La Balma es un edificio promovido por la cooperativa Sostre Cívic, a quien se le adjudicó un solar destinado a construir vivienda cooperativa en cesión de uso. El proyecto busca ampliar el parque de vivienda asequible de Barcelona, luchando contra la escalada de precios y la dificultad de acceso.
Atendiendo a los recursos económicos disponibles, se pone el punto de mira en el gasto inicial de la construcción y en el gasto del uso del edificio en su vida útil. Además, el edificio quiere combatir la pobreza energética, reduciendo en más del 50% los costes para obtener el confort climático tanto en verano como invierno.
El edificio se sitúa en la esquina entre la calle Espronceda y Antic de Valencia. Este último es un eje verde cargado de equipamientos para el barrio. El grupo de habitantes quería colaborar como un equipamiento más de este eje, compartiendo espacios abiertos al barrio y expresando la riqueza de la vida comunitaria interior. Para ello, el acceso principal, todos los espacios comunitarios ylas circulaciones verticales se sitúan a la fachada norte, abriendo el edificio hacia el parque de Antic de Valencia. En la calle Espronceda (calle transitada) se sitúa el local comercial que se destina a entidades sin ánimo de lucro.
La Balma Cooperativa de viviendas | Entorno
Circulaciones y espacios comunitarios
El programa de espacios comunitarios surge de un proceso participativo con el grupo de habitantes, siendo el proceso en sí mismo un lugar de construcción de comunidad. Estos espacios se distribuyen en altura, repartidas en todas las plantas del edificio. Hemos querido que espacios comunitarios y circulaciones potencien las relaciones humanas, los encuentros espontáneos y las actividades de la cooperativa al largo de todo el edificio, con una idea de “casa grande”.
En la planta baja se sitúa la cocina-comedor, espacio taller para bicicletas, el vestíbulo y dos locales comerciales gestionados por la cooperativa. En las plantas superiores se distribuye el programa comunitario de pequeño formato (Sala polivalente, espacio de lectura, habitaciones para invitados, espacio de cuidados y lavandería). Finalmente, en la cubierta hay el espacio exterior de la cooperativa: una terraza de mas de 300m2 accesible que podrá ser equipada y mejorada según les necesidades de la comunidad.
La Balma cuenta con 20 viviendas, de las cuales una se destina como piso puente para personas en proceso de reinserción social. Las viviendas se diseñan a partir de una retícula de piezas de 16m2 diáfanos. Estas piezas permiten que el usuario los distribuya según sus necesidades. Cada vivienda parte de una “unidad base” de 50m2 totalmente equipada con cocina y baño, correspondiente a las tipologías pequeñas (S). Cada unidad base se amplía con una o dos piezas, pasando a ser tipologías medias (M) o grandes (L). Las piezas que permiten esta ampliación son espacios gestionados por la cooperativa. Esta gestión permite flexibilidad real del sistema, y las viviendas se apropian de ellos de forma individual o compartida.
La Balma Cooperativa de viviendas | Tipología
Estrategia ambiental y construcción
Las estrategias ambientales principales consisten en la reducción de la demanda energética (el edificio como refugio de pobreza energética) y construcción de mínima huella de carbono con un presupuesto reducido. Los objetivos se consiguen con:
· Cambio de la sección del edificio. Se mueven las pasarelas de acceso a las viviendas de norte a sur según las plantas. Eso proporciona máxima captación solar en el interior de las viviendas en les plantas 1, 2, 3 (plantas con menos horas de captación) i protección solar en las plantas 4 y 5 (plantas con exceso de radiación)
· Compactación de las zonas climatizadas. Viviendas sobre-aisladas con mínimas perdidas energéticas. Para los meses calurosos, buena ventilación cruzada y protección solar en la fachada sur. Espacios de circulación abiertos sin climatizar.
· Centralización de instalaciones de máxima eficiencia. Geotermia para agua caliente y climatización en invierno y recirculación de agua del subsuelo para refrescar en verano (free-cooling).
· Terminales de clima a partir de paneles de arcilla radiantes en cara interior de fachada. Permite trabajar a baja temperatura, tanto la radiación de calor como el “free-cooling” sin condensaciones. La arcilla funciona bien como material hidroregulador del ambiente.
· Instalaciones perfectibles: previsión para mejoras en el tiempo (fotovoltaicas, aguas grises, etc.)
· Estructura que optimiza cada material en coste y prestaciones. Hormigón en cimientos y planta baja en contacto con el terreno. Madera en todos los espacios habitables ofreciendo confort, control higrométrico y teniendo un impacto ambiental positivo en el conjunto.
La Balma Cooperativa de viviendas | Diagramas 1
La Balma Cooperativa de viviendas | Diagramas 2
La Balma Cooperativa de viviendas | Entorno
La Balma Cooperativa de viviendas | Planta Baja
La Balma Cooperativa de viviendas | Planta 1
La Balma Cooperativa de viviendas | Planta 2
La Balma Cooperativa de viviendas | Planta Bajo Cubierta
La Balma Cooperativa de viviendas | Sección
Construcción
El edificio tiene dos tipos de estructura para optimizar cada material en coste, velocidad de construcción e impacto ambiental. En cimientos y planta baja se utiliza el hormigón, en contacto con el terreno y la calle. Las plantas superiores se construyen en estructura de paneles de madera contralaminada. Es una estructura de bajo impacto ambiental y muy ligera que ayuda a reducir cimientos (reducción del uso del hormigón). Ofrece confort, espacios más saludables y menos humedad en el interior de las viviendas por su capacidad de material hidroregulable.
Madrid Diversa | CentroCentro Espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid | Del 29 de septiembre al 29 de enero de 2023
Madrid Diversa, es una exposición que pone el foco en la diversidad, en la multiplicidad, como hecho identitario de la vida urbana y uno de los principales rasgos que caracterizan a Madrid, en un momento en el que las ciudades tienden a la estandarización, a replicar modelos comerciales y estructuras culturales.
La muestra propone una inmersión en el Madrid de hoy organizada a través de tres herramientas diferentes: un atlas de mapas a gran escala, desarrollado por el think tank300.000 Km/s; un recorrido con la visión de cinco fotógrafos –Eva G. Herrero, Ernesto Peña Sanz, Rainer Torrado, Ángela Suárez y Ana Belén Mejía– y un paisaje de sonidos creado por Lucas Bolaño. El recorrido dirige la mirada a cinco ámbitos diferentes La ciudad construida, los edificios, La ciudad habitada, las personas, La ciudad compartida, el espacio público, La ciudad de los usos y La ciudad en transformación.
Las cartografías construyen una mirada algorítmica que se dibuja a partir de datos públicos masivos de diferentes fuentes –Instituto Nacional de Estadística, Catastro, Ayuntamiento de Madrid, base topográfica, imágenes por satélite, etc.–. Unas métricas que no solo reflejan lo que la ciudad contiene, sino cuán diverso es lo que en ella encontramos. Algunos de los datos que recogen los mapas son, entre otros, la diversidad en el tamaño de la vivienda y de las parcelas, la diversidad en las calidades construidas, la antigüedad de los edificios, la diversidad de sus habitantes (edades, sexo, nacionalidades, rentas); la diversidad en la calidad y heterogeneidad de las infraestructuras verdes y el número distinto de especies vegetales o la diversidad de usos y servicios.
Las fotografías ofrecen una aproximación personal realizada por cinco artistas que registran el paisaje, las personas y el territorio: Eva G. Herrero, Ángela Suárez, Ernesto Peña, Rainer Torrado y Ana Belén Mejía. Una visión fragmentada de barrios, calles, y sus habitantes, que conforma un archivo documental inesperado a partir de fotografías y vídeos en formato vertical, como si se tratara de reels.
Lucas Bolaño crea sus paisajes sonoros a partir de grabaciones de campo recientes –realizadas en El Rastro, en Madrid Río, en amplios espacios arquitectónicos como la estación de Atocha, en mercados y bares–, que se mezclan con sintetizadores, guitarras eléctricas procesadas y edición de audio y sirven de hilo conductor del recorrido.
El diseño expositivo corre a cargo del arquitecto Pablo Ferreira Navone.
La exposición ha sido comisariada por Ariadna Cantis y Javier Peña – Ibáñez.
CentroCentro
Espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid
Del 29 de septiembre al 29 de enero de 2023
Quizás nuestra dimensión humana es medida cada mañana para devolvernos al mundo de los vivos, quizás la luz intenta reconstruirnos con su siempre inseparable compañera y cómplice: la sombra.
Nos animamos al ver la dimensión que alcanzamos al confrontarla, al intersecar sus designios con nuestro deseo de habitar, al caminar por la estancia nos revela también la vida de los objetos que acompañan la desgastada rutina, haciéndonos testigos de nuestra propia vida.
Así se instaura en cada mañana y funda un nuevo hogar, se acomoda y al final de la tarde cuando su sombra se echa a nuestros pies a manera de ofrenda y se recuesta sobre nuestra vida es cuando sentimos que habitamos.
El tiempo acusa la superficie, persigue las horas, finge -a veces- que nuestra sombra cae dos veces (y de la misma manera) sobre la misma superficie, pero es el suelo -cómplice de nuestros pasos- quien decide recibirla y revelar como las juntas se ven más profundas, como las señas de la vida sobre nuestra piel.
Es la luz del tiempo quien nos señala constantemente, a veces arrojándonos el sol despiadadamente sobre nosotros, apareciendo oculto detrás de un pilar circular de concreto; pero es el tiempo quien revela finalmente la firmeza de nuestra hechura, el material del que estamos hechos, las señas de la fortaleza de nuestra lucha, y las huellas que dejamos al habitar. Pero también es la sombra quien da vida a esa inquietud, es ella quien en su extensión termina por adoptarnos, revelar que somos parte de ese mundo creado por nosotros mismos; ese al que asistimos como actores sobre el escenario de nuestras vidas para mostramos un día que hemos dejado de habitar.
Chandigarh, La Haute cour, Le Corbusier architecte, Inde, 1955 | Lucien Hervé,
Enseñar arquitectura a niños es un espíritu salvaje que anda suelto. «¿Qué es Arquitectura?» fue mi primer proyecto educativo donde participaron decenas de profesionales. La generosidad deshace todas las dificultades.
Matilda. Dibujo del autor
«¿Qué es Arquitectura?» fue el primer proyecto educativo que ideé. Su objetivo era aproximar y enseñar arquitectura a la infancia. Constó de videos en internet y talleres para la infancia en España, Italia y USA. La arquitecta y cineasta Eva Serrats se sumó al proyecto en julio de 2008. Decenas de arquitectos participaron en los vídeos o talleres. La arquitecta Bet Cantallops fue una de las más fieles colaboradoras. La cineasta Anna Brufau participó en la edición de algunos vídeos y la dirección de uno. La Nau Ivanow (Barcelona) fue la sede del proyecto desde su origen en 2008 hasta su conclusión en junio de 2011.
En su origen constó de una website Open Educational Resource (OER) con vídeos para niños de 5 a 8 años, donde arquitectos explican qué es arquitectura.
¿Cómo lo explican?
Con dibujos, maquetas, textos… unos arquitectos quisieron salir anter la cámara, otros no. Mis colegas del teatro (clown, títeres, soprano de ópera, actrices y actores, coreógrafa, maquilladora) colaboraron en la puesta en escena de algunos vídeos a partir de los materiales creados por los arquitectos. Estrenamos los vídeos en la X Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo en Santander en julio de 2009. En marzo de ese año empezamos a hacer talleres de arquitectura para niños en varios contextos, formatos y países.
La página de entrada a la web www.queesarquitectura.org, ya desaparecida.
Origen del proyecto
Desde 2006 intenté hacer un espectáculo de teatro para niños. No me gustaban los espectáculos de teatro para niños que solía ver por ser ñoños, moralistas o pedagógicos («mira niño que te voy a enseñar cosas importantes»). El arte debe causar un impacto estético (sensorial, imprevisible, poético) o no cumple su función.
Así que proyecté el espectáculo «La Isla de los Caballos» sobre la Naturaleza. Planteé cuatro escenas y sus personajes: dos osos polares en el Ártico, un tiburón en el océano, una casa que se cae por el deshielo del permafrost en Alaska, la selva amazónica. Cuatro dramaturgos confirmaron que escribirían las escenas: Lluïsa Cunillé, Juan Mayorga, Anäis Schaaff y Paco Zarozoso.
Tras la búsqueda infructuosa de financiación (Teatre Nacional de Catalunya, instituciones de la Generalitat de Catalunya…) en abril de 2008 decidí cambiar el concepto del contenido, producción y distribución. Iría sobre Arquitectura, lo produciría con cero euros y me saltaría a los distribuidores (los teatros) haciendo un proyecto gratuito para internet.
Uno de las personajes de la obra de teatro, la osa polar, pasó a ser el logo de «¿Qué es Arquitectura?». Más tarde la bautizamos «Matilda» en homenaje a Matilde Ucelay, la primera mujer arquitecto de España. Con los años pasó a ser el logo de “Osa Menor. Educación de arte para la infancia y juventud”.
Grabación y estreno de los los vídeos
Grabamos los diez primeros vídeos en la Nau Ivanow de Barcelona en julio de 2008. Todos los arquitectos y profesionales de teatro participaron con una generosidad imborrable. Agustí Fernández y Liba Villavecchia crearon la música.
En noviembre de 2008 presentamos la primera website, realizada por Luís Moreno, con dos vídeos editados. A inicios de 2009 los directores de la X Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo, Luis Mansilla y Emilio Tuñón, dieron 30000 euros al proyecto que permitió estrenarlo con dignidad y aasegurar su actividad casi dos años.
Los catorce vídeo estrenados
Doce vídeos fueron estrenados en la X Bienal, dos posteriormente.
Arquitecto: Jordi Parcerisas (textos, dibujos).
Intérpretes: Clara Dalmau, Marc Hervàs.
Dirección: Jorge Raedó, Eva Serrats.
Edición: Eva Serrats. Títeres de la Cia Princep Totilau y construidos por Martí Doy. Duración: 05:50.
Año: 2008.
VO: catalán.
Sinopsis: La madre, el padre y la hija nos explican qué es arquitectura con los sencillos gestos del día a día.
Arquitecto: Javier Revillo (texto).
Intérprete: Jorge Raedó. Dirección: Jorge Raedó, Eva Serrats.
Edición: Eva Serrats.
Dibujos: Mateo Revillo -3 años-.
Maquillaje: Esther Osuna.
Duración: 05:56. Año: 2008.
VO: castellano.
Sinopsis: Un hombre duerme. De golpe se despierta y ve cosas, casas, pájaros… paisajes que sólo él ve.
Arquitecto: Pedro Azara(cuento)
Intérprete: Txiki Berraondo
Dirección y dibujos: Jorge Raedó.
Edición: Eva Serrats, Anna Brufau.
Maquillaje: Joana Méndez.
Duración: 09:57.
Año: 2008.
VO: Castellano.
Sinopsis: «La casa de los sueños, o la primera casa”, un cuento sobre el origen de la casa y de la ciudad.
Arquitecto: Victoria Garriga (texto).
Intérpretes: Victoria Garriga, Claudia Schneider.
Dirección: Jorge Raedó, Eva Serrats.
Edición: Anna Brufau.
Tocados: Mariaelena Roqué.
Duración: 04:24.
Año: 2008.
VO: castellano.
Sinopsis: Lina Bo Bardi construyó casas maravillosas en Brasil. Victoria y Claudia nos hablan del mundo de Lina.
Arquitecto: Bet Cantallops
Intérpretes: Bet Cantallops, Xavier Ripoll.
Colaboradores: Lewis Carroll, Andersen, Perrault, Grimm… (textos) John Tiennel, Gustavo Dore, Arthur Rackham, APA…(ilustraciones).
Dirección: Jorge Raedó, Eva Serrats.
Edición: Anna Brufau.
Duración: 02:34.
Año: 2008.
VO: catalán.
Sinposis: “Érase una vez una casa encantada…” de cuento en cuento cruzamos el bosque, imaginamos espacios que nos protegen en nuestro sueño.
Arquitecto: Chechu Vázquez (dibujos).
Intérpretes: Chechu Vàzquez, Txus Martínez.
Dirección: Jorge Raedó, Eva Serrats
Edición: Anna Brufau. Duración: 03:43.
Año: 2008.
VO: catalán.
Sinopsis: Las casas de los animales también son arquitectura. El nido, la madriguera, elhormiguero sirven para lo mismo que nuestras casas… ¡pero hay que saber construirlas!
Arquitecto: Imma Jansana (texto).
Intérprete: Mónica Marcos.
Dirección: Jorge Raedó.
Edición: Eva Serrats.
Maquillaje: Esther Osuna.
Duración: 04:12.
Año: 2008.
VO: catalán.
Sinopsis: El agua, la protagonista del cuento “L aigua del Delta del Llobregat”, nos explica su recorrido por el delta hasta llegar al mar.
Arquitecto e intérprete: Pilar Cos (texto).
Dirección: Jorge Raedó.
Realización: Eva Serrats.
Edición: Anna Brufau.
Maqueta ciudad: Jordi Estivill.
Duración: 10:31.
Año: 2008.
VO: catalán.
Sinopsis: ¿Por qué una ciudad es cómo es? Cada casa tiene su función… y casa a casa se hace ciudad.
Arquitecto e intérprete: Carme Fiol (texto y maquetas).
Dirección: Jorge Raedó, Eva Serrats.
Edición: Anna Brufau.
Maquillaje: Joana Méndez.
Duración: 05:31.
Año: 2008.
VO: catalán.
Sinopsis: Bajo una cúpula, en un pasillo, ante una pirámide… cada espacio genera un tipo distinto de sensación. Carme nos los explica con maquetas y planos.
Arquitecto: El Globus Vermell (texto).
Intérprete: Mari Carmen Artero.
Dirección: Eva Serrats.
Edición: Anna Brufau.
Duración: 05:50.
Año: 2008.
VO: catalán.
Sinopsis: ¿Cuántos tipos de silla hay en tu casa?¿Sirven todas para lo mismo?
Arquitecto: Alberto Campo Baeza (texto -editado por Jorge Raedó-).
Dirección: Eva Serrats.
Intérprete: Federica Porello (coreógrafa y bailarina), Carmen González (voz).
Edición: Anna Brufau.
Duración: 03:17.
Año: 2009.
VO: castellano.
Sinopsis: El arquitecto es un soñador, un artista y un técnico… Es como un poeta.
Arquitecto: Andrés Jaque.
Intérprete: Andrés Jaque, David Morante.
Dirección y edición: Eva Serrats.
Ayudante de dirección: Anna Brufau.
Duración: 01:39.
Año: 2009.
VO: (sin texto).
Sinopsis: Abracadabra, el duelo de dos magos de élite para hacer la mejor Arquitectura.
Arquitecto: Emilio Tuñón.
Intérprete: Alumnos del colegio Antonio Brusi de Barcelona y el arquitecto Emilio Tuñón.
Dirección y edición: Eva Serrats.
Ayudante de dirección: Anna Brufau.
Duración: 05:12.
Año: 2009.
VO: castellano.
Sinopsis: Un juego de preguntas y respuestas sobre Arquitectura.
Arquitecto e intérprete: Robert Brufau (texto).
Dirección y edición: Anna Brufau.
Duración: 06:19.
Año: 2010.
VO: catalán.
Sinopsis: la estructura configura los espacios y los cuerpos.
La Bienal de l@s Niñ@s en la X Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo en Santillana del Mar en julio de 2009. Foto del autor
Los vídeos y la website se estrenaron en La Bienal de l@s Niñ@s dentro de la X Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo en Santillana del Mar (Santander) en julio de 2009. Fue un acierto visionario de sus directores, Luis Mansilla y Emilio Tuñón. En 2009 empezaban a enseñar arquitectura varios grupos de jóvenes arquitectos en toda España. Las pinturas colgadas en la sala fueron creadas por los alumnos del taller de tres mañanas que hicimos en el Colegio de Arquitectos de Cantabria en Santander, que más abajo explico.
Talleres de arquitectura
«¿Qué es Arquitectura?» hizo su primer taller arquitectura con niños el 21 de marzo de 2009 en el MACBA de Barcelona. Luego hicimos una decena de talleres de diversos formatos, contenidos y contextos adaptándonos a las necesidades de los alumnos de cada lugar. A continuación describo algunos sin orden cronológico.
Taller «Sombras» (Barcelona)
Se celebró durante dos semanas de julio 2010. Lo organizó la Escola Tècnica Superior d´Arquitectura de Barcelona como asignatura intensiva de verano. Eva Serrats y Mariona Benedito coordinaron el curso. Contó con la colaboración de los arquitectos Bet Cantallops, Dani Freixes, Toni Salvadó, Carles Muro, Francesc Pla, Josep Bohigas y yo mismo.
En la primera semana los niños visitaron la ETSAB. Los alumnos adultos les enseñaron planos y maquetas. Foto de Carles Baiges
Colaboramos con el colegio Isabel de Villena (colegio concertado -es privado con ayudas públicas-). En julio ya no hay curso escolar pero el colegio está abierto porque algunos alumnos pasan ahí el día haciendo actividades, como este taller.
Durante la visita a la ETSAB el arquitecto Dani Freixes hizo un espectáculo-charla sobre las sombras. Foto de Eva Serrats
El proyecto a resolver fue crear los «parasoles» para una zona del patio del colegio. En Barcelona el sol es intenso en julio y son necesarias buenas sombras. Los alumnos adultos del la ETSAB y los niños del colegio pensaron y construyeron juntos los parasoles o toldos.
Ya en el colegio Isabel de Villena, Ton Salvadó dio una charla sobre la poesía de «la luz y la sombra» ante un público exaltado. Foto del autor
En la segunda semana construimos las ideas para protegernos del sol. Usamos toldos viejos del colegio, y reciclamos materiales como perchas, botellas de plástico, tejidos…
En la foto las niñas pintan un toldo para construir una cúpula celeste. Foto del autor
El último día del taller hicimos una fiesta con padres y colaboradores donde vimos la efectividad de las soluciones construidas, como las «nubes» de perchas con objetos colgados.
Padres y colaboradores ante la efectividad de las soluciones construidas. Foto del autor
Sombras hechas a partir de los cuerpos de los niños del colegio. Se siluetearon y cortaron tejidos con sus formas.
Tejidos con sus formas. Foto del autor
Se siluetearon y cortaron tejidos con sus formas. Foto del autor.
Algunos de los alumnos de la ETSAB bajo el toldo «cúpula celeste». Foto del autor
Taller para construir una plaza (Zaragoza)
Celebrado durante varias semanas de noviembre y diciembre de 2009. Lo organizó el Ayuntamiento de Zaragoza a través de su programa de empleo «Estonoesunsolar» de ZaragozaVivienda, que daba trabajo a unas cuarenta personas que adecuaban solares privados no construidos y cerrados del centro de Zaragoza, devolviéndolos al uso público.
Alumnos, profesores y arquitectos dialogan sobre una de las propuestas en el colegio público Santo Domingo. Foto del autor
Yo dirigí el taller, con especial dedicación al ser Zaragoza mi ciudad natal. Cinco instituciones educativas del centro de Zaragoza participaron en el proyecto. Sus alumnos diseñaron propuestas para transformar uno de esos solares cerrados en una plaza pública.
Tuvimos alumnos de 5 a 12 años. Cada grupo de edad resolvió el proyecto a su manera, con la ayuda de los arquitectos que adaptaron sus conocimientos a las capacidades de los niños. Dos de los talleres fueron en centros educativos no formales donde los niños asisten tras el colegio normal. Foto del autor
Veinticinco arquitectos de Zaragoza ayudaron a los chavales a resolver el reto. Al final se crearon unas veinte propuestas para la nueva plaza. Un jurado de arquitectos y periodistas, entre ellos Patrizia di Monte -directora de «Estonoesunsolar»- y el arquitecto Iñaki Alday, eligieron al ganador y el Ayuntamiento la construyó en pocos meses. El Colegio Oficial de Arquitectos de Aragón (COAA) en su demarcación de Zaragoza organizó una exposición de los proyectos.
El arquitecto Basilio Tobías, uno de los mejores arquitectos de España, colaboró con el grupo de alumnos de más edad. Los indujo en procesos de creación donde la solución técnica final era decisiva. Foto del autor
Cada estudiante realizó un taller de tres mañanas donde seguían un proceso normal de creación de proyecto arquitectónico. Trabajaron en grupos de tres a cinco miembros cada uno.
Una de las maquetas. Aprender la escala de la persona en el espacio es fácil y rápido con el instrumentos adecuado: el escalímetro. Con la maqueta calculaban el recorrido del sol y las sombras que producía sobre la plaza. Foto del autor
En la primera mañana estudiaban el solar sobre el plano y con fotos, luego trazaban los primeros dibujos e ideas de uso. En la segunda mañana concretaban la idea con planos y maqueta.
La propuesta ganadora es un escenario con forma de hoja de trébol rodeado de bancos con formas de hojas. Foto del autor
En la tercera mañana realizaban la cartulina para el concurso, lo que exigía hacer fotos, escribir textos… Al final los alumnos explicaba su proyecto ante toda la clase.
OOtra de las propuestas que combina el campo de fútbol, el huerto y el merendero. La función pautó todas las propuestas. Foto del autor
La participación de arquitectos zaragozanos fue amplia y generosa. Su presencia es imprescindible para la enseñanza de arquitectura a niños. Sólo los arquitectos pueden transmitir la pasión por el oficio.
Otra propuesta donde reina un gran árbol. Foto del autor
Los maestros de colegio son los profesionales de la educación y conocen a sus alumnos. Por eso los arquitectos y maestros tienen que trabajar juntos para enseñar arquitectura en los colegios.
Inauguración de la exposición en la sede del Colegio Oficial de Arquitectos de Aragón en su demarcación Zaragoza. La empresa Imaginarium regaló juguetes a los ganadores y finalistas. Foto del autor
La plaza construida que ahora se conoce como la plaza de «La Buena Suerte». Tras escoger el proyecto ganador el ayuntamiento cambió el emplazamiento, adecuando la idea ganadora al nuevo contexto.
Resultado de la adecuación de la idea ganadora al nuevo contexto. Foto del autor
Taller Primeras Visiones en Beyond Media Festival (Florencia)
En julio de 2009 Beyond Media Festival de Florencia, dirigido por Marco Brizzi y Paola Giacona, nos invitó a presentar los vídeos de «¿Qué es Arquitectura?». También organizó un taller de arquitectura de tres mañanas con el Istituto degli Innocenti, institución con seis siglos de historia en la protección de la infancia cuya sede fue proyectada por Brunelleschi.
Bet Cantallops y los alumnos miden el Cortile delle Donne. Foto del autor
La arquitecta barcelonesa Bet Cantallops y el arquitecto ruso Oleg Ogurtsov colaboraron conmigo en idear el taller sobre la Perspectiva. Bet y Oleg crearon materiales especiales. En Florencia también colaboró la arquitecta Stefania Cottiglia.
Dos alumnas dibujan el pórtico exterior del Istituto degli Innocenti. Foto del autor
El primer y segundo día los alumnos dibujaron el edificio de Brunelleschi por fuera y por dentro. También midieron el edificio con sus cuerpos como unidad de medida, para luego dibujar el plano. Otro ejercicio fue analizar pinturas elaboradas con perspectiva renacentista.
Analizan pinturas enacentistas con sus puntos de fuga. Foto del autor
El tercer día los alumnos construyeron un teatrito con una caja de zapatos cada uno. Dentro montaron una escenografía con personaje.
¿Qué es Arquitectura Educación de arquitectura para la infancia Jorge Raedó Álvarez eatrillos con los que se hicieron los films de stop-motion
¿Qué es Arquitectura Educación de arquitectura para la infancia Jorge Raedó Álvarez eatrillos con los que se hicieron los films de stop-motion
¿Qué es Arquitectura Educación de arquitectura para la infancia Jorge Raedó Álvarez eatrillos con los que se hicieron los films de stop-motion
Lo fotografiaron en diversos lugares dentro del teatrillo e hicieron pequeños films stop-motion que mostramos en la exposición de Beyond Media Festival.
En la foto se ve una planta donde cada cuadrado es de 3 cuerpos. Foto del autor
Dibujaron la planta de zonas del Istituto degli Innocenti midiendo el espacio con su cuerpo.
Sección del pórtico de entrada al Istituto degli Innocenti. Foto del autor
Así descubrieron que el edificio se compone a base de cuadrados que se transforman en cubos y medios cubos.
Stop-motion Giacomo
Stop-motion Giorgia
Stop-motion Pietro
Teatrillos con los que se hicieron los films de stop-motion. Cada film duraba unos 10 segundos y los mostramos en la exposición.
Sala en Beyond Media Festival donde expusimos los vídeos stop-motion creados por los alumnos y los vídeos «¿Qué es Arquitecura?». Foto del autor
Taller «What is Asheville?» (Ashville, North Carolina, USA)
La arquitecta Martha Skinner (10 TO 10) dirigió este taller de cinco mañanas en el Asheville Design Center, dentro del festival Hatchville en abril de 2011. Yo fui asesor-mentor del taller. Trabajamos con ocho adolescentes en la exploración de la ciudad de Asheville con GPS y celulares trazando rutas que se transformaron en mapas. Los recorridos buscaban los «obstáculos» y «oportunidades» que los chavales tenían que reconocer, registrar y comunicar. Colaboraron varios profesionales: Brian Miele (director de cine), Micah Mackenzie (fotógrafo), Graham Hackett (poeta), Laura Jensen (actriz), SisterJSpiritVoice (apicultora).
Vídeo resumen del taller de cinco días. Vídeo de Brian Miele.
Taller en la X Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo (Santander)
Taller de tres mañanas realizado en el Colegio Oficial de Arquitectos de Cantabria en su demarcación Santander. Asistieron unos veinte chavales. Los profesores fuimos David Ibernia (director de films de animación), Eva Serrats (arquitecta y cineasta) y yo mismo. El objetivo era crear un film de animación corto a partir del edificio Teatro del Canal del arquitecto Juan Navarro Baldeweg, ganador de la X Bienal.
Una alumna dibuja una escena a partir del Teatro del Canal, otra alumna escribe la escena. Foto del autor
Los alumnos crearon personajes y dos fueron elegidos por votación: un ratón y un gato. Luego procedieron a dibujarlos y a votar al ratón y gato favorito. Crearon la historia general: el ratón persigue al gato por todo el teatro hasta atraparlo. Crearon escenas cortas de la persecución fotograma a fotograma con David Ibernia.
Propuestas de gato y ratón. Foto del autor
El tercer día los alumnos también pintaron grandes lienzos para colgarlos en La Bienal de l@s Niñ@s dentro de la X Bienal en Santillana del Mar.
David Ibernia dirige a los alumnos en la creación de sus escenas. Foto del autor
Film de los alumnos. La acción sucede en el Teatro del Canal.
Taller «Retrato de Lonjer» en Arteden (Lonjer, Trieste)
Celebrado durante cinco mañanas en julio de 2010. Arteden es un encuentro de arte que se hace cada año en el pueblo Lonjer a diez minutos de Trieste. Lo organiza la comunidad eslovena en Lonjer. Trieste y su área perteneció a Austria durante siglos hasta que en 1954 pasó a formar parte definitivamente de Italia.
El ambiente relajado y amigable de Arteden. Foto del autor
Hoy día conviven varias comunidades, siendo las más importantes la de lengua madre eslovena y la de lengua madre italiana.
Ejercicio donde los alumnos escogían una foto del pasado de Trieste y la dibujaban. Foto del autor
Los artistas invitados a Arteden pertencen a comunidades minoritarias de Europa. Yo fui invitado en 2007 como catalán.
El Castillo de Myramar de Trieste donde veraneaba Sisí Emperatriz. Foto del autor
En 2010 me invitaron para crear un taller con los niños de la zona. El taller se centró en el dibujo como forma de exploración del mundo.
Alumnas dibujando personajes de época. Foto del autor
Los chavales dibujaron su cuerpo, el de sus compañeros, el espacio que nos acogía, el espacio de la memoria colectiva de Trieste. Concluyó con una exposición junto al trabajo de los artistas «adultos» invitados de varias partes de Europa.
Sisí Emperatriz que veraneaba en Trieste. Foto del autor
Alumnas dibujando personajes de época. La memoria es un espacio interior que cobra sentido al compartirlo con la comunidad. Las artes ayudan a esa comunicación.
Los alumnos sonaron los instrumentos de viento de la orquesta joven local. Foto del autor
Los alumnos sonaron los instrumentos de viento de la orquesta joven local. Luego dibujaron la música.
La música dibujada tras probar los instrumentos. Foto del autor
La música dibujada tras probar los instrumentos, y la exposición final con las obras de los niños ocupó todo el polideportivo.
La exposición final con las obras de los niños ocupó todo el polideportivo Foto del autor
El gran lienzo con las caras de los compañeros y sus nombres.
El gran lienzo con las caras de los compañeros y sus nombres. Foto del autor
Taller de danza y arquitectura (Barcelona)
Una escalera no es sólo piedra, es el esfuerzo de nuestro cuerpo al subirla y bajarla. Primer taller donde introduje la danza para experimentar el espacio. Participaron las especialistas en educación de danza para niños Eulàlia Rodrigo y Llum Baraldés. Taller de 90 minutos celebrado en el DHUB dentro del festival Eme3.
Dividimos a los alumnos en dos grupos. Cada uno ocupó un espacio, uno en la sala de actos, el otro en la escalera de piedra del palacio gótico que entonces era sede del DHUB. Con ayuda de Eulàlia y Llum los alumnos crearon una coreografía. Al final todos la interpretaban juntos recorriendo ambos espacios.
Vídeo con la creación y ensayo de la coreografía de la escalera. Vídeo de Adrià Lahuerta.
Taller «¿Dónde está mi clase?» (Barcelona)
En el colegio Cartagena-Encants hicimos el taller de 60 minutos con alumnos de tres años a inicios de 2011. Los niños salían al patio desde el comedor y encontraban los muebles de sus clases en medio del recreo: las sillas, las mesas…
Los alumnos creando un aula en el patio del colegio con los muebles. Foto de Oleg Ogurtsov
Primero los ordenaban creando un aula en el patio, luego pintaba un gran cuadro de Barcelona y al final colocaban todos lo muebles en su lugar dentro del edificio.
Otros usaron las reglas como caballitos para montar. Foto de Oleg Ogurtsov
Dimos a los alumnos varias reglas gigantes para medir el patio. Los alumnos de 3 años jugaron a medir porque aún no saben los números. Otros usaron las reglas como caballitos para montar.
Los alumnos colocan los muebles otra vez en su lugar original dentro del colegio. Foto de Oleg Ogurtsov
Los alumnos colocan los muebles otra vez en su lugar original dentro del colegio.
El sofá pesa. Trabajo en equipo. Foto de Oleg Ogurtsov
Taller en el MACBA (Barcelona)
Celebrado el 21 de marzo de 2009. La arquitecta Bet Cantallops creó una sección del edificio del MACBA e hizo una plancha de metacrilato con dicha sección perforada. A partir de esa plancha imprimimos papeles con el relieve de la sección, e imprimimos algunas secciones sobre papel negro liso.
Bet Cantallops y Eva Serrats muestran la sección del edificio a los alumnos. Foto de Oleg Ogurtsov
El objetivo del taller fue la exploración del edificio usando esa sección, recorrer el edificio observando, dibujando, caminando con los ojos cerrados, midiéndolo con el cuerpo. Al final los alumnos dibujaban de memoria sobre la sección dada.
Los alumnos y Jorge Raedó sobre la línea del horizonte. Foto de Oleg Ogursov
Taller para diseñar la habitación de juegos. Con el Istituto Europeo di Design de Barcelona.
Celebrado durante dos semanas de primavera 2011.
Ideas sobre el papel. Foto del autor
Taller de 20 horas con el profesor Horge Pérez y asesorado por mí, con alumnos recién licenciados del IED que diseñaron la habitación de juegos para la Casa dels Xuklis, residencia para niños con cáncer.
Representación de la habitación de juegos. Dibujo de los estudiantes
Meses más tarde se construyó parte del proyecto original.
Representación de la habitación de juegos. Dibujo de los estudiantes
Epílogo
«¿Qué es Arquitectura?», proyecto nacido como divertimento poético, fue un gran éxito entre arquitectos y público adulto en general. Los vídeos de la website se vieron cien mil veces, se mostraron en Bienales, se publicaron en las mejores revistas de arquitectura… Los talleres con la infancia funcionaron bien -casi todos-, siendo pioneros en España en la participación de la infancia en la transformación del espacio público.
Lo mejor de «¿Qué es Arquitectura?» fue sumar el entusiasmo y esfuerzo de decenas de arquitectos y artistas. Tuvo gran impacto en las redes sociales y estimuló a grupos jóvenes de arquitectos que empezaban a enseñar arquitectura a niños.
El punto débil del proyecto es que los niños no sabían que los vídeos estaban en internet. No sabemos realmente qué piensan los niños de los vídeos. Los mostramos varias veces en colegios y dijeron que les gustaba, pero el contexto de la consulta no podía generar otra respuesta (los alumnos suelen decir lo que los profesores quieren oir).
En 2010 constituimos una asociación para impulsar «¿Qué es Arquitectura?» y crear nuevos proyectos. La crisis económica tumbó los dos grandes proyectos que la asociación preparaba para 2011: «La Guía de Barcelona creada por la infancia» para realizarse con decenas de colegios de la ciudad de Barcelona, y un proyecto con colegios de las Islas Canarias para la Bienal del Paisaje de Canarias. La situación económica era insostenible para mí. Entonces me ofrecieron crear óperas con alumnos y maestras de colegios de Finlandia. Cerramos la asociación -nadie quiso hacerse cargo de su día a día- en junio de 2011 y fui a vivir a Finlandia.
Algunas noticias y un podcast sobre «¿Qué es Arquitectura?»
Artículo de Elena Sommariva en Domus (Italia). También se publicó en la edición de Domus en China
Artículo de Elena Franzoia en Ottagono (Italia)
Artículo de Elena Franzoia en Ottagono (Italia)
Artículo de Fabrizio Gallanti en Abitare (online)
Artículo de Óscar Guayabero en Avui.
Podacast en Scalae en 2018. Félix Arranz dialoga con Jorge Raedó y Eva Serrats.
Nota:
· todas las fotos son de Jorge Raedó excepto > Taller Sombras: la primera foto es de Carles Baiges y la segunda es de Eva Serrats. >Taller ¿Dónde está mi clase? y taller Macba: todas las fotos son de Oleg Ogurtsov.
· El artículo fue publicado el 23 de marzo de 2014 y publicado por segunda vez el 7 de agosto de 2022, recuperando las fotos perdidas durante el trasvase de información de la antigua plataforma de Fronterad a la actual.
Las imágenes de Helen Levitt y de Jan Rafman nos hablan de ciudad, concretamente de la ciudad de los niños. Al mostrar cómo la infancia se apropia del espacio público y lo disfruta, ambas fotografías dan a entender implícitamente que la ciudad es un gran tablero de juego. Pero no es un tablero inocente el de estos niños: el solemne espacio privado del que emergen unos y el entorno empobrecido y descuidado en el que juegan otros nos hacen de inmediato palpable la idea de diferencia, de desigualdad.
En la imagen Helen Levitt presenta a tres niños en el pórtico de un edificio de viviendas en la ciudad de Nueva York en 1940, situados justo en el límite entre lo privado y lo público. Los protagonistas de la fotografía están en movimiento, en graciosas poses de ballet jugando con máscaras en una captura de la poética cotidiana donde la calle se adivina al otro lado de la cámara explorando así la narrativa del juego infantil, como una constante en la investigación de la artista.
Jon Rafman, 6 Rua Wanderley Pinho, Salvador, Brasil, 2020 | Cortesía del artista y Sprueth Magers Gallery
La foto capturada por Jan Rafman a través de Google Street View, presenta la calle como escenario del baño estival y lúdico, donde los niños se divierten apropiándose del espacio público de forma total y sin pudor, ocupando la acera por completo. Más allá de su alegría, lo que la imagen parece decirnos es que estos niños de Salvador de Bahía no tienen no tienen un espacio privado en el que bañarse.
Su emparejamiento, su “resonancia”, nos sitúa de golpe en el tránsito de la fotografía a la post-fotografía, pero también en el vértigo de los enormes cambios que ha experimentado la ciudad contemporánea y que, entre otros aspectos, nos enfrentan con la necesidad de que la ciudad ejerza no sólo de motor del desarrollo económico, pero también de la redistribución de la riqueza a través del acceso universal a los bienes públicos y la inclusión social (La ciudad que queremos, José María Ezquiaga).
En la pareja de fotografías propuesta por el comisario se intuye un sutil juego, el mirar y ser mirado, el ocultarse detrás de una máscara de forma voluntaria o detrás de los píxeles de forma involuntaria. Los niños transmiten libertad a la vez que un cierto empoderamiento, bien sea detrás de sus máscaras ante quienes les contemplan desde la calle o desde el transgresor baño en la piscina textil. Ambas imágenes nos generan inquietud, no tanto en lo que ellos ven sino en lo que no nos dejan ver, aquello que podemos intuir o imaginar.
Ariadna Cantis es arquitecta y comisaria de arquitectura y urbanismo.
fundación mapfre La ciudad como un tablero de juego Ariadna Cantis
Un laberinto para un juego libre e inclusivo | Arjub Studio – Alberto Espinosa
El parque Sant Jordi es el espacio verde más grande de la ciudad de Reus, casi 2250m2 de superficie. Un lugar muy querido por los ciudadanos, que invita a pasear y contemplar la vegetación.
Para plantear un proyecto de espacio lúdico en el interior del parque, hay que abordar algunas cuestiones como la inclusividad, que en este caso ha sido la premisa de diseño que ha vertebrado el proyecto desde el inicio. También hay que garantizar la buena integración con la naturaleza, respetando la vegetación y aprovechar sus ventajas.
Finalmente, incluir la perspectiva de género para dar sensación de seguridad desde cualquier punto del laberinto, evitando los rincones oscuros y garantizando la buena visibilidad.
Un laberinto para un juego libre e inclusivo | Arjub Studio – Alberto Espinosa | Esquema
Nuevo polo de atracción a escala urbana
El parque ya contaba con un espacio de juego antes de la implantación del laberinto, así que para conseguir un espacio lúdico de referencia dentro de la ciudad, se analizaron las actividades lúdicas que se podían hacer y el rango de edad al cual iban destinadas. El objetivo era dar a la ciudad un juego singular y reconocible, que complementara las carencias lúdicas del parque, destinado a cualquier persona. Incluidos las personas con diversidad funcional, los adultos, gente mayor y sobre todo los niños, pero también los adolescentes.
La sensación de reto es la actividad más destacable que ofrece el laberinto, este hecho hace que los adolescentes también se sientan atraídos. Un público difícil de animar a jugar al exterior y hacerlo interactuar mes allá de las pantallas.
Un laberinto para un juego libre e inclusivo | Arjub Studio – Alberto Espinosa
La estructura del laberinto, se aleja de los estereotipos para potenciar el juego libre e imaginar infinidad de juegos diferentes. Si entendemos los espacios de juego, como lo hacía el sociólogo y antropólogo francés, Jean Duvignaud, reconociendo el juego como expresión decisiva de unos valores de libertad y espontaneidad, como “explosiones lúdicas” que trastocan la orden de la autoridad, nos obliga a trabajar sobre una tipología donde la experiencia de juego sea libre y la relación con su entorno sea continúa, dando sentido al conjunto del parque entendiéndolo como parte de un ecosistema lúdico.
Cuando hablamos de ecosistema nos referimos tanto a la relación que hay entre el laberinto y su contexto, como el juego que se desarrolla a su alrededor y a la narrativa que se desprende de la ubicación concreta en el lugar. La posición “escondida” del laberinto entre los árboles, permite que el descubrimiento sea parte del juego, visualizándose de forma diferente según el ángulo de visión.
Un laberinto para un juego libre e inclusivo | Arjub Studio – Alberto Espinosa | Planta, alzado y sección
Materialidad
Por el que hace la materialidad del laberinto, acontece a partir de una trama de ejes tridimensionales 1,5 x1,5 x1,5m que dan forma espacial, secuencian y modulan el juego. A partir de este módulo se crea una estandarización que se repite a todo con un tubular de 6 mm de diámetro. Estos perfiles se unen entre sí de dos formas diferentes, que responden a la diferenciación básica del laberinto entre paso-recorrido o muro-delimitación. Allá donde hay recorrido aparece un elemento arco y dónde hay paramento vertical (muro) aparece la malla electrosoldada.
La altura del laberinto de 1,5 m permite un control visual de los adultos por encima del juego a la vez que configura un espacio a la medida de los niños y niñas, uno mundo interior para los más pequeños con una percepción espacial totalmente diferente que la de los adultos. El paso entre franjas de la trama se realiza a partir de unos pórticos semicirculares que logran los 2,25 m de altura en el punto medio, permitiendo a los adultos ser partícipes del juego.
Un laberinto para un juego libre e inclusivo | Arjub Studio – Alberto Espinosa
La malla, cierra el perímetro del laberinto y da forma al recorrido, siendo, además, un material permeable visualmente, que permite mantener un control de ubicación dentro del conjunto sin alterar el reto del propio juego. Configura una gran espacio controlado para los adultos y a la vez caótico para los niños.
Dentro de la homogeneidad aparecen diferentes elementos geométricos singulares que dan carácter y se convierten en pequeños hitos que estimulan el reto de conseguir llegar a ellos a través del recorrido. Estos elementos sobresalen del conjunto con una altura de 1,9 m, encontrándose tanto en el interior del laberinto como la entrada y la salida. Los colores escogidos evidencian la diferencia entre la estructura base modulada a 1,5 m y los elementos singulares.
«Una malla volumétrica de 1,5m x 1,5m x 1,5m que modula, sistematiza y le da permeabilidad visual al juego para que se integre con el verde del entorno y garantizar la perspectiva de género».
Un laberinto para un juego libre e inclusivo | Arjub Studio – Alberto Espinosa
Fabricación y suministro con criterios de proximidad
La estructura del laberinto se ha diseñado de forma que la producción se pueda sistematizar porque así se pudieran abaratar costes de fabricación. Es trata de un elemento de juego que se ha diseñado exclusivamente para el Parque Sant Jordi, no consta en ningún catálogo de ningún fabricante de juego y esto ha permitido poder hacer un juego a medida, adaptado al entorno y que lo puedas fabricar un herrero local.
Para homologarlo como juego infantil y garantizar la seguridad, se ha certificado con una empresa especializada que ha hecho todas las comprobaciones pertinentes en cuando a resistencia y cumplimiento de normativa.
Un laberinto para un juego libre e inclusivo | Arjub Studio – Alberto Espinosa
Estudios de arquitectura como Arjub Studio, centrados con la transformación de las ciudades de una forma sostenible, consideran que la producción local, con profesionales que llevan una vida dedicada a un oficio, es primordial para dar oportunidades al talento de nuestro territorio y también es una forma de colaborar con el medio ambiente evitando contaminación extra con el transporte.
Un laberinto para un juego libre e inclusivo | Arjub Studio – Alberto Espinosa
Un laberinto para un juego libre e inclusivo | Arjub Studio – Alberto Espinosa
Un laberinto para un juego libre e inclusivo | Arjub Studio – Alberto Espinosa
Un laberinto para un juego libre e inclusivo | Arjub Studio – Alberto Espinosa
Un laberinto para un juego libre e inclusivo | Arjub Studio – Alberto Espinosa
Un laberinto para un juego libre e inclusivo | Arjub Studio – Alberto Espinosa
Un laberinto para un juego libre e inclusivo | Arjub Studio – Alberto Espinosa
Un laberinto para un juego libre e inclusivo | Arjub Studio – Alberto Espinosa
Un laberinto para un juego libre e inclusivo | Arjub Studio – Alberto Espinosa
Un laberinto para un juego libre e inclusivo | Arjub Studio – Alberto Espinosa
Un laberinto para un juego libre e inclusivo | Arjub Studio – Alberto Espinosa
Un laberinto para un juego libre e inclusivo | Arjub Studio – Alberto Espinosa
Obra: Un laberinto para un juego libre e inclusivo
Autores: Anna Castellà (Arjub Sudio) y Alberto Espinosa
Ubicación: Parque Sant Jordi. Reus. Cataluña (España)
Año: 2022
Superifice construida: 200m2
Fotografía: Alba Rodríguez | Anna Castellà + arjubstudio.com
Manual de primeros auxilios para un planeta herido – José Mª Parreño
Este libro es exactamente lo que anuncia su título. Una breve guía para arreglárselas, artísticamente hablando, en este planeta, hoy. Ante una crisis ecológica y social que estamos lejos de asumir, pero de la que se habla todos los días, cualquier ayuda es poca. La del arte, las artes, consiste en mirar desde otro lugar y con otra ambición las circunstancias de su tiempo. Y realmente, vamos a necesitar pensarlo todo de otra manera. Hemos reunido aquí 13 artículos que tratan la crisis ecosocial desde la teoría y la práctica. Especulativos o muy concretos, en su disparidad revelan también la miríada de implicaciones de la crisis y su profunda raíz cultural.
El uso masivo de energía fósil y nuestra dificultad para reducirlo está ligado a una cosmovisión que determina lo que es preferible o rechazable, lo que consideramos bienestar, justicia y progreso. Son estas creencias las que nos han conducido a la actual crisis y las que nos impiden enfrentarla adecuadamente. Es urgente formular una nueva cultura. Mientras que la Edad Media fue teocéntrica y la Edad Moderna antropocéntrica, la que ahora comienza será necesariamente ecocéntrica, o no será.
José María Parreño (ed.) Profesor titular de Historia del Arte en la Facultad de Bellas Artes (UCM). Es investigador principal del grupo de investigación UCM «Climatologías del planeta y la consciencia», dentro de sus estudios acerca de la presencia de la crisis medioambiental en el arte actual. Ha escrito textos en catálogos de artistas como Eva Lootz, Fernando Casás, Lucía Loren y Andy Goldsworthy. Ha comisariado exposiciones como: «Un bosque en obras. Vanguardias de la escultura española en madera», «Naturalmente artificial. El arte español y la naturaleza 1968-2006» o «2120. La Colección después del Acontecimiento». Ha editado libros colectivos: con T. Raquejo, Arte y Ecología (2015) y con J. Albelda y J. M. Marrero, Humanidades ambientales. Pensamiento, arte y relatos para el Siglo de la Gran Prueba (2017). Como autor literario ha publicado una docena de títulos entre poesía y narrativa. El último, Pornografía para insectos (Tusquets, 2014).
Textos de Carmen Andreu Lara, Rocío Arregui Pradas, Ignacio Asenjo, Laura de Eugenio Caprotti, Laura F. Gibellini, Salim Malla, Miriam Martínez Guirao, Diego Vicente Matías, José María Parreño, Tonia Raquejo Grado, Mario Vega, Jaime Vindel y Rosa Vives Almansa.
“Los personajes necesitan un decorado, las personas necesitan un espacio…”
Arq. Antonio Bonet i Castellana.1
Sumido en un sueño hipnótico sobre los labios de un amor eterno, recorro recuerdos del último verano pasado en Barcelona. Imágenes fragmentadas dan vueltas en un imaginario caleidoscopio de cristales de colores vibrantes. Cada uno refleja un momento, una sensación, un rayo de luz o de sol guardado. Entretanto, mi mente transita las distintas instancias de un piso antiguo en la ciudad alta, deslumbrante. Atravieso cada cuarto, cada espacio, sigilosamente. Con un caminar despreocupado y silencioso, logro irme encontrando con personas y lugares; los cuales, me devuelven la sensación de la alegría perdida.
Entre tantos, descubro con asombro, una serie de imágenes que capte con mi móvil, en la intimidad de mi recorrido por «La Ricarda» del Arq. Antonio Bonet, en el Prat de Llobregat, de la familia Gomis Bertrand. Repetidas en cada cuarto de los niños, pequeñas puertas de forma cuadrada, daban acceso a muebles personales empotrados en paredes blancas, cruzadas esa mañana, por las sombras sucesivas de las persianas de librillo de madera, que se nos oponían ante la terraza privada de juegos lejanos; recubiertas por fotos en blanco y negro; las que le daban un aire especial al lugar. Reflejaban en un primer plano, la vegetación agreste de las dunas hacia el mar Mediterráneo; tan cerca de la casa, a pasos de los extensos jardines en caída hacia el bosque de pinos, los que llegan al borde de la playa, conformando un límite.
Su tío, el fotógrafo Joaquim Gomis Serdañons (Nueva visión), dejo en ellas la impronta del deseo del eterno verano; de la felicidad compartida; ahora ya por el tiempo, de un sepia gastado. El ojo mágico del artista logra transportarnos a ese momento desde nuestro interior, haciéndonos convivir con evocaciones eternas.
Registro personal de imágenes de los gabinetes privados de los cuartos de los niños (Agosto 2019). Fotos del artista Joaquim Gomis Serdañons- Principio de los años 60’s- Casa “La Ricarda” – Familia Gomis Bertrand- Prat de Llobregat –Barcelona – Catalunya – Obra del Arq. Antonio Bonet Castellana – 1953/1963
Pasaron pocos años y un nuevo verano regresó sin sorpresas a Buenos Aires, atravesando la pandemia en semiretirada, cubriendo la ciudad vacía. El calor hacia estragos en cada rincón y en cada esquina. El silencio acompañaba los pasos de los pocos que aún estaban entre sus límites. El tráfico se había desmaterializado, dejando su ruido y su velocidad acalladas, sumergidos en una siesta sin fin. De repente una tarde agobiante y opresiva, buscando un artículo que debía continuar y entregar en pocos días; me encuentro de manera casual, con una carpeta olvidada en un rincón del ordenador. Al abrirla, entre un listado interminable de archivos deshojados, descubro un antiguo video de viejo formato, compuesto por una sucesión de imágenes traspasadas por el tiempo.
Estaba encriptado con la referencia: «Álvarez Prozorovich, Fernando/ Victoria Bonet i Martí – Entrevista Teleproyecto- Arqs. Francisco Fasano. – Exposición de Antonio Bonet- BienalBA- Bienal de Arquitectura de Bs. As. – 1999».2
Busco algo fresco en la heladera, me siento cómodamente en mi escritorio y lo reproduzco en la máquina, tratando de concentrarme.
“(…) Cuando conocí a Bonet, estaba trabajando con Arata Isozaki, un arquitecto internacional de éxito. Y casi por contraste, me interesaba preocuparme por un arquitecto que me remitiera a un pasado argentino; una especie de instrumentalización de la nostalgia en Barcelona. Era como volver a pensar en Argentina a través de alguien …”
Álvarez Prozorovich, Fernando – Entrevista Teleproyecto (Video) – Arqs. Francisco Fasano. – Exposición del Arq. Antonio Bonet-BienalBA- Bienal de Arquitectura de Bs. As. – 1999.3
“Fernando cuenta: (…) Fui tomando contacto de a poco, complementado mi trabajo con Isozaki, con una participación cada vez más activa por las tardes, en el despacho de Bonet. Revolviendo entre los muchos papeles, me fui enamorando de obras que no conocía, a través de las publicaciones que había. Con el tiempo constato que “había un desconocimiento casi absoluto de Bonet en su medio país, Barcelona -Catalunya, no se hablaba… Recuerda que investigó un “Diccionario de Arquitectos” editado por Gustavo Gili- En él busque la palabra Bonet y decía véase GATCPAC; sin embargo, busque palabras por ejemplo Correa Mila, un arquitecto decorador de los años sesenta, y encontré dos páginas escritas. Ante semejante desproporción, pensé que debía reaccionar; no como argentino sino como arquitecto. Y entonces a partir de ahí, como me interesaba mucho las cosas en Buenos Aires de los años treinta y cuarenta, es que empezamos a ordenar todo este trabajo…” En la entrevista, Fernando agrega que “la muestra debía ordenar un material inmenso, del cual se seleccionaron cuarenta y cinco obras, las cuales se leerían como en un libro, página por página…, pero las exposiciones no son un libro: tienen que ser claras y tener recorridos entendibles, de lo que es Bonet…” Comenta también que Bonet se introduce en temas que antes no se habían tocado en el racionalismo de los años treinta, como la arquitectura y el ocio. Relacionar el placer y la Arquitectura Moderna; entendiendo que Antonio Bonet no es un arquitecto simplemente, o un urbanista, o un diseñador de muebles: Bonet lo es todo a la vez. Viaja con mucha fluidez entre un tema y otro. La exposición se define como un recorrido que no se detiene en un espacio cerrado. Son cinco eles en las cuales, uno se desplaza en diagonal, encontrando en las concavidades de esas eles, donde se encuentra esa narración página por página. Por detrás, hay una visión más poética donde aparecen grandes murales, que permiten una lectura más rápida, más sensible; y después hay un recorrido central, que son unos paneles negros que se colocan en las puntas de las cinco eles; son las cinco letras de la palabra Bonet, colocándose allí los originales: las virutas del carpintero que ha hecho el mueble, los dibujos de trabajo no acabados, que son los dibujos más ideológicos que tiene un arquitecto. Mientras la cámara recorre la muestra, el entrevistador destaca el ejemplo porteño del edificio de las calles Suipacha y Paraguay; expresando que en el año (1999), esa obra de Antonio Bonet cumpliría sesenta años. El mismo le pregunta como ve el estado en ese momento de la obra. Fernando explica que la misma y dice que siente necesidad de hablar sobre esta obra en particular, ya que cree que es la obra más importante de la década del 30´s. Comenta que por la técnica que fue realizada la obra, necesita un mantenimiento especial. Es una obra que está hecha con una estructura metálica; existiendo en ese momento, un cierto grado de corrosión de los perfiles. Agrega que, con un cierto grado de conservación, la obra estaría otra vez en condiciones. Opina que es algo relativo al Patrimonio Histórico, cosas que son inherentes a este tema, como sponsors y de gente que se interese en la restauración de estas obras. Es un símbolo de la Arquitectura Racionalista o se su introducción de la misma en la Argentina. Antonio Bonet crea una especie de maquinaria moderna donde presenta la casi totalidad d ellos materiales modernos. Los presenta casi como flotando sobre el espacio de la ciudad, en ausencia de los pilotis clásicos de Le Corbusier. Hace muy móvil la fachada de la planta baja; hay como un oleaje d ellos escaparates que van ondulando como si ese lugar fuera un mar; un paquebote que va moviéndose sobre esa agua oscura. Esta sombra es muy importante si uno percibe el edificio en esa posición que se muestra como descolgado, flotante, casi como prometiendo un futuro. A este edificio hay que imaginárselo al revés, con todo esto iluminado. Hay paños de vidrio, prácticamente son distintas presentaciones del material moderno, del cristal; que encendido por la noche alumbra la ciudad; como si estuviera indicando un rumbo a seguir. Esos sueños que alguna vez tuvimos, solamente se pueden rememorar, a partir de estos testimonios. Comenta que esa exposición no debe ser una cuestión necrológica, de homenajes, que son maneras de enterrar a personajes, en una pagina de la historia. Para que esto sea vivo, lo que hay que provocar es una profunda discusión sobre la restauración de estos edificios; y de este edificio en particular…”
Deslumbrado y contento por el hallazgo, sigo buceando en su interior y descubro otro video; pero esta vez más cercano. Es una vista que deja plasmado para el devenir, una animada charla entre el Arq. Fernando Álvarez y su socio y amigo, el Arq. Jordi Roig; ambos en el marco de la Exposició “Arquitectura Desplaçada”- Canòdrom 00.00.00, CoNCA 2010 – (Consejo Nacional de la Cultura y de las Artes – CoNCA)- Casa de Estudios para Artistas (Buenos Aires) y Canódromo- Barcelona; trabajo curado por el artista y profesor valenciano Xavier Arenós en la ciudad de Barcelona. Extraigo el dialogo descontracturado y acompasado, intercalando el español y el catalán entre ambos; tratando de llegar a la mayor aproximación al mismo:
“(…) En 1936 termina Antonio Bonet la carrera y no lo tengo claro, si antes o después que estalle la Guerra Civil marcha a Paris. Los primeros trabajos en Barcelona y sus acciones, hacen a Bonet un producto directo de la Republica. El viaje de 1933 con el Patris II (el barco que desplazo a los integrantes del IV CIAM entre Marsella y Atenas), es fundamental en lo que respecta a su relación con el Racionalismo; y a un racionalismo de una característica muy particular, es aquel CIAM donde van Fernand Leger, Le Corbusier habla sobre la belleza, es un CIAM que en cierta forma los alemanes no abandonan, pero se ven casi forzados a abandonar. Hay Republica y hay esa versión del Racionalismo; y finalmente la propia experiencia del Pabellón, en la cual Bonet se pone a prueba, mejor dicho, verifica cosas ya vistas en Barcelona, cuando el colaboraba en los últimos años con Sert y Torre Clave, en el diseño de muebles, en el interiorismo de la Joyería Roca; y donde ya se genera ese proyecto de ciudad-mueble-hábitat; estas tres dimensiones siempre van a estar vinculadas a partir de ese momento. A los 23 años pasa la frontera y viaja a Paris en tren. Él explicaba que vivía en una habitación y busco trabajo en el estudio de Le Corbusier; y que después de la experiencia del trabajo de Bonet en el Pabellón de España de Josep L. Sert i Luis Lacasa de 1937 para la Exposición Internacional de Paris; le brinda la oportunidad de dibujar la Maison Jaoul junto con Roberto Matta Echaurren; ese segundo proyecto que Le Corbusier realiza, es una pieza fundamental para aquel momento. La otra experiencia y contacto importante en le estudio de Le Corbusier es el encuentro con Jorge Ferrari Hardoy y Juan Kurchan; es ahí donde sale el primer grito hacia delante de lo que podría ser, un grupo que continuara mejoradas los procedimientos, los objetivos, las realidades del GATCPAC con Jorge Ferrari Hardoy, Juan Kurchan, Abel López Chas y Ricardo Vera Barros entre otros. Es casi en Paris que se piensa el grupo, pero es en Bueno Aires con la fundación de la Austral, hacia mediados de 1938. Antonio Bonet llega a Buenos Aires en abril de 1938, y se pone a trabajar en el planteamiento de esos tres números, y en el planeamiento de cuatro números mas que finalmente no saldrán. La experiencia de la Exposición del 37, en el Pabellón de Le Corbusier, el de España y el del Auto; estas piezas que fueron después fundamentales en la cronología de la Arq. Moderna. Cuando Bonet llega a Buenos Aires, la ciudad no es un punto donde la Arquitectura Moderna este en desarrollo, por lo contrario, es El Dorado, con una pila de arquitectos de primer nivel que han hecho edificios como el Kavanagh, el cine Gran Rex; una pila de edificios historicistas o de Estilo Internacional Centro Europeo, de una potencia y de una calidad arquitectónica altísima. Quizás Bonet aporta en un principio, en esos primeros edificios, esa frescura y esa desinhibición. Es esa fortuna histórica de Bonet en tan pocos años 1937, 38 y 39, de participar de la experiencia del Pabellón de la República, participar en la formación de un grupo como el Austral; prácticamente escribir de su puño y letra el Manifiesto, es la letra de Bonet, y construir este Edificio Manifiesto; en esos tres actos a los 24 años, Bonet es ya un personaje imprescindible. En 1939 proyecta en Buenos Aires la Casa de Estudios para Artistas, los Ateliers, en la esquina de Paraguay y Suipacha; trabajando en uno de esos estudios hasta mediados de 1941. Diseñados en planta primera y segunda, en forma de dúplex, mas los áticos; con una serie de pequeños comercios en la planta baja hacia la calle y hacia el tránsito urbano. La diferencia si este edificio continua la trama urbana o aparece como desprendido de la esclavitud de la traza urbana, y se convierte en un bloque autónomo como la Ville Radiuse de Rusia; es una metamorfosis, está en tránsito, está pasando de una manera de ver la ciudad, a una nueva manera de entender la ciudad, anclándose desde una manera de huir del rigor diario y transitar a otra situación. Casi de manera tortuosa y desconocida, se relaciona con la calle con maneras sinuosas o en el remate del propio edificio, a la manera de Le Corbusier, de la terraza jardín, recuperando la tierra que ocupa el edificio. Otro d ellos aspectos relevantes de este edificio son los Áticos, donde Bonet vive y trabaja dos o tres años, desde el final de la obra hasta el traslado a un nuevo lugar. “Después de una larga trayectoria en la Argentina y en el Uruguay, en 1962 proyecta el Canódromo Meridiana y regresa definitivamente a Cataluña en 1963”.
Entre 1957 y 1963, se inaugura el edificio donde nos encontramos hoy, y también en 1963 se inaugura La Ricarda; es cuando Bonet definitivamente regresa a España. Se puede decir que en un segundo exilio, dado los problemas políticos y golpes de estado en Argentina, surgiéndole en Barcelona una gran cantidad de trabajos, que le solicita la sociedad a su regreso. Estas dos obras son fundamentales para Bonet y para la arquitectura catalana, y la historia de la arquitectura. Pero, sobre todo se nota la dimensión que ha alcanzado Bonet en ese paseo americano. Esa América de las grandes dimensiones; esa América a la que Bonet se refería muy agradecido; esa América de arboles altos, de grandes distancias, que vuelven a aparecer en la escala de estos dos edificios. Cuando uno visita La Ricarda o en Canódromo, siente esa generosidad de espacio que en el fondo se incuba en el propio Racionalismo, pero se incuba con la experiencia del espacio americano tan potente que Bonet ha tenido. En 1949 el primer regreso a Barcelona, y en los viajes de 1958 ya comienza a detenerse mas tiempo en Barcelona que en Buenos Aires. El tiempo pasado también es más largo en Barcelona; tiene despacho en Madrid. Tampoco fue un exiliado típico, mas bien fue un retornado típico. Nadie lo echo, pero él se echó, sintiendo vergüenza del destino de su propio país, y regresa con deseos de transformarlo. Nadie lo ha llamado; lo han invitado alguna vez, pero nadie espera que Bonet vuelva a residir en Barcelona.”
En el final de la entrevista, Jordi cierra la misma con esta declaración:
“Buenos Aires y el Rio de la Plata nos dio la oportunidad de proyectarnos, transferirnos y trabajar intensamente, muchísimas horas.”
Pasaron los días, y el verano comenzaba a llegar a su fin. La ciudad empezaba a vibrar en un desatado entremés de sensaciones de un nuevo comienzo. El verde y amarillo se perpetraban en los árboles. Sus hojas caídas, iban entretejiendo mis pasos en las calles de mi barrio, anunciando la llegada esperada del otoño. Una mañana, casi ya sobre la nueva estación, llego a mi casilla un mail desde Barcelona. En él, Jordi Roig me relataba en forma detallada y por años, el primer encuentro de ellos con el Arq. Antonio Bonet. Desde ese momento que lo marco en su vida hasta el día de hoy, Jordi y Fernando fueron sus fieles seguidores en la profesión; poniendo el cuerpo y el alma a cada paso. Se sumergieron en el vértigo del aprendizaje; saltaron a lo desconocido, se animaron a ir más allá, llevados por la atracción irrefrenable de su arquitectura y de su historia de vida.
Tristemente, Fernando se quedó en el campo de batalla de la terrible pandemia que asolo al mundo contemporáneo, a principios de la misma, en abril del 2020.
Cronología de lo sucedido según el Arq. Jordi Roig + sus magníficos dibujos (Una vida)
1983. Antonio Bonet da una conferencia en la ETSAB invitado por la catedra de Oriol Bohigas. Felipe Pidi Aguilera y yo nos presentamos unos días después en su estudio (Carrer Cavallers 76), en un semisótano alucinante. Solo el y un aparejador en el estudio. Nos atiende en su despacho, una mesa de mármol blanco más estanterías de obra, con algunas revistas y libros, un rincón a la entrada con sofás y las maquetas de las Torres de Plaza Castilla. Nos relata su vida, sus conocimientos arquitectónicos, su relación con Torres Clave, Sert, los grupos GATCPAC, Le Corbusier, Paris, Austral, su regreso…Se hace de noche, después de 3 o 4 horas alucinando…, alguien que había “tocado “a Le Corbusier.
1983-1984. Nos juntamos, nos encontramos Fernando Álvarez y yo en el despacho de ABC. Él había venido de Londres en 1982-1983; yo dibujaba proyectos reelaborados, torre de apartamentos en Rosas (Ampuriabrava), o Casa Farina en Buenos Aires (como un caracol). Nos juntábamos a estudiar las obras de ABC en su estudio. También apareció Jorge Nudelman, estudiante uruguayo, cinco años mayor que yo, exiliado del Uruguay en el 78 (Primero vivió en Suecia y luego en BCN hasta 1986). Jorge Nudelman, era amigo, buen amigo de Juanjo Lahuerta. Fernando y yo iniciamos un taller de historia “Adhonorem” en la ETSAB, para el estudio de ABC, maquetas y redibujos. Servirían luego para la 1ra Exposición en 1987 en la Galería CRC.
(a) Dibujos originales del Arq. Jordi Roig i Navarro- Barcelona – marzo de 2022
1985. Jordi egresado, trabajando media jornada en el estudio de ABC y la otra “buscándose la vida”. En lo de ABC no se pagaba nada, tal como pasaba en lo de Le Corbusier, así me lo notifico.
1987. Expo en Galería CRC. Textos de Fernando Álvarez, Jordi Roig, Jorge Nudelman, Antonio Pizza, el propio Bonet: “Relatos heroicos” y copia del texto careterológico de Rafael Alberti. Inauguración en BCN, junio de 1987, comida en el selecto Real Club de Tenis de BCN con Rafael Alberti, María Teresa León, Felipe Pich-Aguilar, su mujer Teresa Batlle, Fernando Álvarez, yo, mi mujer, María José Masnou, Ana María Martí y Victoria Bonet. Después en la Galería, “lectura poética de Rafael Alberti” sobre el carácter greco-romano de Antonio Bonet, épico…”
1989. Muerte de Bonet
1990. Intento de Exposición en COAC no aceptada por “no ser un arquitecto de moda” o que interese a la “inteligencia local”.
1994. Ana María Martí y Victoria Bonet herederas del archivo profesional del Bonet, lo ceden al COAC.
1995-1997. Catalogación por Fernando Álvarez y Jordi Roig.
1996. Libro sobre “La Ricarda”. Entramos en contacto con la familia Gomis, larga amistad y múltiples trabajos de restauración.
1999. Inauguración Exposición Antológica de ABC en el COAC; después Madrid, Zaragoza, Sevilla y Sud América. Ciudades de Argentina como Rosario, Buenos Aires, siempre Fernando. Santiago de Chile, La Paz y San Pablo, Jordi. En el ultimo viaje de la Expo se extravió entre Santiago y Mendoza. Les dijeron que el camión perdió varios bultos en el cruce de Los Andes…
¡¡¡Lo demás sería otra historia de pequeños acontecimientos, relatos vividos y amistad!!!
(b) Dibujos originales del Arq. Jordi Roig i Navarro- Barcelona – marzo de 2022
“(…) Aún veo mi imagen en compañía de Faustine. Olvido que es una intrusa; un espectador no prevenido podría creerlas igualmente enamoradas y pendientes una de otra. Tal vez este parecer requiera la debilidad de mis ojos. De todos modos, consuela morir asistiendo a un resultado tan satisfactorio. Mi alma no ha pasado, aún, a la imagen; si no, yo habría muerto, habría dejado de ver (tal vez) a Faustine, para esta con ella en una visión que nadie recogerá. Al hombre que, basándose en este informe, invente una máquina capaz de reunir las presencias disgregadas, haré una súplica: Búsquenos a Faustine y a mí, hágame entrar en el cielo de la conciencia de Faustine. Será un acto piadoso…”.4
El recorrido de estos fragmentos superpuestos que vienen desde el pasado y se amalgaman con el presente, conforman una nueva trama a interpretar; ellos nos brindan destellos que vuelven a ponernos en el sedero seguro de lo eterno e inmutable. Los soñadores impenitentes de Victoria Bonet, Fernando Álvarez y Jordi Roig siguen alentando nuestro compromiso. Nosotros, los eternos caminantes, intentamos seguir su legado. El sendero marcado se percibe dentro de una ilusión sostenida. La vida nos alienta a nuevos desafíos. El océano interminable que separa las costas entre el norte y el sur, aparece en el mapa del corazón como una gran alfombra de un terciopelo suave, de un azul profundo, transitable; un intenso tapiz bordado, sin distancias. El recuerdo de los amigos y maestros nos acompaña y nos da ánimo a seguir adelante. Siento que, en estas pocas páginas, Fernando vuelve a hablar y eso es lo maravilloso. En la eternidad de las palabras, se seguirá escuchando. Su voz grave y su hablar amable y respetuoso con las frases, las metáforas y los giros idiomáticos. Quizás se le escape alguna de ellas en su catalán querido. La ciudad de Barcelona como refugio eterno; un lugar que lo abrazo para siempre y no lo soltó, haciéndolo suyo. En viejas fotos analógicas mías, lo veo reflejarse en los pasillos, en las aulas, en las escaleras, en su despacho o quizás en la biblioteca de la ETSAB- UPC que tanto amaba. Entre sus paredes blancas onduladas y sobre sus pisos terracota profundo, sigue caminado erguido. Siempre es hora para una nueva clase, para continuar la enseñanza de la arquitectura y de la teoría. De la buena, de la que trasciende y de la que nos atraviesa.
Según André Breton
“La obra de arte solo tiene valor cuando tiembla de reflejos del futuro”.
La herencia de la obra y el pensamiento del Arq. Antonio Bonet i Castellana vuelve a latir entre nosotros. Su arquitectura se sigue proyectando en infinitos reflejos de formas, líneas, materiales, volúmenes, detalles y colores, entre tantos ejemplos.
Hoy en el futuro, André Breton estaba en lo cierto: su arte brilla más que nunca.
Arq. Edgardo C. Freysselinard
Buenos Aires- Agosto de 2022
Referencias:
1. Palabras expresadas desde el recuerdo por su hija Victoria Bonet i Martí – Video de la entrevista de Teleproyecto- Arqs. Francisco Fasano. – Exposición del Arq. Antonio Bonet- BienalBA -Bienal de Arquitectura de Bs. As. – 1999
2. La Bienal de Arquitectura en Buenos Aires de 1999, traía muchas novedades y en especial, una exposición del Arquitecto catalán Antonio Bonet i Castellana, el cual residió en Argentina y Uruguay, durante su largo exilio, que comenzó a fines de los años treinta, con el estallido de la Guerra Civil Española; llegando a las costas del Rio de la Plata donde se instaló y trabajo con mucho éxito; regresando a su Barcelona natal a principios de los años sesenta, para quedarse. Esta muestra estaba realizada y curada por el arquitecto argentino Fernando Álvarez Prozorovich, residente desde hacía muchos años en Barcelona, profesor titular de la ETSAB- UPC y profesional independiente; junto a la hija del arquitecto homenajeado, Victoria Bonet i Martí, guardiana de su legado y comprometida con la arquitectura moderna en ambas orillas. En la elaboración de la misma en forma conjunta estuvo el arquitecto catalán Jordi Roig i Navarro; amigo y socio de Fernando desde la juventud hasta sus últimos días en 2020.
3. Bioy Casares, A. –“La invención de Morel” – Buenos Aires – Argentina- 1940
4. Vídeo brindado por el Arq. Jordi Roig i Navarro (marzo de 2022) – Entrevista a los arquitectos Fernando Álvarez Prozorovich y Jordi Roig i Navarro – Exposició “Arquitectura Desplaçada”- Canòdrom 00.00.00, CoNCA 2010 – (Consejo Nacional de la Cultura y de las Artes – CoNCA)- Barcelona -2010
Agradecimientos:
Al Arq. Jordi Roig I Navarro por su trabajo invaluable desde la memoria y el corazón; por la corrección de texto, dibujos magníficos ilustrativos y su desinteresada ayuda siempre en mis proyectos- Barcelona -España – 2022
Al Arq. Francisco Fasano de “Teleproyecto”, por su colaboración desinteresada- Alicante-España-2022
(Texto dedicado a los verdaderos lideres de esta historia: La Sra. Victoria Bonet i Martí, el Arq. Fernando Álvarez Prozorovich y el Arq. Jordi Roig i Navarro)
Cary Grant Publicity Photo, 1940 | Fuente: wikimedia.org
En 1971, prematuramente retirado del cine, con el pelo completamente cano y grandes gafas negras de pasta que le tapaban una sorprendente cara de luna llena, Cary Grant fue invitado a una gala en honor a John Ford. Al llegar al Beverly Wilshire Hotel, donde se iba a celebrar, se dio cuenta que había olvidado la invitación, por lo que se acercó a recepción y presentándose como “Cary Grant”, pidió que le dejasen entrar. El recepcionista, mirando aquella cara oronda y envejecida, y recelando de aquel desconocido, le dijo
“No se parece usted a Cary Grant”;
a lo que él respondió -como si se tratara del diálogo de una screwball comedy de Howard Hawks-,
“¡Nadie se parece a Cary Grant!”.
Los artistas, en sus inicios, experimentan la terrible dificultad de parecerse a sus maestros; y sólo al final de sus carreras comprenden que la auténtica dificultad está en parecerse a uno mismo. O a lo que se espera de uno mismo…
Lleva meses comentándose el proyecto de Norman Foster para renovar la antigua sede de Barclays Bank, en la Plaza de Colón de Madrid. Se trata de un proyecto que, en su imagen a la ciudad, puede recordarnos a proyectos pasados del propio Foster, como la torre Gherkin de Londres por su estructura en patrón triangulado y simétrico, o la sede del Commerzbanz en Frankfurt por el recurso a los jardines vegetales encerrados en su interior (salvando las distancias). Y eso sólo por citar dos ejemplos notorios. Pero en este proyecto de la Plaza de Colón se trata de recursos demasiado evidentes, parece haber un ímprobo esfuerzo en demostrar el parentesco: como esos hermanos que, pareciéndose uno a la madre y otro al padre, se empeñan en inventarse extravagancias comunes -llevar el reloj en la muñeca derecha; dejarse patillas desproporcionadas y anacrónicas-, para demostrar ante el resto que comparten ascendencia, por mucho que pueda no parecerlo.
No se puede dudar de la capacidad compositiva de Norman Foster a lo largo de los años, creando lenguajes nuevos o explorando otros con aportaciones jugosas. Sólo cabe definir su trayectoria como brillante. Y sin embargo, al hablar de este proyecto -quizá por reemplazar al proyecto de Antonio Perpiñá y Luis Iglesias, icónico en su contundencia con el hormigón-, no se puede evitar pensar que se trata de una obra excesivamente menor -por ser lingüísticamente generosos-.
Si atendemos a lo que se publicó en prensa tras la presentación del proyecto (1, 2 y 3, por citar sólo algunos ejemplos no exhaustivos), comprobamos como todos coincidían en la idea conceptual de la transparencia. Y algo de eso hay, porque se ha pasado de un edificio con una fuerte presencia en la esquina de la Plaza de Colón (aunque minimizada por su propia escala frente a los edificios circundantes), a un edificio anodino que difícilmente llamará la atención del transeúnte; demostrando así su consustancial transparencia.
Al ver propuestas como esta o como la de la torre para la sede de JP Morgan en Nueva York, tan ensimismadas en repetir frases ya dichas, si acaso con otra cadencia, nos queda una cierta frustración por no volver a disfrutar de un lenguaje fresco, como nos resultó en su momento el Centro de Distribución de Renault (Swindon), el Hong Kong Shanghai Bank, o el Carrè d’Art (Nimes).
Renault Distribution Centre / HongKong Shanghai Bank / Carrè d’Art | Cortesía de Foster + Partners | Fuente: Plataforma Arquitectura
Pero quizá el problema no esté tanto en el proyecto del edificio como en su insistencia hostil en parecerse a sus hermanos, en demostrar que su padre es el propio Foster. Es esa comparación y no otra la que lo cataloga como obra menor. Y por otro lado, está la trampa de nuestras expectativas, de confrontar el proyecto de la Plaza de Colón no ya con las obras de Foster, sino con nuestro recuerdo de ellas. Cary Grant, aún con el pelo completamente blanco y las inmensas gafas de pasta, seguía siendo Cary Grant; en cambio, no lo era para quienes aún recordaban a aquel personaje elegante y presumido, con el traje perfectamente planchado por el servicio del Hotel Plaza de Nueva York.
Y hay en este proyecto de Foster para Madrid algo de aquel Cary Grant en la recepción del Beverly Wilshire Hotel:
Los fabricantes de Tabiques y Muros cerámicos reivindican sus ventajas frente a otros materiales a través de comparativas técnicas disponibles en la página web paredesdeladrillo.
Biblioteca Sant Gervasi – Joan Maragall | BCQ arquitectura | Fotografía: Ariel Ramírez
El Gremi de Rajolers de la Comunitat Valenciana, en colaboración con Hispalyt, Asociación Española de Fabricantes de Ladrillos y Tejas de Arcilla Cocida, ha puesto en marcha una nueva campaña de comunicación que analiza las cualidades y ventajas de los ladrillos y bloques cerámicos frente a otros materiales en la nueva era de la construcción, caracterizada por la sostenibilidad, fiabilidad y el aislamiento acústico y térmico.
Según las asociaciones, el empleo del ladrillo y los bloques para fachadas y tabiquería interior “de cerámica, siempre”, como reza el eslogan de la campaña, son las soluciones más apropiadas para el cumplimiento integral del Código Técnico de la Edificación (CTE).
«Las mejores soluciones constructivas para el cumplimiento integral del CTE».
Por ello, y para reivindicar su uso frente a otros productos existentes en el mercado, los fabricantes de tabiques y muros pertenecientes al Gremi de Rajolers de la Comunitat Valenciana y a Hispalyt se han unido con el objetivo de mostrar la cara sostenible, moderna y eficiente de los ladrillos y bloques cerámicos en las viviendas y los edificios españoles.
Can Picafort | TEd’A arquitectes | Fotografía: Luis Díaz Díaz
Para el presidente del Gremi de Rajolers de la Comunitat Valenciana, Ismael Alonso:
“Esta campaña nace con la motivación de informar adecuadamente a los promotores, constructores, prescriptores y ciudadanos sobre las cualidades constructivas que poseen los ladrillos y bloques cerámicos, que forman soluciones integrales y equilibradas con elevadas prestaciones térmicas, acústicas y de protección al fuego”.
“Además, la elección de estos materiales permite crear espacios atractivos y modernos, y son capaces de cumplir simultáneamente todas las exigencias normativas del Código Técnico de la Edificación, superando ampliamente a otros materiales de la construcción”.
En el contexto económico actual, y ante la escalada de precios de la vivienda, la ventaja competitiva que en cuanto a ahorro de costes tienen los ladrillos y bloques cerámicos los convierten en las soluciones más idóneas para asegurar la rentabilidad del activo inmueble.
“Se trata de una elección segura por, el menor consumo de mortero, el mejor rendimiento de la mano de obra y una mayor rapidez de montaje, así como por responder al mayor reto de la construcción hoy en día: la sostenibilidad, como lo demuestra las Declaraciones Ambientales de Producto (DAPs), que poseen tanto los ladrillos como los bloques cerámicos”,
destaca Alonso.
La campaña presenta también la importante aportación de los ladrillos y bloques cerámicos para obtener los certificados de sostenibilidad LEED, BREEAM y VERDE para los edificios en los que se instalan, creando hogares confortables, eficientes y saludables. Y además, pone a disposición de arquitectos, constructores y proyectistas un nuevo ‘Manual Técnico fachadas y paredes interiores de ladrillos y bloques cerámicos para revestir’ donde se incluye información sobre acreditación de prestaciones, ensayos y cálculos, tipologías de ladrillos y bloques cerámicos, o tablas con las prestaciones de las soluciones constructivas de fachadas y de particiones interiores verticales empleando dichos materiales.
Además, se ha publicado un vídeo divulgativo sobre las ventajas del ladrillo y bloque cerámico frente al bloque de hormigón en tabiques y fachadas analizando aspectos como sus prestaciones técnicas, coste, consumo de mortero, rendimiento de la mano de obra y la rapidez de montaje.
Los fabricantes de estas soluciones reivindican, por lo tanto, sus ventajas frente a otros materiales, como se puede comprobar, asimismo, en las distintas comparativas de soluciones constructivas de paredes separadoras y fachadas que se analizan en la web paredes de ladrillo.
El Gremi de Rajolers de la Comunitat Valenciana desarrolla, junto a Hispalyt, la campaña “Paredes de ladrillo, soluciones que cumplen”, cuyo objetivo es mostrar las prestaciones y ventajas de las soluciones para fachadas y tabiquería interior para el cumplimiento integral del Código Técnico de la Edificación.
El proyecto para la nueva Clínica Alejandría ubicado en la Calle Sorní en pleno centro de Valencia (España), transforma un antiguo espacio obsoleto y abandonado en un nuevo lugar dedicado a la salud y cuidado de las personas.
Debido a las limitaciones de espacio de la sede anterior, Clínica Alejandría y todo el equipo humano que lo conforma necesitaba un nuevo entorno acorde a su filosofía donde seguir creciendo como profesionales y poder ofrecer un servicio y experiencia de calidad a sus clientes.
Clínica Alejandría | ERRE arquitectura | Planta baja
Clínica Alejandría | ERRE arquitectura | Planta primera
Medicina y formación unidos en un único espacio
Esta nueva sede debía basar su actividad en dos ramas: medicina y docencia. Esta condición inicial ha supuesto una oportunidad para crear un espacio único en el que ambas disciplinas interactúen constantemente y se pueda atender a los pacientes con la máxima calidad, calidez y profesionalidad posible.
La estrategia se basó en dividir y organizar el programa en dos niveles. En el nivel inferior se ubica tanto la recepción como los boxes de consulta para la atención de clientes. El nivel superior se destina a espacios de formación tanto del equipo de médicos de Alejandría como de otros profesionales interesados.
El espacio de entrada y recepción se convierte en el corazón del proyecto. Un lugar en el que la geometría, la luz y vegetación del patio central y la materialidad te acoge, envuelve y te acompaña hacía su interior.
Hypatia se convierte en el espacio principal de atención y consulta. Un espacio a doble altura donde medicina y formación conectan para alcanzar el conocimiento más avanzado que una clínica de estas características requiere.
Materialidad sincera y superficies curvas
Desde el inicio se ha buscado crear espacios amplios en los que toman protagonismo las formas y superficies curvas como el arco de medio punto con los que se ha pretendido crear un lugar con una atmósfera diferenciadora y especial.
El uso del mortero de arcilla en combinación con la madera de nogal conforma una materialidad sincera, cercana y “táctil”.
Esta “piel” de los espacios interiores acompañada por una geometría clara y sencilla pretende crear un entorno donde se respire el silencio y se sienta la belleza. Un oasis de tranquilidad en el centro de València.
La materialidad neutra, el uso de la madera natural, el cuidado en los detalles, la incorporación de la luz natural o la vegetación son algunos de los aspectos que han permitido conformar la nueva imagen de esta clínica en concordancia con su filosofía y forma de hacer.
Un espacio pensado desde la experiencia del usuario
Desde el inicio supimos la importancia que en un proyecto de estas características tiene crear un entorno saludable pensado desde la experiencia del usuario.
En este sentido, uno de los objetivos fundamentales del proyecto ha sido establecer la misma importancia a los espacios comunes que a los destinados a consulta de los pacientes. Para ello se han diseñado espacios recepción y circulación con unas proporciones superiores a lo estrictamente necesario, lugares de estancia cómodos, saludables y en directa relación con la luz natural y la vegetación que permiten mejorar la experiencia del usuario a través de una atmósfera especial y confortable.
Además, tuvimos la oportunidad de colaborar en el diseño del mobiliario de consulta de pacientes, en el que se ha buscado establecer una nueva forma de atención más personal, cercana y de calidad sin que por ello la profesionalidad se vea comprometida.
Finalmente, en un sector como el de la dermatología en el que los avances son constantes y las exigencias cada vez mayores, era importante poder crear una clínica que permitiera contar con la tecnología más avanzada, así como permitir la flexibilidad necesaria para poder adaptarse a los nuevos retos médicos y profesionales.
Por lo tanto, se han incluido sistemas de ventilación que permiten una constante renovación de aire manteniendo un ambiente saludable y adaptado a las exigencias sanitarias actuales. Además, se han utilizado vidrios que permiten aportar privacidad y flexibilidad de uso dependiendo de la situación.
Todo ello hace de la nueva Clínica Alejandría un proyecto que les está permitiendo diferenciarse y posicionarse como referentes en el sector de las clínicas dermatológicas, potenciando las posibilidades de alianza con otros profesionales y situándose a la vanguardia de los avances médicos.
Proyecto de dos casas pasivas pareadas en San Joan de les Abadesses desarrollado por la empresa Drycon System con cubierta eficiente de Tejas Verea
Filosofía constructiva del proyecto
La sociedad ha cambiado y las exigencias climáticas también. El proyecto de casas pasivas pareadas en San Joan de les Abadesses (Girona) desarrollado por Drycon System se basa en el concepto de construcción sostenible.
Se integra en el proyecto el concepto de cómo se vive dentro de las casas. Las personas necesitamos confort y salud y el diseño constructivo consigue ambas cosas empleando la mínima energía.
Para conseguir todo esto, la edificación se diseña bajo el estándar passive house, que establece los parámetros concretos para alcanzar todos estos objetivos.
Un proceso constructivo sostenible y optimizado
Las obras de las casas pasivas de Sant Joan de les Abadesses se inician con dos casas pareadas, es decir, unidas entre ellas por una pared común. Se levantan las dos a la vez, para optimizar el proceso constructivo y recortar tiempos, que se reducen a seis meses. La superficie de cada una es de 150 m2, e incluyen un garaje para un coche utilitario.
Proceso de obra del proyecto de dos casas pasivas pareadas en San Joan de les Abadesses desarrollado por la empresa Drycon System con cubierta eficiente de Tejas Verea
Aislamiento de la envolvente: desde los cimientos a la cubierta
Una de las características de las passive houses es su gran estanqueidad. La envolvente recubre toda la casa -suelo, paredes y techo- y la aísla totalmente, sin puentes térmicos por los que se cuele el frío o el calor.
Para conseguir la estanqueidad de la base, la cimentación de las casas pasivas de Sant Joan se realiza mediante diferentes capas que logran un aislamiento perfecto. Las diferentes capas están formadas por grava, hormigón de limpieza, dos piezas de material aislante separados por una membrana para proteger a los habitantes de la casa del gas radón, la losa y un recrecido de arlita. Luego va el suelo radiante, un autonivelante -en este caso anhidrita, que reemplaza al cemento- y el parqué de vinilo, que constituye el acabado final.
En una casa pasiva la envolvente debe ser continua, para garantizar el aislamiento térmico de la vivienda. No puede haber puentes térmicos en la envolvente, que hagan perder o ganar energía, desde los cimientos hasta la cubierta.
Este proyecto cuenta con un mayor aislamiento en el techo que una construcción convencional. Para no perder temperatura interior, se aísla más el techo para intentar que no se pierda el calor.
Ese aislamiento se compone de una lana mineral sin componentes derivados del petróleo sobre la que se coloca teja curva 50×21 Jacobea de Tejas Verea sobre Onduline, con el sistema VereaLine System. Se trata de un sistema integral de instalación de tejas cerámicas sobre placas onduladas bituminosas. Un sistema constructivo de tejado impermeabilizado, ventilado y acabado en seco que ofrece una solución muy ligera que dota al tejado de una total impermeabilización y ventilación.
El sistema empleado en la cubierta optimiza las prestaciones y la durabilidad de las tejas, además de aportar mayor eficiencia energética al proyecto.
El resultado: casas eficientes y ecológicas
Otra de las singularidades del proyecto es que se trata de casas pasivas pareadas, pero no gemelas. En construcción tradicional, la distribución sería similar y daría lugar a una casa en la que se pasa frío, mientras que en la otra albergaría mucho calor. El proyecto hace que las dos viviendas funcionen exactamente igual, consiguiendo que ambas tengan las mismas aportaciones solares.
Con respecto a los materiales, la mayoría de los materiales empleados en las casas de San Joan están libres de petróleo. Hay que tener en cuenta que una casa con la certificación passive house es sostenible porque su consumo energético es casi nulo, pero luego el sistema constructivo y los materiales usados pueden aumentar aún más su eficiencia y sostenibilidad.
En el caso de los materiales de cubierta, las tejas Verea están incluidas en la Plataforma de Materiales Verdes del Green Building Council España. La Plataforma incluye la documentación exigida por los sellos de certificación VERDE, LEED Y BREEAM, que acreditan el comportamiento ambiental de los productos y su contribución a la calidad ambiental de las edificaciones.
En este proyecto, el sistema de Drycon está auditado para poder entregar la certificación verde DGNB System sumado al propio certificado Passive House.
El resultado, casas eficientes construidas de manera sostenible, con materiales ecológicos y con certificado de eficiencia energética A, el más alto posible.
Louis I. Kahn | Fotografía: H. Cartier – Bresson, 1961
Si hay algo que siempre ha generado resistencia inherente respecto al hablar -para el arquitecto- han sido las manos. Porque las manos nos acompañan cuando andamos, a veces nos traduce, nos reconoce, nos aproxima a las cosas, nos revela, nos comprende y nos explica.
Con ella -como la mirada– señalamos cuando enseñamos, cuando indicamos una posibilidad, las manos siempre han funcionado como anfitrión perfecto cuando visitamos nuestros propios pensamientos e incluso cuando hacemos de intérpretes de lo ajeno, si, las manos son intérpretes, simulan un “no existir”, un no aparecer, se podría decir que dan vida a lo imaginado en cualquier batalla contra la memoria.
Por esa razón siguen apareciendo en las pantallas de clases, me niego a esconderlas bajo la mesa o fuera del encuadre, las hago visibles porque son un instrumento fundamental que acompaña el pensamiento, incluso aquel que aún no ha saltado sobre la mesa o no nos ha asaltado entre respiración y respiración.
Louis I. Kahn | Fotografía: Hugh Grannum,1973
Imaginar lo pensado con las manos nos acerca a las personas y objetos, pero sobre todo a la arquitectura, aquella que está fraguándose entre nuestra memoria y la evidencia que ese pensamiento asomado, encaramado al lenguaje, no existe.
La no presencialidad nos ha dado muchas herramientas y nos ha “encuadrado-recortado” otras , pero defendamos el hecho de comunicarnos con todas las posibles, y las manos son -siempre han sido- una de ellas. Imaginar lo pensado.
Con este artículo queremos fundir tres temas que nos parecen que muchas veces se analizan por separado y, viéndolos en su conjunto y con las sinergias que se establecen entre ellos, tienen un interés especial.
A su vez, intentaremos rebobinar en el tiempo para ver dónde está el germen de todo ello y, desde ahí, poder tirar del hilo hasta el presente. Una vez, llegado a él, en el aquí y ahora, sería bueno ver por dónde pueden ir los tiros de un futuro inmediato.
Hace tiempo, en los cursos de doctorado, un buen profesor nos preguntaba a boca jarro, cuáles eran los principales hitos de la historia de la evolución y en qué fechas sucedieron. Como podéis suponer, el desastre en nuestras respuestas fue mayúsculo, dejándonos de citar momentos claves de esta evolución y, no dando palo al agua con las fechas. A partir de ahí, quizás por el sonrojo de la situación, poco a poco, fuimos investigando sobre el tema, hasta que nos dimos cuenta que al entender cómo había sido nuestro origen como especie, quizás, podríamos sacar algo en claro que nos sirviera para aplicar en el momento presente.
Por lo tanto, y con vuestro permiso, nos vamos a situar 30.000 años atrás. Pueden parecer muchos, pero si tenemos en cuenta que nuestra especie empezó a evolucionar hace unos 6 o 7 millones de años atrás, cuando habitaban el planeta tierra, en algún rincón de África los predecesores de los primeros Australopitecus, no son tantos.
La evolución del ser humano, ha sido lenta, y basada en pequeños grandes cambios, como el aumento progresivo y constante del cerebro, bajar de los árboles para comenzar a patear las sabanas, que las abuelas reconocieran a los hij@s de sus hijas como niet@s (el homo sapiens es la única especie que lo hace) o comenzar a utilizar piedras a modo de tecnología punta de la época. Así, y resumido de manera un tanto brusca, nos plantamos en un apasionante momento de la historia, en donde, en nuestra por entonces heladora Europa, convivían los Homo Sapiens Sapiens (comúnmente llamado hombre de Cro-magnon) y sus “primos” los Neardentales. Ambos, eran en apariencia muy parecidos a nosotros mismos; los Neardentales más robustos y los Cro-magnones algo más esbeltos y morenos, pero cualquiera de ellos bien aseado se podría pasear por nuestras calles tranquilamente.
Los dos grupos, tenían una tecnología muy similar y ya dabansepultura a sus muertos. También hay que destacar que los homo Sapiens Sapiens, recién llegados después de un trepidante y largísimo viaje que les sacó de su África natal y les llevó por Eurasia hasta desembarcar por estos lares, habían conseguido una mayor cohesión social.
A su vez, su cerebro estaba algo más evolucionado que el de los Neardentales que al parecer era una subespecie evolucionada del Homo Antecesor. Así, por primera vez en la historia de la humanidad, en varios puntos del mundo distantes en miles de kilómetros entre sí, el hombre comenzaba a realizar utensilios que escapaban de su mera cualidad utilitaria. Se trababa de unas pequeñas figurillas (Venus), cargadas de un fuerte poder simbólico, que se realizaron con mucho esmero y precisión, dando con ellas el comienzo del arte. Esta aparición fue por todo lo grande, retratando una sociedad que homenajeaba a la mujer y, sobre todo, a la fecundidad y fertilidad en sí mismas. De hecho, esta sociedad de carácter, eminentemente, matriarcal, simbolizaba, con estas representaciones, a la mujer como Diosa.
La Venus de Hohle Fels _ la representación artística más antigua del mundo, 35.000 años. Como se puede ver en la imagen los atributos más femeninos están totalmente sobredimensionados, exaltando, con ello, el papel de la mujer, la sexualidad, la fecundidad y la fertilidad. Es decir, un auténtico culto a la maternidad. Vista lateral (izquierda) y frontal (derecha) de la Venus de Hohle Fels. Universidad de Turinga | Fuente: elmundo.es
Así, estas arcaicas pero bellísimas manifestaciones artísticas, en tres dimensiones dieron paso, 5.000 años después, al arte en dos dimisiones con diferentes representaciones en las paredes de numerosas cuevas. Por suerte, las entradas a algunas de estas cavidades se fueron cegando con el tiempo, conservando sus tesoros hasta nuestros días. Gracias a ello podemos entender un poco mejor cómo era la sociedad de esta época.
Ahora, ya no encontramos la misma simbología que veíamos en las Venus, sino que se puede observar una sociedad mucho más preocupada por asegurar el alimentopara el clan que de enaltecer la maternidad. Y ¿por qué para el clan y no para cada individuo? Porque en las representaciones de las escenas de caza, siempre, aparecen grandes animales (mamut, caballos…) perfectamente dibujados y unas figuras humanas, estilizadas y esbozadas de manera esquemática. De esta forma, con estas grandes piezas que, en muchas ocasiones, en las pinturas rupestres aparecen con saetas (lanzas) en sus corazones, se podía alimentar a todo el clan. Elpensamiento era comunitario y las acciones siempre se llevaban a cabo en beneficio del grupo y no del individuo. Por lo tanto, la cohesión social del grupo era muy grande. A su vez, hay numerosas pruebas que documentan cómo cuando un miembro del clan quedaba indefenso o malherido el resto del grupo se encargaba de ayudarle y asegurar su supervivencia.
Cueva de los caballos de La Valltorta, Castellón (España). Escenas de caza, en las que, por un lado se representa la cotidianidad del día a día y, por otro, con estas representaciones parece que se buscaban atraer los buenos augurios para las próximas cacerías.
Al llegar a este punto, nos permitimos dar un pequeño salto en el tiempo y plantarnos en otro momento clave de la historia de la humanidad; estamos hablando del año 10.000 antes de nuestra era. Y ¿por qué es tan importante esta fecha? Porque el ser humano, por primera vez, comienza a tener un pensamiento abstracto más complejo y es capaz de imaginar lo que ocurrirá dentro de unos meses. Gracias a ello, comienza, por un lado, a domesticar animales y, por otro, a plantar semillas para tener, al cabo de un tiempo, el alimento necesario para alimentar a sus familias.
Con ello, aparecen un montón de conceptos nuevos y fascinantes: la familia, la agricultura, la ganadería, sistemas defensivos, y, por fin, los primeros asentamientos que serán el germen de la ciudad.
Pero, vayamos por partes; como podéis apreciar, ahora ya no hablamos de clan sino que, con el abandono del nomadismo por una gran parte de esta sociedad y la aparición del sedentarismo, tenemos encima de la mesa la idea de familia. Es decir, nuestros antepasados se agrupaban de forma muy diferente, en parte debido a la aparición del concepto de monogamia. Por lo tanto, cada familia construía su propia casa, de unos 40-50 metros, dentro del poblado y comenzaban las primeras relaciones entre las familias y, por supuesto, entre las propias edificaciones.
Catal Huyuk (6500-5500). Considerada como la primera ciudad. En ella las viviendas se agrupaban unas junto a otras sin calles entre ellas. Por motivos defensivos y para evitar las crecidas del río no tenían puertas en las paredes sino que entraban a las edificaciones por las cubiertas | Fuente: urban-networks.blogspot.com
Nuestros antepasados cercanos dieron a luz, hace la friolera de 35.000 años, a las primeras representaciones artísticas en forma de Venus. Éstas daban fe de una sociedad matriarcal en el que el papel de la mujer y el hombre era idéntico. Así, con la bandera de la fertilidad y fecundidad como atributos más preciados se creó una civilización de gran éxito. De hecho, al contrario de lo que se suele creer, no es la adaptación de las especies al medio lo que ha asegurado su éxito evolutivo, sino su capacidad de asegurar la descendencia de generación en generación.
Skara Brae La aldea neolítica mejor conservada de nuestros días _ patrimonio de la humanidad. Año 3.100 a.c – 2.500 a.c | Fuente: wikimedia.org
Sin embargo, cuando la sociedad se hizo sedentaria instalándose en los primeros poblados, con el comienzo de la ganadería y agricultura, comenzó a sufrir grandes cambios que hicieron que todo evolucionase por otros derroteros. De repente, había seres humanos que, por un lado, tenían más alimento del que podían consumir y, por otro, había otros, que seguían siendo nómadas y no tenían tanto éxito en su búsqueda del alimento.
De esta forma, nació el comercio y, un primer esbozo de lo que luego serían nuestras hoy rescatadas entidades bancarias. Cuando un agricultor tenía más alimentos de los que podía consumir, los excedentes los depositaba en una especie de granero, en el que el regente (“el banquero”) custodiaba la mercancía hasta que otros la necesitaban y podían ofrecer, igualmente, sus excedentes. Poco más adelante, además de alimentos se comenzaron a intercambiar objetos y uno de los más preciados era la obsidiana que, curiosamente, represaba tanto el amor como la guerra. Según se tallaba este “cristal volcánico” servía como pieza de joyería o como punta de lanza.
Puntas de lanza de obsidiana
De esta manera, a través del más genuino trueque de mercancías dio comienzo lo que hoy conocemos como comercio.
A su vez, como ya hemos apuntado, quienes todavía vagaban por el territorio, y veían con codiciosos ojos los excedentes de estos primeros moradores, buscaban la manera de atacarles y apoderarse de sus alimentos. Así, estas primeras poblaciones, normalmente, levantadas cerca de ríos, al abrigo de vientos y en lo alto de cerros, comenzaban a cercarse y a organizarse para defenderse de los ataques. Por lo tanto, aquella sociedad, que durante milenios tuvo como máxima preocupación y ocupación asegurar la descendencia, tenía, ahora, nuevas tareas mucho más belicosas con las que lidiar. De alguna forma, con todo ello, daba comienzo la sociedad patriarcal.
Grabado en Roca que representa la estructura social del poblado. Val Camonica, 10.000 a.c.
Sobre esta evolución y el momento presente que nos toca vivir, el psiquiatra y gran pensador chileno, Claudio Naranjo, afirma que
“la sociedad patriarcal existe en interdependencia con la mente patriarcal: una forma de organización psíquica que refleja y perpetúa el dominio masculino en la sociedad, con su énfasis en la agresión sobre la ternura, la competición sobre la colaboración, la explotación sobre el cultivo, y en la que milenios de dominio del padre en la familia ha resultado en el reemplazo de los sanos vínculos fraternales por vínculos de obediencia y dependencia por parte de personas crónicamente infantilizadas.”
Esta sustitución de valores, creemos que es la clave de todo el desaguisado. La evolución de aquellos primerostrueques, con el paso de los siglos, evolucionó hasta el actual consumismo.
De esta forma, la sociedad del siglo XX, una vez superadas las utopías e ideales de mediados de centuria, se convirtió al dios del materialismo. Así, por desgracia, la arquitectura y el urbanismo no fueron otra cosa que el fiel reflejo de todo ello. Como bien se encargó de recordarnos Octavio Paz,
“la arquitectura es el testigo insobornable de la historia”.
Sanchinarro, todo un ejemplo de cómo no hay que hacer las cosas.
Igualmente interesante nos resulta el papel que juega, o puede jugar, el arte dentro del espacio urbano.
Está claro que los espacios públicos creados por el urbanismo que citábamos líneas más arriba no tienen el más mínimo interés y, en la mayoría de los casos, se ha limitado a ser el vacío que queda entre dos edificaciones pensadas desde su valor inmobiliario. A su vez, muchos de nuestros centros históricos en el mismo momento que se ha decidido preservar su valor y “dejarlos bonitos” para que el turismo de masas pueda disfrutar de ellos, han perdido gran parte de su magia y, por lo tanto, se han convertido en trozos de ciudad museificada, nuevamente, sin ningún valor. La cultura de llegar, bajarse del bus, hacer la foto y subirse al bus ha hecho más daño del que pudiera parecer.
Astistas Dre Urhahn y Jeroen Koolhaas Favela Painting
Pero es aquí, donde vemos que el arte urbano tiene mucho que decir; desde actuaciones en zonas marginales, como favela Painting, hasta actuaciones en plenos centros urbanos, donde el arte actúa como catalizador de la cohesión social. Es decir que, lejos de resultar al superfluo e inecesario, el arte, desde su perspectiva social y de protesta que trasciende lo meramente estético, se convierte en el elemento principal para que el maltrecho espacio público gane enteros y pueda dar cobijo a espacios de convivencia.
Es decir, que lo que la arquitectura ni el urbanismo, con todos los medios de que han dispuesto, no han conseguido, los artistas urbanos, muchas veces desde la más absoluta clandestinidad y precariedad, son capaces de conseguir.
Blu
Éstos, al igual que hicieran aquellos primeros pintores del paleolítico, reflejan en paredes la sociedad que les toca vivir. En este caso, nos interesa especialmente la mirada de gente como Banksi, Sam3 o Blu, por citar algún ejemplo, ya que con sus acciones ponen en evidencia esta sociedad patriarcal de la que hablábamos al principio del artículo.
Banksi
A su vez, es interesante ver un fenómeno que ocurre, en paralelo, y no es otro que la fagocitación de algunos de estos artistas por el propio sistema. No es raro ver el caso del político de turno que ve en ellos un nuevo reclamo mediático y que en un acto de populismo barato les da un lugar para que actúen en su ciudad, mientras al resto de ellos siguen relegados a la clandestinidad.
Es decir, seguimos viviendo bajo el miedo y el control, sin aceptar lo diferente, y lo que transgrede el orden establecido es perseguido. La ciudad crea normas y leyes para castrar cualquier atisbo que nos recuerde que una sociedad matriarcal también pudiera ser posible. La censura y la represión están al orden del día para cualquier artista callejero, sobre todo, si es capaz de hacer un poco de ruido y remover alguna conciencia. Seguimos velando o, mejor dicho, unos pocos siguen velando para que todo esté en un aparente orden y la soñada ciudad de los niños de Tonucci sea solo un espejismo que podemos reconocer de manera autentica en muy poco lugares.
El orden impuesto en nuestras urbes sólo es una mutilación de cohesión social. No dar valor a la civitas por encima de la urbis, genera un urbanismo frío y deshumanizado que no aporta nada para que nuestras ciudades sean un poquito más habitables.
Barbie, año 2.000 | Venus de Willendorf, año 20.000 a.c
Con todo ello, al igual que antropólogos como Lévi-Strauss, rompemos una lanza a favor de lo primitivo, de lo salvaje y de lo va contra lo establecido. Las culturas matriarcales que han llegado hasta nuestros días con muchos puntos en común con aquellos primeros homo sapiens sapiens que protagonizaban nuestro anterior post, no son culturas menos evolucionadas que la nuestra. Ellos, sin tanta “evolución”, son capaces de predecir terremotos, de tener una gran cohesión social, de ver planetas sin telescopios o de vivir en armonía con la naturaleza; mientras que nosotros, los países del supuesto primer mundo, pensamos que hay que rescatar a los “salvajes” de su ignorancia.
Stepienybarno_Agnieszka Stepien y Lorenzo Barnó, arquitectos
Estella, Octubre 2017
· Cerca de treinta proyectos han resultado ganadores de la XII BIAU, que se celebrará del 21 al 25 de septiembre en el marco del Festival de Arquitectura y Ciudad MEXTRÓPOLI, con CDMX como punto de partida
· Bajo el lema de Habitar al margen, la XII BIAU premia lo más destacado de la arquitectura y urbanismo iberoamericano y reflexiona en torno a la búsqueda de hábitats alternativos para un futuro urbano más optimista, sostenible y justo
· Una muestra expositiva con triple sede —Colegio San Ildefonso, Centro Cultural de España y Lago/Algo— y una amplia programación permitirán conocer en profundidad los proyectos participantes.
Un total de 9 obras y 20 proyectos han resultado ganadoras de la XII Bienal Iberoamericana de Arquitectura y Urbanismo (BIAU), una cita convocada por el Gobierno de España mediante el Ministerio de Transportes, Movilidad y Agenda Urbana (MITMA) a través de la Dirección General de Agenda Urbana y Arquitectura. El encuentro tendrá lugar en el marco del Festival de Arquitectura y Ciudad MEXTRÓPOLI, en CDMX, del 21 al 25 de septiembre.
Articulada alrededor del lema Habitar al margen, la BIAU reconoce lo más destacado de la arquitectura iberoamericana y el urbanismo de los últimos tres años a través de diferentes categorías de galardones: Panorama de Obras, con nueve ganadores, Publicaciones, con ocho ganadores, Programas docentes, cinco ganadores, Acciones al Margen, siete ganadores e Investigación, cuyos premiados se conocerán próximamente.
Al mismo tiempo, la XII BIAU reflexiona en torno a la habitabilidad de la ciudad y la búsqueda de soluciones alternativas para un futuro urbano más sostenible y justo. Lugares, prácticas y propuestas que se sitúan en los márgenes de lo usual; en los bordes, los límites y las fronteras del sistema, que nos muestran cómo tejer nuevas estrategias de conciliación entre los hábitats y quienes los habitan.
Así, los proyectos ganadores de la XII BIAU, seleccionados entre más de 800 propuestas recibidas, de las que salieron 84 finalistas, abordan temáticas que van desde la transformación de los ámbitos domésticos y el uso del diseño como herramienta de cohesión comunitaria, el derecho a la ciudad y el espacio público de calidad, el trabajo colaborativo o incluso el diseño de nuevas cartografías para nuevas realidades y retos sociales.
La ceremonia de entrega de premios en el Colegio de San Ildefonso de CDMX servirá el próximo 22 de septiembre de pistoletazo de salida para una bienal que se extenderá a una veintena de países iberoamericanos durante sus dos años de duración.
Bajo el comisariado de un equipo de arquitectos con perfiles diferentes y complementarios —undo arquitectura, compuesto por Anna Vergés y Guillem Augé con sede en Barcelona y Torolab, formado por Raúl Cárdenas y Ana Martínez, con sede en Tijuana (México)— la XII BIAU traspasa lo puramente arquitectónico para abrirse a otras disciplinas que desde el arte, diseño, activismo, tecnología, emprendimiento social o la gestión cultural, aportan alternativas para una mejora en las formas de habitar los pueblos, barrios y ciudades del siglo XXI.
En este sentido, una de las novedades importantes de esta bienal es el premio inédito Acciones al Margen, que reconoce iniciativas que, con menores recursos, generan un impacto en la comunidad y son susceptibles de ser replicables.
A estos galardones se une el Premio Iberoamericano de la XII BIAU a la Trayectoria, que se otorgará a la arquitecta y activista argentina Ana Falú. Con una carrera dedicada al derecho a la ciudad y a la vivienda, Falú es precursora en la defensa de los derechos de las mujeres y de la relación de éstos con la arquitectura y el urbanismo.
Una propuesta expositiva con triple sede para repensar la domesticidad
Durante cinco días, y a través de diferentes sedes, el festival MEXTRÓPOLI y la XII BIAU convertirán la Ciudad de México en epicentro de la arquitectura iberoamericana a través de exposiciones, conferencias, mesas de diálogo, ciclos de cine o recorridos por la ciudad.
Las propuestas ganadoras de esta edición podrán conocerse con todo detalle a través un proyecto expositivo con triple sede: el Colegio de San Ildefonso, el Centro Cultural de España y el espacio cultural Lago/Algo.
En el Colegio de San Ildefonso, la muestra Habitar al Margen reunirá cerca de 85 propuestas finalistas y premiadas de las categorías de Panorama de Obras, Programas docentes e Investigación para mostrar cómo la arquitectura, el urbanismo y aquellas prácticas al margen de la profesión, ofrecen soluciones a los principales retos urbanos y habitacionales al margen de un sistema que se resiste a cambiar.
Por su parte, el Centro Cultural de España acogerá Habitar al Margen. Pioneros y Pilotos. Una muestra de equipos y proyectos Piloto, con enfoques, metodologías y prácticas diversas, que muestran caminos posibles y replicables para encontrar estrategias de conciliación entre el hábitat y sus habitantes.
Finalmente, el espacio cultural Lago/Algo recorrerá en Habitar al Margen: al margen los proyectos más representativos de las convocatorias Acciones al margen y Publicaciones en una exposición inmersiva y participativa que pondrá en valor experiencias y propuestas presentadas a esta categoría.
Sobre la BIAU
Convocada por el Gobierno español mediante el Ministerio de Transportes, Movilidad y Agenda Urbana (MITMA), a través de la Dirección General de Agenda Urbana y Arquitectura en colaboración con el Consejo Superior de los Colegios de Arquitectos de España (CSCAE) y la Fundación Arquia, la XII BIAU se celebrará en colaboración con Arquine, entidad mexicana que difunde la cultura arquitectónica a través de su revista y proyectos expositivos y divulgativos como el Festival de Arquitectura y Ciudad MEXTRÓPOLI.
En concordancia con la línea de trabajo del resto de bienales de arquitectura, muy enfocada a aportar soluciones a través de nuevas estrategias de conciliación, la XII BIAU apuesta por reconocer la arquitectura y el urbanismo de los últimos tres años atendiendo a diversas escalas; desde proyectos piloto a grandes realizaciones, con un denominador común: la voluntad de generar una mejora en la sociedad, la economía, el medioambiente y reivindicar la dimensión social de la arquitectura y su potencial para proponer soluciones alternativas a los retos urbanos del siglo XXI, tales como la habitabilidad, la sostenibilidad, la calidad de la vivienda o el acceso a la vivienda.
En este sentido, un jurado formado por expertos de referencia en el campo del urbanismo, la arquitectura y la vivienda —con la presidencia de Iñaqui Carnicero, director general de Agenda Urbana y Arquitectura (MITMA) y bajo la dirección de Zaida Muxí, doctora en arquitectura, profesora en la ETS de Arquitectura de Barcelona– ha seleccionado los proyectos atendiendo a criterios de calidad y pertinencia, pero también a su capacidad de aportar mejoras en el ecosistema humano y de elevar los indicadores sociales, medioambientales y económicos de la vivienda, los pueblos, los barrios y las ciudades del siglo XXI.
Una de las intenciones principales del proyecto era potenciar su carácter silvestre dado por el contexto en el que se ubica. Por eso, su morfología se inspira en la tipología tradicional de granero, que además le permitía una mayor espacialidad interior gracias a su cubierta inclinada.
Refugio Villa Serrana I Delfina | TATŪ Arquitectura
El proyecto se ubica en Villa Serrana, en una zona agreste y alejada de las áreas más calificadas de la urbanización y por tanto con infraestructuras precarias respecto del resto de la zona. Esta condición de austeridad que proviene de las propias infraestructuras disponibles brindaba al paisaje una sensación silvestre o de ruralidad casi inexplorada que queríamos aprovechar y potenciar.
En ese sentido se decidió utilizar un lenguaje inspirado en la tipología de ¨granero¨ o cabaña-refugio, de planta rectangular y techos inclinados que favorecen la amplitud en la espacialidad interior a la vez que ocupan una función ideal para el escurrimiento y recolección de aguas pluviales. Para incorporar el programa de la vivienda se decidió optar por una planta simple en base a una organización simétrica apenas distorsionada por las reparticiones interiores de los extremos.
Refugio Villa Serrana I Delfina | TATŪ Arquitectura
Refugio Villa Serrana I Delfina | TATŪ Arquitectura
Refugio Villa Serrana I Delfina | TATŪ Arquitectura
Refugio Villa Serrana I Delfina | TATŪ Arquitectura
El espacio central, pasante y conectado plenamente en sus caras longitudinales con el exterior a partir de dos grandes ventanales corredizos, corresponde al espacio social que está contenido en el sentido transversal por dos «paréntesis» programáticos que albergan diferentes instalaciones de la cocina y living. Por detrás de estos, en las cabeceras del conjunto, se ubican las habitaciones y el baño.
El sistema constructivo utilizado para el desarrollo del proyecto se basa en una construcción tradicional de cimentación y tabiquería exterior que fue complementada con una cubierta liviana, ejecutada con vigas de hierro y vigas galvanizadas. El interior se revisitó con chapones fenólicos de eucaliptus, y el exterior con un entablonado vertical, también de la misma madera.
Refugio Villa Serrana I Delfina | TATŪ Arquitectura | Emplazamiento
Refugio Villa Serrana I Delfina | TATŪ Arquitectura | Esquemas
Refugio Villa Serrana I Delfina | TATŪ Arquitectura | Planta de cubierta
Refugio Villa Serrana I Delfina | TATŪ Arquitectura | Planta
Refugio Villa Serrana I Delfina | TATŪ Arquitectura | Alzado Este
Refugio Villa Serrana I Delfina | TATŪ Arquitectura | Alzado Norte
Refugio Villa Serrana I Delfina | TATŪ Arquitectura | Alzado Oeste
Refugio Villa Serrana I Delfina | TATŪ Arquitectura | Alzado Sur
Refugio Villa Serrana I Delfina | TATŪ Arquitectura | Axonometría
Refugio Villa Serrana I Delfina | TATŪ Arquitectura | Sección transversal CC
Refugio Villa Serrana I Delfina | TATŪ Arquitectura | Sección longitudinal AA
Refugio Villa Serrana I Delfina | TATŪ Arquitectura | Sección transversal BB
Obra: Refugio Villa Serrana I. Delfina
Emplazamiento: Villa Serrana, Uruguay
Autor: TATŪ Arquitectura
Arquitecto(s) a cargo: Leandro Alegre, Horacio Goday, Martin Olivera.
Año finalización construcción: 2019
Superficie construida: 60 m2
Fotografía: Marcos Guiponi + tatuarq.com
Ciudad Adentro es un tipo nuevo de exposición que explora las relaciones entre ideas y personas, espacios y tiempos, proponiendo nexos creativos e intuiciones que nos adentran en la experiencia de la ciudad, en un contexto de cuestionamiento y recambio o disolución de modelos de poder entre generaciones, clases y géneros, entre la ciudad adentro y el campo adentro, y en un escenario distópico postpandemia que caracteriza la llamada Galaxia Rural de la tecnociudad.
Ciudad Adentro implica asimismo un recorrido de tres biografías. Siguiendo el simbolismo del número 3, como hizo Dante Alighieri en su Divina Comedia, iniciamos este recorrido ciudad adentro apoyados en las trayectorias ejemplares de tres magisters, un filósofo, un músico y una escritora, que, a modo de guías/gurús/sherpas nos conducen hacia el interior de la ciudad. Ellos son Javier Echeverría (Pamplona, Navarra, 1948), Llorenç Barber (Aielo de Malferit, Valencia, 1948) y Noni Benegas (Buenos Aires, Argentina, 1947). Nuestro objetivo consiste en sintetizar sus caminos de conocimiento en conceptos y percepciones que ayuden a descubrir el sentido de preguntas esenciales, ¿de dónde venimos?, ¿hacia dónde vamos?
De una manera transversal, estas ideas o caminos de conocimiento propuestos por nuestros tres sherpas serán «desvelados/recreados/iluminados» por 12 ilustradores que trasladan estos conceptos a imágenes, como hacían los maestros vitralistas en las catedrales medievales. No en vano, nuestra vivencia de la galaxia rural tiene algo de retorno a la Edad Media.
En innovación social, los artistas, creadores y pensadores pueden y deben ser factores de disonancia que sirvan para descubrir nuevas interrelaciones y vinculaciones en los procesos de convivencia, creación y desarrollo interpersonal. Junto a los conceptos explorados por nuestros guías, la exposición se acompaña de una selección de poemas visuales de Noni Benegas; de la instalación sonora de Llorenç Barber, Sambori/Rayuela junto a algunas de sus partituras visivas, y libros, entrevistas, y marcas del tiempo que a modo de biopic reflejan y recogen estas trayectorias ejemplares.
José Tono Martínez es comisario de esta exposición. Estudió antropología social y se doctoró en filosofía. Cofundó La Luna de Madrid y la dirigió entre 1985 y 1987. Ha sido director de centros culturales, fundaciones y museos. Escritor y ensayista, colabora con Claves de la Razón Práctica y Revista de Occidente. Entre sus comisarías recientes, Carteles para un Camino (2019-22), Consejo Jacobeo/BNE/MCyD; Hassan Fathy/Hannah Collins (2021-22), Casa Árabe; Pablo Pérez-Mínguez, Archivo Regional CAM/El Águila (2022). Entre sus libros, El que hiere de lejos, Huerga, 2015; Hijos del Trueno. Mitos y símbolos. Evohé, 2015; El Rey de Ramnagar. Polibea. 2017; El Cuarto Sello. Polibea. 2020. El anillo de Giges. Las peregrinaciones heterodoxas por Santiago. Evohé, 2021.
Diseño: PeiPe Obras (y conceptos formalizados): Llorenç Barber, Noni Benegas y Javier Echeverría Ilustraciones: Juan Berrio, José Domingo, Irati Fernández Gabarain, Elena Ibáñez, Pere Joan, Raquel Lagartos, Delius/María Delia Lozupone, Miguelanxo Prado, Pepa Prieto Puy, Rep/Miguel Repiso, Antonia Santolaya, Mikel Valverde Video, podcast y banda sonora: Javi Álvarez
La experiencia de escribir acerca de la arquitectura es siempre ambivalente. Quiero decir que cuando se escribe de arquitectura en abstracto, como aquí se intenta, se gana el placer de manejar los conceptos sin los prejuicios de una forma arquitectónica específica, y se pierde la capacidad de elaborar y comunicar relatos asumibles por una gran masa de co-ciudadanos, debido a la aspereza y complejidad misma de los conceptos que se manejan en arquitectura.
Hace ya muchos años que no nos sorprenden expresiones como un plano virtual, una secuencia de vacíos, o una articulación urbana. Y francamente, estas expresiones son difíciles de comprender por aquellos que no son arquitectos.
Aún más.
Estas expresiones normalmente se relacionan con el desarrollo de la explicación de una forma arquitectónica dada, y que viene acompañada por dibujos, maquetas o imágenes de síntesis que de una manera u otra aclaran las esencia compositiva de las expresiones precedentes. Ahora bien, sin la compañía amable de un proyecto específico sobre el que hablar, se requiere todavía más, de una cierta capacidad de lectura de conceptos ligados a la filosofía, la geografía, la composición, la historia del arte, etc.
Es por eso que hay que encontrar las claves especificas de escribir acerca de la arquitectura, que evidentemente no es lo mismo que escribir de arte, de música o de literatura.
En todo caso me gusta la idea de que existe una manera acertada, correcta, precisa y coherente de escribir arquitectura en su vertiente teórica, sin caer en una retórica alambicada y complicada pero carente de conceptos claros. Una cosa es lo complejo y otra es lo complicado.
Para mayor desgracia, aquellos que sentimos la necesidad de escribir teoría de la arquitectura en forma de reflexiones abiertas, tenemos muy pocos maestros en los que reflejarnos en nuestra propia lengua. Acaso Ignasi de Solà-Morales,1 que escribió tanto como crítico de arquitectura, como y sobre todo teórico. Su claridad en la manera de estructurar contenidos, su pedagogía conceptual y la pertinencia de los temas sobre los que reflexionaba, hicieron de él, el reflejo brillante sobre el que palidecer.
Quizás pueda significarse también a Rafael Moneo en esta categoría, si bien su triple faceta, como profesional, como docente y como teórico, da una dimensión más global tanto a su obra construida, como a la escrita, pero también menos punzante.
De todas formas, sobre el tema del oficio de escribir, recuerdo una de esas pequeñas joyas del filósofo alemán Arthur Shopenhauer, llamada El oficio de escribir y el Estilo,2 que publicó en 1851 como capítulos XXIII y XXIV, en una de sus obras más reconocidas Paraliponema.
Como comenta su traductor, Esteve Serra, (…)
«Schopenhauer ataca con vehemencia lo que él considera un sabotaje a la lengua alemana, sobre todo en lo que respecta a los escritos filosóficos, por parte de aquellos que confunden ininteligibilidad y profundidad y desdeñan el sentido común y la claridad a la hora de expresarse».
Y es que precisamente ese es el gran reto que surge cuando se decide escribir acerca de los conceptos de la arquitectura, prescindiendo de la obra arquitectónica. La complejidad y dificultad de afrontar ciertas ideas parece necesitar de una expresión igualmente compleja y obscura.
No creo que tenga que forzosamente ser así.
Por un lado, ciertas ideas de arquitectura son ásperas en su expresión y requieren de matices, de paralelismos y referencias para que queden bien fijados. Eso puede hacer el relato algo difícil de comprender, pero si está bien escrito, dejará los cultismos justos para perfilar y matizar los conceptos y acabará por crear más luz, que no sombra.
Por otro lado, si que es cierto , especialmente en la cultura anglosajona, que la teoría de la arquitectura se ha trufado de conceptos rimbombantes pero en muchas ocasiones, vacíos. Conceptos que más que mostrar una idea, la dejan en suspenso, a medio camino entre la intuición y el cultismo y por falta de rigor o por falta de espacio físico en el espacio editorial donde se lanza el texto, se deja una especie de zona brumosa, algo pedante y sin duda, obscura. Esta manera de escribir, a la postmoderna por decirlo así, ha conformado prácticamente un estilo propio, donde el juego consiste en provocar una nube de ideas, sin dejar ninguna clara ni cimentada. En este sentido esta manera de escribir me recuerda sarcásticamente el web economy bullshit generator, que de forma automática es capaz de crear supuestos conceptos para la jerga de la economía global que surge de las redes, o la adaptación al Landscape Urbanism que bajo el evidente nombre de landscape urbanism bullshit generator, también se recrea en una falsamente compleja manera de operar con ideas, si bien algunas resultan de los más sugerentes.
Sea como sea, me quedo con algunas de las perlas que Schopenhauer deja ir en el texto antes citado del que comparto dos reflexiones para alguien se anime a leer la totalidad.
«272 En primer lugar se puede decir que hay dos clases de escritores: los que escriben por el tema mismo, y los que escriben por escribir.
273 Se puede decir también que hay tres clases de autores: en primer lugar, los que escriben sin pensar. Escriben de memoria, a partir de reminiscencias, o bien directamente a partir de libros escritos por otros (…)
En segundo lugar, los que piensan mientras escriben. Piensan para escribir.
En tercer lugar, los que han pensado antes de ponerse a escribir. Si escriben, es sólo porque han pensado. Caso muy raro».
Hay evidentemente una manera de escribir que se acerca a una manera de vivir y entender la arquitectura. Quizás esa sea la lección de Schopenhauer.
Miquel Lacasta Codorniu. Doctor arquitecto
Barcelona, Octubre 2014
Notas:
1 Ignasi de Solà-Morales escribió una serie de artículos en los diferentes números de Any que promovió Peter Eisenman durante los años noventa y que Cynthia Davidson como editora lideró. Los artículos del Any, es la colección de conferencias que Solà-Morales impartió en diferentes partes del mundo y que se publicaron en Anyone (1991), Anywhere (1992), Anyway (1993), Anyplace (1994), Anywise (1995), Anybody (1996), Anyhow (1997), Anymore (1999) y Anything (2000)
«La tradición supone un verdadero desafío para la innovación».
Lo dice Álvaro Siza. Bien conocida es la pasión del maestro portugués por la arquitectura vernácula, compleja y sencilla a un tiempo, construida a lo largo de generaciones en base a un territorio, una economía, un clima, una cultura…arquitectura sucesivamente inclusiva. Cuenta Juan Domingo Santos que una ocasión -en Río de Janeiro- coincidían Siza y Niemeyer, se encontraban por vez primera en persona no sin expectación. Ante la pregunta recurrente del periodista -qué es la arquitectura- solo contestó el segundo:
«La arquitectura es levedad».
Siza eligió guardar silencio, responder algo más tarde, a solas con Juan Domingo. Para Siza, nos dicen como quien desvela un secreto,
«La arquitectura es continuidad».1
Cuando se revisa alguno de los últimos proyectos de Ávaro Siza, el Atrio de la Alhambra por ejemplo, resulta sencillo identificar estrategias comunes, recursos presentes en el conjunto de su obra anterior. El dibujo de cada elemento se aborda desde una atención propia, específica, surgiendo la arquitectura lentamente como una exploración, como la suma de todas esas aproximaciones sucesivas:2
«Yo dibujo mucho. Dibujo sobre todo para DESPEJAR DUDAS. […] Dibujo y dibujo hasta que las ideas se van aclarando y encuentro por fin apoyos más sólidos».3
La arquitectura como una lenta formación de resina, silenciosa pero infatigable, ajena a la disruptiva y vertiginosa secuencia de la contemporaneidad.
«De alguna forma, todas mis obras son una sola obra».4
En el Atrio de Granada resuenan los patios de sus casas primeras cerca de Oporto, las geografías bien aprendidas en Machu Picchu o la vida entre los jardines y acequias de la propia Alhambra: fundamentos «contemporáneos«. Como si en el fondo la historia toda de la arquitectura fuera la Historia de una sola obra, la historia de un único rostro que vuelve desde el espejo una y otra vez a lo largo del tiempo en un incesante rehacer(se), un retorno semejante pero siempre distinto: como el desorden de la mesa tras el banquete o los bultos del naufragio en la orilla tras la marea. La arquitectura como ritual de aproximaciones sucesivas.
Miguel Ángel Díaz Camacho. Doctor Arquitecto
Madrid. Abril 2016. Autor de Parráfos de arquitectura. #arquiParrafos
Notas:
1 Juan Domingo Santos, Seminario Arquitectura Especulativa, Museo del Prado – Universidad Camilo José Cela, martes 19 de abril 2016.
Viajamos a Valencia para charlar con el arquitecto tarraconense Germán Valle (ETSA Barcelona), donde reside y ejerce desde 2016, y donde forma parte de enne estudio, un despacho multidisciplinar de arquitectura, diseño y comunicación del que, además, es socio desde finales del año 2021.
El día a día en el estudio se basa en la organización del equipo de arquitectura en el desarrollo de proyectos y también en la redacción y gestión de las memorias.
«Podríamos decir que soy el que se encarga de batallar con la administración para gestionar los proyectos».
Pero paralelamente Germán desarrolló su pasión por los videojuegos y el mundo que lo rodeo, y que lleva mucho tiempo investigando sobre la relación entre videojuegos y arquitectura.
«Ahora quiero llevarlo más allá».
Lo que empezó hace años con su blog personal sobre el tema, recientemente se ha traducido en el lanzamiento de Arquipartidas, su canal de youtube para hablar de todo esto.
«De todos modos, aunque ahora me dedique a ello a modo divulgativo, no descarto convertirlo en algo profesional, ya que considero que tengo los conocimientos necesarios para convertirme en un Consultor de arquitectura para videojuegos».
Sin más preámbulos os dejamos con la entrevista que hemos tenido la oportunidad de realizarle. Aprovechamos para darle las gracias de nuevo por su tiempo y predisposición.
Germán Valle · Divulgador de arquitectura de videojuegos
¿Cómo se definiría Germán?
Me definiría como una persona que siempre tiene la mente ocupada, pensando en cosas que desarrollar o mejorar. A veces incluso tengo que luchar contra mi propia exigencia para saber disfrutar de las cosas que me gustan, para que no se conviertan en obligaciones que me impongo a mí mismo.
Pero dejando de lado ese punto más negativo, podríamos hablar de mi necesidad constante de crear, y de lo apasionado que soy de las cosas que me gustan.
¿Cómo, cuándo y por qué surge el interés hacia la relación entre el binomio arquitectura y videojuegos?
Siempre digo que sin las asignaturas de Historia de la Arquitectura que recibí en Barcelona de la mano de grandes profesores como Carolina B. Garcia, Pedro Azara y Josep Mª Rovira, no existiría ese Germán capaz de unir la arquitectura y los videojuegos. En sus clases empecé a amar la arquitectura y aprendí a ser crítico (y sin ellas, posiblemente habría abandonado la carrera).
Con el tiempo, mi afición por los videojuegos desde pequeño me llevó a pensar que también se podía aplicar la metodología de dichas clases en el medio, para sacar a la luz conexiones interesantes, referencias arquitectónicas, y otros temas de interés.
¿Te encontraste con muchas dificultades para iniciarte? ¿Cuáles fueron las más problemáticas?
Más que una dificultad en concreto, creo que lo que más me ha frenado ha sido mi propia necesidad de tantear la arquitectura desde muchos caminos diferentes. Al dividir la energía entre diferentes frentes creo que he invertido tiempo en ramas que no han acabado de desarrollarse, pero estoy contento con lo que llevo andado por ahora.
Creo que los primeros años en el mundo laboral, con más cambios y diferentes empleos, no ayudaban a hacerme sentir estable, y desde que he pasado a formar parte de los socios de enne estudio, siento que ahora sé dónde está mi lugar y que puedo invertir tiempo en esta otra vertiente con un gran apoyo.
¿Cuál ha sido tu formación y trayectoria profesional complementaria para desarrollarte en este campo? ¿Consideras que estudiar arquitectura ha sido importante para desarrollar tu trabajo actual?
Uno de los puntos más importantes de estos caminos que he ido explorando ha sido aprender a usar el motor de videojuegos Unreal Engine, que me permitió unir un entorno de trabajo proveniente de los videojuegos con la representación arquitectónica. Esto me ha permitido diseñar y generar algunos entornos para proyectos de realidad virtual y dar mis primeros pasos en el diseño de escenarios.
Sin duda alguna, haber estudiado arquitectura ha sido definitorio para estar donde estoy ahora, y para poder enfocar esta ayuda que espero brindar a los estudios de videojuegos con los conocimientos adquiridos en la carrera y durante los años de profesión.
Germán Valle · Divulgador de arquitectura de videojuegos
¿Cómo consigues relacionar estos campos?
La relación entre arquitectura y videojuegos es inherente al medio, yo la saco a la luz, pero es algo implícito en los videojuegos el poder hablar de arquitectura. Quizá en los primeros compases de los videojuegos no se podía hablar de arquitectura, pero a la que la tecnología permitió generar escenarios, poco a poco los edificios cobraron importancia en el medio y nos han llevado al punto actual, en el que podemos recorrer grandes ciudades y escenarios de arriba a abajo.
¿Qué tipo de relaciones estudias? ¿Por qué esas y no otras?
Normalmente algo que suele llamarme la atención al jugar son las referencias arquitectónicas de los edificios que encontramos en los videojuegos. Dejando de lado aquellos entornos que cuentan con reproducciones de edificios reales, es muy fácil pararse a catalogar la arquitectura digital a partir de sus estilos arquitectónicos o sus inspiraciones más claras del mundo real.
¿Qué referencias manejas a la hora de preparar estos análisis?
A día de hoy, he hablado en los videojuegos de Tadao Ando, Kevin Lynch, y, cómo no, del trinomio Mies-Corbu-Wright. Pero en general, creo que las referencias más importantes que uso son los propios estilos arquitectónicos que inspiraron al estudio en la creación de su videojuego.
Creo que ante la generación de un mundo de ficción y la petición del estudio que quiera desarrollar su mundo en una ambientación concreta (por ejemplo, gótica o futurista), será necesario conocer referencias de estilos y edificios que encajen con esa idea imaginada, para definir a partir de ellas el ambiente y aspecto de sus edificios.
¿Cómo enfocarías el trabajo de un consultor de arquitectura para videojuegos?
Considero que mi labor en un estudio de videojuegos sería la de dar apoyo al equipo de diseño desde la arquitectura y el urbanismo. Ofrecer las herramientas para que el videojuego tenga una correcta construcción de su universo (world-building) desde el punto de vista de sus edificios y ciudades.
¿Cómo y cuáles son los objetivos que te marcarías?
El primer objetivo sería definir la ambientación y las referencias necesarias para el proyecto, para poder encajar el tiempo y espacio en el que se desarrollará el videojuego. A continuación, con los primeros conceptos claros podríamos pasar a diseñar todos los aspectos de los edificios y ciudades que el juego necesitara, como los materiales, la estética, el estado de conservación…
Germán Valle · Divulgador de arquitectura de videojuegos
¿A qué segmento de público/cliente te diriges?
Mi público objetivo son estudios de videojuegos que quieran dotar de realismo a los edificios y entornos que están generando, pero que no cuentan en su equipo con alguien que les brinde los conocimientos de un arquitecto, en cuanto al realismo que pueden transmitir a sus entornos.
¿Estableces sinergias con otros campos?
Creo que para poder desarrollar entornos de ficción es necesario beber de todas las fuentes posibles, como el cine (incluyo series), la música y la literatura, así como la historia y la historia del arte.
Además, me apoyo en las redes sociales y la comunicación para estar al día tanto en el sector videojuegos como en el de la arquitectura.
¿Cómo y para qué utilizas las “nuevas tecnologías”? ¿La “red” ha facilitado tu labor? ¿En qué sentido?
Por supuesto, la red facilitó las primeras relaciones que hice online para poder hablar de este tema, cuando a través del contacto con el blog Metaspace y sus creadores, Manu Saga y Enrique Parra, me inspiraron y motivaron para lanzar mi propio proyecto.
Posteriormente, el poder mover mi blog y las conversaciones que se generaban con mis artículos me llevaron a encontrar contactos interesantes online, cosa que a día de hoy, twitter favorece enormemente, ya que me permite contactar con desarrolladores de videojuegos y divulgadores del sector.
Germán Valle · Divulgador de arquitectura de videojuegos
¿Compaginas o complementas esta actividad con otras labores o en otros campos?
A día de hoy mi actividad principal es ser el jefe de proyectos de enne estudio, y la divulgación de la arquitectura de videojuegos es complementario. Creo que siempre va a ser necesario tener un pie en cada uno de los mundos, para no dejar de lado la formación en ninguno de ellos.
La arquitectura, tiene abiertos muchos frentes de batalla (LSP, Bolonia, paro, precariedad laboral, COAs, ETSAs, emigración, comunicación, etc), ¿no serán demasiados para la polarización existente dentro de la misma?
La verdad es que el mundo laboral de la arquitectura, en muchos casos, es tan malo como lo pintaban los profesores de la universidad. Muchas veces en el estudio bromeamos (o quizá no) sobre la necesidad de que los arquitectos salgamos a la calle para conseguir dignificar la profesión.
¿Cómo ves el futuro de la arquitectura? ¿Y el de la profesión?
Creo que la arquitectura está evolucionando e introduciéndose de forma más activa en la sociedad gracias a la labor de personas como Pedro Torrijos, Anatxu Zabalbeascoa, Lope de Toledo, Ter y Pau M. Just. Creo que gracias a figuras como ellos la gente ajena a la profesión siente cada vez más interés por la arquitectura y es maravilloso cómo internet favorece que todo el mundo pueda formar parte de la evolución de ésta.
En cuanto a la profesión, me cuesta no caer en pesimismos, por todo lo que comentabas en tu pregunta anterior, pero creo que es necesario que los propios arquitectos evolucionen su forma de entender la arquitectura y se abran a nuevas formas de tratarla. Sin ir más lejos, muchos arquitectos me mirarían raro si les hablara de videojuegos, y quizá lo que se necesita es precisamente romper barreras entre la profesión y los medios donde no es habitual hablar de ella.
¿Qué mejoras crees que son fundamentales y que deberían ser puestas en marcha de forma inmediata?
Por lo que respecta a mi día a día, con la gestión de los proyectos en las entidades públicas, creo que se hace necesaria una regulación distinta de los proyectos, partiendo de la base de que el funcionariado y los técnicos municipales, en la mayoría de casos, no están ahí para ayudarte sino que solo eres un mero trámite en el montón de expedientes que deben resolver.
De forma generalizada hay un retraso considerable a la hora de tramitar licencias urbanísticas y proyectos de actividad. Una posible solución sería fomentar un cambio en el funcionariado, con el que no se permitiera que las plazas fueran fijas, sino que se debiera cumplir con unos objetivos para mantenerlas. Desde enne lo vemos muy claro: el funcionamiento debería ser similar a que si no tramitas x expedientes al mes, hay alguien más válido fuera que debe ocupar tu lugar. Si no, seguiremos estancados en bucles y retrasos absurdos en la tramitación.
También podríamos entrar a cuestionar la normativa en general, tan densa y con diferencias bastante importantes entre municipios. Creo que no hay labor tan difícil como entender la tramitación necesaria para cada proyecto y la normativa que aplica o no en cada caso. Creo que deberían replantearse estas y otras cuestiones y regularizar de algún modo todo lo que hay que saber para poder proyectar, así como darle un lavado de cara a aquellos puntos más arcaicos que rigidizan el diseño de muchos proyectos.
Germán Valle · Divulgador de arquitectura de videojuegos
Como “emprendedor”, ¿qué opinas de los arquitectos que “abren y/o recuperan” nuevos campos y/o enfoques de la profesión?
Como parte de estos enfoques paralelos de la profesión, no puedo estar más encantado con proyectos interesantes y tangenciales a la arquitectura, como es el caso de la neuroarquitectura, que he conocido recientemente. Cualquier forma de ver la arquitectura que se desvía de aquella más rígida que algunos profesores aún a día de hoy inculcan, es motivo de aplauso y de apoyo, puesto que, como comentaba, la arquitectura es una profesión que debe seguir evolucionando y dejar atrás algunos lastres que todavía lleva consigo.
¿Estas contento con la trayectoria realizada hasta ahora? ¿Qué proyectos de futuro te esperan tanto personal como profesionalmente?
Estoy encantado con el punto en el que estoy ahora, en el que puedo desarrollar proyectos de arquitectura, podríamos decir, tradicionales, y a la vez estar enfrascado en la investigación y divulgación de la arquitectura de los videojuegos. Como os comentaba, hace un mes estrené mi canal de youtube Arquipartidas donde estoy preparando nuevo contenido que ir publicando, y también espero poder colaborar tarde o temprano con algún estudio de videojuegos que quiera contar con mi ayuda para diseñar sus entornos, como os explicaba.
Para acabar, ¿qué le aconsejarías a los actuales estudiantes y futuros profesionales de arquitectura?
Les aconsejaría que se especializaran, que expriman las asignaturas que les hacen sentir que la carrera que han elegido es la correcta y las lleven al límite (incluso fuera del tiempo de estudio), porque creo que los arquitectos debemos dejar atrás esa formación tan heterogénea, para dejar de salir de la carrera con la sensación de haber visto muchas cosas pero no estar preparados para nada. Que se aferren a lo que les apasiona de la arquitectura.
Germán Valle · Divulgador de arquitectura de videojuegos
Germán Valle · Divulgador de arquitectura de videojuegos
Septiembre 2022
Entrevista realizada por Ana Barreiro Blanco y Alberto Alonso Oro. Agradecer a Germán su tiempo y predisposición con este pequeño espacio.
Espacio juvenil en la plaza José Toubes Pego | LCG arquitectura | Historia
Nombrar al edificio como pabellón va más allá del común uso para todo inmueble aislado. Se apela a una forma de habitar que se experimenta como idilio con la naturaleza, desmaterializando la construcción hasta reducirla a puro control atmosférico, alcanzando la ilusión de exterior retenido.
La pérgola como propileo, sirve como tránsito de preparación, permitiendo en pocos metros pasar a unas condiciones ambientales opuestas a las de la trama urbana que deja atrás. También es un procedimiento para cercar protectoramente el jardín, como misterio escondido por una celosía. La tangencia entre el límite del pabellón y el espacio de espera en la parada de transporte público (autobuses), mejora el confort de los periodos de estancia.
Espacio juvenil en la plaza José Toubes Pego | LCG arquitectura | Parque
El proyecto gira en torno al espacio público, como un vestíbulo urbano, como un pasaje social. Se enriquece la relación con su entorno, trabajando con la misma intensidad el edificio que la pérgola, la marquesina o el jardín. Se pretende introducir visualmente la vegetación en el interior y crear pequeñas estancias exteriores vinculadas entre sí.
A mediados de los 70, la plaza José Toubes Pego se remataba con una pérgola (proyectada por Andrés Fernández-Albalat) que servía de transición con el bullicio urbano. En los 80 Xosé Manuel Casabella construye una cubierta de vidrio que alberga un local de hostelería, al tiempo que permite el despacho directo hacia ámbito cubierto del pasaje. La nueva intervención requiere una máxima reutilización de lo existente, a la vez que una mínima intervención material propicie un cambio en la percepción y utilización del inmueble en sus alrededores. El criterio de eficiencia energética será uno de los mayores retos a resolver, ya que la dominante superficie acristalada mostraba la riqueza de posibilidades de una intensa relación visual de los usos con el parque, pero ofrecía un inaceptable rendimiento ambiental, con problemas de control climático y de escala para las nuevas actividades a incorporar. La construcción se concibe a partir de una materialidad natural y sostenible, utilizando cedro, linóleo y tableros de fibras o virutas de madera.
Espacio juvenil en la plaza José Toubes Pego | LCG arquitectura | Marquesina
El proyecto tiene vocación urbana y, por ello, se desarrolla en tres bandas paralelas relacionadas entre sí pero que pueden funcionar independientemente: la del parque con su vegetación, la de la pérgola con su pasaje y la de la calle con la marquesina. Con todo, hay una intención clara por casi hacer desaparecer el pabellón.
Los espacios toman como referencia el tipo escénico (teatro-estudio) con una actitud que trasciende a la división entre productor y usuario. El tamaño posibilita prestar idéntico rendimiento tanto para representaciones como para el proceso de creación de las mismas (seminarios, residencias, talleres…). La condición escénica contiene también la cualidad de mostrar la actividad social interior como linterna que puede alimentar y reforzar la percepción de los jardines como espacio habitable. Si bien las dos salas tienen similares prestaciones técnicas, la diferente posición con respecto al terreno permite enriquecer su idoneidad en cuanto a los accesos, al esparcimiento de la actividad en el exterior o al control de la iluminación natural.
Espacio juvenil en la plaza José Toubes Pego | LCG arquitectura | Sala superior
Este espacio juvenil es a la ciudad del estado de bienestar lo que la calle y la plaza fueron a la ciudad comunal y supone dar reconocimiento a esa dimensión informal de la socialización.
El papel social de un centro cívico debe ofrecer herramientas que faciliten la autonomía y la libertad del tejido social de la ciudad. Cuando hablamos de los jóvenes se observa que, en numerosas ocasiones, la vida urbana se orienta en franjas de edad (pequeños, mayores y, por supuesto, adultos) que marginan u olvidan ese período entre los 12 y los 30 años.
Existe la necesidad de escuchar las ideas de la juventud para impulsar sus capacidades y talento. El objetivo es promover hábitos saludables en el tiempo libre y fomentar la participación activa en la vida diaria de la ciudad.
Espacio juvenil en la plaza José Toubes Pego | LCG arquitectura | Emplazamiento
Espacio juvenil en la plaza José Toubes Pego | LCG arquitectura | Arquitectura
Espacio juvenil en la plaza José Toubes Pego | LCG arquitectura | Estrategias
Espacio juvenil en la plaza José Toubes Pego | LCG arquitectura | Proyecto
De este modo se hacen más permeables las condiciones de uso para que puedan atender a necesidades colectivas más líquidas, expandiendo la concepción de equipamiento, al desenvolver fórmulas híbridas en donde un equipo de dinamización gestiona los espacios o acompaña a los grupos para organizar actividades por iniciativa propia. En palabras de Pierre Dardot y Christian Laval, “lo común” será lo que garantice la universalidad del acceso a los servicios mediante la participación directa de los usuarios en su gestión.
Así, el parque dispone de un equipamiento abierto todos los días del año en donde desarrollar actividades lúdicas, deportivas o culturales, tanto en el interior del pabellón, como en el espacio público exterior. Además, la incorporación en el proyecto de la zona de espera del bus urbano en uno de los nodos mejor comunicados de la ciudad, resuelve el problema de la movilidad y permite que su influencia trascienda a otros barrios.
Espacio juvenil en la plaza José Toubes Pego LCG arquitectura 05 Historia 07-Parque
Espacio juvenil en la plaza José Toubes Pego | LCG arquitectura | Pérgola
Espacio juvenil en la plaza José Toubes Pego | LCG arquitectura | Vestíbulo superior
Espacio juvenil en la plaza José Toubes Pego | LCG arquitectura | Vestíbulo inferior
Espacio juvenil en la plaza José Toubes Pego LCG arquitectura 05 Historia 13-Sala-inf
Espacio juvenil en la plaza José Toubes Pego | LCG arquitectura | Lucernario superior
Espacio juvenil en la plaza José Toubes Pego | LCG arquitectura | Lucernario inferior
Espacio juvenil en la plaza José Toubes Pego | LCG arquitectura | Escalera
Obra: Espacio juvenil en la plaza José Toubes Pego
Autores: LCG arquitectura (Fernando Eiroa Lorenzo, Jorge García Anta)
Ubicación de la obra: Plaza José Toubes Pego 15006 A Coruña (España)
Año: 2021
Superficie: 358,29 m2 (edificación) + 292,14 m2 (urbanización)
Construcción: DESARROLLA OBRAS Y SERVICIOS, S.L.
Colaborador: Rafael Calvo Ruso
Arquitecto Técnico: Antonio Blanco Alzueta
Cálculo estructural: Juan Manuel Ferreiro Oliva
Cálculo instalaciones: Laura Rey Rico
Fotografía: Héctor Santos-Díez + lcgarquitectura.com
Nuevo ciclo, comisariado por la profesora Eva Hurtado, en el que habrá ponencias y mesas redondas sobre el papel de la mujer en la arquitectura y conversaciones entre las arquitectaspionerasy otras más jóvenes, enlazando sus experiencias profesionales.
Conferencia inaugural del Ciclo Arquitectas: Arquitectas en la Bauhaus: Un nuevo arquetipo, por Josenia Hervás y Heras, y posterior mesa redonda bajo el Pioneras de la Arquitectura Española. Las ausentes.
Paseando por mi pueblo he caído en la cuenta de que prácticamente todos los promotores inmobiliarios que han pasado por aquí han dejado calles, plazas y avenidas a nombre de sus padres, de sus hijos, de sus esposas…
Parece mentira que sean esos nombres los que acaben configurando los callejeros de nuestros pueblos y los que vayan a forjar nuestra memoria urbana y la de nuestros hijos.
En mi pueblo ha habido, de siempre, una Plaza de la Fuente porque en ella está la fuente; una Calle de la Vega porque por ella se sale del pueblo y se va hacia la vega; una Calle del Cristo que sube desde la plaza hasta la hoy desaparecida ermita del Cristo; una Calle Ancha porque era la más ancha; una Calle de la Botica porque… Así de simple y de sencillo era mi pueblo.
Después se pusieron nombres a algunas calles nuevas: A una el de un cura que estuvo muchísimos años y a quien la gente recordaba con cariño; a otra el de un médico muy querido que pasó aquí casi toda la vida; a otra el de un secretario por lo mismo… Hay un parque a nombre de un vecino (tío abuelo mío), y así algún otro lugar del pueblo. Me parece muy bien: Los nombres de vecinos queridos y respetados, de personas a las que el pueblo quiere recordar para siempre; gente insignificante para el mundo pero muy importante para sus vecinos, y de la que éstos quieren guardar memoria.
Sin embargo, en estos últimos años un promotor nos ha dejado una avenida a nombre de su madre, otra a nombre de su padre, un parque a nombre de su mujer y yo qué se qué más. Otro nos ha dejado una avenida a nombre de su empresa (que a su vez contiene las iniciales de sus hijos) y una plaza a su propio nombre. Otro más nos ha dejado una plaza a nombre de su padre. Otro una calle a nombre de su esposa. Etcétera.
¿Quiénes son estos personajes que pueblan nuestros callejeros?
Pues gente que no pisaron jamás el pueblo, que no lo conocen de nada y a quienes nadie del pueblo conoce. Y cuyos nombres quedan grabados sin fundamento, sin necesidad, sin reconocimiento y sin justicia.
Es un ejemplo más del disparate que se ha adueñado de nuestras vidas.
En una época de enorme crecimiento, los administrativos del ayuntamiento se las veían y se las deseaban para buscar nombres de flores para nombrar las calles de una urbanización, de pájaros para otra, de escritores para otra, de minerales para otra, de islas para otra más, etcétera.
Es una consecuencia, tal vez tonta e insignificante, de este urbanismo de PAUs, de zonificación brutal y expeditiva, de creación de tejido urbano de la nada que hemos padecido: De este «Hurbanismo».
En los proyectos de urbanización las calles se llamaban A, B, C, D…, y cuando se terminaban y la gente empezaba a vivir en las casas resultantes el ayuntamiento tenía que poner deprisa y corriendo «Calle de Pío Baroja», «Calle de Miguel de Unamuno», «Calle de Valle-Inclán», «Calle de Ramiro de Maeztu»… o «Calle de la Oropéndola», «Calle del Jilguero», «Calle del Gorrión», «Calle de la Paloma»… Etcétera. Así, porque sí y a capón.
Así que si el promotor de turno ya les daba resuelto el asunto y les presentaba un plano con los nombres de las calles ya puestos -Avenida de Antonia Motilla Sánchez (su esposa), Calle de Luis Alberto Pérez Motilla, Calle de Juan José Pérez Motilla, Calle de María Teresa Pérez Motilla y Calle de Leonardo da Vinci (es que no tenía más hijos)-, el ayuntamiento le daba el okey y se quedaba tan contento.
La verdad es que para esto yo habría preferido dejar los nombres fríos de los planes parciales: «Calle A de la Primera Fase del SAU 24«; como los asteroides que se van descubriendo ahora, que ya no tienen nombres de dioses romanos, sino de conservantes.
Una variante divertida de este fenómeno se ha dado en más de un lugar (esta vez no en mi pueblo) cuando el promotor, una vez saciado su amor filial, conyugal y paternal, delegaba en el arquitecto la tarea de nominar las demás calles, y éste decidía convocar y concitar a todos sus héroes. Y así nos encontramos alguna urbanización con las calles Alvar Aalto, Frank Lloyd Wright, Miguel Fisac, Santiago Calatrava y Rafael Moneo. Y lo más impresionante es que en ellas hay unas casas que no tienen nada que ver con ellos, porque las casas ya sí las diseñaba el promotor a su gusto. («Es que esto es lo que vende»).
No es mi pueblo. Es otro cercano
En la imagen superior se ve un fragmento de plano del callejero de un pueblo en el que podemos ver las calles de Alvar Aalto, de Miguel Fisac, de Sainz [sic] de Oiza, de Álvaro Siza, de Norman Foster, de Santiago Calatrava y de Rodrigo Carrasco (que ya estaba allí antes y viene de otra historia). (Las que no aparecen rotuladas en este plano son las calles de Rafael Moneo, de Frank Gehry y de Pablo Palazuelo (¿?). Y fuera del fragmento seleccionado, por el sur, siguen la de Walter Gropius y la de Alonso de Covarruvias. (Menudo cacao).
Fuera de este fragmento, por el este, nos encontramos con las calles de Bramante, Juan de Villanueva, Ventura Rodríguez, Andrea Palladio, Francisco Sabatini…
Veamos ahora unas casas en la Calle de Alvar Aalto.
C/ Alvar Aalto (España). Clica en la foto si te atreves
Otras en la Calle de Sainz de Oíza [repito el sic].
C/ Sainz de Oíza (España). Ya ni cliques.(¿Para qué?)
Y otras en la Calle de Norman Foster.
Pienso que todo forma parte del mismo caótico y estúpido mundo en el que todo lo confundimos y revolvemos.
Vivimos revolcaos en un merengue y en un mismo lodo todos manoseaos.
Hoy resulta que es lo mismo ser derecho que traidor; ignorante, sabio, chorro, generoso, estafador.
Todo es igual. Nada es mejor. Lo mismo un burro que un gran profesor.
No hay aplazaos ni escalafón los inmorales nos han igualao.
Si uno vive en la impostura y otro roba en su ambición, da lo mismo que sea cura, colchonero, rey de bastos, caradura o polizón.
¡Pero qué falta de respeto! ¡Qué atropello a la razón!
Iba a poner un par de versos de Cambalache, ¿pero qué versos elegir? ¿Cuándo parar?
(Perdón por la digresión. En cuanto se me va la pinza un poquito me voy a Cambalache. No tengo arreglo).
Todo es igual. Nada es mejor. Lo mismo el cura que la madre del urbanizador.
Salgo a pasear y me veo como un zombie, vagando por calles con nombres extraños, de personas que no sé quienes son, o de personas famosas que no tienen nada que ver con mi pueblo, o de ciudades europeas, o de razas de perros, o de juegos de mesa, o de árboles, o de lo que sea, a modo de catálogos incompletos e incoherentes (¿por qué Walter Gropius hace esquina con Alonso de Covarrubias?; ¿por qué el ornitorrinco?; ¿a santo de qué el níspero?; ¿qué pinta la Calle de la Isla de Alborán en un pueblo de la Sagra toledana?), entre los que me pierdo como en una ciudad extraña, que ya no tiene nada que ver conmigo y en la que naufrago huérfano de mi propia memoria, en unas calles hostiles que tienen nombres de mentira y donde hay casas de mentira y vive gente de mentira. Gente como yo, que ya ni sé dónde estoy ni de dónde soy.
José Ramón Hernández Correa · Doctor Arquitecto
Toledo · Diciembre 2015
El pequeño parisino (Petit Parisien de Willy Ronis, 1952)
Yo era como un niño de pan, así me llamaban, pedía -a mis padres- ir a comprarlo; demostrar que podía hacerlo era para mí era una gran responsabilidad. Desde llevar la bolsa de tela con bordados hechos por mi madre, el dinero empuñado en la mano, contar con los dedos que me entregaran la cantidad exacta, escogerlos de la vitrina, señalándolos uno a uno (ante la mirada atenta del despachador) eligiendo siempre los más tostados, hasta contar el vuelto –ya con la mano estirada- antes de salir raudamente de la panadería e ir corriendo a casa para que no se enfríen.
Llegar a casa, poner la mesa, centrar la panera, y entregar el vuelto, que era contado -inadvertidamente- por mi madre; era todo para mí. Pero, no iba y venía solamente, estando en la calle observaba muchas cosas.
Siempre -de niño- había procurado aventurarme a la calle, andar sin pisar las líneas de la calzada, sentir la grama húmeda en mis piernas -aun de tez suave-, había días que cuando salía de casa sentía -ya en la calle- que un hada madrina me llegaba a alcanzar y tocar con su varita mágica sobre mi cabeza. Lo curioso es que desde que lo he sentido no ha dejado de hacerlo. Pienso que son muchas hadas -de todo tamaño y velo- las que me han llegado a tocar la cabeza al vuelo con su varita mágica.
Confieso que desde pequeño quizás le he corrido asustadizamente -para que no logre alcanzarme- pensando que me caería una maldición o una llamada de atención por desobedecer a mis padres. Pero, igualmente, escabullándome me llegaba a tocar, y lo más curioso es que a penas lo hacía su figura se esfumaba rápidamente. Luego casi a penas la podía sentir. Esa sensación ingresaba a mi morada y luego al alma, algo así como a la casa y luego al hogar de uno.
Con el pasar del tiempo ya no corro cuando la veo, me calmo, la aguardo, la miro, intento tocarle su mano con el índice estirado, pero sin lograr alcanzarla: eso si siento poco a poco como su energía se vacía desde lejos hasta agotarse en mí.
A medida que uno crece cada vez se siente más sutilmente, algún día quizás ya no la vea porque vivirá en mí.
Tu propia vida te aclama por donde vas y pisas, solo tienes que levantar la mirada y estar atento por si un hada madrina te escoge o elige, solo tienes que andar sin sendero, solo andar. Así, hasta hacerte adulto y volar.
Henri Cartier-Bresson en la Rue Mouffetrad Paris, 1954. Aparece un niño sonriente llevando dos botellas de vino en cada brazo
La Fundación Arquitectura y Sociedad presenta «Después de todo, la ciudad», un podcast sobre el presente y el futuro de nuestras urbes, y sobre cómo cambian cada día.
«Después de todo, la ciudad» es un podcast sobre cómo habitamos las ciudades, pero no hablamos solo de arquitectura. Cada episodio, un tema: economía, movilidad, alimentación o tecnología son actores esenciales en el difícil arte de vivir juntos.
«Después de todo, la ciudad» es un programa promovido por la Fundación Arquitectura y Sociedad, dirigido y presentado por Inmaculada Maluenda y Enrique Encabo, y con diseño sonoro de Pedro Portellano. Cuenta, además, con la colaboración de El Cultural y el apoyo del Ministerio de Transportes, Movilidad y Agenda Urbana.
Después De Todo La Ciudad. Del campo a la ciudad
Episodio 1/6. Del campo a la ciudad
Con Sergio del Molino, Ana Iris Simón y Manuel Campo Vidal. España manifiesta un preocupante desequilibrio: mientras las grandes urbes no paran de crecer, las poblaciones pequeñas y medianas, así como el campo, sufren una pérdida incesante de capital humano, particularmente acentuado en el sector de la población más joven. Este primer episodio, «Del campo a la ciudad» aborda, durante 70 minutos, un problema que no solo es socioeconómico y territorial, sino de simples derechos ciudadanos.
A principios de la década de 1980, el periodista Avelino Hernández viajó por los pueblos de la provincia de Soria. En uno de ellos, encontró a un hombre solo, sentado, y le preguntó cuántos vecinos eran:
— Está hablando usted con la mitad.
Han pasado 40 años, pero continúa siendo una escena reconocible.
Las ciudades afrontan en España un problema dual: por un lado, las capitales, las grandes urbes, no paran de crecer; por otro, las poblaciones pequeñas y medianas, sobre todo las situadas entre Madrid y la costa, sufren un goteo incesante de su capital humano que se acentúa particularmente en el sector de la población más joven.
Se trata de un fenómeno que los medios han recogido bajo distintos titulares. La España vacía, el afortunado sintagma acuñado por Sergio del Molino, ha dado lugar a todo tipo de variantes: la España vaciada, la España despoblada, la España en la que nunca pasa nada… Son matices de un problema que no solo es socioeconómico y territorial, sino de simples derechos ciudadanos. ¿Es la emigración a las grandes ciudades de nuestro país la única salida para disponer de oportunidades? ¿Cómo ha cambiado la vida de las personas fuera de las grandes concentraciones urbanas? ¿Qué futuro ofrece la vida rural? ¿Debemos aferrarnos a la tecnología como solución?
«Del campo a la ciudad», el primer episodio de esta serie de podcast, aborda precisamente esas relaciones entre las grandes urbes y los pequeños pueblos de España con tres invitados que han reflexionado, investigado y escrito sobre este problema: Ana Iris Simón con Feria, unas memorias costumbristas de ciudad y pueblo; Sergio del Molino con su fundacional La España vacía, la obra que abrió el debate; y, por último, el periodista Manuel Campo Vidal quien, con su manifiesto y libro La España despoblada, se ha erigido como una de las voces más reivindicativas frente al desequilibro territorial y demográfico de nuestro país.
Los invitados
Sergio del Molino (Madrid, 1979) es autor, entre otros, del ensayo ‘La España vacía’ (2016). Ha ganado los premios Ojo Crítico y Tigre Juan por ‘La hora violeta’ (2013) y el premio Espasa por ‘Lugares fuera de sitio’ (2018). Entre sus novelas destacan ‘La piel’ (2020) o ‘Lo que a nadie le importa’ (2014). Su último libro es ‘Contra la España vacía’ (2021).
Ana Iris Simón (Campo de Criptana, 1991) estudió en el CP Vicente Aleixandre y en el IES Alpajés, ambos de Aranjuez, para terminar cursando Periodismo y Comunicación Audiovisual en la URJC. Ha trabajado como periodista en TELVA y VICE España y actualmente es columnista en El País. En 2020 publicó su primer libro, ‘Feria’ (Círculo de Tiza).
Manuel Campo Vidal es Doctor en Sociología y Licenciado en Periodismo. Es Presidente y profesor de comunicación en Next Educación. Dirige y es profesor del Instituto de Comunicación Empresarial. Es Presidente Emérito de la Academia de las Artes y las Ciencias de la Televisión en España.
Después de todo, la ciudad Podcast. Alimentar la ciudad
Episodio 2/6. Alimentar la ciudad
Con Carolyn Steel, Marcela Villarreal y Martín Caparrós. En 2030, habrá 40 ciudades con más de 10 millones de habitantes y, para 2050, dos tercios de la población mundial en áreas urbanas. ¿Cómo vamos a alimentar a esas megalópolis? En este programa especial, «Alimentar la ciudad» se aborda, durante 90 minutos, las distintas ramificaciones de la cadena alimentaria, desde los cultivos a los desperdicios.
El programa
Hay cierto consenso en que la calidad de nuestra dieta es directamente proporcional al PIB. Así, la deseable mejora en nuestro nivel de vida debe ir acompañada de una calidad y una seguridad alimentaria que no están, ni mucho menos, garantizadas. Conforme a esa incertidumbre, el futuro solo parece tener un sentido: para dar de comer a los diez mil millones de seres humanos que seremos en 2050, habrá que cultivar nuevas tierras, pagar más por la energía, afrontar la demanda de la nueva clase media de dos gigantes, la India y China, y, sobre todo, hacerlo de manera medioambiental y económicamente sostenible.
Se trata de un reto en el que las ciudades, las grandes consumidoras, habrán de tener un papel protagonista. ¿Pueden alimentarse sin tener en cuenta al campo? ¿Deben ser los alimentos un activo económico? ¿Cómo podemos afrontar las dos grandes deficiencias alimentarias de nuestro mundo, el hambre y la obesidad? ¿Qué papel tienen las nuevas iniciativas, de la carne sintética a los cultivos urbanos?
«Alimentar la ciudad», el segundo episodio de esta serie de podcasts, es un programa que aborda precisamente esas relaciones entre casa y comida, desde la antigüedad al futuro, con tres invitados que se han aproximado al tema de maneras muy diferentes: Carolyn Steel con Ciudades hambrientas, un completo estado de la cuestión; Marcela Villarreal, como representante de la Organización de las Naciones Unidas para la Alimentación y la Agricultura (FAO); y, por último, el periodista y escritor Martín Caparrós, autor de El hambre.
Los invitados
Carolyn Steel es arquitecta por la Universidad de Cambridge y reflexiona, en su trabajo, sobre las consecuencias urbanas de la alimentación. Tras un periodo de docencia en la London School of Economics, elaboró para su alma mater una serie de conferencias sobre comida y ciudad entre 2002 y 2012, las primeras en su género. Autora de Ciudades Hambrientas (Capitán Swing, 2020; edición original, 2008), ha publicado recientemente Sitopia: How food can save the world (Vintage, 2020), aún no traducida a nuestro idioma.
Marcela Villarreal es Dra. en Sociología Rural (Universidad de Cornell) y posee licenciatura y máster en Ingeniería de Sistemas y Computación (Universidad de los Andes, Bogotá). Coordina el programa marco de la FAO de apoyo a la Inversión Responsable en Agricultura y Sistemas Alimentarios. Ha trabajado para varias agencias de las ONU y el Gobierno de Colombia. Ha liderado misiones en 40 países y ha publicado numerosos artículos sobre seguridad alimentaria, género, pobreza, equidad, empleo y tenencia de la tierra.
Martín Caparrós (Buenos Aires, 1957) se licenció en historia en París, vivió en Madrid, Nueva York y Barcelona, hizo periodismo en gráfica, radio y televisión, dirigió revistas de libros y revistas de cocina, tradujo a Voltaire, a Shakespeare y a Quevedo, recibió la beca Guggenheim, los premios Planeta y Herralde de novela, los premios Tiziano Terzani y Caballero Bonald de ensayo, los premios Rey de España y Moors Cabot de periodismo. Ha publicado más de treinta libros en más de treinta países. Los últimos –libros, no países– son las novelas Sinfín y Todo por la patria y el ensayo Ñamérica.
Después de todo, la ciudad. La ciudad en movimiento
Episodio 3/6. La ciudad en movimiento
Con Jan Gehl, Carlos Moreno e Inma Martínez. Enrique Peñalosa ha sido alcalde de Bogotá en dos ocasiones. En una ciudad dominada por los trancones o atascos, supo ver que la solución no estaba en dar más espacio al coche, sino en fomentar que la gente con menos recursos se moviese mejor. Y dejó una frase memorable:
«Una ciudad avanzada no es aquella en la que los pobres tienen auto, sino en la que hasta los ricos utilizan transporte público».
El programa
Aunque suena muy bien, refleja solo una parte del camino necesario. En las grandes ciudades hemos creado parques donde antes teníamos autovías, pero también nos las hemos arreglado para expulsar a la población de los centros, con lo que muchas personas se ven obligadas a tomar su coche cada mañana para acudir al trabajo. Las situación conduce a un problema medioambiental de primer orden —más o menos, un 30 % de las emisiones de CO2 en el mundo provienen de medios de transporte— que afecta, además, a nuestra salud y a la consistencia del tejido social.
¿Cómo convertir la movilidad en un derecho? ¿De verdad podremos prescindir en algún momento del automóvil? En este programa del podcast, «La ciudad en movimiento», se abordan las distintas soluciones y modelos que atañen a la movilidad urbana de las grandes urbes, desde el peatón hasta el coche autónomo. Se hace a partir de las aportaciones realizadas a través de la investigación y práctica de tres invitados que han abordado el tema y su problemática desde facetas muy distintas. Primero, el arquitecto Jan Gehl, una referencia mundial en la condición humana del espacio público. Después, Carlos Moreno, investigador en la Sorbona y asesor de la ciudad de París para la implantación del modelo ‘La ciudad de los quince minutos’. Por último, Inma Martínez, experta en Inteligencia Artificial y en la industria del automóvil autónomo.
Los invitados
Jan Gehl (Copenhague, 1936) es arquitecto y catedrático de Diseño Urbano en la Escuela de Arquitectura de la Real Academia danesa de Bellas Artes. Su estudio, Gehl Architects, cuenta con sedes en Copenhague, San Francisco y Nueva York. Ha sido asesor de estrategia y diseño urbano de diversas ciudades de Europa, América del Norte, Australia y Lejano Oriente. Con su enfoque en el peatón y las relaciones sociales, su libro La humanización del espacio urbano (Reverté, 2006; reed. 2009), publicado por vez primera en 1971, se considera un clásico de del diseño de ciudades. Ha sido reconocido con el Premio de investigación Edra/Places y el Sir Patrick Abercrombie, concedido por la Unión Internacional de Arquitectos, por sus aportaciones al urbanismo y la ciudad. Es doctor honoris causa por la Universidad Heriot-Watt de Edimburgo.
Carlos Moreno (Tunja, Colombia, 1959) es director científico de la cátedra ETI ‘Emprendimiento-Territorio-Innovación’ en la Universidad de París IAE-Panteón Sorbona (Francia). Investigador especializado en el estudio de sistemas complejos, su actividad se ha desarrollado en el ecosistema de innovación en torno a la transferencia de tecnología a la industria, pymes, start-ups y la divulgación científica, con aportaciones como la ‘Ciudad digital y sostenible’ en 2006, la ‘Smart City Humana’ en 2012, la ‘Ciudad viva’ en 2014, y la aclamada ‘Ciudad de los 15 minutos’ en 2016, que desarrolla para la ciudad de París, en calidad de asesor de su alcaldesa, Anne Hidalgo.
Inma Martínez (Valencia, 1964) es ingeniera y experta en Inteligencia Artificial (AI). Además de trabajar como asesora de modelos de emprendimiento de negocio para más de 250 empresas y consorcios internacionales. Ha colaborado con los gobiernos de Reino Unido, España y Malasia en el análisis y desarrollo de modelos competitivos para el fomento de la transformación digital y el progreso social, sector pionero que le ha llevado a ser reconocida a nivel internacional por medios como la revista Times. En su condición de tecnóloga digital, ha desarrollado una investigación pormenorizada sobre el el coche autónomo y su potencial e impacto en la movilidad del presente y futuro de nuestras ciudades, que ha publicado en The future of the Automotive Industry (Apress, 2021), su último libro.
Después de todo, la ciudad. Economía y ciudad
Episodio 4/6. Economía y ciudad
Con Edward Glaeser, Milena Almagro y Jorge Dioni López. La economía suele pensarse como un asunto abstracto, de índices y déficits, y que parece conectar el gobierno de los países con el bolsillo propio. Sin embargo, existen ciertos estados intermedios que nos afectan a todos y tienen su reflejo en el entorno más inmediato. En España, por ejemplo, el sector de servicios —también denominado sector terciario— representa más del 70% del empleo y del Producto Interior Bruto. Y esos servicios dependen del contacto cara a cara, de nuestra tendencia a agruparnos: son, en su inmensa mayoría, urbanos.
El programa
Las ciudades son nuestros centros de actividad económica, pero ¿cuáles, las de los ricos o las de los pobres, como distinguía Platón en su República? Todo cuenta. Mantener o demoler un edificio no es un asunto estético, sino que afecta al bolsillo de todos, y tampoco otras recetas que considerábamos seguras, como la construcción de grandes equipamientos, parecen ser la solución. Por otro lado, el progresivo encarecimiento de la vida urbana ha desplazado a la población a las periferias, con desastrosas consecuencias económicas y ambientales. La pregunta quizá sea otra. ¿Qué significa, hoy por hoy, crecer?
En este programa dedicado a «Economía y ciudad» se abordan las distintas vertientes del intercambio urbano, de la creación de grandes atractores de capital a los cambios en el sistema productivo, a través de tres invitados que han abordado el tema desde facetas complementarias: Edward Glaeser, profesor en Harvard y autor de El triunfo de las ciudades; Milena Almagro, economista urbana y docente en la Escuela Booth de Chicago; y, por último, Jorge Dioni López, autor de uno de los ensayos de mayor impacto en el último año, La España de las piscinas, una crónica sobre cómo el urbanismo neoliberal ha alterado el mapa político y económico de nuestro país.
Los invitados
Edward Glaeser (Nueva York, 1967) es economista y docente en Harvard desde 1992, donde ostenta la cátedra Fred and Eleanor Glimp de Economía. Asimismo, es el codirector del Programa de Investigación de Ciudades en el International Growth Center, afiliado a la London School of Economics y a la Universidad de Oxford, y miembro del Manhattan Institute. Entre sus libros, figuran El triunfo de las ciudades (Taurus, 2011; reed 2020) y el reciente Survival of the city: Living and thriving in an age of isolation (Basic books, 2021), escrito en colaboración con David Cutler.
Milena Almagro (Madrid, 1988) es graduada en Matemáticas por la Universidad Complutense de Madrid, máster en Econometría y Matemáticas Económicas por la London School of Economics, graduada en Economía por la Universidad de Cambridge y doctorada en Economía por la New York University. Sus trabajos se han publicado en revistas académicas como Theoretical Economicsy Journal of Urban Economics: Insight. En la actualidad, es profesora en la Chicago Booth School of Business y en el Departamento de Economía de la Universidad de Chicago. Su trabajo aborda la economía urbana desde un punto de vista estructural.
Jorge Dioni López (Benavente, Zamora, 1974) es licenciado en periodismo por la Universitat Autònoma de Barcelona. Ha trabajado en diarios (Sport, Marca y Metro), radio (Cadena SER, RNE y Ràdio Gràcia), revistas (Vanity Fair, GQ y El estado mental) y comunicación institucional (Alcatel-Lucent y Asociación de Clubes de Baloncesto). En la actualidad, es profesor de lectura y escritura en la Escuela de Escritores, realiza tareas de comunicación corporativa para la agencia Dobleh y colabora con la revista La Marea. En 2021 publicó La España de las piscinas (Arpa), que se encuentra ya en su quinta edición.
Después de todo, la ciudad 2022. La ciudad de los intangibles
Episodio 5/6. Economía y ciudad
Con José Carlos Arnal / Daniel Sarasa, Kate Crawford y Carlos Barrabés
«La tecnología es la respuesta, pero ¿cuál era la pregunta?» Pronunciada hace más de medio siglo, la frase de Cedric Price resuena con más fuerza que nunca en las ciudades contemporáneas, cada vez más entregadas a las tecnologías de la información. Desde el tráfico o la logística a la gestión energética, conforman una red invisible cuyo impacto se deja sentir en todos los procesos que conforman nuestro día a día.
Sin embargo, este mundo de apps e intangibles despierta casi tantas expectativas como interrogantes. Por un lado, la digitalización podría contribuir al equilibrio territorial, pero uno de sus activos principales, el de los datos, no solo privilegia a las concentraciones urbanas, sino que también se ofrece como el nuevo escenario de la pugna entre las empresas privadas y los poderes públicos. Eso por no hablar de las incertidumbres respecto al empleo, tanto en calidad como en cantidad, que parecen caracterizar a esta nueva era.
El programa
Sin embargo, este mundo de apps e intangibles despierta casi tantas expectativas como interrogantes. Por un lado, la digitalización podría contribuir al equilibrio territorial, pero uno de sus activos principales, el de los datos, no solo privilegia a las concentraciones urbanas, sino que también se ofrece como el nuevo escenario de la pugna entre las empresas privadas y los poderes públicos. Eso por no hablar de las incertidumbres respecto al empleo, tanto en calidad como en cantidad, que parecen caracterizar a esta nueva era.
En este programa«La ciudad de los intangibles» dedicado a la tecnología en la ciudad se abordan las distintas fricciones de la innovación, desde quién decide sobre lo digital a las consecuencias terrenales de la ‘nube’ a través de tres conversaciones con expertos de muy distinto calado: José Carlos Arnal y Daniel Sarasa, autores de Ciudad abierta, ciudad digital; la académica australiana Kate Crawford, quien acaba de publicar en español Atlas de la Inteligencia artificial y Carlos Barrabés, uno de los pioneros del comercio electrónico en España.
Los invitados
José Carlos Arnal (Zaragoza, 1958) es periodista. Ha dirigido el Parque Científico Tecnológico Aula Dei y la Fundación Zaragoza Ciudad del Conocimiento. Impulsó proyectos como el Centro de Arte y Tecnología Etopia y el Comité Internacional de Expertos en Innovación Urbana. Daniel Sarasa (Zaragoza, 1972) es ingeniero de Telecomunicaciones. Contribuyó a poner en marcha la red wifi municipal, el sistema público de incubadoras y la Estrategia de Gobierno Abierto de Zaragoza. Dirige la fundación Zaragoza Ciudad del Conocimiento y es editor del blog de innovación urbanaUrbequity.com.
Kate Crawford (Australia, 1976) investiga sobre las consecuencias sociales, políticas y económicas de la inteligencia artificial. Ejerce de profesora investigadora en la Universidad del Sur de California (USC Annenberg), así como en el laboratorio de investigación de Microsoft en Nueva York. Ha sido docente invitada en la École Normale Superieure. En la actualidad, lidera el Knowing Machines Project, una investigación colaborativa de carácter internacional sobre las bases y principios del aprendizaje automático. Otras facetas de su trayectoria son las investigaciones en el ámbito de las artes visuales. Su Anatomy of an AI System, en colaboración con Vladan Joler, se exhibe en la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA). Su último libro es Atlas de la inteligencia artificial (Fondo de Cultura Económica, 2022).
Carlos Barrabés (Benasque, 1970) es presidente y fundador del Grupo Barrabés. A lo largo de su carrera profesional ha colaborado y colabora con instituciones de todo el mundo en diversos ámbitos, destacando su compromiso con el emprendimiento como movimiento capaz de ayudar a transformar el mundo. La capacidad del emprendimiento para convertirse en un elemento dinamizador de ecosistemas es uno de sus principales focos de interés y, por ello, trabaja intensamente en desarrollar ecosistemas complejos que contribuyan al desarrollo de su entorno. Entre sus pasiones se encuentran en las causas de carácter social, la educación y el mundo rural, ámbitos en los que ha desarrollado su actividad y que considera imprescindibles para lograr un equilibrio como sociedad.
Después de todo, la ciudad 2022. Energía para la ciudad crisis y cambio climático
Episodio 6/6. Energía para la ciudad: crisis y cambio climático
Con Timothy Mitchell, Antonio Turiel y Hélène Chartier
Las ciudades son hijas de la energía. La explosión de los combustibles fósiles a lo largo del siglo XIX facilitó la expansión urbana, un crecimiento que, desde entonces, no se ha detenido. Queremos cada vez más y, cada vez, más barato: la electricidad, energía lista para el consumo, costaba a principios de este siglo poco más que la centésima parte que cien años atrás, en 1900.
El programa
El problema es que ese precio no tiene en cuenta el auténtico coste: la salud del planeta. Los combustibles fósiles han ido llegando, poco a poco, a su pico de producción, y ni las previsiones más optimistas sueñan con una sustitución por las llamadas renovables. Hace ya casi cuarenta años que se habla de sostenibilidad, pero las emisiones de carbono de la industria de la construcción han crecido, en la última década, al menos un 1% cada año. Probablemente, la respuesta no esté en mantener nuestros hábitos de consumo, por muy verdes que sean, sino en reducirlos.
En este programa dedicado a la energía y sostenibilidad de nuestras urbes se abordan tres momentos de esta historia. El pasado, con la explosión de los combustibles fósiles y su incidencia sobre la organización del mundo, queda a cargo de Timothy Mitchell, catedrático en Columbia y autor de Carbon democracy, una historia política de la energía. El actual momento de transición energética, con todas sus incertidumbres, se detalla a través de una conversación con Antonio Turiel, científico del CSIC y autor de Petrocalipsis y Sin energía. Y el futuro se aborda con Hélène Chartier, directora de la sección de planeamiento urbano del c40, la alianza de ciudades contra el cambio climático.
Los invitados de «Energía para la ciudad»
Timothy Mitchell (Londres, Inglaterra; 1955) ocupa el cargo de William B. Ransford Professor para estudios de Oriente Medio, África y Sur de Asia en la Universidad de Columbia (Nueva York). Antes de 2008, año de incorporación a esta universidad, enseñó durante 25 años en la New York University. Mitchell se formó en Cambridge y Princeton en derecho, historia y teoría política, y su trabajo aborda las conexiones entre la historia y las ciencias sociales.
Gran parte de sus escritos tratan sobre la historia y la política contemporánea de Egipto, un tema sobre el que ha investigado a lo largo de cuadro décadas. Sus textos —traducidos al árabe y otros quince idiomas— examinan la historia del colonialismo, la componente política de la energía y la economía política del capitalismo, así como la creación del conocimiento experto. Entre sus libros se cuentan Colonising Egypt, Rule of Experts, and Carbon Democracy: Political Power in the Age of Oil, volumen que se reeditará a lo largo de 2023.
Antonio Turiel (León; 1970) es científico y divulgador. Licenciado en Físicas, en Matemáticas y doctor en Física Teórica, es investigador científico en el Instituto de Ciencias del Mar de Barcelona (CSIC). Su investigación se ha centrado en la turbulencia y la oceanografía por satélite, aunque también es experto en el ámbito de los recursos naturales. Su blog, The Oil Crash, es una de las grandes referencias en castellano sobre el problema del cénit del petróleo. En los últimos años ha publicado Petrocalipsis (2020) y Sin energía: pequeña guía para el Gran Descenso (2022), ambos en editorial Alfabeto.
Hélène Chartier (Bondy, Francia; 1978) es la directora del departamento de Planeamiento Urbano y Proyectos en c40 Cities. Su trabajo consiste en ayudar a las ciudades a acelerar la puesta en marcha de políticas urbanas y de proyecto que sean resilientes y sostenibles. Con este cometido, lidera la Land Use Planning Network del c40 —una red de planeamiento de la que, en España, forman parte Madrid y Barcelona—, el programa Green & Thriving Neighborhoods el concurso Reiventing Cities, que promueve proyectos de regeneración urbana resilientes y libres de carbono en ciudades de todo el mundo.
Antes de su incorporación al c40, trabajó como asesora de la alcaldesa de París Anne Hidalgo. También ha trabajado en el departamento de urbanismo de esa ciudad, así como para la consultora internacional Arup. Hélène posee un master en ciencia e ingeniería de la École Centrale, y está especializada en edificación e ingeniería civil. En los últimos 15 años ha vivido en París, Londres y Nueva York.
18 Viviendas en el bosque | Vaillo + Irigaray Architects
El proyecto se ubica al borde de un bosque, entre el núcleo tradicional y una nueva área de desarrollo en un pequeño pueblo de la cuenca de Pamplona.
La singularidad tipológica reside en la inclusión de viviendas “apiladas”, -6 por planta en 3 alturas-, resueltas aparentemente dentro la sección de vivienda unifamiliar. Ello proporciona una imagen cercana a la tradicional sección de “casa”, acorde con la volumetría de las viviendas del núcleo urbano.
Sección transversal B
La distorsión de la escala, se provoca mediante la extrusión de la sección, y se acentúa mediante taludes en contacto con el terreno, así como con la sombra generada por la gran profundidad de las terrazas.
La adaptación topográfica se resuelve mediante taludes vegetados, -evitando cierres y muros-, imponiendo un desbordamiento del suelo acortando visualmente la sección construida.
Situación
Alzado D
Alzado C
Alzado B
Alzado A
Sección transversal B
Sección transversal A
Sección longitudinal
Planta primera
Planta baja
El caparazón que conforma la sección gestualiza también su postura respecto de la orientación cerrándose a norte y abriéndose a sur. La fachada norte se resuelve mediante ventanas “saeteras”, rasgadas y aleatorias, buscando una relación rítmica con los troncos de los árboles del bosque al cual se orientan. La fachada sur se resuelve mediante profundas terrazas corridas.
La envolvente del caparazón se resuelve mediante la utilización de un único material -fachadas y cubierta-, confeccionada mediante acero perfilado grecado alistonado. El color bronce proporciona una imagen y una textura cambiante en función del soleamiento, la nubosidad, la estación o la hora del día.
18 Viviendas en el bosque | Vaillo + Irigaray Architects
18 Viviendas en el bosque | Vaillo + Irigaray Architects
18 Viviendas en el bosque | Vaillo + Irigaray Architects
18 Viviendas en el bosque | Vaillo + Irigaray Architects
18 Viviendas en el bosque | Vaillo + Irigaray Architects
18 Viviendas en el bosque | Vaillo + Irigaray Architects
18 Viviendas en el bosque | Vaillo + Irigaray Architects
18 Viviendas en el bosque | Vaillo + Irigaray Architects
18 Viviendas en el bosque | Vaillo + Irigaray Architects
18 Viviendas en el bosque | Vaillo + Irigaray Architects
Obra: 18 Viviendas en el bosque
Ubicación: Zizur Mayor, Navarra, España
Autor: Vaillo + Irigaray Architects
Equipo de Proyecto: Yago Fernández, Javier Oyanarte, Amaia Lumbreras
Colaboradores asociados: Eduardo Ozoidi – Estructura, Naven ingenieros – Ingeniería, Javier Escuchuri – Aparejador, Goyo Larumbe – Lineal – Metalistería, Obramas – Constructora
Año: 2022
Superficie Construida: 2500 m2
Fotografía: Rubén Pérez Bescós + vailloirigaray.com
Conferencia dedicada al arquitecto madrileño Luis Moya Blanco (1904-1990) como parte del ciclo Maestros Modernos de la Fundación Arquitectura COAM.
Con este ciclo se quiere poner de manifiesto la importancia que el patrimonio arquitectónico contemporáneo tiene para la sociedad del siglo XXI, la necesidad de su reconocimiento social y de su mantenimiento y conservación.
Catedrático de las escuelas de Madrid, de la que fue director, y Navarra, fue maestro de algunos de los principales arquitectos españoles del siglo XX.
Se distinguió por su maestría en el uso del ladrillo y por sus arriesgadas cubiertas en las que mostró un variado repertorio formal y un interesante tratamiento del espacio, muchas veces basado en las posibilidades de la bóveda tabicada técnica sobre la que escribió varios tratados. Sus proyectos denominados «sueños arquitectónicos» y su participación en algunos de los principales movimientos del arte contemporáneo europeo, entre los que destaca el del grupo surrealista, le convirtieron en referencia obligada para varias generaciones de arquitectos.
Intervendrán Antón Capitel y Javier García-Gutiérrez Mosteiro.
La maqueta de la vivienda en la playa de Samil (1955)
Los siglos no comienzan cada cien años. Lo recuerda el libro Lo viral (2020), cuando explica que los grandes acontecimientos que transforman el mundo trasladan ese inicio a otras fechas más significativas, aquellas que realmente suponen un cambio de época. El siglo de Xosé Bar Bóo (Vigo, 1922 – Santiago de Compostela, 1994), que se conmemora este año, empezó mientras un joven arquitecto austriaco se encontraba en Berlín, trabajando en el estudio de un arquitecto prusiano algo más mayor. Unas décadas después, las mismas manos que descubrían el oficio en Alemania sostienen una maqueta en la Escuela de Arquitectura de Madrid, señalando el inicio simbólico de otra biografía. De algún modo, se trataba de un nuevo comienzo.
La fotografía que recoge ese momento no es un simple registro de un visitante extranjero que acude a la Escuela, es el retrato de un nombre consagrado avalando el trabajo de un estudiante de cuarto curso. Y resulta todavía más relevante cuando descubrimos que el proyecto que se muestra es una vivienda pensada para la ciudad natal del estudiante. En la maqueta destacan los potentes muros de piedra y una ligera estructura de hormigón, cerrada hacia los vientos y abierta hacia el horizonte. Ambos, maestro y discípulo, se reconocen en una misma arquitectura. El primero, debido a las casas que ha proyectado al otro lado del Atlántico, en la costa este de los Estados Unidos. El segundo, por las que desea proyectar a lo largo de la costa gallega.
A ese reconocimiento inicial siguieron otros, que marcaron los sucesivos comienzos de su biografía, como el primer encargo, aun siendo estudiante, para la casa familiar en Vigo, que convierte en un manifiesto construido. La promesa de la maqueta de la Escuela se fue haciendo realidad proyecto a proyecto y, a comienzos de los sesenta, su nombre aparecía en las publicaciones especializadas del momento, como Arquitectura Española Contemporánea o la edición española de la Historia de la Arquitectura Moderna. Estos dos libros lo situaban como uno de los representantes fundamentales de la tercera generación moderna, una tarea que refrendó enseguida, con sus primeras obras, recogidas a finales de la década en los números dedicados a Galicia de las revistas Arquitectura y Hogar y Arquitectura.
El arquitecto nos dejó a finales del siglo veinte, convertido en maestro. Se iniciaron entonces otros reconocimientos editoriales a título póstumo. El Colegio Oficial de Arquitectos de Galicia, institución de la que había sido decano entre 1977 y 1979, le dedicó una gran monografía, Xosé Bar Bóo Arquitecto (1996), hoy agotada. La Fundación Barrié publicó otra monografía titulada La obra de Xosé Bar Bóo. Una arquitectura a la medida del hombre (2000), con un exhaustivo estudio sobre su vida y obra, derivado de una tesis doctoral. En fechas más recientes, otra tesis doctoral, La obra de Xosé Bar Bóo: objetividad y dimensión colectiva (2016), sigue demostrando el interés por su arquitectura en el siglo XXI, y cómo esta tiene la capacidad de ofrecer múltiples lecturas y aproximaciones.
Cuando celebramos el siglo de Bar Bóo nos sumamos a todas esas aportaciones que nos han precedido desde ámbitos y lugares diferentes, conmemorando ese siglo propio que se construye a partir de relaciones y de momentos significativos, más allá de unas fechas que acotan un inicio y un final. Elogiamos a un autor que, con su arquitectura, quiso convertirse en un hombre de su tiempo, como había sucedido con aquel que, durante un instante eterno, sostuvo su maqueta en la Escuela de Madrid. Hoy, como entonces, siempre queda algo por escribir, siempre es posible un nuevo comienzo.
Actualmente el edificio está iniciando un proceso de intervención para brindarle seguridad sísmica.
Contexto Histórico
La Caja Costarricense del Seguro Social (CCSS) se funda a inicios de la tumultuosa década de los años cuarenta, época de fuertes crisis económicas relacionadas a las problemáticas de la Segunda Guerra Mundial y al cierre de los mercados europeos para los productos nacionales. También en ese momento en el país había una fuerte efervescencia social vinculada a las reformas impulsadas por el presidente Rafael Ángel Calderón Guardia (1900-1970) médico de profesión, la Iglesia Católica en la figura de Monseñor Víctor Manuel Sanabria Martínez (1898 – 1952) y el sacerdote Benjamín Núñez Vargas (1915 – 1994) influenciados por la Encíclica “Rerum Novarum”1 (1891) del Papa León XIII. Estas reformas fueron puntos clave que alimentaron la revolución de 1948 y los inicios de lo que en Costa Rica se llamó la Segunda República.
Antiguo edificio en que se ubicaron las oficinas de la CCSS cerca del antiguo Palacio Nacional
Ese Seguro Social en los años cuarenta tenía una modesta sede en la calle 4 entre las avenidas tercera y central, también atendió pacientes en una construcción frente al almacén Uribe y Pages en avenida tercera cerca del parque Morazán y para hospitalización se alquilaba a la Junta de Protección Social la pensión Arrea ubicada en el Hospital San Juan de Dios. Hay que tener en cuenta que para esa época apenas una minoría de trabajadores estaba cubierta para atención médica, de hecho, para finales de los años cincuenta, se estimaba que la institución solo cubría al 24% de los trabajadores asalariados y apenas al 11% de sus familias. Las reformas y modificaciones hasta ahora no habían logrado un impacto significativo en la atención de salud por parte de la institución.
Hasta que el 16 de mayo de 1959 el diputado de oposición Enrique Obregón Valverde (1924-2022) del partido Liberación Nacional presentó una reforma para que el Estado aportara del Presupuesto Estatal una partida para el pago de las cuotas al Seguro Social en su calidad de empleador. La propuesta de Obregón quien era profesor y periodista de profesión buscaba por fin la tan ansiada universalización de los beneficios de la cobertura de salud que hoy son un ejemplo a escala mundial. El edificio de oficinas Centrales de la CCSS es un resultante directo de esta modificación a la Ley propuesta en el año en que la institución celebraría sus 18 años, y de los fundamentos de la Ley No 17 del 1 de noviembre de 1941 que crea a la CCSS.
Vista del edificio de la CCSS cerca de los años setenta
El presidente de corte liberal Mario José Echandi Jiménez (1915 – 2011) del Partido Unión Nacional con el apoyo del Calderonismo perteneciente al Partido Republicano Nacional, se hizo con la presidencia de Costa Rica de 1958 a 1962. Es en este contexto político que la propuesta de Obregón en la Asamblea Legislativa le brindó el apoyo que la institución requería para crecer exponencialmente, porque, además de la universalización del Seguro Social en la Ley 27832 se incluía un plazo de diez años para que la CCSS asumiera la administración de todos los centros de salud del país. El impulso político de la Ley se les acredita junto a Obregón a los demás diputados liberacionistas como: Daniel Oduber Quirós, Luis Alberto Monge Álvarez, Alfonso Carro Zúñiga, Fernando Volio Jiménez, Rafael Ángel Arroyo Quesada y otros, así como al diputado independiente Juan Guillermo Brenes Castillo.
La nueva casa de la Seguridad Social
En ese momento esto significó que la renovada institución se debía embarcar en dos grandes frentes uno era la construcción el Hospital Central (Hospital México) y el otro la construcción de la nueva sede administrativa de la institución (Edificio Laureano Echandi). Para su ubicación se encontró el predio conocido como la cuadra del Museo Nacional en avenida Segunda y calles 5 y 7, pues allí de 1904 a 1949 funcionó esa institución, en esa cuadra destacaba la altura de la torre del Observatorio Nacional, en esa misma cuadra entre 1987 y 1902 funcionó el Liceo de Costa Rica también.
Vistas de la cuadra del Museo Nacional, en una es posible ver al antiguo Liceo, y en otra la torre del Observatorio Nacional
Llama la atención que para el 17 de enero de 1959 en la prensa nacional aparece que la Junta Directiva de la CCSS nombró para el diseño del edificio a una comisión de funcionarios propios, y otros funcionarios de diferentes instituciones autónomas que alquilarían parte del edificio. La función de esta comisión era definir las comodidades y conveniencias del nuevo edificio, discusión que se da en paralelo con los debates de la Asamblea Legislativa sobre el futuro de la institución.
Vistas de la cuadra del Museo Nacional, en una es posible ver al antiguo Liceo, y en otra la torre del Observatorio Nacional
En junio de 1962 salió publicado el cartel de licitación para las empresas constructivas, por lo que la Junta Directiva nombra al arquitecto Rafael Sotela Pacheco (1920-2004) quien era un funcionario institucional como Director de proyecto, el primer director de obra institucional del que se tiene referencia y como jefe del grupo consultor y supervisor general se nombra al también arquitecto Carlos Vinocour Granados (1932-2000) que era miembro de la firma Barzuna & Vinocour Ltda. Empresa que aportó además a los ingenieros: Eddy Hernández y José Luis Barzuna en la parte civil y estructural, a Rodolfo Sequeira a cargo del diseño eléctrico, a Armando Gutiérrez y Álvaro Nieto en la ingeniería mecánica y aires acondicionados, así como a los residentes de construcción el arquitecto Rolando Moya y el ingeniero Claudio Donato. Con un costo de unos 7 millones de colones, con 15 pisos y 10.318 m2 se inauguró el 10 de diciembre de 1966 el que fuera en ese momento el edificio más alto de Costa Rica y el más moderno de Centroamérica según lo promovía la institución.
Es desde esta torre blanca que la CCSS afronta en 1973 el traspaso de hospitales por medio de la Ley N.º 5349, proceso que en tres años y medio fue resuelto por la institución. Este edificio representa mucho más que las oficinas administrativas de la Caja Costarricense de Seguro Social marca un evento histórico en la Seguridad Social costarricense. Años después gracias al constante crecimiento de las funciones ya un solo edificio no era suficiente y la institución se ve obligada a construir una nueva torre que se llamó Edificio Jenaro Valverde conocido como edificio anexo, diseñado por el más prolífico arquitecto institucional Alberto Linner Díaz (1923).
La arquitectura de la esbelta torre
Entre finales de los años cuarenta y a lo largo de la década de los cincuenta regresan a Costa Rica desde México y Estados Unidos los primeros arquitectos nacionales formados en escuelas de arquitectura moderna, entre ellos el arquitecto institucional Rafael Sotela graduado de la Universidad Autónoma de México en 1952. Las nuevas corrientes arquitectónicas impulsadas en otros países se empiezan a observar en Costa Rica gracias a esta migración de profesionales y a las revistas y libros de arquitectura que traen consigo.
Una de esas corrientes sería el Estilo Internacional una de las arquitecturas impulsadas en la posguerra, que es la versión más estandarizada y arquetípica de la arquitectura del movimiento Moderno. El referente del edificio Lever House de New York (1952) sería el prototipo de todos los edificios placa torre del mundo y es más que evidente en el edificio Laureano Echandi.
Comparación entre la Lever House de NY y la CCSS de San José
El edificio, además es un juego de volúmenes puros presentados casi sintéticamente como planos producto de la abstracción plástica heredada del Movimiento Moderno. La configuración de la torre favorece la iluminación y ventilación natural por medio de ubicar las fachadas largas de muro cortina en la dirección este – oeste, recibiendo el viento desde el noreste; mientras que de norte a sur se muestran fachadas más cortas y protegidas del soleamiento con mármol travertino rústico cuya colocación fue supervisada por el ingeniero y arquitecto italiano de fama mundial Pier Luigi Nervi(1891-1979) autor de reconocidas obras como: el estadio Artemio Franchi (1931), el Palazzetto dello Sport, (1957) y el Estadio Olímpico de Roma (1960), además el aluminio anodizado del muro cortina fue importado desde Venezuela.
Imágenes del anteproyecto original
A nivel urbano se presenta un generoso retiro en la calle 5 y hacia Avenida Segunda también lo que mejora la perspectiva del conjunto, destacan la monumentalidad de la propuesta y muestra empatía con el contexto. La plaza de acceso crea una tensión espacial entre la apertura hacia el exterior y la doble altura interna del lobby, en el que las losas de la plaza por medio de comprimir el espacio invitan a ingresar al edificio, claro, antes de incluir las rejas exteriores. Construido sobre cimientos de placas aisladas se elevan los 12 pisos que componen la esbelta torre y los dos del volumen horizontal, más un semisótano que alberga los estacionamientos logrado gracias a la pendiente del eje este-oeste de Avenida Segunda. El semisótano fue cubierto con piedra para dar la sensación de un basamento sólido, y las fachadas de vidrio muestran otro valor institucional: la transparencia. La torre cuenta con plantas libres soportadas por columnas circulares y en la sección superior sobresale el volumen destinado a la Junta Directiva.
Fachada sur tomada de los planos originales
Desde 2013, la Junta Directiva había aprobado el proyecto de reforzamiento estructural y su readecuación electromecánica y arquitectónica, pero es a partir del 2017 que se inicia un proceso para reforzar el edificio estructuralmente, todo en atención a las recomendaciones de estudios técnicos. Los expertos consideran que la edificación sufre de fatiga estructural, y eso la hace vulnerable ante los sismos, además que existen riesgos de incendios al incumplir códigos eléctricos y de incendios, inexistentes en 1966 cuando se construyó. Debido a esto es que la torre estará siendo intervenida durante todo este año 2022, pero será hasta finalizar los trabajos que será posible dimensionar el impacto de las modificaciones.
Detalle de la fachada norte en Avenida Segunda
Notas:
1 Es la primera encíclica social de la Iglesia católica su nombre viene del latín: “De las cosas nuevas” o “De los cambios políticos”.
2 La Ley N.º 2738 fue Publicada en la Gaceta el 12 de mayo de 1961.
Bibliografía:
Fernández Ramírez, Andrés (2016) “Un edificio Emblemático, un patrimonio histórico” en Metamorfosis 2041: Hacia una Caja centenaria. San José Costa Rica: CCSS.
Obregón Valverde, Enrique (2010) “La Universalización de los Seguros Sociales” en Miranda, Guido y Zamora, Carlos: La Construcción de la Seguridad Social. San José, Costa Rica: Editorial UNED.
Vives Iuque, Ileana (2018). Pioneros de la Arquitectura Moderna en Costa Rica. San José, Costa Rica: Colegio de Arquitectos de Costa Rica.
Conferencia dedicada al arquitecto Fernando García Mercadal(1896-1985) como parte del ciclo Maestros Modernos de la Fundación Arquitectura COAM. Participan Rafael Hernando de la Cuerda y Ana Rodríguez García.
Con este ciclo se quiere poner de manifiesto la importancia que el patrimonio arquitectónico contemporáneo tiene para la sociedad del siglo XXI, la necesidad de su reconocimiento social y de su mantenimiento y conservación.
Participan Rafael Hernando de la Cuerda y Ana Rodríguez García.
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