Inicio Blog Página 66

Arranca #Foros2019 «Identities» en UIC Barcelona School of Architecture

[:es]

#Foros2019_UIC Barcelona School of Architecture

El ciclo de conferencias Foros de UIC Barcelona School of Architecture, cita anual imprescindible en el ámbito de la arquitectura, lanza una nueva edición, con la colaboración de BBConstrumat, que se extenderá desde el próximo 11 de febrero hasta el 6 de mayo.

Bajo el título “Identities” (“Identidades”), esta nueva convocatoria pretende contribuir al debate sobre el concepto de identidad en el ejercicio de la arquitectura contemporánea, fuertemente marcada por las tendencias de la globalización actual. Foros 2019 cuenta con la codirección de los profesores de la escuela Guillem Carabí y Fredy Massad.

“La arquitectura, especialmente en el presente siglo, participa de unas dinámicas globalizadoras que cuestionan, frecuentemente, su discurso territorial. Frente a ello, se posicionan otras maneras de hacer más específicas que reivindican, como reacción, la sabiduría de lo local”,

destacan.

El ciclo se inaugura el próximo 11 de febrero con la conferencia de Manuel Delgado, catedrático en Antropología por la Universitat de Barcelona (UB). Delgado es experto en la construcción de identidades colectivas en contextos urbanos, violencia religiosa y apropiación social de los espacios urbanos, temas sobre los que ha publicado numerosos artículos en publicaciones científicas de ámbito nacional e internacional.

La segunda conferencia tendrá lugar el 25 de febrero, con la intervención de Daniele Giglioli, profesor de Literatura Comparada en la Universidad de Bérgamo (Italia). Giglioli, acaba de publicar en España Crítica de la víctima(Herder Editorial), un ensayo que investiga los orígenes y los síntomas de la llamada ideología de la víctima en la sociedad contemporánea.

El 11 de marzo será el turno de la arquitecta española Elisa Valero, galardonada recientemente con el prestigioso Swiss Architectural Award (2017-2018). Valero es catedrática de Proyectos Arquitectónicos en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Granada y directora del grupo de investigación RNM909 Vivienda Eficiente y Reciclaje Urbano. Desde 1997 dirige su propio despacho y ha publicado varios ensayos sobre arquitectura.

El ciclo continúa el 25 de marzo con una ponencia a cargo del despacho barcelonés Addenda Architects (Roberto González, Anne Hinz, Cecilia Rodríguez, Arnau Sastre y José Zabala), autor del proyecto ganador para la construcción del nuevo Museo Bauhaus Dessau (Alemania), cuya apertura está prevista para 2019 coincidiendo con el centenario de la institución alemana.

El 9 de abril, el ciclo Foros se traslada a la sede de la Filmoteca de Catalunya, donde los vídeo artistas Bêka&Lemoine (Ila Bêka y Louise Lemoine) ofrecerán una ponencia seguida de la proyección de una de sus películas. Seleccionados como una de las cien personalidades de mayor talento por la revista Icon Design, Bêka&Lemoine llevan más de diez años experimentando con nuevas narrativas cinematográficas relacionadas con la arquitectura contemporánea y los espacios urbanos. Su obra completa fue adquirida, en el año 2016, por el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) para incorporarla a su colección permanente. Tras la ponencia del día 9, la Filmoteca de Catalunya ofrecerá un ciclo monográfico sobre su obra que se extenderá los días 10 y 11 de abril.

La sexta conferencia será el 29 de abril a cargo de los jóvenes arquitectos Nicolas Moreau y Hiroko Kusunoki. Moreau (francés) y Kusunoki (japonesa) comenzaron su trayectoria en Japón, donde adquirieron una amplia experiencia con arquitectos como SANAA, Shigeru Ban o Kengo Kuma. En 2011 se afincaron en París y, desde entonces, sus proyectos expresan claramente la dualidad cultural de la pareja. En el año 2015 resultaron ganadores del concurso para la construcción del Museo Guggengheim de Helsinki.

Foros 2019 se cierra el 6 de mayo con la intervención del arquitecto catalán Josep Lluís Mateo, catedrático de Arquitectura y Diseño por el Politécnico Federal Suizo (Zúrich). Su práctica profesional, desarrollada en todo el mundo, ha sido extensamente premiada, publicada y expuesta.

[:gl]

#Foros2019_UIC Barcelona School of Architecture

O ciclo de conferencias Foros de UIC Barcelona School of Architecture, cita anual imprescindible no ámbito da arquitectura, lanza unha nova edición, coa colaboración de BBConstrumat, que se estenderá desde o próximo 11 de febreiro ata o 6 de maio.

Baixo o título Identities” (“Identidades”), esta nova convocatoria pretende contribuír ao debate sobre o concepto de identidade no exercicio da arquitectura contemporánea, fortemente marcada polas tendencias da globalización actual. Foros 2019 conta coa codirección dos profesores da escola Guillem Carabí e Fredy Massad.

“A arquitectura, especialmente no presente século, participa dunhas dinámicas globalizadoras que cuestionan, frecuentemente, o seu discurso territorial. Fronte a iso, posiciónanse outras maneiras de facer máis específicas que reivindican, como reacción, a sabedoría do local”,

destacan.

O ciclo inaugúrase o próximo 11 de febreiro coa conferencia de Manuel Delgado, catedrático en Antropoloxía pola Universitat de Barcelona ( UB). Delgado é experto na construción de identidades colectivas en contextos urbanos, violencia relixiosa e apropiación social dos espazos urbanos, temas sobre os que publicou numerosos artigos en publicacións científicas de ámbito nacional e internacional.

A segunda conferencia terá lugar o 25 de febreiro, coa intervención de Daniele Giglioli, profesor de Literatura Comparada na Universidade de Bérgamo (Italia). Giglioli, acaba de publicar en España Crítica da vítima( Herder Editorial), un ensaio que investiga as orixes e os síntomas da chamada ideoloxía da vítima na sociedade contemporánea.

O 11 de marzo será a quenda da arquitecta española Elisa Valero, galardoada recentemente co prestixioso Swiss Architectural Award (2017-2018). Valero é catedrática de Proxectos Arquitectónicos na Escola Técnica Superior de Arquitectura de Granada e directora do grupo de investigación RNM909 Vivenda Eficiente e Reciclaxe Urbana. Desde 1997 dirixe o seu propio despacho e publicou varios ensaios sobre arquitectura.

O ciclo continúa o 25 de marzo cun relatorio a cargo do despacho barcelonés Addenda Architects (Roberto González, Anne Hinz, Cecilia Rodríguez, Arnau Xastre e José Zabala), autor do proxecto gañador para a construción do novo Museo Bauhaus Dessau (Alemaña), cuxa apertura está prevista para 2019 coincidindo co centenario da institución alemá.

O 9 de abril, o ciclo Foros trasládase á sede da Filmoteca de Catalunya, onde os vídeo artistas Bêka&Lemoine (Ila Bêka e Louise Lemoine) ofrecerán un relatorio seguido da proxección dunha das súas películas. Seleccionados como unha das cen personalidades de maior talento pola revista Icon Design, Bêka& Lemoine levan máis de dez anos experimentando con novas narrativas cinematográficas relacionadas coa arquitectura contemporánea e os espazos urbanos. A súa obra completa foi adquirida, no ano 2016, polo Museo de Arte Moderna de Nova York (MoMA) para incorporala á súa colección permanente. Tras o relatorio do día 9, a Filmoteca de Catalunya ofrecerá un ciclo monográfico sobre a súa obra que se estenderá os días 10 e 11 de abril.

A sexta conferencia será o 29 de abril a cargo dos novos arquitectos Nicolas Moreau e Hiroko Kusunoki. Moreau (francés) e Kusunoki (xaponesa) comezaron a súa traxectoria en Xapón, onde adquiriron unha ampla experiencia con arquitectos como SANAA, Shigeru Ban ou Kengo Kuma. En 2011 fincáronse en París e, desde entón, os seus proxectos expresan claramente a dualidade cultural da parella. No ano 2015 resultaron gañadores do concurso para a construción do Museo Guggengheim de Helsinqui.

Foros 2019 péchase o 6 de maio coa intervención do arquitecto catalán Josep Lluís Mateo, catedrático de Arquitectura e Deseño polo Politécnico Federal Suízo (Zúric). A súa práctica profesional, desenvolta en todo o mundo, foi cumpridamente premiada, publicada e exposta.

[:en]

#Foros2019_UIC Barcelona School of Architecture

he cycle of conferences Forums of UIC Barcelona School of Architecture, essential annual appointment in the field of architecture, launches a new edition, with the collaboration of BBConstrumat, which will run from February 11 to May 6.

Under the title “Identities”, this new call aims to contribute to the debate on the concept of identity in the exercise of contemporary architecture, strongly marked by the current trends of globalization. Forums 2019 has the co-direction of the teachers of the Guillem Carabí and Fredy Massad.

“Architecture, especially in this century, participates in globalizing dynamics that frequently question its territorial discourse. Faced with this, other ways of making more specific are positioned that claim, as a reaction, the wisdom of the local”,

they stand out.

The cycle opens on February 11 with the conference of Manuel Delgado, professor in Anthropology at the University of Barcelona (UB). Delgado is an expert in the construction of collective identities in urban contexts, religious violence and social appropriation of urban spaces, topics on which he has published numerous articles in national and international scientific publications.

The second conference will take place on February 25, with the intervention of Daniele Giglioli, professor of Comparative Literature at the University of Bergamo (Italy). Giglioli, just published in Spain Critic of the victim (Herder Editorial), an essay that investigates the origins and symptoms of the so-called ideology of the victim in contemporary society.

On March 11 will be the turn of the Spanish architect Elisa Valero, recently awarded with the prestigious Swiss Architectural Award (2017-2018). Valero is a professor of Architectural Projects at the School of Architecture of Granada and director of the research group RNM909 Efficient Housing and Urban Recycling. Since 1997 he runs his own office and has published several essays on architecture.

The cycle continues on March 25 with a presentation by the Barcelona office Addenda Architects (Roberto González, Anne Hinz, Cecilia Rodríguez, Arnau Sastre and José Zabala), author of the winning project for the construction of the new Bauhaus Museum Dessau (Germany), whose opening is scheduled for 2019 coinciding with the centenary of the German institution.

On April 9, the Forums cycle moves to the headquarters of the Filmoteca de Catalunya, where the video artists Bêka & Lemoine (Ila Bêka and Louise Lemoine) will offer a presentation followed by the screening of one of their films. Selected as one of the hundred most talented personalities by Icon Design magazine, Bêka & Lemoine have been experimenting with new film narratives related to contemporary architecture and urban spaces for over ten years. His complete work was acquired, in 2016, by the Museum of Modern Art of New York (MoMA) to incorporate it into his permanent collection. After the presentation of the 9th, the Filmoteca de Catalunya will offer a monographic cycle on his work that will be extended on 10 and 11 April.

The sixth conference will be held on April 29th by the young architects Nicolas Moreau and Hiroko Kusunoki. Moreau (French) and Kusunoki (Japanese) started their career in Japan, where they gained extensive experience with architects such as SANAA, Shigeru Ban or Kengo Kuma. In 2011 they settled in Paris and, since then, their projects clearly express the cultural duality of the couple. In 2015, they won the competition for the construction of the Guggenheim Museum in Helsinki.

Forums 2019 closes on May 6 with the intervention of the Catalan architect Josep Lluís Mateo, Professor of Architecture and Design by the Swiss Federal Polytechnic (Zurich). His professional practice, developed throughout the world, has been widely awarded, published and exhibited.

[:]

Citas desenfocadas | Miguel Ángel Díaz Camacho

Citas desenfocadas Miguel Ángel Díaz Camacho Fichero antiguo catálago
Citas desenfocadas | Miguel Ángel Díaz Camacho

En general, y salvo honrosas excepciones, los arquitectos escribimos regular. En realidad, tiene mérito el hecho de abordar con tanta pasión una tarea para la que no hemos sido formados específicamente. Para apoyar nuestras ideas y convicciones con frecuencia utilizamos una herramienta recurrente: la cita, un breve respaldo a nuestro argumento gracias al apoyo oportuno de una voz autorizada. Ahora bien:

¿citamos bien los arquitectos cuando citamos?

A primera vista podríamos concluir que no, y es que esto de las citas es tarea complicada. En muchas ocasiones se desconoce la veracidad de la frase, o incluso la autenticidad sobre el autor real de la misma, y debemos confiar en la referencia de un tercero. Conseguir la fuente primera (en su idioma original) daría lugar a un trabajo ímprobo de investigación para cada cita, paso obligatorio en la elaboración de una tesis doctoral.

Por otra parte, y dando por hecho la veracidad de lo escrito por un autor determinado en tiempo y forma, habría que conocer muy bien no solo el texto sino el contexto en el que éste se formula: la Alemania de la Bauhaus poco tiene que ver con Chicago en los años 50 o la España de los 60; sin embargo, utilizamos simultáneamente citas de autores dispares, aislados en el espacio y en el tiempo, sin tener en cuenta que tal vez, en su contexto, se pretendía argumentar precisamente lo contrario a aquello que nosotros ahora proponemos.

Los arquitectos somos poco “científicos” en esto de las citas, y nuestros escritos tienden más al ensayo que al tratado. En general solemos huir de lo categórico y, en su lugar, cultivamos la exploración sensible de la arquitectura como una de las fuentes más reveladoras de la cultura. De ahí que muchas de las citas que hemos convertido de manera colectiva en “aforismos” sean en ocasiones solo frases cogidas al vuelo que representan solo parcialmente las ideas del autor. En este sentido, siempre nos ha parecido una tragedia rememorar la figura de Le Corbusier por

la arquitectura es el juego sabio, correcto y magnífico de los volúmenes bajo la luz”,

una frase extraída de un artículo en 1921 escrito para elogiar los volúmenes puros, la geometría o la objetividad del cálculo

de los silos y las fábricas norteamericanas

frente al lenguaje decorativo del Quai d’Orsay o el Gran-Palais. O como recordaban Brijuni en su texto “Less is Less” para La Ciudad Viva, el “Less is more” de Mies van der Rohe sería (según Pier Vittorio Aureli) tan solo una frase pronunciada por el arquitecto alemán en una entrevista de 1959.

Si bien el uso de la primera ha justificado todo tipo de formalismos contemporáneos, llama la atención la transformación interesada de la segunda por parte del arquitecto danés Bjarke Ingels, dando lugar a su propia locución “Yes is More” a la que ya se ha dedicado una entrada bajo nuestra propia mutación: “Yes Needs More”.

Para terminar el asunto de las citas desenfocadas pondremos otro par de ejemplos. A raíz del citado “Less is Less” de Brijuni surgió un interesante debate en los comentarios sobre la no menos famosa “dar liebre por gato” atribuida a Alejandro de la Sota y que, como allí se dijo, procede, hasta donde nosotros sabemos, de Víctor D’Ors, director de la ETSAM entre 1969-72 coincidiendo con Sota como profesor. Mucho nos tememos que el sentido actual de esta cita poco tiene que ver con el uso que de ella se hacía en la ETSAM en los años 60.

Pero no vayamos a creer que el oscuro laberinto de la cita es un fenómeno nuevo. Como parte del desarrollo de la tesis “La casa Domínguez. Alejandro de la Sota: construir – habitar”, se demostró que alguna de las citas que el propio Sota empleaba para justificar alguna de sus obras, en concreto la Casa Domínguez, no era del todo oportuna ni exacta, y que tenía que ver más con la construcción de un relato propio que con la existencia del antecedente al que hacía referencia.

Ante una evidencia tan poco confortable para algunos eruditos (que habían dado por buena la cita de Sota durante años en numerosos libros y artículos), se consultó por separado a dos eminentes catedráticos; curiosamente ambos coincidían en la necesidad de desenfocar aún más el asunto. El primero aconsejó dejar la puerta abierta a la duda:

“no se debe exponer que la cita no existe, sino que ha resultado imposible de encontrar”;

el segundo, menos comprometido con la materia, nos dijo:

“hay que contarlo, pero que no se rompa la magia”.

Miguel Ángel Díaz Camacho. Doctor Arquitecto
Madrid. Febrero 2014.
Autor de Parráfos de arquitectura#arquiParrafos

Sobre la estandarización de la tecnología errónea | Marc Chalamanch

Quién inventó la máquina de escribir | Fuente: curiosfera.com
Quién inventó la máquina de escribir | Fuente: curiosfera.com

En las últimas décadas la omnipresencia de la tecnología ha acelerado nuestra historia como nunca había sucedido antes. El determinismo tecnológico intenta explicar cómo la tecnología por sí misma es capaz de influir y transformar de manera positiva el contexto socioeconómico donde se desarrolla. Según sus seguidores la tecnología ha llegado a convertirse en el eje central de los cambios históricos determinantes de desarrollo y progreso social; pero

¿qué papel tiene realmente la tecnología en nuestra transformación y evolución?

Robert L. Heilbroner (1967) y Paul A. David (1985), desde épocas y metodologías de investigación diferentes, intentan dar luz a esta pregunta, pero debemos tener en cuenta al leer sus artículos el momento en el que fueron escritos, para llegar a comprender su contenido y poder contextualizarlos correctamente. Es así que podemos entender cómo evolucionamos para sacar conclusiones y visualizar, ”entre nieblas” posibles futuros.

“¿Son las máquinas el motor de la historia?”

es un artículoescrito en 1967 por Robert L. Heilbroner, en el que se resumen las principales tesis en favor del determinismo tecnológico. Tiene como punto de partida la afirmación de Karl Marx (1847) en La miseria de la filosofía2

“El molino manual trae la sociedad feudal; el molino de vapor, la sociedad capitalista industrial”

y se apoya de forma superficial en la evolución del molino para exponer y justificar sus argumentos. Por otro lado, Paul A. David escribió en 1985 un artículo titulado “Clio and the Economics of QWERTY”3 donde después de una breve introducción sobre el determinismo tecnológico ahonda en la investigación sobre la historia del resultado final de la posición de las letras en nuestros teclados. Una investigación que resulta muy interesante para construir su visión sobre el determinismo tecnológico. Son dos artículos que fueron escritos con dieciocho años de diferencia, por lo que el artículo sobre Heilbroner sugiere una investigación prospectiva del determinismo tecnológico en frente del artículo más historicista de Paul A. David, con un recorrido detallado sobre su ejemplo propuesto.

Resulta curioso que los dos artículos comiencen con palabras de disculpa sobre la exactitud de dichos artículos. Paul A. David introduce el artículo llamándolo “relato casero de historia económica” en el que “se encadenan los despropósitos”, mientras que Robert L. Heilbroner convierte el artículo en un reto:

“El reto es, pues, ver si podemos decir algo sistemático sobre la cuestión, ver si podemos ordenar el problema a fin de que sea intelectualmente manejable”.

Para posteriormente escribir:

“No creo que sorprenda a nadie si anuncio ahora que en nuestra investigación encontramos algún contenido y una considerable ausencia de pruebas… Lo que quedará entonces por hacer será ver si podemos situar los elementos salvables de la teoría en la perspectiva de la historia, ver si podemos explicar el determinismo tecnológico históricamente, así como explicar la historia por medio del determinismo tecnológico”.

De la misma manera que Paul A. David nos dice:

“Esta historia no pretende establecer en qué medida el mundo se rige por estos fenómenos, tan sólo intenta ilustrar un caso concreto.”

Estas justificaciones y titubeos demuestran las dificultades de analizar una transformación tecnológica y su influencia sobre nuestra sociedad, que con su gran velocidad de cambio convierte rápidamente en obsoletas las conclusiones sobre verdades absolutas que se puedan sacar.

Encontramos por parte de Paul A. David y Robert L. Heilbroner la voluntad de basarse en la historia para estudiar y determinar el alcance del determinismo tecnológico. Es en la referencia a Tolstoi (1869) que Paul A. David escribe

“cada una de sus acciones, que se les parecen como acto de su libre albedrío, no son, en un sentido histórico, libres en absoluto, sino deudoras de todo el curso de la historia pasada…”

una afirmación que le sirve para descubrir cómo se ha llegado a mantener la posición de las letras en los teclados QWERTY. Esta afirmación generalista le permite a Paul A. David marcar el punto de partida para su estudio, en cambio Heilbroner encuentra su sentido circunstancial en el momento histórico, tal como afirma cuando acaba su artículo. Se refiere también Robert L. Heilbroner a la máquina de escribir cuando comenta que hay que vigilar en asignar una eficacia causal exclusiva a la presencia visible de maquinaria o de pasar por alto la influencia invisible de otros factores, y pone por ejemplo a Gilfillan4 (1952) que afirma que

“los ingenieros han cometido algunos errores garrafales como decir que la máquina de escribir llevó a las mujeres a trabajar en oficinas y que la máquina tipográfica hizo posible el gran diario moderno, olvidando que en Japón hay mujeres que trabajan en oficinas y en grandes diarios sin ayudas de máquinas.”

R.L. Heilbroner explica que las máquinas son en parte el motor de la historia al influir directamente en el drama humano y propone encontrar la forma de sistematizar esta relación. Opina que la simultaneidad de la invención (que un mismo invento aparezca en entornos de desarrollo diferentes) puede justificar la idea de que el proceso de descubrimiento tenga una frontera perfectamente definida del saber, que supera la de la sorpresa y se rige según una evolución técnica secuencial y determinada en vez de aleatoria. Entiende que el avance debe ser coherente con la tecnología de su época, con las instituciones tecnológicas y con otras características de la sociedad en la que se desarrolla. De este modo parece ser que las fuerzas sociales descartan todo el concepto de determinismo técnico, descartando así el concepto de determinismo tecnológico por falso. La tecnología no sólo influye en la sociedad, sino que también es influida por ella. Desde este punto de partida reconoce que todavía no comprendemos los factores culturales que llevaron a la tecnología -desde el 1700- a tener un papel tan importante para la historia.

Heilbroner valora la ausencia de saltos tecnológicos, reconoce que todos los inventos e innovaciones suponen un paso adelante respecto al punto de partida precedente. Avances estos que tienen apariencia de ser esencialmente acumulativos, de forma uniforme y continuada, sin discontinuidades, evolutivos, al igual que la naturaleza. En cambio, Paul A. David comienza su artículo diciendo que es imposible reconocer la lógica (o ilógica) del mundo que nos rodea sin entender cómo se ha llegado hasta la situación actual, pero entiende que una secuencia aleatoria de cambios económicos puede tener una gran influencia sobre los resultados, calificándolos de procesos estadísticamente aleatorios, ergódicos. De este modo, al principio del artículo ya prevé que los “accidentes históricos” no se pueden ignorar ni aislar, entiende que se debe asumir el carácter esencialmente histórico de un proceso que es dinámico. Robert L. Heilbroner cree que el determinismo tecnológico es un problema de un determinado momento histórico, el que vive, situado entre el alto capitalismo y el bajo socialismo, donde la sociedad se ha encontrado con las fuerzas que le han llevado a los cambios técnicos sin las herramientas sociales suficientes para su control y de orientación para esta tecnología. Un impás que considera de asimilación del cambio tecnológico que más adelante Paul A. David comprueba que no tiene fin. Robert L. Heilbroner tiene una mirada de presente con el propósito de encontrar el hilo conductor del determinismo tecnológico, aunque la evolución del molino sea una referencia sobre un hilo histórico. En cambio, Paul A. David propone una mirada detallada hacia atrás sobre un hecho muy concreto para entender el presente y reflejar así su visión del determinismo tecnológico.

El artículo de Robert L. Heilbroner determina que la tecnología sigue una secuencia fija de una forma autónoma, como cuando dice

“no se puede pasar de la era del molino a vapor sin haber pasado antes en la era del molino manual”,

pero denota que el determinismo es compatible con el reconocimiento de que los avances tecnológicos son sensibles a los rumbos sociales. Unos rumbos de la historia reflejados en el relato de Paul A. David sobre cómo el invento de Christopher Lathan Sholes de la máquina de escribir QWERTY llega a dominar en nuestros teclados. Un sistema que no dejó ninguna oportunidad al teclado DSK a pesar de ganar en velocidad de escritura, o de otros sistemas técnicos y de distribución de teclados más sensatos, que en el artículo va detallando. David descarta este triunfo por un comportamiento caprichoso e irracional de personas que quieren mantener una tradición tecnológica anticuada, o por una conspiración del oligopolio de los fabricantes de máquinas, o por las interferencias políticas en un “mercado libre”, o tal vez del sistema educativo. Un punto clave para su triunfo fueron el esfuerzo en investigación con dinero del fabricante de armas Eliphalet Remington. Un campo, el armamentístico, que Heilbroner también reconoce como de influencia en el desarrollo tecnológico. Considera que el desarrollo de la tecnología de producción dependerá en el futuro, al igual que en el pasado, de las limitaciones del saber y de la capacidad predecible que determina el proceso histórico que puede llegar a permitir que un producto se convierta en “universal”, como es el caso del teclado QWERTY hacia 1905 sin que sea ni “ideal”.

R.L. Heilbroner argumenta que el progreso tecnológico es, en sí mismo, una actividad social. La propia actividad de la invención y la innovación son atributos de algunas sociedades (aunque no todas las sociedades tienen este interés). La evolución de la tecnología en algunos campos (guerra, agricultura, industria, etc.) depende de las recompensas que ofrece la sociedad, es decir, de una determinada política social que haga compatible el cambio tecnológico con las condiciones sociales existentes. En este sentido la máquina de escribir, que investiga Paul A. David, entró en su período decisivo de implantación cuando comenzó a formar parte del sistema productivo a gran escala, a adquirir una mayor complejidad técnica, y a incorporar a los mecanógrafos y su formación con la aparición de la mecanografía “al tacto”. Esta mecanografía permitía la interdependencia técnica entre el teclado (hardware) con el soporte lógico de la memorización de las teclas (software) que representaba la formación previa necesaria en un teclado específico. La economía de escala necesaria relacionada con la masa crítica formada que conocía un mismo teclado evitaba su formación por parte de las empresas, y así se llegaba a la casi irreversibilidad de las inversiones para el aprovechamiento de esta formación, reduciendo costes y llevando a la estandarización de facto. Así se llevaba esta tecnología a un punto de no retorno debido al coste que podría suponer su sustitución. Podemos comprobar que la historia está fácilmente determinada por una secuencia particular de elecciones, donde factores efímeros y esencialmente aleatorios tienen capacidad para ejercer un importante nivel de influencia.

Paul A. David intuye que la elección de una tecnología desde una perspectiva inmediata o de futuro afecta al resultado de su desarrollo y de su implantación, así quedaría fuertemente influenciada por las perspectivas creadas previamente, y con ellas las externalidades que una tecnología es capaz de crear y la adaptación de estas máquinas a los hábitos de sus usuarios y no al contrario. Pero Robert L. Heilbroner valora el carácter previsible bajo una historia “estructurada” de la tecnología sin excluir las sorpresas. La reducción de las limitaciones de la tecnología va ligada al conocimiento científico (electricidad, química, aeronáutica, electrónica, nuclear y espacial), pero también influye la competencia material de la época, la capacidad de una industria para adaptarse a los cambios, y su calificación y especialización. Considera que el hecho de que la tecnología productiva siga una progresión más o menos ordenada, es suficientemente lógico para justificar una mayor investigación empírica.

Paul A. David apunta el elemento del marketing de la tecnología cuando recalca que se cambió la R de posición para poder vender mejor las máquinas cuando los vendedores escribían “TYPE WRITER” para demostrar su velocidad de escritura. Robert L. Heilbroner también habla del papel importante e inevitable del diseño de la tecnología, que relaciona con el nivel de estudios de la mano de obra y su precio relativo. Dice que la máquina refleja y moldea las relaciones sociales existentes, tal como llama William James “determinismo blando” en referencia a la influencia de la máquina en las relaciones sociales y en una visión del futuro que sólo puede prever el carácter sociológico que vendrá, pero no los atributos políticos de esta sociedad.

Del mismo modo Robert L. Heilbroner hace hincapié en el papel central de la economía como mecanismo mediador para que los cambios tecnológicos influyan en la organización del orden social y acabar reconociendo que los factores sociales, políticos y culturales pueden anular completamente la relación determinista. Vuelve a recurrir a Karl Marx ( (1846) en La ideología alemana5 en la idea de que

al adquirir nuevas fuerzas productivas, los hombres cambian su modo de producción, y al cambiar este, cambian su forma de vivir, cambian todas sus relaciones sociales”.

La tecnología de una sociedad impone una determinada pauta de relaciones sociales en una sociedad según dos tipos de influencias: la composición de la mano de obra, en la que una determinada tecnología necesita una determinada mano de obra (como le ocurre a la evolución del molino), y la organización jerárquica del trabajo. La mano de obra necesita supervisión, órdenes y coordinación, además de la relación hombre-maestro a la de hombre-supervisor, o la actual. A más complejidad del proceso de producción son necesarios más sistemas de control internos. Es difícil saber en qué grado una infraestructura tecnológica es responsable de algunas de las características sociológicas de la sociedad, como ocurre con la tecnología que influye en la calidad existencial de la vida, pero considera que los fenómenos sociales son similares tanto en Rusia6 como en América.

Paul A. David acaba el artículo reconociendo cómo resulta de intrigante el caso de éxito del teclado QWERTY y lo relaciona con la estandarización de un producto cuando el mercado aún era inmaduro y con algunas externalidades que interfirieron para hacer triunfar un sistema erróneo. Este triunfo, al hacer una mirada retrospectiva en la historia no es del todo excepcional. Este hecho hace que Paul A. David enriquezca su exploración con un estudio sistemático de los procesos dinámicos de la historia de la economía para la comprensión del determinismo tecnológico. Por su parte, Robert L. Heilbroner cree importante tener en cuenta la aceleración del cambio técnico que llevará a un mayor control y organización, junto a unos cambios políticos, sociales y existenciales que no sabe prever, considerando que el determinismo tecnológico seguirá siendo importante, con un grado de control político mayor que el existente en el momento de escribir el artículo.

Marc Chalamanch · Arquitecto
Barcelona. Febrero 2019

Notas:

Heilbroner, Robert.L., 1967. “Do Machines make history?”. The Johns Hopkins University Press and the Society for the History of Technology.  Vol. 8, No. 3 pp. 335-345

Marx, Karl, 1847. “Miseria de la filosofía”.

David, Paul. A., 1985. “Clio and the Economics of QWERTY”. The American Economic Review. Vol 75, No 2, Papers and Proceedings of the Ninety-Seventh Annual Meeting of the American Economic Association (May), pàg. 332-337. 

Gilfillan, S.C., 1952. “Social Implications of Technological Advance”, Cuwent Sociology, 1, pág. 197

Marx, Karl y Engels, Friedrich, 1846. “The German Ideology”, Londres, 1942, pág. 18.

Tolstoi, Liev N., 1869. “Guerra y Paz”, Libro IX, Capítulo 1.

[:es]Maestros Modernos. Casto Fernández-Shaw[:gl]Mestres Modernos. Casto Fernández-Shaw[:en]Modern Masters. Casto Fernández-Shaw[:]

0

[:es]https://vimeo.com/264403270

Conferencia dedicada al arquitecto madrileño Casto Fernández-Shaw Iturralde (1896-1978) como parte del ciclo Maestros Modernos de la Fundación Arquitectura COAM.

Con este ciclo se quiere poner de manifiesto la importancia que el patrimonio arquitectónico contemporáneo tiene para la sociedad del siglo XXI, la necesidad de su reconocimiento social y de su mantenimiento y conservación.

Hijo del escritor Carlos Fernández Shaw, que murió cuando Casto era un adolescente (1911), quedando a cargo de su tío materno, Daniel Iturralde. Ingresó en la Escuela de Arquitectura en 1913, acabando la carrera con veintitrés años, como miembro de una promoción integrada por diecisiete nuevos arquitectos. Entre su profesorado tuvo a Ricardo Velázquez Bosco, director de la Escuela entre 1910-1918, Modesto López Otero y Antonio Palacios. En 1917 había entrado ya en el estudio de Antonio Palacios, para costearse sus últimos dos años de carrera. Con Palacios llegará luego a ser Jefe de delineación del Concurso de 1919 para la sede del Círculo de Bellas Artes, que al quedar desierto, fue por fin encargado a Antonio Palacios. En este estudio coincidiría con Pedro Muguruza, con el que realizó más tarde el proyecto del Edificio Coliseum en la Gran Vía madrileña, con un programa de teatro y viviendas de alquiler. Fue Antonio Palacios quién le recomendó trabajar con los hermanos Otamendi, que le incluyeron en su Compañía Madrileña Urbanizadora, donde logró una plaza de arquitecto en colaboración con Julián Otamendi, en el proyecto de unos de los edificios de la Avenida Reina Victoria (Edificios Titanic) y en una barriada de hoteles.

En el año 1920 presenta en la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid el Proyecto del Monumento a la Civilización, premiado con una tercera medalla de bronce.

Carlos Otamendi, le encargó entonces la presa El Salto en El Carpio (al que en realidad solo tenía que dar forma ya que el proyecto estaba hecho), que concluyó en 1922. Abandonó la Compañía Madrileña Urbanizadora un año después. En 1925, en la Exposición de Artes Decorativas e Industriales Modernas en París, le llamó la atención el Pabellón de la URSS del arquitecto Konstantín Mélnikov, ejemplo de arquitectura constructivista.

En 1924 se le encarga la Presa de Alcalá del Río y el Embalse del Encinarejo, e interviene en la parte arquitectónica del Salto del Jándula. Otros edificios importantes son: los Edificios Titanic en la Avenida de Reina Victoria, esquina a la Glorieta de Cuatro Caminos (1919-21), de la mencionada Compañía Madrileña Urbanizadora.

En 1927, se incorpora a la Directiva de la Sociedad Central de Arquitectos como contador; proyecta el Ateneo Mercantil de Valencia, en colaboración con J.M. Castell, y la nueva iglesia de Tetuán de las Victorias. Todo ello quedó reflejado en la encuesta sobre la arquitectura moderna del n.º 32 de la revista La Gaceta Literaria.

Su obra temprana más importante es la gasolinera de Petróleos Porto Pí, en la calle de Alberto Aguilera n.º 18 de los bulevares madrileñosen 1927, que Carlos Flores considera una de las obras claves de la Generación del 25, de la que el propio artífice dice que no tiene ningún estilo, naciendo lo que él llamó “arquitectura ingeniería», y que pondrá en práctica en su anteproyecto para el concurso del Aeropuerto de Barajas en 1929. Al año siguiente funda la revista Cortijos y Rascacielos (1930-1954), que llegará a sacar 80 números en dos etapas interrumpidas por la Guerra Civil española. En ella se atiende a la arquitectura de vanguardia, a la arquitectura rural y a la arquitectura del pasado. Además de ser un medio de expresión para el propio arquitecto para exponer sus ideas y publicar sus proyectos. Es elegido Vocal de Arquitectura de la Junta Directiva del Círculo de Bellas Artes de Madrid, en 1930.

Tuvo un lapso de tiempo en el que solo se dedicó a la construcción del edificio Coliseum en la Gran Vía de Madrid (1930-1933), realizado en colaboración con Pedro Muguruza. Entre 1934 y 1935 realiza el Edificio de Viviendas, en la avenida de Menéndez Pelayo, obra ejemplar del Racionalismo Madrileño que cierra el periodo anterior a la Guerra Civil. En esta misma línea de pensamiento se mantuvo después de la contienda, con arquitecturas antiaéreas y proyectos considerados futuristas, como la fachada del Banco Hispano de Edificación en la Gran Vía de Madrid (1943-44), y el Mercado de San Fernando en la calle de Embajadores.

Mesa redonda con la intervención de Félix Cabrero Garrido y Juan Carlos Rico Nieto.

[:gl]https://vimeo.com/264403270

Conferencia dedicada ao arquitecto madrileño Casto Fernández-Shaw Iturralde (1896-1978) como parte do ciclo Mestres Modernos da Fundación Arquitectura COAM.

Con este ciclo quérese poñer de manifesto a importancia que o patrimonio arquitectónico contemporáneo ten para a sociedade do século XXI, a necesidade do seu recoñecemento social e do seu mantemento e conservación.

Fillo do escritor Carlos Fernández Shaw, que morreu cando Casto era un adolescente (1911), quedando a cargo do seu tío materno, Daniel Iturralde. Ingresou na Escola de Arquitectura en 1913, acabando a carreira con vinte e tres anos, como membro dunha promoción integrada por dezasete novos arquitectos. Entre o seu profesorado tivo a Ricardo Velázquez Bosco, director da Escola entre 1910-1918, Modesto López Otero e Antonio Palacios. En 1917 entrara xa no estudo de Antonio Palacios, para custearse os seus últimos dous anos de carreira. Con Palacios chegará logo a ser Xefe de delineación do Concurso de 1919 para a sede do Círculo de Belas Artes, que ao quedar deserto, foi por fin encargado a Antonio Palacios. Neste estudo coincidiría con Pedro Muguruza, co que realizou máis tarde o proxecto do Edificio Coliseum na Gran Vía madrileña, cun programa de teatro e vivendas de aluguer. Foi Antonio Palacios quen lle recomendou traballar cos irmáns Otamendi, que lle incluíron na súa Compañía Madrileña Urbanizadora, onde logrou unha praza de arquitecto en colaboración con Julián Otamendi, no proxecto duns dos edificios da Avenida Reina Vitoria (Edificios Titanic) e nunha barriada de hoteis.

No ano 1920 presenta na Exposición Nacional de Belas Artes de Madrid o Proxecto do Monumento á Civilización, premiado cunha terceira medalla de bronce.

Carlos Otamendi, encargoulle entón a presa O Salto nel Carpio (ao que en realidade só tiña que dar forma xa que o proxecto estaba feito), que concluíu en 1922. Abandonou a Compañía Madrileña Urbanizadora un ano despois. En 1925, na Exposición de Artes Decorativas e Industriais Modernas en París, chamoulle a atención o Pavillón da URSS do arquitecto Konstantín Mélnikov, exemplo de arquitectura constructivista.

En 1924 encárgaselle a Presa de Alcalá del Río e o Encoro do Encinarejo, e intervén na parte arquitectónica do Salto do Jándula. Outros edificios importantes son: os Edificios Titanic na Avenida de Raíña Vitoria, esquina á Glorieta de Catro Camiños (1919-21), da mencionada Compañía Madrileña Urbanizadora.

En 1927, incorpórase á Directiva da Sociedade Central de Arquitectos como contador; proxecta o Ateneo Mercantil de Valencia, en colaboración con J.M. Castell, e a nova igrexa de Tetuán das Vitorias. Todo iso quedou reflectido na enquisa sobre a arquitectura moderna do n.º 32 da revista A Gaceta Literaria.

A súa obra temperá máis importante é a gasolineira de Petróleos Porto Pí, na rúa de Alberto Aguilera n.º 18 dos bulevares madrileñosen 1927, que Carlos Flores considera unha das obras craves da Xeración do 25, da que o propio artífice di que non ten ningún estilo, nacendo o que el chamou “arquitectura enxeñería», e que poñerá en práctica no seu anteproxecto para o concurso do Aeroporto de Barallas en 1929. Ao ano seguinte funda a revista Casaríos e Rañaceos (1930-1954), que chegará a sacar 80 números en dúas etapas interrompidas pola Guerra Civil española. Nela aténdese á arquitectura de vangarda, á arquitectura rural e á arquitectura do pasado. Ademais de ser un medio de expresión para o propio arquitecto para expoñer as súas ideas e publicar os seus proxectos. É elixido Vocal de Arquitectura da Xunta Directiva do Círculo de Belas Artes de Madrid, en 1930.

Tivo un lapso de tempo no que só se dedicou á construción do edificio Coliseum na Gran Vía de Madrid (1930-1933), realizado en colaboración con Pedro Muguruza. Entre 1934 e 1935 realiza o Edificio de Vivendas, na avenida de Menéndez Pelayo, obra exemplar do Racionalismo Madrileño que pecha o período anterior á Guerra Civil. Nesta mesma liña de pensamento mantívose despois da contenda, con arquitecturas antiaéreas e proxectos considerados futuristas, como a fachada do Banco Hispano de Edificación na Gran Vía de Madrid (1943-44), e o Mercado de San Fernando na rúa de Embaixadores.

Mesa redonda coa intervenciónde Félix Cabrero Garrido e Juan Carlos Rico Nieto.

[:en]https://vimeo.com/264403270

Conference dedicated to the Madrid architect Casto Fernández-Shaw Iturralde (1896-1978) as part of the Modern Masters cycle of the COAM Architecture Foundation.

With this cycle we want to highlight the importance that the contemporary architectural heritage has for the society of the 21st century, the need for its social recognition and its maintenance and conservation.

Son of the writer Carlos Fernández Shaw, who died when Casto was a teenager (1911), being in charge of his maternal uncle, Daniel Iturralde. He entered the School of Architecture in 1913, finishing his career with twenty-three years, as a member of a promotion integrated by seventeen new architects. Among his teachers he had Ricardo Velázquez Bosco, director of the School between 1910-1918, Modesto López Otero and Antonio Palacios. In 1917 he had already entered the studio of Antonio Palacios, to pay for his last two years of career. With Palacios, he will later become Head of the delineation of the 1919 Contest for the headquarters of the Círculo de Bellas Artes, which, when deserted, was finally commissioned by Antonio Palacios. In this study, he would coincide with Pedro Muguruza, with whom he later made the Coliseum Building project in Madrid’s Gran Vía, with a theater program and rental housing. It was Antonio Palacios who recommended him to work with the Otamendi brothers, who included him in his Compañía Madrileña Urbanizadora, where he achieved an architect position in collaboration with Julián Otamendi, in the project of one of the buildings on Avenida Reina Victoria (Titanic Buildings) and in a hotel neighborhood.

In 1920, he presented at the National Exhibition of Fine Arts in Madrid the Monument to Civilization Project, awarded with a third bronze medal.

Carlos Otamendi, then commissioned the dam El Salto in El Carpio (which really only had to give shape since the project was done), which ended in 1922. Abandoned the Madrid Urbanization Company a year later. In 1925, at the Exhibition of Modern Decorative and Industrial Arts in Paris, he was struck by the Pavilion of the USSR by the architect Konstantín Mélnikov, an example of constructivist architecture.

In 1924 he was commissioned the Alcalá del Río Dam and the Encinarejo Reservoir, and intervened in the architectural part of the Salto del Jandula. Other important buildings are: the Titanic Buildings on Avenida de Reina Victoria, corner of the Glorieta de Cuatro Caminos (1919-21), of the aforementioned Compañía Madrileña Urbanizadora.

In 1927, he joined the Board of the Central Society of Architects as an accountant; projects the Mercantile Athenaeum of Valencia, in collaboration with J.M. Castell, and the new church of Tetuán de las Victorias. All this was reflected in the survey on modern architecture of No. 32 of the journal La Gaceta Literaria.

His most important early work is the gas station of Petróleos Porto Pí, in the street of Alberto Aguilera No. 18 of the Madrid boulevards in 1927, which Carlos Flores considers one of the key works of the Generation of 25, of which the architect himself he says that he has no style, being born what he called «engineering architecture», and that he will put into practice in his blueprint for the Barajas Airport competition in 1929. The following year he founded the magazine Cortijos y Rascacielos (1930-1954), It will produce 80 issues in two stages interrupted by the Spanish Civil War, in which avant-garde architecture, rural architecture and architecture from the past are taken care of, as well as being a means of expression for the architect himself to exhibit his works. ideas and publish his projects, he is elected Vocal of Architecture of the Board of Directors of the Círculo de Bellas Artes de Madrid, in 1930.

He had a lapse of time in which he only dedicated himself to the construction of the Coliseum building in the Gran Vía de Madrid (1930-1933), carried out in collaboration with Pedro Muguruza. Between 1934 and 1935 he made the Housing Building, on Avenida de Menéndez Pelayo, an exemplary work of Madrileño Rationalism that closes the period before the Civil War. In this same line of thought was maintained after the war, with antiaircraft architectures and projects considered futuristic, such as the facade of the Banco Hispano de Edificación on the Gran Vía de Madrid (1943-44), and the Mercado de San Fernando on the street of Ambassadors.

Round table with the intervention of Félix Cabrero Garrido and Juan Carlos Rico Nieto.

[:]

[:es]Oficinas centrales de Optifisk NV en Herentals | RDVA. Rik De Vooght Architecten[:gl]Oficinas centrais de Optifisk NV en Herentals | RDVA. Rik De Vooght Architecten[:en]Bureau Optifisk NV in Herentals | RDVA. Rik De Vooght Architecten[:]

[:es]

Oficinas centrales de Optifisk NV en Herentals RDVA. Rik De Vooght Architecten o13 © Milena Villalba 2017
Oficinas centrales de Optifisk NV en Herentals | RDVA. Rik De Vooght Architecten © Milena Villalba 2017

La relación entre el entorno construido y la persona es un diálogo en el que ambas partes participan. La arquitectura, a través de espacio, luz, color, materialidad, temperatura, etc., produce una serie de sensaciones físicas y emocionales que la persona percibe. A su vez, los movimientos y comportamientos de la persona, o el uso del espacio y su comprensión, en definitiva, cómo entendemos ese entorno y reaccionamos a él, serán una respuesta humana que puede llegar a alterar el espacio físico.

Está comprobado que, por ejemplo, empleando un determinado cromatismo se puede producir una activación de la actividad mental, mientras que éstos mismos tonos mal empleados pueden provocar agotamiento cerebral. Los espacios que contienen piezas de arte y colores vivos puntualmente, pueden activar la creatividad, al igual que los ámbitos copados pueden producir saturación y estrés.

Si aplicamos estas premisas a la arquitectura de una oficina, donde las personas pasan una parte importante de su día a día enfocados en desarrollar una tarea, es fácil entender que concentración, equilibrio y claridad deben estar en balance con la creatividad, productividad y proactividad. Pero además, deben disfrutar el espacio. Este balance parecen haberlo entendido a la perfección la empresa de contabilidad Optifisk NV y los arquitectos RDVA que han proyectado su oficina en Herentals (Bélgica).

La oficina de Optifisk NV ocupa parte de la planta baja y el sótano de de un edificio situado entre las calles Augustijnenlaan y San Jobstraat diseñado por el mismo equipo de arquitectos. El edificio, con 3 oficinas en las plantas inferiores, 7 amplios apartamentos en los niveles 1 y 2, y un aparcamiento subterráneo, destaca en la manzana con 4 fachadas de gran potencia visual, diferenciando desde el exterior los usos domésticos y laborales a través de la elección material: hormigón visto a pie de calle modelado con una trama vertical, y lamas verticales de madera para las viviendas.

La vinculación directa de RDVA con ambos diseños hace que el proyecto de configuración interna de la oficina alcance una coherencia total con respecto a la totalidad del edificio. Su visión se alinea además  con la del cliente, cuya premisa es crear una oficina clara y ordenada, de gran transparencia, donde expresividad, color y calidez tengan también cabida y doten a los diferentes espacios de personalidad y cercanía. El proyecto se sitúa entre el minimalismo y la expresión artística: los espacios llenos de serenidad gracias al tratamiento de la luz y el uso sabio de la madera, el blanco, el pavimento de roble y la transparencia de los espacios acristalados, se activan con piezas singulares de arte y diseño, incluido mobiliario, que les confiere carácter propio y facilita el reconocimiento y diferenciación de cada uno de ellos.

Para asegurar la iluminación de ambos niveles inferiores se abre un patio en uno de sus extremos al que la edificación se vuelca con grandes ventanales. Este patio está revestido con baldosas de travertino, hasta el borde de un estanque en el que se sitúa una de las piezas de arte. La reflexión de la luz en las blanquecinas paredes y el pavimento de piedra, sumado a los reflejos del agua, introduce la luz en el sótano, al tiempo que la escultura compuesta por troncos de madera superpuestos, de gran verticalidad e intenso rojo, acapara y unifica las visuales desde ambas plantas.

Esta necesidad de vincular la planta baja y la sótano es una intención constante, que se percibe en toda la gestualidad del proyecto de RDVA. El núcleo de comunicaciones, al que se suman también otros usos cerrados, como los aseos, por ejemplo, se convierte en una caja central de madera, elemento de referencia en ambos niveles. Más allá de esta caja central elaborada en roble todo son espacios abiertos por los que el movimiento es libre, o, en el caso de aquellos que requieren cierta independencia como el meeting room y los despachos principales, delimitados por paneles de vidrio transparente que permiten la fluidez visual sin saturar el espacio.

El resultado final, tanto del conjunto del edificio como del diseño del espacio interior de la oficina, es una construcción de una potencia visual importante, que al tiempo se muestra serena. El trabajo de diseño es multiescalar, se percibe tanto en la configuración general como en los pequeños detalles, con un trabajo muy cuidado del material. Todo está donde tiene que estar, en su justa medida, construyendo un diálogo entre usuarios y arquitectura totalmente equilibrado.

Obra: Oficinas centrales de Optifisk NV en Herentals
Emplazamiento: Herentals, Bélgica
Año: 2016
Equipo: RDVA. Rik De Vooght Architecten
Colaborador: Frans van Praet
Promotor: Vosselaars Bouwbedrijf bvba
Fotografía: Milena Villalba
Texto: Ana Asensio
Traducción castellano a inglés: Natalia Dalinkevicius
+ rdva.be

[:gl]

Oficinas centrales de Optifisk NV en Herentals RDVA. Rik De Vooght Architecten o13 © Milena Villalba 2017
Oficinas centrais de Optifisk NV en Herentals | RDVA. Rik De Vooght Architecten © Milena Villalba 2017

A relación entre a contorna construída e a persoa é un diálogo no que ambas as partes participan. A arquitectura, a través de espazo, luz, cor, materialidad, temperatura, etc., produce unha serie de sensacións físicas e emocionais que a persoa percibe. Á súa vez, os movementos e comportamentos da persoa, ou o uso do espazo e a súa comprensión, en definitiva, como entendemos esa contorna e reaccionamos a el, serán unha resposta humana que pode chegar a alterar o espazo físico.

Está comprobado que, por exemplo, empregando un determinado cromatismo pódese producir unha activación da actividade mental, mentres que estes mesmos tons mal empregados poden provocar esgotamento cerebral. Os espazos que conteñen pezas de arte e cores vivos puntualmente, poden activar a creatividade, do mesmo xeito que os ámbitos copados poden producir saturación e tensión.

Se aplicamos estas premisas á arquitectura dunha oficina, onde as persoas pasan unha parte importante do seu día a día enfocados en desenvolver unha tarefa, é fácil entender que concentración, equilibrio e claridade deben estar en balance coa creatividade, produtividade e proactividad. Pero ademais, deben gozar o espazo. Este balance parecen entendelo á perfección a empresa de contabilidade Optifisk NV e os arquitectos RDVA que proxectaron a súa oficina en Herentals (Bélxica).

A oficina de Optifisk NV ocupa parte da planta baixa e o soto de de un edificio situado entre as rúas Augustijnenlaan e San Jobstraat deseñado polo mesmo equipo de arquitectos. O edificio, con 3 oficinas nas plantas inferiores, 7 amplos apartamentos nos niveis 1 e 2, e un aparcadoiro subterráneo, destaca na mazá con 4 fachadas de gran potencia visual, diferenciando desde o exterior os usos domésticos e laborais a través da elección material: formigón visto a pé de rúa modelado cunha trama vertical, e lamas verticais de madeira para as vivendas.

A vinculación directa de RDVA con ambos os deseños fai que o proxecto de configuración interna da oficina alcance unha coherencia total con respecto á totalidade do edificio. A súa visión alíñase ademais coa do cliente, cuxa premisa é crear unha oficina clara e ordenada, de gran transparencia, onde expresividade, cor e calidez teñan tamén cabida e doten aos diferentes espazos de personalidade e proximidade. O proxecto sitúase entre o minimalismo e a expresión artística: os espazos cheos de serenidade grazas ao tratamento da luz e o uso sabio da madeira, o branco, o pavimento de carballo e a transparencia dos espazos acristalados, actívanse con pezas singulares de arte e deseño, incluído mobiliario, que lles confire carácter propio e facilita o recoñecemento e diferenciación de cada un deles.

Para asegurar a iluminación de ambos os niveis inferiores ábrese un patio nun dos seus extremos ao que a edificación se envorca con grandes ventás. Este patio está revestido con baldosas de travertino, ata o bordo dun estanque no que se sitúa unha das pezas de arte. A reflexión da luz nas esbrancuxadas paredes e o pavimento de pedra, sumado aos reflexos da auga, introduce a luz no soto, á vez que a escultura composta por troncos de madeira superpostos, de gran verticalidad e intenso vermello, acapara e unifica as visuais desde ambas as plantas.

Esta necesidade de vincular a planta baixa e a soto é unha intención constante, que se percibe en toda a gestualidad do proxecto de RDVA. O núcleo de comunicacións, ao que se suman tamén outros usos pechados, como os aseos, por exemplo, convértese nunha caixa central de madeira, elemento de referencia en ambos os niveis. Máis aló desta caixa central elaborada en carballo todo son espazos abertos polos que o movemento é libre, ou, no caso daqueles que requiren certa independencia como o meeting room e os despachos principais, delimitados por paneis de vidro transparente que permiten a fluidez visual sen saturar o espazo.

O resultado final, tanto do conxunto do edificio como do deseño do espazo interior da oficina, é unha construción dunha potencia visual importante, que ao tempo móstrase serena. O traballo de deseño é multiescalar, percíbese tanto na configuración xeral como nos pequenos detalles, cun traballo moi coidado do material. Todo está onde ten que estar, na súa xusta medida, construíndo un diálogo entre usuarios e arquitectura totalmente equilibrado.

Obra: Oficinas centrais de Optifisk NV en Herentals
Emprazamento: Herentals, Bélgica
Ano: 2016
Equipo: RDVA. Rik De Vooght Architecten
Colaborador: Frans van Praet
Promotor: Vosselaars Bouwbedrijf bvba
Fotografía: Milena Villalba
Texto: Ana Asensio
Tradución castelán a inglés: Natalia Dalinkevicius
+ rdva.be

[:en]

Oficinas centrales de Optifisk NV en Herentals RDVA. Rik De Vooght Architecten o13 © Milena Villalba 2017
Bureau Optifisk NV in Herentals | RDVA. Rik De Vooght Architecten © Milena Villalba 2017

The relation between the built environment and the person is a dialogue where both take part. The architecture, through space, light, colour, materialness, temperature, etc., produces a series of physical and emotional sensations that the person perceives. At the same time, the movements and behaviours of the person, or the use of space and its comprehension, basically, how we understand that surrounding and how we react to it, will be a human respond that might alter the physical space.

It has been proved that, for example, using certain chromatism can have as a result an activation of mental activity, while these same tones wrongly used can cause brain exhaustion. The spaces which contain pieces of art and lively colours specifically can activate the creativity, just like packed environments can cause saturation and stress.

If we apply this premises to the architecture of an office, where people spend a big part of their days focused on developing their chores, is easy to understand that concentration, balance and clarity must be in harmony with creativity, productivity and proactivity. But besides, people must enjoy the space. The accounting firm Optifisk NV and the architects RDVA, who have projected their office in Herentals (Belgium), seem to have understood it perfectly.

The Optifisk NV office occupies part of the ground floor and the basement of a building placed between Augustijnenlaan Street and San Jobstraat Street designed by the same team of architects. The building, with 3 offices in the lower levels, 7 spacious apartments in levels 1 and 2, and an underground parking, stands out in the block with 4 facades with a great visual power, clearly differentiated from the outside the domestic and working uses through the election of material: external concrete at the street level shaped with a vertical trim and vertical wooden slats for the houses.

The direct link of RDVA with both designs gives the internal configuration project of the office a complete coherence in relation with the whole building. Its vision, besides, is aligned with the client’s vision, whose premise is to create a clear and neat office, of great transparency, where expressiveness, colour and warmth are also welcome and give the different spaces personality and closeness. The project stands between minimalism and artistic expression: the spaces full of serenity thanks to the treatment of light and the wise use of wood, the white, the oak flooring and the transparency of glazed spaces, they activate like unique pieces of art and design, including furniture, which gives personal identity and makes easy to recognize and differentiate each one of them.

To ensure the lighting of both lower levels, there is a courtyard at one of its ends to which the building leans with big picture windows. That courtyard is lined with travertine tiles, up to the edge of a pond where the pieces of art are located. The reflection of the light on the whitish walls and the stone flooring, added to the reflection of the water, leads the light to the basement, at the same time that the sculpture made by overlapping wood trunks, of great verticality and intense red, catches and unifies the visual from both storeys.

This need of connecting the higher level and the basement is a constant intention that is perceived in all the gestures of the RDVA project. The communication core, to which other closed sections are added, turns into a central wooden box , element of reference in both levels. Except for this central box made in oak, all the rest is open spaces, therefore, the movement is free, or, in the case of those that require certain independence like the meeting room and the main offices, delimited by transparent glass panels that allow visual flow without saturating the space.

The final result, both, the entire building and the design of inner office space, is a construction of an important visual power, but at the same time is calm. The design work is multi-scalar, one can tell by the general configuration as well as by the small details, with a very careful work of the material. Everything is where it must be, in its right measure, building a balanced dialogue between users and architecture.

Work: Bureau Optifisk NV in Herentals
Location: Herentals, Belgium
Year: 2016
Author: RDVA. Rik De Vooght Architecten
Collaborator: Frans van Praet
Comsumer: Vosselaars Bouwbedrijf bvba
Photography: Milena Villalba
Text: Ana Asensio
Translation spanish-english: Natalia Dalinkevicius
+ rdva.be

[:]

Shaping Cities in an Urban Age

0

[:es]

Shaping Cities in an Urban Age

¿Dónde viviré dentro de cincuenta años? ¿Qué ventajas y desventajas tiene residir en una ciudad? ¿Cómo cambiarán y evolucionarán las ciudades en ese tiempo y cómo deberían prepararse los planificadores para esa evolución? Para todos aquellos que estén interesados en estas cuestiones, ya sean estudiantes, académicos, profesionales o lectores en general, el nuevo libro de Phaidon, Shaping Cities in an Urban Age, es el recurso perfecto.

Shaping Cities in an Urban Age es la tercera y última entrega de la innovadora serie ‘Endless Cities’ de Phaidon, publicada en colaboración con LSE Cities, uno de los centros de investigación urbana más importantes del mundo. Editado por Ricky Burdett –profesor de Estudios urbanos de la LSE, ex asesor arquitectónico del alcalde de Londres y asesor principal sobre arquitectura y urbanismo en los Juegos olímpicos de Londres 2012– y Philipp Rode –director general de LSE Cities y profesor asociado de investigación en la LSE–, Shaping Cities es el resumen del proyecto “Urban Age” de la LSE, una investigación global sobre el futuro de las ciudades.

En los últimos 15 años, el proyecto Urban Age ha estudiado más de 40 ciudades de todo el mundo, colaborado con más de 50 instituciones académicas y autoridades municipales y organizado actos a los que han asistido 6.500 oradores y profesionales del diseño, la política, la investigación y la práctica urbanas. La experiencia de los miembros del proyecto Urban Age, organizado conjuntamente por LSE Cities y Alfred Herrhausen Gesellschaft de Deutsche Bank, hacen de este libro una referencia esencial sobre el funcionamiento de la ciudad moderna.

A diferencia de sus dos predecesores (The Endless City, 2008; Living in the Endless City, 2011), dedicados fundamentalmente a casos prácticos en ciudades concretas, Shaping Cities adopta una perspectiva temática, explorando patrones de cambio urbano y analizando esas tendencias en relación con cinco elementos clave: emergencia, poder, incertidumbre, limitaciones e intervención. Presentando 37 ensayos escritos por políticos, profesionales y estudiosos, más de 300 imágenes y datos y estadísticas comparativos esenciales, Shaping Cities ofrece soluciones prácticas y meditadas a los desafíos urbanos. Las ciudades se convertirán en la principal forma de existencia social colectiva –se calcula que vivirán en ellas 2.500 millones de personas más en 2050– y, por tanto, los temas que aborda este libro son vitales para todos nosotros.

Sin ignorar las dificultades que provoca la creciente urbanización, entre ellas una desigualdad extendida y las tensiones de clase y étnicas asociadas, este título celebra la ciudad como un lugar donde

“surgen, de forma aparentemente espontánea, nuevas realidades sociales, innovaciones políticas y maneras de relacionarse con los demás”.

Shaping Cities es la guía ideal para materializar ese potencial.

Sobre los autores.

Ricky Burdett es profesor de Estudios urbanos en la London School of Economics (LSE) y director de LSE Cities. Fue comisario de la Exposición Universal de Arquitectura celebrada en la Bienal de Venecia de 2006, asesor arquitectónico del alcalde de Londres entre 2001 y 2006 y asesor principal sobre arquitectura y urbanismo para los Juegos olímpicos de Londres 2012.

Philipp Rode es director general de LSE Cities y profesor asociado de investigación en la LSE.

[:gl]

Shaping Cities in an Urban Age

Onde vivirei dentro de cincuenta anos? Que vantaxes e desvantaxes ten residir nunha cidade? Como cambiarán e evolucionarán as cidades nese tempo e como deberían prepararse os planificadores para esa evolución? Para todos aqueles que estean interesados nestas cuestións, xa sexan estudantes, académicos, profesionais ou lectores en xeral, o novo libro de Phaidon, Shaping Cities in an Urban Age, é o recurso perfecto.

Shaping Cities in an Urban Age é a terceira e última entrega da innovadora serie ‘Endless Cities’ de Phaidon, publicada en colaboración con LSE Cities, un dos centros de investigación urbana máis importantes do mundo. Editado por Ricky Burdett –profesor de Estudos urbanos da LSE, ex asesor arquitectónico do alcalde de Londres e asesor principal sobre arquitectura e urbanismo nos Xogos olímpicos de Londres 2012– e Philipp Rode –director xeneral de LSE Cities e profesor asociado de investigación na LSE–, Shaping Cities é o resumo do proxecto “Urban Age” da LSE, unha investigación global sobre o futuro das cidades.

Nos últimos 15 anos, o proxecto Urban Age estudou máis de 40 cidades de todo o mundo, colaborado con máis de 50 institucións académicas e autoridades municipais e organizado actos aos que asistiron 6.500 oradores e profesionais do deseño, a política, a investigación e a práctica urbanas. A experiencia dos membros do proxecto Urban Age, organizado conxuntamente por LSE Cities e Alfred Herrhausen Gesellschaft de Deutsche Bank, fan deste libro unha referencia esencial sobre o funcionamento da cidade moderna.

A diferenza dos seus dous predecesores (The Endless City, 2008; Living in the Endless City2011), dedicados fundamentalmente a casos prácticos en cidades concretas, Shaping Cities adopta unha perspectiva temática, explorando patróns de cambio urbano e analizando esas tendencias en relación con cinco elementos crave: emerxencia, poder, incerteza, limitacións e intervención. Presentando 37 ensaios escritos por políticos, profesionais e estudiosos, máis de 300 imaxes e datos e estatísticas comparativos esenciais, Shaping Cities ofrece solucións prácticas e meditadas aos desafíos urbanos. As cidades converteranse na principal forma de existencia social colectiva –calcúlase que vivirán nelas 2.500 millóns de persoas máis en 2050– e, por tanto, os temas que aborda este libro son vitais para todos nós.

Sen ignorar as dificultades que provoca a crecente urbanización, entre elas unha desigualdade estendida e as tensións de clase e étnicas asociadas, este título celebra a cidade como un lugar onde

“xorden, de forma aparentemente espontánea, novas realidades sociais, innovacións políticas e maneiras de relacionarse cos demais”.

Shaping Cities é a guía ideal para materializar ese potencial.

Sobre os autores.

Ricky Burdett é profesor de Estudos urbanos na London School of Economics ( LSE) e director de LSE Cities. Foi comisario da Exposición Universal de Arquitectura celebrada na Bienal de Venecia de 2006, asesor arquitectónico do alcalde de Londres entre 2001 e 2006 e asesor principal sobre arquitectura e urbanismo para os Xogos olímpicos de Londres 2012.

Philipp Rode é director xeneral de LSE Cities e profesor asociado de investigación na LSE.

[:en]

Shaping Cities in an Urban Age

Where will I live in fifty years? What are the advantages and disadvantages of residing in a city? How will cities change and evolve in that time and how should planners prepare for that evolution? For all those who are interested in these issues, whether students, academics, professionals or readers in general, Phaidon’s new book, Shaping Cities in an Urban Age, is the perfect resource.

Shaping Cities in an Urban Age is the third and final installment of the innovative ‘Endless Cities’ series by Phaidon, published in collaboration with LSE Cities, one of the most important urban research centers in the world. Edited by Ricky Burdett – Professor of Urban Studies at the LSE, former architectural advisor to the Mayor of London and principal advisor on architecture and urban planning at the Olympic Games in London 2012 – and Philipp Rode – General Director of LSE Cities and Associate Professor of Research in London LSE-, Shaping Cities is the summary of the «“Urban Age”project of the LSE, a global research on the future of cities.

In the last 15 years, the Urban Age project has studied more than 40 cities around the world, collaborated with more than 50 academic institutions and municipal authorities and organized events that have been attended by 6,500 speakers and professionals from design, politics, urban research and practice. The experience of the members of the Urban Age project, jointly organized by LSE Cities and Alfred Herrhausen Gesellschaft of Deutsche Bank, make this book an essential reference on the functioning of the modern city.

Unlike its two predecessors (The Endless City, 2008; Living in the Endless City2011), which are mainly dedicated to practical cases in specific cities, Shaping Cities adopts a thematic perspective, exploring patterns of urban change and analyzing those trends in relation to five key elements: emergency, power, uncertainty, limitations and intervention. Presenting 37 essays written by politicians, professionals and scholars, more than 300 images and data and essential comparative statistics, Shaping Cities offers practical and thoughtful solutions to urban challenges. Cities will become the main form of collective social existence – it is estimated that 2,500 million more people will live in them by 2050 – and, therefore, the topics covered in this book are vital for all of us.

Without ignoring the difficulties caused by the growing urbanization, including widespread inequality and associated class and ethnic tensions, this title celebrates the city as a place where

“new social realities, political innovations and ways of relating to others arise, apparently spontaneously”.

Shaping Cities is the ideal guide to realize that potential.

About the authors.

Ricky Burdett is professor of Urban Studies at the London School of Economics (LSE), and director of LSE Cities. He curated the International Architecture Exhibition at the 2006 Venice Biennale, was architectural adviser to the mayor of London from 2001-06, and was chief adviser on architecture and urbanism for the London 2012 Olympics.

Philipp Rode is executive director of LSE Cities and an associate professorial research fellow at LSE.

[:]

[:es]Lo que no cabe en el tiempo | Luis Gil

Casa del Futuro,Alison&Peter Smithson, 1956
Casa del Futuro, Alison&Peter Smithson, 1956

El horizonte histórico que nos ha tocado habitar hace que todos los ciudadanos occidentales de la actualidad pertenezcamos ya sin excepción a la asentada sociedad del consumo y el exceso. Un síndrome que avanzaron y denunciaron desde sus inicios, a mediados del s.XX, diferentes pensadores y sociólogos. El capitalismo inundó desde entonces nuestras vidas de comportamientos superfluos y de objetos innecesarios. A partir de los años 60´s los programas arquitectónicos se fueron transformando poco a poco para conseguir áreas suplementarias de almacenamiento y el proyecto del habitar doméstico comenzó a ocuparse con urgencia de esta nueva demanda.

La acumulación, como importante problema de índole material y ecológica, también fue detectada como cuestión central para la arquitectura por los arquitectos de la segunda generación de la modernidad; específicamente por algunos de los componentes del Team X. Así muy tempranamente, en 1958, este tema de la inflación del mundo material fue abordado en el crítico artículo The future of furniture de Alison Smithson que terminaría por formalizarse, aunque mucho mas tarde en 1993, en el  planteamiento teórico para la casa “Todo en su Sitio” que hoy podríamos entender como una propuesta denuncia de los conflictos generados por esta nueva sociedad.

Uno de los principales valores que plantea el proyecto de la casa “Todo en su sitio”, es la reflexión por un programa cuyo  objetivo primero  es el orden y almacenamiento de lo accesorio. No se trata de una propuesta-investigación en torno al habitante y su relación con el espacio o el emplazamiento geográfico envolvente sino de éste con su tiempo, el tiempo de la acumulación innecesaria al interior doméstico. Lo que buscan los Smithson es ordenar la vida de la casa y sus habitantes a través del “guardado” de las cosas.

Guardar lo inútil, como nuevo objetivo, en tanto que con anterioridad a la sociedad de consumo no existía nada que mantener fuera de la vista, todo lo que era, poco o nada, estaba -por imprescindible- a mano para su uso directo. Recordemos la espontaneidad y austeridad del mobiliario vernáculo y  la escasez de los ajuares que acompañaban la vida de los ciudadanos, así como la crisis que suponía la rotura de alguno de ellos, un cántaro, un plato, una silla…

Lo que se propone finalmente es una casa denuncia, un reconocimiento de la artificialidad de lo sobrante, una respuesta crítica a  la inflación de lo poseído.

Al contrario, un ejemplo que abordó el problema de la acumulación desde una perspectiva no teórica sino real, e imprescindible para este texto, es la propuesta ejecutada por Aldo van Eyck en la ampliación de la casa Visser en 1967-68, para un creciente coleccionista de arte, sobre un proyecto anterior de Gerrit Rietveld. Frente al planteamiento abstracto de la Casa todo en su sitio, la ampliación de la casa Visser demuestra cómo sobre un objeto real, el problema de la acumulación puede ser resuelto -al contrario de la estrategia de guardar lejos de la vista, en una caja  cerrada alrededor de la que gravite el resto del programa- mediante un núcleo libre y abierto donde emplazar lo acumulado y desde donde reformular el espacio doméstico original.

Ampliación casa Visser, Aldo van Eyck
Ampliación casa Visser, Aldo van Eyck

La ampliación de la casa Visser parece contraponerse a la lógica de guardado de los Smithson, puesto que la necesidad de un lugar donde almacenar, esta vez, debe ser colocada “a la vista” exhibiendo una colección de arte, para ser interpelada y discutida diariamente. Esta manera de abrir lo guardado para su observación le confiere un sentido de utilidad a la acumulación, que es contraria a la estrategia del gran armario cofre de la Casa todo en su sitio. En el fondo lo que distingue a estos dos ejercicios –más allá del encuentro entre un planteamiento teórico y una obra real- es la diferente utilización de lo que acumulamos como pretexto y motor de un proyecto y, como esa delgada  línea entre la acumulación cerrada o abierta, da un sentido u otro a la vida  del habitante y a la arquitectura.

Así, en el caso de los Smithson, el centro de la casa sería un núcleo cerrado, el gran armario, que se ve atravesado por el pasillo central, una especie de falso cardo y decumano doméstico, que además desplaza la habitual situación de los tradicionales elementos repartidores de una casa, como las escaleras o el fuego, desde el centro hacia la periferia de la planta. Al contrario la ampliación, para contener más cosas-más arte- de la casa Visser, trae al centro de la casa un nuevo lugar y centralidad que sin embargo se ejecuta mediante un crecimiento-contenedor que está afuera. Este nuevo centro lo genera la burbuja descentrada que dibuja Aldo van Eyck como espacio reservado a la acumulación que, sin embargo al contrario del de la casa todo en su sitio, es habitable y abierto, el verdadero ágora y pretexto para la nueva vida doméstica de la casa ya remozada.

La tensión que debe soportar la preexistencia del proyecto de Rietveld ante la ampliación, nos habla además de cómo las construcciones ya existentes, también las modernas y contemporáneas, han de enfrentarse a lo largo del tiempo a nuevas demandas basadas en el exceso, y de si es posible el crecimiento y añadido de un nuevo cuerpo sin menoscabo de la pieza original. Así en esta obra, lo que resulta de la implementación no es un edifico previo mas una ampliación, sino un nuevo organismo, compacto, coherente y con identidad propia -separado del pasado y del futuro- en el que se ha generado una nueva tensión arquitectónica y vital.

Aunque comenzamos emplazándonos en los inicios de la sociedad de consumo, como pretexto adecuado a los ejemplos referidos, la historia nos demuestra que el problema del sobredimensionado del uso original de un edificio, no es estrictamente una cuestión moderna o contemporánea, sino uno de los más frecuentes temas de la arquitectura. La proposición de nuevas y crecientes demandas a antiguos edificios, son expresión de la auténtica y fundamental materia de la arquitectura, el paso del tiempo, que acostumbra a formalizarse no solo a través del natural envejecimiento y ruina final (quizás no un destino tan malo como nos han hecho creer), sino también, al igual que en la casa Visser, mediante  el añadido de programas a las figuras y construcciones originales que todavía se demuestran capaces de ofrecer soporte, y servir de infraestructura a una nueva actividad.

Arquitecturas matrices a las que se incorporan superposiciones, adiciones y entrelazados que responden de forma positiva a nuevas demandas. Así se mantuvieron vivas las construcciones a lo largo de la historia sin perder identidad si, como dice Rafael Moneo, esos principios resultaban suficientemente sólidos para poder absorber transformaciones, cambios, distorsiones, etc. sin que éste (el edificio original) dejase de ser fundamentalmente el que era, respetando, en una palabra, lo que fueron sus orígenes.

Finalizamos pensando que la dialéctica encontrada entre ambos proyectos es, aunque alejada, complementaria y productiva, pues cada uno de ellos ayuda a subvertir y entender las dudas y certezas del otro. Esta lectura conjunta afianza el planteamiento de que la arquitectura ha de observar siempre el imprevisible crecimiento y modificación de las acciones en la larga vida de un edificio, de manera que ese incierto futurible sea siempre capaz de ser absorbido por la adaptación del programa original o su extensión, mientras como sociedad no aprendamos a prescindir de lo inútil y a recuperar lo realmente útil, incluso la acumulación de arte.

Luis Gil Pitao, arquitecto
Santiago de Compostela, noviembre 2016

Notas entresacadas del aula “From imperfect past to imperfect future” impartida por Luis Gil en el curso de Doctorado de Rehabilitación de la Facultad de arquitectura de Guimarães 2016-17 para la publicación Universitaria T+U (Telling+Unbuilts). Edt Luis Estéves

Las transgresiones del Aubette | Marcelo Gardinetti

Cafe Aubette, 1928
Cafe Aubette, 1928

En 1928, Theo van Doesburg formuló la revisión más transgresora y consistente sobre el neoplasticismo. El diseño para las salas interiores del Café Aubette expone los patrones del elementarismo, una representación que progresa la idea neoplástica a una dinámica briosa contra la ortodoxia del dualismo horizontal y vertical. Esta decisión De van Doesburg produjo un enfrentamiento entre los miembros más prolíficos del grupo que termino por derrumbar la unidad intelectual del movimiento De Stijl y la ruptura definitiva de su relación con Mondrian.

El Café Aubette forma parte de una estructura ubicada en la Place Kléber. Es una construcción remanente de un complejo monástico del siglo XIII, después que una parte fue demolida y el resto adaptado al uso militar. A mediados de 1700 el arquitecto francés Jacques François Blondel recibió el encargo para reconstruir el conjunto con una estructura que representara “el estilo de la época”. Este complejo fue denominado Aubette, y deriva su nombre de “aube” (amanecer). En 1845 se estableció allí el café Cade, que posteriormente sirvió como escuela de música. En 1869 fue adquirido por la ciudad para ser utilizado como museo, pero un año más tarde fue quemado, atentado al que solo sobrevivió la fachada diseñada por Blondel. En 1911 se inició un proceso de renovación que no avanzó demasiado, hasta que finalmente los hermanos Horn y Ernest Heitz, desarrolladores inmobiliarios, se hicieron cargo del edificio. La fachada no sufrió grandes modificaciones, pero en su interior, las diferentes intervenciones derivaron en una arquitectura bastante ecléctica.

En 1925 los administradores del conjunto edilicio proponen a Jean Arp intervenir en el interior para convertir la estructura en un centro de ocio. El programa incluía una cafetería, un restaurante, una cervecería, un salón de té un cine y otras salas, repartidos en los cuatro pisos del edificio. Arp convoca a Theo van Doesburg para resolver los problemas arquitectónicos emergentes de la intervención y además suma a su esposa Sophie Taeuber para intervenir en algunas de las salas.

Theo van Doesburg entendió que el diseño del café Aubette no era solo la oportunidad para avanzar en su concepto del arte total, también le permitía producir un giro en la concepción neoplástica, dogmatizada por un estricto dualismo ortogonal que aún estaba influenciada por el discurso renacentista. Su diseño proclama la cultura elementarista, que, en contraste con la estática ortogonal, representa el dinamismo del espíritu como sucede en la vida misma.

Cafe Aubette ©Claude Truong-Ngoc - Wikimedia Commons
Cafe Aubette © Claude Truong-Ngoc – Wikimedia Commons

El interior del Aubette fue concebido como un espacio de gran fluidez. Un recorrido donde no se podía establecer con precisión el límite entre un espacio y otro. Cada artista se ocupó de diseñar un espacio en particular, pero Theo van Doesburg reservo para sí las salas más importantes: el gran salón de baile y el café restaurant.

En estos espacios, Theo van Doesburg reacciona a la disposición ortogonal de la habitación para componer una contraposición de planos en diagonal. De este modo promueve un efecto giratorio y centrífugo en el espacio que se acentúa mediante el desplazamiento de colores y el relieve, para alcanzar un alto grado de dinamismo visual. En esta intervención, la influencia de El Lissitzky y sus Proun fue determinante, tal como lo señal Frampton:

“el interior de Theo van Doesburg en L’Aubette estaba similarmente dominado y deformado por las líneas de un enorme relieve diagonal o contracomposición que pasaba oblicuamente por encima de todas las superficies internas. Esta fragmentación a través del relieve –una ampliación del enfoque Proun de Lissitzky para su habitación de 1923- estaba complementada por el hecho de que el mobiliario estaba exento de toda pieza elementarista”.1

El módulo de planos -1,20m x 1,20 m- está definido por la altura de los radiadores. La gama cromática mantiene la paleta de colores neoplástica: Rojo, Azul, amarillo, negro y blanco, y la unión de matices del mismo tono permite acentuar o atenuar el brillo según las circunstancias. Los elementos colocados en relieve logran una definición más estricta de los planos y evitan la fusión visual. Esa disposición se beneficia en el enérgico acento ortogonal que presentan los vanos de puertas y ventanas, además de la propia disposición de las habitaciones, promoviendo un “contra movimiento” a la presencia de la arquitectura.

“Los diseños de Theo van Doesburg para la gran sala de fiestas y el café restaurante y el salón de té de Sophie Taeuber-Arp, se ajustan a la concepción neoplástica del diseño de interiores: planos de color alineados con los elementos horizontales/verticales de la arquitectura, sin atravesar los límites establecidos por las esquinas. Cada pared está tratada como una composición distinta, con lo que se refuerza la integridad de las superficies discretas y se subordina el color a la arquitectura. En otros diseños, como el de Sophie Taeuber-Arp para el bar del primer piso, se da una mayor continuidad pictórica al espacio interior al hacer que los planos de color atraviesen las esquinas. Color y arquitectura desempeñan funciones parejas, en un acercamiento stijliano de fusión de ambos en una obra total”.2

Cafe Aubette ©Claude Truong-Ngoc - Wikimedia Commons
Cafe Aubette © Claude Truong-Ngoc – Wikimedia Commons

Con motivo de la inauguración de la sala, Theo van Doesburg publica su teoría sobre el proyecto elementarista en un número especial de De Stijl dedicado al Aubette. Debido al escaso dinero asignado para la materialización, se emplearon materiales de baja calidad que atentaron contra la fuerza expresiva del proyecto y atenuaron la contundencia de la unidad plástica que Theo van Doesburg buscaba. Esta circunstancia y la inquietud que provocaba entre los propietarios un trabajo demasiado vanguardista sometieron a la obra a varias modificaciones y posteriormente su destrucción a fines de 1930. En 1994 el café fue motivo de una restauración parcial y en 2006 se restauró por completo la primera planta según el proyecto original.

En este ejercicio, Theo van Doesburg expresa su pensamiento “supra material” en el espacio tridimensional, asistido por el potencial comunicativo del color y la forma. Sin embargo, aun asintiendo la posición revisionista respecto de las teorías originarias del neoplasticismo, el diseño del Aubette renueva el espíritu artístico que moviliza al grupo De Stijl: la unidad estrecha entre pintura, escultura y arquitectura.

“el curso del hombre en el espacio (de izquierda a derecha, desde adelante hacia atrás, de arriba abajo) ha adquirido fundamental importancia para la pintura en arquitectura…. En esta pintura, la idea no consiste en conducir el hombre a lo largo de una superficie pintada de una pared, a fin de hacerle observar el desarrollo pictórico del espacio de una pared a otra; el problema es evocar el efecto simultaneo de pintura y arquitectura”

Theo van Doesburg3

©Claude Truong-Ngoc - Wikimedia Commons
Cafe Aubette © Claude Truong-Ngoc – Wikimedia Commons

Marcelo Gardinetti. Arquitecto
La Plata. Argentina. Enero 2019

Notas:

1 Kenneth Frampton, Historia crítica de la arquitectura moderna, Editorial GG, 1981, pag.149

2 De Stijl, 1917-1931. Visiones de una utopía, Alianza Forma, 1982; pág. 191

3 Kenneth Framton, op. Cit. Pag. 149

Fotografias: © Claude Truong-Ngoc / Wikimedia Commons

[:es]Maestros Modernos. Julio Cano Lasso[:gl]Mestres Modernos. Julio Cano Lasso[:en]Modern Masters. Julio Cano Lasso[:]

0

[:es]https://vimeo.com/260131479

Conferencia dedicada al arquitecto madrileño Julio Cano Lasso (1920-1996), Medalla de Oro de arquitectura 1991, como parte del ciclo Maestros Modernos de la Fundación Arquitectura COAM.

Con este ciclo se quiere poner de manifiesto la importancia que el patrimonio arquitectónico contemporáneo tiene para la sociedad del siglo XXI, la necesidad de su reconocimiento social y de su mantenimiento y conservación.

Arquitecto español cuya obra se caracteriza por el rigor constructivo, su profundo entendimiento de la naturaleza y su sensibilidad por la tradición. Pertenece a la generación de maestros de la arquitectura española contemporánea. Cano Lasso es autor de una obra de impronta realista y funcional, basada en el profundo respeto por los materiales autóctonos, como el ladrillo y la piedra.

De su primera etapa merecen citarse las viviendas sociales de Badajoz (1965) o las de Santiago de Compostela (1960-1968), en las que destaca el planteamiento paisajista y el empleo de la galería tradicional gallega como elemento compositivo. Entre sus viviendas unifamiliares destacan la casa del doctor Castro Fariñas (Madrid, 1958-1959), la casa Albert (Madrid, 1977-1978) o la Ortiz-Echagüe (Madrid, 1966-1967), todas ellas basadas en el empleo de volúmenes de ladrillo.

Ejemplos de viviendas colectivas son el edificio de la calle Espalter (Madrid, 1956-1959) y las viviendas de la calle Basílica (Madrid, 1966-1974), obra capital de la arquitectura española contemporánea en ladrillo, que retoma la tradición de Zuazo y Gutiérrez Soto. Otro ejemplo de arquitectura en ladrillo es el Centro de Formación Profesional de Vitoria, construido en colaboración con Alberto Campo Baeza.

Entre sus últimas obras destacan el auditorio de Galicia en Santiago de Compostela (1986), el pabellón de España en la Exposición Universal de Sevilla (1992) y el edificio de Nationale-Nederlanden en Madrid (1991).

«Para quienes damos preeminencia al espíritu humano y a su presencia a lo largo de la historia, la ciudad tiene un valor permanente. La ciudad, suma de arquitecturas, es la huella de los hombres en la historia, y sería triste que en lugar de nuestras viejas y queridas ciudades, los grandes monumentos y las bellas ruinas del pasado, en el futuro sólo se legara a la posteridad inmensos cementerios de chatarra y arquitectura reciclada, aunque ésta fuera de la más alta tecnología.»

Mesa redonda con la intervención de Alberto Campo Baeza e Ignacio Mendaro.

[:gl]https://vimeo.com/260131479

Conferencia dedicada ao arquitecto madrileño Xulio Cano Lasso (1920-1996), Medalla de Ouro de arquitectura 1991, como parte do ciclo Mestres Modernos da Fundación Arquitectura COAM.

Con este ciclo quérese poñer de manifesto a importancia que o patrimonio arquitectónico contemporáneo ten para a sociedade do século XXI, a necesidade do seu recoñecemento social e do seu mantemento e conservación.

Arquitecto español cuxa obra se caracteriza polo rigor construtivo, o seu profundo entendemento da natureza e a súa sensibilidade pola tradición. Pertence á xeración de mestres da arquitectura española contemporánea. Cano Lasso é autor dunha obra de sinal realista e funcional, baseada no profundo respecto polos materiais autóctonos, como o ladrillo e a pedra.

Da súa primeira etapa merecen citarse as vivendas sociais de Badaxoz (1965) ou as de Santiago de Compostela (1960-1968), nas que destaca a formulación paisajista e o emprego da galería tradicional galega como elemento compositivo. Entre as súas vivendas unifamiliares destacan a casa do doutor Castro Fariñas (Madrid, 1958-1959), a casa Albert (Madrid, 1977-1978) ou a Ortiz- Echagüe (Madrid, 1966-1967), todas elas baseadas no emprego de volumes de ladrillo.

Exemplos de vivendas colectivas son o edificio da rúa Espalter (Madrid, 1956-1959) e as vivendas de cálea Basílica (Madrid, 1966-1974), obra capital da arquitectura española contemporánea en ladrillo, que retoma a tradición de Zuazo e Gutiérrez Soto. Outro exemplo de arquitectura en ladrillo é o Centro de Formación Profesional de Vitoria, construído en colaboración con Alberto Campo Baeza.

Entre as súas últimas obras destacan o auditorio de Galicia en Santiago de Compostela (1986), o pavillón de España na Exposición Universal de Sevilla (1992) e o edificio de Nationale- Nederlanden en Madrid (1991).

«Para quen dou preeminencia ao espírito humano e á súa presenza ao longo da historia, a cidade ten un valor permanente. A cidade, suma de arquitecturas, é a pegada dos homes na historia, e sería triste que en lugar das nosas vellas e queridas cidades, os grandes monumentos e as belas ruínas do pasado, no futuro só se legase á posteridade inmensos cemiterios de chatarra e arquitectura reciclada, aínda que esta fóra da máis alta tecnoloxía.»

Mesa redonda coa intervención de Alberto Campo Baeza e Ignacio Mendaro.

[:en]https://vimeo.com/260131479

Conference dedicated to the Madrid architect Julio Cano Lasso (1920-1996), Gold Medal of architecture 1991, as part of the Modern Masters cycle of the COAM Architecture Foundation.

With this cycle we want to highlight the importance that the contemporary architectural heritage has for the society of the 21st century, the need for its social recognition and its maintenance and conservation.

Spanish architect whose work is characterized by constructive rigor, his deep understanding of nature and his sensitivity to tradition. Belongs to the generation of masters of contemporary Spanish architecture. Cano Lasso is the author of a work of realistic and functional imprint, based on a deep respect for native materials, such as brick and stone.

From its first stage deserve mentioning the social housing of Badajoz (1965) or Santiago de Compostela (1960-1968), which highlights the landscape approach and the use of Galician traditional gallery as a compositional element. Among its single-family homes include the house of Dr. Castro Fariñas (Madrid, 1958-1959), Albert House (Madrid, 1977-1978) or Ortiz-Echagüe (Madrid, 1966-1967), all based on the use of volumes of brick.

Examples of collective housing are the building on Calle Espalter (Madrid, 1956-1959) and the houses on Calle Basílica (Madrid, 1966-1974), a major work of contemporary Spanish brick architecture, which takes up the tradition of  Zuazo and Gutiérrez Soto. Another example of brick architecture is the Vocational Training Center of Vitoria, built in collaboration with Alberto Campo Baeza.

Between his last works they emphasize the auditorium of Galicia in Santiago de Compostela (1986), the pavilion of Spain in the Universal Exhibition of Seville (1992) and the building of Nationale-Nederlanden in Madrid (1991).

«For those who give prominence to the human spirit and its presence throughout history, the city has a permanent value. The city, sum of architectures, is the mark of men in history, and it would be sad that instead of our old and beloved cities, the great monuments and the beautiful ruins of the past, in the future only be bequeathed to immense posterity scrapyard cemeteries and recycled architecture, even if it is one of the highest technology.»

Round table with the intervention of Alberto Campo Baeza and Ignacio Mendaro.

[:]

[:es]Ampliación del Fintro Bank en Herentals | RDVA. Rik De Vooght Architecten[:gl]Ampliación do Fintro Bank en Herentals | RDVA. Rik De Vooght Architecten[:en]Fintro Bank Extension in Herentals | RDVA. Rik De Vooght Architecten[:]

[:es]

Fintro Bank. Herentals | RDVA. Rik De Vooght Architecten © Milena Villalba 2017
Ampliación de Fintro Bank enHerentals | RDVA. Rik De Vooght Architecten © Milena Villalba 2017

Emplear con eficiencia el suelo es una necesidad primordial en la estructura de las urbes del siglo XXI. Las ciudades hoy requieren una densificación inteligente y sensible a los movimientos y actividades humanas; un ejercicio diseño donde la distribución de usos espaciales y los vacíos que actúan como pulmones, puntos de encuentro o transición, establezcan una relación de escala que optimice servicios y recorridos.

El reconocimiento de espacios poco aprovechados o residuales, y su rediseño y empleo, son una muestra del modo contemporáneo de relación con la ciudad, que permite una compactación donde las necesidades personales  y el desarrollo de la comunidad adquieren la misma importancia.

La intervención de ampliación de una sucursal del banco Fintro en la ciudad belga de Herentals, de manos del estudio RDVA, se convierte, a pequeña escala, en un ejemplo de optimización del suelo y cohesión espacial.

El proyecto consiste en una extensión de la oficina bancaria, situada en la planta baja de un edificio de apartamentos. El local se sitúa entre medianeras, conectando la calle y un amplio vacío trasero empleado como parking.  La sucursal atraviesa la edificación, alineándose con la fachada a la calle, y generando una línea irregular en su proyección a la trasera, con un volumen añadido y un patio cerrado.

En este lugar es donde se inserta la ampliación, en el espacio ocupado por el antiguo patio tras demoler su cierre. La intervención, encajada como una pieza, no sólo completa el volumen trasero sin copar el espacio, sino que da escala, y cierra, otorgando coherencia al conjunto de la construcción; todo ello sin renunciar en ningún momento al lenguaje arquitectónico, la riqueza de espacios y la generación de visuales.

El proyecto de RDVA reconoce instantáneamente las posibilidades de un espacio antes a las espaldas de la construcción. Su intervención se convierte así en proceso de finalización y terminación, en la adición de una última pieza, con lenguaje arquitectónico diferente al resto, basada en la interconexión y la cohesión espacial.

La nueva pieza se configura como un pequeño pabellón de 3.50m de alto, de gran transparencia y ligereza. Conformado en acero y vidrio transparente, y ligeramente sobre-elevado del suelo, se entiende como una caja de luz que se adentra 9.70m hacia el corazón de la edificación. Siempre persiguiendo la continuidad, la intervención no ocupa todo vaciado, sino que reserva un pequeño patio al interior que conecta lo antiguo y lo nuevo, actuando como un diafragma. Del mismo modo, sobresale externamente rompiendo la línea de fachada, como si hubiesen movido la caja de edificio liberando atrás el espacio para el nuevo patio. Gracias a este desplazamiento, crea fachada interna, dándole entidad e importancia a la nueva intervención a pesar de la pequeña escala, al tiempo que externamente se entiende perfectamente la diferencia de volúmenes.

El meeting room de 21 m2 y la office de 18m2, los usos que acoge la pieza, se separan física pero no visualmente. Desde el exterior del edificio se pueden abarcar con una mirada hasta el nuevo patio; es desde la posición de trabajo cuando los dos espacios quedan divididos visualmente, facilitando la concentración en el trabajo. El mobiliario, elemento clave en este proyecto, está realizado en madera de cerezo, en un solo elemento con múltiples funciones, diseñado a medida para albergar con exactitud los objetos de los que disponían previamente: radiadores, impresoras, papeleras, incluso la cafetera, facilitando mediante correderas todos los usos. El mueble actúa como una gran máquina que divide el espacio. Del mismo modo, las mesas están adaptadas para eliminar el estorbo de cables. El mobiliario se diseña de forma inteligente para mantener la limpieza del espacio.

La nueva construcción, ligera y de cubierta plana, se conecta la existente de rotundo ladrillo y cubierta curva, a través de las antiguas puertas de salida al patio, desde la servidumbre que da acceso al parking. Así, esta servidumbre entre ambos espacios se convierte en un pasillo intermedio, y libera al pabellón de tránsito.

Lo que antes era un patio a las espaldas, sin conexión ni uso destacable, se convierte en una pieza que alberga todos los usos requeridos para el funcionamiento de la sucursal con gran flexibilidad, con una continuidad visual que ilumina y afianza una imagen de confianza, una contemporización de la percepción del edificio, y un espacio libre que adquiere escala y comunica espacios. La intervención de RDVA oxigena el espacio.

Obra: Ampliación del Fintro Bank en Herentals
Emplazamiento: Herentals, Bélgica
Año: 2016
Equipo: RDVA. Rik De Vooght Architecten
Promotor: BVBA RISEN & CO
Fotografía: Milena Villalba
Texto: Ana Asensio
Traducción castellano a inglés: Natalia Dalinkevicius
+ rdva.be

[:gl]

Fintro Bank. Herentals | RDVA. Rik De Vooght Architecten © Milena Villalba 2017
Ampliación do Fintro Bank enHerentals | RDVA. Rik De Vooght Architecten © Milena Villalba 2017

Empregar con eficiencia o chan é unha necesidade primordial na estrutura das urbes do século XXI. As cidades hoxe requiren unha densificación intelixente e sensible aos movementos e actividades humanas; un exercicio deseño onde a distribución de usos espaciais e os baleiros que actúan como pulmóns, puntos de encontro ou transición, establezan unha relación de escala que optimice servizos e percorridos.

O recoñecemento de espazos pouco aproveitados ou residuais, e o seu redeseño e emprego, son unha mostra do modo contemporáneo de relación coa cidade, que permite unha compactación onde as necesidades persoais e o desenvolvemento da comunidade adquiren a mesma importancia.

A intervención de ampliación dunha sucursal do banco Fintro na cidade belga de Herentals, de mans do estudo RDVA, convértese, a pequena escala, nun exemplo de optimización do chan e cohesión espacial.

O proxecto consiste nunha extensión da oficina bancaria, situada na planta baixa dun edificio de apartamentos. O local sitúase entre medianeiras, conectando a rúa e un amplo baleiro traseiro empregado como parking. A sucursal atravesa a edificación, aliñándose coa fachada á rúa, e xerando unha liña irregular na súa proxección á traseira, cun volume engadido e un patio pechado.

Neste lugar é onde se insere a ampliación, no espazo ocupado polo antigo patio tras demoler o seu peche. A intervención, encaixada como unha peza, non só completa o volume traseiro sen copar o espazo, senón que dá escala, e pecha, outorgando coherencia ao conxunto da construción; todo iso sen renunciar en ningún momento á linguaxe arquitectónica, a riqueza de espazos e a xeración de visuais.

O proxecto de RDVA recoñece instantaneamente as posibilidades dun espazo antes ás costas da construción. A súa intervención convértese así en proceso de finalización e terminación, na adición dunha última peza, con linguaxe arquitectónica diferente ao resto, baseada na interconexión e a cohesión espacial.

A nova peza configúrase como un pequeno pavillón de 3.50 m de alto, de gran transparencia e lixeireza. Conformado en aceiro e vidro transparente, e lixeiramente sobre-elevado do chan, enténdese como unha caixa de luz que se penetra 9.70 m cara ao corazón da edificación. Sempre perseguindo a continuidade, a intervención non ocupa todo baleirado, senón que reserva un pequeno patio ao interior que conecta o antigo e o novo, actuando como un diafragma. Do mesmo xeito, sobresae externamente rompendo a liña de fachada, coma se movesen a caixa de edificio liberando atrás o espazo para o novo patio. Grazas a este desprazamento, crea fachada interna, dándolle entidade e importancia á nova intervención a pesar da pequena escala, á vez que externamente enténdese perfectamente a diferenza de volumes.

O meeting room de 21m2 e a office de 18m2, os usos que acolle a peza, sepáranse física pero non visualmente. Desde o exterior do edificio pódense abarcar cunha mirada ata o novo patio; é desde a posición de traballo cando os dous espazos quedan divididos visualmente, facilitando a concentración no traballo. O mobiliario, elemento crave neste proxecto, está realizado en madeira de cerdeira, nun só elemento con múltiples funcións, deseñado a medida para albergar con exactitude os obxectos dos que dispoñían previamente: radiadores, impresoras, papeleiras, incluso a cafeteira, facilitando mediante correderas todos os usos. O moble actúa como unha gran máquina que divide o espazo. Do mesmo xeito, as mesas están adaptadas para eliminar o estorbo de cables. O mobiliario deséñase de forma intelixente para manter a limpeza do espazo.

A nova construción, lixeira e de cuberta plana, conéctase a existente de rotundo ladrillo e cuberta curva, a través das antigas portas de saída ao patio, desde a servidume que dá acceso ao parking. Así, esta servidume entre ambos os espazos convértese nun corredor intermedio, e libera ao pavillón de tránsito.

O que antes era un patio ás costas, sen conexión nin uso destacable, convértese nunha peza que alberga todos os usos requiridos para o funcionamento da sucursal con gran flexibilidade, cunha continuidade visual que ilumina e afianza unha imaxe de confianza, unha contemporización da percepción do edificio, e un espazo libre que adquire escala e comunica espazos. A intervención de RDVA osixena o espazo.

Obra: Ampliación do Fintro Bank en Herentals
Emprazamento: Herentals, Bélxica
Ano: 2016
Equipo: RDVA. Rik De Vooght Architecten
Promotor: BVBA RISEN & CO
Fotografía: Milena Villalba
Texto: Ana Asensio
Tradución castelán a inglés: Natalia Dalinkevicius
+ rdva.be

[:en]

Fintro Bank. Herentals | RDVA. Rik De Vooght Architecten © Milena Villalba 2017
Fintro Bank Extension in Herentals | RDVA. Rik De Vooght Architecten © Milena Villalba 2017

Using efficiently the ground is a main necessity in the structure of the cities form the 21st century. Cities today require an intelligent densification and sensitive to the movement and human activities; an exercise of design where the distribution of space uses and the voids that act like lungs, meeting or transition points, establish a scale ratio that optimises services and paths.

The acknowledgement of underutilized or residual spaces, and its redesign and use, are a sample of the contemporary relation with the city, which allows a compaction where the personal needs and the development of the community acquire the same importance.

The intervention of enlargement of a branch from the Fintro Bank in the Belgian city of Herentals, carried out by the RDVA studio, turns, in small scale, into an example of optimization of the ground and space cohesion.

The project consists of an extension of the banking office, located in the ground floor of an apartment building. The bank is located between two party walls, connecting the street and a wide empty space used as a parking. The branch goes through the building,  lining up with the facade to the street, and creating an irregular line in its back projection, with an added volume and a closed courtyard.

Here is where the enlargement takes place, in the space occupied by the former courtyard after demolishing its enclosure. The intervention, embedded as a piece, not only completes the back volume, but also gives scale, and closes, giving coherence to the whole construction; everything without renouncing at any moment to the architectural language, the richness of spaces and the creating of views.

The RDVA project recognizes instantly the possibilities of a space that used to be at the back of the building. Its intervention turns into a process of ending and finishing, by adding one last piece, with architectural language different to the rest, based on the interconnection and space cohesion.

The new piece configures as a small hall of 3.50m height, great transparency and lightness. Made by steel and transparent glass, and slightly elevated from the ground, it’s understood as a box of light that goes 9.70m in the heart of the construction. Always chasing the continuity, the intervention does not occupies all the empty space, but saves a small inner courtyard that connects the old and the new, acting as a diaphragm. Likewise, it sticks out externally breaking the facade line, as if the building box had been moved setting free at the back the space for the new courtyard. Thanks to this displacement, it creates an internal facade, giving entity and importance to the new intervention in spite of the small scale, while externally is perfectly understood the difference of volumes.

The meeting room of 21m2 and the office of 18m2, the uses that the piece receives, are separated physical but not visually. From the outside they can be covered with a glance up to the new courtyard; is from the working space when both spaces are visually divided, easing the concentration in the job. The furniture, key element in this project, is made of cherry wood, in just one element with multiple functions, custom-made in order to harbor the objects that they hold before: heaters, printers, paper bins, even the coffee machine, all these uses are facilitated by sliders. The furniture acts like a big machine that divides the space. In the same way, the tables are adapted to get rid of annoying cables. The furniture is designed in an intelligent way to keep the space clean.

The new construction, light and with a flat roof, connects to the already existing one made by stout bricks and rounded roof, through the old exit doors to the courtyard, from the lot that has access to the parking. In this way, this lot between both spaces turns into an internal corridor, and frees the hall from the transit.

What used to be a courtyard in the back, without connection nor standing out, turns into a piece that harbors all the uses required for the functioning of the branch with great flexibility, with a visual continuity that enlightens and supports an image of trust, a contemporization of the perception of the building, and a free space which acquires scale and communicates spaces. The RDVA intervention oxygenates the space.

Work: Fintro Bank Extension in Herentals
Location: Herentals, Belgium
Year: 2016
Team: RDVA. Rik De Vooght Architecten
Promoter: BVBA RISEN & CO
Photographya: Milena Villalba
Text: Ana Asensio
Translation spanish-english: Natalia Dalinkevicius
+ rdva.be

[:]

[:es]IX Concurso para Estudiantes de Arquitectura Steelcase[:gl]IX Concurso para Estudantes de Arquitectura Steelcase[:en]IX Competition for Steelcase Architecture Students[:]

[:es]

IX Concurso para Estudiantes de Arquitectura Steelcase

· Los candidatos deberán crear un espacio de trabajo enfocado a una startup.
· Al concurso podrán presentarse estudiantes de Escuelas de Arquitectura de España y Portugal.
· Los aspirantes optarán a más de 6.000 euros en premios y el jurado estará compuesto por notables arquitectos.

La multinacional Steelcase, especializada en el diseño de espacios de trabajo, ha lanzado la novena edición del Concurso para Estudiantes de Arquitectura Steelcase, en el que se plantea el reto de crear un entorno de trabajo enfocado a una startup.

Podrán participar en la competición alumnos de Escuelas de Arquitectura matriculados en, al menos, una asignatura del curso 2018-2019 en cualquier universidad de España o Portugal, incluyendo estudiantes de Master, postgrado… Los aspirantes podrán presentar sus trabajos, tanto de forma individual como en grupo, realizando su inscripción en el concurso hasta 22 de febrero en la web de y presentando sus trabajos hasta el 26 de abril.

Los trabajos recibidos optarán a varios premios valorados en más de 6.500 euros: un primer premio dotado con 3.000 euros, un segundo con 2.000 € y un tercer premio con 1.000 €. Además, en función de la calidad de los proyectos presentados, el jurado se reserva la opción de conceder Menciones por valor de 500 € a los proyectos que así lo merezcan. Asimismo, se llevará a cabo una votación popular a través del perfil de Steelcase en Facebook y el proyecto ganador recibirá una silla Reply. La evolución del concurso se irá conociendo a través del perfil de Facebook de la compañía. Para la resolución final, el jurado tendrá en cuenta la originalidad de las propuestas, la destreza y sensibilidad ambiental del espacio y que responda a la temática planteada.

El diseño de la propuesta debe ser original e inédito y será evaluado por un jurado independiente formado por reputados arquitectos con una notable trayectoria nacional e internacional. Algunos nombres que ya han formado parte del jurado en otras ediciones son Luis Vidal, César Ruíz-Larrea, Julio Touza, Enrique Álvarez Sala, Fermín Vázquez, Enrique León y Alberto Campo-Baeza, entre otros.

Objeto del concurso.

Dinamismo, agilidad, flexibilidad, creatividad, disrupción, liderazgo, innovación. Las startups llevan en su ADN todos estos rasgos, algo que les ha llevado a anticiparse a las demandas de los consumidores y a revolucionar tradicionales modelos de negocio que, hasta ahora, se suponían imbatibles. En este contexto empresarial, el espacio de trabajo ha actuado como una palanca de cambio primordial para crear y transmitir una cultura de empresa a través del espacio, con la que se puede moldear el comportamiento de las personas para hacer que las organizaciones sean más ágiles, innovadoras y flexibles.

Partiendo de estas premisas, los aspirantes deberán crear un espacio de trabajo que ayude a las empresas a trasladar la cultura startup a todos los niveles de la organización.

A través de este concurso, Steelcase sigue apoyando el desarrollo de la Arquitectura como disciplina fundamental en la construcción de espacios de trabajo, promueve el trabajo de colaboración, estimula la creatividad y fomenta el vínculo de estudiantes de Arquitectura con las nuevas tendencias de espacios de trabajo investigadas por Steelcase.

[:gl]

IX Concurso para Estudiantes de Arquitectura Steelcase

· Os candidatos deberán crear un espazo de traballo enfocado a unha startup.

· Ao concurso poderán presentarse estudantes de Escolas de Arquitectura de España e Portugal.

· Os aspirantes optarán a máis de 6.000 euros en premios e o xurado estará composto por notables arquitectos.

A multinacional Steelcase, especializada no deseño de espazos de traballo, lanzou a novena edición do Concurso para Estudantes de Arquitectura Steelcase, no que se expón o reto de crear unha contorna de traballo enfocado a unha startup.

Poderán participar na competición alumnos de Escolas de Arquitectura matriculados en, polo menos, unha materia do curso 2018-2019 en calquera universidade de España ou Portugal, incluíndo estudantes de Master, posgrao… Os aspirantes poderán presentar os seus traballos, tanto de forma individual como en grupo, realizando a súa inscrición no concurso ata o 22 de febreiro na web de e presentando os seus traballos ata o 26 de abril.

Os traballos recibidos optarán a varios premios valorados en máis de 6.500 euros: un primeiro premio dotado con 3.000 euros, un segundo con 2.000 € e un terceiro premio con 1.000 €. Ademais, en función da calidade dos proxectos presentados, o xurado se reserva a opción de conceder Mencións por valor de 500 € aos proxectos que así o merezan. Así mesmo, levará a cabo unha votación popular a través do perfil de Steelcase en Facebook e o proxecto gañador recibirá unha cadeira Reply. A evolución do concurso irase coñecendo a través do perfil de Facebook da compañía. Para a resolución final, o xurado terá en conta a orixinalidade das propostas, a destreza e sensibilidade ambiental do espazo e que responda á temática exposta.

O deseño da proposta debe ser orixinal e inédito e será avaliado por un xurado independente formado por reputados arquitectos cunha notable traxectoria nacional e internacional. Algúns nomes que xa formaron parte do xurado noutras edicións son Luís Vidal, César Ruíz- Larrea, Xullo Touza, Enrique Álvarez Salga, Fermín Vázquez, Enrique León e Alberto Campo- Baeza, entre outros.

El diseño de la propuesta debe ser original e inédito y será evaluado por un jurado independiente formado por reputados arquitectos con una notable trayectoria nacional e internacional. Algunos nombres que ya han formado parte del jurado en otras ediciones son Luis Vidal, César Ruíz-Larrea, Julio Touza, Enrique Álvarez Sala, Fermín Vázquez, Enrique León y Alberto Campo-Baeza, entre otros.

Obxecto do concurso.

Dinamismo, axilidade, flexibilidade, creatividade, disrupción, liderado, innovación. As startups levan no seu ADN todos estes trazos, algo que lles levou a anticiparse ás demandas dos consumidores e a revolucionar tradicionais modelos de negocio que, ata agora, supoñíanse imbatibles. Neste contexto empresarial, o espazo de traballo actuou como unha panca de cambio primordial para crear e transmitir unha cultura de empresa a través do espazo, coa que se pode moldear o comportamento das persoas para facer que as organizacións sexan máis áxiles, innovadoras e flexibles.

Partindo destas premisas, os aspirantes deberán crear un espazo de traballo que axude ás empresas para trasladar a cultura startup a todos os niveis da organización.

A través deste concurso, Steelcase segue apoiando o desenvolvemento da Arquitectura como disciplina fundamental na construción de espazos de traballo, promove o traballo de colaboración, estimula a creatividade e fomenta o vínculo de estudantes de Arquitectura coas novas tendencias de espazos de traballo investigadas por Steelcase.

[:en]

IX Concurso para Estudiantes de Arquitectura Steelcase

· Candidates should create a workspace focused on a startup.
· Students from Architecture Schools of Spain and Portugal may apply to the contest.
· The candidates will opt for more than 6,000 euros in prizes and the jury will be made up of notable architects.

The multinational Steelcase, specialized in the design of workspaces, has launched the ninth edition of the Steelcase Architecture Students’ Competition, which poses the challenge of creating a work environment focused on a startup.

Students of Architecture Schools enrolled in at least one subject of the 2018-2019 academic year in any university in Spain or Portugal, including Master students, postgraduates, etc. will be able to participate in the competition. Applicants will be able to present their work, both individually and in group, making their registration in the contest until February 22 on the website of and presenting their work until April 26.

The works received will be eligible for several prizes valued at more than 6,500 euros: a first prize worth 3,000 euros, a second prize of 2,000 € and a third prize of 1,000 €. In addition, depending on the quality of the submitted projects, the jury reserves the option of awarding Mentions worth € 500 to the projects that deserve it. Also, a popular vote will be conducted through the Steelcase profile on Facebook and the winning project will receive a Reply chair. The evolution of the contest will be known through the Facebook profile of the company. For the final resolution, the jury will take into account the originality of the proposals, the skill and environmental sensitivity of the space and that responds to the theme raised.

The design of the proposal must be original and unpublished and it will be evaluated by an independent jury made up of renowned architects with a remarkable national and international trajectory. Some names that have already been part of the jury in other editions are Luis Vidal, César Ruíz-Larrea, Julio Touza, Enrique Álvarez Sala, Fermín Vázquez, Enrique León and Alberto Campo-Baeza, among others.

Object of the contest.

Dynamism, agility, flexibility, creativity, disruption, leadership, innovation. The startups carry all these traits in their DNA, something that has led them to anticipate the demands of consumers and to revolutionize traditional business models that, until now, were supposed to be unbeatable. In this business context, the workspace has acted as a lever of fundamental change to create and transmit a company culture through space, with which you can shape the behavior of people to make organizations more agile, Innovative and flexible.

Starting from these premises, the aspirants should create a work space that helps companies to move the startup culture to all levels of the organization.

Through this competition, Steelcase continues to support the development of Architecture as a fundamental discipline in the construction of workspaces, promotes collaborative work, stimulates creativity and fosters the bond of architecture students with the new trends in workspaces. investigated by Steelcase.

[:]

¿Alguien sabe qué es la crítica? | José Ramón Hernández Correa

"Esto no es una pipa". En efecto: Es un cuadro de René Magritte. Un cuadro que habla de una pipa. Metalenguaje, referencia, discurso, teoría... ¿Crítica?
«Esto no es una pipa». En efecto: Es un cuadro de René Magritte. Un cuadro que habla de una pipa. Metalenguaje, referencia, discurso, teoría… ¿Crítica?

Últimamente, a base de leer blogs y webs, estoy leyendo más sobre arquitectura que en muchos años. Casi estoy volviendo al nivel lector que tenía cuando era estudiante.

Entre aquella época de la escuela de arquitectura y la actual hay una turbia (y lucrativa) etapa de profesional exitoso que compraba revistas caras para ver las pornográficas fotos, y que no se alimentaba de idea alguna nueva, sino que regurgitaba los conceptos que había adquirido en la escuela.

Ahora, debido a la enorme bajada de actividad profesional, mi atención vuelve hacia la arquitectura como tal, a muchas cuestiones que no comprendo y al afán de buscar explicaciones y motivos.

Tengo muchos libros a mi alcance, tanto en mi biblioteca particular como en bibliotecas públicas, y además tengo acceso, como digo, a blogs y páginas muy inteligentes sobre arquitectura.

Pero leo y escucho lo de «crítica de la arquitectura» y cada vez entiendo menos.

¿Qué es «crítica»? ¿Qué significa eso?

Lo digo en serio: No sé qué es la crítica. Tengo muy buenos libros de arquitectura, ¿pero son historia?, ¿son opinión?, ¿son teoría? ¿Qué son? Si me cuentan cómo influye tal movimiento en tal otro son historia. Si me explican un concepto arquitectónico son teoría, si hablan de un proyecto de fulano son incluso biografía. Repito: ¿Qué es crítica?

Las actividades humanas cuya supuesta crítica vemos más a menudo e incluso tienen un hueco destacado en los medios de comunicación son el cine, la literatura y, ahora, la gastronomía. Pero los supuestos críticos de cine se limitan a decir si una película les gusta o no, y vemos que la misma película se tilda de obra maestra en tal periódico y de obra fallida en tal revista.

Los críticos de literatura a menudo nos cuentan la biografía de un autor, o las circunstancias metaliterarias de tal libro, pero rara vez aportan algo útil al libro en sí. Y a menudo, como los ya mencionados críticos de cine, nos dicen sólo si les gusta o no. (La primera parte es prometedora, pero la segunda decae, o es lenta, o no tiene tensión… Y yo pregunto: «¿Respecto a qué?»).

En cuanto a la crítica gastronómica, los supuestos críticos se han revestido del vacío discurso automático y dicen chorradas tetradimensionales que no entiende nadie y que no contienen nada. Y que se sumen en el ridículo más profundo a base de querer ascender al cielo de los aromas inefables y delicuescentes.

Vale. Se supone que la crítica es una labor social, pedagógica, investigadora. Se supone que es una función ética y una búsqueda de la verdad. Pero yo no sé lo que es ni dónde radica.

Entiendo perfectamente qué es la historia: Un libro que trate de tal arquitecto o de tal movimiento, y lo relacione con otros, y nos cuente circunstancias culturales, sociales, económicas del contexto. Eso está claro.

También entiendo qué es teoría: Un libro que trate sobre el espacio, el vacío, la verticalidad, la estructura, la centralidad… Etcétera. Conceptos arquitectónicos, constructivos, tecnológicos, espaciales, etc.

Pero la crítica implica juicio. Después de contarme las circunstancias formativas de tal obra, y los conceptos y elementos que engloba… Quiero saber si es BUENA o MALA.

Eso sí que es difícil.

Porque para hacer crítica hay que tener un criterio. Para juzgar algo hay que tener un código, un rasero, una norma con que medir y comparar eso que se juzga.

En otras épocas históricas hay criterios más claros. En el movimiento moderno también; por supuesto. El movimiento moderno es bastante dogmático.

Pero una vez rebasado el momento cumbre de la arquitectura moderna, una vez superado el código, entramos en el dominio de la obra abierta, del post-estructuralismo, y adiós al sujeto, adiós a los códigos y adiós a los criterios castradores y rígidos.

A partir de ahí, de la «mierda enlatada de artista» o de la «forma expresiva no funcional», hemos perdido el norte.
Yo, cuanto más leo, menos entiendo y menos sé.

En este escurridizo mundo crítico recurrimos, casi con desesperación, al método de la abducción. (Ya hablaré algo de él, aunque me supera). Buscar métodos deductivos o inductivos ya no nos vale, porque con ambos métodos o parto de un código o llego a él, y ahora lo que no tengo es código.

¿Alguien sabe qué es la crítica?
¿Alguien sabe qué es la crítica?

El método abductivo es un bastón blanco para tantear en la oscuridad y para dar palos a ver si alguno acierta.

El método abductivo (no sé cómo) me debería servir para decir con autoridad, o al menos con seguridad que el edificio de arriba  y el edificio de abajo NO. (Ah, y que no me pregunten por qué).

Con métodos racionales, analíticos, lógicos, sé que todos los defectos que le atribuya al edificio de abajo para denigrarlo se los puedo atribuir también al de arriba.

¿Entonces qué? ¿Una crítica a capricho? ¿Una crítica del «pues a mí me gusta»? ¿Ah, sí? Entonces no puedo discutir nunca más con mis amigos Manueles, porque a mí me gustan unas cosas y a ellos otras, y si sólo es por eso todos tenemos la misma razón: ninguna.

José Ramón Hernández Correa
Doctor Arquitecto y autor de Arquitectamos locos?
Toledo · agosto 2014

Notas:

Dedicado a mis dos amigos Manueles: Manuel Benítez y Manuel Pina, por una discusión (muy borde por mi parte) que tuvimos el otro día. Lo siento mucho. Me pongo muy bruto.

Diseño sin revolución | Landa Hernández Martínez

“Arquitectura o revolución”, escribió Le Corbusier en 1923

Es una época convulsa, apenas cinco años antes el mundo había visto triunfar la primera revolución obrera en Rusia. La revolución –como sus hermanadas rebelión y revuelta– es un espacio para el caos, invierte el orden establecido con una masa social entremezclada y devenida en multitud. Le Corbusier, amante de la línea y del orden, y aún pidiendo la necesidad de un diseño que mejore la calidad de vida de la clase obrera en sus escritos, sólo ofrece una alternativa: arquitectura.

“Se puede evitar la revolución”,

nos confirma.

Diseño sin revolución Pedro Hernández “Arquitectura o revolución”, escribió Le Corbusier en 1923
“Arquitectura o revolución”, escribió Le Corbusier en 1923

¿Qué era la arquitectura para Le Corbusier?

Eso que debía evitar la revolución, ¿cómo?

Consiguiendo un entorno nuevo y confortable para los requerimientos de la sociedad surgida tras la revolución industrial. Sin embargo, desde un estricto punto de vista material, la arquitectura también puede ser definida por muros — y huecos en estos: ventanas, puertas, etc. — y suelos. Ambos definen la forma en la que el cuerpo puede moverse por el espacio: limitando los desplazamientos horizontales, variando los puntos de vista verticales.

¿Era esta condición de la arquitectura la que podría evitar la revolución, su imposición de limitar la movilidad?

Autoridad sobre el cuerpo

Foucault nos advierte que, en realidad, ni el arquitecto ni la arquitectura tienen realmente autoridad sobre el cuerpo1: yo puedo usar herramientas para abrir muros, puedo desplazarme entre huecos, etc… un pensamiento similar al que expone Geoff Manaugh en su último libro, A Burglar’s Guide to the City, en el que invita a movernos por la arquitectura como en un juego de ladrones y policías.

Apunta Boris Groys en La obligación del diseño en sí que el diseño moderno se enfocó en la apariencia de las cosas como el lugar donde se podía encontrar la esencia de las mismas: se trataba de la búsqueda de un diseño puro, que eliminara lo superfluo. Ello era válido tanto para el diseño burgués, como para el proletario:

“la revolución debía ser un acto radical que purificara a la sociedad de toda forma de ornamento”.

El ornamento es un crimen, como decía Adolf Loos, es amoral, no es propio de los hombres modernos. Se trataba pues de una condición tanto estética como ética.

El diseño moderno era, además, un arte total, que se enfoca en diseñar cada uno de los aspectos de la vida desde las cualidades antes descritas.

“La forma última de diseño es el diseño del sujeto”.

El diseño moderno era, por tanto, un diseño absoluto en el que el hombre (un “hombre nuevo” que debía dejar atrás aquello que Le Corbusier llamaba la “bestia humana”) se convierte en un objeto más.

“En un mundo de diseño total, el hombre se vuelve una cosa diseñada, una suerte de objeto en el mundo, un cadáver a ser exhibido públicamente”.

Ante tal panorama, este nuevo hombre es un prisionero que sólo puede hacer una cosa: gestionar la imagen de su propio cuerpo, de su propio cadáver.

En nuestra sociedad del espectáculo, todos somos tanto espectadores (consumistas) que gastan su tiempo observando a los demás como productores de un yo devenido imagen-simulacro que reclama, de forma constante, un segundo de atención –para evitar así que la aceleración del tiempo nos opaque y nos deje fuera del mundo. Es decir, gastamos nuestro tiempo siempre autoproduciendo nuestra apariencia, nos diseñamos en la superficie y nos vaciamos de contenido, porque el contenido no importa porque nadie lo mira, ya que no tenemos tiempo para contemplar ni reflexionar, por así decir.

“El contenido es completamente irrelevante, porque cambia constantemente”.

Mi yo diseñado, mío de mí pero para los demás, se ha convertido en una imagen superficial que, pese a su poco espesor, puede ser política. Tal vez el alma, como una cosa profunda, se haya extinguido, convirtiéndose, como dice Groys, en

“el ropaje de su apariencia social, política y estética,”

en la que uno se diseña frente a los demás como una condición política del ser, en una performance de su propia vida. Mera apariencia, mera superficie que se extiende a todo el diseño que nos rodea, como extensión de la propia imagen.

Izq: Diseño de ropa de deporte de Vavara Stepanova | Dcha: jumpsuit diseñado por Alexander Rodchenko | Fuente
Izq: Diseño de ropa de deporte de Vavara Stepanova | Dcha: jumpsuit diseñado por Alexander Rodchenko | Fuente: epochs.co

Curiosamente, así, hemos dejado la primera idea sobre la arquitectura con la que comenzábamos. La arquitectura ya no es un elemento que contiene nuestra potencia a través de sus condiciones materiales, de sus paredes y techos, sino que se inscribe en nuestra superficie como parte del nosotros-imagen. Así pues, no “habitamos” un lugar porque sea cómodo o confortable, lo hacemos como una extensión de nuestra apariencia, diseñamos y decoramos nuestros interiores de acuerdo a esta idea, aunque ello nos obligue a vivir en una economía precaria.

La arquitectura en tiempos de Instagram

Será aquella que sirva como un complemento más. Obstinados por — desde nuestra piel a nuestros espacios–, ahora sí quizás podamos ver por que ya no tenemos revolución: porque tenemos arquitectura –la del yo– que puede evitarla, una en permanente construcción de nuestra imagen muerta y a la que dedicamos todo nuestro esfuerzo. De ahí que sólo tengamos tiempo para el diseño, de ahí que no tengamos tiempo para la revolución.

A menos que sea de Pepsi, claro.

Pedro Hernández · arquitecto
Madrid. Enero 2019

Notas:

El arquitecto no tiene poder sobre mí. Si quiero demoler o transformar la casa que él ha construido para mí, instalar nuevos tabiques o agregar una chimenea, el arquitecto no tiene ningún control. Hace falta entonces ubicar al arquitecto en otra categoría -lo que no quiere decir que no tiene nada que ver con la organización, la efectivización del poder, y todas las técnicas a través de las cuales se ejerce el poder en una sociedad. Yo diría que hace falta tenerlo en cuenta tanto a él -a su mentalidad, a su actitud- como a sus proyectos, si se quiere comprender un cierto número de técnicas de poder que se ponen en obra en la arquitectura, pero no es comparable a un médico, a un sacerdote, a un psiquiatra o a un guardián de prisión.”

en RABINOW, Paul. Espacio, saber y poder: Entrevista a Michel Foucault (versión online) 

[:es]Maestros Modernos. Francisco de Asís Cabrero[:gl]Mestres Modernos. Francisco de Asís Cabrero[:en]Modern Masters. Francisco de Asís Cabrero[:]

0

[:es]https://vimeo.com/250643856

La Fundación Arquitectura COAM continua con este ciclo con el que quiere poner de manifiesto la importancia que el patrimonio arquitectónico contemporáneo, tiene para la sociedad del siglo XXI, la necesidad de su reconocimiento social y de su mantenimiento y conservación.

Esta conferencia está dedicada a Francisco de Asís Cabrero Torres-Quevedo (1912-2005).

Ingresó en 1932 en la Academia de Bellas Artes de San Fernando y dos años después en la Escuela Superior de Arquitectura, también en Madrid. Durante sus años de estudiante en Madrid vivió en la casa de su tío materno, el inventor Leonardo Torres-Quevedo. La Guerra Civilsupuso un parón en su formación y no obtuvo el título de arquitecto hasta 1942.

A principios de la década de 1940 comenzó a trabajar en la oficina de la Obra Sindical del Hogar (OSH) con arquitectos como Sotomayor, Gamir, Olasagasti y Coderch. En 1941 viajó a Italia, donde conoció a Giorgio de Chirico y a Adalberto Libera, tomando contacto con la arquitectura de Giuseppe Terragni. En 1949, junto con Rafael Aburto, ganó el primer premio del concurso para edificio de la Delegación Nacional de Sindicatos en Madrid, más conocido como Casa Sindical (hoy Ministerio de Sanidad, Servicios Sociales e Igualdad), el primer edificio moderno construido a instancias del gobierno franquista tras la Guerra Civil, que se convertiría en su obra más conocida.

La mayor parte de su obra se sitúa en Madrid o sus alrededores. Destacan entre sus obras la ya citada Casa Sindical frente al Museo del Prado de Madrid (1949), la Escuela Nacional de Hostelería (Recinto Ferial de la Casa de Campo, Madrid, 1959), el edificio del periódico Arriba(Paseo de la Castellana, 222, Madrid, 1962), el Pabellón de Cristal de la Casa de Campo (Madrid, 1964) y el Ayuntamiento de Alcorcón (1973). También es obra suya la ampliación del Parque Sindical que albergó desde entonces la piscina más grande de Europa.

En 1990 recibió la Medalla de Oro de la Arquitectura, otorgada por el Consejo Superior de Colegios de Arquitectos de España. En 1992 publicó su obra sobre Arquitectura titulada Cuatro Libros de Arquitectura.

Mesa redonda con la intervención de:

Gabriel Ruiz Cabrero

José de Coca

[:gl]https://vimeo.com/250643856

A Fundación Arquitectura COAM continua con este ciclo co que quere poñer de manifesto a importancia que o patrimonio arquitectónico contemporáneo, ten para a sociedade do século XXI, a necesidade do seu recoñecemento social e do seu mantemento e conservación.

Esta conferencia está adicada a Francisco de Asís Cabrero Torres-Quevedo (1912-2005).

Ingresou en 1932 na Academia de Belas Artes de San Fernando e dous anos despois na Escola Superior de Arquitectura, tamén en Madrid. Durante os seus anos de estudante en Madrid viviu na casa do seu tío materno, o inventor Leonardo Torres-Quevedo. A Guerra Civilsupuso un parón na súa formación e non obtivo o título de arquitecto ata 1942.

A principios da década de 1940 comezou a traballar na oficina da Obra Sindical do Fogar ( OSH) con arquitectos como Sotomayor, Gamir, Olasagasti e Coderch. En 1941 viaxou a Italia, onde coñeceu a Giorgio de Chirico e a Adalberto Libera, tomando contacto coa arquitectura de Giuseppe Terragni. En 1949, xunto con Rafael Aburto, gañou o primeiro premio do concurso para edificio da Delegación Nacional de Sindicatos en Madrid, máis coñecido como Casa Sindical (hoxe Ministerio de Sanidade, Servizos Sociais e Igualdade), o primeiro edificio moderno construído a instancias do goberno franquista tras a Guerra Civil, que se convertería na súa obra máis coñecida.

A maior parte da súa obra sitúase en Madrid ou os seus arredores. Destacan entre as súas obras a xa citada Casa Sindical fronte ao Museo do Prado de Madrid (1949), a Escola Nacional de Hostalería (Recinto Feiral da Casa de Campo, Madrid, 1959), o edificio do xornal Arriba(Paseo da Castelá, 222, Madrid, 1962), o Pavillón de Cristal da Casa de Campo (Madrid, 1964) e o Concello de Alcorcón (1973). Tamén é obra súa a ampliación do Parque Sindical que albergou desde entón a piscina máis grande de Europa.

n 1990 recibiu a Medalla de Ouro da Arquitectura, outorgada polo Consello Superior de Colexios de Arquitectos de España. En 1992 publicou a súa obra sobre Arquitectura titulada Cuatro Libros de Arquitectura.

Mesa redonda coa intervención de:

Gabriel Ruiz Cabrero

José de Coca

[:en]https://vimeo.com/250643856

The COAM Architecture Foundation continues this cycle with which it wants to highlight the importance that the contemporary architectural heritage has for the society of the 21st century, the need for its social recognition and its maintenance and conservation.

This conference is dedicated to Francisco de Asís Cabrero Torres-Quevedo (1912-2005).

He entered in 1932 in the Academy of Fine Arts of San Fernando and two years later in the School of Architecture, also in Madrid. During his student years in Madrid he lived in the house of his maternal uncle, the inventor Leonardo Torres-Quevedo. The Civil War assumed a break in his training and did not obtain the title of architect until 1942.

At the beginning of the 1940s he started working in the office of the Home Trade Union (OSH) with architects such as Sotomayor, Gamir, Olasagasti and Coderch. In 1941 he traveled to Italy, where he met Giorgio de Chirico and Adalberto Libera, making contact with the architecture of Giuseppe Terragni. In 1949, together with Rafael Aburto, he won the first prize in the building competition of the National Trade Union Delegation in Madrid, better known as Casa Sindical (now the Ministry of Health, Social Services and Equality), the first modern building built at the request of the Francoist government after the Civil War, which would become his best known work.

Most of his work is located in Madrid or its surroundings. Highlights among his works are the aforementioned Casa Sindical in front of the Prado Museum in Madrid (1949), the National School of Hospitality (Fairground of the Casa de Campo, Madrid, 1959), the newspaper building Arriba (Paseo de la Castellana, 222, Madrid, 1962), the Crystal Pavilion of the Casa de Campo (Madrid, 1964) and the City Hall of Alcorcón (1973). It is also his work the expansion of the Trade Union Park that since then housed the largest pool in Europe.

In 1990 he received the Gold Medal of Architecture, awarded by the Superior Council of Architects of Spain. In 1992 he published his work on Architecture titled Cuatro Libros de Arquitectura.

Round table with the intervention of:

Gabriel Ruiz Cabrero

José de Coca

[:]

[:es]Rehabilitación del antiguo hospital Espíritu Santo para biblioteca municipal y archivo histórico de Baiona | Murado & Elvira Architects[:gl]Rehabilitación do antigo hospital Espírito Santo para biblioteca municipal e arquivo histórico de Baiona | Murado & Elvira Architects[:en]Renovation of former Espíritu Santo Hospital building for Municipal Library and Historic Archive in Baiona | Murado & Elvira Architects[:]

[:es]

Rehabilitación del antiguo hospital Espíritu Santo para biblioteca municipal y archivo histórico de Baiona Murado & Elvira Architects o73

La Biblioteca Municipal y Archivo Histórico de Baiona se ubica en el antiguo Hospital Sancti Spiritus, construido en el siglo XVI frente a la antigua Colegiata de Santa María. Se trata de un edificio de dos plantas incrustado en la pendiente del casco histórico, que cuenta con un jardín con una huerta y su correspondiente pozo, y un patio interior. Dentro del patio se encuentran dos escaleras de acceso a planta primera y dos tallas en piedra: un peregrino y una efigie del Apóstol Santiago.

La intervención pretende organizar el nuevo programa de biblioteca y archivo de una manera clara y sencilla. Desde el punto de vista patrimonial, su ambición es recuperar el protagonismo perdido de los singulares espacios exteriores, patio y jardín, debido a las numerosas transformaciones sufridas a lo largo del tiempo.

En planta baja un gran zaguán atraviesa longitudinalmente el edificio y ordena todas las circulaciones de la biblioteca. Como una calle interior, comunica la entrada principal con el patio y el jardín. A un lado, un nuevo paramento pétreo acompaña el tránsito hasta la salida. Este grueso muro de sillares de granito acoge las ventanas existentes, los accesos a otras estancias y un nuevo nicho para sentarse, y reúne las diversas piezas arqueológicas halladas en el edificio original. Frente a él, un volumen de madera agrupa el programa de Archivo Municipal, los servicios y el ascensor.

Rehabilitación del antiguo hospital Espíritu Santo para biblioteca municipal y archivo histórico de Baiona Murado & Elvira Architects o22

La sala polivalente y la biblioteca infantil se abren directamente al patio y su actividad puede extenderse al exterior. Una serie de curvas de distintas aperturas definen el perímetro de la sala infantil para adaptarse a la fragmentada geometría original y conferirle una identidad propia. Este paramento curvo incorpora las estanterías y deja pequeños intersticios ocultos detrás de la doble piel de madera, como un guiñol o el guardarropa. La puerta de entrada desde el zaguán de acceso es una gruesa estantería pivotante, una puerta secreta que queda integrada con el resto de estanterías cuando está cerrada. Paredes y techos, también de madera, se perforan con unas aspas para resolver las tomas de ventilación. Los niños pueden sentarse en el suelo, terminado con un material textil, que se pliega sobre los paramentos verticales para formar pequeños planos inclinados sobre los que recostarse.

Algunas soluciones de planta baja anuncian el tratamiento de la biblioteca en la planta superior, como las perforaciones circulares de la puerta de acceso y del cerramiento lateral de la escalera o el tratamiento material y espacial de la sala infantil.

La organización de planta primera también evidencia que el patio central es el epicentro de la actuación.

Rehabilitación del antiguo hospital Espíritu Santo para biblioteca municipal y archivo histórico de Baiona Murado & Elvira Architects o19

Todo el espacio disponible se libera para la sala de lectura, que discurre sin interrupciones a su alrededor. Una doble envolvente de madera de arce delimita por completo esta sala y genera una banda funcional concéntrica de espacios intersticiales como cabinas de estudio individual, aseos, despachos y áreas de lectura informal. El suelo está resuelto con el mismo material que los paramentos verticales, así como la cubierta interior, que se triangula para adaptarse a las necesidades técnicas y dimensionales de la estructura y las instalaciones. El grosor de este poché se evidencia en los lucernarios de cubierta, grandes troncos de cono blancos, y en las salas perimetrales que, como los antiguos festejadores o los gabinetes de lectura religiosos, se adosan a la fachada del viejo edificio.

Las fachadas interiores se recortan, perforan e inscriben para conectar los espacios a uno y otro lado y para construir ámbitos con identidad propia. El espacio resultante, definido por una envolvente monomaterial, es gráfico y espacial. Su escala fluctúa con ambigüedad entre la condición afectiva y doméstica del mueble y el gran arca que acoge en su interior individuos y materiales heterogéneos.

Mobiliario.

El mobiliario exterior, fuente y luminarias, es de tubo de acero cromado. El mobiliario interior está resuelto con la misma madera de arce que el resto del edificio. Las mesas son los negativos de los huecos de la fachada interior de la sala de lectura. Combinando estos recortes se obtienen distintos tamaños y configuraciones de mesa. Las patas son grandes cartabones de madera que permiten retrasar los apoyos con respecto al perímetro y así despejar el espacio de asiento.

Jardín.

El jardín discurre a lo largo de un camino que conecta el vestíbulo de acceso, junto a la galería cubierta, con el acceso directo desde la calle Manuel Valverde. Este recorrido enlaza tres episodios consecutivos. En primer lugar la arboleda frutal y el huerto existentes, donde se recuperan sillares descartados de la obra original -encontrados durante los movimientos de tierra de la obra- para formar una alfombra pétrea junto al pozo y cuatro pequeños asientos bajo los árboles. A continuación, una fuente para beber, y finalmente un nuevo conjunto de abedules papiriformes que, como su nombre indica, producen una fina corteza que antiguamente era empleada como papiro para escribir. Junto a la nueva arboleda, dos grandes sarcófagos de piedra, también hallados en obra, permiten sentarse y observar el agua de lluvia acumulada en su interior.

Obra: Rehabilitación del antiguo hospital Espíritu Santo para biblioteca municipal y archivo histórico de Baiona.
Autor: Murado y Elvira Arquitectos (Juan Elvira y Clara Murado)
Concurso: 1er premio 2010
Año: Construcción marzo 2016 – diciembre 2017
Superficie Útil Total: 675,3 m2 (interior)+ 192,5 m2 (exterior)
Superficie Construída Total: 1076,5m2
Presupuesto de1,5 millones de euros. Financiado parcialmente por el plan “1,5% Cultural” del Ministerio de Fomento destinado a Bienes de Interés Cultural.
Dirección de obra: Óscar López Alba, Juan Elvira y Clara Murado (arquitectos), Manuel Cuquejo (arquitecto técnico)
Arquitectos colaboradores: Eugenia Concha, Marta Colón de Carvajal (concurso), Cristina Gutiérrez Chevalier, Francesco Martone (proyecto de ejecución)
Empresas colaboradoras: Obradoiro Enxeñeiros (ingeniería), Ezequiel Fernández Grinda (estructura), Orega Coviastec (construcción)
Fotografía: ImagenSubliminal / Miguel de Guzman+Rocio Romero
+ muradoelvira.com

[:gl]

Rehabilitación del antiguo hospital Espíritu Santo para biblioteca municipal y archivo histórico de Baiona Murado & Elvira Architects o73

A Biblioteca Municipal e Arquivo Histórico de Baiona sitúase no antigo Hospital Sancti Spiritus, construído no século XVI fronte á antiga Colexiata de Santa María. Trátase dun edificio de dúas plantas incrustado na pendente do centro histórico, que conta cun xardín cunha horta e o seu correspondente pozo, e un patio interior. Dentro do patio atópanse dúas escaleiras de acceso a planta primeira e dúas tallas en pedra: un peregrino e unha efixie do Apóstolo Santiago.

A intervención pretende organizar o novo programa de biblioteca e arquivo dunha maneira clara e sinxela. Desde o punto de vista patrimonial, a súa ambición é recuperar o protagonismo perdido dos singulares espazos exteriores, patio e xardín, debido ás numerosas transformacións sufridas ao longo do tempo.

En planta baixa un gran zaguán atravesa longitudinalmente o edificio e ordena todas as circulacións da biblioteca. Como unha rúa interior, comunica a entrada principal co patio e o xardín. Ao carón, un novo paramento pétreo acompaña o tránsito ata a saída. Este groso muro de sillares de granito acolle as xanelas existentes, os accesos a outras estancias e un novo nicho para sentar, e reúne as diversas pezas arqueolóxicas achadas no edificio orixinal. Fronte a el, un volume de madeira agrupa o programa de Arquivo Municipal, os servizos e o ascensor.

Rehabilitación del antiguo hospital Espíritu Santo para biblioteca municipal y archivo histórico de Baiona Murado & Elvira Architects o22

A sala polivalente e a biblioteca infantil ábrense directamente ao patio e a súa actividade pode estenderse ao exterior. Unha serie de curvas de distintas aperturas definen o perímetro da sala infantil para adaptarse á fragmentada xeometría orixinal e conferirlle unha identidade propia. Este paramento curvo incorpora os andeis e deixa pequenos intersticios ocultos detrás da dobre pel de madeira, como un monicreque ou o gardarroupa. A porta de entrada desde o zaguán de acceso é un groso andel pivotante, unha porta secreta que queda integrada co resto de andeis cando está pechada. Paredes e teitos, tamén de madeira, perfóranse cunhas aspas para resolver as tomas de ventilación. Os nenos poden sentar no chan, terminado cun material téxtil, que se pliega sobre os paramentos verticais para formar pequenos planos inclinados sobre os que recostarse.

Algunhas solucións de planta baixa anuncian o tratamento da biblioteca na planta superior, como as perforacións circulares da porta de acceso e do cerramento lateral da escaleira ou o tratamento material e espacial da sala infantil.

A organización de planta primeira tamén evidencia que o patio central é o epicentro da actuación.

Rehabilitación del antiguo hospital Espíritu Santo para biblioteca municipal y archivo histórico de Baiona Murado & Elvira Architects o19

Todo o espazo dispoñible libérase para a sala de lectura, que discorre sen interrupcións á súa ao redor. Unha dobre envolvente de madeira de arce delimita por completo esta sala e xera unha banda funcional concéntrica de espazos intersticiales como cabinas de estudo individual, aseos, despachos e áreas de lectura informal. O chan está resolvido co mesmo material que os paramentos verticais, así como a cuberta interior, que se triangula para adaptarse ás necesidades técnicas e dimensionales da estrutura e as instalacións. O grosor deste poché evidénciase nos lucernarios de cuberta, grandes troncos de cono brancos, e nas salas perimetrais que, como os antigos festejadores ou os gabinetes de lectura relixiosos, encóstanse á fachada do vello edificio.

As fachadas interiores recórtanse, perforan e inscriben para conectar os espazos a ambos os dous lados e para construír ámbitos con identidade propia. O espazo resultante, definido por unha envolvente monomaterial, é gráfico e espacial. A súa escala fluctúa con ambigüidade entre a condición afectiva e doméstica do moble e a gran arca que acolle nos seus interior individuos e materiais heteroxéneos.

Mobiliario.

O mobiliario exterior, fonte e luminarias, é de tubo de aceiro cromado. O mobiliario interior está resolvido coa mesma madeira de arce que o resto do edificio. As mesas son os negativos dos ocos da fachada interior da sala de lectura. Combinando estes recortes obtéñense distintos tamaños e configuracións de mesa. As patas son grandes cartabones de madeira que permiten atrasar os apoios con respecto ao perímetro e así despexar o espazo de asento.

Xardín.

O xardín discorre ao longo dun camiño que conecta o vestíbulo de acceso, xunto á galería cuberta, co acceso directo desde a rúa Manuel Valverde. Este percorrido enlaza tres episodios consecutivos. En primeiro lugar a arboleda froiteira e o horto existentes, onde se recuperan sillares descartados da obra orixinal -atopados durante os movementos de terra da obra- para formar unha alfombra pétrea xunto ao pozo e catro pequenos asentos baixo as árbores. A continuación, unha fonte para beber, e finalmente un novo conxunto de bidueiros papiriformes que, como o seu nome indica, producen unha fina cortiza que antigamente era empregada como papiro para escribir. Xunto á nova arboleda, dous grandes sartegos de pedra, tamén achados en obra, permiten sentar e observar a auga de choiva acumulada no seu interior.

Obra: Rehabilitación do antigo hospital Espírito Santo para biblioteca municipal e arquivo histórico de Baiona.
Autor: Murado e Elvira Arquitectos (Juan Elvira e Clara Murado)
Concurso: 1er premio 2010
Ano: Construción marzo 2016 – decembro 2017
Superficie Útil Total: 675,3 m2 (interior)+ 192,5 m2 (exterior)
Superficie Construída Total: 1076,5m2
Presuposto de 1,5 millóns de euros. Financiado parcialmente polo plan “1,5% Cultural” do Ministerio de Fomento destinado a Bens de Interese Cultural.
Dirección de obra: Óscar López Alba, Juan Elvira e Clara Murado (arquitectos), Manuel Cuquejo (arquitecto técnico)
Arquitectos colaboradores: Eugenia Concha, Marta Colón de Carvajal (concurso), Cristina Gutiérrez Chevalier, Francesco Martone (proxecto de execución)
Empresas colaboradoras: Obradoiro Enxeñeiros (enxeñeria), Ezequiel Fernández Grinda (estrutura), Orega Coviastec (construción)
Fotografía: ImagenSubliminal / Miguel de Guzman+Rocio Romero
+ muradoelvira.com

[:en]

Rehabilitación del antiguo hospital Espíritu Santo para biblioteca municipal y archivo histórico de Baiona Murado & Elvira Architects o73

The new Public Library and Historic Archive is located at the former Sancti Spiritus Hospital. The existing structure was built in the XVI century behind the ex-collegiate church of Santa María. It is a two-level building embedded in the sloped historic city center with a garden and an inner courtyard.

The garden had an orchard and well and the courtyard shows two granite staircases leading to first floor. Two sculptures in stone are also located here; a pilgrim and the Apostle Santiago. The building is the outcome of three juxtaposed structures: Sancti Spiritus Hospital, Mª Magdalena and Apostle Santiago. The building belongs to the baroque civil architecture from the second half of XVII century in Galicia.

The intervention aims to implement a contemporary library and archive in the old structure in a straightforward and easy way. Due to a long sequence of alterations and local transformations, the patio and garden had lost its due importance. In general terms, the project aims to give the building back the desirable role of those outdoor spaces.

In the ground floor a large hallway is opened. Crossing longitudinally the building, this space organizes all the new Library circulations. Like an indoors street, it links the main entrance with the patio and garden. At one side, a new stone surface leads the visitor to the garden exit. This thick wall, made of local granite ashlars, is pierced by the existing windows, the doors to other rooms and a new niche seat. It also gathers the archeological pieces found scattered in the original building.

Rehabilitación del antiguo hospital Espíritu Santo para biblioteca municipal y archivo histórico de Baiona Murado & Elvira Architects o22

Facing the stone wall, a wooden volume assemble the Historic Archive (one of the most important in the region), bathrooms and elevator. Circular perforations in the side of the staircase help users recognize the location of the way up to the Library, also giving a glimpse of its material treatment.

In order to guarantee a seamless indoor-outdoor connection and to recover the usability of the spaces surrounding the courtyard, the connection levels of all these spaces were readjusted. The multipurpose room and the children’s library extend freely to the courtyard. The perimeter of this room is defined by a sequence of curves in different apertures. This geometry takes advantage of the original space’s irregular shape and gives it a new playful identity. The curved wooden walls integrates the shelving and some openings to hidden spaces behind, such as a wardrobe and a puppet theatre.

Accessing from the main hallway, the door to the children’s library is a pivoting shelf, a secret door that is invisible from the interior when closed. Air condition vents are x-shapes integrated in the wooden walls and ceilings. Kids can sit on the textile floor that folds up here and there on the vertical surfaces forming seat backs where children can recline.

Several solutions in the ground level announce those of the main library in the first floor, like the circular openings in the main entrance door and the staircase or the material and spatial treatment of the children’s library.

Rehabilitación del antiguo hospital Espíritu Santo para biblioteca municipal y archivo histórico de Baiona Murado & Elvira Architects o19

The first floor is also organized in a way that stresses the importance of the courtyard. All the space is opened around this epicenter, so that the main reading room runs without interruptions. A double maple wooden skin envelops this space completely, opening a concentric functional band composed by a series of interstitial rooms: individual studies, bathrooms, offices and bench reading rooms. The floor is built with the same material as the vertical walls. The same happens at the ceiling, a triangulated surface that adapts to the structure and technical systems dimensional needs. This poché’s thickness is rendered visible in the roof’s skylights (big white truncated cones) and the perimeter rooms attached to the old façade like religious reading cabinets or medieval festejadores.

Inner façades are cut out, perforated and inscribed in order to connect both sides and also to navigate through the different spaces of the library, creating a distinctive identity to it. The resulting space is both graphic and spatial, and mono-material. Its scale oscillates between the affective and domestic condition of furniture and the big ark embracing individuals and things.

Furniture.

Outdoor furniture, fountain and lamps, is built in chrome steel that blurs in the vegetal surroundings. Indoor furniture is fabricated with the same maple wood used in the building. Tables are the negatives of the doors in the lecture hall interior façades. When combining those cuts in different configurations different tabletops are obtained. Legs are wooden triangular brackets, useful for moving in the points of support thus opening up additional leg space.

Garden.

The garden runs along a path that links the access space with the direct access from Manuel Valverde Street. This circuit connects three consecutive episodes. The first one is the existing fruit trees orchard, where original stone ashlars -salvaged during construction- forms a carpet next to the well and form small seats here and there under the trees. The second one is the fountain. Finally, a new grove of paper birches, Betula Papyrifera, a species that produce a thin bark that in ancient times was used as writing paper. Next to the birches the visitor can lean on stone sarcophagi while looking at the rainwater collected inside.

Workk: Renovation of former Espíritu Santo Hospital building for Municipal Library and Historic Archive in Baiona.
Author: Murado nad Elvira Architects (Juan Elvira and Clara Murado)
Competition 1st prize 2010
Year: Construction march 2016-july 2017
Total usable floor space: 675,3 m2 (indoors) + 192 m2 (outdoors)
Total built-up area: 1076,5 m2
Budget: € 1,5 million. Funded with €1,04 million under the Ministerio de Fomento “1,5% Cultural” program dedicated to Cultural Heritage.
Project and site management, supervision during construction: Juan Elvira, Clara Murado, Óscar López Alba (OLA Arquitectos) Manuel Cuquejo (technical architect)
Team: Eugenia Concha, Marta Colón de Carvajal (Competition), Cristina Gutiérrez Chevalier, Francesco Martone (Construction Design)
Collaborating companies: Obradoiro Enxeñeiros (Technical systems engineering), Ezequiel Fernández Grinda (Structural engineering), Orega Coviastec (Builder)
Photography: ImagenSubliminal / Miguel de Guzman+Rocio Romero
+ muradoelvira.com

[:]

e n g a w a # 23

[:es]

revista e n g a w a # 23

La entropía la describe la física como una magnitud que mide el grado de desorden de un sistema. La imagen sugerida por La Ampliadora para este número de la revista quizás evoque una alta entropía. Un sistema ordenado sólo admite una configuración posible, por tanto hay más probabilidades que un sistema esté desordenado. Si hacemos la analogía con el contenedor de portada, es más fácil pensar que éste aumente su desorden que no que espontáneamente se ordene. Resulta dudoso creer que el azar vaya a ser capaz de organizar su contenido, pero sí las emociones de aquellos a los que pertenecieron los objetos.

El apego, entendido como esa necesidad de mantener una proximidad física con aquellos a los que amamos, podría también explicar los vínculos que establecemos con aquellos objetos que han formado parte de nuestras vidas. Nos garantizan el equilibrio emocional si son capaces de volver a formar parte de nosotros en los distintos momentos de nuestro periplo vital. La obra maestra del cine americano, Ciudadano Kane de Orson Welles, gira alrededor de la palabra Rosebud, pronunciada por el enigmático Charles Foster Kane, momentos antes de dejar caer la bola de nieve al suelo, en el instante previo a morir. Durante toda la película el espectador trata de encontrar el misterioso significado a la palabra. El director mantiene el enigma hasta el final, en el que propone Rosebud como término para referirse a los objetos y juguetes utilizados para jugar, que representan la memoria de la infancia de su propietario. Los objetos representan la inocencia perdida de una infancia que nunca volverá. Kane acumula objetos en su habitación de los tesoros no sólo para contemplarlos, sino para recordar los vínculos sentimentales que los unen a sus seres más queridos.

Más allá del desorden, del deterioro o del declive que la imagen pueda mostrar, el número 23 de Engawa recoge historias de objetos, aquellos que cambian de lugar, aquellos que se olvidan y laten en un trastero suplicando una segunda oportunidad para llenar un vacío original, aquellos abandonados esparcidos por la ciudad y que no reciben nuestra atención, aquellos que forman parte de una mudanza literaria, de los propios, como se transforman y se sustituyen en ocasiones por otros nuevos, aquellos cuya memoria relatan hechos relativos a la historia, aquellos que compartimos como sociedad y hablan de cómo somos y de cómo éramos…

Por todo ello agradecemos enormemente la propuesta de la Ampliadora, escuela en la que aprender, investigar, trabajar y disfrutar con la fotografía es otra forma más de relatar historias.

Editorial

Mudanza literaria · Montse Solano

Tríptico del caos · Darío Mateo

Frippery · USO (Ludovica Marcacci Balestrazzi, Davide Masserini)

Owning in the age of sharing · Francisco Silva

Maleteros · Juan Fernando Ródenas García

Malle/Casa · Pedro Puertas Herrera

Lo inútil de la arquitectura · François Guynot de Boismenu

Un poema ilustrado · Ourania Chamilaki

Todo en su sitio · Pablo Twose Valls

Habitaciones amnésicas · Joan Alfòs

Hakanai · Paula Jaén

Pennsylvania Dwelling · Rubén Páez

Lo mío · Pau Llorca

Jinachu / Manachu · Mauricio Calvo

Copla-Ayuntamiento. Cronotopía. Eslabón · Salvador Moreno Pérez

[:gl]

revista e n g a w a # 23

A entropía descríbea a física como unha magnitude que mide o grao de desorde dun sistema. A imaxe suxerida pola Ampliadora para este número da revista quizais evoque unha alta entropía. Un sistema ordenado só admite unha configuración posible, por tanto hai máis probabilidades que un sistema estea desordenado. Se facemos a analogía co contedor de portada, é máis fácil pensar que este aumente a súa desorde que non que espontaneamente se ordene. Resulta dubidoso crer que o azar vaia a ser capaz de organizar o seu contido, pero si as emocións daqueles aos que pertenceron os obxectos.

O apego, entendido como esa necesidade de manter unha proximidade física con aqueles aos que amamos, podería tamén explicar os vínculos que establecemos con aqueles obxectos que formaron parte das nosas vidas. Garántennos o equilibrio emocional se son capaces de volver formar parte de nós nos distintos momentos do noso periplo vital. A obra mestra do cinema americano, Cidadán Kane de Orson Welles, xira ao redor da palabra Rosebud, pronunciada polo enigmático Charles Foster Kane, momentos antes de deixar caer a bóla de neve ao chan, no instante previo a morrer. Durante toda a película o espectador trata de atopar o misterioso significado á palabra. O director mantén o enigma ata o final, no que propón Rosebud como termo para referirse aos obxectos e xoguetes utilizados para xogar, que representan a memoria da infancia do seu propietario. Os obxectos representan a inocencia perdida dunha infancia que nunca volverá. Kane acumula obxectos na súa habitación dos tesouros non só para contemplalos, senón para lembrar os vínculos sentimentais que os unen aos seus seres máis queridos.

Máis aló da desorde, da deterioración ou do declive que a imaxe poida mostrar, o número 23 de Engawa recolle historias de obxectos, aqueles que cambian de lugar, aqueles que se esquecen e latexan nun rocho suplicando unha segunda oportunidade para encher un baleiro orixinal, aqueles abandonados esparexidos pola cidade e que non reciben a nosa atención, aqueles que forman parte dunha mudanza literaria, dos propios, como se transforman e substitúense en ocasións por outros novos, aqueles cuxa memoria relatan feitos relativos á historia, aqueles que compartimos como sociedade e falan de como somos e de como eramos…

Por todo iso agradecemos enormemente a proposta da Ampliadora, escola na que aprender, investigar, traballar e gozar coa fotografía é outra forma máis de relatar historias.

Editorial

Mudanza literaria · Montse Solano

Tríptico do caos · Darío Mateo

Frippery · USO (Ludovica Marcacci Balestrazzi, Davide Masserini)

Owning in the age of sharing · Francisco Silva

Maleteiros · Juan Fernando Ródenas García

Malle/Casa · Pedro Puertas Herrera

O inútil da arquitectura · François Guynot de Boismenu

Un poema ilustrado · Ourania Chamilaki

Todo no seu sitio · Pablo Twose Valls

Habitacións amnésicas · Joan Alfòs

Hakanai · Paula Jaén

Pennsylvania Dwelling · Rubén Páez

O meu · Pau Llorca

Jinachu / Manachu · Mauricio Calvo

Copla-Concelloo. Cronotopía. Elo · Salvador Moreno Pérez

[:en]

revista e n g a w a # 23

Entropy is described by physics as a magnitude that measures the degree of disorder of a system. The image suggested by La Ampliadora for this issue of the magazine may evoke high entropy. An ordered system only supports one possible configuration, so there is more chance that a system is messy. If we make the analogy with the cover container, it is easier to think that it increases its disorder than spontaneously ordered. It is doubtful to believe that chance will be able to organize its content, but the emotions of those to whom the objects belonged.

Attachment, understood as the need to maintain a physical proximity with those we love, could also explain the links we establish with those objects that have been part of our lives. They guarantee us the emotional balance if they are capable of becoming part of us in the different moments of our life journey. The masterpiece of American cinema, Citizen Kane by Orson Welles, revolves around the word Rosebud, pronounced by the enigmatic Charles Foster Kane, moments before dropping the snowball to the ground, in the instant before dying. Throughout the film the viewer tries to find the mysterious meaning of the word. The director maintains the enigma until the end, in which Rosebud proposes as a term to refer to the objects and toys used to play, which represent the memory of the childhood of its owner. The objects represent the lost innocence of a childhood that will never come back. Kane accumulates objects in his room of treasures not only to contemplate them, but to remember the sentimental ties that bind them to their loved ones.

Beyond the disorder, the deterioration or the decline that the image can show, the number 23 of Engawa collects stories of objects, those that change places, those that forget and beat in a storage room pleading for a second chance to fill an original void , those abandoned scattered around the city and who do not receive our attention, those who are part of a literary change, of their own, as they are transformed and replaced by new ones, those whose memory relates facts related to history, those that we share as a society and talk about how we are and how we were …

For all of this, we greatly appreciate the Amplifier’s proposal, a school in which learning, researching, working and enjoying photography is another way of telling stories.

Editorial

Literary moving · Montse Solano

Tríptico del caos · Darío Mateo

Triptych of chaos · USO (Ludovica Marcacci Balestrazzi, Davide Masserini)

Owning in the age of sharing · Francisco Silva

Trunk · Juan Fernando Ródenas García

Malle/House · Pedro Puertas Herrera

The uselessness of architecture · François Guynot de Boismenu

An illustrated poem · Ourania Chamilaki

Everything in place · Pablo Twose Valls

Amnesic rooms · Joan Alfòs

Hakanai · Paula Jaén

Pennsylvania Dwelling · Rubén Páez

Mine · Pau Llorca

Jinachu / Manachu · Mauricio Calvo

Copla-City Hall. Cronotopía. Eslabón · Salvador Moreno Pérez

[:]

Sobre la vida de las casas. Otra manera de ser flexibles | Javier Mozas

Christopher Cole. Casa de muñecas moderna. The Ultimate Doll's House Book. Dorling Kindersley Limited, Londres, 1994
Christopher Cole. Casa de muñecas moderna. The Ultimate Doll’s House Book. Dorling Kindersley Limited, Londres, 1994

“En esta habitación (…), la señora Moreau decidió instalar su cocina. El decorador Henry Fleury concibió para ella una instalación de vanguardia y anduvo pregonando por todas partes que sería el prototipo de las cocinas del siglo XXI: un laboratorio culinario con un avance de una generación sobre su época, dotado de los perfeccionamientos técnicos más sofisticados, equipado con hornos de ondas, placas autocalentadoras invisibles, robots electrodomésticos teledirigidos capaces de ejecutar programas complejos de preparación y cocción. (…)

La cocinera de la señora Moreau, una borgoñesa robusta, natural de Paray-le-Monial, que respondía al nombre de Gertrude, no se dejó engañar por aquellos groseros artificios y advirtió en seguida a su señora que no guisaría nada en una cocina semejante, en la que nada estaba en su sitio y nada funcionaba como ella sabía. Reclamó una verdadera cocina de gas con sus quemadores, una freidora de hierro colado, un tajo de madera y sobre todo un trastero donde poner las botellas vacías, las canastas de quesos,las cajas de fruta, los sacos de patatas, los lebrillos para lavar la verdura y el cesto de alambre para escurrir la ensalada.”

La dificultad de la arquitectura por entender la vida

Los dos párrafos de la cita anterior pertenecen al libro de Georges Perec, La vida instrucciones de uso,1 donde se apelotonan dentro de descripciones interminables y sin relación aparente, las emociones, sentimientos y vivencias acaecidas hasta el año 1975, en un inmueble de viviendas del distrito diecisiete de París.

El texto es un auténtico experimento para recrear la vida de este edificio en toda su complejidad. El propio Perec describe su novela como la visión desde la calle de todo lo que pasa en el interior de una casa de vecinos a la que se le hubiera quitado la fachada y en la que todos los aposentos fueran visibles al mismo tiempo.

Es la misma sensación que tenemos al contemplar una casa de muñecas de varios pisos con la tapa abierta. Lo que vemos es una auténtica exposición pública de la sección del edificio. Ante lo inusual de esa imagen podríamos soñar con relaciones, posibles o imposibles, recrear la secuencia de lo que ocurre a lo largo de todo un día y actuar con despreocupación infantil representando diferentes papeles y personajes.

Aunque parezca asombroso, el mercado infantil funciona de la misma manera que el de los adultos.

Es curioso, lo que ocurrió con una casa de muñecas moderna, diseñada y fabricada por el doctor Christopher Cole en los años setenta. Este médico comenzó a fabricar casas de muñecas debido a su gran interés por la arquitectura. Más tarde y una vez alcanzada la jubilación se convirtió en su afición de tiempo completo. De todas formas su casa de muñecas moderna era una casa de muñecas especial, ya que desarrollaba el concepto de flexibilidad asociado a lo moderno. Es decir una flexibilidad basada en la técnica, en artilugios móviles y modificables.

“Los suelos son extraíbles y las paredes interiores están clavadas. Su diseño permite que los niños organicen las habitaciones según los tamaños que quieran, sobre una estructura base determinada”.2

Sin embargo, los niños, como muchos de los clientes que se acercan a los despachos de los arquitectos, demostraron ser más convencionales que las apetencias arquitectónicas del doctor Cole, ya que prefirieron unas casas de muñecas de aspecto más tradicional. Por este motivo, Christopher Cole cambió sus planes y desechó la fabricación de este modelo de casa. Son muy escasos los ejemplos que quedan de este especial juguete.

El aprendizaje particular de la noción de domesticidad, es un fenómeno lento, pero no cabe duda que todo el mundo, de una manera intuitiva e innata, lleva dentro de sí la definición de lo que tiene que ser un hogar. Es una idea primitiva de refugio, de cobijo seguro y de sentirse cómodo con el espacio.

En cambio, la identificación con el carácter moderno de la arquitectura supone la existencia de un proceso cultural, que requiere esfuerzo, que no viene dado de antemano y que, muchas veces, se encuentra en contraposición con lo que habitualmente se entiende por un hogar acogedor. Desde el momento en que intervienen las convenciones culturales se pierde la espontaneidad y la arquitectura se aleja de la naturalidad de la vida.

Javier Mozas, arquitecto, a+t research group
Vitoria-Gasteiz, marzo 2016

Notas.

Georges Perec. La vida instrucciones de uso. Editorial Anagrama. 1988.

Christopher Cole: Casa de muñecas moderna. The Ultimate Doll’s House Book. Dorling Kindersley Limited, Londres, 1994. Para la versión española: El libro de las casas de muñecas. Editorial Raíces, Tolosa, Guipúzcoa, 1995.

Artículo completo en a+t 13 Vivienda y Flexibilidad II.

Arquitectos de campos de concentración | Jorge Gorostiza

Arquitectos de campos de concentración Jorge Gorostiza

Hoy cuando crece el racismo, apoyado por grupos y partidos políticos que se aprovechan del odio para conseguir adeptos y votos, hoy es fundamental recordar lo que sucedió y nadie podía creer que estaba ocurriendo, porque no se podía concebir que gente educada, perteneciente a un país avanzado, culto y europeo, ni cualquier ser humano, fuera capaz de concebir y realizar una máquina de asesinar tan monstruosa como los campos de concentración.

Hoy cuando se escribe sobre cineastas y arquitectos, como «Leni» RiefenstahlAlbert Speer, con benevolencia e incluso con admiración, no hay que olvidar que ellos y varios miles de personas más fueron culpables por acción o por omisión de este horror, que asesino a millones de personas, solo por pertenecer a una raza o tener unas creencias políticas determinadas, pero no se puede olvidar que en la actualidad otros pueden (¿podemos?) ser igualmente culpables de la situación actual.

Hay que ver otra vez el magnífico el cortometraje Noche y niebla, dirigido por Alain Resnais en 1955, en el que se habla de la responsabilidad de muchos profesionales, entre ellos los arquitectos, algunos antiguos estudiantes de la Bauhaus:

«Un campo de concentración se construye como un estadio o un gran hotel: con los inversores, estimaciones, con la competencia y sin duda, algún que otro soborno. No hay ningún estilo específico, se deja a la imaginación. Estilo alpino, estilo garaje, estilo japonés, sin estilo…

Los arquitectos diseñan tranquilamente las puertas destinadas a franquearse una sola vez. Mientras tanto, Burger, un obrero alemán; Stern, un estudiante judío en Amsterdam; Schmulski, un comerciante en Cracovia; y Anette, una estudiante en Burdeos, se ocupan de su vida cotidiana, sin saber que a mil kilómetros de sus casas ya tienen una plaza asignada.

Y el día que sus bloques están acabados, lo único que falta, son ellos».

¿Habrá hoy plazas asignadas?

Jorge Gorostiza, Doctor arquitecto.
Santa Cruz de Tenerife, julio 2018
Autor del blog Arquitectura+Cine+Ciudad

Maite Sainz de la Maza Benet – Macari de Torres Mestres · Fetdeterra | Proyectos y Productos Innovadores de Tierra

Hoy nos desplazamos hasta Lleida (Cataluña, España) para charlar con Maite Sainz de la Maza, arquitecta y Macari de Torres, ingeniero geólogo, fundadores de Fetdeterra | Proyectos y Productos Innovadores de Tierra. Son

“técnicos especialistas en arquitectura de tierra y asesores acreditados en ecoinnovación, diseño de producto y desarrollo tecnológico.”

Han trabajado con usuarios, técnicos y fabricantes desde las primeras fases del proyecto para buscar la solución que más se adapte a sus necesidades y así obtener los mejores resultados.

“Desde Fetdeterra, queremos potenciar el uso de los recursos materiales locales para la construcción sostenible, ecológica y respetuosa con el medio ambiente. Materiales 100% reciclables, de bajo coste económico y energético, que permiten la construcción de hábitats saludables y eficientes.”

Trabajan en diversas áreas de investigación y búsqueda de nuevos productos y sistemas constructivos con tierra. Además estudian las propiedades de los materiales y la composición óptima para obtener las máximas prestaciones, a la vez que tratan de abrir camino para su normalización y adaptación a la legislación actual ya que son miembros del Comité Técnico UNE-CTN 41/SC 10.

Todo este importante trabajo ha sido reconocido con diferentes galardones y distinciones tanto en bienales como premios de prestigio.

Sin más preámbulos, os dejamos la charla que mantuvimos hace unas semanas.

Maite Sainz de la Maza Benet - Macari de Torres Mestres · Fetdeterra Proyectos y Productos Innovadores de Tierra
Maite Sainz de la Maza Benet – Macari de Torres Mestres · Fetdeterra Proyectos y Productos Innovadores de Tierra.
¿Cómo se definirían Maite Sainz de la Maza y Macari de Torres?

Somos técnicos apasionados por el mundo de la construcción con tierra, con una necesidad constante de investigar e innovar en el campo de la arquitectura sostenible de tierra.

Creemos que no se puede innovar, si no se conoce y entiende el material y el sistema constructivo, es por eso que hemos estudiado, y seguimos estudiándolo desde la base, a través de ensayos de laboratorio normalizados, para poder obtener los datos objetivos que utilizaremos para comparar y mejorar el proyecto y/o producto.

Debemos dar una respuesta técnica a las necesidades actuales, adaptando el material para la construcción, y aprovechar, al mismo  tiempo, las tecnologías desarrolladas en los últimos años en el mundo de la construcción e industrialización.

¿Cómo, cuándo y por qué surge Fetdeterra | Proyectos y Productos Innovadores de Tierra?

En el 2017 creamos la empresa Fetdeterra SL, por una cuestión de crecimiento del propio negocio. Años antes ya nos especializamos en la construcción con tierra por varias razones.

Por un lado unimos nuestros conocimientos, Macari tenía mucha experiencia en obra, y como ingeniero geólogo, conocía muy bien el material, y Maite aportaba la parte más funcional y estética, como arquitecta.

Por otro lado los beneficios medioambientales y las propiedades de la tierra como la regulación de la humedad, temperatura, transpirabilidad, inercia térmica… encajaban con nuestra visión de la arquitectura sostenible para un futuro próximo.

¿Os encontrasteis con muchas dificultades? ¿Cuáles fueron las más problemáticas?

Los comienzos siempre son duros, sobre todo el hecho de tener que justificar todo aquello que sabíamos que ya funcionaba con la tierra, pues tenemos como referencia, todo el patrimonio construido con tierra que nos avala.

En los últimos años, gracias a los premios y menciones obtenidos, hemos conseguido más visibilidad y reconocimiento a nuestro trabajo, esto nos facilita el camino y nos abre nuevas puertas para seguir investigando, desarrollando nuevos proyectos más ambiciosos y de una mayor complejidad.

¿Cómo detectasteis la necesidad de este servicio?

Percibimos un aumento creciente de la demanda de una arquitectura más natural y sostenible, al mismo tiempo que, la necesidad de rehabilitar nuestro patrimonio existente de tierra, paralelamente a estas necesidades, existe los problemas del desconocimiento de la tierra como material de construcción, y la ejecución poco competitiva del sistema constructivo tradicional, estos problemas generan una serie de dudas básicas como la dosificación de la tierra, el control de calidad, las prescripciones técnicas, la justificación del Código Técnico, entre otras…

Así pues, vimos la necesidad de especializarnos en este campo, para poder ayudar a técnicos y constructores a desarrollar sus proyectos.

Más adelante como asesores acreditados en Eco-innovación, creamos el departamento de I+D+I, del que hemos obtenido productos como el bloque prefabricado de tierra cruda, Tapialblock, con el que solucionamos el problema del desconocimiento del material, la justificación de normativa y la ejecución costosa del sistema tradicional de construcción con tierra.

Tapialblock es un producto ecoinnovador desde su formulación hasta la fabricación y reutilización. Compuesto por materiales naturales 100% reciclables y fabricado con el mínimo coste energético. Pensando en la salud y beneficio para el usuario, y en la sostenibilidad para el medioambiente.

Fetdeterra: proyecto I+D+I
Fetdeterra: proyecto I+D+I.
¿Cómo es el día a día en Fetdeterra | Proyectos y Productos Innovadores de Tierra?

Trabajamos de manera coordinada, y decidimos conjuntamente las acciones y objetivos generales de la empresa, aunque cada uno desarrolla diferentes tareas, Macari supervisa el tema de laboratorio, materiales y ejecución de obra, y Maite se encarga de la redacción de los proyectos, diseño e imagen.

¿Cómo es el proceso de diseño, desarrollo y comercialización en Fetdeterra | Proyectos y Productos Innovadores de Tierra?

Básicamente nos centramos en el estudio de la vida útil del producto/proyecto para minimizar el impacto mediambiental, al mismo tiempo que, intentamos crear un impacto positivo social y económico sobre el territorio. Seguimos los criterios de economía circular de los materiales y medios existentes para desarrollar los proyecto/productos.

¿Habéis delegado funciones y os habéis centrado en partes concretas dentro de Fetdeterra | Proyectos y Productos Innovadores de Tierra?

Sí, hemos formado un equipo externo de colaboradores expertos cada uno en un campo en concreto. Nosotros filtramos todo el trabajo y decidimos como se desarrollaran los distintos proyectos según sus necesidades.

¿Cuál fue (o será) el momento crítico una vez comenzado Fetdeterra | Proyectos y Productos Innovadores de Tierra?

Para nosotros los momentos críticos son aquellos en los que existe un antes y un después, siempre desde el punto de vista positivo. En la actualidad estamos desarrollando el DAU para poder normalizar el uso de los bloques prefabricados de tierra, es un largo camino, ya que no existe normativa española que tenga en cuenta este tipo de material y producto, y esto implica una cierta complejidad en el proyecto, es por eso que creemos que cuando obtengamos el certificado, será de nuevo un punto de cambio positivo para nosotros.

Fetdeterra: proyecto de investigación
Fetdeterra: proyecto de investigación.
¿Cuáles son vuestras referencias? 

Tenemos distintos referentes que no son exclusivos del mundo de la arquitectura, pero sí que quizás, destacaríamos la labor iniciada por Miguel Fisac, en el campo de la investigación y desarrollo de productos, ese estudio y  búsqueda interminable en los límites del propio material.

¿Cómo funciona el servicio de Fetdeterra | Proyectos y Productos Innovadores de Tierra? ¿A qué segmento de clientes os dirigís?

Tenemos dos líneas de trabajo dentro de la empresa, por un lado desarrollamos proyectos de arquitectura, asesoramiento y desarrollo de proyectos de I+D+I, y por otro lado gestionamos la normalización y comercialización de los productos de tierra Tapialblock.

Nuestros clientes son técnicos y empresas vinculados a la arquitectura y la construcción,  con interés y  sensibilidad hacia la Innovación y la sostenibilidad.

¿Cómo y para qué utilizáis las “nuevas tecnologías”? ¿La “red” ha facilitado vuestra labor?

Las nuevas tecnologías son fundamentales en nuestro trabajo, gracias a las redes sociales podemos llegar a mucha gente que antes era inimaginable.

También nos facilita el trabajo, con la sistematización de procesos y la posibilidad de crear un equipo externos de colaboradores, con los que podemos trabajar conjuntamente de manera remota.

Fetdeterra: producto de tierra tapialblock
Fetdeterra: producto de tierra Tapialblock.
¿Compaginas o complementas esta actividad con otras labores o en otros campos?

Tenemos dedicación exclusiva a Fetdeterra, todo lo que hacemos está vinculado al mundo de la arquitectura de tierra.

¿Cómo veis el futuro de la arquitectura? ¿Y el de la profesión?

Apreciamos un cambio en la arquitectura y en la visión de los propios arquitectos, vemos una tendencia a simplificar y uniformizar la utilización de materiales para la construcción, al igual que el aumento de la valoración de aquellos materiales más simples y naturales, sin revestimientos.

¿Qué mejoras creéis que son fundamentales y que deberían ser puestas en marcha de forma inmediata?

En el mundo de la arquitectura, se tendría que tener en cuenta la vida útil de los materiales que se han utilizado y se están utilizando en la actualidad, no solo el coste energético de su fabricación, sino también pensando en su final, y las consecuencias para el medioambiente,

¿Cómo se gestionarán esta diversidad de materiales industrializados, para que no cause un impacto negativo sobre el medioambiente?

Fetdeterra: proyecto arquitectura de tierra.
Fetdeterra: proyecto arquitectura de tierra.
Como “emprendedores” ¿qué opináis de los arquitectos que “abren y/o recuperan” nuevos campos y/o enfoques de la profesión?

Creemos que la especialización es el futuro, es la manera de conocer en profundidad un campo/tema para poder diferenciarte y ser un referente.

¿Estáis contentos con la trayectoria realizada hasta ahora? ¿Qué proyectos de futuro os esperan?

Estamos encantados. Vemos que tenemos un futuro y un largo camino aun para explorar.

Esperamos seguir investigando y desarrollando nuevos proyectos más ambiciosos y con un grado aún mayor de complejidad, es lo que más nos motiva, es la sensación de estar evolucionando al mismo tiempo que seguimos innovando en la búsqueda de una arquitectura más natural y sostenible.

Para acabar, ¿qué les aconsejaríais a los actuales estudiantes y futuros profesionales de arquitectura?

Una buena salida para estudiantes y futuros arquitectos, es especializarse dentro del mundo de la arquitectura. Especializarse en aquello que tengan el conocimiento y les apasione.

Fetdeterra: proyecto arquitectura y producto de tierra Tapialblock.
Fetdeterra: proyecto arquitectura y producto de tierra Tapialblock.

Maite Sainz de la Maza Benet – Macari de Torres Mestres · Fetdeterra | Proyectos y Productos Innovadores de Tierra 
Enero, 2019

Entrevista realizada por Ana Barreiro Blanco y Alberto Alonso Oro. Agradecer a Maite y Macari tiempo y predisposición con este pequeño espacio.

[:es]Escuela infantil Santa Susana | ARKB-Arrokabe arquitectos[:gl]Escola infantil Santa Susana | ARKB-Arrokabe arquitectos[:en]Escuela infantil Santa Susana | ARKB-Arrokabe arquitectos[:]

[:es]

Escuela infantil Santa Susana ARKB-Arrokabe arquitectos o1 His

Antecedentes. Estado original.

La escuela infantil ocupa un edificio de Antonio Palacios construido en 1908, el “Pabellón de recreo artístico e industrial”, promovido por la sociedad del mismo nombre y que fue inaugurado coincidiendo con la Exposición Regional Gallega de 1909 de la que formó parte.

El edificio contaba únicamente con dos plantas: sobre el zócalo, ciego únicamente hacia la fachada principal, se ubicaba una amplia sala de fiestas que ocupaba el volumen completo hasta la cubierta.

Escuela infantil Santa Susana ARKB-Arrokabe arquitectos o2 His

El edificio se caracterizaba por la presencia de grandes carpinterías de madera, una cubierta metálica que contaba con un cuerpo central de geometría curva y estatuas sobre pedestales en las esquina superiores de la edificación y flanqueando el acceso principal.

Modificaciones. Estado actual.

Actualmente su uso es el de Escuela infantil. A lo largo del siglo XX el edificio sufrió dos remodelaciones:

– Se eliminaron algunos  elementos de ornamentación como las estatuas y se sustituyó la cubierta por una nueva resuelta con teja cerámica a cuatro aguas que, en su encuentro con los paramentos verticales se completó con un peto de fábrica de ladrillo.

– Se añadió un nuevo forjado que dividía en dos niveles lo que originalmente fue el gran espacio del salón, esta decisión hizo que el volumen de comunicación vertical, resuelto en la fachada trasera, creciera en altura para acoger los últimos tramos de la escalera y que las grandes carpinterías que definían la fachada principal y las laterales quedaran divididas cada una de ellas en dos por el canto del nuevo forjado. Gran parte de las nuevas carpinterías se resolvieron el aluminio con partelunas.

La cubierta de la pieza de comunicación vertical se resolvió también a tres aguas con teja y pasó a ser una continuación de la edificación principal alterando por completo la concepción inicial de pieza de servicio desvinculada del volumen principal.

Solución adoptada.

El encargo era la rehabilitación del edificio manteniendo el uso de escuela infantil y adaptando sus espacios a las necesidades del programa definido por la normativa actual y sus condiciones técnicas a los estándares deseables.

Se resuelve en zinc la nueva cubierta y los petos de fachada tratándolos como una prolongación de ésta. Se recupera, así, la materialidad original y se corrige la imagen de “cubierta plana” que mostraba tras las reformas permitiendo la lectura clara de los pedestales que sirvieron de base para las estatuas. Se proyectan gárgolas, también de zinc, que funcionarán como rebosaderos de las nuevas bajantes.

Escuela infantil Santa Susana ARKB-Arrokabe arquitectos o20

Las exigencias del programa de escuela infantil no permitían eliminar el forjado de planta segunda y recuperar el espacio de la gran sala con la que la cubierta se relacionaba en términos de escala y proporción. Se desechó, por tanto, la posibilidad de recuperar el volumen original y se recortó el forjado de planta segunda retranqueándolo de los cerramientos laterales y la fachada principal. Se recupera, así, la lectura de la altura con la que contaba inicialmente la gran sala, se liberan las carpinterías que se encontraban divididas y se permiten vistas cruzadas sin interrupción del forjado a través del edificio en sus esquinas.

Se incorpora una suerte de segunda fachada resuelta con entablado de madera formada por el falso techo en el perímetro de la cubierta, el remate vertical (encuentro del cerramiento sur en sus límites este-oeste), el nuevo borde del forjado de planta segunda y el revestimiento de los tabiques interiores del vestíbulo. Este vestíbulo, iluminado cenitalmente por dos lucernarios en cubierta, incorpora una relación directa con la planta segunda a través de la doble altura y una discreta conexión que, a través de dos prismas acristalados, anuncia la presencia de una planta inferior (planta baja – zócalo) e introduce luz en ella.

En relación a la pieza de comunicación vertical, la necesidad de mantener el acceso a la segunda planta y la incorporación del ascensor hacían imposible reducir su volumen. Mediante la modificación del plano de cubierta y el nuevo revestimiento de madera termotratada se recupera la autonomía de dicha construcción respecto al volumen principal y se incorporan líneas compositivas que presentan una narración que remite al volumen original de la pieza y su posterior modificación.

Se eliminan los antepechos inferiores resueltos con fábrica y se sustituyen las carpinterías por unas nuevas resueltas en madera basadas en el diseño original.

Obra: Escuela infantil Santa Susana
Situación: Paseo da Ferradura, s/n. Parque de la Alameda. Ciudad Histórica de Santiago de Compostela. España
Año: 2018
Autores: ARROKABE Arquitectos SLP (Óscar Andrés Quintela y Iván Andrés Quintela)
Colaborador: INOUS Enxeñería Global (Instalaciones), Mecanismo Ingeniería (Estructuras), Aina Sellés (Arquitecta colaboradora)
Promotor: Xunta de Galicia. Consellería de Política Social
Empresa Constructora: Empresa de Transformación Agraria. Tragsa
Arquitecto Técnico: Benito José Calvo Castro
Presupuesto de ejecución por administración: 1.096.582,75 €
Superficie: Edificio cerrado: 698,50 m2 – Espacios exteriores: 150,95 m2
Fotografías: ARROKABE Arquitectos SLP | Luis Díaz Díaz
+ arrokabe.com

[:gl]

Escuela infantil Santa Susana ARKB-Arrokabe arquitectos o1 His

Antecedentes. Estado orixinal.

A escola infantil ocupa un edificio de Antonio Palacios construído en 1908, o “Pavillón de recreo artístico e industrial”, promovido pola sociedade do mesmo nome e que foi inaugurado coincidindo coa Exposición Rexional Galega de 1909 da que formou parte.

O edificio contaba unicamente con dúas plantas: sobre o zócalo, cego unicamente cara á fachada principal, situábase unha ampla sala de festas que ocupaba o volume completo ata a cuberta.

Escuela infantil Santa Susana ARKB-Arrokabe arquitectos o2 His

O edificio caracterizábase pola presenza de grandes carpinterías de madeira, unha cuberta metálica que contaba cun corpo central de xeometría curva e estatuas sobre pedestais nas esquina superiores da edificación e flanqueando o acceso principal.

Modificacións. Estado actual.

Actualmente o seu uso é o de Escola infantil. Ao longo do século XX o edificio sufriu dúas remodelacións:

– Elimináronse algúns elementos de ornamentación como as estatuas e substituíuse a cuberta por unha nova resolta con tella cerámica a catro augas que, no seu encontro cos paramentos verticais completouse cun peto de fábrica de ladrillo.

– Engadiuse un novo forxado que dividía en dous niveis o que orixinalmente foi o gran espazo do salón, esta decisión fixo que o volume de comunicación vertical, resolvido na fachada traseira, crecese en altura para acoller os últimos tramos da escaleira e que as grandes carpinterías que definían a fachada principal e as laterais quedasen divididas cada unha delas en dúas polo canto do novo forxado. Gran parte das novas carpinterías resolvéronse o aluminio con partelunas.

A cuberta da peza de comunicación vertical resolveuse tamén a tres augas con tella e pasou a ser unha continuación da edificación principal alterando por completo a concepción inicial de peza de servizo desvinculada do volume principal.

Solución adoptada.

O encargo era a rehabilitación do edificio mantendo o uso de escola infantil e adaptando os seus espazos ás necesidades do programa definido pola normativa actual e as súas condicións técnicas aos estándares desexables.

Resólvese en zinc a nova cuberta e os petos de fachada tratándoos como unha prolongación desta. Recupérase, así, a materialidad orixinal e corríxese a imaxe de “cuberta plana” que mostraba tras as reformas permitindo a lectura clara dos pedestais que serviron de base para as estatuas. Proxéctanse gárgolas, tamén de zinc, que funcionarán como rebosaderos das novas bajantes.

Escuela infantil Santa Susana ARKB-Arrokabe arquitectos o20

As esixencias do programa de escola infantil non permitían eliminar o forxado de planta segunda e recuperar o espazo da gran sala coa que a cuberta se relacionaba en termos de escala e proporción. Refugouse, por tanto, a posibilidade de recuperar o volume orixinal e recortouse o forxado de planta segunda retranqueándolo dos cerramentos laterais e a fachada principal. Recupérase, así, a lectura da altura coa que contaba inicialmente a gran sala, libéranse as carpinterías que se atopaban divididas e permítense vistas cruzadas sen interrupción do forxado a través do edificio nas súas esquinas.

Incorpórase unha sorte de segunda fachada resolta con establecido de madeira formada polo falso teito no perímetro da cuberta, o remate vertical (encontro do cerramento sur nos seus límites este-oeste), o novo bordo do forxado de planta segunda e o revestimento dos tabiques interiores do vestíbulo. Este vestíbulo, iluminado cenitalmente por dous lucernarios en cuberta, incorpora unha relación directa coa planta segunda a través da dobre altura e unha discreta conexión que, a través de dous prismas acristalados, anuncia a presenza dunha planta inferior (planta baixa – zócalo) e introduce luz nela.

En relación á peza de comunicación vertical, a necesidade de manter o acceso á segunda planta e a incorporación do ascensor facían imposible reducir o seu volume. Mediante a modificación do plano de cuberta e o novo revestimento de madeira termotratada recupérase a autonomía da devandita construción respecto ao volume principal e incorpóranse liñas compositivas que presentan unha narración que remite ao volume orixinal da peza e a súa posterior modificación.

Elimínanse os antepechos inferiores resoltos con fábrica e substitúense as carpinterías por unhas novas resoltas en madeira baseadas no deseño orixinal.

Obra: Escola infantil Santa Susana
Situación: Paseo da Ferradura, s/n. Parque da Alameda. Cidade Histórica de Santiago de Compostela. España
Ano: 2018
Autores: ARROKABE Arquitectos SLP (Óscar Andrés Quintela y Iván Andrés Quintela)
Colaborador: INOUS Enxeñería Global (Instalacións), Mecanismo Enxeñería (Estruturas), Aina Sellés (Arquitecta colaboradora)
Promotor: Xunta de Galicia. Consellería de Política Social
Empresa Construtora: Empresa de Transformación Agraria. Tragsa
Arquitecto Técnico: Benito José Calvo Castro
Orzamento de execución por administración: 1.096.582,75 €
Superficie: Edificio pechado: 698,50 m2 – Espazos exteriores: 150,95 m2
Fotografías: ARROKABE Arquitectos SLP | Luis Díaz Díaz
+ arrokabe.com

[:en]

Escuela infantil Santa Susana ARKB-Arrokabe arquitectos o1 His

Antecedentes. Estado original.

La escuela infantil ocupa un edificio de Antonio Palacios construido en 1908, el “Pabellón de recreo artístico e industrial”, promovido por la sociedad del mismo nombre y que fue inaugurado coincidiendo con la Exposición Regional Gallega de 1909 de la que formó parte.

El edificio contaba únicamente con dos plantas: sobre el zócalo, ciego únicamente hacia la fachada principal, se ubicaba una amplia sala de fiestas que ocupaba el volumen completo hasta la cubierta.

Escuela infantil Santa Susana ARKB-Arrokabe arquitectos o2 His

El edificio se caracterizaba por la presencia de grandes carpinterías de madera, una cubierta metálica que contaba con un cuerpo central de geometría curva y estatuas sobre pedestales en las esquina superiores de la edificación y flanqueando el acceso principal.

Modificaciones. Estado actual.

Actualmente su uso es el de Escuela infantil. A lo largo del siglo XX el edificio sufrió dos remodelaciones:

– Se eliminaron algunos  elementos de ornamentación como las estatuas y se sustituyó la cubierta por una nueva resuelta con teja cerámica a cuatro aguas que, en su encuentro con los paramentos verticales se completó con un peto de fábrica de ladrillo.

– Se añadió un nuevo forjado que dividía en dos niveles lo que originalmente fue el gran espacio del salón, esta decisión hizo que el volumen de comunicación vertical, resuelto en la fachada trasera, creciera en altura para acoger los últimos tramos de la escalera y que las grandes carpinterías que definían la fachada principal y las laterales quedaran divididas cada una de ellas en dos por el canto del nuevo forjado. Gran parte de las nuevas carpinterías se resolvieron el aluminio con partelunas.

La cubierta de la pieza de comunicación vertical se resolvió también a tres aguas con teja y pasó a ser una continuación de la edificación principal alterando por completo la concepción inicial de pieza de servicio desvinculada del volumen principal.

Solución adoptada.

El encargo era la rehabilitación del edificio manteniendo el uso de escuela infantil y adaptando sus espacios a las necesidades del programa definido por la normativa actual y sus condiciones técnicas a los estándares deseables.

Se resuelve en zinc la nueva cubierta y los petos de fachada tratándolos como una prolongación de ésta. Se recupera, así, la materialidad original y se corrige la imagen de “cubierta plana” que mostraba tras las reformas permitiendo la lectura clara de los pedestales que sirvieron de base para las estatuas. Se proyectan gárgolas, también de zinc, que funcionarán como rebosaderos de las nuevas bajantes.

Escuela infantil Santa Susana ARKB-Arrokabe arquitectos o20

Las exigencias del programa de escuela infantil no permitían eliminar el forjado de planta segunda y recuperar el espacio de la gran sala con la que la cubierta se relacionaba en términos de escala y proporción. Se desechó, por tanto, la posibilidad de recuperar el volumen original y se recortó el forjado de planta segunda retranqueándolo de los cerramientos laterales y la fachada principal. Se recupera, así, la lectura de la altura con la que contaba inicialmente la gran sala, se liberan las carpinterías que se encontraban divididas y se permiten vistas cruzadas sin interrupción del forjado a través del edificio en sus esquinas.

Se incorpora una suerte de segunda fachada resuelta con entablado de madera formada por el falso techo en el perímetro de la cubierta, el remate vertical (encuentro del cerramiento sur en sus límites este-oeste), el nuevo borde del forjado de planta segunda y el revestimiento de los tabiques interiores del vestíbulo. Este vestíbulo, iluminado cenitalmente por dos lucernarios en cubierta, incorpora una relación directa con la planta segunda a través de la doble altura y una discreta conexión que, a través de dos prismas acristalados, anuncia la presencia de una planta inferior (planta baja – zócalo) e introduce luz en ella.

En relación a la pieza de comunicación vertical, la necesidad de mantener el acceso a la segunda planta y la incorporación del ascensor hacían imposible reducir su volumen. Mediante la modificación del plano de cubierta y el nuevo revestimiento de madera termotratada se recupera la autonomía de dicha construcción respecto al volumen principal y se incorporan líneas compositivas que presentan una narración que remite al volumen original de la pieza y su posterior modificación.

Se eliminan los antepechos inferiores resueltos con fábrica y se sustituyen las carpinterías por unas nuevas resueltas en madera basadas en el diseño original.

Obra: Escuela infantil Santa Susana
Situación: Paseo da Ferradura, s/n. Parque de la Alameda. Ciudad Histórica de Santiago de Compostela. España
Año: 2018
Autores: ARROKABE Arquitectos SLP (Óscar Andrés Quintela y Iván Andrés Quintela)
Colaborador: INOUS Enxeñería Global (Instalaciones), Mecanismo Ingeniería (Estructuras), Aina Sellés (Arquitecta colaboradora)
Promotor: Xunta de Galicia. Consellería de Política Social
Empresa Constructora: Empresa de Transformación Agraria. Tragsa
Arquitecto Técnico: Benito José Calvo Castro
Presupuesto de ejecución por administración: 1.096.582,75 €
Superficie: Edificio cerrado: 698,50 m2 – Espacios exteriores: 150,95 m2
Fotografías: ARROKABE Arquitectos SLP | Luis Díaz Díaz
+ arrokabe.com

[:]

[:es]Verner Panton. De Ida Engholm y Anders Michelson[:gl]Verner Panton. De Ida Engholm e Anders Michelson[:en]Verner Panton. From Ida Engholm and Anders Michelson[:]

[:es]

Verner Panton. De Ida Engholm y Anders Michelson

Verner Panton documenta la asombrosa versatilidad de uno de los diseñadores más influyentes y reconocibles de la posguerra. Con su personalidad inspiradora y extravagante, fue a la vez un catalizador y protagonista de la revolución del diseño en los años sesenta.

Panton se distanció de la tradición escandinava de los muebles de teca hechos a mano y abogó por el uso de materiales y procesos innovadores, entre ellos plásticos de colores, fibra de vidrio, tejidos sintéticos y producción industrial en masa. Por sus experimentos fue tildado de rebelde y soñador, pero fue precisamente el rechazo a las normas establecidas lo que le valió el aplauso de la crítica como un auténtico pionero del diseño de mitad de siglo cuyas creaciones futuristas se convertirían en imperecederos iconos de la cultura pop.

Aunque ha sido reconocido eminentemente por sus muebles, este suntuoso libro muestra lo amplia y ambiciosa que era la obra de Panton, desdibujando los límites entre diseño, arte e intervención. El diseñador creó conceptos totalmente nuevos de iluminación, tejidos e interiorismo y desarrolló conceptos fascinantes de color y teoría de sistemas, lo cual generó una inagotable variedad de exquisitos patrones gráficos, a menudo asociados a los interiores psicodélicos de los sesenta y los setenta.

Creado en estrecha colaboración con la Fundación Verner Panton, este volumen abarca toda la obra del diseñador. Este tesoro escondido, con una atractiva sobrecubierta abstracta, contiene abundantes imágenes que incluyen bocetos a mano de Panton, fotografías personales y anuncios de su archivo oficial. Entre las obras figuran Cone Chair (1958-60), que atrajo a tanta gente al escaparate de una tienda de la Quinta Avenida que la policía de Nueva York se vio obligada a ordenar su retirada; Fun/Shell Lamp (1964), que consiste en numerosos discos hechos de concha y suspendidos con cadenas metálicas que pueden combinarse de infinitas maneras; Living Tower (1968), que ofrece varias maneras alternativas de sentarse y socializar; y Panton Chair (1958-67) –más conocida como la ‘Silla S’–, que compartió portada en Vogue con Kate Moss y desde entonces es considerada ‘la silla más sexy de todos los tiempos’. Una cronología exhaustiva e ilustrada que incluye muchos proyectos no realizados completa esta monografía de bella factura.

Como dijo Panton en una ocasión, ‘el objetivo principal’ de su trabajo era ‘que la gente use la imaginación’, un deseo normalmente más asociado a artistas o escritores que a diseñadores de muebles. Sin embargo, este asombroso estudio deja claro que Panton no era solo un diseñador, sino un gran pensador que inspiró nuevas maneras de vivir. Con su singular mezcla de imágenes sorprendentes y textos estimulantes, este lujoso tomo es obligado para aficionados al diseño y admiradores de la espectacular obra de Verner Panton.

Notas a los editores.

Ida Engholm es profesora adjunta de la Real Academia Danesa de Bellas Artes.

Ander Michelsen es profesor adjunto de la Universidad de Copenhague.

[:gl]

Verner Panton. De Ida Engholm y Anders Michelson

Verner Panton documenta a asombrosa versatilidade dun dos deseñadores máis influentes e reconocibles da posguerra. Coa súa personalidade inspiradora e extravagante, foi á vez un catalizador e protagonista da revolución do deseño nos anos sesenta.

Panton distanciouse da tradición escandinava dos mobles de teca feitos a man e avogou polo uso de materiais e procesos innovadores, entre eles plásticos de cores, fibra de vidro, tecidos sintéticos e produción industrial en masa. Polos seus experimentos foi tachado de rebelde e soñador, pero foi precisamente o rexeitamento ás normas establecidas o que lle valeu o aplauso da crítica como un auténtico pioneiro do deseño de metade de século cuxas creacións futuristas converteríanse en imperecedoiras iconas da cultura pop.

Aínda que foi recoñecido eminentemente polos seus mobles, este suntuoso libro mostra o ampla e ambiciosa que era a obra de Panton, desdibujando os límites entre deseño, arte e intervención. O deseñador creou conceptos totalmente novos de iluminación, tecidos e interiorismo e desenvolveu conceptos fascinantes de cor e teoría de sistemas, o cal xerou unha inesgotable variedade de exquisitos patróns gráficos, a miúdo asociados aos interiores psicodélicos dos sesenta e os setenta.

Creado en estreita colaboración coa Fundación Verner Panton, este volume abarca toda a obra do deseñador. Este tesouro escondido, cunha atractiva sobrecubierta abstracta, contén abundantes imaxes que inclúen bosquexos a man de Panton, fotografías persoais e anuncios do seu arquivo oficial. Entre as obras figuran Cone Chair (1958-60), que atraeu a tanta xente ao escaparate dunha tenda da Quinta Avenida que a policía de Nova York viuse obrigada a ordenar a súa retirada; Fun/Shell Lamp (1964), que consiste en numerosos discos feitos de cuncha e suspendidos con cadeas metálicas que poden combinarse de infinitas maneiras; Living Tower (1968), que ofrece varias maneiras alternativas de sentar e socializar; e Panton Chair (1958-67) –máis coñecida como a ‘Cadeira S’–, que compartiu portada en Vogue con Kate Moss e desde entón é considerada ‘a cadeira máis sexy de todos os tempos’. Unha cronoloxía exhaustiva e ilustrada que inclúe moitos proxectos non realizados completa esta monografía de bela factura.

Como dixo Panton nunha ocasión, ‘o obxectivo principal’ do seu traballo era ‘que a xente use a imaxinación’, un desexo normalmente máis asociado a artistas ou escritores que a deseñadores de mobles. Con todo, este asombroso estudo deixa claro que Panton non era só un deseñador, senón un gran pensador que inspirou novas maneiras de vivir. Coa súa singular mestura de imaxes sorprendentes e textos estimulantes, este luxoso tomo é obrigado para afeccionados ao deseño e admiradores da espectacular obra de Verner Panton.

Notas os editores.

Ida Engholm é profesora adxunta da Real Academia Danesa de Belas Artes.

Ander Michelsen é profesor adxunto da Universidade de Copenhague.

[:en]

Verner Panton. De Ida Engholm y Anders Michelson

Verner Panton documents the amazing versatility of one of the most influential and recognizable designers of the postwar period. With his inspiring and extravagant personality, he was at the same time a catalyst and protagonist of the design revolution in the sixties

Panton distanced itself from the Scandinavian tradition of handmade teak furniture and advocated the use of innovative materials and processes, including colored plastics, fiberglass, synthetic fabrics and mass industrial production. For his experiments he was branded as rebellious and dreamer, but it was precisely the rejection of established norms that earned him the applause of criticism as a true pioneer of half-century design whose futuristic creations would become imperishable icons of pop culture.

Although it has been eminently recognized for its furniture, this sumptuous book shows how broad and ambitious Panton’s work was, blurring the boundaries between design, art and intervention. The designer created entirely new concepts of lighting, textiles and interior design and developed fascinating concepts of color and systems theory, which generated an inexhaustible variety of exquisite graphic patterns, often associated with the psychedelic interiors of the sixties and seventies.

Created in close collaboration with the Verner Panton Foundation, this volume covers the entire work of the designer. This hidden treasure, with an attractive abstract dust jacket, contains abundant images that include Panton’s hand sketches, personal photographs and announcements from its official archive. Among the works are Cone Chair (1958-60), which attracted so many people to the shop window of a Fifth Avenue store that the NYPD was forced to order its withdrawal; Fun/Shell Lamp (1964), consisting of numerous discs made of shell and suspended with metal chains that can be combined in infinite ways; Living Tower (1968), which offers several alternative ways of sitting and socializing; and Panton Chair (1958-67) -more known as the ‘S-Chair’-, which shared cover in Vogue with Kate Moss and since then is considered ‘the sexiest chair of all time’. An exhaustive and illustrated chronology that includes many unfinished projects completes this beautifully written monograph.

As Panton said on one occasion, ‘the main objective’ of his work was ‘for people to use their imagination’, a desire normally associated more with artists or writers than with furniture designers. However, this amazing study makes it clear that Panton was not just a designer, but a great thinker who inspired new ways of living. With its unique mix of surprising images and stimulating texts, this luxurious tome is a must for design aficionados and admirers of the spectacular work of Verner Panton.

Notes to the editors.

Ida Engholm is an associate professor at the Royal Danish Academy of Fine Arts.

Ander Michelsen is an assistant professor at the University of Copenhagen.

[:]

[:es]El dibrujo | Sergio de Miguel[:gl]O dibruxo | Sergio de Miguel[:en]The dibrujo | Sergio de Miguel[:]

[:es]

Escalera
Escalera

«En manos del arquitecto, el lápiz constituye un puente entre la mente que imagina y la imagen que aparece en la hoja de papel; en el éxtasis del trabajo, el dibujante olvida tanto su mano como el lápiz y la imagen emerge como si fuera una proyección automática de la mente que imagina; o quizá sea la mano la que verdaderamente imagina en tanto que existe en la vida del mundo, la realidad del espacio, materia y tiempo, la condición física misma del objeto imaginado.»

Juhani Pallasmaa, –La mano que piensa-.

Las destrezas, la inteligencia creativa y las capacidades conceptuales de todo aquel que busca satisfacer un resultado físico pasan siempre por el canal de nuestra extremidad más preparada, más hábil y capaz, y allí se produce una suerte de traducción mágica, inesperada. Emerge una fascinación, una atracción incontrolada, un hechizo que traslada la atención, y disloca el significado.

Debajo del dibujo de la mano atenta hay mucho más que una representación. Aparecen códigos de interpretación que surgen de la memoria y de esa sabiduría que, efectivamente, es existencial pero también corporal. La mano detenta un poder de transformación y figuración inmenso.

El lápiz dibuja no sólo lo que ve, también lo que se puede llegar a ver, más allá de lo inmediato. Y esa generosa amplitud provoca que la mano y su dibujo sean capaces de alterar el ánimo y la intención.

A veces, muchas veces, da la sensación de que el dibujo no naciera de la mente del que lo realiza. Pareciera que tuviera vida propia y surgiera de un lugar no reconocible. Pero la mano, es palpable, ha sido quien lo ha producido. Sus movimientos, podríamos pensar que inconscientes, han derivado en un producto tan esencial como asombroso.

Está ahí y su lectura y traducción pueden llevar a nuevas reflexiones y sensaciones. No sé sabe porqué, pero dice cosas que antes de aparecer ese dibujo no estaban.

De nuestra capacidad de sorpresa y embrujo ante lo que trasluce la mano depende nuestro poder de transformación.

No en vano el verbo dibujar viene del francés «deboisser», literalmente -labrar en madera-. Y de ahí se ha venido a conjugar todo lo relacionado con debastar, esbozar, esculpir… y obrar.

Cuánta madera.

Sergio de Miguel, Doctor arquitecto
Madrid, noviembre 2017
Publicado en Grupo docente y de investigación para la arquitectura Grupo 4! de la ETSAM.

[:gl]

Escalera
Escada

«En mans do arquitecto, o á piz constitúe unha ponte entre a mente que imaxina e a imaxe que aparece na folla de papel; na éxtase do traballo, o debuxante esquece tanto a súa man como o lapis e a imaxe emerxe coma se fose unha proxección automática da mente que imaxina; ou quizá sexa a man a que verdadeiramente imaxina en tanto que existe na vida do mundo, a realidade do espazo, materia e tempo, a condición física mesma do obxecto imaxinado.»

Juhani Pallasmaa, –A man que pensa-.

As destrezas, a intelixencia creativa e as capacidades conceptuais de todo aquel que busca satisfacer un resultado físico pasan sempre pola canle da nosa extremidade máis preparada, máis hábil e capaz, e alí prodúcese unha sorte de tradución máxica, inesperada. Emerxe unha fascinación, unha atracción incontrolada, un feitizo que traslada a atención, e disloca o significado.

Debaixo do debuxo da man atenta hai moito máis que unha representación. Aparecen códigos de interpretación que xorden da memoria e desa sabedoría que, efectivamente, é existencial pero tamén corporal. A man detenta un poder de transformación e figuración inmenso.

O lapis debuxa non só o que ve, tamén o que se pode chegar a ver, máis aló do inmediato. E esa xenerosa amplitude provoca que a man e o seu debuxo sexan capaces de alterar o ánimo e a intención.

Ás veces, moitas veces, dá a sensación de que o debuxo non nacese da mente do que o realiza. Parecese que tivese vida propia e xurdise dun lugar non reconocible. Pero a man, é palpable, foi quen o produza. Os seus movimentos, poderiamos pensar que inconscientes, derivaron nun produto tan esencial como asombroso.

Está aí e a súa lectura e tradución poden levar a novas reflexións e sensacións. Non sei sabe porqué, pero di cousas que antes de aparecer ese debuxo non estaban.

Da nosa capacidade de sorpresa e encanto ante o que trasluce a man depende o noso poder de transformación.

Non en balde o verbo debuxar vén do francés «deboisser», literalmente -labrar en madeira-. E de ahií veuse a conxugar todo o relacionado con debastar, esbozar, esculpir… e obrar.

Canta madeira.

Sergio de Miguel, Doutor arquitecto
Madrid, novembro 2017
Publicado en Grupo docente e de investigación para a arquitectura Grupo 4! da ETSAM.

[:en]

Escalera
Stairs

«In hands of the architect, the la’piz constitutes a bridge between the mind that he imagines and the image that appears in the leaf of paper; in the ecstasy of the work, the draftsman forgets both his hand and the pencil and the image emerges as if it was an automatic projection of the mind that he imagines; or probably it is the hand the one that really he imagines while it exists in the life of the world, the reality of the space, matter and time, the physical condition itself of the imagined object.»

Juhani Pallasmaa, –The hand that he thinks-.

The skills, the creative intelligence and the conceptual capacities of everything that one that seeks to satisfy a result fi’sico spend always for the channel of our most prepared, more skilful and capable extremity, and there there takes place a luck of magic, unexpected translation. It emerges a fascination, an uncontrolled attraction, a charm that the atencio’n moves, and dislocates the meaning.

Under the drawing of the attentive hand it is much more than a representation. There appear codes of interpretation that arise from the memory and of this wisdom that, really, is existential but also corporal. The hand holds an immense power of transformation and imagination.

The pencil draws not only what sees, also what it is possible to manage to see, beyond the immediate thing. And this generous extent provokes that the hand and his drawing are capable of altering the spirit and the intention.

Sometimes, often, it gives the sensation that the drawing was not born of the mind of the one that realizes it. It seemed that it had own life and was arising from a not recognizable place. But the hand, it is palpable, has been the one who has produced it. His movements, we might think that unconscious, they have derived in a product so essential as amazing.

It is there and his reading and translation they can lead to new reflections and sensations. Do not be know porqué, but he says things that before this drawing appears were not.

On our capacity of surprise and spell before what it reveals the hand our power of transformation depends.

Not uselessly the verb to draw comes from the Frenchman «deboisser«, literally – to work in wood-. And of ahií one has come to bring together everything related with debastar, to outline, esculpir … and to act.

What a lot of wood.

Sergio de Miguel, PhD architect
Madrid, november 2017
Published in educational Group and of investigation for the architecture Group 4! Of the ETSAM.

[:]

Autoorganización y Cibernética | Miquel Lacasta

Autoorganización y Cibernética. Miquel Lacasta. Cartel de apertura de la exposición Cybernetic Serendipity inaugurada en el ICA de Londres en 1968 y comisariada por Jasia Reichardt
Autoorganización y Cibernética | Miquel Lacasta | Cybernetic Serendipity, inaugurada en el ICA de Londres en 1968 y comisariada por Jasia Reichardt
Autoorganización (y Cibernética)

Últimamente la noción de autoorganización ha tomado un cierto protagonismo en la concepción de la ciudad y la arquitectura, quizás a rebufo de la situación político/social actual. En cierto sentido puede sonar a quimera el hecho de que tanto, objetos como personas, tengan una tendencia hacia una organización no programada de antemano. Es más, sospecho que es una idea que pone especialmente nerviosos a aquellos que tienen como misión el control y el castigo, uno de los pilares de nuestra sociedad.

Lejos de banalizar el término, y asumiendo que la tecnología nos acerca cada vez más a modelos organizados de forma mucho más compleja, tanto la idea de autoorganización como la de cibernética, término madre de la idea de interacción,  deberían formar parte de nuestro vocabulario. El papel del arquitecto, tan cuestionado hoy, tendría que leerse como un estratega de dispositivos, tanto conceptuales como objetuales, que tuvieran siempre un final abierto, de forma que permitiera a la sociedad dar su última palabra en positivo a partir de un modelo interactivo. Algo así como dar una oportunidad a que nuestros diseños se impliquen de forma plena en el quehacer diario de la gente, y que a su vez, desde ese uso, poder mejorarlos.

La idea es que si pudiéramos incorporar más estrategia y menos sobre diseño, quizás conseguiríamos una cierta dosis de interactividad en nuestras ciudades a partir de sistemas abiertos y autoorganizados. Es por eso que me parece importante ir a las fuentes del concepto de autoorganización y de cibernética, que como veremos están íntimamente relacionados.

Mientras la noción de espontaneidad es muy antigua, esta solamente cristalizó en el término autoorganización en los años posteriores a la segunda guerra mundial en los círculos conectados al movimiento cibernético que aglutinaba un variopinto grupo de investigadores como el matemático Norbert Wiener, autor del libro Cybernetics or Control and Communication in the Animal and the Machine,1 el también matemático de origen húngaro John von Neumann, que entre otras investigaciones propuso la arquitectura de las computadoras tal y como se conoce ahora, el ingeniero y matemático Claude Shannon, que definió los conceptos matemáticos de la teoría de la comunicación, el autodidacta Stafford Beer, creador del Viable System Model, el físico Heinz von Foerster, autor de la teoría del constructivismo radical y de la cibernética de segundo orden, el antropólogo y lingüista Gregory Bateson, que en 1972 recopiló sus estudios en el influyente libro Steps to an Ecology of Mind: Collected Essays in Anthropology, Psychiatry, Evolution, and Epistemology2 y el reseñado en esta investigación Gordon Pask.

La primera aparición del término autoorganización surgió en 1947 en unos papeles del psiquiatra William Ross Ashby3 y rápidamente fue adoptado por todos aquellos asociados a la teoría de sistemas en la década de 1960, pero no se convirtió en un lugar científico común hasta su adopción por parte de los físicos y, en general, de los investigadores de sistemas complejos en las décadas de los setenta.

Según la investigadora y doctora en psicología Samantha Diegoli:

El término autoorganización surgió en los años cincuenta cuando los cibernéticos comenzaron a construir modelos matemáticos para explicar la dinámica de las redes neuronales. Un primer modelo trataba de un modelo simplificado en forma de una red binaria de bombillas interconectadas que se encendían o apagaban de acuerdo con el resultado de una regla de conexión aplicada a la bombilla anterior. El sistema se iniciaba con parpadeos aleatorios, pero siempre llegaba a un punto donde se podían identificar patrones ordenados de parpadeos y hasta ciclos repetidos. A esta emergencia espontánea de patrones ordenados se le llamó autoorganización.4 

El concepto de autoorganización entronca directamente con la Teoría General de Sistemas desarrollada en 1937 por Ludwig von Bertalanffy, donde esbozó dicha teoría en un seminario de Charles Morris en la Universidad de Chicago y publicó más tarde en General System Theory: Foundations, Development, Applications5 en 1969.

En el libro se estructura un cuerpo teórico, en realidad es una teoría de teorías, que partiendo del muy abstracto concepto de sistema, busca reglas de valor general aplicables a cualquier sistema y en cualquier nivel de la realidad. Estas teorías se conciben en términos de relaciones, contexto y conectividad de un todo, contrastando con el antiguo planteamiento de análisis de un sistema por sus partes.

Los aspectos más relevantes de la Teoría General de Sistemas son el cambio de foco que pasa de considerar las partes a considerar el todo, es decir, pasa a considerar los sistemas vivos como totalidades integradas cuyas propiedades no pueden ser reducidas a las de sus partes más pequeñas, de forma que las propiedades sistémicas surgen de las relaciones entre las partes que son responsables de establecer la organización del sistema, con el todo; el desarrollo de un proceso de pensamiento contextual donde existen diferentes niveles sistémicos, o sea, sistemas dentro de sistemas en los cuales cada nivel corresponde a un grado distinto de complejidad y la observación de un fenómeno en cierto nivel, revela propiedades que no existen en el nivel inferior y por consiguiente, no tiene sentido analizar las partes por sí solas, ya que sus propiedades dependen del contexto dentro del cual está actuando el entorno o el sistema mayor y finalmente, en la configuración de una estructura de redes se percibe que el cambio de las partes al todo puede también ser contemplado como el cambio de objetos a relaciones; la estructura en red representa el pensamiento no-lineal, donde no hay una estructura más básica o fundamental que otra, sino que están interrelacionadas como una red para formar la realidad compleja del todo.6

Cibernética (y autoorganización)

La Cibernética está íntimamente ligada a la Teoría General de Sistemas hasta el punto que se llega a considerar que su campo de estudio es el mismo. Sin embargo la Cibernética está más orientada al estudio del mando, el control, las regulaciones y el gobierno de los sistemas, mecanismos que permiten a un sistema mantener su equilibrio dinámico y alcanzar o mantener un estado. La Cibernética en definitiva es el estudio interdisciplinar de la estructura reguladora de los Sistemas, aplicable tanto a sistemas físicos como sociales.

La Cibernética es especialmente relevante cuando el sistema a estudiar está envuelto en un circuito cerrado de señales donde la acción del sistema en un entorno genera algún cambio en este último, y este cambio se manifiesta en el sistema vía información, es decir se obtiene un feedback, que causa algún tipo de cambio en el comportamiento del sistema. Por tanto el sistema y el entorno interactúan.

El grupo de científicos ligados a la cibernética antes aludidos, Shannon, Neumann, Bateson, Foerster, Pask, Beer y Wiener, se unieron para investigar la representación matemática de los mecanismos cerebrales. La atención central recaía sobre los patrones de organización, concentrándose en la riqueza de los patrones naturales y buscando una teoría de la vida, centrándose en el control a través de la programación o buscando el patrón común que está por detrás de los fenómenos vivos, describiéndolos holísticamente.

Sus descripciones de las semejanzas entre el funcionamiento del cerebro y del ordenador influyeron en el pensamiento cibernético sobre la cognición durante tres décadas.

La cibernética trató principalmente de crear modelos mecanicistas de sistemas vivos y sus mayores contribuciones vienen del proceso de comparar máquinas con seres vivos y sobre todo la cibernética se relaciona con todas las formas de comportamiento, independientemente que éstas estén muy lejos de ser regulares, determinadas o reproducibles.

En definitiva lo que la cibernética proporciona es algo más que una teoría o una línea de estudio, en palabras de William Ross Ashby

lo que la cibernética ofrece es un marco donde todas las máquinas individualmente pueden ser ordenadas, categorizadas y entendidas.7 

Es especialmente interesante el paralelismo que usa Ashby para poner en contexto la idea de cibernética y que reproduzco literalmente aquí:

La posición de la cibernética en relación a una máquina real, electrónica, mecánica, neuronal o económica, es parecida a como la geometría se posiciona en relación a un objeto real en nuestro espacio terrestre. Hubo un tiempo donde geometría significaba un tipo de relaciones susceptibles de ser demostrables en un objeto tridimensional o en un diagrama bidimensional. Las formas proporcionadas por la tierra, animal, vegetal y mineral, eran enormes en número y ricas en propiedades y aún así podían ser proporcionadas por una geometría elemental. En esos días una forma sugerida por la geometría pero que no pudiera ser demostrada en el espacio ordinario era inmediatamente sospechosa o inaceptable. El espacio ordinario dominaba la geometría.

Hoy, ese posicionamiento es claramente diferente. La geometría existe por derecho propio y por su propia fuerza. Actualmente puede procesar precisa y coherentemente un catálogo de formas y espacios que excede largamente de aquello que el espacio terrestre puede proveer. Hoy es la geometría la que contiene las formas terrestres, y no viceversa, en tanto que estas formas terrestres son meramente casos especiales del amplio espectro que abarca la geometría.

La posición ganada por el desarrollo de la geometría necesita ser mostrada. La geometría actúa hoy como un marco donde todas las formas terrestres pueden encontrar su lugar natural, y donde las relaciones entre diferentes formas se pueden apreciar rápidamente. A este crecimiento del entendimiento de la geometría le ha correspondido un aumento del poder de control.

La cibernética es similar en la relación con la máquina actual. Toma como sujeto de su propia esencia el dominio de “todas las posibles máquinas” y solamente está secundariamente interesada en saber si algunas de estas máquinas todavía no se han realizado ya sea por la mano del hombre o por la naturaleza.8 

Autoorganización y Cibernética

Este punto de vista tanto para la cibernética como para la geometría es especialmente interesante en tanto que refleja una cierta idea de independencia del objeto de estudio, del hecho de que exista realmente esa realidad, o no, llamémosle máquina, ciudad u objeto, sin duda un ejemplo de la visión avanzada y vanguardista de esos tiempos.

Corre el año 1956 cuando Ashby recopila sus textos en este libro y estamos a las puertas de un cambio de mentalidad a todos los niveles que permitirá relacionar la geometría y por tanto la arquitectura, la cibernética y por tanto la ciencia, con lo desconocido, lo indeterminado y lo difuso por intuido.

Es más, tanto en el campo de la ciencia como en el de la arquitectura, el hecho de que no exista, permite la osadía de poder ser imaginado, proyectado y por tanto estudiado y enunciado, tal y como la generación de arquitectos utópicos y un numeroso grupo de científicos especialmente atrevidos, harán en los años 60, inaugurando así la era de la complejidad hasta nuestros días. Autoorganización y Cibernética.

Miquel Lacasta. Doctor arquitecto
Barcelona, mayo 2013

Notas

1 WIENER, Norbert, Cybernetics or Control and Communication in the Animal and the MachineThe MIT Press, Cambridge, 1948.

2 BATESON, Gregory, Steps to an Ecology of Mind: Collected Essays in Anthropology, Psychiatry, Evolution, and EpistemologyChandler Publications and Co., San Francisco, 1972.

3 Es especialmente interesante el archivo de William Ross Ashby cuyos originales manuscritos pueden ser consultados en rossashby.info

4 DIEGOLI, Samantha, El comportamiento de los grupos pequeños de trabajo bajo la perspectiva de la complejidad: Modelos descriptivos y estudio de casostesis doctoral de la División de Ciencias de la Salud, Facultad de Psicología del Departamento de Psicología Social de la Universitat de Barcelona, 2003, p. 45.

5 VON BERTALANFFY, Ludwig, General System theory: Foundations, Development, ApplicationsGeorge Braziller, Nueva York, 1969

6 Para profundizar en esta teoría ver CAPRA, Fritjof, La trama de la vida, Anagrama, Barcelona, 1998, especialmente el capítulo 3: Teoría General de Sistemas.

7 ASHBY, William R., An Introduction to Cybernetics, Chapman & Hall, Londres, 1956, p. 2

8 Op. Cit., ASHBY, p. 2.

 

Lately the notion of self-organization has taken a certain protagonism in the conception of the city and the architecture, probably to political / social current recomic singer of the situation. In a sense it can sound to chimera the fact that so much, objects as persons, have a trend towards an organization not programmed in advance. It is more, I suspect that it is an idea that makes specially nervous those that take the control and the punishment as a mission, one of the props of our company.

Far from trivializing the term, and assuming that the technology us there brings term over increasingly to models organized of much more complex form, so much the idea of self-organization as that of cybernetics, mother of the idea of interaction, they should form a part of our vocabulary. The paper of the architect, so questioned today, would have to read as a strategist of devices, so much conceptual as objetuales, that had always an opened end, so that it was allowing to the company to give his last word in positive from an interactive model. Something like to give an opportunity to which our designs are involved of full form in the daily occupation of the people, and that in turn, from this use, to be able to improve them.

The idea is that if we could incorporate more strategy and fewer sobrediseño, probably we would obtain a certain dose of interactivity in our cities from opened and autoorganized systems. It is because of it that seems to me to be important to go to the sources of the concept of self-organization and of cybernetics, which since we will see they are intimately related.

While the notion of spontaneity is very ancient, this one only crystallized in the term self-organization in the years later to the second world war in the circles connected to the cybernetic movement that was agglutinating a many-colored group of investigators as the mathematician Norbert Wiener, author of the book Cybernetics or Control and Communication in the Animal and the Machine,1 also mathematician of Hungarian origin John von Neumann, who between other investigations proposed the architecture of the computers as knows himself now, the engineer and mathematician Claude Shannon, who defined the mathematical concepts of the theory of the communication, self-taught Stafford Beer, creator of the Viable System Model, the physicist Heinz von Foerster, author of the theory of the radical constructivism and of the cybernetics of the second order, the anthropologist and linguist Gregory Bateson, who in 1972 compiled his studies in the influential book Steps to an Ecology of Mind: Collected Essays in Anthropology, Psychiatry, Evolution, and Epistemology2 and the outlined one in this investigation Gordon Pask.

The first appearance of the term self-organization arose in 1947 in a few papers of the psychiatrist William Ross Ashby3 and rapidly it was adopted by all those partners to the system theory in the decade of 1960, but it did not turn into a scientific common place up to his adoption on the part of the physicists and, in general, of the investigators of complex systems into the decades of the seventies.

According to the investigator and Samantha Diegoli confers a doctor’s degree in psychology:

The term self-organization arose in the fifties when mathematical models began to construct the cybernetic ones to explain the dynamics of the networks neuronales. The first model was treating of a model simplified in the shape of a binary network of interconnected bulbs that they were igniting or extinguishing in agreement with the result of a rule of connection applied to the previous bulb. The system was beginning with random winkings, but always it was coming to a point where bosses been ordained as winkings could identify and up to repeated cycles. To this spontaneous emergency of tidy bosses there was called he a self-organization.4 

The concept of self-organization is connected directly with the General Theory of Systems developed in 1937 by Ludwig von Bertalanffy, where it outlined the above mentioned theory in Charles Morris‘s seminar in the University of Chicago and System Theory published later in General System Theory: Foundations, Development, Applications5 in 1969.

In the book a theoretical body is structured, actually it is a theory of theories, which departing from the very abstract concept of system, search you rule of general value applicable to any system and in any level of the reality. These theories conceive in terms of relations, context and connectivity of everything, contrasting with the former exposition of analysis of a system on his parts.

The most relevant aspects of the General Theory of Systems are the change of area that happens of considering the parts to considering quite, that is to say, it happens to consider the alive systems to be integrated totalities which properties cannot be reduced to those of his smaller parts, so that the systemic properties arise from the relations between the parts that are persons in charge of establishing the organization of the system, with everything; the development of a process of contextual thought where different systemic levels exist, or, systems inside systems in which every level corresponds to a degree different from complexity and the observation of a phenomenon in certain level, reveals properties that do not exist in the low level and consequently, does not have felt to analyze the parts for yes alone, since his properties depend on the context inside which it is operating the environment or the major system and finally, in the configuration of a structure of networks there is perceived that the change of the parts to everything can be contemplated also as the change of objects to relations; the structure in network represents the non-linear thought, where there is no a structure more basic or fundamental that different, but they are interrelated as a network to form the complex reality completely.6

The Cybernetics are intimately tied to the General Theory of Systems up to the point that manages to think that his field of study is the same. Nevertheless the Cybernetics are more orientated to the study of the control, the control, the regulations and the government of the systems, mechanisms that allow a system to support his dynamic balance and to manage or to support a condition. The Cybernetics definitively are the study to interdiscipline of the regulatory structure of the Systems, applicable so much to physical as social systems.

he Cybernetics are specially relevant when the system to studying is wrapped in a closed circuit of signs where the action of the system in an environment generates some change in the latter, and this change demonstrates in the system route information, that is to say obtains a feedback, which causes some type of change in the behavior of the system. Therefore the system and the environment interact.

The group of scientists tied to the cybernetics before alluded, Shannon, Neumann, Bateson, Foerster, Pask, Beer and Wiener, joined to investigate the mathematical representation of the cerebral mechanisms. The central attention was relapsing on the bosses of organization, centering in the wealth of the natural bosses and looking for a theory of the life, centring on the control across the programming or searching the common boss who is behind the alive phenomena, describing them holistic.

His descriptions of the similarities between the functioning of the brain and of the computer influenced the cybernetic thought the cognition during three decades.

The cybernetics tried to create principally models mecanicistas of alive systems and his major contributions come from the process of comparing machines with alive beings and especially the cybernetics relate to all the forms of behavior, independently that these are very far from being regular, certain or reproducible.

Definitively what the cybernetics provide is something more than a theory or a line of study, in William Ross Ashby’s words

what the cybernetics offer is a frame where all the machines individually can be arranged, categorized and understood.7 

There is specially interesting the parallelism that Ashby uses to put in context the idea of cybernetics and that I reproduce literally here:

The position of the cybernetics in relation to a royal, electronic, mechanical machine, neuronal or economic, is similar to since the geometry is positioned in relation to a royal object in our terrestrial space. It had a time where geometry was meaning a type of relations capable of being demonstrable in a three-dimensional object or in a two-dimensional graph. The forms provided by the land, animal, vegetable and mineral, they were enormous in number and rich in properties and nonetheless they could be provided by an elementary geometry. In these days a form suggested by the geometry but that could not be demonstrated in the ordinary space was immediately suspicious or unacceptable. The ordinary space was dominating the geometry.

Today, this positioning is clearly different. The geometry exists for own right and for his own force. Nowadays it can process is necessary and coherent a catalogue of forms and spaces that exceeds for a long time that one that the terrestrial space can provide. Today it is the geometry the one that contains the terrestrial forms, and not vice versa, while these terrestrial forms are merely special cases of the wide spectrum that includes the geometry.

The position gained by the development of the geometry needs to be showed. The geometry acts today as a frame where all the terrestrial forms can find his natural place, and where the relations between different forms can be estimated rapidly. To this growth of the understanding of the geometry there has corresponded to him an increase of the power of control.

The cybernetics are similar in the relation with the current machine. Capture like subject of his own essence the domain of » all the possible machines » and only it is secondarily interested in knowing if some of these machines still have not been realized already be for the hand of the man or for the nature.8 

This point of view both for the cybernetics and for the geometry is specially interesting while it reflects a certain idea of independence of the object of study, of the fact of which this reality exists really, or not, llamémosle machine, city or object, undoubtedly an example of the advanced and ultramodern vision of these times.

It runs the year 1956 when Ashby compiles his texts in this book and we are on the verge of a change of mentality to all the levels that the geometry will allow to relate and therefore the architecture, the cybernetics and therefore the science, with the unknown thing, the indeterminate thing and the diffuse thing for felt.

It is more, so much in the field of the science as in that of the architecture, the fact that it does not exist, allows the audacity of being able to be imagined, projecting and therefore studied and terms of reference, as the generation of Utopian architects and a numerous group of specially bold scientists, they will do in the 60s, inaugurating this way the age of the complexity to the present day.

Miquel Lacasta. PhD architect
Barcelona, may 2013

Notes:

1 WIENER, Norbert, Cybernetics or Control and Communication in the Animal and the MachineThe MIT Press, Cambridge, 1948.

2 BATESON, Gregory, Steps to an Ecology of Mind: Collected Essays in Anthropology, Psychiatry, Evolution, and EpistemologyChandler Publications and Co., San Francisco, 1972.

3 There is specially interesting William Ross’s file Ashby whose original manuscripts can be consulted in rossashby.info

4 DIEGOLI, Samantha, The behavior of the small groups of work under the perspective of the complexity: descriptive Models and study of cases, doctoral thesis of the Division of Sciences of the Health, Faculty of Psychology of the Department of Social Psychology of the Universitat of Barcelona, 2003, p. 45.

5 VON BERTALANFFY, Ludwig, General System theory: Foundations, Development, ApplicationsGeorge Braziller, Nueva York, 1969

6 To penetrate into this theory to see CAPRA, Fritjof, The plot of the life, Anagrama, Barcelona, 1998, specially the chapter 3: General Theory of Systems.

7 ASHBY, William R., An Introduction to Cybernetics, Chapman & Hall, Londres, 1956, p. 2

8 Op. Cit., ASHBY, p. 2.

[:es]IV Premio Europeo de Intervención en el Patrimonio Arquitectónico AADIPA[:gl]IV Premio Europeo de Intervención no Patrimonio Arquitectónico AADIPA[:en]The IVrd European Award for Architectural Heritage Intervention AADIPA[:]

0

[:es]

El Premio Europeo de Intervención en el Patrimonio Arquitectónico AADIPA, certamen bienal organizado con el soporte del COAC (Colegio de Arquitectos de Cataluña) y AADIPA (Agrupación de Arquitectos para la Defensa y la Intervención en el Patrimonio Arquitectónico) cuyo objetivo reside en distinguir las intervenciones de calidad en el patrimonio y contribuir a su divulgación, abre las inscripciones de su 4a edición.

IV Premio Europeo de Intervención en el Patrimonio Arquitectónico AADIPA

La 4ª convocatoria del Premio Europeo de intervención en el Patrimonio Arquitectónico AADIPA, dirigida a profesionales relacionados con la intervención en el patrimonio arquitectónico –arquitectos, historiadores, arqueólogos…–, abre su inscripción online desde lunes 17 de diciembre de 2018 y permanecerá abierta hasta el 5 de abril de 2019. Podrán inscribirse al certamen todas aquellas obras finalizadas, realizadas o publicadas en el ámbito geográfico europeo durante el periodo comprendido entre el 1 de enero de 2012 y el 31 de diciembre de 2018, y que respondan a los requisitos de las 4 categorías en las que se divide el Premio:

· Categoría A: Intervención en el patrimonio construido.

Todas aquellas intervenciones arquitectónicas, permanentes o efímeras, en bienes arquitectónicos de interés patrimonial.

· Categoría B: Espacios exteriores.

Todas aquellas intervenciones en el espacio público histórico, en entornos de monumentos y paisajes culturales.

· Categoría C: Planeamiento.

Todos aquellos trabajos de planeamiento dirigidos a la protección, conservación o puesta en valor del patrimonio arquitectónico.

· Categoría D: Divulgación.

Todas aquellas iniciativas, actividades y acciones que tienen como objetivo la divulgación de los valores del patrimonio arquitectónico.

En la 4ª edición, una de las novedades consiste en aumentar el número de obras seleccionadas como finalistas. Así, en la categoría A, el jurado escogerá hasta un máximo de 15 seleccionados y en la B, un máximo de 10, de entre los cuales, en ambos casos, surgirán un premiado y tres finalistas; por su parte, en las categorías C y D, habrá un premiado y tres finalistas. Con esta nueva formulación, la dirección del Premio apuesta por dar visibilidad a un mayor número de trabajos y reconocer el óptimo nivel de la buena práctica patrimonial en Europa. En esta línea, además, entre todas las obras presentadas, la dirección del certamen otorgará, por primera vez, un Premio Especial de Restauración a aquella intervención que desde el punto de vista técnico y metodológico destaque por su calidad, precisión y respeto.

Por otra parte, y coincidiendo con la apertura de la inscripción, la comisión organizadora del Premio anuncia el lanzamiento de Call for Topics, un documental en el que sus once protagonista, todos ellos jurados del Premio, tienen la voluntad de abrir un debate continuado y plural que contribuya a la discusión sobre “topics” como la consideración actual del patrimonio, su conservación, gestión y rehabilitación a nivel europeo.

El Premio Europeo de Intervención en el Patrimonio Arquitectónico AADIPA, dirigido por Ramon Calonge, Oriol Cusidó, Marc Manzano, y Jordi Portal, arquitectos miembros de la agrupación AADIPA, y que en su anterior edición contó con cifras de inscripción que confirmaron su notoriedad internacional y con una relevante calidad en el global de las propuestas presentadas, aspira a seguir aumentando la participación y la calidad, a consolidar su alcance europeo y a implicar asociaciones, ciudadanos y otros agentes relacionados con el patrimonio a fin de abrirse a la sociedad.

Como cada año, la entrega oficial de galardones tendrá lugar en el marco de la Bienal Internacional de Intervención en el Patrimonio Arquitectónico. Jornada que organiza la dirección del Premio, con el soporte del COAC, AADIPA y la Generalitat de Catalunya, y que celebrará su 4ª edición en junio de 2019 en Barcelona.

¡El plazo de inscripción de la 4ª edición del Premio Europeo de Intervención en el Patrimonio Arquitectónico AADIPA, certamen bienal organizado con el soporte del COAC (Colegio de Arquitectos de Cataluña) y AADIPA (Agrupación de Arquitectos para la Defensa y la Intervención en el Patrimonio Arquitectónico), cuyo objetivo reside en distinguir la buena práctica patrimonial y contribuir a su divulgación, permanecerá abierto hasta el 12 de abril de 2019 a las 24.00h!

[:gl]

Premio Europeo de Intervención no Patrimonio Arquitectónico AADIPA, certame bienal organizado co soporte do COAC (Colexio de Arquitectos de Cataluña) e AADIPA (Agrupación de Arquitectos para a Defensa e a Intervención no Patrimonio Arquitectónico) cuxo obxectivo reside en distinguir as intervencións de calidade no patrimonio e contribuír á súa divulgación, abre as inscricións da súa 4a edición..

IV Premio Europeo de Intervención en el Patrimonio Arquitectónico AADIPA

A 4ª convocatoria do Premio Europeo de intervención no Patrimonio Arquitectónico AADIPA, dirixida a profesionais relacionados coa intervención no patrimonio arquitectónico –arquitectos, historiadores, arqueólogos…–, abre a súa inscrición online desde luns 17 de decembro de 2018 e permanecerá aberta ata o 5 de abril de 2019. Poderán inscribirse ao certame todas aquelas obras finalizadas, realizadas ou publicadas no ámbito xeográfico europeo durante o período comprendido entre o 1 de xaneiro de 2012 e o 31 de decembro de 2018, e que respondan os requisitos das 4 categorías nas que se divide o Premio:

· Categoría A: Intervención no patrimonio construído.

Todas aquelas intervencións arquitectónicas, permanentes ou efémeras, en bens arquitectónicos de interese patrimonial.

· Categoría B: Espazos exteriores.

Todas aquelas intervencións no espazo público histórico, en contornas de monumentos e paisaxes culturais.

· Categoría C: Plan.

Todos aqueles traballos de plan dirixidos á protección, conservación ou posta en valor do patrimonio arquitectónico.

· Categoría D: Divulgación.

Todas aquelas iniciativas, actividades e accións que teñen como obxectivo a divulgación dos valores do patrimonio arquitectónico.

Na 4ª edición, unha das novidades consiste en aumentar o número de obras seleccionadas como finalistas. Así, na categoría A, o xurado escollerá ata un máximo de 15 seleccionados e na B, un máximo de 10, de entre os cales, en ambos os casos, xurdirán un premiado e tres finalistas; pola súa banda, nas categorías C e D, haberá un premiado e tres finalistas. Con esta nova formulación, a dirección do Premio aposta por dar visibilidade a un maior número de traballos e recoñecer o óptimo nivel da boa práctica patrimonial en Europa. Nesta liña, ademais, entre todas as obras presentadas, a dirección do certame outorgará, por primeira vez, un Premio Especial de Restauración a aquela intervención que desde o punto de vista técnico e metodolóxico destaque pola súa calidade, precisión e respecto.

Por outra banda, e coincidindo coa apertura da inscrición, a comisión organizadora do Premio anuncia o lanzamento de “Call for Topics”, un documental no que os seus once protagonista, todos eles xurados do Premio, teñen a vontade de abrir un debate continuado e plural que contribúa á discusión sobre “topics” como a consideración actual do patrimonio, a súa conservación, xestión e rehabilitación a nivel europeo.

O Premio Europeo de Intervención no Patrimonio Arquitectónico AADIPA, dirixido por Ramon Calonge, Oriol Cusidó, Marc Manzano, e Jordi Portal, arquitectos membros da agrupación AADIPA, e que na súa anterior edición contou con cifras de inscrición que confirmaron a súa notoriedade internacional e cunha relevante calidade no global das propostas presentadas, aspira a seguir aumentando a participación e a calidade, a consolidar o seu alcance europeo e a implicar asociacións, cidadáns e outros axentes relacionados co patrimonio a fin de abrirse á sociedade.

Como cada ano, a entrega oficial de galardóns terá lugar no marco da Bienal Internacional de Intervención no Patrimonio Arquitectónico. Xornada que organiza a dirección do Premio, co soporte do COAC, AADIPA e a Generalitat de Catalunya, e que celebrará a súa 4ª edición en xuño de 2019 en Barcelona.

O prazo de inscrición da 4ª edición do Premio Europeo de Intervención no Patrimonio Arquitectónico AADIPA, certame bienal organizado co soporte do COAC (Colexio de Arquitectos de Cataluña) e AADIPA (Agrupación de Arquitectos para a Defensa e a Intervención no Patrimonio Arquitectónico), cuxo obxectivo reside en distinguir a boa práctica patrimonial e contribuír á súa divulgación, permanecerá aberto ata o 12 de abril de 2019 ás 24.00 h!

[:en]

The European Award for Architectural Heritage intervention AADIPA, a biennial contest organized with the support of COAC (Architects’ Association of Catalonia) and AADIPA (Association of Architects for the Defence and Intervention in Architectural Heritage), the purpose of which is to distinguish quality interventions in heritage and contribute to their dissemination, opens the registration period of its 4th edition.

IV Premio Europeo de Intervención en el Patrimonio Arquitectónico AADIPA

The Award for Architectural Heritage Intervention AADIPA’s 4th call, addressed to professionals related to interventions in architectural heritage –architects, historians, archaeologists …–, opens its online registration on Monday, December 17, 2018 and will remain open until April 5, 2019. Any completed work, carried out or published in the European geographical area during the period between January 1, 2012 and December 31, 2018, and which meets the requirements of the 4 categories of the award can be entered:

· Category A: Intervention in built heritage.

All architectural, permanent or ephemeral interventions in architectural properties of heritage interest.

· Category B: Exterior spaces.

All interventions in the historic public space, in monumental and cultural landscape environments.

· Category C: Urban planning.

All planning work aimed at the protection, conservation and enhancement of architectural heritage.

· Category D: Disclosure.

Those initiatives, activities and actions that are aimed at disseminating the values of architectural heritage.

In the 4th edition, one of the award’s latest developments is to increase the number of works selected as finalists. Thus, in category A, the jury will make a selection of up to 15 and in B, a maximum of 10, from which, in both cases, will emerge an award-winner and three finalists; on the other hand, in categories C and D, there will be one winner and three finalists. With this new formula, the Award management is committed to giving visibility to a greater number of works and recognizing the optimum level of good heritage practice in Europe. In addition, from all the work presented, the award management, will concede for the first time a Special Restoration Award to the intervention that from a technical and methodological point of view stands out for its quality, precision and respect.

Moreover, coinciding with the opening of registration, the organizing committee of the Award announces the “Call for Topics” launch, a documentary in which their eleven protagonists, all of them jury members in different editions of the Award, are willing to open a continuous and plural debate that contributes to the discussion on “topics” such as the current consideration of heritage, its conservation, management and rehabilitation at European level.

The European Award for Architectural Heritage Intervention AADIPA, led by Ramon Calonge, Oriol Cusidó, Marc Manzano, and Jordi Portal, architects members of the group AADIPA, that in its previous edition enjoyed registration figures confirming its international notoriety and with relevant overall quality in the presented proposals, aspires to continue increasing participation and quality, to consolidate its European scope and to involve associations, citizens and other agents related to heritage in order to open up to society.

As happens every year, the official award ceremony will take place within the framework of the International Biennial of Architectural Heritage Intervention. A conference that is organized by the award management, with the support of the COAC, AADIPA and the Generalitat de Catalunya, and that will hold its 4th edition in June 2019 in Barcelona.

The registration period of the 4th edition of the European Prize for Intervention in the Architectural Heritage AADIPA, a biennial event organized with the support of the COAC (Association of Architects of Catalonia) and AADIPA (Association of Architects for the Defense and Intervention in the Heritage Architectural), whose objective is to distinguish good patrimonial practice and contribute to its disclosure, will remain open until April 12, 2019 at 24.00!

[:]

[:es]Complejo Deportivo Municipal Can Ricart en el Raval | vora[:gl]Complexo Deportivo Municipal Can Ricart no Raval | vora[:en]Can Ricart Municipal Sports Complex in Raval | vora[:]

[:es]

Complejo Deportivo Municipal Can Ricart vora o9 exto1

El Complejo Deportivo Municipal Can Ricart es un edificio situado en el corazón del Raval sur, en Barcelona, una zona con actuaciones importantes en los últimos años. El equipamiento es importante para la revitalización del barrio en su sector tradicionalmente más degradado, y tiene que contribuir a la integración de todos los sectores sociales habitantes de la zona a través de su uso en las actividades deportivas y de bienestar.

El edificio completa la manzana comprendida entre la Rambla del Raval y los Jardines dels Horts de Sant Pau. A nivel arquitectónico la estrategia del proyecto partía de unas preexistencias que lo hacían especialmente complejo, pues en el conjunto se han integrado dos edificios de fuerte entidad como el pabellón polideportivo (de 1989) i el edificio industrial del s. XIX de Can Ricart, presumiblemente del maestro de obras Josep Fontserè. El principal esfuerzo de los arquitectos fue llegar a un conjunto compacto y coherente a nivel funcional, que volumétricamente mantiene la lectura de los tres cuerpos que lo conforman: los dos edificios existentes y la nueva construcción que contiene la piscina, formalmente autónoma.

El edificio de Can Ricart, que estaba en bastante mal estado, se ha rehabilitado con el espíritu del original en sus características definitorias. Se ha rehabilitado la fachada de Josep Fontserè recuperando los colores originales del estucado, y se ha dejado al descubierto un espacio central de doble altura en el que la familia Ricart tenía la sala de contratación. Este espacio se ha rehabilitado con sensibilidad, manteniendo el espíritu del original y recuperando un lucernario que se había cubierto sobre el espacio central. En el resto de fachadas, más maltratadas por las múltiples intervenciones acontecidas a lo largo de los años añadiendo y derribando naves de producción alrededor, la obra consistió en recuperar el orden de aberturas original y dar una pátina unificadora que permite visualizar de forma sutil las heridas de la historia sobre sus muros.

El edificio nuevo es austero en materiales y formalmente contenido. La fachada es de hormigón visto, al que se ha dado una textura que quiere ser un homenaje a los inicios de la industria textil en Cataluña en esta zona de la ciudad.

El espacio principal, la piscina, es abierto y luminoso. Establece unas relaciones visuales intensas por un lado, en toda su anchura, con el Parque de Sant Pau, que está ligeramente elevado, y con la iglesia de Sant Pau del camp; y por el otro lado con un generoso patio en el interior del complejo, y con la fachada posterior del edificio de Can Ricart.

Obra: Complejo Deportivo Municipal del Raval. Can Ricart
Dirección: Carrer Sant Oleguer 10. Barcelona. España.
Concurso: El proyecto surge de un concurso de ideas del año 2000.
Redacción de proyecto_v1: 2002-2003
Redacción de proyecto_v2: 2004
Inicio de las obras: Febrero 2005 – Final de las obras: Julio 2006
Inicio de las obras (fase2): mayo 2008 – Final de las obras:Octubre 2008
Arquitectos proyecto: vora arquitectura (Pere Buil Castells y Jordi Fornells Castelló).
Arquitectos obra: vora arquitectura (Pere Buil) y Esteve Roca Pallàs.
Proyecto Estructura: Manuel Arguijo y Asociados
Proyecto Instalaciones: JG asociados.
Arquitecto Técnico: Carles Bima Puig
Constructor: Acciona Infraestructuras.
Promotor: Foment de Ciutat Vella
Colaboradores en el proyecto: Filipe Araújo, Ricardo Borges, Arnau Boronat, Rubén Heras, Sónia Bom, Iñigo Ribera, Sónia Gaspar
Superficie construida total (incluido el pabellón polideportivo): 4.485 m2
Superficie de nueva construcción: 2.655 m2
Superficie rehabilitación-reforma: 1.830 m2
Presupesto de la obra (PEC): 5.500.000 euros PEC
Fotografías: Adrià Goula
+ vora.cat

Reconocimientos:
Premio Bonaplata 2006 a intervenciones en el Patrimonio Industrial.
Finalista premio Aluminier-Technal 2007
Proyecto Selecionado Premios Arquia-Próxima 2008-09
Premio Arquitectura+ 2011 en la categoría “Arquitectura Cultural o Deportiva”.

[:gl]

Complejo Deportivo Municipal Can Ricart vora o9 exto1

O Complexo Deportivo Municipal Can Ricart é un edificio situado no corazón do Raval sur, en Barcelona, unha zona con actuacións importantes nos últimos anos. O equipamento é importante para a revitalización do barrio no seu sector tradicionalmente máis degradado, e ten que contribuír á integración de todos os sectores sociais habitantes da zona a través do seu uso nas actividades deportivas e de benestar.

O edificio completa a mazá comprendida entre a Rambla do Raval e os Xardíns dels Horts de Sant Pau. A nivel arquitectónico a estratexia do proxecto partía dunhas preexistencias que o facían especialmente complexo, pois no conxunto integráronse dous edificios de forte entidade como o pavillón polideportivo (de 1989) i o edificio industrial do s. XIX de Can Ricart, presumiblemente do mestre de obras Josep Fontserè. O principal esforzo dos arquitectos foi chegar a un conxunto compacto e coherente a nivel funcional, que volumétricamente mantén a lectura dos tres corpos que o conforman: os dous edificios existentes e a nova construción que contén a piscina, formalmente autónoma.

O edificio de Can Ricart, que estaba en bastante mal estado, rehabilitouse co espírito do orixinal nas súas características definitorias. Rehabilitouse a fachada de Josep Fontserè recuperando as cores orixinais do estucado, e deixouse ao descuberto un espazo central de dobre altura no que a familia Ricart tiña a sala de contratación. Este espazo rehabilitouse con sensibilidade, mantendo o espírito do orixinal e recuperando un lucernario que se cubriu sobre o espazo central. No resto de fachadas, máis maltratadas polas múltiples intervencións acontecidas ao longo dos anos engadindo e derrubando naves de produción ao redor, a obra consistiu en recuperar a orde de aberturas orixinal e dar unha pátina unificadora que permite visualizar de forma sutil as feridas da historia sobre os seus muros.

O edificio novo é austero en materiais e formalmente contido. A fachada é de formigón visto, ao que se deu unha textura que quere ser unha homenaxe aos inicios da industria téxtil en Cataluña nesta zona da cidade.

O espazo principal, a piscina, é aberto e luminoso. Establece unhas relacións visuais intensas por unha banda, en toda a súa anchura, co Parque de Sant Pau, que está lixeiramente elevado, e coa igrexa de Sant Pau do camp; e polo outro lado cun xeneroso patio no interior do complexo, e coa fachada posterior do edificio de Can Ricart.

Obra: Complexo Deportivo Municipal do Raval. Can Ricart
Dirección: Carrer Sant Oleguer 10. Barcelona. España.
Concurso: O proxecto xorde dun concurso de ideas do ano 2000.
Redacción de proxecto_v1: 2002-2003
Redacción de proxecto_v2: 2004
Inicio das obras: Febreiro 2005 – Final das obras: Xullo 2006
Inicio das obras (fase2): maio 2008 – Final das obras:Outubro 2008
Arquitectos proxecto: vora arquitectura ( Pere Buil Castells e Jordi Fornells Castelló).
Arquitectos obra: vora arquitectura ( Pere Buil) e Esteve Roca Pallàs.
Proxecto Estrutura: Manuel Arguijo e Asociados
Proxecto Instalacións: JG asociados.
Arquitecto Técnico: Carles Bima Puig
Construtor: Acciona Infraestruturas.
Promotor: Foment de Ciutat Vella
Colaboradores no proxecto: Filipe Araújo, Ricardo Borges, Arnau Boronat, Rubén Heras, Sónia Bom, Iñigo Ribeira, Sónia Gaspar
Superficie construída total (incluído o pavillón polideportivo): 4.485 m2
Superficie de nova construción: 2.655 m2
Superficie rehabilitación-reforma: 1.830 m2
Presupesto da obra ( PEC): 5.500.000 euros PEC: Adrià Goula
+ vora.cat

Reconocimientos:
Premio Bonaplata 2006 a intervencións no Patrimonio Industrial.
Finalista premio Aluminier-Technal 2007
Proxecto Selecionado Premios Arquia-Próxima 2008-09
Premio Arquitectura+ 2011 na categoría “Arquitectura Cultural ou Deportiva”.

[:en]

Complejo Deportivo Municipal Can Ricart vora o9 exto1

The Can Ricart Municipal Sports Complex is a building located in the heart of the south Raval, in Barcelona, an area with important performances in recent years. The equipment is important for the revitalization of the neighborhood in its traditionally more degraded sector, and it has to contribute to the integration of all social sectors inhabitants of the area through its use in sports and welfare activities.

The building completes the block between Rambla del Raval and the Jardines dels Horts de Sant Pau. At the architectural level, the project’s strategy started with pre-existing conditions that made it particularly complex, since two buildings of strong construction, such as the sports pavilion (built in 1989) and the industrial building of the 19th century, have been integrated into the complex. XIX of Can Ricart, presumably of the master builder Josep Fontserè. The main effort of the architects was to arrive at a compact and coherent set at functional level, which volumetrically maintains the reading of the three bodies that comprise it: the two existing buildings and the new construction that contains the pool, formally autonomous.

The building of Can Ricart, which was in quite bad condition, has been restored with the spirit of the original in its defining characteristics. The façade of Josep Fontserè has been restored, recovering the original colors of the stucco, and a double-height central space has been uncovered in which the Ricart family had the contract room. This space has been rehabilitated with sensitivity, maintaining the spirit of the original and recovering a skylight that had been covered over the central space. In the rest of the facades, more battered by the multiple interventions occurred over the years adding and knocking down production sheds around, the work consisted of recovering the original order of openings and giving a unifying patina that allows to subtly visualize the wounds of history on its walls.

The new building is austere in materials and formally contained. The facade is made of exposed concrete, which has been given a texture that wants to be a tribute to the beginnings of the textile industry in Catalonia in this area of the city.

The main space, the pool, is open and bright. It establishes intense visual relationships on the one hand, in all its breadth, with the Park of Sant Pau, which is slightly elevated, and with the church of Sant Pau del camp; and on the other side with a generous patio inside the complex, and with the rear facade of the Can Ricart building.

Work: Municipal Sports Complex of Raval. Can Ricart
Address: Carrer Sant Oleguer 10. Barcelona. Spain.
Contest: The project comes from a contest of ideas of the year 2000.
Drafting of proyecto_v1: 2002-2003
Drafting of proyecto_v2: 2004
Start of works: February 2005 – End of works: July 2006
Start of works (phase2): May 2008 – End of works: October 2008
Architects project: vora arquitectura (Pere Buil Castells and Jordi Fornells Castelló).
Architects work: vora arquitectura (Pere Buil) and Esteve Roca Pallàs.
Project Structure: Manuel Arguijo y Asociados
Project Facilities: JG associated.
Technical Architect: Carles Bima Puig
Builder: Acciona Infraestructuras.
Promoter: Foment de Ciutat Vella
Collaborators in the project: Filipe Araújo, Ricardo Borges, Arnau Boronat, Rubén Heras, Sónia Bom, Iñigo Ribera, Sónia Gaspar
Total built area (including the sports hall): 4,485 m2
New construction area: 2,655 m2
Surface rehabilitation-reform: 1,830 m2
Presupensto de la obra (PEC): 5.500.000 euros PEC
Photographs: Adrià Goula
+ vora.cat

Acknowledgments:
Bonaplata Award 2006 for interventions in the Industrial Heritage.
Finalist award Aluminier-Technal 2007
Selected Project Awards Arquia-Próxima 2008-09
Architecture Award + 2011 in the category «Cultural or Sports Architecture».

[:]

Algo que yo no quiero ser | José Ramón Hernández Correa

En este espacio me explayo a menudo contra lo que considero excesos intolerables de la arquitectura de relumbrón, y la critico sin reservas (y creo que con razón).

El propio título de mi blog, ¿Arquitectamos locos?, ya lo he contado varias veces, se debe a la indignación que siento (o que sentía, en plena época de acrobacias circenses) ante la celebrada arquitectura vacua y tonta, que se retuerce sin motivo ni justificación, y ante la sonriente mirada de complicidad y de estulticia de la mayor parte de las revistas de arquitectura y de quienes deberían haber hecho alguna crítica justificada y ponderada, pero, en cambio, se limitaban a palmotear como las focas.

Con esta actitud me he granjeado amigos y seguidores, y un cierto prestigio de aguafiestas, de Doña Cuaresma y de «Ese Señor de Negro», tan triste como aburrido y, lo que es peor, peligroso.

Ópera de Sydney
Ópera de Sydney | arquitectamoslocos.blogspot.com.es

No. Yo no soy así. O creo que no soy así. O no quiero ser así. En la lucha ancestral de Don Carnal contra Doña Cuaresma el uno peca de chabacano, poco digno de confianza, perezoso, facilón y zafio, pero la otra peca de insoportable, castradora, frustrada, seca, envarada y estéril. Y yo no quiero ser ésa. Pero tampoco quiero ser aquél.

¿Entonces qué? ¿Es que no hay otra opción?

Me entusiasma la Ópera de Sydney. Creo que la arquitectura es espacio y es forma. Creo que la alegría que manifiesta una obra arquitectónica tiñe a una ciudad más allá del dinero que haya costado o de los problemas que haya ocasionado en su día. Y creo que merece la pena siempre. Pero siempre.

Uno de mis posts más celebrados, comentados y difundidos es el que dediqué hace poco a Zaha Hadid. Mejor dicho: a las Zahas Hadides. No quito ni una palabra, pero reconozco que si denuesto esa arquitectura porque la forma es caprichosa y no se rige por la función que tiene que resolver,

¿entonces por qué me gustan tanto las cáscaras de la Ópera de Sydney?

Si me indigno con las formas caprichosas que ni el autor sabe cómo construir, ¿por qué me gusta tanto la Ópera de Sydney? Si me repugna que los costes de obra se disparen obscenamente, ¿por qué me gusta tanto la Ópera de Sydney? No lo sé. Mejor dicho: Sí lo sé, pero no lo puedo explicar.

¡Ah! ¡Acabáramos! ¿Y se supone que quiero tener una inclinación crítica cuando mi última palabra es «porque sí» o «lo experimento con fuerza pero no lo sé explicar»? No, no. Eso no vale.

Tampoco vale decir que la Ópera de Sydney es muy bella, mientras que lo de las hadides es muy feo. ¿No había quedado claro que el argumento ad venustam era caprichoso e inconsistente? ¿Entonces qué? ¿Entonces qué? ¿Eh, listo?

Antonio Miranda merece todos mis respetos. Es un crítico serio y profundo de la arquitectura. Con la mayor honradez establece primero un criterio, una estructura que le permita juzgar la arquitectura, y después lo utiliza para mostrarnos una lista de más de quinientos edificios del S. XX que salen airosos de ese severo juicio.

Naturalmente, si te construyes un tamiz, por más complejo y amplio que sea, y después quieres pasar por él los edificios puestos a examen, la Ópera de Sydney no va a pasar. (A Miranda no le pasa ningún edificio de Utzon). Y, por poner un ejemplo, de Michelucci pasa la Estación de Santa Maria Novella, pero no la iglesia de la Autopista del Sol. Por supuesto que de Le Corbusier pasan muchísimas obras suyas (y desde luego la Villa Saboya), pero no la iglesia de Ronchamp. En cuanto a Frank Lloyd Wright, ya sabemos todos a estas alturas que el Guggenheim no va a pasar, pero que no pase tampoco la Casa de la Cascada suena casi a provocación.

Pero provocación no hay ninguna. Miranda marca unas reglas (nada caprichosas ni inconsistentes; al contrario: muy coherentes y sólidas) y enumera una lista de edificios canónicos.

Respeto a Miranda, ya lo he dicho. Pero no me gusta. No es que no me guste él personalmente. Él (lo vuelvo a repetir) me parece un crítico muy válido y un profesor muy capaz. Pero si su método crítico no admite a Utzon es que algo en él (o tal vez mucho) falla y está mal.

Tengo unos principios éticos bastante sólidos, pero si esos principios me hicieran repudiar a mi madre los abandonaría sin dudarlo un instante. Y eso que son unos principios muy buenos.

Yo no quiero ser eso. No quiero ser un denostador profesional, un aguafiestas de obras valiosas pero un poco disparatadas (o mucho), y, sobre todo, de obras valiosas precisamente porque son disparatadas.

Tal vez no se pueda hacer una crítica en camino deductivo de ida, sino que, por el contrario, sintamos primero «el flechazo» y luego, en camino de vuelta, busquemos argumentos. El método deductivo no funciona. El inductivo tampoco. Hay demasiadas variables inconmensurables que no responden a análisis ni a fórmula. Tenemos que probar el método abductivo. (Ya hablaremos de él: Es necesario).

¿Entonces no puede haber crítica válida? Eso me gusta menos todavía. Si no me apetece ser la avinagrada Doña Cuaresma, tabulándolo todo, tampoco quiero ser un Don Carnal vivalavirgen. Puestos a ser incompletos casi que me quedo con Miranda.

(Pero antes de tomar una decisión drástica recurriremos a la abducción. No es que sea una panacea, pero es de lo poco que nos queda. Tal vez lo único. Ya lo veremos. Me tengo que armar de valor para explicarlo sencilla y limpiamente. Es muy fácil enredarse en la hojarasca y no aclarar nunca nada).

Por otra parte, hay una cosa muy interesante que ha dicho Santiago de Molina. Habla de que cada proyecto busca su propio método proyectual. Habla de la honradez interna de la obra, debida a la de su autor en el proceso de crearla. Habla del trabajo y de la capacidad de investigación y de caza del arquitecto, que busca intensamente y encuentra el tesoro. En ese sentido sí puedo defender éticamente a Utzon frente a las Hadides, porque aquél se encerró en su obra, se fundió en ella y se dejó literalmente la piel viendo cómo resolver los innumerables problemas que, por otra parte, sólo él se había buscado, mientras que éstas no pisan la obra nada más que para hacerse la foto glamurosa.

Pero eso, a la larga, tampoco sirve del todo. Se puede ser un trabajador muy honrado y hacer mala arquitectura. Eso por sí solo no sirve.

Utzon se presentó al concurso con una idea que no sabía cómo se podría hacer. Y lo ganó, y le tocó hacerla. Y la hizo con enorme esfuerzo y concentración, y lucha.

Los arquitectos locos: Utzon en Sydney, Wright en Nueva York, Le Corbusier en Ronchamp, demuestran que una idea enfebrecida, una cabeza obsesionada y una musculatura tensa y dispuesta pueden lograr el milagro ilógico, el disparate pasmoso.

Y, mientras tanta gente brillante hace cosas tremendas, yo, desde este humilde y estúpido blog, no quiero ser un amargado.

José Ramón Hernández Correa
Doctor Arquitecto y autor de Arquitectamos locos?
Toledo · marzo 2013

PLACE´TA | Juan Moya arquitectura

[:es]

PLACE´TA Juan Moya arquitectura o5

La intervención es una arquitectura reactiva a la hostilidad de las condiciones urbanas de su emplazamiento y al mecanicismo programado de una forma de vida todavía hereditaria de la modernidad urbana del siglo XX. Un cruce de calles impersonales con alta afluencia de tráfico viene a contrarrestarse mediante un interior biofílico para el encuentro colectivo. Existir hoy exige el paso hacia la metamodernidad, la presencia de un ser humano que se reconoce en la convivencia y el encuentro respectivo con los otros, al igual que los girasoles en ausencia del sol se reconocen y se miran a sí mismos. La capacidad sanadora de la naturaleza en conjunto con el carácter socializante con el que siempre han gozado este tipo de establecimientos en el sur de España resultan en un nuevo modo de hábitat ecolectivo donde las personas se reconocen así mismas a través de lo relacional y la biodiversidad.

La propuesta explora el reciclaje espacial y la belleza de la desnudez espontánea surgida del proceso deconstructivo de elementos inadecuados y/o discordantes en contraste con la incorporación de otros nuevos de origen natural y con un ciclo de vida sostenible. Se indaga en la ambigüedad espacial diluyendo límites propios del espacio privativo y configurando transversalidades entre la gastronomía artesana, la cultura urbana, la biodiversidad y la construcción psico-social.

La intervención permite poner en evidencia los problemas urbanos y construir una nueva conciencia de respeto a través de la observación. El interior-exterior se vuelve transparente y bidireccional a través de grandes paños de vidrio aislantes. Desde la hostilidad exterior la fachada muestra el contraste de un paisaje interior seccionado que revela el funcionamiento de los ciclos naturales y la serenidad de un bosque-refugio naturalizado. Desde el interior la arquitectura construye una relación contemplativa del paisaje exterior agitado y en movimiento que desde el silencio y la frescura pone en evidencia, por oposición, la agreste realidad urbana del tráfico, el ruido y la contaminación.

Se propone un ciclo ecológico regenerativo que parte de un vivero de especies arboladas que pueden ir trasplantándose a las calles adyacentes pudiendo ser reemplazadas por otras nuevas. Esta cualidad convierte la intervención en un dispositivo activo regenerador del entorno urbano inmediato y en un modelo perfectamente exportable a otras localizaciones de espacios residuales en la ciudad.

Se desdibujan los límites del espacio entre trabajadores-clientes y se fomenta la comunicación entre grupos mediante la adecuada disposición, geometría y altura de un continuo de mostradores orgánicos. Desde una proxemia más dinámica, liberada de reglas y protocolos se supera el sistema convencional de mesas y sillas, que encierran círculos sociales y hermetizan la comunicación entre grupos, y el sistema de mostradores altos que crean barreras psico-físicas entre trabajadores y clientes. Los productos se disponen de forma democrática en todo el espacio, un lugar abierto y háptico donde los límites entre producto y cliente desaparecen por su estrecha cercanía.

Obra: PLACE´TA
Autor: Juan Moya Romero
Equipo de proyecto: Sara Lobón Ruiz, Juan Moya Romero
Dirección de obra: Juan Moya Romero
Fotografía: Sara Lobón Ruiz, Jose Antonio Lobón Hernández, Juan Moya Romero
Maquetación y producción: Maria José Cazallas García
+ juanmoya.com

[:gl]

PLACE´TA Juan Moya arquitectura o5

A intervención é unha arquitectura reactiva á hostilidade das condicións urbanas do seu emprazamento e ao mecanicismo programado dunha forma de vida aínda hereditaria da modernidade urbana do século XX. Un cruzamento de rúas impersonales con alta afluencia de tráfico vén contrarrestarse mediante un interior biofílico para o encontro colectivo. Existir hoxe esixe o paso cara á metamodernidad, a presenza dun ser humano que se recoñece na convivencia e o encontro respectivo cos outros, do mesmo xeito que os xirasois en ausencia do sol recoñécense e míranse a si mesmos. A capacidade sanadora da natureza en conxunto co carácter socializante co que sempre gozaron este tipo de establecementos no sur de España resultan nun novo modo de hábitat ecolectivo onde as persoas recoñécense así mesmas a través do relacional e a biodiversidade.

A proposta explora a reciclaxe espacial e a beleza da nudez espontánea xurdida do proceso deconstructivo de elementos inadecuados e/ou discordantes en contraste coa incorporación doutros novos de orixe natural e cun ciclo de vida sustentable. Indágase na ambigüidade espacial diluíndo límites propios do espazo privativo e configurando transversalidades entre a gastronomía artesá, a cultura urbana, a biodiversidade e a construción psico-social.

A intervención permite poñer en evidencia os problemas urbanos e construír unha nova conciencia de respecto a través da observación. O interior-exterior vólvese transparente e bidireccional a través de grandes panos de vidro illantes. Desde a hostilidade exterior a fachada mostra o contraste dunha paisaxe interior seccionado que revela o funcionamento dos ciclos naturais e a serenidade dun bosque-refuxio naturalizado. Desde o interior a arquitectura constrúe unha relación contemplativa da paisaxe exterior axitada e en movemento que desde o silencio e a frescura pon en evidencia, por oposición, a agreste realidade urbana do tráfico, o ruído e a contaminación.

Proponse un ciclo ecolóxico regenerativo que parte dun viveiro de especies arborizadas que poden ir trasplantándose ás rúas adxacentes podendo ser substituídas por outras novas. Esta calidade converte a intervención nun dispositivo activo regenerador da contorna urbana inmediata e nun modelo perfectamente exportable a outras localizacións de espazos residuais na cidade.

Se desdibujan os límites do espazo entre traballadores-clientes e foméntase a comunicación entre grupos mediante a adecuada disposición, xeometría e altura dun continuo de mostradores orgánicos. Desde unha proxemia máis dinámica, liberada de regras e protocolos supérase o sistema convencional de mesas e cadeiras, que encerran círculos sociais e hermetizan a comunicación entre grupos, e o sistema de mostradores altos que crean barreiras psico-físicas entre traballadores e clientes. Os produtos dispóñense de forma democrática en todo o espazo, un lugar aberto e háptico onde os límites entre produto e cliente desaparecen pola súa estreita proximidade.

Obra: PLACE´TA
Autor: Juan Moya Romero
Equipo de proxecto: Sara Lobón Ruiz, Juan Moya Romero
Dirección de obra: Juan Moya Romero
Fotografía: Sara Lobón Ruiz, Jose Antonio Lobón Hernández, Juan Moya Romero
Maquetación e produción: Maria José Cazallas García
+ juanmoya.com

[:en]

PLACE´TA Juan Moya arquitectura o5

Intervention is a reactive architecture faced to the hostility of urban conditions in the site and to the scheduled mechanicism proper of a lifestyle inherited from the 20th Century modernity. An impersonal crossway with high traffic volume is balanced through a biophilic interior for collective meeting. Being today demands the pass towards metamodernity. The presence of a human being that is recognized in living together and the respective meeting with others, just as sunflowers which in absence of the sun recognize and look one to each other. Healing capacity of nature and socializing character of this type of establishments in the south of Spain result in a new way of ‘ecolective’ habitat where people recognize one to each other through colectivity and  biodiversity.

Proposal explores spatial recycling and the beauty of spontaneous nudity arising from the deconstructive process. Inadequate and/or discordant elements contrast to the incorporation of other new ones of natural origin and with a sustainable life cycle. It explores the spatial ambiguity diluting typical limits of private space and configuring transversalities between artisan gastronomy, urban culture, biodiversity and psycho-social construction.

Intervention puts highlight urban problems creating a new awareness of respect through observation. The interior-exterior becomes transparent and bidirectional through large insulating glass panels. From outside hostility, the facade shows the contrast of a sectioned interior landscape which reveals natural cycles functioning and serenity of a naturalized forest-refuge. From inside, architecture creates a contemplative relationship of the exterior landscape in moving and disturbed, which trough silence and freshness reveals by opposition the rough urban reality of traffic, noise and pollution.

A regenerative ecological cycle is proposed. It starts from a tree species nursery which later could be transplanted in adjacent streets being replaced by new ones. The proposal become an active and regenerative device of the close urban context and a perfectly exportable model to other locations of residual areas in the city.

Spatial limits between worker-clients are blurred and communication between groups is promoted through the appropriate layout, geometry and height of organic and continuous countertops. From a more dynamic proxemy, free of rules and protocols, tables and chairs and high bars systems are both overcame. The first encloses social circles and seals communication between groups and the second creates psycho-physical barriers between workers and clients.

Work: PLACE´TA
Author: Juan Moya Romero
Project team: Sara Lobón Ruiz, Juan Moya Romero
Construction management: Juan Moya Romero
Photography: Sara Lobón Ruiz, Jose Antonio Lobón Hernández, Juan Moya Romero
Layout and production: Maria José Cazallas García
+ juanmoya.com

[:]

Yes needs more | Miguel Ángel Díaz Camacho

[:es]

Innsbruck, Yes to all
Innsbruck, Yes to all

Esta es una entrada extraña con respecto a lo habitual y tal vez por ello nos agrada especialmente. Se trata de un texto que no está dedicado de manera específica a la arquitectura, ni a sus autores; tampoco habla de estrategias urbanas, gestión de energía o recursos y otros tantos temas que nos interesan desde hace años.

Esta vez nos apetecía escribir sobre un mensaje que últimamente resuena por demasiadas esferas de lo cotidiano; un mensaje sencillo e hipnótico dirigido hacia el ciudadano para decirle, sin distinciones ni acotaciones, un rotundo y luminoso SÍ’. Veamos algunos ejemplos y reflexionemos sobre este YES’ refrescante y sin complejos.

La exposición y posterior catálogo ‘YES IS MORE’,1 convertido ya en icono para la alegría de sus autores y editores, repasa el vertiginoso trabajo del último arquitecto-celebridad y su joven grupo empresarial: Bjarke Ingels Group. No se pretende aquí realizar un ejercicio de crítica de arquitectura sobre la profusa obra de BIG,2 sino establecer una reflexión sobre el proceso de legitimación cultural de un mensaje que, de forma consciente y sincronizada, se envía desde diferentes ámbitos al ciudadano, mensaje que puede ser sintetizado en una palabra: YES, que en su acepción adverbial, expresa

‘afirmación como respuesta a una pregunta’.3

Tras el célebre ‘YES WE CAN’ de Barak Obama4 han aparecido nuevas locuciones, siempre positivas, breves y efervescentes, que se ofrecen como respuesta a una pregunta cualquiera, aquella que un ciudadano anónimo desea realizar: desde el irónico ‘YES TO ALL’ de Sylvie Fleury5 hasta el hedonista y autocomplaciente ‘YES IS MORE’ de BIG, pasando por el sencillo ‘YES!’ que la marca Western Union6 publicitara en forma de letras-globo color amarillo flotando sobre diferentes ciudades del mundo.

La respuesta-afirmación, telegramática y reiterativa, se presenta como un complejo ejercicio de seducción, activando un deseo o aspiración que puede hacerse realidad, siempre que el individuo pueda pagarlo y la sociedad en su conjunto pueda asumir las consecuencias. Se trata de convertir al ciudadano en cliente insatisfecho, hedonista y caprichoso, el sustrato necesario para el crecimiento infinito de la economía global.7

Bjarke Ingels ha elaborado una fórmula, conceptualmente sencilla, que le ha supuesto alcanzar el status de ‘celebrity’ a gran velocidad, capturando encargos de gran calaje a lo largo y ancho del planeta. Por un lado su ‘YES IS MORE’ le (auto) presenta, en una suerte de cadena sucesoria, como heredero de arquitectos de la talla de Mies van der Rohe, y su ascético ‘LESS IS MORE’, o Rem Koolhaas, y su redundante ‘MORE IS MORE’.

Por otro lado, el discurso exitoso de aire desenfadado y juvenil, tan propio del nuevo modelo empresarial importado desde Silicon Valley, cautiva a diferentes agentes del poder político y financiero, que encuentran un poderoso ‘feedback’ en una idea rápidamente consumible, asimilable y ‘retweeteable’ al resto de los ciudadanos en forma de nuevas y refrescantes expresiones, eso sí, de no más de tres palabras de las cuales, al menos una, sea YES.

No estaría de más añadir a este coro de voces sensuales un *(asterisco) y un buen ‘tocho’ de letra pequeña, fórmula imprescindible en la actual dinámica comercial. Por un lado, debería ser obligatorio conocer las contraindicaciones y efectos secundarios de un mensaje edulcorado y narcotizante para los ciudadanos: decirnos ‘sí a todo’ no es tan sólo tratarnos como a imbéciles, también supone la generación de una dinámica populista de autodestrucción propia de las sociedades en profunda decadencia.8

Por otro lado, se debería establecer una compensación por parte del ‘gurú’ hacia los ciudadanos, cuando su máxima se revele insuficiente, ineficaz, inservible o simplemente falsa.9

Tal vez de este modo, se pudieran dar las condiciones para la aparición de mensajes más certeros y reflexivos, de carácter educativo, terapéutico, higiénico, solidario y pedagógico, letras ordenadas con algún sentido de la evolución de la especie, palabras aparecidas desde el conocimiento y la responsabilidad, desde el oficio humilde y honesto con uno mismo y con los demás: ‘YES NEEDS MORE’.

Ya lo sabemos,

Es muy difícil,

Decir que no,

Decir no quiero…10

Miguel Ángel Díaz Camacho. Doctor Arquitecto
Madrid. Marzo 2011.
Autor de Parráfos de arquitectura#arquiParrafos

Notas:

1. Yes is More. An Archicomic on Architectural Evolution, Big, Bjarke Ingels Group, Köln, Taschen, 2010.

2. Llama la atención si se compara cuantitativamente la obra de BIG (36 años) con la obra completa de, por ejemplo, Alejandro de la Sota y Fco. Javier Sáenz de Oíza juntos.

3. Definición obtenida en el diccionario de la Real Academia Española.

4. Slogan utilizado por el senador demócrata Barack Obama durante la campaña presidencial de 2008.

5. La exposición sobre la obra de Sylvie Fleury ‘Yes to all’ se puede visitar en el Centro de Arte contemporáneo de Málaga hasta el 12 de junio de 2011.

6. Empresa dedicada a transacciones económicas a nivel mundial.

7. Para profundizar sobre esta idea se recomienda ‘La vida líquida’ de Zygmunt Bauman.

8. A través de movimientos como el 15M (Spanish Revolution o Democraciarealya), solicitamos por fin, y no solo al poder político sino a todos los poderes incluido evidentemente el financiero, que se incluya en sus misiones y visiones algo tan elemental como el respeto por el ser humano.

9. Un buen ejemplo es Barack Obama y su No we can’t ante cuestiones trascendentes, como el vergonzoso retraso en el cierre de Guantánamo, el fracaso de la misión de paz en Israel, la falta de compromiso con el objetivo global de reducción de emisiones de CO2 y otros gases de efecto invernadero, su pasividad en las reiteradas cumbres del clima, etc.

10. Decir que no, Mario Benedetti

[:gl]

Innsbruck, Yes to all
Innsbruck, Yes to all

Esta é unha entrada estraña con respecto ao habitual e talvez por iso agrádanos especialmente. Trátase dun texto que non está dedicado de maneira específica á arquitectura, nin aos seus autores; tampouco fala de estratexias urbanas, xestión de enerxía ou recursos e outros tantos temas que nos interesan desde hai anos.

Esta vez apetecíanos escribir sobre unha mensaxe que ultimamente resoa por demasiadas esferas do cotián; unha mensaxe sinxela e hipnótico dirixido cara ao cidadán para dicirlle, sen distincións nin anotacións, un rotundo e luminoso SI’. Vexamos algúns exemplos e reflexionemos sobre este ‘YES’ refrescante e sen complexos.

A exposición e posterior catálogo ‘YES IS MORE’,1 convertido xa en icona para a alegría dos seus autores e editores, repasa o vertixinoso traballo do último arquitecto-celebridade e o seu novo grupo empresarial: Bjarke Ingels Group. Non se pretende aquí realizar un exercicio de crítica de arquitectura sobre a profusa obra de BIG,2 senón establecer unha reflexión sobre o proceso de lexitimación cultural dunha mensaxe que, de forma consciente e sincronizada, envíase desde diferentes ámbitos ao cidadán, mensaxe que pode ser sintetizado nunha palabra: YES, que na súa acepción adverbial, expresa

‘afirmación como resposta a unha pregunta’.3

Tras o soado ‘YES WE CAN’ de Barak Obama4 apareceron novas locuciones, sempre positivas, breves e efervescentes, que se ofrecen como resposta a unha pregunta calquera, aquela que un cidadán anónimo desexa realizar: desde o irónico ‘YES TO ALL’ de Sylvie Fleury5 ata o hedonista e autocomplaciente ‘YES IS MORE’ de BIG, pasando polo sinxelo ‘YES!’ que a marca Western Union6 publicitase en forma de letras-globo cor amarela flotando sobre diferentes cidades do mundo.

A resposta-afirmación, telegramática e reiterativa, preséntase como un complexo exercicio de sedución, activando un desexo ou aspiración que pode facerse realidade, sempre que o individuo poida pagalo e a sociedade no seu conxunto poida asumir as consecuencias. Trátase de converter ao cidadán en cliente insatisfeito, hedonista e caprichoso, o substrato necesario para o crecemento infinito da economía global.7

Bjarke Ingels elaborou unha fórmula, conceptualmente sinxela, que lle supuxo alcanzar o status de ‘celebrity’ a gran velocidade, capturando encargos de gran calaje ao longo e ancho do planeta. Por unha banda o seu ‘YES IS MORE’ lle (auto) presenta, nunha sorte de cadea sucesoria, como herdeiro de arquitectos da talla de Mies van der Rohe, e a súa ascético ‘LESS IS MORE’, ou Rem Koolhaas, e o seu redundante ‘MORE IS MORE’.

Doutra banda, o discurso exitoso de aire desenfadado e xuvenil, tan propio do novo modelo empresarial importado desde Silicon Valley, cativa a diferentes axentes do poder político e financeiro, que atopan un poderoso ‘ feedback’ nunha idea rapidamente consumible, asimilable e ‘ retweeteable’ ao resto dos cidadáns en forma de novas e refrescantes expresións, iso si, de non máis de tres palabras das cales, polo menos unha, sexa YES.

Non estaría de máis engadir a este coro de voces sensuais un *(asterisco) e un bo ‘tocho’ de letra pequena, fórmula imprescindible na actual dinámica comercial. Por unha banda, debería ser obrigatorio coñecer as contraindicacións e efectos secundarios dunha mensaxe edulcorado e narcotizante para os cidadáns: dicirnos ‘si a todo’ non é tan só tratarnos como a imbéciles, tamén supón a xeración dunha dinámica populista de autodestrución propia das sociedades en profunda decadencia.8

Doutra banda, deberíase establecer unha compensación por parte do ‘gurú’ cara aos cidadáns, cando a súa máxima revélese insuficiente, ineficaz, inservible ou simplemente falsa.9

Talvez deste xeito, puidésense dar as condicións para a aparición de mensaxes máis certeiras e reflexivos, de carácter educativo, terapéutico, hixiénico, solidario e pedagóxico, letras ordenadas con algún sentido da evolución da especie, palabras aparecidas desde o coñecemento e a responsabilidade, desde o oficio humilde e honesto cun mesmo e cos demais: ‘YES NEEDS MORE’.

Tal vez de este modo, se pudieran dar las condiciones para la aparición de mensajes más certeros y reflexivos, de carácter educativo, terapéutico, higiénico, solidario y pedagógico, letras ordenadas con algún sentido de la evolución de la especie, palabras aparecidas desde el conocimiento y la responsabilidad, desde el oficio humilde y honesto con uno mismo y con los demás: ‘YES NEEDS MORE’.

Xa o sabemos,

É moi difícil,

Dicir que non,

Dicir non quero…10

Miguel Ángel Díaz Camacho. Doutor Arquitecto
Madrid. Marzo 2011.
Autor de Parráfos de arquitectura#arquiParrafos

Notas:

1. Yes is More. An Archicomic on Architectural Evolution, Big, Bjarke Ingels Group, Köln, Taschen, 2010.

2. Chama a atención se se compara cuantitativamente a obra de BIG (36 anos) coa obra completa de, por exemplo, Alejandro da Sota e Fco. Javier Sáenz de Oíza xuntos.

3. Definición obtida no dicionario da Real Academia Española.

4. Slogan utilizado polo senador demócrata Barack Obama durante a campaña presidencial de 2008.

5. A exposición sobre a obra de Sylvie Fleury ‘Yes to all’ pódese visitar no Centro de Arte contemporánea de Málaga ata o 12 de xuño de 2011.

6. Empresa adicada a transaccións económicas a nivel mundial.

7. Pra profundar sobre esta idea recoméndase ‘A vida líquida’ de Zygmunt Bauman.

8. A través de movementos como o 15 M ( Spanish Revolution ou Democraciarealya), solicitamos por fin, e non só ao poder político senón a todos os poderes incluído evidentemente o financeiro, que se inclúa nas súas misións e visións algo tan elemental como o respecto polo ser humano.

9. Unbo exemplo é Barack Obama e o seu No we can’t ante cuestións transcendentes, como o vergoñoso atraso no peche de Guantánamo, o fracaso da misión de paz en Israel, a falta de compromiso co obxectivo global de redución de emisións de CO2 e outros gases de efecto invernadoiro, a súa pasividade nos reiterados cumes do clima, etc.

10. Dicir que non, Mario Benedetti

[:en]

Innsbruck, Yes to all
Innsbruck, Yes to all

This is a strange entrance with respect to the habitual thing and perhaps for that reason it pleases us especially. It is a text that is not specifically dedicated to architecture, nor to its authors; Nor does it talk about urban strategies, energy management or resources and many other issues that have interested us for years.

This time we wanted to write about a message that lately resonates for too many spheres of everyday life; a simple and hypnotic message addressed to the citizen to say, without distinctions or annotations, a resounding and bright ‘YES’. Let’s see some examples and reflect on this YES’ refreshing and without complexes.

The exhibition and subsequent catalog ‘YES IS MORE’,1 already become icon for the joy of its authors and editors, reviews the dizzying work of the last architect-celebrity and his young business group: Bjarke Ingels  Group. It is not intended here to perform an architecture criticism exercise on the profuse work of BIG,2 but to establish a reflection on the process of cultural legitimation of a message that, consciously and synchronized, is sent from different areas to the citizen, a message that can be synthesized in one word: YES, which in its adverbial meaning, expresses

‘Aaffirmation as an answer to a question’.3

After the famous ‘‘YES WE CAN’ by Barak Obama4 new locutions have appeared, always positive, brief and effervescent, which are offered in response to any question, the one that an anonymous citizen wants to make: from the ironic ‘YES TO ALL’ of Sylvie Fleury5 to the hedonistic and self-indulgent ‘YES IS MORE’ by BIG, going through the single ‘YES!’ That the Western Union6 brand will advertise in the form of yellow balloon-letters floating over different cities of the world.

The affirmation, telegrammatic and reiterative, is presented as a complex exercise of seduction, activating a desire or aspiration that can become reality, provided that the individual can pay for it and society as a whole can assume the consequences. It is about turning the citizen into a dissatisfied, hedonistic and capricious client, the necessary substrate for the infinite growth of the global economy.7

Bjarke Ingels has developed a formula, conceptually simple, that has supposed him to reach the status of ‘celebrity’ at great speed, capturing commissions of great calaje throughout the planet. On the one hand his ‘YES IS MORE’ le (auto) presents, in a sort of succession chain, as heir of architects of the stature of Mies van der Rohe, and his ascetic ‘LESS IS MORE’, or Rem Koolhaas, and his redundant ‘MORE IS MORE’.

On the other hand, the successful discourse of casual and youthful air, so typical of the new business model imported from Silicon Valley, captivates different agents of political and financial power, who find a powerful ‘feedback’ in an idea quickly consumable, assimilable and ‘retweeteable’ to the rest of the citizens in the form of new and refreshing expressions, yes, of no more than three words of which, at least one, is YES.

It would not hurt to add to this chorus of sensual voices an * (asterisk) and a good ‘billet’ of small print, an essential formula in the current commercial dynamic. On the one hand, it should be mandatory to know the contraindications and side effects of a sweetened and narcotizing message for citizens: saying ‘yes to everything’ is not just treating us like imbeciles, it also means generating a populist dynamic of self-destruction. the societies in deep decadence.8

On the other hand, compensation should be established by the ‘guru’ towards the citizens, when their maxim is revealed as insufficient, ineffective, unusable or simply false.9

Perhaps this way, the conditions could be given for the appearance of more accurate and reflective messages, of an educational, therapeutic, hygienic, solidary and pedagogical nature, ordered letters with some sense of the evolution of the species, words appeared from the knowledge and the responsibility, from the humble and honest office with oneself and with others: ‘‘YES NEEDS MORE’.

We already know,

It is very difficult,

To say no,

Saying I do not want10

Miguel Ángel Díaz Camacho. PhD Architect
Madrid. March 2011.
Author of the Parráfos de arquitectura#arquiParrafos

Notes:

1. Yes is More. An Archicomic on Architectural Evolution, Big, Bjarke Ingels Group, Köln, Taschen, 2010.

2. It´s striking if one compares quantitatively the work of BIG (36 years) with the complete work of, for example, Alejandro de la Sota and Fco. Javier Sáenz de Oíza together.

3. Definition obtained in the dictionary of the Royal Spanish Academy.

4. Slogan used by Democratic Senator Barack Obama during the 2008 presidential campaign.

5. The exhibition on the work of Sylvie Fleury ‘Yes to all’ can be visited at the Contemporary Art Center of Malaga until June 12, 2011.

6. Company dedicated to economic transactions worldwide

7. Deepenning this idea is recommended ‘La vida líquida’ de Zygmunt Bauman.

8. Through movements such as 15M (Spanish Revolution or Democraciarealya), we ask at last, and not only the political power but all powers, including the financial one, to include in their missions and visions something as elementary as respect. for the human being.

9. A good example is Barack Obama and his No we can’t for transcendental issues, such as the shameful delay in closing Guantánamo, the failure of the peace mission in Israel, the lack of commitment to the global goal of reducing emissions of CO2 and other greenhouse gases, their passivity in the repeated summits of the climate, etc.

10. Say no, Mario Benedetti

[:]