domingo, septiembre 7, 2025
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Antonio Palacios. El rumor de la historia, el ruido del tiempo

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Coincidiendo con la XX Semana de la Arquitectura, el COAM inaugurará la exposición “Antonio Palacios. El rumor de la historia, el ruido del tiempo”, comisariada por José Luis Varela Alén y Ricardo Sánchez Lampreave, en la que se recogerán las obras y proyectos de Antonio Palacios fuera de Madrid, mayoritaria y fundamentalmente en Galicia.

exposición “Antonio Palacios. El rumor de la historia, el ruido del tiempo”, comisariada por José Luis Varela Alén y Ricardo Sánchez Lampreave
Exposición “Antonio Palacios. El rumor de la historia, el ruido del tiempo”, comisariada por José Luis Varela Alén y Ricardo Sánchez Lampreave

El próximo año 2024 hará 150 años del nacimiento en O Porriño del arquitecto Antonio Palacios Ramilo, uno de los más destacados arquitectos de la historia de la arquitectura en España.

Para celebrarlo, el Ayuntamiento de Madrid, el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid y la Fundación Arquitectura COAM han acordado organizar conjuntamente el “Año Antonio Palacios”, que se iniciará en este octubre de 2023 y finalizará un año después, también en otoño, con sendas exposiciones. A lo largo del año está prevista la organización de actividades de distinta índole que terminen ofreciendo a la ciudad una visión profunda y actualizada de lo que Antonio Palacios significó como un puente abierto entre el eclecticismo del siglo XIX y la modernidad del XX, entre la arquitectura y la ciudad del pasado y las del futuro.

Coindiciendo con la XX Semana de la Arquitectura, el COAM acogerá la exposición “Antonio Palacios. El rumor de la historia, el ruido del tiempo”, comisariada por José Luis Varela Alén y Ricardo Sánchez Lampreave, que recogerá las obras y proyectos de Antonio Palacios fuera de Madrid, mayoritaria y fundamentalmente en Galicia.

La exposición irá acompañada de la edición de un catálogo, editado por los comisarios y realizado por Gráfica Futura, que será el tomo 1 de una obra conjunta con el del Ayuntamiento. El comisariado de la exposición y catálogo del Ayuntamiento ha sido encargado por éste a Javier Mosteiro y Julián García.

Además, se realizarán tres meses redondas, durante el otoño 2023 y se organizarán varias visitas guiadas a la exposición.

Habitar la existencia | José del Carmen Palacios Aguilar

Habitar la existencia José del Carmen Palacios Aguilar Skateboarding-Critique-mapping
Artist study | Fuente: blogs.ed.ac.uk

Somos esa proximidad sobre las cosas, nos amoldamos al espacio que subyace entre ellas, somos lo que existe alrededor de ese algo. Somos esos retazos de trazos que en el uso vamos dejando, somos esa apariencia que roza sus límites, somo ese espesor que se comienza a fraguar en la costumbre de vivir.

Somos -casi siempre- el reflejo del desgaste de los objetos, somos ese estado del día que evidencia que hemos estado viviendo.

Somos puramente instantes de vida, de hechos. Así vamos dejando -día a día- parte de ellas regadas por doquier; tal vez en un saludo, en un “alcanzarnos algo”, en una estela de aroma al llegar a casa, en un silencio, en el ruido del abrigo que se deja caer sobre la poltrona.

Somos parte de esa ventana reflejada en el vaso de cristal, somos ese material que la vida nos provee de instantes; ya no somos nosotros, pero formamos parte de ello, quizás hemos construido un mundo alrededor de ellos.

Somos lo que ellos -en su desgaste- dan cuenta de nosotros, de nuestras taras, de nuestras deudas con el habitar, de lo que han dejado nuestros momentos especiales, y también por qué no, de nuestra propia y ya usada compañía.

Habitar la existencia José del Carmen Palacios Aguilar The rituals of eating _ Sarah Wigglesworth and Jeremy _2002
The rituals of eating | Sarah Wigglesworth and Jeremy Till | Fuente: architectural-review.com

La casa vertical | Miguel Ángel Díaz Camacho

La casa vertical  Miguel Ángel Díaz Camacho Le Corbusier las cuatro funciones fonder, porter, couvrir, envelopper
Le Corbusier las cuatro funciones fonder, porter, couvrir, envelopper | Fuente: RITA 02. «El proyecto doméstico como laboratorio. Industrialización y procesos en la obra de Alejandro de la Sota», Miguel Ángel Díaz Camacho, octubre, 2014, pp. 124-131

Una de las mayores transformaciones del espacio doméstico -y sus relaciones con el exterior- se produce al ordenar en altura la tradicional yuxtaposición aditiva de estancias sobre el terreno. Al margen de evocaciones poéticas y paradigmas vernáculos de enorme interés,1 serán las nuevas técnicas constructivas, y en especial las estructuras de acero y hormigón armado, las que permitirán la exploración del proyecto vertical de la casa durante el primer tercio del s. XX. La estructura vertical del programa introduce un agente de cambio fundamental sobre las tradicionales relaciones horizontales entre interior – exterior: la progresiva conquista visual de la naturaleza en función de la altura, la casa observatorio como instrumento eficaz en la construcción del paisaje (y de los hombres).

La casa vertical se establece desde una reducida ocupación en planta baja, organizando en altura su volumen y contenido programático: una arquitectura de Estratos. En ocasiones la ocupación de la planta en contacto con el terreno se reduce al máximo, ampliándose la superficie de los niveles superiores en función del programa, argumento principal de proyectos como la «Casa pequeña» de Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa3:

“Hacer que cada nivel responda adecuadamente a su programa conlleva necesariamente la aparición de distintas superficies de planta”.

La villa moderna, sin embargo, libera el programa de la planta inferior y muestra con orgullo la estructura soporte de los niveles superiores: la estancia, el jardín suspendido o el solárium en cubierta, estableciendo claramente los polos inferior y superior entre los que se confina la casa: el vacío-articulación y la cubierta-mirador, sustitutos  de los elementos tradicionales en la estratigrafía doméstica: el sótano y la buhardilla.

“La casa es imaginada como un ser vertical. Se eleva. Se diferencia en el sentido de su verticalidad. Es uno de los llamamientos a nuestra conciencia de verticalidad”.4

La casa como ser erguido y vigilante, como una personificación de nuestras urgencias más elementales: la casa como una máquina para mirar. Mirar más lejos, mirar como una de las formas más leves de la escapada; mirar más allá de aquello que nos rodea y que de algún modo nos contiene, mirar como una forma de poseer; mirar y tomar conciencia de nuestra de nuestra propia insignificancia ante la vastedad. Mirar y regresar peldaños abajo hacia la habitación del Mundo y el subsuelo. Introspección y conquista, liberación y pertenencia, abandono y amparo: experiencias sensibles de la casa vertical.

Miguel Ángel Díaz Camacho. Doctor Arquitecto
Madrid. Mayo 2016.
Autor de Parráfos de arquitectura #arquiParrafos

Notas:
1 Las “casas torre” de Yemen se extienden por todo el país desde el siglo III d.C. y pueden llegar a tener hasta 8 niveles en altura como consecuencia de la idiosincrasia del lugar: geografía, clima, recursos, economía, cultura, etc.

2 Casa Pequeña, Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa, Tokio, Japón, 1999-2000.

3 Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa, ‘Casa Pequeña’, El Croquis nº77[1]+99, pág. 158.

4 Gaston Bachelard, La poética del espacio, Buenos Aires, Fondo de Cultura Económica de Argentina, 1990, pág. 48.

El Punto Gordo (T1)

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El punto gordo es el podcast en el que Jaume Prat y Carmen Figueiras
El punto gordo, podcast de Jaume Prat y Carmen Figueiras

El punto gordo es el podcast en el que Jaume Prat y Carmen Figueiras hablan más o menos de arquitectura.

#1 Lo evidente

El Punto Gordo tendría que empezar con un manifiesto, pero nos liamos y terminamos hablando de aquellas arquitecturas que nos acompañan día a día. Las que hemos dejado de ver de puro cotidianas. Luego descubrimos que eso mismo es lo que han hecho los arquitectos y arquitectas, que solemos preferir enseñar (y visitar) más aquello singular, por pillada que esté la singularidad, que lo que nos hace sentir cómodos.

Pasaremos por nuestras casas, viajaremos a Basilea, Sâo Paulo, Zaragoza y Venecia y terminaremos recomendando cosas que nos gustan. O así.
Sean bienvenidas y bienvenidos.

#2 Enfermar

La arquitectura publicada parece destinada únicamente a las personas sanas. Nuestra salud y nuestra condición física oscilan y varían a lo largo de nuestra vida. En este episodio hablaremos de lo que sucede en la arquitectura cuando nuestra condición física no encaja con la que parece haberla originado.

En este episodio hablaremos de enfermar. Hablaremos de cómo nuestras arquitecturas cotidianas se vuelven hostiles. Hablaremos de las arquitecturas del cuidado y de las que conforman la sanidad pública, recomendaremos material sobre el tema y nos despediremos con una novedad: el cuento que terminará cada episodio a partir de ahora.

#3 Representar

No hay arquitectura sin escenografía. Incluso las personas somos escenografía. En el Punto Gordo os hablaremos, así por aproximación, de las diversas maneras que tenemos de interaccionar entre nosotros y con lo que nos rodea desde lo más íntimo al espacio público. Os hablaremos de las videollamadas, de la vivienda como teatro pasando por Lleida, el Japón o Escocia. En el punto gordo charlaremos de representar. Y luego recomendaremos cosas, os leeremos un cuento y terminaremos con una canción.

#4 Defender

En este episodio reaccionamos al interés de nuestros (millones de) oyentes interesados por las historias que contamos sobre las murallas. Hemos decidido tirar del hilo y hablaros de DEFENDER: protegerse, agruparse, quedarse: uno de los orígenes de la arquitectura. Y de nuestro patrimonio. Empezamos a partir de ahí, Carmen se viene arriba, nos vamos por las ramas, seguimos con más sobre premios y Jaume firmará su suicidio literario en el cuento final en el podcast donde hablamos de arquitectura por aproximación.

#5 Prestigio

En este episodio, las integrantes de El Punto Gordo nos preguntamos de qué hablamos cuando hablamos de prestigio. Lo que los arquitectos pensamos que somos, lo que la sociedad piensa que somos, lo que queda después de analizar aquello que nos prestigia, es decir: los premios. Y, por supuesto, quién NO lo tiene y por qué no. En este episodio nos preguntamos quiénes somos, de dónde venimos, a dónde vamos si se nos acaba la cerveza.

#6 Fealdad

Si lo bello es lo agradable y lo agradable es lo que sigue la norma, lo feo es lo contrario de lo bello. En este episodio del Punto Gordo os hablaremos de todo aquello que parece que no está hecho para que se mire. De lo que se barre bajo la alfombra. De los edificios públicos pensados más para mantenerse que para vivirse. De las viviendas que no cuentan. En este episodio reivindicamos orgullosos lo feo como aquello que no se ajusta a un concepto de belleza que nos excluye. En este episodio hablamos de LA FEALDAD.

#7 Viajar

Un podcast no es un podcast sin un episodio sobre los viajes. Nosotros no podemos ser la excepción, así que hemos hecho lo que hace cualquier persona sin ideas: buscar en la RAE aquello con que podamos llenar la siguiente hora. Y acabamos descubriendo que viajar no es aquello que pensáis. Empezamos con los grandes viajes, pasamos a los viajes pequeños, llegamos a los viajes de placer que a veces no lo son tanto, nos liamos y ahí están las recomendaciones para terminar en alto. Si es que se os va a hacer corto.

#8 Bañarse

¿Cuando hace calor, qué apetece? Pues mira, no lo sabemos, pero hemos venido a hablar de bañarnos: en el río, en el mar, en un pantano. Después, la locura: niños de siete años cargando tractores a peso, David Chipperfield como el nuevo Feijóo y una carpa que bebe vino en porrón. Después de unas vacaciones, seguimos hablando de arquitectura por aproximación.

#9 divertirse

HABER. Que El Punto Gordo se va de vacaciones, y antes de hacerlo queríamos hablar sobre DIVERTIRSE. De hecho lo que queríamos hacer era divertirnos nosotros preguntándonos qué nos divierte. La cosa ha salido más o menos bien: casi dos horas de reflexiones sobre la parra donde estamos, los claroscuros, lo efímero y el poco sentido del humor de los académicos.

El podcast volverá en unas semanas, así por aproximación. Como la arquitectura que nos gusta.

#10 supermercados

Supermercados everywhere: cerca de tu casa, en la periferia de tu ciudad, más grandes, más pequeños, con más o menos variedad de productos, todos ellos han originado unas arquitecturas que recorremos en este episodio. Al final, recomendamos cosas ilegales. Señoras: empieza una nueva temporada de El Punto Gordo.

#11 Limpiar con las Chicas del Volcán

Ojo al dato, que venimos con las primeras invitadas de nuestro podcast por todo lo alto tomándonos un buchito de café con leche con Antonio y Donacio, nuestras amigas de Las Chicas del Volcán. Con ellas hablamos de LIMPIAR, y descubrimos cómo este acto está en la raíz de la arquitectura moderna pero después se esconde, charlamos un poco sobre lo divino y lo humano y luego nos recomiendan cosas. Si es que no podemos estar más felices.

#12 Escribir

La arquitectura se escribe. Si podemos viajar a la Isla del Tesoro o pasar quince semanas en globo también podemos visitar edificios que no conocemos, o que no han existido.

Jaume escribió Coordenadas para el Próximo Milenio, que resulta que es un libro que no ha promocionado muy bien, y una conversación sobre él sirve como pretexto para hablar sobre ESCRIBIR: un programa diferente que también es un poco un regalo y un homenaje.

#13 Provincianas

Hemos descubierto hace poco la figura del cosmopaletismo y queremos reivindicar los trabajos desde los lugares que no marcan tendencias, desde la periferia. Reivindicamos las arquitecturas que sólo conocemos los que somos de determinados lugares pequeños y pretendemos que ese microcosmos se expanda como una esponja de esas naturales que compras en tu supermercado de confianza y que usas por primera vez. Tomaos este episodio como un homenaje a vuestras arquitecturas y arquitectes de provincias que estimáis deben ser reivindicados y conocidos por nuestra cada vez más grande comunidad de oyentas.

#14 Crónicas puntogordianas Vol.01 

Teníamos mono de episodio y lo grabamos sin guión. La excusa: haber coincidido en los mismos lugares con 24 horas de diferencia: exposiciones, Madrid como aldea, recomendaciones y reflexiones sobre cosas leídas. O lo que viene ser hablar de todo y de nada.

Quedan inauguradas las Crónicas Puntogordianas.

 

 

Children’s Canteen en La Pobla de Farnals | Trazia Arquitectura

Children’s Canteen en La Pobla de Farnals Trazia Arquitectura © Milena Villalba 12
Children’s Canteen en La Pobla de Farnals | Trazia Arquitectura © Milena Villalba

El proyecto surge a raíz de una necesidad funcional de obtener más espacio del que ofrece el comedor original, el cual, ha quedado obsoleto en cuanto a instalaciones y dimensiones para dar servicio a la actual demanda. El objetivo con dicha ampliación es, por tanto, conseguir un comedor que cuente con 405 m2 para un total de 540 comensales en dos turnos y una cocina de 145 m2.

Para ello se plantea la ampliación del edificio respetando la estructura existente y dándole continuidad mediante un mismo ritmo. Se amplía la zona de comedor para ocupar el área que queda libre entre éste, el edificio de primaria y la valla de cierre del centro, dejando una crujía libre para formalizar un patio que continúe asegurando una entrada de luz natural y ventilación adecuada a la zona de comedor y cocina.

Children’s Canteen en La Pobla de Farnals Trazia Arquitectura 1 PLANTA
Children’s Canteen en La Pobla de Farnals | Trazia Arquitectura | Planta

La cocina crece hacia el patio de infantil y hacia el anterior patio de servicio. Se genera un nuevo patio de servicio en una pequeña superficie del actual huerto.

Para todo ello, se respeta tan solo estructura y cubiertas existentes. El edificio se plantea con cubierta en diente de sierra en la mayor parte del desarrollo de la planta, a excepción de la zona de unión con el edificio de primaria, donde se opta por una cubierta plana que respeta la composición de la fachada anexa.

El acceso a la zona de cocinas, almacenes y vestuarios, y, por ende, de los trabajadores, se ubica en la fachada principal, a través de un pequeño patio, mientras que el acceso de los usuarios, alumnos todos ellos del centro, se realiza desde el patio con dos accesos, una entrada y una salida, para evitar colapsos.

En cuanto a la materialidad, se busca crear un espacio relajado, siguiendo la filosofía Montessori. Es fundamental crear un ambiente tranquilo y acogedor que favorezca la calma y el diálogo, evitando una hiperestimulación que puedan crear confusión y agitación en los niños.

Children’s Canteen en La Pobla de Farnals Trazia Arquitectura 2 SECCION-1-3
Children’s Canteen en La Pobla de Farnals | Trazia Arquitectura | Sección1-3

El cromatismo y la materialidad se utiliza como una manera de zonificar un espacio y crear recorridos intuitivos que ayudan al niño a sentirse orientado y acogido, y por tanto, en calma.

El azulejo cerámico se plantea como una buena opción en cuanto a resistencia e higiene, y, además, aporta color a un espacio infantil. Se ubica en las cotas bajas y con un mayor uso. La madera se integra por su calidez y propiedades acústicas en las zonas más altas y puntualmente en pilares.

Children’s Canteen en La Pobla de Farnals Trazia Arquitectura © Milena Villalba 9
Children’s Canteen en La Pobla de Farnals | Trazia Arquitectura © Milena Villalba

Función y diseño forman un tándem. Mediante un entorno relajado, diferentes revestimientos, acabados y texturas, se invita a los infantes a ser protagonistas e interactuar con su entorno.

Children’s Canteen en La Pobla de Farnals Trazia Arquitectura 3 SECCION-4-5
Children’s Canteen en La Pobla de Farnals | Trazia Arquitectura | Sección 4-5

La iluminación artificial juega un papel importante, buscando no saturar el espacio, se plantea una iluminación cálida y versátil que acompaña la arquitectura y juega con ella según las propias necesidades. Luminarias led lineales se encastran en los paneles de madera y generan un ritmo que aporta movimiento al espacio.

Children’s Canteen en La Pobla de Farnals Trazia Arquitectura © Milena Villalba 10
Children’s Canteen en La Pobla de Farnals | Trazia Arquitectura © Milena Villalba

Comedor escolar de estilo Montessori, donde la luz, el cromatismo y la materialidad cobran principal protagonismo.

Obra: Children’s Canteen en La Pobla de Farnals
Autor: Trazia Arquitectura (Carlos Pardo – Lucía Hernández)
finalización: 2022
Superficie Construida: 480 m2
Ubicación: La Pobla de Farnals (Valencia, España)
Cliente: Excmo. Ayto. La Pobla de Farnals
Fotografía: Milena Villalba
+ trazia.net

CONECTA by hna: Un programa imprescindible para estudiantes de Arquitectura o Arquitectura Técnica

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CONECTA by hna Un programa imprescindible para estudiantes de arquitectura o arquitectura técnica 2023
CONECTA by hna: Un programa imprescindible para estudiantes de arquitectura o arquitectura técnica

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La secta (I). Censo de personajes | José Ramón Hernández Correa

La secta (I). Censo de personajes José Ramón Hernández Correa Frank Lloyd Wright
Frank Lloyd Wright
1. La secta. Censo de personajes. El patriarca: Frank Lloyd Wright

Genial arquitecto estadounidense. Nacido según unos en 1867 y según otros (entre quienes me encuentro) en 1869. En agosto de 1928, con 61 -o 59- años de edad, se casó con una joven montenegrina de 29 años. Era su tercer matrimonio, aunque había convivido con cuatro mujeres. (Con una de ellas no había llegado a casarse: Fue asesinada antes).

El gran arquitecto estaba arruinado, y soportaba una de las mayores crisis personales y profesionales de su vida, aunque ya se había repuesto de otras.

No; no estaba en su mejor momento.

La secta (I). Censo de personajes José Ramón Hernández Correa FLW-Olgivanna
Frank Lloyd Wright y Olgivanna Lloyd Wright
2. La secta. Censo de personajes. La lideresa malona: Olgivanna

Nacida Olga Ivanovna Lazovich y casada como Olgivanna Lloyd Wright: No le bastó el «Wright», que adoptó hasta el «Lloyd»). Nacida en 1898. Bailarina en el ballet ruso de Gurdjieff. Tenía 29 años cuando se casó -en agosto de 1928- con Frank Lloyd Wright. (Antes se había casado con otro arquitecto, con quien había tenido a su hija Svetlana).

Esta mujer, con una gran visión (y con una cara de hormigón HA-25/P/20/IIb), convenció a su famoso pero arruinado marido para que montara la secta: The Taliesin Fellowship. Una preciosa hermandad formada por estudiantes de arquitectura y jóvenes arquitectos de todo el mundo que acudirían gozosamente a aprender, a trabajar y a vivir con el gran patriarca. No, no cobrarían nada por su trabajo. Por el contrario, pagarían mil dólares al año (un dineral) para recibir el privilegio de formar parte de la secta. A cambio de ello recibirían una formación integral en arquitectura. («Integral» quería decir que ordeñarían las vacas, ararían los campos de la bella comunidad… Qué digo comunidad: hermandad. Y se alojarían en los hermosos edificios… que no existían, y que para empezar tendrían que construir ellos mismos).

La secta (I). Censo de personajes José Ramón Hernández Correa Wes Peters
William Wesley Peters
3. La secta. Censo de personajes. El bobalicón, William Wesley Peters

Uno de los aprendices más conspicuos de Wright. Era muy competente, y también muy alto, lo que ponía frenético al maestro, que era más bien corto de estatura y diseñaba siempre los techos muy bajos.

-¡Quítate de ahí, Wes, que me rompes la escala!

Y es que ver al bueno de Wes Peters ahí derecho, como un pasmarote, casi rozando el techo con la coronilla, echaba a perder toda la magia.

La secta (I). Censo de personajes José Ramón Hernández Correa Ejemplo de cosa hecha por Wesley Peters, al frente de Taliesin, después de muerto su suegro
Ejemplo de cosa hecha por Wesley Peters, al frente de Taliesin, después de muerto su suegro.
4.La secta. Censo de personajes. La primera hija, Svetlana

Olgivanna ya tenía una hija, Svetlana, cuando se casó con Wright. Luego tuvo otra hija con él: Iovanna.

Svetlana, adoptada por Wright, se casó con Wesley Peters. En el microrreino que era Taliesin, el rey (y, sobre todo, la reina) casaba a su hija mayor (los seis hijos anteriores de Wright no contaban; no eran hijos de Olgivanna) con el más notorio de sus discípulos, y de esa forma le nombraba legítimo heredero.

Svetlana murió en las cercanías de Taliesin a los veintinueve años de edad, con su hijo Daniel, en un accidente de coche que ella conducía.

La secta (I). Censo de personajes José Ramón Hernández Correa Edición española del libro. El título original, Veinte cartas a un amigo, no tenía morbo
Edición española del libro. El título original, Veinte cartas a un amigo, no tenía morbo. Era mucho mejor este: Mi padre, mi padre, mi padre. Ah, y la autora Svetlana Stalin: nada de Alilúyeva.
5. La secta. Censo de personajes. La rusa loca, Svetlana

La hija de StalinSvetlana (otra Svetlana, qué casualidad), se escapó de la URSS a la India, en pos de su amor, con quien permaneció hasta que él murió. Los graves problemas para obtener permisos de salida, y el insoportable control al que estaba sometida, la lanzaron a la huida definitiva: Roma, Friburgo, Zúrich, Nueva York, Princeton y Taliesin.

Había escrito un libro de memorias: Veinte cartas a un amigo, en el que criticaba el régimen soviético

¡y ponía a caer de un burro a su propio padre!

Era el libro más morboso del mundo. Ella era la persona más morbosa del mundo. La hija del diablo huía del infierno y contaba intimidades y maldades de su padre.
El libro se tradujo a todos los idiomas y Svetlana se hizo rica.

Edición española del libro. El título original, Veinte cartas a un amigo, no tenía morbo. Era mucho mejor este: Mi padre, mi padre, mi padre.

Ah, y la autora Svetlana Stalin: nada de Alilúyeva.

Además de dinero, mucho dinero, los Estados Unidos le dieron protagonismo, fama, confort. La exhibían como trofeo arrebatado al enemigo, la llevaban de acá para allá, la vitoreaban como heroína, presumían de ella.

Svetlana había renunciado al apellido de su padre y había tomado el de su madre, Alilúyeva, suicidada cuando ella tenía seis años. Una infancia desamparada, una vida desequilibrada.

La secta (I). Censo de personajes José Ramón Hernández Correa Svetlana (Stalin) Alilúyeva
Svetlana (Stalin) Alilúyeva

No sabía manejar dinero, y tenía demasiado. No sabía qué se hacía con él.

Pero Taliesin estaba lleno de deudas, como de costumbre, y la abeja reina sí que sabía que hacer con esa pasta. La olió desde miles de kilómetros de distancia y la atrajo hacia sí.

La secta (II). La ratonera | José Ramón Hernández Correa

José Ramón Hernández Correa · Doctor Arquitecto
Toledo · Junio 2016

Nota.- La primera parte de la historia que voy a contar ya la conté -admirablemente bien, según dijo el ínclito crítico y académico Don Florián-Nepomuceno Robasiestas Juanjo-Nomepises- en mi novela La hoja desnuda, publicada en 1998 por la demarcación de Toledo del COACM y actualmente en fase de corrección y reedición por Cornac Ediciones. De modo que no me extenderé mucho. Y me remito a la novela. (No os preocupéis: Cuando renazca en esta su segunda vida lo contaré cien veces). Empecemos con el censo de personajes:

Elena Odriozola: ¿Qué trabajo necesita un hombre? | epR

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Elena Odriozola | Fuente: Donostia Kultura

Suelo prestar poca atención a los premios. El tiempo, a menudo, ha dejado en evidencia sus errores, ha desnudado la incompetencia -cuando no la vileza- de sus  jurados. Sin embargo, al leer el fallo del Premio Nacional de Ilustración 2015, pensé que no todo estaba perdido: el reconocimiento había recaído en Elena Odriozola.

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Odriozola ha sido galardonada en dos ocasiones con el Premio Euskadi (2009, 2013)

Aunque hay en la trayectoria de Odriozola un hilo conductor, éste es muy borroso. A menudo parece incluso perderse; una rareza en una industria que, en gran medida, busca autores con un lenguaje -llamémosle estilo– definido, reconocible. Pero la voluntad de experimentación es, precisamente, el gran valor de Elena Odriozola: su capacidad para empezar de cero una y otra vez, para explorar hasta perderse y, luego, regresar con historias que contar. Solo una estricta disciplina puede hacer que uno mismo se imponga la obligación de dibujar con la mano izquierda, en palabras de un célebre coterráneo de Odriozola1. Solo así se entienden obras tan heterodoxas como su Frankenstein o tan radicales como Tropecista.

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Ilustración de Elena Odriozola para ‘Frankenstein o el moderno Prometeo

Sin embargo, no fue a través de obras tan singulares como conocí el trabajo de Elena Odriozola, sino gracias a un trabajo -en apariencia- naïf. Fue una mañana, deambulando por una librería de arquitectura, cuando descubrí un libro pequeño, un relato corto del que nunca había oído hablar: ¿Cuánta tierra necesita un hombre?

Llamó mi atención la portada, la edición y, cómo no, la cara del hombre que adornaba la solapa: esa mirada glacial y esteparia, esa barba ensortijada, ese gorro calado, ¡solo podía ser Tolstoi! Luego abrí el libro y me topé con unas ilustraciones dibujadas a mano, un trabajo de una enorme sensibilidad compositiva fruto de un delicado entendimiento del espacio en blanco y una equilibrada presencia de la textura y el color en las figuras.

Elena Odriozola ¿Qué trabajo necesita un hombre epR ¿Cuánta tierra necesita un hombre
Lev Tolstoi. ¿Cuánta tierra necesita un hombre?

Compré el libro y, de camino a casa, pensé que ilustrar textos debía de ser un enorme reto, pero también, quizá, un buen trabajo. Entonces, todo empezó a cambiar.

Notas
1. Confiesa Eduardo Chillida en una entrevista publicada en el número 9 de la revista Babab: ‘…Un día, tenía ya tantos dibujos en mi cuarto, que me quedé toda la noche viéndolos, me pasé toda la noche sin dormir viendo mis dibujos y de repente como a las cuatro de la mañana me dije a mi mismo: “esto no puede ser arte, es demasiado fácil”. Yo notaba que mi mano iba demasiado rápido y dejaba detrás a la cabeza y a la sensibilidad, a la emotividad y a todas las cosas que tienen que acompañar al arte. Lo único que había era una mano hábil, pero yo tenía que frenar lo peligroso de esto. Entonces, se me ocurrió dibujar con la mano izquierda, y así mi mano tendría que ir más despacio que mi cabeza y mi emotividad.’

Nada de lo humano me es ajeno

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Nada de lo humano me es ajeno - E. Delgado Orusco, J. Aparicio Fraga
Nada de lo humano me es ajeno – E. Delgado Orusco, J. Aparicio Fraga

Este libro es una iniciativa de un grupo de amigos de Ignacio Vicens. Personas que han sido testigos de la poliédrica riqueza de su vida y que, en mayor o menor medida, han sido partícipes de su generosidad. Personas que han buscado su coartada en el cuarenta aniversario de su llegada al Colegio Mayor Moncloa y acaso en un aniversario igualmente redondo del homenajeado.

El título del libro es un evidente préstamo del personaje de Publio Terencio y el subtítulo un juego con la celebrada obra de T. S. Eliot. La cita romana —habitual en los labios de Ignacio— alude a la ambición universitaria que ha caracterizado su vida, mientras los cuatro cuartetos nos han servido para estructurar el libro: universalidad, vocación, mentoría y mecenazgo.

El libro se desborda con un cuaderno de fotos imprescindibles y se cierra con un texto del propio Ignacio —el único suyo— que explica la dedicatoria y el libro entero.

Ignacio Vicens y Hualde

Arquitecto por la ETSAM (1976), Doctor Arquitecto, Premio Extraordinario de Doctorado (1985) y Premio de Investigación, Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid (1986). Es Catedrático de Proyectos Arquitectónicos, ETSAM Universidad Politécnica de Madrid, Director Responsable del Grupo de Investigación “CULTURA DEL HÁBITAT” y Director de la Cátedra Blanca CEMEX. Ha sido profesor Invitado en las Universidades de Harvard, Pennsylvania, Londres (AA, Architectural Association), París (UP8), Roma (La Sapienza), Navarra, Montevideo (U. de la República), Budapest (Politécnica), México (Panamericana y de las Américas), Guatemala (del Istmo) y Palermo.

Secretario de la Comisión de Cultura del Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid, 1980-1986. Subdirector de Doctorado e Investigación de la Escuela de Arquitectura de Madrid, 1998-2004. Presidente de la Comisión de Doctorado, ETSAM 1994-1998. Consejero Editor de la revista ARQUITECTURA, 1993-2000. Consejero Editor de NUEVA REVISTA. Miembro de la Comisión de Gerencia de la Real Fundación Toledo, de la Fundación Camilo José Cela y de la Fundación Félix Granda. Comendador de la Orden de San Gregorio Magno. Comendador de la Orden del Mérito Civil. Cruz al Mérito Militar con distintivo blanco. Premio RIBA 2019.

Eduardo Delgado Orusco (ed.)

Arquitecto (1989) y doctor en arquitectura (2000) por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid con el Premio Extraordinario de la Universidad Politécnica de Madrid. Actualmente es Profesor Titular de Proyectos Arquitectónicos en la Universidad de Zaragoza.

Ha realizado numerosas estancias de docencia e investigación en otras tantas universidades, destacando la University of Pennsylvanya (USA), el Instituto Tecnológico de Monterrey (México), la Universitá Svizzera Italiana (Suiza), la Universidade Técnica de Lisboa (Portugal) o La Sapienza de Roma (Italia).

Su actividad investigadora se encuentra asociada al Grupo de Investigación Paisajes Urbanos y Proyectos Contemporáneos del Departamento de Arquitectura de la Universidad de Zaragoza, y al Instituto Universitario de Investigación en Patrimonio y Humanidades, también en la Universidad de Zaragoza.

Ha recibido numerosos premios y distinciones relacionados tanto con su labor investigadora como con su práctica profesional (entre otros, Premios COAM, Premio XII BEAU, Finalista XIII y XIV BEAU, Premios FAD, Madrid 100%, Archizinc, Big Mat).

Jaime Aparicio Fraga (ed.) 

(Cádiz, 1976), es Doctor Arquitecto por la Universidad Politécnica de Madrid, con Sobresaliente cum laude, en cuya Escuela Técnica Superior se tituló en 2002. Se inició en la profesión de la mano de destacados arquitectos, como Rafael de La-Hoz. En 2004 estableció su propio Estudio profesional. Ha sido Consultor de diversas instituciones públicas y privadas, fundamentalmente en asuntos de Rehabilitación o Patrimonio arquitectónico. Su obra ha sido distinguida y publicada en revistas especializadas de Arquitectura.

En los últimos años su labor investigadora se ha centrado en las aportaciones de arquitectos ibéricos de la segunda mitad del siglo XX, cuyos resultados han sido publicados y expuestos en numerosos Congresos nacionales e internacionales. En la actualidad vive y trabaja en Valencia, donde compatibiliza la labor investigadora con su estudio profesional.

 

Adecuación de la quesería Hoya de la Iglesia | Crux arquitectos

Adecuación de la quesería Hoya de la Iglesia Crux arquitectos © Milena Villalba 11
Adecuación de la quesería Hoya de la Iglesia | Crux arquitectos © Milena Villalba
Adecuación quesería Hoya de la Iglesia

Un sector primario que aporte valor al territorio es fundamental para la supervivencia del mundo rural. La quesería Hoya de la Iglesia, ubicada en la aldea de Los Pedrones, Requena, elabora productos lácteos de gran calidad con leche de cabra que viene de su propia granja.

Se trata de una empresa familiar, gestionada por los hermanos Roldán – Luis, Manuel y Nacho- quienes los últimos años han tenido la inquietud de sumar el aspecto turístico al productivo, ofreciendo visitas y catas guiadas.

Adecuación de la quesería Hoya de la Iglesia Crux arquitectos 5 ALZADOS
Adecuación de la quesería Hoya de la Iglesia | Crux arquitectos | Alzados
Estado de situación

A partir de reconocer un estado previo heterogéneo de carácter agroindustrial, resultado de un crecimiento “ad hoc» a lo largo del tiempo, y con la necesidad de incorporar los nuevos requerimientos, surge el desafío de encontrar estrategias que den unidad a todo el conjunto.

Además, su posición en la zona alta de la aldea, por un lado, le proporciona una presencia destacada en el perfil de la aldea y, por otro, ofrece vistas privilegiadas hacia Los Pedrones y su entorno.

Búsqueda de una identidad

Frente a la inexistencia de una fachada definida y ausencia de unidad, se propone la consolidación volumétrica a través de un patrón geométrico en la envolvente.

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Adecuación de la quesería Hoya de la Iglesia | Crux arquitectos © Milena Villalba

La incorporación de un elemento recurrente dentro del paisaje construido rural, un hueco cuadrado, con variación de medidas proporcionales entre sí y distribuido según una retícula modular, genera un sistema de organización visible, tanto en el exterior como en el interior.

Esta lógica de construcción másica con huecos contenidos, reconocible en las fachadas vernáculas, permite dar respuesta a las necesidades que requieren los diferentes espacios, manteniendo una unidad estética del conjunto.

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Adecuación de la quesería Hoya de la Iglesia | Crux arquitectos © Milena Villalba

Potenciar la experiencia

La idea de recorrido y descubrimiento de las cuevas es parte de la experiencia del visitante.

Es clave en el proyecto la incorporación de una pieza singular que actúa de transición y umbral entre la recepción y las cuevas, espacios con escalas y atmósferas muy diferenciadas.

Un elemento umbral que se desmaterializa a medida que descendemos, un volumen metálico ciego que nos abre la puerta al otro mundo.

El primer tramo de escalera se descuelga del forjado, quedando vinculado a la planta de acceso, envuelto por un cerramiento permeable, controlando la luz que llega a través de la recepción. El segundo tramo de escalera, se resuelve en voladizo desde el muro lateral y, por último, un tercer tramo conforma una llegada másica de hormigón, como elevación topográfica de la zona de cuevas.

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Adecuación de la quesería Hoya de la Iglesia | Crux arquitectos © Milena Villalba
Aprovechar lo disponible

Aprovechar los condicionantes materiales e incluir tecnologías locales para dar respuesta al encargo es imprescindible durante la ejecución de este proyecto.
Como resultado, se trabaja con una paleta material restringida y una construcción sencilla.

En fachadas se emplea un enfoscado “piel de tigre”, una huella artesanal y personal que termina de caracterizar el exterior.

Se incorpora el metal en elementos compositivos de la intervención, tarea del herrero del pueblo, y la madera de pino, trabajo de un carpintero de Requena, que conforma las estanterías de los quesos en cerramiento y mobiliario.

Adecuación de la quesería Hoya de la Iglesia Crux arquitectos 8 AXO-SECCIÓN-ESCALERA
Adecuación de la quesería Hoya de la Iglesia | Crux arquitectos | Axonometría-Sección-Escalera

A partir del concepto de la cimbra, rememorando esa estructura auxiliar que da soporte provisional a las bóvedas, se propone el cerramiento de dos de las tres cuevas, permitiendo aclimatar en temperatura y humedad esos espacios de maduración y afinado de quesos.

Por último, la propuesta a medida del mobiliario se reformula empleando pallets de madera, recurso disponible para dar respuesta inmediata y poner en marcha las actividades.

Valor

La adecuación de la quesería Hoya de la Iglesia es un proyecto que nace desde lo material y desde el oficio de la mano de obra, reconociéndolos y valorándolos.

Entendemos la intervención como parte de un proceso que continúa activo y que ha de sumar para ser capaz de atraer atención a este punto del medio rural, ayudando a la sostenibilidad social y económica de la aldea.

Obra: Adecuación de la quesería Hoya de la Iglesia
Autor: Crux arquitectos
Año inicio obra/proyecto: 09/2020
Año finalización obra/proyecto: 06/2022
Superficie Construida: 424 m2
Ubicación: Los Pedrones (Requena, Comunidad Valenciana, España)
Cliente: Quesería Hoya de la Iglesia
Fotografía: Milena Villalba
+ cruxarquitectos.com

JUNG en las ferias sectoriales más relevantes del sector

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JUNG en las ferias sectoriales más relevantes del sector jung-ferias-2022_eConcepto-01
Interihotel, 2022
JUNG está desarrollando en este último trimestre de este 2023 una extensa agenda de encuentros en ferias y convocatorias sectoriales.

El especialista europeo en material y automatización de instalaciones eléctricas, JUNG, está desarrollando una extensa agenda de encuentros sectoriales en ferias y convocatorias en este último trimestre de este 2023 , factor que le permitirá seguir estrechando contacto con clientes, instaladores, prescriptores y usuarios finales de sus productos, así como mostrar las últimas novedades de su catálogo.

Con 111 años a la vanguardia tecnológica y estilística en mecanismos y automatización eléctrica, JUNG redobla su presencia en las ferias y convocatorias sectoriales más destacadas en esta recta final del año. El objetivo es mostrar su diverso porfolio de productos, además de profundizar y ampliar el contacto con el universo profesional de clientes, prescriptores e instaladores por todos los rincones de nuestro país.

En el Palacio de Congresos y Auditorio de Navarra, el Consorcio Passivhaus organizó la cuarta edición de la Feria Edifica, un punto de encuentro imperdible para la edificación sostenible y saludable de España.

En el Palacio de Congresos y Auditorio de Navarra, el Consorcio Passivhaus organizó la cuarta edición de la Feria Edifica, un punto de encuentro imperdible para la edificación sostenible y saludable de España en la que JUNG participó entre los días 20 y 22 de septiembre. La convocatoria, que congregó a los entusiastas de las viviendas ECCN-Passivas, de balance cero y positivo, permitió a JUNG demostrar su compromiso activo con el bienestar, el confort, la salud y el ahorro energético en la edificación más actual.

JUNG en las ferias sectoriales más relevantes del sector jung-ferias-2022_eConcepto-03-mallorca
Mallorca Home Meeting, 2022

El fabricante alemán tampoco se quedará atrás ante los profesionales del diseño interior. Su participación en el Mallorca Home Meeting, del 5 al 7 del presente mes de octubre, se desarrollará bajo la bandera de los colores para arquitectura de interior de Les Coleurs® Le Corbusier, así como con los últimos acabados metálicos y mate de las principales series de mecanismos de JUNG.

El fabricante alemán también estará presente en EFINTEC, la feria de referencia del sector de la instalación y la energía que reúne en Barcelona en torno a 7.000 profesionales, mayoritariamente instaladores.

Ya en la segunda quincena de octubre, los días 18 y 19, JUNG estará presente en EFINTEC, la feria de referencia del sector de la instalación y la energía que se calcula reunirá en Barcelona en torno a 7.000 profesionales, mayoritariamente instaladores, pero también arquitectos, ingenieros o perfiles técnicos. Sin duda, la nueva domótica de JUNG HOME será una de las estrellas indiscutidas del encuentro.

JUNG en las ferias sectoriales más relevantes del sector jung-ferias-2022_eConcepto-02-interihotel
Interihotel, 2022
En InterHotel, JUNG mostrará su catálogo de soluciones específicas para el sector hospitality, en el que destacará el nuevo controlador de estancia LS TOUCH.

Casi simultáneamente, del 18 al 20 de octubre, tendrá lugar otra de las citas obligadas de JUNG, esta vez con el sector hotelero, que aúna por igual las más altas exigencias de eficiencia y estilo. Se trata de Interihotel, un evento del que la empresa alemana tiene el placer de ser patrocinador destacado. La pasada edición celebrada en Madrid atrajo a más de 6.000 visitantes de 42 países, 152 marcas expositoras y 92 ponentes en conferencias, debates y talleres, lo que sitúa a esta feria a la cabeza europea del diseño de hoteles y restaurantes. JUNG mostrará su catálogo de soluciones específicas para este universo, en el que destacará el nuevo controlador de estancia LS TOUCH o el sistema de iluminación Plug&Light.

Finalmente, del 2 al 12 de noviembre, el Marbella Design & Art será testigo de la versatilidad que ofrece el catálogo de JUNG pensado para el diseño de interiores. Once días en los que, a través de un formato de montaje innovador y exclusivo, se mostrarán las mejores tendencias del interiorismo residencial más excepcional.

La presencia de JUNG en estas ferias sectoriales, así como en otro tipo de eventos y cursos de formación, refleja su compromiso con el progreso de la construcción, la arquitectura y el interiorismo,. Es también una oportunidad para fortalecer su liderazgo en el sector atendiendo las demandas de usuarios y profesionales. Del mismo modo, con la reciente apertura de su Showroom en Madrid, JUNG sigue reforzando su vínculo con estos profesionales, ofreciéndoles un espacio único de creación y encuentro, en el que la fusión entre tecnología y diseño es la protagonista.

Galería de las Colecciones Reales | David García-Manzanares Vázquez de Agredos

Es común que los arquitectos midamos las obras a ejecutar en m2.

Solado con pavimento aislante y drenante con losa filtrante de 60x40x5 cm, sentada en seco sobre membrana impermeabilizante, i/p.p. de recortes y piezas de borde, en cubierta plana transitable invertida. 180 m2.

Es igualmente común que midamos las demoliciones en m3.

Demolición de cimentaciones de hormigón en masa o armado, con compresor, incluso excavación, limpieza y retirada de escombros a pie de carga y relleno con las mismas tierras, sin transporte al vertedero y con p.p. de medios auxiliares, sin medidas de protección colectivas. 300 m3.

Es común, y de tan común, nadie repara en ello. La construcción es superficie, mientras que la demolición es volumen, como si entre ambas se produjese un proceso de alquimia por el cual, de forma ignota, se adquiere esa tercera dimensión.

Decía Miguel Fisac1 que la arquitectura no son cuatro paredes y un techo, sino el aire que queda dentro. Y algo de eso debe haber, porque el aire contenido en nuestros edificios no es superficie sino volumen. Sólo puede medirse en m2 cuando apenas es un proyecto básico o de ejecución; sin embargo, para su demolición ya sólo concebimos la medición en m3. En volumen.

Si cuando se edifica se mide en m2 es tan sólo porque cuando se construye no se está haciendo propiamente Arquitectura, sino mera edificación. Y la Arquitectura, de este modo, es el aire, el sedimento y el poso que queda en los edificios después de haber vivido en ellos, tras la lenta maduración de habitarlos y domesticarlos. Sólo cabe considerar la Arquitectura como volumen, resultado de una transmutación cuyo proceso ontológico nos está vedado, pero que sólo puede surgir cuando las ideas y preocupaciones que se nos evaporan se depositan en el aire, densificándolo.

La Arquitectura, así, no es superficie, sino volumen. Y tiempo. Porque es a través del tiempo que las superficies se metamorfosean, y mudan de edificación a Arquitectura. Aparece, de este modo, una cuarta dimensión; y realizar mediciones y presupuestos, considerando 4 dimensiones, comienza a ser un proceso tan tedioso y desagradable, que decidimos descontarlo, fingiendo desconocer su existencia. Simulamos que sólo es real lo que aparece grafiado o medido en nuestros proyectos, con la misma habilidad y ligereza con la que simulamos disfrutar del verano.

Galería de las Colecciones Reales David García-Manzanares Vázquez de Agredos
Galería de las Colecciones Reales | Fuente: galeriadelascoleccionesreales.es

Pero una crítica honesta no puede eludir estos principios, irrenunciables por otra parte. Y si consideramos la Galería de las Colecciones Reales es donde más patente se hace todo esto, porque estamos ante uno de los pocos casos donde la Arquitectura surge de manera simultánea a la edificación. Proyectar para albergar el legado artístico de una sociedad -o de varias sociedades que nos vamos superponiendo-, sólo puede hacerse si el material empleado es el aire, y más concretamente, el aire que ha ido respirándose a través de los siglos y que ha acabado por impregnar esas obras expuestas.

De este modo, Emilio Tuñón y Luis Moreno Mansilla construyen una membrana para contener ese aire incontinente, para modelarlo, o, por mejor decir, para amansarlo y hacerlo visitable. Lo que se construye, por tanto, es volumen; Arquitectura ya desde su ejecución, porque no necesita esperar a pigmentarse a través del tiempo, con ese aire vivido, sino que las propias colecciones reales precipitan ese proceso, como el acelerante de un incendio.

Galería de las Colecciones Reales David García-Manzanares Vázquez de Agredos 02
Galería de las Colecciones Reales | Fuente: galeriadelascoleccionesreales.es

Y la arquitectura de Tuñón y Mansilla tan sólo debe ser la pipeta donde se produzcan esas reacciones químicas. No es, sin embargo, esto sencillo, porque exige una humildad desusada en los arquitectos, ser conscientes de todo ese proceso y ponerse al servicio de él, eludiendo protagonismos innecesarios y absurdos. Tuñón y Mansilla (éste a través del tiempo), se mimetizan con los ritmos y verticalidad de las pilastras del Palacio Real, confiando pacientes en que el hormigón adquiera su color atemporal que lo emparente con la piedra de aquél, y ni siquiera se cuestionan entorpecer la vista de la Catedral de la Almudena, por más tentaciones que puedan surgir.

Que corra el aire… Tan sólo una galería tamizando la entrada de luz, un leve gesto, porque desde Dalí2 sabemos que lo importante es el aire, y más específicamente el aire contenido en Las Meninas, que es el aire de mejor calidad que existe. Pero el aire, como los vampiros, sólo puede atraparse -o jugar a atraparlo-, con la complicidad de la luz.

Galería de las Colecciones Reales David García-Manzanares Vázquez de Agredos 03
Galería de las Colecciones Reales | Fuente: galeriadelascoleccionesreales.es

Así, sin dejar nada en el aire, plantean un edificio orientado a la luz del oeste, de modo que al atardecer la luz que penetre en el edificio convertirá en dorado todo cuanto se ponga a su alcance. Pero mientras que el plomo tiene 82 protones, el oro tan sólo cuenta con 79, por lo que para convertir el plomo en oro, éste debe perder 3 protones. Y así es como proyectan Tuñón y Mansilla: no a través de la adición, sino dejando por el camino todos los elementos superficiales que no aportan al proyecto, y que de hecho impiden su transmutación áurea.

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Galería de las Colecciones Reales | Fuente: galeriadelascoleccionesreales.es

Se llega a un espacio desnudo, rozado suavemente por la luz para poner de manifiesto el aire contenido. Y surge así la Arquitectura, de la conjunción magistral de aire y luz, quizá los dos materiales constructivos esenciales, pero que por accesibles apenas son considerados.3

Tuñón y Mansilla levantan castillos en el aire, y nos demuestran -quizá de un modo definitivo- que nada hay más cierto como que los verdaderos artistas viven del aire.

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Galería de las Colecciones Reales | Fuente: galeriadelascoleccionesreales.es

Notas:
1 “Volviendo a lo mío, una frase atribuida a Lao-Tse, «Cuatro paredes y un techo no son arquitectura, sino el espacio que queda dentro», y que leí no sé si en algo referido a Wright, me puso en la pista del concepto espacial y esencial de la arquitectura.
El pensamiento de Lao-Tse del Tao-Te-Kin no es exactamente éste, pero el resultado práctico de su paradójico lenguaje filosófico sí puede considerarse muy aproximado.”
Fisac Serna, Miguel. Carta a mis sobrinos. Demarcación de Ciudad Real del Colegio de Arquitectos de Castilla-La Mancha, 2007, p. 27.

2 “Durante una de sus visitas al Museo del Prado, Jean Cocteau se hizo acompañar por Dalí2, y tras el recorrido, en conversación con los periodistas, uno preguntó: «¿Si se hubiera quemado el Prado qué se hubiera llevado usted?» Cocteau, con afán surrealista, respondió raudo: «Me hubiera llevado el fuego.» A continuación, los periodistas plantearon a Dalí la misma cuestión, y éste, concentrándose escenográficamente, hizo una pausa teatral -como un Panenka literario- y dijo: «Dalí se llevaría el aire, nada menos que el aire, y específicamente el aire contenido en Las Meninas de Velázquez, que es el aire de mejor calidad que existe».”
García-Manzanares Vázquez de Agredos, David. Fisac. Obra completa. Colegio Oficial de Arquitectos de Ciudad Real, 2023, pp. 80-81.

3 “Cuando, por fin, un arquitecto descubre que la LUZ es el tema central de la Arquitectura, entonces, empieza a entender algo, empieza a ser un verdadero arquitecto.
No es la LUZ algo vago, difuso, que se da por supuesto porque siempre está presente. No en vano el sol sale para todos, todos los días.
Sí es la LUZ, con o sin teoría corpuscular, algo concreto, preciso, continuo, matérico. Materia medible y cuantificable donde las haya, como muy bien saben los físicos y parecen ignorar los arquitectos.
La LUZ, como la GRAVEDAD, es algo inevitable. Afortunadamente inevitable, ya que en definitiva, la Arquitectura marcha a lo largo de la Historia gracias a esas dos realidades primigenias: LUZ y GRAVEDAD. Los arquitectos deberían llevar siempre consigo la BRÚJULA (dirección e inclinación de la LUZ), y el FOTOMETRO (cantidad de LUZ), como siempre llevan el metro, y el nivel, y la plomada.
Y si la lucha por vencer, por convencer a la GRAVEDAD, sigue siendo un diálogo con ella del que nace la Arquitectura, la búsqueda de la LUZ, su diálogo con ella, es la que pone ese diálogo en sus niveles más sublimes. Se descubre entonces, precisa coincidencia, que la LUZ es la única que de verdad es capaz de vencer, de convencer a la GRAVEDAD. Y así, cuando el arquitecto le pone las trampas adecuadas al sol, a la LUZ, ésta, perforando el espacio conformado por estructuras que, más o menos pesantes, necesitan estar ligadas al suelo para transmitir la primitiva fuerza de la GRAVEDAD, rompe el hechizo y hace flotar, levitar, volar ese espacio. Santa Sofía, el Panteón o Ronchamp, son pruebas tangibles de esta portentosa realidad.
¿Podríamos entonces considerar ahora que la clave está en el entendimiento profundo de la LUZ como materia, como material, como material moderno? ¿No podríamos entender que ha llegado el momento de la Historia de la Arquitectura, tremendo y emocionante momento, en que debemos enfrentarnos a la LUZ. ¡Hágase la LUZ! Y la LUZ fue hecha. El primer material creado, el más eterno y universal de los materiales, se erige así en el material central con el que construir, CREAR el espacio. El espacio en su más moderno entendimiento. El arquitecto vuelve así, a reconocerse una vez más como CREADOR. Como dominador del mundo de la LUZ.”
Campo Baeza, Alberto. La idea construida. La arquitectura a la luz de las palabras. Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid, 1998, pp. 55-56.

136 Cumpleaños | Óscar Tenreiro Degwitz

136 Cumpleaños Óscar Tenreiro Degwitz Esta foto de Willy Rizzo, que se expone junto a otras estos días en París, recuerda al Corbusier cotidiano, al hombre, al ser humano que va con nosotros.
Esta foto de Willy Rizzo, que se expone junto a otras estos días en París, recuerda al Corbusier cotidiano, al hombre, al ser humano que va con nosotros

Confieso que no me resulta nada difícil1 escribir sobre Le Corbusier, quien cumplió 6 de Octubre, 136 años y murió el 27 de Agosto de 1965, de 77, nadando en su Mediterráneo.

Y cualquiera me diría que este suizo-francés sospechoso de calvinismo poco tenía que ver con el mar en el que cien pueblos han vertido su llanto. Pero Le Corbusier era un hombre del Sur por vocación, por decisión de vida, por sensibilidad, por razones del espíritu. Y además no era calvinista, ni ateo, sino tal vez agnóstico.

En sus cuadernos de viaje, publicados en tres volúmenes que guardo y a veces abro descuidadamente, está la frase incansablemente hacia el Sur acompañando unos dibujos hechos desde el avión en el que viajaba, fascinado por eso que hoy no fascina a nadie, ver la tierra desde lo alto. Era durante un viaje a la India, mientras cruzaba los Alpes.

Así resumía Le Corbusier su pasión por ir hacia un mundo cultural de horizontes más amplios, más completos, más diversos, más allá del Norte europeo, mundo que dejó en él desde muy joven, como lo demuestra su primer libro Viaje a Oriente, una huella profunda que marcó su ambición de universalidad. De ese libro seleccioné hace tiempo esta frase:

«Estas nieblas, con su pesado ropaje, hacen bajo estos cielos una impresión de brutal salvajismo. Siento con espanto la perturbación del Norte sobre las cosas nacidas para la luz».

Se refería a las tormentas que vienen hacia Estambul, pero para mí siempre ha sido una metáfora del conflicto entre dos modos de ver el mundo ante los cuales el joven viajero en cierto modo toma partido. Es como una anticipación de su anhelo por escapar del establishment académico que vivía como permanente obstáculo a sus ideas de apertura. Cuya presencia restrictiva y mezquina parecía esfumarse en las tierras meridionales deseosas de modernidad.

La lucha de Le Corbusier

La lucha de Le Corbusier con el sol, o dicho de otro modo, su diálogo con la fuente de la luz natural inspirada por el deseo de controlarla y hacer de ese control parte esencial de su arquitectura, es un mensaje que parece dirigido sobre todo al mundo tropical, al mundo del Sur. Y por eso tuvo un desarrollo tan amplio en estas tierras, como lo demuestra particularmente la arquitectura moderna en Brasil y Venezuela y por supuesto sus experiencias en India. No en vano, además, fue en una ciudad mediterránea como Marsella donde se construyó su primera Unidad de Vivienda, en la cual se materializó entre otras cosas esenciales de la arquitectura moderna la realidad del vacío lleno de sombra como protección del edificio.

Su viaje a Argentina y Brasil de 1929 a raíz del cual escribió el libro Precisiones, es el comienzo de una relación intensa con nuestro espacio cultural. Poco después establecía nexos más allá de las selvas ecuatoriales con gente como Rex Distin Martienssen (1905-1942), pionero de la arquitectura moderna Surafricana, a quien en 1936 le dirige una carta que es todo un programa ético para los arquitectos. Carta que leía con frecuencia a mis estudiantes y volví a leer como invitado al Congreso Surafricano de Arquitectos en 2002, alzando la voz en esta línea:

«Yo quisiera que los arquitectos se convirtieran en un factor de inspiración para la sociedad».

Ese impulso hacia la complejidad de lo universal forma parte esencial de la personalidad de Corbusier, impulso ausente hoy entre los exitosos, confiscados por su estrellato, obsesionados por una visión reductiva de nuestra disciplina. Y destaco al decirlo la importancia de sus vínculos personales con gente de estas latitudes. Pese a que pudiera inspirarlos el deseo de conseguir encargos que en Europa parecían menos probables, su motivación más profunda era la búsqueda de un espacio intelectual más abierto, menos prejuiciado. asociada a su fascinación por una geografía que admiraba.

«Bajo una luz como ésta la arquitectura ha de nacer»,

escribe en Precisiones.

Su relación con Lucio Costa (1902-1998) fue particularmente estrecha. Pude comprobarlo al leer la conmovedora e íntima carta en la que Lucio le narra las circunstancias de la muerte de su esposa en un accidente de automóvil en Inglaterra. En Argentina tuvo amistad con Juan Kurchan (1913-1972) y Jorge Ferrari Hardoy (1914-1977), quienes trabajaron con él en París. Y más tarde con Amancio Williams (1913-1989) a propósito de la casa Curutchet. Sin olvidar a la seductora mecenas antiperonista Victoria Ocampo (1890-1979) fundadora de la mítica Revista Sur, para quien realizó esquemas de una vivienda nunca construida. No es casualidad su mención al venezolano Augusto Tobito (1921-2012), colaborador en su Taller, en el extraordinario prólogo al último volumen de sus Obras Completas.2 Y para el colombiano Rogelio Salmona (1927-2007) quien fue también colaborador, era obligatorio citar ese tiempo de aprendizaje. Y dejó entrada a la admiración ingenua, como la de un servidor, quien se atrevió a pedirle por carta un aporte a la revista Punto, de nuestra Facultad de Arquitectura, que motivó una contestación personal, reveladora de una inesperada modestia.

La relación que tuvo con nuestro Carlos Raúl Villanueva puede ser vista como la de maestro-discípulo. Fui testigo de su emoción al recordar al amigo cuando tomó la palabra en un foro realizado a raíz de la muerte de Le Corbusier. La voz de Villanueva se quebró al recordar sus vínculos con el ausente. Y como participé en el foro esa tarde (éramos Villanueva, Juan Pedro Posani y yo) pude leer al final una frase que enviaba un mensaje para el momento que vivíamos y que hoy nos sigue interpelando: No hay verdad en los extremos.

«La verdad fluye entre dos orillas, delgado hilo de agua o suma avasallante de ríos, diferentes cada día».

Vi de reojo una sonrisa escéptica luego de leerla. ¿O sería más bien cínica?

Óscar Tenreiro Degwitz, arquitecto.
Venezuela, Octubre 2012

Notas: He hecho esfuerzos, como tantos venezolanos, para seguir adelante “en lo que sabemos hacer” y aquí estamos, más allá de nuestra tendencia a pensar que importa bastante poco para la “marcha general de las cosas”. Continuamos en lo nuestro, tratando de no perder el deseo de comunicar nuestro modo de ver las cosas. Confiando en que, a la larga, es eso sobre todo lo que quedará como modestísimo y limitado testimonio de nuestra mirada, que es singular como lo es la de toda persona. Nos dio por escribir, y continuamos.

1 Tengo el recuerdo de que Jorge Luis Borges en una charla sobre la Inmortalidad, se refirió al renacer a través de la literatura. La escritura puede estar silente a través del tiempo en un olvidado libro, siglos en no pocos casos, hasta que su música atrapa a quien decida abrirlo y leer en un momento cualquiera. Y comienza allí para el lector una conversación, grata o ingrata, acaso emocionada, haciendo el papel de discípulo o de adversario, de compañero o de admirador, de seguidor o de frío examinador, con el autor, guiado por el sentido que logra captar en las palabras que éste, con mayor o menor acierto dejó allí. El autor, sus personajes, sus ideas, cobran vida de nuevo, de modo fiel o imperfecto según la capacidad del lector. Y por eso la lectura puede verse como una forma de asomarse a la inmortalidad.

Y ocurre que en uno de esos momentos de tranquilidad previos al Domingo en que se impuso en Venezuela, de nuevo, el atraso, reviví a un viejo maestro y tuve una conversación con él recordando las circunstancias de su muerte y también la fecha de su cumpleaños. No he olvidado a Le Corbusier, más bien lo tengo presente con frecuencia, pero para muchos arquitectos, sobre todo los más jóvenes, su legado se ha ido ocultando en las brumas del tiempo. Ya no lo veo con los mismos ojos de mi juventud, eso es obvio decirlo, sino a través tanto de mis buenas y malas experiencias como de mis propias limitaciones, que son más numerosas de lo que desearía. Me sigo identificando mucho con su forma de ver la arquitectura, forma que no voy a intentar resumir aquí porque lo haría de manera esquemática, lo cual me repugna especialmente en su caso porque si hay algo que puede decirse de esa “forma” es que es muy compleja y llena de sutilezas ocultas detrás de su constante empeño de ser directo y simple, de evadir toda tentación de andar por los mundos metafísicos.

Y al decir esto último estoy precisamente señalando un aspecto de su “forma de ver”, que influyó mucho, muchísimo, en un encuentro de hace muchos años con este hombre y que trataré de narrar aquí porque nunca lo había hecho antes y me parece que es necesario hacerlo en este preciso momento. Me tomará por cierto algún espacio, lo cual me obligará a escribir por capítulos, siendo éste el primero.

2 Durante el tiempo libre que me dejaban mis obligaciones de ayudante de Taller como jovencísimo profesor contratado por mi Escuela de Arquitectura en La Universidad Central de Venezuela, había estado estudiando sistemáticamente las Obras Completas de Le Corbusier. Mi interés por él y su obra, que había comenzado en mis años de estudiante de modo muy incompleto y como parte del general interés que en esos tiempos despertaba su figura y sus actos, se había acrecentado durante el tiempo, un año escaso, en el que viví en París con una beca de mi Universidad. Pude antes de regresar a Venezuela visitar Ronchamp y la Tourette y apreciar el curioso esfuerzo de los arquitectos franceses activos en esos años por superarlo y dejarlo de lado, protagonistas bastante irreflexivos de la inmensa mediocridad que era la arquitectura francesa en ese tiempo, y contrastarlo con la indiscutible y poderosa vigencia como testimonio fundamental, de su obra y su pensamiento.

He dicho innumerables veces que ya entonces, contrariamente a lo que insisten en decir los historiadores, se veía por todas partes entre los arquitectos un empeño de deshacerse del “peso” de Le Corbusier como pensador y como constructor, tal como si se deseara liberarse de límites que se consideraban inconvenientes. Comprobaba yo al percibir esto lo que siempre ocurre con las figuras que se adelantan a su tiempo, esas personalidades que Nietzsche llama “intempestivas” (como la de él mismo, así dice) y que fastidian a todo el mundo a la vez que suscitan admiración y hasta celebración. Una relación amor-odio facilitada por la general incapacidad para comprender o emular a la figura excepcional, anunciadora y en cierto modo profética. Si no bastara el recuerdo nada deleznable del Crucificado sería suficiente con examinar las circunstancias de casi todos los grandes hombres que han existido, contando por supuesto con muchas honrosas excepciones, que lo son porque ya no se recuerdan las resistencias que se les opusieron en su momento.

Influido pues por el estupor que me producía la admiración hacia el Maestro y la actitud de negarlo, tan abundante y persistente, decidí un día impulsado por alguna cosa que me estimuló y que bien pudo haber sido, por ejemplo, la lectura de la carta a Rex Martienssen que menciono en la nota de hoy, escribirle a Le Corbusier para invitarlo a colaborar con un número especial de una revista que se publicaba en nuestra Facultad (se llamaba Punto), en la cual creía yo que podría participar activamente.

Así que decidí escribirle al Maestro directamente. Le comenté de mi intención al colega Augusto Tobito (“ancien” del estudio de Corbusier, ya profesor en mi Escuela, quien hacía unos años había regresado a Venezuela) quien sonrió asomando sus dudas respecto a una posible respuesta. Y sin embargo lo hice, y Le Corbusier respondió. Lo hizo con una breve carta cuyas características comentaré después, acompañada por un dibujo y otras cosas que conservo como un tesoro. Se descubrió así para mí, un joven de veintitantos años, anónimo y de un oscuro país, de un modo totalmente inesperado, una faceta de la personalidad de este hombre que la gente se empeñaba en desdeñar: su interés por hacer pensar a otros y sobre todo a los jóvenes, a los que comienzan. Y especialmente, porque de eso es de lo que hablo en la nota de hoy, del deseo de que su legado germinara en las tierras del Sur.

Entrevista con el Arquitecto José Luis Valenciano, Prescriptor del Sistema Muralit

Entrevista con el Arquitecto José Luis Valenciano, Prescriptor del Sistema Muralit
Entrevista con el Arquitecto José Luis Valenciano, Prescriptor del Sistema Muralit

José Luis Valenciano es arquitecto titulado por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura, Universidad Politécnica de Madrid (E.T.S.A.M.). Desde el año 2005 ejerce la profesión de forma liberal en todas sus facetas: proyectos, direcciones de obra, informes, dictámenes periciales, etc.

En paralelo, desde 2007 colabora con Hispalyt, Asociación Española de Fabricantes de Ladrillos y Tejas de Arcilla Cocida, como parte su departamento técnico, especialmente en la impartición de conferencias técnicas sobre los productos de sus asociados y los diferentes sistemas constructivos en los que la cerámica es parte principal (Silensis, Structura, Cubiertas, Forjados, etc..), cursos de formación en el proyecto y la ejecución de dichos sistemas constructivos a técnicos y profesionales de la construcción, colaboración en la elaboración de documentación gráfica de sus sistemas constructivos, labores de asesoramiento, etc.

Estamos encantados de tener la oportunidad de hablar contigo, José Luis. Comencemos con lo esencial: ¿Puedes proporcionarnos una visión general de lo que es el sistema Muralit y cuáles son sus características más destacadas?

Muralit es un sistema constructivo para particiones interiores verticales basado en el empleo de paredes de ladrillo hueco gran formato (LHGF) revestidas con placa de yeso laminado (PYL). De la unión de estos dos materiales resulta un sistema constructivo que cuenta con las más altas prestaciones, ya que el material cerámico aporta solidez, estabilidad, alta resistencia acústica y al fuego, mientras que la placa de yeso ofrece un acabado perfecto. Además, esta solución se complementa con Muralit Sin Rozas, el mismo sistema constructivo pero que integra ladrillo hueco gran formato con perforaciones interiores que evitan la realización de rozas, con la consiguiente mejora del rendimiento en obra.

Uno de los aspectos que destacas sobre Muralit es su rapidez en la obra. ¿Puedes explicarnos cómo este sistema logra acelerar el proceso de construcción?

Más que acelerar el proceso constructivo, como os comentaba antes, hablaría de aumentar el rendimiento en obra, ya que reduce tiempo y costes. En su instalación, tras haber llevado a cabo el replanteo horizontal y antes de iniciar el levantamiento de las fábricas, se colocan las bandas elásticas en la base y para garantizar su adherencia al elemento constructivo se utiliza pegamento escayola.

En un segundo lugar se colocan las reglas, que estarán alineadas con las líneas de replanteo y servirán como apoyo para el montaje del ladrillo de gran formato, al tiempo que mantienen la planeidad del paramento. Y solo entonces se procede al levantamiento del tabique, para lo cual se utilizará pegamento escayola. Como las piezas de ladrillo hueco gran formato tienen un tamaño mayor se utilizará menos cantidad de material de agarre, ahorrando costes.

Además, el machihembrado del ladrillo hueco gran formato facilita su colocación, reduciendo el tiempo de montaje y la cantidad de escombros. Terminada la instalación del ladrillo hueco de gran formato, se continúa con el revestimiento del tabique mediante la colocación de la placa de yeso laminado consiguiendo un acabado perfecto. Si a estas ventajas sumamos el uso de Muralit Sin Rozas y la no necesidad de realizar rozas para el paso de las instalaciones de electricidad y telecomunicaciones, aumentamos la rapidez y la sencillez en la instalación.

Entrevista con el Arquitecto José Luis Valenciano, Prescriptor del Sistema Muralit MURALIT SIN ROZAS montaje pared con instalación por falso techo
MURALIT SIN ROZAS montaje pared con instalación por falso techo
Muralit ofrece una solución sin necesidad de rozas para el paso de instalaciones eléctricas y de telecomunicaciones, conocida como «Muralit Sin Rozas». ¿Puedes hablarnos más sobre esta característica y cómo beneficia a los proyectos de construcción?

La tabiquería del sistema Muralit Sin Rozas está compuesta por piezas de ladrillo 50×50 cm y presenta dos grandes perforaciones interiores de forma elíptica (de 58×83 mm) que evitan la realización de rozas para el paso de las instalaciones de electricidad y telecomunicaciones sin necesidad de tener que romper los tabiquillos exteriores del ladrillo.

Además, su montaje con junta delgada de pegamento escayola, conlleva un ahorro en pasta de agarre y un montaje más limpio y seco, con la consiguiente mejora del rendimiento en obra. Y además sirve para canalizaciones verticales y horizontales, tanto para habitaciones con falso techo como sin falso techo.

Hablas sobre el aislamiento de la vivienda en relación con Muralit. ¿Podrías profundizar en cómo este sistema contribuye al aislamiento acústico y térmico de los edificios?

Contar con este sistema constructivo no solo ofrece un acabado perfecto con las más altas prestaciones, sino que contribuye a garantizar el confort interior y un menor consumo energético en la vivienda. Por ejemplo, su elevado aislamiento acústico proporciona una adecuada protección frente al ruido, impulsado además por las bandas elásticas en la base y allí donde sean necesarias, con el fin de interrumpir la transmisión del ruido. Por otro lado, la inercia térmica que ofrecen las paredes cerámicas facilita mantener la temperatura estable a lo largo del día, evitando el rápido enfriamiento del ambiente interior cuando se desactivan los sistemas de calefacción y manteniendo constante la temperatura ambiente dentro de un intervalo de confort satisfactorio para sus ocupantes.

Además, el material cerámico tiene también la capacidad para regular la humedad ambiente evitando la aparición de moho y malos olores, tan perjudiciales para la salud. Por último, su naturaleza y rendimiento facilitan la consecución de certificados medioambientales o Passivhaus, y lo que es más importante, ofrece a los inquilinos de estas viviendas un mayor confort.

Una de las ventajas clave de Muralit es su alta resistencia. ¿Cómo garantiza este sistema la durabilidad y la seguridad en los edificios?

Del mismo modo que la envolvente de los edificios asume en gran medida la protección de los espacios interiores, tanto frente al ruido exterior como a condiciones ambientales adversas, las particiones verticales interiores -que dividen y separan nuestros hogares o negocios de otros espacios- también tienen la misión de garantizar la seguridad y el confort de los usuarios en los interiores de sus casas.

La robustez de las particiones verticales interiores de una vivienda se convierte en un factor determinante para garantizar su estabilidad e integridad sometidas al uso que los habitantes hacemos de ellas. De este modo, por ejemplo, la resistencia a cargas suspendidas es una prestación que adquiere cada vez mayor importancia debido a la instalación de aparatos de aire acondicionado, muebles, bicicletas o pantallas (cada día de mayores dimensiones) anclados a la pared. Asimismo, nuestras viviendas se han convertido en espacios en los que cada vez desarrollamos más actividades (ejercicio físico, etc.), algunas de las cuales pueden producir impactos inesperados en nuestras paredes que deben ser capaces de soportar manteniendo su integridad. El sistema Muralit está auditado por Applus+ Laboratories con ensayos de resistencia a impactos y cargas verticales excéntricas.

Los ensayos realizados sobre la pared con el sistema han concluido que ha superado satisfactoriamente el ensayo de ‘Seguridad de uso’ para categoría de uso IV para categoría de área “a” para impactos de cuerpo blando (400J) y categoría de carga “A” para cargas verticales excéntricas (objetos pesados tales como lavabos, estanterías pequeñas).

Entrevista con el Arquitecto José Luis Valenciano, Prescriptor del Sistema Muralit Pieza Sistema Muralit Sin Rozas
Pieza Sistema Muralit Sin Rozas
¿Puedes hablarnos sobre cómo Muralit cumple con las regulaciones y estándares de construcción, especialmente en lo que respecta al Código Técnico de la Edificación?

Las altas prestaciones que ofrece Muralit hacen que sea un sistema constructivo que cumple con los requisitos de los diferentes Documentos Básicos del Código Técnico de la Edificación (CTE). Esta normativa establece las exigencias de calidad que deben cumplir los edificios, siendo su función garantizar la calidad, sostenibilidad y accesibilidad de estos, asegurando la seguridad y el bienestar de sus usuarios.

En el caso de la tabiquería y las paredes separadoras, el Documento Básico de Protección frente al ruido es generalmente el documento que más repercute en la forma de diseñarlas y de construirlas. Para caracterizar las prestaciones acústicas de Muralit se han realizado múltiples ensayos acústicos en laboratorio de diversas soluciones de paredes, obteniéndose elevados aislamientos acústicos.

¿Qué tipos de proyectos o edificios se benefician más de la utilización de Muralit? ¿Puedes proporcionarnos ejemplos concretos?

Desde edificios residenciales o comerciales, hasta docentes o sanitarios, todos ellos, comparten una misma necesidad, paredes de altas prestaciones. La instalación de esta solución está recomendada, por ejemplo, en tabiques interiores delimitadores de los recintos o habitaciones de una misma vivienda, en separación entre viviendas y entre viviendas y zonas comunes, o en sus propuestas con mayor rendimiento (M_S1B y M_S1B+) en edificios comerciales o residenciales de altas prestaciones.

¿Qué factores deben tener en cuenta los arquitectos y diseñadores al elegir el tipo de solución Muralit para un proyecto en particular?

La elección del tipo de solución de Muralit dependerá entonces de los espacios y estancias que separarán. El proyectista puede elegir entre tres formatos: de una hoja (tabique), y de dos y tres hojas (separadoras). Dentro de estas categorías el aislamiento y rendimiento será mayor dependiendo también de la integración de otros componentes como ladrillo perforado, lana mineral, enfoscado de mortero de cemento o alicatados, entre otros.

Hemos escrito sobre PIM Muralit, una herramienta gratuita para Revit Autodesk. ¿Puedes explicarnos cómo esta herramienta ayuda a los arquitectos en el proceso de diseño y dimensionamiento de particiones interiores verticales?

PIM Muralit, desarrollada por Hispalyt en colaboración con las empresas impulsoras de este innovador sistema, permite dimensionar las fachadas, medianerías y particiones interiores verticales de un edificio de manera rápida, sencilla y fiable, aplicando esta solución. A partir del complemento (add-in) gratuito de prescripción en Revit para entorno BIM el profesional podrá testar las diferentes soluciones que ofrece el sistema y averiguar cuál es la tabiquería óptima para su proyecto específicamente, dependiendo de sus necesidades de aislamiento térmico, acústico, seguridad o inversión, entre otras variables

Casa Hutmann | SEA Arquitectos

Casa Hutmann SEA Arquitectos © Héctor Santos-Díez 1
Casa Hutmann | SEA Arquitectos © Héctor Santos-Díez

Nos encontramos en un lugar bastante aislado al final de una tranquila calle en la localidad de Feáns, A Coruña. Es un límite de edificación por lo que el entorno de la vivienda es fundamentalmente arbolado y con vistas a la ciudad.

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Casa Hutmann | SEA Arquitectos | Planta baja

La casa se abre al sol y a la naturaleza y también a través de una mirada enmarcada hacia el paisaje urbano de A Coruña. Creamos un filtro de muros que generan desde la zona de día un espacio previo al exterior y facilita una atmósfera más íntima para el habitante. El límite interior-exterior se resuelve a través de este filtro y mediante vaciados en el volumen. La vivienda es masiva, atemporal y contenida. Buscamos una clara sensación de protección con un material agreste que se enfrenta al exterior y contrasta con el cálido interior.

La materialidad de la fachada continúa en toda la cubierta creando un volumen cuya textura va suavizándose progresivamente hacia el interior con un matiz en el hormigón casi textil. Nos parece muy interesante ver la naturaleza del material, mostrar su composición como lo haría cada dovela de un arco. Este hormigón tiene áridos oscuros con matices verdes y blancos que intentan generar una relación con el entorno natural, así como darle una escala más humana al conjunto. El tiempo hará envejecer a la casa y le dará una pátina similar a las viviendas tradicionales de piedra.

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Casa Hutmann | SEA Arquitectos | Detalle constructivo

Dentro de la protección que produce esta arquitectura tan primitiva, buscamos otras sensaciones básicas y agradables en el ser humano como la luz cenital que además marca la intersección de los ejes cardo-decumano de la casa. Este punto divide la vivienda entre las distintas zonas de privacidad y recibe iluminación desde todas las orientaciones.

Consideramos la intimidad como algo fundamental; aunque abierta al exterior, la casa mira hacia las vistas de forma controlada para conseguir esa sensación de hogar. Los dormitorios son más ensimismados. Toda la casa se afirma en una atmósfera de protección, luz y tranquilidad.

Obra: Casa Hutmann
Situación: C/Fontáns de Feáns, 4, 15190, A Coruña (Galicia, España)
Autor: SEA Arquitectos (Carlos Graña Ramos, Guillermo Pomar Blanco )
Colaboradores: Pablo Agulla Santos (Ingeniero)
Año: Julio 2020
Superficie total de parcela: 1.198,00 m²
Presupuesto: 263.550 euros
Superficie construida total: 297,50m²
Superficie útil total: 238,88m²
Fotografía: Héctor Santos-Díez
+ arqsea.com

Balkrishna Doshi. Arquitectura para todos

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Balkrishna Doshi. Arquitectura para todos Balkrishna Doshi en Sangath, estudio del arquitecto, Ahmedabad, 1980 © Iwan Baan 2018
Balkrishna Doshi en Sangath, estudio del arquitecto, Ahmedabad, 1980 © Iwan Baan, 2018

El Museo ICO presenta la primera retrospectiva dedicada en España a la obra completa de Balkrishna Doshi (Pune, India, 1927–Ahmedabad, India, 2023). La exposición, titulada, Balkrishna Doshi. Arquitectura para todos (del 5 de octubre de 2023 al 14 de enero de 2024), es un proyecto del Vitra Design Museum y la Wüstenrot Foundation en colaboración con la Vastushilpa Foundation.

Producida por el Vitra Design Museum, será comisariada por Khushnu Panthaki Hoof (nieta del arquitecto) y Jolanthe Kugler (Vitra Design Museum). Esta exposición constituirá una retrospectiva sobre la obra del arquitecto y urbanista Balkrishna Doshi (Pune, La India, 1927), Premio Pritzker 2018.

Balkrishna Doshi. Arquitectura para todos Balkrishna Doshi, Indian Institute of Management, Bangalore, 1977, 1992
Balkrishna Doshi, Indian Institute of Management, Bangalore, 1977, 1992

El objetivo de la exposición es reflejar la filosofía y el trabajo de Doshi y abordar cuestiones fundamentales sobre su forma de entender la arquitectura, así como su relación con la cultura y tradición locales y la relevancia de su arquitectura para la sociedad en un contexto, el indio, en rápido y constante cambio desde principios de la década de 1950.

El famoso arquitecto y urbanista indio, el primero de su país en ser galardonado en 2018 con el premio Pritzker, fue uno de los pocos pioneros de la arquitectura moderna en el subcontinente indio. A lo largo de sus más de 60 años de carrera, Doshi realizó un gran número de proyectos de las más diversas tipologías. En sus obras no se limitaba simplemente a adoptar los principios de la arquitectura moderna, sino que los conciliaba con las tradiciones locales y las circunstancias culturales, materiales y naturales del lugar.

Balkrishna Doshi. Arquitectura para todos Balkrishna Doshi, School of Architecture, Centre for Environmental Planning and Technology, Ahmedabad, 1968 © Vinay Panjwani India
Balkrishna Doshi, School of Architecture, Centre for Environmental Planning and Technology, Ahmedabad, 1968 © Vinay Panjwani India

Balkrishna Doshi. Arquitectura para todos
Del 5 de octubre de 2023 al 14 de enero de 2024
Museo ICO, C/ Zorrilla, 3, Madrid.

Habitar es reconstruirse | José del Carmen Palacios Aguilar

Habitar es reconstruirse  José del Carmen Palacios Aguilar Puruchuco antes de su restauraciónFoto Henri Reichlen, 1950. Archivo Sucesión Jiménez Borja
Puruchuco antes de su restauración Foto Henri Reichlen, 1950. Archivo Sucesión Jiménez Borja

Habitar es recomponerse, es tomar ese algo que cada vez va dejando de ser para volver a ser. Es sentarse, observar a nuestro yo del pasado y someterlo al escrutinio cotidiano. Es contemplar su descanso mientras narramos ese mundo que imaginamos a la vez que vamos fundando rincones y pasillos.

Habitar es reconstruirse de fragmentos de recuerdos, es recoger de los recuerdos trozos de espacio, pedazos de lugares, es repasar los quehaceres que en el horno han fraguado masas y talento.

Habitarse es preparase para soltar y tomar lo que aspiramos a ser, es sentir el soplo de lo que el espacio nos depara.

Habitarse para sentir que estamos siendo parte de ese ser que aún no abandona ese lugar habitado, testigo de nuestra dimensión y holgura.

Habitar es reconstruirse José del Carmen Palacios Aguilar Kintsugi
kintsugi: técnica artesanal con el fin de reparar un cuenco de cerámica roto

Habitar siempre nos reclama estar presente y acarrear con nuestros vestigios, nos conmina a revelar esa conciencia del ser pasado y a su vez del ser presente: que hace instantes ya vuelve a pertenecer al pasado.

Habitar es reconstruirse, es construirse con parte de nuestro ser construido, es seguir construyendo ese ser incompleto, inconcluso, indeterminado; es reconocerse estar medios hechos.

Es sentirse – en cada paso- vulnerable a los hechos, en el que su propia disciplina lo ha convertido. Habitar es volver a ser cada vez, es no dejarse seducir por el abandono de haber sido. Habitar es vaciarse, es volverse a ocupar, es estar vivo.

Ciudades que inspiran (VIII) Santiago de Chile y la vuelta a la calle | Urbanistas.lat – Aldo G. Facho Dede

Ciudades que inspiran (VIII) Santiago de Chile y la vuelta a la calle Urbanistas.lat – Aldo G. Facho Dede Pablo García Saldaña
Ciudades que inspiran (VIII) Santiago de Chile y la vuelta a la calle Urbanistas.lat – Aldo G. Facho Dede © Pablo García Saldaña

Ciudades que Inspiran” es una iniciativa conjunta entre la Red Latinoamericana de Urbanistas y el Comité de Lectura, desde donde visitaremos diversas ciudades del Perú y Latinoamérica a través de las miradas críticas de sus ciudadanas y ciudadanos, buscando destacar aquellos aspectos que les inspiran y apasionan.

Les presentamos el octavo episodio del podcast “CiudadesQueInspiran” en donde conversamos con Lucía Dammert sobre la ciudad de Santiago de Chile, los contrastes urbanos y sociales, y el impacto del estallido social del 2019 en la reapropiación de sus espacios públicos.

Lucía es socióloga y urbanista, Doctora en Ciencia Política en la Universidad de Leiden, Holanda.  Es Profesora Titular de la Facultad de Humanidades de la Universidad de Santiago de Chile. Es entrevistada y publica constantemente artículos, libros e investigaciones sobre temas relacionados a la seguridad ciudadana y conflictividad social. Ha asesorado a múltiples gobiernos en temas relacionados con la seguridad ciudadana, entre los que destacan Chile, Argentina, Perú y México.

Ando. Complete Works 1975–Today. 2023 Edition

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Ando. Complete Works 1975–Today. 2023 Edition
Ando. Complete Works 1975–Today. 2023 Edition
La Perfección de la Sencillez

Tadao Ando es un arquitecto que ha trascendido las barreras de su disciplina, y su obra se erige como un testamento a la belleza de la sencillez y la profundidad del espacio físico. La edición actualizada en 2023 de su libro «Ando. Complete Works 1975–Today» es una invitación a un mundo donde la arquitectura se convierte en poesía concreta, donde el hormigón, la madera, el agua, la luz y el espacio se entrelazan para crear experiencias sensoriales únicas.

Philippe Starck, un ícono del diseño, describió a Ando como

«un místico en un mundo que ya no lo es»,

y esta afirmación se manifiesta en cada uno de sus proyectos. Sus edificios, según Philip Drew, son

«obras de land art que luchan por salir de la tierra»,

una metáfora que resalta la armonía de sus diseños con el entorno natural que los rodea. Pero para Ando, la verdadera esencia de la arquitectura no se encuentra en lo metafísico ni en la simple búsqueda de la belleza, sino en la comprensión profunda de lo físico, de la materialidad y del espacio.

Esta completa edición actualizada en 2023 recorre toda su carrera

Esta edición completa de su obra nos sumerge en un viaje a lo largo de su carrera, desde sus primeros proyectos hasta sus creaciones más recientes y sorprendentes, como el Bourse de Commerce de París y el Nakanoshima Children’s Book Forest en Osaka. Cada obra se presenta con fotografías y bocetos que revelan su maestría en el uso del hormigón, la madera, el agua, la luz y las formas naturales. Ando ha dejado su huella en residencias privadas, iglesias, museos, complejos de apartamentos y espacios culturales en diversos rincones del mundo, desde Japón hasta Corea, Francia, Italia, España y Estados Unidos.

Lo que hace que esta edición sea aún más especial es su formato XXL, que permite apreciar en detalle cada aspecto de las creaciones de Ando. Es una oda a la modernidad y una celebración del genio detrás de cada proyecto. La obra no solo nos muestra la arquitectura en su forma más pura, sino que también nos adentra en la mente del maestro, revelando su filosofía y visión únicas.

Ando. Complete Works 1975–Today. 2023 Edition
Ando. Complete Works 1975–Today. 2023 Edition

Para los coleccionistas y amantes del arte, existe una Edición de Arte limitada de 100 ejemplares que incluye un boceto original firmado por Tadao Ando y un estuche diseñado por el propio arquitecto. Es una oportunidad única para poseer una obra maestra en sí misma, una fusión de arte y arquitectura que refleja la grandeza de este visionario.

Tadao Ando, nacido en 1941, es una figura icónica en la arquitectura contemporánea. Su viaje desde boxeador hasta arquitecto es un testimonio de su determinación y pasión por la creación. Su legado es insuperable, habiendo ganado los cuatro premios más prestigiosos de la disciplina: el Pritzker, el Carlsberg, el Praemium Imperiale y el Kyoto. A pesar de su renombre mundial, sigue trabajando desde su ciudad natal, Osaka, lo que demuestra su arraigo y conexión con su lugar de origen.

Ando. Complete Works 1975–Today. 2023 Edition es más que un libro de arquitectura; es una ventana a un mundo donde la simplicidad se convierte en perfección y donde la arquitectura se convierte en poesía. Esta obra es un tributo a la genialidad de Tadao Ando y su profundo impacto en el mundo de la arquitectura contemporánea.

M18 – TAKURU | TERRA estudio – +ARQ Estudio

M18 - TAKURU TERRA estudio - +ARQ Estudio Sitio-de-intervención
Sitio de intervención

San Bernardino es un pueblo veraniego que se encuentra a unos 50 kilómetros de la capital (Asunción), ciudad que ha inspirado por sus paisajes y su lago azul a poetas, músicos y artistas. Sitio de inspiración para la bella canción Recuerdos de Ypacarai. Este encargo tiene por objetivo diseñar pequeños módulos habitables para ser utilizados como espacios de descanso durante los fines de semana. El tiempo era un factor en contra, ya que la obra debería ser ejecutada de manera rápida y también debería ajustarse al presupuesto establecido por los inversionistas.

M18 - TAKURU TERRA estudio - +ARQ Estudio Conjunto_Módulos_General
Conjunto y Módulos General

El área disponible para la intervención es de 2.000 metros cuadrados de superficie libre, en zona de monte espeso. El proyecto debería contemplar la construcción de nueve módulos a ser ejecutados de manera eficiente y rápida. El desafío en este encargo, además del plazo de ejecución, fueron las características especiales del sitio en donde se debía intervenir.

Al inicio del proceso de diseño nos preguntamos cuál debería ser la unidad mínima para ser habitada de manera cómoda y cómo ésta debía ser. Como reflexión e inspiración acerca de esta unidad mínima, analizamos dos casos: Le cabanon, de Le Corbusier y la tipología de vivienda guaraní, la culáta yovái. En el primer caso, nos interesamos en el habitáculo, más que en el emplazamiento.

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M18 – TAKURU | TERRA estudio – +ARQ Estudio

En Le cabanon uno puede desarrollar su vida cotidiana, descansar, asearse, alimentarse, trabajar, en un espacio no mayor a los 7,32 metros cuadrados propuestos por Le Corbusier. En este punto, el emplazamiento es una pieza clave en la propuesta, ya que, el espacio exterior y el paisaje, forman parte de la propuesta arquitectónica, por lo que, el habitáculo de 7,32 metros cuadrados, termina siendo un espacio «habitable»; en el segundo, nos interesamos en el volumen que genera la modulación de la culáta yovái, los llenos y vacíos, y, comprender qué suceden en esos espacios.

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Módulo de paisajismo

En esta tipología de vivienda, los extremos son espacios introvertidos y destinados, por un lado, al área de habitación, por el otro, al área de cocina. El espacio central es abierto y extrovertido, tanto la habitación como la cocina, se abren a este espacio donde aparece el área de comedor y el área social. Nos interesó también la sencillez en la materialidad y la distribución espacial, además de ser una tipología que permite la ventilación natural de todas sus estancias.

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M18 – TAKURU | TERRA estudio – +ARQ Estudio

Este pequeño análisis, cargado de reflexiones, nos llevó a tomar la decisión de trabajar en un espacio no mayor a 18 metros cuadrados. Un volumen de 6 metros de largo por 3 metros de ancho. Rescatando el espíritu de la culáta yovái, el acceso se dispuso en el centro del módulo, generando dos espacios independientes pero conectados por la circulación central.

M18 - TAKURU TERRA estudio - +ARQ Estudio Módulo_arquitectura
Módulo de arquitectura

Por un lado, se encuentra el área de la habitación, por el otro, el área de aseo. El espacio central atraviesa el volumen y organiza los espacios. Se diseña una estructura metálica para que cumpla el rol de mueble y espacio de trabajo. El área de aseo, ocupa el ancho del módulo para destinar la mayor superficie al espacio donde se encuentra la ducha, el cual se diseñó como un volumen de vidrio que se abre a la naturaleza.

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M18 – TAKURU | TERRA estudio – +ARQ Estudio 

Además de separar el volumen en dos espacios, descanso por un lado y aseo por el otro, el planteamiento de la culáta yovái nos conduce a un tercer espacio, la terraza. Una pequeña extensión del interior hacia el exterior, espacio que cuenta con un equipamiento sencillo pero funcional, un lugar donde pasar tiempo al exterior, bajo las estrellas y en medio de la naturaleza. Los límites visuales se controlan mediante la vegetación existente y la vegetación propuesta, además de colocar empalizadas que se van organizando a modo de paneles verticales.

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M18 – TAKURU | TERRA estudio – +ARQ Estudio

Los nueve módulos habitables, aparecen en el paisaje como pequeños *tacurúes que se van posicionando de manera aislada que, mediante pequeños giros, se van orientando y buscando mayor privacidad, priorizando las vistas del lugar.

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M18 – TAKURU | TERRA estudio – +ARQ Estudio 

Mediante el análisis de ambos casos de estudio, se logró un diseño que se ajusta al presupuesto establecido, al tiempo de obra y a las condicionantes del sitio. Una propuesta sencilla y práctica, que se adapta al entorno natural, de montaje rápido y eficiente. Todo el diseño integral de los módulos (interior como exterior), se pensaron para ser ejecutados de manera sencilla y económica.

Obra: M18 – TAKURU
Lugar: Propiedad camino a Altos, Cordillera (Paraguay)
Ubicación: San Bernardino
Proyecto de arquitectura: TERRA estudio / +ARQ Estudio
Proyecto de paisajismo: TERRA estudio
Superficie módulo: 18 m2
Superficie terreno: 2.000 m2
Total de módulos: 9 unidades
Estado: Acabado
Materiales: Hormigón visto, isopanel, ladrillo
Especies vegetal: Philodendron hederaceum, tradescantia zebrina, aspidistra elatior, heliconia ortotriche, bromelia, alocasia
Año: 2022 / 2023
Fotografía: LUNABE y de autores
+ somosterraestudio.com

*TAKURU (en idioma guaraní) es una construcción elevada de tierra, hecha por una hormiga en particular. Este paisaje de elevados montículos de tierra, se puede observar por lo general en entornos rurales y parte del entorno chaqueño.

La XVI Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo abre sus puertas en la Real Fábrica de Artillería de Sevilla con la mirada puesta en el futuro de nuestro hábitat

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La XVI Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo abre sus puertas en la Real Fábrica de Artillería de Sevilla con la mirada puesta en el futuro de nuestro hábitat
La XVI Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo abre sus puertas en la Real Fábrica de Artillería de Sevilla con la mirada puesta en el futuro de nuestro hábitat

La XVI Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo (BEAU) ha inaugurado hoy su exposición en la Real Fábrica de Artillería de Sevilla. Bajo el lema Me–dio Pla–zo, podrá visitarse en este espacio histórico de la ciudad andaluza hasta el 20 de noviembre.

Convocada por el Ministerio de Transportes, Movilidad y Agenda Urbana en colaboración con el Consejo Superior de los Colegios de Arquitectos de España (CSCAE) y la Fundación Arquia, la XVI BEAU reconoce y premia los trabajos más relevantes de la arquitectura y el urbanismo españoles de los dos últimos años (2021-2022).

Esta edición está comisariada por el equipo de arquitectos sevillanos María González García, Juan José López de la Cruz y Ángel Martínez García-Posada, quienes han planteado un concepto curatorial que demuestra la doble oportunidad de la arquitectura para responder a los retos del presente y anticipar el futuro de nuestro hábitat y territorio.

La convocatoria pública, dividida en tres categorías –Obras, Investigación y Difusión y Proyectos Fin de Carrera– ha premiado un total de 55 trabajos: 20 correspondientes a Obras, 10 dentro de la categoría Investigación y Difusión y 25 Proyectos Fin de Carrera.

Un jurado especializado presidido por el secretario general de Agenda Urbana y Vivienda del Ministerio de Transportes, Movilidad y Agenda Urbana (MITMA), Iñaqui Carnicero, ha destacado de estas iniciativas su calidad, innovación, sostenibilidad, eficiencia ambiental y vocación social y cultural.

En la selección de propuestas queda patente la importancia del proyecto de la vivienda pública de calidad, el trabajo sensible con las preexistencias, la buena articulación de la vivienda unifamiliar en condiciones de borde singulares, el cuidado en el diseño de los equipamientos, la atención a los aspectos medioambientales o el adecuado entendimiento de los proyectos de gran escala. Tal y como ha subrayado el jurado,

“estos proyectos permiten apreciar el valioso esfuerzo de los profesionales de la arquitectura en España, que pertenecen a diversas generaciones, y su activa contribución a la mejora futura de áreas tanto públicas como privadas, así como de entornos urbanos y territoriales”.

En este sentido, los comisarios han destacado que

“muchos de los proyectos han sabido operar en ámbitos ya construidos, trabajando de un modo sensible con contextos materiales y sociales a los que han dotado de nuevas valencias salvaguardando a la vez vínculos locales”.

La XVI Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo abre sus puertas en la Real Fábrica de Artillería de Sevilla El fururo de la arquitectura a Me–dio Pla–zo
El fururo de la arquitectura a Me–dio Pla–zo
El fururo de la arquitectura a Me–dio Pla–zo 

Centrándose en cómo las acciones del presente influyen en nuestro hábitat futuro y definen cómo seremos en un mañana cercano, la XVI BEAU busca reflexionar sobre la estrecha relación entre la arquitectura y el desarrollo colectivo e individual de sus habitantes, en sintonía con el lema general de la Bienal “Somos la arquitectura que vivimos”. “Las propuestas seleccionadas demuestran un fuerte compromiso social, un hondo valor cultural, una confianza humanista y una estratégica capacidad propositiva”, subrayan María González García, Juan José López de la Cruz y Ángel Martínez García-Posada.

Articulado alrededor del concepto de “cajas de tiempo”, el proyecto expositivo se estructura en torno a cinco horizontes fundamentales —Nuevos programas, Acciones comunes, Raíces locales, Lógicas constructivas y Escalas precisas— que exploran nuevas formas de organizar espacios, establecer lógicas constructivas, revalorizar espacios públicos, mejorar la relación entre las personas y su entorno e interpretar la tradición y cultura local en un contexto globalizado.

Estas cajas, compactas y fáciles de transportar, sirven para mostrar los proyectos arquitectónicos seleccionados en dos hemisferios complementarios. Uno representa el proyecto en su presente, con planos e imágenes, mientras que el otro ilustra las ambiciones a medio plazo. Esta iniciativa permitirá al público comprender no solo el resultado final de cada proyecto, sino también las aspiraciones que subyacen en el proceso creativo.

En consonancia con este registro expandido de un presente en su camino al futuro, el escenario elegido para albergar la exposición inaugural, la Real Fábrica de Artillería de Sevilla, es un espacio con numerosas capas de historia que se encuentra actualmente en un proceso de transformación. Esta evolución enriquecerá el barrio donde se ubica a medio plazo, simbolizando la capacidad de la arquitectura como motor de cambio en la ciudad.

La XVI Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo abre sus puertas en la Real Fábrica de Artillería de Sevilla
La Real Fábrica de Sevilla es la primera sede de la XVI BEAU © Óscar Romero
Congreso «La arquitectura española a Medio Plazo» e itinerancias XVI BEA

Tras la inauguración de la exposición, y en continuidad con el exitoso congreso celebrado en Valladolid en la anterior Bienal, se celebrará en el Antiguo Convento de Santa María de los Reyes en Sevilla el encuentro “La arquitectura española a Medio Plazo”. Será en el marco de la XXII Semana de la Arquitectura de Sevilla durante los días 3, 4 y 5 de octubre.

En este congreso, que cuenta con el apoyo de la Junta de Andalucía y el Colegio Oficial de Arquitectos de Sevilla y que será inaugurado por el reconocido arquitecto Emilio Tuñón –Premio Nacional de Arquitectura 2021–, participarán los 20 equipos premiados en la categoría de Obras, quienes reflexionarán colectivamente, por medio de los cinco horizontes propuestos, sobre el presente y el futuro de la arquitectura y el urbanismo en España, en diálogo con algunas figuras de referencia en distintos ámbitos del pensamiento y la cultura.

Posteriormente, la exposición de la XVI BEAU viajará en futuras itinerancias por distintos emplazamientos nacionales e internacionales que también serán ejemplos de lugares abiertos a la ciudadanía para reflexionar sobre un presente en transición y el espacio arquitectónico como impulsor de un futuro social y sostenible. “El compendio de esta Bienal resume lo mejor del esfuerzo de tantos equipos de arquitectos y arquitectas por enriquecer los escenarios de nuestra vida íntima o compartida. Eso es ahora motivo de celebración y también debe servir de estímulo, desde ya y en un futuro a Medio Plazo”, destacan los comisarios de la XVI BEAU.

Paisajes y urdimbres | José del Carmen Palacios Aguilar

Paisajes y urdimbres José del Carmen Palacios Aguilar Rene Magrite_lainterdite
René Magritte. La Reproduction interdite (Not to Be Reproduced). Brussels, 1937

Es el territorio quien nos termina por conquistar y no nosotros a él; un lugar existe cuando lo miramos (antes existe, pero no en nosotros), ya habita en la mirada. Así como no tomamos la casa sino ella es quien nos toma, el paisaje que observamos es quien nos devora y ya en su interior – como si de una ballena se tratase-, alumbramos, y abrimos los ojos para contar al mundo lo que somos capaces de ver y oír.

El umbral es ese lugar que nos conecta con el mundo interior, y estando dentro podemos estar fuera; pero también es ese lugar en el que dejamos de ser nosotros, donde nos despojamos de hábitos y costumbres, es finalmente un tamiz: de nuestra manera de vivir y nuestra sabiduría por vivir.

Paisajes y urdimbres José del Carmen Palacios Aguilar Le Corbusier y su mujer Yvonne en una de las terrazas
Le Corbusier e Ivonne_en una de las terrazas de Pessac,Francia, 1925

Ese umbral fijo se convierte en cronista del paisaje que le habla, que le cuenta calladamente sobre nuestros ancestros, es aquel que dibuja sobre el rostro líneas como surcos del rojizo campo arado, testigo de la vida vivida. Es aquel quien deja que el sol determine su espesor y somos nosotros quien accidentalmente nos interponemos en su camino interrumpiendo su vocación de existir para un día ser nosotros quien narre esa huella.

El umbral ha dejado de enmarcarnos, y ahora es nuestro aliado, nuestro límite temporal, nuestra decisión: un umbral es una decisión para quien se detiene, para quien avanza, para quien ingresa para quien sale, pero sobre todo es un lugar para habitar, en la memoria del lugar e incorporarnos a su historia.

Llenos y vacíos | Miguel Ángel Díaz Camacho

Llenos y vacíos Miguel Ángel Díaz Camacho Matmata
Ciudad excavada de Matmata, en Túnez

La arquitectura bien podría definirse como un conjunto de llenos y vacíos. Probablemente sea una definición incompleta, como todas, pero al menos tendríamos una intuición táctil del objeto arquitectónico: arquitectura es aquello que podemos tocar y también lo que no. Avanzando un poco más: arquitectura es aquello que podemos ver -aquí las cosas dejan de ser tan obvias- pero también lo que no. Nada más intangible que el vacío que habitamos o el vapor de agua en el aire que respiramos: la arquitectura como gestión de atmósferas intramuros.

La proporción de llenos y vacíos supone uno de los instrumentos más antiguos y eficaces a la hora de analizar una ciudad, un edificio o una habitación, una especie de «prueba del nueve» para nosotros: basta con revisar los planos de la antigua ciudad de Roma o de Bagdag, las plantas de la pirámide y templo de Kefrén en Giza, para comprender su radical contemporaneidad, su vigencia a pesar de su notable antigüedad. En la imagen, la planta de la ciudad excavada de Matmata, en Túnez, nos recuerda que el vacío no es la consecuencia de un proceso formal determinado, la sutura residual entre un conjunto ordenado de masas: el vacío será esfuerzo, espacio conquistado, como el lugar que se despeja a machetazos entre la espesura.

El vacío se establece desde una estrategia de ocupación en la materia, una estrategia fundacional: el vacío como estructura vacante. Pero además, al margen ya de su variable espacial, el vacío explica y justifica la naturaleza misma de la materia, en el caso de Matmata una roca muy blanda y porosa, casi una esponja fosilizada similar a la permeable toba de origen volcánico. Precisamente su porosidad habilitará la filtración y almacenamiento de agua en un clima seco frente al desierto del Sahara. El espacio interior anidado en la roca se establece en este caso a través de un microclima adecuado de humedad y temperatura: la arquitectura como transpiración o artefacto meteorológico más ligado a la disposición atmosférica de un territorio que a la geometría -o composición métrica- de un edificio. Paisajes originarios del futuro. Experiencias transpirables de llenos y vacíos.

Miguel Ángel Díaz Camacho. Doctor Arquitecto
Madrid. Mayo 2016.
Autor de Parráfos de arquitectura#arquiParrafos

El Banco Santander une cultura y BIM | Amaia Rodríguez Oroz

El Banco Santander une cultura y BIM idom-consulting-engineering-architecture
Idom, consulting engineering architecture
La metodología Building Information Modeling se adentra en la reconversión de una antigua sede en un nuevo espacio cultural

El arte y la tecnología BIM (Building Information Modeling) comparten una característica fundamental: hacen de nuestra vida mejor. Por eso, no es de extrañar que se hayan ‘unido’ en uno de los últimos proyectos puestos en marcha por el Banco Santander y que, sin lugar a dudas, va a cautivar. Se trata de la reconversión de la histórica sede de la entidad situada en el Paseo Pereda de la capital cántabra en un espacio cultural en el que se darán cita obras de artistas tan ilustres como El Greco, Picasso o Miró.

En total, serán más de un millar las piezas que albergarán las paredes de este nuevo centro cultural, en cuya creación participan destacados estudios de arquitectura y construcción, como IDOM, Ferrovial o el del recién galardonado con el Premio Pritzker de Arquitectura 2023, David Chipperfield, los cuales se han unido para “dotar al edificio de espacios expositivos distribuidos por el mismo y galerías para exposiciones, así como zonas multiuso”, como señala José Manuel González, BIM Manager encargado del proyecto, en una entrevista a IDOM Consulting, Engineering, Architecture para la sección “AbiertoXObras” de la consultora especializada Espacio BIM.

Tal y como afirma González, una vez comenzaron las labores de diseño del Proyecto Básico, se percataron de que el Banco Santander “había hecho los deberes en cuanto a metodología BIM para la redacción del Plan de Ejecución BIM BEP)”, para el cual tenía una serie de exigencias muy concretas tales como el uso de BIM para el levantamiento de las condiciones existentes, la producción de planos, sus modificaciones y la coordinación 3D, entre otras. Así, en IDOM redactaron el BEP basándose en la ISO 19650 y añadieron una serie de

“usos al modelo, como la extracción de mediciones por medio de COST IT y Presto y el uso de modelos para visualizaciones”.

Sobre estas dos, Borja Sánchez Ortega, Director de Proyectos y Director del Máster BIM Manager Internacional (+VR) de la mencionada consultora Espacio BIM, explica:

“COST IT para Revit es un plug-in que se comunica con Presto y permite generar las mediciones y el presupuesto del proyecto”.

En definitiva, facilitan cumplir con uno de los objetivos clave de esta metodología: que no haya sobrecostes añadidos al cálculo inicial.

Después de dos años de demoliciones y vaciado del edificio, ahora es Ferrovial quien ha asumido la responsabilidad de los modelos BIM en la fase de obra, que ya ha comenzado, de lo que González destaca:

“Lo que existe ahora es una recogida de datos de los cambios que se están produciendo en obra y que Ferrovial trasladará al modelo periódicamente. Por nuestro lado, el modelo está sirviendo en la fase de obra para estudiar las adaptaciones que debemos validar debido a cambios que se van proponiendo durante los trabajos”.

Así las cosas, la obra está progresando según lo previsto y la fecha de finalización de los trabajos está programada para los últimos meses de 2024, aunque se desconoce cuándo será la apertura de puertas de este espacio cultural, que se llamará Faro Santander. Lo que sí es seguro es que, viendo las empresas que participan en el mismo, el proyecto servirá para ratificar que el uso de metodología BIM hace de la vida -y de los encargos- algo mejor.

O Castro da Costiña | Gramática Arquitectónica

O Castro da Costiña Gramática Arquitectónica © Luis Díaz Díaz 7
O Castro da Costiña | Gramática Arquitectónica © Luis Díaz Díaz

La permacultura se inicia en los años 70s. Se trata de un sistema de principios de diseño agrícola basado en los patrones y las características del ecosistema natural. La palabra permacultura procede de la contracción en inglés de las palabras permanent&culture para referirse a la agricultura como procesos permanentes sostenibles.

Podemos vivir sin hacernos fotos y subirlas a la red, pero no podemos dejar de comer cada día. La agricultura configura y ha configurado nuestros paisajes y sociedades, y en el caso del proyecto del Retiro da Costiña, configura como se ha organizado la implantación de los módulos de estancia temporal en la parcela.

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O Castro da Costiña | Gramática Arquitectónica | Explodedaxonometric

Estamos en Santa Comba, un ayuntamiento interior de Galicia con un relieve llano y suaves ondulaciones. Los pastos de ganadería extensiva se mezclan con el monocultivo de eucalipto, que rodea la parcela en casi todo su perímetro.

La primera acción instintiva que se llevó a cabo en la parcela, fue la de crear una pequeña muralla vegetal perimetral, la pequeña frontera marca una pequeña división de realidades paralelas.

Fuera de la muralla vegetal, no existirán cambios de color en las estaciones, el eucalipto es un árbol que permanece estático durante todo el año. Dentro de la muralla verde, se hará referencia a la otra Galicia de colores cambiantes y estaciones, los árboles autóctonos caducifolios, las flores, los huertos…

La parcela interiormente se organizó a través de círculos de diferentes tamaños, que generan infinitos recorridos, por los que derivar y aprender sobre los procesos de cultivación de los productos que después se servirán en el Retiro da Costiña. No se busca la línea recta, sino la suavidad y las historias que se generan dentro y fuera de cada círculo. Para las edificaciones, se partió de una doble premisa, por un lado, tendrán un elemento estático al pie de cada una de ellas. Una escalera de piedra que no toca las edificaciones, como un hórreo o como las escaleras anexas a una nave espacial en tierra. Por otro lado, los módulos remitirán al cielo, se posan sobre el suelo pero dejando siempre el viento y los organismos de la parcela por debajo.

Con la acción de separar los módulos del suelo, se consigue interferir menos en las escorrentías naturales del terreno, de suave pendiente que permite vistas del valle. Los módulos se reducen a dos placas, losas o forjados cuya forma remite a algunas formas de viviendas encontradas en castros, pero también al futurismo soñado, y es que el pasado y el futuro siempre se pueden encontrar en el presente.

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O Castro da Costiña | Gramática Arquitectónica © Luis Díaz Díaz

La losa inferior ofrece una meseta plana donde interiormente crear una estancia con dormitorio, baño y pequeño office con salón, y por otra parte genera una terraza exterior donde poder sentarse en medio de las flores.

La losa superior es una cubrición de la lluvia y el sol, interior y exterior como gran soportal circular. La losa superior es también una cubierta ajardinada extensiva, en un acto de devolver al terreno algunos metros cuadrados verdes y con el sedum tapizante contribuirá a que pequeños insectos polinizadores puedan enriquecer los cultivos.

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O Castro da Costiña | Gramática Arquitectónica | Constructive detail

Después están las fachadas, la fachada continua, ya que puedes dibujarla en un solo gesto de lápiz su perímetro. Con grandes aperturas verticales que refuerzan ese espacio vertical que queda entre ambos mundos.

La materialidad de las edificaciones viene marcada por el uso del color blanco roto, en sintonía con las edificaciones tradicionales de la zona, y solamente se rompe el blanco con las carpinterías que buscan crear contraste entre el color fondo y el color móvil, las puertas y las ventanas, que permiten entrar y salir, se marcan de castaño oscuro.

O Castro da Costiña Gramática Arquitectónica 10 Cabinaxonometric
O Castro da Costiña | Gramática Arquitectónica | Cabinaxonometric

Se busca reforzar la sensación de que el exterior se mezcle con el interior, para lo cual pavimentos y techos mantendrán la misma textura y tonos, que solamente se romperá con las piezas del mobiliario y con las paredes interiores, que buscan generar un espacio interior cálido y acogedor.

Obra: O Castro da Costiña
Autor: Gramática Arquitectónica (María Teresa Sánchez Táboas)
Emplazamiento: Santa Comba, Galicia, España
Año: 2023
Area: 200 m²
Fotografía: Luis Díaz Díaz
+ gramaticaarquitectonica.com

Jardines. Una exploración del arte del paisajismo

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Jardines Una exploración del arte del paisajismo Editores Phaidon Matthew Biggs
Jardines Una exploración del arte del paisajismo | Editores Phaidon – Matthew Biggs
Un estudio profusamente ilustrado que celebra la duradera relación de la humanidad con el jardín, a través del arte, la ciencia, la historia y la cultura.

Jardines: Una exploración de arte del paisajismo, nos muestra como la humanidad ha creado y se ha relacionado con los jardines a lo largo de la historia y en todo el mundo. Cuenta con más de 300 entradas y abarca más de 4000 años de historia.

Cada entrada ofrece una visión indeleble del mundo del paisajismo, presentando una amplia variedad de respuestas artísticas y creativas al jardín. Este tomo abarca todo, desde intrincados tapices del siglo XV y litografías del siglo XIX hasta ambiciosas esculturas submarinas y lujosas joyas, creando yuxtaposiciones sorprendentes e inesperadas entre cada obra. Un reloj Bulgari Garden of Eden se encuentra frente al caótico El Jardín de las Delicias de Hieronymus Bosch, mientras que el icónico estampado Trellis de William Morris se presenta junto a la reciente muñeca Gardener Barbie de Mattel.

Estas entradas han sido seleccionadas cuidadosamente junto con un panel internacional de historiadores del arte, horticultores, diseñadores de jardines y curadores de museos, entre otros expertos. Catálogos de semillas, planos de jardines, fotogramas de películas, manuscritos, adornos, textiles, pinturas y arte antiguo se unen para demostrar la versatilidad global de los jardines, viajando a sitios famosos como Kew Gardens o los Jardines Botánicos de Nueva York, así como a otros más desconocidos. como el jardín de la cabaña costera de Derek Jarman o la Casa Azul de Frida Kahlo.

También se presenta una impresionante y a menudo sorprendente variedad de artistas y creadores, incluidos Fergus Garrett, Lancelot «Capability» Brown, Vita Sackville-West, Faith Ringgold, Martin Parr, Dan Pearson y Claude Mollet, entre muchos otros. Cada imagen a gran escala va acompañada de un texto breve y accesible que amplía la obra, su creador y su importancia dentro del paisajismo, enriqueciendo las magníficas imágenes del libro con contexto e información relevantes.

Jardines: Una exploración de arte del paisajismo concluye con un glosario de términos, una cronología ilustrada, biografías seleccionadas, lecturas adicionales y un índice para la mejor navegabilidad.

Ya sea representado en frescos romanos, ilustrado en manuscritos, representado en papel o capturado digitalmente con la última tecnología de vanguardia, el jardín, y el acto de cultivar un huerto, ha sido un tema perdurable y amado por artistas y creadores de todo el mundo. De esta manera, Jardines: Una exploración de arte del paisajismo ejemplifica la observación del artista español César Manrique:

“El hombre no fue creado para la artificialidad. Hay una necesidad imperiosa de volver a la tierra. Siéntelo, huélelo”.

De la Teoría como Dispositivo Formal | Miquel Lacasta

De la Teoría como Dispositivo Formal Miquel Lacasta Archigram Computor City de 1964
Archigram Computor City de 1964

Una introducción necesaria

Hay frases que alcanzan una dimensión más allá de toda gramática posible.

Poder englobar en una sola frase la deriva de una parte importante de la producción arquitectónica de los 30 últimos años, y me refiero con ello a la arquitectura que ha estado más presente en los medios especializados, y por consiguiente, que han obtenido legitimidad crítica y valor cultural de cambio, sería como encontrar una frase de ciclo. Que abre y cierra un ciclo.

Llevo leyendo y apostando por frases propias y ajenas muchos años para determinar esa construcción y está claro que no existe una única frase magistral. Pero si que existen un grupo de frases favoritas, un conjunto privilegiado de afirmaciones, casi de aforismos, que encierran una vasta significación. O quizás ocurre simplemente que según el momento o el estado de ánimo, hay frases que encierran mejor una idea que trasciende a todas las demás, y por tanto está va cambiando.

Ahora mismo, en las circunstancias actuales, en el contexto presente, mi favorita es que desde los años 80, tanto a nivel local, como a nivel global, se ha producido una alarmante falta de tensión narrativa en los proyectos de arquitectura.

Vamos a clarificar

No se puede interpretar con esto que toda la arquitectura, desde los años 80 hasta finales de la primera década del siglo XXI, adolezca completamente de tensión narrativa. Se está señalando aquí que una parte significativa de la arquitectura legitimada como tal en los altares de las revistas, en las mesas de las universidades y los círculos de la crítica, adolece de esa característica a mi modo de ver, fundamental.

Sigo clarificando. Con una parte significativa, quiero decir que la producción a la que me refiero no es marginal o simplemente insignificante, sino todo lo contrario, tiene un peso específico sustancial. Es decir, y en otras palabras, se ha beneficiado del estatus o la categoría de arquitectura de primer nivel. Y este grupo importante de edificios producidos durante más de tres décadas, no destacan, o directamente, no tienen la menor tensión narrativa.

Último matiz. Esta conjetura creo que ocurre tanto a nivel local, en mi caso, en la producción arquitectónica del sur de Europa, como a nivel global, que dada la referencia temporal que he dado antes puede resumirse en el antiguo eje Norteamérica/Europa. No hace falta remarcar, que hoy ese eje se ha desplazado como mínimo a 3 amplísimas e intensas áreas geográficas más, con la inclusión de China, Suramérica y Australia. Y en ciernes o ya consolidadas también India y Suráfrica.2

Después de tanta cautela y esfuerzo en la introducción, volvamos al centro de la reflexión.

De la teoría o la falta de ella

Mucha de la arquitectura reciente adolece de tensión narrativa. ¿Por qué? ¿es eso significativo?

En una edición del 2008, en la revista Wired, Chris Anderson, su jefe de redacción, publicó uno de esos artículos que solamente alguien desprovisto de toda noción de la historia, o, víctima de un intelectualmente anestesiante subidón de positivismo tecnológico, puede escribir bajo el provocador título de «The End of Theory. Will the data Deluge Makes the Scientific Method Obsolet?»

En pleno síndrome hipertecnológico, Anderson proclama a los cuatro vientos:

«Fuera toda teoría de la conducta humana, desde la lingüística hasta la sociología. Olvídese de la taxonomía, la ontología y la psicología. ¿Quién sabe por qué la gente hace lo que hace? La cuestión es que lo hace, y podemos seguirle la pista medirlo con una fidelidad sin precedentes. Con suficientes datos, los números hablan por ellos mismos».3

En otras palabras, ¿quién necesita relatos? ¿A quién le importa la tensión narrativa? No son necesarios los grandes relatos, o ni tan siquiera, los pequeños, caleidoscópicos y complejos micro relatos, ante la paradójica imposibilidad de entender las múltiples dimensiones de la realidad. ¿Qué más da? Solo hay que atesorar una cantidad ingente de datos para saberlo todo, para entenderlo todo. Es fácil, registra, ordena, analiza, encuentra el patrón y ya está, la inmensidad insondable del comportamiento humano, animal o vegetal, quedará desvelado. Es más, incluso si uno puede registrar el comportamiento de las cosas,4 también será desvelada la realidad de los inanimado.

Hoy en día, empresas como Google, que se han desarrollado en una época de datos masivamente abundantes, no tienen que asentarse en modelos sometidos a comprobación. En efecto, no tienen que asentarse en ningún modelo.

Es decir, de la misma manera que como decía la canción el vídeo mató a la estrella de la radio, los datos matarán a la teoría. Tanto en el primar caso, como espero en el segundo, esta afirmación es rotundamente e infantilmente incierta. Es más, a cuantas más paradojas se accede, más teoría se requiere.

En este escrito de Anderson, se dibuja una afirmación que a todas luces me parece una distopía enorme: son los datos los que dan forma a la realidad. Especificando, son los Big Data, que vía algoritmo se presentan estructurados y analizados, los que son suficientes para dar forma a lo que somos y lo que vemos. Simplemente la ingente acumulación de datos nos concibe como modelo, por tanto el modelo previo, la conjetura inicial, es innecesaria.

Esta idea, lejos de ser una simple elucubración de Anderson se apoya en afirmaciones tan categóricas como las realizadas por Peter Norving director de investigación de Google en una edición pasada del O’Reilly Emerging Technology Conference cuando afirma que:

«Todos los modelos (teóricos) están equivocados, es más, uno puede tener éxito sin ellos».

La teoría como aquello que da forma

Este tipo de afirmaciones tan categóricas, que de ser ciertas, significarían una autentica ruptura con la mayoría de las ciencias,5 me recuerdan la cara fascinada y perpleja de un bebe de 10 meses, que empieza a gatear y a entender que la realidad existe en tres dimensiones y es alcanzable, cuando antes todo era un dibujo plano que tenia delante. Por supuesto que el bebe realiza un gran descubrimiento, al igual que Anderson, descubre una nueva faceta, un nuevo instrumento que agregar a la realidad, pero esta claro que, como el bebe, no descubre la realidad por sí misma, sus raíces, su esencia, y por tanto la naturaleza oculta que los demás ni tan siquiera intuimos. El error de bulto que Anderson y todos los excitados tecnófilos del campo del Big Data, es que ignoran un punto fundamental a la hora de anunciar y difundir sus teorías: No se preguntan por la razón y la raíz, por los orígenes de todo eso que llamamos realidad. Simplemente están chequeando esa realidad en un momento intermedio del proceso, y sobre ese instante, intentan inventar o predecir el futuro. Como el bebe, han quedado eclipsados por el descubrimiento de algo fundamental en la conformación de la realidad: para uno, el bebe, que la realidad física es tridimensional, como mínimo, y que existe la posibilidad de alcanzarla. Para los profetas del Big Data, que el registro y la categorización de una enorme cantidad de datos, es capaz de hacer aflorar patrones de comportamientos pasados, con alguna probabilidad de que momentáneamente sean aplicados también a un tiempo futuro.

Volviendo a Byung-Chul Han, últimamente mi filósofo de cabecera, me acojo a una de sus sentencias:

«No hay pensamiento llevado por los datos. La negación de lo incalculable es inherente al pensamiento».6

Todos podemos convenir que teorías fuertes, como la filosofía, o como precisamente antes inducía, la teoría de la arquitectura en los años 60 y 70, no son modelos que puedan ser sustituidos por una jerarquización correcta y posterior análisis de una cantidad exorbitada de datos.

Sigo creyendo que, como apunta Han,

«La teoría constituye una decisión esencial, que hace aparecer el mundo de modo totalmente distinto, bajo una luz del todo diferente. Es una decisión primaria, primordial, que dictamina qué es pertinente a algo y qué no lo es, qué es y tiene que ser y qué no. Como narración altamente selectiva, traza un camino de discriminación a través de lo no transitado todavía».

Es precisamente esta idea de narración selectiva, de relato que aporta una tensión al qué y al cómo, la que está enormemente diluida en la arquitectura actual, y que por suerte, o quizás por desgracia, ni los Big Data, ni las Smart Cities, van a resolver. En realidad lo que ocurre es que la ciencia de los datos es simplemente plana, funciona por adición y detección de aliteraciones y repeticiones. No es narrativa, no está tensionada. Le falta la constante de la tensión narrativa. Y es por ello que la acción está más necesitada que nunca de la teoría, y la arquitectura, una conocimiento de la acción por antonomasia, requiere hoy más que nunca de teoría y tensión narrativa. Y es que como dice Han,

«La teoría aclara el mundo antes de explicarlo. Hemos de pensar sobre el origen común de la teoría y las ceremonias o los rituales. Dan forma al curso de las cosas y lo enmarcan, para que estas no se desborden».

La teoría en definitiva pone el mundo en forma, es un dispositivo formal que esculpe la realidad, anticipando modelos y conjeturas que se van sucediendo, que se van perfilando sin descanso.

Y es precisamente más necesaria que nunca por que la masa brutal de información, contrariamente a la capacidad de dar forma de la teoría, tienen un efecto deformador. La información deforma por desborde, por un exceso de transparencia cegadora, por un innecesario hiperrealismo en los detalles.

Sin embargo la teoría anticipa las formas de la realidad, anticipa un conocimiento necesario y prefigura porciones de verdad. Obtiene una forma, sin duda fluida y mutante, hibrida y abierta, pero indudablemente necesaria, que más allá de la mera elucubración, construye una historia, elabora una narración y hace entendible, leíble y asumible un mundo profundamente complejo.

Miquel Lacasta Codorniu. Doctor arquitecto
Barcelona, Febrero 2015

1 Aún hoy hay la tentación de volver a la exacerbación de la ignorancia, negando la imprescindible estructura ósea que proporciona la teoría al quehacer de la arquitectura. Los más sorprendente, es que esa oda a la ignorancia sea jaleada y apuntalada con ejemplos de dudosa trayectoria. La negación o la banalización, dos vectores clave para comprender la historia reciente de la arquitectura, siguen teniendo su grupo de adeptos. Me parece detestable esa posición de superioridad moral que encontramos, a veces muy cerca, que te advierte de que antes se aprende a ir en bicicleta que a comprender los principios físicos que la sustentan. Como si estuviera escrito en algún lugar sagrado, da la sensación que se postula que la reflexión está reñida con la práctica. Hoy podemos ver el resultado de semejante desaliño.

2 En este heptágono geográfico está claro que no incluyo zonas de indudable interés, como son Oriente Medio o Rusia, simplemente por que no han creado producción propia, y son algo más parecido a un battelfield experimental de episodios exportados que a producción propia con valor cultural específico del territorio. Como no, esto sería muy discutible, pero no encuentro referencias actualizadas para rebatir esta taxonomía de países productores de arquitectura.

3 Wired, 30 de Junio 2008.

4 Hago referencia aquí al internet of things popularizado en el MIT.

5 Imaginemos un mundo sin matemáticas, sin física, sin filosofía, etc., sin la posibilidad de agregar a nuestra razón, la guía necesaria de un modelo teórico.

6 Han, Byung-Chul, La agonía de Eros, Herder Editorial, Barcelona, 2014

Las casas de Barbie | Jorge Gorostiza

Hace once años escribí una entrada sobre la Barbie Arquitecta, ahora gracias a Design Taxi, he descubierto que la empresa Mattel Creations y la revista de arquitectura PIN-UP han publicado un libro titulado Six Decades of Dreams: An Architectular Survey; sus editores son Felix Burrichter y Whitney Mallett, diseñado por Ben Ganz, tiene textos, entre otras, de la comisaria Alexandra Cunnigham Cameron, la escritora Natasha Stagg, la novelista Elvia Wilk, el crítico de arquitectura Ian Volner e incluso la arquitecta Beatriz Colomina; además se debe mencionar a la autora de todas las fotografías: Evelyn Pustka.

En este libro se estudian seis casas de Barbie de diferentes años -1962, 1974, 1979, 1990, 2000 y 2021-, como si fueran edificios construidos en su momento, aportando sus sencillos planos de plantas y alzados, y recogiendo además detalles de casi todo su mobiliario, comparándolo con muebles reales de esas épocas.

La casa de Barbie, 1962
Las casas de Barbie Jorge Gorostiza 1962 cerrado
La casa de Barbie, 1962

La que corresponde a 1962 fue el primer intento de crear un entorno arquitectónico para la muñeca; está formada solo por cuatro planos de cartón que representan el suelo y tres paredes de una única habitación, un apartamento mínimo, dedicado a cuarto de estar y dormitorio.

Su mobiliario está compuesto por una cama sencilla -no hay sitio para nadie más en el lecho de la muñeca–, un sofá doble, una mesa, un sillón con reposa pies, una silla pequeña, una lámpara y un mueble con un televisor, todos ellos con patas de madera; también hay un armario para guardar bastantes trajes, un tocador y una estantería con libros, en la pared del fondo, el resto de los elementos, como un ventanal con tres estores, cuadros, y unos banderines, están dibujados sobre esas paredes.

En esos elementos pintados destaca un cuadro en la pared del fondo que representa una casa victoriana, parecida a alguna de las que se comercializarían década después, así mismo son interesantes los banderines -en todos se puede leer «State»-, porque se ha escrito que demuestran que Barbie era universitaria, desconociendo completamente que entonces hasta los niños pequeños colgaban banderines en las paredes de sus habitaciones.

Todo el conjunto es sobrio y moderno, con colores chillones y por su propia configuración podría ser un decorado cinematográfico, para la televisión o teatral.

La casa de Barbie, 1974
Las casas de Barbie Jorge Gorostiza 1974 dreamhouse1974
La casa de Barbie, 1974

La segunda casa elegida en el libro salió a la venta en 1974, es mucho mayor, con tres plantas sostenidas por unos pilares cilíndricos y en medio un ascensor amarillo que las comunica; en la baja hay un espacio abierto y en el fondo, pintado sobre la pared se puede ver un jardín con una piscina, al lado está la cocina con una ventana a través de la que se ve un paisaje campestre; la planta intermedia es un salón con un sofá y un mueble con un tocadiscos encima, un televisor encastrado debajo y al lado de unas baldas con libros; la planta alta está ocupada por un dormitorio, otra vez con una sola cama, y al fondo puede verse parte de una bañera con una cortina para una ducha.

La mayoría del mobiliario, ventanas, cortinas, cojines cuadros, macetas y lámparas, están pintados sobre las paredes, como sucedía con el modelo antes mencionado.

Por primera vez la casa es un edificio con varias alturas y los colores chillones se reservan para el ascensor y algunos muebles, y empiezan a aparecer los rosas y tonos pastel que, como la superposición de las estancias, se seguirán usando en las siguientes viviendas; también hay que mencionar la aparición todavía discreta -casi oculta- de un aseo, aunque con un único aparato sanitario, con una bañera.

La casa de Barbie, 1979
La casa de Barbie, 1979 catálogo Matel
La casa de Barbie, 1979, catálogo Matel

La tercera casa corresponde a la misma década de los setenta, a 1979, y tiene solo dos plantas, la superior está abuhardillada debajo de una cubierta a dos aguas, ocupada casi toda por grandes lucernarios; esta cubierta inclinada que parece de tejas y los maceteros con plantas le dan un aspecto más próximo a una casa de campo que las dos anteriores.

En las paredes ya no hay ventanas ni muebles, ni elementos pintados como en las anteriores. El edificio es simétrico y sus dependencias a ambos lados del eje de simetría son iguales, por lo que no es obligatorio que sus usos estén predeterminados, pudiendo colocar mobiliario distinto donde se quiera, una libertad que daba más posibilidades a su propietario para que tomase decisiones decorativas, aunque en la mayoría de las ilustraciones, se muestre el dormitorio en la planta alta, mientras en la baja están la cocina, el comedor y el cuarto de estar, reproduciendo un modelo estándar en que la zona de día está debajo, siendo accesible y la de noche, más privada, en la superior.

La casa de Barbie, 1990
Las casas de Barbie, 1990
La casa de Barbie, 1990 

Los autores el libro no eligieron casas de la década de los ochenta y la siguiente ya es de 1990. Esta edificación, denominada Magical Mansion, tiene dos plantas, en la baja están el salón comedor, con un tresillo y una mesa circular con cuatro sillas, y en la alta hay un dormitorio y un aseo con una gran bañera y un lavabo con un espejo circular en lo alto, aunque todavía no se han atrevido a incluir un inodoro, ni un bidé.

Las paredes tampoco tienen dibujos del mobiliario, ni otros elementos, sino solo los azulejos del cuarto de baño y unos papeles pintados con recargado motivos florales. La cubierta vuelve a ser de teja y, a dos aguas, pero esta vez con una terraza en uno de los faldones superiores.

Sin duda, esta es una de las casas más adocenada y con menos inventiva de todas las que han ido produciendo, toda ella tiene el color rosa que ha caracterizado a la muñeca, y tanto el mobiliario, como los huecos -con dos bay windows incluidos- imitan mal las formas clásicas, banalizándolas y consiguiendo que todo el conjunto sea un edulcorado pastiche  sin interés.

La casa de Barbie, 2000
Las casas de Barbie Jorge Gorostiza 2000
La casa de Barbie, 2000

La penúltima casa seleccionada es de 2000, vuelve a tener dos plantas, en la baja están la cocina y el salón, incluyendo el hogar de una chimenea, pero sin conducto de humos; y en la alta el dormitorio y un cuarto de baño, con solo una bañera y un lavabo, sobre el que hay un espejo ovalado.

En esta edificación sus creadores se volvieron a acordar de que la muñeca tenía que acceder al piso superior y, como en la de 1974, incluyeron un ascensor, esta vez circular, situado en una esquina con un remate cónico, que sobresale de la cubierta, dándole a da a la casa un aire victoriano que la emparenta con los edificios embrujados de las narraciones terroríficas, aunque sus colores con los habituales tonos rosas y pasteles, pretenden eliminar connotaciones siniestras -si se olvida que todo el universo de la muñeca es bastante inquietante-.

El estilo formal de esta edificación es similar al de la anterior, pero depurando sus elementos, lo que logra una pequeña mejoría respecto a la de diez años antes.

La casa de Barbie, 2021
Las casas de Barbie Jorge Gorostiza 2021
La casa de Barbie, 2021

La última vivienda elegida es de 2021 y, dentro de la mediocridad general de todas ellas, tiene un poco más de interés.

Otra vez dispone de tres plantas, la baja vuelve a estar destinada a cocina, comedor y cuarto de estar, con un televisor con una gran pantalla, en un extremo hay un pequeño jardín y una piscina a la que llega un tobogán que parte de la planta superior; donde está el dormitorio, con literas y un cuarto de baño con una ducha -parece que ya no caben las bañeras quizás porque son incorrectas por gastar mucha agua-, un lavabo encastrado y una novedad: un inodoro; en la planta más alta hay una pérgola que no ocupa toda la cubierta, sobre un espacio que parece dedicado a las fiestas, porque en él hay un equipo de música con platos y dos altavoces grandes, farolillos e incluso una esfera giratoria con espejos, como las de las discotecas.

En un lateral de la edificación se ha instalado un ascensor adaptado para sillas de ruedas, transparente con paramentos de color -como no- rosa. Se debe mencionar que la muñeca Barbie diseñadora de interiores, que por cierto tiene una pierna ortopédica -no se sabe si a causa de un accidente laboral- tiene como accesorio una tableta en la que puede verse esta casa.

Como antes se decía, el universo de la muñeca es bastante inquietante, con ese afán de perfección en sus vestuarios y complementos, así como con una belleza codificada; aunque en los últimos años, para evitar esas características, se han incluido barbies con tallas, razas y rasgos físicos diferentes, pertenecientes además a profesiones «empoderadas», adecuándose a los dictados de lo «políticamente correcto». Pero no debe olvidarse que los diseños de sus casas -a pesar de ser juguetes-, no son inocentes, no se reproducen las viviendas habituales de los seres humanos comunes y corrientes, sino que las edificaciones se convierten en objetos de deseo para niñas y en modelos de aquello a lo que deben aspirar en su futuro: riqueza, belleza, glamur… estereotipos que en conjunto sirven para promocionar un tipo de vida y unas actitudes determinadas, que coinciden con las directrices y la propaganda promulgada por el establishment.

Las otras casas de Barbie. Siglo XX | Jorge Gorostiza

Jorge Gorostiza, Doctor arquitecto.
Santa Cruz de Tenerife, marzo 2023

Impermeabilización de cubiertas planas: Protegiendo la salubridad de la edificación

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Impermeabilización de Cubiertas Planas Protegiendo la Salubridad de la Edificación
Impermeabilización de cubierta plana con tela asfáltica

La impermeabilización de cubiertas planas es una actividad muy importante del sector de la construcción y, particularmente, en la edificación.

Su relevancia no solo se debe al notable volumen económico de esta actividad sino también a su cometido para con los edificios, ya que es la encargada de prevenir de humedades y evitar la filtración de agua hacia el interior de los edificios desde un elemento constructivo básico de la envolvente de los edificios y de las viviendas; la cubierta.

El CTE y su Rol en la Impermeabilización

En España, la normativa que regula este aspecto tan significativo para la correcta salubridad de los edificios es el Código Técnico de la Edificación (CTE).

Este reglamento establece los requisitos técnicos que deben cumplir las cubiertas planas para garantizar su impermeabilidad y durabilidad.

A continuación, se explican los principales tipos de impermeabilización de cubierta plana que podemos encontrar en el mercado:

El Arte de Proteger: Impermeabilización Asfáltica

En primer lugar, una de las formas más habituales de impermeabilizar una cubierta plana es mediante la aplicación de una lámina asfáltica; lo que se conoce como: impermeabilización asfáltica. Este material está compuesto por varias capas de betún y fibra de vidrio que se adhieren a la superficie de la cubierta mediante calor o frío.

En resumen, el proceso de instalación se basa en aplicar una capa de asfalto caliente sobre la superficie de la cubierta y se cubre con una capa de grava para protegerla de la radiación solar y del desgaste mecánico.

También existen membranas asfálticas que se colocan sin la necesidad de aplicar calor. La principal ventaja de la impermeabilización asfáltica es que es resistente y considerablemente duradera, siendo utilizado desde hace muchos años en edificios residenciales y comerciales, pero puede ser difícil de aplicar y reparar.

La Flexibilidad de las Membranas Líquidas

En segundo lugar, existe otro conjunto de materiales para la impermeabilización de cubiertas planas formado por lo que se conocen como membranas líquidas impermeables.

Este tipo de impermeabilización implica la aplicación de una capa líquida, habitualmente de poliuretano o caucho sintético, directamente sobre la superficie de la cubierta plana, que puede aplicarse con brocha, rodillo o pistola.

Este elemento líquido, bajo unas condiciones climáticas concretas, se secará para formar una membrana impermeable. La ventaja principal de las membranas líquidas impermeables es su facilidad de aplicación y su flexibilidad, por lo que se trata de material impermeable para cubiertas planas adecuado para formas geométricas irregulares.

Sin embargo, pero puede ser menos duradera que otras opciones.

Impermeabilización de cubiertas planas
Impermeabilización de cubierta plana con membrana líquida
Excelencia en la Impermeabilización: Membranas Sintéticas

En tercer lugar, contamos con otro grupo de materiales para la impermeabilización de cubiertas planas que destaca por su calidad, durabilidad y versatilidad; se trata de las membranas sintéticas.

Este conjunto de materiales impermeables sintéticos pueden estar formados por distintos componentes, destacando las membranas de poliéster y PVC, las compuestas de poliolefina termoplástica (TPO), las compuestas por terpolímeros de etileno-propileno-dieno (EPDM) y las compuestas por etileno vinil acetato (EVA).

Estas membranas impermeabilizantes sintéticas se pueden aplicar de distintas formas sobre la cubierta; pueden fijarse mecánicamente al soporte o instalarse de forma adhesiva, realizándose la unión y sellado entre láminas mediante calor.

Precisamente, esta es una de sus ventajas, ya que estas membranas se suelen soldar entre sí para formar una capa impermeable continua en toda la cubierta. Otra ventajas son su resistencia a la luz solar y a la intemperie, su capacidad para adaptarse a cambios de temperatura, y excelente durabilidad, pero puede ser un material menos económico respecto a otras opciones.

Se utilizan comúnmente en edificios de viviendas, industriales y comerciales.

Impermeabilización de Cubiertas Planas Protegiendo la Salubridad de la Edificación Graduation house Kevelaer
 impermeabilización de cubierta con membrana EVALON | Graduation house Kevelaer
La Solución de Onduline: Alwitra, elevando el estándar

En Onduline apostamos por ofrecer soluciones impermeables de cubierta de la mayor calidad, como es el caso de las membranas sintéticas. Por ello, ofrecemos al mercado una amplia gama de membranas sintéticas impermeables de la marca alwitra, entre las que destacan las membranas de EVA (EVALON®) y de EPDM (EVALASTIC®). Puedes consultar más información sobre estos sistemas integrales de impermeabilización de cubierta de sistemas alwitra.

Impermeabilización de Cubiertas Planas Protegiendo la Salubridad de la Edificación hostel for the Bavarian Youth Hostel Association in Bayreuth, Germany
Impermeabilización de cubierta con membrana EVALON del albergue para la Bavarian Youth Hostel Association en Bayreuth, Alemania | Laboratory for Visionary Architecture (LAVA)
Requisitos Técnicos y Normativa

En cuanto a la normativa, el CTE establece los requisitos técnicos mínimos que deben cumplir los materiales de construcción utilizados en la construcción de edificios.

En general, a los materiales impermeabilizantes de cubierta se les exige unos requisitos generales que incluyen la capacidad de resistir el agua y la humedad, la capacidad de adaptarse a las condiciones climáticas y la durabilidad a largo plazo.

El CTE también establece los métodos de ensayo y las pruebas que deben realizarse para verificar la calidad y la eficacia de las impermeabilizaciones.

Impermeabilización de Cubiertas Planas Protegiendo la Salubridad de la Edificación Teehaus Mikado Timmendorfer Strand Alemania 2013
 impermeabilización de cubierta con membrana EVALON | Teehaus Mikado Timmendorfer Strand Alemania 2013

En el caso de las membranas sintéticas para la impermeabilización de cubiertas, se les exige una serie de requisitos de resistencia mecánica como la resistencia a la tracción, la resistencia al impacto y la resistencia al punzonamiento.

La resistencia a la tracción debe ser mayor o igual a 12 MPa, mientras que la resistencia al impacto debe ser mayor o igual a 1000 mm. La resistencia al punzonamiento depende del tipo de membrana sintética y de su espesor, pero se establece un valor mínimo en función de estas características.

Además, el CTE también establece que las membranas sintéticas deben tener una resistencia mínima de 1000 N/50 mm y una elongación mínima del 15%.

Elevando la impermeabilización a Nuevos Niveles

Por otro lado, es importante destacar que estos son los requisitos mínimos establecidos por el CTE y que los fabricantes de membranas sintéticas de cubierta podemos ofrecer productos con valores de resistencia mecánica superiores para ofrecer una mayor calidad y durabilidad de la impermeabilización de la cubierta.

Por lo tanto, es recomendable consultar las especificaciones técnicas de los productos con los propios fabricantes para asegurarse de que cumplen con los requisitos establecidos para cada proyecto.

Impermeabilización de Cubiertas Planas Protegiendo la Salubridad de la Edificación Indoorspielpark Wal in Friedrichskoog
Indoorspielpark Wal en Friedrichskoog

Restaurante BOCOI | Vicenç Mulet

Restaurante BOCOI Vicenç Mulet © Mateu Bennàssar
Restaurante BOCOI | Vicenç Mulet © Mateu Bennàssar

El arquitecto Vicenç Mulet firma la reforma del Restaurante BOCOI, situado en la zona de Portocolom en la costa de Mallorca. El proyecto se encuentra en un antiguo almacén cerca del muelle de carga donde se guardaban los bocois, unos toneles​ de gran capacidad que conservan el vino. Mulet se ha inspirado en la historia del puerto y el uso del almacén para recuperar el espacio, eliminando todos los elementos decorativos y capas de las paredes de antiguas intervenciones para dejar a la vista de nuevo la piedra de la isla, el marés, y devolver la atmósfera de austeridad al local. El acento contemporáneo lo aportan las piezas de arte seleccionadas.

Por un lado, el conjunto de ramas de higuera que sostiene las luminarias es un trabajo del artista local Varuzh junto con el propio Mulet. Por otro, la escultura que preside la entrada, a modo de homenaje a los Bocois, forma parte de la colección Danza Cósmica de la artista danesa y vecina de la isla Lin Utzon, hija del arquitecto Jørn Utzon, de quien Mulet ha tomado también inspiración para este proyecto.

El Restaurante Bocoi evoca un fragmento de la historia de la isla de Mallorca y su vinculación con la producción de vino. A principios del siglo pasado, barcos cargados de toneles de grandes dimensiones, los llamados bocois, zarpaban del puerto de Portocolom rumbo a Francia. Estos toneles se almacenaban en locales frente al puerto a la espera de ser cargados. La filoxera había causado estragos en los viñedos franceses, y este país compraba toda la producción vinícola que podía encontrar en el Mediterráneo.

Esta actividad se desarrolló hasta que la filoxera atacó también los cultivos de la isla. Actualmente, estos almacenes se han convertido en espacios de restauración y ocio abiertos al paseo marítimo de Portocolom. La restauración fue precisamente la última actividad de este local, antes de que se iniciara la reforma para el actual Bocoi.

Restaurante BOCOI Vicenç Mulet 11 © Mateu Bennàssar
Restaurante | BOCOI Vicenç Mulet © Mateu Bennàssar

La situación del restaurante y su diseño original son los primeros condicionantes con los que el arquitecto mallorquín ha tenido que trabajar. Por un lado, la zona de paseo de la calle ofrece un área pequeña para la terraza. Por otro, el interior del espacio es estrecho y largo, con unos escasos 6 metros de fachada, pero con una altura considerable.

La primera tarea ha sido vaciar el local para repensar una nueva distribución. La barra de bar se encontraba inicialmente en un lateral junto a la entrada. En el nuevo proyecto, el bar no tiene una función de servicio directo al cliente, por lo que se traslada hasta el fondo de la sala y deja la zona de entrada despejada. En el área del fondo también se ubican las zonas de baño, preparación de bebidas y platos fríos, así como la cocina.

La disposición de las piezas se hace completamente abierta, y los baños se encierran en unos cubículos que permiten ver el final de la sala, coronada por un arco de marés y mampostería original.

Restaurante BOCOI Vicenç Mulet Plano Restaurante Bocoi
Plano, Restaurante BOCOI | Vicenç Mulet

Una vez realizada la distribución, el proyecto entra en la fase que definirá su identidad. La historia del puerto y el uso de estos almacenes han inspirado a Vicenç Mulet el deseo de recuperar el espacio, eliminando todos los elementos decorativos y todas las capas de mortero y pintura para volver a crear la atmósfera de austeridad. Para ello ha sido vital la colaboración del también arquitecto e ingeniero David Riera a la hora de recuperar el estado original del marés.

En los proyectos de Mulet siempre encontramos algunas referencias, materiales e historias locales de Mallorca, su isla natal. En este caso, el arquitecto reivindica la piedra marés, que ha conformado los grandes monumentos de la isla como la catedral de Palma, y había sido el material usado por muchas generaciones para la construcción de todos los edificios debido a su gran maleabilidad. Este material se encuentra en grandes cantidades en las canteras de la zona.

Otra inspiración especial para este proyecto tiene que ver con un vecino ilustre de la isla. El arquitecto danés Jørn Utzon, autor de la ópera de Sidney, se construyó una residencia en Mallorca que hoy es una referencia mundial, y lo hizo usando esta misma piedra marés.

Así pues, en este proyecto se ha eliminado el revestimiento de madera que cubrían paredes y techos para dejar a la vista la piedra de marés original, restaurando las perforaciones y regatas de trabajos anteriores. También se han quitado los revestimientos de las pilastras, dejando las originales a la vista. En el techo se ha desmonta el falso artesanado existente, dejando a la vista un forjado de vigas de madera.

Al acceder a la zona de mesas, se han creado dos ambientes distintos en cada lado. A la derecha, unos asientos de respaldo alto en tonos visón, como elemento de absorción acústica, se coronan con una galería de fotos antiguas de escenas marineras aportadas por el fotógrafo Mateu Bennàssar.

En el lado izquierdo, Mulet recurre de nuevo a la inspiración local y a sus referentes. Portocolom se caracteriza por delimitar con el puerto a través de embarcaderos, cuyas cancelas son parte de la identidad del lugar. Tienen un diseño simple y de una gran belleza, así que para solucionar la proporción del local y el soporte lumínico se ha optado por replicar estas cancelas.

Restaurante BOCOI Vicenç Mulet 18 © Mateu Bennàssar
Restaurante BOCOI | Vicenç Mulet © Mateu Bennàssar

En cuanto a la iluminación central, era necesario un elemento que tensionara el vacío enorme que se creaba debido a la altura del local. Para ello, Mulet recurrió a un árbol típico de la zona, la higuera, cuyas ramas desnudas en invierno parecen los brazos de una lámpara de araña en un gran salón e ideó un diseño que se integraba con el resto de elementos.

La ejecución de estas luminarias ha estado a cargo del artista local Varuzh. De origen armenio y residente en la isla, este artesano convierte troncos de árboles traídos por el mar en lámparas o esculturas.

Tras un mes de trabajo, se ha creado una lámpara cuyas puntas se orientan hacia el techo y de cuyas ramas cuelgan hilos eléctricos tejidos que terminan en bombillas, iluminando el centro del local. Además, en el techo de la terraza se ha instalado un jardín de ramas, del que cuelgan unas lámparas de porcelana hechas por una ceramista local. En el centro se unen en un plato que preside el espacio, como una piedra de crucería de una catedral.

Por último, la pieza estrella que preside el restaurante es una escultura de la artista Lin Utzon, a quien se ha dado el nombre de Dafne. Lin es hija del arquitecto Jørn Utzon y tiene una residencia también en Mallorca. En estos últimos años ha realizado unas enormes ánforas deformadas blancas sobre las que vierte una pintura negra que tensiona toda la pieza, en una serie conocida como Danza Cósmica. La exposición de estas piezas pudo verse en la Bienal de Arte de Venecia.

Restaurante BOCOI Vicenç Mulet 20 © Mateu Bennàssar
Restaurante BOCOI | Vicenç Mulet © Mateu Bennàssar

Mulet no quería recurrir a decoraciones predecibles con toneles y optó por algo mucho más conceptual, una pieza de arte que es un homenaje a los Bocois que se almacenaban. Esta pieza domina el espacio con elegancia y fuerza. El cuerpo blanco y sinuoso unido a las ramas de higuera del techo evocan la escultura de Bernini Apolo y Dafne, una escena en la que ella se convierte lentamente en árbol para proteger su belleza de los hombres.

Al acabar el día, las puertas del restaurante se cierran con la tradicional persiana mallorquina pintada en tonos verdes también típicos de la isla.

Bocoi es un restaurante que busca recuperar una manera de cocinar el producto mallorquín. Del mismo modo, Vicenç Mulet ha creado un proyecto plagado de referencias locales y guiños artísticos que quiere recuperar la esencia de una actividad que forma parte de la historia de los habitantes de Portocolom.

Restaurante BOCOI Vicenç Mulet 22 © Mateu Bennàssar
Restaurante BOCOI | Vicenç Mulet © Mateu Bennàssar

Obra: Restaurante Bocoi
Localización: Portocolom, Mallorca (España)
Autor: Vicenç Mulet
Cliente: Grupo Marport
Colaboradores: David Riera, arquitecto e ingeniero Marport / Diho contract
Año: Diciembre 2022 – Abril 2023
Plazo de ejecución (meses): 5 meses
Superficie de actuación (m2): 126m2
Empresa Constructora: Marport Construcciones
Empresa Contract: Diho contract
Electricidad e iluminación: World Ligth, Mallorca
Carpintería: Llodrà
Cerrajería: Metallividres
Artistas: Lin Utzon y Varuzh
Fotógrafo: Mateu Bennàssar
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