En esta casa de planta baja se plantea un sistema, en concreto el M.E.R.A. (Multisistema de eliminación de Recorridos Absurdos), que no es otra cosas que procurar que los pasillos no lo sean. Para ello se desarrolla un esquema franjas de cuadrados y proporciones áureas que, desfasadas, concatenan los espacios diagonalmente.
Estas franjas se identifican en el exterior en la cubierta, generando un diente de sierra que corta el cielo y que, de alguna manera, le dice a los dioses meteorológicos gallegos que está preparada para lo que venga.
Ya está. Dentro sólo buscar la caja vacía en cada estancia, solo buscar ser fondo, solo buscar paz, solo buscar rincones, solo mera arquitectura.
Obra: M.E.R.A. Vivienda unifamiliar
Autor: Soma Arquitectura (Inés García Dintén, Susana Vázquez Rodríguez, Fernando Martínez López, Miguel Carballido Pensado)
Año: 2016
Emplazamiento: Mera. A Coruña. Galicia. España
Constructora: Aticoruña
Fotografías: Roi Alonso
+ somaa.es
A Bill Viola (Nueva York, 1951), uno de los artistas actuales más destacados, se le reconoce internacionalmente por su carácter pionero en el desarrollo del videoarte, medio que descubrió a principios de la década de 1970 a raíz de su participación en el programa de Estudios Experimentales de la Universidad de Siracusa (Nueva York). Ya en sus primeros vídeos dejará constancia de su permanente interés en el autoconocimiento, una exploración que se irá enriqueciendo a partir de sus lecturas de textos místicos y espirituales de tradición oriental y occidental. Su obra evoluciona en paralelo a la tecnología del vídeo, y cada nueva herramienta le permitirá explorar la condición humana, en relación con cuestiones como el nacimiento, la muerte, la transformación, el renacimiento y la transfiguración, temas clave en su producción, que se extiende a lo largo de cuarenta años.
Bill Viola: retrospectiva constituye un recorrido temático y cronológico por la trayectoria del artista, comenzando con sus tempranas cintas monocanal, entre las que se incluyen obras tan representativas como El estanque reflejante (1977–79) y Cuatro canciones (1976), un álbum en el que recopiló varias piezas. Estas creaciones tienen un contenido sumamente poético y ya abordan aspectos tan importantes en la producción de Viola como la noción del tiempo y su deconstrucción, la indagación acerca de la existencia, la experimentación con la grabación y manipulación de sonidos procedentes del medioambiente y de la naturaleza.
La década de 1980 se inicia con obras como Chott el-Djerid (Un retrato de luz y calor)(1979), donde la cámara captura el deslumbrante paisaje del desierto mediante teleobjetivos que permiten grabar espejismos y revelar así imágenes que normalmente escapan a nuestra percepción. Esta etapa, en la que Kira Perov (su esposa y colaboradora durante largo tiempo) comienza a colaborar con Viola, está marcada por proyectos destinados a ser emitidos por televisión, pero también sirve como periodo de transición entre su producción temprana y las instalaciones que se desplegarán en salas enteras, envolviendo al observador en imágenes y sonido. El artista empieza a incorporar en su trabajo elementos físicos (algo que estará presente durante los años noventa); sus estudios sobre la percepción y temas espirituales se plasman en objetos escultóricos, como se aprecia en los despojados monitores de Cielo y Tierra (1992) y en obras de grandes dimensiones, como Una historia que gira lentamente (1992), con su colosal pantalla giratoria.
Con la llegada del nuevo milenio y la aparición de la pantalla plana de alta definición, Viola comienza a realizar piezas de pequeño y mediano formato, que se integrarán en la serie Pasiones; entre ellas, un estudio a cámara lenta de las emociones, Rendición, y trabajos que reflejan el paso del tiempo y la sucesión de las generaciones, como La habitación de Catalina y Cuatro manos, todas de 2001. A estas creaciones íntimassiguió la instalación monumental Avanzando cada día (2002), en la que cinco grandes proyecciones murales que comparten un espacio común invitan al espectador a adentrarse literalmente en la luz y reflexionar acerca de sus vidas y la existencia humana. La cuestión de la trascendencia también se halla presente en su trabajo para la ópera wagneriana Tristán e Isolda (2004–05), una obra mayor de la que se derivan dos instalaciones, La ascensión de Tristán (el sonido de una montaña bajo una cascada) y Mujer fuego, ambas de 2005.
Durante la última década, Viola ha continuado representando la experiencia fundamental de la vida a través de los medios y soportes más diversos. Buen ejemplo de ello es su empleo del agua en obras como Los inocentes (2007), Tres mujeres (2008) y Los soñadores (2013)—,y su recorrido por el ciclo de la vida, que se inicia en esta exposición con Cielo y Tierra (1992) y se “rebobina” literalmente en la pieza final, Nacimiento invertido (2014).
Torre V en Eindhoven mostrando la invasión por hordas pobres venidas del Sur una vibrante comunidad, «El muro cortina invadido por la miseria», tema de la Bienal de Venecia 2012
Era perfectamente previsible el éxito publicitario1, se hablaría del asunto, se compraría el libro, pero ¿León de Oro? Sí, en efecto recibieron un premio mayor. Que en definitiva deja muy bien probado el desenfoque unido a la superficialidad de quienes dirigen la creación de prestigios en el mundo de la arquitectura. Y también en el mundo del Arte en general, mejor no olvidarlo2. Y que lo vayan comprendiendo los comentaristas que se reducen a dar noticia de cuanta cosa se lleva fuera. Con esto se sentirán confundidos y tratarán de adaptarse, de mover la silla más allá.
Un amigo cercano me comenta, al saber lo del premio, que ya no son los colonizadores los que ofrecen baratijas a los nativos, sino al revés. Son chucherías que le permiten al europeo con afanes críticos dar a entender que corre con los asuntos del mundo, que reacciona crítico ante el vendaval de arquitecturas del espectáculo, al señalar en la dirección adecuada. Se frotará las manos Mr. Wiel Arets, presidente del Jurado designado por David Chipperfield3 y desde hace unos días Decano del Instituto Tecnológico de Illinois, súbdito de Su Majestad holandesa, autor de múltiples edificios entre los cuales torres de oficinas que nada tienen que envidiarle a la invadida estructura caraqueña. Más aún, son de la más avanzada tecnología, como la Torre V en Eindhoven, de menos altura que Confinanzas, pero revestida con paneles esmaltados con un patrón impreso que va desde transparente a traslúcido en un ritmo aleatorio de manera que, dependiendo del ángulo, hora del día y densidad del patrón, se ve hacia el interior o se aprecia el reflejo de los alrededores. ¡Fantástico! ¡Maravilloso! eso sí, para holandeses, gentes civilizadas que no invaden edificios.
Aunque atención, la crisis de los del Sur es peligrosa ¿Qué pasaría si esa gente meridional, menesterosa, decide invadir esa torre para convertirla, como dice el veredicto del Jurado y la retórica del Think Tank, en autopromoción de los pobres? Se dispararían todas las alarmas. Por eso David Cameron, hace poco, propuso en el Reino Unido ajustar las normas para la inmigración. Tienen miedo ahora de los europeos del Sur. Pero, menos mal, en Holanda no podrían llegar a Eindhoven para formar una vibrante comunidad ¿O sí? (ver foto).
Pero vayamos al asunto central. La historia es la misma de siempre. Somos vistos como casos de estudio. Los europeos cultos se dan el lujo de ignorar o pasar por alto (para eso los ayudan los arribistas de aquí), que no hay posible autopromoción de los pobres que no pase por una búsqueda incesante de perfeccionamiento de la democracia. Ellos ya tienen la democracia y en realidad, tal como decía el embajador español en Venezuela de hace unos años, felizmente alejado del cargo, a nosotros nos viene bien un Jefesote. No nos merecemos la dignidad ni la transparencia. No se han dado cuenta que si hay algo que ha caracterizado a América Latina es una permanente lucha buscando la democracia. Que hemos venido haciendo nuestra la idea de que la redención de los pobres pasa por allí, no por la anarquía manipulada que hizo posible la invasión de la estructura de Confinanzas. Lucha que nos diferencia de otros lugares del mundo y que ha venido a ser parte integrante, inseparable, de nuestra identidad. ¿Cómo puede eso colocarse fuera del escenario de una Bienal de Arquitectura? Ya es, como lo decíamos la semana pasada, cinismo puro que un gobierno autoritario adorne sus arbitrariedades vistiendo de gala un programa mediocre como la Misión Vivienda, pero que los directivos de la Bienal acepten tomar una comunidad de humillados y ofendidos dirigida por asalariados de ese mismo gobierno como escenario de fondo para una venta de arepas a 8 euros con sillas de Philippe Starck, salsa como música de fondo y presentarlo como alusión a los territorios comunes (common grounds) en las ciudades de hoy, es una muestra de ignorancia. Eso, por más Decano de Illinois que Wiel Arets4 sea. Y si además no figuran en el panorama los dramas de niños caídos al vacío, de extorsiones diarias a manos de delincuentes, de venta de espacios, de promiscuidad, de complicidad con autoridades complacientes; más que ignorancia es idiotez. Que no la puede ahogar la tertulia de cócteles en Manhattan, Londres, Venecia o Amsterdam, o las especulaciones académicas de las grandes universidades.
Con lo que se comprueba además que la crisis europea vista desde el privilegio no garantiza una mirada más aguda. Ya lo hemos visto venir en los comentarios de diarios o revistas que promueven una perspectiva diferente pero no hacen más que refugiarse en lugares comunes como más por menos, arquitectura sostenible, nuevas direcciones, etc. etc. cuando podrían señalar muy simplemente hacia la buena arquitectura. Durante los años festivos fueron incapaces de encontrarla, de jugar a favor de ella, de mostrarla, tan ocupados estaban siguiendo la corriente. Y ahora quieren corregir rumbos recurriendo a los conocedores de las reglas de Internet, quienes se disfrazan con lo de aquí pero tienen sus habilidades de escaladores allá.
Y decíamos que los comentaristas empezarían a mover la silla, pero también la moverán aquí los que no han pisado firme en nuestras realidades. Mal muy nuestro, estar ansioso por abrevar en lo de afuera. Empezarán a pensar que el camino del Think Tank es el más conveniente para un éxito rápido. Que esos jóvenes dieron en el clavo. Esa es la parte peor del asunto, el Jurado de Venecia señala en la dirección equivocada creyendo que hace lo contrario y eso, hoy, tiene inmediatas consecuencias. Del momento, es verdad, pero consecuencias al fin.
Pero no hay mucho que hacer5, venderle el alma al diablo está de moda. Y funciona6.
Óscar Tenreiro Degwitz, Arquitecto.
Venezuela, septiembre 2012, Entre lo Cierto y lo Verdadero
Notas:
1 Lo digo más abajo, pensé que tendrían éxito pero no tanto. Pero así van las cosas en este ambiente en el que se viene moviendo la arquitectura.
2 Ya tuve una ventana sobre el tema muchos años atrás, cuando en 1985 Aldo Rossi organizó la Terza Mostra, como llamó en ese momento a la sección de Arquitectura de la Bienal de Venecia. Desde aquí había puesto a mi grupo de estudiantes a trabajar en una propuesta para “los Castillos de Romeo y Julieta”, unas ruinas ubicadas cerca de Montecchio Maggiore, en el Véneto, para las cuales se pedía una proyecto de aprovechamiento. Trabajó el curso muy duramente y logramos un producto no exento de interés y hasta digno de una segunda mirada, lo cual me llenó de ingenuo optimismo.
Y para la Bienal fui a observar lo que había pasado. Nuestro trabajo (para el cual contamos con la asesoría de August Komendant) estaba allí expuesto junto a muchos otros. Y además, en lugar preferente, los premios, los Leones dorados, los importantes.
3 En resumen: Daniel Liebeskind que para el tema Piazze di Palmanova presentó unas enormes maquetas de madera de unas “máquinas” que imprimirían algo, hechas según creo por sus alumnos de la Cranbrook Academy. Peter Eisenman, a propósito del mismo tema en que participábamos nosotros, prefiguraba veinte años atrás el actual mamotreto de la Ciudad de las Artes de Galicia. Y lo acompañaba de una “Memoria” que siempre me ha parecido (hasta el punto de haber transcrito parte de ella en un librito de notas que me acompañaba) un ridículo prodigio de filosofía “light”. El ya hoy muy olvidado Robert Venturi había sido premiado por su idea para el Ponte dell’Academia. Seguían una serie de premios que sería largo reseñar aquí, sin que me olvide que junto a lo de Eisenman en el tema de los Castillos recibió Maria Grazia Sironi, mas bien artista gráfica y pintora, quien se ha ocupado de establecer relaciones entre la música y la arquitectura. Y no debo olvidar a Franco Purini quien disfrutaba en esos tiempos de la arquitectura de papel, un bien ganado prestigio por sus estupendos dibujos de una arquitectura más o menos inventada.
4 Ya sabemos que a Liebeskind y Eisenman les esperaba un futuro de mucha actividad pero lo que me interesa ahora es que el estupor que me causaron los premios me llevó a conocer las anécdotas que estaban detrás de ellos, que los justificaban podría decirse. Regresando de Venecia, en efecto, pasé por París Y siguiendo mis impulsos y los datos que me dio un amigo arquitecto, llamé a Bernard Huet (1932-2001) miembro del Jurado de la Bienal. Nos citamos en un café y tuvimos una larga conversación que me inició en lo que me pareció entonces y me confirmó la vida posteriormente, el mundo subterráneo de las influencias y arreglos del mundillo de la arquitectura prestigiosa. Lo primero que me dijo Huet es que los premios a los extranjeros más conocidos ya estaban asignados de antemano. Que cuando Rossi hizo las invitaciones a los “Venturi et al” las hizo garantizándoles un premio. Y durante las deliberaciones del Jurado se cuidó de lanzarle un dardo a las distintas mafias, de Roma, de Florencia o de Venecia. Hago constar que la palabra mafia la usó Huet.
También me habló en un tono laudatorio de dos proyectos, con los cuales evidentemente se identificaba (no con los otros, me pareció), el de Venturi y el de Maria Grazia Sironi. Yo, ingenuo y creyente en que la arquitectura es construcción, creencia que mantengo hasta hoy, sentí ciertos escalofríos cuando recordaba el escenográfico puente del primero, a la vez que me causaba profunda extrañeza que lo de Sironi, un juego de pequeñas señales acústicas y pictóricas en el paisaje que poco entendí y hoy recuerdo de modo confuso, le hubiera parecido tan bien.
Comprendo ahora mejor, que entre diletantes de la arquitectura, o preferiblemente, entre personas que discursean de modo culto sobre lo que la arquitectura debe ser, la ideología ha hecho, hace y hará estragos. Y proporciona base para señalar, para sentar preferencias y moverse con soltura en ese espacio en el que todo parece posible y nada es comprobable sino como apuesta que siempre puede ser refutada, que es el Proyecto. Todo lo que no ha sido construido navega bien en el mar de la ideología, y Huet lo que me estaba expresando, para mi cierta rabia y no poca frustración, era una preferencia ideológica.
5 Regresé a Venezuela, mi hogar de estrechas fronteras pero mundo esencial, con preguntas que no podía contestar y que sólo hoy dos décadas después lo hago con mínima tranquilidad. A esa burbuja brillante y atractiva de los foros internacionales no se le pueden pedir muchas cosas; y desde luego una que está fuera de su alcance es la de la veracidad. Ocurre con ellos lo que ocurre con todas las tentaciones de la gloria que enseñan los mitos: te muestran el mundo a tus pies para seducirte, pero debes entregar algo a cambio y entre ellas una condición que es la que mejor permite vivir, la de la transparencia. Ganar ciertas glorias exige opacarse, esconder, calcular. Y si bien es cierto que todos en algún momento hemos estado dispuestos a dejarnos tentar, no viene mal haber perdido la apuesta, con ello hemos ganado, aunque nos demos cuenta un poco tarde.
6Y ya he ido demasiado largo. Mientras escribo esto me llega la información de que se alzan críticas a la Bienal. Una de ellas venida de un personaje que hace un cierto tiempo acumuló credenciales para estar muy bien ubicado en alguna de las anteriores versiones. Tal vez ahora le molesta haber pasado al olvido. Pero en las críticas hay muchos aciertos. Se califica a la Bienal con bastante razón como populista. Se dice que ha premiado la miseria, lo cual en el caso que nos ocupa a los venezolanos no puede ser más cierto. Pero lo más significativo es que ha dejado muy en claro la hipocresía que cunde en estos espacios, la ignorancia, la frivolidad. Pero eso no es nuevo. Lo nuevo, para mí al menos, es verlo tan claro.
Torres de Colón, de Antonio Lamela y los ingenieros Leonardo Fernández Troyano, Javier Manterola y Carlos Fernández Casado
Las Torres de Colón (anteriormente Torres de Jerez) son dos rascacielos gemelos con 116 metros de altura y 23 plantas. Fueron construidas por el arquitecto madrileño Antonio Lamela y los ingenieros Leonardo Fernández Troyano, Javier Manterola y Carlos Fernández Casado.
Tienen una estructura suspendida de dos grandes pilares unidos en lo alto por una plataforma, de la que cuelgan las dos torres, mediante grandes vigas perimetrales de seis metros de canto, atirantadas cada una de las plantas con cables de acero.
Para su construcción, primero se realizaron los cimientos de hormigón sobre los que se hincaron los dos pilares y la plataforma superior.
Posteriormente se fueron construyendo las torres de arriba a abajo. Desde la plataforma superior, iban acercando planta tras planta, a la base. A sus pies, un cuerpo de tres plantas y seis forjados más de sótanos.
Fueron inauguradas con el nombre de Torres de Jerez, pues eran la sede central de la empresa Rumasa (de José María Ruiz-Mateos), en honor a la Jerez de la Frontera, ciudad originaria del grupo empresarial.
Tras la expropiación de Rumasa, el Gobierno las vendió en subasta al grupo Herón en 1986. La Aseguradora Mutua Madrileña compró el edificio en 1995.
En los años 90, cambios en la normativa hicieron que se tuviera que instalar una escalera de emergencia entre las torres. Se aprovechó, para recubrirlas por una segunda capa de cristal de color granate. Un error terrible, estéticamente hablando.
En el centro, arriba se añadió el controvertido enchufe de falso Art Déco, para ocultar antenas y maquinaria.
La reforma concluyó en 1993.
El arquitecto Lamela, recientemente fallecido fue autor del proyecto. También de la T4 de Barajas, junto con el Richard Rogers que diseñó el Centro Pompidú de París con Renzo Piano.
Las Torres de Colón alojan empresas y oficinas de representación, como el bufete Álvarez & Marsal, MCH Private Equity, Natixis, Legg Mason, M&G, BDO, la Oficina Comercial de Noruega en España, la Organización de Comercio Exterior de Japón, Hays, Bip & Drive y Tokio Marine, entre otras.
En 2012, el interior de las torres fue remodelado sin desalojar a sus inquilinos.
Desde la Plaza de Colón, cogemos cualquier autobús que recorre el Paseo de la Castellana y nos dirigimos a la Plaza de Castilla.
La sede de IBM en Madrid (España) de Miguel Fisac, 1967.
En nuestro recorrido, podemos ver una obra desconocida de Miguel Fisac, arquitecto autor de la Iglesia de los Dominicos en Alcobendas: la sede de IBM.
La mayor dificultad de este edificio consistía en eliminar el sol en su fachada oeste. Fisac lo resolvió mediante piezas de hormigón verticales prefabricadas de 2 centímetros de espesor rellenas de aislante, garantizando el control térmico y acústico.
En el trayecto hacia la Plaza de Castilla, existen otras actuaciones como el edificio de La Unión y el Fénix. Proyectado en 1965 por Luis Gutiérrez Soto, tiene alrededor de 28.000 m2.
Presenta un conjunto bajo y una torre en altura, para adecuarse al entorno formado por el Paseo de la Castellana y la calle trasera.
El edificio con su negra fachada de mármol, tiene 19 plantas y está coronado con la escultura símbolo de la empresa que encargó el proyecto: La Unión y el Fénix. Actualmente pertenece a la Mutua Madrileña.
La Unión y el Fénix de Luis Gutiérrez Soto (1966-1971) | Autor: Luis García | Fuente: wikimedia.org
Está rodeado de una arboleda donde se encuentra escondida, entre los jardines, la estatua auténtica del Ave Fénix. Esta estatua, obra del escultor francés, Charles René de Saint-Marceaux, fue la que ocupó originalmente la cúpula del edificio de la Unión y el Fénix Español, esquina de la calle Alcalá con la Gran Vía, hasta que en 1972, la compañía vendió el edificio a sus dueños actuales: la aseguradora Metrópolis.
Finalmente, la estatua fue reemplazada por otra que representa la Victoria Alada, de Federico Coullaut Valera.
El edificio Pirámide, que vemos a continuación, se erigió sobre los terrenos sobre los que se alzaba anteriormente el palacio de los condes de San Bernardo. Muchos palacetes, situados en el Paseo de la Castellana, tal como este, han sido derribados, muchos de ellos con maniobras especulativas durante la época de Franco.
Está situado en el número 31 del Paseo de la Castellana, haciendo esquina con Fortuny y Jenner. Fue proyectado también por el arquitecto Antonio Lamela en 1974.
Edificio Pirámide de Antonio Lamela Martínez (1974 -1979) | Fotografía: Luis García | Fuente: wikipedia.org
Tiene nueve plantas sobre rasante más cuatro sótanos.
Vayamos ahora al puente elevado sobre la Castellana, que une las calles de Juan Bravo y Eduardo Dato, y donde se encuentran muchas obras maestras de la escultura española.
El puente llamado popularmente como puente de Juan Bravo, salva dos colinas que demarcan los distritos de Salamanca y Chamberí.
Presentaba dos retos técnicos: uno, la existencia del paso de la línea del metro bajo el paseo de la Castellana, el llamado túnel de la risa. El otro consistía en que la estación de Rubén Darío no permitía el apoyo de ningún tipo de pilar sobre su bóveda.
Puente Enrique de la Mata Gorostizaga elevado sobre la Castellana (Madrid, España) de los ingenieros de Caminos José Antonio Fernández Ordoñez, Julio Martínez Calzón y Alberto Corral | Fotografía: puentemania.com
El proyecto es obra de los ingenieros de Caminos José Antonio Fernández Ordoñez, Julio Martínez Calzón y Alberto Corral.
Desde XX exhibe un museo de escultura abstracta al aire libre que ejecutaron los ingenieros, con la colaboración del escultor Eusebio Sempere. El museo quedó terminado en 1978 con la instalación de la Sirena Varada de Chillida.
Este espacio se creó como una forma ejemplar de acercar el arte moderno al ciudadano.
Las obras donadas por los artistas, muchas de ellas fueron creadas especialmente para el recinto, haciéndose cargo el Ayuntamiento de Madrid de los gastos de materiales e instalación.
La inauguración oficial del museo tuvo lugar el 9 de febrero de 1979.
En el año 1995, la película Historias del Kronen dirigida por Montxo Armendáriz basada en la novela del escritor José Ángel Mañas, tiene como escena dramática la que protagonizan Juan Diego Botto y Jordi Mollà al suspenderse de sus barandillas.
Enrique de la Mata Gorostizaga elevado sobre la Castellana (Madrid, España) de los ingenieros de Caminos José Antonio Fernández Ordoñez, Julio Martínez Calzón y Alberto Corral y Museo de las Esculturas al aire libre | Fuente: mateturismo.wordpress.com
El museo ocupa 4.200 m2, la mayoría de los cuales se encuentran bajo el tablero del puente, existiendo a los lados unas zonas ajardinadas.
Sobre él hay un pequeño paso para peatones con barandillas iguales a las del resto del puente.
¿Recuerdan al sr. Lobo interpretado por Harvey Keitel? Protagoniza el episodio junto con John Travolta, Samuel L. Jackson, Tarantino y un cadáver con los sesos desparramados en el interior de un coche, una de las escenas más inolvidables de Pulp Fiction.
-Soy el sr. lobo, soluciono problemas (…) tienen un cadáver sin cabeza metido en un coche en el garaje, enséñemelo…
En menos de 40 minutos todo ha quedado solucionado, el coche retapizado y el cadáver arrojado a un vertedero.
Algunos hemos tenido la tentación de actuar así ante la foto propuesta por Àlex Serrano, de todas, la más inquietante de engawa. Quién sabe cómo llegó Àlex a ella. El modus operandi del Sr. Lobo pasaría por clarificar la situación, eliminar el espanto que lo recorre todo y salir de allí corriendo con algún artículo basado en el orden o el desorden. Y siendo este procedimiento de lejos el más confortable encontrarán en este número una inmersión, no exenta de riesgos, al desorden absoluto.
Entre todos los objetos dispares que se amontonan en la imagen aparecerán dos pintores absolutamente opuestos, un cantante con un Nobel, dos detectives, ciudades en ruinas y un largo etc. hasta completar este número 21 de la revista.
Gracias a todos a los que habéis aceptado esta propuesta, y gracias especialmente a Àlex Serrano por su colaboración.
Situada en una parcela de forma triangular a las afueras de una pequeña población, la vivienda está rodeada por fincas de usos mixtos. La bordea por un lado una pequeña plantación de árboles frutales, un camino en otro y una calle en su fachada principal.
La vivienda se presenta como un cuerpo pesado construido en piedra, adaptado a la geometría de la parcela, sobre el que se apoya un pequeño volumen que crea una doble altura en el interior. La construcción reinterpreta la esencia de la mampostería tradicional de los muros piedra de gran grosor, que protegen de un modo contundente el espacio doméstico.
La distribución interior organizada en función de la orientación permite vivir la casa con el movimiento del sol: las habitaciones al amanecer; la fachada sur con grandes huecos en cocina, estar, estudio y comedor; una apertura vertical al oeste que proyecta sobre el interior la luz del atardecer. La fachada norte aloja los accesos y amortigua los cambios de temperatura mediante las zonas de almacenaje, lavandería y garaje.
Las circulaciones se distribuyen a partir del espacio principal a doble altura, que va transformando los usos de lo público a lo privado. Una escalera volada da acceso al altillo. Desde él y mediante un hueco en la esquina sureste se accede a la cubierta vegetal, que protege térmicamente la totalidad de la planta baja.
El esqueleto interno lo compone una estructura metálica ligera, que en contraposición a los muros de la envolvente de granito permite crear un interior de espacios continuos, buscando conexiones, salvando grandes vanos y propiciando las vistas diagonales. Las instalaciones centralizan los sistemas de ventilación, agua y energía bajo el forjado de la planta baja, separando los usos técnicos de las actividades cotidianas.
Obra: Casa VMS
Arquitecto autor y director: Marcos Miguelez
Ubicación: León, España
Arquitecto técnico director: Enrique Serrano Daroca
Arquitecto técnico colaborador: Alejandro Mikros
Área: 290 m2
Año: construcción 2016
Fotografías: Antonio Vázquez + marcosmiguelez.com
Proveedores
Estructura: Soluciones Avanzadas del Metal S.L.
Fachada: Piedra Porriño C.B.
Instalación eléctrica: Electricidad Rodríguez Blanco C.B.
Inst. térmica y fontanería: Renerbi S.L.
Carpintería metálica exterior: Aluminios y Reformas Casares C.B.
Cubierta: Impermitec S.L.
Cerámica: Porcelanosa S.A.
Factoría Cultural, Vivero de Industrias Creativas de Matadero Madrid une sus fuerzas con el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid (COAM) en la primera edición de EmprendeArquitectura, un programa de apoyo a propuestas innovadoras que apuesten por la sostenibilidad, el cooperativismo, la arquitectura orgánica, el uso de nuevas tecnologías, materiales y espacios virtuales, entre otras iniciativas.
El plazo de presentación de proyectos permanecerá vigente hasta el 17 de septiembre y los nueve candidatos seleccionados entrarán a formar parte de un plan de innovación con talleres sobre oferta, mercado y branding (entre otras áreas), recibirán asesoramiento especializado por parte de José Javier Quintana (arquitecto) y Ariadna Cantis (Comunicación en COAM) y participarán en una jornada profesional en Matadero Madrid junto con otros compañeros de su sector.
¿QUÉ ES?
Programa de incubación enfocado al desarrollo de iniciativas empresariales viables dentro del ámbito de la arquitectura y por el cual se ofrece a los emprendedores herramientas que complementen su formación académica. Todo ello con el objetivo de apoyar su proyecto.
¿DIRIGIDO A?
Cualquier emprendedor mayor de 18 años, de cualquier nacionalidad que desee desarrollar una idea de negocio viable, creativa e innovadora en cualquiera de los ámbitos relacionados con la arquitectura. Entre los ámbitos de actuación estarían, entre otros: energía, sostenibilidad, rehabilitación, participación, cooperativismo, arquitectura orgánica, turismo/cultura, diseño de producto, tecnología del mundo virtual, nanotecnología, nuevos materiales, robótica, domótica, utilización de drones, impresión de 3D y espacios virtuales.
CRONOGRAMA DE INCUBACIÓN DE PROYECTOS.
– Plan de Innovación (mes 1 al 3).
– Asesoramiento (mes 1 al 6) de entidades colaboradoras, Factoría Cultural y SECOT.
– Jornada profesional EmprendeArquitectura, como parte de las Jornadas de Emprendimiento Creativo (mes 6).
¿QUÉ? Convocatoria EmprendeArquitectura 2017 NÚMERO DE BECAS: 9 PLAZO DE LA CONVOCATORIA: Del 14/07/16 al 17/09/17 BASES + INSCRIPCIÓN.
Ensamblar es por definición la acción de unir piezas o partes, e implica la irrenunciable aparición de una junta. Con frecuencia es la expresividad de la junta la que hace legible y comprensible la arquitectura, pues es allí donde han quedado registrados los datos en los que se fundamenta la construcción.
Para el ojo del constructor experimentado es en la junta donde se entiende el carácter de cada pieza y la relación entre las partes. Es allí donde éstas se complementan, subordinan o incluso se oponen, porque en realidad hay juntas para todos los gustos.
Antes los edificios se construían; se formaba una pieza, una masa única. Hoy a menudo se ensamblan. Frente a trabajar y terminar los materiales in situ, la arquitectura del montaje implica la necesidad de componentes preformados en taller que en obra son colocados y ajustados, pero con nula transformación de la pieza en el lugar.
Este sistema constructivo, genera por tanto un mundo de juntas, un mapa que muestra a base de pequeñas cicatrices cómo las piezas se unen conformando poco a poco un todo que resuelve la arquitectura. Pero juntas las hay de muchos tipos, soldadas como las de un barco que no deben tener ni un poro para ser así impermeables, o las hay como las de Carlo Scarpa, que son juntas de separación y no de unión. Las diferentes fases de construcción quedan expuestas mediante cortes. Las escaleras nuevas flotan por encima de los viejos suelos, mostrando que no pertenecen a aquel mundo anterior y que en cualquier momento pueden ser retiradas sin alterar el original.
Los pasamanos de las barandillas se acercan sin tocarse, separados por exquisitas piezas metálicas, narrando en cada junta el proceso de la construcción. Y es que para Carlo Scarpa la junta es un adorno arquitectónico en el que reconocer el proceso que se ha seguido para ensamblar la arquitectura.
Cine Barcelo. Vista del entresuelo | Fotografía: Luis Lledó
Continuamos el recorrido por el Cine Barceló, enfrente del Mercado Barceló, restaurado últimamente y, por tanto, mucho más moderno.
El Cine Barceló se encuentra en la calle Barceló, haciendo esquina a Larra, y se construyó, frente a los jardines del Hospicio madrileño como cine de barrio. El arquitecto fue Luis Gutiérrez Soto.
Es de estilo racionalista – art decó. Su fachada se estructura en franjas y huecos horizontales de aspecto aerodinámico.
El solar posee planta en forma de trapecio y su acceso principal se encuentra en el eje. La distribución del interior logró una mención en uno de los más importantes libros de Neufert:
«El arte de proyectar en arquitectura».
En la entrada se encuentran dos núcleos principales de escaleras que dan paso al vestíbulo.
Cine Barcelo. Vista del vestibulo
Se inaugura en 1931 y en 1974 se proyecta la última película.
En el año 1980 se convierte en una sala de fiestas de la cadena de discotecas Pachá, retirándose el clásico cartel de cine.
En 2013, por diferencias en la gestión entre el dueño de la firma Pachá y el propietario del edificio, se rompe la relación entre ambos y pasa de nuevo a llamarse Teatro Barceló.
El cine poseía un aforo de 1.210 localidades, y en su terraza de cine al aire libre, era muy popular durante las noches de verano, que se anunciaba como la Gran Terraza del Barceló.
Del Teatro Barceló vayamos al Mercado de Barceló, prácticamente enfrente.
Centro polivalente en Barceló
El Mercado Municipal de Barceló fue un mercado de abastos situado en el nº 6 de la calle Barceló. En 2014 se demolió y fue sustituido por el Centro Polivalente Barceló.
El primer supermercado en España se instaló en este viejo mercado como una experiencia piloto realizada en 1937, en plena defensa de Madrid.
Al amparo de la Nueva Ordenanza de Mercados, se crea una asociación de vendedores que se encarga de parte del Mercado. Así estuvo durante años, aunque, poco a poco, fue envejeciendo y deteriorándose.
En 2009 se inicia la remodelación del viejo mercado, según el proyecto ganador del concurso de ideas convocado por el Ayuntamiento de Madrid, obra de los arquitectos Enrique Sobejano y Fuensanta Nieto
El nuevo mercado de Barceló tiene 7.150 metros cuadrados distribuidos en tres niveles y una cuarta planta, con acceso independiente, destinada a uso comercial distinto del mercado.
La cubierta del edificio es una gran plaza-mirador elevada a 13 metros de altura y con 1.400 metros cuadrados de superficie, a la que se accede mediante un núcleo de comunicación independiente y una larga rampa mecánica. En ella se puede jugar, hacer deporte, tomar el sol o asomarse a ver las vistas de paisaje urbano.
Esta calle cubierta la forma una elevada galería de 18 metros de altura.
La transparencia es uno de los signos de identidad del nuevo mercado, cubierta por grandes paños de vidrio que dejan ver los puestos interiores y aportan iluminación natural.
Mario Vargas Llosa, premio Nobel de literatura, ya tiene una biblioteca con su nombre formando una unidad con el Centro Polivalente.
La biblioteca comparte diseño con el complejo anterior y con un polideportivo, consta de más de 24.000 ejemplares.
Tiene tres plantas que albergan la zona infantil, bebeteca, más de 140 puestos de lectura y 40 con conexión a Internet, además de videoteca y revistas.
Todo el espacio está bien iluminado por luz natural, gracias a sus muros de cristal traslúcido en los que se han insertado frases del escritor peruano.
Mercado, Polideportivo Y Biblioteca Barceló / Nieto Sobejano Arquitectos |Fotografía: Roland Halbe; Veroeffentlichung nur gegen Honorar, Urhebervermerk und Beleg | Fuente: plataformaarquitectura.com
Vargas Llosa considera a Madrid como su casa, una ciudad a la que llegó en 1958 y que,
“ha visto transformarse en una metrópoli que ignora la xenofobia, el chauvinismo y que no es de nadie porque es de todos”.
Con esta son ya treinta y una las bibliotecas municipales que tiene la capital.
Desde ahí caminaremos hasta la Plaza de Colón, para ver las Torres construidas en 1974…
Este libro forma parte de la colección Textos Críticos, que recoge los escritos fundamentales de profesores del Departamento de Proyectos de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid, donde han ejercido durante años un amplio y generoso magisterio.
En estos textos, seleccionados por el propio autor como legado de una encomiable trayectoria docente, se concentran, destilados, sus principios éticos y estéticos. Este resumen de su pensamiento muestra la pasión que siente Campo Baeza por la arquitectura y por la enseñanza. Su discurso, directo y claro, se dirige hacia los alumnos con la intención de compartir con ellos sus profundos conocimientos, su amplia cultura, su afinada sensibilidad y las razones («la razón es el principal instrumento del arquitecto») por las que ha hecho y sigue haciendo arquitectura.
En definitiva, se trata del fecundo testamento intelectual y humano de un extraordinario arquitecto e inspirador maestro, siempre generoso con alumnos y colegas.
Alberto Campo Baeza.
Es catedrático de proyectos en la Escuela de Arquitectura de Madrid, ETSAM, en la que ha sido profesor durante más de 35 años. Sus obras han tenido un amplio reconocimiento; desde la Casa Turégano o De Blas, ambas en Madrid, hasta las casas Gaspar, Asencio y Guerrero en Cádiz, pasando por la Casa Olnick Spanu en Nueva York y la Guardería para Benetton en Venecia.
De su libro de textos La Idea Construidase han publicado más de 30 ediciones. En 2009 se editó una segunda colección de sus textos titulada Pensar con las manos. En 2015, la editorial Los libros de la Catarata ha publicado Quiero ser arquitecto.
El proyecto de la CASA ARGUMOSA consiste en la reforma integral de un viejo piso en la zona de Lavapiés.
La vivienda original constaba de cuatro dormitorios, dos baños, una cocina y un salón, todos ellos de minúsculas dimensiones. La estructura era compleja: constaba de tres fachadas a tres calles distintas, y los ángulos entre ellas generaban tres ejes distintos, que dejaban su huella en la tabiquería y en la estructura.
La reforma tiene como idea aprovechar las tres fachadas de la casa, que inundan de luz la vivienda durante todas las horas del día, mientras que adaptamos el programa de la vivienda a las necesidades del nuevo cliente, un joven que vive solo: un dormitorio, un salón-comedor, una zona de trabajo y una cocina conectadas en un concepto abierto.
La solución aportada consiste en el diseño de una gran pieza de madera lacada que contenga una zona de trabajo y que articule y nutra a los demás espacios. Esta pieza de madera puede cerrarse, conteniendo un dormitorio de invitados con baño y zona de almacenaje, o abrirse, convertida en pieza de trabajo, a la zona de estar. La pieza es exenta, de forma que los espacios se conectan y, lo más importante, permiten que la luz vierta a la zona de estar de la mañana a la noche.
La pieza lacada, además de definir los espacios, contiene una zona de almacenaje para la cocina, una cama de invitados, unos estantes y una mesa de trabajo, unos armarios auxiliares y el cabecero y las mesillas de la cama principal, diseñada y realizada específicamente para este proyecto.
Obra: Casa Argumosa
Autor: BEdV Arquitectos
Equipo: Arturo Baroja, Ignacio Estévez, Andrés del Valle, Aitziber Eraso y María Revilla.
Localización: Calle Argumosa. Madrid.
Fecha: Octubre 2017
Superficie: 85m2
Fotografía: ImagenSubliminal / Miguel de Guzman+Rocio Romero + bedv.es
Se convoca el PREMIO DE URBANISMO ESPAÑOL 2017, QUE TIENE POR OBJETO RECONOCER LA CALIDAD DE AQUELLOS TRABAJOS DE PLANEAMIENTO O DE URBANIZACIÓN DE ESPACIOS PÚBLICOS REALIZADOS EN ESPAÑA y que se hayan finalizado o hayan tenido algún tipo de aprobación pública con participación ciudadana posteriores al 1 de enero de 2015, y que sean trabajos REALIZADOS POR EQUIPOS PROFESIONALES DIRIGIDOS POR ARQUITECTOS ESPAÑOLES.
Al tratarse de un Premio Honorífico no comporta dotación en metálico.
Los trabajos que se presenten vendrán propuestos por alguna de las siguientes instituciones:
– Los Colegios de Arquitectos o Consejos de Colegios.
– Las Agrupaciones de Arquitectos Urbanistas.
– Las Reales Academias de Bellas Artes.
– Las Administraciones Públicas de carácter nacional, autonómico o local.
– Las Escuelas Técnicas Superiores de Arquitectura.
Los trabajos deberán contar con la aceptación expresa de los arquitectos directores de los mismos.
El fin del plazo de presentación de los trabajos será el 15 de septiembre de 2017.
En 1929, en plena explosión propagandística alrededor del primer plan quinquenal fue convocado el concurso para la Ciudad Verde, un barrio de descanso situado en la zona verde en las afueras de Moscú. El primer plan quinquenal soviético (1928-1932) tuvo como tema central la industrialización a gran escala y la mecanización de todas las ramas de producción, colectivización de la agricultura y de la tierra, formación de los koljoses (cooperativas agrícolas). El plan sentó las bases para la planificación económica en toda Europa Oriental, acabando en una gran celebración por haber adelantado en un año la producción prevista. La construcción de complejos de industria pesada en toda la geografía con los asentamientos para los obreros, suscitaron el segundo debate urbanístico sobre las características y la organización de la ciudad socialista, tras un primer debate relacionado con la electrificación masiva y los supuestos económicos definidos por la NEP.
En pocos años fue convocada una multitud de concursos para planificar las nuevas ciudades industriales: Kuznetsk, Avtostroi en Nizni Novgorod, Magnitogorsk, Stalingrado, Jarkov, Kominternovsk, entre otros. Los grandes nombres de constructivismo ruso participaron en el debate entre los principios de urbanismo y desurbanismo y hubo mucho intercambio con la vanguardia europea; varios nombres importantes sobre todo en torno a Ernst May y a su “Brigada May” que trabajaba sobre Magnitogorsk, participaron en la planificación y construcción de las nuevas ciudades soviéticas.
La Ciudad Verde, sin embargo, era otra cosa. Se trataba de una ciudad satélite cerca de Moscú para 100.000 habitantes (o usuarios) que no se vinculaba directamente a los centros de trabajo. De hecho, todo lo contrario: su razón de ser era el descanso intensivo de los trabajadores y por tanto, interesaba su más extremo alejamiento de la industria. Se preveía un tipo de alojamiento temporal, una especie de segunda residencia intercambiable, unida por los centros de cultura y educación y grandes masas verdes.
La propuesta de Mélnikov fue posiblemente su proyecto más radical: la idea principal era asegurar la máxima calidad de sueño, planteando la ciudad como la máquina para dormir. Su elemento base eran las unidades residenciales de dormitorios colectivos, cada una para 4000 personas, organizadas de tal manera que permitían un sueño profundo e ininterrumpido y cuyo diseño tendría que unir los conocimientos de médicos, músicos, arquitectos y otros técnicos. El problema de la clase obrera era el descanso. Las 8 horas de trabajo se alargaban sistemáticamente para cumplir o superar las cuotas de productividad establecidas por el plan. Había además el trabajo voluntario para la comunidad, horas de educación continua, reuniones interminables de las células políticas y sesiones de autocrítica que hacían desaparecer a las 8 horas libres además de alguna hora del sueño que también se reducía por la pérdida de tiempo en desplazamientos o abastecimiento. En la memoria del proyecto Mélnikov escribía:
“Y ahora cuando oigo que nuestra salud necesita de alimentación, yo digo que no, que lo que necesita es sueño. Todos dicen que para descansar se necesita de aire, y yo digo nuevamente que no: sin sueño el aire es incapaz de restablecer nuestras fuerzas…”
Dormitorio bloque, planta y sección
El bloque –de tipo cuartel- consistía de dos alas unidas por el núcleo de comunicaciones y servicios mientras que los extremos de cada una son reservados para las áreas de control ambiental. Para hacer agradable y sobre todo funcional el sueño individual en un dormitorio colectivo, lo más importante era el aislamiento o el control acústico. Mélnikov planteó un trabajo interdisciplinar para contrarrestar los ruidos de gente entrando, hablando o roncando mientras los otros proletarios duermen. Se podían reproducir sonidos de la naturaleza, de hojas de árboles, lluvia fina o de olas del mar. También se reproducían piezas de música o lectura de libros si los sonidos naturales no daban resultado. Se controlaba la temperatura, la humedad y la presión del aire, se impulsaban aromas de bosques o prados, pero si todavía costaba conciliar el sueño, las camas, completamente mecanizadas se podían balancear suavemente. De esta manera el edificio actuaba en todos los niveles sensoriales: físico, psíquico, químico, térmico o mecánico. También las alas de los bloques tenían los forjados inclinados para optimizar la posición de los cuerpos que descansan. El absoluto control ambiental en el interior, como también el control del mecanismo del sueño permitía que los acabados sean totalmente transparentes y restablecer con la luz el ciclo natural del sueño.
Galería pública: perspectiva
Galería pública: planta – alzado
Estación de tren – sala de conciertos: alzado
Estación de tren – sala de conciertos: sección
Mélnikov calculó que la ciudad tendría 12 de estos bloques situados a lo largo del anillo perimetral, mientras que el interior se dividía en sectores de bosque, jardines y huertos, ciudad infantil, zoológico, sector público. El centro geométrico del círculo se destinaba al Instituto de la Persona, marcado en el plano con una estrella, donde los trabajadores recibían la educación ideológica. La Ciudad Verde tenía otras edificaciones con contenidos afines a la función general de descanso: estación de trenes que aprovechaba la gran cubierta de los andenes para convertirse puntualmente en sala de conciertos, hotel con pabellones turísticos y bloques de viviendas para los empleados del centro. Estos bloques se pensaron como galerías públicas -o domésticas como las llamaba Mélnikov- de 200m de longitud donde en la planta baja se situaban las viviendas y en la planta primera los contenidos públicos: biblioteca, guardería, cafetería, etc. El hotel municipal, también de dos largas alas de habitaciones, proponía escalar en tres niveles el interior de cada habitación para permitir un asoleamiento total y una ventilación óptima del espacio interior. Se llegó a construir una habitación a escala 1:1. Mientras que las galerías públicas y el hotel tenían un diseño similar y racionalista, los pabellones turísticos – uno cónico y otro en forma de pirámide invertida- recordaban a las formas de su pabellón de París de 1925 o del proyecto para el faro dedicado a Cristóbal Colón, también de 1929.
Pabellón turístico tipo 1
Pabellón turístico tipo 2
Habitación del hotel: interior
Habitación del hotel: planta y sección
La Ciudad Verde de Mélnikov toca el límite de la distopía en el punto donde plantea que una estructura superior -el estado- pueda llegar a colectivizar y controlar el sueño, el último reducto de la individualidad que quedaba tras la total ocupación y organización del tiempo libre. El uso de la mecánica y la tecnología para dar forma a la vida diaria, hasta para imponerla a la naturaleza y a la humanidad fue la obsesión de las primeras décadas de la URSS, que acompañaba a la ilusión de un desarrollo industrial explosivo. La arquitectura del constructivismo formaba parte importante del imaginario mecanicista, sobre todo los trabajos adscritos al grupo OSA. Melnikov es el constructivista más conocido en el occidente precisamente porque no lo era del todo. Su pensamiento, en un tiempo próximo al grupo ASNOVA de Ladovsky y Golosov, exploraba las implicaciones psicológicas y perceptivas de la arquitectura. Su funcionalismo se basaba en la expresividad de la forma –de los volúmenes en movimiento- y en la graduación de las apreciaciones tanto de la arquitectura nueva como de la histórica. Por parte de sus oponentes contemporáneos, Mélnikov a menudo era tildado de formalista, la mayor descalificación en la arquitectura (y cultura en general) soviética. La posición a medio camino entre el constructivismo y el acadecismo lo marginó, primero de la enseñanza en Vjutemás y después de la práctica profesional, en un momento histórico en el que los matices no tenían suficiente fuerza de persuasión.
Ciudad verde. Plano general.
Más que una solución para un barrio de descanso, la Ciudad Verde de Mélnikov puso de relieve las carencias de la calidad de vida individual de las ciudades proyectadas desde la funcionalidad y la eficiencia. La máquina para dormir fue una manera de decir que el bienestar psicológico tenía la misma importancia para el individuo (o para el proletario) que el bienestar físico. Por encima de la abundancia del aire limpio, de los árboles y de la luz natural, había que hacer un esfuerzo profesional para añadir las calidades: olores, temperatura o humedad, colores e intensidad, sonidos y silencio.
Vamos a realizar un recorrido por un Madrid Inédito, donde descubriremos edificios que corresponden al movimiento moderno en la arquitectura. Empezando por algunos edificios racionalistas de los años 30 o 40 del siglo XX, y terminando por los cuatro rascacielos del Paseo de la Castellana, cerca de la Plaza de Castilla.
Edificios, muchos de ellos, muy reconocidos en la historia de la arquitectura contemporánea.
Adolf Loos (1870-1933) | Fotografía: Otto Mayer
Empezaremos por los principios del siglo XX. Es entonces, cuando en Viena, en 1930, el arquitecto Adolf Loos escribe su libro «Ornamento y Delito«, que va a ser el manual de cabecera de los arquitectos que le preceden. En él sugiere simplificar los adornos de las fachadas e interiores y apostar por líneas rectas y sencillas.
Comienza, entonces, el Movimiento Moderno en la arquitectura, ligado también a la Bauhaus, a Gropius, a Le Corbusier y a los Congresos de la CIAM, Estos últimos se celebraron en Europa con la intención de reunir a políticos, filósofos, arquitectos, urbanistas, etc. para edificar viviendas que cumplieran con las condiciones de alojamiento masivo, salubridad, sencillez, economía y funcionalidad. Había que reconstruir las ciudades destruidas después de las guerras y querían hacerlo de manera distinta.
En España, fue el Movimiento GATEPAC -formado por un grupo de arquitectos activo desde antes de la Segunda República-, quien promovió la arquitectura racionalista.
En Madrid hay algunos ejemplos de esta arquitectura rompedora para la época, en la que abundaban los edificios eclécticos y afrancesados, como son los de la Gran Vía. Y otros, mucho más modestos, donde se hacinaban personas alrededor de patios vecinales, como las famosas “corralas”.
El recorrido lo empezaremos por la Gasolinera de Porto Pí, situada en la Calle Alberto Aguilera y diseñada por Casto Fernández Shaw en 1927. Es considerada como el origen de la arquitectura moderna española.
Gasolinera de Porto Pí, situada en la Calle Alberto Aguilera y diseñada por Casto Fernández Shaw en 1927
Como obra pionera, en ella se mezclan referencias al pasado con guiños a la modernidad y al progreso.
La torre se concibió como una chimenea de barco, las marquesinas como las alas extendidas de un aeroplano, dando todo un resultado expresionista único. La preocupación de su autor por las «nuevas tecnologías», se pone de manifiesto en todo el edificio.
Consta de dos partes principales: la marquesina, como símbolo de la aeronáutica, y la torre que alude a las chimeneas de los buques. El mar y el aire van juntos. La velocidad y el futuro se unen a ellos.
En la década de los veinte del siglo XX, no había gasolineras en las carreteras. Casi todas ellas se encontraban en las ciudades o pueblos y eran sencillos surtidores sobre las aceras.
La gasolinera de Alberto Aguilera fue revolucionaria en este y otros sentidos, siendo uno de los primeros intentos de dar valor a estas instalaciones. Se considera el nacimiento en nuestro país de lo que ahora se llama estación de servicio.
El derribo de la torre de la gasolinera en 1977, con nocturnidad y alevosía, fue una maniobra especulativa del Hotel que actualmente la rodea. La presión de particulares y asociaciones, como el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid, consiguió que se restituyera y que su imagen fuera acorde con el espíritu que su diseñador intentó dar.
Derribo de la torre de la gasolinera en 1977
En todo caso, era la única alternativa que tenía el Hotel de existir, ya que el tema llegó a manos del Ayuntamiento que impuso como condición, la reconstrucción de la gasolinera.
De ahí nos vamos a la Casa de las Flores de Secundino Zuazo de 1931, en la Calle Hilarión Eslava. Su patio ajardinado central ha supuesto un modelo para los estudiantes de arquitectura de todo el mundo.
Los balcones, decorados con jardineras y las flores de su patio central, fueron los elementos de donde surge el nombre del edificio.
Casa de las Flores de Secundino Zuazo de 1931
Es uno de los conjuntos más representativos de la modernidad racionalista de los años treinta y consta de cinco pisos de ladrillo. La planta baja tiene una serie de arcadas elípticas que coinciden con los soportales y con los escaparates de algunos locales.
A ambos lados, y en dirección norte-sur, dispone de dos cuerpos paralelos de cinco casas distintas cada uno.
Cuando Pablo Neruda fue nombrado cónsul en Madrid en 1934, su amigo Rafael Alberti le encontró esta casa como lugar donde vivir.
“Yo vivía en un barrio de Madrid, con campanas, con relojes, con árboles. Mi casa era llamada la casa de las flores, porque por todas partes estallaban geranios: era una bella casa con perros y chiquillos”.
Pablo Neruda, expresa así cómo el edificio, en el que vivió en Madrid entre 1934 y 1936, se convirtió en inspiración para su obra.
La defensa de Madrid durante la Guerra Civil, con el frente cerca de la casa, provocó que sufriera grandes daños. Fue restaurada en los años cuarenta y en el año 1981 declarada Monumento Nacional.
La convocatoria de los III Premios de Arquitectura Española Internacional está promovida por el Foro de la Arquitectura Española del Consejo Superior de los Colegios de Arquitectos de España – Foro CSCAE – , bajo la presidencia de honor del Ministro de Fomento del Gobierno de España.
Los Premios de Arquitectura Española Internacional están abiertos a profesionales de la arquitectura y empresas colaboradoras de origen español. Podrán optar al los premios las propuestas realizadas entre el 1 de enero de 2015 y el 31 de diciembre de 2016 y situadas fuera del territorio español.
Las propuestas deberán ser remitidas antes de las 15:00 horas del 15 de septiembre de 2017.
Categorías.
Premio Arquitectura. Se premiará la obra de arquitectos o empresas españolas de arquitectura en el exterior cuya ejecución haya finalizado en el ámbito cronológico establecido.
Premio Proyecto de Concurso Internacional. Se premiará la propuesta a un concurso para el desarrollo de un trabajo de arquitectura en el exterior presentada por arquitectos españoles. Para participar en esta categoría es necesario que el concurso se haya convocado en el ámbito cronológico establecido, y se haya fallado antes de la presentación de la documentación, con independencia del resultado del mismo.
Premio a la Empresa española asociada. Se premiará la obra ejecutada en el exterior por una empresa promotora o constructora española en la que hayan participado arquitectos españoles, que se haya finalizado en el ámbito cronólogico establececido.
Premio Urbanismo: Planeamiento Urbanístico y Realizaciones Urbanas. Se premiarán trabajos de arquitectos o empresas españolas de arquitectura en el exterior que tengan por objeto el planeamiento urbanístico o bien realizaciones de dimensión urbana redactadas o ejecutadas en el ámbito cronológico establecido.
Premio al Apoyo a la internacionalización. Se premiará a personas, empresas o instituciones que apoyen a las empresas españolas de arquitectura en su internacionalización. En esta categoría los miembros del comité de selección y del Jurado podrán formular propuestas para su consideración.
Arquitectura efímera en los jardines la Ciudadela de Pamplona.
“Quattuor” sugiere una forma distinta de mirar.
Cuatro volúmenes repetidos,
tan sólo de una matriz y el espacio intersticial,
de ello nacen infinitas lecturas.
Lleno y vacío forman un conjunto exterior coherente
y un interior de “calles” con límites no convencionales.
Como cuatro prismas tensos,
como si forzáramos la perspectiva,
como si el mundo se moviera sin el espectador, …
Pretendemos otra percepción de la ciudad.
La ocasión ideal para repensar la arquitectura y el porqué de su forma.
Este sencillo proyecto forma parte de la investigación
de un grupo de alumnos y un doctorando de arquitectura;
se trata de esbozar una encrucijada de caminos
que se convierten en calles al estar entre volúmenes
y forzar su posición perpendicular habitual para poder experimentar con ellos.
¿Qué pasaría si las ciudades no fueran redes de cuadrados?
¿Qué pasaría si las paredes no fueran verticales?
¿Qué pasaría si yo tuviera que dibujar y construir la ciudad?
¿Te has parado a pensar en la forma que tiene lo que habitas?
Muchas veces se asocia la forma de la ciudad a la forma de ser de su gente… ¿Por qué se parecen tanto tantos edificios y tantas ciudades? ¿y las personas?
Y ¿Por qué el número 4? Es el número que ordena la instalación. Está presente desde el objeto individual (4 caras inclinadas de 4 vértices cada una), hasta el conjunto de la instalación (4 módulos idénticos situados en las 4 esquinas de la instalación), incluso en los vacíos (4 vacíos iguales y uno en común en el centro). También son 4 los autores: Fernando Molina, Sofía Urzainqui, José Rodríguez y Maite Rodríguez.
Obra: Quattuor
Autor: Fernando Mariano Molina León, Sofía Urzainqui, José Rodríguez, Maite Rodríguez
Emplazamiento: Ciudadela de Pamplona, Pamplona. España
Promotor: Área de Cultura del Ayuntamiento de Pamplona.
Materiales: Estructuras de tubos de PVC cubiertas con licra tensada.
Año: desde 24 de junio hasta el 31 de agosto de 2017.
Área construida: 115 m2
Fotografía: Paco Sada
Vídeo: María Azkárate + fernandomolinarquitectura.blogspot.com.es
El arte de la fotografía. Obras de la Asociación Colección Arte Contemporáneo
La fotografía se incorpora como disciplina artística en el arte en las primeras décadas del s. XX, y podríamos decir que en el siglo XXI ya es un medio de expresión totalmente consolidado, quizás por sus amplias posibilidades para crear imágenes con el máximo realismo posible y que a su vez ofrece un amplio abanico de posibilidades de manipulación.
Dentro de la ACAC hay un importante conjunto de fotógrafos contemporáneos con amplia proyección artística, tanto nacional como internacional, que desarrollan sus trabajos desde la década de los años 80 y que abordan diferentes géneros como el retrato, fotografía arquitectónica, paisajística, etc.
Gracias al Antiguo Testamento hemos podido informarnos sobre la sucesión de plagas que sufrió el pueblo egipcio hacia siglo XIII a.C. Sobre ese tema se ha realizado sendas investigaciones para poder explicar desde la ciencia lo que se presume como de origen divino, habiendo coincidencia en señalar una serie de trastornos físicos y climáticos como los causantes de la alteración de las aguas del río Nilo. El sentido de este artículo no es especular sobre esas teorías, sino tomarlas como referencia para reflexionar sobre las secuelas que venimos viviendo en la ciudad de Piura, consecuencia del Fenómeno del Niño costero del presente año.
A poco más de dos meses de terminadas las fuertes lluvias, hemos tenido que soportar una inusual plaga de mosquitos, que han propagado el dengue entre la población, se han multiplicado los grillos y langostas, invadiendo pueblos y ciudades, se ha trastornado el ciclo productivo de la tierra, echando a perder importantes inversiones en cultivos, y así podríamos seguir sumando males. Alguno dirá que el “Niño” nos ha tomado por sorpresa, pero la verdad es que, si miramos un poco para atrás, nos encontraremos con noticias similares que se repiten cíclicamente.
Pérdidas en cultivos en Piura | Fuente: eltiempo.pe
Esto saca a la luz una plaga mayor a las antes mencionadas, una silenciosa, pero quizás la más dañina, pues su efecto negativo se acrecienta con el tiempo: la informalidad y falta de planificación; que se manifiestan en medidas de corto plazo y alcance limitado, que resuelven la foto del momento, pero que no construyen soluciones de fondo. La “Reconstrucción con Cambios” nos pone frente a una nueva oportunidad para poder superar esa plaga, y cambiar nuestro futuro desde un modelo de Planificación Estratégica y Adaptativa; que proyecte el desarrollo del territorio desde las cuencas, y oriente el diseño de nuestras ciudades para convertir al agua en un componente de desarrollo y calidad de vida urbana. Es muy importante que se aproveche este esfuerzo, combinando la experiencia de destacados expertos, el aporte de la academia, y el conocimiento de los técnicos locales, que serán los que posteriormente implementarán, evaluarán y adaptarán dichos instrumentos durante el proceso de desarrollo del territorio y las ciudades.
Es también importante que se evalúe en el marco de la planificación urbana y territorial las obras de infraestructura que se están proyectando ejecutar, así como la posible aplicación del mecanismo de “obras por tierras” anunciado dentro de los instrumentos diseñados para dicho proceso de reconstrucción. Ambos pueden terminar siendo perjudiciales para las ciudades y productores si no se mide su impacto desde un diagnóstico y escala mayor. Pensar en reducir el margen natural de los ríos para generar suelo urbano puede convertirse en un gran mal a futuro, pues estaremos renunciando a generar soluciones naturales para la mitigación de la crecida de las aguas, que además pueden servirnos como áreas verdes y recreativas.
Debemos planificar nuestro desarrollo desde nuestro contexto físico-ambiental y para nuestra sociedad, ese es el gran reto que tenemos los peruanos de cara al Bicentenario, y en particular los Piuranos, como responsabilidad histórica para con sus hijos.
Aldo G. Facho Dede · Arquitecto Lima · Julio 2017 Autor del Blog Habitar: Ambiente+Arquitectura+Ciudad
Hipocondríaco, aquejado de síndrome de asperger, maniático obsesivo-compulsivo del trabajo, perfeccionista del sonido y del silencio… Las excentricidades de Glenn Gould contribuyeron a popularizar las obras para teclado de J. S. Bach tanto como su talento y personalidad. Entre sus excentricidades, por supuesto, se encuentra su silla.
La proximidad con la que el pianista canadiense se situaba sobre el teclado requería una banqueta especial. De hecho, rechazó todas y cada una de las que le fueron ofrecidas a lo largo de su carrera como intérprete. En su lugar empleó obstinadamente una silla remendada.
Glen Gould chair | Suite 101
La forma de la silla es resultado de 21 años de uso ininterrumpido así como de las modificaciones pacientemente realizadas por Bert Gould, padre del artista. Se cortaron las patas y se eliminó el tapizado del asiento. Se incluyó un primitivo mecanismo para permitir controlar la inclinación de la silla al tiempo que se atirantaba por debajo para reforzarla.
Paradójicamente esta construcción anónima y descuidada se ha convertido en parte del mito musical y hoy es un icono posmoderno. Expuesta en una urna de metacrilato en la National Library de Canadá, hasta hace poco era posible comprar en internet una réplica (imagen inferior) por el módico precio de… 990 euros.
Glen Gould chair | Pianored
Elías Cueto, arquitecto
Santiago de Compostela, octubre 2010 Publicado en Nº 313 [sillas…]
The Red Thread es un elegante estudio sobre la belleza, la simplicidad y la funcionalidad del diseño nórdico, tanto pasado como presente. Su título, inspirado en la expresión sueca den röda tråden (el hilo rojo), es una metáfora de la esencia de una historia u obra creativa que se utiliza para describir el fundamento de una cuestión o la sustancia conectora de una idea. Este libro trata sobre el concepto del diseño como medio de progresión y sobre cómo el diseño nórdico en particular intenta satisfacer las necesidades prácticas de la vida cotidiana.
The Red Thread muestra la enraizada estética de las regiones nórdicas presentando la diversidad de su diseño a través de más de 200 objetos. Desde artículos funcionales hasta ornamentos exquisitamente producidos, telas tradicionales hechas a mano y muebles fabricados en masa, el perdurable atractivo del diseño nórdico ha suscitado un deseo de objetos de bella y experta factura en todo el mundo.
Organizado en tres categorías, ‘Diseño para mejorar la vida’, ‘Diseño para mejorar los espacios’ y ‘Diseño para mejorar las relaciones’, The Red Thread es una mirada universal a la importancia del diseño nórdico y su interés por objetos modestos, funcionales y accesibles que resultan necesarios para un estilo de vida práctico. La obra está asombrosamente ilustrada y cada página se dedica a un único objeto, lo cual permite a los lectores apreciar la verdadera belleza de cada uno. El libro, con encuadernación en tela y una portada con detalles en hilo rojo, es un objeto hermoso y táctil que inspirará a todos aquellos que sientan interés por el diseño.
El libro presenta una gran diversidad de talentos, con piezas tradicionales de diseñadores nórdicos clásicos como Alvar Aalto, Verner Panton, Tapio Wirkkala y Arne Jacobsen junto a creaciones de marcas emblemáticas como Georg Jensen e IKEA. Hay extraordinarias piezas de diseño contemporáneo, como los hules de Marimekko y los funcionales muebles del estudio de diseño danés Skagerak, además de clásicos intemporales como Stool 60 de Alvar Aalto para Artek. Las aportaciones de diseñadores actuales como Ingegerd Råman y Andreas Engesvik se suman a objetos anónimos y nuevos trabajos de diseñadores emergentes.
The Red Thread es obra de Oak Publishing, una editorial independiente de Copenhague fundada en 2013. Su publicación bianual Oak – The Nordic Journal es un homenaje al talento inspirador y la cultura nórdica. Con unos textos y fotografías extraordinarios, Oak presenta a personas, diseños, ideas y espacios visionarios de todo el mundo.
The Red Threades la última incorporación a la creciente colección de estudios sobre diseño internacional de Phaidon, Wa: The Essence of Japanese Design y Sar: The Essence of Indian Design, y una lectura obligada para aficionados al diseño y admiradores del estilo nórdico.
Un generoso local con 30 metros de fachada completamente acristalada y con una altura libre interior de 5 m, nos da las pautas para imprimir un marcado carácter industrial a la propuesta. Suelos, paredes y techos desnudos, instalaciones vistas y el gris oscuro como color uniformizador y telón de fondo, matizado por bandas de color amarillo.
Dos peceras de cristal ordenan el espacio interior marcando claramente las diagonales como elementos vertebradores. El mobiliario, sencillo, utilizando materiales industriales, con poco trabajo de manufactura.
Scanbot es una herramienta que nos ayudará a convertir a PDF cualquier documento que tengamos a mano.
Seguro que en alguna una ocasión hemos tenido la necesidad de escanear algún documento y no teníamos a mano un escáner. Pero si hay algo que siempre solemos llevar encima es el smartphone, y por eso naceScanbot, así tendrás un escáner portátil en tu bolsillo.
Scanbotes capaz de escanear cualquier tipo de documento en cualquier tipo de superficie. Una vez escaneado el archivo te da varias opciones, podrás compartirlo por correo electrónico, imprimirlo, o subirlo automáticamente a varios servicios de alojamiento en la nube como Drop, Dropbox, Evernote, Google Drive, OneDrive, Telekom Cloud, WebDAV y Yandex.
La calidad de escaneo es similar a los escáneres físicos, ofreciendo una calidad de 200 dpi, pero está en continua evolución por lo que es seguro que se aumente en futuras versiones. Además incluye varios modos de color, optimización automática y reducción de borrosidad.
Scanbotes una herramienta muy útil que nos puede sacar de un apuro en más de una ocasión, a continuación os dejamos un vídeo donde podréis ver su funcionamiento.
El pasado 8 de noviembre de 2016 Donald Trump gana las elecciones presidenciales de los Estados Unidos de América contra todo pronóstico, haciendo triunfar una nueva manera de hacer política que marca la entrada a una nueva era de interrelación entre países a nivel mundial. Pocos meses antes parecía -según todos los sondeos- que Hillary Clinton tenía las elecciones ganadas, gracias a disponer del soporte de una gran parte del poder político, económico, cultural y periodístico, incluidos los periódicos tradicionalmente republicanos.
Pero en las últimas semanas Donald Trump y su “autoconstrucción” de una imagen de líder antiélites, y a partir de un discurso xenófobo, en contra de la inmigración y con ataques frontales a la prensa tradicional, consiguieron una mayor presencia en los medios de comunicación hasta el punto de convertirse en decisiva para su elección. Creó un discurso político y lo emitió a través de instituciones políticas, el cual fue difundido en los medios de comunicación a través de declaraciones controvertidas que eran recibidas como aceptables por la sociedad donde y para las que eran emitidas. La estrategia de Trump iba dirigida a dominar la producción y la difusión de la verdad al estilo de los cinco puntos que explicaba Michel Foucault1:
«en sociedades como las nuestras la «economía política» de la verdad está caracterizada por cinco rasgos históricamente importantes: la «verdad» está centrada en la forma del discurso científico y en las instituciones que lo producen; está sometida a una constante incitación económica y política (necesidad de verdad tanto para la producción económica como para el poder político); es objeto bajo formas diversas de una inmensa difusión y consumo (circula en aparatos de educación o de información cuya extensión es relativamente amplia en el cuerpo social pese a ciertas limitaciones estrictas); es producida y transmitida bajo el control no exclusivo pero si dominante de algunos grandes aparatos políticos o económicos (universidad, ejército, escritura, medios de comunicación); en fin, es el núcleo de la cuestión de todo un debate político y de todo un enfrentamiento social (luchas «ideológicas»)».
Del conjunto de estas estrategias salió un nuevo concepto, la posverdad, que no se puede desligar de la crisis de credibilidad de los medios de comunicación tradicionales y de dicho «objetivos», junto con la fuerza de les redes sociales con las que consiguió llegar al electorado y dar el vuelco a sus intenciones de voto. Como afirmaba Foucault, el poder se tiene que analizar de una manera circular y en cadena, y sin poderse centralizar en manos de unos pocos, sin capacidad del poder de apropiárselo. El poder funciona y se ejerce en red, donde los individuos no sólo lo pueden sufrir si no también lo pueden ejercer.
Como antecedente teníamos la sorpresa que había supuesto el Brexit en el Reino Unido, del golpe al proceso de paz con las FARC en Colombia y de la visión que Black Mirror nos había dado del mundo. Entonces nos llega el triunfo de Donald Trump que supone la oclusión de la palabra «Post truth» como definición del tiempo actual en el que vivimos. Michel Foucault decía que el discurso no refleja la realidad, sino que la construye, para lo cual intentaba entender los contextos y la genealogía del discurso. En este sentido no buscaba mostrar la verdad o falsedad de las proposiciones, sino los «regímenes de verificación» referidos al contexto y a las estructuras que permiten que un discurso se acabe convirtiendo en verdad.
El neologismo «Posverdad» o verdad emotiva, «Post truth«, permite describir una forma actual de crear y modelar la opinión pública donde los hechos objetivos tienen menos capacidad de influencia que la apelación a las emociones y a las creencias personales. Es decir, que lo que nos hace sentir lo que pasa es más importante que lo que realmente está pasando.
En política el debate se enmarca en las apelaciones a las emociones desconectadas de los hechos. Tampoco es un hecho excepcional ya que el 80% de las campañas políticas recurren a un sentimiento, y sobre todo, al miedo. Pero nos encontramos en que la posverdad puede que no cambie el fondo pero si la forma. Se sobrepasa el hecho de falsificar la verdad al entender que la apariencia de verdad es más importante que la propia verdad, es decir, que los hechos reales pasan en un segundo plano después de la modificación de la realidad con unos fines concretos. En este sentido la política metamorfosea los contextos, mezcla los conceptos y da la vuelta a la verdad según sus objetivos. En definitiva es sencillamente mentira, estafa o falsedad encubierta bajo el nombre convertido en políticamente correcto de posverdad. En el año 2016 los diccionarios de Oxford la consideraron la palabra del año «Post truth» 2 debido al aumento de su utilización de un 2.000% respeto al año 2015 debido a su uso en relación con el Brexit y en estas últimas elecciones presidenciales en los Estados Unidos.
La excesiva exposición en las redes sociales, su popularidad y la sobre información que ofrece Internet sirven a los partidos políticos y a sus partidarios como canal directo de comunicación con los ciudadanos sin pasar por ningún tipo de filtro ni periodístico ni de reconocimiento de las fuentes de información, haciendo desaparecer así la categoría de autor que desarrolla Michel Foucault3. El uso intensivo de Internet ha transformado la naturaleza de la comunicación en lassociedades contemporáneas, un entorno que resulta cada vez más problemático y complejo después de haber superado la comunicación pensada exclusivamente en clave unidireccional.
Esto permite desarrollar una serie de estrategias de propaganda negra basada en el desprestigio, la falsedad y la desinformación con unos objetivos concretos como ya había desarrollado Joseph Goebbels, ministro de propaganda Nazi. Por lo tanto son ideas que no son nuevas, ya a mediados del s.XX Orwell hablaba del Ministerio de la Verdad y de la neolengua en su novela «1984» y al mismo tiempo que Foucault lo hacía sobre el panóptico y los medios como mecanismo de control social a «Vigilar y castigar» no muy lejos de lo que intenta la posverdad: propaganda, desinformación y distracción masiva; unos significados que no son pasos nuevos. Para los postestructuralistas como Michel Foucault nada une ya el significante con el significado trayendo a la deriva del significado y de la verdad4.
Muchos políticos han transformado el costoso arte de encontrar la verdad en una construcción de verdades fastnews. No elaboran sus efímeras verdades sobre las bases filosóficas de la verdad, derivada de la postmodernidad, sino por su uso pragmático, abusivo e ignorando que manifiesta el escepticismo y el cansancio con los grandes ideales del pasado. Es cierto que la imposibilidad de una cimentación inequívoca, última y única de la verdad es el aspecto más llamativo de la posmodernidad, un aspecto que en parte denuncia Michel Foucault entendiendo la verdad como un relato construido con el único fin del control totalitario de la ciudadanía.
Al mismo tiempo la discusión sobre la posverdad durante las elecciones presidenciales en Estados Unidos fue acompañada por la campaña de «fake news«, una serie de noticias falsas que la gente replicaba básicamente por Facebook. Ante la demanda de noticias por parte de los seguidores políticos de los candidatos, nuevos emprendedores encontraron una manera fácil de ganar dinero con la producción de noticias con el único objetivo de que acabaran convirtiéndose en virales, buscando el máximo de reproducciones y transmisiones por Facebook y por las redes sociales.
Foucault – Trump, preludio de la posverdad
Unas noticias eran el producto de la más pura mentira o de quienes sencillamente manipulaban las noticias ya existentes para producir el efecto deseado en sus lectores. Esta oferta de noticias fue muy bien recibida por un tipo de público, sobre todo por parte del público conservador estadounidense. Un electorado que ya hace algunos años que el partido republicano ha aislado del mundo ilustrado, dando cabida al discurso negacionista de la evolución y del cambio climático, a la retirada de los fondos públicos de los centros de planificación familiar, que ha combatido la negociación colectiva y ha bloqueado el sistema público de salud, o ha protegido el lobby de la posesión de armas mientras invocaba a la libertad, una demostración más de que el concepto de posverdad no es tampoco tan reciente. Como dice Foucault1
«la verdad no está fuera del poder, ni sin poder (no es, a pesar de un mito, del que sería preciso reconstruir la historia y las funciones, la recompensa de los espíritus libres, el hijo de largas soledades, el privilegio de aquellos que han sabido emanciparse)».
Ciertamente, y según Foucault1, el saber transmitido adopta siempre una apariencia positiva mientras juega a la exclusión para los que no tienen derecho al conocimiento o sólo para un tipo impuesto por un filtro escondido bajo un aspecto desinteresado, universal y objetivo de conocimiento. Un saber que es dirigido por los «circuitos reservados del saber» que forman el aparato de producción, la administración y el gobierno, en definitiva los poderes que tienen la capacidad de dirigir los mensajes que quieren dar a sus electores y que implica su formación, para acabar obteniendo su conformidad política.
Donald Trump rompe así la dicotomía que el saber oficial representa al poder político dentro de una clase acomodada en contraposición con la lucha de los movimientos populares por sus derechos. Él busca, aprovecha y manipula el discurso de la defensa de las clases populares para hacerse con el poder del saber oficial. Entiende la expresión del orden del discurso de Michel Foucault para cambiar los referentes comunicativos y de influencia que habían hasta ahora mientras manipula el discurso, las prácticas y los eventos que hasta el momento constituían los lenguajes del poder, condicionando la creación, la producción y la manera de difundir los mensajes dentro de la sociedad, y creando un discurso verdadero para su propia sociedad. Como plantea Foucault1:
«La verdad es de este mundo; está producida aquí gracias a múltiples imposiciones. Tiene aquí efectos reglamentados de poder. Cada sociedad tiene su régimen de verdad, su «política general de la verdad»: es decir, los tipos de discursos que ella acoge y hace funcionar como verdaderos; los mecanismos y las instancias que permiten distinguir los enunciados verdaderos o falsos, la manera de sancionar unos y otros; las técnicas y los procedimientos que son valorizados para la obtención de la verdad; el estatuto de aquellos encargados de decir qué es lo que funciona como verdadero.»
De este modo logra que su electorado desconfíe de los grandes medios de noticias tradicionales, unos medios que de manera mayoritaria habían apoyado la candidatura de Hillary Clinton y que se encontraron sorprendidos al ver que su capacidad de influencia había sido superada por otras formas de transmisión de noticias y de información a través de las redes. Una oferta nueva y que ha resultado mucho más efectiva.
Foucault – Trump, preludio de la posverdad
Un redactor de noticias falsas, en una entrevista al diario The Washington Post5, explica cómo los electores de Trump no verificaban ninguna noticia antes de hacerla viral por Facebook y cómo de manera compulsiva apoyaban cualquier noticia que estuviera alineada con sus tesis políticas. En las semanas precedentes al día de la victoria de Donald Trump en las elecciones del 8 de noviembre, proliferó una gran cantidad de informaciones falsas y fantasiosas que circulaban por Facebook, provocando la acusación a esta red social de haber contribuido a su victoria al dejar circular por su red las noticias falsas. En este caso la estrategia de Trump tiene en cuenta que lo importante no es la verdad, sino el conjunto de reglas según las cuales se discrimina lo verdadero de lo falso, tal como explica Foucault1:
«Existe un combate «por la verdad», o al menos «alrededor de la verdad» —una vez más entiéndase bien que por verdad no quiero decir «el conjunto de cosas verdaderas que hay que descubrir o hacer aceptar», sino «el conjunto de reglas según las cuales se discrimina lo verdadero de lo falso y se ligan a lo verdadero efectos políticos de poder»; se entiende asimismo que no se trata de un combate «en favor» de la verdad sino en torno al estatuto de verdad y al papel económico-político que juega. Hay que pensar los problemas políticos de los intelectuales no en términos de «ciencia/ideología» sino en términos de «verdad/poder»».
Hay que ser conscientes de que las redes sociales son la segunda fuente de información de noticias políticas estadounidenses por detrás de la televisión. Mark Zuckerberg, presidente y fundador de Facebook, negó la acusación pero si reconoció que los usuarios estaban inclinados a compartir y leer los artículos que están alineados con sus posiciones ideológicas personales previas. Entonces es cuando Mark Zuckerberg anuncia 7 puntos6 para intentar controlar las noticias falsas, al tiempo que se defendía diciendo que podía certificar que el 99% de las noticias que corren por Facebook7 tienen la garantía de veracidad, un hecho absolutamente imposible de comprobar. Igualmente intentó defenderse meses antes de las elecciones diciendo que Facebook era sólo una plataforma tecnológica y que no era responsable de sus contenidos, pero cuando dice estas palabras olvida su capacidad de censurar el sexo y los desnudos en sus páginas, una buena muestra de lo que puede llegar a hacer si se lo propone y le interesa. Pero lo que dice Quarz8 es que Donald Trump invirtió 56 millones de dólares en propaganda en Facebook, casi lo mismo que en televisión (68 millones). Como dice Foucault1
«La «verdad» está ligada circularmente a los sistemas de poder que la producen y la mantienen, y a los efectos de poder que induce y que la acompañan. «Régimen» de la verdad».
Este conjunto de declaraciones contradictorias de Mark Zuckerberg sólo sirven para explicar que la forma de uso de estas plataformas está por delante de los que sus propietarios pueden llegar a pensar y planificar. Según BuzzFeed9 la mayoría de las 20 historias falsas que vendían webs especializadas «hoax» o blogs partidistas provocaron 8,7 millones de interacciones, mientras que las 20 de los lugares considerados serios The New York Times, The Washington Post y el Huffington Post obtuvieron 7,4 millones de reacciones.
El jefe de campaña de Donald Trump y dueño de la web ultra Breibart, Steve Bannon, tuvo claro que una de las claves para llevar a Trump a ganar las elecciones era su capacidad de expansión dentro de Facebook y con él la expansión de su web Breitbart al público de masas. Una expansión que tuvo una segunda parte enfocada hacia una mirada a Europa y en las elecciones presidenciales en Francia. Una investigación de BuzzFeed10, desvela que las noticias falsas que fueron colgadas en Facebook para la campaña electoral de Trump supusieron el 38% de los total de los mensajes emitidos a través de las redes sociales, mientras que los de Clinton fueron el 20%.
En un estudio de Antoni Gutiérrez-Rubí11, que analiza el uso de Facebook por parte de Clinton y Trump durante la campaña (del 12 de septiembre al 19 de noviembre) dice que la televisión de Trump fue realmente Facebook Live y sus diarios fueron verdaderamente los muros de esta plataforma utilizada por el 70% de los ciudadanos norteamericanos. Trump convirtió Facebook en su herramienta de persuasión, convicción y movilización, saltándose a cualquier intermediario, ya fuesen los periodistas, los programas, los canales, los propietarios, etcétera.
Foucault – Trump, preludio de la posverdad
También en El Orden del Discurso12, Michel Foucault nos plantea que el poder se puede lograr mediante la normalización y aceptación por parte de la sociedad de una ideología o un discurso. Los discursos del poder buscan la manera de dejar claro y separar lo que para esta sociedad se considera normal o aceptable, y al mismo tiempo lo que se considera indeseable y rechazable. Un principio básico de exclusión que explica Foucault es absolutamente estratégico para Donald Trump en el momento que busca fijar en las mentes de sus votantes americanos mensajes como que la inmigración o la economía se pueden solucionar fácilmente desterrando a inmigrantes y convirtiéndolos en indeseables. Así desculpabiliza a los «buenos americanos» y responsabiliza a la parte de público que no le interesa. Una estrategia para construir una posverdad que en un principio parecía una gran farsa, pero que dio una visión de solución a un 40% de los norteamericanos.
«La cuestión política, en suma, no es el error, la ilusión, la conciencia alienada o la ideología: es la verdad misma». Foucault 1
Marc Chalamanch · Arquitecto
Barcelona. Julio 2017
10 Silverman, Craig; Hall, Ellie; Strapagiel, Lauren; Singer-Vine, Jeremy; Shaban, Hamza (2016) «Hyperpartisan Facebook Pages Are Publishing False And Misleading Information At An Alarming Rate». Buzzfeed.com
Las ciudades, a pesar de todas sus imperfecciones e inconvenientes, son la creación más original, notable y característica de los seres humanos. No cabe la menor duda que hoy la vida de nuestra especie sobre este planeta no podría entenderse sin esos entornos edificados donde desarrollamos nuestras vidas.
Las poblaciones son como los organismos vivos: nacen, crecen y algunas veces terminan desapareciendo, y ese desarrollo es completamente dinámico. La característica principal del cine, que le diferencia de las demás manifestaciones artísticas, es evidentemente la de poder reflejar el movimiento, por eso es este arte del siglo XX el que con mayor fidelidad puede mostrar la evolución de las ciudades a través del tiempo.
La fundación de nuevas poblaciones tiene, ante todo, un origen ancestral y casi divino, pero no es una actividad que haya cesado y tuvo un florecimiento en el siglo XIX, cuando los europeos invadieron territorios vírgenes que no les pertenecían, esta fundación ha sido mostrada por el cine en uno de sus géneros primigenios, el western, y en películas como El juez de la horca.
No se puede olvidar que las ciudades también están construidas por los grupos humanos que las pueblan y éstos a su vez las modifican con sus actividades y conflictos. Nueva York no es una excepción y así se muestra en Gangs of New York, como son mostradas las aglomeraciones y contradicciones de la gran metrópoli japonesa en Tokyo-Ga y las multitudes, gracias a cambiar la velocidad normal en Koyaanisqatsi.
Tokyo-Ga
Transformaciones que cuando son radicales y violentas, provocan en sus ciudadanos una nueva forma de habitar, como en el caso de los conflictos bélicos, algo perfectamente mostrado en Alemania, año cero, que sucede en una de las grandes ciudades del siglo XX, Berlín, objeto de interesantes miradas cinematográficas, como la de Berlín sinfonía de una metrópoli de 1927 así como su recreación y reinterpretación, Berlín Sinfonie einer Grosstadt, ochenta y cinco años después.
Las destrucciones cotidianas a veces son más terribles que las guerras, paradójicamente demoliendo para construir otras edificaciones, en las denominadas «renovaciones urbanas», como las barcelonesas de En construcción y para levantar inmensas infraestructuras, como en China la presa de las tres gargantas reflejada en Naturaleza muerta y en el otro extremo del mundo, en Argentina, la ciudad de Federación anegada por otra presa y convertida muchos años después una atracción turística mostrada en Construcción de una ciudad.
El punto de vista del creador sobre una ciudad puede ser muy personal y peculiar, como le sucede a Basilio Martín Patino en Madrid y a Terece Davies con Liverpool enOf Time and the City, e incluso el cineasta puede asumir el protagonismo y ser él mismo quien muestre su población, como hace Nani Moretti en Caro Diario, mientras pasea por Roma en moto.
Por último el futuro, en lo que se transformarán las ciudades, algo que tiene una gran relación con el momento en el que se rodó la película, por eso Blade Runner tiene más paralelismos con las poblaciones en los años ochenta, que con Los Ángeles en el 2019, sin haber perdido un ápice de su poderosa fuerza visual, que maravilló a todos hace ya veintisiete años.
Blade Runner
Antes se decía que las ciudades crecen, los agentes que provocan sus transformaciones son muy variados, sobre todo, los poderes políticos y económicos; quienes las idean son los urbanistas, que han de planificar ese crecimiento, no lo olvidemos, supeditados siempre a los poderes antes mencionados, y quienes por último las llevan a cabo son los arquitectos que diseñan las edificaciones, tampoco lo olvidemos, también supeditados, pero en este caso a los promotores y propietarios.
El problema es que, aunque la inmensa mayoría de las personas vivan y mueran en las ciudades, se han habituado a sus entornos urbanos y en pocas ocasiones tienen el tiempo necesario para reflexionar y criticar algo tan fundamental como es el lugar dónde se desarrolla su existencia. Este ciclo es un buen momento para descubrir, analizar, recapacitar y discutir sobre las ciudades, esas construcciones originales, notables y características de los seres humanos.
Jorge Gorostiza, Doctor arquitecto.
Santa Cruz de Tenerife, junio 2009 Autor del blog Arquitectura+Cine+Ciudad
Un breve texto para el programa que editó la Filmoteca Valenciana, en julio de 2009.
Vista de sala de la exposición Kobro y Strzemiński. Prototipos vanguardistas
La obra de Katarzyna Kobro y Władysław Strzemiński, que abarca desde finales de la década de 1910 hasta comienzos de 1950, es uno de los ejemplos más consecuentes con las ideas de la vanguardia moderna. Integrada por diversas disciplinas, como pintura, escultura, arquitectura y diseño industrial y gráfico, anuncia nuevas tendencias, que alcanzarían su plenitud en las prácticas de generaciones posteriores, tales como el minimalismo, el movimiento Zero o el arte reduccionista.
Dos premisas articulan el conjunto de la producción de ambos artistas. Por una parte, la convicción de que la obra debe constituirse en consonancia con los principios que le son inherentes a fin de alcanzar la coherencia interna. Por otra, la consideración del arte como experimento de forma pura, aunque ello no implique la ausencia de una dimensión social: al contrario, para estos autores, la práctica artística desarrolla modelos abstractos de organización que pueden aplicarse al diseño industrial, la arquitectura y la ingeniería. El propósito último del arte, por consiguiente, no es la fabricación de objetos bellos, sino una transformación sustancial del mundo a partir de la experimentación creativa. La experimentación es, precisamente, un imperativo constante en el ideario artístico de Kobro y Strzemiński que se manifiesta en el continuo proceso de fabricación de prototipos –la búsqueda y puesta a prueba de diferentes soluciones a cada problema planteado– que abordan la organización material y estructural tanto de la obra de arte como de la sociedad, hasta, en últimas etapas, el fenómeno de la visión.
Katarzyna Kobro. Kompozycja przestrzenna (4) [Composición espacial (4)], 1929. Óleo y metal 40 x 64 x 40 cm. Muzeum Sztuki, Łódź
La presente exposición, dedicada al trabajo de ambos artistas, plantea un recorrido por sus diferentes etapas y medios de expresión, repasando páginas poco conocidas de la Historia del Arte moderno y del contexto centroeuropeo de la primera mitad del siglo xx. En este sentido, la obra de Kobro y Strzemiński, con la que transgredieron y radicalizaron muchos de los presupuestos de las vanguardias históricas, permite también cuestionar algunas de las ideas más extendidas en torno a la modernidad y apuntar a sus posibles declinaciones y líneas de fuga.
El nuevo Parque de Investigación Creativa de Barcelona está situado en el Canódromo, el emblemático edificio racionalista diseñado por el arquitecto catalán Antoni Bonet i Castellana en 1961.
Después de la renovación del edificio en 2016, Dear Design Studio ganó el concurso para el diseño de interiores del edificio, y además planteó el diseño de la identidad corporativa y de la señalización para dotar al proyecto de mayor coherencia. El desafío era adaptar las instalaciones del antiguo Canódromo a su nueva función: un espacio flexible y dinámico para las empresas emergentes y tecnológicas de las industrias creativas y culturales. Al mismo tiempo, Dear Design propuso estimular la relación del edificio con el barrio mediante la inclusión de intervenciones tecnológicas que reflejasen los procesos desarrollados en el edificio. El diseño interior busca la flexibilidad y dinamismo de los diferentes espacios, preservando las trazas históricas del edificio. La idea principal es respetar y honrar la arquitectura minimalista de Bonet, mediante una intervención discreta y cuidadosa. Dear Design responde a una necesidad de oficina “hub” que fomente la interacción entre sus usuarios y promueva las formas actuales de trabajar: flexibilidad y adaptación de los espacios que permita la movilidad del usuario.
En cuanto a la identidad visual del proyecto, Dear Design buscaba transmitir valores de velocidad, movimiento, progreso y tecnología del nuevo Parque Creativo, representados gráficamente mediante la descomposición irregular de la tipografía en líneas verticales de diferentes espesores y separadas por diversas distancias.
Con el fin de crear espacios cómodos y agradables, materiales cálidos como la madera y los paneles acústicos de wwcb han sido utilizados para contrastar con la estructura de acero preexistente y suelos de hormigón.
El mobiliario utilizado en la intervención es un claro guiño al arquitecto Bonet.
Las lámparas de pie y suspensión, diseñadas por Dear Design, combinan 2 estructuras originales de la silla BKF, un diseño original de Antoni Bonet, con una piel de tela flexible. Los colores preexistentes del edificio original, el amarillo mostaza y el azul claro, se recuperan en las lámparas de sobremesa, diseñadas por Dear Design, en las estructuras metálicas de las mesas, así como en los vinilos de la fachada que protegen las oficinas del sol.
Obra: Canodrómo, Parque de Investigación Creativa
Cliente: Ayuntamiento de Barcelona
Año: 2016
Ubicación: Carrer de la Riera d’Horta, 3, Barcelona, España
Superficie: 2312m2
Autor: Dear Design,
Director Creativo: Ignasi Llauradó
Colaboradores: Paulina Calcagno, Sebastián Pereira, Laia Freixes, Cristina Anglès, Fran
Rodríguez
Diseño gráfico: Jordi Rins
Fotografía: Aitor Estévez Olaizola + deardesign.net
Si durante muchos años las ciudades han sido vistas únicamente como un entorno destinado a favorecer el crecimiento de proyectos y empresas, y consecuentemente se han diseñado para priorizar el uso del automóvil, en los últimos tiempos nuevas voces han venido reclamando lo que para la ciudadanía comenzaba a ser ya una necesidad, el contar con ciudades diseñadas, ideadas e implementadas para facilitar las relaciones de las personas.
Precisamente, bajo esta premisa, en el documental «La escala humana», emitido en Documentos TV, se reivindica una nueva tendencia en el diseño urbanístico occidental, que consiste en apostar por ciudades enfocadas en favorecer las relaciones y cubrir las necesidades actuales de las personas.
Dibujos de obra. Montajes pertenecientes a la obra de RVR Arquitectos en Porta da Pena. Santiago de Compostela, 2010 | Fotografías. Marcial Rodriguez- RVR Arquitectos
¿Qué? Explicar lo acontecido.
En relación al dibujo, como necesaria herramienta para la expresión del proyecto, la arquitectura contemporánea ya no se concibe sin la inflación de la representación gráfica del plano, una inflación paralela al crecimiento burocrático de la documentación escrita del propio proyecto, fruto de la obligación de uso, la mayoría de las veces, de forzadas y exacerbadas normativas al servicio más de las aseguradoras que del ciudadano y usuario de la arquitectura.
Aún, y muy a pesar de esta formalización de los medios de representación, la arquitectura, la intensa y real, no lo sería de verdad si tampoco existiese otro dibujo, anterior (porque ya existía cuando no existían los planos, nos referimos a las trazas de las monteas de los maestros constructores de la antigüedad) y también posterior al plano, el dibujo de obra. Un dibujo que acierta y afina el orden y medida de la traza ideal de la oficina, como lugar abstracto, adaptándolo a la realidad material última del proceso de obra.
¿Dónde? El lugar de los hechos.
¿Cuándo? El momento en que se presentaron los hechos.
Comenzamos con una obviedad, que se relaciona con la realidad del dibujo del que hablamos: para hacer dibujos de obra hay que estar en la obra, siempre, casi siempre. No existen pues, dibujos de obra sin pararse en el discurso de la vigilancia del proceso constructivo. El dibujo de obra se debe a la parada y reflexión casi última del que piensa en arquitectura y eso quiere decir tomar tiempo, algo más, una última dilación que fije las ideas y aleje el imprevisto del lugar de la acción…
Este tipo de dibujo nos pone en contacto directo con la realidad, en un mundo de ideas y parámetros vistos como fijos e inamovibles pero que finalmente no son ciertos. Por eso nos interesa, porque nos demuestra la falta de acierto continuo que el discurrir de los procesos mentales frente a los reales tiene. Las cuestiones de la arquitectura, como del resto de acciones humanas, casi nunca son exactamente iguales a lo que preveíamos, así que ahí encontramos el hueco lugar-tiempo, para con el dibujo de obra poner de acuerdo, lo probable con lo realmente posible. El dibujo del laboratorio, el del proyecto, es un dibujo que imagina a la realidad, pero no lo es, es un dibujo ideal, a veces muy pretencioso, como diciendo, prepárate futuro, que así va a ser. Sin embargo, el dibujo de obra nos dice que la vida y su construcción están llenas de pequeñas fracturas y desencuentros con los que hay que negociar para hacerse llegar a buen puerto. Es por ello que el dibujo de obra casi siempre es un dibujo de escala 1/1 y que se refiere mayormente al detalle, al encuentro, al ajuste entre medidas al frente de los ojos. No conviene confundir el dibujo de obra con las marcas de obra, las referencias de altura y de derecha e izquierda, propias de fontaneros, electricistas, instaladores, etc. éstas son traslaciones del plano a la pared sobre las que se discute, pero en las que no existe el juego cortés del acierto, ni el diálogo creativo entre el arquitecto y el oficial buscando el mejor posible para todos, y en especial hacia lo construido.
Dibujos de obra. Montajes pertenecientes a la obra de RVR Arquitectos en Porta da Pena. Santiago de Compostela, 2010 | Fotografías. Marcial Rodriguez- RVR Arquitectos
¿Quién? Los involucrados en el hecho.
Es además, y eso nos agrada sobremanera, un dibujo en el que la discusión y el diálogo ya no se producen tanto con las supuestas jerarquías altas de la obra, sino con el operario y el oficial. Aquellas personas que durante todo el largo proceso proyectual de la oficina han estado más lejos y que ahora se acercan y se demuestran imprescindibles para los ajustes del atraque de las ideas al muelle de la verdad. A través del dibujo de obra los oficiales nos demuestran toda su capacidad y nosotros la nuestra, llegando a consensos que el papel del plano, a una escala ya tan alejada, no permite. Es así porque dibujar a 1/1 o a 1/2 sobre la pared o en la libreta de obra nos permite meter los dedos en la llaga de la realidad, porque los mm se hacen finalmente reales. Un diálogo en el que se resuelve qué línea mata a cual, que junta conviene más por su sombra, la de 3mm o la de 5mm, que raya continúa hasta el encuentro, qué habrá de quedar finalmente por delante o detrás, o si pasa el aire por una junta… Son todos pequeños ejemplos que delatan la necesidad de un dibujo tan real como el material al que representan y que se ve al frente. Los dibujos de obra, pues, no se hacen para que los demás los entiendan en la lejanía, con cierta laxitud deliberada para no entenderse (como los de los planos de proyecto y oficina), se hacen al contrario para entenderse todo el mundo, nosotros los primeros, ahora ya al final del camino.
¿Cómo? La manera en que se dio el acontecimiento.
Los dibujos de obra se hacen en libreta o en el soporte de la pared o el suelo. Los de libreta, casi siempre se hacen dobles, uno para usted y otro para nosotros, y al hacer el segundo todavía aparecen otras correcciones. Estos últimos se llevan para casa, (los arquitectos a pesar de todas las transformaciones del oficio, seguimos pensando la oficina como el espacio doméstico) y se repiensan en el coche, de camino de vuelta, luego se escanean y/o se remiten finalmente por fax o email a obra. Una variante de estos dibujos que no se hacen en pared o suelo son los dibujos en tabla, sobre un trozo o desperdicio de material que facilite una superficie plana para la discusión con el lápiz. Estos son muy propios y habituales de las conversaciones con los carpinteros y esas tablas terminan siendo como un cuaderno rígido amontonadas en la oficina hasta que se pasan las correcciones a papel y de nuevo al fax o email.
Los de pared o suelo, al contrario de los anteriores, terminan por ser fijos y últimos en el sentido de determinación final y registro notarial de las labores a realizar de manera inmediata, allí están a disposición de la ejecución para mañana mismo. Estos quizás son los más literales pero también literarios, porque son breves grafitis condenados a su cubrimiento por la pintura y los trasdosados. Son durante unas últimas horas los dibujos más importantes y necesarios, pero nunca más volverán a ser vistos, ésa es su condena. Son dibujos a mano alzada, pero medidos por el metro y/o acotados, ya no hay espacio para más interpretación será así, bajo el consenso general. Incluso cuando son reglados, dibujados perfectamente a escuadra, pueden usarse, como el ejemplo que ilustra estas palabras, a la manera de las monteas tradicionales, para servir de molde real e inmediato a la construcción y levantamiento del elemento arquitectónico.
Dibujos de obra. Montajes pertenecientes a la obra de RVR Arquitectos en Porta da Pena. Santiago de Compostela, 2010 | Fotografías. Marcial Rodriguez- RVR Arquitectos
Finalmente.
No todos los arquitectos hacen dibujos de obra, aunque sean atentos y extraordinarios profesionales, pero los que los hacen, parecen querer, justificando a veces una falsa torpeza, prolongar egoístamente el precioso período de la indefinición constructiva todavía unos días más, unos minutos más, disfrutando de la idea de lo inacabado y de la imperfección controlada de un proyecto abierto hacia el mejor de los fines, el de la obra acompañada hasta el último día.
Luis Gil Pitao, arquitectos
Santiago de Compostela, julio 2017
El arquitecto líquido | Gary Pearlman estableció el record Guinnes por la burbuja mas grande del mundo en la cual tuvo que estar desarrollando su formula por mas de 20 año | Fuente: burbujasgigantes.com
Cada vez está más claro que con sólo las competencias del “arquitecto clásico”, en los tiempos que corren, no podemos llegar muy lejos.
Así, aprender de marketing o Identidad Digital se convierte en habilidades fundamentales para aumentar nuestras posibilidades laborales. A ello hay que sumar una tercera actitud que muchos llaman el talento líquido. Desde ahí, no parece difícil llegar a definir lo que sería el concepto de arquitecto líquido.
En esta definición del arquitecto del futuro será fundamental ver el papel que juega la actitud que tenemos ante lo que nos va aconteciendo.
Tener certezas y querer que todo esté bajo control, es muy legítimo, pero, mucho nos tememos que son conceptos demasiado arcaicos. Una cosa es lo que nos gustaría y otra muy distinta lo que la realidad nos ofrece.
Como bien nos enseñaba el pensador de origen polaco, Zygmunt Bauman, son tiempos líquidos y convivir con la incertidumbre ya no es una opción, es lo que hay y toca saber navegar en estas aguas inciertas.
La mala noticia es que quien busque o necesite seguridad, cada vez lo va a tener más complicado; la buena noticia es que, si sabemos estar en la vida como si fuéramos juncos, las posibilidades de todo tipo, también laborales, pueden aparecer cuando menos nos las esperamos. En la flexibilidad está el truco.
Se trata de estar muy atentos al aquí y ahora. Vivir el presente como si fuera un “presente”; es decir, un regalo.
Siguiendo con Bauman:
“(…) Cuanta más libertad tengamos menos seguridad, y cuanta más seguridad menos libertad. En la sociedad, la conquista de libertades nos lleva a una gran cantidad de riesgos e incertidumbres, y a desear la seguridad. (…) Estamos asustados por la fragilidad y la vacilación de nuestra situación social, vivimos en la incertidumbre y en la desconfianza en nuestros políticos e instituciones. Estudiar una carrera ya no se corresponde con adquirir unas habilidades que serán apreciadas por la sociedad, no es un esfuerzo que se traduzca en frutos. Toda esta precariedad se expresa en problemas de identidad, como quién soy yo, qué pasará con mi futuro.” 1
Ligeros de equipaje.
Al enseñar a jugar al ajedrez a nuestro hijo, Bruno, una de las reglas que más le ha llamado la atención es que cuando un peón (la pieza con menos valor del tablero –un solo punto-), llega a última casilla, se convierte en dama y, en consecuencia, en la pieza más fuerte del tablero.
El ajedrez es, en general, un juego-arte bastante vinculado a la propia vida, pero con esta norma tan curiosa resume muy bien, metafóricamente hablando, lo que ocurre en el mundo del emprendimiento actual.
Pero llevando la reflexión a nuestro terreno, vemos que tener un estudio de arquitectura a la antigua usanza no es lo más competitivo que podemos hacer. Cuanto más pesados sean nuestros movimientos, a pesar de la aparente potencia de los mismos, más lentos seremos y, en consecuencia, menos capacidad de adaptación tendremos. Ser como esos peones del ajedrez que saben que, en un momento dado, pueden convertirse en dama, es un buen plan.
Los nuevos tiempos que nos tocan vivir van de producirsinergias y no sólo de sumar fuerzas. La sinergia no es aritmética; la sinergia multiplica y así podremos tener más opciones de una vida plena.
Desde ahí se puede ver el mundo con otra óptica y, como bien dice la filosofía taoísta Wu Wei,poder hacer las cosas sin esfuerzo aparente.
¡Basta ya de tanto de esfuerzo! de empeñarnos en ser lo que nos somos; de cumplir los sueños de otros… Cuanto antes estemos en nuestro estado natural, antes tendremos la posibilidad de hacer algo que, realmente, se nos dé bien, sea útil a la mundo y, además, podamos hacerlo sin demasiado sacrificio.
Cada vez tenemos más claro que lo que toca es apostar por la metodología Lean que, según la experta en marketing, Vânia Magalhães, viene a ser:
“(…) El objetivo de la filosofía Lean manufacturing es agregar valor al entregable del cliente de la forma más eficiente posible. Se basa en principios que tratan de reducirlos desperdicios (tiempos muertos, tareas innecesarias, etc.), persiguen la mejora continua, y usan el aprendizaje como mecanismo para hacer más eficientes los procesos. Rescatando la ley de Pareto, el 20% de las características de un producto (el producto mínimo viable) entregará probablemente el 80% de los beneficios pretendidos por el cliente.” 2
Es decir que, si esperamos a tener el producto o servicio perfecto, siempre llegaremos tarde y, para cuando lleguemos, otros ya habrán avanzado mucho terreno. Eso sí, si nos pasamos y salimos a escena a las bravas, el trompazo, también, ¡está asegurado!
Se trata de tener la cintura suficiente para poder redireccionar nuestro camino, para ser rápidos a la hora de rectificar y, sobre todo, no ser testarudos. Tener la humildadsuficiente para reconocer que, a veces, nuestras ideas no son las mejores. Restar un poco de soberbia a nuestras acciones, nos puede hacer pivotar y elegir otro camino que previamente no nos habíamos imaginado.
Con todo ello, no queremos decir que sea fácil emprender o montar un proyecto. De hecho, no lo es, pues, cuatro de cada cinco empresas que se montan a los cinco años han desaparecido. Así que, teniendo esto muy claro es importante, en caso de que realmente queramos y podamos hacerlo, aprender lo necesario para poder estar en ese veinte por ciento de éxito.
La realidad es que, nunca ha sido tan fácil compartir información, generarla y poderla hacer visible; la red juega un papel determinante que hace tan sólo diez años no podíamos ni imaginar. Por muy grande que sea la crisis en nuestro sector, es importante focalizarnos en las oportunidades y no seguir lamentándonos de nuestras desgracias. Si estamos en la oscuridad, generaremos más oscuridad; sin embargo, si estamos en laluz, tarde o temprano, todo se iluminará. ¿Significa esto que querer es poder? No; pero sí que si queremos, tenemos más opciones. En cualquier caso, deberá ser un “querer” que vaya de la mano de “creer”.
Lo que creemos, creamos y nuestra mente, normalmente, necesita visualizar el camino antes de recorrerlo. Como bien se encargan de recordarnos los neurocientíficos, nuestro cerebro, en un principio, no distingue lo imaginado de lo que vivimos físicamente; en ambos casos, se encienden las mismas áreas neuronales. Por lo tanto, practicar la visualización creativa siempre está bien y además no dista mucho de lo que hacemos los arquitectos cuando proyectamos. Por lo tanto, vamos a ello, ¿no?
Talentos y talantes líquidos.
Hasta no hace muchos años, nuestro mundillo editorial arquitectónico estaba comando prácticamente en exclusiva por unas pocas publicaciones. Esta hegemonía hacía que muy pocas revistas podían sobrevivir a su vera; incluso sin la llegada de la crisis, fueron muy pocas las que les hicieron sombra. Curiosamente, a día de hoy, son muchas las publicaciones digitales que se van haciendo un hueco en el panorama editorial de los arquitectos y el propio mundo de los blogs tiene mucho que decir. Cada día es más habitual que aquellos que eran fieles a la AV, piensen que, por ejemplo, Plataforma de Arquitectura, sin coste alguno, les pueda dar un servicio similar.
Todo está comenzando pero que uno de los premios más importantes del último arquia/próxima haya recaído en un blog, el blog de Paisaje Transversal, abre un camino más que esperanzador. No se trata de un premio cualquiera, sino de uno de los premios más importantes de nuestro entorno, organizado por Fundación Arquia, y con la presencia de un jurado de máxima confianza.
Pero, no sólo los blogs de arquitectura dan nuevas oportunidades, las propias redes sociales, en un momento dado, dan más de una alegría. Aunque lo ideal es tener una presencia completa y potente en la red, comienza a haber casos sonados de éxito en el que enfocarse en una sola red social también da buenos resultados. En este sentido, destaca la presencia de Ángel Luis Tendero y su más de un millón de seguidores en facebook o Nicanor García (más de 700.000 seguidores) en Instagram.
A su vez, este arquitecto líquido del que hablamos, muchas veces sabe navegar a la perfección en la periferia de la arquitectura. Si no conocéis todavía el perfil de instagram de Daniel Rueda, os animamos a echar un ojo. Ahí podréis comprobar cómo un compañero puede hacer mucho más que arquitectura; eso sí ¡usando a tope la creatividad(una de las principales fortalezas de los arquitectos)! De esta forma, un arquitecto bien joven y su compañera se van haciendo un hueco que hubiera sido imposible cuando comenzaban la carrera. Las nuevas oportunidades van apareciendo sobre la marcha y este cambio se va acelerando. Hasta hace no mucho, el mundo evolucionaba de manera relativamente pausada; hoy va muy rápido y lo que es más importante, cada vez los cambios van a ser más explosivos, veloces y sorprendentes.
Por ello, no se trata de saber el camino a recorrer; ni siquiera tener muy claro a dónde llegar. Esto va de saber tomar la dirección adecuada e ir avanzando (método kaizen); en el caso de equivocarnos de dirección, ir lo suficiente ligeros para que no nos cueste buscar un nuevo rumbo. Como se suele decir en el mundo del emprendimiento: si vas a fracasar, fracasa rápido y barato.
En realidad todo esto es muy parecido a conducir un coche. A nadie se le ocurre querer tener claro todo lo que hay que hacer desde el momento en que te montas hasta llegas a tu destino. Ni siquiera cuando conocemos bien el camino, podemos relajarnos; toca ir siempre pendiente de lo que ocurre. Estar en un aquí y ahora continuo y, sobre todo, saber adaptarsea la situación concreta.
En nuestra opinión, en estos nuevos tiempos laborales es una de las metáforas que mejor viene al caso.
Lo que está claro es que, si somos demasiado grandes no podremos fluir con lo que va viniendo y como bien dice Néstor Guerra,
“(…) Las nuevas ventajas competitivas son la agilidad y la adaptabilidad. Los negocios en la nueva era digital no se basan tanto en hacer un buen plan sino en aprendizaje validado, en la experimentación científica e iteración con los clientes.” 3
Creemos que aquello de que el tamaño no importa, es mentira; cada vez importa más que, para el común de los mortales, el tamaño sea pequeño, manejable y moderado. También es cierto que, si somos demasiado pequeños, tipo el llanero solitario, no podremos hacer ni lo básico para poder sobrevivir.
Por eso, los arquitectos que sean capaces de asociarsede manera intermitente para realizar proyectos concretos, en los que cada uno de ellos puedan dar lo mejor de sí, serán quienes tendrán ventaja competitiva. Si uno es un crack con el 3D, pues que se focalice sobre todo en ello y si otro lo sabe todo del C.T.E (sí, por suerte ¡hay gente para todo! jajaj), pues que no se distraiga demasiado haciendo otra cosa. Tener claro en qué somos especialmente buenos, no es tan fácil como parece; es necesario tener conciencia de cuál es nuestro don natural y luego haber invertido en ese talento las 10.000 horas reglamentarias.
Deepak Chopra en su recomendable libro “Las 7 leyes espirituales del éxito”, nos habla de la importancia de tener claro cuál es nuestro “propósito de vida”. Se trata de poder hacer aquello para lo que hemos venido a este mundo. Cada uno de nosotros tiene varios dones y muchas fortalezas que en ocasiones desconoce u olvida y, por lo tanto, no puede poner en juego.
Es importante pararnos en seco para poder identificar estos aspectos de nuestra vida y, desde ahí, poder lanzarnos con una actividad o producto que realmente tenga una vocación de servicio.
Así, será fundamental conocer cuáles son nuestros valores o virtudes. Desde ahí, podremos poner en juego todo nuestro potencial. Siguiendo conChopra:
“(…) es el servicio a la humanidad, servir a los demás seres humanos y preguntarse: “¿Cómo puedo ayudar a todas las personas con quienes tengo contacto?”
Cuando combinamos la capacidad de expresar nuestro talento único con el servicio a la humanidad, usamos plenamente la Ley del Dharma.
(…) Con sólo cambiar el diálogo interno y no preguntar “¿Qué gano yo con eso?” sino “¿Cómo puedo ayudar?”, automáticamente vamos más allá del ego para entrar en el campo del espíritu.” 4
Como vamos viendo, tampoco es tan importante prepararnos y prepararnos en cientos de aspectos, para ser la bomba y cuando seamos unos cracks entonces salir a escena. Esta actitud tan ambiciosa y perfeccionista es muy lenta y hoy es más importante saber lo suficiente de casi todo y muchísimo de algo muy concreto.
El arquitecto líquido | Acción Poética es un fenómeno mural-literario que comenzó en Monterrey, México, en 1996 | Fuente: culturainquieta.com
Como arquitectos, es importante que pongamos la creatividad por bandera y que el mundo sienta que nuestra presencia es necesaria.
En este sentido, creemos que como colectivo podemos aportar esta creatividad mucho más allá de la propia arquitectura y llevarla al mundo de la empresa o del I+D+I. Un buen ejemplo de ello es la pareja de arquitectos, Pau Sarquella y Diana Usón, que se adentraron en el mundo de las patentesy fueron capaces de darle una vuelta de tuerca a un elemento muy tradicional como es una persiana.
A su vez, hay que traer a primer plano, nuevamente, a toda una serie de arquitectos muy jóvenes (Zuloark, n´UNDO, Basurama, TxP, Zaramari, Paisaje Transversal, La Col…) que, gracias a una explosiva mezcla de talante y talento, han sabido, desde una actitud colaborativa, abrir nuevas vías para la profesión de arquitectos.
Profesionales que apuestan por facilitar procesos, a modo de catalizadores, en vez de hacer proyectos y que son capaces de apostar por un urbanismo emergente cada vez más necesario.
Por una enseñanza líquida de arquitectura.
Como hemos apuntado antes, el mundo de los blogs se va abriendo paso y consolidando en este nuevo panorama líquido. De hecho, varios de ellos nacen de la necesidad de sus autores de ensanchar el aula física de sus clases habituales hasta un entorno digital. Recordamos que en una de las primeras entrevistas que hicimos para este mismo blog, allá en el 2009, José Fariña nos contaba que esta era la razón principal del nacimiento del blog. Un señor, con mucha juventud acumulada, que ha sabido consolidarse en esta Era 2.0; por lo tanto, al contrario de como dicen muchos, no hace falta ser nativo digital para estar al día y tirarse a la piscina.
De todas formas, esta nueva forma de entender la enseñanza no depende sólo de su adaptación a la red; en realidad, las posibilidades son casi infinitas. Nos viene a la cabeza el proyecto fin de Carrera de uno de los chicos de Zuloark, en el que el resultado final no depende tanto del conocimiento concreto de su autor, sino de su capacidad de liar a otros compañeros para trabajar juntos.
En un mundo donde lassinergias van a ser cada vez más necesarias, se nos antoja un PFC brillante.
Qué sentido puede tener que se siga estando un año trabajando sólo en un proyecto que poco te puede capacitar para un mundo en el que el trabajo solitario cada vez va a estar menos valorado. Se precisan profesionales que sepan trabajar en equipo; lo demás, son reliquias del pasado.
VLS_Very Large Structure Lámina Miscelania y axonométrica programática Miscellaneus programatic axonometric projection | Fuente: zuloark
A su vez, varias escuelas apuestan por dar a sus alumnos armas suficientes para desenvolverse en el mundo real y no se preocupan de enseñarle “sólo” a ser arquitecto. Sabemos de buena tinta la gran labor que están haciendo Javier Álvarez y Carlos Cámara en la Escuela de arquitectura de Zaragoza o que en una escuela como la URJC se estén dando asignaturas de marketing o comunicación dentro del temario obligatorio, nos parece un buen ejemplo a seguir.
También, no hace mucho, nos enterábamos del nacimiento de un nuevogrado de diseñoque cuelga directamente de la facultad de arquitectura de la Universidad de Navarra. El grado, además de su interés por entender este mundo del diseño desde una mirada amplia y transversal, destaca por no tener asignaturas como tales y estar enfocados los tres años al trabajo de proyectos. En realidad se trata, en cierta forma, de llevar al extremo esta manera de trabajar tan de una escuela de arquitectura y que ahora están llevando a cabo en muchos colegios de todo el mundo que se adaptan por ejemplo al sistema de las inteligencias múltiples. Sobre todo esto ya nos hablaba hace tiempo Blanca Espigares en el blog de Fundación Arquia.
En gran parte se trata de pensar en positivo y buscar, de una forma u otra la abundancia. Si nos centramos en la escasez, atraemos a nuestra vida miseria; si nos centramos en dar y ofrecer a los demás nuestro talento, traeremos abundancia. Curiosamente, no hay nada más egoísta que ser generoso; cuanto más capaces decompartir de forma desinteresada seamos, mejor nos irá. La vida, tarde o temprano, tiende a poner todo en su sitio.
Y vamos a ir cortando el rollo ya que este post nacía con la intención de ser un pensamiento en voz alta de estos temas líquidos y burbujeantes y, poco a poco, nos estamos poniendo muy serios. Son tiempos bien complicados, y negar la evidencia no es muy sensato, pero bien vale la pena luchar, en la medida de nuestras posibilidades, por unfuturo mejor.
Así que, volviendo a Bauman,es bueno recordar que:
“No hay razones sólidas para ser optimista. Pero Dios nos libre de perder la esperanza”.
Stepienybarno_Agnieszka Stepien y Lorenzo Barnó, arquitectos
Estella, Enero 2017
A lo largo de la historia los grandes maestros de la arquitectura profundizaron en el diseño de mobiliario, incluso algunos de ellos llegaron empresas destinadas al diseño y la fabricación.
Por eso hoy nos desplazamos a Santiago de Compostela para conocer el trabajo que realizan en domohomo. Estudio de arquitectura y diseño que nace en 2011 en Santiago de Compostela de la mano de Elena López y Xulio Turnes, ambos arquitectos licenciados en 2005 por la Escuela de Arquitectura de A Coruña.
Elena inició su carrera profesional colaborando con estudios de arquitectura, y luego como arquitecta en una empresa constructora de ámbito nacional.
A Xulio le pierde la madera, probablemente porque creció viendo a su padre trabajar este material, carpintero-ebanista de oficio. Para ampliar su formación en materiales y técnicas tradicionales cursó el Máster en renovación urbana y rehabilitación por la Universidad de Santiago de Compostela, conocimientos que aplicó en los proyectos desarrollados en CosmoArquitectura entre 2006 y 2011.
domohomo es la combinación de Xulio y Elena, de sus experiencias vitales y profesionales, dando como resultado una manera de trabajar que ha sido reconocida con numerosos premios.
Más recientemente, han sido reconocidos por sus trabajos en el campo del diseño de producto, tanto en colecciones de autoedición, como para particulares o administración.
Sin más preámbulos, os dejamos con la charla que hemos tenido, esperamos que disfrutéis tanto como nosotros.
Silla Muros
Aparte de la labor “más tradicional” del arquitecto, desde hace unos años dedicáis una parte de vuestro trabajo al diseño de mobiliario ¿cómo y cuándo surge el camino?
Surgió fruto de un proyecto de rehabilitación en la villa de Muros. Entramos a colaborar como arquitectos directores de obra, por petición de una buena amiga nuestra que, en aquel entonces, por circunstancias profesionales, no se podía hacer cargo de la dirección. La obra resultó bastante complicada, ya que era un edificio en ruina y no se había podido hacer un levantamiento exhaustivo. Así que, a cada paso, se tenía que ir dando una respuesta específica a cada situación que se encontraba.
En ese sentido, la madera, que había sido elegida como material principal, permitía adaptarse perfectamente a cada contingencia. En nuestro afán de seguir experimentando con dicho material, concretamente, con la madera de castaño surgió la silla Muros, pero también movidos por el deseo de legarle un pequeño testimonio a nuestra amiga, Alba, que nos había permitido ser partícipes de este proyecto.
Algunas facetas de la profesión han sido denostadas ¿por qué habéis enfocado parte de la labor de vuestro estudio a esta rama?
Como comentábamos, surgió casualmente. Sin embargo, nuestros diseños empezaron a gustar y aparecieron encargos. Dado que el nivel de encargos profesionales, más típicamente de arquitectos no abundan, no nos costó nada apostar por esta línea.
De todos los materiales disponibles en el mercado, os habéis decantando por trabajar exclusivamente en madera ¿Por qué?
En absoluto, no renunciamos, a priori, a trabajar con otros materiales. De hecho, trabajar con otros materiales lo vemos como una oportunidad para seguir experimentando, ya que cada material tiene sus particularidades, propiedades, formas, etc. y conocer esa esencia siempre es un estímulo para ir más allá.
No obstante, la madera es un material que abunda en nuestra región y sigue existiendo una amplia red de carpinteros-artesanos que hace más fácil poder ejecutar nuestros diseños. Contar con estos profesionales es, sin duda, un valor y sería una lástima no aprovecharlo.
¿Cuáles son vuestras referencias?
Sin ir más lejos, podríamos mencionar la figura de Arturo Álvarez y de todo su equipo, nos parece un ejemplo.
2W chair
¿Cómo es proceso de diseño, desarrollo y comercialización de vuestros productos?
Tenemos dos líneas bien diferenciadas. Por un lado, seguimos con diseños de autoedición, proyectos totalmente personales en los que ahondamos en temas que nos interesan y de forma muy libre, ver nuestra última creación 2W chair.
Por otro lado, encargos personales en los que debemos dar respuesta a lo demandado, ya sea por parte de particulares ver serie Brigantium (I y II) o por parte de la administración, ver marquesinas para la Xunta. Cualquiera de las dos líneas nos gusta y esperemos poder sumar pronto una tercera, dirigida a la industria.
¿A qué segmento de clientes os dirigís?
Respuesta en la anterior: particulares y administración, esperemos que pronto industria.
¿Cuáles son los encargos más demandados?
Por el momento, los encargos han sido muy variados y, precisamente, esa heterogeneidad nos estimula, ya que cada proyecto se presenta como una oportunidad nueva de experimentar. Nos gusta definir nuestros diseños como lugares de experimentación. A diferencia de la arquitectura, los tiempos son mucho más cortos; uno diseña y enseguida ve una materialización.
¿Cómo utilizáis las nuevas tecnologías? ¿La “red” ha facilitado vuestra labor?
Ha sido muy impactante ver como gente de Nueva York, Milán o Madrid se ha interesado por nuestros diseños, y todo, gracias a internet. Sin duda, sin este medio nunca hubiéramos llegado a tanta gente. No obstante, no deja de ser un arma de doble filo, ya que, si bien es cierto que nos proyecta a un público muy amplio, no es menos cierto que nos obliga a “competir”, en pie de igualdad, con un sinfín de otros diseñadores; aunque no deja de ser atractivo.
Brigantium
La arquitectura, tiene abiertos muchos frentes de batalla (LSP, Bolonia, paro, precariedad laboral, COAs, ETSAs, emigración, comunicación, etc), ¿no serán demasiados para la polarización existente dentro de la misma?
La arquitectura ha sufrido una época muy convulsa, a ella se le ha sumado un sinfín de circunstancias que han dificultado aún más su práctica, como son los casos que citas. Es paradójico ver cómo, por un lado, se ha des-regularizado la actividad, pero, en cambio, se ha sobre-regularizado su marco legal a todos los niveles, convirtiendo la profesión más en una tarea jurídica que propiamente arquitectónica. Un simple vistazo a ejemplos centroeuropeos, tal vez nos ayudara a recuperar el foco.
¿Cómo veis el futuro de la arquitectura? ¿Y el de la profesión?
La arquitectura suele ser un ejercicio de imaginar, crear o articular algo donde no lo existe…
El arquitecto suele ser el profesional mejor dotado para dicha acción, por lo tanto, creemos que estamos, en un momento, donde más que nunca debemos sacar provecho de esa cualidad.
¿Qué mejoras creéis que son fundamentales y que deberían ser puestas en marcha de forma inmediata?
Solía plantearnos, un profesor nuestro, la siguiente tesitura:
Ante una operación de vida o muerta, en manos de qué médico nos gustaría estar, ¿del mejor o del más barato?
Nos parece muy perjudicial para el ejercicio de la profesión que ante cualquier concurso público prime, preferentemente, el factor económico y nunca el de calidad. Sin llegar al dramatismo del caso del paciente ante una operación de vida o muerte, deberíamos reflexionar sobre el alcance de nuestro trabajo. La actuación sobre un espacio/edificio público tiene unas consecuencias importantes para la sociedad. Por un lado, porque va a ser seguramente un trabajo que perdure en el tiempo, es decir, independientemente de que una intervención sea buena o mala va a afectar al conjunto de la sociedad durante un largo período.
Por otro lado, nuestros proyectos atañen a gran parte de la sociedad, eso nos lleva a dos reflexiones; uno, la sociedad debería tener mayor voz a la hora de elegir un proyecto y, dos, la sociedad, en general, como usuaria de esa intervención debería poder expresar la pertinencia de un proyecto u otro, más allá del aspecto económico.
Además, existe una gran perversión entorno a este sistema, ya que las contrataciones se inician en unos términos y luego se concluyen con otros bien distintos, véanse todos los sobrecostes de obras públicas… Por no hablar de la amplia terminología que surge ante los concursos: concursos restringidos, por invitación, fraccionados (para no superar x cantidad de dinero) etc.
Marquesina Xunta
¿Qué opináis de los arquitectos que “emprenden” en nuevos campos?
La palabra “emprender” se ha pervertido hasta límites inimaginables y, a veces, sólo esconde mera subsistencia. Nos quedaríamos mejor con la palabra “ilusión”. Cualquier camino iniciado desde ese principio puede ser maravilloso.
¿Estáis contentos con la trayectoria realizada hasta ahora? ¿Qué proyectos de futuro os esperan?
Todos nuestros trabajos nos han servido de aprendizaje, pero, al mismo tiempo, en todos ellos nos hubiera gustado ir más allá, profundizar más. Uno siempre convive con un cierto grado de insatisfacción. El futuro, ¿quién sabe?
Para acabar, ¿qué les aconsejaríais a los actuales estudiantes y futuros profesionales de arquitectura?
Que se apasionen mucho por lo que hacen y que, en la medida de lo posible, exploren “territorios” desconocidos.
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