El proyecto consiste en la rehabilitación y ampliación de una casa rural (CASA TMOLO) y de un corral con pajar adyacente (EL PAJAR). La intervención propuesta para la Casa Tmolo da respuesta a varios condicionantes: unificar en un solo volumen las estructuras agregadas a la construcción principal, resolver el cambio de rasante hacía el sureste y respetar el uso de ciertos materiales. La respuesta estructural conserva y consolida los muros de mampostería existentes manteniendo su función portante para acoger encima un caparazón de hormigón blanco, definiendo los muros de la primera planta, bajo-cubierta y cubierta.
El caparazón de hormigón se recorta en distintos puntos para acoger los elementos característicos de la vivienda pre-existente: balcón en esquina, huecos que iluminan una galería a doble altura orientada a sur, y aperturas a norte. Además, la construcción de la envolvente de hormigón apoyada sobre los muros de mampostería permite liberar grandes luces en planta baja y configurar así otro de los espacios característicos de la tipología asturiana: el porche. Una vez definida la envolvente, el espacio interior de la vivienda se materializa mediante una estructura metálica ligera que se adosa o separa de esta en función de las necesidades de luz y accesibilidad.
De esta manera se libera un espacio en triple altura en la zona norte de la vivienda que permite la entrada de luz y el despliegue de una escalera metálica que da acceso a las distintas estancias de la casa.
Obra: Casa Tmolo
Año: 2007 – 2013
Emplazamiento: Granda de Abajo, Concejo de Parres, Asturias, España
Superficie: 414 m2
Cliente: privado
Autores: PYO arquitectos (Ophélie Herranz Lespagnol, Paul Galindo Pastre)
Colaboradores: Carlos Mínguez Carrasco
Estructura: Juan Rey (mecanismo)
Constructor: Roberto Labra Rodríguez
Aparejador: Fernando Suárez Otero
Fotografía: ImagenSubliminal / Miguel de Guzman+Rocio Romero + pyoarquitectos.com
El festival se celebrará el fin de semana del 30 de septiembre y 1 de octubre 2017, con la apertura de más de 100 edificios y espacios urbanos. La última edición recibió más de 40.000 visitantes.
La tercera edición de Open House Madrid acoge algunas novedades como la apertura de los emblemáticos edificios Castellana 81, el IE Paper Pavilion del arquitecto japonés Shigeru Ban quien obtuvo el premio Pritzker 2014 o la galería privada de arte Espacio Solo de estudio Herreros.
Se mantienen las visitas a espacios singulares de la última edición como la Gran Logia de España, el Instituto del Patrimonio Cultural “la Corona de Espinas” de Fernando Higueras, o el Palacio de Buenavista que actualmente tiene 2 años de lista de espera para las visitas.
La apertura de espacios se completa con un calendario de actividades paralelas relacionadas con la arquitectura y el urbanismo, entre ellos el Congreso Open House que este año lleva como título “Las ciudades del Futuro: de Roma a Marte” y contará con invitados ilustres como arquitectos o científicos de la NASA.
Se ha presentado un avance de la tercera edición del festival de arquitectura y ciudad Open House Madrid en el edificio Castellana 81, proyecto de Francisco Javier Sáenz de Oiza. El arquitecto navarro será reconocido en esta edición del festival con una ruta que recorrerá parte de su legado en la ciudad. Además del citado edificio se podrán visitar las Torres Blancas, el ruedo de la M-30 y el edificio de oficinas en la avenida Pio XII.
Castellana 81 es uno de los proyectos más emblemáticos de Sáenz de Oiza y recientemente ha sido sometido a una ambiciosa rehabilitación que acaba de finalizar, a cargo de Ruiz Barbarín Arquitectos– ARQUIMANIA. Esta es una de las novedades que se incorporan al circuito de edificios del festival este año, junto con el Paper Pavilion, del premiado arquitecto japonés Shigeru Ban, o la casa Lucio Muñoz de Fernando Higueras.
Además se mantienen en el programa espacios singulares que contaron con gran éxito en anteriores ediciones como la Gran Logia de España, el Instituto del Patrimonio Cultural “la Corona de Espinas” de Fernando Higueras, o el Palacio de Buenavista que actualmente tiene 2 años de lista de espera para las visitas y que se podrá ver en ocasión del festival.
También están programadas visitas especiales a estudios de interiorismo, arquitectura, talleres artísticos, viviendas privadas y rutas históricas por la ciudad.
Los colaboradores ARUP, Propamsa, Figueras, Idealista y ST Sociedad de Tasación organizarán actividades paralelas y rutas destacadas dentro del festival.
La mayoría de espacios no requieren inscripción previa para acceder a la visita. Para aquellos que la requieren, las inscripciones previas se podrán realizar en la web a finales del mes de septiembre.
En un primer vistazo algo no encaja, pero por contra, el conjunto irradia un magnetismo atrayente.
Jean Prouvé construyó junto a Charlotte Perriand este prototipo para el Salón de Artes Domésticas frente al Grand Palais de París. Tiempo después fue desmantelado, pero aún se conservan algunas imágenes y esquemas.
Diseñada para trabajadores del petróleo radicados en el Sahara. La Maison Saharienne de 1938, podría resumirse como una gran cubierta, que cubría dos cabinas, una para dormir y otra para vivir.
Jean Prouvé y Charlotte Perriand. Maison Saharienne, 1938
La cubierta parasol parece apoyarse en unos leves pilares, pero son demasiado livianos para soportar compresión alguna, ademas de presentarse en ángulos, que desde luego no parecen responder a la gravedad. Eso es lo que no encaja.
La lámina de la cubierta parece describir una curva aleatoria, banal, pero lo cierto es que describe su propia deformada. Apoyada únicamente en las vigas centrales, la cubierta se flecha hasta alcanzar el equilibrio que su propia deformación establece, así que Prouvé introduce esos pilarillos laterales a modo de estabilizadores, de tensores o fijaciones, que con el mínimo esfuerzo posible se oponen al viento, que quiere sacar la lámina de la cubierta de su monótona estabilidad.
Jaimas tradicional del Sahara
Al fin y al cabo, Prouvé y Perriand únicamente reinterpretaron el lenguaje oculto de la forma de las jaimas tradicionales del Sahara.
Íñigo García Odiaga. arquitecto
San Sebastián. febrero 2015
Título: Gattaca Protagonistas: Ethan Hawke, Uma Thurman Fotografía: Slawomir Idziak Música: Michael Nyman Producción: Danny de Vito, Michael Shamberg, Stacey Sher Dirección: Andrew Niccol
El futuro. La Tierra no está destruida por la hecatombe nuclear, ni tampoco está infestada de exageradas máquinas, sufre las consecuencias de una desnaturalizada evolución de la genética. La lucha de clases ya no es económica, ni siquiera racial, sino que está basada en la pureza del ADN. El relato humano valora el espíritu de superación y la exaltación de la voluntad. Más allá de la tiranía de los genes.
La ficción siempre ha profetizado el futuro como lo que no es el presente. Habitualmente, viajar en el tiempo ha sido cuestión de recrear la vista con imágenes inverosímiles desde la perspectiva del presente. Pero en Gattaca, aún siendo todo muy reconocible, lo que transporta al futuro es, junto con la historia, el carácter de las cosas. Y ante todo la arquitectura.
El público es llevado a interpretar el complejo Gattaca, el edificio donde transcurre la trama, como una conseguida ambientación futurista; misterioso y ajeno frente a una naturaleza sin protagonismo. Sin embargo, se trata de uno de los últimos edificios de Frank Lloyd Wright, construido a finales de los cincuenta. Asimismo, buena parte del juego escenográfico se centra en disfrutar con la perfección de los diáfanos ambientes de hormigón armado y las exquisitas estancias en donde livianas escaleras helicoidales (¿ADN?), muebles de los maestros modernos, superficies de acero inoxidable mate y vidrios a hueso nos hacen vivir una realidad diferente. Se trata de artefactos en los que, de manera natural, predomina la pureza de la geometría y la ausencia de elementos decorativos. Y eso, curiosamente, aparece como una veraz representación de lo que no es el presente. Sorprende evidenciar que el espectador reconoce en esas formas, en esos materiales, en esos objetos, posibilidades pertenecientes al mañana.
Pero basta con detenerse para comprobar que la película está deliberadamente ambientada con imágenes de hace cincuenta años. El vestuario, los automóviles y los edificios responden a una estética perteneciente a los años cincuenta. Porque el tiempo, al menos en el cine, es reversible.
Al perder la referencia del contexto se altera el sentido de la realidad. La desorientación aparece con el extrañamiento frente a los objetos cotidianos. Y llegar a localizar la escena en el futuro (frente al pasado) es cuestión de incorporar algo de sofisticada tecnología y una historia basada en la genética, poco más.
El cine es el gran arte de la ficción. En él coinciden múltiples habilidades que tienen como objeto dominar la imagen, la música, la narrativa, las artes plásticas, la tecnología… y sobretodo, la difícil facultad de trastocar el sentido del tiempo.
Si atendemos al mago Borges cuando razona:
“la línea consta de un número infinito de puntos; el plano, de un número infinito de líneas; el volumen, de un número infinito de planos; el hipervolumen, de un número infinito de volúmenes…” ,
y somos capaces de reconocer no sólo un evolucionado concepto del espacio, sino además, una nueva manera de sentir el tiempo, quedará superada la milenaria imagen de Heráclito, en la que el tiempo se asemeja a un río, lineal e invariable. Más aún, si vemos en el tiempo una cualidad propia de las presencias, con todas sus dimensiones y unida a sus características espaciales, estaremos ante una más precisa noción de la realidad. Caeremos en la cuenta de que el concepto tiempo está inseparablemente ligado a las cosas.
El cine es a lo fantástico lo que la arquitectura es a lo verídico. Si el cine satisface el deseo de ficción la arquitectura permite vivir la realidad. Por qué no admitir entonces que en la arquitectura, al igual que en el cine, existe la posibilidad de jugar con la sensación de localización, y que se puede prolongar la acción más allá de la percepción estática de las emociones meramente espaciales. ¿Sería posible imaginar una arquitectura sin capacidad de inocular el sentido del tiempo? Dónde está el “ilusionismo”. Cómo se consigue “conmover”.
En cualquier caso, lo mejor de Gattaca, puede que sea la melancólica mirada de Uma Thurman.
50 Urban Blocks es la primera de una colección de barajas destinada a facilitar el diseño de la arquitectura. Este primer conjunto de cartas contiene 50 nuevos ejemplos de cómo diseñar una manzana, organizar los espacios y, en definitiva, construir la ciudad.
En un tamaño de 13×8 cm e impresa por las dos caras, cada carta propone una forma urbana posible con medidas y datos de densidad en la ciudad.
Su pequeño tamaño y formato individual permite desplegar ante sí y de una sola vez las 50 formas urbanas que propone la baraja. Así, el arquitecto puede compararlas, ordenarlas y desordenarlas, para escoger aquellas que mejor se adapten a su escenario y combinar las diferentes formas para diseñar su proyecto.
La colección de cartas resulta especialmente útil para estudiantes y jóvenes arquitectos que necesiten inspiración en sus primeras aproximaciones al proyecto arquitectónico.
“El Curry Verde” es un restaurante vegetariano y verano situado en Fuenterrabia, Guipuzcoa. Su cocina internacional, selección de platos, vinos orgánicos y cervezas artesanales les han dado nombre en la zona, y como resultado su restaurante anterior se les había quedado pequeño.
Decidieron cambiar el restaurante a un local más grande situado en el Puerto Deportivo: el reto de diseño era crear un interior cálido, acogedor pero no muy femenino, intimo para las veladas de la noche pero con un concepto abierto que les permitiera tener un espacio multiplicación para dar talleres de cocina y organizar catas de vino.
Los 125 m2 del área pública se dividen en dos zonas: la del bar, más informal con mesas altas de distintos colores, y la zona de restaurante. La reforma consitió en un cambio total de imagen respecto del restaurante anterior, se construyó una gran barra azulejada y se diseño mobiliario a medida.
En la paleta de colores y materiales predomina el blanco con guiños amarillos, turquesas, madera natural y coloridas lámparas y plantas. El resultado ha sido un espacio cálido y luminoso incluso en los oscuros días de invierno de la costa cantábrica.
Obra: «El Curry Verde» Restaurante Vegetariano
Autor: Hiruki studio (Gisela Arroyo Pacheco – Lorea Salaberria Agirreburualde)
Año: 2016
Superficie:125 m2
Emplazamiento: Hondarribia, Guipuzcoa, Paseo Minatera local 3-4 del Puerto Deportivo
Promotor: El Curry Verde
Fotografías: Maite Paternain + hirukistudio.com
Este taller internacional estuvo dirigido a titulados universitarios de grado superior o medio que desarrollaban (o desarrollarían) su actividad en proyectos de ingeniería, arquitectura, urbanismo, medioambiente, ecología, o paisajismo, así como a estudiantes de enseñanzas técnicas, con vocación de especializarse dentro del campo de la arquitectura del paisaje.
Uno de los movimientos de ¿vanguardia? de la mitad del siglo XX fue la Internacional Letrista. Yo no había oído hablar de ellos, y me estoy enterando ahora, leyendo el libro El Puño Invisible, de Carlos Granés.
El dadá y el surrealismo dejaron sus semillas de imprevisibilidad, ilógica y cachondeo, que, unidas al aburrimiento y a la falta de horizontes espirituales e intelectuales de después de la Segunda Guerra Mundial, generaron movimientos de lo más diverso.
No haré aquí un resumen de la Internacional Letrista, sino que solo me referiré brevemente a uno de sus planteamientos urbanísticos.
Ivan Vladimirovitch Chtcheglov, en su Formulario para un nuevo urbanismo, promovió la renovación urbana radical, para que la ciudad estuviera formada por espacios dispuestos para la aventura. La ciudad era para vivir, y la vida era juego y excitación.
En esa misma línea, Gil J. Wolman predicó el urbanismo unitario, que entendía la ciudad como espacio excitante, contra el aburrimiento y la borreguez de la burguesía.
Naf Naf de primavera 2011
Copio textualmente lo que dice Granés:
«Entre sus propuestas pedían que se dejara abierto el metro por la noche, cuando cesara el tránsito de trenes. También que se mantuvieran los pasillos y las vías mal iluminadas; que se abrieran los tejados de París para pasear por ellos, acondicionando escaleras y creando pasarelas donde fuera necesario; que se dejaran los jardines abiertos las 24 horas; que se instalaran interruptores en las farolas de las calles para que el público decidiera el grado de iluminación; que se trocaran arbitrariamente las indicaciones de paradas, destinos y horarios de los trenes para favorecer los destinos azarosos; que se suprimieran los cementerios y destruyeran los cadáveres; que se abolieran los museos y se repartieran las obras de arte más importantes por los bares de la ciudad; que se diera acceso libre a las prisiones y se contemplara la posibilidad de convertirlas en sitios turísticos; y que además se borraran las distinciones entre turistas y presos e incluso se sorteara un período de reclusión entre los visitantes.»
No está mal, ¿verdad? Lo tomamos como mera provocación sugerente, sin más, y no le damos ninguna importancia. Cuatro locos.
Plan Voisin de Le Corbusier
Sin embargo, el disparatado y tremendo Plan Voisin de Le Corbusier nos lo han explicado mil veces en la escuela. Tampoco se lo tomó nadie en serio jamás, pero eso no quita para que al Corbu se le siga respetando e incluso se le siga llamando racionalista.
Al Corbu se le ocurrió decir que el centro de París era una costra obsoleta y que había que destruirlo entero, y nadie tuvo el valor de reírsele en su cara. Además, el señor Voisin, fabricante de coches, le financió la movida y las maquetas.
Ningún alcalde pensó ni por un momento en hacerle caso, pero El Corbu consiguió notoriedad (para lo que era un experto) y que todavía hoy se siga hablando de su idea en las escuelas de arquitectura de todo el mundo.
Pues, puestos a decir chorradas, me hacen mucha más gracia las de los letristas.
El Corbu y tantos otros pretendían que una ciudad racional haría más racional a la sociedad, y los letristas pensaban que una ciudad azarosa y disparatada haría azarosos y disparatados a sus habitantes. Los dos cometían el mismo error ingenuo de creer que el espacio tenía el poder de configurar las almas de la gente. (Como arquitectos, todos pensamos así en cierto modo).
El racionalismo voisiniano de Le Corbusier es de tal simplismo y generaría tantísimos problemas de todo tipo que uno prefiere a los letristas trucando las señales de los trenes para que cada uno vaya adonde le dé.
La ciudad de la Internacional Letrista es la ciudad de nuestra juventud, de la juventud de todos. Es la ciudad por donde nos hemos perdido de noche (hace ya tantos años). Es una ciudad de diversión y de aventura, de ligue, borrachera, risa, confusión y broma. Pero la de Le Corbusier… No sé qué pensar. No quiero decir que sea la de todos los tristes suburbios de todas las grandes ciudades del mundo, porque la han desvirtuado y adulterado y él no tiene la culpa (demasiadas veces se le ha echado la culpa de todo a la arquitectura moderna), pero sí que es una simplificación y una trivialización que reduce la ciudad al problema del tráfico y un par de cosas más.
Ninguno de ellos pensaba en serio que su propuesta de ciudad llegara a cuajar. Pensaban solo en la polémica, en la propaganda, en la discusión. Le Corbusier era mucho más contundente (y más listo) que los letristas, y su idea (tergiversada, prostituida) se ha impuesto parcialmente.
Los letristas solo han vencido en los parques temáticos. A lo mejor es por eso por lo que la gente está deseando ir a los parques temáticos.
José Ramón Hernández Correa
Doctor Arquitecto y autor de Arquitectamos locos?
Toledo · abril 2012
«The Sketchpad system makes it possible for a man and a computer to converse rapidly through the medium of line drawings. Heretofore, most interaction between men and computers has been slowed down by the need to reduce all communication to written statements that can be typed; in the past,we have been writing letters to rather than conferring with our computers.»
El objetivo fundamental de este trabajo de tesis doctoral fue la producción de un nuevo sistema de comunicación con los ordenadores. Shutherland era consciente ya de las dificultades de uso que la abstracción necesaria para programar los ordenadores generaba en cierto tipo de usuarios y trató de construir un sistema de mediación que, recurriendo a procedimientos naturales para los usuarios a los que trataba de llegar, solventase ese problema hacia el exterior, hacia el usuario, pero que internamente no perdiese esa capacidad de funcionamiento abstracto.
https://youtu.be/USyoT_Ha_bA
Uno de los puntos de inflexión que supuso el trabajo de Sutherland fue la verdadera objetualización y posterior instrumentalización del dibujo, no como proceso, sino como unidad de contenido.
«It has turned out that the properties of a computer drawing are entirely different from a paper drawing not only because of the accuracy, ease of drawing, and speed of erasing provided by the computer, but also primarily because of the ability to move drawing parts around on a computer drawing without the need to erase them.»
Esto llevo a Sutherland a concebir, y aquí es donde aparece la radical importancia de su propuesta, y que creemos ha sido olvidada hasta ahora en el desarrollo de los sistemas de CAD, un sistema de trabajo en el que, gracias a la objetualización del dibujo y a su consecuente capacidad de ser manipulado de forma no destructiva, se incrementó enormemente la capacidad operativa del usuario.
«As the work has progressed, several simple and very widely applicable facilities have been discovered and implemented. They provide a subpicture capability for including arbitrary symbols on a drawing, a constraint capability for relating the parts of a drawing in any computable way, and a definition copying capability for building complex relationships from combinations of simple atomic constraints.»
Los conceptos de subdibujo, restricción, definición y copia de definición, exponen con claridad las capacidades de articulación de la información en conocimiento o, como lo denomina Sutherland, computación de procesos.
La acción gráfica pasa de ser inmediata a necesitar de una reflexión previa que construya sus estructuras internas.
«We have indicated that the vertices of the hexagon are to lie on the circle,and they will remain on the circle throughout our further manipulations. If we also insist that the sides of the hexagon be of equal length, a regular hexagon will be constructed.»
En el ejemplo introductorio, la construcción de un hexágono regular, apreciamos como, el pensamiento geométrico que determina las reglas internas o de construcción de este polígono, en Sketchpad, mediante la construcción de las restricciones y su conversión en una definición, llevará a ese elemento gráfico a tener una identidad superior que, en nuestra opinión, es capaz de trascender el grafismo, no ya en el plano semántico, si no en el de la propia realidad.
«We have said, in effect, make this line equal in length to that line. We indicate that all six lines are equal in length by five such statements. The computer satisfies all existing conditions (if it is possible) whenever we turn on a toggle switch.»
El subdibujo (subpicture) nos remite en Sketchpad a la posibilidad de iterar, a la fractalidad de ideas capaces de atomizarse iterativamente hasta elementos infinitesimales con una cualidad simbólica idéntica al primer nivel que les da origen.
https://youtu.be/BKM3CmRqK2o
La restricción (constraint) no refleja la idea de limitación si no, por el contrario, está indicando la construcción de relaciones conscientes y explícitas entre elementos gráficos –partes del dibujo– ya sea por determinaciones dimensionales o topológicas.
La copia de definición (definition copying) opera con la instrumentalización operativa del pensamiento, en tanto que es capaz de objetualizar una operación intelectual, las restricciones –independientemente de su complejidad– almacenarla y reutilizarla sin limitación.
«Sketchpad drawing itself is entirely different from the trail of carbon left on a piece of paper. Information about how the drawing is tied together is stored in the computer as well as the information which gives the drawing its particular appearance. Since the drawing is tied together, it will keep a useful appearance even when parts of it are moved. It is this ability to store information relating the parts of a drawing to each other that makes Sketchpad most useful.»
Las referencias a la información son constantes en todo el trabajo, y puede que por ese propio exceso nos pase desapercibida su relevancia, pero es innegable que todo el proceso que Sutherland desarrolla pasa por la necesidad de traducir a digital las operaciones intelectuales que se producen al usar medios gráficos analógicos.
Es esta traducción a digital, y por tanto a información, la que fuerza a Sutherland a crear un sistema que le permita estructurar lo que hasta entonces ha sido una relación inmediata pensamiento-dibujo.
Sutherland, pese a lo primitivo del trabajo, es capaz ya de afirmar que el ordenador no sabe lo que está dibujando, no tiene capacidad de entender la capa semántica del objeto representado, pero si conoce y mantiene las estructuras internas determinadas por el autor de los dibujos y que también tienen en si mismas una componente significante para la totalidad de la estructura.
«Most important of all, the computer “knows” that a “transistor” is intended at that place in the circuit. It has no need to interpret the collection of lines which we would easily recog- nize as a transistor symbol. Since Sketchpad stores the topology of the drawing as we saw in closing the hexagon, one indicates both what a circuit looks like and its electrical connections when one draws it with Sketchpad.»
Sketchpad y el proceso de diseño.
De este modo, Sketchpad se convierte –por necesidad de su funcionamiento– en un modelo del proceso de diseño. El usuario/diseñador tiene que hacer explícito el proceso de pensamiento –hasta ahora aprendido, interiorizado y generalmente automatizado e inconsciente– que desarrolla en el acto creativo.
Desde un enfoque claramente pragmático, y que se ha demostrado premonitorio en el desarrollo de los modelos de diseño digital performativo (Oxman, 2006 y 2008)1,2, Sutherland asocia la capacidad de Sketchpad de cumplir condiciones geométricas con la necesaria capacidad de un diseño de cumplir condiciones de proyecto, reafirmando su previsible utilidad.
«The ability of Sketchpad to satisfy the geometric constraints applied to the parts of a drawing models the ability of a good designer to satisfy all the design conditions imposed by the limitations of his materials, cost, etc.»
Más allá del gran interés que tiene el relato histórico del desarrollo del programa que el propio autor incorpora a la tesis, es fundamental reseñar que este relato describe con transparencia la importancia de entender los procesos en todo trabajo informacional.
Sutherland se enfrenta constantemente, y lo describe con claridad y profusión, con los conceptos de sistematización, de estructuración en cadena, de anidamiento, de relaciones causa-efecto, de la separación entre lo genérico y lo específico, y su propia consciencia de lo primitivo de su trabajo no hace si no animarlo anticipando futuras aplicaciones.
Los que tuvimos la suerte de disfrutar de asignaturas como Estática Gráfica, no podemos dejar de asombrarnos de que, incluso en las etapas iniciales de desarrollo de Sketchpad, el programa pudiera ser utilizado para una resolución muy aproximada de estructuras en celosía, llegando a anticipar el autor con seguridad que el salto a su aplicación tridimensional era un mero problema instrumental.
No podemos dejar de mencionar, pese a lo aparentemente anecdótico, un comentario que el autor hace como de soslayo sobre la configuración de la interfaz del sistema, en este caso todavía ruedas, diales, e interruptores físicos, muy lejos todavía de los iconos o barras de comandos digitales de los programas actuales.
«Users get used to either sense of change about equally poorly; the major user so far (the author) still must try the knob before being sure of which way it should be turned.»
Nos parece especialmente relevante este comentario por lo explícito de la afirmación de Sutherland. Incluso el usuario principal, el propio autor, debe probar el dial antes de confirmar la idoneidad de su uso.
En los sistemas instrumentales de representación, lo trascendente no es la herramienta, si no su potencial.
Miguel Villegas, arquitecto
Editor en arquitextónica
Sevilla, septiembre 2015
Desde hoy hasta el 31 de enero de 2018 podrás disfrutar de un 10% de descuento en las compras de tus libros favoritos en la tienda on line de la editorial ediciones asimétricas.
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Ediciones Asimétricas es una editorial independiente centrada en arquitectura, arte, fotografía, diseño gráfico y crítica. La aproximación a estos campos heterogéneos pero unidos por el común denominador de la creación de cultura material se aborda desde una doble perspectiva capaz de generar múltiples miradas: por un lado, la publicación de la obra de arquitectos, fotógrafos y artistas, ya sean consagrados o emergentes; y por otro lado, el análisis teórico desde el ensayo, la crítica y la historia del arte.
Reforma de piso en Avilés | David Olmos Arquitectos
En el casco histórico de Avilés, próximo al Centro Cultural Oscar Niemeyer, se propone la reforma integral de una vivienda de 123 m2, formada por tres pequeños dormitorios, dos baños, aseo, cocina con escasa luz natural y salón, espacioso pero de difícil amueblamiento, con salida a una pequeña terraza con unas agradables vistas sobre un parque lleno de vegetación.
Reforma de piso en Avilés | David Olmos Arquitectos
La propuesta nace de la idea base de “caja central” como núcleo de articulación, favoreciendo la eliminación del pasillo. Revestida en madera, alberga una despensa y un baño, el cual es iluminado de manera natural mediante un vidrio en la parte superior de la misma. A su vez, articula la entrada, salón y cocina, separada funcionalmente a través de puertas de vidrio, conseguimos así, una gran iluminación natural procedente del salón.
Reforma de piso en Avilés | David Olmos Arquitectos
Independiente, aparece la zona de noche, formada por 3 dormitorios, donde la habitación principal adquiere singularidad, compuesta por vestidor, baño y zona de estudio, comunicado con el salón, favorece la secuencia de espacios.
Reforma de piso en Avilés | David Olmos Arquitectos
Se ha establecido un diálogo entre la arquitectura y el diseño del mobiliario, adquiriendo protagonismo y funcionalidad, se combina la madera y el blanco, aportando gran luminosidad a la vivienda.
Obra: Reforma de piso en Avilés
Localización: Avilés, España
Arquitecto: David Olmos Arquitectos
Mobiliario: Caravan Bay
Fotografía: Luis Díaz Díaz + davidolmosarquitectos.com
El Archivo Peña Ganchegui, en colaboración con el Departamento de Medio Ambiente, Planificación Territorial y Vivienda del Gobierno Vasco, convoca un premio de carácter bienal dirigido a arquitectos con menos de 10 años de experiencia, que se hayan titulado o tengan su actividad en el País Vasco.
Creado con la intención de reconocer una joven trayectoria arquitectónica e impulsar al mismo tiempo una carrera con proyección emergente, el galardón, que cuenta con una retribución de 6.000 € en metálico, pretende dar visibilidad a aquellas aportaciones que, además de suponer una ejemplar práctica profesional, contribuyan a promover, desarrollar y consolidar la cultura arquitectónica.
Podrán presentarse candidaturas individuales o colectivas, debiendo aportar los propios interesados sus méritos, que podrán incluir obras, proyectos y trabajos de investigación que supongan una aportación en el campo de la Arquitectura, abarcando todos los ámbitos y escalas, desde el diseño de objetos hasta las intervenciones en el territorio.
El jurado de esta primera edición contará con la presencia de los arquitectos: Lluis Clotet, fundador del Studio Per y miembro del estudio Clotet Paricio; Ángela García de Paredes, socia fundadora del estudio Paredes Pedrosa Arquitectos, y Carlos Quintáns, director de las revistas Tectónica y Archives, acompañados de la directora del Archivo Peña Ganchegui, Rocío Peña, y del Director de Vivienda y Arquitectura del Gobierno Vasco, Pablo García Astrain.
Los interesados, que tienen hasta el 25 de julio para formalizar su inscripción, deberán presentar su candidatura antes del 5 de septiembre de 2017. El fallo se dará a conocer el 2 de octubre, coincidiendo con el Día Mundial de la Arquitectura. Con posterioridad se llevará a cabo una exposición de los trabajos finalistas.
Toda la información sobre el Premio Peña Ganchegui está disponible en la página web.
Críticos de las propuestas del movimiento moderno e insatisfechos con el statu quo de la época, Archigram estableció durante una década imágenes de un interesante caudal reflexivo sobre las ciudades y su arquitectura.
El grupo nació en 1961 con la publicación de una revista producida de manera amateur por Peter Cook, David Greene y Mike Webb. El nombre conjuga las palabras Arquitectura y telegrama, declamando la idea de su mensaje. En 1962, para la edición del segundo número se suman Ron Herron, Dennis Crompton y Warren Chalk. La revista aumenta su tirada y son invitados a la exposición “Living City” en 1963. A partir de ese momento, el grupo es reconocido por la crítica arquitectónica como un colectivo de trabajo con el nombre de la revista.
Concordante con los planteamientos sociales, en plena euforia de la cultura pop, Archigram rechaza el legado histórico y arremete con excitación contra la rigidez estática de la arquitectura y la ciudad. Se asiste de los nuevos materiales y produce una indagación optimista sobre las posibilidades del futuro tecnológico, para superar las limitaciones formales de la arquitectura tradicional.
Sus dibujos conjugan collages, símbolos de comics y otros elementos expresivos que anticipan la revolución de la información. Producen un lenguaje de efectista mediante el uso de estructuras camufladas, módulos plegables, capsulas habitables, planos plegables y disposiciones telescópicas que someten a mecanismos eléctricos para generar los artilugios móviles imprescindibles. Su intención es conjugar las nuevas formas en lugares no convencionales, sobre el agua o en el espacio.
El grupo asume la lógica consumista y admite la arquitectura como un hecho intercambiable, que se produce de manera industrial y se descarta con el tiempo. En sus proyectos más difundidos, la concepción orgánica de la ciudad alcanza el punto más alto de su relato.
En Plug in city, Peter Cook trasmite una reflexión de sobre la obsolescencia de las ciudades y la necesidad de sustitución de sus partes. Compone una mega estructura basada en el principio de flexibilidad y variedad, que asume la sustitución como un hecho frecuente y necesario. Diferentes unidades cubren las necesidades de la población bajo un orden jerárquico establecido en acuerdo a los tiempos de envejecimiento: las infraestructuras pesadas en la parte inferior, las áreas comunitarias en la zona intermedia y las viviendas en la parte superior.
Casi en paralelo, Ron Herron promueve Walking city. Una unidad móvil que contiene todo lo necesario para desplegar la vida ciudadana. Puede moverse sobre terrenos disímiles, incluso sobre los vestigios de una ciudad destruida por una posible guerra nuclear. Los módulos se reabastecen en estaciones de intercambio y se vinculan con otras unidades para intercambiar habitantes. El proyecto pretende abolir las fronteras; La ciudad nómada se traslada según los deseos de sus habitantes.
Instant City se desarrolla a partir de un proyecto de Jhoana Mayer de los años 50. Su objetivo era ampliar la red cultural urbana hacia las poblaciones periféricas, para romper la monotonía de los pueblos e igualar las posibilidades culturales que ofrecen las grandes ciudades. Para ello, se dispone de infraestructuras itinerantes compuestas por dispositivos audiovisuales y otros elementos para el ocio y la recreación, que son transportadas en dirigibles y soportadas por globos aerostáticos sobre los poblados.
Estos diseños son manifiestos que declaman una nueva visión del espacio urbano. La mayor parte de ellos eran técnicamente irrealizables, pero su objetivo estaba centrado en revelar una actitud reflexiva sobre cada tema.
Archigram fue un grupo de trabajo con inquietudes creativas atípicas. Agitadores culturales en momentos de rebeldía social, su investigación puso en crisis la mirada tradicional de la disciplina arquitectónica y cuestiono con vigor sus patrones estéticos.
Cada diseño es la excusa argumental para desarrollar una visión de la sociedad tan optimista como irreal. Un sortilegio de intensa utopía que propone una reflexión concluyente acerca del hábitat humano.
“Archigram fue, más allá de todo, inmensamente creativo. Cuando el grupo se formó por primera vez en 1964 se componía de seis hombres que variaban en el temperamento desde el lacónico a los ojos brillantes y en la edad y la experiencia de los constructores endurecidas de las escuelas de las autoridades locales y edificios públicos, a los arquitectos jóvenes que estaban en su primer empleo después de la escuela.”
Peter Cook, London 2012 Excerpted from the foreword
Hugh Hefner trabajando en su cama-oficina en su mansión de Chicago | Fotografía: Fuente Playboy Enterprises)
o de la cama
o de no tener lugar para el el descanso
En distintas publicaciones como Publicidad y privacidad, La domesticidad en guerra o Sexuality & Space, la historiadora e investigadora Beatriz Colomina ha trazado una lectura alternativa de la arquitectura y sobre cómo a lo largo del siglo XX y gracias al desarrollo y expansión de distintas tecnologías ópticas y mercantiles –desde los rayos X a los anuncios de revistas- se han ido redefiniendo las nociones entre lo público y lo privado, así como el uso y las gestión del tiempo que organiza nuestras vidas. La española ha apuntado, por ejemplo, que los rígidos límites temporales que determinaban que la mejor estructura de un día —8 horas para dormir, 8 para trabajar y 8 para disfrutar—que dieron forma a buena parte de la ciudad y el urbanismo durante el siglo XX a través de su clara separación de usos, se ha transformado ahora bajo el designio de las nuevas fórmulas de trabajo. En una de sus últimas investigaciones —desarrollada en distintos textos como The century of the bed, The Office in the Boudoiro Privacy and publicity in the age of social media1— se sirve de un dato destacado en 2012 por el periódico The Wall Street Journal que advierte que el 80% de los profesionales jóvenes de la ciudad de Nueva York trabajan desde sus propias camas gracias a sus ordenadores portátiles:
“[la cama] se ha convertido en el lugar donde realmente la gente no sólo trabaja, sino que también se conecta”(*).
Aunque las transformaciones económicas que ha sufrido el mundo en las últimas décadas resultan demasiado complejas como para establecerlas en este texto de forma detallada y precisa, no nos costaría mucho imaginar cómo, con el traslado de las grandes fábricas de producción y montaje a zonas de Asia —donde la mano de obra resulta mucho más barata— el trabajo industrial ha ido desapareciendo cada vez más de las periferias de las grandes ciudades, desplazadas hacia otras más lejanas, dejando en el camino —especialmente en Europa— muchas áreas en desuso que tienen ahora la necesidad de transformarse en nuevos fenómenos urbanos que las vuelva, una vez más, productivas. El trabajo —en el denominado primer mundo al menos— alcanza ahora un rango inmaterial, más cercano a un servicio que a la producción de mercancía4. Eso apunta, aunque sea de forma muy somera, algunas de las directrices del trabajo actual:
“Después de la crisis de 2008 toda una nueva generación se encuentra sin trabajo en los lugares tradicionales, pero sobrevive con una serie de trabajos de freelance”(*).
Hugh Hefner al frente de su imperio de comunicación desde la cama | Fuente: averyreview.com
Incidir en esa superviviencia es importante. En su texto Liberarse de todo: trabajo freelance y mercenario —publicado como parte del libro Los condenados de la pantalla— la artista alemana Hito Steyerl analiza esta figura. Free-lance significa literalmente “Lanza libre” y su origen se traza hasta el medievo, donde el término designaba a aquel soldado que no estaba atado a ningún amo, pudiendo ser contratado para tareas muy específicas durante un tiempo. Sin compromiso en el tiempo con una gran empresa —de la que no recibe ni contrato ni prestaciones— el freelance contemporáneo es el mejor exponente de la precariedad actual, siempre en la búsqueda de nuevos trabajos que garanticen sus recursos por algún tiempo y que les lleva a la autoexplotación en largas jornadas laborales autoimpuestas:
“En situaciones como Nueva York, donde el espacio es muy reducido y donde la mayoría de la gente vive en un estudio que prácticamente abres la puerta y te tiras en la cama, ésta se ha convertido en el centro del universo, un universo en el que no hay ni noche ni día”(*).
Así, no se trabaja sólo en la cama porque estos nuevos trabajadores no tengan su oficina como forma de reducir costos —que también— sino que el aumento del trabajo autónomo desde nuestros hogares, apoyado por la portabilidad de nuestras fuentes de trabajo —ordenadores cada vez más ligeros y potentes— repercute también en las dinámicas laborales y sociales que suceden en nuestra vida diaria, reorganizando la forma en la que ocupamos el tiempo y el espacio.
No es descabellado asegurar que hoy en nuestras camas ya ni dormimos, ni descansamos, ni disfrutamos algún tipo de placer. Condenados a la pantalla, nos mantenemos en vilo, siempre despiertos y conectados, trabajando para poder llegar a fin de mes. En este nuevo mundo —apunta Colomina— la cama se ha convertido en un nuevo escenario para algunas conquistas: la de la autonomía del trabajo propio o la de las corporaciones que contratan a este trabajador horizontal sin necesidad de invertir en nuevos espacios e infraestructuras arquitectónicas. Gracias a esta reformulación espacial y temporal de nuestros lechos, nuestros cuerpos quedan ahora reducidos a vagar en los espacios domésticos interiores —algo que puede ilustrar también la destrucción sistemática que sufre el espacio público— y en el que el trabajo, en muchos casos, se somete a un constante monitoreo3. Esto lo advierte también Beatriz Colomina:
“En la película de Laura Poitras Citizenfour, vemos primeros planos de Edward Snowden sentado en la cama de un hotel de Hong Kong durante días y días, rodeado de sus ordenadores portátiles, en comunicación con periodistas en la habitación y alrededor del mundo, sobre el secreto de la masiva vigilancia global. La mayor invasión de la privacidad en la historia del planeta se revela desde una cama”;
y añade y advierte:
“la mayor figura pública del mundo es ahora un recluso”.4
De ser así, la cama es también el lugar último para la resistencia. En Alemania, la cama es una vez un espacio de lucha, el movimiento Ein Bett fur Snowden(Una cama para Snowden) ofrecía lecho para el ex espía estadounidense.
¿Serán las camas donde, ya por fin, liberarse de todo?
Pedro Hernández · arquitecto
Ciudad de México. julio 2016
2 Creo que resulta importante advertir que este tema resulta demasiado complejo para ser resumido en el párrafo anterior, que sólo quiere ser una muestra posible de la situación actual.
3 Muchos de los trabajos desde casa están monitoreados en el tiempo de trabajo gracias a que un trabajador debe conectarse a un sistema que vigila cuánto trabaja y en qué gasta el tiempo. Una forma de explotación menos visible motivada en la mayor indefinición de horarios. Si a eso le añadimos que, con las conexiones y redes actuales.
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Proyecto de reforma de un piso antiguo situado en el centro de Madrid, destinado a unos residentes “anónimos” que compartirán espacio doméstico en el futuro.
La propuesta se ordena en torno a 6 bandas que alternan espacios vivideros y zonas de servicio. Dicho esquema, a la vez que optimiza el uso de la planta, garantiza la máxima flexibilidad funcional y la incorporación de otros posibles programas, como un espacio de co-working, un estudio, unas oficinas, etc. En el eje de acceso se sitúa una caja de madera que divide el espacio en una zona pública y otra privada, si bien el sistema plantea un juego de puertas pivotantes y correderas que amplía la variedad de circulaciones en el inmueble, permitiendo llevar vidas independientes, aunque compartiendo los elementos comunes.
El salón y la cocina-comedor se articulan mediante un mueble que hace de filtro con la calle, resolviendo los accesos, la iluminación, las funciones técnicas y de almacenamiento y la librería de ambas estancias. Además, cuenta con algunos compartimentos secretos y una mesa abatible.
Sencillos cambios de materiales en el pavimento, las paredes y los techos marcan la transición entre los distintos ambientes, que se encuentran unificados por la madera de fresno, rematada en acabados lisos en la zona a la altura de los ojos, estriados, en la zona superior o en superficies de espejo, en los techos de los umbrales. Los planos reflectantes introducen en las zonas menos luminosas la luz natural de los balcones exteriores o la artificial de los apliques de pared.
Una sucesión de espacios amplios que inciten a imaginar situaciones diversas.
Obra: 095 Letto. Reforma de vivienda en Madrid
Arquitectos: elii – Uriel Fogué, Eva Gil, Carlos Palacios
Arquitectas coordinadoras del equipo: elii – Ana López + Sofía Coutsoucos
Equipo: elii – Eduardo Castillo + Irene de Santos
Carpintería: Alfredo Merino Caldas
Superficie: 111.52m2
Fecha: 2017
Emplazamiento/Location: Madrid
Superficie: 111.52m2
Fotografía: ImagenSubliminal / Miguel de Guzman+Rocio Romero + elii.es
Vista del Pabellón para la Confederación Hidrográfica del Ebro a finales de 1929, construido según proyecto de Regino Borobio.
Todos los arquitectos conocemos la Exposición Universal de Barcelona de 1929 casi únicamente por lo que supuso para la arquitectura moderna la construcción del mítico “Pabellón de Barcelona”, es decir, el Pabellón de Alemania de Mies van der Rohe. Aquel evento internacional surgido de la necesidad de apertura de un país aislado al sur de los Pirineos tras la Primera Guerra Mundial, fue impulsado por el sector industrial (principalmente compañías eléctricas y energéticas) que albergaban grandes expectativas de futuro al final de “los felices años 20”, aunque en España esa “felicidad” estaba muy restringida a ciertas capas sociales favorecidas por una Dictadura Militar y por la herencia de unas estructuras socio-económicas decimonónicas totalmente obsoletas e inútiles para la gran mayoría de los ciudadanos.
En ese contexto, aquella exposición de palacios y pabellones —según la definió Solá-Morales1— mostraría una síntesis arquitectónica de ese confuso momento por el que transcurría la Arquitectura, aún deudora de un academicismo historicista (nacional) o de un noucetisme (catalán) por una parte, pero al tiempo con anhelos de desplegar las doctrinas de las nuevas vanguardias europeas en boga (neoplasticismo, funcionalismo y constructivismo, principalmente).
La fortuna quiso que coincidiera la voluntad de la Confederación Hidrográfica del Ebro (C.H.E.) de querer construirse su propio pabellón al margen del stand asignado dentro del Pabellón de España, y la joven madurez de un arquitecto aragonés, Regino Borobio Ojeda (1895-1976), consultor por entonces de la compañía industrial zaragozana.
Con apenas una década de experiencia profesional, pero habiendo demostrado su capacidad con interesantes obras de muy diversa índole2, Borobio recibió el encargo de proyectar apresuradamente el Pabellón para la C.H.E. ya estando inaugurada la exposición para entonces, proyecto que fue completado en el mes de mayo y terminado de construir entre junio y septiembre, siendo finalmente inaugurado por el rey Alfonso XIII el día 4 de octubre.
De su repercusión en los medios de comunicación de la época deducimos su mínima relevancia, algo que tampoco es de extrañar. Tampoco en las revistas especializadas tuvo apenas cabida. Sin embargo, hoy podemos juzgar que aquella pieza, síntesis personal del autor de ciertas arquitecturas holandesas (Berlage, Dudok, Oud, Rietveld, Buijs,…), se erigió en una de las más vanguardistas de la exposición, comparable en tema, expresión formal y modernidad al Pabellón de Suministro de Electricidad en Alemania, casi tan desconocido como el de Borobio si no hubiera sido por el renombre de su autor: el mismísimo Mies van der Rohe.
El incuestionable valor plástico del pabellón de Borobio fundamenta su interés en una moderna oposición de contrarios. Se trata de un juego dialéctico con modernos equilibrios alcanzados por contraste y dinamismo: el cubo central contra la torre y volúmenes periféricos, la cubierta horizontal contra el hito vertical, la desnudez de las lisas fachadas blancas contra el grupo escultórico alegórico de tres diosas situadas para recibir al visitante, la masividad y ausencia de huecos contra la ligereza de la esbelta torre de vidrio con luminoso nocturno y lettering… y, a otra escala, su rotunda abstracción como “edificio-objeto” en clara oposición al conjunto figurativo del ecléctico e historicista vecino Palau Nacional.
Vista del Pabellón para la C.H.E. con el Palau Nacional detrás y el Pabellón de Yugoslavia a la derecha.
Desconocemos la opinión de los visitantes acerca de este Pabellón para la C.H.E., pero su corta vida y la entidad del promotor tampoco presuponían gran trascendencia. Aquel efímero y silencioso objet trouvé pasaría seguramente muy inadvertido entre tanto ruido y parafernalia. Ni siquiera la historiografía moderna (Carlos Flores, Oriol Bohigas, Lluís Doménech) supo rescatar su valía, quedando en el mayor de los olvidos hasta que fuera “rescatado” en una monografía del arquitecto aragonés más recientemente3. Tampoco sus planos originales han llegado hasta nosotros, lo cual deja en serias dificultades a cualquiera que desee seguir investigando en él…
Sirva esta pequeña nota como reconocimiento a este episodio vanguardista que resultó ser tan fugaz como precoz en la incipiente Modernidad española. Un historia de “lo moderno”, por cierto, aún pendiente de ser completada con otros muchos objets trouvés dispersos e ignorados como éste.
Rodrigo Almonacid [r-arquitectura] · doctor arquitecto
valladolid. junio 2017
2. POZO MUNICIO, José Manuel: Regino Borobio Ojeda (1895-1976). Modernidad y contexto en el primer racionalismo español. Zaragoza: Ed. Colegio Oficial de Arquitectos de Aragón, 1991.
3. Véase nota 2. J. M. Pozo destaca precisamente a este pabellón y a la sede de las oficinas de la Confederación Hidrográfica del Ebro (Zaragoza, 1933-36) como sus dos obras más destacadas, dignas de estar entre las pioneras de la arquitectura moderna española. Op. cit. p.31.
[Imágenes tomadas de la monografía citada de José Manuel Pozo Municio y tratadas por el autor]
Gabriele Basilico (Milán 1944) es un fotógrafo de reconocido prestigio internacional galardonado como premio Astroc, Osella d´Oro, premio INU, etc. Formado como arquitecto, sus imágenes recurren frecuentemente al paisaje urbano como fuente de inspiración. La observación de las relaciones con el entorno construido ocupa un lugar fundamental dentro de su producción visual.
En este sentido llama la atención una serie de dípticos elaborados en los años ochenta. Las fotografías que los componen son el resultado de un proyecto de observación tan sistemático como estético. Basilico yuxtapone dos imágenes. Por una parte una imagen de una silla, por otra las marcas que esta silla provoca en el cuerpo de la persona que se ha sentado en ella.
Contact 1984 | Fuente: olivarauna.com
Las dos fotografías que componen estos dípticos se producen de forma cuidadosa mediante la utilización de una cámara de gran formato e iluminación de estudio. La brutal frontalidad del contrapicado con la que se fotografían las sillas enfrentada contra la ternura una anatomía femenina marcada resultan inquietantes.
Basilico revela sutilmente imprevistos efectos de algunos diseños. Diseños quizás no tan inocentes como podrían parecer.
Elías Cueto, arquitecto
Santiago de Compostela, octubre 2011 Publicado en Nº 313 [sillas…]
El Museo ICO inaugura la exposición “Gabriele Basilico. Entropía y espacio urbano“, primera gran retrospectiva en España del conocido como “El fotógrafo de la ciudad“. La muestra se enmarca en la Sección Oficial de PHotoEspaña 2017 y podrá verse hasta el próximo 10 de septiembre.
Comisariada por Ramón Esparza y con la colaboración de Giovanna Calvenzi y el Studio Gabriele Basilico, “Entropía y espacio urbano“ explora la evolución estilística y conceptual de Basilico a lo largo de su carrera, desde la mirada romántica de sus inicios a la que busca encontrar un orden visual en el aparente caos de las metrópolis posmodernas. El título hace referencia a esa evolución conceptual de Basilico a lo largo de su carrera e intenta mostrar el cambio operado en ella.
La exposición muestra 185 fotografías, una selección de los más de 70 libros publicados por Basilico a lo largo de toda su carrera y cuatro vídeos sobre diversos aspectos de su trabajo para realizar un repaso general a toda su carrera fotográfica. La muestra parte de su primera serie centrada en el paisaje y la arquitectura, Milano, ritratti di fabbriche [Milán, retratos de fábricas], para concluir con las imágenes de algunas de las metrópolis contemporáneas, como Río de Janeiro o Shanghái.
La retrospectiva que se puede ver en el Museo ICO se divide en cinco series. La exposición comienza con la primera serie dedicada por Gabriele Basilico a la arquitectura, Milano, ritratti di fabbriche (1979), para la cual fotografió todos los edificios industriales de Milán. Tras ésta vino la invitación a participar en la Mission DATAR, en Francia, para la que captó la imagen de la costa de Normandía (Porti di mare). Su fama comenzó a extenderse y llegaron los encargos de toda Europa. En España participó en proyectos fotográficos en Madrid, Bilbao, Valencia, Barcelona, Lérida y Santiago. Siempre en ciudades que sufrían severos procesos de transformación económica y urbana. La idea de la pérdida, el sentimiento romántico de la ruina, es el eje de todos ellos, al tiempo que la búsqueda de criterios estéticos que permitan asumir esas transformaciones. Hay uno, sin embargo, que marca profundamente su visión y sienta las bases para el final de esta etapa, aunque ese fin llegara años más tarde. En 1991 es invitado, junto a otros fotógrafos, a visitar Beirut para documentar el centro de la ciudad tras veinte años de guerra. El resto del grupo lo formaban grandes nombres como Robert Frank, Josef Koudelka, Raymond Depardon, René Burri y el libanés Fouad Elkoury.
La clave para la “desromantización” de su fotografía vino con el proyecto que, junto al arquitecto Stefano Boeri, presentó en 1997 en la Bienal de Arquitectura de Venecia. En Sezioni del paesaggio italiano, Boeri planteó una forma muy distinta de aproximación al territorio, más cercana a lo topográfico que a lo emocional. Seis franjas de cincuenta por doce kilómetros surcadas por una gran vía de comunicación, fueron el escenario fotografiado por Basilico: espacios sin memoria, sin identidad. La verdadera esencia de lo periurbano. A partir de este proyecto, la mirada de Basilico cambia radicalmente. Sustituye la visión del viajero romántico por la del viajero moderno que se desplaza en automóvil y su búsqueda estética se centra en la articulación de una nueva mirada, desprovista ya de toda carga romántica, que se centra en la aceptación de los espacios urbanos y periurbanos y la formulación de un orden visual que sea capaz de posibilitar su apreciación, tanto en lo sociológico como en lo estético. Una búsqueda que le lleva a centrarse en la ciudad, marcándose siempre itinerarios centro-periferia, o en las afueras, y evolucionando, poco a poco, hacia la figura de la metrópoli y la ciudad interrumpida.
El catálogo.
Con motivo de la exposición, la Fundación ICO ha editado, en colaboración con La Fábrica Editorial, un catálogo de 208 páginas que recoge las obras presentes en la muestra. Se completa con una introducción de Giovanna Calvenzi, viuda de Gabriele Basilico; un ensayo de Ramón Esparza, comisario de la exposición; y con una entrevista al arquitecto milanés Stefano Boeri realizada por Emilia Giorgi.
GABRIELE BASILICO. ENTROPÍA Y ESPACIO URBANO
EXPOSICIÓN del 30 de mayo al 10 de septiembre de 2017
Organiza y produce: Fundación ICO
Museo ICO, C/ Zorrilla, 3, 28014, Madrid
Comisario: Ramón Esparza
Con la colaboración de: Giovanna Calvenzi y el Studio Gabriele Basilico
Horario: De martes a sábado, de 11 a 20 h.; domingo y festivos, de 10 a 14 h.; lunes cerrado.
Entrada gratuita
Este edificio es el resultado de ganar un concurso público convocado por EMVSA en el año 2013.
Las premisas del concurso:
1. Crear un edificio con presencia. En un principio el concurso planteaba las opciones de poder hacer un edificio enterrado u oculto en el talud. Nuestra opción fue crear un edificio visible, orgulloso de si mismo y que contribuyese a mejorar las condiciones urbanísticas de su entorno.
2. Un edificio exento y reversible, que se relacione con la cantera existente. Con una estructura prefabricada, que teniendo en cuenta que se trata de una concesión administrativa (75 años) permita en un futuro reutilizar la parcela de una forma sencilla dejando la cantera a la vista.
3. Plantear el núcleo de comunicaciones verticales exento al edificio aparcamiento para poder ser utilizado por los usuarios y por todos los peatones las 24 horas del día, resolviendo un problema de accesibilidad actual en la zona.
4. Crear una plaza pública en la cubierta con excelentes vistas a la Ría del Burgo para dotar a la zona de espacios públicos que en la actualidad no gozaban de ellos.
5. Conectar el aparcamiento con el hospital que está al otro lado de la autovía de acceso a la ciudad. Salvando así una barrera que históricamente dificultaba la conexión del Hospital de Maternidad con esta zona de la ciudad, y que generaba un problema para la gente con movilidad reducida y familias con carros de bebés.
6. Crear un edificio eficiente, para ello se plantea un edificio exento con todas sus fachadas ventiladas evitando así las extracciones forzadas de humos y resolviendo del mismo modo la iluminación natural.
7. Desarrollar un sistema constructivo de muy bajo coste pensando en la viabilidad de la inversión, para ello se proyectó un edificio modular de hormigón prefabricado con crujías de 7.50 m y unas fachadas de tubos de aluminio lacado y galvanizado.
8. Un edificio de bajo coste de mantenimiento, para ello se emplean materiales como el aluminio lacado con junta de neopreno para evitar pares galvánicos y barandillas de tramex galvanizado debido al ambiente salino y una fachada mediante paneles de hormigón prefabricado.
Formando parte de una periferia urbana sometida a fuertes tensiones y en proceso de degradación, pero también situada en un lugar privilegiado frente a la Ría del Burgo, la parcela destinada a la implantación de un edificio para subsanar el grave déficit de plazas de aparcamiento de dos hospitales públicos supuso, al mismo tiempo, un reto y una oportunidad.
El reto de obtener un edificio radicalmente funcional que se adaptara a los fuertes desniveles que la topografía imponía, y la oportunidad de poner en valor el singular emplazamiento con una propuesta arquitectónica que, por sus características, pudiera constituirse en pieza fundamental para la regeneración urbanística y medioambiental del entorno de As Xubias.
En efecto, la parcela era un espacio residual, un gran talud de roca y vegetación generado por el vial que comunica dos zonas a diferente cota, con un desnivel total de hasta 15.00 m. El vial rodea la parcela desde el extremo sureste, que es su punto más bajo, bordeándola por el este, norte y oeste, hasta llegar a su punto más alto en el extremo suoreste.
En la zona superior está situado el Centro Oncológico, y en la inferior el Hospital Materno Infantil, al otro lado de la Avenida del Pasaje (AC-12), una de las principales arterias de tráfico de acceso a A Coruña.
El aspecto fundamental de la propuesta consistió en ocupar el espacio del talud en toda su altura, que es sustituido por el nuevo edificio, de tal manera que la planta superior, que es también la cubierta, queda a cota del tramo superior del vial, y su planta inferior queda a cota del tramo inferior. En estas condiciones, el edificio abre su fachada orientada a este a las magníficas vistas de la Ría del Burgo. Que toda la excavación necesaria fuese en roca facilitó la ejecución y permitió dejar el corte vertical y visto. De hecho, el edificio no toca la roca, creándose un espacio vacío que contribuye decisivamente al saneamiento y a la ventilación natural del aparcamiento.
El contacto del vial ascendente permitió la integración natural con el mismo, y plantear accesos rodados diferenciados de entrada y salida desde el este (zona inferior, plantas 0 y 2) y el oeste (zona superior, planta 5). Al mismo tiempo, se reajustaron las conexiones con la red viaria circundante, racionalizándola para mejorar la seguridad y comodidad en el tráfico, disponiendo carriles de deceleración y espera.
También se actuó en el espacio exterior para adecuar el entorno a la existencia del nuevo aparcamiento, proporcionando recorridos peatonales seguros y atractivos hasta los dos centros sanitarios, permitiendo una cómoda comunicación entre los mismos. El planteamiento ha sido integrar el núcleo sur de escalera y ascensor, que es también un mirador, como espacio público que completa y dota de condiciones de accesibilidad y seguridad a los recorridos de tránsito peatonal de la zona. El nuevo edificio no sólo resuelve las necesidades de aparcamiento, sino que mejora sustancialmente la movilidad urbana, convertido en una pieza de sutura entre dos ámbitos cuya comunicación era, hasta entonces, problemática.
El acceso peatonal desde el Centro Oncológico se realiza a través de una nueva plaza pública que se crea entre éste y el aparcamiento, que comunica con la planta superior, con paso directo a la escalera y ascensor del núcleo sur. El acceso peatonal al Hospital Materno Infantil se realiza ahora desde la planta 2 del mismo núcleo, a través de una pasarela que, salvando el vial de acceso, se conecta con el paso elevado sobre la Avenida del Pasaje.
Esta medida, tan necesaria debido a la topografía del entorno, con fuertes pendientes, resulta fundamental para elevar sustancialmente la seguridad y comodidad en el tráfico peatonal. No olvidemos que los usuarios de los dos centros sanitarios son pacientes oncológicos, niños y madres, es decir, una población sanitaria para la que el uso de sillas de ruedas, carritos e impedimentos varios es más abundante que en otros casos.
El edificio consta de cinco plantas (0, 1, 2, 3, 4), todas ellas de forma rectangular y con el mismo esquema distributivo. La superior es la cubierta (4), también destinada a aparcamiento. En estas condiciones, el lado oeste del edificio queda en situación de sótano, contra la zona de excavación vertical en roca, sin llegar a tocarla, pero el lado este es una fachada abierta en toda su altura al paisaje de la Ría. Así, el edificio disfruta de excelentes vistas y de una completa ventilación natural cruzada, que hace innecesaria la ventilación mecánica.
Las plantas se dividen, por el eje longitudinal del edificio, en dos niveles con una diferencia de cota de 1.60 m, creándose así un sistema de medias plantas escalonadas, con 3.20 m de altura entre ellas. En ese eje longitudinal, salvando la diferencia de cota entre las medias plantas, se sitúan las rampas para vehículos en la zona de aparcamiento y las escaleras peatonales en los núcleos de comunicación vertical.
El edificio consta de un gran cuerpo central que alberga el aparcamiento propiamente dicho, situándose en sus extremos opuestos los núcleos de comunicación vertical para peatones. Entre ambos núcleos y el aparcamiento, patios abiertos en toda la altura completan la ventilación natural y ordenan espacialmente el conjunto.
La comunicación entre núcleos verticales y aparcamiento se realiza a través de pasarelas que atraviesan los patios abiertos y que son, a su vez, miradores sobre la Ría.
El aparcamiento se diseña de acuerdo a un esquema canónico de calle central y plazas en batería a ambos lados, con óptima ratio m2/plaza. Todas las plazas son de 5.00 2.50 m, contando las PMR y familiares con los sobreanchos normativos. Se cuenta con un total de 266 plazas, de las cuales 38 son PMR y 20 familiares.
La circulación de vehículos queda racionalizada al ser idéntica en todas las plantas, permitiendo en todo momento la perfecta orientación de los usuarios y la localización de las salidas. EL tránsito peatonal por la zona de aparcamiento está completamente señalizado y reconocible, igual en todas las plantas y conectado con claridad a los núcleos de escaleras. En el núcleo sur, al ser el más cercano a ambos centros sanitarios, se sitúan el ascensor y los aseos, así como los cuartos de servicios e instalaciones. También contiguas a este núcleo se agrupan las plazas de aparcamiento PMR y familiares en todas las plantas. EN la planta superior, con el aparcamiento al aire libre, la circulación peatonal queda protegida por una visera a lo largo de todo su recorrido. El edificio, en su totalidad, tiene una superficie útil de 9890 m2 y una superficie construida de 10675 m2.
La fachada expresa la volumetría y la funcionalidad del edificio, y busca la integración visual en el talud que le sirve de emplazamiento. A las dos plantas inferiores de aparcamiento, que absorben la inclinación del vial, se les da un tratamiento de zócalo, con un cerramiento a base de paneles prefabricados de hormigón, con un acabado superficial ranurado. Para el resto de la fachada se disponen celosías ligeras, que permiten ver de dentro a fuera para disfrutar del paisaje y tamizan las vistas desde el exterior hacia el interior, ocultando los vehículos, y manteniendo las condiciones de ventilación natural-
La celosía principal se compone de perfiles tubulares de sección rectangular, de aluminio lacado en diferentes colores, montados en sentido vertical de forjado a forjado. Para la celosía y barandillas en zonas de pasarelas, rampas, escaleras y terrazas, se dispone de un tramex de acero galvanizado. En ambos casos se proporciona a la fachada la adecuada protección para ambiente marino.
Este edificio es la consecuencia de la adjudicación de un concurso público convocado con un bajo presupuesto, y su construcción se ha desarrollado durante una etapa de crisis. Partiendo de la modesta dotación presupuestaria, se ha intentado hacer de la necesidad, virtud, de manera que la economía de la obra no fuese un obstáculo, sino un estímulo, para lograr una calidad arquitectónica que se apoya en la racionalidad, en la funcionalidad a ultranza, en la cuidadosa elección de materiales, en la armonía volumétrica y en la voluntad de regeneración medioambiental.
Obra: Aparcamiento Materno y Oncológico.
Situación: A Coruña, Galicia, España
Autores: Díaz y Díaz Arquitectos [Lucas Díaz Sierra, Gustavo Díaz García] con Rafael Ángel Otero Mosquera
Fecha: 2015
Tipología: Equipamiento.
Cliente: EMVSA. Empresa municipal de vivienda, servicios y actividades, S.A
Área: 10000 m²
Fotografías: Héctor Santos-Díez | BISimages + diazydiazarquitectos.com
Cuando surge la inspiración, el poder anotar las ideas rápidamente se hace imprescindible para que no se pierdan el ostracismo. En ocasiones, no siempre tenemos cerca una libreta o un trozo de papel para anotar o esbozar esa idea maravillosa que nos viene a la mente. Por ello FiftyThree, Inc. ha creado Paper la app gratis, con la que tendrás siempre a mano la opción inmediata de capturar y guardar ese
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Del paradigma de la complejidad | axonometrica.wordpress.com
Si asumimos fácilmente que la arquitectura siempre ha buscado en la naturaleza su patrón, su modelo a seguir, cuando no a imitar, y que históricamente siempre ha habido una simbiosis entre lo natural y lo arquitectónico, estaremos de acuerdo que un cambio sustancial en la concepción de la naturaleza, conllevará necesariamente un cambio substancial en la arquitectura.
El paradigma de complejidad, aparte de tener una clara necesidad social, tiene también su origen en una redefinición de un sustrato cultural común que pasa tanto por la definición del comportamiento de los fenómenos naturales, como de encontrar en las ciencias de la complejidad aquello que tienen de común para a partir de allí crear una nueva cultura de la Ciencia, lo que necesariamente creará una nueva cultura de la Arquitectura.
La complejidadcomo definición de un comportamiento.
El cuerpo de teorías, investigaciones y procesos de descripción y representación de la realidad, surgidos en la década de los 60 y principios de los 70, demuestran como una gran abanico de ideas alrededor de un modelo de complejidad inciden directamente sobre diferentes disciplinas. Desde la física a la sociología, estas teorías inciden en la matemática, la química, la psicología, el management, la filosofía, las tecnologías entonces emergentes de la computación, la informática y las telecomunicaciones, la biología, y tantas otras ramas del saber subsidiarias de estos inmensos troncos del conocimiento.
Aparte de que el momento histórico en que estas teorías están formuladas son coincidentes con la prodigiosa década de 1960 y algo más allá, hay otro rasgo común a todas estas teorías: la investigación sobre el comportamiento complejo. Ya sea la catálisis espontánea de dos moléculas de sustancias químicas diferentes de la sopa prebiótica para describir el origen de la vida, o el manejo de múltiples datos que un sistema computerizado es capaz de gestionar para aplicarlo posteriormente a políticas urbanas efectivas, ya sea la definición geométrica de los atractores extraños en sistemas con un comportamiento aparentemente azaroso, o la autoorganización como modelo de comportamiento de sistemas alejados del equilibrio, todas estas investigaciones apuntan a una misma dirección coincidente, la no linealidad de los comportamientos de la naturaleza, del ser humano –también naturaleza si entendemos la idea de nueva alianza de Prigogine- y de todos los productos y subproductos derivados de la actividad humana ¿Cómo podemos pensar que la arquitectura no iba también a estar envuelta en esa dinámica de la complejidad?
Para acabar de entender que la idea de complejidad estaba totalmente instalado en las preocupaciones, investigaciones, modos de pensar y reflexiones de todo tipo en los años 60, basta ojear al artículo publicado en 1962 por Herbert A. Simon, economista, politólogo y teórico de las ciencias sociales, The Architecture of Complexity.1
Aparte de etimológicamente colocar la palabra arquitectura al lado de la palabra complejidad, -es evidente que en el artículo, arquitectura esta usado en términos de símil, para referirse a estructura o organización- el escrito demuestra como ya a principios de la década de los 60 la idea, el concepto de complejidad estaba perfectamente reconocido.
En este caso, la idea-fuerza sobre la que Simon incide es, por un lado la descripción del comportamiento de la complejidad. Simon, quizás en una desesperada búsqueda de lo simple en lo complejo, afirma que la condición de complejidad de un sistema depende críticamente de la manera en que lo describimos. Para lograr la simplificación de un sistema, debemos encontrar la representación adecuada. Simon dice:
«La noción de sustituir una descripción del proceso para obtener una descripción del estado de la naturaleza ha desempeñado un papel central en el desarrollo de la ciencia moderna. En un gran número de casos, las leyes de la dinámica, expresadas en forma de sistemas de ecuaciones diferenciales, han proporcionado la pista para la simple descripción de lo complejo. La correlación entre la descripción del estado y una descripción del proceso es fundamental para el funcionamiento de cualquier organismo adaptativo, y para su capacidad para actuar intencionadamente con el entorno. Nuestra comprensión actual de mecanismos genéticos sugiere que incluso en la propia descripción del organismo multicelular se encuentra una descripción del proceso en forma de un programa genéticamente codificado que es en definitiva una parsimoniosa y útil representación».2
Es decir la ambición de simplicidad no abole la adopción de lo complejo. Es más, puede entenderse que tal ambición debe de pasar por una descripción y una representación de estos procesos –y por tanto una profunda compresión de estos- antes de poder considerar tal o cual sistema como generador de un comportamiento simple.
En otro orden de cosas podríamos afirmar que el comportamiento complejo está ya tan interiorizado en términos culturales, que incluso aquello aparentemente simple, requiere de un esfuerzo complejo suplementario. Es decir, lejos de querer representar un comportamiento complejo, se maneja lo complejo dándole un formato de aparente simplicidad. Nada más difícil que aparentar lo fácil.
Si hiciéramos un doble salto, en el tiempo y en la materia de conocimiento, y reflexionáramos un instante sobre la complejísima simplicidad de la arquitectura de los galardonados con el premio Pritzker, Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawua podríamos trazar una paralela entre la idea de Simon y cierta apariencia de simplicidad, es decir, la representación en forma simple de la complejidad de cierta arquitectura contemporánea.3 En definitiva quiero solamente remarcar que incluso en aquello que tiene apariencia de simplicidad, subyace un extrema lógica de lo complejo, algo que a mi entender Simon está reflexionando en su artículo.
La otra idea-fuerza del artículo reside en la necesidad expresada por el autor de construir una teoría de la jerarquía para manejar con soltura la estructura conceptual de una teoría no-trivial de los sistemas complejos.
Para Simon la idea de jerarquía tiene la propiedad de descomponer, lo que simplifica en gran mediad su comportamiento complejo. Si podemos establecer una jerarquía podremos entrar en la esencia de lo complejo y entender las aparentemente ocultas leyes que rigen tal comportamiento.
Una última reflexión de Simon me parece pertinente al demostrar por un lado la avalancha de sistemas complejos que surgen en esa época y por otro la posición defensiva que toma en este caso el autor:
«En tanto, ciencia e ingeniería, el estudio de sistemas es una actividad cada vez más popular. Su popularidad es más una respuesta a una necesidad urgente de síntesis y análisis de la complejidad que cualquier desarrollo de un cuerpo de conocimiento y de una técnica para tratar la complejidad».4
Sin duda el tiempo ha acabado por demostrar que el camino de la complejidad es irreversible en la ciencia y también, cómo no, en la arquitectura. A medida que hemos ido avanzando en la lógica de lo complejo, más y más hemos entrado en un camino sin retorno.
No es criticable en absoluto que en ciertos momentos tanta complejidad llegue a saturar nuestra capacidad de reflexión, o que incluso no se llegue a tener algún destello de nostalgia de una época en donde todo era más sencillo, todo era explicable de manera fácil y entendible. De una época donde el relato podía ser lineal. Sin embargo el texto pone de manifiesto conclusivamente que el concepto de complejidad estaba literalmente arrasando -popularidad, emergencia- en la ciencia, en la ingeniería, y más tarde en, por supuesto, la arquitectura, sedimentando así una categoría cultural, una manera de pensar, que diríamos coloquialmente.
Miquel Lacasta. Doctor arquitecto
Barcelona, diciembre 2012
3 Es interesante la entrevista no programada que Anatxu Zabalbeascoa publicó en el diario El País en el que se destaca:
“Aunque sus proyectos sean descritos con frecuencia como ligeros y transparentes, su economía de medios no es una simplificación de la arquitectura. Es muy complicado mejorar las cosas. Pero Sejima y Nishizawa investigan y analizan todas las posibilidades de los encargos para que lo complejo parezca simple, ligero, transparente, todos esos adjetivos asociados a sus esmerados trabajos que el jurado ha calificado “de una belleza precisa.”
Hace unas semanas escribí sobre el Arq. Martín Vegas Pacheco, quien fue mi profesor. Me referí entonces al tiempo en el cual yo hice de su profesor ayudante en el “Taller Vegas” de la Facultad (corría entonces 1962-63) junto a otros colegas que mi memoria me hace difícil enumerar.
Joseph Conrad
Lo cierto es que la convivencia que hoy llamaríamos “académica” y que en esos tiempos parecía más bien un asunto de simples afinidades y oportunidades de la vida que se desplegaba con bastante más dinamismo de lo que nuestro estancamiento de hoy permite, esa convivencia, repito, no fue demasiado armoniosa. Con bastante frecuencia Martín y yo nos enfrentábamos, o mejor dicho yo me enfrentaba a Martín porque el jefe era él, a raíz de desacuerdos sobre el fundamento de lo que hacíamos. Recuerdo en particular un día en el que me presenté a las reuniones donde se preparaban los temas del semestre con una serie de esquemas animados con “magic marker” (un marcador típico de entonces) sobre el modo cómo los temas de diseño se iban originando y definiendo a partir de la noción de “familia”.
Era un enfoque muy ideológico, a tono con la circunstancia venezolana de entonces muy afectada por el afán marxista de ganar este país a la “causa revolucionaria” como correlato de lo que venía ocurriendo en Cuba. Al insistir en la familia como origen del conjunto de actividades sociales a las cuales respondía la arquitectura, yo quería reforzar un punto de vista “cristiano”, asunto que en el contexto del debate político de entonces que era muy fuerte y hasta violento, veía como un testimonio necesario, una toma de partido. Era, puedo decirlo ahora con más distancia, mi obsesión de ese momento; y como tal obsesión me era necesario defenderla con demasiada vehemencia (mi natural forma de defender cualquier cosa) que tropezaba con la incredulidad o tal vez frialdad no exenta de antipatía del Jefe del Taller. Todavía guardo en algún rincón de mis archivos esos dibujitos y su texto garrapateado, lo cual me hace remontarme con no poca nostalgia a momentos de mi vida más espontáneos que me depararon pequeñas y grandes dificultades.
Pero el Jefe del Taller era sin embargo, pese a su desconfianza hacia los arrestos ideológicos, una persona a la que le interesaban las ideas. Insistía en que los estudiantes se enriquecieran como parte de sus tareas. Así que se le ocurrió un día poner un cuestionario en el cual indagaba sobre los libros que cada quien había leído recientemente y, en particular, sobre el que estaban leyendo en ese momento. Yo estuve muy de acuerdo con el cuestionario, pero íntimamente me sentía un tanto incómodo porque ocurría que en esos momentos no estaba leyendo nada, o que mi último libro estaba un poco distante.
Y así permanecí en los años por seguir. Nunca fui un lector persistente y consuetudinario sino más bien ocasional. En etapas leí mucho sobre arquitectura, o mejor dicho sobre especulaciones “teóricas” con la arquitectura como pretexto; y la literatura en general no ha dejado nunca de atraerme, pero a veces me acerco a mi biblioteca y me sorprende la cantidad de libros que allí están, de los cuales no pasé de las primeras quince páginas. Eso, mientras personas cercanas estaban siempre hablando del último libro leído y viejos amigos o compañeros de adolescencia podían fácilmente ser catalogados de “tragalibros”.
Yo diría que así fue en general hasta que tuve cincuenta años. La edad que hoy en día tiene mi hijo mayor, quien por cierto lee muy poco hasta el punto de parecerme que se lo debo decir, si no fuese porque decirle cosas a hijos tan grandotes es de las prácticas de las cuales debe abstener todo padre. De esa edad en adelante he empezado a leer de modo mucho más asiduo, y ya en los últimos tiempos disfruto mucho mi rutina de leer siempre al comenzar la mañana. No mucho tiempo, por cierto, porque no soy persona capaz de concentrarme durante muchos minutos seguidos.
El caso es que por fin me he convencido de que la lectura es un asunto que debo convertir en parte rutinaria de mi vida. Y no es que antes no pensara lo mismo, sino que ahora lo vivo de modo intenso, ventajas de hacerse mayor. Y en la lectura va uno encontrando con frecuencia alusiones y más que alusiones representaciones bastante precisas sobre asuntos que a uno le han venido preocupando y que allí encuentra expresados con la claridad o la hermosura poética que a uno se le escapa.
No he sido lector de poesía sino en el caso de ciertos autores que se han convertido para mí en compañeros de vida, como Fernando Pessoa por ejemplo. Pero durante el tiempo, que comenzó hace dos décadas o un poco más, cuando empecé a conectarme con la filosofía consiguiéndolo sólo a medias y a partir de visiones filosóficas que más bien se distancian de la filosofía histórica; durante ese tiempo, repito, se fue formando en mí la casi convicción de que el modio de filosofar más auténtico es el que utiliza las formas poéticas. El poeta, el escritor en prosa o en verso filosofa utilizando los recursos poéticos a su alcance o usando el discurso de alguno de sus personajes, de un modo que me parece mucho más vital que el filósofo que exige al lector compartir un “juego de lenguaje” que lo lleve a entrar en un mundo metafísico. El poeta no. El poeta sugiere con palabras que todo el mundo entiende, o más bien simples palabras convertidas en instrumentos para la ensoñación poética, que abre significados múltiples y estimulan el pensar.
Veo en el poema, la prosa poética, la novela, como vehículos del filosofar. Tal vez por eso en estos tiempos otoñales me atraen tanto las novelas.
Y he regresado así a algunas que leí hace años o a leer las que debí haber leído.
Como es el caso de las novelas de Joseph Conrad1. En las cuales, como en Nostromo, he encontrado muchas claves para reflexionar.2
Algunas de ellas se resumen en las citas que incluyo más abajo en las notas3. Pero aquí dejo estas otras, tan a punto para nosotros los venezolanos:
“…ya que tantas cosas que parecían escandalosas, extrañas y grotescas…tenían que ser aceptadas como normales en el país…”
“…cuando hayamos hecho las paces entre nosotros y nos hayamos vuelto decentes y honorables, ya no nos quedará nada…”
“…¿Pero qué ocurre cuando no puedes trabajar honradamente hasta que los ladrones estén satisfechos?…”
Óscar Tenreiro Degwitz, Arquitecto.
Venezuela, octubre 2012, Entre lo Cierto y lo Verdadero
Notas:
1. Leyendo a Borges tropecé alguna vez con el nombre de Joseph Conrad, Józef Teodor Konrad Korzeniowski (1857-1924), escritor británico, en realidad ciudadano polaco emigrado a Inglaterra. Citado bajo su nombre original en las primeras líneas del cuento de Borges “Guayaquil” que forma parte de su libro “El Informe de Brodie”, publicado en 1970.
Esas primeras líneas se refieren a la novela “Nostromo” de Conrad de la cual saca Borges los personajes con los que teje la curiosa historia que le permite decir con el ingenio y el seductor lenguaje que es difícil no admirar, algunas cosas certeras sobre las distintas versiones que hay sobre la histórica entrevista de Bolívar y San Martín.
Había oído de Nostromo en una circunstancia muy particular, hace más de treinta años, en una sala de espera de una islita del Caribe donde esperaba abordar un pequeño avión junto a un locuaz norteamericano que tal vez motivado por el lugar en el que estábamos o al saber que yo era venezolano, se explayó en elogios de su lectura reciente. Mencionó una y otra vez el nombre, que retuve desde entonces hasta que por fin, hace unos meses, compré la novela en edición de bolsillo.
Y hace unos días terminé de leerla, no sin cierto pesar, como ocurre con las novelas que te atrapan, y conmovido por la capacidad de Conrad de adentrarse en paisajes, atmósferas y personajes con la profundidad que podría estarle vedada a un inglés demasiado inglés y que resulta bien explicada por el alejamiento reflexivo que sobre las andanzas inglesas por el mundo puede tener un polaco. Me persiguió durante toda la lectura la idea de que Costaguana, la república sudamericana descrita en Nostromo era una figuración de Venezuela.
2. Muchos nombres, lugares y personajes me lo hacían pensar. Higuerota es el nombre de una enorme montaña que tutela la ciudad de Sulaco. El Golfo Plácido no me parecía otro que nuestro Golfo Triste, de aguas protegidas y apacibles, que tuvo que navegar Conrad cuando a los veinte años, como marinero de un barco mercante, iba de Puerto Cabello, donde había desembarcado, hacia el Oeste y la costa colombiana del Caribe. Guzmán Bento había sido el último dictador, los llaneros son parte principal del pueblo de Costaguana, la república inventada por Conrad, en la cual las ventas de víveres se llaman pulperías, el pueblo recuerda a un legendario héroe llamado Páez, y el abuelo de uno de los personajes centrales había luchado en la Legión Británica bajo el mando de Bolívar.
No obstante, dada la amistad de Conrad con el prologuista inglés del relato de un caballero colombiano, Santiago Pérez Triana, sobre sus aventuras como exiliado que termina recalando en Inglaterra; y el hecho de que Conrad se refiere a él como el modelo de un importante personaje de su novela, se ha dicho en Colombia que Costaguana es una figura borrosa de ese país. Tesis abonada por la idea de que la República Occidental que se separa del resto de Costaguana en la novela, podría ser una referencia a Panamá, provincia que se separa de Colombia también a instancia de los intereses extranjeros, pero en este caso por la construcción del Canal.
En todo caso Conrad hace una magistral exploración en lo que han sido nuestras repúblicas marcadas por la hipocresía de sus líderes y por la codicia de propios y extraños. Y lo hace además con una capacidad de penetración sorprendente que subraya su grandeza como escritor e intelectual.
Y Conrad, quien gustaba de hacer prolijas descripciones de geografías, lugares y estancias hasta el punto de que algún comentarista le atribuyera un deseo de dibujar con las palabras, no deja de ser un observador inteligente de las arquitecturas en las que transcurre el relato. Me llamó la atención en particular la descripción de la casa de la familia Gould, los protagonistas de ascendencia europea:
Hileras de plantas en tiestos, dispuestas sobre la balaustrada entre las columnas de los arcos, ocultaban el corredor…cuyo espacio enlosado es el verdadero corazón de una casa sudamericana, donde la sucesión de luz y de sombra en las baldosas marca las tranquilas horas de la vida doméstica.
Pero hay otras reflexiones demostrativas de un talante crítico afirmado en una visión culta, que revela conocimiento y comprensión de nuestro transitar histórico:
…pusimos en erupción a todo un continente con nuestra independencia sólo para convertirnos en la presa pasiva de una parodia democrática, las víctimas inermes de pícaros y matones, nuestras instituciones una burla, nuestras leyes una farsa: ¡un Guzmán Bento nuestro dueño! …
¿Acaso no podríamos decir los venezolanos exactamente eso, no sólo a propósito de Guzmán (Blanco) sino de muchos de los que lo sucedieron?
Y llama la atención esta crítica elegante muy inglesa, a la capacidad americana, de los del Norte y los del Sur, de sustituir la realidad con las palabras:
…ambas Américas segregan grandes cantidades de elocuencia de una forma o de otra…
Ciertas frases nos tocan de modo directo a los venezolanos de hoy: …nada puede extrañar que haya bandidos… cuando los que nos gobiernan…no son más que ladrones… Y ésta especialmente: Como la mayor parte de sus compatriotas, se entusiasmaba con el sonido de las palabras retóricas, sobre todo si pronunciadas por él…
3. Y vuelve a mí la idea, siguiendo la huella de pensadores que han abordado el tema, que la única manera de escapar de los lenguajes privados excluyentes o especializados que tanto distancian al discurrir filosófico de la gente en general, es filosofando desde el lenguaje poético, literario. Esta obra puede ser una confirmación de ese supuesto, como lo son tantas grandes novelas o la obra de los poetas que perduran.
Y ahora que se acerca la temporada de buen tiempo y ocio viajamos a Granada para conocer MasQueTours y entrevistar a Blanca Espigares Rooney, la doctora arquitecta que ha puesto en marcha este proyecto.
“MasQueTours transforma el concepto de visita guiada para convertirla en una experiencia de conocimiento del lugar, realizada en espiral, a través de diferentes escalas: desde el territorio y su geografía hasta el detalle del alicatado o del tallado en piedra o madera. Acompañada además de una arquitecta granadina, hija, nieta, bisnieta y tataranieta de alhambreños (personas que han nacido y habitado la Alhambra desde el s. XIX llegando a conformar un barrio más de Granada), que conoce cada matiz de su historia.”
Blanca, desde estudiante ya se planteaba los problemas de comunicación que tenía la arquitectura y el absoluto distanciamiento para con los no-arquitectos. Desde siempre pluridisciplinar, cree que la única manera de «narrar» las ciudades para una adecuada comprensión es contar su arquitectura desde la escala mayor a la menor y siempre combinando con diferentes campos del conocimiento como la historia, la antropología, el arte o la literatura, para realizar un acercamiento global y completo. Y esa manera de contar las ciudades, sus contextos y sus arquitecturas, es tras muchos años de reflexión, el germen de su nuevo proyecto MasQueTours.
Por ello que mejor realizar estos recorridos de la mano de arquitectos lo que nos garantiza un profundo conocimiento de la arquitectura y la construcción local.
Sin más os dejamos con la entrevista que nos concedió hace unas semanas.
Yo no lo sabía pero llevaba conmigo toda la vida. Sin darme cuenta llevo contando Granada y la Alhambra desde pequeña. Quizás porque cuanto más leía, más quería contarle a todos mis descubrimientos. Luego durante la carrera nunca comprendí bien por qué se comunicaba tan mal la arquitectura, por qué además los arquitectos nos empeñábamos en hacer tan difícil su comprensión y todo siempre terminaba explicándose con el triturado
«es que al no ser arquitectos, no lo pueden entender».
Pues yo quería que todo el mundo entendiera lo que a mí me fascinaba y me embelesaba. Me gustaba traducir lo aparentemente “incomprensible” de la arquitectura a mis amigos, a mis padres, que pudieran disfrutar de aquello que yo veía pero que ellos no veían porque nadie les facilitaba los pasos para ver. Luego me fui especializando en patrimonio y me di cuenta de que tampoco se contaban bien las capas de la ciudad histórica y que por eso muchos decían lo típico de
«eso no pega ahí»
cuando encontraban un edificio contemporáneo al lado de uno barroco, o uno renacentista al lado de uno mudéjar.
Los años trabajando en la Escuela de Arquitectura de Granada me aportaron dos competencias fundamentales: aprender a investigar con rigor y seriedad, y probar maneras de comunicación que facilitaran la comprensión de la arquitectura. Este esfuerzo me valió por parte de algunos estudiantes el mote de
«la traductora»,
porque compartía aula con otro profesor, y tras corregir, muchos me buscaban a escondidas para que les «tradujera» lo que les había dicho sobre el proyecto de cada uno. Tras seguir durante años con la dura carrera académica, con contratos de pena, trabajando gratis para la excelencia de la Universidad, publicando artículos y yendo a congresos pagados de mi bolsillo para seguir haciendo currículum por si salía una oportunidad, tener en el cv todos los años con las casillas de mínimos rellenas. Hasta que me cansé: me levanté un día, 2 de febrero de 2017, y decidí tirarlo todo a la basura (esto fue literal, tiré toneladas de artículos a medio corregir, escritos, papeles de plazas, ANECA, etc), limpiar escritorio, olvidarme de la carrera académica y hacer algo que me permitiera vivir, pagar el alquiler, disfrutar y no ser esclava de nadie. Y ahí comencé a trabajar en Masquetours.
Yo sola. Masquetours es un proyecto personal de divulgación del patrimonio y la historia de las ciudades históricas andaluzas, principalmente de Granada, en el que no es un guía anónimo que conoces el día del tour el encargado de tu experiencia, sino que desde el principio conoces quién es el guía, su CV, su especialidad, su grado académico y puedes pedirle que personalice tu visita. Si en un futuro funcionara muy bien y necesitara personas de apoyo, no sé si lo ampliaría.
Es un proyecto demasiado personal, en realidad el producto soy yo misma, una arquitecta con un doctorado en estudios de ciudad, arquitectura y patrimonio, ligada a Granada y a la Alhambra desde su nacimiento y volcada desde hace años en la comunicación de la arquitectura y su divulgación. Tendría que ver en otra persona mi manera de enfocar tanto la ciudad como el acercamiento a la visita. Por ejemplo, en la Alhambra es una hija de alhambreño la que te la enseña. Mi tatarabuelo se instaló en la ciudadela y desde ahí todas las generaciones han nacido y se han criado en la Alhambra. La mía es la primera generación nacida ya fuera. No tengo memoria de la primera vez que estuve en el recinto, para mí es parte de mi vida desde que nací. Y eso ha marcado mi forma de contar la visita porque es casi como enseñar un hogar que adoro y amo.
Por eso es tan personal el proyecto y por eso no sé si lo podría ampliar sin desvirtuar el objetivo final. Eso sí, una secretaria me vendría de lujo XD me estoy volviendo loca haciendo todo.
¿Tenías alguna experiencia previa en este campo?
Desde pequeña la curiosidad en torno a la ciudad histórica y su arquitectura me ha llevado múltiples veces a hacer de guía para amigos y familiares, y más cuando todos sabían que era hija de alhambreño. Después cuando trabajé en proyectos en la Alhambra, comencé a hacerlo más para grupos de estudiantes o profesionales. Los años de la Universidad aumentó esta actividad. Y luego, ya me planteé sacar los exámenes de idiomas para tener el título oficial y ejercer si quería. Me lo saqué y meses más tarde decidí que era lo que quería hacer y acerté: llevaba años sin estar tan feliz y satisfecha, y eso que estoy agotada porque como todos los inicios, es muy duro.
¿Te encontraste con muchas dificultades? ¿Cuáles fueron las más problemáticas?
La principal dificultad es lo opaco del sector: fue difícil enterarse de cómo funcionan las cosas en el ámbito del guía turístico. Preguntas pero casi nadie te cuenta, o te despistan. Pero finalmente empiezas a conocer a gente que te explica y empiezas a moverte. Aun así, me falta mucho por aprender. Yo sé contar cosas, comunicar, pero de la complejidad del mundo turístico no sé aún nada. Tengo las ideas de cómo quiero que sean las visitas y qué quiero ofrecer, una forma de aproximación a la ciudad y su patrimonio desde la inmersión, desde una experiencia muy cercana, pero eso choca a veces con el funcionamiento de las agencias, instituciones, etc. Poco a poco. Al menos yo tengo claro qué quiero ofrecer y en qué me diferencio.
Trabajando para el proyecto de puesta en valor de los restos arqueológicos encontrados en La Madraza de Granada que realizaba el arquitecto Pedro Salmerón.
¿Qué situaciones te sueles encontrar?
Mucha desinformación, muchísima. La tendencia actual de coger ofertas de viaje y visitar un lugar sin saber ni dónde es, ni qué vas a ver, ni nada de nada trae personas que no saben ni dónde vienen ni qué es cada cosa. En el fondo les da igual lo que están viendo, sólo quieren sumar un destino más a su mapa de viajes para tener más fotos internacionales que el vecino. Coleccionistas de kilómetros. Te dicen que en media hora quieren estar fuera de la Alhambra. Les explicas entonces que la Alhambra es una ciudad de 100.000 metros cuadrados con un palacio rural al lado de 36.000 más y que se hacen unos 6 kilómetros en el recorrido y se tarda unas 3 horas, y se quedan locos. No sabían ni lo que venían a ver. Esto también es un error por parte del propio Patronato de la Alhambra y el Generalife y de las agencias porque deberían poner en neones
“ciudad de la Alhambra, 6 kilómetros de visita, 3 horas”
y nos ahorraríamos todos situaciones de este tipo que sólo consiguen dejar sin entrada a gente que quizás esté más interesada. Muchos quieren saber, y saber mucho, y te das cuenta que no quieren tours al uso, sino poder preguntar y aprender durante esas horas. He hecho personalizadas por ejemplo para arqueología, geometría de los palacios nazaríes, pintores del siglo XIX en la Alhambra, arquitecturas defensivas en un territorio montañoso como Granada, el flamenco granadino y la creación del fenómeno de las zambras… las demandas son muy variadas.
Pero lo que un visitante interesado quiere es ver que su guía sabe, que ha estudiado, que se preocupa por hacerse comprender, por emocionarles, por acompañarles en un trayecto y hacérselo único. Y si consigues eso, la gente es muy muy agradecida y entrañable.
¿Estáis contentos con los objetivos alcanzados?
Yo no esperaba tener resultados satisfactorios tan pronto. Me ha sorprendido y estoy loca de contenta con las oportunidades que me están dando para desarrollar todo lo que quiero. Abrí la web el 1 de marzo, aún no he sacado el blog, no me da tiempo a trabajar el SEO, pero moviéndote, empiezan poco a poco a salir cosas. También es mucho de ir conociendo gente y de que te vayan conociendo. Pero lo dicho: falta muchísimo trabajo por hacer, así que sin estrés, pero sin parar.
¿Qué expectativas y proyectos de futuro tienes para “MasQueTours”?
Me encantaría que Masquetours fuera una referencia en el mundo del “slow tourism” para que todo aquel que busque una experiencia de inmersión en el lugar y que tenga realmente curiosidad y quiera saber más, pueda satisfacer esas mentes inquietas con ganas de saber.
Por otro lado me gustaría poder seguir desarrollando la comunicación de la arquitectura en medios como la radio (actualmente en la COPE con el espacio «Granada en la retina») y la televisión (actualmente en Ondaluz Granada con un espacio patrocinado por Masquetours que se llama «Granada de cerca») para tratar de hacer ver que se puede contar sin necesidad de complejidades y que se puede transmitir a los ciudadanos sin problema, sólo teniendo ganas de explicarlo con claridad.
Un pequeño sueño es que aumentara la sensibilidad hacia el patrimonio histórico y su valor por parte de todos. Otro es que los arquitectos comenzáramos a implicarnos más en la comunicación de la arquitectura, en su divulgación (galicismo que significa “vulgarizar el lenguaje para comprensión de todos), y abriéramos el discurso a los que viven diariamente la ciudad, a los ciudadanos.
¿Son rentables este tipo de iniciativas? ¿Te sientes bien “remunerada” por la labor que realizas?
Llevaba años sin sentir la satisfacción de estar bien remunerada por mi trabajo. Entre la tendencia a ningunear y pagar mal al arquitecto y el sistema de esclavismo escondido de la universidad española, estaba tan maltratada que poder ahora pagar el alquiler y comprarme unas zapatillas sin estar contando el dinero o pendiente de que me ayuden mis padres, es probablemente la primera gran satisfacción que me trajo el cambio de hoja de ruta. De repente volví a sentir dignidad y reconocimiento al trabajo bien hecho. Cuando ves las caras de los visitantes extasiados contemplando espacios que amas con locura, y luego te dicen que es la mejor visita guiada que han hecho nunca, es maravilloso.
Como guía de la exposición de la exposición “Álvaro Siza. Visiones de la Alhambra”.
¿Compaginas o complementas esta actividad con otras labores o en otros campos?
Sigo siendo arquitecta, claro, así que continúo haciendo colaboraciones en proyectos, investigando en arquitectura, bien para libros que tengo en mente, bien para nuevas rutas, pero ya sin presiones de índices de calidad ni estar pensando en currículum. Simplemente porque me encanta, porque disfruto, porque lo que más me gusta es investigar, aprender, encontrar datos, hacer una historia y además quiero contarlo, narrar de otras formas. Aunque hago de guía, soy arquitecta y los proyectos que salgan, los seguiré haciendo e incluso ahora mejor y más tranquila, como una disciplina que adoro y vivo con toda mi alma, pero sin depender de ella para comer.
¿Crees que los arquitectos en España deberíamos seguir abriendo nuevas vías de trabajo para salir de la casilla más «tradicional» de proyectar dada la actual situación de la construcción en nuestro país?
La arquitectura es una de las disciplinas con mejor formación que conozco, por la propia complejidad del proyecto, de su proceso y su estructura necesariamente pluridisciplinar. Para la organización de equipos de trabajo, para la comprensión de situación complejas, para la estructuración de conocimientos muy diversos en pos de una respuesta como exigen actualmente las empresas, para explicar las ciudades, para la organización de una investigación pluridisciplinar, para las estructuras de juegos y de la realidad aumentada… el arquitecto tiene mil salidas pero de un tiempo a esta parte ciertos sectores nos han ido metiendo en la cabeza que la única digna es hacer concursos y salir en revistas. Y no, añadiendo formación de muchos tipos, un arquitecto puede dominar campos de la economía, la estrategia territorial, marketing, diseño, juegos, redes, turismo, de todo. Porque tenemos una cabeza preparada para resolver problemas complejos con múltiples factores. Otras disciplinas no pueden. El repetido método Design Thinking que se ha extendido entre todas las empresas del mundo no es más que nuestro método de proyecto, nuestra forma de pensar llevada a cabo en otros sectores. ¿Lo enseñan y difunden los arquitectos? No. Y no lo entiendo.
¿Qué opinas de los arquitectos que “emprenden” en nuevos campos?
Los aplaudo porque cuesta muchos disgustos. Tus propios compañeros te dicen que ya no eres arquitecto o dicen cosas del tipo
«como se ha dado por vencida con la arquitectura, hace otras cosas».
Más de una vez alguien que estaba trabajando en algo que no eran concursos o proyectos para revistas me ha dicho, como para justificarse,
«no, pero yo no he dejado de querer ser arquitecto, ¿eh?»,
y yo le he contestado
«ah, pero ¿no tienes el título o es que te lo han quitado?».
Somos arquitectos y eso es serlo 24 horas del día y cuando he hecho trabajos en redes sociales para proyectos I+D lo he hecho pensando como arquitecta, y cuando he hecho un proyecto de transferencia de conocimiento o un cartel promocional, lo he hecho como arquitecta, y ejerzo de guía siendo arquitecta. Si seguimos encasillando la profesión, nos seguirán arrinconando como ya han hecho en apenas 25 años.
¿Animarías a otros arquitectos a seguir tus pasos? ¿Qué pasos consideras que deberían dar? ¿Cómo completar sus estudios? ¿Qué otros consejos les darías?
Sólo les animaría si son personas a las que les entusiasma explicar su ciudad y entorno porque si no es así, esto puede ser una pesadilla. Lo más importante es el conocimiento, en el contenido y en el discurso. Sacarse el carné y ponerse a contar cualquier cosa no vale. Debes conocer la ciudad al dedillo, estudiar cada día, medir tu manera de comunicar, tu vocabulario, cómo acercarte a un europeo o a un australiano, con culturas diferentes y que precisan acercamientos diferentes. Si no eres una persona social que disfrutas contándole a la gente, no es para ti, acabarás amargado repitiendo como loro los datos y no creo que sea bueno para nadie. Idiomas y acento que sean muy buenos, y el contenido, imprescindible que sea riguroso científicamente y que estés al día de todo lo que se publica. Estudiar, estudiar y estudiar.
Durante la obra de restauración de las estructuras de mocárabes de la Sala de los Reyes del Palacio de los Leones de la Alhambra.
La arquitectura, tiene abiertos muchos frentes de batalla (LSP, Bolonia, paro, precariedad laboral, COAs, ETSAs, emigración, comunicación, etc), ¿no serán demasiados para la polarización existente dentro de la misma?
La arquitectura necesita una revisión desde sus cimientos. La polarización así lo indica aunque nos resistamos y los frentes abiertos muestran la inconsistencia actual en la disciplina. Urge un foro abierto en el que comentar, debatir, acusar, llorar, hacer sangre, romper cadenas, un foro en el que se produzca todo eso para que quede entre nosotros, y no que sigamos dando a la sociedad la impresión, cierta claramente, de que ni nosotros sabemos lo que es la arquitectura hoy en día y para qué debe servir un arquitecto. Porque si no lo sabemos ni nosotros, pues imagínate la ciudadanía.
¿Cómo ve el futuro de la arquitectura? ¿Y el de la profesión?
Negro, muy negro, somos una profesión que nos devoramos los unos a los otros y más en crisis. Sobre la arquitectura en general, con la tendencia exagerada a buscar ser publicado en revistas, lo que nos hacía únicos que era ser los técnicos más completos que había en el mundo dentro de la construcción y el urbanismo, va a desaparecer y entonces nos vamos a preguntar cuando seamos meros decoradores (todo mi respeto a esta disciplina) o diseñadores de renders si era eso lo que se buscaba y si el-render-bonito nos hace ser arquitectos.
¿Qué opina de los que se han ido a trabajar al extranjero?
Conozco experiencias de todo tipo, buenas, regulares, malas y muy malas. Últimamente está todo más difícil. Al haber tanto arquitecto español buscando fuera, ya no es tan sencillo y el sueldo ha mermado significativamente. Hay empresas grandes que consiguen así grandes profesionales con sueldos de risa. Lo bueno que veo es que el buen hacer español al menos se exporta y se irá extendiendo, o eso espero.
Para acabar, ¿qué les aconsejaría a los actuales estudiantes y futuros profesionales de arquitectura?
Que luchen por sus sueños pero que éstos no les esclavicen ni otros se aprovechen de las ganas y fuerza que dan los sueños para esclavizarte. Que se marquen unas pautas de dignidad y no permitan que les coloquen debajo. Yo lo he padecido persiguiendo un sueño y al final me he dado cuenta que era una cabezonería más que un sueño de verdad y que podemos tener muchos y diferentes sueños y con algunos no ser felices pero con uno, quizás con el que menos te pensabas, sí y muchísimo :)
Se toma la decisión de adosar las consultas médicas a las dos fachadas, liberando el espacio central, donde se ubican los servicios comunes en el interior de una caja de luz que aporta luminosidad a las zonas de circulación. Contrastan los dos sistemas constructivos empleados en los cerramientos: uno tradicional forrado de mármol negro, pesado y oscuro en oposición a los tabiques ligeros a base de vidrio que permiten que la luz natural penetre hasta el interior del local. Se construyen con un sistema modulado a base de piezas de vidrio y montantes de madera. Los materiales empleados aportan un interesante juego de texturas y reflejos, con una confrontación de transparencias y opacidades en la que contrastan el frío del vidrio y el mármol con la calidez de la madera.
El consultorio médico Sendagrup nace con el objetivo de establecerse como clínica de referencia tanto por la cualificación de sus profesionales como por la calidad en la atención al paciente. Su organización se basa en la priorización del trabajo en equipo. Y ello sirve de punto de partida y condiciona la propia estructura, organización y planteamiento del proyecto.
Las consultas médicas se adosan a las fachadas principales, liberando el espacio central donde se ubican los servicios comunes en el interior de una caja de luz, aportando a las zonas de circulación una sensación de luminosidad. El proyecto de iluminación se plantea de forma que la luz natural y la artificial se fundan en una, bañando todo el local. Las zonas de espera se encuentran abiertas a los espacios de circulación, favoreciendo la orientación de los usuarios y aportando una gran sensación de amplitud. Todo ello facilita la interrelación entre los propios profesionales, propiciando el trabajo en equipo.
Contrastan los dos sistemas constructivos empleados. En la fachada noroeste, se utiliza un cerramiento tradicional forrado de mármol negro, es un muro pesado y oscuro. En la fachada sureste, más luminosa, se emplean cerramientos ligeros a base de vidrio y madera que permiten que la luz natural penetre hasta el interior.
Los tabiques ligeros se construyen con un sistema mixto, con piezas de vidrio y montantes de madera. Está totalmente modulado, empleándose siempre piezas enteras, simplificando y ahorrando tiempo en el montaje. La madera se emplea como elemento fundamental del propio sistema constructivo. En su cara exterior, los montantes de madera sirven para conformar los huecos de paso y dar estabilidad a las piezas de vidrio. En su cara interior, sirven como soporte de los distintos trasdosados.
En el interior de la caja de servicios, el cerramiento de vidrio estructural se trasdosa para permitir el paso de instalaciones. Sin embargo, en las consultas médicas se emplea un doble cierre de vidrio en forma de cámara, que asegura el aislamiento acústico. Para garantizar la privacidad visual en las consultas, se forra su interior con paneles de madera que ofrecen un contraste de transparencias y opacidades por su cara exterior.
Una exploración visual de los valores formales del detalle arquitectónico, independientemente de su finalidad constructiva.
El ornamento es un concepto tabú de la arquitectura moderna y ha sido perseguido con verdadera saña a lo largo del siglo XX, aunque indiscutibles maestros modernos trabajaron con elementos arquitectónicos que sin ser decorativos ejercían una función estética análoga. Hoy, una profunda reflexión sobre el importantísimo papel de lo ornamental en arquitectura es absolutamente necesaria.
Considérese Ornamentocomo un manual de referencias, un catalizador de ideas o de diseño, un catálogo de objetos cargados de pensamiento que sin duda incitan la creatividad o a la reflexión.
En este número 2 repasamos algunas obras de Alvar Aalto, en las que se manifiesta su extraordinaria sensibilidad hacia la escala más humana de la arquitectura.
Miguel Sotos Fernández-Zúñiga
Arquitecto por la EPS CEU en 2014. Amplió su formación en diseño gráfico en Central Saint Martins. Ha trabajado en Canals Moneo Arquitectos en Madrid y ha vivido y trabajado en Japón e India, donde ha investigado sobre la arquitectura oriental colaborando con Uno Tomoaki y Studio Mumbai. Actualmente trabaja en su propio estudio en Madrid y es director y fundador de la revista POINTESy Ornamento Journal. Ha publicado el libro POINTES 2010-2015(Ediciones Asimétricas, 2016).
Maqueta Espejo del Seagram de Mies van der Rohe | The Graham Foundation. Phyllis Lambert, Mies van der Rohe y Gene Summers (1955). Autor desconocido. Incluida en el libro Building Seagram, Phyllis Lambert, Yale University Press 2013.
Los espejos funcionan como las pupilas de un espacio intra-muros, una habitación outdoor desde la que nos observan. En ocasiones conservan incluso algunos recuerdos de nuestras vidas, como los espejos porosos y polvorientos de las casas viejas, que parecen examinarnos desde los sombreros y trajes a rayas de nuestros antepasados1. También los espejos nos cuidan, nos acogen, nos reconfortan, como parte indisoluble del universo doméstico, nos responden. En este sentido Luis García Montero hace distinciones claras:
«No importa si has dormido poco o mucho,
os espejos de hotel nunca perdonan
y son como animales de montaña
que no aceptan el trato de los hombres.
La luz de los espejos familiares
se apiada de nosotros, sin embargo,
nos ayuda a fingir, y por afecto
o por costumbre llega a perdonarnos».2
Los espejos seducen desde la construcción de una ficción intangible, una puerta hacia el mundo de Alicia a través del espejo3. La orientación de esta poderosa apertura hacia una especie de realidad blanda se adivina en los espejos de Aldo van Eyck, integrados como una escapada sobre los muros del orfanato de Amsterdam. El cine, el circo y Chaplin exactamente en su centro, bien conocen el juego multiplicador de los reflejos. Los espejos también transforman nuestra percepción y muestran una suerte de collage de la realidad.
Espejos en los techos de la Serpentine Gallery o en los muros de la casa Domínguez establecen una alteración, una discontinuidad, un espejismo: allí donde debería haber cielo, hay césped; luz donde debería haber sombra4. Y viceversa. Lewerentz en Estocolmo o Le Corbusier en la terraza Beistegui anticipan acciones que años más tarde desarrollarían sobre el territorio, gracias a los espejos, Robert Smithson o Anish Kapoor5.
La arquitectura de los espejos existe más allá del espacio de nuestra respiración. En la imagen, un Mies precavido se asoma al abismo de los espejos en una maqueta de estudio para la fachada del Seagram Building en Nueva York.
Miedo al vacío. Los espejos habilitan la construcción primera de una torre intangible, ilusoria, tan vertical como virtual y sin embargo, desplegada por entero ante sus ojos en una pequeña habitación de un edificio cualquiera. Los espejos ordenan y multiplican. Los espejos nos cuidan y nos recuerdan. Los espejos alteran y nos interrogan. Conviene perderse, con la excitación del explorador que ha llegado el primero, en el espacio de los espejos.
Miguel Ángel Díaz Camacho. Doctor Arquitecto
Madrid. Mayo 2015. Autor de Parráfos de arquitectura. #arquiParrafos
Notas:
1 Una de las greguerías de Ramón Gómez de la Serna toma forma de aforismo para asegurar que «a los espejos no se les olvidan los trajes a rayas». Una emocionante manera de conectar los espejos con la memoria la encontramos en el proyecto de Solano Benitez para la tumba de su padre en Piribebuy, Paraguay.
2 Luis García Montero, «Los espejos», en Habitaciones separadas, Madrid, Visor, 2009, pág. 31.
3 Lewis Carroll, “Through the Looking-Glass, and What Alice Found There”, 1871.
4 SANAA, Pabellón para la Serpentine Gallery, 2009; Alejandro de la Sota, casa Domínguez, 1975-78.
Pero, como hicieran Gabriel García Márquez con Cien años de soledado Rachmaninoff con su segunda sinfonía, nos legó generosamente una grandísima obra maestra. Ciertamente imborrable.
Una pieza en el puzle de nuestra cultura cuya duración se diluye en el tiempo.
Pocas obras han sido tan icónicas, tan representativas de su geografía. Tan intensamente acertadas y «originales» como la Opera de Sydney.
Y cabe preguntarse dónde radica su acierto. Dónde confluyen exactamente la creatividad de su autor con los intereses públicos de su emplazamiento. Porqué «llega» tan hondo.
Utzon era danés. Provenía de una familia de armadores y arquitectos navales y, de hecho esa fue, por pura simbiosis, su primera atención vital y profesional.
La evocación del mar y sus artefactos, su lenguaje y sabiduría, le acompañaron de manera natural durante toda su vida. Su dilatada carrera como arquitecto no se entiende sin reconocer la fuerza de su sensibilidad ante la presencia hipnótica del mar. Sus formas y duendes.
Podríamos ver en ese lugar algo ciertamente animal, poderosamente salvaje. Podríamos reconocer en ese edificio las esféricas formas hidrodinámicas de los cascos de los barcos, o sus tensas velas hinchadas por el viento. Sus colores y texturas se aproximan a la contemplación épica de afilados acantilados invadidos por la blanca y brillante espuma de las olas verticales en tempestad.
En una suerte de enajenación genial el arquitecto une su memoria con su destreza, su sensibilidad con su saber, su corazón con su cabeza y de su alquimia resulta un prodigio.
Una exploración visual de los valores formales del detalle arquitectónico, independientemente de su finalidad constructiva.
El ornamento ha sido un concepto tabú del Movimiento Moderno, denigrado y abolido fríamente a lo largo del siglo XX, aunque maestros modernos trabajaron con elementos arquitectónicos que sin ser decorativos ejercían una función estética análoga. Hoy, una profunda reflexión sobre el importante papel de lo ornamental en arquitectura es absolutamente necesaria.
Considérese Ornamento Journal como un manual de referencias, un catalizador de ideas o de diseño, un catálogo de objetos cargados de pensamiento que sin duda incitan la creatividad o a la reflexión. En este número 1 repasamos algunas obras de Mies van der Rohe, en las que se demuestra su apasionado interés hacia la estética abstracta del material y sus intersecciones.
Miguel Sotos Fernández-Zúñiga
Arquitecto por la EPS CEU en 2014. Amplió su formación en diseño gráfico en Central Saint Martins. Ha trabajado en Canals Moneo Arquitectos en Madrid y ha vivido y trabajado en Japón e India, donde ha investigado sobre la arquitectura oriental colaborando con Uno Tomoaki y Studio Mumbai. Actualmente trabaja en su propio estudio en Madrid y es director y fundador de la revista POINTESy Ornamento Journal. Ha publicado el libro POINTES 2010-2015(Ediciones Asimétricas, 2016).
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