La espectacular habitación de las secuencias finales de ´2001: una odisea del espacio´. L. O
Una nave espacial de la compañía aérea Pan Am (Pan American World Airways) atraviesa la órbita terrestre, transporta solo a un pasajero y está durmiendo, en el respaldo del asiento que tiene delante hay una pantalla encendida, parecida a las que tienen los aviones actuales, es el Doctor Heywood Floyd y va rumbo a la Space Station V.
Lo que puede verse de esta estación espacial, indica que es un lugar donde los humanos están de paso durante poco tiempo para ir a otros sitios, en el caso del protagonista a la Luna, sus funciones son tanto las de un aeropuerto, como las de un hotel de la cadena Hilton, con todas las características de estos establecimientos, en su lobby hay un mostrador para el recepcionista, máquinas de venta de café y otras bebidas, así como un restaurante, el Earthlight Room, de la conocida cadena estadounidense de restaurantes durante las décadas de los sesenta y setenta Howard Johnson y con un nombre inventado para la película, teniendo en cuenta que a través de las ventanas de la estación puede verse una Tierra luminosa; además hay dos Picturephone de Bell, unas cabinas con una butaca y una pantalla para comunicarse con la Tierra, de hecho, el Dr. Floyd entra en una de ellas y habla con su hija, felicitándola por su cumpleaños.
En cuanto al mobiliario del lobby, alrededor de unas mesas bajas y circulares, hay unos asientos de color entre rosa y magenta, que contrastan con el blanco brillante de sus paredes, suelo y techo. Cuando se estrenó la película, estos muebles se podían adquirir en las tiendas, las mesas son las Tulip con su tablero blanco y la pata roja, diseñadas por el arquitecto Eero Saarinen en 1956, y los asientos el modelo Djinn creado por Olivier Mourgue en 1965, cuyo nombre viene de la mitología islámica y se refiere a un genio capaz de adoptar el aspecto de un humano o de un animal, a pesar de su forma innovadora, están hechas de un modo tradicional, con una estructura de tubos de acero, cubierta con espuma y sobre ella una tela de punto; en la película se pueden ver la silla individual y el sofá de dos plazas, pero además se vendían una otomana y un diván. Lo curioso es que estos asientos dejaron de fabricarse y los individuales que aún existen se venden a un precio aproximado de cuatro mil euros cada uno, más caros que otros de esa época solo por haber aparecido en la película.
Toda la iluminación viene del techo, ya que todo él es una gran luminaria, tan potente que los actores durante los ensayos tenían que llevar gafas oscuras para poder soportarla, y la estación tiene otra peculiaridad, está continuamente girando para provocar que en su interior haya gravedad, evitando el vacío del cosmos.
Se han mencionado una serie de compañías que existían cuando se rodó la película, como Bell y Pan Am, que también se puede ver en Blade Runner (Ridley Scott, 1982) y Blade Runner 2049 (Denis Villeneuve, 2017), pero que habían desaparecido en el año 2001, sin embargo, otras como Hilton, Howard Johnson y Aeroflot, aún perduran. En la fase de preproducción se le pidió a varias empresas que imaginaran cómo podría ser el futuro, entre ellas los fabricantes cocinas Whirlpool, la cadena de hoteles Hilton, las plumas Parker, los relojes Hamilton y las cámaras fotográficas Nikon y Kodak; además se pusieron en contacto con empresas químicas como la DuPont, aeroespacial como Honeywell y la entonces avanzada de computadoras IBM, recuérdese que las siglas HAL del ordenador rebelde, está compuesta por las letras anteriores en el alfabeto a las de IBM; así mismo se habló con los grandes almacenes Macy’s, que ayudaron a crear una escena en la que el Dr. Floyd, desde la estación espacial, a través de una videoconferencia, le compraba a su hija, interpretada por la hija de Kubrick, una mascota exótica, un gálago, secuencia que se rodó, pero finalmente fue descartada.
Base lunar y Discovery 1
La base está situada en el cráter Clavius, está formada por una gran estructura circular inacabada, parece que su mayor parte está enterrada bajo la superficie lunar y de su interior se muestra una sala de conferencias con un pavimento y unas butacas azules, cuya iluminación viene de sus cuatro paredes que son cuatro grandes luminarias, también se rodaron unos planos de lo que parece ser un colegio con unos niños situados alrededor de un estanque redondo, pintando en lienzos colocados sobre caballetes, pero no se incluyeron en el montaje final.
Todo el ámbito donde viven los dos astronautas de la nave Discovery 1 está dentro de un mismo espacio circular, que también gira para que haya gravedad, allí están sus camas, las tres cápsulas de hibernación donde duermen sus compañeros, la mesa de trabajo enfrentada a varias pantallas, el dispensador de la comida que podría considerarse la cocina, y el sofá donde comen con unos cubiertos diseñados por el arquitecto Arne Jacobsen en 1957 y que aún hoy tienen un aspecto innovador. También es un lugar para el ocio, ya que mientras comen ven en unas tabletas las noticias de la BBC, hacen footing. toman rayos UVA y uno de ellos juega al ajedrez con HAL, además se había propuesto que hubiera una mesa de pimpón, un piano y una ducha, pero se descartaron al final.
Con ellos viaja está el superordenador HAL de la serie 9000, que está en todas partes gracias a sus “ojos” circulares y luminosas que pueden observarlo todo, incluso leer los labios de los astronautas, y cuyo cerebro está en una curiosa dependencia roja que es violada por el ser humano para asesinarlo.
La habitación
Según Kubrick, está en “otra parte de la galaxia” donde instalan al astronauta Bowman en
“un zoo humano, parecido al ambiente de un hospital terrestre sacado de sus propias ilusiones y fantasía”,
en la película la habitación no parece la de un hospital, aunque tampoco se sabe exactamente qué es y, de hecho, ha sido descrita de muchas maneras, entre ellas varias relacionadas con Francia, como
“estilo Louis XV”,
“estilo Louis XVI brillantemente-iluminado”,
“suite de hotel Louis XVI”,
“dormitorio periodo francés”,
“habitación decorada en un estilo Imperio modificado”,
también se le han aplicado otras calificaciones más vagas:
“habitación de hotel como del siglo dieciocho”,
“magnífico palacio de mármol”,
“extraña habitación colonial”
e incluso una muy estadounidense:
“elegante hotel de Miami Beach”…
Se le pueden atribuir tantos calificativos, porque los espectadores la han podido describir de muchas maneras y esa es una de sus virtudes, podría ser cualquier lugar, o empleando un término que ya se ha vuelto tópico, un no-lugar en el sentido que le da Marc Augé.
A veces las palabras son más concretas y definen mejor las cosas que las imágenes, este es el caso de la novela 2001: Una odisea espacial, escrita por Arthur C. Clarke en 1968, y que respecto a esta habitación escribe:
“la cápsula espacial estaba descansando sobre el pulido piso de una elegante y anónima suite de hotel, que bien podía haberse hallado en cualquier gran ciudad de la Tierra”.
Esta suite es mayor que la habitación de la película, e incluso tiene una cocina, en ella hay libros que no pueden sacarse de las estanterías, como tampoco pueden abrirse los cajones de los armarios y todas las latas que están en la nevera contienen el mismo material azul, que Bowman come con apetito, también hay un televisor que sí funciona y donde el humano ve una serie de programas de hace tres años, entre ellos descubre uno con un célebre actor que acusa con furia a una amante infiel en una suite de hotel exactamente igual a donde él está,
“así era, pues cómo había sido preparada para él aquella zona de recepción; sus huéspedes habían basado sus ideas de la vida terrestre en los programas de la televisión. Su sensación de hallarse en el plató de una película era casi literalmente verdadera”,
hay una identificación entre ficción y realidad y además dentro de una obra de ficción, que se produce en le vida real, en la que los ciudadanos desean vivir en los ámbitos que ven en las películas o en sus televisores. Clarke escribe que Bowman se acuesta y duerme y
“no siendo de más utilidad, el mobiliario de la suite volvió a disolverse en la mente del creador. Sólo la cama permanecía…”.
El espacio arquitectónico existe para cumplir una función, porque es necesario para adiestrar al ser humano, pero cuando esa función ha terminado, ya no es necesario y desaparece.
Volviendo a la película, la habitación podría ser la de cualquier serie televisiva, sus dimensiones en planta son casi las de un cuadrado y Bowman la recorre dos veces en diagonal por el centro, al principio aún con su traje espacial como si la estuviera estudiando, y la segunda en bata con más familiaridad hasta la mesa donde come y que ocupa el mismo lugar donde estaba la nave espacial en la que ha llegado hasta allí.
El cuarto está lleno de muebles no demasiado notables, sillas, bancos, mesillas, un buró, aparadores, armarios y la cama donde muere y renace el protagonista; lo mismo sucede con el cuarto de baño contiguo, que tiene unos aparatos sanitarios, accesorios y toallas corrientes y vulgares.
Bowman reconoce todo lo que le rodea y no le asombra, porque ese espacio se ha construido con la intención de confinarlo en un lugar conocido, lleno de elementos anodinos, como si fuera un turista de un hotel pretencioso en cualquier ciudad vacacional, sin embargo, como el turista, es un intruso porque todo es artificial y se ha creado para no inquietarlo.
Todo parece correcto y normal, excepto la iluminación que viene de abajo, de un pavimento luminoso, recuérdese que en la estación espacial la luz venía del techo y en la sala de conferencias de las paredes; también hay otra peculiaridad extraña, el recinto carece de puerta de entrada o de salida, sólo se puede acceder a él de una forma inmaterial, a través de unos paramentos que limitan el espacio de un modo virtual.
No se debe olvidar que el cosmonauta ha llegado a esta habitación atravesando uno de los ámbitos más abstractos y originales que han aparecido en una pantalla, el corredor lumínico y sonoro de la Puerta de las Estrellas, que a pesar de su nombre, es un espacio completamente inmaterial situado en medio del vacío interestelar.
Jorge Gorostiza, Doctor arquitecto.
Santa Cruz de Tenerife, diciembre 2012 Autor del blog Arquitectura+Cine+Ciudad
Aprovechando este periodo estival hoy nos acercaremos a NILGO, un proyecto surgido de un ejercicio académico en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la UPV y que pone el valor el patrimonio paisajístico de los distintos pueblos rurales del interior de España. La creciente y paulatina despoblación que sufren los pueblos, unido a su pasión por viajar, ha motivado a los dos jóvenes arquitectos, Enrique Reig Navarro y Jorge Garcelán Docio, a desarrollar esta iniciativa que busca regenerar la actividad económica de estos pueblos.
“No hay nada mejor que viajar para sentirte libre y crecer como persona”.
Esta iniciativa sitúa el cielo nocturno de los distintos pueblos como valor turístico, y busca regenerar su actividad económica mediante la propia experiencia nocturna y diurna que pueden ofrecer los distintos emplazamiento concertados.
El respeto por el patrimonio cultural y paisajístico les ha motivado para buscar unas de las opciones más respetuosas con el habitar, el glamping, un creciente fenómeno global que consiste en disfrutar de la naturaleza y la libertad que proporciona la acampada, con las comodidades y los atractivos de los alojamientos más sofisticados.
Tanto Enrique como Jorge, son amante de la naturaleza y de la arquitectura efímera, unido a su carácter emprendedor y reflexivo decidieron embarcarse en esta aventura que a buen seguro hará disfrutar a sus usuarios.
Sin más preámbulos les dejamos con la entrevista que pudimos realizarles hace pocos días.
Fotografía: NILGO
¿Cómo se definirían Jorge Garcelán Docio y Enrique Reig Navarro?
Somos unos locos amantes de la naturaleza y las estrellas. Creativos y autodidactas con ganas de aprender y conseguir nuevos retos.
NILGO surge en la Escuela de Arquitectura de la UPV, a raíz de un trabajo de clase en la asignatura Teoría de la Arquitectura, impartida por el profesor Javier Poyatos, donde teníamos que resolver un problema que detectáramos en España a través de la arquitectura. El gran problema fue la despoblación rural, que actualmente es uno de los mayores problemas con los que el país se enfrenta. Eso ligado a la contaminación lumínica que sufren las grandes ciudades como Valencia, se nos ocurrió lo siguiente:
“¿Por qué no crear unos alojamientos nómadas para poder dormir en medio de la naturaleza y poder observar las estrellas en pueblos con riesgo de despoblación?”.
Esa misma idea, planteada con un modelo de negocio, lo presentamos a un concurso de emprendimiento, “La destilería de Ron Ritual”, donde fuimos seleccionados entre los 10 mejores de España para formarnos con los mejores expertos y empezar este sueño hacia la realidad.
¿Os encontrasteis con muchas dificultades? ¿Cuáles fueron las más problemáticas?
Nos hemos encontrado con muchas trabas, concretamente en los aspectos legales. Actualmente, la legislación española no está adaptada para acoger proyectos innovadores que se desarrollen en medio de la naturaleza dadas las obsoletas leyes que regulan este ámbito. Además existen muchas incongruencias en las mismas, que hace incluso más difícil el poder adaptarse a ella de una manera diferente para crear un modelo de negocio viable y escalable.
De hecho, el modelo que planteamos no está recogido como tal en la legislación por lo que hemos tenido que adaptarnos a varios epígrafes distintos para cumplir con las exigencias requeridas.
¿Cómo detectasteis la necesidad de este servicio?
Por un lado, nuestras familias provienen de pueblos muy pequeñitos del interior de España, por lo que sufrimos la despoblación de primera mano. Además, nos dimos cuenta de que actualmente, las personas están muy alejadas de la naturaleza, y los únicos sitios donde puedes dormir en un ambiente “natural” son los campings. Sin embargo, éstos están masificados, van diversos tipos de clientes (familias, parejas, niños…) y tienen el inconveniente de las pocas comodidades en las tiendas de campaña que además, no te vienen instaladas.
Por tanto, crear un espacio donde dormir en medio de la naturaleza sólo con tu pareja, en una jaima espaciosa con cama y los servicios de un hotel, apartado del resto de jaimas, donde hacer turismo local por pueblos preciosos y al anochecer, ver la inmensidad de las estrellas que es un valor inmaterial del que no todos pueden disfrutar, es nuestro valor diferencial.
Nosotros seguimos dos pautas. La primera es una verdad universal del modelo de calidad total de Mercadona:
“el tiempo es limitado”
y la segunda viene del arquitecto Mies van der Rohe:
“Menos es más”.
Por lo que nuestra prioridad es cumplir los objetivos en el menor tiempo posible con la mayor eficacia.
Lo primero que utilizamos son 6 unidades de trabajo:
· Cuerpo teórico (Modelo de Negocio)
· Empresa (Gestión interna)
· Producto
· Marketing
· Financiación
· Aspectos legales
Para ello escribimos todas las tareas semanales y todas las mañanas las ponemos en común y empezamos por las más urgentes e importantes de cada unidad. Al final del día vemos que se ha logrado y qué no, para volver a reajustar las tareas y los plazos.
Finalmente, al acabar la semana nos volvemos a reunir para analizar y mejorar el proceso.
¿Cómo es el proceso de diseño, desarrollo y comercialización en NILGO?
Es alucinante e inquietante a la vez. Nosotros diseñamos el espacio donde se alojarán nuestros huéspedes al mínimo detalle.
Creemos que en los pequeños detalles es donde se marca la diferencia para crear una experiencia inolvidable al huésped.
¿Habéis delegado funciones y os habéis centrado en partes concretas dentro de NILGO?
Sí. Conforme vas creciendo en responsabilidad has de ir delegando en las partes más específicas a personas que dominan de la materia. En nuestro caso, pese a que nos encanta, hemos confiado el marketing en varias personas que llevan a cabo el contenido, las publicaciones y el análisis posterior.
Sin embargo, seguimos aportando ideas creativas al equipo de trabajo para no perder la esencia.
¿Cuál fue (o será) el momento crítico una vez comenzado NILGO?
Fue un 6 de Noviembre del 2017 cuando, tras una reunión de seguimiento con nuestros directores de proyectos de Lanzadera, la Marina de Empresas de Juan Roig, tuvimos la sensación de que no íbamos a entrar en el programa.
Decidimos crear un MVP básico, una página web y realizar un vídeo explicativo en solamente 2 días, para poder demostrar que queríamos estar dentro del gran prestigioso ecosistema emprendedor que se respira dentro de las instalaciones y poder hacer nuestro sueño realidad.
A día de hoy estamos muy orgullosos de haber pasado por muchos baches, que te hacen más fuerte para afrontar nuevos retos.
¿Cómo funciona el servicio de NILGO? ¿A qué segmento de clientes os dirigís?
Nos dirigimos solamente a parejas que tengan ganas de vivir una experiencia diferente rodeados de naturaleza y de desconectar del estrés del día a día.
El servicio hacia el cliente empieza desde el día que servan hasta un mes después de que se alojan en nuestras jaimas. La experiencia de usuario es lo que nos diferencia del resto y lo que creemos que es lo más importante para que el cliente se vaya enamorado de NILGO.
¿Cómo y para qué utilizáis las “nuevas tecnologías”? ¿La “red” ha facilitado vuestra labor?
Fundamentalmente, las utilizamos para organización interna (tablones de tareas y herramientas de CRM) y marketing externo (aplicaciones para el análisis y plataformas de búsqueda y contenido). Creemos que el desarrollo tecnológico se encuentra en unos niveles muy avanzados y no aprovecharlos sería contraproducente ya que sabiendo cómo y para qué utilizarla, se ahorra muchísimo tiempo y se avanza muchísimo más rápido, teniéndolo mayoritariamente controlado.
Fotografía: NILGO
¿Compaginas o complementas esta actividad con otras labores o en otros campos?
No. Uno de los aprendizajes que tuvimos siendo estudiantes de arquitectura mientras desarrollábamos el proyecto fue
“si algo quieres hacer, centra todo tu tiempo y tus esfuerzos en eso y en nada más”.
La arquitectura, tiene abiertos muchos frentes de batalla (LSP, Bolonia, paro, precariedad laboral, COAs, ETSAs, emigración, comunicación, etc), ¿no serán demasiados para la polarización existente dentro de la misma?
Demasiados. La arquitectura está sufriendo una de las etapas más complicadas desde hace décadas en multitud de sus frentes. Nosotros creemos que esta situación hará que seamos más pluridisciplinares y formados no sólo en el ámbito laboral sino en el personal, debido a nuestro crecimiento forzado ante las adversidades.
Seguro que será positivo pese a que ahora no lo creamos.
¿Cómo veis el futuro de la arquitectura? ¿Y el de la profesión?
Incierto. Actualmente se han abierto muchos frentes como antes comentábamos y eso hace que la arquitectura propiamente dicha haya cobrado diversas connotaciones en el ámbito laboral.
La profesión se está haciendo más multidisciplinar debido a la formación que tenemos y sobre todo a las aptitudes que hemos ganado a lo largo de los años, que básicamente, es lo que nos hace diferentes.
¿Qué mejoras creéis que son fundamentales y que deberían ser puestas en marcha de forma inmediata?
Primero, la igualdad salarial entre arquitectos y arquitectas. Segundo, la obligatoriedad cumplir con objetivos de sostenibilidad y por último, ofertas de seguros adaptadas a los proyectos.
Fotografía: NILGO
Como “emprendedores” ¿qué opináis de los arquitectos que “abren y/o recuperan” nuevos campos y/o enfoques de la profesión?
Nos encanta. Conocer arquitectos que se han reinventado y han buscado diferentes alternativas a lo estándar, creemos que tiene más mérito.
Por suerte, hemos aprendido disciplinas muy diversas dentro de la arquitectura y hemos logrado potenciar nuestras aptitudes a lo largo de la carrera y el ámbito laboral.
Es por ello que estamos bien considerados fuera de nuestra profesión y eso, es un punto a favor que tenemos que utilizar a nuestro favor.
Porque no solo valemos para “diseñar y construir casitas”.
¿Estáis contentos con la trayectoria realizada hasta ahora? ¿Qué proyectos de futuro os esperan?
No podemos estar más contentos. A ambos nos apasiona la arquitectura, y a cada uno una disciplina diferente dentro de la misma. Pero lo que compartimos es la motivación por hacer lo que nos hace feliz utilizando nuestras cualidades. Así que crear una empresa tras un proyecto de clase para nosotros es un logro que nunca imaginábamos.
Por eso mismo el futuro es incierto pero excitante. Hemos vivido la incertidumbre día a día en nuestra startup, con picos de adrenalina y otros en lo que crees que todo se va al traste. Pero ese sentimiento se hace excitante, tan excitante como es la vida. Y por ello damos la bienvenida al futuro tal y como se presente.
Para acabar, ¿qué les aconsejaríais a los actuales estudiantes y futuros profesionales de arquitectura?
Primera lección: si quieres emprender no estudies, emprende. O acaba la carrera y después emprende. Las dos cosas a la vez, no.
Segunda lección: no hay mayor arma ante las adversidades que la confianza en tí mismo. Muchas veces creemos que no tenemos ni idea, y puede ser. Pero si tienes confianza en tí mismo y te conoces bien, puedes hacer lo que te propongas, aunque no tengas ni idea, porque como bien dijo un sabio “nadie nace sabiendo”.
Tercera lección: haz lo que verdaderamente amas. No importa si empiezas trabajando en un sitio que no te gusta o haciendo algo para lo que no estás motivado. Te servirá para ir aprendiendo lo que no quieres. Lo importante es tener claro una pasión y un objetivo para dedicarle todos los esfuerzos en aquello que hagas dirigido a cumplir esa meta.
Entrevista realizada por Ana Barreiro Blanco y Alberto Alonso Oro. Agradecer a Jorge y Enrique su tiempo y predisposición con este pequeño espacio. También queríamos agradecer a María Martínez Moreno de MatMap, habernos presentado NILGO.
La cuarta edición de Concéntrico, el festival de arquitectura efímera que tuvo lugar a finales de abril en Logroño, contó entre sus instalaciones con una intervención procedente de la Universidad del País Vasco: La propuesta «vacío encerrado», llevada a cabo por alumnos de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de San Sebastián.
Seleccionada entre las realizadas dentro de las asignaturas Arquitectura del Paisaje y Experimental Lab, que coordinan Mario Sangalli e Iñigo Viar respectivamente, la solución fue concebida por las alumnas Erminia Barone, Haizea Latxaga, Henar Merino, Ane Santamaría e Izaskun Soto, y desarrollada en colaboración con el resto de alumnos matriculados en ambas asignaturas.
El solar asignado era el patio de la Casa Farias, un palacio urbano del casco histórico de Logroño, hoy sede de Cáritas. Las calles estrechas del trazado medieval puntualmente se ensanchan y el espacio delantero de las casas se libera, apareciendo un jardín encerrado entre la calle y las construcciones.
La propuesta trabaja con la idea de patio. Crea un patio dentro de un patio, que se desplaza para asomarse la calle, manipulando el límite entre lo público y lo privado. Un “vacío encerrado” que cualifica el interior del interior, donde al misterio del círculo (forma primaria y sagrada) se añade la incertidumbre del uso, incluso la opción de penetrar o no, de pisar el pavimento de corteza de madera, que aporta olor a madera e inconsistencia en la pisada.
El proyecto invita, no sólo a la vivencia espacial y al juego, sino que intervienen también múltiples significados y asociaciones que son sugeridas; la barrica, el vino que en ella fermenta, la tierra en la que crece la uva…
Constructivamente la pieza es sencilla y eficaz: una única geometría, que agota al máximo el despiece de los 20 tableros de contrachapado suministrados por la organización, define los elementos que, trabados entre sí, construyen un gigantesco cesto, una urdimbre colosal que configura el mágico
“vacío encerrado”.
Obra: Vacío Encerrado / Instalación de la UPV/EHU para Concéntrico 04
Coordinadores: Mario Sangalli / Iñigo Viar (profesores)
Idea original: Erminia Barone, Haizea Latxaga, Henar Merino, Ane Santamaría e Izaskun Soto (estudiantes)
Desarrollo: Alumnos de 5º curso de la Escuela de Arquitectura del País Vasco
Ubicación: Logroño, 2018
Fotografías: Josema Cutillas / Marco Sartoretto + vacioencerrado[:gl]
A cuarta edición de Concéntrico, o festival de arquitectura efémera que tivo lugar a finais de abril en Logroño, contou entre as súas instalacións cunha intervención procedente da Universidade do País Vasco: A proposta «baleiro encerrado», levada a cabo por alumnos da Escola Técnica Superior de Arquitectura de San Sebastián.
Seleccionada entre as realizadas dentro das materias Arquitectura da Paisaxe e Experimental Lab, que coordinan Mario Sangalli e Iñigo Viar respectivamente, a solución foi concibida polas alumnas Erminia Barone, Haizea Latxaga, Henar Merino, Ane Santamaría e Izaskun Soto, e desenvolvida en colaboración co resto de alumnos matriculados en ambas as materias.
O solar asignado era o patio da Casa Farias, un palacio urbano do centro histórico de Logroño, hoxe sede de Cáritas. As rúas estreitas do trazado medieval puntualmente alárganse e o espazo dianteiro das casas libérase, aparecendo un xardín encerrado entre a rúa e as construcións.
A proposta traballa coa idea de patio. Crea un patio dentro dun patio, que se despraza para asomarse a rúa, manipulando o límite entre o público e o privado. Un “baleiro encerrado” que cualifica o interior do interior, onde ao misterio do círculo (forma primaria e sacra) engádese a incerteza do uso, incluso a opción de penetrar ou non, de pisar o pavimento de cortiza de madeira, que achega cheiro a madeira e inconsistencia na pisada.
O proxecto convida, non só á vivencia espacial e ao xogo, senón que interveñen tamén múltiples significados e asociacións que son suxeridas; a barrica, o viño que nela fermenta, a terra na que crece a uva…
Constructivamente a peza é sinxela e eficaz: unha única xeometría, que esgota ao máximo o despezamento dos 20 taboleiros de contrachapado fornecidos pola organización, define os elementos que, trabados entre si, constrúen un xigantesco cesto, unha urdimbre colosal que configura o máxico
“baleiro encerrado”.
Obra: Baleiro Encerrado | Instalación da UPV/ EHU para Concéntrico 04
Coordinadores: Mario Sangalli / Iñigo Viar (profesores)
Idea orixinal: Erminia Barone, Haizea Latxaga, Henar Merino, Ane Santamaría e Izaskun Soto (estudiantes)
Desenvolvemento: Alumnos de 5º curso da Escola de Arquitectura do País Vasco
Emprazamento: Logroño, 2018
Fotografías: Josema Cutillas / Marco Sartoretto + vacioencerrado[:en]
The 4th edition of Concéntrico,, the ephemeral architecture festival held in Logroño at the end of April, numbered also a contribution from the University of the Basque Country among its installations: the “Enclosed Emptiness” project, carried out by the students of the Higher Technical School of Architecture of San Sebastian.
Picked out among the proposals made in the courses of Landscape Architecture and Experimental Lab, respectively coordinated by Mario Sangalli and Iñigo Viar, the design came into being from the original idea of the students Erminia Barone, Haizea Letxaga, Henar Merino, Ane Santamaria and Izaskun Soto and was then developed thanks to the cooperation of all the students of both classes.
The assigned lot was the courtyard of Casa Farias, an urban building in the old town of Logroño that nowadays houses Caritas. The narrow streets inherited from the medieval routes occasionally enlarge and so the front space of the houses breaks free, releasing a courtyard enclosed between streets and buildings.
The proposal just deals and plays with the idea of that space.
It actually creates a courtyard inside the courtyard which moves in order to lean out the street, blurring the boundaries between public and private space. An “enclosed emptiness” -as the original name “Vacio Encerrado” suggests- that qualify the interior of the interior, where to the mystery due to the circle as primitive and sacred shape it joins the uncertainty of the use, including wondering if entering or not due to the bark of wood which covers the pavement inside of it, giving the footstep a different consistence and also a significant different smell because of the wood.
The aim is not just offering a space to enjoy by living it and playing with it but suggesting plenty of meanings and allegories such as the barrel, the wine fermenting in it, the soil where the grape grows up…
From a constructive point of view, the structure is simple and efficient: a one-piece geometry which successfully responds to the maximum use of the 20 panels of plywood supplied by the organization and defines those elements that combined together create a huge basket, the colossal wrap that is the magic
“Enclosed Emptiness”.
Work: Enclosed Emptiness | UPV/EHU instalation for Concentric 04
Coordinators: Mario Sangalli / Iñigo Viar (professors)
Original idea: Erminia Barone, Haizea Latxaga, Henar Merino, Ane Santamaría and Izaskun Soto (students)
Development: 5th year students of the School of Architecture of the Basque Country
Location: Logroño, 2018
Photographs: Josema Cutillas / Marco Sartoretto + vacioencerrado[:]
«Para que un edificio mantenga un diálogo con su entorno, es necesario que sea capaz de responder a las dificultades que le plantea.»
Vivir en el Agua presenta los mejores ejemplos de la arquitectura contemporánea que mantiene una relación especial con el agua. Ya sea incorporando inteligentemente el agua en la estructura o con un diseño minucioso para enmarcar el paisaje natural, este hermoso compendio invita al lector a admirar una selección de edificios asombrosos con una fuerte conexión con lagos, océanos, estanques, arroyos, piscinas y ríos.
El agua aporta una sensación de calma y serenidad y las casas incluidas en Vivir en el Agua establecieron de diferentes maneras una fuerte relación con este cautivador elemento, un espectáculo que puede ser transparente o de color, líquido o sólido, delicado y áspero al mismo tiempo.
Esta cuidada selección de 55 casas modernas ofrece una mirada accesible a la relación entre arquitectura y agua, cómo ambos elementos se armonizan, equilibran y apoyan para crear una estética verdaderamente dinámica. Incluyendo estructuras de todo el mundo, entre ellas un pabellón acristalado en Helsinki, Finlandia, y una villa con forma de fortaleza circular en Los Vilos, Chile, este estudio internacional es una elegante herramienta para quienes deseen descubrir maneras innovadoras de entrelazar agua y arquitectura.
Vivir en el Agua está dividido en tres capítulos temáticos dedicados a casas construidas para contemplar el agua, casas construidas para estar encima del agua y casas construidas para ser reflejadas por el agua. Cada vivienda contemporánea incluida en Vivir en el Agua hace gala de una profunda consideración por la naturaleza, conectando a los habitantes con un cuerpo acuático gracias a métodos de diseño y estilos arquitectónicos únicos y diversos.
Explore una fascinante variedad de estructuras, desde la «Casa medusa», con una piscina en el tejado, una casa sumergida en una pronunciada colina con vistas al mar, una villa en la costa con asombrosas piscinas desbordantes, una mansión con varias habitaciones niveladas y una piscina en el centro, una casa en un árbol con imponentes vistas a un hermoso lago y otra construida de modo que parezca que flota sobre el agua. Este libro suntuosamente ilustrado incluye proyectos icónicos de una gran variedad de estudios de arquitectura globalmente reconocidos, entre ellos John Pawson, David Chipperfield Architects y Tadao Ando Architects & Associates, así como una nueva generación de arquitectos más jóvenes y locales que han creado lugares inspiradores construidos en armonía con el mundo acuático.
Vivir en el Agua ofrece una cautivadora mirada a una serie de edificios imponentes diseñados con el agua como elemento fundamental de su esencia. Es una fantástica fuente de inspiración, no solo para arquitectos, sino también para aquellos que aprecien la belleza y la armonía de la arquitectura en el mundo natural.
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«Para que un edificio manteña un diálogo coa súa contorna, é necesario que sexa capaz de responder as dificultades que lle expón.»
Vivir na auga presenta os mellores exemplos da arquitectura contemporánea que mantén unha relación especial coa auga. Xa sexa incorporando intelixentemente a auga na estrutura ou cun deseño minucioso para enmarcar a paisaxe natural, este fermoso compendio convida o lector a admirar unha selección de edificios asombrosos cunha forte conexión con lagos, océanos, estanques, arroios, piscinas e ríos.
A auga achega unha sensación de calma e serenidade e as casas incluídas en Vivir na auga estableceron de diferentes maneiras unha forte relación con este cativador elemento, un espectáculo que pode ser transparente ou de cor, líquido ou sólido, delicado e áspero ao mesmo tempo.
Esta coidada selección de 55 casas modernas ofrece unha mirada accesible á relación entre arquitectura e auga, como ambos os elementos #harmonizar, equilibran e apoian para crear unha estética verdadeiramente dinámica. Incluíndo estruturas de todo o mundo, entre elas un pavillón acristalado en Helsinqui, Finlandia, e unha vila con forma de fortaleza circular nos Vilos, Chile, este estudo internacional é unha elegante ferramenta para quen desexe descubrir maneiras innovadoras de entrelazar auga e arquitectura.
Vivir na auga está dividido en tres capítulos temáticos dedicados a casas construídas para contemplar a auga, casas construídas para estar encima da auga e casas construídas para ser reflectidas pola auga. Cada vivenda contemporánea incluída en Vivir na auga fai gala dunha profunda consideración pola natureza, conectando aos habitantes cun corpo acuático grazas a métodos de deseño e estilos arquitectónicos únicos e diversos.
Explore unha fascinante variedade de estruturas, desde a «Casa medusa», cunha piscina no tellado, unha casa mergullada nun pronunciado outeiro con vistas ao mar, unha vila na costa con asombrosas piscinas desbordantes, unha mansión con varias habitacións niveladas e unha piscina no centro, unha casa nunha árbore con impoñentes vistas a un fermoso lago e outra construída de modo que pareza que flota sobre a auga. Este libro suntuosamente ilustrado inclúe proxectos icónicos dunha gran variedade de estudos de arquitectura globalmente recoñecidos, entre eles John Pawson, David Chipperfield Architects e Tadao Ando Architects & Associates, así como unha nova xeración de arquitectos máis novos e locais que crearon lugares inspiradores construídos en harmonía co mundo acuático.
Vivir na auga ofrece unha cativadora mirada a unha serie de edificios impoñentes deseñados coa auga como elemento fundamental da súa esencia. É unha fantástica fonte de inspiración, non só para arquitectos, senón tamén para aqueles que aprecien a beleza e a harmonía da arquitectura no mundo natural.
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«For a building to maintain a dialogue with its surroundings, it is necessary that it be able to respond to the difficulties it poses.»
Living on Water presents the best examples of contemporary architecture that maintains a special relationship with water. Whether incorporating water intelligently in the structure or with a meticulous design to frame the natural landscape, this beautiful compendium invites the reader to admire a selection of amazing buildings with a strong connection with lakes, oceans, ponds, streams, pools and rivers.
The water brings a sense of calm and serenity and the houses included in Living on Water established in different ways a strong relationship with this captivating element, a show that can be transparent or colored, liquid or solid, delicate and rough at the same time .
This careful selection of 55 modern houses offers an accessible look at the relationship between architecture and water, how both elements are harmonized, balanced and supported to create a truly dynamic aesthetic. Including structures from around the world, including a glass pavilion in Helsinki, Finland, and a circular fortress-shaped villa in Los Vilos, Chile, this international studio is an elegant tool for those who wish to discover innovative ways to interweave water and architecture.
Living on Water is divided into three thematic chapters dedicated to houses built to contemplate water, houses built to be on top of water and houses built to be reflected by water. Each contemporary home included in Living on Water displays a profound consideration for nature, connecting the inhabitants with a water body thanks to unique and diverse design methods and architectural styles.
Explore a fascinating variety of structures, from the «Casa Medusa», with a swimming pool on the roof, a house submerged in a steep hill overlooking the sea, a villa on the coast with amazing infinity pools, a mansion with several level rooms and a pool in the center, a tree house with stunning views of a beautiful lake and another built to look like it floats on water. This sumptuously illustrated book includes iconic projects from a wide variety of globally recognized architecture studios, including John Pawson, David Chipperfield Architects and Tadao Ando Architects & Associates, as well as a new generation of younger and local architects who have created inspiring, built places in harmony with the aquatic world.
Living on Water offers a captivating look at a series of imposing buildings designed with water as a fundamental element of its essence. It is a fantastic source of inspiration, not only for architects, but also for those who appreciate the beauty and harmony of architecture in the natural world.
“Me parece que el problema en el que nos encontramos en la actualidad es el de repensar nuestra relación con los edificios históricos. Es preciso pasar de una actitud en el fondo evasiva y cada vez más distante, propia de la protección-conservación, a una actitud de intervención proyectual. Me parece que lo que debe hacerse es reconsiderar si no hay una manera específicamente arquitectónica, y arquitectónica sin adjetivos, de enfrentarse con la arquitectura histórica y de responder ante ésta a partir de incorporarla a un proyecto de futuro con una mínima congruencia”.1
La universidad de artes aplicadas de Viena se compone de una serie de edificios dispuestos de manera individual en un amplio predio urbano. En tiempos pasados, para facilitar la integración funcional entre estas construcciones, se realizaron de manera aleatoria varias intervenciones a nivel del suelo, sin que ninguna de estas obras garantice la unidad visual del conjunto. El concurso realizado en 2011 tenía por objeto reciclar uno de los edificios e intervenir sobre el campus para fortalecer un concepto de unidad.
En respuesta a estas condiciones, el proyecto ganador plantea revertir la imagen de un campus conformado por un conjunto de edificios sueltos para componer la identidad de un bloque urbano. Su desarrollo explora dos visiones que potencian esta idea desde su antagonismo visual. Por un lado propone una meticulosa intervención sobre los edificios existentes, que consiste en demoler toda aquella construcción añadida para enlazar los edificios entre sí.
Este criterio implica la reconstrucción de aquellas partes que fueron destruidas por esas intervenciones y la puesta en valor de cada edificio. La conexión entre estas construcciones se propone desde una base funcional común ubicada bajo el patio, que contiene las salas de conferencias, talleres, almacenes, instalaciones técnicas, líneas de suministro y gestión de residuos.
La otra decisión es intervenir radicalmente sobre el edificio a reciclar. Para ello se plantea dejar la estructura resistente en estado puro, retirando muros y trasladando las escaleras y las cajas de ascensores hacia el exterior del edificio. Esta liberación de las plantas permite múltiples lecturas funcionales y una mayor flexibilidad de usos, que facilita la creación de áreas extendidas para las salas de conferencias y los talleres que exige el programa.
La envolvente que cubre el lateral donde se ubican las circulaciones verticales cumple un rol fundamental para consumar el criterio aplicado. Se dispone como una manta ondulada de vidrio que permite visualizar el campus desde el interior y el flujo de movimiento interno desde el exterior. Para acentuar ese rasgo, una escalera de un tramo denominada “Broadway” traza una diagonal en la cara longitudinal de la elevación para vincular todos los pisos. El “Broadway” no está planteado únicamente como espacio de circulación; es también una plataforma donde los miembros de diferentes grupos de estudio se encuentran para realizar proyectos transversales disciplinarios a la manera de un mercado informal.
La intención de bloque urbano queda plasmada en la conjunción de los tres elementos que componen la intervención: la plaza interior que enlaza el funcionamiento de las construcciones existentes, el jardín que actúa como elemento unificador de los edificios y la fachada ondulada que permite transparentar las actividades desde y hacia el museo. Sobre la terraza del edificio principal, dos globos neumáticos sujetos a la estructura se inflan para informar sobre los diferentes eventos que suceden en el campus.
Tschapeller reconsidera el carácter del campus con su intervención sin evitar las discordancias que surgen con las rigurosas estructuras históricas. Por el contrario, su apuesta relega las cuestiones formales para transparentar la actividad que se desarrollan en su interior, promoviendo una intrincada integración visual de la escuela de artes aplicadas con el resto del campus.
Esta intervención, que puede considerarse audaz en su carácter o contradictoria en su desarrollo, rechaza ser indiferente en la manera de intervenir sobre hechos urbanos existentes, sin prescindir el uso de convenciones singulares.
Luminaria Little Sun diseñada por Olafur Eliasson y el ingeniero Frederik Ottesen
Atmósfera y clima
En uno de sus escritos, Olafur Eliasson habla del tiempo atmosférico.1 En la introducción al texto referido, Los Museos son Radicales, Eliasson desarrolla un pequeño relato de la interacción entre tiempo y energía. Yo desconozco exactamente por qué se ha convertido en artista de cabecera de muchos arquitectos, pero hay que reconocer que sus escritos, a parte de su obra, evidentemente, abren ese tipo de reflexiones donde la arquitectura se puede ver fácilmente reflejada, sirven de espejo deformado donde los arquitectos nos sentimos especialmente cómodos.
Es este texto, del año 2003 publicado por la Tate Modern a partir de uno de sus proyectos artísticos más conocidos, The Weather Project, el artista danés relaciona el tiempo, es su acepción casi meteorológica, con la idea de ciudad, bajo el paraguas de la energía,
el tiempo atmosférico es naturaleza en la ciudad,
dice. Por un lado el tiempo clima nos da la pauta del paso del tiempo estacional, de forma que nos ayuda a
asomarnos a la noción abstracta de qué es el tiempo, haciéndolo más tangible.
Ya sea mediante sistemas de previsión, calendarios y números, objetivamos los aspectos de continuidad de lo temporal y bien pensado, organizamos una gran cantidad de nuestras actividades alrededor de las estaciones y la previsión de los fenómenos de la física que actúan sobre la tierra en forma de un clima especifico. Sin embargo, algo especialmente interesante está sujeto a esa organización: la imprevisibilidad de los fenómenos atmosféricos. Primera paradoja de la modernidad: el tiempo no es predecible.
El gran proyecto moderno, desde principios del siglo pasado hasta finales de los años 60, se podría resumir en un esfuerzo ingente por domesticar el clima con la ayuda de la ciencia y la técnica. Y como bien indica Eliasson,
en estos momentos estamos aceptando lentamente, si es que no lo reconocemos del todo, que las ideologías energéticas de posguerra de nuestra sociedad han dañado aquello de lo que intentábamos protegernos.
En otras palabras, cuando el nivel tecnológico de nuestra sociedad permitió el saqueo absoluto de las fuentes de energía a escala industrial y masiva, con el objetivo de obtener recursos para protegernos del clima, empezamos a entender que quizás el clima, y por extensión la producción de energía, no era nuestro enemigo, sino más bien un aliado.
Lo que ocurre, es que durante ese momento de inflexión, que ha tardado décadas en hacerse popular, ya habíamos forjado un sistema de sustento energético totalmente dependiente de la lógica extractora. Habíamos perdido el sentido de lo común, entendiendo por ello y esencialmente la privatización de los recursos fósiles y nos disponíamos a seguir doblegando la naturaleza hasta su extinción.
Otra paradoja más que interesante es la que relaciona le idea de la energía con el tiempo, el consumo de millones de años en una única unidad de tiempo. La energía de origen fósil requiere de una gran cantidad de tiempo para su producción, mientras que su uso la consume casi instantáneamente. Ese desajuste entre tiempo de producción y consumo es el punto clave del enorme problema al que nos enfrentamos y que de nuevo la modernidad no quiso entender.
Ahora todo son lamentos y estrategias de dudosa eficiencia para aminorar el consumo de lo perecedero. En pocas décadas sabremos si hemos llegado a tiempo de invertir un sistema de producción tan absurdo, que llega a devorar aquello que le da la fuerza.
Valga esta introducción de las reflexiones de Eliasson para empezar a procesar de forma diferente.
Atmósfera y fenomenología
Una manera de entender lo atmosférico que ha tenido un resurgir vigoroso en esta última década, relacionaría la idea de tiempo y fenomenología. Ahí el tema se abre a un debate extraordinariamente rico y fuente de muchas interpretaciones. Algo de ello ya fue plasmado aquí en escritos anteriores. La obra y las ideas de Peter Zumthor o Juhani Pallasmaa dan cuenta de este punto precisamente.
Pallasmaa empezaba una conferencia en la universidad diciendo:
El reconocimiento instantáneo de la naturaleza inherente de un lugar, es semejante a la lectura automática de las identidades y esencias del mundo biológico. Los animales instantáneamente reconocen otras criaturas para su supervivencia de la misma manera los humanos reconocemos unos rasgos humanos conocidos entre miles de otras caras semejantes, a la vez que leemos el sentido de las emociones a partir de minúsculos movimientos musculares de la cara. El espacio o el lugar es una imagen, una criatura mental, o mejor dicho, neuronal, una experiencia singular fusionada con nuestra experiencia y cognición más existencial. Una vez hemos apreciado un espacio como placentero o como deprimente, difícilmente podemos cambiar este juicio de primera mano. Nos encontramos atados a ciertos parámetros y permanecemos ajenos a ciertos otros y ambas elecciones intuitivas son realmente difíciles de analizar verbalmente o de cambiar de forma significativa una vez hemos experimentado una cierta porción de realidad.
Visto así, ¿el tiempo atmosférico seria el encargado de provocar este reconocimiento instantáneo que Pallasmaa alude? Pudiera ser, pero yo creo que lo que intenta explicar mas tarde en este y otros textos Pallasmaa, o lo que yo interpreto que quiere decir, es que hay un tiempo, el tiempo atmosférico, que nos permite no solamente identificar instantáneamente un espacio, sino comprenderlo, apreciarlo y aprenderlo. Un tiempo que funciona por sedimentación más que por velocidad. Un tiempo donde la experiencia, tanto la acumulada como la vital del momento, es esencial. Un tiempo que construye una atmósfera.
Gracias a ese tiempo somos capaces de construir una memoria que nos permite identificar en decimas de segundo si un espacio es agradable, vital y confortable, o todo lo contrario. Curiosamente, el empleo de este tiempo instantáneo que nos permite acceder a este juicio de valor intuitivo, también se ha construido a partir de miles de años, traspasando de generación en generación, un saber inconsciente y heredado que ayuda a valorar un espacio. Los no iniciados en la arquitectura también poseen ese conocimiento.
Todos recuerdan aquella casa del amigo de la infancia a la que nos gustaba ir, quizás por que era grande, o estaba bien orientada y la luz entraba fogosamente, quizás por que tenia una habitación donde poder jugar detrás de las cortinas, o un jardín esplendido donde esconderse. Todos, arquitectos y no arquitectos, atesoramos unos arquetipos espaciales que nos ayudan a detectar la atmosfera de un espacio. Evidentemente no todo el mundo está dotado con la capacidad de poder explicar porqué un espacio es confortable, pero si que todos notamos esa sensación. De eso hablaba Pallasma en la conferencia.
La energía como vector de diseño
¿Hay algo en común entre estas dos interpretaciones de la idea de tiempo atmosférico?
Yo creo que si. En esencia, ambas ideas están hablando de tiempo y energía, de tiempo y confort, de tiempo y sensaciones.
Quizás por ello, algunos arquitectos, urbanistas y paisajistas, ya están tomando la idea de energía por la raíz. La energía es la materia prima del tiempo, podría decirse, y por ello empiezan a entender que proyectar con la energía, usar la energía como vector de diseño, es una apropiación que los lleva hacia un pacto. Un pacto con lo natural, un pacto con el clima, pero también un pacto con las sensaciones, el confort, la concepción de un lugar que permita estar bien. Por consiguiente, también comprenden que la energía es en esencia tiempo. Así de sencillo y como no, así de complejo.
La idea en definitiva consiste en usar la naturaleza a favor, promoviendo una nueva alianza con ella, tal como pregonaban Ilya Prigogine e Isabelle Stengers, en La Nouvelle Alliance.2 Este texto es de facto un alegato contra la dicotomía entre la razón y la vida. A esta pareja sustancial, racionalidad y vitalidad, tradicionalmente entendida como una oposición, los autores la consideran como una herencia innecesaria de la ciencia clásica, sin ninguna correspondencia con la ciencia contemporánea.
Desde una profunda convicción, Prigogine y Stengers se declaran enemigos de todo entendimiento científico que haga al ser humano sentirse extraño en el cosmos, y proponen, como idea-fuerza, el establecimiento de una alianza nueva entre el ser humano y la naturaleza, basada en la ciencia de finales del siglo XX, para sustituir con ella a la antigua ciencia rota por una interpretación errónea cuyo origen lo sitúan en el siglo XIX.
Si de verdad se está por la ciencia y por la vida, la naturaleza es el nexo de unión, y por consiguiente, todo aquello que afecta a la naturaleza, entre ello y de forma destacada, la arquitectura, se convierte, potencialmente en un aliado. Visto así, la energía, el motor de toda la fuerza de la naturaleza, debe incorporarse desde un inicio en los razonamientos de lo urbano, lo arquitectónico y lo paisajístico o como decía anteriormente, la energía debe ser un vector de diseño, un actor fundamental en la toma de decisiones proyectuales.
Eliasson y Pallasmaa están hablando de ello, desde lugares sin duda distintos, pero aluden de forma directa a la necesaria relación entre espacio y confort, a la vinculación entre energía y sensación, a la indisolubilidad entre lo temporal y lo atmosférico.
Miquel Lacasta. Doctor arquitecto
Barcelona, septiembre 2013
Desde 1957, año en el que realizó El séptimo sello y Fresas salvajes, Ingmar Bergman ha sido una de las principales figuras del cine internacional. A lo largo de una trayectoria de 60 años, Bergman escribió, produjo y dirigió cincuenta películas que definieron la concepción del individuo sobre sí mismo y su relación con las personas a las que ama, en películas como Persona, Secretos de un matrimonio o Fanny y Alexander.
Antes de su muerte en 2007, Bergman concedió a los coeditores TASCHEN y Max Ström el completo acceso a sus archivos en la Fundación Bergman y la autorización para reeditar sus escritos y entrevistas, muchos de los cuales no habían sido difundidos más allá de las fronteras de Suecia. El investigador de cine Bengt Wanselius, que fue el fotógrafo de Bergman durante 20 años, buscó archivos fotográficos por todo el país, descubrió imágenes nunca vistas de las películas de Bergman y seleccionó fotografías inéditas de los archivos personales de numerosos autores.
Esta reedición nace a partir del título descatalogado Bergman Archives, el libro más completo sobre el director publicado hasta la fecha. Para esta premiada producción, el editor de TASCHEN Paul Duncan se reunió con un equipo de expertos en la obra de Bergman que investigaron y redactaron un texto que, por vez primera, reunió todo el trabajo de Bergman en el cine. Tal es la profundidad de los escritos del director, que la mayor parte de la historia está contada con sus propias palabras. El libro cuenta también con una introducción escrita por un amigo y colaborador de Bergman, el actor Erland Josephson.
El 24 de noviembre de 2008, Paul Duncan y Bengt Wanselius ganaron el premio August al mejor libro de no ficción publicado en Suecia ese año. Se trata del premio literario de mayor prestigio en el país, votado por libreros y bibliotecarios.
Sobre los editores.
Bengt Wanselius fue reportero gráfico freelance para las revistas y editoriales más importantes de Escandinavia desde 1967 hasta 1985. Durante quince años fue fotógrafo del Royal Dramatic Theatre de Estocolmo, retratando la obra de célebres directores de teatro internacionales como Arthur Miller,Robert Lepage e Ingmar Bergman. Su larga colaboración con Bergman en veinte producciones abarcó desde teatro y ópera hasta televisión, creando un documento fotográfico único de la obra de Bergman.
Paul Duncan ha editado 50 libros de cine para TASCHEN, incluido The James Bond Archives, The Charlie Chaplin Archives y The Godfather Family Album.
Sobre el autor colaborador.
Erland Josephson es escritor, dramaturgo, actor y director. Trabajó con Ingmar Bergman durante setenta años. También ha colaborado con otros directores de cine reconocidos internacionalmente, como Andrei Tarkovski, Theo Angelopoulos, Liliana Cavani e István Szabó.
[:gl]
Desde 1957, ano no que realizou O sétimo selo e Amorodos salvaxes, Ingmar Bergman foi unha das principais figuras do cinema internacional. Ao longo dunha traxectoria de 60 anos, Bergman escribiu, produciu e dirixiu cincuenta películas que definiron a concepción do individuo sobre si mesmo e a súa relación coas persoas ás que ama, en películas como Persoa, Segredos dun matrimonio ou Fanny e Alexander.
Antes da súa morte en 2007, Bergman concedeu aos coeditores TASCHEN e Max Ström o completo acceso aos seus arquivos na Fundación Bergman e a autorización para reeditar os seus escritos e entrevistas, moitos dos cales non foran difundidos máis aló das fronteiras de Suecia. O investigador de cinema Bengt Wanselius, que foi o fotógrafo de Bergman durante 20 anos, buscou arquivos fotográficos por todo o país, descubriu imaxes nunca vistas das películas de Bergman e seleccionou fotografías inéditas dos arquivos persoais de numerosos autores.
Esta reedición nace a partir do título descatalogado Bergman Arquives, o libro máis completo sobre o director publicado ata a data. Para esta premiada produción, o editor de TASCHEN Paul Duncan reuniuse cun equipo de expertos na obra de Bergman que investigaron e redactaron un texto que, por vez primeira, reuniu todo o traballo de Bergman no cinema. Tal é a profundidade dos escritos do director, que a maior parte da historia está contada coas súas propias palabras. O libro conta tamén cunha introdución escrita por un amigo e colaborador de Bergman, o actor Erland Josephson.
O 24 de novembro de 2008, Paul Duncan e Bengt Wanselius gañaron o premio August ao mellor libro de non ficción publicado en Suecia ese ano. Trátase do premio literario de maior prestixio no país, votado por libreiros e bibliotecarios.
Sobre os editores.
Bengt Wanselius foi reporteiro gráfico freelance para as revistas e editoriais máis importantes de Escandinavia desde 1967 ata 1985. Durante quince anos foi fotógrafo do Royal Dramatic Theatre de Estocolmo, retratando a obra de soados directores de teatro internacionais como Arthur Miller,Robert Lepage e Ingmar Bergman. A súa longa colaboración con Bergman en vinte producións abarcou desde teatro e ópera ata televisión, creando un documento fotográfico único da obra de Bergman.
Paul Duncan editou 50 libros de cinema para TASCHEN, incluído The James Bond Arquives, The Charlie Chaplin Arquives e The Godfather Family Album.
Sobre o autor colaborador.
Erland Josephson é escritor, dramaturgo, actor e director. Traballou con Ingmar Bergman durante setenta anos. Tamén colaborou con outros directores de cinema recoñecidos internacionalmente, como Andrei Tarkovski, Theo Angelopoulos, Liliana Cavani e István Szabó.
[:en]
Since his release of The Seventh Seal and Wild Strawberries in 1957, Ingmar Bergmanhas been one of the leading figures in international cinema. In a career that spanned 60 years, he wrote, produced, and directed 50 films that defined how we see ourselves and how we interact with the people we love, through works like Persona, Scenes from a Marriage, and Fanny and Alexander.
Before his death in 2007, Bergman gave TASCHEN and the Swedish publishing house Max Ström complete access to his archives at the Bergman Foundation as well as permission to reprint his writings and interviews, many of which have never been seen outside of Sweden. Picture researcher Bengt Wanselius, who was Bergman’s photographer for 20 years, scoured photo archives all over Sweden, discovered previously unseen images from Bergman’s films, and selected unpublished images from many photographers’ personal archives.
This re-edition draws from our out-of-print Bergman Archives, the most complete book on the director to date. For this award-winning production, TASCHEN Editor Paul Duncan gathered a team of Bergman experts who have researched and written a narrative that, for the first time, combined all of Bergman’s working life in film. Such is the depth of Bergman’s writings that most of the story is told in his own words. This book also features an introduction by Bergman’s close friend and collaborator, actor Erland Josephson.
On November 24, 2008, Paul Duncan and Bengt Wanselius won the 2008 August Prize for the Best Non-Fiction Book published in Sweden. This is the most prestigious literary prize in Sweden, voted on by booksellers and librarians throughout the country.
The editors.
Bengt Wanselius was a freelance photojournalist for every major magazine and publishing house in Scandinavia from 1967 to 1985. He spent 15 years as the house photographer at the Royal Dramatic Theater in Stockholm, recording the work of internationally well-known theater directors such as Arthur Miller, Andrzej Wajda, Robert Lepage, and Ingmar Bergman. His long collaboration on 20 productions with Bergman ranged from theater and opera to television, creating a unique photographic documentary of Bergman’s works.
Paul Duncan is a film historian whose TASCHEN books include The James Bond Archives, The Charlie Chaplin Archives, The Godfather Family Album, Taxi Driver, Film Noir, and Horror Cinema, as well as publications on film directors, film genres, movie stars, and film posters.
The contributing author.
Erland Josephson is a writer, playwright, actor, and director. He worked with Ingmar Bergman for seventy years. He has also collaborated with a number of other internationally renowned film directors, including Andrei Tarkovsky, Theo Angelopoulos, Liliana Cavani, and István Szabó.
El proyecto presenta la renovación de una vivienda en un edificio del casco antiguo de Barcelona que data de 1916. La vivienda tiene una superficie de 46 m2 y en su estado original presentaba una imagen sombría y excesivamente compartimentada. El único punto de ventilación e iluminación son las dos ventanas de la fachada ya que el piso sólo dispone de un pequeño patio de servicio cerrado donde el ascensor colocado a posteriori ocupa la mayor parte.
El objetivo principal es conseguir el máximo aprovechamiento de luz natural y ventilación en el apartamento. Estrategia, acumular las instalaciones y los espacios de almacenamiento en el extremo más alejado de la fachada para liberar el resto de la vivienda. Aprovechamos un quiebro de los muros perimetrales para colocar la cocina.
Loft.
La estructura del edificio se encuentra en el perímetro de la vivienda lo que nos permitió derribar todas las particiones interiores obteniendo un espacio diáfano.
El piso se plantea como un loft, simplificamos la distribución para obtener un gran espacio abierto con tal de disfrutar de la iluminación y ventilación de las dos ventanas de fachada.
Sólo las paredes perimetrales llegan al forjado de vigas percibiendo la totalidad del piso desde cualquier punto, el armario y el WC son los dos únicos espacios cerrados que se insertan transversalmente como cajas que no llegan al techo para otorgarle privacidad al baño.
Límites abiertos.
La vivienda es una sucesión lineal de tres grandes espacios conectados: zona de servicios/habitación/salón. Diseñamos límites interiores para generar diferentes grados de privacidad y usos entre los espacios:
Entre la zona de servicios y la habitación la alineación de la última caja coincide con el cambio brusco de materialidad que generan un claro límite.
Perceptivamente te hace distinguir dos espacios totalmente diferentes.
Entre el salón y la habitación, donde la estructura de las vigas cambia de dirección, diseñamos un sistema de puertas deslizantes y plegables creando una membrana intermedia flexible que te permite transformar el espacio. Las puertas se mueven individualmente generando una composición dinámica con innumerables posiciones y grados de relación.
Materialidad.
La primera acción que llevamos a cabo fue retirar todos los materiales superpuestos a lo largo de los años hasta llegar a los elementos constructivos tradicionales. Los materiales nuevos que se han incluido, aunque claramente actuales, dialogan armoniosamente con lo antiguo creando una percepción de unidad y atemporalidad.
Las vigas de madera las decapamos para potenciar y enfatizar la sensación de un techo infinito y continuo. Las cajas del baño y armario se construyen con tochana sin rebozar para que su textura contraste con la pared de ladrillo visto que recorre toda la vivienda. Pintamos de blanco el fondo del piso ya que es la zona más oscura mejorando la iluminación natural y resaltando así el suelo cerámico original que habíamos reubicado en las zonas de servicio.
Obra: Renovación de un Loft en Font Honrada
Arquitecto: Adrian Elizalde
Cliente: Jean François
Ubicación: Font honrada, Barcelona
Proyecto: Julio 2017- Febrero 2018
Superficie: 46 m2
Fotógrafo: Adrià Goula + adrianelizalde.com
[:gl]
O proxecto presenta a renovación dunha vivenda nun edificio do casco antigo de Barcelona que data de 1916. A vivenda ten unha superficie de 46 m2 e no seu estado orixinal presentaba unha imaxe sombría e excesivamente compartimentada. O único punto de ventilación e iluminación son as dúas xanelas da fachada xa que o piso só dispón dun pequeno patio de servizo pechado onde o ascensor colocado a posteriori ocupa a maior parte.
O obxectivo principal é conseguir o máximo aproveitamento de luz natural e ventilación no apartamento. Estratexia, acumular as instalacións e os espazos de almacenamento no extremo máis afastado da fachada para liberar o resto da vivenda. Aproveitamos un crebo dos muros perimetrais para colocar a cociña.
Loft.
A estrutura do edificio atópase no perímetro da vivenda o que nos permitiu derrubar todas as particións interiores obtendo un espazo diáfano.
O piso exponse como un loft, simplificamos a distribución para obter un gran espazo aberto con tal de gozar da iluminación e ventilación das dúas xanelas de fachada.
Só as paredes perimetrais chegan ao forxado de vigas percibindo a totalidade do piso desde calquera punto, o armario e o WC son os dous únicos espazos pechados que se inseren transversalmente como caixas que non chegan ao teito para outorgarlle privacidade ao baño.
Límites abertos.
A vivenda é unha sucesión lineal de tres grandes espazos conectados: zona de servizos/habitación/salón. Deseñamos límites interiores para xerar diferentes graos de privacidade e usos entre os espazos:
Entre a zona de servizos e a habitación a aliñación da última caixa coincide co cambio brusco de materialidad que xeran un claro límite.
Perceptivamente faiche distinguir dous espazos totalmente diferentes.
Entre o salón e a habitación, onde a estrutura das vigas cambia de dirección, deseñamos un sistema de portas deslizantes e plegables creando unha membrana intermedia flexible que che permite transformar o espazo. As portas móvense individualmente xerando unha composición dinámica con innumerables posicións e graos de relación.
Materialidade.
A primeira acción que levamos a cabo foi retirar todos os materiais superpostos ao longo dos anos ata chegar aos elementos construtivos tradicionais. Os materiais novos que se incluíron, aínda que claramente actuais, dialogan harmoniosamente co antigo creando unha percepción de unidade e atemporalidade.
As vigas de madeira as decapamos para potenciar e salientar a sensación dun teito infinito e continuo. As caixas do baño e armario constrúense con tochana sen rebozar para que a súa textura contraste coa parede de ladrillo visto que percorre toda a vivenda. Pintamos de branco o fondo do piso xa que é a zona máis escura mellorando a iluminación natural e resaltando así o chan cerámico orixinal que recolocaramos nas zonas de servizo.
Obra: Renovación dun Loft en Font Honrada
Arquitecto: Adrian Elizalde
Cliente: Jean François
Emprazamento: Font honrada, Barcelona
Proxecto: Xullo 2017- Febreiro 2018
Superficie: 46 m2
Fotógrafo: Adrià Goula + adrianelizalde.com
[:en]
The project presents the renovation of an apartment in a building of 1916 located in the old town of Barcelona. It has a surface of 46 sqm and originally presented a decayed image and excessively subdivided with rooms. The two windows of the façade are the only ones able to use for ventilation and natural illumination. It has a very small service yard that is closed and an elevator added later occupying most of it.
The main goal has been to achieve the maximum use of natural light and ventilation in the apartment. Strategy, accumulate the servant area and storage in the opposite side of the facade to free the rest of the apartment and the living areas can enjoy the outside windows. We took advantage of a recessed wall of the perimeter wall to place the kitchen.
Loft.
The structure walls of the building are in the perimeter of the apartment, which enabled us demolish all the interior partitions resulting in a diaphanous space.
The dwelling is then considered as a loft, we simplified the new distribution to obtain a large and open space being able to enjoy the light and ventilation of the two windows in the facade.
Only the perimeter walls reach the ceiling being able to perceive the whole space from anywhere of the apartment, the wardrobe and WC are the only closed spaces that are placed as boxes transversally to the space offering privacy to the bathroom.
Open boundaries.
The apartment is a linear succession of three big spaces connected with a big freedom of relationship: servant area/bedroom/living room. We designed interior boundaries to create different degrees of privacy and use between the spaces.
Between the servant area and the bedroom the alignment of the last box matches a sudden change of materials creating a strong limit. Perceptively you can distinguish two different spaces.
Between the bedroom and the living room, where the structure beams change direction, we designed a sliding and folding door system creating an intermediate flexible membrane that allows you transform the space. The doors move individually creating a dynamic composition of the limit and countless positions and degrees of relationship.
Materiality.
The first action undertaken was to remove all the materials overlaid during the years to reach the traditional building elements. The new materials included, though clearly contemporary, discuss harmoniously with the old creating a feeling of unity and timeless atmosphere.
We stripped the paint of the wooden beams to enhance the feeling of a continuous ceiling. The boxes for the wardrobe and WC where built with modern airbricks without plastering so that the texture contrasts with the exposed old brick wall that runs through the apartment. We painted white the back of the apartment to improve natural light as it is the darkest area and highlight the original ceramic tiles relocated in the servant areas.
Work: Loft renovation in Font Honrada
Architect: Adrian Elizalde
Client: Jean François
Location: Font honrada street, Barcelona
Project: July 2017- February 2018
Surface: 46 sqm
Photographer: Adrià Goula + adrianelizalde.com[:]
El lema de esta bienal PRÁCTICAS RELEVANTES definida por el comisario, invita a reflexionar acerca de la paradoja producida por el éxito internacional de la arquitectura española (Premio Pritzker 2017, León de Oro en la Bienal de Venezia, liderazgo de arquitectos españoles en estudios internacionales así como docentes en Escuelas de Arquitectura punteras) que no corresponde con el volumen de producción arquitectónica de estos últimos años, pero sin embargo refleja un trabajo más relevante que nunca.
En esta cita con la joven arquitectura nacional contaremos con la presencia de:
Iñaki Carnicero, comisario de la bienal y el jurado formado por: Pilar Díaz de Paisaje Transversal como representante de los participantes, Héctor Fernández Elorza, representante de la zona centro, Iñigo García de VAUMM, representante de la zona norte, María González de Sol89, representante de la zona sur. Montserrat Nogués, patrona y representante de la Fundación Arquia; Anna Puigjaner de MAIO, representante de la zona levante.
El evento se estructurará en las siguientes mesas redondas: Redefinición de la idea de contexto, La magnitud de lo pequeño, El conflicto como oportunidad y Pensamiento Operativo que serán moderadas respectivamente por Ángel Martínez García-Posada, Jacobo García-Germán, José Juan Barba y Silvia Colmenares.
Participarán también los autores de las 24 realizaciones seleccionadas de esta bienal:
deAbajoGarcía, Adrià Escolano, Lluis Juan Liñan, Juan Miguel Martínez, Nua Arquitectures, Serrano + Baquero, Rosa Gallardo, Gonzalo Gutiérrez, Joel Padrosa, Ander Rodríguez, Carmen Torres, Arqbag, Arquimaña, Arquitectura Expandida, Cornago & Sánchez, Eeestudio + Zuloark, After Belonging Agency, José Aragüez, Arquitectura a Contrapelo, Bartlebooth, Nomad Garden, Vilaplana & Vilaplana.
Puedes descargarte el programa completo más abajo.
Este año como novedad, abrimos CONVOCATORIA PARA DISEÑAR LA ARQUITECTURA DEL FESTIVAL Si quieres participar, puedes descargarte las bases del concurso.
En breve informaremos acerca del RECORRIDO ARQUITECTÓNICO previsto para el miércoles 17 de octubre y en el que contaremos con la presencia de destacados arquitectos como Andreia García, Pedro Hernández, Gonzalo Herrero Delicado y Pola Mora.
Como culminación contaremos con una conferencia de Eduardo Souto de Moura (jurado de la XIX convocatoria de arquia/becas) y Carrilho de Graça como jurado único de la XX convocatoria del programa que presentará el tema de dicha convocatoria.
Finalmente el acto concluirá con el acto de entrega de becas y la entrega de los premios: Votación Online, Opinión y Comunicación así como el Premio arquia/innova dotado de 3.000 euros y el Premio arquia/próxima dotado de 15.000 euros.
O lema desta bienal PRÁCTICAS RELEVANTES definida polo comisario, convida a reflexionar acerca do paradoxo producido polo éxito internacional da arquitectura española (Premio Pritzker 2017, León de Ouro na Bienal de Venezia, liderado de arquitectos españois en estudos internacionais así como docentes en Escolas de Arquitectura punteiras) que non corresponde co volume de produción arquitectónica destes últimos anos, pero con todo reflicte un traballo máis relevante que nunca.
Nesta cita coa nova arquitectura nacional contaremos coa presenza de:
Iñaki Carniceiro, comisario da bienal e o xurado formado por: Pilar Díaz de Paisaxe Transversal como representante dos participantes, Héctor Fernández Elorza, representante da zona centro, Iñigo García de VAUMM, representante da zona norte, María González de Sol89, representante da zona sur. Montserrat Nogués, patroa e representante da Fundación Arquia; Anna Puigjaner de MAIO, representante da zona levante.
O evento estruturarase nas seguintes mesas redondas: Redefinición da idea de contexto, A magnitude do pequeno, O conflito como oportunidade e Pensamento Operativo que serán moderadas respectivamente por Anxo Martínez García-Pousada, Jacobo García- Germán, José Juan Barba e Silvia Colmenares.
Participarán tamén os autores das 24 realizacións seleccionadas desta bienal:
deAbajoGarcía, Adrià Escolano, Lluis Juan Liñan, Juan Miguel Martínez, Nua Arquitectures, Serrano + Baquero, Rosa Gallardo, Gonzalo Gutiérrez, Joel Padrosa, Ander Rodríguez, Carmen Torres, Arqbag, Arquimaña, Arquitectura Expandida, Cornago & Sánchez, Eeestudio + Zuloark, After Belonging Agency, José Aragüez, Arquitectura a contrafío, Bartlebooth, Nomad Garden, Vilaplana & Vilaplana.
Podes descargarche o programa completo máis abaixo.
Este ano como novidade, abrimos CONVOCATORIA PARA DESEÑAR A ARQUITECTURA DO FESTIVAL. Se queres participar, podes descargarte as bases do concurso.
En breve informaremos achega do PERCORRIDO ARQUITECTÓNICO previsto para o mércores 17 de outubro e no que contaremos coa presenza de destacados arquitectos como Andreia García, Pedro Hernández, Gonzalo Ferreiro Delicado e Pola Moura.
Como culminación contaremos cunha conferencia de Eduardo Souto de Moura (xurado da XIX convocatoria de arquia/bolsas) e Carrilho de Graça como xurado único da XX convocatoria do programa que presentará o tema da devandita convocatoria.
Finalmente o acto concluirá co acto de entrega de bolsas e a entrega dos premios: Votación Online, Opinión e Comunicación así como o Premio arquia/innova dotado de 3.000 euros e o Premio arquia/próxima dotado de 15.000 euros.
Finalmente el acto concluirá con el acto de entrega de becas y la entrega de los premios: Votación Online, Opinión y Comunicación así como el Premio arquia/innova dotado de 3.000 euros y el Premio arquia/próxima dotado de 15.000 euros.
The motto of this biennial RELEVANT PRACTICES, defined by the curator, invites us to reflect on the paradox produced by the international success of Spanish architecture (Pritzker Prize 2017, León de Oro at the Venezia Biennial, leadership of Spanish architects in international studies as well as teachers in leading Schools of Architecture) that does not correspond with the volume of architectural production of recent years, but nevertheless reflects a more relevant work than ever.
In this appointment with the young national architecture we will have the presence of:
Iñaki Carnicero, curator of the biennial and the jury formed by: Pilar Díaz by Paisaje Transversal as representative of the participants, Héctor Fernández Elorza, representative of the downtown area, Iñigo García by VAUMM, representative of the northern zone, María González by Sol89, representative of the southern area. Montserrat Nogués, patron and representative of the Arquia Foundation; Anna Puigjaner by MAIO, representative of the Levante area.
The event will be structured in the following round tables: Redefinition of the idea of context, The magnitude of the small, The conflict as an opportunity and Operative Thought that will be moderated respectively by Ángel Martínez García-Posada, Jacobo García-Germán, José Juan Barba and Silvia Colmenares.
The authors of the 24 selected achievements of this biennial will also participate:
deAbajoGarcía, Adrià Escolano, Lluis Juan Liñan, Juan Miguel Martínez, Nua Arquitectures, Serrano + Baquero, Rosa Gallardo, Gonzalo Gutiérrez, Joel Padrosa, Ander Rodríguez, Carmen Torres, Arqbag, Arquimaña, Expanded Architecture, Cornago & Sánchez, Eeestudio + Zuloark, After Belonging Agency, José Aragüez, Architecture to Contrapelo, Bartlebooth, Nomad Garden, Vilaplana & Vilaplana.
You can download the full program below.
This year as a novelty, we open CALL TO DESIGN THE ARCHITECTURE OF THE FESTIVAL If you want to participate, you can download the rules of the contest.
Shortly we will inform about the ARCHITECTURAL ROUTE scheduled for Wednesday, October 17 and in which we will have the presence of prominent architects such as Andreia Garcia, Pedro Hernandez, Gonzalo Herrero Delicado and Pola Mora.
As a culmination, we will have a conference by Eduardo Souto de Moura (jury of the XIX convocation of arquia / scholarships) and Carrilho de Graça as the sole jury of the XX convocation of the program that will present the theme of this call.
Finally the act will conclude with the award ceremony and the awards: Online Voting, Opinion and Communication as well as the arquia / innova Award endowed with 3,000 euros and the arquia / next prize worth 15,000 euros.
Hace veinte años, Jesús Tenreiro (1936-2007) camina frente a la Plaza de Edelca en Ciudad Guayana | Óscar Tenreiro Degwitz | Fuente: oscartenreiro.com
Hacer de la arquitectura un instrumento fundamental en la construcción de la ciudad ha sido lo más significativo de la evolución del pensamiento urbano de las dos últimas décadas.
Pero llegar a ese punto no fue fácil. Si bien es verdad que en el debate sobre la ciudad de los primeros años del siglo veinte esa noción parecía ser un argumento prioritario de quienes luchaban a favor de una nueva forma de ver la arquitectura, ello era no tanto parte del avance del conocimiento sino más bien un resultado de la forma de actuar en la ciudad heredada de los siglos anteriores.
Por esa razón fue natural en los arquitectos pioneros de los primeros 1900, que expresaran su pensamiento sobre la ciudad con imágenes de arquitectura. Pero en esos mismos años iba naciendo la moderna “ciencia” del urbanismo, un modo de ver la ciudad que puede describirse como una sumatoria de aplicaciones técnicas que se fueron asociando progresivamente a la herencia anterior. Y poco a poco, esa “visión técnica” fue haciéndose fuerte porque era objetiva, basada en la ciencia, y recuérdese que la búsqueda de “objetividad” fue asunto clave en el debate político-social de entonces hasta que después de la Segunda Guerra tomó el mando. La ciudad bidimensional, expresada en ocupación ordenada del terreno y eficiencia de las redes, fue oponiéndose a cualquier visión arquitectónica. La idea del “Diseño Urbano” nacida en los cincuenta y hecha madura unas dos décadas después con la proliferación de estudios de postgrado, no pudo complementar la visión bidimensional sino muy lentamente.
A este proceso que he descrito rápidamente se debe el descrédito de la visión arquitectónica de la ciudad que habían manejado los pioneros. Le Corbusier fue tomado como el principal chivo expiatorio pero en realidad se quiso despreciar casi todo lo que se manejó en las cuatro primeras décadas del veinte. Yo, joven estudiante a fines de los cincuenta, fui testigo de ese descrédito. Las primeras imágenes de Chandigarh en La India, encargadas al maestro suizo-francés, eran criticadas y hasta ridiculizadas, como lo fueron una década después las de Louis I. Kahn sobre Filadelfia o como se veía con sorna y sospecha que hoy todavía tiene adeptos, la experiencia de Brasilia.
Y sin embargo, Chandigarh se ha convertido en patrimonio cultural de un país milenario. El conjunto de la Asamblea Nacional y los Ministerios de Dacca en Bangladesh, ha hecho del proyecto del extranjero Luis Kahn parte del orgullo nacional, Y la Brasilia monumental está no sólo viva y bien, sino que sigue siendo motivo de admiración asociado al espíritu de grandeza de un país. Tres pruebas de que la identidad de una ciudad está en su arquitectura y el espacio público y no en las redes. Porque tanto en Chandigarh como en Brasilia (Dacca no es una ciudad nueva) la concepción de la red produjo problemas de escala, de interrelaciones urbanas, de vida en grano fino que deberán irse corrigiendo. Pero la arquitectura fijó los atributos de una identidad.
Nuestra Ciudad Guayana surgió un poco después de la experiencia de Brasilia. Y nació marcada por la visión tecnológica, muy asociada al modo anglosajón de ver la planificación urbana que reinaba en ese momento en el mundo. Y sostenía yo en una conversación reciente con los colegas Víctor Artís y Gustavo Ferrero Tamayo, el primero urbanista reconocido y el segundo pionero de esa actividad aquí, lúcido a sus ochenta y seis años, que me parecía que el principal problema de nuestra nueva ciudad de los años sesenta, había sido la falta de confianza en la arquitectura. Tuvimos un intercambio de ideas muy interesante, en presencia de una arquitecta holandesa, Simone Rots, que está entre nosotros documentándose precisamente sobre la que ha sido la más importante experiencia urbana de Venezuela.
Desde que visité por primera vez Brasil en 1958 me quedó la impresión de una sociedad con extraordinaria fe en sí misma, y si bien abierta al mundo, muy orgullosa de su capacidad de aporte en términos de invención y reflexión propias. Esa confianza ofrece una clave en relación a Brasilia porque Lucio Costa (1902-1998), además de ser un hombre de pensamiento universal era un brasileño seguro de sí mismo y de las capacidades de su país. Y si pudiera reprochársele que prácticamente entregó en manos de un sólo arquitecto (Óscar Niemeyer) la “forma” inicial de una gran ciudad, en los años que siguieron a los sesenta se fueron multiplicando los aportes de otras figuras que, si bien, no con la energía de los tiempos de Kubitschek (1902-1976) el Presidente que hizo Brasilia, han ido sumándose a la arquitectura monumental de la ciudad. Y cabe decir además que esa fe en la indudable grandeza de Niemeyer es a su vez una muestra de grandeza y de la madurez cultural de una sociedad. Ejemplos sobran en la historia.
Y eso no sucedió aquí. Estaba vivo Villanueva y no construyó una sola obra en ese territorio que se hacía ciudad. Uno busca en vano ejemplos de aportes de los contemporáneos de los planificadores. Y de los más jóvenes, hoy setentones, además de la excelente escuela de Borges y Pimentel para los Jesuitas sólo encuentra, figura piramidal arquetipal, único y aislado símbolo en un mundo urbano nacido de las más actualizadas técnicas, la Sede de Edelca en Alta Vista, proyecto fundamental de Jesús Tenreiro.
Por eso, por esa carencia de arquitectura en esa ciudad nuestra, recojo lo dicho por Artís en la conversación que menciono: aún falta mucho para darle forma a Ciudad Guayana. Confiemos en que habrá menos sospecha en el futuro. Porque la arquitectura no puede separarse de cualquier intento de hacer ciudad.
Óscar Tenreiro Degwitz, Arquitecto.
Venezuela, mayo 2009, Entre lo Cierto y lo Verdadero
“Hay una vieja conciencia del tiempo, y hay otra nueva. La primera atiende al individualismo. La nueva tiende hacia lo universal”.
Manifiesto De Stijl, 1918
Las semejanzas compositivas existentes entre la obra pictórica Tableau I realizada por Piet Mondrian en 1920 y el diseño de la elevación de calle del café De Unie de J.J.P. Oud de 1924, responden a los principios enunciados en el manifiesto nº I del movimiento De Stijl. Este suceso resulta paradójico teniendo en cuenta los hechos acontecidos con anterioridad a la construcción de la obra.
Oud, miembro de activa participación en la fundación del grupo, nunca firmo el manifiesto fundacional. Su actividad arquitectónica no estuvo aferrada a ningún discurso de vanguardia, relatos que consideraba apropiados para la pintura. Tampoco acordaba con los conceptos de Mondrian, quien declaraba que los principios estéticos subyacentes a todas las formas artísticas nacían de la pintura.
Bajo estas condiciones en 1921 se produjo la ruptura en la relación entre Oud y Theo van Doesburg y su alejamiento paulatino del grupo. Sin embargo, cuando le encomiendan el diseño de la fachada del café De Unie, Oud plantea una composición que respeta los conceptos básicos neoplasticistas: un equilibrado juego geométrico con planos de colores dispuestos en forma horizontal y vertical.
La semejanza en la disposición y equilibrio de planos en la fachada con la obra pictórica mencionada, convalida la afirmación de Mondrian que tanto disgustaba al propio Oud. La elevación es tratada como un plano con relieves, donde columnas, ventanas, planos ciegos y canaletas adquieren un valor artístico. Los únicos elementos tridimensionales que se destacan del plano de fachada son los carteles identificadores del local.
Foto histórica, autor desconocido.
La obra tenía una finalidad temporal. Se propone para ocupar un terreno baldío por un plazo no mayor a los 10 años. Es probable que Oud optara por un diseño que rompe la histórica tradición de frentes escalonados en la ciudad, animado por el carácter temporal de la obra.
El Café De Unie es la única obra del grupo De Stijl que ratifica los conceptos vertidos por Mondrian. El carácter icónico de la obra evito su demolición en los plazos estipulados. Sin embargo, el bombardeo a Rotterdam de 1940 puso fin al edificio, reconstruido en 1986 en un terreno similar cercano al sitio de emplazamiento original, bajo la dirección del arquitecto Carel Weeber.
Tres arquitecturas es un programa centrado en la figura de arquitectos del pasado y del presente que han marcado tendencias con sus obras. Este tercer capítulo se centra en la figura de dos catalanes: Viaplana yPiñón, catedráticos de Proyectos de la Escuela Técnica Superior de arquitectura de Barcelona y genuinos representantes de una arquitectura nueva.
En 1942 y 1933 nacieron ambos en Barcelona donde estudiaron arquitectura. Desde 1971 son profesores de la Escuela de Arquitectura de Barcelona. Trabajan juntos y entre otros cuentan con el premio FAD de arquitectura y el ciudad de Barcelona. Hoy revisamos su obra hasta 1989. Entienden la arquitectura como un sistema de relaciones internas.
El equipo del programa:
Música: Francis Guerrero
Imagen: Javier Blasco
Producción: José Ramón Velasco
Productor Ejecutivo: Eduard Araujo
Guión, realización y dirección: Francisco Avizanda[:gl]
Tres arquitecturas é un programa centrado na figura de arquitectos do pasado e do presente que marcaron tendencias coas súas obras. Este terceiro capítulo céntrase na figura de dous cataláns: Viaplana ePiñón, catedráticos de Proxectos da Escola Técnica Superior de arquitectura de Barcelona e xenuínos representantes dunha arquitectura nova.
En 1942 e 1933 naceron ambos en Barcelona onde estudaron arquitectura. Desde 1971 son profesores da Escola de Arquitectura de Barcelona. Traballan xuntos e entre outros contan co premio FAD de arquitectura e o cidade de Barcelona. Hoxe revisamos a súa obra ata 1989. Entenden a arquitectura como un sistema de relacións internas.
Tres arquitecturas – Viaplana y Pinón
O equipo do programa:
Música: Francis Guerreiro
Imaxe: Javier Blasco
Produción: José Ramón Velasco
Produtor Executivo: Eduard Araujo
Guión, realización e dirección: Francisco Avizanda[:en]
Three architectures is a program focused on the figure of architects of the past and present that have marked trends with their works. This third chapter focuses on the figure of two Catalans: Viaplana andPiñón, professors of Projects of the Higher Technical School of Architecture of Barcelona and genuine representatives of a new architecture.
Tres arquitecturas es un programa centrado en la figura de arquitectos del pasado y del presente que han marcado tendencias con sus obras. Este tercer capítulo se centra en la figura de dos catalanes: Viaplana yPiñón, catedráticos de Proyectos de la Escuela Técnica Superior de arquitectura de Barcelona y genuinos representantes de una arquitectura nueva.
In 1942 and 1933 both were born in Barcelona where they studied architecture. Since 1971 they are professors of the School of Architecture of Barcelona. They work together and among others have the FAD award for architecture and the city of Barcelona. Today we reviewed his work until 1989. They understand architecture as a system of internal relations.
The program team:
Music: Francis Guerrero
Image: Javier Blasco
Production: José Ramón Velasco
Executive Producer: Eduard Araujo
Script, direction and direction: Francisco Avizanda[:]
P e I son nuestros clientes, los propietarios de una vivienda con terreno en esta barriada de la Obra Sindical del Hogar, inaugurada en 1946 y situada al suroeste de la ciudad de Burgos. Las viviendas originales son muy interesantes: modestas, racionales, constructivamente sencillas y basadas en lo que podría considerarse una arquitectura vernácula o popular. Lamentablemente, en la actualidad la barriada se encuentra muy degradada, al haberse construido algunas casas nuevas sin ningún vínculo ni sensibilidad hacia la preexistencia. Esto hace que, en ocasiones, el conjunto sea casi irreconocible.
Más allá de tratarse de una respuesta específica a un problema concreto, el proyecto se plantea como una posible solución para futuras intervenciones en este barrio, tratando de compatibilizar la construcción de nueva planta con el respeto por la arquitectura y el conjunto originales. El proyecto asume algunos principios de la arquitectura tradicional para trasladarlos y adaptarlos al presente.
De esta manera, lo viejo y lo nuevo establecen una dialéctica basada, fundamentalmente, en la lógica, la naturalidad y la tolerancia.
Dado el estado semi-ruinoso de la vieja casa de P e I, así como sus reducidas dimensiones (unos 50m2 en una planta), el encargo consistía en la realización de una vivienda nueva que respondiera a sus necesidades de la mejor manera posible. Una de las más singulares era la presencia de 2 talleres, uno de grabado y otro de carpintería. De manera similar a la antigua vivienda, que constaba de 2 piezas entre las que se generaba un espacio abierto, la nueva casa se desarrolla a partir de un patio central que articula y vincula los diferentes espacios a su alrededor.
Intentando aprovechar la estricta normativa urbanística, que exigía el adosamiento de la nueva vivienda con su pareada, la casa se adosa mediante el garaje, permitiendo liberar el volumen principal, de 2 plantas, para abrir ventanas en todas sus fachadas.
Dicho volumen principal, hacia la calle al norte, alberga el taller de grabado y la zona de noche, mientras que el volumen secundario, hacia el jardín al sur, aglutina las zonas de día en un único espacio. Ambas piezas se relacionan espacial y visualmente a través del patio, que da la bienvenida en la entrada peatonal y actúa como un filtro entre el jardín y el taller de grabado, pasando por la sala de estar. Desde la segunda planta del volumen principal, y por encima de la cubierta del volumen secundario, es posible disfrutar de la ribera arbolada del Arlanzón, que discurre al sur de la parcela.
Se han tenido especialmente en cuenta criterios medioambientales, al incorporar un alto aislamiento térmico en toda la envolvente (15-20cm), protección solar regulable en los huecos orientados al sur (persianas, toldos, parras), ventilaciones cruzadas o calefacción mediante caldera de biomasa y 2 chimeneas de leña.
La estructura metálica queda vista en las zonas estanciales gracias a los forjados de chapa colaborante pintados de blanco. Simultáneamente, se genera un nivel inferior con falso techo que recoge las franjas de almacenamiento (armarios y estanterías) y los espacios húmedos, de instalaciones y de circulación, tomando la altura de los dinteles de puertas y ventanas. Recordando las viviendas originales, la casa tiene fachadas encaladas en blanco, zócalos de piedra caliza de Campaspero, carpinterías verdes y cubiertas de teja cerámica rojiza. En el interior, las zonas húmedas se singularizan mediante un revestimiento cerámico tradicional de color verde.
Por encima de todo, se ha pretendido que P e I se identifiquen con su casa, y que con el uso y el paso del tiempo la conviertan en su hogar.
P e I son os nosos clientes, os propietarios dunha vivenda con terreo nesta barriada da Obra Sindical do Fogar, inaugurada en 1946 e situada ao suroeste da cidade de Burgos. As vivendas orixinais son moi interesantes: modestas, racionais, constructivamente sinxelas e baseadas no que podería considerarse unha arquitectura vernácula ou popular. Lamentablemente, na actualidade a barriada atópase moi degradada, ao construírse algunhas casas novas sen ningún vínculo nin sensibilidade cara á preexistencia. Isto fai que, en ocasións, o conxunto sexa case irrecoñecible.
Máis aló de tratarse dunha resposta específica a un problema concreto, o proxecto exponse como unha posible solución para futuras intervencións neste barrio, tratando de compatibilizar a construción de nova planta co respecto pola arquitectura e o conxunto orixinais. O proxecto asume algúns principios da arquitectura tradicional para trasladalos e adaptalos ao presente.
Desta maneira, o vello e o novo establecen unha dialéctica baseada, fundamentalmente, na lóxica, a naturalidade e a tolerancia.
Dado o estado semi-ruinoso da vella casa de P e I, así como as súas reducidas dimensións (uns 50 m2 nunha planta), o encargo consistía na realización dunha vivenda nova que respondese as súas necesidades da mellor maneira posible. Unha das máis singulares era a presenza de 2 talleres, un de gravado e outro de carpintería. De maneira similar á antiga vivenda, que constaba de 2 pezas entre as que se xeraba un espazo aberto, a nova casa desenvólvese a partir dun patio central que articula e vincula os diferentes espazos ao seu ao redor.
Tentando aproveitar a estrita normativa urbanística, que esixía o adosamiento da nova vivenda coa súa pareada, a casa encóstase mediante o garaxe, permitindo liberar o volume principal, de 2 plantas, para abrir xanelas en todas as súas fachadas.
Devandito volume principal, cara á rúa ao norte, alberga o taller de gravado e a zona de noite, mentres que o volume secundario, cara ao xardín ao sur, aglutina as zonas de día nun único espazo. Ambas as pezas relaciónanse espacial e visualmente a través do patio, que dá a benvida na entrada peonil e actúa como un filtro entre o xardín e o taller de gravado, pasando pola sala de estar. Desde a segunda planta do volume principal, e por encima da cuberta do volume secundario, é posible gozar da ribeira arborizada do Arlanzón, que discorre ao sur da parcela.
Tivéronse especialmente en conta criterios ambientais, ao incorporar un alto illamento térmico en toda a envolvente (15-20cm), protección solar regulable nos ocos orientados ao sur (persianas, toldos, parras), ventilacións cruzadas ou calefacción mediante caldeira de biomasa e 2 chemineas de leña.
A estrutura metálica queda vista nas zonas estanciales grazas aos forxados de chapa colaborante pintados de branco. Simultaneamente, xérase un nivel inferior con falso teito que recolle as franxas de almacenamento (armarios e andeis) e os espazos húmidos, de instalacións e de circulación, tomando a altura dos dinteles de portas e xanelas. Lembrando as vivendas orixinais, a casa ten fachadas encaladas en branco, zócalos de pedra calcaria de Campaspero, carpinterías verdes e cubertas de tella cerámica avermellada. No interior, as zonas húmidas se singularizan mediante un revestimento cerámico tradicional de cor verde.
Por encima de todo, pretendeuse que P e I identifíquense coa súa casa, e que co uso e o paso do tempo convértana no seu fogar.
P and I are our clients, the owners of a house with land in this neighborhood of the Obra Sindical del Hogar, inaugurated in 1946 and located southwest of the city of Burgos. The original homes are very interesting: modest, rational, constructively simple and based on what could be considered a vernacular or popular architecture. Unfortunately, at present the neighborhood is very degraded, having built some new houses without any link or sensitivity to pre-existence. This means that, at times, the whole is almost unrecognizable.
Beyond being a specific response to a specific problem, the project is proposed as a possible solution for future interventions in this neighborhood, trying to reconcile the construction of a new plant with respect for the original architecture and set. The project assumes some principles of traditional architecture to transfer them and adapt them to the present.
In this way, the old and the new establish a dialectic based, fundamentally, on logic, naturalness and tolerance.
Given the semi-dilapidated state of the old house of P and I, as well as its small size (about 50m2 on one floor), the order consisted of the realization of a new home that would respond to your needs in the best possible way. One of the most unique was the presence of 2 workshops, one for engraving and another for carpentry. In a similar way to the old house, which consisted of 2 pieces between which an open space was generated, the new house is developed from a central courtyard that articulates and links the different spaces around it.
Trying to take advantage of the strict urban regulations, which required the addition of the new house with its paired, the house is attached by the garage, allowing to release the main volume, 2 floors, to open windows on all its facades.
This main volume, towards the street to the north, houses the engraving workshop and the night area, while the secondary volume, towards the garden to the south, brings together the day zones in a single space. Both pieces are spatially and visually related through the courtyard, which welcomes the pedestrian entrance and acts as a filter between the garden and the engraving workshop, passing through the living room. From the second floor of the main volume, and above the cover of the secondary volume, it is possible to enjoy the tree-lined bank of the Arlanzón, which runs south of the plot.
Environmental criteria have been specially taken into account, incorporating a high thermal insulation throughout the enclosure (15-20cm), adjustable solar protection in the south-facing recesses (blinds, awnings, vines), cross ventilation or heating by biomass boiler and 2 wood fireplaces.
The metallic structure is seen in the living areas thanks to the collaborating sheet metal slabs painted white. Simultaneously, a lower level with a false ceiling is generated that collects the storage strips (cupboards and shelves) and the wet spaces, installations and circulation, taking the height of the lintels of doors and windows. Remembering the original homes, the house has whitewashed facades, limestone baseboards from Campaspero, green carpentry and reddish ceramic tile roofs. In the interior, the wet areas are distinguished by a traditional ceramic green coating.
Above all, it has been tried that P and I identify with their house, and that with the use and the passage of time they turn it into their home.
Work: House PI
Location: Burgos, Spain (42.348816 N, -3.739859 O)
Year: 2012-16
Client: Private (P + I)
Surface: 200 m2 built
Budget: € 189,699 (PEM Project Execution)
Architect: Enrique Jerez
Collaborators: Jesús Alonso (Associate Architect), Koldo Fernández Gaztelu, Catarina Isabel Faustino Mota, Beatriz González Yagüe
Rigger: Iván Poncelas Ramón
Construction company: Gesdesbur SL (chief engineer: Mª Paz de Quevedo)
Structure: Prodabis Ingeniería Estructuras (David Manso, Ing.)
Photography: Javier Bravo Jabato + gaztelujerez.com[:]
FRONTEiRAS es uno de los proyectos desarrollados desde AiPAC (Associaçao Ibérica para a Inovação, Património, Arquitectura e Cultura). En la actualidad se enmarca como un sólido catalizador de actividades transfonterizas entre España y Portugal y da lugar a una herramienta capaz de desvelar e investigar los nexos de unión en ambos lados de la frontera. Una acción estratégica que intenta hacer invisible la frontera política, generando espacios de cooperación que fomenten las relaciones hispano-lusas.
La frontera entre España y Portugal viene ™marcada∫ por una línea a veces imaginaria y otras veces materializada en forma de accidentes geográficos. 1214 kilómetros que con el tiempo han construido un interesante territorio conocido como ™La Raya∫.
En este contexto surgió en 2013 el Seminario FRONTEiRAS, una iniciativa de carácter anual que ha conseguido prolongarse en el tiempo mediante la realización de cuatro ediciones, promoviendo el desarrollo y la cohesión entre los municipios rayanos y construyendo un verdadero espacio de investigación y encuentro de la arquitectura hispano-lusa en el que se compatibilizaban conferencias y workshops de trabajo con alumnos procedentes de universidades españolas y portuguesas.
La primera edición del Seminario FRONTEiRAS se realizó en 2013, y estuvo dedicada a las industrias conserveras y salazoneras que aparecen abandonadas en la desembocadura del Río Guadiana, entre Ayamonte (ES) y Vila Real de Santo António (PT), evidenciando la problemática de actuar en este tipo de infraestructuras que han formado parte de la memoria histórica de ambos municipios. Durante una semana de trabajo se desarrollaron una serie de proyectos de intervención en las antiguas fábricas que plantearon diversas estrategias sobre cómo reutilizar estos espacios industriales asumiendo la recualificación de su entorno.
A lo largo de este tiempo el Seminario FRONTEiRAS ha seguido recorriendo la frontera más allá de Andalucía y el Algarve hacia Extremadura y Alentejo, así como por Castilla y León y Beira Interior.
En 2014, la segunda edición del Seminario centró su mirada en torno al patrimonio arquitectónico y el paisaje que lo circundaba, realizando un acercamiento hacia diferentes edificios icónicos integrados en los límites urbanos de Monsanto (PT), Idanha-a-Velha (PT) y Alcántara (ES). Bajo el título de ™Intervenciones sobre el Patrimonio Arquitectónico∫, el seminario exploró la relación entre patrimonio y paisaje, profundizando en el conocimiento, debate y reflexión de estrategias de rehabilitación y reactivación de estos enclaves.
™Acciones sobre el espacio patrimonial∫ fue el título del Seminario que en 2015 se trasladó hasta Ciudad Rodrigo (ES) y Belmonte (PT). En esta tercera edición el objeto de estudio fueron los centros urbanos de ambas ciudades.
La cuarta edición del Seminario se realizó en 2016 bajo el título de ™Territorios en transformación∫. Este encuentro permitió construir una nueva mirada sobre la futura Eurociudad de Badajoz (ES), Elvas (PT) y Campo Maior (PT).
Después de esta trayectoria, y en un contexto como el actual en el que el concepto de frontera adquiere diversas connotaciones, creemos necesario el acercamiento desde diversos posicionamientos culturales que permitan cimentar una concepción de frontera plural.
En este sentido, este libro compila diversos Escritos sobre Arquitectura, Territorio y Paisaje en torno al concepto de frontera, con las miradas de los arquitectos participantes en las cuatro ediciones del Seminario FRONTEiRAS (conscientemente incluidas en su idioma original), así como un compendio de los Proyectos realizados por los estudiantes y profesores de los distintos grupos de trabajo.
[:gl]
FRONTEiRAS é un dos proxectos desenvolvidos desde AiPAC (Associaçao Ibérica para a Inovação, Património, Arquitectura e Cultura). Na actualidade enmárcase como un sólido catalizador de actividades transfonterizas entre España e Portugal e dá lugar a unha ferramenta capaz de desvelar e investigar os nexos de unión en ambos os lados da fronteira. Unha acción estratéxica que tenta facer invisible a fronteira política, xerando espazos de cooperación que fomenten as relacións hispano-lusas.
A fronteira entre España e Portugal vén ™marcada∫ por unha liña ás veces imaxinaria e outras veces materializada en forma de accidentes xeográficos. 1214 quilómetros que co tempo construíron un interesante territorio coñecido como ™A Raia∫.
Neste contexto xurdiu en 2013 o Seminario FRONTEiRAS, unha iniciativa de carácter anual que conseguiu prolongarse no tempo mediante a realización de catro edicións, promovendo o desenvolvemento e a cohesión entre os municipios rayanos e construíndo un verdadeiro espazo de investigación e encontro da arquitectura hispano-lusa no que se compatibilizaban conferencias e workshops de traballo con alumnos procedentes de universidades españolas e portuguesas.
A primeira edición do Seminario FRONTEiRAS realizouse en 2013, e estivo dedicada ás industrias conserveiras e salazoneras que aparecen abandonadas na desembocadura do Río Guadiana, entre Ayamonte (ES) e Vila Real de Santo António (PT), evidenciando a problemática de actuar neste tipo de infraestruturas que formaron parte da memoria histórica de ambos os municipios. Durante unha semana de traballo desenvolvéronse unha serie de proxectos de intervención nas antigas fábricas que expuxeron diversas estratexias sobre como reutilizar estes espazos industriais asumindo a recualificación da súa contorna.
Ao longo deste tempo o Seminario FRONTEiRAS seguiu percorrendo a fronteira máis aló de Andalucía e o Algarve cara a Estremadura e Alentejo, así como por Castela e León e Beira Interior.
En 2014, a segunda edición do Seminario centrou a súa mirada en torno ao patrimonio arquitectónico e a paisaxe que o circundaba, realizando un achegamento cara a diferentes edificios icónicos integrados nos límites urbanos de Monsanto (PT), Idanha-a- Velha (PT) e Alcántara (ES). Baixo o título de ™Intervencións sobre o Patrimonio Arquitectónico∫, o seminario explorou a relación entre patrimonio e paisaxe, profundando no coñecemento, debate e reflexión de estratexias de rehabilitación e reactivación destes enclaves.
™Accións sobre o espazo patrimonial∫ foi o título do Seminario que en 2015 trasladouse ata Cidade Rodrigo (ES) e Belmonte (PT). Nesta terceira edición o obxecto de estudo foron os centros urbanos de ambas as cidades.
A cuarta edición do Seminario realizouse en 2016 baixo o título de ™Territorios en transformación∫. Este encontro permitiu construír unha nova mirada sobre a futura Eurociudad de Badaxoz (ES), Elvas (PT) e Campo Maior (PT).
Despois desta traxectoria, e nun contexto como o actual no que o concepto de fronteira adquire diversas connotacións, cremos necesario o achegamento desde diversos posicionamentos culturais que permitan cimentar unha concepción de fronteira plural.
Neste sentido, este libro compila diversos Escritos sobre Arquitectura, Territorio e Paisaxe en torno ao concepto de fronteira, coas miradas dos arquitectos participantes nas catro edicións do Seminario FRONTEiRAS (conscientemente incluídas no seu idioma orixinal), así como un compendio dos Proxectos realizados polos estudantes e profesores dos distintos grupos de traballo.
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FRONTEiRAS is one of the projects developed by AiPAC (Associaçao Ibérica para a Inovação, Património, Arquitectura e Cultura). Currently, it is framed as a solid catalyst for cross-border activities between Spain and Portugal and gives rise to a tool capable of uncovering and investigating the linkages on both sides of the border. A strategic action that tries to make the political frontier invisible, generating spaces of cooperation that foster Spanish-Portuguese relations.
The border between Spain and Portugal is marked by a line sometimes imaginary and sometimes materialized in the form of geographical features. 1214 kilometers that over time have built an interesting territory known as ™ La Raya∫.
In this context, the FRONTEiRAS Seminar was born in 2013, an annual initiative that has been extended over time by carrying out four editions, promoting the development and cohesion among the border towns and building a real space for research and meeting of the Spanish-Portuguese architecture in which conferences and work workshops were made compatible with students from Spanish and Portuguese universities.
The first edition of the FRONTEiRAS Seminar was held in 2013, and was dedicated to the canning and salazoneras industries that appear abandoned at the mouth of the Guadiana River, between Ayamonte (ES) and Vila Real de Santo António (PT), evidencing the problem of acting in this type of infrastructures that have been part of the historical memory of both municipalities. During a week of work, a series of intervention projects were developed in the old factories that proposed different strategies on how to reuse these industrial spaces assuming the requalification of their environment.
Throughout this time, the FRONTEiRAS Seminar has continued to cross the border beyond Andalusia and the Algarve towards Extremadura and Alentejo, as well as through Castilla y León and Beira Interior.
In 2014, the second edition of the Seminar focused its attention on the architectural heritage and the landscape that surrounded it, making an approach to different iconic buildings integrated into the urban limits of Monsanto (PT), Idanha-a-Velha (PT) and Alcantara (ES) Under the title of ™ Interventions on Architectural Heritage∫, the seminar explored the relationship between heritage and landscape, deepening the knowledge, debate and reflection of rehabilitation strategies and reactivation of these enclaves.
™ Actions on the patrimonial space∫ was the title of the Seminar that in 2015 was moved to Ciudad Rodrigo (ES) and Belmonte (PT). In this third edition, the object of study was the urban centers of both cities.
The fourth edition of the Seminar was held in 2016 under the title of Territories in Transformation. This meeting allowed to build a new look on the future Eurocity of Badajoz (ES), Elvas (PT) and Campo Maior (PT).
After this trajectory, and in a context like the current one in which the border concept acquires diverse connotations, we believe it is necessary to approach it from diverse cultural positions that allow to cement a plural border conception.
In this sense, this book compiles diverse Writings on Architecture, Territory and Landscape around the concept of border, with the eyes of the architects participating in the four editions of the Seminar FRONTEiRAS (consciously included in its original language), as well as a compendium of the Projects carried out by the students and professors of the different work groups.
El taller de Joan Miró en Mallorca en una de las páginas de ‘El ojo de Miró‘, editado por La Fábrica.
Cuentan que fue al visitar el taller de Joan Miró en Cala Mayor cuando Aimé Maeght comprendió, con verdadera exactitud, el componente esencial para su futura Fundación en Saint Paul de Vence. Tras numerosos estudios y proyectos de arquitectos prestigiosos, Maeght descubriría una luz homogénea y vibrante en el estudio del pintor, una luz tan intensa y al mismo tiempo tan agradable, que hubo de viajar muy lejos, sin importarle, para encontrar al autor de aquel prodigio, el creador de una atmósfera que habría de repetir, si llegado el caso fuera posible.
Aquel arquitecto, un español refugiado entonces en Estados Unidos, eraJosep Lluís Sert.1
La visita al taller se produce en 1960. Tras perder el matrimonio Maeght a su hijo de tan solo once años en 1953, su amigo el pintor y escultor Georges Braque, propone al coleccionista una aventura vital que de algún modo habría de girar en torno a la hermosa propiedad de los Maeght cerca de Niza: la construcción de una Fundación de Arte (museo, taller y residencia para artistas), algo insólito para la época2.
La parcela era en realidad un paisaje en lo alto, una loma agreste habitada tan solo por un bosque mediterráneo con generosas vistas sobre el mar. Cuentan que Sert realizó maquetas a escala 1:1 para reproducir aquella luz que aún resonaba en la memoria de Aimé, una luz cercana, casi visible al otro lado del horizonte de la Costa Azul. Se puede casi intuir la ligereza de los armazones provisionales en aquel lugar, su movimiento por la parcela -durante un año- buscando su mejor posición para las obras de Braque, Chagall o el propio Miró.3
En la imagen un conjunto de objetos parece flotar en medio de una luz espesa, una constelación desvinculada del suelo ante la sorprendente ausencia de sombras. En el taller de Miró la luz acepta por igual al lienzo o la butaca, la mesa o el taburete, la botella o la mecedora, convertidos aquí en una suerte de ofrenda libre del carbón abyecto de los días (Caballero Bonald).
Tal vez más allá de la atmósfera homogénea que exige el noble oficio de la pintura, más allá incluso de la ilusoria percepción submarina e ingrávida de este extraño bodegón cuyo orden desconocemos, tal vez decíamos, este grupo humano irrepetible y atormentado buscara en la luz el aliento meteórico de un refugio universal: el refugio de la luz.
Miguel Ángel Díaz Camacho. Doctor Arquitecto
Madrid. Febrero 2016. Autor de Parráfos de arquitectura. #arquiParrafos
Notas:
1 Sert había cultivado una muy buena impresión en Francia tras la construcción del Pabellón de la República Española para la Exposición Internacional de París de 1937.
2 La casualidad quiso que en la parcela existieran unos restos de una capilla dedicada a San Bernardo, precisamente el nombre de su hijo. La reconstrucción de esta capilla sirve a Braque como argumento balsámico, introduciendo inmediatamente a continuación la idea de la Fundación.
3 En este sentido, Sert pudo mantener «largas conversaciones» con los artistas. Ver Connaissance des Arts, (Redacteur en chef, Philip Jodidio), Paris, Société Française de Promotion Artistique, 1998, pág. 15.
La respuesta es clara: aportamos la firma que avala nuestra capacidad profesional.
Pero antes definamos un par de términos, arquitecto y arquitectura.
Primero nosotros, arquitecto, del latín architectus, que deriva a su vez del griego architekton, compuesta por archi, principal o jefe y tekton, obra. El arquitecto es pues el jefe o maestro de obras. Según la Real Academia es, sencillamente y en una frase, aquella
“persona que profesa o ejerce la arquitectura”.
Y segundo, la que está por encima de nosotros, arquitectura, del latín architectūra, definida como el
“arte de proyectar y construir edificios”.
Así, sin más, en dos fases consecutivas, proyectar y construir; lo que la convierte inmediatamente en un acto cuasi indivisible. Un arte, pues así lo dice, compuesto por dos partes con una finalidad, construir, pero que une a una fase previa, proyectar.
Louis Kahn, que tanto juego da en esto de hablar de arquitectura, decía en su ya famosa conferencia en el Politécnico de Milán de 1967, una de sus famosas sentencias:
“Ante todo debo decir que la arquitectura no existe, existe la obra de arquitectura”.
Hasta aquí la cosa parece clara, compliquémosla un poco.
“El arquitecto se verá obligado continuamente a ser algo distinto para construir. Habrá de convertirse en sociólogo, político, psicólogo, antropólogo, semiótico… y la situación no cambiará si lo hace trabajando en equipo, es decir, haciendo trabajar con él a todos los profesionales anteriores.
Obligado a descubrir formas que constituyan sistemas de exigencia sobre los cuales no tiene poder; obligado a articular un lenguaje, la arquitectura, que siempre ha de decir algo distinto de sí mismo (lo que no sucede en la lengua verbal, que a nivel estético puede hablar de sus propias formas; ni en la pintura, que puede pintar sus propias leyes; y menos aún en la música, que solamente organiza relaciones sintácticas internas a su propio sistema), el arquitecto está condenado, por la misma naturaleza de su trabajo, a ser con toda seguridad la única y última figura humanística de la sociedad contemporánea; obligado a pensar la totalidad precisamente en la medida en que es un técnico sectorial, especializado, dedicado a operaciones específicas y no a hacer declaraciones metafísicas.”
Ya en los años setenta escribía Antonio Miranda la situación de la profesión en los siguientes términos:
“La realidad compleja y la cantidad de agentes que intervienen en el proceso de producción de la arquitectura, y sobre todo, la indiscriminada y masiva banalización de los códigos arquitectónicos para su incorporación a la economía de mercado, han obligado a la mayoría de arquitectos a prescindir de su endogámica capacidad creativa, para convertirse en piezas mecánicamente estereotipadas del engranaje productivo.”
Poco parece haber cambiado.
Desde ese punto de vista somos un agente necesario para la sociedad, ésta nos confía la ideación y construcción de las, otra vez en palabras de Kahn, instituciones del hombre que conforman el hábitat construido del hombre.
El panorama parece cuando menos de mutua dependencia, pero desgraciada o afortunadamente la ecuación no es tan sencilla y son muchos los condicionantes que se interponen en tan aparentemente clara relación. Una relación que es cada vez más distante y más difusa. Una relación difícil en la que creemos partir de una posición de ventaja desde nuestra exclusiva atribución. Quizás por ello se nos ha llegado a ver como un mal necesario a menudo incómodo.
Esta sensación heredada de momentos pasados de la profesión hoy no es real; la sociedad demanda hoy otro tipo de relación más participativa y las iniciativas colectivas surgen mostrándonos otra manera de ejercer y entender la profesión. Todo ello quizás debido a las circunstancias socio-económicas actuales, o a una evolución de la profesión que ha agotado el modelo actual de trabajo y nuestra relación con él.
El aparente e inevitable ensimismamiento que nuestra profesión parece que propicia, debido a la especial naturaleza de su arte, de su praxis, o a un modelo determinado de docencia que los planes de estudio de nuestras escuelas continúan aplicando sin evolución, y a los que la reciente implantación del plan Bolonia no creo que mejore, y ojalá me equivoque por la parte que me toca2; ha hecho que tardemos en reconocer que ciertas relaciones han cambiado y que se demandan otros modelos de actuación. Nuevos modos de relación con una sociedad que avanza rápida cada vez más concienciada socialmente y mejor educada en nuevas necesidades y de la que surgen, o resurgen, nuevos y distintos modelos de relaciones sociales y urbanas.
Las cada vez más inevitables e indispensables redes sociales, con sus relaciones virtuales, no han hecho sino aflorar y acrecentar esas relaciones que, de vuelta a la calle, a la realidad, han cristalizado todos esos anhelos en nuevas acciones.
Los sistemas complejos, y la sociedad lo es, evolucionan por medio de sus propias crisis, está en su propia naturaleza; se necesitan revulsivos y hartazgos, o empachos como el que hemos pasado, para ayudar a ver las cosas de otra manera. Como decía Lampedusa por boca del Gatopardo,
“si queremos que todo siga como está, es necesario que todo cambie”.
Las activas y cada vez más generalizadas acciones colectivas no se derivan sólo de la falta de encargos, sino que son consecuencia de una nueva sensibilidad social hacia los temas urbanos, de nuevos usos de la ciudad y sus espacios, y de inquietudes sobre el estado de nuestra profesión. Y quiero pensar que esto no es debido exclusivamente al enrarecimiento de los encargos sino que es fruto de una nueva inquietud acerca de un modelo de profesión que necesita y quiere repensarse.
Por otro lado las iniciativas de carácter urbano, con la rehabilitación de usos y espacios, surgen como si nos hubiéramos dado cuenta ahora de que la ciudad es realmente nuestra; en la que han de insertarse nuevos espacios y repensar los existentes para que acojan todas estas iniciativas. Bienvenidas sean todas aquellas que ayuden a rehabilitar y regenerar tanto mentes como espacios.
Hemos sido actores y espectadores a partes iguales de una creciente vulgarización y un inexorable empobrecimiento de nuestro trabajo. Hemos participado, por acción o por omisión, en la degradación de nuestras condiciones de trabajo y por extensión de los resultados del mismo. Hemos admitido premisas inasumibles, condiciones, plazos, honorarios, etc. por parte de los agentes encargantes, públicos o privados, con los que difícilmente se puede realizar lo que todos entendemos que debe ser un buen trabajo de arquitectura. Esto ha pasado y hemos entradoa la fuerza en un juego en el que todo se ha banalizado, relativizado y degradado.
Esa banalización es la que no instruye a una sociedad, y la que la hace confundir arquitectura, el trabajo de arquitectura del que Kahn nos hablaba, con otros fines. Al final todo se simplifica y se confunde.
Reclamamos por todo ello una autocrítica del estado de la profesión.
El desconcierto y la desazón de las circunstancias actuales quizás nos brinden un buen momento para reestructurarnos como colectivo. Quizás no vendría mal un poco de corporativismo saludable que nos una y nos dote de una voz más coherente y conjunta, que aprenda a transmitir y conectar.
Tenemos en estos momentos una de las generaciones de arquitectos mejor preparados, más capacitados y con más medios que nunca. Nuestra arquitectura es ejemplo y nuestros arquitectos solicitados. Es un capital que no se puede desperdiciar, desaprovechar o degradar.
De todas las crisis se sale y se suele salir reforzado, mientras tanto preparemos el camino.
Alguien dijo que es en los comienzos cuando las cosas deben quedar bien establecidas. Conviene recordar los inicios de determinadas situaciones para ver más clara su trayectoria, con sus errores y aciertos, y ver su final o las soluciones para su arreglo.
“Me encantan los comienzos. Me maravillan los comienzos. Creo que es el comienzo lo que confirma la continuación. Siento veneración por el aprendizaje porque es una inspiración fundamental; no es sólo algo que tiene que ver con la obligación, sino que nace dentro de nosotros. La voluntad de aprender, el deseo de aprender, es una de las más importantes inspiraciones”.
El trabajo de arquitectura es un hecho compacto que fusiona proyecto y obra. El proyecto es una fase fundamental que no se inicia con el encargo, con el programa o con el lugar; es una fase previa a todo que lleva implícita tanto una actitud como unos conocimientos. Empieza el día en que empezamos a mirar las cosas de otra manera.
Un proyecto es un proceso y eso es en lo que estamos. Un proceso constante de regeneración. Un proceso tan completo como complejo. Hay tantas arquitecturas como arquitectos y definir una única arquitectura es una tarea fútil y estéril. Hablar de arquitectura es adentrarse en un quehacer, en una profesión que es tanto un modo de ver las cosas como un modo de hacer las cosas. Hace falta una ética del trabajo.
Un proyecto de arquitectura es, inevitablemente, un proceso personal, diríamos que íntimo, en el que se dan cita todas aquellas cosas que con el tiempo se van adquiriendo. Toda creación es un acto de intimidad, es un acto solitario, individual, cualquier acto de creación, cualquier acto de comprensión lo es. Todo sentimiento es individual.
Se trata de la búsqueda de una nueva aproximación a la arquitectura, y por extensión de la profesión, en respuesta a las dificultades, la degradación y la manipulación de la escena arquitectónica actual. Se trata de operar a nivel emocional frente a arquitecturas que operan en el campo meramente material, o directamente vacías de contenido; arquitecturas que no dicen nada frente a aquellas en las que la emoción de su creación expone su realidad. La emoción de la arquitectura.
Jorge Meijide . Arquitecto
Coruña. Noviembre 2017
Notas:
1 La estructura ausente. Introducción a la semiótica, Umberto Eco, 1968.
2 Cinco años han pasado desde que esto se escribió y a día de hoy he de constatar que, tristemente, las cosas en este campo no han mejorado ni tienen visos de mejorar.
Texto para las Jornadas del Laboratorio de Ideas celebradas en la sede del Colegio de Arquitectos de Vigo en junio de 2012, revisado en noviembre de 2017.
Arrasada por los bombardeos durante la Guerra de Corea, Pyongyang fue completamente reconstruida en 1953 siguiendo el criterio del fundador de la nación, Kim Il-sung. Diseñada como un escenario imponente, es un lugar de grandes bulevares axiales que conectan grandiosos monumentos de inconfundible sabor norcoreano,
“nacionales en la forma y socialistas en el contenido”.
Con el actual líder, Kim Jong-un, la construcción se ha acelerado.
“Convirtamos toda la nación en un país de cuento de hadas socialista”,
proclama uno de sus lemas patrióticos oficiales. Así, Pyongyang se está transformando rápidamente en el decorado de una ilusión de prosperidad donde la arquitectura es un anestésico que insensibiliza a la población ante la cruda realidad del régimen autoritario.
El periodista y fotógrafo de The Guardian, Oliver Wainwright nos ofrece un revelador recorrido por diferentes espacios de acceso restringido del Estado más hermético del mundo para descubrirnos que detrás de las grandes fachadas de piedra se esconde un suntuoso país de las maravillas hecho de mármol, mosaicos, artesonados y lámparas de araña, así como nuevos interiores decorados con una paleta de colores luminosos. Descubra las lujosas salas de lectura del Gran Palacio de Estudios del Pueblo y asómese a los vestuarios del recientemente renovado estadio Rungrado Primero de Mayo, donde todo está a punto para albergar una Copa Mundial de la FIFA que nunca llegará.
“Kim [Jong-un] va en serio cuando habla de convertir su reino ermitaño en un mundo fantástico y kitsch de colores pastel”.
Oliver Wainwright
Esta colección presenta alrededor de 200 fotografías acompañadas de reveladoras explicaciones, así como un ensayo introductorio en el que Wainwright relata la historia y el desarrollo de Pyongyang, analiza cómo la arquitectura y los interiores representan la ideología nacional juche y se plantea qué le deparará el futuro a las ambiciones arquitectónicas de este enigmático país.
[:gl]
Arrasada polos bombardeos durante a Guerra de Corea, Pyongyang foi completamente reconstruída en 1953 seguindo o criterio do fundador da nación, Kim Il- sung. Deseñada como un escenario impoñente, é un lugar de grandes bulevares axiales que conectan grandiosos monumentos de inconfundible sabor norcoreano,
“nacionais na forma e socialistas no contido”.
Co actual líder, Kim Jong-un, a construción acelerouse.
“Convertamos toda a nación nun país de conto de fadas socialista”,
proclama un das súas lemas patrióticos oficiais. Así, Pyongyang está a transformarse rapidamente no decorado dunha ilusión de prosperidade onde a arquitectura é un anestésico que insensibiliza á poboación ante a crúa realidade do réxime autoritario.
O xornalista e fotógrafo de The Guardian, Oliver Wainwright ofrécenos un revelador percorrido por diferentes espazos de acceso restrinxido do Estado máis hermético do mundo para descubrirnos que detrás das grandes fachadas de pedra escóndese un suntuoso país das marabillas feito de mármore, mosaicos, artesonados e lámpadas de araña, así como novos interiores decorados cunha paleta de cores luminosas. Descubra as luxosas salas de lectura do Gran Palacio de Estudos do Pobo e asómese aos vestiarios do recentemente renovado estadio Rungrado Primeiro de Maio, onde todo está a punto para albergar unha Copa Mundial da FIFA que nunca chegará.
“Kim [ Jong-un] vai en serio cando fala de converter o seu reino ermitán nun mundo fantástico e kitsch de cores pastel”.
Oliver Wainwright
Esta colección presenta ao redor de 200 fotografías acompañadas de reveladoras explicacións, así como un ensaio introductorio no que Wainwright relata a historia e o desenvolvemento de Pyongyang, analiza como a arquitectura e os interiores representan a ideoloxía nacional juche e exponse que lle deparará o futuro ás ambicións arquitectónicas deste enigmático país.
[:en]
Erased by bombing during the Korean War, North Korea’s trophy capital of Pyongyang was entirely rebuilt from scratch from 1953, in line with the vision of the nation’s founder, Kim Il Sung. Designed as an imposing stage set, it is a place of grand axial boulevards linking gargantuan monuments, lined with stately piles of distinctly Korean flavor, to be
“national in form and socialist in content.”
Under the present leader, Kim Jong Un, construction has ramped up apace—
“Let us turn the whole country into a socialist fairyland,”
declares one of his official patriotic slogans. He is rapidly transforming Pyongyang into a playground, conjuring a flimsy fantasy of prosperity and using architecture as a powerful anesthetic, numbing the population from the stark reality of his authoritarian regime.
Guardian journalist and photographer Oliver Wainwright takes us on an eye-opening tour behind closed doors in the most secretive country in the world, revealing that past the grand stone façades lie lavish wonder-worlds of marble and mosaic, coffered ceilings, and crystal chandeliers, along with new interiors in dazzling color palettes. Discover the palatial reading rooms of the Grand People’s Study House, and peer inside the locker rooms of the recently renovated Rungrado May Day Stadium, ready to host a FIFA World Cup that will never come.
“Kim [Jong-un] is serious when he talks about turning his hermit kingdom into a fantastic world and pastel kitsch kitsch”.
Oliver Wainwright
This collection features about 200 photographs with insightful captions, as well as an introductory essay where Wainwright charts the history and development of Pyongyang, explaining how the architecture and interiors embody the national “Juche” ideology and questioning what the future holds for the architectural ambitions of this enigmatic country.
El hombre puede ser de un lugar, estar en un lugar, o pertenecer a él. Se puede vivir en un sitio, habitar o morar. Algunas diferencias entre términos son claras; otras, más sutiles; y en las leves particularidades entre ellas se encuentra la manera que uno tiene de relacionarse con el territorio que lo sostiene y el espacio que lo abriga.
«Se ha usado la palabra morar para indicar la relación total entre el hombre y el lugar. Para entender totalmente lo que la palabra morar implica, es útil retornar a la distinción entre ‘espacio’ y ‘carácter’. Cuando el hombre mora, él está simultáneamente localizado en un espacio y expuesto a un cierto carácter del ambiente»,
escribía Christian Norberg–Schulz en su texto «Aproximación a una Fenomenología de la Arquitectura«, tratando de crear una teoría arquitectónica entorno al genius loci que hoy forma parte de todo intento de acercamiento al paisaje, desde que hace tres siglos un poeta recitara la necesidad de tener en cuenta la naturaleza y el contexto en toda obra de paisajismo, extrapolando así a la mítica deidad romana protectora del lugar al plano del diseño y la creación.
Sin embargo, el concepto es en muchas ocasiones obtusamente interpretado, considerando ese lugar esencialmente desde la estética, lo inalterado o la belleza poética de donde se pueden leer de manera palpable ese «espacio» y «carácter» de los que hablaba Norberg-Schulz. Pero qué ocurre entonces con aquellos entornos que ha sufrido grandes transformaciones en el tiempo, esos territorios en los que a la topografía natural se le superpone la antropizada, y sobre ésta el tul de un crecimiento urbanístico que opaca la lectura del territorio… qué ocurre con el genius loci cuando la identidad edificada de un lugar ha sido transformada, sin haber definido claramente una nueva todavía.
Como un faro guía, el proyecto «Casa Tino» en Sagunto, del estudio valenciano EMAC, se convierte en el ejemplo perfecto de estos conceptos antropológicos en la intervención arquitectónica. La vivienda se sitúa en la playa de Almardá, una extensa franja litoral de casi 2km dentro del término municipal que comenzó a ocuparse en los años 60 por pescadores, así como por saguntinos y turistas extranjeros que se construyeron segundas residencias con fuerte presencia de los espacios privados exteriores. La Almardá aún conserva su aspecto virgen, pero con el paso del tiempo el entorno construido ha sufrido una profunda alteración, proliferando pretenciosas viviendas familiares que contrastan con el paisaje dunar de una playa que aún no se puede considerar urbana.
Los límites entre lo rural y lo urbano son borrosos, y en su categorización siempre hay grises; más aún si hablamos en concreto del Mediterráneo, donde la metropolización o la reurbanización, con su ocupación difusa del espacio, tienen tanta potencia como la identidad y el imaginario de lo mediterráneo per se, haciendo que el contraste rural-urbano o popular-contemporáneo sea tan potente como confuso.
Marcado por este contexto, que no es sólo una construcción física sino también mental, la vivienda nada entre dualidades, proyectada de manera desapercibida, acotada por una tapia periférica, pero con fuerte presencia del espacio exterior. La casa de una sola planta que apenas supera la altura de la permeable tapia de bloque de hormigón, se rodea de este modo de un sencillo jardín que
«la envuelven y protegen de miradas, donde se recupera la relación con el paisaje, donde se vive la vida al aire libre», explican los arquitectos.
Dentro de este perímetro, la casa se conforma como dos piezas independientes pero articuladas, cada una de ellas con su propio acceso desde la calle a través de un pequeño patio frontal en sendos extremos poniente y levante, en los que se sitúa un banco y una jacaranda que le da sombra. La primera pieza funcionará como una vivienda, contando con los usos principales (dormitorio, baño, cocina, salón), mientras que la segunda acoge los dormitorios y baños para los hijos y nietos del propietario durante las temporadas de visita y vacaciones.
Y es que
«El Mediterráneo es también la familia. Es la familia grande, la familia extensa. Es la familia-clan. Es la familia soporte y apoyo. […] Esta estructura familiar contribuirá, con mucho, a dar forma a los espacios habitables, pero también a la relación espacial entre ellos e incluso entre estos espacios y la calle. El hombre mediterráneo habita en general su casa».1
Las dos piezas se dan la mano a través de un patio central, y principal al que abre el salón-comedor de la vivienda principal, extendiendo sus dimensiones y percepción. El patio se convierte en médula del organismo de la casa, atrayendo toda la atención hacia sí.
«Más allá de sus valores técnicos vinculados al uso, a la iluminación y la ventilación de la casa o a su capacidad para generar un orden a las diferentes estancias, el patio aporta valores sustanciales, perceptivos y emocionales, que permiten cualificar el espacio doméstico».2
Una galería, en unos tramos interior y en otros exterior, atraviesa ambas piezas de manera transversal, conectándolas de nuevo y al mismo tiempo dividiendo cada una de ellas de nuevo en dos, según usos más nocturnos (al norte), o más diurnos en mayor relación con el patio principal. La planta, en forma de H ofrece numerosos rincones, conexiones, escondites, sombras, luces, en una promenade architecturale rica pero perfectamente organizada.
Los espacios exteriores gradan además la incidencia solar, regulan las necesidades de ventilación y de relación de la vivienda con su complementario exterior: numerosos paneles correderos con tamiz de caña transforman el espacio, abriendo y cerrando las cajas, y contrastando con los muros (unos ciegos y otros no) de bloque gris de hormigón. Del mismo modo, los pavimentos, gris duro de cemento o blando de grava, dividen, transforman, alteran la disposición exterior.
La estructura familiar construye físicamente el espacio, marcado por un genius loci mediterráneo que comienza por la búsqueda de intimidad y tamización de las visuales con la calle, así como por la instintiva necesidad de la relación con el verde de sus plantas, el azul de su cielo, y su blanca luminosidad.
«La vivienda recupera el patio mediterráneo como generador de vida y organizador de funciones. Todas las estancias principales miran a levante y tienen continuidad en el exterior mediante patios con distintos grados de intimidad»;
es en efecto una magistral interpretación de esta tipología popular de espacio doméstico, sí; pero también es una relectura de numerosas obras de la arquitectura moderna, desde Le Corbusier y Mies, hasta José Luis Sert.
La Casa Tino es una casa patio; pero también es un pabellón. Dos principios ampliamente explorados por la arquitectura moderna, que podríamos ver como opuestos, y que sin embargo en este proyecto adquieren todo el sentido en su disolución. Es patio, buscando la introversión y abriéndose hacia el cielo, un gesto cenital que edifica la arquitectura alrededor de él, se deja abrazar por ella. Es pabellón, una arquitectura de piezas ligeras que instan a recorrer de forma centrífuga el espacio exterior alrededor de ellas, que otea el horizonte y transpira por toda su piel.3
«El pabellón como espacio irradiante, abierto por sus cuatro costados, no puede presentarse de modo descarnado y exponerse al mundo sin ninguna mediación, sino que debe amortiguar su contacto directo con el exterior a través de un muro que define una marca y una acotación del espacio. Pero este recinto habrá de ser parcial para no poner en entredicho la voluntad de la pieza de proyectarse al exterior y confrontarse con la visión del horizonte como intentos de formular el principio del pabellón con la máxima radicalidad que, paradójicamente, dan lugar a la aparición del recinto y, por lo tanto del patio, como elemento capaz de reequilibrar la situación».4
La Casa Tino es una casa popular; pero también moderna. Es bien sabido que la modernidad asentada buscó de forma recurrente en la arquitectura popular el vínculo con el carácter propio, así como respuestas a conceptos que inicialmente se habían marginado, como el lugar y la memoria. El lazo de la contemporaneidad es en este proyecto la especial interpretación que hace del lugar, entendida tanto desde parámetros físicos de lo construido, como desde la psicología del territorio.
EMAC en este proyecto define lo doméstico con la herramienta de la arquitectura y el lenguaje de la poesía. Quienes moran en este nuevo hogar pueden entender en esos espacios y ese carácter, la historia de su familia, de su calle, de su pueblo y del Mediterráneo, pueden leer al tiempo un proyecto radicalmente contemporáneo que nunca renunció a comprender las entrañas del lugar, donde hoy sin lugar a dudas, un pequeño genius protege el hogar.
O home pode ser dun lugar, estar nun lugar, ou pertencer a el. Pódese vivir nun sitio, habitar ou morar. Algunhas diferenzas entre termos son claras; outras, máis sutís; e nas leves particularidades entre elas atópase a maneira que un ten de relacionarse co territorio que o sostén e o espazo que o abriga.
«Usouse a palabra morar para indicar a relación total entre o home e o lugar. Para entender totalmente o que a palabra morar implica, é útil retornar á distinción entre ‘espazo’ e ‘carácter’. Cando o home moura, el está simultaneamente localizado nun espazo e exposto a un certo carácter do ambiente»,
escribía Christian Norberg– Schulz no seu texto «Aproximación a unha Fenomenología da Arquitectura«, tratando de crear unha teoría arquitectónica contorna ao xenius loci que hoxe forma parte de todo intento de achegamento á paisaxe, desde que fai tres séculos un poeta recitase a necesidade de ter en conta a natureza e o contexto en toda obra de paisajismo, extrapolando así á mítica deidade romana protectora do lugar ao plano do deseño e a creación.
Con todo, o concepto é en moitas ocasións obtusamente interpretado, considerando ese lugar esencialmente desde a estética, o inalterado ou a beleza poética de onde se poden ler de maneira palpable ese «espazo» e «carácter» dos que falaba Norberg- Schulz. Pero que ocorre entón con aquelas contornas que sufriu grandes transformacións no tempo, eses territorios nos que á topografía natural superpónselle a antropizada, e sobre esta o tul dun crecemento urbanístico que opaca a lectura do territorio… que ocorre co xenius loci cando a identidade edificada dun lugar foi transformada, sen definir claramente unha nova aínda.
Como un faro guía, o proxecto «Casa Tino» en Sagunto, do estudo valenciano EMAC, convértese no exemplo perfecto destes conceptos antropolóxicos na intervención arquitectónica. A vivenda sitúase na praia de Almardá, unha extensa franxa litoral de case 2km dentro do termo municipal que comezou a ocuparse nos anos 60 por pescadores, así como por saguntinos e turistas estranxeiros que se construíron segundas residencias con forte presenza dos espazos privados exteriores. A Almardá aínda conserva o seu aspecto virxe, pero co paso do tempo a contorna construída ha sufrida unha profunda alteración, proliferando pretenciosas vivendas familiares que contrastan coa paisaxe dunar dunha praia que aínda non se pode considerar urbana.
Os límites entre o rural e o urbano son borrosos, e no seu categorización sempre hai grises; máis aínda se falamos en concreto do Mediterráneo, onde a metropolización ou a reurbanización, coa súa ocupación difusa do espazo, teñen tanta potencia como a identidade e o imaxinario do mediterráneo per se, facendo que o contraste rural-urbano ou popular-contemporáneo sexa tan potente como confuso.
Marcado por este contexto, que non é só unha construción física senón tamén mental, a vivenda nada entre dualidades, proxectada de maneira desapercibida, coutada por unha tapia periférica, pero con forte presenza do espazo exterior. A casa dunha soa planta que apenas supera a altura da permeable tapia de bloque de formigón, rodéase deste xeito dun sinxelo xardín que
«envólvena e protexen de miradas, onde se recupera a relación coa paisaxe, onde se vive a vida ao aire libre», explican os arquitectos.
Dentro deste perímetro, a casa confórmase como dúas pezas independentes pero articuladas, cada unha delas co seu propio acceso desde a rúa a través dun pequeno patio frontal en #senllos extremos poñente e levante, nos que se sitúa un banco e unha jacaranda que lle dá sombra. A primeira peza funcionará como unha vivenda, contando cos usos principais (dormitorio, baño, cociña, salón), mentres que a segunda acolle os dormitorios e baños para os fillos e netos do propietario durante as tempadas de visita e vacacións.
E é que
«O Mediterráneo é tamén a familia. É a familia grande, a familia extensa. É a familia-clan. É a familia soporte e apoio. […] Esta estrutura familiar contribuirá, con moito, a dar forma aos espazos habitables, pero tamén á relación espacial entre eles e mesmo entre estes espazos e a rúa. O home mediterráneo habita en xeral a súa casa».1
As dúas pezas danse a man a través dun patio central, e principal ao que abre o salón-comedor da vivenda principal, estendendo as súas dimensións e percepción. O patio convértese en medula do organismo da casa, atraendo toda a atención cara a si.
«Máis aló dos seus valores técnicos vinculados ao uso, á iluminación e a ventilación da casa ou á súa capacidade para xerar unha orde ás diferentes estancias, o patio achega valores substanciais, perceptivos e emocionais, que permiten cualificar o espazo doméstico».2
Unha galería, nuns tramos interior e noutros exterior, atravesa ambas as pezas de maneira transversal, conectándoas de novo e ao mesmo tempo dividindo cada unha delas de novo en dous, segundo usos máis nocturnos (ao norte), ou máis diúrnos en maior relación co patio principal. A planta, en forma de H ofrece numerosos recunchos, conexións, agochos, sombras, luces, nunha promenade architecturale rica pero perfectamente organizada.
Os espazos exteriores gradan ademais a incidencia solar, regulan as necesidades de ventilación e de relación da vivenda co seu complementario exterior: numerosos paneis correderos con tamiz de cana transforman o espazo, abrindo e pechando as caixas, e contrastando cos muros (uns cegos e outros non) de bloque gris de formigón. Do mesmo xeito, os pavimentos, gris duro de cemento ou brando de grava, dividen, transforman, alteran a disposición exterior.
A estrutura familiar constrúe fisicamente o espazo, marcado por un xenius loci mediterráneo que comeza pola procura de intimidade e tamización das visuais coa rúa, así como pola instintiva necesidade da relación co verde das súas plantas, o azul do seu ceo, e a súa branca luminosidade.
«A vivenda recupera o patio mediterráneo como xerador de vida e organizador de funcións. Todas as estancias principais miran a levante e teñen continuidade no exterior mediante patios con distintos graos de intimidade»;
é en efecto unha maxistral interpretación desta tipoloxía popular de espazo doméstico, si; pero tamén é unha relectura de numerosas obras da arquitectura moderna, desde Le Corbusier e Mies, ata Xosé Luis Sert.
A Casa Tino é unha casa patio; pero tamén é un pavillón. Dous principios amplamente explorados pola arquitectura moderna, que poderiamos ver como opostos, e que con todo neste proxecto adquiren todo o sentido na súa disolución. É patio, buscando a introversión e abríndose cara ao ceo, un xesto cenital que edifica a arquitectura ao redor del, déixase abrazar por ela. É pavillón, unha arquitectura de pezas lixeiras que instan a percorrer de forma centrífuga o espazo exterior ao redor delas, que otea o horizonte e transpira por toda a súa pel.3
«O pavillón como espazo irradiante, aberto polos seus catro custados, non pode presentarse de modo descarnado e expoñerse ao mundo sen ningunha mediación, senón que debe amortecer o seu contacto directo co exterior a través dun muro que define unha marca e unha anotación do espazo. Pero este recinto haberá de ser parcial para non poñer en dúbida a vontade da peza de proxectarse ao exterior e confrontarse coa visión do horizonte como intentos de formular o principio do pavillón coa máxima radicalidad que, paradoxalmente, dan lugar á aparición do recinto e, por tanto do patio, como elemento capaz de reequilibrar a situación».4
A Casa Tino é unha casa popular; pero tamén moderna. É ben sabido que a modernidade asentada buscou de forma recorrente na arquitectura popular o vínculo co carácter propio, así como respostas a conceptos que inicialmente se habían marxinado, como o lugar e a memoria. O lazo da contemporaneidad é neste proxecto a especial interpretación que fai do lugar, entendida tanto desde parámetros físicos do construído, como desde a psicoloxía do territorio.
EMAC neste proxecto define o doméstico coa ferramenta da arquitectura e a linguaxe da poesía. Quen mora neste novo fogar poden entender neses espazos e ese carácter, a historia da súa familia, da súa rúa, do seu pobo e do Mediterráneo, poden ler ao tempo un proxecto radicalmente contemporáneo que nunca renunciou a comprender as entrañas do lugar, onde hoxe sen dúbida, un pequeno xenius protexe o fogar.
Obra: Casa Tino
Tipo: Vivenda patio aislada
Emprazamento: Praia de Almardá, Sagunto, España
Superficie: 285,55 m2
Ano: 2017
Provedores: Formigón: Empresa subministradora _ Caplansa S. L., Bloque formigón cara vista 19x19x39: Marca _ Fenollar, Empresa subministradora _ Torres Iturregui S. L. Carpintería exterior aluminio: Marca _ Cortizo, Cor Vision corredera rpt, Empresa subministradora _ Cerratosa S. L.
Terrazo 40×40 micrograno branco C2: Empresa fabricación _ Pavi – Navas S. L. Empresa subministradora _ Alberto Tort S. L.
Bambú: Empresa suministradora _ Serpa S.L.
Toldos: Empresa suministradora _ Prestige Courtain
Fotografía: Milena Villalba
Redacción: Ana Asensio + emac-arquitectura.com
El hombre puede ser de un lugar, estar en un lugar, o pertenecer a él. Se puede vivir en un sitio, habitar o morar. Algunas diferencias entre términos son claras; otras, más sutiles; y en las leves particularidades entre ellas se encuentra la manera que uno tiene de relacionarse con el territorio que lo sostiene y el espacio que lo abriga.
«Se ha usado la palabra morar para indicar la relación total entre el hombre y el lugar. Para entender totalmente lo que la palabra morar implica, es útil retornar a la distinción entre ‘espacio’ y ‘carácter’. Cuando el hombre mora, él está simultáneamente localizado en un espacio y expuesto a un cierto carácter del ambiente»,
escribía Christian Norberg–Schulz en su texto «Aproximación a una Fenomenología de la Arquitectura«, tratando de crear una teoría arquitectónica entorno al genius loci que hoy forma parte de todo intento de acercamiento al paisaje, desde que hace tres siglos un poeta recitara la necesidad de tener en cuenta la naturaleza y el contexto en toda obra de paisajismo, extrapolando así a la mítica deidad romana protectora del lugar al plano del diseño y la creación.
Sin embargo, el concepto es en muchas ocasiones obtusamente interpretado, considerando ese lugar esencialmente desde la estética, lo inalterado o la belleza poética de donde se pueden leer de manera palpable ese «espacio» y «carácter» de los que hablaba Norberg-Schulz. Pero qué ocurre entonces con aquellos entornos que ha sufrido grandes transformaciones en el tiempo, esos territorios en los que a la topografía natural se le superpone la antropizada, y sobre ésta el tul de un crecimiento urbanístico que opaca la lectura del territorio… qué ocurre con el genius loci cuando la identidad edificada de un lugar ha sido transformada, sin haber definido claramente una nueva todavía.
Como un faro guía, el proyecto «Casa Tino» en Sagunto, del estudio valenciano EMAC, se convierte en el ejemplo perfecto de estos conceptos antropológicos en la intervención arquitectónica. La vivienda se sitúa en la playa de Almardá, una extensa franja litoral de casi 2km dentro del término municipal que comenzó a ocuparse en los años 60 por pescadores, así como por saguntinos y turistas extranjeros que se construyeron segundas residencias con fuerte presencia de los espacios privados exteriores. La Almardá aún conserva su aspecto virgen, pero con el paso del tiempo el entorno construido ha sufrido una profunda alteración, proliferando pretenciosas viviendas familiares que contrastan con el paisaje dunar de una playa que aún no se puede considerar urbana.
Los límites entre lo rural y lo urbano son borrosos, y en su categorización siempre hay grises; más aún si hablamos en concreto del Mediterráneo, donde la metropolización o la reurbanización, con su ocupación difusa del espacio, tienen tanta potencia como la identidad y el imaginario de lo mediterráneo per se, haciendo que el contraste rural-urbano o popular-contemporáneo sea tan potente como confuso.
Marcado por este contexto, que no es sólo una construcción física sino también mental, la vivienda nada entre dualidades, proyectada de manera desapercibida, acotada por una tapia periférica, pero con fuerte presencia del espacio exterior. La casa de una sola planta que apenas supera la altura de la permeable tapia de bloque de hormigón, se rodea de este modo de un sencillo jardín que
«la envuelven y protegen de miradas, donde se recupera la relación con el paisaje, donde se vive la vida al aire libre», explican los arquitectos.
Dentro de este perímetro, la casa se conforma como dos piezas independientes pero articuladas, cada una de ellas con su propio acceso desde la calle a través de un pequeño patio frontal en sendos extremos poniente y levante, en los que se sitúa un banco y una jacaranda que le da sombra. La primera pieza funcionará como una vivienda, contando con los usos principales (dormitorio, baño, cocina, salón), mientras que la segunda acoge los dormitorios y baños para los hijos y nietos del propietario durante las temporadas de visita y vacaciones.
Y es que
«El Mediterráneo es también la familia. Es la familia grande, la familia extensa. Es la familia-clan. Es la familia soporte y apoyo. […] Esta estructura familiar contribuirá, con mucho, a dar forma a los espacios habitables, pero también a la relación espacial entre ellos e incluso entre estos espacios y la calle. El hombre mediterráneo habita en general su casa».1
Las dos piezas se dan la mano a través de un patio central, y principal al que abre el salón-comedor de la vivienda principal, extendiendo sus dimensiones y percepción. El patio se convierte en médula del organismo de la casa, atrayendo toda la atención hacia sí.
«Más allá de sus valores técnicos vinculados al uso, a la iluminación y la ventilación de la casa o a su capacidad para generar un orden a las diferentes estancias, el patio aporta valores sustanciales, perceptivos y emocionales, que permiten cualificar el espacio doméstico».2
Una galería, en unos tramos interior y en otros exterior, atraviesa ambas piezas de manera transversal, conectándolas de nuevo y al mismo tiempo dividiendo cada una de ellas de nuevo en dos, según usos más nocturnos (al norte), o más diurnos en mayor relación con el patio principal. La planta, en forma de H ofrece numerosos rincones, conexiones, escondites, sombras, luces, en una promenade architecturale rica pero perfectamente organizada.
Los espacios exteriores gradan además la incidencia solar, regulan las necesidades de ventilación y de relación de la vivienda con su complementario exterior: numerosos paneles correderos con tamiz de caña transforman el espacio, abriendo y cerrando las cajas, y contrastando con los muros (unos ciegos y otros no) de bloque gris de hormigón. Del mismo modo, los pavimentos, gris duro de cemento o blando de grava, dividen, transforman, alteran la disposición exterior.
La estructura familiar construye físicamente el espacio, marcado por un genius loci mediterráneo que comienza por la búsqueda de intimidad y tamización de las visuales con la calle, así como por la instintiva necesidad de la relación con el verde de sus plantas, el azul de su cielo, y su blanca luminosidad.
«La vivienda recupera el patio mediterráneo como generador de vida y organizador de funciones. Todas las estancias principales miran a levante y tienen continuidad en el exterior mediante patios con distintos grados de intimidad»;
es en efecto una magistral interpretación de esta tipología popular de espacio doméstico, sí; pero también es una relectura de numerosas obras de la arquitectura moderna, desde Le Corbusier y Mies, hasta José Luis Sert.
La Casa Tino es una casa patio; pero también es un pabellón. Dos principios ampliamente explorados por la arquitectura moderna, que podríamos ver como opuestos, y que sin embargo en este proyecto adquieren todo el sentido en su disolución. Es patio, buscando la introversión y abriéndose hacia el cielo, un gesto cenital que edifica la arquitectura alrededor de él, se deja abrazar por ella. Es pabellón, una arquitectura de piezas ligeras que instan a recorrer de forma centrífuga el espacio exterior alrededor de ellas, que otea el horizonte y transpira por toda su piel.3
«El pabellón como espacio irradiante, abierto por sus cuatro costados, no puede presentarse de modo descarnado y exponerse al mundo sin ninguna mediación, sino que debe amortiguar su contacto directo con el exterior a través de un muro que define una marca y una acotación del espacio. Pero este recinto habrá de ser parcial para no poner en entredicho la voluntad de la pieza de proyectarse al exterior y confrontarse con la visión del horizonte como intentos de formular el principio del pabellón con la máxima radicalidad que, paradójicamente, dan lugar a la aparición del recinto y, por lo tanto del patio, como elemento capaz de reequilibrar la situación».4
La Casa Tino es una casa popular; pero también moderna. Es bien sabido que la modernidad asentada buscó de forma recurrente en la arquitectura popular el vínculo con el carácter propio, así como respuestas a conceptos que inicialmente se habían marginado, como el lugar y la memoria. El lazo de la contemporaneidad es en este proyecto la especial interpretación que hace del lugar, entendida tanto desde parámetros físicos de lo construido, como desde la psicología del territorio.
EMAC en este proyecto define lo doméstico con la herramienta de la arquitectura y el lenguaje de la poesía. Quienes moran en este nuevo hogar pueden entender en esos espacios y ese carácter, la historia de su familia, de su calle, de su pueblo y del Mediterráneo, pueden leer al tiempo un proyecto radicalmente contemporáneo que nunca renunció a comprender las entrañas del lugar, donde hoy sin lugar a dudas, un pequeño genius protege el hogar.
Además del retrato del día a día del ejercicio profesional de Germán Samper y de las actividades relacionadas con este ejercicio como su registro y estudio permanente de los lugares que visita a través del dibujo y como conferencista y profesor, el documental recoge el relato del propio Germán Samper de los momentos más sobresalientes de su vida profesional en los más de sesenta años de trayectoria en el oficio, contados de manera sencilla y espontánea a la vez que ofrece al espectador un recorrido por algunos de sus proyectos más destacados.
El documental registra su interés por la construcción de ciudades y muestra las ideas más importantes detrás de los proyectos. Acompaña este recuento una serie de entrevistas a arquitectos de distintas generaciones, profesionales del gremio y académicos que subrayan aspectos destacados de su actividad profesional acompañados de testimonios de los residentes de algunos de sus proyectos de vivienda. Su vida familiar y su gran afición a la música son también protagonistas.
Realizado por su hija menor, el documental muestra las distintas facetas de una vida dedicada al ejercicio de la arquitectura, un ejercicio realizado con gran vitalidad, de manera continua y permanente, en la que siempre hay espacio para aprender. Enriquecido gráficamente con sus dibujos, que han sido parte fundamental de su formación como arquitecto, pensador y diseñador de espacios, este documental rescata para la memoria su papel como actor fundamental en el desarrollo de la arquitectura moderna colombiana.
DOCUMENTAL
Germán Samper: El Camino de un arquitecto.
Dirección: Carlos Mario Urrea.
Producción: Catalina Samper.[:gl]https://vimeo.com/233667177
Ademais do retrato do día a día do exercicio profesional de Germán Samper e das actividades relacionadas con este exercicio como o seu rexistro e estudo permanente dos lugares que visita a través do debuxo e como conferencista e profesor, o documental recolle o relato do propio Germán Samper dos momentos máis sobresalientes da súa vida profesional nos máis de sesenta anos de traxectoria no oficio, contados de maneira sinxela e espontánea á vez que ofrece ao espectador un percorrido por algúns dos seus proxectos máis destacados.
O documental rexistra o seu interese pola construción de cidades e mostra as ideas máis importantes detrás dos proxectos. Acompaña este reconto unha serie de entrevistas a arquitectos de distintas xeracións, profesionais do gremio e académicos que subliñan aspectos destacados da súa actividade profesional acompañados de testemuños dos residentes dalgúns dos seus proxectos de vivenda. A súa vida familiar e a súa gran afección á música son tamén protagonistas.
Realizado pola súa filla menor, o documental mostra as distintas facetas dunha vida dedicada ao exercicio da arquitectura, un exercicio realizado con gran vitalidade, de maneira continua e permanente, na que sempre hai espazo para aprender. Enriquecido gráficamente cos seus debuxos, que foron parte fundamental da súa formación como arquitecto, pensador e deseñador de espazos, este documental rescata para a memoria o seu papel como actor fundamental no desenvolvemento da arquitectura moderna colombiana.
DOCUMENTAL
Germán Samper: O Camiño dun arquitecto.
Dirección: Carlos Mario Urrea.
Produción: Catalina Samper.
[:en]https://vimeo.com/233667177
In addition to Germán Samper‘s day-to-day portrait of the professional practice and the activities related to this exercise as his permanent record and study of the places he visits through the drawing and as a lecturer and professor, the documentary includes the story of himself Germán Samper of the most outstanding moments of his professional life in more than sixty years of career in the trade, told in a simple and spontaneous way while offering the viewer a tour of some of his most outstanding projects.
The documentary records his interest in the construction of cities and shows the most important ideas behind the projects. Accompanying this recount is a series of interviews with architects of different generations, professionals of the guild and academics who highlight outstanding aspects of their professional activity accompanied by testimonies of the residents of some of their housing projects. His family life and his great fondness for music are also protagonists.
Made by his youngest daughter, the documentary shows the different facets of a life dedicated to the exercise of architecture, an exercise performed with great vitality, continuously and permanently, in which there is always room to learn. Enriched graphically with his drawings, which have been a fundamental part of his training as an architect, thinker and designer of spaces, this documentary rescues for memory his role as a fundamental actor in the development of modern Colombian architecture.
DOCUMENTARY FILM
Germán Samper: The Path of an architect.
Direction: Carlos Mario Urrea.
Production: Catalina Samper.[:]
En los primeros años del siglo XX, Henry Ford hablaba de la racionalidad del proceso productivo y justificaba la extrema proximidad de sus máquinas en la nave de producción -mayor que la de cualquier otra empresa en el mundo-, porque una separación innecesaria de sólo seis pulgadas acababa cargando costes extras a los consumidores.
El fordismo engordó el consumo de Occidente e inundó el mercado de productos en serie, cebando un cuerpo que fue aumentando de volumen hasta la crisis del petróleo de los años setenta.
A mediados del siglo pasado, la empresa de automóviles Toyota1 ideó la producción ajustada, lean production -el término lean en inglés tiene también el significado de menguante, de enjuto, de la carne magra del cuerpo con ausencia de grasa. El modelo fordista sufrió entonces el primer ajuste, basado en el pensamiento a largo plazo.
El acuerdo consistía en eliminar todo lo que sobraba, -el esfuerzo innecesario y el derroche- y respetar, motivar y engrandecer al personal y a los clientes porque con ello crecía la empresa. El asunto era no quedar nunca conforme con el producto y pensar en mejoras y aprendizajes continuos. La forma oriental de entender la vida se introdujo de este modo, como una dieta de adelgazamiento a base de algas y arroz, en las fábricas y empresas de Occidente.
Esta visión, que lleva más de dos décadas siendo indiscutible en la industria automovilística, no está integrada todavía dentro del sistema de valores de los ejecutores materiales implicados en la construcción de viviendas. Lo que sí está comúnmente aceptado es el concepto general de que la industria es más eficiente que la edificación.
Si después del fordismo se impuso la producción ajustada y menguante, ahora lo que está cambiando es el concepto. Toyota se ha propuesto ser la primera empresa en sacar al mercado el coche enchufable y ha adelantado un año sus previsiones. Esto quiere decir que pretende, de manera generalizada, acelerar el cambio del sistema de obtención de energía motriz en un vehículo, que ha sido de combustión desde el inicio de los tiempos, y pasar el relevo a una batería recargable de iones de litio.
No es un cambio baladí, sino sustancial. Es una transformación que ya está en marcha y que va a obligar a fabricar, tanto automóviles como viviendas, de otra manera.
Javier Mozas, arquitecto, a+t research group
Vitoria-Gasteiz, junio 2009
El proyecto «A 100 Chairs in 100 days» del diseñador italiano Martino Gamper incide en la idea de la fabricación de objetos únicos a partir de otros preexistentes y desechados. El proyecto consiste en la construcción de 100 sillas en un período de tiempo limitado a 100 días con los restos de otras recogidas durante años en las calles de Londres.
La construcción de estos elementos implica un analisis exhaustivo de las preexistentes con el fin de verificar diversas cuestiones prácticas como la resistencia de elementos, dispuestos en un orden contrario a la función para la que fueron diseñadas originalmente.
Pero también incide en aspectos más polémicos como la abdicación del respeto por los diseños originales y la confrontación de diversos arquetipos en una única pieza, en algunos casos con valores culturales y económicos muy divergentes; y ofrece un viaje singular por las resonancias del diseño contemporáneo a través del tiempo.
Diseñadores de otras disciplinas han trabajado con la idea de la reutilización de elementos de desecho: Aleksander Brodsky fabrica su Pabellón para la ceremonia del vodka con una colección de ventanas procedentes de derribos a las que recubre con un manto de pintura blanca para ofrecer diversos grados de transparencia, una sensación heladora muy acorde con la función del pabellón y una obra sublime.
Maison Martin Margiela
Martin Margiela fabrica su colección de ropa denominada «Artisanal» mediante la adición de elementos procedentes del desarmado de otras piezas de vestuario y calzado; algunas de las prendas conservan la función original, en otras se modifica por la adición de pequeños elementos repetidos.
Piet Hein Eek en su colección Sloophout trabaja con una idea similar. En este caso las piezas de mobiliario son diseños originales, pero en su construcción se utilizan maderas recicladas con sus pinturas y barnices originales.
Piet Hein Eek
Xosé Suárez, arquitecto
Santiago de Compostela, octubre 2010 Publicado en Nº 313 [sillas…]
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Constantemente intento mirar la arquitectura desde fuera de la burbuja de su conocimiento. Desde ahí se ve un común dilema entre cómo quiere vivir la gente y cómo se quiere proyectar arquitectura. Y en ese debate, unos reprochan falta de interés general por la cultura arquitectura (la cultura que nos cobija); otros achacan tener que justificar cómo quieren vivir o qué gustos tienen que tener. En medio de esa encrucijada, siempre se alza una voz que dice que la arquitectura se expresa en un lenguaje que no facilita nada esa comunicación.
Lo que está claro es que la arquitectura tiene que hacer feliz a quien la habita, y además, tiene una responsabilidad con su tiempo. Es parte del buen proyectar el ser capaces de entender las ilusiones de las personas, y estar a la altura de ellas, ya que un hogar no sólo es la mayor inversión en la vida de alguien, sino la materialización de sus sueños de infancia.
«Cuando sea mayor, quiero vivir así».
Y será tarea de los arquitectos ser magos de llevar eso al plano físico, acompañados por todo su conocimiento. Los mejores hogares de la historia de la arquitectura han tenido a un gran cliente al lado. El proyecto de reforma del Ático C47 por parte del estudio valenciano El Tejado Azul es un perfecto ejemplo de cómo ese equilibrio existe y define una buena labor de arquitectura. Este buen ejercicio de proyectación, con una fina y cuidada ejecución material en sus 100m2, se ubica en barrio de Ruzafa, en el Ensanche de la ciudad de Valencia.
La reforma comienza por un desmantelamiento casi total del sistema de divisiones de la anterior casa, creando una tabula rasa en búsqueda de la mayor expresividad y ligereza de espacios. Este momento del proceso, cuando el contenedor se hace patente, cuando se puede entender el vacío tridimensional, inevitablemente influye y altera las preconcepción del proyecto, y las intenciones de los arquitectos junto con las de los clientes toman forma y ocupan el papel en blanco.
En ese proceso de retroceso a lo radical de lo constructivo se retiran del mismo modo cerramientos, como el que rodeaba la terraza (con apariencia más bien de pequeño patinillo), además de la piel del sistema estructural de pilares con vigas descolgadas.
«La condición por parte del cliente fue que los materiales fueran muy expresivos y honestos hasta llegar a su forma casi bruta. Los nuevos materiales son el hierro natural y la madera de pino»,
explica Cristina Cucinella, arquitecta del estudio. A estos nuevos materiales se les suma el hormigón visto, sacado a la luz de la estructura original.
La nueva organización de la vivienda será secuencial, eliminando cualquier posibilidad de espacio residual, reduciendo lo espacial también a su máxima sinceridad: una estancia te lleva a la siguiente, sin pasillos, sin distribuidores, empleando como únicos conectores la luz y la materialidad, y como divisores, la gradación de usos. Esta nueva distribución marcará una clara división entre zona de día y zona de noche a través de un volumen central donde se situarán el estudio y el baño, como una pieza neutra, intermedia. El acceso se hará por la zona de día, directamente y de manera poco habitual, a la cocina. Al final de la casa, en el lugar más tranquilo, los dos dormitorios.
Comenzando el recorrido, la primera sensación es la hegemónica presencia de la cocina; ésta será el corazón de una zona diurna en «L» que abraza a la luminosa terraza, ahora liberada de los muros que la rodeaban, complementada con comedor y salón. No es casual que Quique, uno de sus propietarios, sea cocinero, y que de manera interiorizada haya deseado que la pieza sobre la que graviten los espacios más vivideros sea la potente isla de la cocina y su continuidad en mesa de comedor, mientras que en el ángulo se sitúa la zona de estar. El espacio diurno funciona así como una vivienda patio, que distribuye por su propia geometría en dos partes diferenciadas sin necesidad de divisores, al integrar la terraza existente.
Desde aquí parte un plano continuo de almacenamiento, correspondiente al muro medianero, que atravesará y conectará toda la casa. En la cocina-salón será una estantería de madera de pino; al cruzar la puerta pivotante que separa del volumen central se convertirá en los armarios y espacios trastero. En este centroque hace de charnela, la zona de estudio y baño se neutraliza, mostrándose en un bicromatismo blanco-negro marcado por la materialidad. Grandes planchas correderas de hierro cierran el almacenaje, sobrepasando sus límites y prolongándolos más allá, hasta la estantería de madera en un extremo, y hasta los dormitorios en el otro.
Al fondo, el espacio nocturno se abre al amplio patio de manzana, elemento muy característico del urbanismo del ensanche, inundando de luz los dormitorios. En esta zona de la vivienda se potencian los umbrales, trabajados con volúmenes de madera que dan paso a los vanos: casi como un juego de niños, sendas cajas de madera hacen de «balcón interior», salvando las irregularidades de la planta y creando un habitáculo dentro del habitáculo. El pavimento, también de madera pero de una blancura que potencia la luminosidad de los dormitorios, se orienta siguiendo la línea de la medianera y el recorrido de la luz.
La intervención de El Tejado Azul es sencilla, lógica, sincera. Al mismo tiempo, resuelve las necesidades de sus clientes, y también sus deseos y caprichos. Pero no sólo eso… tiene algo más. Te puedes imaginar abriendo puertas secretas, refugiándote un día de humor raro con un libro en una de sus cajas de madera. Este hogar hace feliz a quien vive allí, se puede encontrar la ilusión de una vida resguardada en sus estancias, y ése es un material que la arquitectura jamás debería olvidar.
Obra: Ático C47
Objeto: Reforma de un ático en el ensanche de Valencia
Autores: el tejado azul (Cristina Cucinella – Jaime García Mira)
Localización: Ruzafa, Valencia
Superficie: 100 m2
Año: 2017
Dirección de arte: Quique Llorens
Constructora: Espai en obres
Fotógrafa: Milena Villalba | El Tejado Azul
Redacción: Ana Asensio
Traducción esp-eng: Elyse Lake (Lake Languages) + eltejadoazul.com
Constantemente tento mirar a arquitectura desde fóra da burbulla do seu coñecemento. Desde aí vese un común dilema entre como quere vivir a xente e como se quere proxectar arquitectura. E nese debate, uns reprochan falta de interese xeral pola cultura arquitectura (a cultura que nos acubilla); outros achacan ter que xustificar como queren vivir ou que gustos teñen que ter. No medio desa encrucillada, sempre se alza unha voz que di que a arquitectura se expresa nunha linguaxe que non facilita nada esa comunicación.
O que está claro é que a arquitectura ten que facer feliz a quen a habita, e ademais, ten unha responsabilidade co seu tempo. É parte do bo proxectar o ser capaces de entender as ilusións das persoas, e estar á altura delas, xa que un fogar non só é o maior investimento na vida de alguén, senón a materialización dos seus soños de infancia.
«Cando sexa maior, quero vivir así».
E será tarefa dos arquitectos ser meigos de levar iso ao plano físico, acompañados por todo o seu coñecemento. Os mellores fogares da historia da arquitectura tiveron a un gran cliente á beira. O proxecto de reforma do Ático C47 por parte do estudo valenciano El Tejado Azul é un perfecto exemplo de como ese equilibrio existe e define un bo labor de arquitectura. Este bo exercicio de proyectación, cunha fina e coidada execución material nas súas 100 m2, sitúase en barrio de Ruzafa, no Ensanche da cidade de Valencia.
A reforma comeza por un desmantelamento case total do sistema de divisións da anterior casa, creando unha tabula rasa en procura da maior expresividade e lixeireza de espazos. Este momento do proceso, cando o contedor faise patente, cando se pode entender o baleiro tridimensional, inevitablemente inflúe e altera as preconcepción do proxecto, e as intencións dos arquitectos xunto coas dos clientes toman forma e ocupan o papel en branco.
Nese proceso de retroceso ao radical do construtivo retíranse do mesmo xeito cerramentos, como o que rodeaba a terraza (con aparencia máis ben de pequeno patinillo), ademais da pel do sistema estrutural de alicerces con vigas descolgadas.
«A condición por parte do cliente foi que os materiais fosen moi expresivos e honestos ata chegar á súa forma case bruta. Os novos materiais son o ferro natural e a madeira de piñeiro»,
explica Cristina Cucinella, arquitecta do estudo. A estes novos materiais súmaselles o formigón visto, sacado á luz da estrutura orixinal.
A nova organización da vivenda será secuencial, eliminando calquera posibilidade de espazo residual, reducindo o espacial tamén á súa máxima sinceridade: unha estancia lévache á seguinte, sen corredores, sen distribuidores, empregando como únicos conectores a luz e a materialidad, e como divisores, a gradación de usos. Esta nova distribución marcará unha clara división entre zona de día e zona de noite a través dun volume central onde se situarán o estudo e o baño, como unha peza neutra, intermedia. O acceso farase pola zona de día, directamente e de maneira pouco habitual, á cociña. Ao final da casa, no lugar máis tranquilo, os dous dormitorios.
Comezando o percorrido, a primeira sensación é a hexemónica presenza da cociña; esta será o corazón dunha zona diúrna en » L» que abraza á luminosa terraza, agora liberada dos muros que a rodeaban, complementada con comedor e salón. Non é casual que Quique, un dos seus propietarios, sexa cociñeiro, e que de maneira interiorizada desexase que a peza sobre a que graviten os espazos máis vivideros sexa a potente illa da cociña e a súa continuidade en mesa de comedor, mentres que no ángulo sitúase a zona de estar. O espazo diúrno funciona así como unha vivenda patio, que distribúe pola súa propia xeometría en dous partes diferenciadas sen necesidade de divisores, ao integrar a terraza existente.
Desde aquí parte un plano continuo de almacenamento, correspondente ao muro medianeiro, que atravesará e conectará toda a casa. En cocíñaa-salón será un andel de madeira de piñeiro; ao cruzar a porta pivotante que separa do volume central converterase nos armarios e espazos rocho. Neste centroque fai de charnela, a zona de estudo e baño neutralízase, mostrándose nun bicromatismo branco-negro marcado pola materialidad. Grandes ferros correderas de ferro pechan a almacenaxe, excedendo os seus límites e prolongándoos máis aló, ata o andel de madeira nun extremo, e ata os dormitorios no outro.
Ao fondo, o espazo nocturno ábrese ao amplo patio de mazá, elemento moi característico do urbanismo do ensanche, alagando de luz os dormitorios. Nesta zona da vivenda poténcianse os limiares, traballados con volumes de madeira que dan paso aos vans: case como un xogo de nenos, senllas caixas de madeira fan de «balcón interior», salvando as irregularidades da planta e creando un habitáculo dentro do habitáculo. O pavimento, tamén de madeira pero dunha brancura que potencia a luminosidade dos dormitorios, oriéntase seguindo a liña da medianeira e o percorrido da luz.
A intervención del Tejado Azul é sinxela, lóxica, sincera. Ao mesmo tempo, resolve as necesidades dos seus clientes, e tamén os seus desexos e caprichos. Pero non só iso… ten algo máis. Pódesche imaxinar abrindo portas secretas, refuxiándoche un día de humor raro cun libro nunha das súas caixas de madeira. Este fogar fai feliz a quen vive alí, pódese atopar a ilusión dunha vida resgardada nas súas estancias, e ese é un material que a arquitectura xamais debería esquecer.
Obra: Ático C47
Obxeto: Reforma de un ático en el ensanche de Valencia
Autores: el tejado azul (Cristina Cucinella – Jaime García Mira)
Emprazamento: Ruzafa, Valencia
Superficie: 100 m2
Ano: 2017
Direción de arte: Quique Llorens
Construtora: Espai en obres
Fotógrafa: Milena Villalba | El Tejado Azul
Redación: Ana Asensio
Tradución esp-eng: Elyse Lake (Lake Languages) + eltejadoazul.com
Constantemente intento mirar la arquitectura desde fuera de la burbuja de su conocimiento. Desde ahí se ve un común dilema entre cómo quiere vivir la gente y cómo se quiere proyectar arquitectura. Y en ese debate, unos reprochan falta de interés general por la cultura arquitectura (la cultura que nos cobija); otros achacan tener que justificar cómo quieren vivir o qué gustos tienen que tener. En medio de esa encrucijada, siempre se alza una voz que dice que la arquitectura se expresa en un lenguaje que no facilita nada esa comunicación.
Lo que está claro es que la arquitectura tiene que hacer feliz a quien la habita, y además, tiene una responsabilidad con su tiempo. Es parte del buen proyectar el ser capaces de entender las ilusiones de las personas, y estar a la altura de ellas, ya que un hogar no sólo es la mayor inversión en la vida de alguien, sino la materialización de sus sueños de infancia.
«Cuando sea mayor, quiero vivir así».
Y será tarea de los arquitectos ser magos de llevar eso al plano físico, acompañados por todo su conocimiento. Los mejores hogares de la historia de la arquitectura han tenido a un gran cliente al lado. El proyecto de reforma del Ático C47 por parte del estudio valenciano El Tejado Azul es un perfecto ejemplo de cómo ese equilibrio existe y define una buena labor de arquitectura. Este buen ejercicio de proyectación, con una fina y cuidada ejecución material en sus 100m2, se ubica en barrio de Ruzafa, en el Ensanche de la ciudad de Valencia.
La reforma comienza por un desmantelamiento casi total del sistema de divisiones de la anterior casa, creando una tabula rasa en búsqueda de la mayor expresividad y ligereza de espacios. Este momento del proceso, cuando el contenedor se hace patente, cuando se puede entender el vacío tridimensional, inevitablemente influye y altera las preconcepción del proyecto, y las intenciones de los arquitectos junto con las de los clientes toman forma y ocupan el papel en blanco.
En ese proceso de retroceso a lo radical de lo constructivo se retiran del mismo modo cerramientos, como el que rodeaba la terraza (con apariencia más bien de pequeño patinillo), además de la piel del sistema estructural de pilares con vigas descolgadas.
«La condición por parte del cliente fue que los materiales fueran muy expresivos y honestos hasta llegar a su forma casi bruta. Los nuevos materiales son el hierro natural y la madera de pino»,
explica Cristina Cucinella, arquitecta del estudio. A estos nuevos materiales se les suma el hormigón visto, sacado a la luz de la estructura original.
La nueva organización de la vivienda será secuencial, eliminando cualquier posibilidad de espacio residual, reduciendo lo espacial también a su máxima sinceridad: una estancia te lleva a la siguiente, sin pasillos, sin distribuidores, empleando como únicos conectores la luz y la materialidad, y como divisores, la gradación de usos. Esta nueva distribución marcará una clara división entre zona de día y zona de noche a través de un volumen central donde se situarán el estudio y el baño, como una pieza neutra, intermedia. El acceso se hará por la zona de día, directamente y de manera poco habitual, a la cocina. Al final de la casa, en el lugar más tranquilo, los dos dormitorios.
Comenzando el recorrido, la primera sensación es la hegemónica presencia de la cocina; ésta será el corazón de una zona diurna en «L» que abraza a la luminosa terraza, ahora liberada de los muros que la rodeaban, complementada con comedor y salón. No es casual que Quique, uno de sus propietarios, sea cocinero, y que de manera interiorizada haya deseado que la pieza sobre la que graviten los espacios más vivideros sea la potente isla de la cocina y su continuidad en mesa de comedor, mientras que en el ángulo se sitúa la zona de estar. El espacio diurno funciona así como una vivienda patio, que distribuye por su propia geometría en dos partes diferenciadas sin necesidad de divisores, al integrar la terraza existente.
Desde aquí parte un plano continuo de almacenamiento, correspondiente al muro medianero, que atravesará y conectará toda la casa. En la cocina-salón será una estantería de madera de pino; al cruzar la puerta pivotante que separa del volumen central se convertirá en los armarios y espacios trastero. En este centroque hace de charnela, la zona de estudio y baño se neutraliza, mostrándose en un bicromatismo blanco-negro marcado por la materialidad. Grandes planchas correderas de hierro cierran el almacenaje, sobrepasando sus límites y prolongándolos más allá, hasta la estantería de madera en un extremo, y hasta los dormitorios en el otro.
Al fondo, el espacio nocturno se abre al amplio patio de manzana, elemento muy característico del urbanismo del ensanche, inundando de luz los dormitorios. En esta zona de la vivienda se potencian los umbrales, trabajados con volúmenes de madera que dan paso a los vanos: casi como un juego de niños, sendas cajas de madera hacen de «balcón interior», salvando las irregularidades de la planta y creando un habitáculo dentro del habitáculo. El pavimento, también de madera pero de una blancura que potencia la luminosidad de los dormitorios, se orienta siguiendo la línea de la medianera y el recorrido de la luz.
La intervención de El Tejado Azul es sencilla, lógica, sincera. Al mismo tiempo, resuelve las necesidades de sus clientes, y también sus deseos y caprichos. Pero no sólo eso… tiene algo más. Te puedes imaginar abriendo puertas secretas, refugiándote un día de humor raro con un libro en una de sus cajas de madera. Este hogar hace feliz a quien vive allí, se puede encontrar la ilusión de una vida resguardada en sus estancias, y ése es un material que la arquitectura jamás debería olvidar.
Obra: Ático C47
Objeto: Reforma de un ático en el ensanche de Valencia
Autores: el tejado azul (Cristina Cucinella – Jaime García Mira)
Localización: Ruzafa, Valencia
Superficie: 100 m2
Año: 2017
Dirección de arte: Quique Llorens
Constructora: Espai en obres
Fotógrafa: Milena Villalba | El Tejado Azul
Redacción: Ana Asensio
Traducción esp-eng: Elyse Lake (Lake Languages) + eltejadoazul.com
Las piezas más emblemáticas de la mujer que sentó las bases del diseño moderno aterrizan en Barcelona con la muestra «Charlotte Perriand: el arte de habitar, el arte de vivir», que podrá verse del 11 de julio al 7 de septiembre de 2018 en MINIM Barcelona.
MINIM y Cassina te invitan a esta exposición dedicada a la arquitecta, diseñadora y fotógrafa Charlotte Perriand, que fue estrecha colaboradora de Le Corbusier y Pierre Jeanneret y destacó por crear piezas de mobiliario que se han convertido en grandes iconos del diseño.
El día de la inauguración contaron con la participación de Pernette Perriand, hija y ayudante de Charlotte durante 20 años, y su marido Jacques Barsac, arquitecto, crítico de diseño, autor de varios libros y profundo conocedor de las obras de Charlotte Perriand, que acercó a la vida y obra de la artista a los presentes.
Completa la muestra una serie de fotografías históricas y material histórico del archivo de Cassina que ayudan a conocer mejor el trabajo de esta inquieta creadora que contribuyó a dibujar el paisaje de nuestras casas actuales.
Charlotte Perriand: el arte de habitar, el arte de vivir
Exposición: del 11 de julio al 7 de septiembre de 2018
Organizan: MINIM Barcelona & Cassina
Colabora: Galería Miquel Alzueta
As pezas máis emblemáticas da muller que sentou as bases do deseño moderno aterran en Barcelona coa mostra «Charlotte Perriand: a arte de habitar, a arte de vivir», que poderá verse do 11 de xullo ao 7 de setembro de 2018 en MINIM Barcelona.
MINIM e Cassina convídanche a esta exposición dedicada á arquitecta, deseñadora e fotógrafa Charlotte Perriand, que foi estreita colaboradora de Le Corbusier e Pierre Jeanneret e destacou por crear pezas de mobiliario que se converteron en grandes iconas do deseño.
O día da inauguración contaron coa participación de Pernette Perriand, filla e axudante de Charlotte durante 20 anos, e o seu marido Jacques Barsac, arquitecto, crítico de deseño, autor de varios libros e profundo coñecedor das obras de Charlotte Perriand, que achegou á vida e obra da artista aos presentes.
Completa a mostra unha serie de fotografías históricas e material histórico do arquivo de Cassina que axudan a coñecer mellor o traballo desta inquieta creadora que contribuíu a debuxar a paisaxe das nosas casas actuais.
Charlotte Perriand: a arte de habitar, a arte de vivir.
Exposición: do 11 de xullo ao 7 de setembro de 2018
Organizan: MINIM Barcelona & Cassina
Colabora: Galería Miquel Alzueta
The most emblematic pieces of the woman who laid the foundations of modern design land in Barcelona with the exhibition «Charlotte Perriand: the art of living, the art of living», which can be seen from July 11 to September 7, 2018 in MINIM Barcelona.
MINIM and Cassina invite you to this exhibition dedicated to the architect, designer and photographer Charlotte Perriand, who was a close collaborator of Le Corbusier and Pierre Jeanneret and stood out for creating pieces of furniture that have become great icons of design.
The opening day was attended by Pernette Perriand, daughter and helper of Charlotte for 20 years, and her husband Jacques Barsac, architect, design critic, author of several books and in-depth knowledge of the works of Charlotte Perriand, who approached to the life and work of the artist to those present.
The exhibition is completed by a series of historical photographs and historical material from the Cassina archive that help to better understand the work of this restless creator who helped to draw the landscape of our current homes.
Charlotte Perriand: the art of living, the art of living
Exhibition: from July 11 to September 7, 2018
Organized by: MINIM Barcelona & Cassina
Collaborate: Miquel Alzueta Gallery
La fascinación que provocan los lugares lejanos, en el límite de la existencia humana, lugares donde quizás sea mejor pasar que quedarse, o en donde permanecer siempre vaya junto con una vaga sensación de amenaza (condición, desde el romanticismo, en la base de la experiencia estética).
La isla como lugar cerrado, finito, con el endemismo como posibilidad. La isla como lugar del omnipresente límite horizontal.
El desierto, al contrario, se presenta sin límites: indefinido e infinito. Solo podrá ser poblado desde el movimiento, el nomadismo es condición necesaria de la supervivencia.
La montaña como experiencia de límite vertical; como intento de volar, el síndrome de Ícaro con su posible final.
En estos casos el refugio alcanza su expresión primigenia.
La arquitectura –esta prótesis necesaria a veces para la supervivencia– se presenta en su condición inicial. Como grado cero.
Islas
ISLAS
“Soñar con islas, ya sea con angustia o con alegría, es soñar con separarse, con estar separado, más allá de los continentes, soñar con estar solo y perdido, o bien es soñar que se retorna al principio, que se vuelve a empezar, que se recrea. […] La isla también es el origen, el origen radical y absoluto”.
Islas, espacios finitos, cerrados: el límite como condición y presencia, como momento unificador. Pequeños mundos ampliados eventualmente por su repetición: el archipiélago, a veces metáfora arquitectónica.
Dos temas plantean tradicionalmente las islas:
Uno, la prioridad de la naturaleza como argumento. Sobre el horizonte continuo del mar la figura se despliega con toda la retórica del paisaje: montañas, rocas, árboles, vegetación… estos serán los materiales que construyen la imagen.
Dos, la presencia humana en su actividad constructora, hasta no hace mucho limitada por las posibilidades (escasas) y por las imposibilidades (grandes). Ejemplos de astucia y simbiosis con el medio.
Versiones de lo vernáculo. En el pasado.
Ahora hay que añadir la transformación producida por el turismo y la modernidad. Cosmopolitismo frente endemismo.
Desierto
DESIERTO
“En un paisaje donde oficialmente nada existe (de otra forma no sería “desierto”) absolutamente todo se vuelve pensable y, en consecuencia, puede ocurrir”.
Poner en relación con la arquitectura el desierto, supone imaginar frente al objeto su antagonista, el grado cero de exterior: infinito, extremo, móvil, inabarcable.
También supone recordar lo que la arquitectura tiene de protección, de interior, de oposición a la naturaleza.
También que la arquitectura en sus orígenes obligaba a utilizar radicalmente los recursos a disposición: un palo y unas telas (que podemos trasladar, en el desierto se pasa, no se está), unas piedras encontradas, un barro labrado.
Iniciando nuestra travesía en TRANSFER, el desierto era una buena metáfora para empezar a reconocer ideas, lugares y arquitecturas necesarias.
Instrumentos de supervivencia.
Montaña
MONTAÑA
Las montañas como lugar aparte, especial. Distante.
Como lugar inhóspito y duro, en donde la arquitectura insiste en la protección y el aislamiento, una de las cuestiones en la base de nuestra actividad.
También las montañas, alguna montaña, en todas las culturas, tenían condiciones sagradas, contacto directo con la divinidad, la montaña mágica. (Pienso en Montserrat, en Tindaya, en Wayna Pichu y en tantos otros lugares en donde la arquitectura acompaña construyendo espacios rituales, sacramentales).
La montaña como otra situación de límite, como momento final entre tierra y aire, en cierta forma simétrica a la isla, interacción de tierra y agua. Las arquitecturas que aquí encontramos intensamente también viven la relación entre tradición y el presente, entre el endemismo y el cosmopolitanismo.
La montaña como accidente topográfico, como inclinación, en donde nosotros debemos, obligatoriamente, introducir el plano, la superficie horizontal. La tensión entre la verticalidad ascendente de la tierra, y la necesidad de construir la horizontal, nuestro hábitat.
Transfer ha propuesto un recorrido sobre condiciones extremas de la arquitectura: Desierto, Isla, Montaña. Es una idea extrema y, probablemente, esencialista. A partir de aquí, nos moveremos desde los límites hacia el centro, intentaremos abandonar los márgenes para acercarnos al núcleo.
Propuesta de E. Chillida, para la intervención en Tindaya, la antigua montaña sagrada de los Guanches (primitivos habitantes) en la isla de Fuerteventura. Islas Canarias, España 1985.
Josep Lluís Mateo. Doctor arquitecto
Barcelona, julio 2018
Paramesa. Prototipo de mesa personalizable para producción mediante plegado de una única chapa cortada con CNC. CC-by-nc-sa villegasbueno arquitectura
El parametricismo, o mejor dicho, el gurú del parametricismo, con su malhadado manifiesto ha hecho muchísimo daño a los que, como nosotros, trabajamos con las herramientas digitales tratando de mantenernos a este lado de la banalidad formal.
El parametricismo puede que sea un estilo. La arquitectura paramétrica no.
¿Cómo explicar las diferencias? Pues no sé muy bien. Quizás simplemente tratando de evidenciar el potencial del diseño paramétrico, o diseño informacional como preferimos llamarlo nosotros, precisamente para distanciarnos del parametricismo.
Recuperando la charla que dimos en SmartLab Granada el año pasado, en la que en escasos veinte minutillos sintetizábamos bastante de sus implicaciones, vamos a tratar de exponer las bases lógicas y argumentales de lo que el diseño informacional es para nosotros, y vamos a hacerlo por oposición a los procesos no-informacionales.
Con los métodos convencionales de diseño (todos los que no son informacionales):
· El proceso de diseño es, generalmente, implícito.
· Todo proceso de diseño implica una serie de toma de decisiones.
· Las decisiones se toman, muchas veces, de forma inconsciente.
· En los procesos convencionales de diseño, estas decisiones, generalmente, están encadenadas de forma consecutiva y lineal.
· Cada toma de decisión implica la elección de una de las posibilidades y el abandono de otra/s.
· Cuando la toma de decisiones es inconsciente, no se llega a percibir todas las posibilidades que quedan en el camino.
· Un cambio en una decisión implica volver atrás en la línea de decisiones y volver a someter a juicio todas las demás decisiones siguientes.
· El resultado de todo el proceso es un único objeto.
Con las dinámicas informacionales (ojo que las herramientas digitales son totalmente contingentes):
· El proceso de diseño debe ser lo más explícito.
· Las decisiones no tienen que aparecer en serie. Lo explícito del proceso permite que decisiones que aparecen en etapas tardías puedan ser colocadas en la parte inicial de la secuencia.
· Al tener que convertirlas en información, todas las decisiones se hacen de forma consciente.
· El encadenamiento de las decisiones es en Red. Se hacen interdependientes, como un sistema de ecuaciones indeterminado.
· No se produce elección ni abandono, sino una determinación de las variables del sistema que producen un estado concreto del mismo.
· La percepción del sistema es completa y constante.
· Un cambio en el sistema, no necesariamente implica tener que replantear todas las decisiones del sistema.
· El resultado de todo el proceso es un espacio de diseño (seg. definición matemática de espacio) en el que estarían contenidas todas las soluciones de diseño posibles, susceptibles de cumplir las condiciones determinadas para el sistema.
Miguel Villegas, arquitecto
Editor en arquitextónica
Sevilla, abril 2014
Ante la necesidad (y obligación moral) acuciante de encaminar la arquitectura hacía los estándares más altos de sostenibilidad (entiéndase aquí desde el conjunto que engloba a la economía, la sociedad y la ecología) surgen nuevos proyectos como MatMap.
Una plataforma para dar una segunda a los materiales desechados generados en la construcción y creada por la joven arquitecta alicantina María Martínez Moreno. Este proyectos surge de forma natural a raíz de sus propias investigaciones que anhelan soluciones constructivas más respetuosas con el medio ambiente.
“La plataforma busca conectar empresas que tienen este tipo de materiales con profesionales creativos capaces de darle una segunda vida en el sector de la construcción.”
María Martínez es arquitecta por la universidad de Alicante, le apasiona el diseño y la sostenibilidad, nos cuenta que su camino desde que acabó la carrera le ha llevado incansable a investigar sobre soluciones constructivas más respetuosas con el medio ambiente.
Como una gran mayoría de jóvenes arquitectos españoles tuvo que emigrar, lo que sirvió como semilla de la iniciativa que está desarrollando, MatMap, donde se ofertan materiales de construcción procedentes de demolición, partidas descatalogadas y materiales ecológicos.
Sin preámbulos os dejamos con la entrevista que tuvimos la fortuna de realizar hace escaso días.
Equipo de MatMap, de izquierda a derecha: Milena, María y Marc.
¿Cómo se definiría María Martínez Moreno?
Pues la verdad es que, como cualquier otra persona, soy muchas cosas. Si tuviera que destacar algo, diría que tengo un profundo respeto por el medio natural. Para mí, tanto la sostenibilidad como la conservación de los ecosistemas tiene un papel primordial, y esta filosofía impregna cada día todos los aspectos de mi vida.
Me apasiona el diseño y las soluciones sostenibles y además creo firmemente que la creatividad y el talento son herramientas muy potentes para el desarrollo de soluciones innovadoras que sean bajas en carbono, eficientes energéticamente y que en definitiva que respeten el medio ambiente.
MatMap surge de inquietudes personales y experiencias profesionales que se han unido para crear un concepto de empresa que pretende crear una disrupción en la manera de gestionar los materiales en el sector de la construcción.
Por un lado, el ‘’upcycling’’ o reutilización creativa es un mundo que siempre me ha encantado, además de todos los beneficios ambientales que presenta, la creatividad de los resultados me fascina y me costaba encontrar ejemplos o entender cómo aplicar estos conceptos en arquitectura.
Tuve la suerte de ir a Holanda y trabajar con Superuse studios que llevan 20 años construyendo con este concepto, pude aprender cómo lo hacen y cuando volví a España me di cuenta de que nadie lo estaba haciendo aquí, existía una gran oportunidad y me parecía muy necesario.
Tras ganar el ICT business idea competition en Chipre y entrar en Lanzadera en septiembre de 2017 comenzamos a dedicar todo nuestro tiempo y energía a sacar MatMap adelante. Actualmente, a parte de mí, que tengo formación de arquitecta, el equipo de MatMap está formado por Marc Alemany que es economista y tiene un máster en dirección financiera y control de gestión y Milena Arango que está cursando un máster en marketing y comunicación empresarial.
¿Te encontraste con muchas dificultades? ¿Cuáles fueron las más problemáticas?
Como mucha gente sabrá, el sector de la construcción es bastante tradicional, poco digital y masculino, no todos los profesionales ven las oportunidades que nos brinda la digitalización. Por tanto, conseguir que cambien sus procesos de trabajo, en ocasiones, se vuelve muy complicado.
En contraposición, también hemos encontrado otros profesionales que sí nos entienden y nos ayudan, a veces de manera desinteresada.
Otra de las problemáticas que nos encontramos es la logística, el precio del material va marcado también por el transporte a realizar, trabajando con distintos proveedores y sistemas de paletizado, complica algunas transacciones.
¿Cómo detectaste la necesidad de este servicio?
Cualquiera que trabaja en el sector o que ha estado cerca de una obra se habrá dado cuenta de lo mucho que se tira (sobretodo si hablamos de una demolición) además de la cantidad de volumen de material que se mueve.
Implantar sistemas de gestión tecnológica que detecten a tiempo real los materiales locales existentes y que ayude a su comercialización parece una buena solución. Siempre insistimos en que no necesitamos inventar nada nuevo, usando la tecnología existente ya es posible.
Ningún día es igual que el anterior, me encanta decir que todos los días aprendemos algo nuevo.
La mayor parte de nuestro tiempo la dedicamos a gestionar pedidos y hablar con nuestros clientes. Actualmente nuestros procesos son muy manuales, nos parece que tiene que ser así para poder empatizar y descubrir bien qué necesitan tanto nuestros clientes como nuestros proveedores.
También dedicamos tiempo a pensar en el largo plazo, hacer pequeñas mejoras de proceso y asistir a eventos y realizar actividad comercial.
¿Cómo es el proceso de diseño, desarrollo y comercialización en MatMap?
Nuestro proceso implica juntar dos partes:
Por un lado, los proveedores que nos mandan toda la información para que nosotros anunciemos sus materiales en nuestro catálogo. Cuidamos la estética de las fotos y facilitamos toda la información a los visitantes de nuestra web.
Por otro lado, el cliente que busca materiales, a ellos les ofrecemos un trato personalizado ayudándoles a encontrar lo que necesitan y asesorándolos cuando nos lo piden.
¿Has delegado funciones y te has centrado en partes concretas dentro de MatMap?
Sí, como en toda evolución natural de cualquier proyecto empresarial es normal empezar a delegar ciertas tareas. Es verdad que al haber empezado hace poco hacemos todos casi de todo. Pero poco a poco vamos adoptando roles y nos vamos especializando, de manera que cuando por ejemplo hay un problema concreto con algún proveedor específico es uno de nosotros el que se encarga.
¿Cuál fue (o será) el momento crítico una vez comenzado MatMap?
Hemos tenido y tendremos algunos más, pensamos que siempre hay margen para mejorar y evolucionar.
Quizá nuestro primer momento crítico fue cuando empezamos a vender y todo el aprendizaje que ha derivado de tratar con nuestros clientes todos los días.
Otro de nuestros momentos críticos será cuando evolucionamos tecnológicamente, todo lo que hemos validado trabajando manualmente empezará a funcionar de manera automática. Nos parece un gran reto coordinar a todos los agentes y conseguir que los procesos se realicen de forma semiautomática, pero nos parece la evolución natural de todo lo que planteamos.
Imagen de escombros habitual en una demolición.
¿Cuáles son vuestras referencias?
Nuestra primera referencia es Superuse studios y su ‘’harvest map’’, pero existen muchas más a nivel tanto nacional como internacional.
En España tenemos muy buenos profesionales que aplican estos principios, pero lo cierto es que lo hacen caso por caso y no de una manera sistemática. Buscamos solucionar este problema, nuestro objetivo es generar valor a todos los profesionales facilitando la búsqueda y la logística de materiales.
¿Cómo funciona el servicio de MatMap? ¿A qué segmento de clientes te diriges?
El funcionamiento es muy fácil. Por un lado, ayudamos a los proveedores a vender los materiales descatalogados, recuperados de demolición o ecológicos. En este caso trabajamos con fabricantes, distribuidores y empresas de demolición.
En el caso de los clientes, en ocasiones, lo tienen muy claro y nos piden específicamente algo que tenemos en catálogo, tras comprobar disponibilidad gestionamos el transporte y las entregas. Otras veces el cliente tiene una necesidad y no sabe cómo resolverla, nosotros le asesoramos sobre qué material se puede adaptar a sus necesidades. Nuestro público suele ser profesionales de la construcción: diseñadores, arquitectos y constructores; y debido a nuestros precios económicos también trabajamos con particulares.
¿Cómo y para qué utilizas las “nuevas tecnologías”? ¿La “red” ha facilitado tu labor?
Existen muchas herramientas digitales que pueden hacernos la vida mucho más fácil, es cierto que cuesta aprenderlas, pero a la larga suponen una gran ventaja. En nuestro caso, la tecnología nos ayuda en muchos aspectos relacionados con la gestión, por ejemplo, tenemos una base de datos de clientes donde registramos el estado de cada proceso de venta.
Además, la red es una parte fundamental de nuestro negocio, nos ayuda a llegar a más gente y al mismo tiempo a permanecer de manera constante en la vida de los que nos siguen, mostrándoles ejemplos e inspirándoles a través de como aplicamos nuestra filosofía.
Concepto de trabajo de MatMap: Conexión entre material y obra.
¿Compaginas o complementas esta actividad con otras labores o en otros campos?
El año pasado hacía pequeños trabajos de arquitectura, pero los he ido acabando y actualmente mi prioridad es MatMap, es un proyecto ambicioso y muy motivador y necesito toda la energía posible para poder sacarlo adelante.
La arquitectura, tiene abiertos muchos frentes de batalla (LSP, Bolonia, paro, precariedad laboral, COAs, ETSAs, emigración, comunicación, etc), ¿no serán demasiados para la polarización existente dentro de la misma?
En mi opinión, la polarización es la consecuencia natural de los cambios que se están produciendo en la sociedad y que no solo está afectando a la arquitectura. Uno de los planteamientos que me parece erróneo, es la visión hacia nosotrxs y para nosotrxs de los arquitectxs, considero que hay mirar más allá, ser mucho más multidisciplinares, y enfocar nuestro trabajo desde lo que la sociedad necesita de nosotros como profesionales.
Hasta que no trabajemos de una manera clara por y para la sociedad, más allá del prestigio o de salir en las revistas, la sociedad no nos devolverá la mirada dando valor al trabajo que realizamos.
¿Cómo ves el futuro de la arquitectura? ¿Y el de la profesión?
Pues estoy convencida que se producirán grandes cambios, la arquitectura, al igual que todos nuestros procesos productivos, necesitan cambiar e ir adaptándose para solucionar los problemas sociales y ambientales, que está claro serán nuestro gran reto para los años venideros.
El futuro de la profesión pasará por aplicar criterios de sostenibilidad a cada trabajo que se realice. Las normativas se endurecerán cada vez más en cuanto a gestión de residuos, las recomendaciones desde Europa ya hablan de un 75% de tasa de reciclado, en un sistema como el actual será muy difícil de implantar. Los cambios vendrán desde muchos ámbitos y ¡queda mucho por mejorar!.
¿Qué mejoras crees que son fundamentales y que deberían ser puestas en marcha de forma inmediata?
En mi opinión, es inconcebible la realización de cualquier tipo de arquitectura o diseño en el que no se estén aplicando criterios de sostenibilidad, en todos los ámbitos, desde el diseño, los materiales, la coordinación y gestión de la obra, ¡nuestra actividad genera un impacto enorme! solo en España se generan 46 millones de toneladas de RCDs (residuos de construcción demolición) al año.
La tecnología es fundamental para mejorar los procesos. Tenemos muchísimas herramientas disponibles y aunque hay que invertir tiempo en formarse, a la larga mejorará el funcionamiento del sector.
Tipos de materiales comercializados por la plataforma MatMap.
Como “emprendedora” ¿qué opinas de los arquitectos que “abren y/o recuperan” nuevos campos y/o enfoques de la profesión?
Me parecen profesionales muy interesantes, siempre digo que el arquitecto es un perfil muy potente cuando se convierte en emprendedor, estamos acostumbrados a resolver problemas más allá de lo convencional y sabemos trabajar duro. Me parece que el mundo está lleno de oportunidades para mejorar dentro y fuera de cómo se entiende tradicionalmente la profesión de arquitecto. Me encanta ver que hay otros compañeros que prueban, experimentan y aportan valor más allá de la manera convencional.
¿Estás contenta con la trayectoria realizada hasta ahora? ¿Qué proyectos de futuro te(os) esperan?
Sí, estamos muy contentos, hemos aprendido muchísimo y cada día nos damos cuenta de lo mucho que aún nos queda por hacer y las oportunidades que existen.
También estamos muy agradecidos a Lanzadera por todo lo que nos han ayudado, está siendo genial contar con su apoyo.
Para el futuro, esperamos dar cada vez un mejor servicio, volvernos expertos en logística y ser los mejores asesorando, queremos ayudar aportando nuestro granito de arena para volver los procesos constructivos más sostenibles.
Somos conscientes de que nos enfrentamos a una gran complejidad, pero creemos sinceramente en lo que hacemos y el beneficio que tiene para todos los agentes de la construcción y la sociedad.
Para acabar, ¿qué les aconsejarías a los actuales estudiantes y futuros profesionales de arquitectura?
Que investiguen, que aprendan, que se apunten a toda las charlas y eventos que puedan, que se relacionen con profesionales con distintas formaciones y que viajen todo lo que les sea posible. Hay un mundo de posibilidades y millones de retos a resolver, el fracaso sería no intentarlo. Pero sobretodo, les diría que buscaran su propio reto, el nuestro es convertir todo aquello aparentemente inservible en un recurso preciado ¿os apuntáis?.
Futuro desarrollo tecnológico de la plataforma MatMap
Entrevista realizada por Ana Barreiro Blanco y Alberto Alonso Oro. Agradecer a María, Milena y Marc su tiempo y predisposición con este pequeño espacio.
Encontramos un espacio fragmentado sin un orden aparente. Un espacio que se ha ido adecuando a las necesidades propias del negocio a lo largo del tiempo.
Empezamos el proyecto ordenando el programa en dos espacios claramente diferenciados.
Un primer espacio expositivo con un carácter más público y vinculado directamente con la calle.
Espacio entendido como una pequeña plaza anexa a la vía pública. Plaza que se articula, se organiza partiendo de un volumen central, como si de un kiosco se tratara. Un volumen que genera a su vez otros espacios con sus lindes según su ubicación. Espacios, áreas con diferentes cualidades que responden al programa requerido.
En este volumen, caja, ubicamos el corazón del programa donde se genera y manipula el producto luego expuesto, el taller. Un taller que se expone al público para ver y ser visto a través de un gran ventanal.
Un segundo espacio con carácter más privado organizará de una forma más convencional el resto del programa: consultas, baño, almacén, sala de espera, escalera…
Siguiendo con la sencillez del planteamiento inicial así también lo aplicamos a los materiales. Se reducen al mínimo para enfatizar y dar valor al producto expuesto. Madera de roble natural en la caja-taller y sillas, aglomerado tipo DM lacado blanco para el mobiliario (mesas de atención al cliente y mostrador), celosía blanca vertical retroiluminada para la exposición del producto y para finalizar un linóleum blanco roto en todo el pavimento acabará de unificar todos los espacios.
Obra: Óptica Riojana
Autor: Blur Arquitectura
Ubicación: Logroño, España
Superficie total: 319,11 m2
Superficie útil total: 272,58 m2
Año construcción: 2017
Constructor: Construcciones Bauza SL
Tabiques y Techos: DeCorta Decoración SL
Inst. Eléctrica: Chema SL
Inst. Climatización: Comercial Romero SA
Iluminación: Osaba Iluminación
Diseño gráfico: Sidecar
Fotografías: Antonio Vázquez + blurarquitectura.com
[:gl]
Atopamos un espazo fragmentado sen unha orde aparente. Un espazo que se foi adecuando ás necesidades propias do negocio ao longo do tempo.
Empezamos o proxecto ordenando o programa en dous espazos claramente diferenciados.
Un primeiro espazo expositivo cun carácter máis público e vinculado directamente coa rúa.
Espazo entendido como unha pequena praza anexa á vía pública. Praza que se articula, organízase partindo dun volume central, coma se dun quiosco tratásese. Un volume que xera á súa vez outros espazos cos seus lindes segundo a súa localización. Espazos, áreas con diferentes calidades que responden o programa requirido.
Neste volume, caixa, situamos o corazón do programa onde se xera e manipula o produto logo exposto, o taller. Un taller que se expón ao público para ver e ser visto a través dunha gran fiestra.
Un segundo espazo con carácter máis privado organizará dunha forma máis convencional o resto do programa: consultas, baño, almacén, sala de espera, escaleira…
Seguindo coa sinxeleza da formulación inicial así tamén o aplicamos aos materiais. Redúcense ao mínimo para salientar e dar valor ao produto exposto. Madeira de carballo natural na caixa-taller e cadeiras, aglomerado tipo DM lacado branco para o mobiliario (mesas de atención ao cliente e mostrador), celosía branca vertical retroiluminada para a exposición do produto e para finalizar un linóleum branco roto en todo o pavimento acabará de unificar todos os espazos.
Obra: Óptica Rioxana
Autor: Blur Arquitectura
Ubicación: Logroño, España
Superficie total: 319,11 m2
Superficie útil total: 272,58 m2
Ano construcción: 2017
Construtor: Construcciones Bauza SL
Tabiques e Teitos: DeCorta Decoración SL
Inst. Eléctrica: Chema SL
Inst. Climatización: Comercial Romero SA
Iluminación: Osaba Iluminación
Deseño gráfico: Sidecar
Fotografías: Antonio Vázquez + blurarquitectura.com [:en]
We find a fragmented space without an apparent order. A space that has been adapted to the needs of the business over time.
We started the project by organizing the program in two clearly differentiated spaces.
A first exhibition space with a more public character and directly linked to the street.
Space understood as a small square attached to public roads. Square that articulates, is organized starting from a central volume, as if it were a kiosk. A volume that in turn generates other spaces with their boundaries according to their location. Spaces, areas with different qualities that respond to the required program.
In this volume, box, we locate the heart of the program where the product then exposed is generated and manipulated, the workshop. A workshop that is exposed to the public to see and be seen through a large window.
A second space with a more private nature will organize the rest of the program in a more conventional way: consultations, bathroom, storage room, waiting room, staircase …
Following the simplicity of the initial approach, we also apply it to materials. They are reduced to the minimum to emphasize and give value to the exposed product. Natural oak wood in the workshop box and chairs, white lacquered MDF type for the furniture (customer and counter tables), vertical backlit white lattice for the exhibition of the product and to finish a broken white linoleum on the entire floor it will finish unifying all the spaces.
Work: Riojana Optics
Author: Blur Arquitectura
Location: Logroño, Spain
Total area: 319.11 m2
Total useful surface: 272.58 m2
Year of construction: 2017
Builder: Construcciones Bauza SL
Partitions and Ceilings: DeCorta Decoración SL
Electrical installation: Chema SL
Air conditioning installation: Comercial Romero SA
Lighting: Osaba Lighting
Graphic design: Sidecar
Photographs: Antonio Vázquez + blurarquitectura.com [:]
SANICUBIC 2 XL es el equipo más potente del catálogo de estaciones de bombeo de alto rendimiento de SFA Sanitrit, el líder europeo en trituradores sanitarios y bombas de evacuación. Se sitúa en la zona superior de la gama compuesta por los experimentados modelos SANICUBIC 1, SANICUBIC 2 Classic WP y SANICUBIC 2 Pro WP, gracias a un conjunto de prestaciones claramente superiores a los de estos últimos.
Se trata de un equipo preparado para llevar la evacuación de aguas al más alto nivel: con un caudal de evacuación máximo de 40 m3 por hora, el SANICUBIC 2 XL está especialmente indicado para satisfacer el uso intensivo que requiere la evacuación de aguas residuales, tanto negras como grises, en entornos residenciales o comerciales. La estación de bombeo de SFA Sanitrit, gracias a su depósito de gran volumen de 120 litros, soporta instalaciones con múltiples cuartos de baño dotados de numerosos sanitarios (WC, bidés, duchas, etc.), y cocinas equipadas con fregaderos, lavavajillas o lavadoras, ya que soporta picos de temperatura de hasta 70 ºC. Puede tratar incluso condensados corrosivos provenientes de calderas y equipos de climatización.
Alta potencia para grandes caudales.
Los dos motores de 2000 W y alta potencia del SANICUBIC 2 XL se adaptan especialmente para aplicaciones en colectividades, edificios y, en general, en aquellos entornos con una gran demanda de evacuación de aguas residuales como edificios profesionales, restaurantes, industrias, escuelas, hoteles o centros comerciales. Sus dos potentes motores, trabajando alternativamente o en paralelo y dotados con las turbinas Vortex exclusivas de SFA Sanitrit, hacen posible evacuar aguas negras y grises hasta a 13 metros en vertical y a 110 en horizontal, esta última con una pendiente de tan solo un 1%.
Prestaciones para una alta autonomía y seguridad.
Pero,
¿qué hace de las Sanicubic unos aparatos de altas prestaciones?
No solo su potencia y versatilidad, si no su estanqueidad, autonomía y alta seguridad de funcionamiento.
SANICUBIC 1 y 2 PRO de SFA Sanitrit
Conozcamos mejor su carta de garantías:
SANICUBIC 2 XL dispone de cinco entradas multidiámetro de entre 40 y 110 milímetros y una más para ventilación. El bloque de control electrónico es independiente y puede situarse en una ubicación más alejada y segura. La unidad con los equipos mecánicos y motores ha sido dotada por SFA Sanitrit de un aislamiento máximo IP68, que garantiza su estanqueidad al agua y la suciedad. No obstante, si se produjera cualquier incidencia de funcionamiento, el sistema está dotado de una completa funcionalidad de alarmas que alertan frente al exceso de nivel de aguas en el depósito, la sobrecarga de los motores o un corte de la alimentación eléctrica. Además, estos avisos se muestran en un panel remoto conectado por cable, de manera que el sistema se puede supervisar desde un lugar alejado de la ubicación del equipo.
Además de una gran facilidad de instalación
“directamente en el suelo”,
el SANICUBIC 2 XL es conforme con la norma EN 12050-1 (estación de bombeo para aguas residuales que contienen heces), aparte de las directrices europeas sobre productos de construcción, seguridad eléctrica y compatibilidad electromagnética.
[:gl]SANICUBIC 2 XL de SFA Sanitrit
SANICUBIC 2 XL é o equipo máis potente do catálogo de estacións de bombeo de alto rendemento de SFA Sanitrit, o líder europeo en trituradores sanitarios e bombas de evacuación. Sitúase na zona superior da gama composta polos experimentados modelos SANICUBIC 1, SANICUBIC 2 Classic WP e SANICUBIC 2 Prol WP, grazas a un conxunto de prestacións claramente superiores aos destes últimos.
Trátase dun equipo preparado para levar a evacuación de augas ao máis alto nivel: cun caudal de evacuación máximo de 40 m3 por hora, o novo SANICUBIC 2 XL está especialmente indicado para satisfacer o uso intensivo que require a evacuación de augas residuais, tanto negras como grises, en contornas residenciais ou comerciais. A estación de bombeo de SFA Sanitrit, grazas ao seu depósito de gran volume de 120 litros, soporta instalacións con múltiples cuartos de baño dotados de numerosos sanitarios ( WC, bidés, duchas, etc.), e cociñas equipadas con fregaderos, lavalouzas ou lavadoras, xa que soporta picos de temperatura de ata 70 º C. Pode tratar mesmo condensados corrosivos provenientes de caldeiras e equipos de climatización.
Alta potencia para grandes caudais.
Os dous motores de 2000 W e alta potencia do SANICUBIC 2 XL adáptanse especialmente para aplicacións en colectividades, edificios e, en xeral, naquelas contornas cunha gran demanda de evacuación de augas residuais como edificios profesionais, restaurantes, industrias, escolas, hoteis ou centros comerciais. Os seus dous potentes motores, traballando alternativamente ou en paralelo e dotados coas turbinas Vortex exclusivas de SFA Sanitrit, fan posible evacuar augas negras e grises ata a 13 metros en vertical e a 110 en horizontal, esta última cunha pendente de tan só un 1%.
Prestacións para unha alta autonomía e seguridade.
Pero,
que fai das Sanicubic uns aparellos de altas prestacións?
Non só a súa potencia e versatilidade, se non a súa estanqueidad, autonomía e alta seguridade de funcionamento.
SANICUBIC 1 e 2 PRO de SFA Sanitrit
Coñezamos mellor a súa carta de garantías:
SANICUBIC 2 XL dispón de cinco entradas multidiámetro de entre 40 e 110 milímetros e unha máis para ventilación. O bloque de control electrónico é independente e pode situarse nunha localización máis afastada e segura. A unidade cos equipos mecánicos e motores foi dotada por SFA Sanitrit dun illamento máximo IP68, que garante o seu estanqueidad á auga e a sucidade. Con todo, se se producise calquera incidencia de funcionamento, o sistema está dotado dunha completa funcionalidade de alarmas que alertan fronte ao exceso de nivel de augas no depósito, a sobrecarga dos motores ou un corte da alimentación eléctrica. Ademais, estes avisos móstranse nun panel remoto conectado por cable, de maneira que o sistema pódese supervisar desde un lugar afastado da localización do equipo.
Ademais dunha gran facilidade de instalación
“directamente no chan”,
o SANICUBIC 2 XL é conforme coa norma EN 12050-1 (estación de bombeo para augas residuais que conteñen feces), á parte das directrices europeas sobre produtos de construción, seguridade eléctrica e compatibilidade electromagnética.
https://youtu.be/ZEJJymrL9oc[:en]SANICUBIC 2 XL by SFA Sanitrit
The SANICUBIC 2 XL is the most powerful equipment in the catalog of high-performance pumping stations of SFA Sanitrit, the European leader in sanitary shredders and evacuation pumps. It is located in the upper area of the range composed of the experienced models SANICUBIC 1, SANICUBIC 2 Classic WP and SANICUBIC 2 Pro WP, thanks to a set of benefits clearly superior to those of the latter.
It is a team prepared to carry out the evacuation of water at the highest level: with a maximum evacuation flow of 40 m3 per hour, the SANICUBIC 2 XL is specially indicated to satisfy the intensive use that requires the evacuation of waste water , both black and gray, in residential or commercial environments. The Sanitrit SFA pumping station, thanks to its large volume 120 liter tank, supports installations with multiple bathrooms equipped with numerous toilets (toilets, bidets, showers, etc.), and kitchens equipped with sinks, dishwashers or washing machines, since it supports temperature peaks of up to 70ºC. It can also treat corrosive condensates from boilers and air conditioning equipment.
High power for high flow rates.
The two 2000 W high power motors of the SANICUBIC 2 XL are specially adapted for applications in communities, buildings and, in general, in those environments with a high demand for wastewater evacuation such as professional buildings, restaurants, industries, schools, hotels or shopping centers. Its two powerful motors, working alternatively or in parallel and equipped with Vortex turbines exclusive of SFA Sanitrit, make it possible to evacuate black and gray water up to 13 meters vertically and 110 horizontally, the latter with a slope of only 1% .
Benefits for a high autonomy and security.
But,
What makes the Sanicubic high-performance devices?
Not only its power and versatility, but also its tightness, autonomy and high operational reliability.
SANICUBIC 1 and 2 PRO by SFA Sanitrit
Let us know better your letter of guarantees:
SANICUBIC 2 XL has five multidiameter inputs between 40 and 110 millimeters and one more for ventilation. The electronic control block is independent and can be placed in a more remote and secure location. The unit with mechanical equipment and motors has been equipped by SFA Sanitrit with a maximum IP68 insulation, which guarantees its water and dirt tightness. However, if any incidence of operation occurs, the system is equipped with full alarm functionality that warns against excess water level in the tank, overloading the motors or a power cut. In addition, these warnings are displayed on a remote panel connected by cable, so that the system can be monitored from a location away from the location of the equipment.
In addition to a great ease of installation
“Directly on the ground”,
the SANICUBIC 2 XL complies with EN 12050-1 (pumping station for wastewater containing feces), apart from the European guidelines on construction products, electrical safety and electromagnetic compatibility.
Cada vez encuentro más interés en sumergirme en la naturaleza que en visitar los últimos ejemplos de arquitectura de autor. En un reciente viaje a Australia un arquitecto europeo se maravillaba de que no tuviera pensado visitar la Ópera de Sydney. Pese a las distancias del continente australiano, parecía escandalizado en mi interés por la naturaleza, por los bosques de la época del Holoceno o por anteponer la barrera coralina a una obra maestra del siglo XX.
Estoy plenamente convencido que en mi próxima visita a las antípodas, la obra de Utzon seguirá allí, incluso con nuevos descubrimientos, como el tapiz de Le Corbusier para el vestíbulo, colocado solo recientemente en el lugar para el cual fue pensado,1 mientras que las forestas milenarias o los arrecifes de coral se habrán reducido o habrán perdido parte de su carácter único, por muchos esfuerzos que se realicen para su salvaguarda.
Pocos se sorprenderán que uno de los textos que marcaron mi formación fue Genius Loci, de Christian Norberg Schulz, pero el interés que los arquitectos dedican a la naturaleza es recurrente. Citaría solamente a Careri y el colectivo Stalker, que reconocen la práctica muy situacionista de vagar por los paisajes periféricos de las ciudades, y el Manifiesto del tercer paisaje de Gilles Clément,1 ambos más centrados en los espacios marginales, abandonados por las presiones edificatorias contemporáneas, pero que al igual que los paisajes emblemáticos, ofrecen una catarsis reconciliadora con el mundo en el cual vivimos.
Creo firmemente que esta relación con la naturaleza fomenta una mejor comprensión de las necesidades proyectuales, ayuda a entender los valores de permanencia y de cambio a los que hace referencia Pallasmaa,2 y a proyectar con la necesaria atención que exigen los valores naturales, culturales, sociales del entorno en el cual nos situamos. El trabajo de Alberto Campo Baeza y de RCR, solo para citar algunos ejemplos que estarán en la memoria e imaginario de cualquier lector, ahondan en esta aproximación.
Una aproximación fenomenológica que no es exclusiva a la arquitectura, en una época dominada por las herramientas virtuales y de fabricación digital, y que nos permite volver a respetar la tierra y el paisaje que son el origen de nuestra subsistencia, pese a los continuos intentos de huir de las obligaciones ecologistas buscando soluciones alternativas.
Permitiría también entender la arquitectura como parte de un desarrollo global en el cual la sostenibilidad ambiental, económica y social juega un papel relevante frente a muchos monumentos al despilfarro entendidos como objetos mediáticos más que como herramientas de desarrollo realizados en las últimas décadas.
Guido Cimadomo, Doctor Arquitecto
Sevilla, Julio 2018
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