Una casa para ser disfrutada, con las necesidades propias de una sola persona donde poder desarrollar tanto las actividades de la vida diaria como dormir, trabajar, cocinar, descansar, hacer ejercicio, o relajarse leyendo y escuchando música, como recibir a familiares y amigos en un espacio renovado y contemporáneo.
La Intervención consiste en la reforma interior de una casa situada en la quinta planta de un edificio de viviendas construido en la década de 1950, para adaptarla a las necesidades de su nueva habitante. El edificio, ubicado en la esquina de una plaza, presenta una situación privilegiada por su buena orientación y las amplias vistas directas sobre el tridente de calles que confluyen en ella.
Reforma de vivienda. Casa para una sola persona | Jose Manuel Martínez Rodríguez | PLANTA ESTADO INCIAL
Reforma de vivienda. Casa para una sola persona | Jose Manuel Martínez Rodríguez | PLANTA REFORMADA
Reforma de vivienda. Casa para una sola persona | Jose Manuel Martínez Rodríguez | AXONOMETRIA
La distribución que presentaba la vivienda, con piezas situadas a ambos lados de un largo pasillo, parecía no ser adecuada para los deseos de vida contemporáneos. Decidimos demoler los tabiques interiores y renovarla en su totalidad para potenciar las necesidades vitales de la promotora y crear un espacio cómodo para vivir y trabajar. La zona de relación se traslada a la esquina bien orientada, donde un balcón abre profundas visuales sobre las calles, así como vistas laterales lejanas a un gran parque cercano. Los servicios y otras dependencias se vuelcan a un patio interior compartido con otras viviendas.
El programa funcional surge de la singular determinación por parte de la propietaria de que este fuese su traslado definitivo. Esto significaba por un lado la necesidad de disponer de un gran espacio para almacenar libros, ropa, vinilos, cuadros, enseres, así como objetos y recuerdos de toda una vida y por otro, la determinación de seleccionar y desprenderse de una parte de todo ello para reducir la zona de almacenamiento e iniciar una nueva etapa con menos ataduras físicas y emocionales.
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Reforma de vivienda. Casa para una sola persona | Jose Manuel Martínez Rodríguez | AXONOMETRIA SECCIONADA
Reforma de vivienda. Casa para una sola persona | Jose Manuel Martínez Rodríguez | AXONOMETRIA EXPLOTADA
Este aspecto vital, elemental en apariencia, se convierte en la motivación principal a la hora de iniciar el proyecto imprimiendo un estado de ánimo capaz de dar respuesta a la nueva forma de habitar que la promotora perseguía. Una casa para ser disfrutada, con las necesidades propias de una sola persona donde poder desarrollar tanto las actividades de la vida diaria como dormir, trabajar, cocinar, descansar, hacer ejercicio, o relajarse leyendo y escuchando música, como recibir a familiares y amigos en un espacio renovado y contemporáneo.
La intervención aprovecha la estructura preexistente manteniendo su diálogo con lo nuevo. Entre los pilares ligeramente escondidos, asoman cinco contenedores que albergan todo el ajuar propio del traslado, liberando un espacio único que puede utilizarse de modo polivalente. Las nuevas piezas flotan alrededor de los soportes y bajo las vigas colgadas, sin llegar a tocarlos.
Estas piezas de almacenamiento funcionan como filtro entre la zona de servicio y un único espacio compartimentado mediante paneles móviles que permite un uso flexible y adaptable a los diferentes usos que requiere de la nueva habitante. El conjunto resultante es la de un espacio fluido con una tensión tranquila entre intimidad y apertura.
Obra: Reforma de vivienda. Casa para una sola persona
Autor: Jose Manuel Martínez Rodríguez
Colaboradores: Andreea Chirila
Año: 2022
Superficie: 99,55 m²
Emplazamiento: Valladolid (España)
Fotografías: Pedro Iván Ramos Martín + josemanuelmartinez.es
Construcción ejecutada mediante una arquitectura sobria, despojada de todo lo superfluo, dejando vistos tanto los materiales como la estructura y desfigurando los límites con la arquitectura industrial.
Una arquitectura “esencial” que responde a un programa de necesidades y cuyo resultado es uno de los mejores ejemplos de la Arquitectura Moderna Española.
«Este edificio es una de las obras maestras de su autor y constituye un icono de la arquitectura española del siglo XX. Su ubicación en un solar con un desnivel de 12 m entre el colegio y la calle de Joaquín Costa condicionó la respuesta arquitectónica, pues el programa se alojó bajo el patio de juegos. Con una sección emblemática, De la Sota cubre el gimnasio con un sistema de grandes cerchas perpendiculares a fachada donde introduce varias aulas —iluminadas junto al gimnasio por el mismo hueco horizontal corrido en fachada— que aprovechan la forma parabólica del cordón inferior para crear una disposición de auditorio. La utilización sincera y de carácter casi fabril de los materiales no impide la grata calidez de los acabados, que proporcionan un fuerte componente humano al edificio.
Los alzados son un modelo de abstracción y austeridad, carentes de estilo y referencias lingüísticas, pero sin obviar el medio urbano donde se encuentran. Los paños de ladrillo se combinan con las amplias ventanas rematadas por un lucernario inclinado, los miradores y la estructura metálica vista, en una labor de búsqueda de la pura esencia de los materiales y de las formas arquitectónicas».
El lugar de trabajo habitual de Desiderio Pernas Martínez (Vigo, 1930 – 1996) formaba parte de su vivienda en la Gran Vía de Vigo. Conocido familiarmente como el estudio o el cuarto de música, era el espacio de encuentro de sus actividades creativas. Allí convivían la música, la pintura y la arquitectura, reconocibles en los instrumentos y equipos musicales, los óleos que llenaban las paredes y el tablero con las herramientas de dibujo, además de la gran biblioteca que reunía las tres disciplinas.
El cuarto es, ante todo un lugar de confluencia, reconocible en el legado del arquitecto, en los materiales que evocan su persona, en lo que pervive colocado sobre las mesas.
«¿Cuánto habrá de nosotros, arquitectos, en nuestras mesas? ¿Son nuestros deseos y querencias, nuestras ilusiones y ambiciones, los que modelan esos planos? ¿O serán ellos, con sus admisiones, reservas y favoritismos, los que, por el contrario, determinan lo que acabamos pensando?»,
Poner sobre la mesa implica ese reconocimiento. El cuarto se va llenando de objetos a través de la vida. La mesa se va atiborrando de papeles cuando el trabajo es más intenso. Por eso resulta tan relevante lo que está sobre ella, aquello que se puede ver y situar en relación a todo lo demás. Cuando comencé esta serie de textos para veredes, quise poner sobre la mesa un conjunto de nombres que habían estado al margen en el discurso de la modernidad. José Varela Alén los denominó «maestros en la sombra», y en su tesis doctoral, quiso centrarse en uno de ellos, colocándolo también a la vista. En la justificación del estudio expresó la necesidad de recuperar y poner en valor a estos autores, pues las investigaciones sobre la historia de la arquitectura
«suelen obviar algunos trabajos que pasan desapercibidos, periféricos ante la precisa mirada, a veces absorta, a grandes obras y nombres. Este trabajo reclama la atención a historias menores que influyen en un contexto determinado, como es el caso de la arquitectura de la segunda mitad del siglo XX en Galicia, que han sido excluidas de los foros académicos y, por lo tanto, del conocimiento, eclipsando el talento de una generación de arquitectos que contribuyeron al crecimiento y desarrollo de un lugar geográfico alejado de los polos generadores de formación como eran las escuelas de Madrid y Barcelona».
Gracias a trabajos como los de Varela Alén podemos conocer en detalle esas otras historias dentro de la Historia. Por ese motivo resulta tan valiosa su tesis Desiderio Pernas Martínez. La fidelidad al tipo, una exhaustiva investigación que nos permite descubrir el contexto personal del arquitecto, acompañarle en sus viajes al extranjero como ampliación de su formación, pero también en el viaje interior que nos conduce al ambiente privado de su cuarto de música, en el semisótano de su vivienda viguesa. Su obra se analiza e interpreta a través del tamiz del tipo, profundizando sobre su empleo sistemático en los distintos proyectos. Mediante el empleo de la estructura formal como estrategia proyectual,
«se reconocen una serie de aspectos que repite y perfecciona en su trayectoria, conformando el utillaje de su caja de herramientas con los que entreteje un modo de interpretar y crear arquitectura y que confirman la convicción y fidelidad al tipo»,
presentándonos así la caja de herramientas proyectual del arquitecto, el instrumento mental que se suma a las piezas tangibles que ocupan el cuarto.
Además, la tesis nos ofrece, por primera vez, la recopilación y el catálogo razonado de su archivo personal, poniendo sobre la mesa todo su trabajo y permitiendo que miradas futuras puedan acercarse a contemplarlo y seguir investigando. Una invitación que, el entonces doctorando, quiso hacer desde un lugar simbólico, cuando al tener que leer la tesis de manera online, en septiembre de 2020, debido a las restricciones de movilidad por la pandemia, escogió como sala de presentación el cuarto de música de Desiderio Pernas Martínez.
Chris Ware no es un chico fácil1. No es el gran hombre americano. Uno no se lo imagina como capitán del equipo de fútbol de su instituto ni como un antihéroe canalla. No. Su porte desgarbado, su cráneo despoblado y esas gafas redondas le confieren un aire de hombre gris, de esos que te encontrarías al otro lado de cualquier mostrador institucional. Pero esa fachada esconde un interior subversivo, satírico y mordaz; cobija un autor de ironía recalcitrante.
Chris Ware
Ware retrata con dureza hiriente al hombre medio occidental: su Jimmy Corrigan, un alter ego que él se empeña en negar, nos obliga a hacernos preguntas acerca de nosotros mismos. Este autor no imagina superhéroes ni provoca carcajadas. Su estética es gélida, sus personajes asépticos y sus escenarios hieráticos. Pero pocos ponen en duda el colosal valor de sus aportaciones al tebeo como medio narrativo.
Chris Ware
Las razones son muchas, pero quizá la principal cualidad de Ware sea su capacidad para jugar con el tiempo contenido en las imágenes: en sus historietas, el tiempo se vuelve elástico, se contrae y dilata auxiliado por un sinfín de mecanismos narrativos. Cubre páginas enteras con viñetas solo sutilmente diferentes entre sí para lograr un ritmo repetitivo que parece suspender la narración, dando como resultado unas asombrosas páginas fractales; en otras ocasiones, intercala alambicados diagramas o instrucciones para dar forma a un recortable en medio de la historia; y siempre subyacen en su estética agudas referencias al diseño gráfico americano de décadas ya lejanas.
Chris Ware
Al mismo tiempo, Ware es consciente de la importancia que ha tenido el formato en la historia del cómic, desde las tiras de prensa de finales del XIX hasta las actuales novelas gráficas. Y él ha ensayado todos ellos de una forma libre, promiscua, casi lasciva. Su Building Stories ha sido el experimento total desde ese punto de vista; imposible mirar un tebeo con los mismos ojos después de haber tenido esa obra en las manos. Como imposible es mirarse a uno mismo del mismo modo después de haber conocido a Jimmy Corrigan.
Notas 1. Durante una charla dentro de un curso sobre arquitectura y dibujo presenté a varios autores de cómic cuyo trabajo se relacionaba con la ciudad; mostré trabajos de Mattotti, Fior o Delisle. Por último hice referencia a Building Stories. Al finalizar, pregunté a los presentes qué grafismo les había resultado más atractivo y cuál menos. En el primer caso la respuesta fue diversa; en el segundo fue unánime: Chris Ware.
Ciclo de Conversaciones ANIDAR: Arquitectura y Niñez 2020
El ciclo «Conversaciones ANIDAR: Arquitectura y Niñez» es un espacio de reflexión y conversación sobre el vínculo entre la infancia y la práctica de la arquitectura. En cada encuentro, el investigador en la materia Jorge Raedó, dialogará con diferentes especialistas y referentes en el ámbito.
«Conversaciones ANIDAR sobre infancia, arquitectura y educación con algunos de los mejores especialistas del mundo. La conversación, juego de construcción de mundos habitables. La infancia, mirada que nos interroga sin margen de error.»
De esta forma describe el moderador del evento este ciclo de conversatorios. La idea será dar vida a diversas charlas donde se reunirán algunos de los principales exponentes de la investigación entorno a arquitectura y su vínculo con la infancia y la juventud.
Arquitecto, Urbanista e investigador en Oficina Abierta y ConUrb. Ha sido fundador asociado de CITIO (Ciudad Transdisciplinar) y CCC – Coordinadora de la Ciudad (en Construcción). Formó parte del equipo del Programa Barrio Mío en la Municipalidad de Lima, y fue Coordinador de Proyectos Integrales del Programa Urban 95 Lima.
CARLOS BENAVIDES | Colombia
Arquitecto de la Universidad Nacional de Colombia Especialista en Infraestructura Escolar. Profesor y Director de cursos y talleres sobre Infraestructura Escolar de la Universidad Nacional de Colombia y la Escuela Internacional de Arquitectura y Diseño de América Latina y el Caribe, ISTHMUS.
SANTIAGO ATRIO | España
Es arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid y Doctor en Educación por la Universidad Nacional de Educación a Distancia. Además, es profesor de la Facultad de Formación de Profesorado y Educación de la Universidad Autónoma de Madrid, Vicerrector de Campus y Sostenibilidad, Fundador y Director de la Escuela en Arquitectura Educativa.
CAROLINA PIZARRO | Costa Rica
Arquitecta coordinadora desde 2010 de la Comisión Arquitectura y Niñez del Colegio de Arquitectos de Costa Rica. Gestora del Grupo A.N.D.A. Arquitectura y Niñez de América desde el 2017. Miembro oficial por Costa Rica del “Work Program Architecture & Children” de la Unión Internacional de Arquitectos UIA. Directora de “ARQUI-TICOS: Arquitectura, Ciudad y Niños”. Co-organizadora del “La Ciudad de los niños y de las Niñas“ de Costa Rica en 2019.
PABLO ROJAS DURÁN | Chile
Pablo Rojas Durán, arquitecto de la Universidad Católica de Valparaíso, profesor de Artes Plásticas y Magister en Política Educativa de la Universidad Alberto Hurtado de Chile. Desde hace 10 años en el servicio público como Jefe del área de Educación Artística en el Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio de Chile.
IGNACIO CASTILLO | Alemania
Arquitecto, master en gestión urbana y doctor en planificación urbana y regional. Profesor e investigador asistente en el Instituto de Planificación Urbana de la Universidad Técnica de Berlín (TU Berlin). Actualmente, es parte del proyecto “La Re-Figuración de los Espacios” en el proyecto de investigación denominado “Espacios Educativos: El Conocimiento Espacial de Niños y Jóvenes en Contextos de Planificación y Diseño” y es el coordinador científico del Global Center of Spatial Methods for Urban Sustainability (GCSMUS – TU Berlin).
MILTON MARCELO PUENTE | Perú
Arquitecto con experiencia en docencia universitaria, investigación, planificación urbana con énfasis social. La realidad en la que habitan niños y niñas y la población en general del Perú, motivan nuevas estrategias hacia la solución de diversas problemáticas que se muestran como grandes oportunidades. Los proyectos «Llaxta Wawa Perú: urbanismo, arquitectura y arte infantil» y «LLaxta Atelier Perú: urbanismo, arquitectura y arte social» impulsan y amplían miradas para solucionar estas problemáticas de fondo.
CLARA ESLAVA CABANELLAS | España
Clara Eslava, Pamplona (1972) es arquitecta por la Universidad de Navarra UNAV (1998), y obtiene el doctorado en teoría del proyecto en la escuela de arquitectura de Madrid, UPM (2015) con la tesis “Huellas de la infancia en el impulso creativo. Ámbitos primigenios”, dirigida por Juan Navarro Baldeweg. Docente en estética y diseño en la Universidad Nebrija, Madrid.
Coautora y coordinadora del libro ‘Territorios de la infancia’ (Grao, 2005).
FABIOLA URIBE | Colombia
Arquitecta, actualmente docente de Historia de la Arquitectura de la Universidad Nacional de Colombia en Bogotá. Proyectista con énfasis en vivienda e investigadora sobre patrimonio. Fue directora académica en la creación de la Fundación Escuela Taller de Bogotá. Directora de “LunÁrquicos, práctica experimental de arquitectura para niños” con el apoyo del Museo de Arquitectura Leopoldo Rother.
IRENE QUINTANS | España
Arquitecta y urbanista. Fundadora y directora de la Red OCARA desde 2013, red latinoamericana de experiencias y proyectos sobre ciudad, arquitectura y espacio público en la que participan niños. Los últimos 10 años vivió en Brasil trabajando con gobiernos locales en temas de planificación y diseño urbano, urbanismo social y los desafíos de la movilidad urbana y seguridad vial.
CHIQUI GONZÁLEZ | Argentina
María de los Ángeles “Chiqui” González es abogada especialista en Derecho de Familia y Doctor Honoris Causa otorgado por la Universidad de Aberdeen (Escocia) por su aporte a la educación y los derechos humanos. En la actualidad es Asesora de Infancias en el Centro Cultural Kirchner de la Ciudad de Buenos Aires. Fue Secretaria de Cultura y Educación de la Municipalidad de Rosario y Ministra de Innovación y Cultura de la Provincia de Santa Fe año 2007/2019. Creadora del Tríptico de la Infancia de Rosario y Tríptico de la Imaginación de Santa Fe.
FERMÍN BLANCO | España
PH: Javier Brandido
Fermín G Blanco/ Mr Lupo. Arquitecto, investigador y educador, alterna todas estas facetas desde su propio estudio de arquitectura de donde salen proyectos que mezclan arte, diseño, industria y educación. Es director y fundador de Sistema Lupo con pedagogías activas y el juego como catalizador. En la actualidad desarrolla el proyecto #mestradeobra #eskoola sobre la inclusión de la arquitectura en los procesos pedagógicos del currículum escolar con las comunidades educativas.
Mª CONSUELO MARTÍN CARDINAL | Colombia
Licenciada en Educación Pre-escolar en la UPN (Colombia), Especialista en Psicomotricidad- Escuela Internacional de Psicomotricidad (España), Maestría en Desarrollo Educativo y Social en CINDE-UPN. 25 años de experiencia como docente de infancia de 18 meses-5 años, docente universitaria en formación de maestros en Educación Inicial (psicomotricidad, juego y diseño de ambientes). Ha sido asesora de la Alcaldía de Bogotá y del Ministerio de Educación Nacional (Colombia).
ANGÉLICA CUENCA | Colombia
Angélica Cuenca, Coordinadora del área de Primera Infancia, infancia y adolescencia del Ministerio de Cultura de Colombia.
MARA MINTZER | USA
Mara Mintzer es co-fundadora y directora de “Growing Up Boulder” en Boulder (Colorado, USA), iniciativa con sede en el Centro de Investigación y Diseño Participativo Comunitario de Boulder (CEDaR) de la Universidad de Colorado. Ella escribe y divulga sobre la participación de jóvenes en la planificación comunitaria y sobre ciudades amigables con la infancia, como el TEDtalk “¿Cómo la infancia pueden ayudar en el diseño de ciudades?”.
ÁLVARO DE RÚJULA | España
Álvaro de Rújula, Doctor en Física Teórica por la Universidad Complutense de Madrid, ha ejercido como profesor en esta misma universidad, en el Institut des Hautes Etudes Scientifiques (IHES) de París, en la Harvard University y en la Boston University. Él forma parte del equipo del Centro Europeo de Investigaciones Nucleares (CERN) en Ginebra desde 1977 y pertenece a la Academia Europea desde 1991. Como físico teórico, de Rújula estudia desde la estructura interna del átomo a la cosmología y la astrofísica.
JOSEP LLINÀS | España
Josep Llinàs, arquitecto radicado en Barcelona, es autor de obras singulares como la Biblioteca Vila de Gràcia, Illa Fort Pienc, Biblioteca Jaume Fuster, Auditori l´Atlàntida o la rehabiltación del Teatre Metropol de Jujol. Actualmente trabaja en nuevas obras, como la rehabilitación de un edificio de Leopoldo Rother en el campus de la Universidad Nacional de Colombia en Bogotá. Ha ganado premios como los FAD (1977, 1996, 1997, 2003) y Ciudad de Barcelona (1995, 1998, 2001, 2003) entre otros.
BERTA SUREDA | España
Licenciada en Geografía e Historia por la Universidad de Barcelona ha trabajado como gestora cultural en el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB) y en el departamento de actividades públicas del Museo Reina Sofía de Madrid, experimentando nuevas formas de confluencia entre la institución y las comunidades ciudadanas, como estrategia de intervención cultural y social. Desde la Generalitat de Catalunya y el Ayuntamiento de Barcelona, trabajó para el desarrollo de políticas culturales que priorizaron la cultura de base, las metodologías participativas y las nuevas formas de institucionalidad.
MARTA MORELLI | Italia
Historiadora del arte y educadora del patrimonio, Master of Arts in Learning and Visitor Studies in Museums and Galleries de la School of Museum Studies de la Universidad de Leicester. Responsable del Departamento de Educación del MAXXI – Museo nazionale delle arti del XXI (Roma), institución donde trabaja desde 2005. La inclusión social, los procesos de diseño participativo y la educación en espacio construido (Built Environment Education) son los temas principales de su investigación.
ENRIC PRATS | España
Doctor en Pedagogía. Profesor de Pedagogía Internacional y de Gestión Cultural en la Universidad de Barcelona (España). Coordinador editorial de la revista Temps d’Educació. Director de la colección Pedagogías UB, de Ediciones de la Universidad de Barcelona. Miembro de la coordinación del Programa de Mejora e Innovación en la Formación de Profesorado de Cataluña. Delegado del rector de la Universidad de Barcelona para la Comunicación Digital.
MARCO GINOULHIAC | Portugal
Marco Ginoulhiac (Bérgamo, 1971) es profesor en la Faculdade de Arquitectura da Universidade do Porto (FAUP). Ha sido profesor invitado en la Ladislav Sutnar Faculty of Design and Art of the University of West Bohemia (República Checa), en la Guangzhou Academy of Fine Arts (China) y en la Universidad Autónoma de Madrid (España). Una de sus líneas de investigación son los juegos de arquitectura y diseño para la infancia. Dirigió el Encuentro “Ludic Architecture” en la FAUP en 2017.
ANA LONGONI | España
Ana Longoni es escritora, investigadora del CONICET y profesora de grado y posgrado de la Universidad de Buenos Aires, en el Programa de Estudios Independientes del MACBA (Barcelona) y en otras universidades. Trabaja sobre los cruces entre arte y política en la Argentina y América Latina desde mediados del siglo XX hasta nuestros días. Autora de numerosas publicaciones, su último libro es Vanguardia y revolución (Buenos Aires, Ariel, 2014). Impulsa desde su fundación en 2007 la Red Conceptualismos del Sur. Fue curadora de las exposiciones «Roberto Jacoby. El deseo nace del derrumbe» (2011), «Perder la forma humana» (2012), «Con la provocación de Juan Carlos Uviedo» (2016), «Oscar Masotta, la teoría como acción» (2017). Desde 2018 se desempeña como directora de Actividades Públicas del Museo Reina Sofía (Madrid).
IVAN DARÍO QUIÑONES | Colombia
Arquitecto y Administrador premiado en la IX BIAU por el resultado entre el edificio diseñado y la relación con la comunidad. Actualmente está encargado de la Infraestructura Cultural de Bogotá.
RICARDO HUERTA | España
Ricard Huerta es Catedrático de Educación Artística en la Universitat de València. Artista y docente, es director de EARI Educación Artística Revista de Investigación y de Museari, además de ser Coordinador del Grupo CREARI de Investigación en Pedagogías Culturales (GIUV2013-103).
OLGA LUCÍA OLAYA | Colombia
Conferencista y asesora de formación artística desde hace más de 35 años. Actualmente está vinculada al Programa Crea, del IDARTES – Alcaldía de Bogotá. Es subdirectora del Consejo Latinoamericano de educación por el arte- CLE, y acompaña procesos de creación e investigación sobre la incidencia de las artes en primera infancia y en todo el ciclo vital.
PAULO COSÍN FERNÁNDEZ | España
Paulo Cosín Fernández es propietario y director de Ediciones Morata, especializada en educación, ciencias sociales y psicología. Su catálogo hace un esfuerzo continuo por las publicaciones más innovadoras, por el apoyo al profesorado con estrategias de colaboración y liderazgo en las áreas más relacionadas con la creatividad, resaltando la importancia del contexto en los ambientes de aprendizaje. La labor de Paulo en la selección, revisión y edición de los textos lo mantiene en contacto directo con los principales especialistas del mundo de estas áreas.
MARTA ARZAK | España
Cursó estudios de Historia del Arte en la Universidad Autónoma de Madrid. Obtuvo diversas becas en la Peggy Guggenheim Collection (Venecia), el Solomon R. Guggenheim Museum (Nueva York), Artists Space, Inc. (Nueva York), etc. Actualmente es Subdirectora de Educación e Interpretación del Museo Guggenheim Bilbao, organizando la programación educativa y de actividades complementarias y escénicas de dicha institución desde su inauguración en 1997, explorando de forma continua nuevas vías y espacios de aprendizaje con y para todos los públicos y trabajando activamente con diferentes agentes artísticos, culturales y sociales.
ANTONIO ROMANO | Uruguay
Pedagogo. Doctor en Educación por la Universidad de La Plata. Investigador del Sistema Nacional de Investigación. Director del Departamento de Historia y Filosofía de la Educación de la Universidad de la República de Uruguay. Fue director de la Dirección de Planificación Educativa de la Educación Pública (ANEP) 2017-2019. Investiga sobre temas de Historia de la educación.
EL SAFAREIG | España
Maestros de toda la vida en la escuela infantil y en primaria, actualmente jubilados. El año 2000 crearon el proyecto El Safareig -El Lavadero- (elnousafareig.org), un espacio de diálogo y comunicación sobre infancia y naturaleza. Y desde hace más de diez años, están acompañando, aprendiendo y compartiendo con escuelas e instituciones de varios países sobre lo que representan sus espacios, la pedagogía y la arquitectura, escenarios donde viven y conviven las comunidades educativas… especialmente en los patios escolares.
ALFONS MARTINELL | España
Alfons Martinell Sempere es profesor jubilado de la Universidad de Girona. Director honorífico de la Cátedra Unesco: «Políticas Culturales y Cooperación». Colaborador de la Red Española para el Desarrollo Sostenible (REDS) (Sustainable Development Solutions Network), donde dirige el grupo de trabajo sobre Cultura y Desarrollo Sostenible. Miembro de la Junta Directiva del Cercle de Cultura de Barcelona. En la actualidad se dedica a la investigación aplicada, transferencia de conocimiento y formación en estos campos con un compromiso por la cooperación cultural internacional, colaborando con diferentes universidades y organismos internacionales.
IRENE ELIZABETH DE LA JARA | Chile
Irene de la Jara es educadora de párvulos; Diplomada en gestión cultural y Diplomada en metodologías de investigación cualitativa; Magister en educación, mención curriculum y evaluación; Magíster en educación, mención neurociencias; y Magister docencia universitaria. Ella ha escrito algunos libros y artículos sobre la relación entre la niñez y la cultura material. Es académica de la Universidad Finis Terrae y es la Encargada del Área Educativa de la Subdirección Nacional de Museos (Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio de Chile) desde donde impulsa estudios, proyectos y acciones vinculados a los imaginarios de la infancia.
ALBERT FAUS | Burkina Faso
Albert Faus (Barcelona, 1972) es arquitecto e ingeniero de Edificación por la Universidad Politécnica de Catalunya (UPC). Los últimos diez años ha vivido en Burkina Faso donde ha realizado múltiples proyectos arquitectónicos de cooperación internacional, especialmente en los campos de la educación y la salud infantil. En verano de 2011 dirigió en Koudougou (BF) la actividad Kamba Zaka -La casa de los niños- y en 2018 promovió el proyecto para la restauración de unos enlucidos tradicionales, acción llevada a cabo por un centenar de mujeres de Tangassogo (BF), y que ha dado lugar a la exposición PER DURAR, organizada por el Colegio de Arquitectos de Catalunya (COAC) y el Museo de Granollers.
El proyecto interviene en una vivienda unifamiliar entre medianeras de tipología tradicional en los pueblos de la huerta del Segura, con una antigüedad de casi cien años, para rehabilitarla de forma integral.
De planta rectangular distribuida en distintas estancias y cubierta inclinada de teja plana a dos aguas, con muros de carga de mampostería de piedra caliza y patio con orientación sur.
Casa 1927 | estudioBamBam | Planta original
Respeto por la historia: conservación y actualización
El proyecto se genera desde el respeto por la historia de la casa, y la conservación y puesta en valor de sus huellas, como hilo conductor. Este concepto de conservación convive en el proyecto con la necesidad de adaptación de la vivienda a los actuales modos de vida.
El arco, el pavimento, la estructura de madera del cielorraso, los sillares de la cimentación, la carpintería interior de madera y las persianas tradicionales son los elementos que trasladan a la actualidad la identidad histórica de la construcción.
El arco restaurado era antes y ahora, el elemento arquitectónico de bienvenida de la vivienda, que nos recibe en el acceso en una posición central y principal. A partir de su conservación se ha reformado y ordenado por completo el espacio, hoy abierto y conectado adicionalmente con un nuevo arco, estableciendo un interesante lenguaje entre 1927 y 2022. Dándole todavía más importancia al Arco, otros elementos curvos colonizan la casa: desde el recibidor y el acceso al dormitorio infantil, al patio con ese ritmo de armarios exteriores y elementos de apoyo a la vegetación.
El pavimento original de la casa es un precioso terrazo de 20x20x3cm con un característico triángulo rojizo, cuya disposición alterna genera los dos patrones distintos que nos encontramos en la primera visita. Para la completa rehabilitación energética fue necesario levantar todo el pavimento original. La intervención se realizó con mucha sutileza para poder recuperar y reutilizar las más de 300 piezas que estaban en buen estado y reintegrarlas en la vivienda respetando los patrones originales. Así, se han reincorporado en forma de alfombra mosaico a los pies de ambos lados del Arco, acceso y comedor, y en la huella que el muro central de carga dejó al abrir el nuevo arco, aquí con un tercer patrón que introducimos.
En el techo, se ha conservado parte de la estructura de madera sustentante del cielorraso de caña y escayola, y se ha incorporado como elemento del espacio interior. Se ha expuesto la naturaleza del muro de mampostería sin el revestimiento exterior, marcando la ubicación de la antigua cámara bajo cubierta, en el muro medianero entre el cielorraso y la cubierta inclinada.
Se han recuperado las puertas de madera de paso y de entrada a la vivienda, conservando la gran altura del techo. Las persianas en las ventanas a la calle se han repuesto, ya que son todavía hoy elementos válidos de control solar y de la privacidad, además de la calidez y carácter doméstico que aportan. En la fachada se han descubierto los sillares de cimentación del muro de carga.
La propuesta espacial crea un amplio lugar de relación común, conectando cocina, comedor salón y acceso en el interior; y conectando todo ello con el patio al exterior.
Esta relación genera un espacio continuo, pero no homogéneo: cada área tiene unas condiciones espaciales particulares y pueden ser parcialmente independizados con el uso de un gran telón separador que discurre a lo largo de la arcada en el muro central. Un telón que aporta teatralidad, intimidad, sutileza, flexibilidad, dinamismo y color a la casa, y que convive realzando la belleza de los dos arcos principales.
Casa 1927 | estudioBamBam | Planta propuesta y sección principal
Propuesta material
Materialmente se ha trabajado en torno a la gama de color del pavimento original rescatado, que tiene un color bermellón muy característico, sobre fondo de tonos claros y tierra. De ese modo se ha intervenido en el espacio, con paredes blancas y pavimento arena; introduciendo el color en ciertos elementos clave: el telón, el alicatado frontal de la cocina, el recibidor, las persianas y el propio pavimento. Completan la propuesta la madera oscura en las carpinterías restaurada y la vegetación en interior, patio y fachada.
El comportamiento energético de la vivienda combina también estrategias pasivas tradicionales con actuales. Conectar y abrir los espacios vivideros, además de mejorar la espacialidad y el uso de la casa, genera un gran volumen con ventilación cruzada entre la calle situada al norte y el patio situado al sur. La pérgola, colonizada por la vieja parra, aporta protección solar en verano, dejando en invierno el paso de los rayos solares con la caída de la hoja. Además, la presencia de esta vegetación, establece una amable transición entre el comedor-cocina y el patio, aportando equilibrio climático en cada época del año.
Casa 1927 | estudioBamBam | Alzados y secciones
Además de estas estrategias pasivas tradicionales de eficiencia energética, la vivienda ha incorporado elementos y tecnologías actuales, que la han dotado de una calificación energética B-A. Aislamiento en toda la envolvente, carpintería y vidrios de alta eficiencia, elementos de control solar, instalaciones de clima de alta eficiencia e instalación solar térmica para ACS. Ello ha posibilitado la captación de 25.000€ de subvención del programa PREE de rehabilitación energética, consiguiendo un ahorro en el consumo de 75,13 kWh/m2 año y una reducción de las emisiones nocivas al medioambiente de 13,29 Kg CO2/m2 año.
Casa 1927 | estudioBamBam | Alzados y secciones
Obra: Casa 1927
Autores: Antonio Campos y Adrián Segura (estudioBamBam)
Año: 2022
Emplazamiento: Bigastro, Alicante, España
Superficie: 225m2
Clientes: Noelia Mateo y Eleuterio Belmonte
Constructor: Mohamed Bouda
Fotografía: David Frutos + estudiobambam.es
Lo neutro. Arquitectura por defecto. Silvia Colmenares
Este texto pretende comprobar la viabilidad de ‘lo neutro’ como posible instrumento para nombrar algunas operaciones en arquitectura. Frente al sistema de dualidades con el que enunciamos lo real, lo neutro se sitúa, no tanto en el punto medio, como en el punto opuesto a ambos términos. No es la conjunción de contrarios, sino aquello que desvía la propia pregunta que obliga a elegir. Próximo a los conceptos de indefinición, indiferencia e inacción, lo neutro se revela como un mecanismo fundamental de disolución para la arquitectura.
Tras un análisis del contexto teórico sobre el que se asienta la dialéctica bidireccional forma-función, su consolidación en los primeros años del siglo XX y también su puesta en crisis mediante la introducción de nociones multi-relacionales como entorno y sistema, se proponen tres modelos de estudio: la planta tipo, la planta única y la planta de equivalencias. En cada uno de ellos se reconoce la presencia de los mecanismos geométricos y operaciones conceptuales que lo neutro utiliza para generar respectivamente condiciones de ‘soporte’, de ‘marco’ o de ‘campo’.
Lo neutro. Arquitectura por defecto. Silvia Colmenares
Todas ellas apuntan a un entendimiento de lo neutro que asocia su fórmula de doble negación (ni lo uno, ni lo otro) con el estado más incipiente de la materia, aquel en el que todavía no es, pero que contiene ya todos los elementos de posibilidad de ser: lo neutro como potencia.
Por ello, se desarrollan también algunas estrategias basadas en la renuncia, abordando la cuestión de la potencialidad desde la negación. Partiendo de dos condiciones superficiales básicas, la del muro vertical y la del suelo horizontal, se analizan algunos discursos basados en una restricción radical a estos dos elementos. Por último, la posibilidad de toda potencia de no actualizarse lleva a explorar el no-hacer como renuncia voluntaria y su capacidad de transformarse en acto de resistencia.
«Os pido que imaginéis una habitación como millares de otras, con una ventana que daba, por encima de los sombreros de la gente, los camiones y los coches, a otras ventanas, y encima de la mesa de la habitación una hoja de papel en blanco.»
Pensar y hacer nos aproxima con cautela a ese mundo imaginado posible de conclusiones casi precisas, imperfectas. Pensar haciendo es de alguna manera reivindicar con evidencias el silencio de nuestras intenciones. Es fabricar y hacer visible lo que aun no ha tenido la oportunidad de decidir su contorno sobre nuestras ideas difusas.
Hacer, pensar, volver a pensar sobre lo pensado, recoger vestigios como un nómada del vacío, observar escenarios posibles (como si de un campo-al final de la contienda-de batalla se tratase), allí, es donde subyacen -regados por el mundo- esos movimientos inminentes conformados por designios épicos.
Evidenciar la certeza es descubrir, es despejar, es quitar todo lo que nos configura en ese instante, es limpiarse, es quitarse peso, es reducir espacios entre lo que hacemos y pensamos.
Así la certeza aparecerá cuando en silencio y quietos observemos ese lugar vacío, pero ya sin nosotros, y con alguna duda quizás, que -a nuestra vista- yace alejada, siendo quijotescamente otra vez dueña de otra inquietud, nueva, pero a su vez pereciblemente eterna.
Dibujo presentado para el proyecto de la Opera de Sídney. Planta de las dos salas a nivel al auditorio
Como cada vez que viajaba a París, Bruce Chatwin visitó una librería en la Rue de l’ Ancienne Comedie. Quería comprar una de esas libretas que lo acompañaban en sus viajes, desde la Patagonia hasta Afganistán. Pero el vendedor le explicó que ya no era posible:
‘Le vrai Moleskine n´est plus’.
Era 1986, y una larga tradición parecía haberse extinguido.
La historia, recogida por Chatwin en Los trazos de la canción, parece una teatral adaptación de la realidad. Él mismo había bautizado como Moleskine esos cuadernos manufacturados en Tours que solía comprar cuando viajaba a París. Cuando dejaron de fabricarse, los relatos de Chatwin les habían otorgado una enorme popularidad, así que en 1997 un editor milanés decidió resucitar las libretas que muchos otros habían utilizado antes que el escritor inglés.
Moleskine
La marca Moleskine nació así en 1998, proclamándose heredera de los cuadernos utilizados en los dos siglos anteriores por artistas como Van Gogh, Picasso o Hemingway. Pero, como los relatos de Chatwin, también esto parece un híbrido entre realidad y ficción. Lo cierto es que, a partir del siglo XIX, creció entre escritores y pintores la afición por tomar apuntes del natural, lo que convirtió la libreta de notas en una herramienta imprescindible.
Estas dos páginas contienen las líneas de un extracto composición y la impresión de una flor collage de Picasso | Fuente: paginassueltasydecolores.wordpress.com
París era entonces el núcleo de la vanguardia, y los libreros de esta ciudad comenzaron a vender cuadernos fabricados de manera artesanal por pequeñas empresas familiares francesas. Sin embargo, parece improbable que todos los artistas hubieran escogido la misma libreta, y que Chatwin encontrase en la década de 1980 al último librero que la distribuía.
Productos Moleskine
Moleskine fabrica hoy una enorme variedad de cuadernos de notas. El más popular se reconoce por sus tapas negras de hule con puntas redondeadas, la goma elástica que sujeta sus cubiertas y la tira de tela utilizada para marcar las páginas, pero existen productos específicos para casi cualquier actividad: libretas para periodistas con lomo flexible, cuadernos de tapas blandas distribuidos en diferentes colores o de cubiertas duras con un bolsillo de fuelle en su tapa posterior para acumular notas o recortes. También existen blocs cuyas hojas, elaboradas por especialistas franceses, permiten la aplicación de acuarela o témpera sobre los bocetos. Otros productos son aún más específicos al ofrecer una agenda, un calendario o un callejero de determinadas ciudades como Praga, Roma, Estambul o Bruselas.
Todos estos cuadernos son distribuidos fundamentalmente en librerías, lo que refuerza la idea, real o no, de su vínculo con el mundo literario. Y todos ellos comparten ciertas características que han contribuido a su popularidad entre los autores del siglo XXI: sus páginas, de papel sin ácido, son fabricadas respetando criterios de sostenibilidad ambiental, y el control de calidad de cada uno de sus productos es exhaustivo. Sin embargo, la cuidada elaboración y el preciso cosido de su lomo exigen muchas horas de trabajo, lo que llevó a la editorial italiana a trasladar la producción de Moleskine a China.
Moleskine China
El crecimiento constante en la distribución de estos cuadernos desde su aparición en el mercado evidencia el éxito de su estrategia comercial. Moleskine se ha convertido, en poco más de una década, en referencia para arquitectos, diseñadores, ilustradores y viajeros. Su repercusión en los medios digitales, con una intrincada red de blogs, páginas web y archivos virtuales dedicados a recopilar notas y esbozos dibujados sobre estas libretas, ha contribuido consolidar su popularidad.
De algún modo, Moleskine lo ha logrado: ha conseguido hacernos creer, sin haber elaborado un producto muy diferente a sus competidores, que son el soporte adecuado para almacenar nuestras ideas.
Borja López Cotelo. Doctor arquitecto
A Coruña. Septiembre 2010
La Fundación Sordo Madaleno edita la monografía Transformación urbana. Sordo Madaleno Arquitectos, una publicación reúne fotografías, planos, anécdotas y material que resguarda el Archivo Histórico de la Fundación Sordo Madaleno junto con 16 ensayos a cargo de investigadores y críticos de arquitectura.
Transformación Urbana. Sordo Madaleno Arquitectos
Desde su fundación en 1937 –hace 85 años– Sordo Madaleno ha moldeado y ha sido moldeado por el México moderno. El libro Transformación Urbana. Sordo Madaleno Arquitectos, presentado por Fundación Sordo Madaleno, documenta los proyectos clave de tres generaciones –Juan Sordo Madaleno (1916-1985), su hijo Javier Sordo Madaleno Bringas (1956) y sus nietos Javier (1985), José Juan (1986) y Fernando Sordo Madaleno de Haro (1991)– con el hallazgo de material inédito que conforma el Archivo Histórico de la firma.
Como retrato y retrospectiva de las fuerzas que han cambiado las ciudades y la vida cotidiana de México, este volumen expone la interacción dinámica entre el trabajo arquitectónico de Sordo Madaleno y las tendencias culturales que han modificado instituciones, ciudades y paisajes. El libro recalca el constante progreso de un enfoque arquitectónico y un compromiso que han guiado distintas generaciones de arquitectos mexicanos.
“Ha sido un ejercicio muy enriquecedor. Nuestra intención no sólo es reconocer a todos los que han contribuido en esta oficina, sino a la vez compartir nuestro conocimiento por la convicción que tenemos sobre el poder transformador de la arquitectura. Ésta es una de las primeras iniciativas de la Fundación Sordo Madaleno, que será el hilo conductor para honrar el pasado, tener claro el presente y avizorar el futuro”,
comentó el arquitecto Javier Sordo Madaleno Bringas.
Transformación Urbana. Sordo Madaleno Arquitectos
Publicado por la editorial Turner y editado por Barry Bergdoll, miembro del jurado del Premio Pritzker, profesor de la Universidad de Columbia y curador de las exhibiciones “Frank Lloyd Wright: Unpacking the Archive” y “Latin America in Construction 1950-1980” mientras fue curador en jefe de Arquitectura y Diseño del MoMA de Nueva York, el libro complementa la exposición del mismo nombre en el Palacio de Cultura Citibanamex – Palacio de Iturbide, también curada por Bergdoll.
“Se ha elegido, como subtítulo de este volumen, Transformación Urbana, para subrayar no sólo de qué manera Sordo Madaleno ha respondido a proyectos arquitectónicos concretos en tres generaciones de arquitectos sino también hasta qué punto ha sido determinante su participación en la metamorfosis de México, y que la misma firma arquitectónica se ha visto influida por dichas transformaciones”,
destacó Barry Bergdoll.
El libro está dividido en dos grandes rubros: “Transformación urbana” y “Tipologías en evolución” a partir de 16 ensayos y las voces iniciales de Barry Bergdoll, Louise Noelle y Martha Thorne, directora del Premio Pritzker entre 2005 y 2021, y quien entabla conversaciones con Javier Sordo Madaleno Bringas, así como con sus hijos Javier y Fernando Sordo Madaleno de Haro, exponiendo las experiencias de vida y la visión actual del taller.
Ambos apartados, que escapan de la narrativa lineal y cronológica proponiendo lecturas entrecruzadas, incluye colaboraciones inéditas de Manuel Perló, Eduardo Alarcón, Juan José Kochen, Rosalba Rojas, Felipe Correa, Kenneth Frampton, Vera Simone Bader, Catherine R. Ettinger, Lourdes Cruz, Sara Topelson, Iván San Martín y Jose Castillo.
“El volumen reúne sólo un grupo selecto de los casi 400 proyectos construidos por Sordo Madaleno hasta la fecha y ha requerido concebir una monografía arquitectónica poco convencional. Más que un catálogo de completo de proyectos construidos y no finalizados, el libro ubica los proyectos más ambiciosos de la firma en el contexto de la transformación partiendo una base en la que los proyectos conforman y son conformados por su contexto y el propio flujo del cambio que caracteriza a la modernidad”,
“Les pinyes del Cabanyal” es la intervención en una vivienda unifamiliar de dos plantas construida en 1924 cuya fachada, ornamentada y con protección patrimonial, escondía una planta de apenas 50 m2 y cuya ventilación se producía por el intercambio entre los huecos de fachada y una chimenea posterior. A lo largo de los años había recibido diferentes reparaciones en su interior de poco calado y en el momento de recibir el encargo llevaba varios años prácticamente abandonada.
Nuestro cometido era intervenir en ella sin ampliar volumen y transformarla en un edificio con dos apartamentos independientes y una tercera planta técnica.
A nivel distributivo estábamos muy constreñidas por las dimensiones de la planta, más aún cuando debíamos alojar en ella una escalera de uso común para dar acceso a las plantas superiores.
Por otro lado, el principal objetivo fue convertir un interior sin prácticamente iluminación natural – por su parte trasera únicamente existe un tragaluz que introduce iluminación natural difusa-, en una sucesión de espacios agradables llenos de detalles.
Vaciamos parcialmente el interior, incluyendo una escalera de bóveda de un tramo con una pendiente excesiva, y reforzamos la estructura existente para poder apoyar sobre ella un nuevo forjado en el espacio que quedaba oculto entre el cañizo y la cubierta inclinada.
Construimos una escalera nueva y cómoda que uniese las tres plantas y que fuese en sí misma un espacio acogedor desde el pequeño zaguán de acceso hasta el desembarco en la planta desván.
Los dos apartamentos iban a ser iguales en su distribución -un espacio abierto en la que el único cubículo cerrado es una caja que contiene el baño sin llegar a tocar al techo-, pero a nivel espacial y sensorial quisimos que apareciesen modificaciones que, aún no siendo grandes intervenciones arquitectónicas, hiciesen que cada planta fuese única y especial.
La planta baja conserva el forjado existente de vigueta de madera y rasillón cerámico como entrevigado, mientras que en la primera planta se construye uno nuevo: la primera crujía está cubierta por un forjado mixto acero hormigón que deja a la vista la chapa y las vigas metálicas cambiando profundamente la apariencia por contraste con lo existente; y la segunda crujía, sobre el baño y la cocina, se cubre con un forjado de madera situado a mayor altura sobre el suelo para conseguir un desahogo. El recorrido finaliza en el desván cuyo forjado inclinado -la cubierta del edificio-, antes oculto por el cañizo, queda ahora a la vista.
Dentro de las posibilidades que la normativa nos permitía para un edificio protegido, desde el primer momento tuvimos una intención muy clara en diferenciar lo existente de lo nuevo. Intentamos sacar brillo a la preexistencia sin rehabilitar de manera mimética ni tampoco haciendo que la intervención compitiera con ella, sino que intentamos armonizar ambas partes de manera que pudiéramos reinterpretar el pasado con las letras del presente.
Alzado
Planta
Planta
Sección 1
Sección 1
Planta
En la fachada rehabilitamos las carpinterías de madera que se encontraban en mejor estado (como las puertas de acceso) y resaltamos los detalles preciosistas de las contraventanas realizados por un ebanista, devolvimos el color plata tan característicos del barrio a las barandillas del balcón y limpiamos las molduras del paramento para dejar a la vista la rica decoración.
En el interior recuperamos los pavimentos hidráulicos pero, en lugar de volver a colocarlos de la misma manera una vez reparados, los utilizamos en el perímetro para quitar peso visual e introducir luz en las viviendas, y lo sustituimos por una cerámica clara como pavimento. De los colores del hidráulico nos servimos para trabajar en los diseños interiores: la caja del baño y las carpinterías del tragaluz las pintamos en color burdeos y los detalles de la barandilla así como los pavimentos de la escalera en mostaza.
Las formas redondeadas de la fachada quisimos trasladarlas al interior: al despiece de los pavimentos en el recorrido de la escalera, a la suavidad del pasamanos o al volumen del baño como pieza escultórica.
En suma, se trata de una rehabilitación en la que se ha trabajado con cariño sobre cada detalle de forma cuidadosa y delicada, respetuosa con la preexistencia pero sin caer en un mimetismo, que permite resaltarla por contraste.
Obra: Les pinyes del Cabanyal
Autor: Piano Piano Studio (Maria Donnini + Maria Grifo)
Arquitecto/a técnico: Juan Carlos Rodríguez Segrelles
Año: 2020 – 2022
Superficie Construida: 141 m2
Ubicación: El Cabanyal, València
Fotografía: Milena Villalba + pianopiano-studio.com
Unikornios precarios plataformas digitales, trabajo y ciudad | Bartlebooth | Aurática fotografía de arte
Unikornios precarios: plataformas digitales, trabajo y ciudad
Tercer título de Atlas Menor, con Diego Morera y Sebastian Lambert de editores invitados. En él nos sumergiremos en el territorio de la fantasía neofeudal y el capitalismo de plataformas para entender cómo dan forma al espacio contemporáneo.
¿Qué tienen en común rondas de financiación, animales mitológicos, plataformas cooperativas, redes sociales, externalización de microtareas, trabajadores autónomos, algoritmos y bosques encantados? ¿Cómo modelan estas realidades digitales el trabajo, el espacio y la ciudad contemporánea?
De la mano de Sebastian Lambert y Diego Morera como editores invitados nos adentraremos en el mundo de los unikornios precarios. Contrarios a su aparente apertura, los nuevos ecosistemas emprendedores son impermeables a la diversidad de discursos políticos. Su hegemonía cultural, cimentada en el solucionismo tecnológico y la meritocracia, parece colarse en todas las escalas de la vida planetaria sin dejar aire para la convivencia de alternativas. Así, construyen (y son construidos por) nuestras espacialidades cotidianas en tiempo real. Esta publicación evidencia la actualidad de estas narrativas mitológicas desde una perspectiva espacial y de la precariedad, al tiempo que propone la existencia de “unikornios precarios” como nuevas formas de organización que rompen con los modelos de gobernanza existentes en rechazo a la obediencia neofeudal.
«Realizados entre fines del siglo XV y comienzos del XVI, la serie de enormes tapices conocidos como “La caza del Unicornio”, muestran cómo un conjunto de nobles y cazadores entran al bosque para perseguir y capturar un unicornio, que es llevado a la corte de su Señor para ser mantenido en cautiverio.»
Sebastian Lambert y Diego Morera, editores invitados.
Esta edición de Atlas Menor reúne tres trabajos y un texto —los cuatro con un pie puesto en Latinoamérica— que de forma diversa y complementaria hacen el ejercicio de reconocer, cartografiar y visibilizar diferentes organizaciones precarias que, anidadas en el restrictivo ecosistema emprendedor, constituyen respuestas contrahegemónicas.
En «El cooperativismo de plataforma como experiencia y prototipo», Rafael Grohmann y Julice Salvagne analizan la reciente aparición de nuevas organizaciones colectivas y autogestionadas que, mediante la reapropiación de tecnologías digitales, buscan alternativas al capitalismo de plataformas en Latinoamérica.
En «REDES: bread and justice, peaches and bananas«, Camila Galaz, a modo de mapa-mental documental, despliega una serie de testimonios orales, posteos y videos recopilados junto a una cuenta de noticias grassroot durante el Estallido Social de Chile en 2019, puestos en relación con el Proyecto Cybersyn de cibernética socialista elaborado por el gobierno de Salvador Allende en los años setenta.
Bruno Baietto, en su trabajo «Subjetividad subcontratada», investiga los aspectos performativos del trabajo en plataformas digitales sumergiéndose en el universo de Fiverr.com, el mayor mercado de trabajo independiente del mundo, y develando así sus implicaciones políticas.
Por último, en su texto «La dimensión productiva, reproductiva e improductiva de los cuerpos de datos», Alejandra López Gabrielidis introduce nociones de los feminismos socialistas a las nuevas políticas de la economía de los datos, hacia la construcción de otras formas de vida y trabajo digitales posibles.
«Sorprende pensar que estas obras tardomedievales podrían estar vigentes nuevamente. Sin embargo, la aparición y el frenesí por la caza de unicornios contemporáneos constituye una remediación algo cínica de aquellas escenas. Los nobles podrían ser, entonces, los CEOs de alguna startup digital; los cazadores, sus programadores; los Señores que promueven la caza, sus inversores de capital de riesgo; y el bosque encantado, nuestras ciudades».
Sebastian Lambert y Diego Morera, editores invitados.
Tres muestras de autosemejanza La foto A es un rayo, la B un árbol y la C, el sistema circulatorio en un dibujo antiguo | Fuente: vibromancia.com
Paralelamente al desarrollo de la teoría del caos en diversas áreas, el matemático francés Benoît Mandelbrot desarrolló la llamada teoría fractal, que vendría a ser la herramienta matemática representativa de las estructuras caóticas, por ser capaz de representar fenómenos con dimensiones irregulares; en realidad podemos decir que los fractales son la geometría de un supuesto caos.
Mandelbrot es el principal responsable del auge de este dominio de las matemáticas desde el inicio de los años setenta, y del interés creciente del público. En efecto supo utilizar la herramienta que se estaba popularizando en ésta época, el ordenador, para trazar los más conocidos ejemplos de geometría fractal: el conjunto de Mandelbrot.
El origen de la fractalidad lo comenta él mismo en la entrevista que le hace Eduard Punset:
«Yo empecé combinando dos ideas muy peligrosas: en primer lugar, de joven, me fascinaba totalmente la geometría, la forma de las cosas, en una época en la que las matemáticas se estaban volviendo muy abstractas y algebraicas. En segundo lugar, yo tenía una pasión, una obsesión con Kepler. ¿Y por qué Kepler? Kepler no fue un científico tan capital como Newton, pero Kepler fue el primero que logró algo extraordinario: partir de un juguete y obtener una herramienta. El juguete era la elipse, una forma matemática con la que habían jugado los griegos en la antigüedad sin ningún objetivo concreto. Pero ese juguete se convirtió en una herramienta para crear la ciencia de la astronomía, para explicar el movimiento de los planetas, y describirlo todo en términos matemáticos. Eso me fascinó desde el principio. En un primer momento, no hice nada sensacional sino que empecé con pequeñas cosas que me interesaban y, casi por arrastre, me vi abocado al estudio de la rugosidad. En realidad, la descripción completa de este objetivo no llegó hasta más tarde, cuando era bastante mayor».1
Se considera que uno de los primeros textos sobre la geometría fractal es de 1967 cuando publicó en la revista Science “How Long Is the Coast of Britain?”,2 donde expone sus ideas tempranas sobre los fractales.
En el artículo, Mandelbrot, examina la paradoja de que la longitud de una línea costera depende de la escala de medida. La evidencia empírica sugiere que cuanto menor es el incremento de medida, la longitud medida se incrementa. Si se va a medir una costa con tramos de diez kilómetros el perímetro obtenido será menor que con tramos de un kilómetro.
La evidencia empírica sugiere una regla que, si se extrapola, muestra que la longitud se incrementa sin límite a medida que la longitud del tramo disminuye. Todo es una cuestión de geometría.
Lo que viene a poner en evidencia el artículo de Science es que en la geometría tradicional se simplifica la naturaleza describiendo sus formas como poseedoras de dimensiones enteras 1, 2 ó 3, por ejemplo. Sin embargo, a medida que se entra en el nivel micro, más lleno de detalles y por tanto, que exige más precisión, se verifica que la realidad de los objetos no tiene dimensiones regulares, sino por ejemplo, dimensiones 1,23 ó 2,58.
La propiedad más interesante de la fractalidad es la repetición de los patrones. Significa que, en un objeto fractal, las características se encuentran repetidas en diferentes escalas. Todas sus partes, en cualquier escala, son semejantes al conjunto en la forma. Esta autosemejanza geométrica recuerda los vórtices dentro de vórtices en el estudio de la turbulencia caótica de Lorenz.
Efectivamente, los fractales resultaron complementar la Teoría del Caos, logrando representar geométricamente los atractores extraños. Mejor dicho, los atractores extraños son ejemplos de fractales. Al ampliar fragmentos de la estructura de estos atractores, se descubre una subestructura de varios niveles en la que se repiten continuamente los mismos patrones.
Finalmente las ideas de Mandelbrot cristalizan en el libro Les Objets Fractal: Forme, Hasard et Dimension3 publicado en 1975. Como el mismo Mandelbrot reconoce, el libro es producto de una conferencia que imparte en París:
«Uno de los acontecimientos más importantes de mi vida sucedió en 1973, cuando me invitaron a dar una conferencia en el Collège de France, en París. Estaba sometido a una presión extraordinaria, porque solamente tenía una hora para explicar lo que había estado haciendo durante los veinte años que habían pasado desde que había abandonado Francia. Trabajé muy duro, y creo que no lo hice tan mal y luego escribí un libro sobre ello y necesitaba un título para el libro. Había hecho un trabajo que podía describir y explicar, pero no tenía título. Así que me puse a buscar una palabra bonita de raíz latina para designarlo y cogí un diccionario de latín de mi hijo que había en casa y me puse a buscar ‘fractura’, ‘fracción’, etcétera, y me percaté de que todas esas palabras proceden del adjetivo latino ‘fractus, fracta, fractum’ que hacían referencia a aquello en lo que se convierte una piedra al lanzarla: piezas irregulares. ¡Eureka! Ahí estaba el término que necesitaba. Además, es una palabra que funcionaba muy bien en francés y en inglés. Y así fue como el libro que carecía de título pasó a llamarse ‘Les objets fractals’.4
Uno de los casos más conocidos de fractalidad es la curva de Koch, una curva cerrada continua pero no diferenciable en ningún punto descrita por el matemático sueco Helge von Koch en 1904 en un artículo titulado «Acerca de una curva continua que no posee tangentes y obtenida por los métodos de la geometría elemental».5
Su construcción se realiza mediante un proceso iterativo que se inicia con un triángulo equilátero en el que finalmente cada uno de sus lados queda sustituido por lo que se llama una curva de Koch.
Si bien se da la paradoja de que un ejemplo sobre fractalidad aparece antes que su propia teoría, la curva de Koch ejemplifica perfectamente la idea de autosemejanza, donde cada parte del fractal repite la forma original, llamada homúnculo de manera que el resultado es igual al original y al mismo tiempo no es idéntico, por lo que esa condición de identidad es una tendencia.
El hecho de que la teoría de la fractalidad haya sido desarrollada a partir de los años 70 tiene directamente que ver con la herramienta de cálculo. La fractalidad requiere de un grandísimo número de iteraciones por lo que la aparición del ordenador condicionó directamente la aparición de la teoría. De hecho la base para que aparezca la fractalidad es la repetición n veces de un tramo de fractal, lo que hará aparecer los homúnculos originales y así hasta el infinito.
En definitiva, las características fundamentales de la fractalidad, de hecho de su lógica geométrica compleja son el mantener la identidad a través de lo distinto, el ser capaz de crear una estructura compleja a partir de una simple y finalmente lo que podríamos llamar geometría de la lucidez al permitirnos entender los aspectos regulares de lo irregular e igualmente los aspectos irregulares de lo regular.
A efectos prácticos la fractalidad, entendida según Mandelbrot como un número que sirve para cuantificar el grado de irregularidad y fragmentación de un conjunto geométrico o de un objeto natural6 permite acercarnos a la aparente estructura desordenada de la naturaleza con una nueva herramienta de comprensión, una nueva geometría que ayuda a explicar la razón ordenada de una naturaleza hasta ahora siempre salvajemente formalizada e incomprensible.
Miquel Lacasta Codorniu. Doctor arquitecto
Barcelona, Enero 2015
2 Mandelbrot, Bênoit, “How Long Is the Coast of Britain? Statistical Self-Similarity and Fractional Dimension”,Science, New Series, vol. 156, núm. 3775, 5 de Mayo, 1967, pp. 636-638.
3 Mandelbrot, Bênoit, Les Objets Fractal: Forme, Hasard et Dimension, Flammarion, París, 1975.
4 Op. Cit,. Mandelbrot, 2007.
5 von Kock, Helge, “Sur une courbe continue sans tangente, obtenue par une construction géometrique élémentaire”, Arkiv för Matematik Astronomi och Fysik 1, Real Academia de las Ciencias Suecas, 1904, pp. 681-704.
Vista aérea del Hospital 12 de Octubre | Fuente: comunidad.madrid
La metodología Building Information Modeling facilita la creación de las nuevas instalaciones del hospital madrileño, que entrará en pleno funcionamiento a finales de 2023
Si a la metodología BIM (Building Information Modeling) le faltaban ya pocas medallas por conseguir, con el nuevo proyecto que ha impulsado la Comunidad de Madrid, ha logrado, sin duda, el oro: la creación de las nuevas instalaciones que acogerán al Hospital 12 de Octubre. Una infraestructura mejorada, con más espacios y equipos, que entrará en funcionamiento a finales de este 2023 y en la que BIM, si las previsiones avanzan según lo señalado, tendrá un papel fundamental.
Ha leído bien, el Hospital 12 de Octubre se traslada, casi en su totalidad, a un nuevo edificio que ya está en construcción. Contará con un total de 754 habitaciones, 1.315 camas, 41 quirófanos y 109 puestos de UCI para pacientes críticos y otras 42 para críticos neonatales que se distribuirán por una nueva planta de 135.000 metros cuadrados. La intervención contempla también obras de reforma en unos 8.000 m2, que se corresponden con la parte del edificio que no se demuele, y también se acomete una importante obra de urbanización de unos 54.000 m2, con nuevos accesos, circulaciones más eficientes y mayores superficies ajardinadas.
Se trata, como se puede suponer, de
“una tarea muy complicada debido a la variedad y complejidad de las instalaciones que deben tener este tipo de edificios”,
confirma el Director del Proyecto, César Arribas, en la entrevista realizada a Árgola Arquitectos, incluida en la sección “AbiertoXObras” de la empresa especializada Espacio BIM. Y, por ello, la utilización de BIM en todas las disciplinas del encargo está siendo fundamental para solventar las dificultades de manera sencilla y sin imprevistos que pudieran ralentizar el complejo trabajo.
Esto es así por la naturaleza misma de dicha metodología, que no es otra que la colaboración. En resumidas cuentas, BIM permite a todas las personas que integran un proyecto acceder a la información más actualizada posible gracias a la unificación de toda la información relativa a la infraestructura en un modelo digital, lo que permite acortar los plazos, reducir los costes y anticiparse a los errores. Por ello, herramientas basadas en la misma están presentes en las diferentes fases del trabajo: en el proceso del proyecto se ha utilizado Revit y durante el proceso de obra, BIM 360. Del mismo modo, como afirma Arribas en la entrevista,
“en todo momento se ha podido visualizar el modelo con NAVISWORKS, de AUTODESK”,
un visualizador 3D que, según agrega Borja Sánchez Ortega, Director de Proyectos y Director del Máster BIM Manager Internacional (+VR) de Espacio BIM,
“permite abrir y combinar archivos de distintos software en un único modelo, navegar por ellos, comprobar errores, etcétera”.
Argola arquitectos SL
Para Arribas, es muy relevante que el modelo BIM del proyecto también se utilice en obra, ya que permite
“tener controladas en todo momento las mediciones de obra, tanto por parte de la CONSTRUCTORA como por parte de la dirección facultativa”.
Pero ahí no acaba su función, ya que, vistas las ventajas de su implementación,
“el hospital tiene pensado utilizar una Gestión de Mantenimiento Asistida por Ordenador (GMAO), aunque aún no lo tiene implantado”,
avanza el profesional, quien revela que la intención es
“gestionar el mantenimiento del equipamiento y el mobiliario, la señalización, la seguridad, el control de accesos y las circulaciones, los usos de los recintos, sus acabados y las instalaciones”,
con el objetivo de hacer del hospital un edificio más sostenible y respetuoso con el medio ambiente.
En definitiva, este nuevo edificio para el Hospital 12 de Octubre es la reafirmación de que, cuando BIM entra en un proyecto, este se vuelve más sencillo y su éxito está prácticamente asegurado. Y si no se han convencido ya de ello, esperen a finales de este año, que los resultados de este trabajo conseguirán hacerlo.
La primera edición de los Premios Arquitectura en Madera CESUGA | Pino de Galicia ha dado a conocer los proyectos ganadores en las cuatro categorías del certamen, elegidos entre las decenas de propuestas que se presentaron a concurso, realizadas con madera como material preferente, como recurso natural, renovable, reciclable y sostenible, y ejecutadas en España o Portugal entre el 1 de enero de 2021 y el pasado 30 de mayo.
Los miembros del jurado, integrado por cualificados profesionales del sector, especialistas en arquitectura, sostenibilidad y el uso de la madera, han destacado en su fallo
“las buenas prácticas constructivas, la adecuada elección del tipo de madera y la sensibilidad en su uso”
por parte de todos los proyectos galardonados. El resultado, subrayan también, indica un aumento en el número de actuaciones arquitectónicas realizadas con madera estructural en el conjunto de la península ibérica.
En la categoría de diseño de producto y pequeña escala ha resultado vencedor el mueble-confesionario proyectado por los arquitectos Luis Gil Pita y Cristina Nieto para la catedral de Santiago de Compostela durante el Xacobeo 2022-2023. El encargo, señala el jurado,
“era comprometido, hasta el punto de que actualiza la liturgia y crea un impacto en los fieles por su imagen escultórica”.
Se trata de una obra que emplea madera local, como es el castaño, y técnicas tradicionales de carpintería, integrando además iluminación y calefacción.
La elección del premio otorgado a la mejor rehabilitación ha sido muy compleja, dada la calidad de los proyectos presentados. Finalmente, se ha distinguido la vivienda reformada en el lugar de Laxe, en el concello coruñés de Culleredo, por el estudio Trespes Arquitectos, conformado por Alberte Pérez, Carlos Mosquera y Enrique Iglesias. Para el jurado ha sido clave el empleo de la madera
“desde la estructura, realizada con entramado ligero, hasta el mobiliario, lo que indica el oficio en todos estos ámbitos de trabajo”.
En esta obra destacan, además, las comunicaciones verticales de la casa, que se resuelven con escaleras de un solo tiro, en planta primera se adosa a esta un gran escritorio y una red/hamaca al final del recorrido
“para el disfrute de la lectura viendo el cielo a través de la perforación de la cubierta”.
Joan Casals y José Luis Cisneros, del estudio catalán Ágora Arquitectura, han sido los ganadores en la categoría de obra nueva por una casa construida cerca de Barcelona sobre un zócalo de ladrillo. Su interior luminoso y el empleo de materiales sencillos han sido muy bien valorados por el jurado.
La rigurosidad de este tribunal se concreta en la selección del Premio Especial Pino de Galicia, que se otorga a aquellas obras realizadas fundamentalmente con madera local y que estimulen la sostenibilidad y la reducción de la huella de carbono.
La reciente rehabilitación del astillero tradicional Ciprián, en el concello coruñés de Outes, realizada por el estudio Fuertes Penedo, fundado por los arquitectos Óscar Fuertes Dopico y Iago Fernández Penedo, se ha hecho con este galardón por combinar diferentes tipos de madera local, entre ellas el castaño y el pino de Galicia, y por
“mantener el carácter de la construcción original, incorporando soluciones ingeniosas como la descarga de los pilares sobre la cimentación”.
La casa de tierra se localiza en un municipio de poco más de cien habitantes, lugar paradigmático del éxodo rural de los años 60-70 y del término España vacía o vaciada.
El proyecto es consecuencia directa del programa de necesidades y su contexto: una vivienda-taller en Tierra de Campos, una llanura desarbolada en la meseta castellanoleonesa, de clima extremo y seco.
La arquitectura tradicional popular de la comarca se basa en el ladrillo de adobe o tierra cruda, ya que la tierra y la paja son prácticamente las únicas materias primas locales. A estas se suma el barro cocido (tejas, ladrillos, baldosas, etc.) y la madera. Todas ellas conforman un paisaje característico, donde los palomares son unas de las construcciones más representativas.
La construcción con ladrillos de adobe supone un impacto ambiental mínimo; la materia prima puede encontrarse en el terreno, no requiere de cocción para su fabricación, y se puede reintegrar directamente en la naturaleza tras su deconstrucción.
La vivienda, habitada de manera permanente, debía ofrecer un gran confort climático, generando el menor impacto ambiental. Por ello, se escoge el ladrillo de adobe procedente de una adobera próxima, como material de construcción protagonista. El resto de elementos, sin ser de producción local, mantienen el criterio de contar con un bajo impacto ambiental.
Aunque el ladrillo de adobe es un elemento fuertemente vinculado a la identidad y la cultura de la zona, su uso en obras de nueva planta a día de hoy es prácticamente inexistente.
En esta propuesta, los materiales tradicionales se adaptan a procesos constructivos y a modos de habitar actuales. El resultado es un único volumen completamente integrado en el paisaje que recoge un interior diáfano de gran sinceridad constructiva.
Se trata de una edificación de planta rectangular organizada en cuatro crujías paralelas de este a oeste. La fachada norte, alineada a la calle, cuenta con oberturas asimétricas de menor dimensión, obteniendo una apariencia semejante a las construcciones tradicionales de la zona. La distribución del espacio interior se vuelca hacia la fachada sur, donde presenta las oberturas de mayores dimensiones que actúan como captadores solares durante el invierno y que se protegen con persianas de madera y con una pérgola con enredaderas de hoja caduca durante el verano.
Plano de parcela
Alzados y secciones
Planta de distribución
Para la construcción de los muros de carga se han utilizado adobes en formato de 33x15x10cm, fabricados a menos de 40 kilómetros de la obra. Sobre estos muros, y con el soporte de tres pilares centrales de madera laminada, se apoyan las vigas de madera laminada que conforman los pórticos inclinados que reciben el forjado de la cubierta. La cubierta a dos aguas se compone de un panel sándwich de madera y aislamiento de corcho y de tejas de barro curvas reutilizadas, cuya pátina permite la integración absoluta del volumen en el panorama urbano de la localidad.
Los muros están revestidos con placas de ocho centímetros de corcho como aislamiento en su cara exterior, a modo de SATE.
Aunque el trullado es el revoco tradicional de la zona a base de barro mezclado con paja, en esta ocasión, la vivienda ha sido revocada con una mezcla de mortero de cal y paja para una mayor durabilidad. La cal, a diferencia del cemento, tiene unas propiedades de transpirabilidad y absortividad parecidas a la tierra, aportando una resistencia idónea para paredes exteriores.
Toda la carpintería es de madera, localizando persianas enrollables en las oberturas de la fachada sur como protectores solares.
En la distribución interior se han llevado a cabo las compartimentaciones indispensables a través de tabiques ligeros, compuestos de un armazón a base de listones de madera vistos, aislante de manta de algodón reciclado y tableros de madera de Densidad Media (DM). El tercio superior sustituye los tableros de madera por planchas de policarbonato para aligerar la perspectiva interior y aprovechar al máximo la luz natural en todo el espacio.
El adobe se mantiene visto en su cara interior, a excepción de las estancias dotadas de instalaciones húmedas, donde los muros de carga exteriores se trasdosan con el mismo sistema de la tabiquería y se alicatan en su totalidad.
La vivienda, de calificación energética A, no requiere de sistemas refrigeración, la inercia de los materiales utilizados y el correcto aislamiento de toda la envolvente han permitido que esta mantenga temperaturas constantes de entre los 22 y los 24º durante el último periodo estival en el cual se han registrado temperaturas de hasta los 40,5ºC.
En invierno, debido a las condiciones climáticas extremas de la zona, la vivienda requiere de un aporte de calefacción. Para tal fin se ha incorporado la instalación de un suelo radiante, cuya forma de calentar se asemeja a las glorias, el sistema de calefacción tradicional de la zona, un sistema de chimeneas subterráneas que calientan la vivienda desde el suelo.
En resumen, el proyecto de la casa de tierra parte de la premisa de diseñar una obra de nueva planta con el menor impacto ambiental posible y completamente vinculada a la cultura de su contexto a través de la selección de materiales.
Obra: Casa de Tierra
Autor: Lara Fuster Prieto
Año finalización: 2022
Superficie Construida: 142,8 m2
Ubicación: Boadilla de Rioseco, Palencia (España)
Cliente: Privado
Arquitecto/a técnico: Ana Gordillo (Bioconstruible)
Fotografía: Milena Villalba + hederahedera.com
Norman Foster es uno de los arquitectos más importantes y prolíficos de nuestro tiempo. Su trabajo se caracteriza por su uso de la tecnología, su sensibilidad por el medio ambiente y su compromiso con la innovación.
XXL-Norman Foster. Complete Works 1965 – Today
La publicación XXL-Norman Foster. Complete Works 1965 – Today, editado por Taschen, es un extenso catálogo de la obra de Foster. Esta extensa monografía está dividida en dos volúmenes: el primero cubre el trabajo de Foster desde 1965 hasta 1990, y el segundo cubre los encargos desde 1990 hasta el presente.
Esta exhaustiva edición incluye fotografías, planos y dibujos de todos los proyectos de Foster, así como ensayos escritos por Philip Jodido y otros expertos. El libro es una valiosa referencia para cualquiera que quiera aprender más sobre el trabajo de Foster.
Se trata de un recorrido por camino trazado durante su larga y extensa carrera profesional, donde el primer volumen colecciona imágenes y bocetos inéditos que el propio arquitecto ha seleccionado personalmente, proporcionando de esta forma una perspectiva única de su proceso creativo y conceptual. Por su parte, el segundo volumen es una lectura obligada para cualquier estudioso de su obra, ya que ofrece una perspectiva única sobre sus referencias y pensamientos proyectuales.
XXL-Norman Foster. Complete Works 1965 – Today
Los inicios de Norman Foster
El trabajo temprano de Foster está fuertemente influenciado por el brutalismo, un movimiento arquitectónico que se caracteriza por el uso de hormigón expuesto, grandes ventanales y formas geométricas. Algunos de los proyectos más conocidos del trabajo temprano de Foster incluyen el edificio Willis Faber & Dumas en Ipswich, Inglaterra (1975), y el edificio Sainsbury Centre for Visual Arts en Norwich, Inglaterra (1978).
El trabajo posterior de Norman Foster
En la década de 1980, Foster comenzó a experimentar con nuevos materiales y técnicas, y su trabajo comenzó a evolucionar hacia un estilo más elegante y sofisticado. Algunos de los proyectos más conocidos del trabajo posterior de Foster incluyen el Reichstag en Berlín (1999), el Museo de Arte Contemporáneo de San Francisco (1995), y el Centro Financiero Internacional de Hong Kong y Shanghái (2010).
XXL-Norman Foster. Complete Works 1965 – Today vol1
El compromiso de Norman Foster con la innovación
Foster es un arquitecto que siempre está buscando nuevas formas de mejorar la calidad de la arquitectura. Su trabajo se caracteriza por su uso de la tecnología, su sensibilidad por el medio ambiente y su compromiso con la innovación.
Foster es un pionero en el uso de la tecnología en la arquitectura. Sus proyectos a menudo utilizan materiales y técnicas innovadores, como el uso de vidrio aislante y paneles solares en el Reichstag. El arquitecto británico también es un defensor del diseño sostenible, y sus proyectos están diseñados para tener un impacto mínimo en el medio ambiente.
El ganador del Premio Pritzker es un arquitecto que siempre está buscando formas de mejorar la calidad de la vida, y así lo ha demostrado durante su prolífica carrera. Su trabajo es una inspiración para arquitectos y diseñadores de todo el mundo.
XXL-Norman Foster. Complete Works 1965 – Today vol2
XXL-Norman Foster. Complete Works 1965 – Today es una conjunción del recorrido visual por las obras de uno de los arquitectos más importantes y prolíficos de nuestro tiempo, y una mirada al interior su mente que aborda el pensamiento caracterizado por el de la tecnología, su sensibilidad por el medio ambiente y su compromiso con la innovación.
“Todo me inspira. A veces me pregunto si veo cosas que otros no ven.”
Norman Foster
El libro XXL-Norman Foster. Complete Works 1965 – Today, editado por Taschen, es un extenso catálogo de la obra de Foster, y por tanto es una valiosa monografía de referencia para cualquiera que quiera aprender más sobre el trabajo de afamado arquitecto.
La memoria furtiva y fugitiva se nos presenta prontamente como aliada y traicionera. Si, aparece sin previo aviso, nos asalta donde ella elija o considere darnos un tropiezo: intenta -sin que lo sepamos- salvarnos o traicionarnos, dependiendo del llamado silencioso que le hagamos por la calle del recuerdo, es que ella nos elije (primero nos señala). En aquel andar -sin prisa aparente-, ese que en cada paso vamos agotando el atardecer, el mismo que nos persigue construyendo con nosotros una sombra delgada y extensa, reduciendo -aparentemente-nuestra corporeidad a una delgada y raquítica línea.
Es así como nos llegan las cosas, nos detienen, nos advierten, nos hacen mirar a cada lado antes de dar el siguiente paso, las mismas que antes de atropellarnos se van mezclando, separando o fraguando en ese “no hacer” previo al proyecto. Ya cuando aparece, es como si saliera de entre la multitud, como quien va apartando gente al intentar buscar a un ser amado extraviado.
Así es que aparecen las ideas y las cosas; las aparentemente útiles y las aparentemente descartables. Aquellas que luego ya serán nuestras, desde luego sin que hallamos inventado nada.
Fotrograma de Le Mephris, terraza de la Casa Malaparte
Aparecen también fijamente, como una estaca caída del cielo que marca los límites de lo imaginado, con algunos rasgos poco visibles de lo que está aún por aparecer.
Así se presenta finalmente la idea; descartada y repelida por el cuerpo convexo, o adoptada y cobijada por el cuerpo cóncavo, que es finalmente quien nos habita.
Aun así, sentimos que ambas nos viven a su manera, por lo tanto ninguna será exiliada de nuestra mente; unas nos obligan a recorrerlas por todo su contorno visible, y otras nos albergan en el reverso del contorno, intentan abrazarnos, detenernos, retenernos, dejarnos a la espera de algo, involucrarnos en su formalidad sin comprometernos. Así surgen las ideas, cuando nos llaman.
Arquitectura emocional 1959, dirigida por Elías León Siminiani (2022)
El primer título de crédito de Arquitectura emocional 1959, dirigida por Elías León Siminiani el año pasado, aparece superpuesto a un plano amarillento, en el que están dibujados los detalles constructivos de una fachada, en el siguiente plano y sobre otros detalles, se puede leer «Otoño»; desde el principio aparece la representación de las edificaciones y en este caso la inicial, la realizada incluso antes que existan y que sirve para construirlas.
Esta relación con la arquitectura ya es evidente en el propio título, formado por dos palabras y una cifra, tras esos dos primeros planos –en este caso tanto cinematográficos como arquitectónicos–, a continuación se vuelve a incidir en las edificaciones y el año, mostrando un fragmento titulado «Nueva arquitectura», de un triunfalista documental del NODO sobre la Ciudad Universitaria madrileña.
Parece que ya se le han dado al espectador todas los elementos, la época, la ciudad, unas edificaciones educativas mostradas de un modo propagandístico y hasta la estación del año, pero aún falta saber dónde está la emoción; entonces aparece un banco de piedra aislado en medio de un terreno con hierba y se oye por primera vez una voz en «over», –metaficcional, presente en toda la película y que incluso da órdenes a los protagonistas–, que dice:
«Andrea y Sebastián se conocen en ese banco en otoño de 1958»: Lo emocional.
A partir de ese momento, se seguirá a esos estudiantes universitarios en un periodo de tiempo concreto, que va desde ese otoño hasta finales del verano del año siguiente, justo la duración de un curso académico, y en un ámbito urbano determinado por cuatro recorridos de sus protagonistas, que finalizan en la vivienda de Andrea partiendo de varios lugares: la Ciudad Universitaria, el Cine Paz, un bar y la casa de Sebas.
Trayectos dibujados en el cartel de la película, cuya base es el plano titulado Wettbewerbsplan, firmado por el urbanista Hermann Jansen en 1930 y que es parte del Plan de Madrid con una propuesta para la ordenación de su extrarradio. En la leyenda de ese cartel se añade a cada paseo –que está representado con una arquitectónica línea de punto y guion, como en la película– un adjetivo: “tensos”, “derrotado” y “anhelante”, dándole un nombre a la dimensión emocional que tiene cada uno en la narración.
En Arquitectura emocional 1959 tienen importancia hasta los elementos urbanos más desapercibidos, como los bancos, antes se mencionó el de Andrea en la Ciudad Universitaria, pétreo, robusto y anticuado; Sebas quiere elegir el “suyo” en el Parque del Retiro y se ven seis modelos, algunos parecidos al de la protagonista, hasta que se decide por uno con patas metálicas, con el asiento y el respaldo de madera, más moderno, pero con un diseño tan poco notable como el de Andrea, pero posiblemente elegido para la película por su situación cerca de dos farolas, mostradas en un plano nocturno junto con el banco, logrando una composición notable de los tres elementos.
Otros lugares importantes son el Cine Paz, mostrado en uno de los pocos planos en que la cámara no está a nivel del ojo humano y desde el otro lado de la calle, como si se tratara del punto de vista de alguien superior y, sobre todo, dos establecimientos de bebidas, primero el Bar Martín en la esquina de las calles Luisa Fernanda y Tutor –en la película solo se dice que está en Argüelles–, y el Café El Greco que la voz en «over» indica que está en «Blasco de Garay con Rodríguez San Pedro» y se marca en un plano de Madrid, esta exactitud en las localizaciones es otro modo de darle realismo a la ficción, situando espacialmente a los personajes y relacionándolos con el espacio urbano.
Además es interesante que ambos locales sean lugares donde se recibe información, en el primero hay un televisor en el que se está emitiendo la primera retransmisión en directo de Televisión Española, con la llegada de los restos de José Antonio Primo de Rivera a su tumba, y en el segundo Sebas lee en el diario Pueblo que el Che Guevara ha pasado por Madrid y recorta la noticia para dárselo a Andrea. También hay una diferencia entre ambos locales, en el primero los protagonistas están entre un grupo de estudiantes discutiendo de política –evidentemente de un modo moderado, si no querían tener problemas en aquella época–, en el segundo no llega a verse a algún cliente, por lo que parece que Sebas está completamente solo.
Es evidente que desde el punto arquitectónico, lo más llamativo de la película son los edificios donde viven los protagonistas. Sebas en la colonia de viviendas obreras San Cristóbal, para trabajadores del transporte municipal –su padre es conductor de autobús–, de ahí que su nombre sea el del patrón de los chóferes, con bloques de viviendas de cinco plantas, rodeando espacios comunes y verdes; un grupo de edificaciones que está ahora sumido en la sombra creada por cuatro rascacielos, que también se pueden ver en la película.
Andrea vive en un edificio entre medianeras plurifamiliar con siete plantas, en la calle Antonio Maura, n.º 16,
«a un tiro de piedra del Parque del Retiro»,
según dice la voz en «over», en una zona cara de la ciudad y donde su padre tiene la Notaría, que es descrito desde fuera, mostrando su fachada y además comparado con las emociones de la protagonista, porque hay un pulso dentro de ella
«como el de este edificio donde vive y su contiguo»
se enseña la unión de los dos edificaciones residenciales, tan correctas como anodinas –lo que a veces se agradece– y se oye:
«es el ornamento clásico versus las líneas desnudas de la modernidad»,
la contraposición de estilos sirve como metáfora de las diferencias entre los protagonistas.
En invierno, Andrea invita a Sebas a que entre en su edificio, pero la voz en «over» dice:
«como no son conscientes del peso de la arquitectura en lo que viene a continuación, lo contaremos en el espacio sin ellos, para comprobarlo»,
efectivamente «no suben en el ascensor noble al tercer piso donde vive Andrea», sino «en un montacargas carente de nobleza, al último piso de una escalera interior para el servicio», allí se narra cómo Andrea se desnuda delante de él, luego vuelve a vestirse y se van, alternando planos de su ropa cayendo al suelo, con otros frontales del paramento vertical que está detrás de ella, con azulejos de tres colores amarillentos, porque se han ido sustituyendo según han ido cayéndose, en el que han quitado un extintor –aunque aún puede verse su soporte metálico triangular al que le falta un tornillo–, para dejarla sin elementos superpuestos, desnuda como la protagonista. Una secuencia sin personajes y sin sus palabras, porque como se oye:
«no ha hecho falta. La arquitectura y la noche se han hecho cargo de todo».
Esta forma de mostrar los espacios sin la figura humana parece que serviría para acentuar la arquitectura aunque no siempre se consigue, como puede comprobarse en el artículo «Espacios de la ausencia».
La secuencia antes citada demuestra una contradicción, ella a pesar de venir de una clase más tradicional y adinerada, es más avanzada en sus actitudes e incluso políticamente que Sebas. Además se desarrolla en un espacio de servicio que se convierte en uno de intimidad para la pareja, como lo fueron entonces y durante muchos años, los cines y los bancos en los parques por la noche.
Los edificios de las viviendas donde viven los protagonistas se muestran también con los planos de sus fachadas que llegan a compararse con el procedimiento del “split screen”, a la pantalla partida; también se dibuja la fachada del bar de Argüelles cuyos huecos se abren para dejar ver a los protagonistas con sus amigos. La edificación de Sebas además es definida perfectamente gracias a enseñar sus planos de planta, indicando cual es el piso en el que vive y hasta su superficie, 50,80 m², pequeño para él, sus padres y sus dos hermanos.
La cámara solo se sitúa dentro de esas viviendas las noches de verano, cuando los protagonistas están estudiando, diferenciándose por los muebles, recargados los de Andrea y más sencillos los de Sebas, como parece que debería corresponde a sus diferentes posiciones sociales, pero lo que se muestra no son las habitaciones, sino los exteriores enmarcados a través de sus ventanas abiertas, que también son diferentes y opuestos, los edificios de enfrente al otro lado de la calle Antonio Maura y una cochera de autobuses, con el territorio al fondo y sobre todo un cielo estrellado,
«como un lienzo negro sobre el que dibujar el futuro»,
como le dice él a ella.
El edificio donde está la vivienda de Andrea fue construido en 1922 y el de Sebas veintiséis años después, ambos según los proyectos realizados por el arquitecto y urbanista Secundino Zuazo –que colaboró con el antes citado Jansen en el Plan de Madrid–, un profesional que, a pesar de ser mencionado y tener importancia en el argumento, solo es mostrado en un sello de correos, un objeto pequeño, casi desaparecido y uno de los síntomas de la fama más efímera y banal, aunque afortunadamente Zuazo no ha sido olvidado e incluso varias de sus obras más notables siguen en pie.
Arquitectura emocional, 1959 está narrada empleando planos generales, solo hay un plano de detalle y dos medios, el primero de los dos protagonistas, exigido por «la hija del notario» –que se repite más adelante– y el segundo de Sebas «exigiendo su plano corto» delante de un espejo; ambos, según la voz en «over», no los ha planteado el director, sino que los han exigido los personajes, en el plano de detalle se ve la barba postiza tirada en el suelo, porque el protagonista no puede convertirse en revolucionario, ni cubano, ni de café madrileño, como el amigo de Andrea. Parece lógico que si la arquitectura es fundamental en este cortometraje, se muestre en planos que abarquen la mayor cantidad de espacio posible, pero siempre se ha de recordar que los detalles arquitectónicos, esos representados en planos como los iniciales de esta película, son fundamentales.
Al final Sebas le escribe una carta a Andrea y hace el recorrido más largo –siete kilómetros y medio– a pie desde su casa hasta la de ella, para dársela; en su escrito pretende reconciliarse y finaliza:
«te espero en tu banco en septiembre»,
volviendo a darle importancia a ese elemento urbano. Aunque no se sabe qué sucederá, la voz en «over» dice:
«sería razonable pensar que la arquitectura tal vez haya tenido que ver y que este retrato de amor se cierre como un círculo».
Los títulos de crédito finales aparecen sobre otros planos arquitectónicos, pero esta vez no de detalle, sino representado plantas de edificios, la escala ha aumentado, desde lo pequeño y particular hasta lo general, como se ha ido abriendo y evolucionando la relación emocional que se ha desarrollado en la pantalla.
Nuevas miradas sobre la arquitectura en el cine. Arquitectura emocional 1959
Del desarrollo de esta actividad «Arquitectura emocional 1959. «Zuazo como protagonista: Nuevas miradas sobre la arquitectura en el cine»»1 se deben comentar algunos de sus aspectos más interesantes. Empezando por el principio, el decano dijo que entre arquitectura y cine hay una
«relación obvia y evidente, nosotros [los arquitectos] os damos los escenarios, los espacios en los que desarrolláis vuestro trabajo artístico haciendo cine y nosotros a través del cine obtenemos una rentabilidad grande: «¡Ha salido una obra mía en una película!». Por lo tanto, hay como un intercambio de intereses más allá del contacto cultural»,
ante todo se debería saber qué opinan los escenógrafos cinematográficos sobre que sean los arquitectos quienes os damos los escenarios a los cineastas, una vez más se demuestra que la profesión del director artístico es dura y olvidada, teniendo en cuanta este desprecio a unos profesionales admirables; además el decano sobrestima el poder del cine actual como medio propagandístico, como divulgador de las edificaciones y para lograr esa rentabilidad grande, demostrando que hay quien lo mide todo solo con términos económicos, dándoles más importancia que a los culturales.
Mucho más interesante fue la intervención corta de León Siminiani, en la que dijo:
«Nuestra productora se llama El gesto cinematográfico, que es un guiño al concepto de gesto arquitectónico. Una de las líneas que queremos continuar es explorar lo que el espacio, la historia de los edificios, el urbanismo e incluso los propios interiores, pueden dar a las historias. Creo que es un terreno en el que hay mucho que explorar y que trasladar a los ciudadanos».
Una buena noticia, por lo que habrá que seguir atentos a lo que haga esta productora.
La intervención de Jonás Trueba fue más larga y compleja, dijo que
«es una película donde la forma está por delante del contenido […] en el cine está primero el qué sobre el cómo y en esta película […] el cómo está delante del contenido [….] muchas veces las películas se cuentan a través de personajes que creamos y en realidad son los que mandan y los que finalmente nos acaban enseñando los espacios […] a través del movimiento de los personajes, que es lo más habitual en el cine, y no lo es […] que esté el espacio antes».
Después mencionó que un arquitecto le dijo que el corto hablaba sobre
«cuáles son los puntos de contacto en una ciudad y muy en particular de la arquitectura de los límites»;
también habló sobre Woody Allen y una secuencia de Hannah y sus hermanas, en la que un personaje que figura ser arquitecto, le enseña a unas amigas sus edificios favoritos de Nueva York, cómo Nanni Moretti hace o mismo en Caro Diario sobre su Vespa, y otro recorrido en moto de La reconquista, por último, me alegró mucho que mencionase a alguien que merece ser admirado, a Juan Sebastián Bollaín y su tetralogía de Sevilla.
El diálogo entre Javier García-Gutiérrez Mosteiro y Miguel Lasso de la Vega es estupendo, en muy poco tiempo aclaran muchos aspectos de la obra de Zuazo, sobre todo, en Madrid, y vale la pena escucharlos, pero como es lógico, no mencionan mucho sobre las relaciones entre cine y arquitectura, por lo que no reproduzco aquí sus palabras.
La mesa redonda también es muy interesante, entre todo lo que se dice se destaca una intervención de Trueba sobre
«el cine como arquitectura […] las películas como casas»,
cuenta que un arquitecto le dijo
«»en realidad cuando hacéis una película tenéis que construir un espacio» y es verdad que normalmente tendemos a pensar el cine como un artefacto narrativo y no como un artefacto espacial, incluso vivencial y a mí me gusta pensar el cine como un espacio que creamos, que construimos y que dotamos de vida y es un espacio al que el espectador tiene que ir, que instalarse y estar»,
no es la primera vez que Trueba menciona estos aspectos, como puede comprobarse en este artículo.
Por último, León Siminiani indica que en su cortometraje
«la escala humana tiene que ser más amplia de lo que es en una película en la que sus límites son sus actores»
por eso sus personajes
«son muñecos dentro de un cuadro muy grande, como figuras en una maqueta».
Animo a los lectores interesados en las relaciones entre cine arquitectura y ciudad, a que vean la grabación de este acto, por el que se debe felicitar al COAM, porque en este tipo de actividades siempre se aprenden aspectos nuevos gracias a personas con miradas innovadoras.
Jorge Gorostiza, Doctor arquitecto.
Santa Cruz de Tenerife, febrero 2023
Notas:
1 Acto titulado «Zuazo como protagonista: Nuevas miradas sobre la arquitectura en el cine», celebrado en el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid, el 23 de enero de 2023 pasado y organizado por los comisarios David García-Asenjo Llana y José María Echarte Ramos. Este acto consistió en una presentación a cargo del decano del colegio, Sigfrido Herráez, seguida de unas pocas palabras del director de la película y la intervención de Jonás Trueba, tras la proyección, Javier García-Gutiérrez Mosteiro y Miguel Lasso de la Vega conversaron sobre Secundino Zuazo, finalizando con una mesa redonda con todos los participantes, excepto el decano.
Fotografía y arquitectura. La imagen del espacio construido | Iñaki Bergera
Fotografía y arquitectura. La imagen del espacio construido (Turner, 2023) reúne una selección de ensayos de Iñaki Bergera que abordan la relación indivisible de la fotografía y la arquitectura. Un trabajo fruto de años de investigación y especialización, reflejo también de los proyectos fotográficos del autor. Bergera, arquitecto, fotógrafo, comisario y catedrático de Proyectos Arquitectónicos en la Universidad de Zaragoza, ve «arquitectura en todas partes», según el prologuista de este libro, Luis Fernández-Galiano. Concibe sus imágenes “con un orden arquitectónico”, como se observa en su publicación Empty Parking Spaces (Turner, 2020) y como aquí se refleja:
“La fotografía de arquitectura se construye y se compone, de alguna manera, como lo hace el propio edificio, desmateria- lizándolo, manejando paralela e indistintamente la luz, la forma y el espacio, solapando metonímicamente imagen y lenguaje, la arquitectura de la fotografía con la fotografía de la arquitectura”.
La arquitectura existe por sí sola, pero es irrefutablemente un objeto de consumo perceptivo, fenomenológico y visual. El espacio construido “entra por los ojos” y, por lo tanto, la arquitectura se marida con la fotografía a efectos de documentación y difusión –así sucede desde los tiempos del apogeo de la modernidad–, pero también como condicionante primario de su forma, expresión e interpretación. Si el espacio construido tiene una segunda y paralela existencia en sus imágenes y estas hablan un lenguaje independiente alejado incluso de la realidad física que interpretan, se debe reflexionar críticamente sobre el alcance de las complejas relaciones entre ambas disciplinas.
El libro demuestra la relevancia de esta relación entre disciplinas, en la que no jerarquiza una por encima de la otra, sino que las iguala.
“Con su obra fotográfica y sus escritos, Bergera desvela el vínculo estrecho entre el espacio y la cámara, pero, a diferencia del artista renacentista, no establece la superioridad de la representación bidimensional sobre la tridimensional”,
afirma Luis Fernández-Galiano. Una imagen del edificio realizada al gusto de su arquitecto es capaz de representar la concepción que tiene de ese espacio su creador, con los aspectos que desea resaltar. Este tipo de fotografías implican estudios y conversaciones previas entre arquitecto y fotógrafo para entender la obra y decidir sobre los criterios y la técnica empleada para su representación gráfica. Un binomio que es, a su vez, registro de espacios y tiempos, y también obra artística.
“La fotografía de arquitectura recoge un espacio en un tiempo, como proyección actualizada de un estado pre- vio”.
Por otro lado, la digitalización contemporánea ha abierto la oportunidad de que cualquiera se convierta en fotógrafo de arquitectura con el mero uso de su smartphone y su publicación en las redes sociales. Un debate actual tratado en el libro, que no deja de manifestar que el placer visual que obtienen los usuarios al contemplar una imagen arquitectónica se encuentra, en la actualidad, en apogeo gracias a esta democratización. Un punto de inflexión en esta relación, como afirma el prologuista:
“La revolución digital y las redes han transformado el mundo de la moda tanto como el de la arquitectura y la fotografía, ha sido en ambos casos el instrumento de esa mudanza, además del canario en la mina que advierte los riesgos emboscados”.
La publicación se divide en cinco partes –algunas en coedición con otros autores–, además del prólogo y una introducción. La primera y la más extensa, titulada “España, miradas internas y externas”, reúne muchos de los textos del proyecto de investigación Fotografía y Arquitectura Moderna en España, 1945-1965 (FAME), que vio la luz en una exposición en el Museo ICO, comisariada por Bergera para PHotoESPAÑA en la edición de 2014. En esta parte son protagonistas fotógrafos y arquitectos internacionales como Le Corbusier, Frank Lloyd Wright o Lucien Hervé (algunas de sus fotografías en España fueron recogidas por Iñaki Bergera bajo el título La España blanca y negra(Turner, 2019)). Otros españoles, como Català Roca, Férriz o Paco Gómez, tienen cabida en esta parte como relatadores de la identidad arquitectónica de su contemporaneidad.
La segunda parte, “En busca de la mirada”, analiza los proyectos integrados de arquitectura, paisaje y urbanismo.
“La fotografía da fe de la existencia del paisaje al convertirlo en postal: no solo selecciona el encuadre pintoresco con la luz oportuna, sino que lo mercantiliza al convertirlo en producto de consumo”.
Ciertos espacios urbanos funcionan como paisajes ausentes, que se pueden retratar con una mirada artística, una tesis que se relata de la mano del fotógrafo Thomas Demand, cuyo trabajo aúna ambas disciplinas. Bergera defiende aquello que fervientemente aconsejaba Le Corbusier a sus estudiantes de arquitectura: el adiestramiento de la mirada.
“Porque es así y solo así, con la mirada, como se construye el paisaje”.
La tercera parte, “Mirándolo seriamente”, genera un debate crítico sobre la evolución del binomio arquitectura-fotografía a través de fotógrafos como Hélene Binet, Iwan Baan, Hans Danuser o Walter Niedermayr.
En la última parte, “Enseñando a mirar”, se expone la necesidad de la educación del ojo a través de la práctica.
“No se trata tanto de ver más como de ver mejor, de ‘abrir los ojos al mundo’ y entrenarlo para aprender a mirar y buscar la belleza sencilla escondida en lo ordinario, ya sea en la naturaleza o en la ciudad”.
Tanto el experto como el aficionado disfrutarán con este libro, riguroso a la par que divulgativo, que despierta el interés en el lector de profundizar y adentrarse en esta indisoluble relación entre fotografía y arquitectura.
Casa Paraguas. Rehabilitación de antigua casa tradicional en ciudad histórica de Pontevedra
El tejido doméstico histórico donde se sitúa la construcción tradicional se localiza en un espacio con un desnivel claro hacia el oeste y norte, en las proximidades de la Real Basílica de Santa María la Mayor y el barrio de A Moureira (Pontevedra, Galicia).
Los usos más frecuentes del entorno y caserío inmediato son los domésticos tradicionales urbanos, de distintas épocas que van en su mayor parte de los siglos XV al XIX, construyendo una trama o tejido de pequeña escala, pero densamente ocupada. Arquitectura tradicional urbana ya desvinculada de los oficios y usos originales vinculados a la naturaleza de una villa comercial y marinera medieval, que vira en la actualidad sus usos hacia los nuevos tipos residenciales contemporáneos, tanto de primera residencia como turísticos, dentro de una ciudad histórica peatonalizada.
La rehabilitación ocupa en su totalidad el volumen original de la construcción tradicional proponiendo la recuperación de un antiguo acceso por la huerta como nuevo punto de llegada, de forma que se permita reorganizar un programa contemporáneo de usos de manera respetuosa con el volumen original, desde un pequeño nuevo patio inglés.
Así se consigue reintegrar y respetar los huecos originales de fachada en planta baja, tanto como los que se abrieron a lo largo de la segunda mitad del s. XX en la calle de acceso. Se propuso igualmente poner en diálogo la hasta ahora segregada continuidad entre la casa y la huerta interior, en el flanco oeste, a través del nuevo acceso por el nuevo patio de transición.
También planteando en esa fachada la apertura de una ventana-galería en planta alta que vincula el programa y habitabilidad de esa zona de la casa hacia el jardín, antigua huerta.
En este sentido la propuesta de esta galería en planta alta intenta potenciar la lectura urbana del volumen original al oeste, delatando la existencia del jardín superior al paso sobre la Rúa Formigueira.
Casa Paraguas Luis Gil Pita – Cristina Nieto Peñamaria
«Pero de la habitación a que pertenecía esa ventana nada podría decirse con certidumbre, sino que tal vez era una mezcla de muchas habitaciones, de todas en las que ella se sentó alguna vez a mirar por la ventana».
Se propone una estrategia estructural basada en los oficios de la madera (para los nuevos forjados y cubierta) que recuperen también los sistemas y subsistemas constructivos tradicionales a la vista, a la par que se proponga una expresión espacial interior contemporánea.
Dadas las dimensiones de crujía entre muros de contorno, el proyecto desestimó la estructura de la cubierta mediante cerchas, que agotarían física y visualmente el espacio abierto de la planta alta, y propuso el soporte de la cubrición en un punto central de la planta mediante un paraguas o árbol de acero de tres ramas. Este elemento central junto con el posicionamiento de la escalera apoyada al muro medianero interior y ciego es realmente el ejercicio principal de organización del programa y la arquitectura del edificio, poco más.
Para el resto, el proyecto trata de resolver en planta y sección los diferentes usos de un programa de vivienda contemporánea en dialogo con la estructura original de muros de carga, de forma que se produzca un enlace lógico entre contenedor tradicional y nuevo contenido, dormitorios en planta baja y espacios vivideros en planta alta.
Obra: Casa Paraguas
Emplazamiento: Ciudad Histórica, Pontevedra (Galicia, España)
Autores: Luis Gil Pita – Cristina Nieto Peñamaria. ARQUITECTOS
Colaboradores y constructores: Alberto Alonso+ Julio Besiga+ Majo Vázquez (arquitect@s colaboradores), AG (Constructora), Roberto Paramá-Herrero, Galuminox, Carpinteria Crego
Año: Marzo 2023
Mobiliario: UnDo ReDo
Fotografías: Roi Alonso. Fotógrafo + gilpitanietopenamariaarquitectos.com
YZ HUB nace con el objetivo de demostrar que un hogar industrializado, pasivo y conectado es posible y necesario para las generaciones “Y” y “Z”, así como las que les sucedan en el futuro. Un hito que se conseguirá a través de un proyecto piloto, en forma de vivienda unifamiliar de 240 m2, que recientemente ha arrancado su construcción en Camarma de Esteruelas, a escasos minutos de Madrid.
YZ HUB es la respuesta a una manera de pensar diferente, una demostración de que se puede construir acorde a los intereses y preocupaciones de las nuevas generaciones. Un hogar industrializado, pasivo y conectado que sirva de ejemplo al sector y a la sociedad.
Durante los próximos dos años, YZ HUB ofrecerá una oportunidad única para conocer, en primera persona, el proceso de construcción y la intervención de los diferentes agentes con sus soluciones más punteras, permitiendo descubrir por qué la industrialización en las viviendas pasivas es una solución rentable y eficiente en términos de costes, tiempos y seguridad.
Para todos aquellos interesados en descubrir los secretos de este proyecto, podrán hacerlo gracias al seguimiento activo en su web y las redes sociales, así como visitando la obra en persona tanto en su fase de ejecución como de resultado, con un amplio calendario de actividades. De ahí que su lema principal sea:
“No solo te lo contamos, te lo enseñamos”.
YZ HUB será posible gracias a una gran colaboración de un equipo de empresas comprometidas con la innovación, la sostenibilidad, el diseño o la digitalización que han unido sus fuerzas para crear un hogar que tiene en cuenta todas las necesidades de las generaciones presentes y futuras. La vivienda se construye a medida para adaptarse a los requerimientos de los habitantes y, gracias a la tecnología, monitorizará y controlará el confort y la salud de sus usuarios. El hogar del que todo el mundo habla en distintos foros, pero nadie se había atrevido a ejecutar.
Un proyecto colaborativo en el que más de 20 empresas líderes del mundo de la construcción que apuestan por la innovación, la sostenibilidad, el diseño o la digitalización se unen para crear el hogar del que todo el mundo habla, pero nadie se había atrevido a construir. ¡Hasta ahora!
Así, ha sido promovido por PAEE Construcción Passivhaus-ECCN y Evowall, y cuenta con la participación de los fabricantes Aliaxis, BMI, Bticino, Chova, Cosentino, Griesser, Grohe, Holcim, Indalsu, ISO-Chemie, Knauf Insulation, Kömmerling, LG, Sombrah, y Zehnder. El estudio RC Arquitectura es el autor del diseño, contando con Energiehaus como certificadores Passivhaus, y Wise Build, VT Lab, Ecómetro y Plan Radar como partners para la digitalización. Como colaboradores institucionales se suman la Universidad Politécnica de Madrid y el Digital Construction Hub del Colegio Oficial de Aparejadores y Arquitectos Técnicos de Madrid; mientras que en el diseño y estrategia de comunicación está a cargo de la agencia Metápolis estudio y la revista especializada Proarquitectura.
¡Forma parte ya de la construcción del hogar del futuro!
Escultura «boy» de Ron Mueck, 1999. Permanent location: ARoS Aarhus Kunstmuseum, Aarhus, Denmark; Exhibition: Biennale di Venezia, 2001 | Fuente: postdocument.net
El mundo de los adultos mantiene una extraña relación con el de los niños, una suerte de tira y afloja en el que legislación, pedagogía, modas y miedos conviven de manera bastante poco satisfactoria sin llegar a comprender que el entorno del niño va a ser determinante en su desarrollo intelectual, ya que será capaz de impedir o permitir, incluso fomentar, el intercambio de información con el exterior, y que las escalas de dicho entorno van desde la habitación infantil y la propia vivienda hasta la ciudad y el edificio público.
«Si el medio ambiente físico del niño es pobre, no le aportará más que informaciones restringidas y no estimulará en él la aparición de respuestas nuevas entendiendo por medio pobre el que no favorece su actividad. El niño aprehende asimila el mundo que le rodea mediante todos sus sentidos, pues la vista no es al principio privilegiada en él y un medio ambiente rico será el que le permita el máximo de actividades diversificadas, actividades que procurarán al niño nuevas estimulaciones sensoriales que enriquecerán su pensamiento».1
El edificio público debe ser el centro de la vida social de una ciudad. Tanto si está dedicado a la difusión cultural como al ocio siempre será reflejo de la sociedad en sí misma. En este sentido se puede considerar como prolongación de la ciudad o, más exactamente, de los espacios públicos de la misma.
«What is the public domain? In this context it can be defined as shops, restaurants, airports, railway statios and other public areas which are distintct from the private territory of the family, the home, the motor car or dedicated institutions for the children such as the schools or the daycare centre where children are supervised and became the resposibility of adult carers, parents and relatives».2
Kodomo No Kuni Park en Yokohama. Isamu Noguchi, 1965
Todos los sectores sociales deben poder utilizar libremente estos espacios, en igualdad de condiciones y según sus deseos y necesidades, solamente limitados por las restricciones lógicas que impone el propio espacio o la convivencia. La concienciación que actualmente existe sobre esta función básica del edificio público como catalizados social se hace evidente en leyes como la de accesibilidad para minusválidos, por ejemplo. No siempre ocurre lo mismo con lo que podríamos llamar «accesibilidad infantil» o el libre uso de las instalaciones comunes y públicas por parte de los niños, con especial atención a los menores de siete años. Mediante el estudio de centros escolares y parques urbanos de juegos se puede saber qué estrategias se han ensayado ya en cuanto al uso del espacio por niños, para conseguir un lugar seguro y a la vez estimulante.
En España, la regulación se limita a consejos relativos a la seguridad. Esto, que es básico y sin duda necesario, no es suficiente. Además hay que tener en cuenta que los niños de esta edad no acuden solos al edificio público, con lo que sus cuidadores van a hacerse cargo en gran medida de esta seguridad. Sin embargo, como recalca Piaget y se ve como una de las principales demandas del «consejo de los niños» de Tonucci, el niño necesita de autonomía para poder extraer la información que necesita del exterior.
«Obligado a adaptarse incesantemente a un mundo social de mayores, cuyos intereses y reglas siguen siéndole exteriores, y a un mundo físico que todavía comprenden mal, el niño no llega como nosotros a satisfacer las necesidades afectivas e incluso intelectuales de su yo en esas adaptaciones, que para el adulto son más o menos completas, pero que para él siguen siendo tanto más inacabadas cuanto más pequeño es».2
Esta autonomía dependerá de la libertad de movimientos que tenga según su edad. Como afirma Isabel Berlinches Acín, si el niño está en un ambiente propicio y no recibe ninguna presión externa raramente intentará acciones por encima de sus posibilidades. El recluir al niño en zonas especiales, alejadas del adulto, no hace sino aumentar su sensación de no pertenencia a la sociedad y fomenta de hecho conductas agresivas.
También es importante el aprendizaje por medio de la imitación, para lo cual es fundamental su relación con los adultos. Esta relación debe ser lo más igualitaria posible, sobre todo en lo que se refiere al espacio. El niño debe sentir que el espacio público le pertenece tanto como a los adultos para poder dar rienda suelta a sus capacidad imitativa, para no sentirse cohibido y poder desarrollarse también como ser social, es decir, como parte de esa sociedad.
El edificio público es, normalmente, suficientemente estimulante para el niño, que tenderá a recorrerlos libremente y a tocar y experimentarlo hasta donde pueda. Para ello, las estrategias de diseño para la adaptación de éstos al uso infantil serán muy sencillas, basadas sobre todo en la seguridad y en la protección del contenido del edificio, si es necesario. En la exposición «el niño y el museo» se ensayaban algunas estrategias que podrían ser útiles a nivel general, como por ejemplo evitar el contacto directo de algunos objetos delicados con el niño (utilizando urnas empotradas en el muro que, además, evitaban golpes) o la de utilizar materiales blandos, seguros para el niño, (que invitasen a tocarlos o incluso saltar sobre ellos) para los elementos auxiliares, como bancos. La utilización del color según las edades del niño ha sido ampliamente ensayada en guarderías y su utilización en edificios públicos, como ocurría en la biblioteca de Hjørring, sirve de polo de atracción para los niños, que rápidamente acuden a los lugares de lectura destinados a ellos y se sienten mejor en ellos que en los de los adultos. Este tipo de estrategias, junto con otras como la del restaurante Praq de utilizar mobiliario inspirado en juguetes, sirven para separar usos de una mera natural dentro de un espacio sin necesidad de introducir elementos separadores, como se hace, por ejemplo, en las áreas infantiles de McDonald´s. en resumen, teniendo en cuenta la psicología infantil, ampliamente estudiada desde el siglo XVIII, se puede conseguir que el uso público acoja a todos los públicos en armonía.
Children´s Museum. Chicago (EEUU)
Helen Penn, en su artículo «Spaces without children» (Mark Dudek, Children´s spaces (Oxford: Elsevier, 2005) afirma que en los últimos años existe una clara tendencia a eliminar a los niños de los lugares públicos, entre los que da mucha importancia a los edificios públicos, a donde se ha trasladado, en muchos casos, el espacio de relación social frente a las plazas de la antigüedad. Distingue dos factores como causantes principales de esta desaparición: la seguridad de los niños y la seguridad de los adultos. Según ella, a pesar de que cada vez la sociedad es más segura para la infancia, el temor a que éstos sufran daño es menor y también existe un miedo creciente de los adultos hacia los niños, fomentado por los medios de comunicación. Entre los peligros que puede traer un niño para los demás, ellas destaca algunas noticias que aparecen en los medios británicos con cierta frecuencia como vandalismos infantil, peleas entre pandillas, exposición de los niños a pornografía, la explotación infantil o cosas tan extrañas como los peligros que para los perros supone basura de los bebés entre otras. Como consecuencia de lo anterior, Penn afirma que las familias son cada vez menos numerosas y que los pocos niños que hay en nuestro mundo occidental se ven recluidos en casa porque sus padres entienden que éste es el entorno más seguro.
En definitiva, no se trata tanto de la transformación arquitectónica del edificio público como de la conciencia social. En una encuesta realizada en Reino Unido entre adultos sobre la presencia de niños en edificios públicos («Public perceptions of children: interviews with adults«, Mark Dudek, Children´s spaces (Oxford: Elsevier, 2005) se puede llegar a la conclusión de que éstos son directamente hostiles ante la hipotética presencia de niños en la mayoría de ellos y, al contrario de lo que anteriormente se ha visto como adecuado según los pedagogos y deseado por los niños, prefieren lugares cerrados donde se les aísle y no les molesten. En este sentido las áreas infantiles de McDonald´s y cadenas similares son las preferidas por los adultos que además valoran el hecho de que los niños puedan comer solos. Realmente sólo los patios de las escuelas parecen ser los lugares donde los adultos admiten que los niños jueguen libremente, ya que los parques y zonas verdes deben compartirlos con las mascotas que los adultos encuestados -opinan mayoritariamente- han de gozar de preferencia ya que, al contrario que los niños (que tienen las escuelas) los perros, por ejemplo, no tienen más lugares donde correr libremente. Esta encuesta, que fue realizada por Eleanor Snow en el años 2004, contó con la participación de cien adultos residentes en Gran Bretaña, elegidos entre diferentes etnias y clases sociales, sin que éstas diferencias se percibiesen en sus respuestas.
Nosotros nos tememos que si la encuesta se hiciera en España, uno de los países con más baja natalidad del mundo, el resultado sería aún más desolador. Sea como fuere, parece evidente que si no se produce un cambio de mentalidad respecto al tema, si no hay algo así como una revolución social acerca de este tema, un grupo de «padres indignados» (con perdón de la comparación) o similar, los niños van a estar cada vez más relegados al ámbito familiar o, más concretamente, al espacio de delante de pantallas de tv u ordenadores…
bRijUNi architects (Beatriz Villanueva y Francisco Javier Casas Cobo).
Riyadh (Arabia Saudí), Septiembre 2011
2 «¿Qué es el dominio público? Bajo este término pueden incluirse lugares como las tiendas, restaurantes, aeropuertos, estaciones de tren y todas aquellas áreas públicas que se diferencien claramente del territorio privado de la familia, como la casa, el coche y de las instituciones dedicadas exclusivamente a niños como las escuelas o guarderías donde los niños son supervisados y están bajo la responsabilidad de cuidadores adultos, padres o parientes». Mark Dudek, Children´s spaces (Oxford: Elsevier, 2005), 178.
3 Jean Piaget & Bärbel Inhelder, Psicología del niño (Madrid: Ediciones Morata, 2007), 65.
4 En 1979, con motivo de la celebración del Año Internacional del Niño se celebra en España por iniciativa del Ministerio de Cultura una experiencia pedagógica cuyo objetivo principal era combatir la barrera entre el niño y el arte. Esta iniciativa se denominó «el niño y el museo» y tuvo lugar en la Casa de Velázquez de Madrid.
He ido tres veces a Oxford. La primera con el prof. Adrian Forty y sus alumnos del Master, guiada por él. Nos enseñó el Asmoleam Museum, un edificio de Philiph Speakman Webb, brillante y extraño, que tiene en la fachada un orden jónico que se convierte en dórico con el mismo entablamento, en una astuta y heterodoxa jugada. Le comenté a Forty el curioso recurso, pero creo que no se enteró, no sé si -en parte- por mi inglés poco expresivo.
El Museo Ashmolean (Ashmolean Museum of Art and Archaeology) está situado en Beaumont Street, Oxford, Inglaterra, y es el primer museo universitario de cuya creación se tiene noticia. Su primer edificio fue construido entre 1678 y 1683 para albergar la colección o gabinete de curiosidades de Elias Ashmole, que este donó a la Universidad de Oxford en 1677.
Luego fuimos a ver el College más antiguo de la ciudad, St. John, casi enfrente. Por los patios pasamos a unas ampliaciones de arquitectura moderna, y a otros edificios, también modernos, con arquitecturas de compromiso poco afortunadas. No nos gustaban a los arquitectos, sobre todo una última «post», tan empeñada como poco atractiva.
«Obnoxious!»,
dije yo (detestable). Algunos expresaron su acuerdo.
El Saint John’s College es uno de los 31 colleges de la Universidad de Cambridge en el Reino Unido. Está situado en St John’s Street (Cambridge, Inglaterra). El college fue fundado en 1511 por Margarita Beaufort, madre de Enrique VII. Con 135 profesores asociados («fellows»), 530 estudiantes y 300 doctorandos, es la tercera mayor unidad universitaria de la Universidad de Cambridge, después del Trinity College y el Homerton College. Ocho Premios Nobel fueron concedidos a miembros de esta institución.
El University Museum es un museo de historia natural, neogótico, con un interior inspirado por Ruskin. Es como un gran claustro, y en lo que corresponde al patio, una estructura metálica , «gótica», soporta la cubierta de cristal. Este «gótico» está hecho utilizando sólo las nervaduras; esto es, de acuerdo con la mítica interpretación de Viollet-le-Duc (compartida por Ruskin) de que sólo las nervaduras trabajan. Claro, esto es verdad si lo haces metálico, como es el caso, pero si lo construyes en piedra (o en cualquier otro material, y en formas continuas) todas las partes trabajan, pues las estructuras siguen la ley del mínimo esfuerzo. Resulta interesante precisamente como representación de este ingenuo mito y, así, de los disparates de Ruskin, un personaje respetadísimo por casi todo el mundo menos por mí.
El Museo de Historia Natural de la Universidad de Oxford, a veces simplemente llamado Museo de la Universidad de Oxford, es un célebre museo de historia natural dotado de abundantes colecciones de ciencias naturales e historia natural. Se encuentra en la universidad inglesa más antigua de todas, la Universidad de Oxford, en Oxford, Inglaterra. La construcción del edificio que alberga todas las colecciones se inició en 1855 por Henry Acland con el apoyo financiero e intelectual de su amigo John Ruskin.
Luego vimos el Keble College, una obra de William Butterfield, el arquitecto de la iglesia londinense de All Saints, en St. Margaret St., quizá la iglesia neogótica mejor de la capital. Posterior a la obra de Londres, ésta de Oxford es ambiciosa y brillante, y de grandes proporciones. La capilla por fuera parece una catedral, si bien en el interior se achica bastante.
El Keble se estableció en 1870, habiendo sido construido como monumento en honor a John Keble. John Keble fue un importante líder del Movimiento de Oxford, que tenía como objeto el destacar la historia católica de la Iglesia Anglicana. En consecuencia, el college tradicionalmente ha puesto un considerable énfasis en la enseñanza religiosa, aunque hace mucho que ha dejado de ser así.
Luego fuimos a ver el St. Catherine College, que es el que hizo Arne Jacobsen. Yo lo había visto ya treinta años antes, y luego alguna otra vez más, pero me siguió interesando. Resulta bastante atractivo el observar como es una suerte de comentario a la arquitectura de Mies van der Rohe, hecha por Jacobsen en hormigón armado, y a mitad de camino entre la admiración al maestro y una intensa ironía.
La universidad está ubicada al este del centro de Oxford, a orillas del Cherwell . Sus edificios de vidrio, ladrillo y hormigón, obra del arquitecto danés Arne Jacobsen , combinan materiales modernos con un diseño universitario tradicional de Oxford centrado en un cuadrilátero . Jacobsen diseñó todo, incluidos los muebles, la cubertería, las pantallas de lámparas y los jardines de la universidad, hasta la elección de las especies de peces para el estanque.
Por último vimos la Biblioteca de Derecho (Law Library), de Leslie Martin y Colin St. John Wilson. Es un edificio interesante y logrado, de organicismo moderado, más o menos aaltiano, y que en ese aspecto tiene algo que ver con la actitud de cierta arquitectura española (madrileña) de generaciones más jóvenes.
La biblioteca es una de las bibliotecas de derecho de acceso abierto más grandes de Europa. Inaugurada en 1964, contiene más de 450.000 volúmenes en 16.000 metros lineales de estanterías y está alojado en una biblioteca especialmente diseñada por los distinguidos arquitectos Sir Leslie Martin y Colin St John Wilson.
Luego tomamos el té (los ingleses con pastas, mantequilla y mermelada, lo que se debía sobre todo a que al mediodía habían elegido mal la comida) y después nos fuimos a casa en autobús, que se coge en la calle, en pleno centro, y te deja en la Bus Victoria Station, o antes, si quieres.
Traveller frog. Oxford con Manuel López
Volví a Oxford con Manuel López, un joven arquitecto valenciano que está haciendo el master, y con la intención de visitar el Blenheim Palace, de John Vanbrugh & Nicholas Hawksmoor que está cerca de Oxford. Esta vez fuimos en tren y cogimos un autobús para ir a Blanheim. Cobraban por entrar 19 libras. Yo saqué el carnet de mayor de 60 años, el de profesor y el de prensa, y debí impresionar al portero pues me dejó la entrada a mitad de precio, aplicando (indebidamente) la destinada a grupos.
El Palacio de Blenheim fue escenario de numerosas intrigas políticas, como las que llevaron al exilio a los Marlborough, la caída en desgracia de la duquesa o el daño irreparable en la reputación de su arquitecto, John Vanbrugh.
El Blenheim Palace fue una mansión que se le regaló al primer conde de Marlborough, luego duque, que era un militar que ganó en Austria una batalla importante de la guerra de sucesión española, aquella que teóricamente ganó Felipe V, pero a costa de perder Gibraltar. Por ganar esa batalla se le regaló el palacio, cuyo encargo consiguió Vanbrugh, que era una persona de clase alta muy bien relacionada, y que fue lo suficientemente prudente como para llamar a su amigo Hawksmoor, también ayudante de Wren, arquitecto habilísimo y de origen humilde.
Un duque de Marlborough fue Churchill, que nació precisamente en Blenheim. Seguro que el niño Wiston creía que todos los niños nacían en un palacio. El proyecto de Blenheim, bastante parecido al inmediatamente anterior Castle Howard, era muy grande y ambicioso y su construcción acabó convirtiéndose en un escándalo. El plan total no llegó a acabarse, pues sólo se hizo uno de los dos grandes edificios auxiliares de los laterales.
Tras la muerte del duque en 1722, su esposa se hizo cargo de la finalización del palacio y los parques. El asistente de Vanbrugh, Hawksmoor, continuó con la construcción y diseñó un arco del triunfo en la entrada del parque de Woodstock. Para 1735 todavía había detalles inconclusos como una estatua de la reina Ana en la biblioteca, cuyo coste era regateado por la duquesa.
El Blenheim Palace es un edificio sin método, podría decirse; es decir, hecho sin poseer ningún instrumento de proyecto que le sirviera de guía de una forma clara. El núcleo del palacio es una suerte de villa palladiana, que se amplía, siguiendo más o menos las ideas del maestro véneto, pero de forma más compleja, y confiando por completo en la superposición de partes y en la absoluta simetría. Algo hay en él de los edificios en torno a patios, aunque muy poco, y a la postre está llevado a cabo con la habilidad para yuxtaponer adecuadamente las diferentes partes de que consta.
La arquitectura concreta es a veces palladiana, pero la que caracteriza más al palacio es una manera extraña y original, brillante y algo disparatada, propia del genio de Hawksmoor y, en menor medida, de Vanbrugh. El edificio, figurativamente hablando, superpone un pallasianismo purista que llega en ocasiones a anticipar la arquitectura radical de un Ledoux, con un barroco exaltado que se diría seguidor, y superador, de Borromini. El resultado es extraño y brillante, altamente original. Recomiendo no perdérselo, si uno anda alguna vez por allí cerca.
Traveller frog. Oxford con mi familia
Volví otra vez, todavía, en Semana Santa, cuando vinieron a estar conmigo mi mujer, Chinina, y mis hijos, Jaime y Alberto. Esta vez dedicamos el día a la ciudad, pero a la arquitectura moderna, aunque sin despreciar algunas de las antiguas, y decimonónicas, que nos salían al paso. Empezamos por el Queen´s College, de Stirling y Gowan, tan famoso cuando yo era joven profesor, como fueron en general, en España y en casi todo el mundo, las obras más vanguardistas de estos grandes arquitectos británicos.
En esta oportunidad para la Universidad de Oxford, Stirling continúa con el estilo iniciado en Leicester y Cambridge. Así, Stirling dejaba su huella en las dos ciudades universitarias más celebres de Inglaterra. Stirling planteo en este caso una reformulación del tradicional «college» anglosajón alrededor de un patio central | Fuente: nomada.uy
El edificio está mal cuidado. Casi parecía abandonado, aunque no es así. Parece un producto de la incomprensión de los ingleses por este tipo de arquitectura, aunque es de notar que también a mí me costó bastante trabajo que mi familia lo viera como algo apreciable. También hay que recordar que cuando fuimos con Forty ni se refirió siquiera al edificio, probablemente porque, como tantos, considera a Stirling un excéntrico (aunque Forty estaba en la Tate British el día que Anthony Vidler dió una conferencia sobre la obra de Stirling, y tuvo que pagar 15libras para entrar).
Luego fuimos a ver lo de Jacobsen, que tuvo gran éxito para mi familia, aunque no pudimos entrar a nada, si bien el colegio se deja entender bien a través de sus espacios exteriores. También vimos la biblioteca de Martin y de St. John Wilson, que también les gustó.
En 1995, el arquitecto estadounidense Rick Mather finalizó las obras del edificio ARCO | Fuente: academia-lab.com
Al lado del Keble College descubrimos un largo cerramiento moderno y de diseño complejo, un tanto a la manera de Kahn. Buscamos ver lo que era y para ello tuvimos que entrar en el Keble, y, al fin, vimos que se trataba de un gran edificio de ampliación, cerrado por completo al exterior por el muro que habíamos visto, con un largo trazado que dibuja casi una espiral después de una dilatada línea, y terminado en el interior por una fachada de vidrio, inclinado progresivamente, a la manera del Queen´s College. Ya dentro, yo lo recordé como un ejemplo famoso de la arquitectura británica de final de los 60 o principio de los 70. Preguntando supimos que el arquitecto era Rick Mather. Nos gustó descubrirlo y verlo, y yo recordé que Forty, que nos enseño el Keble, no dijo nada de esta ampliación ni nos la mostró siquiera. Sin duda otra excentricidad para él.
Comimos en un Pub antiguo que encontramos, muy agradablemente y en un patio. Habíamos ido en tren, pero volvimos en autobús, más barato y más cómodo de coger en pleno centro de la ciudad.
El idealismo y el materialismo, esas dos visiones antagónicas de la filosofía, se perciben sin cesar en la arquitectura. Juan Gris decía que un clavo se hacía con la idea de un clavo, mientras que Braque pensaba que un clavo se hacía con un hierro.
Pensamiento y acción proyectual han sido para nosotros lo mismo, la materia de los proyectos. Coincidimos con la idea clásica de que poético es
«lo hecho que hace, lo construido que construye».
La praxis hace de la arquitectura la unión entre teoría y práctica, al entenderla como praxis-proceso. Proyectar sería el hacer más significativo de la praxis arquitectónica, pues es la sabia manera de construir que sea autorreferente con la propia esencia del proyecto. Consideramos que sería una ocasión de debate, de razonamiento continuo, algo más complejo y denso en su formación intelectual y cultural que la mera resolución atinada o sagaz de un problema.
Entendemos la construcción como el arte de construir una idea, con los materiales acordes y las formas que le son propias. La adaptación a las nuevas tecnologías ha de venir acompañada de forma natural de unas ideas versátiles que transformen el objeto, más allá de su presencia constructiva, en verdadera arquitectura. Jean Prouvé advertía que lo que le inquietaba era lo que hacíamos con los nuevos materiales, más exactamente lo que no hacíamos con ellos. Esta vieja reflexión continúa su vigencia aplicada al mundo constructivo pues relaciona la técnica con la investigación. El aspecto tecnológico debería implicar una indagación, al explorar las posibles transferencias desde otras disciplinas (biomateriales, polímeros complejos, membranas textiles o aerogeles) que producen importantes avances y donde su incorporación provoca innovadores desarrollos de los proyectos.
Cuando Lacaton y Vassal incorporaron el invernadero a su primera obra, estaban transfiriendo una tecnología propia de la industria del cultivo de plantas al escenario doméstico. Pero no suponía una simple anécdota técnica, sino que el uso de este elemento provocó de forma intuitiva la aparición de ese doble espacio, un ámbito temperado que terminó convirtiéndose en un foco de interés y de articulación de zonas desprogramadas de la vivienda.
Otro campo esencial de la materia sería el que se implica en la ineludible vertiente energética. A medio camino entre los artístico y lo tectónico, encontramos algunos trabajos como los de François Roche que, aprovechando las virtudes del electromagnetismo, concibe unas fachadas activas capaces de generar una interfaz entre el exceso de energía del medio ambiente urbano y el sujeto protegido con los procesos estándares de acondicionamiento climático. A través de la arquitectura pasiva o la arquitectura activa mediante gadgets, pensamos en procesos sustractivos de baja tecnología, austeridad de medios y reutilización. O bien, de economía material como los que propone Shigeru Ban.
Por otro lado, es cierto que la materia arquitectónica ya no es solo una cuestión de solidez, sino un asunto ambiental como bien ha explorado Philippe Rahm, que convierte la cualidad atmosférica en el principal material definitorio de construcción.
Procesar una supresión progresiva de los límites entre arquitectura, paisaje y tecnología medioambiental, para producir unas construcciones receptivas desde un punto de vista energético, que fomenten nuevos tipos, léxicos e instrumentos que evidencien la convergencia disciplinar entre las esferas estética, crítica y técnica, nos permitirá superar la materia tectónica para acceder como desenlace a la materia termodinámica.
Así, os incitamos a que reflexionéis, tanto desde un punto de vista teórico como a través de casos de estudio específicos, sobre el concepto de la materia, desde visiones diversas, no sólo desde las más conocidas ligadas a una realidad espacial tectónica perceptible por los sentidos, sino también aquellas que se cuestionan cuál sería la materia de proyectos en nuestros días, cuando los paradigmas clásicos y modernos están en total crisis. Textos que nos ayuden a repensar si la relación histórica entre materia y forma sigue estando vigente, y de qué materia estamos hablando.
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La vivienda F10 de estilo mediterráneo se ubica en Génova, Palma de Mallorca, y es un proyecto arquitectónico que fusiona la estética mediterránea con toques contemporáneos. La casa, construida sobre una parcela de 460 m2, tiene una superficie útil de 180 m2.
Con su forma en «L», se ha diseñado para ofrecer privacidad y tranquilidad a los habitantes, así como para integrarse armónicamente en el entorno natural en el que se ubica.
Vivienda F10 se integra perfectamente en su entorno, y su estilo se enriquece gracias a los materiales y recursos naturales empleados en su construcción. La fachada de mortero de cal coloreado, no solo es ecológico, sino que también es duradero y resistente al desgaste. Las celosías de cerámica natural se han utilizado no solo para cubrir huecos, sino también como elementos decorativos que dan vida a la casa con el juego de luces y sombras, a la vez que proporcionan privacidad.
Parte de la cubierta de la planta baja está cubierta de vegetación, lo que aporta un toque distintivo a la vivienda y contribuye a su integración en el paisaje, mientras que ayuda a captar CO2 y partículas en suspensión, proporciona estabilidad térmica y aislamiento acústico. Además, la cubierta vegetal y las celosías cerámicas han sido concebidas para que la vegetación y la luz sean materiales vivos que hagan que la fachada cambie y la casa cobre vida según la hora del día o la estación del año.
La casa cuenta con dos plantas sobre rasante, con un amplio salón-comedor en la planta baja conectado a una moderna cocina abierta con isla central. En la planta baja, también hay un aseo y una amplia habitación con vestidor y baño completo. Los grandes ventanales, situados principalmente en la parte interna de la «L», permiten que la casa reciba mucha luz natural mientras se mantiene la privacidad de quienes la viven.
En la planta superior, la casa dispone de dos habitaciones completas con baño privado cada una. La habitación principal cuenta con una amplia terraza con vistas panorámicas al mar Mediterráneo y a toda la costa balear. Ambas habitaciones tienen techos inclinados debido a la cubierta de teja a un agua.
El techo de la vivienda está pintado de negro, lo que le confiere un aire moderno y elegante. La carpintería exterior y las mallorquinas también son de color negro, lo que contrasta con la fachada y aporta un toque distintivo.
El pavimento de la vivienda y la zona exterior del porche y la piscina están realizados en microcemento coloreado, mientras que las paredes están revestidas con silicato también coloreado.
La integración en el entorno natural, la luminosidad y la privacidad son algunas de las características que destacan en este proyecto, que combina a la perfección el estilo tradicional mediterráneo con elementos modernos y funcionales.
Vivienda F10 | CEL-RAS Arquitectura | Planta Baja y sección
Vivienda F10 | CEL-RAS Arquitectura | Planta Primera
Vivienda F10 | CEL-RAS Arquitectura | Alzados Sur – Oeste
Vivienda F10 | CEL-RAS Arquitectura | Alzado Este – Norte
Vivienda Passivhaus en Ourense. Quico Jorreto Arquitectura
La arquitectura en madera se está convirtiendo en una realidad creciente en el actual contexto de transición ecológica. Los objetivos de descarbonización y sostenibilidad encuentran en las distintas aplicaciones de la madera en la construcción un aliado fundamental para su consecución.
Las fachadas ventiladas de madera termotratada se presentan como una estrategia óptima para proyectistas y promotores a la hora de lograr la excelencia tanto en los requerimientos del Código Técnico de la Edificación (CTE), como respecto a los criterios establecidos desde las diferentes certificaciones ambientales.
Fachadas de lamas de madera termotratada Thermopine de Savia
Finsa ofrece a través de su marca especializada en madera maciza, Savia, soluciones de fachada ventilada y control solar en madera termotratada idóneas para aquellos edificios diseñados para cumplir los mayores estándares de calidad, como los fijados por las certificaciones de sostenibilidad LEED, BREEAM y VERDE. Muestra de ello son los proyectos ‘Miguel Angel 23’ y ‘Foxos A Lanzada’ que obtienen la certificación BREEAM (EXCELENTE) y VERDE respectivamente.
Miguel Ángel 23 edificio de oficinas propiedad de Colonial, una rehabilitación con emisión casi nula en carbono
’Miguel Angel 23’, de Fenwick Iribarren
La madera termotrada está presente en la rehabilitación de la fachada de este edificio de oficinas en Miguel Angel 23, Madrid. Este proyecto está diseñado por Fenwick Iribarren con la consultoría de Arup. Desde Finsa y Industrial Gradhermetic S.A.E. dispusimos una solución de celosía de pino termotratado para el control solar, Savia Gradpanel Thermopine.
El pino termotratado Thermopine ignifugo cumple los más exigentes requerimientos al fuego de la normativa, y consigue generar en la envolvente de vidrio un acercamiento a la naturaleza que lo vio crecer, aportando calidez y diseño como parte de la piel que conecta interior y exterior.
Certificado BREEAM (EXCELENTE)
Se empleó tecnología blockchain para trazar la madera de la fachada.
En cuanto al producto, se garantizó esa trazabilidad desde el origen, siendo kilómetro cero, huella de carbono negativa, libre de deforestación y aseguramos la gestión forestal sostenible.
Considerando la cadena, conseguimos un análisis estadístico del recurso/cadena, visión única en tiempo real y trazabilidad punto a punto del proceso.
Con la actuación llevada a cabo en este edificio de oficinas Colonial consigue trasladar una propiedad del año 75 al siglo XXI.
La sostenibilidad
La madera Thermopine de Savia consta de los siguientes sellos y herramientas para garantizar su origen, prácticas y procesos sostenibles:
Los altos estándares que conlleva la obtención y mantenimiento de dichos sellos contribuyen de forma decisiva a obtener las más altas calificaciones con en los certificados LEED, BREEAM y VERDE, y con ello al desarrollo de proyectos e industrias más sostenibles.
Huella de Carbono negativa del ciclo de vida de la madera
Los productos de madera termotratada de Savia cuentan igualmente con la marca Tecnalia Certified, que testa el proceso de termotratado y garantiza el aumento de la durabilidad y una notable reducción de la higroscopicidad de la madera, lo que repercute en una mejora importante de la estabilidad dimensional. Dicho organismo garantiza igualmente las prestaciones de los productos ignifugados de la marca para alcanzar los requerimientos de la norma en materia de comportamiento ante el fuego.
En conclusión, las fachadas de madera termotratada de Savia tienen un papel clave en la transformación del sector de la edificación reduciendo la demanda de energía desde una edificación circular, sostenible y eficiente, y participando en el compromiso del impacto ambiental, social y el económico de los proyectos de los que forma parte.
Contaba Peter Eisenman con cierta sorpresa, cómo durante la presentación de un proyecto ante el alcalde de Nueva York éste le dijo:
“Pero conseguirá el efecto Balboa, ¿no?”.
El alcalde se refería a lo que se conoció como el efecto Guggenheim, a la repercusión mediática, social y económica que la construcción del museo bilbaíno desencadenó.
Por encima de cualquier consideración estética, proyectual o funcional, la arquitectura se convierte en un instrumento al servicio de lobbies políticos, económicos, culturales o sociales, por un lado arma propagandística y por otro representación construida y eterna del poder. Construcciones o edificaciones al servicio de la representación de los emperadores romanos con sus monumentales arcos del triunfo, pasando por la iglesia con sus impresionantes catedrales, hasta los delirios de grandeza de Hitler con su nueva “Germania” materializada en los planos y maquetas de Albert Speer.
Esta incuestionable relación entre arquitectura y poder, fue en el pasado, una condición asumida con total naturalidad por obispos, magnates o políticos, que se quebró cuando los arquitectos del movimiento moderno adoptaron una postura algo más progresista y social, introduciendo una variable (mínimamente) moral en el ejercicio profesional de los arquitectos. Una vez asumida la repercusión social de la arquitectura era obligación del arquitecto no solo construirla sino asegurarse de la correcta moralidad de sus objetivos. La arquitectura vista como un arma capaz de cambiar el mundo.
Manteniendo esta línea de continuidad con el movimiento moderno, apareció Rem Koolhaas, lanzando sobre la mesa su Delirious New York donde la alta densidad de la metrópolis se planteaba, no como una oportunidad de construir una mega urbe, sino como una opción de avanzar hacia un modelo de planeta ecológico y sostenible. Koolhaas se ha definido así mismo como “un tipo con conciencia política y social”, como un arquitecto cuyo objetivo vital es “mejorar la calidad de vida”, y de hecho ha anunciado su paso a la política ya que la arquitectura no se le antoja una herramienta suficiente para el logro de sus objetivos.
Edificio del CCTV de OMA, sobre las ruinas del viejo Pekín | Fuente: «REM: a documentary by tomas koolhaas about his father», artículo publicado en designboom
En cambio es necesario recordar que en el año 2002, la Oficina para la Arquitectura Metropolitana (OMA) de Rem Koolhaas, ganaba el concurso para la construcción de la Central China de Televisión (CCTV), en Pekín. Un complejo que debía estar operativo para el inicio de los juegos olímpicos de Beijing. Tras la presentación del proyecto de ejecución en el año 2004 comenzó la construcción de uno de los proyectos más innovadores del momento. Con sus 550.000 metros cuadrados se saltaba todas las convenciones existentes sobre lo que un rascacielos debería ser, sirviéndose de una figura geométrica imposible para desafiar los límites de la ingeniería y la arquitectura.
El edificio se sumaba así a los llamativos edificios que se han levantado con la disculpa perfecta de los juegos olímpicos. El estadio nacional olímpico de Pekín, obra de Herzog y de Meuron, con su estructura en forma de madeja de lana, conocido popularmente como “el nido”, se convirtió en la pieza arquitectónica más emblemática de la cita olímpica.
Beijing National Stadium. Architect Herzog & de Meuron, ArupSport, China Architectural Design & Research G | Fuente: Wikipedia.org
China contrató a los arquitectos más relevantes del panorama internacional. Norman Foster responsable del nuevo aeropuerto internacional de Pekín, Paul Andreu que realizó el gran teatro nacional también en Pekín, David Chipperfield autor del museo de la cultura en Liangzhu, los holandeses MVRDV, la oficina de Herzog & de Meuron, o el propio Koolhaas, forman una legión extranjera de arquitectos al servicio de un doble objetivo.
Por un lado dar respuesta con nuevas ideas al ansia de modernización y experimentación de un país en expansión y por otro servir con sus propios curriculums de tarjeta de presentación a un estado que quiere lavar su imagen ante occidente, pasando de ser el referente de un desarrollismo exacerbado, al foco de atención de la cultura internacional.
Avalado por su aparición junto a personajes de la talla de Nelson Mandela, la madre Teresa de Calcuta o Mikhail Gorbachev, en la lista de los 60 lideres mundiales más influyentes de los últimos 60 años elaborada por la revista Time, Koolhaas traspasó los límites de lo que la construcción de un edificio requería, al argumentar ante la prensa internacional:
“Tengo la certeza de que China evoluciona en la buena dirección y estoy orgulloso del edificio televisivo CCTV. Y por eso creo que hay que apoyar los Juegos Olímpicos. Incluso después de lo sucedido con el Tíbet, o en Tiananmén”.
Tras las críticas Koolhaas argumentó:
“Apoyar a una China moderna y abierta a otras influencias es también una forma de ayudar a que las cosas cambien”;
un discurso que serpentea en una neutralidad nebulosa.
Nadie puede discutir el valor de la arquitectura de OMA, transgresora al máximo, pero también antigua como aquella arquitectura renacentista que necesitaba del poder para existir. La arquitectura y el poder se buscan, mantienen un juego de seducción en el que ambos se necesitan y se odian a la vez, una relación compleja en la que no cabe la neutralidad.
Íñigo García Odiaga. Arquitecto
San Sebastián. Reeditado 28.03.2017. Publicado originalmente agosto 2008
Teníamos nosotros los hermanos maracayeros, junto con mi madre porque mi padre era aragüeño de corazón y preferencia, desde esa ciudad adormilada que era la capital de Aragua donde vivíamos, una fascinación con Caracas. Creo que en lo que a mí respecta había ya una afinidad con el clima porque a mi humanidad delatora de mi ascendencia alemana nunca le ha gustado el calor a menos que se atenúe con los alisios de nuestra costa. Y cada vez que veníamos a Caracas a visitar primos1 modernos que comían Corn Flakes en el desayuno y les recomendaban ponerse un suéter para ir a jugar afuera, era como una fiesta.
La capital siempre prometía2 darnos sorpresas de progreso, cumplidas con alguno de los edificios que en esos años cuarenta y muchos comenzaban a elevarse en algunas partes de la ciudad. Recuerdo el edificio Galipán en construcción, hoy desaparecido para angustia de algunos entre quienes no me cuento, que nos parecía enorme, casi desmesurado, que se iba levantando demasiado lentamente, tal vez porque era bastante grande, tal vez porque aún no llegaban las prisas de los años cincuenta.
Desde la casa de mi acomodada tía materna en Campo Alegre, que se llamaba Carlota y de allí el nombre de mi hermana hoy fallecida, había que atravesar una línea de tren activa por donde circulaba una autovía que una vez chocó al Studebaker negro de mi padre, quien se había quedado sin poder meter el cloche dejando la parte trasera del carro sobre uno de los rieles. Nada grave pasó y hasta se bajó el conductor de la autovía ante la vergüenza de mi viejo que tuvo que pagar después tres marrones por la reparación del guardafango.
Los bloques de El Silencio desde el parque interno, Caracas
Porque las capitales tienen ese atractivo para las provincias, son anunciadoras de progreso
El cual veíamos ejemplificado en los edificios que crecían con aspiraciones de modernidad. Que por cierto no identificábamos con El Silencio, por donde había que pasar llegando a la ciudad en carro. Allí, invariablemente uno de nosotros, no el mayor, futuro arquitecto, sino el que sería odontólogo, lanzaba desde una de las puntas del asiento de atrás garantizada por ser el segundo en edad, sus frases contrarias a la imitación de columnas panzudas y portadas coloniales en las que había incurrido, joven y aún no catequizado por lo moderno, Carlos Raúl Villanueva, quien habría de ser nuestro profesor una década después.
Caricatura de Carlos Raúl Villanueva, por Eduardo Robles Piquer RAS
También hicimos un par de veces el trayecto desde Maracay en tren, en la autovía o con locomotora. Después de un transitar lento y fastidioso por las llanuras aragüeñas, la excitación comenzaba en los arriesgados viaductos ferroviarios entre las depresiones montañosas del muy hermoso paisaje de los altos mirandinos. Y luego Caracas se abría a nuestra curiosidad en el transitar desde la Estación de Palo Grande hacia el Este.
Dibujos de Villanueva mostrando los elementos de la arquitectura tradicional
Unos años después mi madre había decidido la mudanza para garantizar la educación universitaria. Aquí vinimos a tener por el año cincuenta y tres. Y en el trayecto que seguiría diariamente en el autobús Chacaíto-Carmelitas hacia el Colegio La Salle de Tienda Honda fui testigo de importantes transformaciones de la ciudad. Como la Ave. Urdaneta, abierta a través de la decaído damero, o la Ave. Bolívar, cuyos edificios iniciales me maravillaban hasta el punto de que, esas cosas venezolanas, logré colarme en el ascensor de obra de una de las torres hasta llegar a la mismísima terraza superior. Tenía yo escasos catorce años, un bulto escolar y nadie me preguntó nada.
Maqueta de la Ave. Bolívar, de 1948, Caracas
Después, ya vividos los años de la Ciudad Universitaria en la cual encontraba tantos estímulos, empezó a imponerse otra realidad. Primero la mía, más lleno de la ansiedad del adulto frente a lo que va perdiendo; y por supuesto la otra, la de la ciudad que aumentaba en habitantes de modo vertiginoso. Hoy veo mejor la paradoja que ha sido crecer sin progresar. Y en ese entonces apenas percibía la demagogia política que auspiciaba el surgimiento de la «otra» ciudad, la informal, hija del populismo que comenzó a hacerse dueño de todas nuestras mentalidades. O que se haría cargo el fantasma de la delincuencia hasta limitar hoy radicalmente nuestro modo de vivir. No creo que podría sentirme en paz con lo ocurrido si no fuese por el refugio familiar que construí hace casi medio siglo en las colinas del Sureste.
Y he visto como prolifera la nostalgia. Una visión de la ciudad que busca rescatar mínimos e irrelevantes vestigios de un pasado infundiéndoles un valor que escasamente tienen; quizás el único recurso frente al estancamiento que venimos padeciendo. Una visión que me es totalmente ajena y ha terminado posesionándose de los espacios periodísticos y hasta de la visión política.
El Silencio, hoy
Por ello apuesto a una Caracas que viva y se termine de construir, sí, de construir, a partir de lo que le imponen los tiempos presentes. En la que pueda vivirse el espacio público4 más allá de restaurantes caros o centros comerciales que inventan una ciudad artificial al mejor estilo de nuestra referencia norteña.
E insisto en que lo que va a rescatar el espacio público para hacernos vivir las virtudes de Caracas no es sólo la planificación, región preferida de un pensar urbano de viejo cuño, sino la acción concreta de rescate de aceras, plazas, circuitos peatonales, parques de cualquier tamaño, edificios institucionales públicos, tejido urbano regenerado, a cargo de una arquitectura de la ciudad asociada a proyectos que se sustenten económicamente. Y eso quiere decir superar una mentalidad surgida del barril sin fondo petrolero que tanto ha servido para aventuras de ignorancia política como la que venimos viviendo. Ese es el modo de ver la ciudad del cual quisiera ser testigo5 hoy. El que reemplazará la expectativa infantil o adolescente que me convirtió en caraqueño.
El Silencio, dentro del Casco Histórico de Caracas, hoy
Óscar Tenreiro Degwitz, arquitecto.
Venezuela, Julio 2012
Notas:
1 No soy muy dado a celebrar aniversarios a pesar de que por razones familiares debo hacerlo con frecuencia. Y menos aún me inclino a rendir tributo a aniversarios de ciudades como es el caso de Caracas cada 25 de Julio. Pero, me pidieron que escribiera sobre esta ciudad. Lo hago desde una particular perspectiva personal, que quise remitir a la niñez porque de ella guardo muchas memorias idealizadas por el recuerdo que darían para, por lo menos, el capítulo de un libro autobiográfico que a veces digo que escribiré. Y me desdigo al pensar que por supuesto no le interesará a nadie, salvo a los amigos. Porque los familiares un poco lejanos ni le harán caso, como ocurre con estas incursiones semanales: Nemo propheta in patria.
2 Desde luego que soy un caraqueño bien afirmado a esta difícil ciudad. Nací aquí y en cierto modo eso era mi timbre de orgullo ante mis cuatro hermanos que eran de Maracay o de Valencia. Yo era el único capitalino podía decir a mucha honra. Pero esta ciudad se me ha transformado de una manera tan agresiva y desconsiderada que con frecuencia me pregunto si cabe algún tipo de orgullo en relación a un panorama urbano tan contradictorio.
Por un lado brillantez, paisaje hermoso, cosas que no están mal; y por otro lado deterioro, abandono, suciedad, confusión Y precariedad, no siempre indigna por cierto, en la «ciudad informal» que ha progresado a lo largo de décadas ante nuestros ojos sin que haya nunca habido un intento serio de asumir una acción pública coherente, distinta al regalo de materiales de construcción, láminas metálicas, potes de pintura, construcción de escalinatas, o timidísimos intentos de construcción de viviendas más organizadas. Campo propicio para los modos del malhadado populismo político.
3 Es indudable que harán falta muchos años para que alcancemos en esta urbe una calidad de vida razonable. Los gobiernos democráticos anteriores a la ridícula opereta autoritaria-revolucionaria que rige hoy el país, nunca pudieron diseñar un plan de acción sostenido en el tiempo. Dos facciones disputándose el Poder acusándose mutuamente de las cosas peores (que eran parcialmente ciertas) y con ello interrumpiendo cada cinco años cualquier anterior iniciativa, Era un ping-pong perverso muy parecido por cierto al que se ve hoy en la muy culta España donde parece increíble que no pueda darse un acuerdo político ante la enorme crisis que allí se vive: cada quien en su casilla. Y ante una realidad así es imposible que en un medio de tan escasas tradiciones urbanas como el nuestro, pueda prosperar una política de Estado sobre el tema urbano y en particular sobre Caracas. Por lo que debemos suponer que a partir de Octubre cuando derrotaremos democrática y pacíficamente a quienes han sumido a Venezuela en la más caricaturesca regresión, pueda ser posible «concertarse» para hacer lo que se debe hacer durante dos décadas por lo menos.
Y uso adrede la palabra «concertar» porque podemos aprender por ejemplo del Chile Post-dictadura, que los partidos democráticos pueden, deben, dar los pasos necesarios para crear condiciones políticas para una acción pública estable en el tiempo.
He dicho muchas veces que Chile y Venezuela son como una díada, como un Yin y Yang, de modo que lo que se da allá también se da acá pero de modo complementario. El Komandante actual de acá no es distinto al Komandante de entonces allá. Son lo mismo pero no son iguales. Y es de esperarse entonces que lo que allá ocurrió después de la tragedia pueda ocurrir, de modo análogo, aquí.
Esa es por supuesto mi esperanza. Porque la crisis urbana venezolana es de tal magnitud que nunca será superada si no hay continuidad en la acción.
4 El rescate del espacio público por ejemplo es una urgencia enorme. Junto con otras cosas tremendamente negativas, claro está, como la movilidad y la marginalidad que ya mencioné. Y en ese rescate debe cumplir un papel esencial una clara visión sobre la necesidad de construir la ciudad y dejar de lado una visión ñoña, mediocre, mínima frente a las enormes carencias, que parece haberse posesionado de la visión periodística y memoriosa de Caracas. Esta ciudad tiene que transformarse, ni más ni menos, Y ese esfuerzo exige miras no carentes de ambición, capaces de superar, no por ilegítimas, sino por secundarias, la mentalidad de los ghettos vecinales de clase media que a veces acaparan toda la atención. Y no es que lo vecinal no deba ser un punto de apoyo muy importante, sino que tiene que estar bien consciente de las complejas demandas de los casi cuatro millones de habitantes de la Gran Caracas.
5 Ya veremos si allá podremos llegar. Y mientras tanto sigamos esperando.
Es probable que al emprender un negocio se cuente con una oficina de dimensiones reducidas y una de las necesidades, se encuentre la búsqueda de estrategias de aprovechamiento en oficinas pequeñas para optimizar al máximo el espacio disponible. En este sentido, se deben explorar diversos tipos de distribución especialmente diseñados para oficinas pequeñas, además de otros elementos fundamentales que contribuyan a la eficiencia y aprovechamiento del área de trabajo, tanto de los propios espacio individuales a hasta las zonas comunes como las salas de reunión. Durante este proceso se presentan algunas opciones para crear entornos productivos y eficientes en función de los diferentes espacios laborales.
Cubículos clásicos
Salas de reuniones
Las salas de reuniones se erigen como un componente esencial en cualquier oficina, independientemente de su tamaño. En el caso de una oficina pequeña, se recomienda contar al menos con una sala de reuniones bien equipada. Si el número de empleados es reducido, una sala de reuniones de dimensiones modestas será suficiente. No obstante, a medida que el equipo de trabajo se expanda, se sugiere considerar la adición de una sala adicional con el propósito de asegurar la comodidad y privacidad durante las reuniones.
Espacios colaborativos
Fomentar la colaboración entre los empleados constituye un factor clave para el éxito de cualquier empresa. Por consiguiente, la inclusión de espacios colaborativos dentro de una oficina pequeña puede potenciar la comunicación y el trabajo en equipo. Es posible crear áreas de trabajo compartidas, espacios informales de descanso o incluso implementar escritorios con altura ajustable que promuevan la interacción y el intercambio de ideas.
Comedor y áreas de descanso
Aunque el espacio disponible en una oficina pequeña puede ser limitado, resulta importante considerar la incorporación de un comedor o áreas de descanso. Estos espacios brindan a los empleados un entorno cómodo para relajarse y recargar energías durante su jornada laboral. Se recomienda optar por mobiliario compacto y multifuncional que se adapte al espacio disponible, y contemplar la posibilidad de agregar una pequeña cocina o zona de cafetería para mayor comodidad.
Oficinas abiertas
Distribución de mesas de trabajo
La distribución de las mesas de trabajo desempeña un papel fundamental en el diseño de una oficina pequeña. Dependiendo del espacio disponible y del número de empleados, existen diversas opciones a considerar. Una disposición común es la de «islas» o grupos de escritorios dispuestos en forma de L o U, lo cual maximiza el aprovechamiento del espacio y estimula la colaboración entre los empleados. Asimismo, es posible optar por escritorios modulares o plegables que se ajusten a las necesidades y permitan una mayor flexibilidad.
Uso de elementos para rentabilizar el espacio
En pos de rentabilizar aún más el espacio en una oficina pequeña, es recomendable hacer uso de elementos específicos. Por ejemplo, la incorporación de una cabina acústica portátil, como las ofrecidas por Meavo, puede ser una excelente adición. Estas cabinas brindan un espacio privado y acústicamente aislado para llevar a cabo llamadas telefónicas, videoconferencias o, simplemente, concentrarse en el trabajo. Además, al ser portátiles, pueden ser fácilmente trasladadas según las necesidades del equipo de trabajo.
Trabajo en equipo
Estos son algunas estrategias de aprovechamiento en oficinas pequeñas, pero el mundo de la arquitectura y del diseño de interiores no deja evolucionar por lo que, si se busca la mejor distribución para una oficina pequeña. Por tanto es recomendable estar al día e investigar para considerar la inclusión de al menos una sala de reuniones, espacios colaborativos, áreas de descanso o comedor, o una distribución eficiente de las mesas de trabajo, es lo que realmente se necesita.
Asimismo, se debe tener en cuenta la incorporación de elementos como las cabinas acústicas portátiles para maximizar el aprovechamiento del espacio y mejorar la productividad de los empleados.
Cabe destacar que cada oficina es única, por lo que es importante adaptar estas ideas a las necesidades y posibilidades específicas para crear un entorno de trabajo funcional y acogedor en una oficina de dimensiones reducidas.
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