedo dejar de recordar la novela “La máquina del tiempo”, de H.G.Wells, cuando el protagonista viaja al futuro y se encuentra con unos personajes idílicos, que disfrutan de un paraíso, y se queda extasiado hasta que descubre que son la comida de los siniestros monstruos que habitan los espacios subterráneos.

La gigantesca cantidad de dinero invertido –además del que falta-

¿no hubiera bastado para convertir la M-30 en otra Castellana, como la Avenida de la Ilustración, domesticándola en forma urbana, reduciendo su capacidad de tránsito y resolviendo nudos y conexiones para enviar el tráfico a los otros anillos periféricos, y hacer así una ciudad normal y no un siniestro invento?

Naturalmente, esto no hubiera desviado los fondos públicos de manera tan eficaz, hubiera necesitado además gente que supiera pensar y proyectar para la ciudad, y hubiera representado una forma de entender ésta no subordinada a la ingeniería de tráfico, sino a la naturaleza de las ciudades. Hubiera necesitado una voluntad firme de mejorar la ciudad y no de fingir cínicamente resolver sus problemas. Prueben, por favor, la nueva M-30, disfruten de su horroroso espacio y de su potente capacidad de desorientación, degusten los habituales atascos subterráneos.

Comprueben así, en sus ciudadanas carnes, lo que es la gestión de la ciudad cuando las ideas de la ciencia urbana son sustituidas por la unidimensional –y en este caso monstruosa- ideología de la ingeniería de tráfico. El alcalde actual de la ciudad ha demostrado ser muy superior a sus antecesores; esto es, ser capaz de idear y de cometer el mayor error urbanístico del siglo XX y de lo que va del XXI. De lo que va de historia.

Algunos comentaristas, incluso en revistas extranjeras de prestigio, han glosado la modernidad que significa esta transformación madrileña. No les envidio el alcance de su vista ni el de su criterio. Modernidad, desde luego; transformación descualificada, absurda y enormemente cara, también.

¿Qué no habría hecho un buen ayuntamiento con esa disparatada cantidad de dinero?

Le hubiera bastado para 20 años de transformación cualificada y eficaz. Pero, para lograr eso, hay demasiados –y no sólo munícipes- que tendrían que volver a nacer.

La M-30, una autopista con historia.
La M-30, una autopista con historia.

El último episodio no es, quizá, el peor, pero sí el más engañoso y el más ridículo. Menos el anterior –la M-30, que corresponde a la imprudente gestión del edil actual-, todos los demás errores corresponden al Ministerio de Obras Públicas –o al de Fomento, si seguimos el ridículo y decimonónico revival, que debería haberse cambiado-, que se permitió actuar según su ideología ingenieril y sin consultar a urbanistas inteligentes, algunos de los cuales quizá trabajen incluso en sus propios servicios.

Se trata en este caso de una promoción del inefable ministro Álvarez Cascos, iniciada por él, pero realizada en su mayor parte por el gobierno socialista, que debería haber tenido la lucidez y el valor de pararlo. Me refiero a la construcción de una gran estación de cercanías en la Puerta del Sol, con los consiguientes túneles de unión, por los infiernos de Madrid, con Chamartín y Atocha. Situar una gran estación de cercanías en el centro antiguo de la ciudad es un error tan evidente que ya Secundino Zuazo, al final de los años 20 o principio de los 30, advirtió de ello para que no fuera cometido. El error es, pues, la repetición de una inadecuada propuesta de alguien nada menos que del final de la monarquía alfonsina, fíjense bien.

¡Qué haya de llover tanto para esto!

La Puerta del Sol no es el centro de la ciudad, es el centro del casco antiguo. Ni siquiera es ya el centro de la red del ferrocarril metropolitano, pues ésta es ahora una red moderna que ya no tiene centro. El centro de la ciudad, si quisiera buscarse, está en la Castellana, y es lineal. Podría situarse, más o menos, entre la Plaza de Colón y la de San Juan de la Cruz.

Nunca debió abandonarse la Castellana como lugar idóneo para los enlaces ferroviarios. Si faltan túneles, deberían haberse construido, duplicados o triplicados, paralelos a los que ya existen. Es muy difícil -nos dirían- pues la Castellana está llena de conducciones subterráneas que hacen casi imposible la obra. Nos lo dirían los mismos, o los sucesores, de quienes insensatamente situaron allí conducciones varias de cualquier manera.

Si los enlaces ferroviarios se hubieran continuado por la Castellana, las estaciones de Nuevos Ministerios y de Colón, magníficamente situadas, hubieran constituido una secuencia ferroviaria utilísima, urbanísticamente adecuada. Ello hubiera permitido incluso transformar la estúpida Plaza del Descubrimiento –el solar de la Casa de la Moneda- en una importantísima estación, con lugar para centro comercial y todo, y sin necesidad de ser completamente subterránea, sino presentándose como una estación normal, que conduce finalmente al subsuelo. Ello hubiera podido servir, además, para coordinarse con el Ayuntamiento, que va a realizar en superficie, de Colón a Atocha, la reforma del paseo proyectada por el equipo de Siza Vieira.

La obra hubiera sido más molesta, quizá, y más complicada, pero el objetivo lo hubiera merecido. Cierto es que, acaso, las grandes máquinas tuneladoras que han comprado determinadas empresas de obras públicas no podrían ser tan fácilmente amortizadas, ni podrían generar las sabrosísimas y abusivas plusvalías que han generado, sin duda, al perforar los infiernos madrileños, bajo los edificios, de Chamartín a Sol y de Sol a Atocha. Más distancia que por la Castellana y, así, más dinero en las certificaciones. El pájaro principal que los cazadores querían cobrar con el gasto de un solo tiro de la cartuchera, se ha conseguido. El otro –la utilidad y calidad urbana- si ha caído o no, allá películas.

Pero la ampliación de los enlaces subterráneos más o menos directa, resultaba, a la postre, imprescindible, y, así, Fomento y el municipio están realizando el paso de un nuevo túnel por la calle de Serrano. Naturalmente, tiene una coartada urbana: la calle de Serrano verá disminuida su capacidad de tránsito de vehículos y muy ampliadas sus aceras. Como siempre, la bella solución del infierno subterráneo y el paraíso superior, en la mejor tradición de H.G.Wells. No importa que la calle de Serrano fuera una calle con los semáforos sincronizados, por la que se circulaba muy bien, y que tenía ya unas aceras anchas y absolutamente suficientes. Todo sea por el arte del disimulo, y por colar, de rondón, un aparcamiento subterráneo, que haga más rentable la operación, y que contribuya a aumentar considerablemente el tráfico privado de una ciudad que hace mucho tiempo debería haberse planteado su limitación sistemática.

Es éste, de Sol y Serrano, el último importante error urbanístico de una ciudad que hace ya más de 20 años que parece haber renunciado definitivamente al sensato urbanismo para entregarse en exclusiva a la siniestra euforia de las obras públicas.

Es lástima para una metrópoli que no había tenido una mala historia de planeamiento, y que es ahora capaz de despreciar tanto la sabiduría de la ciencia urbana que, a pesar de todo, esconde en su seno, como el sentido común. Pues los políticos no parecen estar a la altura de los profesionales y de los intelectuales de la ciudad –ciudad universitaria excelente y amplia-, a los que nadie ha consultado desde hace décadas. Madrid, ciudad del Rey en la historia, y con un planeamiento más que convincente, deviene ciudad del tráfico privado y de la especulación del suelo. Y no hay nada en el horizonte que señale un cambio en tan antipática, triste y moderna perspectiva.

Antonio González-Capitel Martínez · Doctor arquitecto · catedrático en ETSAM
Madrid · enero 2010

[:es]Publicidad con arquitecto | Jorge Gorostiza[:gl]Publicidade con arquitecto | Jorge Gorostiza[:en]Advertising with architect | Jorge Gorostiza[:]

[:es]

Moving Picture World, nov 1920, Anuncio arquitecto
Moving Picture World, nov 1920, Anuncio arquitecto

El texto ayuda a explicar el dibujo:

VISUALIZANDO EL ÉXITO
El arquitecto progresista
especifica que su teatro
debe estar equipado con SIMPLEX
LOS MEJORES TEATROS DEL MUNDO USAN SIMPLEX

Centrado en el margen inferior hay un pequeño rótulo en el que se puede leer:

Hecho y garantizado por
THE PRECISION MAHINE Co. Inc.
317 – 321 Este, Calle 34 – Nueva York

Gracias al texto se sabe que ese hombre es un arquitecto, pero lo primero que llama la atención hoy en día es que no se sabe qué se está anunciando, qué era Simplex y qué fabricaba la compañía The Precision Machine, porque el anuncio no lo indica, eso significa que debería ser una empresa muy conocida en esa época. Buscando datos se encuentra que era una marca de proyectores y si se quiere conocer su historia, se puede consultar este enlace.

Respecto al arquitecto, se repite el estereotipo del profesional soñador, incluso progresista -según el texto-, que está en la sombra, a contraluz y por eso no se sabe cómo es su fisonomía, pero es capaz desde su estudio de visualizar sus proyectos ideales y con éxito -también según el texto-, antes de llevarlos a la práctica.

Lo cierto es que su proyecto no es avanzado, sino bastante convencional, un edificio de dos plantas con la típica marquesina encima de su entrada, un letrero perpendicular al plano de fachada, con parte de un tejado inclinado en voladizo en la última planta y encima el parapeto de la cubierta rematado con unos adornos historicistas; un conjunto poco interesante que copia el aspecto de numerosos cines estadounidenses de esa década.

Aunque el anuncio es curioso desde el punto de vista formal, es una lástima que, como le sucede a otros, no acierte en el ámbito arquitectónico.

Jorge Gorostiza, Doctor arquitecto.
Santa Cruz de Tenerife, agosto 2018
Autor del blog Arquitectura+Cine+Ciudad

[:gl]

Moving Picture World, nov 1920, Anuncio arquitecto
Moving Picture World, nov 1920, Anuncio arquitecto

Noutras ocasións xa se mencionaron en leste mesmo espazo algúns anuncios publicitarios publicados en revistas de cinema, nos que aparecen nas súas imaxes un arquitecto ou un edificio, relacionados coa actividade cinematográfica.

Hai uns días atopei o que se reproduce encima, nun número de Moving Picture World aparecido en novembro de 1920. Neste anuncio, asinado no seu ángulo inferior esquerdo por Allied Art Service, aparece a silueta dun home pensativo, sentado diante dun taboleiro de debuxo cun lapis na súa man esquerda e diante dunha gran cristaleira, a través da que se poden ver na parte inferior a coroación dunhas edificacións, polo que a dependencia na que se atopa ese home debe estar situada nun edificio alto, e encima unhas nubes entre as que aparece a fachada dun teatro, que parece un soño dese profesional, non se sabe moi ben cal é a razón de que diante deste edificio haxa un poste da iluminación pública con tres luminarias acesas, que parecen iluminar todo o conxunto.

O texto axuda a explicar o debuxo:

VISUALIZANDO O ÉXITO
O arquitecto progresista
especifica que o seu teatro
debe estar equipado con SIMPLEX
Os MELLORES TEATROS DO MUNDO USAN SIMPLEX

Centrado na marxe inferior hai un pequeno rótulo no que se pode ler:

Feito e garantizado por
THE PRECISION MAHINE Co. Inc.
317 – 321 Este, Calle 34 – Nova Iork

Grazas ao texto sábese que ese home é un arquitecto, pero o primeiro que chama a atención hoxe en día é que non se sabe que se está anunciando, que era Simplex e que fabricaba a compañía The Precision Machine, porque o anuncio non o indica, iso significa que debería ser unha empresa moi coñecida nesa época. Buscando datos atópase que era unha marca de proxectores e se se quere coñecer a súa historia, pódese consultar nesta ligazón.

Respecto ao arquitecto, repítese o estereotipo do profesional soñador, mesmo progresista -segundo o texto-, que está na sombra, a contraluz e por iso non se sabe como é a súa #fisonomía, pero é capaz desde o seu estudo de visualizar os seus proxectos ideais e con éxito -tamén segundo o texto-, antes de levalos á práctica.

O certo é que o seu proxecto non é avanzado, senón bastante convencional, un edificio de dúas plantas coa típica marquesiña encima da súa entrada, un letreiro perpendicular ao plano de fachada, con parte dun tellado inclinado en voladizo na última planta e encima o parapeto da cuberta rematado cuns adornos historicistas; un conxunto pouco interesante que copia o aspecto de numerosos cinemas estadounidenses desa década.

Aínda que o anuncio é curioso desde o punto de vista formal, é unha mágoa que, como lle sucede a outros, non acerte no ámbito arquitectónico.

Jorge Gorostiza, Doutor arquitecto.
Santa Cruz de Tenerife, agosto 2018
Autor do blogue Arquitectura+Cine+Ciudad

[:en]

Moving Picture World, nov 1920, Anuncio arquitecto
Moving Picture World, nov 1920, Architect advertisement

On other occasions, some advertisements published in film magazines have already been mentioned in this space, in which an architect or a building appears in their images, related to the cinematographic activity.

A few days ago I found the one that is reproduced above, in a number of Moving Picture World appeared in November 1920. In this ad, signed in its lower left corner by Allied Art Service, appears the silhouette of a pensive man, sitting in front of a drawing board with a pencil in his left hand and in front of a large window, through which the crowning of some buildings can be seen in the lower part, so the dependency in which that man finds himself must be located in a tall building, and above some clouds between which appears the façade of a theater, which seems a dream of that professional, is not sure what is the reason that in front of this building there is a street lamp with three lights on, which seem to illuminate the whole.

The text helps explain the drawing:

VISUALIZING SUCCESS
The progressive architect
specify that his theater
must be equipped with SIMPLEX
THE BEST THEATERS IN THE WORLD USE SIMPLEX

Centered in the inferior margin there is a small label in which it is possible to be read:

Made and guaranteed by
THE PRECISION MAHINE Co. Inc.
317 – 321 Este, Calle 34 – New York

Thanks to the text, we know that this man is an architect, but the first thing that strikes us today is that we do not know what is being announced, what was Simplex and what the company The Precision Machine manufactured, because the advertisement does not indicate it , that means that it should be a very well-known company at that time. Searching for data is found to be a brand of projectors and if you want to know its history, you can check this link.

Regarding the architect, the stereotype of the professional dreamer is repeated, even progressive -according to the text-, which is in the shade, against the light and therefore we do not know what his physiognomy looks like, but he is able from his studio to visualize his ideal projects and successfully – also according to the text -, before putting them into practice.

The truth is that his project is not advanced, but rather conventional, a two-story building with the typical marquee on top of its entrance, a sign perpendicular to the façade level, with part of a cantilevered roof on the top floor and above the parapet of the roof topped with historicist ornaments; an uninteresting set that copies the appearance of numerous American cinemas of that decade.

Although the announcement is curious from the formal point of view, it is a pity that, as happens to others, it does not succeed in the architectural field.

Jorge Gorostiza, PhD architect.
Santa Cruz de Tenerife, august 2018
Author of the blog Arquitectura+Cine+Ciudad

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[:es]Fernando Higueras. Desde el origen[:gl]Fernando Higueras. Desde a orixe[:en]Fernando Higueras. Desde el origen[:]

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[:es]

La exposición propone un recorrido cronológico y sumamente visual por toda la obra de Fernando Higueras, con maquetas originales de la época, fotografías, planos y audios en los que el arquitecto habla sobre sus edificios y su concepción de la arquitectura. además, en la planta baja se mostrará una recreación de su estudio en su casa, el célebre “Rascainfiernos”.

Fernando Higueras. Desde el origen

«Iconoclasta, visionario, pintor, músico y fotógrafo, genio deslumbrante, el arquitecto Fernando Higueras (Madrid, 1930-2008) ha dejado como herencia en la historia de la arquitectura española un modo emocional de considerar la arquitectura desde su cualidad más esencial.»

Fernando Higueras nació en Madrid el 26 de noviembre de 1930. Cursó bachillerato en el Colegio Estudio de Madrid, alternándolo con música y pintura. En 1959 se graduó por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid. Su proyecto fin de carrera se publicó en la revista Nueva Forma de Fullaondo y sus 10 Residencias de Artistas en El Pardo ganaron el accésit del Premio Nacional de Arquitectura.

Aficionado a la música, a la pintura, a la escultura y a la fotografía, participó desde 1953 en numerosos concursos de las cuatro ramas artísticas logrando a lo largo de su carrera gran número de premios. En urbanismo y arquitectura consiguió también un sinfín de premios y reconocimientos, entre los más relevantes: la Primera y Segunda Medallas de Arquitectura en la Exposición Nacional de Bellas Artes, 1966; fue invitado como único arquitecto español para el Concurso Internacional Restringido para Edificio de Oficinas para la firma DOM, en Colonia (Alemania), 1980; Primer Premio del Concurso Internacional para el Ministerio de Asuntos Exteriores de Abu Dabi, 1980; invitado a la Bienal de Venecia, 1983. En 1983 fue seleccionado por el Consejo Superior de los Colegios de Arquitectos de España para optar al Premio Internacional de Arquitectura Pritzker.

Fernando Higueras. Desde el origen Fernando-y-puro

En 1998 se concedió al Hotel Las Salinas de Lanzarote (1973) la categoría de Patrimonio Artístico y Cultural de la isla de Lanzarote, además, su proyecto para urbanización de Lanzarote se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. En 2002, el Ayuntamiento de Madrid catalogó y protegió otras tres obras suyas: la sede del Instituto del Patrimonio Cultural de España La Corona de Espinas (1965), el Colegio Estudio, Aravaca (1962), y la UVA de Hortaleza (1963).

Su obra ha podido verse en exposiciones que han itinerado por España, dio conferencias por todo el mundo y participó en cursos y seminarios. Falleció en Madrid el 30 de enero de 2008.

FERNANDO HIGUERAS. DESDE EL ORIGEN
Del 27 de febrero al 19 de mayo en el Museo ICO
Comisariada por Lola Botia
Organiza: Fundación ICO – Ministerio de Fomento.

[:gl]

A exposición propón un percorrido cronolóxico e sumamente visual por toda a obra de Fernando Higueras, con maquetas orixinais da época, fotografías, planos e audios nos que o arquitecto fala sobre os seus edificios e a súa concepción da arquitectura. ademais, na planta baixa mostrarase unha recreación do seu estudo na súa casa, o soado “Rascainfiernos”.

Fernando Higueras. Desde el origen

«Iconoclasta, visionario, pintor, músico e fotógrafo, xenio cegador, o arquitecto Fernando Higueras (Madrid, 1930-2008) deixou como herdanza na historia da arquitectura española un modo emocional de considerar a arquitectura desde a súa calidade máis esencial.»

Fernando Higueras naceu en Madrid o 26 de novembro de 1930. Cursou bacharelato no Colexio Estudo de Madrid, alternándoo con música e pintura. En 1959 se graduó pola Escola Técnica Superior de Arquitectura de Madrid. O seu proxecto fin de carreira publicouse na revista Nova Forma de Fullaondo e as súas 10 Residencias de Artistas no Pardo gañaron o accésit do Premio Nacional de Arquitectura.

Afeccionado á música, á pintura, á escultura e á fotografía, participou desde 1953 en numerosos concursos das catro ramas artísticas logrando ao longo da súa carreira gran número de premios. En urbanismo e arquitectura conseguiu tamén unha infinidade de premios e recoñecementos, entre os máis relevantes: a Primeira e Segunda Medallas de Arquitectura na Exposición Nacional de Belas Artes, 1966; foi convidado como único arquitecto español para o Concurso Internacional Restrinxido para Edificio de Oficinas para a firma DOM, en Colonia (Alemaña), 1980; Primeiro Premio do Concurso Internacional para o Ministerio de Asuntos Exteriores de Abu Dabi, 1980; convidado á Bienal de Venecia, 1983. En 1983 foi seleccionado polo Consello Superior dos Colexios de Arquitectos de España para optar ao Premio Internacional de Arquitectura Pritzker.

Fernando Higueras. Desde el origen Fernando-y-puro

En 1998 concedeuse ao Hotel As Salinas de Lanzarote (1973) a categoría de Patrimonio Artístico e Cultural da illa de Lanzarote, ademais, o seu proxecto para urbanización de Lanzarote atópase no Museo de Arte Moderna de Nova York. En 2002, o Concello de Madrid catalogou e protexeu outras tres obras súas: a sede do Instituto do Patrimonio Cultural de España A Coroa de Espiñas (1965), o Colexio Estudo, Aravaca (1962), e a UVA de Hortaleza (1963).

A súa obra puido verse en exposicions que han itinerado por España, deu conferencias por todo o mundo e participou en cursos e seminarios. Faleceu en Madrid o 30 de xaneiro de 2008.

FERNANDO HIGUERAS. DESDE A ORIXE
Do 27 de febreiro ao 19 de maio no Museo ICO
Comisariada por Lola Botia
Organiza: Fundación ICO – Ministerio de Fomento.

[:en]

La exposición propone un recorrido cronológico y sumamente visual por toda la obra de Fernando Higueras, con maquetas originales de la época, fotografías, planos y audios en los que el arquitecto habla sobre sus edificios y su concepción de la arquitectura. además, en la planta baja se mostrará una recreación de su estudio en su casa, el célebre “Rascainfiernos”.

Fernando Higueras. Desde el origen

«Iconoclasta, visionario, pintor, músico y fotógrafo, genio deslumbrante, el arquitecto Fernando Higueras (Madrid, 1930-2008) ha dejado como herencia en la historia de la arquitectura española un modo emocional de considerar la arquitectura desde su cualidad más esencial.»

Fernando Higueras nació en Madrid el 26 de noviembre de 1930. Cursó bachillerato en el Colegio Estudio de Madrid, alternándolo con música y pintura. En 1959 se graduó por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid. Su proyecto fin de carrera se publicó en la revista Nueva Forma de Fullaondo y sus 10 Residencias de Artistas en El Pardo ganaron el accésit del Premio Nacional de Arquitectura.

Aficionado a la música, a la pintura, a la escultura y a la fotografía, participó desde 1953 en numerosos concursos de las cuatro ramas artísticas logrando a lo largo de su carrera gran número de premios. En urbanismo y arquitectura consiguió también un sinfín de premios y reconocimientos, entre los más relevantes: la Primera y Segunda Medallas de Arquitectura en la Exposición Nacional de Bellas Artes, 1966; fue invitado como único arquitecto español para el Concurso Internacional Restringido para Edificio de Oficinas para la firma DOM, en Colonia (Alemania), 1980; Primer Premio del Concurso Internacional para el Ministerio de Asuntos Exteriores de Abu Dabi, 1980; invitado a la Bienal de Venecia, 1983. En 1983 fue seleccionado por el Consejo Superior de los Colegios de Arquitectos de España para optar al Premio Internacional de Arquitectura Pritzker.

Fernando Higueras. Desde el origen Fernando-y-puro

En 1998 se concedió al Hotel Las Salinas de Lanzarote (1973) la categoría de Patrimonio Artístico y Cultural de la isla de Lanzarote, además, su proyecto para urbanización de Lanzarote se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. En 2002, el Ayuntamiento de Madrid catalogó y protegió otras tres obras suyas: la sede del Instituto del Patrimonio Cultural de España La Corona de Espinas (1965), el Colegio Estudio, Aravaca (1962), y la UVA de Hortaleza (1963).

Su obra ha podido verse en exposiciones que han itinerado por España, dio conferencias por todo el mundo y participó en cursos y seminarios. Falleció en Madrid el 30 de enero de 2008.

FERNANDO HIGUERAS. DESDE EL ORIGEN
Del 27 de febrero al 19 de mayo en el Museo ICO
Comisariada por Lola Botia
Organiza: Fundación ICO – Ministerio de Fomento.

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[:es]La mirada viajera | Marcos Miguélez[:gl]A mirada viaxeira | Marcos Miguélez[:en]La mirada viajera | Marcos Miguélez[:]

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La mirada viajera Marcos Miguélez o11

El proyecto ha consistido en la transformación de un pequeño local comercial en espacio de trabajo para una agencia de viajes.

De unos 45 metros cuadrados y situado en la planta baja de un edificio de viviendas, el volumen de intervención es mayor en altura que en anchura. El techo permite trabajar hasta una altura libre de unos cinco metros y el ancho alrededor de tres. Tiene su única apertura a la luz natural en la fachada principal.

La propuesta se plantea como un espacio a doble altura que organiza sus actividades en dos niveles. De este modo, según la privacidad y funcionalidad del programa, se han repartido las actividades en dos plataformas conectadas por una escalera de caracol.

 El área de atención al público, con acceso directo desde la calle, se ubica en el nivel más bajo. En el altillo se encuentra la sala privada de oficina, definida por una mesa flotante volcada hacia la doble altura y las vistas a la calle. Al fondo y bajo el altillo preexistente hay un pequeño office, un aseo y un almacén, que crean una zona de servicios.

La fachada principal la define un ventanal y una puerta de dos hojas que se abre intencionadamente a la calle, buscando la luz, el paisaje y la relación con el espacio público.

Obra: La mirada viajera
Autor: Marcos Miguélez
Ubicación: Ponferrada – León, España
Superficie total: 45 m2
Año: 2018
Fotografías: Antonio V. Sotelo 
Colaboradores: Talleres Roval S.L.
+ marcosmiguelez.com[:gl]

La mirada viajera Marcos Miguélez o11

O proxecto consistiu na transformación dun pequeno local comercial en espazo de traballo para unha axencia de viaxes.

Duns 45 metros cadrados e situado na planta baixa dun edificio de vivendas, o volume de intervención é maior en altura que en anchura. O teito permite traballar ata unha altura libre duns cinco metros e o ancho ao redor de tres. Ten a súa única apertura á luz natural na fachada principal.

A proposta exponse como un espazo a dobre altura que organiza as súas actividades en dous niveis. Deste xeito, segundo a privacidade e funcionalidade do programa, repartíronse as actividades en dúas plataformas conectadas por unha escaleira de caracol.

A área de atención ao público, con acceso directo desde a rúa, sitúase no nivel máis baixo. No altillo atópase a sala privada de oficina, definida por unha mesa flotante envorcada cara á dobre altura e as vistas á rúa. Ao fondo e baixo o altillo preexistente hai un pequeno office, un aseo e un almacén, que crean unha zona de servizos.

A fachada principal defínea unha ventá e unha porta de dúas follas que se abre intencionadamente á rúa, buscando a luz, a paisaxe e a relación co espazo público.

Obra: A mirada viaxeira
Autor: Marcos Miguélez
Ubicación: Ponferrada – León, España
Superficie total: 45 m2
Ano: 2018
Fotografías: Antonio V. Sotelo 
Colaboradores: Talleres Roval S.L.
+ marcosmiguelez.com[:en]

La mirada viajera Marcos Miguélez o11

The project consists in the transformation of a small business premises into a work space for a travel agency.

Amounting to 45 square meters and located on the ground floor of a residential building, the volume of intervention is greater in height than it is in width. The ceiling allows to work up to about five meters in height while the width is around three meters. The only opening to natural light is on the main facade.

The proposal results in a double-height space to accommodate its activities on two levels. Thus, according to the privacy and functionality of the program the activities have been distributed on two platforms connected by a spiral staircase.

The public and customer area, with direct access from the street, is at the lower level. On the higher floor is the private office, delimited by a floating table turned towards the mezzanine and the street views. At the bottom there are a toilet and a storage space that create a service area.

The main facade is defined by a window and the main door that intentionally opens to the street, looking for light and connection with public space.

Work: La mirada viajera
Author: Marcos Miguélez
Location: Ponferrada – León, Spain
Total built area: 45 m2
Year: 2018
Photography: Antonio V. Sotelo 
Collaborators: Talleres Roval S.L.
+ marcosmiguelez.com[:]

ACTIVATORS. Public Space Strategies

[:es]

ACTIVATORS. Public Space Strategies a+t 51

La revista a+t retoma la serie STRATEGY, iniciada en 2010 con el objetivo de resaltar y dar nombre a estrategias y acciones presentes en los proyectos de espacio público.

Este nuevo volumen de la serie, a+t 51, llamado ACTIVATORS, incluye obras de MVRDV, Jaja, Adept, Nendo, Vaumm, Wowhaus y Ola, entre otros.

Se trata de proyectos que agregan nuevas dinámicas al espacio público a través de la incorporación de instalaciones para el ocio, el deporte o el aprendizaje lúdico.

Un índice de 85 acciones, identificadas dentro de los 13 proyectos incluidos en este número, permite analizarlas según:

– Escala de influencia: Contexto, Lugar, Objetos

– Tipo de estrategia: Ambiental, Socioeconómica, Estética.

CONTENIDOS (Inglés/Español)

Strategies & Actions. Aurora Fernández Per

Recreating a Landscape

Gilles Brusset. L’Enfance du Pli. Meyrin (Switzerland)

Collaborating with the Users

NP2F Architects. Sports Area in the Gardens of Saint-Paul. Paris (France)

Recreating a Theme

Nendo. Tenri Station Plaza CoFuFun. Tenri (Japan)

Reusing a Corridor

MVRDV. Seoullo 7017 Skygarden. Seoul (South Korea)

Blurring the Limits

VAUMM Arkitektura. Alaberga Urban Lift. Errenteria (Spain)

Making Interior Landscapes

JAJA Architects. Activity Landscape Harboøre. Harboøre (Denmark)

Appropiating the Roof

ADEPT. Vestre Fjord Park. Aalborg (Denmark)

Applying a Generator Matrix

OLA Estudio. Lagoon pools at Monte do Gozo. Santiago de Compostela (Spain)

Hybriding Natural and Man-Made Processes

Ooze, Marjetica Potrc. Natural Bathing Pond and its Landscape. London (United Kingdom)

Learning by Doing

Students from Bartlett School of Architecture led by Jan Kattein and Julia King. The King’s Cross Skip Garden. London (United Kingdom)

Invigorating the Suburbs

Rozana Montiel, Alin V. Wallach. Cancha. Lagos de Puente Moreno, Veracruz (Mexico)

Removing Barriers

Rozana Montiel, Alin V. Wallach. Common-Unity. San Pablo Xalpa, Azcapotzalco, Mexico City (Mexico)

Learning by Playing

Wowhaus Architecture and Urban Design. Urban Farm at VDNKh. Moscow (Russia)

[:gl]

ACTIVATORS. Public Space Strategies a+t 51

A revista a+t retoma a serie STRATEGY, iniciada en 2010 co obxectivo de resaltar e dar nome a estratexias e accións presentes nos proxectos de espazo público.

Este novo volume da serie, a+t 51, chamado ACTIVATORS, inclúe obras de MVRDV, Jaja, Adept, Nendo, Vaumm, Wowhaus e Onda, entre outros.

Trátase de proxectos que agregan novas dinámicas ao espazo público a través da incorporación de instalacións para o lecer, o deporte ou a aprendizaxe lúdica.

Un índice de 85 accións, identificadas dentro dos 13 proxectos incluídos neste número, permite analizalas segundo:

Un índice de 85 acciones, identificadas dentro de los 13 proyectos incluidos en este número, permite analizarlas según:

– Escala de influencia: Contexto, Lugar, Obxectos

– Tipo de estratexia: Ambiental, Socioeconómica, Estética.

CONTIDOS (Inglés/Castelán)

Strategies & Actions. Aurora Fernández Per

Recreating a Landscape

Gilles Brusset. L’Enfance du Pli. Meyrin (Switzerland)

Collaborating with the Users

NP2F Architects. Sports Area in the Gardens of Saint-Paul. Paris (France)

Recreating a Theme

Nendo. Tenri Station Plaza CoFuFun. Tenri (Japan)

Reusing a Corridor

MVRDV. Seoullo 7017 Skygarden. Seoul (South Korea)

Blurring the Limits

VAUMM Arkitektura. Alaberga Urban Lift. Errenteria (Spain)

Making Interior Landscapes

JAJA Architects. Activity Landscape Harboøre. Harboøre (Denmark)

Appropiating the Roof

ADEPT. Vestre Fjord Park. Aalborg (Denmark)

Applying a Generator Matrix

OLA Estudio. Lagoon pools at Monte do Gozo. Santiago de Compostela (Spain)

Hybriding Natural and Man-Made Processes

Ooze, Marjetica Potrc. Natural Bathing Pond and its Landscape. London (United Kingdom)

Learning by Doing

Students from Bartlett School of Architecture led by Jan Kattein and Julia King. The King’s Cross Skip Garden. London (United Kingdom)

Invigorating the Suburbs

Rozana Montiel, Alin V. Wallach. Cancha. Lagos de Puente Moreno, Veracruz (Mexico)

Removing Barriers

Rozana Montiel, Alin V. Wallach. Common-Unity. San Pablo Xalpa, Azcapotzalco, Mexico City (Mexico)

Learning by Playing

Wowhaus Architecture and Urban Design. Urban Farm at VDNKh. Moscow (Russia)

[:en]

ACTIVATORS. Public Space Strategies a+t 51

a + t magazine returns to the public realm through the  STRATEGY series, which began in 2010 with the aim of highlighting and naming the strategies and actions underlying each project.

85 actions are identified within the 13 projects included in the issue.

This new volume of the STRATEGY series, a+t 51, called ACTIVATORS, includes works by MVRDV, Jaja, Adept, Nendo, Vaumm, Wowhaus, and Ola, among others.

They are all projects that add new dynamics to the public space through the incorporation of facilities for leisure, sports or recreational learning.

They are grouped according to:

-Scale of influence: Context, Site, Objects

-Type of strategy: Environmental, Socioeconomic, Aesthetic.

CONTENTS (English/Spanish)

Strategies & Actions. Aurora Fernández Per

Recreating a Landscape

Gilles Brusset. L’Enfance du Pli. Meyrin (Switzerland)

Collaborating with the Users

NP2F Architects. Sports Area in the Gardens of Saint-Paul. Paris (France)

Recreating a Theme

Nendo. Tenri Station Plaza CoFuFun. Tenri (Japan)

Reusing a Corridor

MVRDV. Seoullo 7017 Skygarden. Seoul (South Korea)

Blurring the Limits

VAUMM Arkitektura. Alaberga Urban Lift. Errenteria (Spain)

Making Interior Landscapes

JAJA Architects. Activity Landscape Harboøre. Harboøre (Denmark)

Appropiating the Roof

ADEPT. Vestre Fjord Park. Aalborg (Denmark)

Applying a Generator Matrix

OLA Estudio. Lagoon pools at Monte do Gozo. Santiago de Compostela (Spain)

Hybriding Natural and Man-Made Processes

Ooze, Marjetica Potrc. Natural Bathing Pond and its Landscape. London (United Kingdom)

Learning by Doing

Students from Bartlett School of Architecture led by Jan Kattein and Julia King. The King’s Cross Skip Garden. London (United Kingdom)

Invigorating the Suburbs

Rozana Montiel, Alin V. Wallach. Cancha. Lagos de Puente Moreno, Veracruz (Mexico)

Removing Barriers

Rozana Montiel, Alin V. Wallach. Common-Unity. San Pablo Xalpa, Azcapotzalco, Mexico City (Mexico)

Learning by Playing

Wowhaus Architecture and Urban Design. Urban Farm at VDNKh. Moscow (Russia)

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[:es]Conversación | Sergio de Miguel[:gl]Conversación | Sergio de Miguel[:en]Conversation | Sergio de Miguel[:]

[:es]

Pennsylvania College Democrats
Pennsylvania College Democrats

Pudiéramos pensar que cuando utilizamos el término conversación nos acercamos a describir lo que entendemos por diálogo, y por extensión por monólogo, pero en realidad son expresiones distantes. Tener una conversación queda alejado de impartir o imponer lógicas o desafíos duales o individuales.

Se emparenta de forma más precisa con agruparse intencionadamente para proceder a dar vueltas decisivas sobre algo, sin saber necesariamente cuál va a ser el resultado final. No en vano el latino –versare– indica movimiento, cambio, transformación. La disponibilidad a la conversación denota voluntad de adaptación, de ajuste y acomodo.

No se trata de convencer, se trata de vencer la incertidumbre mediante la apertura frente a la disposición común (de ahí que la «conversión» se refiera a cambiar de religión). Conlleva por tanto volver y devolver de manera frecuente los criterios de unos con los otros. En definitiva se trata de entrelazar, entablar vínculos aproximativos dentro de un colectivo con intereses comunes.

A menudo se concibe con cierta ingenuidad que hacer arquitectura es un acto individual. Pero rara vez es así. La arquitectura es siempre una actividad compleja, y provoca dinámicas de una diversidad tan intensa como recurrente. Por ello acudir al recurso de la conversación, activa y perspicaz, es la más atinada imagen de la actitud pragmática que se hace necesaria.

La praxis arquitectónica incide en la conveniencia de la confrontación, en cultivar y definir la actitud crítica en busca de acuerdos colectivos. La arquitectura para ser posible debe ser algo compartido, discutido y acordado por muchos. Estamos ante una disciplina, experta y útil, que atiende a intereses y objetivos múltiples.

Acudir a practicar una conversación no es sólo buscar conciertos convenientes, es sobre todo asumir que se debe abrir la capacidad de respuesta a todo aquello que haga coincidir los muchos intereses en juego. Conversar es conocer, y también reconocer, todo aquello que importa.

Hay que concluir que saber conversar llega a ser indispensable para tener éxito. Y es que tener éxito, tener una salida triunfante, se demuestra que no depende sólo de uno mismo.

Qué es lo que hacemos sino una conversación.

Sergio de Miguel, Doctor arquitecto
Madrid, diciembre 2016
Publicado en Grupo docente y de investigación para la arquitectura Grupo 4! de la ETSAM.

[:gl]

Pennsylvania College Democrats
Pennsylvania College Democrats

Puidésemos pensar que cando utilizamos o termo conversación achegámonos a describir o que entendemos por diálogo, e por extensión por monólogo, pero en realidade son expresións distantes. Ter unha conversación queda afastado de impartir ou impoñer lóxicas ou desafíos duais ou individuais.

Se emparenta de forma máis precisa con agruparse intencionadamente para proceder a dar voltas decisivas sobre algo, sen saber necesariamente cal vai ser o resultado final. Non en balde o latino -versar- indica movemento, cambio, transformación. A disponibilidade á conversación denota vontade de adaptación, de axuste e acomodo.

Non se trata de convencer, trátase de vencer a incerteza mediante a apertura fronte á disposición común (por iso é polo que a «conversión» refírase a cambiar de relixión). Leva por tanto volver e devolver de maneira frecuente os criterios duns cos outros. En definitiva trátase de entrelazar, establecer vínculos aproximativos dentro dun colectivo con intereses comúns.

A miúdo concíbese con certa inxenuidade que facer arquitectura é un acto individual. Pero de cando en cando é así. A arquitectura é sempre unha actividade complexa, e provoca dinámicas dunha diversidade tan intensa como recorrente. Por iso acudir ao recurso da conversación, activa e perspicaz, é a máis atinada imaxe da actitude pragmática que se fai necesaria.

A praxe arquitectónica incide na conveniencia da confrontación, en cultivar e definir a actitude crítica en busca de acordos colectivos. A arquitectura para ser posible debe ser algo compartido, discutido e acordado por moitos. Estamos ante unha disciplina, experta e útil, que atende a intereses e obxectivos múltiples.

Acudir a practicar unha conversación non é só buscar concertos convenientes, é sobre todo asumir que se debe abrir a capacidade de resposta a todo aquilo que faga coincidir os moitos intereses en xogo. Conversar é coñecer, e tamén recoñecer, todo aquilo que importa.

Hai que concluír que saber conversar chega a ser indispensable para ter éxito. E é que ter éxito, ter unha saída triunfante, demóstrase que non depende só dun mesmo.

Que é o que facemos senón unha conversación.

Sergio de Miguel, Doutor arquitecto
Madrid, decembro 2016
Publicado en Grupo docente e de investigación para a arquitectura Grupo 4! da ETSAM.

[:en]

Pennsylvania College Democrats
Pennsylvania College Democrats

We could think that when we use the term conversation we approach to describe what we understand for dialog, and for extension for monologue, but actually they are distant expressions. To have a conversation remains removed of giving or imposing logics or dual or individual challenges.

Emparenta of more precise form in spite of gathering in crowds meaningfully to proceed to give decisive returns on something, without knowing necessarily which is going to be the final result. Not uselessly the Latin person –versare– indicates movement, change, transformation. The availability to the conversation denotes will of adjustment, of adjustment and arrangement.

It is not a question of convincing, it is a question of conquering the uncertainty by means of the opening opposite to the common disposition (of there that the «conversion» refers to changing religion). He carries therefore to return and to return in a frequent way the criteria of some with others. Definitively it is a question of interlacing, to beginning approximate links inside a group with common interests.

Often there is conceived by certain naiveté that to do architecture is an individual act. But rarely it is like that. The architecture is always a complex activity, and provokes dynamics of a diversity as intense as appellant. For it to come to the resource of the conversation, active and perspicacious, it is the most wise image of the pragmatic attitude that becomes necessary.

The architectural practice affects in the convenience of the confrontation, in cultivating and defining the critical attitude in search of collective agreements. The architecture to be a possible debit to be shared something, controversial and reminded by many. We are before a discipline, expert and useful, that attends to interests and multiple aims.

Coming to practise a conversation is only to look for suitable concerts, is especially to assume that it is necessary to to open the capacity of response for all that that makes coincide a lot of interests with game. Conversing is to know, and also to recognize, all that that matters.

It is necessary to conclude that to be able to converse manages to be indispensable to be successful. And it is that be successful, to have a triumphant exit, there is demonstrated that it does not depend only on one itself.

What is what we do but a conversation.

Sergio de Miguel, PhD architect
Madrid, december 2016
Published in educational Group and of investigation for the architecture Grupo 4! of the ETSAM.

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[:es]Cine Monumental de Casto Fernéndez-Shaw | Jorge Gorostiza[:gl]Cine Monumental de Casto Fernéndez-Shaw | Jorge Gorostiza[:en]Monumental Cinema by Casto Fernéndez-Shaw | Jorge Gorostiza[:]

[:es]

Cine Monumental. Dibujo de Casto Fernéndez-Shaw
Cine Monumental. Dibujo de Casto Fernéndez-Shaw

Revisando la obra del arquitecto Casto Fernández-Shaw, he encontrado que muchos números de su revista Cortijos y rascacielos está digitalizada y se puede acceder a ella en Memoria de Madrid. En el número tres de esa revista, editado en el invierno de 1930, se publicó uno de sus proyectos visionarios, en este caso el del Cine Monumental, del que solo se muestra en una sola página la ilustración que está al lado y el siguiente texto:

«¿Exceso de originalidad? ¿Visión del futuro?

En 1909 Bleriot atraviesa el Canal de la Mancha. En 1930 se da con facilidad esalto del Océano.

El cinematógrafo balbucea en los comienzos del siglo. Hoy habla en todos los idiomas.

Las ciudades han de transformar su estructura y adaptarla a las nuevas necesidades.

¿Es por tanto aventurado el pensar que en plazo no lejano se construirán edificios como el que presentamos a nuestros lectores?

La planta del cinematógrafo es octogonal. La máquina, colocada en el centro del edificio, proyecta la película simultáneamente en ocho pantallas que dan lugar a otros tantos sectores de público.

En estas pantallas se verá la película, desde el exterior, en determinados momentos, para atraer a los transeúntes.

Colocado el edificio en el centro de una gran plaza se llegará a él por vía subterránea y aérea. La terraza servirá para el aterrizaje de avionetas y autogiros, modernos taxis aéreos.

El suelo de la plaza quedará libre, pues un sistema de vigas puentes sostendrán el forjado del edificio.

Ocho torres, provistas de rampas y ascensores, llevarán al público a las diferentes plantas del edificio.

Este será capaz para el acomodo de 24.000 espectadores, ninguno de los cuales estará a una distancia de la pantalla, superior a cuarenta metros.»

Es interesante comprobar la esperanza que había a principios de la década de los treinta sobre el futuro del negocio cinematográfico y sus proyecciones multitudinarias, paralelo al del desarrollo de la aviación, y también que, a pesar de proyectar la misma película en las ocho pantallas, este edificio fuera un antecedente de las multisalas.

Jorge Gorostiza, Doctor arquitecto.
Santa Cruz de Tenerife, agosto 2018
Autor del blog Arquitectura+Cine+Ciudad

[:gl]

Cine Monumental. Dibujo de Casto Fernéndez-Shaw
Cine Monumental. Debuxo de Casto Fernéndez-Shaw

Revisando a obra do arquitecto Casto Fernández-Shaw, atopei que moitos números da súa revista Cortellos e rañaceos está dixitalizada e pódese acceder a ela en Memoria de Madrid. No número tres desa revista, editado no inverno de 1930, publicouse un dos seus proxectos visionarios, neste caso o do Cinema Monumental, do que só se mostra nunha soa páxina a ilustración que está á beira e o seguinte texto:

«Exceso de orixinalidade? Visión do futuro?

En 1909 Bleriot atravesa a Canle da Mancha. En 1930 dáse con facilidade o salto do Océano.

O cinematógrafo balbucea nos comezos do século. 

Hoxe fala en todos os idiomas. As cidades han de transformar a súa estrutura e adaptala ás novas necesidades.

É por tanto aventurado o pensar que en prazo non afastado construiranse edificios como o que presentamos aos nosos lectores?

A planta do cinematógrafo é octogonal. A máquina, colocada no centro do edificio, proxecta a película simultaneamente en oito pantallas que dan lugar a outros tantos sectores de público.

Nestas pantallas verase a película, desde o exterior, en determinados momentos, para atraer aos transeúntes.

Colocado o edificio no centro dunha gran praza chegarase a el por vía subterránea e aérea.

A terraza servirá para a aterraxe de avionetas e autogiros, modernos taxis aéreos. O chan da praza quedará libre, pois un sistema de vigas pontes sosterán o forxado do edificio.

Oito torres, provistas de ramplas e ascensores, levarán ao público ás diferentes plantas do edificio.

Este será capaz para o acomodo de 24.000 espectadores, ningún dos cales estará a unha distancia da pantalla, superior a corenta metros

É interesante comprobar a esperanza que había a principios da década dos trinta sobre o futuro do negocio cinematográfico e as súas proxeccións multitudinarias, paralelo ao do desenvolvemento da aviación, e tamén que, a pesar de proxectar a mesma película nas oito pantallas, este edificio fose un antecedente das multisalas.

Jorge Gorostiza, Doutor arquitecto.
Santa Cruz de Tenerife, agosto 2018
Autor do blogue Arquitectura+Cine+Ciudad

[:en]

Cine Monumental. Dibujo de Casto Fernéndez-Shaw
Monumental Cinema. Sketch by Casto Fernéndez-Shaw

Reviewing the work of the architect Casto Fernández-Shaw, I have found that many issues of his magazine Cortijos y rascacielos are digitized and can be accessed at Memoria de Madrid. In number three of that magazine, published in the winter of 1930, one of his visionary projects was published, in this case the Monumental Cinema, of which only the illustration that is next and the following text is shown in a single page:

«Excess of originality? Vision of the future?

In 1909 Bleriot crosses the English Channel. In 1930 the jump of the Ocean is easily given.

The cinematographer babbles at the beginning of the century. Today he speaks in all languages.

Cities have to transform their structure and adapt it to new needs.

Is it therefore risky to think that in the not too distant future buildings will be built like the one we present to our readers?

The cinematograph floor is octagonal. The machine, placed in the center of the building, projects the film simultaneously in eight screens that give rise to other sectors of the public.

In these screens you will see the film, from the outside, at certain times, to attract passers-by.

Placed the building in the center of a large square will be reached by underground and air. The terrace will serve for the landing of small planes and autogyros, modern air taxis.

The floor of the plaza will be free, because a system of bridge beams will support the forged of the building.

Eight towers, equipped with ramps and elevators, will take the public to the different floors of the building.

This will be able to accommodate 24,000 spectators, none of which will be at a distance from the screen, greater than forty meters

It is interesting to see the hope that there was at the beginning of the thirties about the future of the cinematographic business and its multitudinous projections, parallel to the development of aviation, and also that, in spite of projecting the same film in the eight screens, this building was an antecedent of the multiplexes.

Jorge Gorostiza, PhD architect.
Santa Cruz de Tenerife, august 2018
Author of the blog Arquitectura+Cine+Ciudad

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[:es]Bauhaus. Edición actualizada. Magdalena Droste[:gl]Bauhaus. Edición actualizada. Magdalena Droste[:en]Bauhaus. Updated Edition. Magdalena Droste[:]

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[:es]

Bauhaus. Edición actualizada. Magdalena Droste

“… por fin un libro que trae una bocanda de aire fresco a la escasa historiografía sobre la Bauhaus”.

Domus, Milan.

Durante el período entre las dos guerras mundiales del siglo XX, la Escuela de Arte y Diseño Bauhaus sentó las bases de la modernidad. Realizada junto al Bauhaus-Archiv de Berlín, esta edición actualizada celebra su centenario, reuniendo 550 ilustraciones en 400 páginas, incluyendo planos arquitectónicos y biografías de sus figuras clave como Walter Gropius, Paul Klee y Marianne Brandt. Una guía imprescindible.

Bauhaus. Edición actualizada. Magdalena Droste 2

Catorce años. En ese breve período entre la dos guerras mundiales, la escuela de arte y diseño alemana Bauhaus sentó las bases de la modernidad. Con ideales utópicos fue pionera en la fusión vanguardista de las bellas artes, la artesanía y la tecnología y su aplicación a otros medios y prácticas artísticas, del cine al teatro, de la escultura a la cerámica.

Esta obra de referencia es posible gracias a la colaboración del Bauhaus-Archiv/ Museum für Gestaltung de Berlín, que alberga la colección más importante hoy sobre esta famosa escuela artística. Con documentos, estudios, más de 250 nuevas fotografías, bocetos, planos y maquetas sobre las obras realizadas, nos acerca a los principios rectores y las personalidades de esta comunidad creativa idealista a través de sus tres sedes sucesivas en Weimar, Dessau y Berlín. Desde retratos informales de gimnasia en grupo hasta los dibujos de una clase impartida por Paul Klee; desde extensos planos arquitectónicos hasta un cenicero infinitamente elegante de Marianne Brandt, la colección late con los colores, los materiales y las geometrías que conforman la visión Bauhaus de la obra de arte total.

Cerca ya de la celebración del centenario de la Bauhaus, este libro es la prueba definitiva de su energía y su rigor; no sólo como un movimiento creativo pionero, sino también como paradigma de la educación artística. Allí donde la expresión y las ideas vanguardistas produjeron obras al mismo tiempo funcionales y hermosas. Este práctico volumen presenta a artistas destacados como Josef Albers, Marianne Brandt, Walter Gropius, Gertrud Grunow, Paul Klee, Ludwig Mies van der Rohe y Lilly Reich.

Sobre el autor.

Magdalena Droste estudió Historia del Arte y Literatura en Aquisgrán y Marburgo. A partir de 1980 trabajó en el Bauhaus-Archiv de Berlín y fue luego profesora de Historia del Arte en la BTU Cottbus. Ha sido responsable de numerosas exposiciones y publicaciones sobre todo tipo de temáticas y artistas de la Bauhaus.

[:gl]

Bauhaus. Edición actualizada. Magdalena Droste

“… por fin un libro que trae unha bocanda de aire fresco á escasa historiografía sobre a Bauhaus”.

Domus, Milan.

Durante o período entre as dúas guerras mundiais do século XX, a Escola de Arte e Deseño Bauhaus sentou as bases da modernidade. Realizada xunto ao Bauhaus– Archiv de Berlín, esta edición actualizada celebra o seu centenario, reunindo 550 ilustracións en 400 páxinas, incluíndo planos arquitectónicos e biografías das súas figuras crave como Walter GropiusPaul Klee e Marianne Brandt. Una guía imprescindible.

Bauhaus. Edición actualizada. Magdalena Droste 2

Catorce anos. Nese breve período entre as dúas guerras mundiais, a escola de arte e deseño alemá Bauhaus sentou as bases da modernidade. Con ideais utópicos foi pioneira na fusión vangardista das belas artes, a artesanía e a tecnoloxía e a súa aplicación a outros medios e prácticas artísticas, do cinema ao teatro, da escultura á cerámica.

Esta obra de referencia é posible grazas á colaboración do Bauhaus- Archiv/ Museum für Gestaltung de Berlín, que alberga a colección máis importante hoxe sobre esta famosa escola artística. Con documentos, estudos, máis de 250 novas fotografías, bosquexos, planos e maquetas sobre as obras realizadas, achéganos aos principios reitores e as personalidades desta comunidade creativa idealista a través das súas tres sedes sucesivas en Weimar, Dessau e Berlín. Desde retratos informais de ximnasia en grupo ata os debuxos dunha clase impartida por Paul Klee; desde extensos planos arquitectónicos ata un cinceiro infinitamente elegante de Marianne Brandt, a colección latexa coas cores, os materiais e as xeometrías que conforman a visión Bauhaus da obra de arte total.

Preto xa da celebración do centenario da Bauhaus, este libro é a proba definitiva da súa enerxía e o seu rigor; non só como un movemento creativo pioneiro, senón tamén como paradigma da educación artística. Alí onde a expresión e as ideas vangardistas produciron obras ao mesmo tempo funcionais e fermosas. Este práctico volume presenta a artistas destacados como Josef AlbersMarianne BrandtWalter Gropius, Gertrud Grunow, Paul KleeLudwig Mies van der Rohe e Lilly Reich.

Sobre o autor.

Magdalena Droste estudou Historia da arte e Literatura en Aquisgrán e Marburgo. A partir de 1980 traballou no Bauhaus- Archiv de Berlín e foi logo profesora de Historia da arte na BTU Cottbus. Foi responsable de numerosas exposicións e publicacións sobre todo tipo de temáticas e artistas da Bauhaus.

[:en]

Bauhaus. Edición actualizada. Magdalena Droste

“… finally a book that brings a breath of fresh air to the lifeless literature on Bauhaus”.

Domus, Milan.

Between two world wars, the Bauhaus School of Art and Design changed the face of modernity. Realized with the Bauhaus-Archiv in Berlin, this updated edition celebrates the school’s centennial, gathering 550 illustrations across 400 pages, including architectural plans and biographies of key figures like Walter GropiusPaul Klee, and Marianne Brandt. The ultimate guide.

Bauhaus. Edición actualizada. Magdalena Droste 2

In a fleeting 14-year period between two world wars, Germany’s Bauhaus School of Art and Design changed the face of modernity. With utopian ideas for the future, the school developed a pioneering fusion of fine art, craftsmanship, and technology, which they applied across media and practices from film to theater, sculpture to ceramics.

This book is made in collaboration with the Bauhaus-Archiv/Museum für Gestaltung in Berlin, the world’s largest collection on the history of the Bauhaus. Some 550 illustrations including architectural plans, studies, photographs, sketches, and models record not only the realized works but also the leading principles and personalities of this idealistic creative community through its three successive locations in WeimarDessau, and Berlin. From informal shots of group gymnastics to drawings guided by Paul Klee, from extensive architectural plans to an infinitely sleek ashtray by Marianne Brandt, the collection brims with the colors, materials, and geometries that made up the Bauhaus vision of a “total” work of art.

As we approach the Bauhaus centennial, this is a defining account of its energy and rigor, not only as a trailblazing movement in modernism but also as a paradigm of art education, where creative expression and cutting-edge ideas led to simultaneously functional and beautiful creations. Featured artists include Josef AlbersMarianne BrandtWalter Gropius, Gertrud Grunow, Paul KleeLudwig Mies van der Rohe and Lilly Reich.

The author.

Magdalena Droste studied art history and literature in Aachen and Marburg. From 1980 she worked at the Bauhaus-Archiv in Berlin, after which she worked as a professor of art history at the BTU Cottbus. She has been responsible for numerous exhibitions and publications across all Bauhaus themes and artists.

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[:es]Reforma integral vivienda S&A | V&Ba estudio[:gl]Reforma integral vivenda S&A | V&Ba estudio[:en]Integral housing reform S&A | V&Ba estudio[:]

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Reforma integral vivienda S&A V&Ba estudio o12

Cuando lo viejo hace espacio a lo nuevo.

Proyecto de reforma de vivienda S&A consistente en 90m² de espacio útil capaz de integrar: 3 habitaciones, estudio, salón comedor, baño y cocina.

El análisis de preexistencias revelaba una vivienda de autoconstrucción en el rural, ejecutada en diferentes fases, con unas instalaciones deficientes y un aislamiento de la envolvente prácticamente nulo. Junto a esta problemática, la distribución de las estancias, condicionadas por la estructura muraria existente, no cumplía al 100% con las exigencias de programa deseadas por los clientes.

Uno de los objetivos del proyecto fue el de conseguir el mayor confort posible tanto térmico como funcional; al mismo tiempo que lidiábamos con la estructura de muros de carga existentes, que condicionaba cualquier distribución diáfana. Resultando todo un reto. Es por eso que, con la finalidad de obtener una sensación de mayor amplitud y luz, se decide demoler parte de los altillos y recuperar la altura total de la vivienda, con techo a dos aguas, descongestionando las estancias y dotándolas de una escala y personalidad completamente nuevas.

Las habitaciones que conservan los altillos se convierten en dos cajas revestidas de tablillas de madera: una transcurre a lo largo del pasillo y alberga el baño, uno de los dormitorios y una sala polivalente, mientras que la segunda, acoge el acceso y ayuda a definir el espacio destinado a salón y comedor.

En un guiño a la historia de la vivienda, a partir de la cota 2,60m se preserva parte de su estructura originaria sin enlucir, y se pinta de color blanco, al igual que el resto de paramentos con el fin de unir el pasado con el presente.

Obra: Reforma integral vivienda S&A
Autor: V&BA estudio (Elena Gimeno Bayés)
Ubicación: Fornelos da Ribeira, Salvaterra do Miño. Galicia. España.
Año: 2018
Superficie Útil Total: 80 m²
Superficie Construida Total: 94 m²
Fotografía: Enrique Pereira (V&BA estudio)
Colaboradores: Maria Pintos Pavón
Constructora: Grupo Conscem
+ vandba.com[:gl]

Reforma integral vivienda S&A V&Ba estudio o12

Cando o vello fai espazo ao novo.

Proxecto de reforma de vivenda S&A consistente en 90 m² de espazo útil capaz de integrar: 3 habitacións, estudo, salón comedor, baño e cociña.

A análise de preexistencias revelaba unha vivenda de autoconstrucción no rural, executada en diferentes fases, cunhas instalacións deficientes e un illamento da envolvente practicamente nulo. Xunto a esta problemática, a distribución das estancias, condicionadas pola estrutura muraria existente, non cumpría ao 100% coas esixencias de programa desexadas polos clientes.

Un dos obxectivos do proxecto foi o de conseguir o maior confort posible tanto térmico como funcional; ao mesmo tempo que lidabamos coa estrutura de muros de carga existentes, que condicionaba calquera distribución diáfana. Resultando todo un reto. É por iso que, coa finalidade de obter unha sensación de maior amplitude e luz, decídese demoler parte dos altillos e recuperar a altura total da vivenda, con teito a dúas augas, desconxestionando as estancias e dotándoas dunha escala e personalidade completamente novas.

As habitacións que conservan os altillos convértense en dúas caixas revestidas de tablillas de madeira: unha transcorre ao longo do corredor e alberga o baño, un dos dormitorios e unha sala polivalente, mentres que a segunda, acolle o acceso e axuda a definir o espazo destinado a salón e comedor.

Nunha chiscadela á historia da vivenda, a partir da cota 2,60 m presérvase parte da súa estrutura orixinaria sen enlucir, e píntase de cor branca, do mesmo xeito que o resto de paramentos co fin de unir o pasado co presente.

Obra: Reforma integral vivenda S&A
Autor: V&BA estudio (Elena Gimeno Bayés)
Emprazamento: Fornelos da Ribeira, Salvaterra do Miño. Galicia. España.
Ano: 2018
Superficie Útil Total: 80 m²
Superficie Construida Total: 94 m²
Fotografía: Enrique Pereira (V&BA estudio)
Colaboradores: Maria Pintos Pavón
Construtora: Grupo Conscem
+ vandba.com[:en]

Reforma integral vivienda S&A V&Ba estudio o12

When the old makes room for the new.

S&A housing reform project consisting of 90m² of useful space capable of integrating: 3 bedrooms, study, living room, bathroom and kitchen.

The preexisting analysis revealed a self-construction dwelling in the rural area, executed in different phases, with poor installations and practically no insulation. Together with this problem, the distribution of the rooms, conditioned by the existing wall structure, did not meet 100% with the program requirements desired by the clients.

One of the objectives of the project was to achieve the highest possible comfort, both thermal and functional; at the same time that we were dealing with the structure of existing load-bearing walls, which conditioned any diaphanous distribution. It is a challenge. That is why, in order to obtain a feeling of greater breadth and light, it is decided to demolish part of the attics and recover the total height of the house, with a gabled roof, decongesting the rooms and providing them with a scale and personality completely new.

The rooms that conserve the attics are converted into two boxes covered with wooden slats: one runs along the corridor and houses the bathroom, one of the bedrooms and a multipurpose room, while the second, houses the access and helps define the space destined to living room and dining room.

In a nod to the history of housing, from the height of 2.60m, part of its original structure is preserved without plastering, and it is painted white, as is the rest of the walls in order to unite the past with the present.

Work: Integral housing reform S&A
Autlor: V&BA estudio (Elena Gimeno Bayés)
Location: Fornelos da Ribeira, Salvaterra do Miño. Galicia. Spain.
Year: 2018
Total Useful Surface: 80 m²
Total Constructed Area: 94 m²
Photography: Enrique Pereira (V&BA estudio)
Collaborators: Maria Pintos Pavón
Construction: Grupo Conscem
+ vandba.com[:]

[:es]Materialista, nueva app de MATCOAM[:gl]Materialista, nova app de MATCOAM[:en]Materialista, nueva app de MATCOAM[:]

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[:es]Materialista,-nueva-app-de-MATCOAM-o1

La app MateriaLista es un proyecto conjunto de la Universidad Europea de Madrid y el Colegio Oficial de arquitectos de Madrid.

El proyecto nace de la convergencia de dos necesidades complementarias. Por un lado, en la Universidad Europea de Madrid, bajo la dirección del profesor de construcción Luis Álvarez se viene desarrollando desde el año 2016 un proyecto integrado entre las titulaciones de Arquitectura, Ingeniería de Edificación e Informática para la creación de una herramienta informática en forma de app para móviles que sirva de herramienta de consulta y aprendizaje sobre la ciencia de materiales.

Por otro lado, la materioteca del COAM (MATCOAM, la Galería de Materiales del Colegio de Arquitectos de Madrid) quería trasladar a un formato digital y de fácil consulta el contenido existente en la exposición física de materiales de construcción la planta 3ª del Colegio.

Fruto de la unión de estos dos intereses complementarios nace la App MateriaLista.

4 apartados:

1. MAT. AREAS: constituye el apartado principal de la App. Se trata del reflejo directo en la App de los materiales de construcción que están presentes en la galería de materiales del COAM. Está organizada de manera sencilla y clara para que el usuario pueda encontrar fácilmente los distintos productos y acceder a su descripción, características técnicas, imágenes, datos del fabricante, etc…

2. FABRICANTES: en este apartado se muestran de manera ordenada los distintos fabricantes presentes en la exposición de MAT Coam. Una vez dentro de la ficha del fabricante tenemos acceso a los datos del mismo y a las fichas de los distintos materiales que tiene este fabricante.

3. EDIFICIOS: en esta sección se mostrarán obras de arquitectura actuales, relevantes e interesantes desde el punto de vistas constructivo.

4. CIENCIA DE MATERIALES: Materiales más utilizados en la construcción, en la manera clásica de los manuales de ciencia de materiales (maderas, piedras, metales, etc…). Con una amplia recopilación de sus principales propiedades ordenadas por tipo (propiedades mecánicas, propiedades térmicas, propiedades químicas, etc..). Esta sección incluye un “buscador de materiales”, mediante la selección de algunas de sus características indicando el grado de la misma. Es decir, podemos buscar, por ejemplo, un material que tenga buena resistencia a compresión, sea muy flexible y tenga un buen coeficiente de transmitancia térmica.

Materialista, nueva app de MATCOAM o2

El usuario al que se dirige la aplicación es muy amplio:

PROFESIONALES DE LA CONSTRUCCIÓN:

* Por un lado, a todos los implicados en el campo de la arquitectura y de la construcción les servirá para encontrar fácilmente referencias comerciales concretas de materiales que pueden ser aplicados a sus obras (aislantes, fachadas, suelos, grifos, etc…) en el apartado MAT AREAS y en el apartado de FABRICANTES.

* EDIFICIOS, los arquitectos encontrarán edificios conocidos de los que podrán tomar prestadas soluciones constructivas existentes en el mercado. Por ejemplo, imaginemos que un arquitecto en su proyecto quiere hacer una fachada de chapa parecida a la del Caixaforum de Herzog y de Meuron. Consultando la ficha del edificio en la app, descubrirá que la solución de la chapa perforada es de la empresa IMARSA con la que a través de la app se podrá poner fácilmente en contacto.

* CIENCIA DE MATERIALES, por un lado ampliar y refrescar conocimientos y por otro lado buscar materiales que puedan ofrecer un rendimiento específico de cara a cumplir los requerimientos del proyecto, de la normativa, etc…

ESTUDIANTES DE ARQUITECTURA E INGENIERÍA.

* CIENCIA DE MATERIALES una excelente herramienta de ayuda al estudio en las asignaturas de construcción, especialmente en las relacionadas con materiales.

* MAT AREAS, podrán tener a su disposición de manera fácil y en una sola app toda la documentación técnica de apoyo que los fabricantes ofrecen.

PÚBLICO EN GENERAL.

* MAT AREAS, podrán buscar productos concretos para elegir y aplicar en las obras en las que estén implicados.

Esta aplicación, gratuita tanto en Android como iOS, pretende ser una herramienta sencilla e interactiva, profesional y pedagógica, muy útil para el prescriptor y el estudiante que mejorará su conocimiento en la ciencia de los materiales. Reúne en cuatro apartados todos los materiales expuestos en la Galería de Materiales con datos de las empresas fabricantes, sus propiedades y edificios en los que se han utilizado, llevando la materioteca más allá de su espacio físico.

Con más de 700 metros cuadrados de espacio expositivo en el centro de Madrid, MATCOAM es la mayor materioteca de España. De entrada libre y gratuita para profesionales del sector, permite la interacción libre con más de 1.000 materiales, al tiempo que cuenta con espacios para reuniones, ciclos formativos y las últimas tendencias más innovadoras en materiales.

[:gl]Materialista,-nueva-app-de-MATCOAM-o1

A app MateriaLista é un proxecto conxunto da Universidade Europea de Madrid e o Colexio Oficial de arquitectos de Madrid.

O proxecto nace da converxencia de dúas necesidades complementarias. Por unha banda, na Universidade Europea de Madrid, baixo a dirección do profesor de construción Luís Álvarez vén desenvolvendo desde o ano 2016 un proxecto integrado entre as titulacións de Arquitectura, Enxeñería de Edificación e Informática para a creación dunha ferramenta informática en forma de app para móbiles que sirva de ferramenta de consulta e aprendizaxe sobre a ciencia de materiais.

Doutra banda, a materioteca do COAM (MATCOAM, a Galería de Materiais do Colexio de Arquitectos de Madrid) quería trasladar a un formato dixital e de fácil consulta o contido existente na exposición física de materiais de construción a planta 3ª do Colexio.

Froito da unión destes dous intereses complementarios nace a App MateriaLista.

Fruto de la unión de estos dos intereses complementarios nace la App MateriaLista.

4 apartados:

1. MAT. AREAS: constitúe o apartado principal da App. Trátase do reflexo directo na App dos materiais de construción que están presentes na galería de materiais do COAM. Está organizada de maneira sinxela e clara para que o usuario poida atopar facilmente os distintos produtos e acceder á súa descrición, características técnicas, imaxes, datos do fabricante, etc…

2. FABRICANTES: neste apartado móstranse de maneira ordenada os distintos fabricantes presentes na exposición de MAT Coam. Unha vez dentro da ficha do fabricante temos acceso aos datos do mesmo e ás fichas dos distintos materiais que ten este fabricante.

3. EDIFICIOS: nesta sección mostraranse obras de arquitectura actuais, relevantes e interesantes desde o punto de vistas construtivo.

4. CIENCIA DE MATERIAIS: Materiais máis utilizados na construción, na maneira clásica dos manuais de ciencia de materiais (madeiras, pedras, metais, etc…). Cunha ampla recompilación das súas principais propiedades ordenadas por tipo (propiedades mecánicas, propiedades térmicas, propiedades químicas, etc..). Esta sección inclúe un “buscador de materiais”, mediante a selección dalgunhas das súas características indicando o grao da mesma. É dicir, podemos buscar, por exemplo, un material que teña boa resistencia a compresión, sexa moi flexible e teña un bo coeficiente de transmitancia térmica.

Materialista, nueva app de MATCOAM o2

O usuario ao que se dirixe a aplicación é moi amplo:

PROFESIONALES DA CONSTRUCCIÓN:

* Por unha banda, a todos os implicados no campo da arquitectura e da construción serviralles para atopar facilmente referencias comerciais concretas de materiais que poden ser aplicados ás súas obras (illantes, fachadas, chans, billas, etc…) no apartado MAT AREAS e no apartado de FABRICANTES.

* EDIFICIOS, os arquitectos atoparán edificios coñecidos dos que poderán tomar prestadas solucións construtivas existentes no mercado. Por exemplo, imaxinemos que un arquitecto no seu proxecto quere facer unha fachada de chapa parecida á do Caixaforum de Herzog e de Meuron. Consultando a ficha do edificio na app, descubrirá que a solución da chapa perforada é da empresa IMARSA coa que a través da app poderase poñer facilmente en contacto.

* CIENCIA DE MATERIAIS, por unha banda ampliar e refrescar coñecementos e doutra banda buscar materiais que poidan ofrecer un rendemento específico para cumprir os requirimentos do proxecto, da normativa, etc…

ESTUDANTES DE ARQUITECTURA E ENXEÑERÍA.

* CIENCIA DE MATERIAIS unha excelente ferramenta de axuda ao estudo nas materias de construción, especialmente nas relacionadas con materiais.

* MAT AREAS, poderán ter á súa disposición de maneira fácil e nunha soa app toda a documentación técnica de apoio que os fabricantes ofrecen.

PÚBLICO EN XERAL.

* MAT AREAS, poderán buscar produtos concretos para elixir e aplicar nas obras nas que estean implicados.

Esta aplicación, gratuíta tanto en Android como iOS, pretende ser unha ferramenta sinxela e interactiva, profesional e pedagóxica, moi útil para o prescritor e o estudante que mellorará o seu coñecemento na ciencia dos materiais. Reúne en catro apartados todos os materiais expostos na Galería de Materiais con datos das empresas fabricantes, as súas propiedades e edificios nos que se utilizaron, levando a materioteca máis aló do seu espazo físico.

Con máis de 700 metros cadrados de espazo expositivo no centro de Madrid, MATCOAM é a maior materioteca de España. De entrada libre e gratuíta para profesionais do sector, permite a interacción libre con máis de 1.000 materiais, á vez que conta con espazos para reunións, ciclos formativos e as últimas tendencias máis innovadoras en materiais.

[:en]Materialista,-nueva-app-de-MATCOAM-o1

La app MateriaLista es un proyecto conjunto de la Universidad Europea de Madrid y el Colegio Oficial de arquitectos de Madrid.

El proyecto nace de la convergencia de dos necesidades complementarias. Por un lado, en la Universidad Europea de Madrid, bajo la dirección del profesor de construcción Luis Álvarez se viene desarrollando desde el año 2016 un proyecto integrado entre las titulaciones de Arquitectura, Ingeniería de Edificación e Informática para la creación de una herramienta informática en forma de app para móviles que sirva de herramienta de consulta y aprendizaje sobre la ciencia de materiales.

Por otro lado, la materioteca del COAM (MATCOAM, la Galería de Materiales del Colegio de Arquitectos de Madrid) quería trasladar a un formato digital y de fácil consulta el contenido existente en la exposición física de materiales de construcción la planta 3ª del Colegio.

Fruto de la unión de estos dos intereses complementarios nace la App MateriaLista.

4 apartados:

1. MAT. AREAS: constituye el apartado principal de la App. Se trata del reflejo directo en la App de los materiales de construcción que están presentes en la galería de materiales del COAM. Está organizada de manera sencilla y clara para que el usuario pueda encontrar fácilmente los distintos productos y acceder a su descripción, características técnicas, imágenes, datos del fabricante, etc…

2. FABRICANTES: en este apartado se muestran de manera ordenada los distintos fabricantes presentes en la exposición de MAT Coam. Una vez dentro de la ficha del fabricante tenemos acceso a los datos del mismo y a las fichas de los distintos materiales que tiene este fabricante.

3. EDIFICIOS: en esta sección se mostrarán obras de arquitectura actuales, relevantes e interesantes desde el punto de vistas constructivo.

4. CIENCIA DE MATERIALES: Materiales más utilizados en la construcción, en la manera clásica de los manuales de ciencia de materiales (maderas, piedras, metales, etc…). Con una amplia recopilación de sus principales propiedades ordenadas por tipo (propiedades mecánicas, propiedades térmicas, propiedades químicas, etc..). Esta sección incluye un “buscador de materiales”, mediante la selección de algunas de sus características indicando el grado de la misma. Es decir, podemos buscar, por ejemplo, un material que tenga buena resistencia a compresión, sea muy flexible y tenga un buen coeficiente de transmitancia térmica.

Materialista, nueva app de MATCOAM o2

El usuario al que se dirige la aplicación es muy amplio:

PROFESIONALES DE LA CONSTRUCCIÓN:

* Por un lado, a todos los implicados en el campo de la arquitectura y de la construcción les servirá para encontrar fácilmente referencias comerciales concretas de materiales que pueden ser aplicados a sus obras (aislantes, fachadas, suelos, grifos, etc…) en el apartado MAT AREAS y en el apartado de FABRICANTES.

* EDIFICIOS, los arquitectos encontrarán edificios conocidos de los que podrán tomar prestadas soluciones constructivas existentes en el mercado. Por ejemplo, imaginemos que un arquitecto en su proyecto quiere hacer una fachada de chapa parecida a la del Caixaforum de Herzog y de Meuron. Consultando la ficha del edificio en la app, descubrirá que la solución de la chapa perforada es de la empresa IMARSA con la que a través de la app se podrá poner fácilmente en contacto.

* CIENCIA DE MATERIALES, por un lado ampliar y refrescar conocimientos y por otro lado buscar materiales que puedan ofrecer un rendimiento específico de cara a cumplir los requerimientos del proyecto, de la normativa, etc…

ESTUDIANTES DE ARQUITECTURA E INGENIERÍA.

* CIENCIA DE MATERIALES una excelente herramienta de ayuda al estudio en las asignaturas de construcción, especialmente en las relacionadas con materiales.

* MAT AREAS, podrán tener a su disposición de manera fácil y en una sola app toda la documentación técnica de apoyo que los fabricantes ofrecen.

PÙBLICO EN GENERAL.

* MAT AREAS, podrán buscar productos concretos para elegir y aplicar en las obras en las que estén implicados.

Esta aplicación, gratuita tanto en Android como iOS, pretende ser una herramienta sencilla e interactiva, profesional y pedagógica, muy útil para el prescriptor y el estudiante que mejorará su conocimiento en la ciencia de los materiales. Reúne en cuatro apartados todos los materiales expuestos en la Galería de Materiales con datos de las empresas fabricantes, sus propiedades y edificios en los que se han utilizado, llevando la materioteca más allá de su espacio físico.

Con más de 700 metros cuadrados de espacio expositivo en el centro de Madrid, MATCOAM es la mayor materioteca de España. De entrada libre y gratuita para profesionales del sector, permite la interacción libre con más de 1.000 materiales, al tiempo que cuenta con espacios para reuniones, ciclos formativos y las últimas tendencias más innovadoras en materiales.

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[:es]Lubetkin: El manifiesto de Whipsnade | José Ramón Hernández Correa[:gl]Lubetkin: O manifesto de Whipsnade | José Ramón Hernández Correa[:en]Lubetkin: Whipsnade’s manifest | José Ramón Hernández Correa[:]

[:es]

El día 7 de noviembre de 2003 mi amigo Ángel Sanguino me regaló un libro publicado por la Universitat Politécnica de Catalunya titulado Aprendiendo de todas sus casas. Me lo regaló durante una comida que un grupo de amigos arquitectos hacíamos en Toledo los primeros viernes de cada mes, y a cuyos postres leíamos un artículo (de esto tal vez hable otro día).

Me lo regaló con la exigencia de que leyera en voz alta El Manifiesto de Whipsnade, de Berthold Lubetkin. A él le gustaba mucho cómo este arquitecto había sido capaz de escribir un manifiesto en negativo: Con qué elocuencia enumeraba qué cosas no era la casa que había construido para sí mismo durante sus trabajos en el zoo de Whipsnade, entre 1933 y 1935, y cómo, mediante esas negaciones, hacía afirmaciones implícitas muy interesantes.

Berthold Lubetkin (1901-1990) | themodernist.co.uk
Berthold Lubetkin (1901-1990) | themodernist.co.uk

Me exigió que lo leyera en voz alta para el general conocimiento de la peña. (Y porque sabía que mi bien templada voz de barítono es irresistible).

Leo (la tenía olvidada) la dedicatoria-jaculatoria que me escribió en el libro:

«Cuando llegue mi muerte que mi verdugo, puesto por ti, sea sanguinario». (No coment).

Como soy presa fácil del elogio, e incluso estoy dispuesto a cantar un bolero si alguien me dice que lo hago bien, me levanté y leí:

-No es una ‘Casa Moderna’, un ‘Refugio’, que, según los maestros, debería ser impersonal, inconsciente e insignificante en su higiénico anonimato; algo de lo que sólo se puede decir que está hecho de Hormigón Armado.

No es el resultado funcional directo de una venturosa elección del lugar y de los materiales; o de los hábitos digestivos o higiénicos de sus habitantes; de hecho no es una especie de mezcla de filosofía, gastronomía y estructura.

No pretende ser el último, modesto, silencioso y objetivo eslabón de alguna cadena de la tradición nórdica o inglesa.

No trata de mostrar que su planta venía determinada por alguna regla trigonométrica de las trazas de circulación de la cocina, o por algún destemplado intento de atrapar la luz del sol dentro de un rincón polvoriento, o por la longitud estándar de las vigas de hormigón armado.

No intenta probar que su diseño brotó ‘naturalmente’ de los condicionantes recibidos, como una calabaza común, una Victoria Regia o un pez abisal.

No pretende que su podio, que sin esfuerzo levanta la casa 30 cm en todo su perímetro, evitando el contacto de las paredes con la humedad del suelo, esté concebido por razones estructurales; aunque sería bastante fácil explicarlo en ese terreno, ya que es evidente que el vuelo de la losa reduce el momento positivo en el centro del vano.

No pretende que el entramado de elementos prefabricados de hormigón que soporta la cubierta, rellenos de aislante, fibra de vidrio o paneles calefactores, sea un sistema lógico o racional para construir paramentos. Ello a pesar de que los elementos horizontales del entramado reducen la altura libre de los verticales y por tanto su riesgo de pandeo, permitiendo que el espesor de los soportes disminuya. Un cerramiento realizado de esta manera no tiene por qué ser la solución más económica, lógica y racional. De hecho, otras paredes en la misma casa están construidas monolíticamente con hormigón armado de 10 cm de espesor -aislado con 4 cm de corcho, enlucidas al interior- allí donde se pretendía un efecto de solidez merecedor de un retrato familiar.

La cubierta plana no es signo de las tendencias exhibicionistas de habitantes nudistas; el baño no está iluminado cenitalmente para preservar celosamente la intimidad del usuario; los remates no están especialmente diseñados para los gatos del lugar o para sonámbulos; y el fregadero de la cocina nunca ha funcionado correctamente.

Por el contrario, el autor admite que hay, en las paredes del baño, una colección de mariposas tropicales; y que las colchas tienen pequeñas campanillas cosidas para alegrar el sueño de sus ocupantes.

El autor admite también que no ha capitulado ante los accidentes de un terreno que se le impuso; que excavó 800 yardas cúbicas de deslumbrante yeso, lleno de fósiles megalíticos, para conseguir una plataforma llana y una casa en horizontal -allí donde cualquier checo hubiera hecho una casa escalonada con cubierta ajardinada.

Confieso que algunas de las deslizantes alusiones de Lubetkin no las pillo. No soy tan agudo como Ángel. Pero me gusta, en general, cómo le lanza puyas tanto al Corbu como a la arquitectura orgánica (ah, el terreno), y cómo le quita toda transcendencia al acto de proyectar.

Pero es una falsa modestia y una falsa negación de la trascendencia, como cuando John Ford decía que él no era un artista (y hay que ver qué encuadres de cámara, qué precisas ráfagas de viento). En realidad, negando todas las cualidades, Lubetkin las quiere todas y las proclama todas. Pero me gusta su desapego, su mala leche y su humor apretujado.

En todo caso, es una buena lección proyectar una casa como hay que proyectar una casa, y nada más. Y nada menos.

José Ramón Hernández Correa
Doctor Arquitecto y autor de Arquitectamos locos?
Toledo · julio 2012

[:gl]

O día 7 de novembro de 2003 o meu amigo Anxo Sanguino regaloume un libro publicado pola Universitat Politécnica de Catalunya titulado Aprendiendo de todas sus casas. Regaloumo durante unha comida que un grupo de amigos arquitectos faciamos en Toledo os primeiros venres de cada mes, e a cuxos sobremesas liamos un artigo (disto talvez fale outro día).

Regaloumo coa esixencia de que lese en voz alta O Manifesto de Whipsnade, de Berthold Lubetkin. A el gustáballe moito como este arquitecto fora capaz de escribir un manifesto en negativo: Con que elocuencia enumeraba que cousas non era a casa que construíra para si mesmo durante os seus traballos no zoo de Whipsnade, entre 1933 e 1935, e como, mediante esas negaciones, facía afirmacións implícitas moi interesantes.

Berthold Lubetkin (1901-1990) | themodernist.co.uk
Berthold Lubetkin (1901-1990) | themodernist.co.uk

Esixiume que o lese en voz alta para o xeral coñecemento da pena. (E porque sabía que o meu ben templada voz de barítono é irresistible).

Leo (tíñaa esquecida) a dedicatoria- jaculatoria que me escribiu no libro:

«Cando chegue a miña morte que o meu verdugo, posto por ti, sexa sanguinario». (No coment).

Como son presa fácil do eloxio, e mesmo estou disposto a cantar un bolero se alguén me di que o fago ben, levanteime e lin:

-Non é unha ‘Casa Moderna’, un ‘Refuxio’, que, segundo os mestres, debería ser impersonal, inconsciente e insignificante no seu hixiénico anonimato; algo do que só se pode dicir que está feito de Formigón Armado.

Non é o resultado funcional directo dunha venturosa elección do lugar e dos materiais; ou dos hábitos dixestivos ou hixiénicos dos seus habitantes; de feito non é unha especie de mestura de filosofía, gastronomía e estrutura.

Non pretende ser o último, modesto, silencioso e obxectivo elo dalgunha cadea da tradición nórdica ou inglesa.

Non trata de mostrar que a súa planta viña determinada por algunha regra trigonométrica das trazas de circulación da cociña, ou por algún destemplado intento de atrapar a luz do sol dentro dun recuncho polvoriento, ou pola lonxitude estándar das vigas de formigón armado.

Non tenta probar que o seu deseño brotou ‘naturalmente’ dos condicionantes recibidos, como unha cabaza común, unha Vitoria Rexia ou un peixe abisal.

Non pretende que o seu podio, que sen esforzo levanta a casa 30 cm en todo o seu perímetro, evitando o contacto das paredes coa humidade do chan, estea concibido por razóns estruturais; aínda que sería bastante fácil explicalo nese terreo, xa que é evidente que o voo da laxa reduce o momento positivo no centro do van.

Non pretende que o armazón de elementos prefabricados de formigón que soporta a cuberta, recheos de illante, fibra de vidro ou paneis calefactores, sexa un sistema lóxico ou racional para construír paramentos. Iso a pesar de que os elementos horizontais do armazón reducen a altura libre dos verticais e por tanto o seu risco de pandeo, permitindo que o espesor dos soportes diminúa. Un cerramento realizado desta maneira non ten por que ser a solución máis económica, lóxica e racional. De feito, outras paredes na mesma casa están construídas monolíticamente con formigón armado de 10 cm de espesor -illado con 4 cm de cortiza, enlucidas ao interior- alí onde se pretendía un efecto de solidez merecedor dun retrato familiar.

A cuberta plana non é signo das tendencias exhibicionistas de habitantes nudistas; o baño non está iluminado cenitalmente para preservar celosamente a intimidade do usuario; os remates non están especialmente deseñados para os gatos do lugar ou para sonámbulos; e o fregadero da cociña nunca funcionou correctamente.

Pola contra, o autor admite que hai, nas paredes do baño, unha colección de bolboretas tropicais; e que as colchas teñen pequenas campanillas cosidas para alegrar o soño dos seus ocupantes.

O autor admite tamén que non ha capitulado ante os accidentes dun terreo que se lle impuxo; que escavou 800 yardas cúbicas de cegador xeso, cheo de fósiles megalíticos, para conseguir unha plataforma chaira e unha casa en horizontal -alí onde calquera checo fixese unha casa graduada con cuberta axardinada.

Confeso que algunhas das deslizantes alusións de Lubetkin non as pillo. Non son tan agudo como Anxo. Pero gústame, en xeral, como lle lanza puyas tanto ao Corbu como á arquitectura orgánica (ah, o terreo), e como lle quita toda transcendencia ao acto de proxectar.

Pero é unha falsa modestia e unha falsa negación da transcendencia, como cando John Ford dicía que el non era un artista (e hai que ver que encadres de cámara, que precisos refachos de vento). En realidade, negando todas as calidades, Lubetkin quéreas todas e as proclama todas. Pero gústame o seu desapego, o seu malo leite e o seu humor apretujado.

En todo caso, é unha boa lección proxectar unha casa como hai que proxectar unha casa, e nada máis. E nada menos.

José Ramón Hernández Correa
Doutor Arquitecto e autor de Arquitectamos locos?
Toledo · xullo 2012

[:en]

On November 7, 2003 my friend Ángel Sanguino gave me a book published by the Universitat Politécnica de Catalunya titled Aprendiendo de todas sus casas. It gave it to me during a food that a group of friends architects we were doing in Toledo on the first Fridays of every month, and to whose desserts we were reading an article (about this maybe speak another day).

It gave it to me with the exigency of which he was reading loudly The Manifest of Whipsnade, of Berthold Lubetkin. He liked much how this architect had been capable of writing a manifest in negative: With what eloquence it was enumerating what things it was not the house that he had constructed for yes same during his works in Whipsnade’s zoo, between 1933 and 1935, and how, by means of these denials, it was doing implicit very interesting affirmations.

Berthold Lubetkin (1901-1990) | themodernist.co.uk
Berthold Lubetkin (1901-1990) | themodernist.co.uk

It was required from me that he was reading it loudly for the general knowledge of the rock. (And because it knew that my good moderate voice of baritone is irresistible).

I read (I had forgotten) the dedication-ejaculatory that I wrote in the book:

«When my death comes that my executioner, put for you, be bloodthirsty». (No coment).

As I am easy prey of praise, and I am even willing to sing a bolero if someone tells me that I do it well, I got up and read:
:

-It is not a ‘Modern House’, a ‘Refuge’, which, according to the masters, should be impersonal, unconscious and insignificant in its hygienic anonymity; something that can only be said to be made of Reinforced Concrete.

It is not the direct functional result of a successful choice of place and materials; or of the digestive or hygienic habits of its inhabitants; in fact it is not a kind of mixture of philosophy, gastronomy and structure.

It does not pretend to be the last, modest, silent and objective link of any chain of the Nordic or English tradition.

No trata de mostrar que su planta venía determinada por alguna regla trigonométrica de las trazas de circulación de la cocina, o por algún destemplado intento de atrapar la luz del sol dentro de He does not try to show that his plant was determined by some trigonometric rule of the traces of circulation of the kitchen, or by some intemperate attempt to catch the sunlight inside a dusty corner, or by the standard length of the reinforced concrete beams .

He does not try to prove that his design sprang ‘naturally’ from the conditions received, such as a common pumpkin, a Victoria Regia or a deep-sea fish.

It does not pretend that your podium, which effortlessly raises the house 30 cm around its perimeter, avoiding the contact of the walls with soil moisture, is designed for structural reasons; although it would be quite easy to explain in this area, since it is evident that the flight of the slab reduces the positive moment in the center of the span.

It does not pretend that the framework of prefabricated concrete elements that support the roof, filled with insulation, fiberglass or heating panels, is a logical or rational system for building walls. This is despite the fact that the horizontal elements of the framework reduce the free height of the verticals and therefore their risk of buckling, allowing the thickness of the supports to decrease. An enclosure made in this way does not have to be the most economical, logical and rational solution. In fact, other walls in the same house are built monolithically with reinforced concrete 10 cm thick – insulated with 4 cm cork, plastered to the interior – where an effect of solidity deserving of a family portrait was intended.

The flat roof is not a sign of the exhibitionist tendencies of nudist inhabitants; the bathroom is not illuminated overhead to jealously preserve the privacy of the user; the auctions are not specially designed for local cats or for sleepwalkers; and the kitchen sink has never worked properly.

On the contrary, the author admits that there is, on the bathroom walls, a collection of tropical butterflies; and that the bedspreads have small bells stitched to brighten the sleep of their occupants.

The author also admits that he has not capitulated to the accidents of a land that was imposed on him; that he excavated 800 cubic yards of dazzling plaster, full of megalithic fossils, to get a flat platform and a horizontal house – where any Czech would have made a tiered house with a garden roof.

I confess that some of Lubetkin’s slippery allusions do not get them. I’m not as sharp as Angel. But I like, in general, how he throws puzzles at both the Corbu and organic architecture (ah, the terrain), and how it takes away all transcendence to the act of projecting.

But it is a false modesty and a false denial of transcendence, as when John Ford said he was not an artist (and you have to see what camera frames, what precise gusts of wind). In fact, denying all the qualities, Lubetkin wants them all and proclaims them all. But I like his detachment, his bad mood and his cramped mood.

In any case, it is a good lesson to design a house as you have to project a house, and nothing else. And nothing less.

José Ramón Hernández Correa
PhD Architect and author of Arquitectamos locos?
Toledo · july 2012

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