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Argument01. Sampling Contexts

ARGUMENT1 SAMPLIGCONTEXTS

Sampling Contexts (primer número de la serie Argument) es el libro resumen de una investigación sobre el #sampleo en arquitectura realizada en el curso 2017-2018 en el Departamento de Proyectos Arquitectónicos (DPA) de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM) de la Universidad Politécnica de Madrid (UPM). El documento adquiere el formato de un relato visual y escrito que recopila la información de trabajo, con un cuerpo principal formado por seis eventos en forma de diálogos interactivos que materializan un estado actual de la arquitectura.

Se entiende el sampleo como una técnica de gran interés en el campo de la arquitectura contemporánea. En un momento como el actual, en el que las tecnologías de la información y la comunicación permiten el acceso inmediato a todo tipo de materiales y recursos, la capacidad de los arquitectos para seleccionar y dotar de valor a ciertos fragmentos de información se vuelve más relevante. En este libro se muestran los imaginarios que cada una de las prácticas invitadas consideran de interés para sus procesos de trabajo, así como las relaciones que se establecen entre dichos fragmentos, con la intención de construir un argumento que dirija las acciones que determinan su producción.

En cada uno de los eventos, los invitados aportan una selección de 20 imágenes, organizadas en #matrices, en las que apoyan los fundamentos de sus respectivas prácticas. Son colecciones de referencias, recursos conceptuales o citas visuales que definen sus intereses y que son utilizadas para ilustrar los argumentos que se encuentran detrás de sus obras. Asimismo, dichas obras, entendidas como los resultados de los procesos descritos, han sido incorporadas a la publicación de forma fragmentada a modo de atlas compuesto por fotografías, planos, dibujos o maquetas, que manteniendo su autonomía como documentos, dialogan entre sí, generando múltiples relaciones a lo largo del libro. Se describe, por tanto, un escenario cíclico y abierto, de múltiples entradas y salidas, que pretende representar la complejidad de la producción actual de arquitectura.

Sampling Contexts promueve una reflexión en torno a qué es y cómo se hace hoy arquitectura, desvelando procesos de trabajo, de gestión y de comunicación desde lógicas contemporáneas como catalogación, remix o ensamblaje. Sampling Contexts son estudios emergentes europeos que revelan cómo producen y reproducen sus arquitecturas, un escenario valioso que no es accesible a pesar de vivir en un mundo de sobresaturación de imágenes. En Sampling Contexts han participado Jan De Vylder (DVVT, León de Plata Bienal de Venecia 2018, finalista Premios Mies van der Rohe 2019), Bruther (El Croquis 197, 2018), Maio, Arquitectura G, Gonzalo del Val, Taller de Casquería, PYO, Fake Industries, Luis Úrculo y Guillermo Santomá. Han participado también con textos en la publicación Jesús Vassallo y Enrique Walker.

Cómpralo, úsalo, rómpelo, arréglalo,

Deshazlo, modifícalo, envíalo –actualízalo.

Recárgalo, apúntalo, amplíalo, apriétalo,

Encájalo, úsalo, rápido –bórralo.

Escríbelo, córtalo, pégalo, guárdalo,

Cárgalo, revisarlo, rápido –reescríbelo.

Daft Punk,Technologic,en Human After All. 2004

Extra. Info de los eventos – Enlaces a los vídeos.

01. Maio y Arquitectura-G. 18 octubre 2017.

Compartieron cierto discurso en torno a #Domesticidad, oponiendo conceptos como posibilismo-determinismo o genérico-singular para explicar condiciones que se dan en 110 rooms (un portal singular, habitaciones genéricas) frente al Apartamento de 700 m2 para un soltero (un contexto genérico, un diseño singular), apareciendo en seguida #Series&Numeros, donde se contrapone el carácter en la comunicación acumulativo del wordpress de Arquitectura-G frente a la presentación basada en números de Maio. Ambos equipos operan especialmente mediante #Transferencias, mostrando conexiones desde el mundo del diseño industrial o la moda en el caso de G o del arte en el caso de Maio, y visibilizando cierta afinidad por una época disciplinar concreta de los años sesenta y setenta (Studio Per, etc.), compartiendo también cierto ecosistema a partir de sus experiencias en #Revistas (Apartamento y Quaderns) que han sido también determinantes en la construcción de una práctica y un archivo referencial. Otro asunto que interesó se relacionaba con #Ficciones, donde la construcción del material y la imagen en cada obra cobra importancia en la agenda de ambos estudios.

02. Taller de Casquería y Gonzalo del Val. 15 noviembre 2017.

Con sus proyectos e intervenciones como hilo conductor, y mediante el uso de sugerentes referencias, los invitados abordaron cuestiones de gran interés para el discurso arquitectónico contemporáneo. En la conversación ambas prácticas tomaron posicionamientos opuestos aunque complementarios en los diferentes contextos planteados por el equipo comisario. Hablaron de #Materialidad (del Val) y de #Ficciones (Taller de Casquería); del interés por los #Resultados (del Val) frente a los #Procesos (Taller de casquería); de los proyectos #Site Specific (del Val) y de los #ReadyMade (Taller de Casquería). Además, uno de los temas principales que surgieron en este segundo evento fue la discusión en torno a los modelos profesionales y de gestión que utilizan cada una de las oficinas: mientras Gonzalo del Val trabaja mediante #Colaboraciones puntuales para cada proyecto, Taller de Casquería utiliza un modelo basado en la #Participación colectiva de diferentes agentes.

03. PYO y FKAA -Fake Industries Architectural Agonism- (Madrid-Ginebra, Nueva York-Sidney). 29 de Noviembre, 2017.

Ambas oficinas comparten la condición de trabajar en contextos diversos alejados de su entorno inmediato. PYO, con base en Madrid y proyectos en Suiza y Burkina Faso y FKAA con oficinas en Nueva York y Sidney y proyectos y actividad docente en diferentes partes del planeta, conversaron sobre sus formas de entender una #Práctica deslocalizada. También trataron la idea de la relación entre #Tácticas y Técnicas o el concepto de #Apropiación, tanto desde el punto de vista del uso de referencias externas que se incorporan a su propia arquitectura como del conocimiento de la historia como herramienta de proyecto. Ambos invitados abordaron el tema de la #Representación y Cultura Visual entendiendo que el dibujo y las imágenes son herramientas de comunicación que mutan y se adaptan a los diferentes proyectos o bien son una oportunidad para construir un imaginario propio y representativo de la oficina. Por último, la conversación en torno al binomio #Especulación-Acción trató acerca de las convergencias y divergencias entre los ámbitos académicos y la práctica profesional.

04. Jan de Vylder (e Vylder Vinck Taillieu, DVVT). 19 febrero 2018.

La segunda parte del ciclo se inauguró con la confrencia de Jan de Vylder, socio fundador de la oficina belga Architecten De VylderVinckTaillieu. Su práctica, recientemente galardonada con el León de Plata en la Bienal de Arquitectura de Venecia representa un interesante ejercicio de sampleo en #Precarius Equilibriums desde el punto de vista de los materiales (#Material Sampling) -combinando elementos industriales y vernáculos- , de los tiempos históricos (#Sampling Times) -haciendo convivir lo nuevo con lo antiguo- y de los estilos arquitectónicos (#Whatdoesnotlookgoodmakesthatitlooksgood) -trabajando con la disrupción de los elementos arquitectónicos y la forma en que éstos se utilizan en cada obra. Asimismo, pudimos conversar con De Vylder acerca del sampleo como estrategia de diseño y de la idea de fragmento en sus procesos de trabajo: #Fragmentation and Autonomy. La arquitectura belga ha tenido recientemente un gran impacto en los medios de comunicación de arquitectura y en particular la obra de los arquitectos DVVT supone un interesante ejercicio que combina la producción con la comunicación de una agenda consciente con un trasfondo conceptual que configura su identidad como oficina. Con De Vylder, siguiendo con la tónica del ciclo, hablamos de los intereses de la oficina, de sus obras así como de los libros y monografías que editan combinando textos, fotografías y obras como parte esencial del cuerpo principal de su producción.

05. Guillermo Santomá y Luis Úrculo (Barcelona, Madrid-México). 28 de Febrero, 2018

Úrculo y Santomá abordaron su trabajo desde las prácticas de pensamiento y de producción. Ambos, el primero a través de sus obras y el segundo por medio de una ficción discursiva, expusieron temas como la praxis, la experimentación o la redefinición de los instrumentos. Entre los conceptos que pautaron el discurso destacó la #Materialidad, con lo artesanal, los sampleos materiales y las técnicas de ensamblaje; las #Series, donde los catálogos y las colecciones mostraron el potencial de trabajar con prototipos, iniciar cadenas de prueba-error y superponer elementos de origen natural y artificial. En base a una labor de #Reconstrucción de discursos presentaron la dicotomía entre la teoría y la materia, entre la abstracción y lo concreto. Otra de las características que permitió reunir a estos artistas-arquitectos fue la del #Sampleo Disciplinar, que puso en valor las prácticas periféricas, las transferencias entre contextos creativos y la redefinición de la arquitectura desde lo que ésta puede llegar a hacer o performar. Además, los #Viajes reflejaron el germen de su carrera profesional con los lugares vividos y las transferencias culturales, condición visible aún hoy en día en su trabajo: Úrculo desde México y Santomá desde la India.

06. Alexandre Theriot (Bruther). 7 mayo 2018.

Alexandre Theriot, cofundador de Bruther junto con Stéphanie Bru, presentó el trabajo de una oficina que discurre entre la arquitectura, el urbanismo, la docencia y la investigación. A través de tres obras recientes hizo patente un interés por el equilibrio entre estrategia y forma, rigor y libertad, especificidad y generalidad y evolución e inmediatez. Cultural and Sport Center Saint-Blaise en París, Residence for Researchers en la Ciudad internacional universitaria de Paris y New Generation Research Center en Caen mostraron una práctica que no nace de un corpus de pensamiento fijo, sino de una redefinición continua de la arquitectura. En un intento de llevar el programa a lo atemporal, contó las propuestas como infraestructuras abiertas que se ajustan a una gran cantidad de posibilidades, con una amplia maleabilidad de usos. Enfatizó la aceptación de las necesidades conceptuales y constructivas, pero también la capacidad de retroceder e inesperadamente encontrar nuevas áreas de experimentación. Los hashtags que arbitraron la conversación con el equipo de Sampling Contexts se estructuraron en #Machine Buildings, #Reason vs. Feeling, #Juxtaposition, #Daily Life Architecture y #Atlas and Collections, una serie de temas donde la ideación y la comunicación de los proyectos enfatizó una y otra vez la relación entre la arquitectura, el programa y el dominio frente a la obsolescencia.

 

Créditos

Argument es un proyecto de: Departamento de Proyectos Arquitectónicos, Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid. Universidad Politécnica de Madrid.
Comisarios y editores invitados de Argument 01: Sampling Contexts. Begoña de Abajo, Enrique Espinosa, Carlos García, Eva Gil, Ángela Juarranz, Álvaro Martín y Borja Sallago.
Editora de la colección: Silvia Colmenares, Subdirectora de investigación y difusión DPA.
Editan: DPA Prints y Ediciones Asimétricas
Distribuye: Ediciones Asimétricas
Fecha de los eventos: Octubre 2017- Mayo 2018
Fecha de publicación: Marzo de 2019

Errores urbanísticos del Madrid moderno o la sustitución de la ciencia urbana por la por la ingeniería de tráfico | Antón Capitel

Madrid, Gran Vía, años 30.
Madrid, Gran Vía, años 30. | Autor: Desconocido | Fuente: Granviademadrid

En los años 30, bajo el régimen de la Segunda República, de la mano maestra de Secundino Zuazo Ugalde y con el patronazgo de Indalecio Prieto como Ministro de Obras Públicas, se produjo una importante reforma urbana de Madrid, bien conocida de todos: la prolongación del Paseo de la Castellana, de un lado, y la construcción de los enlaces ferroviarios subterráneos a lo largo del gran eje del Paseo del Prado, Paseo de Recoletos, y Paseo de la Castellana, de otro, y desde la estación de Atocha hasta una supuesta estación, entonces inexistente, y que tardaría mucho en ser construida, la estación de Chamartín. Más tiempo todavía tardó también la ciudad en concluir, arquitectónica y ferroviariamente, este decisivo y nuevo rasgo metropolitano que guió su más importante crecimiento, dilatación que demostró, en definitiva, su lucidez.

Después de la guerra civil, el Plan de 1942, de la mano de Bidagor -que había aprendido casi todo del entonces desterrado Zuazo- prolongó aún la vía más importante de la ciudad más allá de la plaza de Castilla, punto de unión entre la prolongación del Paseo proyectada por Zuazo y la carretera en la que se había asentado el barrio de Tetuán de las Victorias. Pero, además, ideó otra importantísima nueva vía, la Avenida del Arroyo Abroñigal, que sólo vería la luz mucho más tarde, y transformada ya, por simples razones temporales, de una autovía de circunvalación de la ciudad, naturaleza con la que había sido pensada, en una vía interior de tráfico rápido, condición a la que el paso del tiempo la había inexorablemente llevado. Casi 40 años transcurrieron entre el pensamiento sobre esta autovía y su realización, cuando fue bautizada con el abstracto nombre de M-30.

La M-30 nacía, pues, como hija de una contradicción. Era una autovía que, sin dejar de serlo, se había convertido automáticamente en una vía urbana. Su construcción era un bien, qué duda cabe, y así la nueva vía ayudó poderosamente a estructurar más adecuadamente la metrópoli. Pero también planteaba un reto que la ciudad tendría que acabar asumiendo: la contradicción en la que nacía tendría que ser, algún día, definitivamente resuelta. La M-30 tendría que ser, con el tiempo, otra cosa. Tendría que transformarse.

Una de las posibles transformaciones fue insinuada ya cuando el ayuntamiento socialista, presidido por Tierno Galván, y con Eduardo Mangada como concejal de urbanismo, construyó el cierre de la autovía mediante una de las posibilidades de transformación que tenía la naturaleza de la antigua. La Avenida de la Ilustración, un gran paseo que compatibilizaba el gran tránsito de vehículos con su naturaleza urbana, se realizó a la manera de una Castellana nueva. Voces oscuras, partidarias del diseño de la ciudad como una cuestión de tránsito de vehículos, protestaron mucho entonces. Eran voces que ya se habían convertido en actuaciones muy a menudo, y que, a partir de entonces, fueron prácticamente únicas. Desde antes del gobierno socialista de la ciudad y, sobre todo, después de él, la metrópoli madrileña se convirtió en un territorio gobernado desde el único punto de vista de la ingeniería del tránsito privado. Un punto de vista bastante siniestro, que convirtió casi todas las actuaciones del Madrid moderno en graves errores urbanísticos, transformando negativamente el desarrollo de una ciudad que tan buenos inicios había tenido.

En esta foto del Plan de Enlaces Ferroviarios se aprecia el trazado del túnel Atocha-Chamartín representado en línea discontinua. Foto Fundación Indalecio Prieto
En esta foto del Plan de Enlaces Ferroviarios se aprecia el trazado del túnel Atocha-Chamartín representado en línea discontinua. Fuente: Fundación Indalecio Prieto

El apodo de “el tubo de la risa” con el que los madrileños bautizaron a los túneles ferroviarios construidos por Zuazo, y debido a que permanecieron vacíos desde los tiempos de la Segunda República hasta que, en los avanzados años 60, la administración de la dictadura franquista realizó la estación de Chamartín, explica bien la ignorancia que la ciudad tenía de lo que era su más positivo rasgo urbanístico moderno. Llegados aquellos años, los enlaces ferroviarios se revelaron tan lúcidos como imprescindibles, pero la óptica tan miope como interesada que el franquismo tuvo sobre la ciudad hizo que tan importante rasgo permaneciera aislado.

Aislado incluso en su misma situación, pues nunca se construyó, desgraciadamente, una línea del Metro que siguiera toda la Castellana –se pensaba, acaso, que con el paso de los trenes de cercanías por “el tubo” era suficiente- y tampoco se aprovechó la lucidez de los enlaces para pensar que, más pronto o más tarde, serían insuficientes. Al parecer, toda clase de instalaciones y otros impedimentos hicieron que no fuera demasiado práctico duplicar o triplicar los túneles del tren utilizando el subsuelo del mismo eje.

Estación de Atocha. Colección César Mohedas
Estación de Atocha. Colección César Mohedas

Pero vayamos primero a lo que permitía la existencia de la M-30, y que no fue aprovechado. La construcción de este anillo viario –completado además, y después, con los otros anillos periféricos, la M-40 y la M-50- suponía que el encuentro con él podría evitar la acometida de las grandes carreteras nacionales directamente hacia la ciudad. No fue así en la acometida de la Nacional VI, hacia Galicia, Asturias y Cantabria, que se siguió dirigiendo directamente hacia el centro de la ciudad, sacrificando para ello tanto las cualidades ambientales de la vieja entrada como las de la vía de inicio a la Ciudad Universitaria.

Es ésta, pues, una de las grandes actuaciones urbanísticas erróneas del Madrid moderno. La Ciudad Universitaria, promovida por el tramo final del decadente régimen monárquico, pero construida en realidad por la Segunda República, fue destruida por las fuerzas nacionalistas durante el transcurso del frente de guerra, pero reconstruida y reforzada después por el régimen dictatorial. Se trataba de una de las operaciones urbanas más cualificadas de Madrid, que no tiene parangón, al menos como tal uso, en ninguna ciudad de Europa. Probablemente bien consciente de ello, el régimen dictatorial reforzó mucho en la posguerra su primer tramo, esto es, el que le une a la ciudad convencional.

En efecto, después de la guerra civil, tanto las reconstrucciones como, sobre todo, las nuevas construcciones, consolidaron este primer tramo de la Ciudad Universitaria. Se realizaron en él el edificio del Museo de América , las Escuelas de Ingenieros Navales y de Ingenieros Aeronáuticos, y nuevos Colegios Mayores, y se simbolizó esta consolidación con la construcción del Arco de Triunfo, que, si bien, y de un lado, simbolizaba la victoria de las fuerzas rebeldes sobre las leales, de otro, jalonaba poderosamente el inicio de la Ciudad Universitaria, con un tramo de avenida desde el arco hasta la plaza del Cardenal Cisneros, a partir de la cual se abría el segundo tramo de la avenida hasta el lugar del nunca construido Paraninfo, final del recinto universitario.

Pero el Ministerio de Obras Públicas, ya en los años 80, ignorando la condición universitaria de este tramo de calle, y abusando sin dudarlo de su propio y muy específico papel, interpretó la ciudad a su gusto y lo convirtió en la prolongación de la Nacional VI, quitándole toda otra naturaleza que no fuera ésta. Se redujeron enormemente las aceras, se talaron filas de árboles y se construyó un túnel capaz de evitar el paso por la plaza del Cardenal Cisneros y de convertir así esta avenida universitaria en un trozo de autovía.

Igualmente se reformó el primer tramo de la nacional VI, posterior a la plaza del Cardenal Cisneros, sometiéndolo a la unidimensional ideología de la ingeniería del tráfico privado, y asolando este trozo del territorio, tal y como puede verse hoy. Recuerde, quien pueda, lo que antes hubo. La Puerta de Hierro, ridículamente aislada en medio de las vías de tránsito, es el dramático testigo mudo de la brutal reconversión que de este cualificado lugar se hizo.

Posteriormente todavía, la construcción de la central de autobuses en el “intercambiador” de Moncloa añadió el pretexto del tránsito público a la destrucción del lugar con nuevos túneles y nuevas vías, sólo recientemente acabados. Así, desde los años 80 hasta 2009 se ha realizado una destrucción sistemática de las cualidades urbanas del primer tramo de la Ciudad Universitaria, convirtiéndolo en un territorio enormemente áspero sino es acaso para los automovilistas, y destruyendo un lugar cuya transformación debería haber sido evitada, dada la existencia de los grandes anillos viarios metropolitanos.

Uno de los más grandes errores urbanísticos del Madrid moderno se ha consumado. Pero, dada la exageradísima importancia de las obras públicas en todo este asunto, y en otros semejantes, no tenemos más remedio que preguntarnos:

¿había, verdaderamente, en las intenciones de todo esto mucho más que el desvío de grandes cantidades de capital público?

Los funcionarios, políticos y técnicos, que programaron este desaguisado

¿tenían en su norte, realmente, alguna otra cosa?

Podemos imaginar, con algo de condescendencia, que se trataba, tal vez, de matar dos pájaros de un solo tiro, el servicio público de la supuesta mejora del tránsito rodado y el consiguiente negocio de la construcción de infraestructuras, pero, a la vista de los resultados, no cabe duda cuál era el pájaro principal que los expertos tiradores se proponían cobrar. (Con gran miopía, por cierto, pues resolver que esta carretera entroncara mejor con la estructura urbana de la metrópoli hubiera proporcionado obras no menos pingües, si bien más difíciles de idear y de proyectar.)

Volviendo a la Castellana, resulta más sencillo explicar el error de su final, pues es nítido y a la vista está. La calle más importante de la ciudad acaba en un aparatoso nudo de autovías, anunciado, eso sí, por los dos túneles que el automovilista ha de usar obligadamente si se dirige hacia allí. El primer túnel puede considerarse incluso caritativo, pues le impide contemplar de cerca el horror de la plaza de Castilla que, inevitablemente, habrá visto de lejos.

Allí se acumulan las peores arquitecturas de la ciudad: el mediocre monumento al protomártir de la cruzada franquista –por cierto ¿la Ley de Memoria Histórica no debería obligar a desmontar ese artefacto?- las inefables torres inclinadas de los horteras arquitectos estadounidenses, las distintas estaciones de autobuses que las acompañan y acompañaban a modo de subproducto formal, y, ahora, el estúpido monolito del ingeniero-arquitecto-escultor -¿algo más?- valenciano. Los horrores, en el caso de la plaza de Castilla son, pues, arquitectónicos, y tan sólo una obra de ingeniería –eso sí, de construcción, no de tránsito-, el depósito de agua, intenta defender, ella sola, la calidad formal. Imagino que no faltará mucho para que lo tiren.

Lo cierto es que la gran avenida, con el significativo anuncio de los túneles, renuncia a ser en su final un elemento urbano para convertirse sin más en un complicado artificio viario. La ingeniería de tráfico, ha sustituido espúreamente, y una vez más, a la urbanística. Las nuevas y elefantiásicas torres, condenadas así a ser periféricas, parecen contemplar asombradas el lugar que desproporcionadamente ocupan, mientras testimonian elocuentemente que, en el Madrid moderno, tan sólo aparece plenamente la arquitectura –la arquitectura que sea- si significa especulación.

A finales de noviembre de 1958 el Ayuntamiento aprobó el proyecto de construcción del estadio en los terrenos denominados Canalización del Manzanares. Fuente: http://historias-matritenses.blogspot.com/2014/05/estadio-vicente-calderon-o-manzanares.html
A finales de noviembre de 1958 el Ayuntamiento aprobó el proyecto de construcción del estadio en los terrenos denominados Canalización del Manzanares. Fuente: historias-matritenses.blogspot.com

Otras entradas y salidas, como las de la Nacional III, IV y V, están más unidas a la gran infraestructura viaria metropolitana que a la ciudad central. No así la Nacional II, o carretera de Barcelona. Prolongación del gran eje Cea Bermúdez-Abascal-María de Molina, que une sin razón alguna que lo justifique las radiales II y VI, la carretera de Barcelona coincide con el acceso al Aeropuerto. Ni el Ministerio de Obras públicas ni el Ayuntamiento se habían preocupado nunca de esta absurda coincidencia hasta que los atascos sistemáticos llegaron a impedir el buen acceso a Barajas.

Fue el ayuntamiento presidido por Álvarez del Manzano el que aplicó para resolverlo la mágica solución municipal madrileña, los túneles, fórmula técnica para esconder la porquería debajo de la alfombra y para desviar con ejemplar y extrema eficacia los fondos públicos hacia las empresas de Obras Públicas. (Se diría que la coincidencia de los adjetivos facilitaba la identidad de la solución).

El túnel municipal –de insólito recorrido subterráneo, pues da numerosas curvas para volver a salir de nuevo en la Avenida de América- parece haber resuelto el problema. Pero,

¿no se hubiera gastado el mismo o parecido dinero si se hubiera reservado, por ejemplo, la Avenida de América para el Aeropuerto y se hubiera buscado una alternativa desde la M-30 para la salida a Barcelona?

Esta u otra alternativa, y más allá o más acá del dinero, hubiera dado a Madrid una solución más atractiva que el enterramiento del tránsito privado, carrera en que la ciudad parece haber empeñado sus afanes hasta conseguir ser la que tenga más túneles en todo el mundo.

Coches, trolebuses, buses de uno y dos pisos… La Cibeles nunca está sola. Hacia 1955. Fuente: elpais.com
Coches, trolebuses, buses de uno y dos pisos… La Cibeles nunca está sola. Hacia 1955. Fuente: elpais.com

Pero, visto esto, llegamos de nuevo a la M-30, para la que el alcalde Gallardón reservaba una transformación aparentemente sorprendente, pero, como ya hemos visto, ligada a la tradición municipal y moderna de la ciudad. La M-30 necesitada a medio plazo una transformación que la librara de su ambigua naturaleza, como ya habíamos visto, y, en el tramo del río, fue así tocada por la varita mágica que –en vez de bastón de mando- parecen poseer los alcaldes de la ciudad, para transformarse en algo muy sencillo y, supuestamente, eficaz: un túnel, probablemente el túnel más largo y más caro del mundo. La administración de la ciudad ha quedado económicamente hipotecada hasta límites que en España eran desconocidos y que son políticamente escandalosos.

El desvío de los fondos públicos hacia las empresas de infraestructuras ha sido en este caso impúdico, y eso que todavía falta una parte muy importante, aquélla que se ha exhibido, con no menor impudicia, como coartada de la solución: la construcción superior de un parque. Esto es, el infierno debajo –es, de hecho un infierno: vayan, por favor, a comprobarlo- y el paraíso encima. He aquí el urbanismo mágico madrileño. No puedo dejar de recordar la novela “La máquina del tiempo”, de H.G.Wells, cuando el protagonista viaja al futuro y se encuentra con unos personajes idílicos, que disfrutan de un paraíso, y se queda extasiado hasta que descubre que son la comida de los siniestros monstruos que habitan los espacios subterráneos.

La gigantesca cantidad de dinero invertido –además del que falta-

¿no hubiera bastado para convertir la M-30 en otra Castellana, como la Avenida de la Ilustración, domesticándola en forma urbana, reduciendo su capacidad de tránsito y resolviendo nudos y conexiones para enviar el tráfico a los otros anillos periféricos, y hacer así una ciudad normal y no un siniestro invento?

Naturalmente, esto no hubiera desviado los fondos públicos de manera tan eficaz, hubiera necesitado además gente que supiera pensar y proyectar para la ciudad, y hubiera representado una forma de entender ésta no subordinada a la ingeniería de tráfico, sino a la naturaleza de las ciudades. Hubiera necesitado una voluntad firme de mejorar la ciudad y no de fingir cínicamente resolver sus problemas. Prueben, por favor, la nueva M-30, disfruten de su horroroso espacio y de su potente capacidad de desorientación, degusten los habituales atascos subterráneos.

Comprueben así, en sus ciudadanas carnes, lo que es la gestión de la ciudad cuando las ideas de la ciencia urbana son sustituidas por la unidimensional –y en este caso monstruosa- ideología de la ingeniería de tráfico. El alcalde actual de la ciudad ha demostrado ser muy superior a sus antecesores; esto es, ser capaz de idear y de cometer el mayor error urbanístico del siglo XX y de lo que va del XXI. De lo que va de historia.

Algunos comentaristas, incluso en revistas extranjeras de prestigio, han glosado la modernidad que significa esta transformación madrileña. No les envidio el alcance de su vista ni el de su criterio. Modernidad, desde luego; transformación descualificada, absurda y enormemente cara, también.

¿Qué no habría hecho un buen ayuntamiento con esa disparatada cantidad de dinero?

Le hubiera bastado para 20 años de transformación cualificada y eficaz. Pero, para lograr eso, hay demasiados –y no sólo munícipes- que tendrían que volver a nacer.

La M-30, una autopista con historia.
La M-30, una autopista con historia.

El último episodio no es, quizá, el peor, pero sí el más engañoso y el más ridículo. Menos el anterior –la M-30, que corresponde a la imprudente gestión del edil actual-, todos los demás errores corresponden al Ministerio de Obras Públicas –o al de Fomento, si seguimos el ridículo y decimonónico revival, que debería haberse cambiado-, que se permitió actuar según su ideología ingenieril y sin consultar a urbanistas inteligentes, algunos de los cuales quizá trabajen incluso en sus propios servicios.

Se trata en este caso de una promoción del inefable ministro Álvarez Cascos, iniciada por él, pero realizada en su mayor parte por el gobierno socialista, que debería haber tenido la lucidez y el valor de pararlo. Me refiero a la construcción de una gran estación de cercanías en la Puerta del Sol, con los consiguientes túneles de unión, por los infiernos de Madrid, con Chamartín y Atocha. Situar una gran estación de cercanías en el centro antiguo de la ciudad es un error tan evidente que ya Secundino Zuazo, al final de los años 20 o principio de los 30, advirtió de ello para que no fuera cometido. El error es, pues, la repetición de una inadecuada propuesta de alguien nada menos que del final de la monarquía alfonsina, fíjense bien.

¡Qué haya de llover tanto para esto!

La Puerta del Sol no es el centro de la ciudad, es el centro del casco antiguo. Ni siquiera es ya el centro de la red del ferrocarril metropolitano, pues ésta es ahora una red moderna que ya no tiene centro. El centro de la ciudad, si quisiera buscarse, está en la Castellana, y es lineal. Podría situarse, más o menos, entre la Plaza de Colón y la de San Juan de la Cruz.

Nunca debió abandonarse la Castellana como lugar idóneo para los enlaces ferroviarios. Si faltan túneles, deberían haberse construido, duplicados o triplicados, paralelos a los que ya existen. Es muy difícil -nos dirían- pues la Castellana está llena de conducciones subterráneas que hacen casi imposible la obra. Nos lo dirían los mismos, o los sucesores, de quienes insensatamente situaron allí conducciones varias de cualquier manera.

Si los enlaces ferroviarios se hubieran continuado por la Castellana, las estaciones de Nuevos Ministerios y de Colón, magníficamente situadas, hubieran constituido una secuencia ferroviaria utilísima, urbanísticamente adecuada. Ello hubiera permitido incluso transformar la estúpida Plaza del Descubrimiento –el solar de la Casa de la Moneda- en una importantísima estación, con lugar para centro comercial y todo, y sin necesidad de ser completamente subterránea, sino presentándose como una estación normal, que conduce finalmente al subsuelo. Ello hubiera podido servir, además, para coordinarse con el Ayuntamiento, que va a realizar en superficie, de Colón a Atocha, la reforma del paseo proyectada por el equipo de Siza Vieira.

La obra hubiera sido más molesta, quizá, y más complicada, pero el objetivo lo hubiera merecido. Cierto es que, acaso, las grandes máquinas tuneladoras que han comprado determinadas empresas de obras públicas no podrían ser tan fácilmente amortizadas, ni podrían generar las sabrosísimas y abusivas plusvalías que han generado, sin duda, al perforar los infiernos madrileños, bajo los edificios, de Chamartín a Sol y de Sol a Atocha. Más distancia que por la Castellana y, así, más dinero en las certificaciones. El pájaro principal que los cazadores querían cobrar con el gasto de un solo tiro de la cartuchera, se ha conseguido. El otro –la utilidad y calidad urbana- si ha caído o no, allá películas.

Pero la ampliación de los enlaces subterráneos más o menos directa, resultaba, a la postre, imprescindible, y, así, Fomento y el municipio están realizando el paso de un nuevo túnel por la calle de Serrano. Naturalmente, tiene una coartada urbana: la calle de Serrano verá disminuida su capacidad de tránsito de vehículos y muy ampliadas sus aceras. Como siempre, la bella solución del infierno subterráneo y el paraíso superior, en la mejor tradición de H.G.Wells. No importa que la calle de Serrano fuera una calle con los semáforos sincronizados, por la que se circulaba muy bien, y que tenía ya unas aceras anchas y absolutamente suficientes. Todo sea por el arte del disimulo, y por colar, de rondón, un aparcamiento subterráneo, que haga más rentable la operación, y que contribuya a aumentar considerablemente el tráfico privado de una ciudad que hace mucho tiempo debería haberse planteado su limitación sistemática.

Es éste, de Sol y Serrano, el último importante error urbanístico de una ciudad que hace ya más de 20 años que parece haber renunciado definitivamente al sensato urbanismo para entregarse en exclusiva a la siniestra euforia de las obras públicas.

Es lástima para una metrópoli que no había tenido una mala historia de planeamiento, y que es ahora capaz de despreciar tanto la sabiduría de la ciencia urbana que, a pesar de todo, esconde en su seno, como el sentido común. Pues los políticos no parecen estar a la altura de los profesionales y de los intelectuales de la ciudad –ciudad universitaria excelente y amplia-, a los que nadie ha consultado desde hace décadas. Madrid, ciudad del Rey en la historia, y con un planeamiento más que convincente, deviene ciudad del tráfico privado y de la especulación del suelo. Y no hay nada en el horizonte que señale un cambio en tan antipática, triste y moderna perspectiva.

Antonio González-Capitel Martínez · Doctor arquitecto · catedrático en ETSAM
Madrid · enero 2010

Publicidad con arquitecto | Jorge Gorostiza

Moving Picture World, nov 1920, Anuncio arquitecto
Moving Picture World, nov 1920, Anuncio arquitecto

El texto ayuda a explicar el dibujo:

VISUALIZANDO EL ÉXITO
El arquitecto progresista
especifica que su teatro
debe estar equipado con SIMPLEX
LOS MEJORES TEATROS DEL MUNDO USAN SIMPLEX

Centrado en el margen inferior hay un pequeño rótulo en el que se puede leer:

Hecho y garantizado por
THE PRECISION MAHINE Co. Inc.
317 – 321 Este, Calle 34 – Nueva York

Gracias al texto se sabe que ese hombre es un arquitecto, pero lo primero que llama la atención hoy en día es que no se sabe qué se está anunciando, qué era Simplex y qué fabricaba la compañía The Precision Machine, porque el anuncio no lo indica, eso significa que debería ser una empresa muy conocida en esa época. Buscando datos se encuentra que era una marca de proyectores y si se quiere conocer su historia, se puede consultar este enlace.

Respecto al arquitecto, se repite el estereotipo del profesional soñador, incluso progresista -según el texto-, que está en la sombra, a contraluz y por eso no se sabe cómo es su fisonomía, pero es capaz desde su estudio de visualizar sus proyectos ideales y con éxito -también según el texto-, antes de llevarlos a la práctica.

Lo cierto es que su proyecto no es avanzado, sino bastante convencional, un edificio de dos plantas con la típica marquesina encima de su entrada, un letrero perpendicular al plano de fachada, con parte de un tejado inclinado en voladizo en la última planta y encima el parapeto de la cubierta rematado con unos adornos historicistas; un conjunto poco interesante que copia el aspecto de numerosos cines estadounidenses de esa década.

Aunque el anuncio es curioso desde el punto de vista formal, es una lástima que, como le sucede a otros, no acierte en el ámbito arquitectónico.

Jorge Gorostiza, Doctor arquitecto.
Santa Cruz de Tenerife, agosto 2018
Autor del blog Arquitectura+Cine+Ciudad

Fernando Higueras. Desde el origen

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La exposición propone un recorrido cronológico y sumamente visual por toda la obra de Fernando Higueras, con maquetas originales de la época, fotografías, planos y audios en los que el arquitecto habla sobre sus edificios y su concepción de la arquitectura. además, en la planta baja se mostrará una recreación de su estudio en su casa, el célebre “Rascainfiernos”.

Fernando Higueras. Desde el origen

«Iconoclasta, visionario, pintor, músico y fotógrafo, genio deslumbrante, el arquitecto Fernando Higueras (Madrid, 1930-2008) ha dejado como herencia en la historia de la arquitectura española un modo emocional de considerar la arquitectura desde su cualidad más esencial.»

Fernando Higueras nació en Madrid el 26 de noviembre de 1930. Cursó bachillerato en el Colegio Estudio de Madrid, alternándolo con música y pintura. En 1959 se graduó por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid. Su proyecto fin de carrera se publicó en la revista Nueva Forma de Fullaondo y sus 10 Residencias de Artistas en El Pardo ganaron el accésit del Premio Nacional de Arquitectura.

Aficionado a la música, a la pintura, a la escultura y a la fotografía, participó desde 1953 en numerosos concursos de las cuatro ramas artísticas logrando a lo largo de su carrera gran número de premios. En urbanismo y arquitectura consiguió también un sinfín de premios y reconocimientos, entre los más relevantes: la Primera y Segunda Medallas de Arquitectura en la Exposición Nacional de Bellas Artes, 1966; fue invitado como único arquitecto español para el Concurso Internacional Restringido para Edificio de Oficinas para la firma DOM, en Colonia (Alemania), 1980; Primer Premio del Concurso Internacional para el Ministerio de Asuntos Exteriores de Abu Dabi, 1980; invitado a la Bienal de Venecia, 1983. En 1983 fue seleccionado por el Consejo Superior de los Colegios de Arquitectos de España para optar al Premio Internacional de Arquitectura Pritzker.

Fernando Higueras. Desde el origen Fernando-y-puro

En 1998 se concedió al Hotel Las Salinas de Lanzarote (1973) la categoría de Patrimonio Artístico y Cultural de la isla de Lanzarote, además, su proyecto para urbanización de Lanzarote se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. En 2002, el Ayuntamiento de Madrid catalogó y protegió otras tres obras suyas: la sede del Instituto del Patrimonio Cultural de España La Corona de Espinas (1965), el Colegio Estudio, Aravaca (1962), y la UVA de Hortaleza (1963).

Su obra ha podido verse en exposiciones que han itinerado por España, dio conferencias por todo el mundo y participó en cursos y seminarios. Falleció en Madrid el 30 de enero de 2008.

FERNANDO HIGUERAS. DESDE EL ORIGEN
Del 27 de febrero al 19 de mayo en el Museo ICO
Comisariada por Lola Botia
Organiza: Fundación ICO – Ministerio de Fomento.

[:es]La mirada viajera | Marcos Miguélez[:gl]A mirada viaxeira | Marcos Miguélez[:en]La mirada viajera | Marcos Miguélez[:]

[:es]

La mirada viajera Marcos Miguélez o11

El proyecto ha consistido en la transformación de un pequeño local comercial en espacio de trabajo para una agencia de viajes.

De unos 45 metros cuadrados y situado en la planta baja de un edificio de viviendas, el volumen de intervención es mayor en altura que en anchura. El techo permite trabajar hasta una altura libre de unos cinco metros y el ancho alrededor de tres. Tiene su única apertura a la luz natural en la fachada principal.

La propuesta se plantea como un espacio a doble altura que organiza sus actividades en dos niveles. De este modo, según la privacidad y funcionalidad del programa, se han repartido las actividades en dos plataformas conectadas por una escalera de caracol.

 El área de atención al público, con acceso directo desde la calle, se ubica en el nivel más bajo. En el altillo se encuentra la sala privada de oficina, definida por una mesa flotante volcada hacia la doble altura y las vistas a la calle. Al fondo y bajo el altillo preexistente hay un pequeño office, un aseo y un almacén, que crean una zona de servicios.

La fachada principal la define un ventanal y una puerta de dos hojas que se abre intencionadamente a la calle, buscando la luz, el paisaje y la relación con el espacio público.

Obra: La mirada viajera
Autor: Marcos Miguélez
Ubicación: Ponferrada – León, España
Superficie total: 45 m2
Año: 2018
Fotografías: Antonio V. Sotelo 
Colaboradores: Talleres Roval S.L.
+ marcosmiguelez.com[:gl]

La mirada viajera Marcos Miguélez o11

O proxecto consistiu na transformación dun pequeno local comercial en espazo de traballo para unha axencia de viaxes.

Duns 45 metros cadrados e situado na planta baixa dun edificio de vivendas, o volume de intervención é maior en altura que en anchura. O teito permite traballar ata unha altura libre duns cinco metros e o ancho ao redor de tres. Ten a súa única apertura á luz natural na fachada principal.

A proposta exponse como un espazo a dobre altura que organiza as súas actividades en dous niveis. Deste xeito, segundo a privacidade e funcionalidade do programa, repartíronse as actividades en dúas plataformas conectadas por unha escaleira de caracol.

A área de atención ao público, con acceso directo desde a rúa, sitúase no nivel máis baixo. No altillo atópase a sala privada de oficina, definida por unha mesa flotante envorcada cara á dobre altura e as vistas á rúa. Ao fondo e baixo o altillo preexistente hai un pequeno office, un aseo e un almacén, que crean unha zona de servizos.

A fachada principal defínea unha ventá e unha porta de dúas follas que se abre intencionadamente á rúa, buscando a luz, a paisaxe e a relación co espazo público.

Obra: A mirada viaxeira
Autor: Marcos Miguélez
Ubicación: Ponferrada – León, España
Superficie total: 45 m2
Ano: 2018
Fotografías: Antonio V. Sotelo 
Colaboradores: Talleres Roval S.L.
+ marcosmiguelez.com[:en]

La mirada viajera Marcos Miguélez o11

The project consists in the transformation of a small business premises into a work space for a travel agency.

Amounting to 45 square meters and located on the ground floor of a residential building, the volume of intervention is greater in height than it is in width. The ceiling allows to work up to about five meters in height while the width is around three meters. The only opening to natural light is on the main facade.

The proposal results in a double-height space to accommodate its activities on two levels. Thus, according to the privacy and functionality of the program the activities have been distributed on two platforms connected by a spiral staircase.

The public and customer area, with direct access from the street, is at the lower level. On the higher floor is the private office, delimited by a floating table turned towards the mezzanine and the street views. At the bottom there are a toilet and a storage space that create a service area.

The main facade is defined by a window and the main door that intentionally opens to the street, looking for light and connection with public space.

Work: La mirada viajera
Author: Marcos Miguélez
Location: Ponferrada – León, Spain
Total built area: 45 m2
Year: 2018
Photography: Antonio V. Sotelo 
Collaborators: Talleres Roval S.L.
+ marcosmiguelez.com[:]

ACTIVATORS. Public Space Strategies

[:es]

ACTIVATORS. Public Space Strategies a+t 51

La revista a+t retoma la serie STRATEGY, iniciada en 2010 con el objetivo de resaltar y dar nombre a estrategias y acciones presentes en los proyectos de espacio público.

Este nuevo volumen de la serie, a+t 51, llamado ACTIVATORS, incluye obras de MVRDV, Jaja, Adept, Nendo, Vaumm, Wowhaus y Ola, entre otros.

Se trata de proyectos que agregan nuevas dinámicas al espacio público a través de la incorporación de instalaciones para el ocio, el deporte o el aprendizaje lúdico.

Un índice de 85 acciones, identificadas dentro de los 13 proyectos incluidos en este número, permite analizarlas según:

– Escala de influencia: Contexto, Lugar, Objetos

– Tipo de estrategia: Ambiental, Socioeconómica, Estética.

CONTENIDOS (Inglés/Español)

Strategies & Actions. Aurora Fernández Per

Recreating a Landscape

Gilles Brusset. L’Enfance du Pli. Meyrin (Switzerland)

Collaborating with the Users

NP2F Architects. Sports Area in the Gardens of Saint-Paul. Paris (France)

Recreating a Theme

Nendo. Tenri Station Plaza CoFuFun. Tenri (Japan)

Reusing a Corridor

MVRDV. Seoullo 7017 Skygarden. Seoul (South Korea)

Blurring the Limits

VAUMM Arkitektura. Alaberga Urban Lift. Errenteria (Spain)

Making Interior Landscapes

JAJA Architects. Activity Landscape Harboøre. Harboøre (Denmark)

Appropiating the Roof

ADEPT. Vestre Fjord Park. Aalborg (Denmark)

Applying a Generator Matrix

OLA Estudio. Lagoon pools at Monte do Gozo. Santiago de Compostela (Spain)

Hybriding Natural and Man-Made Processes

Ooze, Marjetica Potrc. Natural Bathing Pond and its Landscape. London (United Kingdom)

Learning by Doing

Students from Bartlett School of Architecture led by Jan Kattein and Julia King. The King’s Cross Skip Garden. London (United Kingdom)

Invigorating the Suburbs

Rozana Montiel, Alin V. Wallach. Cancha. Lagos de Puente Moreno, Veracruz (Mexico)

Removing Barriers

Rozana Montiel, Alin V. Wallach. Common-Unity. San Pablo Xalpa, Azcapotzalco, Mexico City (Mexico)

Learning by Playing

Wowhaus Architecture and Urban Design. Urban Farm at VDNKh. Moscow (Russia)

[:gl]

ACTIVATORS. Public Space Strategies a+t 51

A revista a+t retoma a serie STRATEGY, iniciada en 2010 co obxectivo de resaltar e dar nome a estratexias e accións presentes nos proxectos de espazo público.

Este novo volume da serie, a+t 51, chamado ACTIVATORS, inclúe obras de MVRDV, Jaja, Adept, Nendo, Vaumm, Wowhaus e Onda, entre outros.

Trátase de proxectos que agregan novas dinámicas ao espazo público a través da incorporación de instalacións para o lecer, o deporte ou a aprendizaxe lúdica.

Un índice de 85 accións, identificadas dentro dos 13 proxectos incluídos neste número, permite analizalas segundo:

Un índice de 85 acciones, identificadas dentro de los 13 proyectos incluidos en este número, permite analizarlas según:

– Escala de influencia: Contexto, Lugar, Obxectos

– Tipo de estratexia: Ambiental, Socioeconómica, Estética.

CONTIDOS (Inglés/Castelán)

Strategies & Actions. Aurora Fernández Per

Recreating a Landscape

Gilles Brusset. L’Enfance du Pli. Meyrin (Switzerland)

Collaborating with the Users

NP2F Architects. Sports Area in the Gardens of Saint-Paul. Paris (France)

Recreating a Theme

Nendo. Tenri Station Plaza CoFuFun. Tenri (Japan)

Reusing a Corridor

MVRDV. Seoullo 7017 Skygarden. Seoul (South Korea)

Blurring the Limits

VAUMM Arkitektura. Alaberga Urban Lift. Errenteria (Spain)

Making Interior Landscapes

JAJA Architects. Activity Landscape Harboøre. Harboøre (Denmark)

Appropiating the Roof

ADEPT. Vestre Fjord Park. Aalborg (Denmark)

Applying a Generator Matrix

OLA Estudio. Lagoon pools at Monte do Gozo. Santiago de Compostela (Spain)

Hybriding Natural and Man-Made Processes

Ooze, Marjetica Potrc. Natural Bathing Pond and its Landscape. London (United Kingdom)

Learning by Doing

Students from Bartlett School of Architecture led by Jan Kattein and Julia King. The King’s Cross Skip Garden. London (United Kingdom)

Invigorating the Suburbs

Rozana Montiel, Alin V. Wallach. Cancha. Lagos de Puente Moreno, Veracruz (Mexico)

Removing Barriers

Rozana Montiel, Alin V. Wallach. Common-Unity. San Pablo Xalpa, Azcapotzalco, Mexico City (Mexico)

Learning by Playing

Wowhaus Architecture and Urban Design. Urban Farm at VDNKh. Moscow (Russia)

[:en]

ACTIVATORS. Public Space Strategies a+t 51

a + t magazine returns to the public realm through the  STRATEGY series, which began in 2010 with the aim of highlighting and naming the strategies and actions underlying each project.

85 actions are identified within the 13 projects included in the issue.

This new volume of the STRATEGY series, a+t 51, called ACTIVATORS, includes works by MVRDV, Jaja, Adept, Nendo, Vaumm, Wowhaus, and Ola, among others.

They are all projects that add new dynamics to the public space through the incorporation of facilities for leisure, sports or recreational learning.

They are grouped according to:

-Scale of influence: Context, Site, Objects

-Type of strategy: Environmental, Socioeconomic, Aesthetic.

CONTENTS (English/Spanish)

Strategies & Actions. Aurora Fernández Per

Recreating a Landscape

Gilles Brusset. L’Enfance du Pli. Meyrin (Switzerland)

Collaborating with the Users

NP2F Architects. Sports Area in the Gardens of Saint-Paul. Paris (France)

Recreating a Theme

Nendo. Tenri Station Plaza CoFuFun. Tenri (Japan)

Reusing a Corridor

MVRDV. Seoullo 7017 Skygarden. Seoul (South Korea)

Blurring the Limits

VAUMM Arkitektura. Alaberga Urban Lift. Errenteria (Spain)

Making Interior Landscapes

JAJA Architects. Activity Landscape Harboøre. Harboøre (Denmark)

Appropiating the Roof

ADEPT. Vestre Fjord Park. Aalborg (Denmark)

Applying a Generator Matrix

OLA Estudio. Lagoon pools at Monte do Gozo. Santiago de Compostela (Spain)

Hybriding Natural and Man-Made Processes

Ooze, Marjetica Potrc. Natural Bathing Pond and its Landscape. London (United Kingdom)

Learning by Doing

Students from Bartlett School of Architecture led by Jan Kattein and Julia King. The King’s Cross Skip Garden. London (United Kingdom)

Invigorating the Suburbs

Rozana Montiel, Alin V. Wallach. Cancha. Lagos de Puente Moreno, Veracruz (Mexico)

Removing Barriers

Rozana Montiel, Alin V. Wallach. Common-Unity. San Pablo Xalpa, Azcapotzalco, Mexico City (Mexico)

Learning by Playing

Wowhaus Architecture and Urban Design. Urban Farm at VDNKh. Moscow (Russia)

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Conversación | Sergio de Miguel

Pennsylvania College Democrats
Pennsylvania College Democrats

Pudiéramos pensar que cuando utilizamos el término conversación nos acercamos a describir lo que entendemos por diálogo, y por extensión por monólogo, pero en realidad son expresiones distantes. Tener una conversación queda alejado de impartir o imponer lógicas o desafíos duales o individuales.

Se emparenta de forma más precisa con agruparse intencionadamente para proceder a dar vueltas decisivas sobre algo, sin saber necesariamente cuál va a ser el resultado final. No en vano el latino –versare– indica movimiento, cambio, transformación. La disponibilidad a la conversación denota voluntad de adaptación, de ajuste y acomodo.

No se trata de convencer, se trata de vencer la incertidumbre mediante la apertura frente a la disposición común (de ahí que la «conversión» se refiera a cambiar de religión). Conlleva por tanto volver y devolver de manera frecuente los criterios de unos con los otros. En definitiva se trata de entrelazar, entablar vínculos aproximativos dentro de un colectivo con intereses comunes.

A menudo se concibe con cierta ingenuidad que hacer arquitectura es un acto individual. Pero rara vez es así. La arquitectura es siempre una actividad compleja, y provoca dinámicas de una diversidad tan intensa como recurrente. Por ello acudir al recurso de la conversación, activa y perspicaz, es la más atinada imagen de la actitud pragmática que se hace necesaria.

La praxis arquitectónica incide en la conveniencia de la confrontación, en cultivar y definir la actitud crítica en busca de acuerdos colectivos. La arquitectura para ser posible debe ser algo compartido, discutido y acordado por muchos. Estamos ante una disciplina, experta y útil, que atiende a intereses y objetivos múltiples.

Acudir a practicar una conversación no es sólo buscar conciertos convenientes, es sobre todo asumir que se debe abrir la capacidad de respuesta a todo aquello que haga coincidir los muchos intereses en juego. Conversar es conocer, y también reconocer, todo aquello que importa.

Hay que concluir que saber conversar llega a ser indispensable para tener éxito. Y es que tener éxito, tener una salida triunfante, se demuestra que no depende sólo de uno mismo.

Qué es lo que hacemos sino una conversación.

Sergio de Miguel, Doctor arquitecto
Madrid, diciembre 2016
Publicado en Grupo docente y de investigación para la arquitectura Grupo 4! de la ETSAM.

Cine Monumental de Casto Fernéndez-Shaw | Jorge Gorostiza

Cine Monumental. Dibujo de Casto Fernéndez-Shaw
Cine Monumental. Dibujo de Casto Fernéndez-Shaw

Revisando la obra del arquitecto Casto Fernández-Shaw, he encontrado que muchos números de su revista Cortijos y rascacielos está digitalizada y se puede acceder a ella en Memoria de Madrid. En el número tres de esa revista, editado en el invierno de 1930, se publicó uno de sus proyectos visionarios, en este caso el del Cine Monumental, del que solo se muestra en una sola página la ilustración que está al lado y el siguiente texto:

«¿Exceso de originalidad? ¿Visión del futuro?

En 1909 Bleriot atraviesa el Canal de la Mancha. En 1930 se da con facilidad el salto del Océano.

El cinematógrafo balbucea en los comienzos del siglo. Hoy habla en todos los idiomas.

Las ciudades han de transformar su estructura y adaptarla a las nuevas necesidades.

¿Es por tanto aventurado el pensar que en plazo no lejano se construirán edificios como el que presentamos a nuestros lectores?

La planta del cinematógrafo es octogonal. La máquina, colocada en el centro del edificio, proyecta la película simultáneamente en ocho pantallas que dan lugar a otros tantos sectores de público.

En estas pantallas se verá la película, desde el exterior, en determinados momentos, para atraer a los transeúntes.

Colocado el edificio en el centro de una gran plaza se llegará a él por vía subterránea y aérea. La terraza servirá para el aterrizaje de avionetas y autogiros, modernos taxis aéreos.

El suelo de la plaza quedará libre, pues un sistema de vigas puentes sostendrán el forjado del edificio.

Ocho torres, provistas de rampas y ascensores, llevarán al público a las diferentes plantas del edificio.

Este será capaz para el acomodo de 24.000 espectadores, ninguno de los cuales estará a una distancia de la pantalla, superior a cuarenta metros.»

Es interesante comprobar la esperanza que había a principios de la década de los treinta sobre el futuro del negocio cinematográfico y sus proyecciones multitudinarias, paralelo al del desarrollo de la aviación, y también que, a pesar de proyectar la misma película en las ocho pantallas, este edificio fuera un antecedente de las multisalas.

Jorge Gorostiza, Doctor arquitecto.
Santa Cruz de Tenerife, agosto 2018
Autor del blog Arquitectura+Cine+Ciudad

[:es]Bauhaus. Edición actualizada. Magdalena Droste[:gl]Bauhaus. Edición actualizada. Magdalena Droste[:en]Bauhaus. Updated Edition. Magdalena Droste[:]

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[:es]

Bauhaus. Edición actualizada. Magdalena Droste

“… por fin un libro que trae una bocanda de aire fresco a la escasa historiografía sobre la Bauhaus”.

Domus, Milan.

Durante el período entre las dos guerras mundiales del siglo XX, la Escuela de Arte y Diseño Bauhaus sentó las bases de la modernidad. Realizada junto al Bauhaus-Archiv de Berlín, esta edición actualizada celebra su centenario, reuniendo 550 ilustraciones en 400 páginas, incluyendo planos arquitectónicos y biografías de sus figuras clave como Walter Gropius, Paul Klee y Marianne Brandt. Una guía imprescindible.

Bauhaus. Edición actualizada. Magdalena Droste 2

Catorce años. En ese breve período entre la dos guerras mundiales, la escuela de arte y diseño alemana Bauhaus sentó las bases de la modernidad. Con ideales utópicos fue pionera en la fusión vanguardista de las bellas artes, la artesanía y la tecnología y su aplicación a otros medios y prácticas artísticas, del cine al teatro, de la escultura a la cerámica.

Esta obra de referencia es posible gracias a la colaboración del Bauhaus-Archiv/ Museum für Gestaltung de Berlín, que alberga la colección más importante hoy sobre esta famosa escuela artística. Con documentos, estudios, más de 250 nuevas fotografías, bocetos, planos y maquetas sobre las obras realizadas, nos acerca a los principios rectores y las personalidades de esta comunidad creativa idealista a través de sus tres sedes sucesivas en Weimar, Dessau y Berlín. Desde retratos informales de gimnasia en grupo hasta los dibujos de una clase impartida por Paul Klee; desde extensos planos arquitectónicos hasta un cenicero infinitamente elegante de Marianne Brandt, la colección late con los colores, los materiales y las geometrías que conforman la visión Bauhaus de la obra de arte total.

Cerca ya de la celebración del centenario de la Bauhaus, este libro es la prueba definitiva de su energía y su rigor; no sólo como un movimiento creativo pionero, sino también como paradigma de la educación artística. Allí donde la expresión y las ideas vanguardistas produjeron obras al mismo tiempo funcionales y hermosas. Este práctico volumen presenta a artistas destacados como Josef Albers, Marianne Brandt, Walter Gropius, Gertrud Grunow, Paul Klee, Ludwig Mies van der Rohe y Lilly Reich.

Sobre el autor.

Magdalena Droste estudió Historia del Arte y Literatura en Aquisgrán y Marburgo. A partir de 1980 trabajó en el Bauhaus-Archiv de Berlín y fue luego profesora de Historia del Arte en la BTU Cottbus. Ha sido responsable de numerosas exposiciones y publicaciones sobre todo tipo de temáticas y artistas de la Bauhaus.

[:gl]

Bauhaus. Edición actualizada. Magdalena Droste

“… por fin un libro que trae unha bocanda de aire fresco á escasa historiografía sobre a Bauhaus”.

Domus, Milan.

Durante o período entre as dúas guerras mundiais do século XX, a Escola de Arte e Deseño Bauhaus sentou as bases da modernidade. Realizada xunto ao Bauhaus– Archiv de Berlín, esta edición actualizada celebra o seu centenario, reunindo 550 ilustracións en 400 páxinas, incluíndo planos arquitectónicos e biografías das súas figuras crave como Walter Gropius, Paul Klee e Marianne Brandt. Una guía imprescindible.

Bauhaus. Edición actualizada. Magdalena Droste 2

Catorce anos. Nese breve período entre as dúas guerras mundiais, a escola de arte e deseño alemá Bauhaus sentou as bases da modernidade. Con ideais utópicos foi pioneira na fusión vangardista das belas artes, a artesanía e a tecnoloxía e a súa aplicación a outros medios e prácticas artísticas, do cinema ao teatro, da escultura á cerámica.

Esta obra de referencia é posible grazas á colaboración do Bauhaus- Archiv/ Museum für Gestaltung de Berlín, que alberga a colección máis importante hoxe sobre esta famosa escola artística. Con documentos, estudos, máis de 250 novas fotografías, bosquexos, planos e maquetas sobre as obras realizadas, achéganos aos principios reitores e as personalidades desta comunidade creativa idealista a través das súas tres sedes sucesivas en Weimar, Dessau e Berlín. Desde retratos informais de ximnasia en grupo ata os debuxos dunha clase impartida por Paul Klee; desde extensos planos arquitectónicos ata un cinceiro infinitamente elegante de Marianne Brandt, a colección latexa coas cores, os materiais e as xeometrías que conforman a visión Bauhaus da obra de arte total.

Preto xa da celebración do centenario da Bauhaus, este libro é a proba definitiva da súa enerxía e o seu rigor; non só como un movemento creativo pioneiro, senón tamén como paradigma da educación artística. Alí onde a expresión e as ideas vangardistas produciron obras ao mesmo tempo funcionais e fermosas. Este práctico volume presenta a artistas destacados como Josef Albers, Marianne Brandt, Walter Gropius, Gertrud Grunow, Paul Klee, Ludwig Mies van der Rohe e Lilly Reich.

Sobre o autor.

Magdalena Droste estudou Historia da arte e Literatura en Aquisgrán e Marburgo. A partir de 1980 traballou no Bauhaus- Archiv de Berlín e foi logo profesora de Historia da arte na BTU Cottbus. Foi responsable de numerosas exposicións e publicacións sobre todo tipo de temáticas e artistas da Bauhaus.

[:en]

Bauhaus. Edición actualizada. Magdalena Droste

“… finally a book that brings a breath of fresh air to the lifeless literature on Bauhaus”.

Domus, Milan.

Between two world wars, the Bauhaus School of Art and Design changed the face of modernity. Realized with the Bauhaus-Archiv in Berlin, this updated edition celebrates the school’s centennial, gathering 550 illustrations across 400 pages, including architectural plans and biographies of key figures like Walter Gropius, Paul Klee, and Marianne Brandt. The ultimate guide.

Bauhaus. Edición actualizada. Magdalena Droste 2

In a fleeting 14-year period between two world wars, Germany’s Bauhaus School of Art and Design changed the face of modernity. With utopian ideas for the future, the school developed a pioneering fusion of fine art, craftsmanship, and technology, which they applied across media and practices from film to theater, sculpture to ceramics.

This book is made in collaboration with the Bauhaus-Archiv/Museum für Gestaltung in Berlin, the world’s largest collection on the history of the Bauhaus. Some 550 illustrations including architectural plans, studies, photographs, sketches, and models record not only the realized works but also the leading principles and personalities of this idealistic creative community through its three successive locations in Weimar, Dessau, and Berlin. From informal shots of group gymnastics to drawings guided by Paul Klee, from extensive architectural plans to an infinitely sleek ashtray by Marianne Brandt, the collection brims with the colors, materials, and geometries that made up the Bauhaus vision of a “total” work of art.

As we approach the Bauhaus centennial, this is a defining account of its energy and rigor, not only as a trailblazing movement in modernism but also as a paradigm of art education, where creative expression and cutting-edge ideas led to simultaneously functional and beautiful creations. Featured artists include Josef Albers, Marianne Brandt, Walter Gropius, Gertrud Grunow, Paul Klee, Ludwig Mies van der Rohe and Lilly Reich.

The author.

Magdalena Droste studied art history and literature in Aachen and Marburg. From 1980 she worked at the Bauhaus-Archiv in Berlin, after which she worked as a professor of art history at the BTU Cottbus. She has been responsible for numerous exhibitions and publications across all Bauhaus themes and artists.

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[:es]Reforma integral vivienda S&A | V&Ba estudio[:gl]Reforma integral vivenda S&A | V&Ba estudio[:en]Integral housing reform S&A | V&Ba estudio[:]

[:es]

Reforma integral vivienda S&A V&Ba estudio o12

Cuando lo viejo hace espacio a lo nuevo.

Proyecto de reforma de vivienda S&A consistente en 90m² de espacio útil capaz de integrar: 3 habitaciones, estudio, salón comedor, baño y cocina.

El análisis de preexistencias revelaba una vivienda de autoconstrucción en el rural, ejecutada en diferentes fases, con unas instalaciones deficientes y un aislamiento de la envolvente prácticamente nulo. Junto a esta problemática, la distribución de las estancias, condicionadas por la estructura muraria existente, no cumplía al 100% con las exigencias de programa deseadas por los clientes.

Uno de los objetivos del proyecto fue el de conseguir el mayor confort posible tanto térmico como funcional; al mismo tiempo que lidiábamos con la estructura de muros de carga existentes, que condicionaba cualquier distribución diáfana. Resultando todo un reto. Es por eso que, con la finalidad de obtener una sensación de mayor amplitud y luz, se decide demoler parte de los altillos y recuperar la altura total de la vivienda, con techo a dos aguas, descongestionando las estancias y dotándolas de una escala y personalidad completamente nuevas.

Las habitaciones que conservan los altillos se convierten en dos cajas revestidas de tablillas de madera: una transcurre a lo largo del pasillo y alberga el baño, uno de los dormitorios y una sala polivalente, mientras que la segunda, acoge el acceso y ayuda a definir el espacio destinado a salón y comedor.

En un guiño a la historia de la vivienda, a partir de la cota 2,60m se preserva parte de su estructura originaria sin enlucir, y se pinta de color blanco, al igual que el resto de paramentos con el fin de unir el pasado con el presente.

Obra: Reforma integral vivienda S&A
Autor: V&BA estudio (Elena Gimeno Bayés)
Ubicación: Fornelos da Ribeira, Salvaterra do Miño. Galicia. España.
Año: 2018
Superficie Útil Total: 80 m²
Superficie Construida Total: 94 m²
Fotografía: Enrique Pereira (V&BA estudio)
Colaboradores: Maria Pintos Pavón
Constructora: Grupo Conscem
+ vandba.com[:gl]

Reforma integral vivienda S&A V&Ba estudio o12

Cando o vello fai espazo ao novo.

Proxecto de reforma de vivenda S&A consistente en 90 m² de espazo útil capaz de integrar: 3 habitacións, estudo, salón comedor, baño e cociña.

A análise de preexistencias revelaba unha vivenda de autoconstrucción no rural, executada en diferentes fases, cunhas instalacións deficientes e un illamento da envolvente practicamente nulo. Xunto a esta problemática, a distribución das estancias, condicionadas pola estrutura muraria existente, non cumpría ao 100% coas esixencias de programa desexadas polos clientes.

Un dos obxectivos do proxecto foi o de conseguir o maior confort posible tanto térmico como funcional; ao mesmo tempo que lidabamos coa estrutura de muros de carga existentes, que condicionaba calquera distribución diáfana. Resultando todo un reto. É por iso que, coa finalidade de obter unha sensación de maior amplitude e luz, decídese demoler parte dos altillos e recuperar a altura total da vivenda, con teito a dúas augas, desconxestionando as estancias e dotándoas dunha escala e personalidade completamente novas.

As habitacións que conservan os altillos convértense en dúas caixas revestidas de tablillas de madeira: unha transcorre ao longo do corredor e alberga o baño, un dos dormitorios e unha sala polivalente, mentres que a segunda, acolle o acceso e axuda a definir o espazo destinado a salón e comedor.

Nunha chiscadela á historia da vivenda, a partir da cota 2,60 m presérvase parte da súa estrutura orixinaria sen enlucir, e píntase de cor branca, do mesmo xeito que o resto de paramentos co fin de unir o pasado co presente.

Obra: Reforma integral vivenda S&A
Autor: V&BA estudio (Elena Gimeno Bayés)
Emprazamento: Fornelos da Ribeira, Salvaterra do Miño. Galicia. España.
Ano: 2018
Superficie Útil Total: 80 m²
Superficie Construida Total: 94 m²
Fotografía: Enrique Pereira (V&BA estudio)
Colaboradores: Maria Pintos Pavón
Construtora: Grupo Conscem
+ vandba.com[:en]

Reforma integral vivienda S&A V&Ba estudio o12

When the old makes room for the new.

S&A housing reform project consisting of 90m² of useful space capable of integrating: 3 bedrooms, study, living room, bathroom and kitchen.

The preexisting analysis revealed a self-construction dwelling in the rural area, executed in different phases, with poor installations and practically no insulation. Together with this problem, the distribution of the rooms, conditioned by the existing wall structure, did not meet 100% with the program requirements desired by the clients.

One of the objectives of the project was to achieve the highest possible comfort, both thermal and functional; at the same time that we were dealing with the structure of existing load-bearing walls, which conditioned any diaphanous distribution. It is a challenge. That is why, in order to obtain a feeling of greater breadth and light, it is decided to demolish part of the attics and recover the total height of the house, with a gabled roof, decongesting the rooms and providing them with a scale and personality completely new.

The rooms that conserve the attics are converted into two boxes covered with wooden slats: one runs along the corridor and houses the bathroom, one of the bedrooms and a multipurpose room, while the second, houses the access and helps define the space destined to living room and dining room.

In a nod to the history of housing, from the height of 2.60m, part of its original structure is preserved without plastering, and it is painted white, as is the rest of the walls in order to unite the past with the present.

Work: Integral housing reform S&A
Autlor: V&BA estudio (Elena Gimeno Bayés)
Location: Fornelos da Ribeira, Salvaterra do Miño. Galicia. Spain.
Year: 2018
Total Useful Surface: 80 m²
Total Constructed Area: 94 m²
Photography: Enrique Pereira (V&BA estudio)
Collaborators: Maria Pintos Pavón
Construction: Grupo Conscem
+ vandba.com[:]

[:es]Materialista, nueva app de MATCOAM[:gl]Materialista, nova app de MATCOAM[:en]Materialista, nueva app de MATCOAM[:]

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[:es]Materialista,-nueva-app-de-MATCOAM-o1

La app MateriaLista es un proyecto conjunto de la Universidad Europea de Madrid y el Colegio Oficial de arquitectos de Madrid.

El proyecto nace de la convergencia de dos necesidades complementarias. Por un lado, en la Universidad Europea de Madrid, bajo la dirección del profesor de construcción Luis Álvarez se viene desarrollando desde el año 2016 un proyecto integrado entre las titulaciones de Arquitectura, Ingeniería de Edificación e Informática para la creación de una herramienta informática en forma de app para móviles que sirva de herramienta de consulta y aprendizaje sobre la ciencia de materiales.

Por otro lado, la materioteca del COAM (MATCOAM, la Galería de Materiales del Colegio de Arquitectos de Madrid) quería trasladar a un formato digital y de fácil consulta el contenido existente en la exposición física de materiales de construcción la planta 3ª del Colegio.

Fruto de la unión de estos dos intereses complementarios nace la App MateriaLista.

4 apartados:

1. MAT. AREAS: constituye el apartado principal de la App. Se trata del reflejo directo en la App de los materiales de construcción que están presentes en la galería de materiales del COAM. Está organizada de manera sencilla y clara para que el usuario pueda encontrar fácilmente los distintos productos y acceder a su descripción, características técnicas, imágenes, datos del fabricante, etc…

2. FABRICANTES: en este apartado se muestran de manera ordenada los distintos fabricantes presentes en la exposición de MAT Coam. Una vez dentro de la ficha del fabricante tenemos acceso a los datos del mismo y a las fichas de los distintos materiales que tiene este fabricante.

3. EDIFICIOS: en esta sección se mostrarán obras de arquitectura actuales, relevantes e interesantes desde el punto de vistas constructivo.

4. CIENCIA DE MATERIALES: Materiales más utilizados en la construcción, en la manera clásica de los manuales de ciencia de materiales (maderas, piedras, metales, etc…). Con una amplia recopilación de sus principales propiedades ordenadas por tipo (propiedades mecánicas, propiedades térmicas, propiedades químicas, etc..). Esta sección incluye un “buscador de materiales”, mediante la selección de algunas de sus características indicando el grado de la misma. Es decir, podemos buscar, por ejemplo, un material que tenga buena resistencia a compresión, sea muy flexible y tenga un buen coeficiente de transmitancia térmica.

Materialista, nueva app de MATCOAM o2

El usuario al que se dirige la aplicación es muy amplio:

PROFESIONALES DE LA CONSTRUCCIÓN:

* Por un lado, a todos los implicados en el campo de la arquitectura y de la construcción les servirá para encontrar fácilmente referencias comerciales concretas de materiales que pueden ser aplicados a sus obras (aislantes, fachadas, suelos, grifos, etc…) en el apartado MAT AREAS y en el apartado de FABRICANTES.

* EDIFICIOS, los arquitectos encontrarán edificios conocidos de los que podrán tomar prestadas soluciones constructivas existentes en el mercado. Por ejemplo, imaginemos que un arquitecto en su proyecto quiere hacer una fachada de chapa parecida a la del Caixaforum de Herzog y de Meuron. Consultando la ficha del edificio en la app, descubrirá que la solución de la chapa perforada es de la empresa IMARSA con la que a través de la app se podrá poner fácilmente en contacto.

* CIENCIA DE MATERIALES, por un lado ampliar y refrescar conocimientos y por otro lado buscar materiales que puedan ofrecer un rendimiento específico de cara a cumplir los requerimientos del proyecto, de la normativa, etc…

ESTUDIANTES DE ARQUITECTURA E INGENIERÍA.

* CIENCIA DE MATERIALES una excelente herramienta de ayuda al estudio en las asignaturas de construcción, especialmente en las relacionadas con materiales.

* MAT AREAS, podrán tener a su disposición de manera fácil y en una sola app toda la documentación técnica de apoyo que los fabricantes ofrecen.

PÚBLICO EN GENERAL.

* MAT AREAS, podrán buscar productos concretos para elegir y aplicar en las obras en las que estén implicados.

Esta aplicación, gratuita tanto en Android como iOS, pretende ser una herramienta sencilla e interactiva, profesional y pedagógica, muy útil para el prescriptor y el estudiante que mejorará su conocimiento en la ciencia de los materiales. Reúne en cuatro apartados todos los materiales expuestos en la Galería de Materiales con datos de las empresas fabricantes, sus propiedades y edificios en los que se han utilizado, llevando la materioteca más allá de su espacio físico.

Con más de 700 metros cuadrados de espacio expositivo en el centro de Madrid, MATCOAM es la mayor materioteca de España. De entrada libre y gratuita para profesionales del sector, permite la interacción libre con más de 1.000 materiales, al tiempo que cuenta con espacios para reuniones, ciclos formativos y las últimas tendencias más innovadoras en materiales.

[:gl]Materialista,-nueva-app-de-MATCOAM-o1

A app MateriaLista é un proxecto conxunto da Universidade Europea de Madrid e o Colexio Oficial de arquitectos de Madrid.

O proxecto nace da converxencia de dúas necesidades complementarias. Por unha banda, na Universidade Europea de Madrid, baixo a dirección do profesor de construción Luís Álvarez vén desenvolvendo desde o ano 2016 un proxecto integrado entre as titulacións de Arquitectura, Enxeñería de Edificación e Informática para a creación dunha ferramenta informática en forma de app para móbiles que sirva de ferramenta de consulta e aprendizaxe sobre a ciencia de materiais.

Doutra banda, a materioteca do COAM (MATCOAM, a Galería de Materiais do Colexio de Arquitectos de Madrid) quería trasladar a un formato dixital e de fácil consulta o contido existente na exposición física de materiais de construción a planta 3ª do Colexio.

Froito da unión destes dous intereses complementarios nace a App MateriaLista.

Fruto de la unión de estos dos intereses complementarios nace la App MateriaLista.

4 apartados:

1. MAT. AREAS: constitúe o apartado principal da App. Trátase do reflexo directo na App dos materiais de construción que están presentes na galería de materiais do COAM. Está organizada de maneira sinxela e clara para que o usuario poida atopar facilmente os distintos produtos e acceder á súa descrición, características técnicas, imaxes, datos do fabricante, etc…

2. FABRICANTES: neste apartado móstranse de maneira ordenada os distintos fabricantes presentes na exposición de MAT Coam. Unha vez dentro da ficha do fabricante temos acceso aos datos do mesmo e ás fichas dos distintos materiais que ten este fabricante.

3. EDIFICIOS: nesta sección mostraranse obras de arquitectura actuais, relevantes e interesantes desde o punto de vistas construtivo.

4. CIENCIA DE MATERIAIS: Materiais máis utilizados na construción, na maneira clásica dos manuais de ciencia de materiais (madeiras, pedras, metais, etc…). Cunha ampla recompilación das súas principais propiedades ordenadas por tipo (propiedades mecánicas, propiedades térmicas, propiedades químicas, etc..). Esta sección inclúe un “buscador de materiais”, mediante a selección dalgunhas das súas características indicando o grao da mesma. É dicir, podemos buscar, por exemplo, un material que teña boa resistencia a compresión, sexa moi flexible e teña un bo coeficiente de transmitancia térmica.

Materialista, nueva app de MATCOAM o2

O usuario ao que se dirixe a aplicación é moi amplo:

PROFESIONALES DA CONSTRUCCIÓN:

* Por unha banda, a todos os implicados no campo da arquitectura e da construción serviralles para atopar facilmente referencias comerciais concretas de materiais que poden ser aplicados ás súas obras (illantes, fachadas, chans, billas, etc…) no apartado MAT AREAS e no apartado de FABRICANTES.

* EDIFICIOS, os arquitectos atoparán edificios coñecidos dos que poderán tomar prestadas solucións construtivas existentes no mercado. Por exemplo, imaxinemos que un arquitecto no seu proxecto quere facer unha fachada de chapa parecida á do Caixaforum de Herzog e de Meuron. Consultando a ficha do edificio na app, descubrirá que a solución da chapa perforada é da empresa IMARSA coa que a través da app poderase poñer facilmente en contacto.

* CIENCIA DE MATERIAIS, por unha banda ampliar e refrescar coñecementos e doutra banda buscar materiais que poidan ofrecer un rendemento específico para cumprir os requirimentos do proxecto, da normativa, etc…

ESTUDANTES DE ARQUITECTURA E ENXEÑERÍA.

* CIENCIA DE MATERIAIS unha excelente ferramenta de axuda ao estudo nas materias de construción, especialmente nas relacionadas con materiais.

* MAT AREAS, poderán ter á súa disposición de maneira fácil e nunha soa app toda a documentación técnica de apoio que os fabricantes ofrecen.

PÚBLICO EN XERAL.

* MAT AREAS, poderán buscar produtos concretos para elixir e aplicar nas obras nas que estean implicados.

Esta aplicación, gratuíta tanto en Android como iOS, pretende ser unha ferramenta sinxela e interactiva, profesional e pedagóxica, moi útil para o prescritor e o estudante que mellorará o seu coñecemento na ciencia dos materiais. Reúne en catro apartados todos os materiais expostos na Galería de Materiais con datos das empresas fabricantes, as súas propiedades e edificios nos que se utilizaron, levando a materioteca máis aló do seu espazo físico.

Con máis de 700 metros cadrados de espazo expositivo no centro de Madrid, MATCOAM é a maior materioteca de España. De entrada libre e gratuíta para profesionais do sector, permite a interacción libre con máis de 1.000 materiais, á vez que conta con espazos para reunións, ciclos formativos e as últimas tendencias máis innovadoras en materiais.

[:en]Materialista,-nueva-app-de-MATCOAM-o1

La app MateriaLista es un proyecto conjunto de la Universidad Europea de Madrid y el Colegio Oficial de arquitectos de Madrid.

El proyecto nace de la convergencia de dos necesidades complementarias. Por un lado, en la Universidad Europea de Madrid, bajo la dirección del profesor de construcción Luis Álvarez se viene desarrollando desde el año 2016 un proyecto integrado entre las titulaciones de Arquitectura, Ingeniería de Edificación e Informática para la creación de una herramienta informática en forma de app para móviles que sirva de herramienta de consulta y aprendizaje sobre la ciencia de materiales.

Por otro lado, la materioteca del COAM (MATCOAM, la Galería de Materiales del Colegio de Arquitectos de Madrid) quería trasladar a un formato digital y de fácil consulta el contenido existente en la exposición física de materiales de construcción la planta 3ª del Colegio.

Fruto de la unión de estos dos intereses complementarios nace la App MateriaLista.

4 apartados:

1. MAT. AREAS: constituye el apartado principal de la App. Se trata del reflejo directo en la App de los materiales de construcción que están presentes en la galería de materiales del COAM. Está organizada de manera sencilla y clara para que el usuario pueda encontrar fácilmente los distintos productos y acceder a su descripción, características técnicas, imágenes, datos del fabricante, etc…

2. FABRICANTES: en este apartado se muestran de manera ordenada los distintos fabricantes presentes en la exposición de MAT Coam. Una vez dentro de la ficha del fabricante tenemos acceso a los datos del mismo y a las fichas de los distintos materiales que tiene este fabricante.

3. EDIFICIOS: en esta sección se mostrarán obras de arquitectura actuales, relevantes e interesantes desde el punto de vistas constructivo.

4. CIENCIA DE MATERIALES: Materiales más utilizados en la construcción, en la manera clásica de los manuales de ciencia de materiales (maderas, piedras, metales, etc…). Con una amplia recopilación de sus principales propiedades ordenadas por tipo (propiedades mecánicas, propiedades térmicas, propiedades químicas, etc..). Esta sección incluye un “buscador de materiales”, mediante la selección de algunas de sus características indicando el grado de la misma. Es decir, podemos buscar, por ejemplo, un material que tenga buena resistencia a compresión, sea muy flexible y tenga un buen coeficiente de transmitancia térmica.

Materialista, nueva app de MATCOAM o2

El usuario al que se dirige la aplicación es muy amplio:

PROFESIONALES DE LA CONSTRUCCIÓN:

* Por un lado, a todos los implicados en el campo de la arquitectura y de la construcción les servirá para encontrar fácilmente referencias comerciales concretas de materiales que pueden ser aplicados a sus obras (aislantes, fachadas, suelos, grifos, etc…) en el apartado MAT AREAS y en el apartado de FABRICANTES.

* EDIFICIOS, los arquitectos encontrarán edificios conocidos de los que podrán tomar prestadas soluciones constructivas existentes en el mercado. Por ejemplo, imaginemos que un arquitecto en su proyecto quiere hacer una fachada de chapa parecida a la del Caixaforum de Herzog y de Meuron. Consultando la ficha del edificio en la app, descubrirá que la solución de la chapa perforada es de la empresa IMARSA con la que a través de la app se podrá poner fácilmente en contacto.

* CIENCIA DE MATERIALES, por un lado ampliar y refrescar conocimientos y por otro lado buscar materiales que puedan ofrecer un rendimiento específico de cara a cumplir los requerimientos del proyecto, de la normativa, etc…

ESTUDIANTES DE ARQUITECTURA E INGENIERÍA.

* CIENCIA DE MATERIALES una excelente herramienta de ayuda al estudio en las asignaturas de construcción, especialmente en las relacionadas con materiales.

* MAT AREAS, podrán tener a su disposición de manera fácil y en una sola app toda la documentación técnica de apoyo que los fabricantes ofrecen.

PÙBLICO EN GENERAL.

* MAT AREAS, podrán buscar productos concretos para elegir y aplicar en las obras en las que estén implicados.

Esta aplicación, gratuita tanto en Android como iOS, pretende ser una herramienta sencilla e interactiva, profesional y pedagógica, muy útil para el prescriptor y el estudiante que mejorará su conocimiento en la ciencia de los materiales. Reúne en cuatro apartados todos los materiales expuestos en la Galería de Materiales con datos de las empresas fabricantes, sus propiedades y edificios en los que se han utilizado, llevando la materioteca más allá de su espacio físico.

Con más de 700 metros cuadrados de espacio expositivo en el centro de Madrid, MATCOAM es la mayor materioteca de España. De entrada libre y gratuita para profesionales del sector, permite la interacción libre con más de 1.000 materiales, al tiempo que cuenta con espacios para reuniones, ciclos formativos y las últimas tendencias más innovadoras en materiales.

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Lubetkin: El manifiesto de Whipsnade | José Ramón Hernández Correa

El día 7 de noviembre de 2003 mi amigo Ángel Sanguino me regaló un libro publicado por la Universitat Politécnica de Catalunya titulado Aprendiendo de todas sus casas. Me lo regaló durante una comida que un grupo de amigos arquitectos hacíamos en Toledo los primeros viernes de cada mes, y a cuyos postres leíamos un artículo (de esto tal vez hable otro día).

Me lo regaló con la exigencia de que leyera en voz alta El Manifiesto de Whipsnade, de Berthold Lubetkin. A él le gustaba mucho cómo este arquitecto había sido capaz de escribir un manifiesto en negativo: Con qué elocuencia enumeraba qué cosas no era la casa que había construido para sí mismo durante sus trabajos en el zoo de Whipsnade, entre 1933 y 1935, y cómo, mediante esas negaciones, hacía afirmaciones implícitas muy interesantes.

Berthold Lubetkin (1901-1990) | themodernist.co.uk
Berthold Lubetkin (1901-1990) | themodernist.co.uk

Me exigió que lo leyera en voz alta para el general conocimiento de la peña. (Y porque sabía que mi bien templada voz de barítono es irresistible).

Leo (la tenía olvidada) la dedicatoria-jaculatoria que me escribió en el libro:

«Cuando llegue mi muerte que mi verdugo, puesto por ti, sea sanguinario». (No coment).

Como soy presa fácil del elogio, e incluso estoy dispuesto a cantar un bolero si alguien me dice que lo hago bien, me levanté y leí:

-No es una ‘Casa Moderna’, un ‘Refugio’, que, según los maestros, debería ser impersonal, inconsciente e insignificante en su higiénico anonimato; algo de lo que sólo se puede decir que está hecho de Hormigón Armado.

No es el resultado funcional directo de una venturosa elección del lugar y de los materiales; o de los hábitos digestivos o higiénicos de sus habitantes; de hecho no es una especie de mezcla de filosofía, gastronomía y estructura.

No pretende ser el último, modesto, silencioso y objetivo eslabón de alguna cadena de la tradición nórdica o inglesa.

No trata de mostrar que su planta venía determinada por alguna regla trigonométrica de las trazas de circulación de la cocina, o por algún destemplado intento de atrapar la luz del sol dentro de un rincón polvoriento, o por la longitud estándar de las vigas de hormigón armado.

No intenta probar que su diseño brotó ‘naturalmente’ de los condicionantes recibidos, como una calabaza común, una Victoria Regia o un pez abisal.

No pretende que su podio, que sin esfuerzo levanta la casa 30 cm en todo su perímetro, evitando el contacto de las paredes con la humedad del suelo, esté concebido por razones estructurales; aunque sería bastante fácil explicarlo en ese terreno, ya que es evidente que el vuelo de la losa reduce el momento positivo en el centro del vano.

No pretende que el entramado de elementos prefabricados de hormigón que soporta la cubierta, rellenos de aislante, fibra de vidrio o paneles calefactores, sea un sistema lógico o racional para construir paramentos. Ello a pesar de que los elementos horizontales del entramado reducen la altura libre de los verticales y por tanto su riesgo de pandeo, permitiendo que el espesor de los soportes disminuya. Un cerramiento realizado de esta manera no tiene por qué ser la solución más económica, lógica y racional. De hecho, otras paredes en la misma casa están construidas monolíticamente con hormigón armado de 10 cm de espesor -aislado con 4 cm de corcho, enlucidas al interior- allí donde se pretendía un efecto de solidez merecedor de un retrato familiar.

La cubierta plana no es signo de las tendencias exhibicionistas de habitantes nudistas; el baño no está iluminado cenitalmente para preservar celosamente la intimidad del usuario; los remates no están especialmente diseñados para los gatos del lugar o para sonámbulos; y el fregadero de la cocina nunca ha funcionado correctamente.

Por el contrario, el autor admite que hay, en las paredes del baño, una colección de mariposas tropicales; y que las colchas tienen pequeñas campanillas cosidas para alegrar el sueño de sus ocupantes.

El autor admite también que no ha capitulado ante los accidentes de un terreno que se le impuso; que excavó 800 yardas cúbicas de deslumbrante yeso, lleno de fósiles megalíticos, para conseguir una plataforma llana y una casa en horizontal -allí donde cualquier checo hubiera hecho una casa escalonada con cubierta ajardinada.

Confieso que algunas de las deslizantes alusiones de Lubetkin no las pillo. No soy tan agudo como Ángel. Pero me gusta, en general, cómo le lanza puyas tanto al Corbu como a la arquitectura orgánica (ah, el terreno), y cómo le quita toda transcendencia al acto de proyectar.

Pero es una falsa modestia y una falsa negación de la trascendencia, como cuando John Ford decía que él no era un artista (y hay que ver qué encuadres de cámara, qué precisas ráfagas de viento). En realidad, negando todas las cualidades, Lubetkin las quiere todas y las proclama todas. Pero me gusta su desapego, su mala leche y su humor apretujado.

En todo caso, es una buena lección proyectar una casa como hay que proyectar una casa, y nada más. Y nada menos.

José Ramón Hernández Correa
Doctor Arquitecto y autor de Arquitectamos locos?
Toledo · julio 2012

Diseñadores, artistas y artesanos. O a qué nos referimos con innovación | Elías Cueto

Fernando and Humberto, Campana Corallo Sofa, 2002
Fernando y Humberto, Campana Sofá Coral, 2002

Innovación es un término cuyo significado es amplio. Referirse a la madera contribuye a especificar el ámbito de trabajo, pero no lo acta suficientemente. Existe innovación en madera vinculada a ámbitos de conocimiento consolidados. Desde la ingeniería forestal, o la mecánica de materiales a la transformación industrial o la digestión química de la madera, todos esos campos han dado lugar a innovaciones relevantísimas.

Biocombustibles, adhesivos naturales, papel o modificaciones genéticas para hacer los árboles más productivos y resistentes, modelos silvícolas y equipos para la transformación de madera… todo ellos son innovaciones en el ámbito de la madera, pero todos ellos quedan de estas notas.

Estas líneas no se refieren a esos desarrollos sino que se ocupan específicamente de las innovaciones relacionadas con diseñadores, artistas y artesanos de la madera.

En los últimos años el interés de estos colectivos en desarrollar nuevos productos con madera ha crecido y se ha hecho evidente. A ello han contribuido numerosos factores. Por una parte el hecho de que la madera sea un material natural, cálido y socialmente aceptado cuyo uso ha experimentado cierto auge como reacción frente a materiales artificiales. Por otra parte el hecho de que sea material barato y muy trabajable, sobre todo como soporte para series cortadas y para la autoproducción.

Al mismo tiempo las fronteras entre diseñadores, artistas y artesanos se han desdibujado. La diferencia entre artesano y artistas ya no es una diferencia de clase como lo fue en el siglo XIX y en la primera mitad del siglo XX. Entonces artista era el autor de piezas cultas mientras el artesano era el productor de las piezas propias de la cultura popular. Del mismo modo, los límites entre los diseñadores y los artesanos son confusos en la actualidad. Ahora se considera a ambos autores de piezas sin que sea relevante que la definición de esas piezas se haya alcanzado gracias al dominio e inspiración procedente de las propias herramientas de fabricación, caso de los artesanos, o de las herramientas de proyecto, caso de los diseñadores.

En definitiva estas líneas se refieren fundamentalmente a la innovación en madera, o mejor dicho en carpintería porque es más esencial el oficio y las herramientas que el propio material.

Y de entre las formas de innovación posibles, nos ocuparemos de aquellas diseñadores, artistas y artesanos. No hacemos distinciones entre cada una de las profesiones y bien podríamos incluir ebanistas, carpinteros, arquitectos e incluso algunas ramas de la ingeniería.

Todas ellas son profesiones en las que el material, el reto o las herramientas de trabajo pueden servir como soporte e inspiración para la innovación.

¿Pero cómo?

Elías Cueto, arquitecto
Santiago de Compostela, junio 2017

[:es]Maestros Modernos. Luis Cubillo[:gl]Mestres Modernos. Luis Cubillo[:en]Modern Masters. Luis Cubillo[:]

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[:es]https://vimeo.com/274823863

Conferencia dedicada al arquitecto madrileño Luis Cubillo de Arteaga (1921-2000) como parte del ciclo Maestros Modernos de la Fundación Arquitectura COAM.

Con este ciclo se quiere poner de manifiesto la importancia que el patrimonio arquitectónico contemporáneo tiene para la sociedad del siglo XXI, la necesidad de su reconocimiento social y de su mantenimiento y conservación.

Luis Cubillo de Arteaga (Madrid, 8 de junio de 1921 – ibíd., 21 de diciembre de 2000) fue un arquitecto español de la segunda mitad del siglo XX.

Participó en la construcción del poblado dirigido de Canillas, en Madrid, entre 1956 y 1963 —proyecto en el que se encuentra la iglesia de Nuestra Señora del Tránsito (1958) y gracias al cual recibió una Encomienda al Mérito Civil—, y del Poblado Mínimo de Vallecas (1958) —a raíz del «Plan de Urgencia Social»— además de las parroquias de San Fernando —en el barrio madrileño de Nueva España (1970)— Jesús de Nazaret —en el de Apóstol Santiago—, San Federico —en el de Valdezarza (1968)— San Leopoldo —Puerta del Ángel (1965)— San Saturnino —en Alcorcón— o la iglesia del Seminario Conciliar Mater Dei de Castellón (1963). También se le atribuye el proyecto del edificio comercial situado en la plaza de Jacinto Benavente esquina con la calle Carretas, que se habría construido entre 1957 y 1959. Formó parte de la Constructora Benéfica del Hogar del Empleado.

Los edificios religiosos construidos por Cubillo en el contexto posconciliar eran de diseño sencillo y en ellos adquirían gran importancia las vidrieras. Según Lasso de la Vega, Cubillo representa «la sencillez en lo sagrado». Colaboró en varias de sus obras con Arcadio Blasco, quien diseñaría las vidrieras y murales de varias de sus iglesias.

Se le han atribuido influencias del neoplasticismo holandés y del arquitecto danés Arne Jacobsen en su proyecto para el poblado dirigido del barrio de Canillas.

«Todas las casas eran iguales, pero en el momento en que acabamos, empezaron a hacer barbaridades. La estética inicial era absolutamente danesa. Yo tengo por ahí un libro de Jacobsen y me divierte mucho cogerlo y ver que a fuerza de usar mucho unas ideas, acabas creyendo que son tuyas al final.»

Luis Cubillo. (Esteban Maluenda, 2000, p. 128)

Mesa redonda con la participación de:

– Carlos Sambricio

– Eva Hurtado

– Ricardo Lampreave

– Miguel Lasso de la Vega

[:gl]https://vimeo.com/274823863

Conferencia dedicada ao arquitecto madrileño Luís Cubillo de Arteaga (1921-2000) como parte do ciclo Mestres Modernos da Fundación Arquitectura COAM.

Con este ciclo quérese poñer de manifesto a importancia que o patrimonio arquitectónico contemporáneo ten para a sociedade do século XXI, a necesidade do seu recoñecemento social e do seu mantemento e conservación.

Luis Cubillo de Arteaga (Madrid, 8 de xuño de 1921 – ibíd., 21 de decembro de 2000) foi un arquitecto español da segunda metade do século XX.

Participou na construción do poboado dirixido de Canillas, en Madrid, entre 1956 e 1963 —proxecto no que se atopa a igrexa da nosa Señora do Tránsito (1958) e grazas ao cal recibiu unha Encomenda ao Mérito Civil—, e do Poboado Mínimo de Vallecas (1958) —a raíz do «Plan de Urxencia Social»— ademais das parroquias de San Fernando —no barrio madrileño de Nova España (1970)— Jesús de Nazaret —no de Apóstolo Santiago—, San Federico —no de Valdezarza (1968)— San Leopoldo —Porta do Anxo (1965)— San Saturnino —en Alcorcón— ou a igrexa do Seminario Conciliar Mater Dei de Castelló (1963). Tamén se lle atribúe o proxecto do edificio comercial situado na praza de Jacinto Benavente esquina con cálea Carretas, que se construíu entre 1957 e 1959. Formou parte da Construtora Benéfica do Fogar do Empregado.

Os edificios relixiosos construídos por Cubillo no contexto posconciliar eran de deseño sinxelo e neles adquirían gran importancia as vidreiras. Segundo Lasso de la Vega, Cubillo representa «a sinxeleza no sacro». Colaborou en varias das súas obras con Arcadio Blasco, quen deseñaría as vidreiras e murais de varias das súas igrexas.

Atribuíronselle influencias do neoplasticismo holandés e do arquitecto danés Arne Jacobsen no seu proxecto para o poboado dirixido do barrio de Canillas.

«Todas as casas eran iguais, pero no momento en que acabamos, empezaron a facer barbaridades. A estética inicial era absolutamente danesa. Eu teño por aí un libro de Jacobsen e divírteme moito collelo e ver que a forza de usar moito unhas ideas, acabas crendo que son túas ao final.»

Luis Cubillo. (Esteban Maluenda, 2000, p. 128)

Mesa redonda coa participación de:

– Carlos Sambricio

– Eva Hurtado

– Ricardo Lampreave

– Miguel Lasso de la Vega

[:en]https://vimeo.com/274823863

Conference dedicated to the Madrid architect Luis Cubillo de Arteaga (1921-2000) as part of the Modern Masters cycle of the COAM Architecture Foundation.

With this cycle we want to highlight the importance that the contemporary architectural heritage has for the society of the 21st century, the need for its social recognition and its maintenance and conservation.

Luis Cubillo de Arteaga (Madrid, June 8, 1921 – ibid., December 21, 2000) was a Spanish architect of the second half of the twentieth century.

He participated in the construction of the town of Canillas, in Madrid, between 1956 and 1963 -project in which is the church of Our Lady of Transit (1958) and thanks to which he received an Entrust to Civil Merit-, and the Minimum Village de Vallecas (1958) -following the «Social Emergency Plan» – in addition to the parishes of San Fernando – in the Madrid neighborhood of New Spain (1970) – Jesus of Nazareth – in that of Apostle Santiago – San Federico – in that of Valdezarza (1968) – San Leopoldo – Puerta del Ángel (1965) – San Saturnino – in Alcorcón – or the church of the Mater Dei Conciliar Seminary of Castellón (1963). He is also credited with the project of the commercial building located in the Plaza de Jacinto Benavente corner with Carretas street, which would have been built between 1957 and 1959. He was part of the Beneficiary Construction of the Employee’s Home.

The religious buildings constructed by Cubillo in the post-conciliar context were of simple design and in them the stained-glass windows acquired great importance. According to Lasso de la Vega, Cubillo represents «simplicity in the sacred». He collaborated in several of his works with Arcadio Blasco, who would design the stained-glass windows and murals of several of his churches.

They have been attributed influences of the Dutch neoplasticism and of the Danish architect Arne Jacobsen in his project for the directed town of the district of Canillas.

«All the houses were the same, but by the time we finished, they began to make barbarities, the initial aesthetic was absolutely Danish, I have a book by Jacobsen and it’s very fun to take it and see that by using a lot of ideas , you end up believing that they are yours at the end.»

Luis Cubillo. (Esteban Maluenda, 2000, p. 128)

Round table with the participation of:

– Carlos Sambricio

– Eva Hurtado

– Ricardo Lampreave

– Miguel Lasso de la Vega

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[:es]Casa en Ventanilla | LLATAS[:gl]Casa en Ventanilla | LLATAS[:en]House in Ventanilla | LLATAS[:]

[:es]https://youtu.be/mnNA87hrl3E

El siguiente proyecto ha sido desarrollado en un asentamiento humano en el distrito de Ventanilla en Lima, una de las zonas más pobres de la ciudad, donde las personas aún no cuentan con servicios básicos como vías, iluminación en las calles, transporte público.

Cuando llegamos al lugar, nos dimos cuenta que la infraestructura en la que vivían había sido realizada por partes, con diferentes materiales como esteras, triplay, planchas de madera, plástico. El interior era totalmente oscuro, no contaba con ventanas, el techo estaba parchado con diferentes planchas onduladas, que debido a su mala instalación, las filtraciones de agua eran un problema grave en el invierno. Y así este modelo se repetía por miles de casos, como se puede apreciar en la foto aérea.

Casa en Ventanilla LLATAS o5

El proyecto se trabajó a partir de 3 etapas:

Etapa 1, Reclamation yards. Se removió y se retiró todo lo existente, lo cual permitió a la familia reciclar los materiales y venderlos por partes. Esto nace de la investigación que realizamos para un proyecto desarrollado en el 2015, sobre los reclamation yards, que trata básicamente de hacer sostenible el proceso de demolición o despiece de un edificio (que es altamente contaminante), desarmandolo por partes y venderlo, para que luego todo esto pueda pertenecer a otro edificio o uso.

Etapa 2. Ejecución del proyecto. La nueva vivienda cuenta con un área de 42 m2, fue un trabajo que se desarrolló en conversación con la familia, donde previamente a la construcción, ellos pudieron ver los planos, la maqueta de la casa, y de cómo quedaría su futuro hogar. Uno de los requerimientos importantes por parte de los clientes fue mantener el árbol en la entrada, debido a las pocas áreas verdes existentes en el lugar. El proyecto se desarrolló con mamparas que se abren hacia una terraza, orientadas hacia el Oeste, permitiendo el ingreso de aire fresco, y se diseñaron dos teatinas en la parte superior de la casa, que por inyección, el aire caliente subiría y la vivienda estaría ventilada durante el verano. Estas teatinas están orientadas hacia el norte, lo cual permite una iluminación difusa durante todo el día, permitiéndoles ahorrar en el gasto eléctrico.

Etapa 3. Donación de equipamiento. Por medio de Fundación Marte, realizamos una convocatoria de donaciones a partir de un video, en el cual solicitábamos elementos que puedan ayudar a equipar la vivienda, como la cama, la cocina, las ollas, sillas, mesas, colchas, licuadora, etc.

La convocatoria fue todo un éxito, ya que en dos días logramos conseguir todo lo necesario para la casa, gracias a la donación de solo 3 familias (A pesar de las docenas que nos escribieron para donar), esto fue un ahorro muy grande para el cliente, ya que previo a esto, el cliente estaba gestionando un préstamo para poder equipar su vivienda.

Para nosotros es una alegría poder ver la casa terminada, ya que por años hemos estado investigando como poder hacer para mejorar la calidad de vida de las personas con el diseño, a bajo coste y más aún en los asentamientos humanos, donde es súper difícil de llegar. La arquitectura es para todos y nos ha quedado claro, que con poco se puede hacer mucho.

Empezar es un gran paso, si bien en el camino, nos seguiremos encontrando con muchas dificultades, lo importante será seguir y como diseñadores mejorar la calidad de vida de las personas.

Obra: Casa en Ventanilla
Arquitectos: LLATAS
Gestión de donación de equipamiento: Fundación Marte
Equipo: Enrique Llatas, Eder Huamanrimachi, Diana Velásquez, Valeria Claros, Carla Lozano, Yeralyna Estacio, Piero Beloglio, Susana Llontop.
Ubicación: Asentamiento Humano Leandra Ortega, Ventanilla.
Área construida: 45 m2
Área libre (futuro crecimiento horizontal): 45 m2
Año de Proyecto: 2018
Fotografías: Pedro Zamalloa, Diana Velásquez, Enrique Llatas
Teaser: Pedro Zamalloa
Agradecimientos: Todas las personas que donaron para equipar la casa
+ llatas.com

 [:gl]https://youtu.be/mnNA87hrl3E

O seguinte proxecto foi desenvolto nun asentamento humano no distrito de Portelo en Lima, unha das zonas máis pobres da cidade, onde as persoas aínda non contan con servizos básicos como vías, iluminación nas rúas, transporte público.

Cando chegamos ao lugar, démonos conta que a infraestrutura na que vivían fora realizada por partes, con diferentes materiais como esteiras, triplay, ferros de madeira, plástico. O interior era totalmente escuro, non contaba con xanelas, o teito estaba parchado con diferentes ferros onduladas, que debido á súa mala instalación, as filtracións de auga eran un problema grave no inverno. E así este modelo repetíase por miles de casos, como se pode apreciar na foto aérea.

Casa en Ventanilla LLATAS o5

O proxecto traballouse a partir de 3 etapas:

Etapa 1, Reclamation yards. Removeuse e retirouse todo o existente, o cal permitiu á familia reciclar os materiais e vendelos por partes. Isto nace da investigación que realizamos para un proxecto desenvolto no 2015, sobre os reclamation yards, que trata basicamente de facer sustentable o proceso de demolición ou despezamento dun edificio (que é altamente contaminante), desarmandolo por partes e vendelo, para que daquela todo isto poida pertencer a outro edificio ou uso.

Etapa 2. Execución do proxecto. A nova vivenda conta cunha área de 42 m2, foi un traballo que se desenvolveu en conversación coa familia, onde previamente á construción, eles puideron ver os planos, a maqueta da casa, e de como quedaría o seu futuro fogar. Un dos requirimentos importantes por parte dos clientes foi manter a árbore na entrada, debido ás poucas áreas verdes existentes no lugar. O proxecto desenvolveuse con biombos que se abren cara a unha terraza, orientadas cara ao Oeste, permitindo o ingreso de aire fresco, e deseñáronse dous teatinas na parte superior da casa, que por inxección, o aire quente subiría e a vivenda estaría ventilada durante o verán. Estas teatinas están orientadas cara ao norte, o cal permite unha iluminación difusa durante todo o día, permitíndolles aforrar no gasto eléctrico.

Etapa 3. Doazón de equipamento. Por medio de Fundación Marte, realizamos unha convocatoria de doazóns a partir dun vídeo, no cal solicitabamos elementos que poidan axudar a equipar a vivenda, como a cama, a cociña, as potas, cadeiras, mesas, colchas, licuadora, etc.

A convocatoria foi todo un éxito, xa que en dous días logramos conseguir todo o necesario para a casa, grazas á doazón de só 3 familias (A pesar das ducias que nos escribiron para doar), isto foi un aforro moi grande para o cliente, xa que previo a isto, o cliente estaba a xestionar un préstamo para poder equipar a súa vivenda.

Para nós é unha alegría poder ver a casa terminada, xa que por anos estivemos investigando como poder facer para mellorar a calidade de vida das persoas co deseño, a baixo custo e máis aínda nos asentamentos humanos, onde é súper difícil de chegar. A arquitectura é para todos e quedounos claro, que con pouco pódese facer moito.

Empezar é un gran paso, aínda que no camiño, seguirémonos atopando con moitas dificultades, o importante será seguir e como deseñadores mellorar a calidade de vida das persoas.

Obra: Casa en Ventanilla
Arquitectos: LLATAS
Xestión doazón de equipamento: Fundación Marte
Equipo: Enrique Llatas, Eder Huamanrimachi, Diana Velásquez, Valeria Claros, Carla Lozano, Yeralyna Estacio, Piero Beloglio, Susana Llontop.
Ubicación: Asentamento Humano Leandra Ortega, Ventanilla.
Área construida: 45 m2
Área libre (futuro crecemento horizontal): 45 m2
Ano de Proxecto: 2018
Fotografías: Pedro Zamalloa, Diana Velásquez, Enrique Llatas
Teaser: Pedro Zamalloa
Agradecementos: Tóodalas persoas que doaron para equipar a casa
+ llatas.com

 [:en]https://youtu.be/mnNA87hrl3E

The following project has been developed in a human settlement in the district of Ventanilla in Lima, one of the poorest areas of the city, where people still do not have basic services such as roads, lighting in the streets, public transport.

When we arrived at the place, we realized that the infrastructure in which they lived had been made by parts, with different materials such as mats, triplay, wooden plates, plastic. The interior was totally dark, it did not have windows, the roof was patched with different wavy plates, that due to its bad installation, water leaks were a serious problem in the winter. And so this model was

Casa en Ventanilla LLATAS o5

The project was worked from 3 stages:

Stage 1, Reclamation yards. Everything that existed was removed and removed, which allowed the family to recycle the materials and sell them in parts. This is born from the research we carried out for a project developed in 2015, about the reclamation yards, which basically tries to make the demolition or cutting process of a building (which is highly polluting) sustainable, dismantling it in parts and selling it, so that then all this may belong to another building or use.

Stage 2. Execution of the project. The new house has an area of 42 m2, was a work that was developed in conversation with the family, where before the construction, they could see the plans, the model of the house, and how would your future home. One of the important requirements on the part of the clients was to maintain the tree in the entrance, due to the few green areas existing in the place. The project was developed with screens that open onto a terrace, facing west, allowing the entry of fresh air, and two teatinas were designed in the upper part of the house, which by injection, the hot air would rise and the house would be ventilated during the summer. These theatinas are oriented towards the north, which allows a diffuse illumination during the whole day, allowing them to save on the electrical cost.

Stage 3. Donation of equipment. Through Fundación Marte, we made a call for donations from a video, in which we requested elements that can help to equip the house, such as the bed, the kitchen, the pots, chairs, tables, quilts, blender, etc.

The call was a success, because in two days we managed to get everything needed for the house, thanks to the donation of only 3 families (despite the dozens who wrote us to donate), this was a very big saving for the client, since prior to this, the client was managing a loan to be able to equip his house.

For us it is a joy to see the house finished, because for years we have been investigating how to do to improve the quality of life of people with design, at low cost and even more in human settlements, where it is super difficult to arrive. The architecture is for everyone and it has become clear to us that with little you can do much.

Starting is a great step, although along the way, we will continue to encounter many difficulties, the important thing will be to continue and as designers improve the quality of life of people.

Work: House in Ventanilla
Architects: LLATAS
Equipment donation management: Fundación Marte
Team: Enrique Llatas, Eder Huamanrimachi, Diana Velásquez, Valeria Claros, Carla Lozano, Yeralyna Estacio, Piero Beloglio, Susana Llontop.
Location: Human settlement Leandra Ortega, Ventanilla.
Built area: 45 m2
Free area (future horizontal growth): 45 m2
Year of Project: 2018
Photographs: Pedro Zamalloa, Diana Velásquez, Enrique Llatas
Teaser: Pedro Zamalloa
Acknowledgments: All the people who donated to equip the house
+ llatas.com

 [:]

Momentum II. Self, shell, shelter

Vivimos en un mundo globalizado donde, debido a la hiperconectividad, la información se almacena y acumula sin filtro en la red. Pero,

¿puede haber algo más detrás de una imagen que mera información visual?

¿Qué diferencia una imagen de un recuerdo o de una postal?

¿Qué podemos transmitir a través de un documento gráfico?

MOMENTUM surge como respuesta a una atmósfera en la cual la imagen queda reducida a una herramienta veloz y etérea que transmite información superficial. Ideada como una reacción frente a la increíble cantidad de inputs e imágenes sin filtro previo a las que tenemos acceso en Internet con tan solo un click, propone abrir un nuevo diálogo y volver por un momento a las referencias personales cuidadosamente escogidas que permitan ilustrar una opinión sobre un determinado tema, descubriendo nuevas conversaciones, puntos de vista o maneras de pensar.

MOMENTUM-Self,shell,shelter

El entendimiento de la arquitectura y el diseño de espacios como lugares para la protección y la perpetuación de la vida humana ha aparecido en repetidas ocasiones y de forma explícita a lo largo de la historia […]. En nuestra opinión, deberíamos reflexionar sobre esta condición de refugio de la disciplina arquitectónica.

¿Es el objeto primario y principal de las construcciones?

¿O aparece vinculada a los edificios de forma indisoluble?

La pregunta entonces es si la propia acción de delimitar y caracterizar espacios posibilita la aparición de refugios (en ocasiones tienen la protección como objetivo primario) o si cualquier espacio puede ser apropiado para nosotros mismos y ser transformado en un refugio mental, donde podemos encontrarnos cómodos y por supuesto seguros.

Todo esto puede resumirse en una única cuestión.

¿ Qué fue primero, la arquitectura o el refugio?

MOMENTUM-Self,shell,shelter-1

Título: Momentum II. Self, shell, shelter.
Editorial: Independiente.
Lugar: Alcalá de Henares. Madrid. (España).
Tipo de publicación: Semestral.
Idioma: Inglés.
ISSN 2531-1662–
Colaboradores: David Arredondo, Eduardo Arroyo, José Juan Barba, Zakaria Boucetta, Kim Courreges, Antonio Giráldez, Virginia de Jorge, Josep Lluis Mateo, Mafalda Mendonça, Clara Murado, Javiera Navarro, Idoia Otegui, Susana Rosmaninho.
Equipo: Alejandro Carrasco, Eduardo Cilleruelo, Laura Puchades y Ángela Molina.
Revisión: Yu Xun Emmeily Zhang
+ momentummag.info

*Extraído de editorial Momentum II.

Nikolai Ladovsky: la casa-comuna y el método psicoanalítico de enseñar arquitectura | Jelena Prokopljević

La vivienda era uno de los grandes temas de la investigación arquitectónica desde los primeros años postrevolucionarios en la Unión soviética. La casa comuna se dibujaba como una de las mejores soluciones y se desarrollaba en dos vertientes: la reorganización de las viviendas existentes y la construcción de las nuevas. La primera suponía la subdivisión de las casas expropiadas y el nuevo repartimiento de las superficies a razón de unos 10m2 por persona de tal manera que en una vivienda pasaban a vivir familias diferentes (muchas veces de orígenes e intereses completamente distintos) y a compartir todos los espacios menos los dormitorios. Algo parecido a pisos compartidos donde los compañeros no se elegían, pero se tenían que aguantar indefinidamente. Las Komunalki convertidas eran la mayoría y algunas aun permanecen en el espacio ex-soviético.

La segunda variedad de las casas comunas eran de nueva construcción. Las concepciones y los proyectos se empezaron a estudiar poco después de la revolución, pues la casa comuna era el símbolo sublime del socialismo en construcción, la revolución de la vida cotidiana. La vivienda se reducía al dormitorio, todo lo demás era el espacio público: sala de estar, comedor, juegos de niños, espacio para la lectura, cocina, baño, pasillos. Con ello, el espacio (y tiempo) íntimo e individual era minimizado mientras que el espacio colectivo –con el pertinente control social- ocupaba la mayor parte de la vivienda. La casa comuna era objeto de numerosos estudios y proyectos, desde las escuelas de arquitectura hasta las asociaciones de arquitectos e institutos estatales y junto con los centros de cultura, era el tema estrella del constructivismo.

El máximo exponente de la casa comuna es sin duda el Edificio Narkomfin, edificio de viviendas para los trabajadores del Comisariado Popular de las Finanzas, construido en 1928-1930 en el bulevar Novinsky de Moscú por los arquitectos Moisei Guinsburg e Ignaty Milinis. El complejo preveía cuatro bloques: bloque de viviendas, bloque comunal con comedor y sala de deportes, jardín de infancia y patio de servicios con lavandería, secadora, garaje, etc., de los cuales se construyeron los dos primeros y una parte de los servicios. El bloque de viviendas consistía de 3 tipos de viviendas desarrolladas en el Departamento de Estandarización del Stoikom en el 1928 (arquitectos: Moisei Guinzburg, Mikhail Barsch, V. Vladimirov, Alexander Pasternak, G. Sum-Shik): las viviendas mínimas tipo F (y algunas 2F con dos habitaciones), las familiares tipo K y residencia comunitaria con habitaciones para 1 o 2 personas. El edificio no sólo fue un éxito (a pesar de inacabado) de la tipología residencial que tuvo su eco en las obras tan famosas como la Casa Bloc o la Unité d’Habitation, sino que fue también un elogio a la nueva técnica constructiva. Estructura de hormigón, fachada libre –en voladizo- aislada térmicamente, puertas herméticas, ventanas correderas. Se ensayó la prefabricación de elementos constructivos como también la disposición y dimensión de oberturas en función de la luz y de la ampliación visual del espacio interior mediante la luz. Los colores del interior tuvieron su papel para mejorar la experiencia del espacio interior y para ayudar en la orientación en los espacios comunitarios.

La primera casa comuna de la arquitectura soviética no fue un trabajo científico para buscar la nueva distribución acorde con los mínimos necesarios de cada espacio o los materiales idóneos para la nueva construcción. Se trataba de un proyecto experimental que en 1920 realizó Nikolai Ladovski, ideólogo del racionalismo, corriente del vanguardismo arquitectónico paralela al constructivismo. Como introducción para este proyecto y en relación con los problemas de la nueva concepción de arquitectura y del espacio que trataban los arquitectos en la Zhivskulptarj (Comisión para la Pintura, Escultura y Arquitectura) Ladovsky apuntó su posición:

“La técnica hace maravillas. Maravillas deben hacerse en la arquitectura. Las maravillas de la antigüedad fueron construidas a base del trabajo esclavo de las masas y lo más importante en ellas es la cantidad de trabajo. Las maravillas arquitectónicas contemporáneas que habitarán en el espacio serán construidas con una suma de arte e inteligencia y lo más importante en ellas será la cantidad de inteligencia. Es el espacio y no la piedra la materia prima de la arquitectura.”

La casa comuna de Ladovsky es un espacio complejo, con la composición volumétrica de intersección de formas, heredera del cubismo. La planta inicial, o la planta baja, es un trapezoide irregular que contiene una multitud de espacios organizados alrededor de la sala central. Las dependencias pertenecen a niveles distintos, son volúmenes y espacios separados que se organizan siguiendo el movimiento en el interior. La separación de las unidades en volúmenes (utilizado por ejemplo en las viviendas del Habitat ’67) potenciaba su percepción como espacios individuales. Al mismo tiempo la ausencia de un núcleo de comunicación comunitaria que diera acceso a todos los niveles, expandía el espacio comunitario a una red de conexiones internas y complicadas, que se fundía con el espacio privado. La forma exterior –un cúmulo de volúmenes geométricos básicos- sigue el movimiento ascendente con la diagonal pronunciada que concluye con un cohete o flecha piramidal que en la punta lleva la bandera roja.

El experimento previo a la casa-comuna fue el proyecto para el Templo de las Relaciones del Pueblo (un precursor de la casa de cultura o del club obrero) de 1919, que buscaba solucionar el problema del espacio interior desde el punto de vista de la continuidad de la percepción del usuario durante su movimiento por el edificio y hacia el edificio. El proyecto se desarrollaba en dos variantes paralelas: de una composición dinámica con volúmenes unidos unos sobre otros creando una torre con movimiento espiral ascendente o basándose en intersección de volúmenes grandes donde el dinamismo fue creado junto con la acción del usuario, con su visión y movimiento.

“El arquitecto diseña una forma añadiendo elementos que no son ni técnicos ni utilitarios, elementos que se pueden definir ampliamente como motivos arquitectónicos del emplazamiento. Estos motivos tienen que ser racionales y de servir a la básica necesidad humana –la necesidad de orientarse en el espacio”.

Estos experimentos, contemporáneos con el monumento a la III Internacional de Tatlin, evidencian la misma manera de pensar la composición dinámica, pero sobre todo fueron influenciados por el análisis y síntesis de las formas geométricas de los Proun de El Lisitsky y de los Arquitectones de Kazimir Malevich. A partir de 1920, Nikolay Ladovsky impartió clases en VKhUTEMAS (posteiormente VKhUTEIN) la escuela estatal para el arte y arquitectura, fundada el mismo año en Moscú, que englobaba las tres corrientes artísticas de la primera década post revolucionaria: constructivismo, suprematismo y racionalismo. Ladovsky era el líder de esta última, que se declaraba libre del utilitarismo de la arquitectura. Confiando plenamente en la capacidad de la técnica de solucionar casi cualquier problema estructural, el racionalismo intentaba crear espacios a priori independientes, de su materialización. A diferencia del constructivismo que utilizaba las estructuras y los materiales como elementos artísticos y expresivos, aproximando la arquitectura a la ingeniería, los proyectos racionalistas trataban el volumen, el vacío, el peso, contacto con el suelo, movimiento de la forma, del observador y del usuario.

En el VKhUTEMAS Ladovsky fundó la OBMAS –Unión de Talleres Izquierdistas- donde sistematizó su concepción de creación de las formas y formuló un método de enseñanza basado no en el estudio de lo clásico sino en el dominio de los elementos fundamentales de arquitectura. El que llamaba método psicoanalítico, se basaba en el estudio de elementos compositivos, de su análisis teórico, formal y funcional, para explorar las posibilidades de su reinterpretación para las eventuales nuevas aplicaciones. Al contrario del procedimiento clásico que estudiaba estilos y producía dibujos bidimensionales, el taller imaginaba nuevas formas y desarrollaba el lenguaje tridimensional de la nueva arquitectura. El grupo de arquitectos vinculados a Ladovsky en el OBMAS fundaron más tarde la Asociación de Nuevos Arquitectos, ASNOVA, de la que puntualmente fueron miembros El Lissitsky, Konstantin Mélnikov o Berthold Lubetkin.

Este artículo empezaba por la vivienda colectiva; de hecho empezaba por su final, con la vivienda convertida en una distopía social, la imagen que se tiende a extender a la mayoría de la construcción residencial en el espacio soviético. La intención era indagar hasta sus orígenes en unos planteamientos alejados del utilitarismo y de los cálculos del existenzminimum, buscando la solución en la calidad y la percepción de los espacios interiores. Su carácter comunitario se representaba en las conexiones y recorridos antes que en las subdivisiones funcionales. Como uno de los temas vitales en la URSS, la vivienda incitó investigaciones que acabaron creando un nuevo lenguaje arquitectónico que sin embargo llegó a materializarse sólo en una pequeña parte y en un tiempo muy reducido. Aún así, estas investigaciones son vigentes: la relación entre el espacio público y privado en la esfera individual o en la esfera colectiva; la privatización creciente del espacio público y la reducción del espacio individual hacen que los esbozos y experimentos de Ladovsky merezcan un recuerdo.

Jelena Prokopljevic. Doctora Arquitecta.
Barcelona. Septiembre 2014

Imágenes:

1 S.O. Khan Magomedov “Las 100 Mejores Obras Maestras del Vanguardismo Arquitectónico Soviético”. Editorial URSS, Moscú 2004.

Extraños domésticos (II): La casa maldita de Lovecraft | Landa Hernández Martínez

Extraños domésticos (II) La casa maldita de Lovecraft Pedro Hernández
1924 H. P. Lovecraft escribe La Casa Maldita (The shunned house) | Fuente: wikipedia.com

1924 H. P. Lovecraft escribe La Casa Maldita (The shunned house), publicado 13 años más tarde en Weird Tales. En su texto, y como es tradicional en el escritor, se nos presenta una narración en primera persona de un personaje del que apenas podemos saber mucho más que ciertos intereses científicos, enfocados, en este caso particular, en una casa del vecindario de Providence, y motivados, en gran parte y a su vez, por las investigaciones previas que había realizado su tío, el Dr. Elihu Whipple, sobre la misma.

En la historia, los dos hombres, nuestra voz en off y su ya mencionado tío, se deslizan poco a poco más y más en los lúgubres espacios de la casa, salpicada hasta el exceso de excrementos, manchas, humedades, pestilencias, hongos, polvo, moho y demás sustancias aparentemente malsanas que parecen formar parte de la casa tanto como la madera y la piedra con la que está construida. Los diversos intentos de limpieza— a través de fumigaciones de alquitrán o azufre — que han sido realizados sobre el espacio doméstico no consiguen impedir que la aparente toxicidad que invade la casa se subsanen.

¿Qué es lo que provoca está naturaleza insalubre? En un principio, poco se conoce, y sólo hay conjeturas. Se sabe que sus distintos residentes o han fallecido o han enfermado de una extraña enfermedad, similar a la anemia. A la luz de estos acontecimientos, surgirá en el barrio una leyenda en torno a la casa: que, bajo la misma, enterrado en su subsuelo, yace un vampiro que succiona la sangre de todos aquellos que moran allí.

El ansia de conocimiento, de desvelar lo que realmente se esconde tras la superficie de la casa, lanzará a los dos investigadores de lo extraño —aficionados a lo esotérico y lo paranormal, pero con estudios universitarios — a ocupar la casa durante una noche, gracias al apoyo de su dueño, que durante años ha visto cómo alquilarla es cada vez más difícil. Nuestros protagonistas irán cargados con diversas herramientas e instrumentos científicos para la lucha paranormal, con los que, si fuera posible, puedan “destruir el mismo horror de la casa”. Lo ocurrido en esa noche pasará factura para siempre al protagonista, que verá cómo su tío es licuado y absorbido por “una anomalía” hasta hacer de él “un demonio y una multitud, un matadero y una procesión”: una masa viscosa formada a su vez por todos los habitantes de la casa — descripción similar a la que ofrece el monstruo de la película The Blob.

The Blob. Tristar Pictures, 1988
The Blob. Tristar Pictures, 1988

Viéndose incapaz de detenerlo, nuestro héroe sin nombre huye de la casa hasta la mañana siguiente; regresa para entender y enfrentar qué ha pasado. Entendiendo que la monstruosidad había surgido desde los hongos del suelo del sótano, comienza a cavar, primero hincando su pala sobre dichos hongos, de los que fluirá “un viscoso zumo amarillo”, hasta dar con una pieza extraña: un cilindro de superficie semitraslúcida y vidriosa, cercana a la gelatina,

“algo semejante a un gigantesco tubo de chimenea doblado cuya parte más gruesa mediría dos pies de diámetro”.

El narrador entenderá que eso, y no un vampiro, es lo que provoca todas las anomalías de la casa. Dispuesto a destruirlo, verterá seis garrafones de ácido sulfúrico sobre él provocando un incesante humo amarillo que afectará a toda la ciudad de Providence. Después, la normalidad se establecerá entre las paredes de la casa: “uno de los terrores más ocultos de la tierra había desaparecido para siempre, y si hay infierno, al fin había ido a parar a él el alma diabólica de un ser maldito”.

La arquitectura ha sido exorcizada

El mismo año que el protagonista del cuento de Lovecraft destruía el enigmático mal que asolaba la casa, hasta volverla apacible y llena de nueva vida, el principal ideólogo de la arquitectura moderna, Le Corbusier, presenta la primera versión de su radical propuesta urbana: la Ciudad Radiante, un conjunto destinado a modelar la nueva urbe: limpia, clara, de geometría sencilla y blanca, llamada a sustitutir la vieja ciudad de París, demasiado desordenada y sucia para el hombre nuevo que aspira a diseñar el siglo XX.

La Ville Radieuse (La Ciudad Radiante). Le Corbusier. 1924–1933
La Ville Radieuse (La Ciudad Radiante). Le Corbusier. 1924–1933

La historia de la modernidad, por aquellos tiempos, es la lucha contra las sombras y la oscuridad. La arquitectura de Le Corbusier, de vidrio, acero y hormigón, anuncia una arquitectura que ha de sanar no sólo el espíritu, sino el mismo cuerpo, que pasará a ser el gran terreno de combate, como darán muestra el establecimiento de sanatorios antituberculosos por todo el continente europeo tras la Primera Guerra Mundial, y que, también en 1924, Thomas Mann describiría en La montaña mágica.

Sanatorio de Paimio, diseñado por Alvar Aalto en 1929
Sanatorio de Paimio, diseñado por Alvar Aalto en 1929

Antes de ello, la arquitectura no ofrecía las condiciones necesarias: lúgubre, mal ventilada, llena de polvo, miasmas y ácaros; el hogar tradicional es un nido de enfermedades para sus habitantes, que viven contaminados, incapaces de mantenerse sanos. La arquitectura es tóxica, y la nueva industria material y los nuevos espacios, con ventanas más grandes, más sol y mejor ventilación, permitirá establecer garantías de unas mejores condiciones sanitarias.

Sanatorio de Paimio, diseñado por Alvar Aalto en 1929
Sanatorio de Paimio, diseñado por Alvar Aalto en 1929

La blancura de la arquitectura, de sus paredes, tendrá entonces una función determinada: mostrar la limpieza de los espacios, garantizar que no hay ni manchas, ni humedades, ni polvo. De la misma manera, la geometría esencial y simple de la arquitectura de Le Corbusier y demás modernos, ofrecerá un mundo mucho más plano y superficial, que impida la presencia de espacios pequeños o recovecos donde la suciedad se pueda acumular.

Quartiers Modernes Frugès. Le Corbusier. También de 1924
Quartiers Modernes Frugès. Le Corbusier. También de 1924

En este sentido, Will Wiles en su texto El rincón de Lovecraft y Ballard, publicado en español en Arquine y, previamente y en inglés en Places Journal (The Corner of Lovecraft and Ballard), da cuenta de cómo Lovecraft usará el rincón, la esquina de la casa doméstica, como una fisura: si es allí donde el polvo y la suciedad encuentran su espacio, será través de él que lo inhumano, lo siniestro y el horror se podrán colar desde las más oscuras dimensiones del cosmos en la apacible normalidad del hogar. Así, y para evitar que este otro mundo material invada la apacible vida del hombre que aspira a enaltecer su espíritu, la modernidad, centrada si se quiere en la figura de Le Corbusier, actuará como el héroe de la novela de Lovecraft: destruyendo lo insalubre con violencia, si es necesario.

Será ésta la razón por la que ma arquitectura moderna atacará el rincón, “el más sórdido de todos los paraísos” en palabras de Gaston Bachelard1, como uno de sus principales enemigos:

“hábitat visible de microorganismos invisibles que podían causar enfermedades e incluso la muerte”.

En el nuevo mundo que apenas empieza a comienzos del siglo pasado, urge reivindicar un mundo sin esquinas, de superficies lisas y más higiénicas:

“en lugar de la vieja mirada exagerada, la moda casera del comienzo del siglo XX ofrecía materiales más ligeros, más fáciles de limpiar, incluyendo mimbre, metales y vidrio, que habría sido rechazado como demasiado frío y estéril en el hogar victoriano (…) El cuarto de baño de azulejos blancos y cocina esmaltada; la sala de estar amueblada con suelo de parqué, alfombras, escasas cortinas, paredes pintadas, sin molduras y muebles desgastados y el escaso uso de artículos decorativos, todo eso rindió tributo a las nuevas normas sanitarias”.2

La arquitectura ha sido exorcizada.

Pedro Hernández · arquitecto
Madrid. Febrero 2019

Notas:

1 La poética del espacio, Gaston Bachelard.

2 The Gospel of Germs, Nancy Tomes. Citado en El rincón de Lovecraft y Ballard, de Will Willes.

[:es]V Beca Emprendimiento e innovación en arquitectura 2019[:gl]V Beca Emprendemento e innovación en arquitectura 2019[:en]V Entrepreneurship and innovation in architecture scholarship 2019[:]

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V Beca Emprendimiento e innovación en arquitectura 2019

¿Tienes una idea de negocio en el ámbito de la Arquitectura?

A partir del 1 de Febrero de 2019 podrás inscribirte en la V convocatoria de la Beca Arquia de Emprendimiento e Innovación en Arquitectura 2019 para la adjudicación de una beca destinada al desarrollo de un proyecto de negocio en el Vivero de Industrias Creativas Factoría Cultural en Matadero Madrid. El proyecto puede abarcar cualquiera de los campos de la profesión de arquitecto.

La beca pretende fomentar la cultura del emprendimiento, apoyar la creación de iniciativas empresariales, e impulsar la innovación en ámbitos relacionados con la Arquitectura, como motor de crecimiento económico. Asimismo, se intenta ofrecer a los candidatos, conocimientos y herramientas que complementen su formación académica, y dar impulso a nuevos proyectos emprendedores surgidos a partir de valores como el esfuerzo, el empuje y la innovación.

Criterios de evaluación.

Proyectos con gran potencial que deben cumplir los siguientes criterios:

· Originalidad de la idea de negocio: ha de ser una idea creativa e innovadora que aporte un nuevo enfoque de trabajo y que contribuya de manera significativa en el ámbito relacionado con la arquitectura.

· La idea de negocio deberá contar con una estructura clara, ordenada y legible, y estar basada en una oportunidad de mercado con potencial suficiente de monetización.

· Modelo de negocio innovador con alta capacidad de generación de valor y un gran potencial de crecimiento.

· El proyecto deberá permitir una inserción viable en el mercado: objetivos claros y realistas, definición de estrategias y recursos necesarios para llevarla a la práctica, una planificación estudiada y un presupuesto detallado.

· Capacidad y liderazgo del emprendedor o equipo emprendedor: se deben poseer unas cualificaciones y conocimientos sólidos y se han de demostrar competencias para llevar a cabo el proyecto con éxito.

· Podrán optar a la beca aquellos arquitectos titulados en alguna de las Escuelas de Arquitectura del territorio español o equipos pluridisciplinares, integrados mayoritariamente por arquitectos, con una idea de negocio viable, creativa e innovadora.

V Beca Emprendimiento e innovación en arquitectura 2019 espaciod

La beca incluye una subvención de 7.000€ y la matrícula para una plaza en el Vivero de Industrias Creativas Factoría Cultural en Matadero Madrid durante un periodo de seis meses. Además de los servicios y recursos de Factoría Cultural, la Fundación Arquia pone a disposición del arquitecto becado, un asesor de reconocido prestigio en el ámbito de la gestión del desarrollo profesional en la Arquitectura que tutorizará el proyecto mediante sesiones presenciales y on-line.

¡Inscríbete antes del 1 de Abril de 2019 a las 12h del mediodía!

Puedes consultar las bases de la convocatoria y obtener más información en el apartado correspondiente a la convocatoria actual en nuestra web y AQUÍ.

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V Beca Emprendimiento e innovación en arquitectura 2019

Tes unha idea de negocio no ámbito da Arquitectura?

A partir do 1 de Febreiro de 2019 poderás inscribirche na V convocatoria da Bolsa Arquia de Emprendemento e Innovación en Arquitectura 2019 para a adxudicación dunha bolsa destinada ao desenvolvemento dun proxecto de negocio no Viveiro de Industrias Creativas Factoría Cultural en Matadoiro Madrid. O proxecto pode abarcar calquera dos campos da profesión de arquitecto.

A bolsa pretende fomentar a cultura do emprendemento, apoiar a creación de iniciativas empresariais, e impulsar a innovación en ámbitos relacionados coa Arquitectura, como motor de crecemento económico. Así mesmo, téntase ofrecer aos candidatos, coñecementos e ferramentas que complementen a súa formación académica, e dar impulso a novos proxectos emprendedores xurdidos a partir de valores como o esforzo, o empuxe e a innovación.

Criterios de avaliación.

Proxectos con gran potencial que deben cumprir os seguintes criterios:

· Orixinalidade da idea de negocio: ha de ser unha idea creativa e innovadora que achegue un novo enfoque de traballo e que contribúa de maneira significativa no ámbito relacionado coa arquitectura.

· A idea de negocio deberá contar cunha estrutura clara, ordenada e legible, e estar baseada nunha oportunidade de mercado con potencial suficiente de monetización.

· Modelo de negocio innovador con alta capacidade de xeración de valor e un gran potencial de crecemento.

· O proxecto deberá permitir unha inserción viable no mercado: obxectivos claros e realistas, definición de estratexias e recursos necesarios para levala á práctica, unha planificación estudada e un orzamento detallado.

· Capacidade e liderado do emprendedor ou equipo emprendedor: débense posuír unhas cualificaciones e coñecementos sólidos e hanse de demostrar competencias para levar a cabo o proxecto con éxito.

· Poderán optar á bolsa aqueles arquitectos titulados nalgunha das Escolas de Arquitectura do territorio español ou equipos pluridisciplinares, integrados maioritariamente por arquitectos, cunha idea de negocio viable, creativa e innovadora.

V Beca Emprendimiento e innovación en arquitectura 2019 espaciod

A bolsa inclúe unha subvención de 7.000€ e a matrícula para unha praza no Viveiro de Industrias Creativas Factoría Cultural en Matadoiro Madrid durante un período de seis meses. Ademais dos servizos e recursos de Factoría Cultural, a Fundación Arquia pon a disposición do arquitecto bolseiro, un asesor de recoñecido prestixio no ámbito da xestión do desenvolvemento profesional na Arquitectura que tutorizará o proxecto mediante sesións presenciais e on- line.

Inscríbeche antes do 1 de Abril de 2019 ás 12 h do mediodía!

Podes consultar as bases da convocatoria e obter máis información no apartado correspondente á convocatoria actual na nosa web e AQUÍ.

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V Beca Emprendimiento e innovación en arquitectura 2019

Do you have a business idea in the field of Architecture?

As of February 1, 2019 you can register for the V call for the Arquia Entrepreneurship and Innovation Award in Architecture 2019 for the award of a scholarship for the development of a business project in the Vivero de Industrias Creativas Factoría Cultural in Matadero Madrid. The project can cover any of the fields of the architect profession.

The scholarship aims to promote the culture of entrepreneurship, support the creation of business initiatives, and promote innovation in areas related to architecture, as a driver of economic growth. Likewise, it is intended to offer candidates knowledge and tools that complement their academic training, and give impetus to new entrepreneurial projects arising from values such as effort, drive and innovation.

Evaluation criteria.

Projects with great potential that must meet the following criteria:

· Originality of the business idea: it must be a creative and innovative idea that brings a new approach to work and that contributes significantly in the area related to architecture.

· The business idea must have a clear, orderly and legible structure, and be based on a market opportunity with sufficient monetization potential.

· Innovative business model with high capacity for generating value and great potential for growth.

· The project should allow a viable insertion in the market: clear and realistic objectives, definition of strategies and necessary resources to put it into practice, a studied planning and a detailed budget.

· Capacity and leadership of the entrepreneur or entrepreneurial team: they must possess solid qualifications and knowledge and they must demonstrate competences to carry out the project successfully.

· Those qualified architects in one of the Schools of Architecture of the Spanish territory or multidisciplinary teams, integrated mainly by architects, with a viable, creative and innovative business idea, will be eligible for the scholarship.

V Beca Emprendimiento e innovación en arquitectura 2019 espaciod

The scholarship includes a subsidy of € 7,000 and enrollment for a place in the Vivero de Industrias Creativas Factoría Cultural in Matadero Madrid for a period of six months. In addition to the services and resources of Factoría Cultural, the Arquia Foundation offers the award-winning architect, a consultant of recognized prestige in the field of management of professional development in Architecture, who will supervise the project through face-to-face and on-line sessions.

Sign up before April 1, 2019 at 12 noon!

You can consult the rules of the call and get more information in the section corresponding to the current call on our website and HERE.

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Box in the box | Arenas Basabe Palacios Arquitectos

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Box in the box Arenas Basabe Palacios Arquitectos o11

Rehabilitación de nave industrial y cambio de uso como asociación cultural en Móstoles.

La ejecución de la obra suponía la rehabilitación de una nave industrial de 940 m2 en Móstoles (Madrid) y su cambio de uso para acoger una asociación cultural y deportiva destinada a jóvenes estudiantes.

El proyecto de rehabilitación mantiene la sección de la estructura existente y su apariencia industrial, pero introduce dos elementos nuevos que funcionan como identificadores para el usuario, referenciándolo tanto fuera como dentro del edificio: desde el exterior, se destaca la nave de su entorno industrial mediante la superposición de una fachada ventilada de planchas dentadas de aluminio, con un sistema de contraventanas perforadas y regulables que permite mostrar un carácter completamente cerrado o abierto al público.

En el interior, THE BOX, una gran caja de madera (tableros OSB) recoge el programa servidor de la asociación: comunicación, vestíbulo, aseos, almacenaje e instalaciones. Dicho elemento unifica los diferentes programas a los que da acceso y servicio a lo largo de las cuatro alturas del edificio: pista de juegos, salón de actos, capilla, aulas, sala de reuniones, despachos, etc.

La diversidad de espacios y usos tienen en común un carácter unitario de acabados y líneas neutras (solado continuo de hormigón y cerramientos ligeros, blancos, transparentes y translúcidos) en contraposición con la intensidad y pregnancia de los tableros de virutas del núcleo.

En el espacio a doble altura, que funciona como lugar de encuentro entre usuarios y visitantes así como de pista de juegos espontánea, THE BOX se hace aún más presente, dotando a la asociación de una identidad propia vinculada a su nuevo uso cultural.

Obra: Rehabilitación de nave industrial y cambio de uso como asociación cultural en Móstoles, Madrid
Año: 2017
Arquitectos: Arenas Basabe Palacios Arquitectos (Enrique Arenas Laorga, Luis Basabe Montalvo, Luis Palacios Labrador)
Arquitectos Técnicos: Yolanda García
Estructura: gv408
Instalaciones: Ingeninsa
Constructora: Ecay
Localización: Paseo de la Herrería 3, Móstoles, Madrid.
Superficie: 940 m2
Fotografía: Imagen Subliminal (Miguel de Guzmán + Rocío Romero)
+ arenasbasabepalacios.com

[:gl]

Box in the box Arenas Basabe Palacios Arquitectos o11

Rehabilitación de nave industrial e cambio de uso como asociación cultural en Móstoles.

A execución da obra supoñía a rehabilitación dunha nave industrial de 940 m2 en Móstoles (Madrid) e o seu cambio de uso para acoller unha asociación cultural e deportiva destinada a novos estudantes.

O proxecto de rehabilitación mantén a sección da estrutura existente e a súa aparencia industrial, pero introduce dous elementos novos que funcionan como identificadores para o usuario, referenciándoo tanto fose como dentro do edificio: desde o exterior, destácase a nave da súa contorna industrial mediante a superposición dunha fachada ventilada de ferros dentadas de aluminio, cun sistema de contraventanas perforadas e regulables que permite mostrar un carácter completamente pechado ou aberto ao público.

No interior, THE BOX, unha gran caixa de madeira (taboleiros OSB) recolle o programa servidor da asociación: comunicación, vestíbulo, aseos, almacenaxe e instalacións. Devandito elemento unifica os diferentes programas aos que dá acceso e servizo ao longo das catro alturas do edificio: pista de xogos, salón de actos, capela, aulas, sala de reunións, despachos, etc.

A diversidade de espazos e usos teñen en común un carácter unitario de acabados e liñas neutras ( solado continuo de formigón e cerramentos lixeiros, brancos, transparentes e translúcidos) en contraposición coa intensidade e pregnancia dos taboleiros de labras do núcleo.

No espazo a dobre altura, que funciona como lugar de encontro entre usuarios e visitantes así como de pista de xogos espontánea, THE BOX faise aínda máis presente, dotando á asociación dunha identidade propia vinculada ao seu novo uso cultural.

Obra: Rehabilitación de nave industrial e cambio de uso como asociación cultural en Móstoles, Madrid
Año: 2017
Arquitectos: Arenas Basabe Palacios Arquitectos (Enrique Arenas Laorga, Luis Basabe Montalvo, Luis Palacios Labrador)
Arquitectos Técnicos: Yolanda García
Estructura: gv408
Instalacións: Ingeninsa
Construtora: Ecay
Localización: Paseo de la Herrería 3, Móstoles, Madrid.
Superficie: 940 m2
Fotografía: Imagen Subliminal (Miguel de Guzmán + Rocío Romero)
+ arenasbasabepalacios.com

[:en]

Box in the box Arenas Basabe Palacios Arquitectos o11

Rehabilitation of industrial building and change of use as a cultural association in Móstoles.

The project entails the refurbishment of a 940 m2 warehouse located in Móstoles (Madrid) and its conversion into a building that provides spaces for a cultural association and sporting activities for young students.

The scheme aims to preserve the existing structure and the industrial character of the building, whilst introducing two new components which serve as a element of reference for the user, both internally and externally. On the outside a new layer is added to the facade, a corrugated aluminum skin which draws attention and intensifies the presence of the building within its industrial context.This ventilated shell is fitted with a system of adjustable perforated window shutters that can be folded to display either an open or closed character.

On the inside THE BOX, a massive core made of OSB boards, accommodates the servant spaces: circulation, foyer, toilets, storage and MEP services. This structure spans four storeys and becomes a unifying element that gives access and weaves the varied uses of the program together: indoor playing court, assembly hall, chapel, classrooms, meeting room, offices, etc.

The use of clean lines and neutral-toned materials give these spaces a homogeneous appearance. The mostly white palette of translucent, transparent and opaque walls and grey continuous polished-concrete floors contrast with the forcefulness of the engineered lumber boards which clads the internal core.

A double height space acts as both meeting place between users and playground for spontaneous games. The presence of THE BOX is specially prominent here, granting the building a recognizable identity, deeply associated to its new cultural use.

Work: Rehabilitation of industrial building and change of use as a cultural association in Móstoles, Madrid
Year: 2017
Author: Arenas Basabe Palacios Arquitectos (Enrique Arenas Laorga, Luis Basabe Montalvo, Luis Palacios Labrador)
Technical Architects: Yolanda García
Structure: gv408
Facilities: Ingeninsa
Builder: Ecay
Location: Paseo de la Herrería 3, Móstoles, Madrid, Spain
Builded surface: 940 m2
Photography: Imagen Subliminal (Miguel de Guzmán + Rocío Romero)
+ arenasbasabepalacios.com

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Atlas de Teoría(s) de la Arquitectura

[:es]

John Hejduk, Lancaster/Hanover Masque, 1980-1982. Lápiz color y grafito sobre papel traslucido [92.4 x 153.5]. Canadian Centre for Architecture. © Estate of John Hejduk
John Hejduk, Lancaster/Hanover Masque, 1980-1982. Lápiz color y grafito sobre papel traslucido [92.4 x 153.5]. Canadian Centre for Architecture. © Estate of John Hejduk

Atlas de Teoría(s) de la Arquitectura es una muestra visual sobre diferentes modos de ver el arte de construir. Es una exposición en plural, puesto que no hay un sólo modo de concebir qué es la arquitectura, cómo se hace y cómo debe entenderse.

La arquitectura, como cualquier disciplina, desarrolla su teoría en palabras; pero, conjuntamente, es capaz de pensar en imágenes. Ya en el Renacimiento, cuando los humanistas se decidieron a ordenar el saber sobre el arte de construir, optaron mayoritariamente por mezclar palabra e imagen en sus tratados. La imagen ocupaba la fisura existente entre el idealismo de la palabra y el realismo de lo presente, sin confundirse con ninguno. Pero,

¿qué hace la imagen a la teoría?

En tanto forma de producción cultural,

¿puede proponer a través de edificios o ciudades la visión significante de un mundo nuevo y mejor?

Atlas de Teoría(s) de la Arquitectura es una muestra visual sobre diferentes modos de ver el arte de construir: diversos modos de concebir qué es la arquitectura, cómo se hace y cómo debe entenderse. Cada generación de arquitectos ha necesitado reescribir la historia desde su propio presente y, en consecuencia, también desarrollar su propia teoría —que, como un fantasma, se le presenta de urgencia una y otra vez—. No hay teoría sin historia pero, como atlas de imágenes, la exposición prefiere rastrear clasificaciones alternativas a la sucesión temporal. Porque la teoría de la arquitectura se conforma, en realidad, como una multiplicidad de teorías de la arquitectura que se conectan, a su vez, por una multiplicidad de relaciones históricas.

En una suerte de Wunderkammer, cuarto de maravillas o gabinete de curiosidades, la exposición reúne más de cincuenta documentos originales cedidos por el Canadian Centre for Architecture y la Biblioteca de la Escuela de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Madrid: grabados de Piranesi, Palladio o Cesariano; montajes de Peter Eisenman; presentaciones de proyectos de Le Corbusier, Gunnar Asplund o Karl Friedrich Schinkel; dibujos conceptuales de Aldo Rossi o John Hejduk; proyecciones singulares de James Stirling o Auguste Choisy; mensajes publicitarios de Cedric Price o Bernard Tschumi; posters de Daniel Libeskind; levantamientos arqueológicos de Le Roy o Hittorff; o utopías urbanas de Scamozzi o Frank Lloyd Wright. El atlas de imágenes traspasa las páginas de tratados, libros o revistas para adentrarse en proyectos ideales, audiovisuales, comisariados y performances.

Le Corbusier, boceto para la Maison de l'homme, Zurich, Suiza, 1961-1963. Tinta, lápiz color, grafito y montaje sobre papel traslucido [15.4 × 40.2] Canadian Centre for Architecture © FLC-ADAGP
Le Corbusier, boceto para la Maison de l’homme, Zurich, Suiza, 1961-1963. Tinta, lápiz color, grafito y montaje sobre papel traslucido [15.4 × 40.2] Canadian Centre for Architecture © FLC-ADAGP

En su afán de acumulación, Atlas de Teoría(s) de la Arquitectura cuestiona algunos aspectos del estado presente de la arquitectura, periodo que algunos consideran ahogado en un torrente de imágenes. El arquitecto, como cualquier usuario, tiene a su alcance un repositorio aparentemente ilimitado de imágenes con solo teclear en el navegador. Dispone de redes y plataformas para compartirlas, para crear y administrar colecciones y tableros. Basta un clic para que un algoritmo localice cientos de ejemplos de apariencia similar. Un proceso de acumulación y fragmentación de gran complejidad que, paradójicamente, no está llevando a un enriquecimiento de nuestra cultura visual. Más bien parece que estamos sugestionados, afectados por una suerte de miopía. Hay quien ha llegado a afirmar con ironía que en la actualidad

«la forma sigue a la imagen».

«Pero ver no es nada: discernir lo es todo; y la ventaja del hombre sublime sobre el mediocre es elegir mejor lo que le conviene».

Ante este horizonte,

¿no es esta afirmación de Milizia más contemporánea que nunca?

Así, esta exposición (que incluye también proyectos audiovisuales, comisariados, performances…) plantea la arquitectura no como un arte o una técnica acotada a las construcciones funcionales para la vida humana, sino que incluye también el conjunto de edificaciones que se quedaron en fase de proyecto o incluso aquello que se diseñó sin aspiración a convertirse en realidad.

El Círculo de Bellas Artes ha editado un libro a propósito de esta exposición que reúne textos de, entre otros, Philip Ursprung, Hanno Walter Kruft, Juan Miguel Hernández León, Davide Tommaso Ferrando, Léa-Catherine Szacka o Rodrigo de la O (comisario de la exposición y coordinador del volumen). El libro lleva asociada una herramienta informática de navegación intertextual.

Por otra parte, el ciclo Los lunes, al Círculo ha organizado una serie de conferencias que complementan la muestra y en las que escucharemos a pensadores, artistas, intelectuales y especialistas en arquitectura.

Atlas de Teoría(s) de la Arquitectura
Fecha: 14.02.2019 > 26.05.2019
Horario:
Martes a domingos 11:00 > 14:00 – 17:00 > 21:00
Lunes cerrado
Sala: Sala Goya
Comisariado: Rodrigo de la O Cabrera
Organiza: Círculo de Bellas Artes[:gl]

John Hejduk, Lancaster/Hanover Masque, 1980-1982. Lápiz color y grafito sobre papel traslucido [92.4 x 153.5]. Canadian Centre for Architecture. © Estate of John Hejduk
John Hejduk, Lancaster/Hanover Masque, 1980-1982. Lapis cor e grafito sobre papel traslucido [92.4 x 153.5]. Canadian Centre for Architecture. © Estate of John Hejduk

Atlas de Teoría(s) da Arquitectura é unha mostra visual sobre diferentes modos de ver a arte de construír. É unha exposición en plural, debido a que non hai un só modo de concibir que é a arquitectura, como se fai e como debe entenderse.

A arquitectura, como calquera disciplina, desenvolve a súa teoría en palabras; pero, conxuntamente, é capaz de pensar en imaxes. Xa no Renacemento, cando os humanistas decidíronse a ordenar o saber sobre a arte de construír, optaron maioritariamente por mesturar palabra e imaxe nos seus tratados. A imaxe ocupaba a fisura existente entre o idealismo da palabra e o realismo do presente, sen confundirse con ningún. Pero,

que fai a imaxe á teoría?

En tanto forma de produción cultural,

pode propoñer a través de edificios ou cidades a visión significante dun mundo novo e mellor?

Atlas de Teoría(s) da Arquitectura é unha mostra visual sobre diferentes modos de ver a arte de construír: diversos modos de concibir que é a arquitectura, como se fai e como debe entenderse. Cada xeración de arquitectos necesitou reescribir a historia desde a súa propio presente e, en consecuencia, tamén desenvolver a súa propia teoría —que, como unha pantasma, preséntaselle de urxencia unha e outra vez—. Non hai teoría sen historia pero, como atlas de imaxes, a exposición prefire rastrexar clasificacións alternativas á sucesión temporal. Porque a teoría da arquitectura confórmase, en realidade, como unha multiplicidad de teorías da arquitectura que se conectan, á súa vez, por unha multiplicidad de relacións históricas.

Nunha sorte de Wunderkammer, cuarto de marabillas ou gabinete de curiosidades, a exposición reúne máis de cincuenta documentos orixinais cedidos polo Canadian Centre for Architecture e a Biblioteca da Escola de Arquitectura da Universidade Politécnica de Madrid: gravados de Piranesi, Palladio ou Cesariano; montaxes de Peter Eisenman; presentacións de proxectos de e Corbusier, Gunnar Asplund ou Karl Friedrich Schinkel; debuxos conceptuais de Aldo Rossi ou John Hejduk; proxeccións singulares de James Stirling ou Auguste Choisy; mensaxes publicitarias de Cedric Price ou Bernard Tschumi; posters de Daniel Libeskind; levantamentos arqueolóxicos de Le Roy ou Hittorff; ou utopías urbanas de Scamozzi ou Frank Lloyd Wright. O atlas de imaxes traspasa as páxinas de tratados, libros ou revistas para penetrarse en proxectos ideais, audiovisuais, comisariados e performances.

Le Corbusier, boceto para la Maison de l'homme, Zurich, Suiza, 1961-1963. Tinta, lápiz color, grafito y montaje sobre papel traslucido [15.4 × 40.2] Canadian Centre for Architecture © FLC-ADAGP
Le Corbusier, boceto para a Maison de l’homme, Zurich, Suiza, 1961-1963. Tinta, lapis, cor, grafito e montaxe sobre papel traslucido [15.4 × 40.2] Canadian Centre for Architecture © FLC-ADAGP

No seu afán de acumulación, Atlas de Teoría(s) da Arquitectura cuestiona algúns aspectos do estado presente da arquitectura, período que algúns consideran afogado nun torrente de imaxes. O arquitecto, como calquera usuario, ten ao seu alcance un repositorio aparentemente ilimitado de imaxes con só teclear no navegador. Dispón de redes e plataformas para compartilas, para crear e administrar coleccións e taboleiros. Basta un clic para que un algoritmo localice centos de exemplos de aparencia similar. Un proceso de acumulación e fragmentación de gran complexidade que, paradoxalmente, non está a levar a un enriquecemento da nosa cultura visual. Máis ben parece que estamos sugestionados, afectados por unha sorte de miopía. Hai quen chegou a afirmar con ironía que na actualidade

«a forma segue á imaxe».

«Pero ver non é nada: discernir o é todo; e a vantaxe do home sublime sobre o mediocre é elixir mellor o que lle convén».

Ante este horizonte,

non é esta afirmación de Milizia máis contemporánea que nunca?

Así, esta exposición (que inclúe tamén proxectos audiovisuais, comisariados, performances…) expón a arquitectura non como unha arte ou unha técnica coutada ás construcións funcionais para a vida humana, senón que inclúe tamén o conxunto de edificacións que quedaron en fase de proxecto ou incluso aquilo que se deseñou sen aspiración a converterse en realidade.

O Círculo de Belas Artes Artes editou un libro á mantenta desta exposición que reúne textos de, entre outros, Philip Ursprung, Hanno Walter Kruft, Juan Miguel Hernández León, Davide Tommaso Ferrando, Léa- Catherine Szacka ou Rodrigo da Ou (comisario da exposición e coordinador do volume). O libro leva asociada unha ferramenta informática de navegación intertextual.

Por outra banda, o ciclo Os luns, ao Círculo organizou unha serie de conferencias que complementan a mostra e nas que escoitaremos a pensadores, artistas, intelectuais e especialistas en arquitectura.

Atlas de Teoría(s) da Arquitectura
Data: 14.02.2019 > 26.05.2019
Horario:
Martes a domingos 11:00 > 14:00 – 17:00 > 21:00
Luns cerrado
Sala: Sala Goya
Comisariado: Rodrigo de la O Cabrera
Organiza: Círculo de Belas Artes[:en]

John Hejduk, Lancaster/Hanover Masque, 1980-1982. Lápiz color y grafito sobre papel traslucido [92.4 x 153.5]. Canadian Centre for Architecture. © Estate of John Hejduk
John Hejduk, Lancaster / Hanover Masque, 1980-1982. Colored pencil and graphite on translucent paper [92.4 x 153.5]. Canadian Center for Architecture. © Estate of John Hejduk

Atlas of Theory(s) of Architecture is a visual sample of different ways of seeing the art of building. It is an exhibition in the plural, since there is no single way of conceiving what architecture is, how it is done and how it should be understood.

Architecture, like any discipline, develops its theory in words; but, together, it is capable of thinking about images. Already in the Renaissance, when the humanists decided to order knowledge about the art of building, they opted mainly to mix word and image in their treatises. The image occupied the existing rift between the idealism of the word and the realism of the present, without being confused with any. But,

What does the image do to the theory?

As a form of cultural production,

Can you propose through buildings or cities the significant vision of a new and better world?

Atlas of Theory(s) of Architecture is a visual sample of different ways of seeing the art of building: different ways of conceiving what architecture is, how it is done and how it should be understood. Each generation of architects has had to rewrite history from their own present and, consequently, also develop their own theory – which, like a ghost, is urgently presented to them over and over again. There is no theory without history but, as atlases of images, the exhibition prefers to trace alternative classifications to temporal succession. Because the theory of architecture is shaped, in reality, as a multiplicity of theories of architecture that are connected, in turn, by a multiplicity of historical relationships.

In a kind of Wunderkammer, room of wonders or cabinet of curiosities, the exhibition gathers more than fifty original documents yielded by the Canadian Center for Architecture and the Library of the School of Architecture of the Polytechnic University of Madrid: engravings of Piranesi, Palladio or Cesariano; montages by Peter Eisenman; project presentations by Le Corbusier, Gunnar Asplund or Karl Friedrich Schinkel; conceptual drawings by Aldo Rossi or John Hejduk; unique projections by James Stirling or Auguste Choisy; advertising messages of Cedric Price or Bernard Tschumi; posters by Daniel Libeskind; archaeological surveys of Le Roy or Hittorff; or urban utopias of Scamozzi or Frank Lloyd Wright. The atlas of images goes beyond the pages of treatises, books or magazines to enter into ideal, audiovisual, curated and performance projects

Le Corbusier, boceto para la Maison de l'homme, Zurich, Suiza, 1961-1963. Tinta, lápiz color, grafito y montaje sobre papel traslucido [15.4 × 40.2] Canadian Centre for Architecture © FLC-ADAGP
Le Corbusier, sketch for the Maison de l’Homme, Zurich, Switzerland, 1961-1963. Ink, colored pencil, graphite and mounting on translucent paper [15.4 × 40.2] Canadian Center for Architecture © FLC-ADAGP

In its desire for accumulation, Atlas of Theory(s) of Architecture questions some aspects of the present state of architecture, a period that some consider drowned in a torrent of images. The architect, like any user, has at his disposal a seemingly unlimited repository of images with just typing in the browser. It has networks and platforms to share them, to create and manage collections and boards. Just one click for an algorithm to locate hundreds of examples of similar appearance. A process of accumulation and fragmentation of great complexity that, paradoxically, is not leading to an enrichment of our visual culture. Rather it seems that we are sugested, affected by a kind of myopia. Some have come to affirm with irony that nowadays

«The form follows the image».

«But seeing is nothing: discerning is everything; and the advantage of the sublime man over the mediocre is to choose better what suits him».

Against this horizon,

Is not this affirmation of Milizia more contemporary than ever?

Thus, this exhibition (which also includes audiovisual projects, curated, performances …) raises the architecture not as an art or a technique limited to the functional constructions for human life, but also includes the set of buildings that remained in project phase or even that which was designed without aspiration to become reality.

The Círculo de Bellas Artes has published a book about this exhibition that brings together texts by, among others, Philip Ursprung, Hanno Walter Kruft, Juan Miguel Hernandez Leon, Davide Tommaso Ferrando, Léa-Catherine Szacka or Rodrigo de la O (curator of the exhibition and volume coordinator). The book is associated with a computer tool for intertextual navigation.

On the other hand, the series Mondays, the Circle has organized a series of lectures that complement the exhibition and in which we will listen to thinkers, artists, intellectuals and specialists in architecture.

Atlas of Theory (s) of Architecture
Date: 02/14/2019> 05.26.2019
Schedule:
Tuesday to Sunday 11:00> 14:00 – 17:00> 21:00
Closed Monday
Room: Goya Room
Curated by: Rodrigo de la O Cabrera
Organized by: Círculo de Bellas Artes[:]

Los arquitectos y su diablo privado | Óscar Tenreiro Degwitz

Gehry y su 'peineta' | Fotografía: M. Rojas 
Gehry y su ‘peineta’ | Fotografía: M. Rojas | Fuente: laverdad.es 

Dos cosas me quedaron grabadas de una lectura adolescente de El Diablo, obra de Giovanni Papini (1881-1956) que le produjo a su autor algunas dificultades con el mundo eclesiástico. La primera, que el mayor éxito del espíritu malo es hacernos creer que no existe; la segunda la portada de esa edición, la cara del Diablo pintada por Miguel Ángel en su Juicio Final, asomando entre llamas y negruras en la esquina inferior derecha de esa Obra Maestra.

Hoy me afilio más bien a la idea formulada por Carl Gustav Jung de que todos tenemos un lado luminoso y uno oscuro. El diablo está allí, en nosotros mismos, podríamos decir en tono simple, no afuera. Ya no lo buscamos en las brumas infernales.

Un diablillo que hace de las suyas en todo ser humano es el de la Vanidad. Que parece muy característico, por cierto, del mundo de los arquitectos. Pocas cosas pueden estimular más la vanidad que ver hacer realidad un edificio que ha nacido de unos esquemas hechos en la intimidad entre el papel (o la computadora) y el autor. Ver que se le destina mucho dinero, que se suman a su realización diversas disciplinas y técnicas y que, finalmente, se entregan a la tarea de construirla decenas, centenas y hasta millares de hombres.

El Poder político participa de esa vanidad. Cuando es autoritario siente debilidad especial por las grandes construcciones, a menos que la vanidad, como en el caso venezolano, consista en repartir dólares rentistas que no provienen de una economía productiva. Los dictadores quieren dejar huella de su paso a través de la arquitectura, pero es también cierto que todo régimen, democrático o no, pone en práctica el principio que ya una vez mencioné en esta página, de que todo programa político se manifiesta en el dominio construido.

Desde el punto de vista del Poder, pues, unos Juegos Olímpicos traen como consecuencia natural hacer edificios que quieren ser vitrina de unos recursos económicos, humanos y tecnológicos. El régimen chino no podía ser ajeno a ese impulso.

Pero no buscó el Estado chino a las personas, los talentos, formados por su Revolución. No los buscó en su propio pueblo que debía estar, luego de sesenta años de exaltación de los valores locales, ampliamente capacitado para hacer la tarea, Lo buscó en la espesura capitalista. Y así borró para siempre de su historia el lenguaje maniqueo “revolucionario” que una vez fue estandarte de su política y que hoy se usa con desparpajo entre nosotros. Nombres provenientes de la madre del “imperio” (Foster, inglés) o de la cuna del capital planetario (Herzog & De Meuron, suizos), de la nación que una vez fue refinado ejemplo del más rancio colonialismo (Koolhaas, holandés), o del enclave británico en Oceanía (PTW Architects, Australia) que, sin duda hicieron muy bien su trabajo en asociación con el sistema de Institutos de Arquitectura que funciona en China. No hay ningún nombre estadounidense, había que salvar determinadas apariencias.

O sea que la vanidad del Estado revolucionario termina dándole un aval irrefutable al Star System, al tráfico del éxito planetario. Y reconoce el fracaso del Estado totalitario que, además, recurrió para estas obras al enorme capital privado chino.

¿Y la vanidad de los arquitectos?

Cualquiera de los nombrados hubiera ganado en prestigio si declina los encargos a partir de la crítica a una situación política que sólo parece sostenerse en el contexto de una nación que por siglos ha sido víctima del vasallaje. Como lo ilustra Kafka en la historia del emperador cuyo mensajero cruza muros y recintos que llevan hacia otros muros y recintos hasta encontrar su muerte o el olvido. Pero esos arquitectos buscan el éxito y no el prestigio. Su interés no está en cultivar una visión integral del mundo y sus contradicciones, o del simple ser humano. Lo contrario, hablan del futuro de las ciudades a partir de Singapur, de Honk Kong o Shanghai, donde tienen contratos. Echamos de menos en ellos el deseo de entender con profundidad la realidad tal como lo intentaron los arquitectos que fundaron la modernidad. Porque si exceptuamos a Koolhaas, que ha hablado mucho, su discurso es filosofía de segunda con ropaje técnico, o postmoderno según convenga. En resumen, en todos ellos la vanidad hace de las suyas, y no aguantan, para decirlo en criollo, dos pedidas. Además, en estos tiempos se piensa que renunciar al espectáculo ofrecido en bandeja de plata es insensatez. Se niega la existencia del diablo, o del diablillo privado. No existe.

Un lector me escribía diciéndome que le importaban los edificios sin preguntar demasiado sobre lo que le dio origen. Tal vez eso puede tener todo el sentido del mundo cuando vemos al edificio lejos en el tiempo o deseamos “opinar” en clave light. Porque todo edificio pertenece a una historia y nos habla de ella, allá nosotros si lo escuchamos. Y además, el arquitecto mismo, en el momento del encargo, enfrentado a un cliente, indaga sobre antecedentes, motivaciones, sobre las condiciones que determinarán su trabajo. Y decide en consecuencia. A menos que se trate de un juego de intereses en el cual el cliente no tiene cara visible sino dinero o Poder y el arquitecto sea en realidad una corporación sin rostro pero con habilidades que son su marca de fábrica. Y avidez de dinero. Eso es lo que está pasando en el mundo de la gran arquitectura globalizada: es un escenario donde la identidad es un estilo, una firma, que se ofrece al mejor postor.

Y uno se pregunta si esa es la única vía para un mundo globalizado en lo económico y fragmentado en lo cultural. Con tantas desigualdades que convierten a Beijing en una vitrina inalcanzable. Como nos ocurre a los venezolanos cuando miramos hacia nuestros “módulos” de Barrio Adentro, nuestras tristes Escuelas, derruidos hospitales, perversas cárceles y los edificios públicos que nunca se terminan o se terminan mal, como todas las instalaciones deportivas recientes. Y eso luego de diez años pletóricos de dólares y palabras.

Vistas así las cosas, y no desde la posteridad neutral, uno echa de menos algún NO con consecuencias, alguna capacidad para derrotar la vanidad en nombre de los viejos y desgastados principios.

Óscar Tenreiro Degwitz, Arquitecto.
Venezuela, agosto 2008,
Entre lo Cierto y lo Verdadero

Extraños domésticos (I): Las casas extraordinarias de Kiyoto Ota | Landa Hernández Martínez

Extraños domésticos (I): Las casas extraordinarias de Kiyoto Ota | Landa Hernández Martínez Casa de la Lluvia, al fondo. En primer plano a la derecha: Casa del Viento.
Casa de la Lluvia, al fondo. En primer plano a la derecha: Casa del Viento.

Al entrar en el Museo Universitario del Chopo aparecen tres pequeñas casas. Decimos casas porque las reconocemos como tales: unos volúmenes de madera con cubiertas inclinadas de un aspecto pintoresco, propio de los dibujos de lo que para un niño podría ser una casa. Su concepción, sin embargo, dista por completo de los cánones de la arquitectura: su tamaño es escaso, su espacio interior casi mínimo como para poder desarrollar en ellas alguna actividad y apenas caben unas pocas personas — entre dos y cuatro — ; en resumen, distan mucho de ser funcionales.

Extraños domésticos (I): Las casas extraordinarias de Kiyoto Ota | Landa Hernández Martínez Casa del Viento.
Casa del Viento.

La primera — la Casa de Alicia — tiene dos puertas, una en cada extremo de la casa en una simetría espejada; cada puerta da acceso a una escalera al final del cual aparece una pequeña ventana — o puerta, según se mire — . Remitiendo al texto de Lewis Carroll, Alicia en el país de las maravillas, desde la escalera se juega la perspectiva: el acceso generoso de la puerta se reduce conforme asciende hasta que el espacio es tan pequeño como lo era la casa del conejo blanco para Alicia después de que esta se comiera ese dulce — “Eat me” — que le permitía hacerse gigante. Junto a ella, una segunda casa, con una planta de cruz y dos puertas de acceso, una enfrente de otra, permiten entrar a un lugar donde corre el viento de forma cuanto menos singular: de dentro hacia afuera: seis ventiladores impulsan el aire al exterior, haciendo que dentro del espacio siempre habite una generosa y fresca corriente. Por último, una casa, que recuerda a construcciones propias de zonas tropicales, aparece sólo habitada por agua: llueve dentro pero no se trata de goteras: ésa es la idea original, invertir la clásica relación de refugio interior frente a las inclemencias, trasladadas ahora al cálido interior e impidiendo que nadie pueda entrar, al tiempo que el olor a madera mojada impregna de forma cálida y por completo la atmósfera en torno a ella.

Extraños domésticos (I): Las casas extraordinarias de Kiyoto Ota | Landa Hernández Martínez Úteruz .
Úteruz.

Tres casas “de cuento” imaginadas por el escultor japomexicano Kiyoto Ota, nacido en Sasebo, Nagasaki, en 1948 y profesor en la FAD-UNAM, quien, como apunta al describirlas no son casas sino que son como esculturas, o en todo caso, esculturas que, en nuestra memoria infantil, se nos muestran como casas. Estas tres mismas casas se completan en la exposición con otras tres piezas que pertenecen a su serie Úteruz, desarrollada desde 2006, y que permite establecer de forma más clara las intenciones buscadas por Ota: a medio camino entre el nido, el huevo o el útero, esta serie nos muestra unas construcciones realizadas en maderas como encino, pino y cedro que invitan a experimentar con los sentidos en un esfuerzo por crear un lugar — que no espacio, en las propias palabras del escultor — cálido y acogedor que recuerda al útero materno.

Como respuesta, las tres casas extraordinarias se antojan más extrañas y menos acogedoras: permiten acceder a ellas pero no pueden ser habitadas por mucho tiempo: o son demasiado pequeñas o demasiado incomodas o ya tienen su interior ocupado: son “contraúteruz”, refugios que niegan esa condición de refugio.

“No son lugares”,

nos dice.

Pero las construcciones de Ota, vistas no ya desde el campo de la escultura, sino desde la arquitectura, ofrecen una lectura radical e interesante, incluso más allá de las pretensiones de su autor: la de devolver a la arquitectura su capacidad de crear nuevos mundos posibles, no necesariamente funcionales o utilitarios, sí mucho más mágicos, propios de un universo infantil que años de disciplina han relatado al olvido y que nos recuerde que eso de la arquitectura no es sino esa cosa de organizar componentes materiales para construir con ellos nuevos sentidos sobre la realidad.

Extraños domésticos (I): Las casas extraordinarias de Kiyoto Ota | Landa Hernández Martínez Casa de Alicia.
Casa de Alicia.

Pedro Hernández · arquitecto
Madrid. Febrero 2019

¡Sorteamos 3 plazas para el 9º Curso online de Identidad Digital para arquitectos!

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https://youtu.be/tdiY_RlyaPw

Ya está aquí la 9ª Edición del curso online de Identidad Digital para arquitectos organizado desde el siempre activo blog de Stepienybarno y que se desarrollará entre el 4 y el 15 de marzo de 2019. Como bien sabéis, se trata de un curso hecho por arquitectos para arquitectos, de hecho, es el único curso online sobre estrategia empresarial y comunicación online, dirigido específicamente a nuestro sector.

¿Quieres mejorar tu visibilidad y aumentar tus posibilidades laborales? ¡Este es tu curso!

¡Sorteamos 3 plazas para el 9º Curso online de Identidad Digital para arquitectos!

Y como nuestros amigos, Agnieszka y Lorenzo (Stepienybarno), os lo quieren poner fácil, nos han facilitado tres entradas gratuitas para el IX Curso on line de Identidad Digital para arquitectos que organizan y que sortearemos entre vosotros lectores. El procedimiento, es muy sencillo y de sobra conocido por todos vosotros, se trata de escribir un comentario definiendo en una frase lo que se podría entender, en vuestra opinión, por Identidad Digital.

¿Te animas?¡Adelante deja tu comentario!

¿Dónde?

Pues o bien aquí mismo, al final de la noticia, en la propia web o bien en la entrada de nuestra página de fans, veredes, en Facebook.

Recordad que el plazo para participar en el sorteo es desde el jueves 21 al jueves 28 de febrero hasta las 00:00 horas.

¡Suerte a todos!

¿Qué no habéis sido los elegidos?

¡No os preocupéis! ¡Por el mero hecho de participar con vuestros comentarios tendréis la opción de realizar el curso a precio de matrícula reducida!

[:es]Reforma de una pequeña vivienda en hilera | Mendaro Arquitectos[:gl]Reforma dunha pequena vivenda en ringleira | Mendaro Arquitectos[:en]Refurbishment of a small attached house | Mendaro Arquitectos[:]

[:es]

Reforma de una pequeña vivienda en hilera Mendaro Arquitectos o6

Espacio de trabajo, taller y exposición (y vivienda escondida).

La premisa era reformar una vivienda en hilera de los años 20, catalogada como “de pobreza reconocida”, con un presupuesto reducido y sin modificar su carácter en el exterior. Tiene un jardín delantero y otro trasero.

La idea era montar ahí un espacio de residencia para artistas / vivienda para un autónomo multitasker.

El proyecto necesitaba un espacio versátil donde poder trabajar con herramientas duras (soldadores, radiales, polvo, pintura.. ) y a su vez ser capaz de transformarse en pocas horas para convertirse en espacio público de exposición u oficina donde recibir clientes. Dada la planta reducida (de 6x7m), se decide dejar libre el mayor número de m3 posibles dedicados a este fin. Para ello, se condensa y esconde el resto del programa tras un muro blanco con aperturas que sirven al espacio libre público.

En planta baja: un gran almacén con una puerta de 3m de alto (para poder guardar casi cualquier cosa y esconder el desorden) que se cierra automáticamente mediante pesos y poleas, una puerta a un aseo, tres pequeñas aperturas para un proyector, almacenamiento y vistas, y una puerta (algo elevada) que da paso a la zona privada del proyecto.

Reforma de una pequeña vivienda en hilera Mendaro Arquitectos o7

La parte privada del espacio consiste en unas escaleras/cajoneras que suben a la vivienda del autónomo / artista residente. En la cual hay una ducha que es un cajón de hierro con una ventana de barco, y una pasarela; dormitorio que vuela sobre el espacio protagonista.

Bajo la pasarela, unas poleas dan servicio al espacio de trabajo y exposición: de ellas puede colgar una mesa de 4,80m donde trabajar y exponer, o cualquier otro objeto pesado (un columpio, por ejemplo).

La cocina está camuflada en el cobertizo del jardín trasero. Es un espacio poco acondicionado, con una larga barra para dar aperitivos (fuegos y fregadero escondidos en los extremos). El cerramiento se abate abriéndose por completo al espacio exterior.

Actualmente este es el lugar de Barbecho, un espacio que rota entre talleres y residencias dedicado al diseño y producción de objetos útiles.

Obra: Reforma de una pequeña vivienda en hilera
Arquitecto: Pía Mendaro
Promotor: Mendaro Arquitectos
Superficie construida: 67m2
Parcela: 126m2
Fecha: 2017
Emplazamiento: Madrid, España
Fotografía: Imagen Subliminal (Miguel de Guzmán + Rocío Romero)
+ piamendaro.com

[:gl]

Reforma de una pequeña vivienda en hilera Mendaro Arquitectos o6

Espacio de trabajo, taller y exposición (y vivienda escondida).

La premisa era reformar una vivienda en hilera de los años 20, catalogada como “de pobreza reconocida”, con un presupuesto reducido y sin modificar su carácter en el exterior. Tiene un jardín delantero y otro trasero.

La idea era montar ahí un espacio de residencia para artistas / vivienda para un autónomo multitasker.

El proyecto necesitaba un espacio versátil donde poder trabajar con herramientas duras (soldadores, radiales, polvo, pintura.. ) y a su vez ser capaz de transformarse en pocas horas para convertirse en espacio público de exposición u oficina donde recibir clientes. Dada la planta reducida (de 6x7m), se decide dejar libre el mayor número de m3 posibles dedicados a este fin. Para ello, se condensa y esconde el resto del programa tras un muro blanco con aperturas que sirven al espacio libre público.

En planta baja: un gran almacén con una puerta de 3m de alto (para poder guardar casi cualquier cosa y esconder el desorden) que se cierra automáticamente mediante pesos y poleas, una puerta a un aseo, tres pequeñas aperturas para un proyector, almacenamiento y vistas, y una puerta (algo elevada) que da paso a la zona privada del proyecto.

Reforma de una pequeña vivienda en hilera Mendaro Arquitectos o7

La parte privada del espacio consiste en unas escaleras/cajoneras que suben a la vivienda del autónomo / artista residente. En la cual hay una ducha que es un cajón de hierro con una ventana de barco, y una pasarela; dormitorio que vuela sobre el espacio protagonista.

Bajo la pasarela, unas poleas dan servicio al espacio de trabajo y exposición: de ellas puede colgar una mesa de 4,80m donde trabajar y exponer, o cualquier otro objeto pesado (un columpio, por ejemplo).

La cocina está camuflada en el cobertizo del jardín trasero. Es un espacio poco acondicionado, con una larga barra para dar aperitivos (fuegos y fregadero escondidos en los extremos). El cerramiento se abate abriéndose por completo al espacio exterior.

Actualmente este es el lugar de Barbecho, un espacio que rota entre talleres y residencias dedicado al diseño y producción de objetos útiles.

Obra: Reforma de una pequeña vivienda en hilera
Arquitecto: Pía Mendaro
Promotor: Mendaro Arquitectos
Superficie construida: 67m2
Parcela: 126m2
Fecha: 2017
Emplazamiento: Madrid, España
Fotografía: Imagen Subliminal (Miguel de Guzmán + Rocío Romero)
+ piamendaro.com [:en]

Reforma de una pequeña vivienda en hilera Mendaro Arquitectos o6

Workspace, exhibition space (and hidden dwelling).

The premise was to carry out the refurbishment of a row house built in the 20s, classified as «recognized poverty housing». There was a limited budget and the place’s character had to be kept in the outside. It has a front and a back garden.

The idea was to set up an artist residency space / housing for a multitasking freelance.

The project needed a versatile space where one could work with heavy tools (welders, radials, dust, paint …). It also had to be able to transform itself into a public exhibition space or office to receive clients in just a few hours. Given the reduced floor plan (6x7m), it was decided to dedicate the maximum amount of free m3 to this purpose. The rest of the program was condensed and hidden behind a white wall with openings to serve the mentioned space.

On the ground floor we find. A large warehouse with a 3m high door (to store almost anything and hide the clutter) that is automatically closed by weights and pulleys. A door to a toilet. Three small openings for a projector, more storage and views. And a door (somewhat elevated), that gives way to the private zone.

Reforma de una pequeña vivienda en hilera Mendaro Arquitectos o7

The private area of the project starts in a flight of stairs/drawers that go up to the freelance / resident artist’s lodging. There we find a shower (an iron box with a boat window), and a gangway; a bedroom that flies over the main space.

Under the height walkway, some pulleys serve the exhibition / workspace: a 4,80m long table can be hanged from them, or any other heavy object (a swing, for example).

The kitchen is camouflaged in the rear garden’s shed. The space is not conditioned. It consists simply of a long worktop to serve appetizers (fires and sink are hidden at both ends). The metallic carpentry unfolds to completely open to the outside.

This is currently Barbecho’s place. (Barbecho means Fallow in Spanish) A space that rotates between workshops and artist residencies, dedicated to the design and production of useful objects.

Work: Refurbishment of a small attached house
Architect: Pía Mendaro
Promoter: Mendaro Arquitectos
Built area: 67m2
Plot area: 126m2
Date: 2017
Location: Madrid. Spain
Photography: Imagen Subliminal (Miguel de Guzmán + Rocío Romero)
+ piamendaro.com [:]

Jiménez Montoya Esencial. Hormigón Armado

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Jiménez Montoya Esencial. Hormigón Armado
Jiménez Montoya Esencial. Hormigón Armado

Esta 16ª edición del clásico HORMIGÓN ARMADO de JIMÉNEZ MONTOYA ha pretendido mantener todo aquello que podría considerarse esencial de las anteriores ediciones, prescindiendo tan solo de lo que por uso o por normativa haya quedado obsoleto. Este fantástico material ha sido repasado, matizado, complementado y modernizado gracias al trabajo de los dos autores que ya lo eran de la edición anterior, Juan Carlos Arroyo Portero y Francisco Morán Cabré, así como de los nuevos 12 autores colaboradores.

Con el objetivo editorial siempre puesto en la necesidad, utilidad y accesibilidad de nuestros libros, el resultado es un JIMÉNEZ MONTOYA ESENCIAL de casi 450 páginas, a las que ha de sumarse más material albergado en la web de CINTER que complementa y no permite el olvido de ciertos métodos que fueron importantes en ediciones anteriores del libro. Un tratado con carácter enciclopédico sobre el hormigón armado que pretende ser la herramienta perfecta al servicio de todo aquel que estudie e imparta esta materia.

Autores y colaboradores

A Juan Carlos Arroyo Portero, Francisco Morán Cabré y Álvaro García Meseguer se les unen esta vez en forma de autores colaboradores Ángel Castillo Talavera, Alberto Costaguta Regueira, Jaime Fernández Gómez, David García i Carrera, Alberto García de Yzaguirre, Antonio Marí Bernat, Alejandro Pérez Caldentey, Carlos Ríos Frutos, Fernando Rodríguez García, Carles Romea Rosas, Gonzalo Ruiz López y Luis Vega Catalán.

«Para mi alegría, en todo lo que he leído de esta cuidada nueva edición, los autores y los nuevos colaboradores siguen fieles al viejo espíritu didáctico y enciclopédico del libro.

El libro cuenta lo que el lector debe saber, por citar a un antiguo compañero, catedrático de hidráulica:

-Señor lector se dispone usted a leer un libro que ya está subrayado-.

Me siento muy contento al afirmar que, a mi juicio, el libro que tiene en sus manos es, de nuevo, en su 16ª edición, extraordinario.»

José Antonio Torroja Cavanillas

Lluvia de luz | Íñigo García Odiaga

Óculo del Panteón en Roma
Óculo del Panteón en Roma.

Curiosamente el recuerdo más intenso que deja en nuestra memoria el Panteón romano, es el de una ausencia, el de ese punto donde la materia desaparece para aligerar la membrana de hormigón de su cúpula, allí donde ésta es más esbelta. En ese cénit, el óculo con sus nueve metros de diámetro, abre el espacio interior al cielo, dejando pasar el aire y también la lluvia. Cruzando el remate de bronce, los días de precipitación el agua cae dentro del espacio sagrado de la esfera, donde mediante una imperceptible curvatura del suelo y gracias a una serie de orificios estratégicamente colocados, las gotas de lluvia son llevadas al alcantarillado de Roma.

Pero si algo atraviesa el óculo del Panteón en abundancia es la luz, estrellándose contra sus paredes, suelo o los casetones de la cúpula dibujando el continuo movimiento del sol. Una lluvia de luz inunda su interior a diario mostrando el momento del año y la hora del día para aquellos que lo sepan leer, estableciendo así una relación casi mágica entre el cosmos y ese espacio que es la casa de “todos los dioses”. Cuando la luz y la lluvia coinciden el suelo brilla, haciendo que el solado de mármol reverbere simulando emitir un luz imposible excepto para un lugar convertido en sagrado mediante la luz, la lluvia y la arquitectura.

Poca gente ha interpretado tan bien esa lluvia de luz como el escultor Harry Bertoia en la capilla del MIT construida por Eero Saarinen en 1955. La capilla es un cilindro de ladrillo rugoso, en el que la puerta de acceso es la única abertura en sus fachadas. Al atravesar ese umbral, el visitante es transportado a un espacio interior en el que los muros de ladrillo se vuelven ondulantes y la luz lo inunda todo fluyendo desde el techo. En cuanto la pupila del ojo se adapta a la luminosidad interior, cobra todo el protagonismo el altar de mármol blanco bañado por el óculo , que queda rodeado por la escultura de Bertoia.

MIT, Eero Saarinen.
MIT, Eero Saarinen.

De la claraboya cenital cuelga una cortina de cables que sujetan un sinfín de pequeñas pletinas metalizadas. La luz del sol refleja y hace vibrar esa cortina inestable, que se ajusta y equilibra constantemente simulando una lluvia incesante que genera un efecto atmosférico silencioso en el interior del edificio, imitando los días lluviosos de Roma. La capilla de carácter aconfesional está dedicada como el Panteón a todos y a ninguno de los dioses. Únicamente la luz adquiere por lo tanto un carácter divino, aunque sólo sea para la arquitectura.

Íñigo García Odiaga. Arquitecto
San Sebastián. Enero 2017

Los dictadores y el cine | Jorge Gorostiza

Hace unas semanas en una cena, una amiga planteó que a pesar de todo lo que nos interesa y gusta el cine, no debíamos olvidar que casi todos los dictadores también habían sido muy aficionados al séptimo arte; ella mencionó a Hitler, Mussolini y Franco, yo añadí a Stalin, sin recordar entonces la película El círculo del poder.

Dirigida por Andréi Mijalkov Konchalovski en 1991, inspirada en la vida de Alexandr Ganshin, el proyeccionista privado de Stalin, también mencioné a Kim Jong-Il que antes de ser líder de su país, dirigió el departamento de Artes Culturales del Departamento de Agitación y Propaganda, y los estudios de cine de Corea del Norte, siendo productor y guionista de muchas películas e incluso escribió el libro Sobre el arte del cine en 1973.

Planta baja del Berghof, la residencia de vacaciones de Hitler. El número 9 es la dependencia destinada a la cabina de proyección.
Planta baja del Berghof, la residencia de vacaciones de Hitler.
El número 9 es la dependencia destinada a la cabina de proyección.

Volviendo a Hitler, cuando se le menciona casi siempre es necesario acudir a las memorias de su arquitecto Albert Speer y en ellas cuenta lo siguiente:

«Hitler hablaba con Goebbels para elegir las películas, que por lo general eran las mismas que se proyectaban en los cines de Berlín. Las prefería ligeras, de amor o comedias. También había que conseguir lo antes posible las películas en que intervinieran Jannings y Rühmann, Henny Porten, Lil Dagover, Olga Chekova, Zarah Leander o Jenny Jugo.

Las películas musicales que enseñaran mucha pierna tenían su entusiasmo asegurado. Veíamos a menúdo producciones extranjeras, incluso las que le estaban negadas al público alemán. En cambio, no había casi ninguna deportiva ni de montañismo, ni documentales sobre animales o paisajes, o que hablaran de países extranjeros. Hitler tampoco tenía ningún interés en las películas cómicas que a mí me gustaban, como las de Buster Keaton o Charlie Chaplin.

La producción alemana no bastaba ni con mucho para suministrar las dos nuevas películas que se necesitaban cada día, por lo que muchas se proyectaban varias veces. Significativamente, nunca se repetían las de argumento trágico, pero sí las que eran muy espectaculares o aquellas en que aparecían sus actores favoritos.

Hitler mantuvo esa forma de seleccionar las películas y la costumbre de ver una o dos cada noche hasta el comienzo de la guerra.»

También en una entrevista que James P. O’Donell le hizo a Speer en 1969, se comentaba la relación de Hitler con el cine:

«En otra de nuestras conversaciones, Speer me contó que el Palacio del Führer estaba modelado, en parte, sobre la Casa Dorada de Nerón. Entonces me di cuenta, por primera vez, por qué El gran dictador, de Charlie Chaplin, y La subida al poder de Arturo II podía haber sido impedida, de Berthold Brecht, no llegaron, en cierto sentido, a realizar plenamente su objetivo; ya que:

«Es imposible hacer literatura satírica o humorística acerca de Hitler, por lo mismo que nunca ha sido posible escribir una buena comedia sobre Nerón o Calígula. Hay demasiada sangre en el escenario…».

Le pregunté a Speer si habla visto El gran dictador, de Chaplín, y me dijo que no.

«Goebbels enviaba películas desde Berlín, incluso films de Hollywood. Llegué a ver unas setecientas. Dos de mis actores favoritos eran Chaplin y Buster Keaton; pero Hitler los detestaba. Decía que eran grotescos. Nunca quiso verlos…»»

La comedia a veces es más corrosiva que el cine directamente político y por eso es lógico que a los dictadores les incomodaran los comediantes.

La semana pasada comentaba en este espacio, el peligroso incremento del racismo y el ascenso de los partidos políticos y grupos diversos que lo alientan, seguro que entre sus líderes también habrá quienes adoren el cine, la banalidad del mal no evita la naturaleza de la maldad y, sobre todo, sus acciones y consecuencias.

Jorge Gorostiza, Doctor arquitecto.
Santa Cruz de Tenerife, agosto 2018
Autor del blog Arquitectura+Cine+Ciudad

Santi Vicente · estudio memosesmas | Diseño gráfico e ilustración

Entrevista Santi Vicente · estudio ©memosesmas

Hoy nos desplazamos a Valencia para retomar dos campos tangentes a la arquitectura como son el diseño gráfico e ilustración, dos artes que tienen una definición propia pero que unificadas pueden ser potentes comunicadores. Para ello nos adentramos en ellas de la mano de Santi Vicente, arquitecto por la ETSA-UPV, que nos ayudará contándonos su experiencia en ambos campos.

Como a muchos compañeros a Santi Vicente tras varios años de ejercicio profesional clásico de la arquitectura, le tocó nadar en la crisis, pero su pasión por otras materias le hizo formarse en el estudio de otras disciplinas. Así pues, durante un año realizo “Artes Aplicadas de la Escultura” en la EASDV (Escuela de Arte y Superior de Diseño en Valencia) y posteriormente fotografía en la Escuela Fotoarte de Santiago de Chile.

Con todo ese bagaje adquirido en la generación, producción y comunicación de ideas nace el estudio memosesmas. Gracias a este hecho ha tenido la fortuna de impartir talleres en festivales como Etsatopia (2017), IFAC (International Festival of Art and Construction, 2016) o FOA (Festival Octubre Ayora, 2016). Participar en exposiciones colectivas en la Feria del Libro de Valencia, en el CCCC (Centro del Carmen Cultura Contemporánea) o en el MuVIM (Museo Valenciano de la Ilustración y la Modernidad). Y la suerte de colaborar con profesionales como Nituniyo en proyectos relacionados con arquitectura efímera, como fallas, instalaciones y escaparatismo, obteniendo varios premios en varias categorías de los Premios Nacionales de Arquitectura Efímera Emporia. A día de hoy también es socio y miembro de la Junta de APIV (Asociación de Profesionales de la Ilustración Valenciana).

“El responsable de todo esto para bien o para mal es un servidor, Santi Vicente.”

Sin más preámbulos compartimos la entrevista que realizamos recientemente.

Santi Vicente · estudio memosesmas ©memosesmas
Santi Vicente · estudio memosesmas © memosesmas
¿Cómo, cuándo y por qué surge memosesmas? 

Surge como una necesidad de llevar a cabo ideas e inquietudes más allá de la profesión de arquitecto, profesión en la que  me hallaba inmerso allá por el 2013 en Santiago de Chile. La crisis en España me hizo salir en busca de nuevas oportunidades laborales, y esa posibilidad de ver las cosas desde la distancia, hizo replantearme en dónde quería aplicar toda aquella “mochila” de conocimientos adquiridos.

Dejando atrás discursos más allá de qué es o no es arquitectura o cómo debe de ser un arquitecto, me interesaba dónde poder aplicar esa manera de abordar los proyectos en otros ámbitos que otros podían considerar “menores”, pero que me fascinaban.

¿Te encontraste con muchas dificultades? ¿Cuáles fueron las más problemáticas?

Dificultades las hubo, las hay y creo las habrá siempre. Hay que entender que las dificultades son un problema a resolver y el encontrarles solución, el motor de cualquier avance. Me siento muy afortunado de poder haber estudiado arquitectura, de todo lo que he podido aprender y cómo eso ha influido en mí tanto profesional como personalmente.

Pero a su vez, una de las grandes carencias que he tenido que suplir por mi cuenta han sido cómo enfocar todo ese conocimiento al mercado laboral:

“Nadie te enseña qué derechos tienes como trabajador, los pasos necesarios para ser autónomo, o cómo se monta una empresa.”

Cómo reconocer tus aptitudes y saber transmitirlas, qué salidas profesionales existen para ellas y si no existen, cómo enfrentarte a emprender tu propio proyecto… Para mí eso sigue siendo una de las tareas pendientes del mundo universitario. Se forman personas con infinidad de aptitudes y conocimientos que no saben cómo aplicarlos en el mundo laboral. 

¿Cómo detectaste la necesidad de este servicio?

Más que una necesitad del servicio, comienza como búsqueda de poner a prueba mis capacidades e inquietudes y ver en qué sectores son un valor añadido. Me fascina el mundo de las ideas, cómo llevarlas a cabo y cómo transmitirlas. A día de hoy es en el mundo de la comunicación gráfica e ilustración es donde me encuentro más cómodo.

Una de las líneas de trabajo en que estoy muy interesado actualmente es el mundo de la comunicación y divulgación de la arquitectura. La ilustración es imprescindible en la comunicación y se utiliza con muy buenos resultados en muchos medios de información tanto en su soporte físico como digital. La lista podría ser infinita y creo que en campo de la comunicación y divulgación de la arquitectura tiene muchísimo potencial aún por desarrollar.

La imagen construida de la arquitectura para la cooperación, 2018. Ilustración artículo de Ana Asensio. Publicado en el blog de Fundacion Arquia. © memosesmas
La imagen construida de la arquitectura para la cooperación, 2018.
Ilustración artículo de Ana Asensio. Publicado en el blog de Fundacion Arquia. © memosesmas
¿Cómo es el día a día en memosesmas? 

Pues, aunque pueda sonar a típico tópico, no existe una rutina de trabajo rígida. Debes adaptarte dependiendo del tipo de proyecto que se esté llevando a cabo, o la cantidad de trabajo que tengas en ese momento. Más que ver cómo es el día a día, me interesa más ver cómo gestiono el tiempo que invierto en el trabajo.

Se podría clasificar el tiempo de trabajo en tres tipos: producción (tiempo dedicado a realizar los encargos en sus distintas fases), gestión (reuniones con clientes, presupuestos, contratos, emails, difusión de proyectos en redes sociales, etc.) e inversión (proyectos personales, búsqueda de nuevos encargos, estudio de otros sectores y profesionales para ver cuál es su funcionamiento, etc.).

Y, haciendo malabares, trato que estén lo más compensados posibles.

¿Cómo es el proceso de diseño, desarrollo y comercialización en memosesmas?

Creo que no existe una pauta que se repita de forma rutinaria porque no hay dos proyectos ni dos clientes iguales. En este caso no se está tratando de vender un producto, si no que se está ofreciendo un servicio. Por tanto, tener una buena comunicación con el cliente desde un primer momento creo que es clave, evita muchos problemas a ambas partes Tratar de conocer sus necesidades reales, tiempos de desarrollo y el presupuesto del que dispone. Cuanta más información relevante, mejor.

A partir de ahí, se invierte mucho tiempo en probar y descartar ideas. No es un proceso lineal, siempre tratas de encontrar la solución más coherente con lo que se pretende comunicar. Y que confíen en tu trabajo es fundamental para llegar a buen término.

¿Has delegado funciones y te has centrado en partes concretas dentro de memosesmas?

A día de hoy me encargo de todas las facetas, soy el chico para todo. Los proyectos que llegan al estudio no tienen siempre un patrón definido así que tengo la inmensa fortuna de conocer a grandes profesionales con los que colaboro cuando el proyecto lo requiere, y que ellos cuenten conmigo para colaborar en los suyos. Considero que es parte fundamental en la manera de enfocar los proyectos para dar con la mejor solución.

Y como muestra, un botón: A día de hoy participo en diversos proyectos, como por ejemplo en comunicación de arquitectura junto a Ediciones Mínimas y en proyectos de instalaciones efímeras, fallas experimentales y escaparatismo con Nituniyo.

Bienvenidas sean las colaboraciones.

¿Cuál fue (o será) el momento crítico una vez comenzado memosesmas?

Siempre se está empezando con cada nuevo proyecto que se presenta en el estudio. Por tanto hay que estar convencido que los momentos críticos no desaparecen, hay que saber lidiar con ellos para poder evolucionar. A día de hoy me interesa mucho la internacionalización.

Gracias a las nuevas tecnologías tenemos a posibilidad de trabajar y resolver problemas a clientes de distintos puntos geográficos y husos horarios. Eso abre un abanico de posibilidades que de otro modo no serían posibles.

Condecons, 2016. Instalación urbana. Festival Intramurs © Nituniyo+memosesmas
Condecons, 2016. Instalación urbana. Festival Intramurs © Nituniyo+memosesmas
¿Cuáles son tus referencias?

Como imagino que para todo el mundo, todo lo que cae en mis manos es susceptible de ser referencia en algún aspecto. Aunque luego no tenga un reflejo directo en mi trabajo, hay infinidad de cosas que me interesan, procuro no tener filtro y si lo hay, que sea bastante poroso.

Sería imposible citar a todos, así que diré algunos relacionados de un modo u otro con la comunicación gráfica y no de la arquitectura para que si alguien ha conseguido llegar hasta aquí, pueda investigar un poco: Joan Brossa, Chema Madoz, Isidro Ferrer, Javier Jaén, Riki Blanco, Christoph Niemann… Steinberg, Quino, Sempé, Mingote, Chumy Chúmez, Perich, Tono, Tute…

Creo que, de todos ellos, lo que más me sorprende es la manera de percibir, transformar y transmitir la realidad. Haciendo la selección diría que también es el humor, en alguna de sus acepciones, la línea transversal que los une a todos.

¿A qué segmento de público/cliente te diriges?

A empresas y profesionales que necesitan comunicar visualmente una idea. Durante todo este tiempo, he trabajado en diversos campos de la comunicación visual, muchos de ellos relacionados con la arquitectura.

Me interesa mucho aplicar los conocimientos y herramientas de la arquitectura a la ilustración y viceversa.

¿Cómo y para qué utilizas las “nuevas tecnologías”? ¿La “red” ha facilitado tu labor?

En primer lugar las utilizo como fuente inagotable de información que de otro modo no podría conseguir: imágenes, vídeos, tutoriales… es un canal más para profundizar sobre aspectos que a uno le interesan, como lo pueden ser los libros, la radio o el cine. Por otro lado la red es una herramienta fundamental de comunicación. Permite comunicar lo que estás realizando, en qué proyectos estás involucrado y tener una percepción de quién lo ve y cómo responde a ello.

Sacarle el máximo provecho depende de cada uno. Pero como toda herramienta, un mal uso de ella puede no conducirte a nada. Intento que las redes sociales me ayuden, sin convertirme un esclavo de ellas.

Ego construido, 2018. Ilustración editorial. Series © memosesmas
Ego construido, 2018. Ilustración editorial. Series © memosesmas
¿Cómo ves el futuro de la arquitectura? ¿Y el de la profesión?

Como profesional que se ha ido desvinculando de la actividad arquitectónica propiamente dicha, me veo con poca capacidad de vaticinar o sugerir sobre la arquitectura “en mayúsculas”.

Pero de todo ello me interesan muchísimo las personas que terminan la carrera, que tienen una cantidad de conocimientos asombrosa y muchas inquietudes a las que dar respuesta y el actual mercado laboral de la profesión no les ofrece ni cómo ni dónde aplicar esos conocimientos adquiridos.

Y tratar de convertir esa necesidad de encontrar su hueco en virtud.

¿Qué mejoras crees que son fundamentales y que deberían ser puestas en marcha de forma inmediata?

Personalmente, me parece importante reflexionar sobre la conciencia de colectivo, de “gremio”. Tengo la suerte de formar parte de una manera directa en la APIV (Asociación de Profesionales de la Ilustración Valenciana). Generar una masa crítica de personas relacionadas laboralmente, que tienen tus mismas inquietudes y tratar de divulgar y mejorar las prácticas profesionales del sector donde quieres desarrollarte me parece imprescindible a día de hoy.

El uso de los Colegios Profesionales como lugares de reivindicación profesional y no únicamente como máquinas de gestión burocrática debería de ser esencial. Estoy convencido de que ya existen algunos colegios, asociaciones y colectivos en arquitectura que son conscientes de ello y tratan de llevar esto a cabo.

Hay que darle la importancia que se merece a la idea de colectivo y eso solo se consigue uniendo fuerzas e intereses.

Proyecto de edificio de uso mixto en Loja, 2017. Ilustración de arquitectura. Cliente: Ana Asensio © memosesmas
Proyecto de edificio de uso mixto en Loja, 2017. Ilustración de arquitectura. Cliente: Ana Asensio © memosesmas
¿Estás contentos con la trayectoria realizada hasta ahora? ¿Qué proyectos de futuro te esperan?

Mirando con distancia, puedo sentirme muy afortunado. Tanto por los proyectos en los que he estado involucrado, como por los profesionales con los que he tenido el placer de colaborar. La trayectoria no ha sido pretendida. Hay quien comienza teniendo muy claro dónde quiere llegar.

En mi caso partió todo de una inquietud, una  necesidad de probar distintos campos que poco a poco han ido conformándose en lo que hago a día de hoy. Proyectos a futuro hay muchos pero como siempre, los más importantes ahora mismo son los que tengo entre manos.

Espero que los futuros se cumplan y poder contároslos.

Para acabar, ¿qué les aconsejarías a los actuales estudiantes y futuros profesionales de arquitectura?

Consejos vendo que para mí no tengo, dice el refranero popular. Escuché una vez que cuando alguien da un consejo, se está hablando a sí mismo en el pasado (siendo más preciso, fue en la conferencia de Puño en MAD minuto 01:04. La recomiendo encarecidamente).

En ese caso diría que se concedan el derecho a equivocarse. Que prueben y busquen dónde creen que pueden ofrecer lo mejor de sí mismos con los conocimientos y herramientas adquiridas, que no son pocas y que peleen por ello.

Paraíso runner, 2018. Ilustración editorial © memosesmas
Paraíso runner, 2018. Ilustración editorial © memosesmas

Santi Vicente · estudio memosesmas
Febrero 2019

Entrevista realizada por Ana Barreiro Blanco y Alberto Alonso Oro. Agradecer a Santi Vicente su tiempo y predisposición con este pequeño espacio.

G house | gon

[:es]

G house gon 018

Reforma de un ático en el barrio de Conde Duque de Madrid.

Hedonismo y placer son posiblemente los dos conceptos más presentes en muchas de las decisiones que se toman para hacer la reforma de este ático situado en el centro de Madrid para una persona que lo habita sola.

Frente a una organización doméstica exclusivamente funcional, esta casa tiene en cuenta otras consideraciones reales y fabuladas, y se proyecta como un espacio difuso, libre de particiones, donde los límites entre las distintas estancias se desdibujan para que cualquier imprevisto pueda suceder.

Las sensaciones definen la función de cada ámbito: olor, tacto y vista son los materiales fundamentales de la construcción; pero también está hecha de los deseos de producir y consumir experiencias que están por venir, en soledad o en compañía: sentarse junto al fuego de la chimenea en invierno, bañarse en la piscina con las ventanas abiertas, leer en la terraza en medio de la vegetación o ver las estrellas en el tejado en una noche de verano.

El cuerpo es el protagonista de todos estos sueños que se desarrollan en un espacio híbrido mutable, a medio camino entre un loft y una matrioska. Mientras que las acciones de cocinar, comer, dormir, relacionarse, trabajar o descansar tienen lugar en un ámbito libre definido por la forma y posición de los objetos con una cierta condición escenográfica, la limpieza y cuidado del cuerpo se llevan a cabo en un conjunto de habitaciones conectadas en el corazón de la casa.

El sistema de almacenaje, un mueble-cofre de madera que ocupa el centro, es el nexo de unión entre ambos mundos; un elemento de juego: esconde entre sus puertas un acceso secreto al baño, creando en la casa un lugar de sorpresa y misterio.

Los límites del espacio doméstico, una jardinera lineal de más de diez metros de longitud y dos terrazas orientadas al sur, son paisajes vegetales planteados como dispositivos artificiales que disuelven las fronteras entre lo público y lo privado, lo interior y lo exterior, la casa y la ciudad.

Todo esto es mi casa, la que necesito. Un hogar que, lejos de ser un espacio de representación y apariencia, por encima de todo busca la celebración de un lugar para la vida.

Obra: G house. Reforma de un ático en el barrio de Conde Duque de Madrid.
Arquitecto:  gon (Gonzalo Pardo)
Ubicación: barrio de Conde Duque, Madrid, España
Colaboradores: Alejandro Sánchez, Clara Dios
Construcción: Alejandro Ruíz. serviteco obras sl
Carpintería: Mariano García. Alma Ebanistería sl
Cocina: Victoria González. vonnas
Fotografía: Imagen Subliminal
Año: 2017
Cliente: Privado
Superficie: 121,5 m2
+ gon-architects.com

[:gl]

G house gon 018

Reforma dun ático no barrio de Conde Duque de Madrid.

Hedonismo e pracer son posiblemente os dous conceptos máis presentes en moitas das decisións que se toman para facer a reforma deste ático situado no centro de Madrid para unha persoa que o habita soa.

Fronte a unha organización doméstica exclusivamente funcional, esta casa ten en conta outras consideracións reais e fabuladas, e proxéctase como un espazo difuso, libre de particións, onde os límites entre as distintas estancias se desdibujan para que calquera imprevisto poida suceder.

As sensacións definen a función de cada ámbito: cheiro, tacto e vista son os materiais fundamentais da construción; pero tamén está feita dos desexos de producir e consumir experiencias que están por vir, en soidade ou en compañía: sentar xunto ao lume da cheminea no inverno, bañarse na piscina coas xanelas abertas, ler na terraza no medio da vexetación ou ver as estrelas no tellado nunha noite de verán.

O corpo é o protagonista de todos estes soños que se desenvolven nun espazo híbrido mutable, a medio camiño entre un loft e unha matrioska. Mentres que as accións de cociñar, comer, durmir, relacionarse, traballar ou descansar teñen lugar nun ámbito libre definido pola forma e posición dos obxectos cunha certa condición escenográfica, a limpeza e coidado do corpo levan a cabo nun conxunto de cuartos conectados no corazón da casa.

O sistema de almacenaxe, un moble-cofre de madeira que ocupa o centro, é o nexo de unión entre ambos os mundos; un elemento de xogo: esconde entre as súas portas un acceso secreto ao baño, creando na casa un lugar de sorpresa e misterio.

Os límites do espazo doméstico, unha xardineira lineal de máis de dez metros de lonxitude e dúas terrazas orientadas ao sur, son paisaxes vexetais expostas como dispositivos artificiais que disolven as fronteiras entre o público e o privado, o interior e o exterior, a casa e a cidade.

Todo isto é a miña casa, a que necesito. Un fogar que, lonxe de ser un espazo de representación e aparencia, por encima de todo busca a celebración dun lugar para a vida.

Obra: G house. Reforma dun ático no barrio de Conde Duque de Madrid.
Arquitecto:  gon (Gonzalo Pardo)
Emprazamento: barrio de Conde Duque, Madrid, España
Colaboradores: Alejandro Sánchez, Clara Dios
Construción: Alejandro Ruíz. serviteco obras sl
Carpintería: Mariano García. Alma Ebanistería sl
Cociña: Victoria González. vonnas
Fotografía: Imagen Subliminal
Ano: 2017
Cliente: Privado
Superficie: 121,5 m2
+ gon-architects.com

[:en]

G house gon 018

Reform of an attic in the neighborhood of Conde Duque in Madrid.

Hedonism and pleasure are possibly the two concepts most present in many of the decisions that are made to make the reform of this penthouse located in the center of Madrid for a person who lives alone.

Faced with an exclusively functional domestic organization, this house takes into account other real and fabled considerations, and is projected as a diffuse space, free of partitions, where the boundaries between the different rooms are blurred so that any unforeseen event can happen.

The sensations define the function of each area: smell, touch and sight are the fundamental materials of construction; but it is also made of the desire to produce and consume experiences that are to come, in solitude or in company: sitting by the fire in the fireplace in the winter, bathing in the pool with the windows open, reading on the terrace in the middle of the vegetation or see the stars on the roof on a summer night.

The body is the protagonist of all these dreams that develop in a mutable hybrid space, halfway between a loft and a matrioska. While the actions of cooking, eating, sleeping, relating, working or resting take place in a free environment defined by the shape and position of the objects with a certain scenographic condition, the cleaning and care of the body are carried out in a set of connected rooms in the heart of the house.

The storage system, a wooden chest-cabinet that occupies the center, is the link between both worlds; an element of game: it hides between its doors a secret access to the bathroom, creating in the house a place of surprise and mystery.

The limits of the domestic space, a linear planter of more than ten meters in length and two terraces facing south, are plant landscapes proposed as artificial devices that dissolve the boundaries between the public and the private, the interior and the exterior, the house and the city.

All this is my house, the one I need. A home that, far from being a space of representation and appearance, above all seeks the celebration of a place for life.

Work: G house. Reform of an attic in the neighborhood of Conde Duque in Madrid.
Architect: gon (Gonzalo Pardo)
Location: neighborhood of Conde Duque, Madrid, Spain
Collaborators: Alejandro Sánchez, Clara Dios
Construction: Alejandro Ruiz. serviteco obras sl
Carpentry: Mariano García. Alma Ebanistería sl
Cuisine: Victoria González. vonnas
Photography: Imagen Subliminal
Year: 2017
Client: Private
Area: 121,5 m2
+ gon-architects.com

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