Como bien sabéis, se trata de un curso hecho por arquitectos para arquitectos, en los que Stepienybarno tratan temas que tienen que ver con la reputación digital, el marketing online o la comunicación.
Si ves que te interesa aumentar tu visibilidad en la red y, por lo tanto, tus posibilidades laborales, éste es tu curso.
Con ello, durante diez días (el 12 y el 23) del mes de diciembre de este 2016, se entrará en el maravilloso mundo de la Identidad Digital, en un formato cómodo y flexible. Se trata de la sexta edición y, por los comentarios de los alumnos de las ediciones precedentes, el curso es muy práctico y fácil de realizar.
“Horario relativamente flexible, aunque hace falta aproximadamente una disponibilidad de 3-4 horas al día por parte del alumno durante los nueve días del curso. Así, el tiempo óptimo mínimo de trabajo por parte de los estudiantes será de 30 horas lectivas.”
¿Te animas?
Y como nuestros amigos, Agnieszka y Lorenzo (Stepienybarno), os lo quieren poner fácil, se han animado, gentilmente, a darnos dos entradas gratuitas para el VI Curso on line de Identidad Digital para arquitectos que organizan.
Así que, si eres arquitecto y te interesa mejorar tu presencia en la red, este puede ser tu curso. Por lo tanto, entre todos aquellos que dejéis un comentario, al final de la entrada en la web o bien en la entrada de Facebook correspondiente, definiendo en una frase lo que se podría entender, en vuestra opinión, por Identidad Digital, sortearemos 2 plazas gratuitas.
El plazo para participar en el sorteo es desde el martes 15 al martes 29 de noviembre hasta las 00:00 horas.
¿Qué no habéis sido los elegidos? ¡No os preocupéis! ¡Por el mero hecho de participar con vuestros comentarios dispondréis de la opción de realizar el curso a precio de matrícula reducida!
Como bien sabéis, se trata de un curso hecho por arquitectos para arquitectos, en los que Stepienybarno tratan temas que tienen que ver con la reputación digital, el marketing online o la comunicación.
Si ves que te interesa aumentar tu visibilidad en la red y, por lo tanto, tus posibilidades laborales, éste es tu curso.
Con ello, durante diez días (el 12 y el 23) del mes de diciembre de este 2016, se entrará en el maravilloso mundo de la Identidad Digital, en un formato cómodo y flexible. Se trata de la sexta edición y, por los comentarios de los alumnos de las ediciones precedentes, el curso es muy práctico y fácil de realizar.
“Horario relativamente flexible, aunque hace falta aproximadamente una disponibilidad de 3-4 horas al día por parte del alumno durante los nueve días del curso. Así, el tiempo óptimo mínimo de trabajo por parte de los estudiantes será de 30 horas lectivas.”
¿Te animas?
Y como nuestros amigos, Agnieszka y Lorenzo (Stepienybarno), os lo quieren poner fácil, se han animado, gentilmente, a darnos dos entradas gratuitas para el VI Curso on line de Identidad Digital para arquitectos que organizan.
Así que, si eres arquitecto y te interesa mejorar tu presencia en la red, este puede ser tu curso. Por lo tanto, entre todos aquellos que dejéis un comentario, al final de la entrada en la web o bien en la entrada de Facebook correspondiente, definiendo en una frase lo que se podría entender, en vuestra opinión, por Identidad Digital, sortearemos 2 plazas gratuitas.
El plazo para participar en el sorteo es desde el martes 15 al martes 29 de noviembre hasta las 00:00 horas.
¿Qué no habéis sido los elegidos? ¡No os preocupéis! ¡Por el mero hecho de participar con vuestros comentarios dispondréis de la opción de realizar el curso a precio de matrícula reducida!
Como bien sabéis, se trata de un curso hecho por arquitectos para arquitectos, en los que Stepienybarno tratan temas que tienen que ver con la reputación digital, el marketing online o la comunicación.
Si ves que te interesa aumentar tu visibilidad en la red y, por lo tanto, tus posibilidades laborales, éste es tu curso.
Con ello, durante diez días (el 12 y el 23) del mes de diciembre de este 2016, se entrará en el maravilloso mundo de la Identidad Digital, en un formato cómodo y flexible. Se trata de la sexta edición y, por los comentarios de los alumnos de las ediciones precedentes, el curso es muy práctico y fácil de realizar.
“Horario relativamente flexible, aunque hace falta aproximadamente una disponibilidad de 3-4 horas al día por parte del alumno durante los nueve días del curso. Así, el tiempo óptimo mínimo de trabajo por parte de los estudiantes será de 30 horas lectivas.”
¿Te animas?
Y como nuestros amigos, Agnieszka y Lorenzo (Stepienybarno), os lo quieren poner fácil, se han animado, gentilmente, a darnos dos entradas gratuitas para el VI Curso on line de Identidad Digital para arquitectos que organizan.
Así que, si eres arquitecto y te interesa mejorar tu presencia en la red, este puede ser tu curso. Por lo tanto, entre todos aquellos que dejéis un comentario, al final de la entrada en la web o bien en la entrada de Facebook correspondiente, definiendo en una frase lo que se podría entender, en vuestra opinión, por Identidad Digital, sortearemos 2 plazas gratuitas.
El plazo para participar en el sorteo es desde el martes 15 al martes 29 de noviembre hasta las 00:00 horas.
¿Qué no habéis sido los elegidos? ¡No os preocupéis! ¡Por el mero hecho de participar con vuestros comentarios dispondréis de la opción de realizar el curso a precio de matrícula reducida!
Son ya muchos años los que se lleva poniendo encima de la mesa que los estudios de arquitectura funcionamos de aquella manera y nuestras bases empresariales son cuando menos dudosas.
A ello, hay que añadir que muchas oficinas están acostumbradas a malas prácticas laborales o directamente a infringir la ley o estar en el límite de la misma.
Sobre todo ello, parece que es necesario seguir pensando en voz alta, para ver si se van produciendo cambios.
1. Malas prácticas.
Cuando un arquitecto termina la carrera, desde siempre, se ha visto con relativos buenos ojos que se fuera a trabajar a un estudio (a poder ser con cierto nombre) y que por cuatro duros o nada, trabajase lo que tocase.
El tema de los falsos autónomos o estudiantes en prácticas haciendo labores de arquitectos, por desgracia, sigue estando a la orden del día.
En más de una universidad en la propia matricula se paga una cantidad por tener derecho a unas prácticas, que normalmente o no se hacen o se hacen en condiciones que nada tienen que ver con el espíritu de las mismas. Por suerte, en este terreno hay excepciones que están muy bien como las becas que se organizan desde Fundación Arquia.
Según las encuestas más de un 25% de los arquitectos han estado o están en condición irregular en los estudios de arquitectura; aunque, seguramente, este porcentaje se queda corto.
Para más inri, muchos de estos estudios son dirigidos desde el ordeno y mando y no hay ni siquiera un trato cercano y amable para la gente que, en muchos casos, desesperadamente acepta trabajar en estas condiciones.
Los gritos en estas oficinas son habituales y las jornadas interminables, con fines de semana incluidos.
A su vez, este tipo de arquitectos suelen estar en las escuelas de arquitectura con actitudes prepotentes que nada ayudan a la enseñanza de arquitectura. Sobre esta figura reflexionábamos hace poco en nuestro post, Profesores de arquitectura.
Nuevamente, trabajar sin descanso es algo totalmente asumido en nuestra profesión, tanto si trabajamos para nosotros, como para otros, cuando, a buen seguro, no es la mejor manera de ser productivo. Seguimos confundiendo meter muchas horas, con ser más eficientes.
Por otro lado, están otros estudios que se venden con un rollo “más zen” y aunque aparentemente el trato es mejor, la realidad, eso sí exenta de los gritos, es parecida. Miles de horas por nada y si quieres cobrar, pues te buscas una beca o lo que puedas.
Además, se engatusará al arquitecto joven con frases tipo: “vamos a muerte con el concurso y si sale algo podréis colaborar con nosotros en el proyecto”. La realidad será que, si suena la flauta y se gana el concurso, estarán (o no) esos colaboradores ejecutando lo que los jefes digan.
Con ello, se sigue perpetuando las jerarquías en los estudios de arquitectura.
2. Apostar por la excelencia.
Estas prácticas, conviven con otras menos criticables, pero también poco saludables, como el desconocimiento casi absoluto de nociones empresariales y de marketing.
¿Cómo queremos vender nuestros servicios si seguimos compitiendo por precio?
No estamos acostumbrados a partir de una estrategia empresarial, a hacer algo tan sencillo como un Canvas o saber cómo comunicar nuestro trabajo.
Y no, tener una web (generalmente flojita) no es comunicar nada; es solo sacar pecho. En cualquier caso, sobre cómo tener una buena web, hemos reflexionado no hace mucho en este post.
Así, a pesar de todo, lo más importante continúa siendo hacer las cosas bien y tener un buen producto o servicio que ofrecer. En estos tiempos en los que todo se puede maquillar, no es buen plan hacerlo, pues será pan para hoy hambre para mañana y esto es una carrera de fondo. Los fuegos de artificio, es mejor dejarlos de lado.
En este sentido comentaba en este mismo blog hace tiempo Alfonso Mollinedo,
“He cometido errores en los 19 años de mi profesión, pero creo que se debe ir más allá, y, cada día, replantear las decisiones tomadas. Se está siendo esclavo de la mirada al otro lado, para olvidar además que cerca hay más oportunidades, ya que creo que el negocio está en una arquitectura bien pensada, bien dirigida, trabajada e integrada, aunque sea poca. Es preferible no hacer o deshacer antes que mal hacer.”
Y en esto sí que los arquitectos somos muy fuertes. Sabemos dar más de lo que nos piden y tenemos la capacidad de ver mucho más allá de lo que es el proyecto de arquitectura en sí mismo. Tenemos muchas fortalezas que a veces se nos olvidan.
3. Pensar en Sinergias.
Por todo ello pensamos que, nos traería mucha más cuenta apostar por asociaciones entre arquitectos que pudieran dar lugar a potentes sinergias. Aprender de los animales sociales como las hormigas, siempre es un buen plan.
Aunque cada uno estemos en nuestra casa, la nueva era digital nos pone más sencillo colaborar.
Si nos imaginamos tres amigos arquitectos y uno de ellos es bueno captando clientes, otro se apaña bien con el CTE y otro es un crack dibujando en BIM, no tiene sentido que estén trabajando por separado. A buen seguro que, aunque no fuera una estructura rígida, cuando hubiera un encargo lo ideal sería que lo compartieran entre los tres y se focalizasen en lo que mejor sabe hacer cada uno de ellos.
Esto que parece obvio, no es tan habitual como sería deseable. Con ello, no se termina de aprovechar a tope herramientas gratuitas como Google drive, Evenote o gestores de proyectos como Asana.
Es importante buscar estructuras horizontales que funcionen en red, y que puedan estar deslocalizadas, pero sin perder eficiencia. En este sentido, seguramente, podemos aprender mucho de otras profesiones con más músculo en materia colaborativa.
El mundo va en una dirección y los arquitectos no podemos ir en otra. Aun así, nuestra profesión nunca ha sido la más unida y siempre ha habido un tufillo demasiado egoísta encima de la mesa.
Las estructuras del pasado sólo pueden ser útiles a muy poquitos. Por ello, conviene mirar hacia el futuro desde otra perspectiva. En este sentido, hace unos días Pacho Camino, nos contaba en el #ArquiSinergias que la empresa Fuctura nacía con la idea de agrupar profesionales que puedan compartir trabajos tanto a nivel nacional como internacional.
En fin… que con tantos años de crisis y tantas complicaciones, estaría bien ver que, como colectivo, vamos aprendiendo de nuestros errores.
Creemos que hay mucho margen de maniobra y que, poco a poco, iremos mejorando. Llamarnos ilusos si queréis; pero, como decía Bauman, aunque no hay razones objetivas que nos hagan pensar que va a ser así, nosotros nos empeñamos en creer que todo va a cambiar.
Stepienybarno_Agnieszka Stepien y Lorenzo Barnó, arquitectos
Estella, Mayo 2015
[:gl]
Son ya muchos años los que se lleva poniendo encima de la mesa que los estudios de arquitectura funcionamos de aquella manera y nuestras bases empresariales son cuando menos dudosas.
A ello, hay que añadir que muchas oficinas están acostumbradas a malas prácticas laborales o directamente a infringir la ley o estar en el límite de la misma.
Sobre todo ello, parece que es necesario seguir pensando en voz alta, para ver si se van produciendo cambios.
1. Malas prácticas.
Cuando un arquitecto termina la carrera, desde siempre, se ha visto con relativos buenos ojos que se fuera a trabajar a un estudio (a poder ser con cierto nombre) y que por cuatro duros o nada, trabajase lo que tocase.
El tema de los falsos autónomos o estudiantes en prácticas haciendo labores de arquitectos, por desgracia, sigue estando a la orden del día.
En más de una universidad en la propia matricula se paga una cantidad por tener derecho a unas prácticas, que normalmente o no se hacen o se hacen en condiciones que nada tienen que ver con el espíritu de las mismas. Por suerte, en este terreno hay excepciones que están muy bien como las becas que se organizan desde Fundación Arquia.
Según las encuestas más de un 25% de los arquitectos han estado o están en condición irregular en los estudios de arquitectura; aunque, seguramente, este porcentaje se queda corto.
Para más inri, muchos de estos estudios son dirigidos desde el ordeno y mando y no hay ni siquiera un trato cercano y amable para la gente que, en muchos casos, desesperadamente acepta trabajar en estas condiciones.
Los gritos en estas oficinas son habituales y las jornadas interminables, con fines de semana incluidos.
A su vez, este tipo de arquitectos suelen estar en las escuelas de arquitectura con actitudes prepotentes que nada ayudan a la enseñanza de arquitectura. Sobre esta figura reflexionábamos hace poco en nuestro post, Profesores de arquitectura.
Nuevamente, trabajar sin descanso es algo totalmente asumido en nuestra profesión, tanto si trabajamos para nosotros, como para otros, cuando, a buen seguro, no es la mejor manera de ser productivo. Seguimos confundiendo meter muchas horas, con ser más eficientes.
Por otro lado, están otros estudios que se venden con un rollo “más zen” y aunque aparentemente el trato es mejor, la realidad, eso sí exenta de los gritos, es parecida. Miles de horas por nada y si quieres cobrar, pues te buscas una beca o lo que puedas.
Además, se engatusará al arquitecto joven con frases tipo: “vamos a muerte con el concurso y si sale algo podréis colaborar con nosotros en el proyecto”. La realidad será que, si suena la flauta y se gana el concurso, estarán (o no) esos colaboradores ejecutando lo que los jefes digan.
Con ello, se sigue perpetuando las jerarquías en los estudios de arquitectura.
2. Apostar por la excelencia.
Estas prácticas, conviven con otras menos criticables, pero también poco saludables, como el desconocimiento casi absoluto de nociones empresariales y de marketing.
¿Cómo queremos vender nuestros servicios si seguimos compitiendo por precio?
No estamos acostumbrados a partir de una estrategia empresarial, a hacer algo tan sencillo como un Canvas o saber cómo comunicar nuestro trabajo.
Y no, tener una web (generalmente flojita) no es comunicar nada; es solo sacar pecho. En cualquier caso, sobre cómo tener una buena web, hemos reflexionado no hace mucho en este post.
Así, a pesar de todo, lo más importante continúa siendo hacer las cosas bien y tener un buen producto o servicio que ofrecer. En estos tiempos en los que todo se puede maquillar, no es buen plan hacerlo, pues será pan para hoy hambre para mañana y esto es una carrera de fondo. Los fuegos de artificio, es mejor dejarlos de lado.
En este sentido comentaba en este mismo blog hace tiempo Alfonso Mollinedo,
“He cometido errores en los 19 años de mi profesión, pero creo que se debe ir más allá, y, cada día, replantear las decisiones tomadas. Se está siendo esclavo de la mirada al otro lado, para olvidar además que cerca hay más oportunidades, ya que creo que el negocio está en una arquitectura bien pensada, bien dirigida, trabajada e integrada, aunque sea poca. Es preferible no hacer o deshacer antes que mal hacer.”
Y en esto sí que los arquitectos somos muy fuertes. Sabemos dar más de lo que nos piden y tenemos la capacidad de ver mucho más allá de lo que es el proyecto de arquitectura en sí mismo. Tenemos muchas fortalezas que a veces se nos olvidan.
3. Pensar en Sinergias.
Por todo ello pensamos que, nos traería mucha más cuenta apostar por asociaciones entre arquitectos que pudieran dar lugar a potentes sinergias. Aprender de los animales sociales como las hormigas, siempre es un buen plan.
Aunque cada uno estemos en nuestra casa, la nueva era digital nos pone más sencillo colaborar.
Si nos imaginamos tres amigos arquitectos y uno de ellos es bueno captando clientes, otro se apaña bien con el CTE y otro es un crack dibujando en BIM, no tiene sentido que estén trabajando por separado. A buen seguro que, aunque no fuera una estructura rígida, cuando hubiera un encargo lo ideal sería que lo compartieran entre los tres y se focalizasen en lo que mejor sabe hacer cada uno de ellos.
Esto que parece obvio, no es tan habitual como sería deseable. Con ello, no se termina de aprovechar a tope herramientas gratuitas como Google drive, Evenote o gestores de proyectos como Asana.
Es importante buscar estructuras horizontales que funcionen en red, y que puedan estar deslocalizadas, pero sin perder eficiencia. En este sentido, seguramente, podemos aprender mucho de otras profesiones con más músculo en materia colaborativa.
El mundo va en una dirección y los arquitectos no podemos ir en otra. Aun así, nuestra profesión nunca ha sido la más unida y siempre ha habido un tufillo demasiado egoísta encima de la mesa.
Las estructuras del pasado sólo pueden ser útiles a muy poquitos. Por ello, conviene mirar hacia el futuro desde otra perspectiva. En este sentido, hace unos días Pacho Camino, nos contaba en el #ArquiSinergias que la empresa Fuctura nacía con la idea de agrupar profesionales que puedan compartir trabajos tanto a nivel nacional como internacional.
En fin… que con tantos años de crisis y tantas complicaciones, estaría bien ver que, como colectivo, vamos aprendiendo de nuestros errores.
Creemos que hay mucho margen de maniobra y que, poco a poco, iremos mejorando. Llamarnos ilusos si queréis; pero, como decía Bauman, aunque no hay razones objetivas que nos hagan pensar que va a ser así, nosotros nos empeñamos en creer que todo va a cambiar.
Stepienybarno_Agnieszka Stepien y Lorenzo Barnó, arquitectos
Estella, Mayo 2015
[:en]
Son ya muchos años los que se lleva poniendo encima de la mesa que los estudios de arquitectura funcionamos de aquella manera y nuestras bases empresariales son cuando menos dudosas.
A ello, hay que añadir que muchas oficinas están acostumbradas a malas prácticas laborales o directamente a infringir la ley o estar en el límite de la misma.
Sobre todo ello, parece que es necesario seguir pensando en voz alta, para ver si se van produciendo cambios.
1. Malas prácticas.
Cuando un arquitecto termina la carrera, desde siempre, se ha visto con relativos buenos ojos que se fuera a trabajar a un estudio (a poder ser con cierto nombre) y que por cuatro duros o nada, trabajase lo que tocase.
El tema de los falsos autónomos o estudiantes en prácticas haciendo labores de arquitectos, por desgracia, sigue estando a la orden del día.
En más de una universidad en la propia matricula se paga una cantidad por tener derecho a unas prácticas, que normalmente o no se hacen o se hacen en condiciones que nada tienen que ver con el espíritu de las mismas. Por suerte, en este terreno hay excepciones que están muy bien como las becas que se organizan desde Fundación Arquia.
Según las encuestas más de un 25% de los arquitectos han estado o están en condición irregular en los estudios de arquitectura; aunque, seguramente, este porcentaje se queda corto.
Para más inri, muchos de estos estudios son dirigidos desde el ordeno y mando y no hay ni siquiera un trato cercano y amable para la gente que, en muchos casos, desesperadamente acepta trabajar en estas condiciones.
Los gritos en estas oficinas son habituales y las jornadas interminables, con fines de semana incluidos.
A su vez, este tipo de arquitectos suelen estar en las escuelas de arquitectura con actitudes prepotentes que nada ayudan a la enseñanza de arquitectura. Sobre esta figura reflexionábamos hace poco en nuestro post, Profesores de arquitectura.
Nuevamente, trabajar sin descanso es algo totalmente asumido en nuestra profesión, tanto si trabajamos para nosotros, como para otros, cuando, a buen seguro, no es la mejor manera de ser productivo. Seguimos confundiendo meter muchas horas, con ser más eficientes.
Por otro lado, están otros estudios que se venden con un rollo “más zen” y aunque aparentemente el trato es mejor, la realidad, eso sí exenta de los gritos, es parecida. Miles de horas por nada y si quieres cobrar, pues te buscas una beca o lo que puedas.
Además, se engatusará al arquitecto joven con frases tipo: “vamos a muerte con el concurso y si sale algo podréis colaborar con nosotros en el proyecto”. La realidad será que, si suena la flauta y se gana el concurso, estarán (o no) esos colaboradores ejecutando lo que los jefes digan.
Con ello, se sigue perpetuando las jerarquías en los estudios de arquitectura.
2. Apostar por la excelencia.
Estas prácticas, conviven con otras menos criticables, pero también poco saludables, como el desconocimiento casi absoluto de nociones empresariales y de marketing.
¿Cómo queremos vender nuestros servicios si seguimos compitiendo por precio?
No estamos acostumbrados a partir de una estrategia empresarial, a hacer algo tan sencillo como un Canvas o saber cómo comunicar nuestro trabajo.
Y no, tener una web (generalmente flojita) no es comunicar nada; es solo sacar pecho. En cualquier caso, sobre cómo tener una buena web, hemos reflexionado no hace mucho en este post.
Así, a pesar de todo, lo más importante continúa siendo hacer las cosas bien y tener un buen producto o servicio que ofrecer. En estos tiempos en los que todo se puede maquillar, no es buen plan hacerlo, pues será pan para hoy hambre para mañana y esto es una carrera de fondo. Los fuegos de artificio, es mejor dejarlos de lado.
En este sentido comentaba en este mismo blog hace tiempo Alfonso Mollinedo,
“He cometido errores en los 19 años de mi profesión, pero creo que se debe ir más allá, y, cada día, replantear las decisiones tomadas. Se está siendo esclavo de la mirada al otro lado, para olvidar además que cerca hay más oportunidades, ya que creo que el negocio está en una arquitectura bien pensada, bien dirigida, trabajada e integrada, aunque sea poca. Es preferible no hacer o deshacer antes que mal hacer.”
Y en esto sí que los arquitectos somos muy fuertes. Sabemos dar más de lo que nos piden y tenemos la capacidad de ver mucho más allá de lo que es el proyecto de arquitectura en sí mismo. Tenemos muchas fortalezas que a veces se nos olvidan.
3. Pensar en Sinergias.
Por todo ello pensamos que, nos traería mucha más cuenta apostar por asociaciones entre arquitectos que pudieran dar lugar a potentes sinergias. Aprender de los animales sociales como las hormigas, siempre es un buen plan.
Aunque cada uno estemos en nuestra casa, la nueva era digital nos pone más sencillo colaborar.
Si nos imaginamos tres amigos arquitectos y uno de ellos es bueno captando clientes, otro se apaña bien con el CTE y otro es un crack dibujando en BIM, no tiene sentido que estén trabajando por separado. A buen seguro que, aunque no fuera una estructura rígida, cuando hubiera un encargo lo ideal sería que lo compartieran entre los tres y se focalizasen en lo que mejor sabe hacer cada uno de ellos.
Esto que parece obvio, no es tan habitual como sería deseable. Con ello, no se termina de aprovechar a tope herramientas gratuitas como Google drive, Evenote o gestores de proyectos como Asana.
Es importante buscar estructuras horizontales que funcionen en red, y que puedan estar deslocalizadas, pero sin perder eficiencia. En este sentido, seguramente, podemos aprender mucho de otras profesiones con más músculo en materia colaborativa.
El mundo va en una dirección y los arquitectos no podemos ir en otra. Aun así, nuestra profesión nunca ha sido la más unida y siempre ha habido un tufillo demasiado egoísta encima de la mesa.
Las estructuras del pasado sólo pueden ser útiles a muy poquitos. Por ello, conviene mirar hacia el futuro desde otra perspectiva. En este sentido, hace unos días Pacho Camino, nos contaba en el #ArquiSinergias que la empresa Fuctura nacía con la idea de agrupar profesionales que puedan compartir trabajos tanto a nivel nacional como internacional.
En fin… que con tantos años de crisis y tantas complicaciones, estaría bien ver que, como colectivo, vamos aprendiendo de nuestros errores.
Creemos que hay mucho margen de maniobra y que, poco a poco, iremos mejorando. Llamarnos ilusos si queréis; pero, como decía Bauman, aunque no hay razones objetivas que nos hagan pensar que va a ser así, nosotros nos empeñamos en creer que todo va a cambiar.
Stepienybarno_Agnieszka Stepien y Lorenzo Barnó, arquitectos
Estella, Mayo 2015
[:es]Revitalización y rehabilitación de los espacios públicos de la Isla de Nantes (Nantes, Francia) | Alexandre Chemetoff et associés
Contexto del urbanismo lento
La construcción de la ciudad fue históricamente un proceso pausado y basado en el apilamiento de estratos. Sobre la ciudad romana surgía la medieval, la árabe o judía después y de forma cronológica todas las formas urbanas características de cada época.
A mediados del siglo XX, dio comienzo por contra un urbanismo expansivo, de crecimiento ilimitado. La aparición del vehículo utilitario transformó la escala de nuestras ciudades. La distancia ahora podía ser mayor porque el tiempo usado al moverse en coche era menor. Bajo estas nuevas libertades y la óptica del consumo la ciudad entendió que todo el territorio podía volverse urbano y alimentar de esta manera el crecimiento de la ciudad.
Es fácil comprender que frente a un modelo que había entendido durante siglos el crecimiento de la ciudad como un proceso de engrosamiento, de crecimiento del espesor, el modelo defendido los últimos cincuenta años ha consistido en el de una mancha de aceite en imparable expansión.
Sin lugar a dudas este fenómeno urbanístico, que se nos presenta como una espiral sin límite se encuentre en la base de la tan nombrada crisis, por lo que no es gratuito cuestionarse el modelo de crecimiento seguido por nuestras ciudades hasta el día de hoy.
En esta parte del mundo, es decir en una Europa con la población en decrecimiento parece como mínimo dudoso seguir la senda del boom inmobiliario, en la que las ciudades únicamente buscaban crecer y multiplicar su población.
El urbanismo estaba basado en el cambio legislativo de grandes áreas de territorio para legalizar en ellas mil, dos mil o tres mil viviendas que a menudo bajo el dibujo totalmente detallado de esa parte de la ciudad se construían en únicamente cinco años. Es sencillo identificar este tipo de operación con cualquiera de las grandes áreas en construcción de nuestras ciudades. Zorrozaurre en Bilbao, Auditz-Akular en Donostia, Salburua en Gasteiz o Sarriguren en Iruña son ejemplos de este tipo de crecimiento de la ciudad.
Tal vez un buen ejemplo de otro modelo de actuación es el desarrollado por el gobierno de la región de Nantes para el desarrollo de la llamada isla de Nantes.
Revitalización y rehabilitación de los espacios públicos de la Isla de Nantes (Nantes (Francia) | Alexandre Chemetoff et associés
La isla de Nantes es una isla fluvial creada por el río Loira a una distancia de la costa que posibilitaba la navegación de ese tramo de río. La llegada del ferrocarril hasta la ciudad francesa convirtió estos cinco kilómetros de territorio en un área ideal para la ubicación de un imponente desarrollo industrial ligado a las fundiciones de acero.
La perdida de navegabilidad del río unida a la extrema centralidad de esos territorios en la nueva ciudad de Nantes plantearon la necesidad de reintroducir en lo urbano ese espacio ahora en desuso.
Frente a un urbanismo que borrase la huella de la actividad anterior se prefirió reutilizar la antigua trama del desarrollo industrial y reciclar para la ciudad muchas de las antiguas fábricas.
Esta idea que podría entenderse como romántica ha obligado en cambio a un replanteamiento profundo de la gestión urbanística de este ámbito. Por un lado la necesidad de reciclar las antiguas estructuras para nuevos usos obligó a conocer al usuario interesado previamente y por lo tanto a construir para un objetivo concreto frente a construir para luego buscar un comprador.
Este cambio tan puntual conllevo la ralentización de los procedimientos urbanísticos y lo que en principio pudiera entenderse como un inconveniente se ha demostrado una ventaja. En un proceso que ha supuesto 22 años de pequeños avances, la adaptación del proyecto a nuevas necesidades, a nuevas contingencias, a nuevas iniciativas e incluso a problemas inesperados ha sido mucho mayor que cuando un plan de idénticas necesidades se dibuja y se proyecta en su totalidad desde el primer día.
Colegio de abogados en Nantes | Forma6
Cuando la administración francesa decidió ubicar una facultad de arquitectura en Nantes el solar propuesto por la municipalidad se encontraba en la isla. Se pudo buscar una solución idílica ya que el plan no constreñía un suelo concreto para tal uso. El edificio actual realizado por Lacaton y Vassal ha aportado una gran vida a uno de los ámbitos de la isla. Bares, cafeterías, tiendas y residencias de estudiantes han revitalizado el barrio generando un nuevo polo de actividad en la trama de la ciudad. Esta solución podría haberse impostado, obligado pero en la naturalidad de su encaje está parte de su acierto.
El mismo efecto produjo la incorporación en el desarrollo de este ámbito de los nuevos juzgados de la ciudad, un magnífico edificio construido por el premio Pritzker Jean Nouvel. La localización de los juzgados en la isla indujo la llegada de múltiples despachos de abogados al área, por lo que se rehabilitaron varios edificios industriales para ubicar estos nuevos equipamientos.
Una intervención destacada es precisamente la desarrollada por el colegio de abogados de Nantes que rehabilitó de forma extraordinaria una antiguo hangar para albergar en el la nueva sede colegial cercana a los juzgados. Un edificio que alberga además una guardería para favorecer la integración de la vida familiar y profesional de los juristas de la ciudad.
Viviendas para jóvenes en la Isla de Nantes | Barré – Lambot / Berranger – Vincent
Este urbanismo de cocina lenta, fraguado con el paso del tiempo y con actuaciones puntuales puede servir hoy como modelo de una nueva política en la que la mesura, la lógica el ingenio se premien frente a las leyes del mercado pre-crisis.
Íñigo García Odiaga. arquitecto
San Sebastián. Enero 2012
Aprovechando la charla debate que VAUMM coordinó en el congreso EQUICIUDAD, hemos elaborado este texto, para resumir de alguna manera nuestra postura.
Publicado en ZAZPIKA 01.01.2012
[:gl]Revitalización e rehabilitación dos espazos públicos da Illa de Nantes (Nantes, Francia) | Alexandre Chemetoff et associés
A construción da cidade foi históricamente un proceso pausado e baseado no apilamiento de estratos. Sobre a cidade romana xurdía a medieval, a árabe ou xudía despois e de forma cronolóxica todas as formas urbanas características de cada época.
A mediados do século XX, deu comezo por contra un urbanismo expansivo, de crecemento ilimitado. A aparición do vehículo utilitario transformou a escala das nosas cidades. A distancia agora podía ser maior porque o tempo usado ao moverse en coche era menor. Baixo estas novas liberdades e a óptica do consumo a cidade entendeu que todo o territorio podía volverse urbano e alimentar deste xeito o crecemento da cidade.
É fácil comprender que fronte a un modelo que entendera durante séculos o crecemento da cidade como un proceso de engrosamiento, de crecemento do espesor, o modelo defendido os últimos cincuenta anos consistiu no dunha mancha de aceite en imparable expansión.
Sen dúbida este fenómeno urbanístico, que se nos presenta como unha espiral sen límite atópese na base da tan nomeada crise, polo que non é gratuito cuestionarse o modelo de crecemento seguido polas nosas cidades ata o día de hoxe.
Nesta parte do mundo, é dicir nunha Europa coa poboación en decrecemento parece como mínimo dubidoso seguir a senda do boom inmobiliario, na que as cidades unicamente buscaban crecer e multiplicar a súa poboación.
O urbanismo estaba baseado no cambio lexislativo de grandes áreas de territorio para legalizar nelas mil, dous mil ou tres mil vivendas que a miúdo baixo o debuxo totalmente detallado desa parte da cidade construíanse en unicamente cinco anos. É sinxelo identificar este tipo de operacion con calquera das grandes áreas en construción das nosas cidades. Zorrozaurre en Bilbao, Auditz-Akular en Donostia, Salburua en Gasteiz ou Sarriguren en Iruña son exemplos deste tipo de crecemento da cidade.
Talvez un bo exemplo doutro modelo de actuación é o desenvolvido polo goberno da rexión de Nantes para o desenvolvemento da chamada illa de Nantes.
Revitalización e rehabilitación dos espazos públicos da Illa de Nantes (Nantes (Francia) | Alexandre Chemetoff et associés
A illa de Nantes é unha illa fluvial creada polo río Loira a unha distancia da costa que posibilitaba a navegación dese tramo de río. A chegada do ferrocarril ata a cidade francesa converteu estes cinco quilómetros de territorio nunha área ideal para a localización dun impoñente desenvolvemento industrial ligado ás fundiciones de aceiro.
A perdida de navegabilidad do río unida á extrema centralidade deses territorios na nova cidade de Nantes expuxeron a necesidade de reintroducir no urbano ese espazo agora en desuso.
Fronte a un urbanismo que borrase a pegada da actividade anterior preferiuse reutilizar a antiga trama do desenvolvemento industrial e reciclar para a cidade moitas das antigas fábricas.
Esta idea que podería entenderse como romántica obrigou en cambio a un replanteamiento profundo da xestión urbanística deste ámbito. Por unha banda a necesidade de reciclar as antigas estruturas para novos usos obrigou a coñecer ao usuario interesado previamente e por tanto a construír para un obxectivo concreto fronte a construír para logo buscar un comprador.
Este cambio tan puntual levo a retardación dos procedementos urbanísticos e o que en principio puidese entenderse como un inconveniente demostrouse unha vantaxe. Nun proceso que supuxo 22 anos de pequenos avances, a adaptación do proxecto a novas necesidades, a novas continxencias, a novas iniciativas e mesmo a problemas inesperados foi moito maior que cando un plan de idénticas necesidades debúxase e proxéctase na súa totalidade desde o primeiro día.
Colexio de avogados en Nantes | Forma6
Cando a administración francesa decidiu situar unha facultade de arquitectura en Nantes o solar proposto pola municipalidade atopábase na illa. Púidose buscar unha solución idílica xa que o plan non constrinxía un chan concreto para tal uso. O edificio actual realizado por Lacaton e Vassal achegou unha gran vida a un dos ámbitos da illa. Bares, cafeterías, tendas e residencias de estudantes revitalizaron o barrio xerando un novo polo de actividade na trama da cidade. Esta solución podería haberse impostado, obrigado pero na naturalidade do seu encaixe está parte do seu acerto.
O mesmo efecto produciu a incorporación no desenvolvemento deste ámbito dos novos xulgados da cidade, un magnífico edificio construído polo premio Pritzker Jean Nouvel. A localización dos xulgados na illa induciu a chegada de múltiples despachos de avogados á área, polo que se rehabilitaron varios edificios industriais para situar estes novos equipamentos.
Unha intervención destacada é precisamente a desenvolvida polo colexio de avogados de Nantes que rehabilitou de forma extraordinaria una antigo hangar para albergar no a nova sede colexial próxima aos xulgados. Un edificio que alberga ademais unha gardería para favorecer a integración da vida familiar e profesional dos xuristas da cidade.
Vivendas para xóvenesna Illa de Nantes | Barré – Lambot / Berranger – Vincent
Este urbanismo de cociña lenta, fraguado co paso do tempo e con actuacións puntuais pode servir hoxe como modelo dunha nova política na que a mesura, a lóxica o enxeño prémiense fronte ás leis do mercado pre-crise.
Íñigo García Odiaga. arquitecto
San Sebastián. Xaneiro 2012
Aproveitando a charla debate que VAUMM coordinó no congreso EQUICIUDAD, elaboramos este texto, para resumir dalgún xeito a nosa postura.
Publicado en ZAZPIKA 01.01.2012[:en]Revitalization and rehabilitation of the public spaces of the Nantes Island (Nantes, Francia) | Alexandre Chemetoff et associés
The construction of the city was historically a process slow and based on the apilamiento of strata. On the Roman city the medieval one was arising, Arabic or Jewish later and of chronological form all the urban forms typical of every epoch.
In the middle of the 20th century, it gave beginning for against an expansive urbanism, of unlimited growth. The appearance of the utilitarian vehicle transformed the scale of our cities. The distance now could be major because the time used on having moved in car was minor. Under these new freedoms and the optics of the consumption the city understood that the whole territory could become urban and to feed hereby the growth of the city.
It is easy to understand that opposite to a model who had understood for centuries the growth of the city as a process of engrosamiento, of growth of the thickness, the defended model last fifty years has consisted of that of a spot of oil of unstoppable expansion.
No doubt this urban development phenomenon, which us one presents as a spiral without limit is in the base of such a renowned crisis, for what it is not free questions the model of growth followed by our cities until today.
In this part of the world, that is to say in an Europe with the population in decrease it seems as doubtful minimum to follow the path of the real-estate boom, in which the cities only were seeking to grow and to multiply his population.
The urbanism was based on the legislative change of big areas of territory to legalize in them thousand, two thousand or three thousand housings that often under the drawing totally detailed of this part of the city were constructed in only five years. It is simple to identify this type of operation with any of the big areas in construction of our cities. Zorrozaurre in Bilbao, Auditz-Akular in Donostia, Salburua in Vitoria or Sarriguren in Iruña is examples of this type of growth of the city.
Maybe a good example of another model of action is the developed one for the government of the region of Nantes for the development of the so called island of Nantes.
Revitalization and rehabilitation of the public spaces of the Nantes Island (Nantes (France) | Alexandre Chemetoff et associés
The island of Nantes is a fluvial island created by the river Loire to a distance of the coast that was making possible the navigation of this section of river. The arrival of the railroad up to the French city turned these five kilometres of territory into an ideal area for the location of an impressive industrial development tied to the smeltings steels.
The loss of navigability of the river joined the extreme centralidad of these territories in the new city of Nantes they raised the need to re-introduce in urban this space now in disuse.
Opposite to an urbanism that was erasing the fingerprint of the previous activity prefirió to re-use the former plot of the industrial development and to recycle for the city many of the former factories.
This idea that might be understood since romantic has forced on the other hand to a deep rethinking of the urban development management of this area. On the one hand the need to recycle the former structures for new uses the user forced to know interested before and therefore to constructing for a concrete aim opposite to constructing then a buyer to search.
This so punctual change I carry the slowing down of the urban development procedures and what at first could be understood as a disadvantage has demonstrated an advantage. In a process that he has supposed 22 years of small advances, the adjustment of the project to new needs, to new contingencies, to new initiatives and even than unexpected problems it has been very much bigger that when a plan of identical needs shows itself and is projected in its entirety from the first day.
Bar association in Nantes | Forma6
When the French administration decided to locate a faculty of architecture in Nantes the lot proposed by the municipality he was in the island. It was possible to look for an idyllic solution since the plan was not restricting a concrete soil for such a use. The current building realized by Lacaton and Vassal has contributed a great life to one of the areas of the island. Bars, cafeterias, shops and students’ residences have revitalized the neighborhood generating a new pole of activity in the plot of the city. This solution might be been impostado, forced but in the naturalness of his lace it is departs from his success.
The same effect produced the incorporation in the development of this area of the new courts of the city, a magnificent building constructed by the prize Pritzker Jean Nouvel. The location of the courts in the island indujo the arrival of attorneys’ multiple offices to the area, for what several industrial buildings recovered to locate these new equipments.
An out-standing intervention is precisely the developed one for the bar association of Nantes that rehabilitated of extraordinary form one former hangar to shelter in the new collegiate headquarters near to the courts. A building that shelters in addition a day-care center to favor the integration of the familiar and professional life of the jurists of the city.
Housings for young women in the Nantes Island | Barré – Lambot / Berranger – Vincent
This urbanism of slow kitchen, plotted with the passage of time and with punctual actions can serve today as model of a new politics in which the moderation, the logic the ingenuity reward opposite to the laws of the market pre-crisis.
Íñigo García Odiaga. architect
San Sebastián. January 2012
Taking advantage of the chat he debates that VAUMM coordinated in the congress EQUICIUDAD, we have elaborated this text, to summarize somehow our position.
A lo largo y ancho de la vida profesional, todo arquitecto que se precie y incluso a los que se desprecian como a mí, se han topado con funcionarios o visadores que con nuestro afán de conseguir una licencia, se convierten en presuntos benefactores de la ley y en malechores de la profesión. Pero supongo que debajo de todo eso, antes eran personas normales, con sus problemas y demás.
Estoy convencido que de entre todas esas normativas ilegibles y en el conocimiento de los absurdos trámites que nos hacen cumplir, se encuentra el camino más rápido al lado oscuro para convertirse en un verdadero Sith.
Lexcursó, arquitecto e ilustrador.
Barcelona, mayo 2012[:gl]
Ao longo e ancho da vida profesional, todo arquitecto que se prezar e mesmo aos que se desprezan como a min, topáronse con funcionarios ou visadores que co noso afán de conseguir unha licenza, convértense en presuntos benefactores da lei e en malechores da profesión. Pero supoño que debaixo de todo iso, antes eran persoas normais, cos seus problemas e demais.
Estou convencido que de entre todas esas normativas ilegibles e no coñecemento dos absurdos trámites que nos fan cumprir, atópase o camiño máis rápido á beira escuro para converterse nun verdadeiro Sith.
Lexcursó, arquitecto e ilustrador.
Barcelona, maio 2012[:en]
Lengthways and width of the professional life, every architect who boasts and even those who are despised like to me, they have run up with civil servants or visadores that with our zeal to obtain a license, turn into supposed benefactors of the law and in malechores of the profession. But I suppose that under all that, before they were normal persons, with his problems and others.
I am sure that of between all these illegible regulations and in the knowledge of the absurd steps that make us fulfill, is the most rapid way to the dark side to turn into a real Sith.
Lexcursó, architect and ilustrator.
Barcelona, may 2012[:]
La intervención se sitúa en la planta baja de un conjunto residencial ubicado en el barrio de Les Corts (Barcelona, España). Un lugar donde la totalidad de la superficie disponible fue edificada y como consecuencia aparecieron un conjunto de numerosos patios con el fin de garantizar unas condiciones higiénicas mínimas.
Fue la intención de ganar a toda costa unos pocos metros más en planta baja, lo que convirtió estos espacios en superficies cubiertas autoconstruidas. Así, poco a poco llegaría la insalubridad. Más tarde el abandono.
Se pensó en la oportunidad de reapropiarse de esta a menudo olvidada situación residual aprovechando la necesidad de tener que implantar un flexible programa de vivienda de 35m². Un entarimado sanitario con unos trasdosados verticales de bloque de hormigón crean una cámara de aire con ventilación cruzada. Una fronteriza caja de madera alberga todo un programa húmedo que converge hacia el exterior. Una translucida caja de policarbonato recupera el sentido original del patio.
Obra: Casa Caballero. Casa entre un patio de luces
Autores: agora arquitectura (Joan Casals Pañella – Jose Luis Cisneros)
Ubicación: Les Corts, Barcelona, España
Superficie: 35m2
Año: julio 2015
Uso destinado: vivienda | local de alquiler
PEC: 550€/m2
Fotografías: Joan Guillamat | Joan Casals
+ agoraarquitectura.com
[:gl]
A intervención sitúase na planta baixa dun conxunto residencial situado no barrio de Lles Corts (Barcelona, España). Un lugar onde a totalidade da superficie dispoñible foi edificada e como consecuencia apareceron un conxunto de numerosos patios co fin de garantir unhas condicións hixiénicas mínimas.
Foi a intención de gañar custe o que custe uns poucos metros máis en planta baixa, o que converteu estes espazos en superficies cubertas autoconstruidas. Así, aos poucos chegaría a insalubridad. Máis tarde o abandono.
Pensouse na oportunidade de reapropiarse desta a miúdo esquecida situación residual aproveitando a necesidade de ter que implantar un flexible programa de vivenda de 35m². Un entarimado sanitario cuns trasdosados verticais de bloque de formigón crean unha cámara de aire con ventilación cruzada. Unha fronteiriza caixa de madeira alberga todo un programa húmido que converxe cara ao exterior. Unha translucida caixa de policarbonato recupera o sentido orixinal do patio.
Obra: Casa Caballero. Casa entre un patio de luces
Autores: agora arquitectura (Joan Casals Pañella – Jose Luis Cisneros)
Emprazamento: Les Corts, Barcelona, España
Superficie: 35m2
Ano: xullo 2015
Uso destinado: vivenda | local de alquiler
PEC: 550€/m2
Fotografías: Joan Guillamat | Joan Casals
+ agoraarquitectura.com
[:en]
The intervention is located on the ground floor of a residential complex located in the district of Les Corts (Barcelona, España). A place where all the available surface was built and as a result numerous courtyards were settled in order to ensure minimum hygienic conditions.
The intention to win anyway a few meters on the ground floor was the reason that turned these areas into self-constructed covered surfaces. So gradually it reaches insalubrious. Later the abandonment.
Leveraging having to implement a flexible housing program 35m², re-appropriation was thought as an opportunity in this often forgotten residual situation. A sanitary wooden flooring with a vertical concrete block wall linings create an air chamber with cross ventilation. A border wooden box houses all wet program that converges outwards. A translucent polycarbonate enclosure regains the original meaning of the patio.
Work: Caballero House. House between a court of lights
Authors: agora arquitectura (Joan Casals Pañella – Jose Luis Cisneros)
Location: Les Corts, Barcelona, Spain
Area: 35m2
Year: july 2015
Destined use: housing | place of rent
PEC: 550€/m2
Photographies: Joan Guillamat | Joan Casals
+ agoraarquitectura.com
La entrada en vigor de la Ley Omnibus en 2009 trajo aparejada la “Prohibición de recomendaciones sobre honorarios” a los Colegios Profesionales y sus organizaciones colegiales. En algunos supuestos, la liberación ha tenido como consecuencia una importante minoración de las remuneraciones de una profesión en el que ya no salen las cuentas.
Desde esta perspectiva, diferentes organizaciones profesionales han optado por profundizar en los “sistemas de información de costos” como una posible base para establecer una relación de transparencia entre los profesionales y clientes.
¿Y esto qué significa? Pues ni más ni menos que saber “qué cuesta” la labor que realizan los arquitectos y así ejercer una libre y sana competencia, sin que se pierda calidad ni seguridad de uso. Al tabular y ordenar la información se podrá aquilatar y optimizar los costes de producción.
Bajo estas nuevas premisas, ASEMAS comprometida con los Arquitectos, presentó a principios de año una útil herramienta para ayudar a los profesionales a determinar los costes que derivan de su actividad profesional y, por tanto, a ejercer en mejores condiciones. En la confección de la herramienta ha participado una empresa líder en desarrollo del software para la edificación, así como arquitectos de acreditada experiencia en el desarrollo de costes estimados de edificación.
La aplicación denominada ArquiCOSTES, recoge las variables de la edificación en desarrollo y los datos del propio estudio, que debe estimar el tiempo de dedicación del equipo técnico en todas las misiones que se pueden asumir.
Dada la diversidad de tipos de estudios profesionales, la herramienta precisa una calibración, y por ello desde la compañía invitan a enviar los resultados con el fin de mejorarla paulatinamente. En paralelo a esta iniciativa, y con el fin de recabar más información mediante un muestreo mayor, se pone a disposición una aplicación simplificada.
Mediante esta aplicación simplificada cualquier usuario, ya sea profesional o incluso promotor, podrá estimar la carga de trabajo que conlleva el proyecto a desarrollar gracias a la nueva herramienta de ArquiCOSTES desarrollada por ASEMAS. De esta manera, el usuario dispondrá de información de cómo se desarrollará el encargo profesional y del coste que ello pueda implicar, de forma que cualquier decisión que deba adoptar al respecto parta de una información lo más completa y objetiva posible.
[:gl]
A entrada en vigor da Lei Omnibus en 2009Lei Omnibus en 2009 trouxo aparejada a “Prohibición de recomendaciones sobre honorarios” aos Colexios Profesionais e as súas organizacións colegiales. Nalgúns supostos, a liberación ha ter como consecuencia unha importante minoración das remuneraciones dunha profesión no que xa non saen as contas.
Desde esta perspectiva, diferentes organizacións profesionais optaron por profundar nos “sistemas de información de costos” como unha posible base para establecer unha relación de transparencia entre os profesionais e clientes.
E isto que significa? Pois nin máis nin menos que saber “que custa” o labor que realizan os arquitectos e así exercer unha libre e sa competencia, sen que se perda calidade nin seguridade de uso. Ao tabular e ordenar a información poderase aquilatar e optimizar os custos de produción
Baixo estas novas premisas, ASEMASS comprometida cos Arquitectos, presentou no principio do ano unha útil ferramenta para axudar aos profesionais a determinar os custos que derivan da súa actividade profesional e, xa que logo, a exercer en mellores condicións. Na confección da ferramenta participou unha empresa líder en desenvolvemento do software para a edificación, así como arquitectos de acreditada experiencia no desenvolvemento de custos estimados de edificación.
A aplicación denominada ArquiCOSTES, recolle as variables da edificación en desenvolvemento e os datos do propio estudo, que debe estimar o tempo de dedicación do equipo técnico en todas as misións que se poden asumir.
Dada a diversidad de tipos de estudos profesionais, a ferramenta precisa unha calibración, e por iso desde a compañía invitan a enviar os resultados co fin de mellorala paulatinamente. En paralelo a esta iniciativa, e co fin de solicitar máis información mediante un muestreo maior, ponse a disposición unha aplicación simplificada.
Mediante esta aplicación simplificada calquera usuario, xa sexa profesional ou ata promotor, poderá estimar a carga de traballo que conlleva o proxecto a desenvolver grazas á nova ferramenta de ArquiCOSTES desenvolvida por ASEMAS. Deste xeito, o usuario dispoñerá de información de como se desenvolverá o encargo profesional e do custo que iso poida implicar, de forma que calquera decisión que deba adoptar respecto diso parta dunha información o máis completa e obxectiva posible.
[:en]
The entry into force of the Omnibus Law in 2009 brought prepared the “Prohibition of recommendations on fees” to the Professional Colleges and his collegiate organizations. In some suppositions, the liberation has taken as a consequence an important minoration of the remunerations of a profession in that already the accounts do not go out.
From this perspective, different professional organizations have chosen to penetrate into the » information systems of costs » as a possible base to establish a relation of transparency between the professionals and clients.
And this what does it mean? So not more not less that to be able “what slope” the labor that the architects realize and this way exercise a free and healthy competition, without neither quality nor safety of use gets lost. On having tabulated and to arrange the information it will be possible assay and to optimize the costs of production.
Under these new premises, ASEMAS compromised with the Architects, presented at the beginning of year a useful tool to help the professionals to determine the costs that derive from his professional activity and, therefore, to practising in better conditions. In the confection of the tool a leading company has taken part in development of the software for the building, as well as architects of accredited experience in the development of costs estimated of building.
The application named ArquiCOSTES, he gathers the variables of the building in development and the information of the own study, which must think the time of dedication of the technical equipment in all the missions that they can be assumed.
Given the diversity of types of professional studies, the tool needs a calibration, and for it from the company they invite to send the results in order to improve her gradually. In parallel to this initiative, and in order to obtain more information by means of a major sampling, it puts to disposition on a simplified application.
By means of this simplified application any user, already is a professional or enclosed promoter, it will be able to estimate the load of work that carries the project to developing thanks to ArquiCOSTES‘s new tool developed by ASEMAS. Hereby, the user will have information of how the professional order will develop and of the cost that it could imply, so that any decision that it should adopt in the matter departs from the most complete and objective possible information.
Vista del patio interior del Florey Building, con el escenario central elevado.
En el momento de proyectar el edificio Florey para el Queens College (St.Clements, Oxford, 1968-71), James Stirling ya había visto terminados dos de sus mejores obras: la Escuela de Ingeniería de la Universidad de Leicester (1959-63) y la biblioteca de la Facultad de Historia para la Universidad de Cambridge (1964-67). Los tres proyectos constituyen su ya mítica “Trilogía Roja”, nombre que los identifica como una serie de edificios construidos con ese color en apenas una década.
Una estructura de hormigón de gran escala muy visible eleva y separa el cuerpo de apartamentos estudiantiles del nivel de calle. Una dura piel rojiza (de plaqueta cerámica y no de ladrillo, como habitualmente se piensa) lo defiende y aísla del anodino exterior circundante, procurando una paz en el patio interior que no dista mucho de la de un claustro de los clásicos colleges universitarios de la ciudad. Y unas amplias superficies acristaladas, de cualidades volumétricas, evocan lejanamente con su transparencia y el despiece vertical de sus carpinterías al gótico perpendicular inglés, pero en clave y costumbres contemporáneas1.
Evidentemente, esta descripción simplificada reduciría notablemente la profundidad de su planteamiento arquitectónico, pues supera con mucho a su mera (e interesantísima) materialidad. Sin entrar en su magistral composición en términos formales y geométricos2, no cabe duda de que el maestro escocés quiso concluir esa trilogía con una pieza de marcado carácter simbólico, reforzado por un carácter introspectivo que le viene muy bien al proyecto en su localización a la orilla del río Cherwell.
El edificio es extraño, más aún entonces que ahora. Se retuerce sobre sí mismo, y no se conforma con achaflanar las esquinas como en Leicester o Cambridge sino que aquí todo él es una concatenación de chaflanes enormes. Sugiere casi una traza ochavada incompleta, al que le faltan solo 3 de los 8 lados debido a un recorte drástico ante la presencia inminente del riachuelo que delimita el lado norte del solar. Así resuelto, a nivel tipológico responde más a un teatro griego que a ningún otro: su forma radial orienta el graderío (léase dormitorios) hacia el paisaje abierto de los meadows que circundan la zona oriental de Oxford, y sitúa su orchestra en el centro del espacio cóncavo donde se desarrollará la actividad humana, aunque en esta obra es realmente escasa3.
Axonometría del proyecto y vista del patio desde uno de los apartamentos dúplex del edificio Florey, con la veleta en su centro.
El espacio del patio es rodeado por un muro ciego de ladrillo que anula las vistas desde la calle. De hecho, el nivel del patio está elevado respecto al pasillo periférico que discurre bajo el volumen de los dormitorios, limitando aún más la fluidez interna del recinto central. En el lado abierto del río el patio se eleva aún más con 9 peldaños configurando un “escenario” central al que se dirigen todas las miradas desde cada ventana del edificio. Y, simultáneamente, permite esconder debajo y disimuladamente el volumen del comedor y su cocina en un nivel intermedio entre el del patio y el del paseo fluvial.
La ausencia de vida colectiva en el patio se compensa con la extraña actividad de un elemento vertical de cierto carácter antropomórfico, que ocupa el vértice más adelantado del escenario elevado, un desconcertante objet trouvé. Su presencia es tan notable que incluso curva el peldañeado, convirtiéndolo en un pivote visual que concentra toda la atención. Siguiendo la metáfora dramática se podría decir que es una actriz en acción, pues, aunque incapaz de mover sus pies, no cesa de agitar sus brazos: se trata de una veleta, movida por acción directa del viento en el lugar o por la evacuación de humos que contiene en su mástil central (proveniente del techo de la cocina sobre la que se asienta). Sostiene un gran disco de intenso color verde, con lo que quizá pueda ser interpretado como una suerte de “árbol mecánico”, único resquicio permitido por el arquitecto a la naturaleza4 en esta última obra de su serie roja. Su irónica presencia no es, pese a todo, excepcional pues ya en Leicester Stirling jugó con una pareja de chimeneas para enfatizar sus vínculos con la ingeniería, y en Cambridge abatió el artefacto para convertir a la góndola de limpieza del vidrio en una escultura constructivista en voladizo desafiando a la gravedad. Naturaleza y artificio, una dialéctica no superada desde la Modernidad…
Rodrigo Almonacid [r-arquitectura] · doctor arquitecto
valladolid. noviembre 2016
Notas:
1. Brown también alude al aspecto “gótico” de la Escuela de Ingenieros de Leicester al analizar esa primera pieza de la “Trilogía Roja” de Stirling (revista Forum, abril de 1972).
2. Rykwert llega a decir al respecto que “aunque sea aparentemente su edificio más simple, es, por el contrario, el de composición más concienzuda” (revista Domus, noviembre de 1972).
3. Francesco dal Co criticó precisamente que en este edificio de Striling la vida comunitaria fuera reducida a su mínima expresión, y, por tanto, mostraba una cierta incoherencia entre la innovación en el planteamiento formal y el “paso atrás” en términos de uso colectivo del espacio.
4. En los últimos años el pavimento cerámico rojo del patio ha sido sustituido por césped, perdiendo esa idea de artificialidad que tenía en su origen el patio, quizá por problemas constructivos (siempre ha sido esta obra objeto de numerosas quejas de buena praxis constructiva y de funcionamiento) o, más probablemente aún, por su falta de uso.
[Imágenes tomadas de la monografía: ARNELL, P. y BICKFORD, T. (eds.): James Stirling. Obras y proyectos. Barcelona: Ed. Gustavo Gili, 1985.]
[:es]Corpus Barga en Lima | Archivo Beatriz Suárez
Buscando una noticia en la prensa, he encontrado en El Soluna crónicaescrita por su corresponsal en París, Corpus Barga, en enero de 1925, publicada en la sección «Teatros» y titulada «La decoración cinematográfica».
No esperaba que este notable escritor, hoy desgraciadamente un tanto olvidado, fuese a aportar algo nuevo a los debates sobre la escenografía, pero me equivoqué y creo que vale la pena reproducir su texto íntegramente:
«PARÍS Y ENERO. (De nuestro redactor-corresponsal.)—
En un zarzuelón que se ha estrenado en la Opera, de París: «La tour de feu», drama lírico en tres actos, del Sr. Sylvio Lazzard [sic], trajes y decoraciones según los bocetos del Sr. Máxime Dethomas, ejecutadas las decoraciones por el Sr. G. Mouveau, ha habido una curiosa novedad. «La tour de feu», la torre de fuego, es, claro está, un faro. Es un faro de Bretaña que el torrero incendia en el último acto, en una noche tempestuosa.
No pregunten ustedes por qué. La cosa no puede ser más natural. La novedad de la obra no está en la decisión que se ve obligado a tomar el torrero después de ver a su esposa tirarse de cabeza a las olas, decidida a seguir en el otro mundo al caballero portugués don Jacinto, naufragado cuando venía a raptarla. La innovación no está en las decisiones dramáticas ni en las tribulaciones líricas de los personajes. Tampoco está en las decoraciones teatrales del conocido pintor señor Dethomas. La innovación está en la decoración cinematográfica de la tempestad del último acto.
En medio de la escena se levanta el faro, partido de abajo arriba, medio faro, de modo que se halla a la vista por dentro y por fuera A los dos lados del faro dos cinematógrafos proyectan películas de tempestad. Las nubes pasan por encima del faro, las olas azotan en la base, una luz al fondo se ahoga en la niebla. La primera ilusión está lograda. Se ve el interior abrigado del faro, la lumbre, los muebles de verdad, en medio de una verdadera tempestad nocturna.
Se ha encontrado realmente un punto de vista irreal. Sólo el drama de los personajes resulta falso. No interesa, se prolonga, y la atención prolongada sobre la decoración mixta, acaba por despegar el bulto practicable, el faro, de la pantalla cinematográfica. Si se mira a la pantalla, el faro de madera y papel rompe el encanto: es de una realidad grosera. Si se mira al faro, rompe el encanto la realidad cinematográfica de las nubes y las olas.
Teatro y cinematógrafo son dos irrealidades, inconfundibles la una con la otra. Pero ¿toda irrealidad no es lo contrario de toda realidad, no es pura y sin mezcla?».
Antes de continuar creo que es necesario dar unos cuantos datos, La tour de feu es un drama lírico de tres actos, con música y texto de Sylvio Lazzari, estrenado en 1925. Tres años después de que lo viese Corpus Barga, se montó en la Ópera de París con decorados del arquitecto Pierre Chareau. El pintor y escenógrafo Maxime Dethomas fue director artístico de la Ópera de París entre 1915 y 1929, conocía a Toulouse-Lautrec, que lo retrató de espaldas viendo un espectáculo, y además fue muy amigo y luego cuñado de Ignacio Zuloaga.
Al final añado una fotografías de la maqueta de trabajo que hizo Dethomas para La tour de feu, que está en el Bibliothèque nationale de France, departamento Bibliothèque-musée de l’opéra, fotografía que, junto con otras once desde distintos puntos de vista, está en la imprescindible Gallica.
En cuanto a lo más importante, a la crónica, además de dejar constancia de la inclusión de imágenes cinematográficas en el teatro, algo que ya se había realizado en varias ocasiones como recurso escenográfico, es interesante la imagen del faro seccionado en medio de su tempestuoso entorno, sin embargo, Corpus Barga tiene mucha razón en lo que escribe respecto a la difícil interacción entre el decorado real -aunque «de madera y papel» según él- y las imágenes en movimiento de la tormenta, y es notable su último párrafo:
«¿toda irrealidad no es lo contrario de toda realidad, no es pura y sin mezcla?».
Maqueta de trabajo de Dethomas para La tour de feu.
Jorge Gorostiza, Doctor arquitecto.
Santa Cruz de Tenerife, agosto 2016 Autor del blog Arquitectura+Cine+Ciudad[:gl]Corpus Barga en Lima | Arquivo Beatriz Suárez
Buscando unha noticia na prensa, atopei en O Sol unha crónica escrita polo seu correspondente en París, Corpus Barga, en xaneiro de 1925, publicada na sección «Teatros» e titulada «A decoración cinematográfica».
Non esperaba que este notable escritor, hoxe desgraciadamente un tanto esquecido, fose achegar algo novo aos debates sobre a escenografía, pero equivoqueime e creo que vale a pena reproducir o seu texto integramente:
No esperaba que este notable escritor, hoy desgraciadamente un tanto olvidado, fuese a aportar algo nuevo a los debates sobre la escenografía, pero me equivoqué y creo que vale la pena reproducir su texto íntegramente:
«PARÍS E XANEIRO. (Do noso redactor-correspondente.)—
Nun zarzuelón que se estreou en Opéraa, de París: «A tour de feu», drama lírico en tres actos, do Sr. Sylvio Lazzard [sic], traxes e decoracións segundo os bosquexos do Sr. Máxime Dethomas, executadas as decoracións polo Sr. G. Mouveau, houbo unha curiosa novidade. «A tour de feu», a torre de lume, é, está claro, un faro. É un faro de Bretaña que o torrero incendia no último acto, nunha noite tempestuosa.
Non pregunten vostedes por que. A cousa non pode ser máis natural. A novidade da obra non está na decisión que se ve obrigado a tomar o torrero despois de ver á súa esposa tirarse de cabeza ás ondas, decidida a seguir no outro mundo ao cabaleiro portugués don Jacinto, naufragado cando viña raptala. A innovación non está nas decisións dramáticas nin nas tribulacións líricas dos personaxes. Tampouco está nas decoracións teatrais do coñecido pintor señor Dethomas. A innovación está na decoración cinematográfica da tempestade do último acto.
No medio da escena levántase o faro, partido de abaixo arriba, medio faro, de modo que se acha á vista por dentro e por fóra Aos dous lados do faro dous cinematógrafos proxectan películas de tempestade. As nubes pasan por encima do faro, as ondas azoutan na base, unha luz ao fondo afógase na néboa. A primeira ilusión está lograda. Vese o interior abrigado do faro, o lume, os mobles de verdade, no medio dunha verdadeira tempestade nocturna.
Atopouse realmente un punto de vista irreal. Só o drama dos personaxes resulta falso. Non interesa, prolóngase, e a atención prolongada sobre a decoración mixta, acaba por despegar o vulto practicable, o faro, da pantalla cinematográfica. Se se mira á pantalla, o faro de madeira e papel rompe o encanto: é dunha realidade groseira. Se se mira ao faro, rompe o encanto a realidade cinematográfica das nubes e as ondas.
Teatro e cinematógrafo son dous irrealidades, inconfundibles únaa coa outra. Pero, toda irrealidad non é o contrario de toda realidade, non é pura e sen mestura?».
Antes de continuar creo que é necesario dar uns cuantos datos, La tour de feu é un drama lírico de tres actos, con música e texto de Sylvio Lazzari, estreado en 1925. Tres anos despois de que o vise Corpus Barga, montouse na Ópera de París con decorados do arquitecto Pierre Chareau. O pintor e escenógrafo Maxime Dethomas foi director artístico da Ópera de París entre 1915 e 1929, coñecía a Toulouse-Lautrec, que o retratou de costas vendo un espectáculo, e ademais foi moi amigo e logo cuñado de Ignacio Zuloaga.
Ao final engado unha fotografías da maqueta de traballo que fixo Dethomas para La tour de feu, que está no Bibliothèque nationale de France, departamento Bibliothèque-musée de l’opéra, fotografía que, xunto con outras once desde distintos puntos de vista, está na imprescindible Gallica.
En canto ao máis importante, á crónica, ademais de deixar constancia da inclusión de imaxes cinematográficas no teatro, algo que xa se realizou en varias ocasións como recurso escenográfico, é interesante a imaxe do faro seccionado no medio da súa tempestuosa contorna, con todo, Corpus Barga ten moita razón no que escribe respecto da difícil interacción entre o decorado real -aínda que «de madeira e papel» segundo el- e as imaxes en movemento da tormenta, e é notable o seu último parágrafo:
«toda irrealidad non é o contrario de toda realidade, non é pura e sen mestura?».
Maqueta de traballo de Dethomas para La tour de feu.
Jorge Gorostiza, Doutor arquitecto.
Santa Cruz de Tenerife, agosto 2016 Autor do blogue Arquitectura+Cine+Ciudad[:en]Corpus Barga in Lima | Beatriz Suárez Archive
Looking for a news in the press, I have found in El Sol a chronicle written by his correspondent in Paris, Corpus Barga, in January, 1925, published in the section «Theatres» and titled «The cinematographic decoration».
It was not hoping that this notable writer, today unfortunately rather forgotten, went to contribute anything new to the debates on the scenery, but I was wrong and I think that it costs a sorrow to reproduce his text entirely:
No esperaba que este notable escritor, hoy desgraciadamente un tanto olvidado, fuese a aportar algo nuevo a los debates sobre la escenografía, pero me equivoqué y creo que vale la pena reproducir su texto íntegramente:
«PARÍS AND IN JANUARY. (Of our editor – correspondent.)—
In a zarzuelón that has had the premiere in the Opera, of Paris: «The tour of feu», lyric drama in three acts, of Mr Sylvio Lazzard [sic], suits and decorations according to the sketches of Mr Máxime Dethomas, executed the decorations for Mr. G. Mouveau, there has been a curious innovation. «The tour of feu», the tower of fire, it is, clear it is, a beacon. It is a beacon of Brittany that the tower-guard inflames in the last act, during a stormy night.
You do not ask why. The thing cannot be more natural. The innovation of the work is not in the decision that meets obliged to take the tower-guard after seeing his wife to throw itself of head to the waves, determined to follow in another world the Portuguese gentleman don Jacinto, sunk when it was coming to kidnap her. The innovation is neither in the dramatic decisions nor in the lyric tribulations of the prominent figures. Neither it is in the theatrical decorations of the acquaintance painter gentleman Dethomas. The innovation is in the cinematographic decoration of the tempest of the last act.
In the middle of the scene the beacon gets up, party of below above, I happen beacon, so that one finds at sight within and externally To both sides of the beacon two cinematographs they project movies of tempest. The clouds happen over the beacon, the waves flog in the base, a light to the bottom suffocates in the fog. The first illusion is successful. One sees the interior sheltered of the beacon, the fire, the furniture indeed, in the middle of a real night tempest.
One has found really an unreal point of view. Only the drama of the prominent figures turns out to be false. It is not interested, extends, and the attention prolonged on the mixed decoration, finishes for detaching the practicable bundle, the beacon, of the cinematographic screen. If it looks at the screen, the beacon of wood and paper breaks the captivation: it is of a rude reality. If it looks at the beacon, the captivation breaks the cinematographic reality of the clouds and the waves.
Theatre and cinematograph are two unrealities, unmistakable the one with other one. But any unreality is not the opposite of any reality, is not pure and without mixture?».
Before continuing I think that it is necessary to give a few information, La tour de feu is a lyric drama of three acts, with music and Sylvio Lazzari‘s text, released in 1925. Three years after it was seen By Corpus Barga, it was mounted in the Opera of Paris by sets of the architect Pierre Chareau. The painter and set designer Maxime Dethomas was an art director of the Opera of Paris between 1915 and 1929, it knew Toulouse-Lautrec, which portrayed it of backs seeing a spectacle, and in addition he was very a friend and then brother-in-law of Ignacio Zuloaga.
Ultimately I add photographies of the model of work that Dethomas did for The tour of feu, that is in France’s Bibliothèque nationale, department Bibliothèque-musée of l’opéra, photographs that, together with other eleven from different points of view, it is in the indispensable Gallica.
As for the most important thing, to the chronicle, beside leaving witness of the incorporation of cinematographic images in the theatre, something that already had been realized in several occasions as resource escenográfico, there is interesting the image of the beacon cut in the middle of his stormy environment, nevertheless, Corpus Barga has reason great in what he writes with regard to the difficult interaction between the royal set – though «of wood and paper» according to him – and the images in movement of the storm, and his last paragraph is notable:
«Any unreality is not the opposite of any reality, is not pure and without mixture?».
Model of Dethomas’s work for La tour de feu.
Jorge Gorostiza, PhD architect.
Santa Cruz de Tenerife, august 2016 Author of the blog Arquitectura+Cine+Ciudad[:]
“El diseño es el alma de las cosas creadas por el hombre”.
— Steve Jobs
En esta nueva temporada de la sección “baliza” que comenzamos, nos adentramos en el mundo de la televisión, y que mejor forma de hacerlo que de la mano de Enrique Barrera (@ebarrera_). Este arquitecto y diseñador de espíritu inquieto, formado en la ETSAM conjuga su labor docente (como profesor en la UCJC y en ESNE, donde ha sido Director del Grado en diseño de Interiores) con su actual estudio, In Design We Trust, especializado en restauración y televisión.
“El diseño lo es todo. No existe hoy un negocio por bueno que sea que no necesite del diseño para comunicar las excelencias de sus productos o servicios, para transformar en experiencia la visita de su potencial cliente.
Y del profundo convencimiento de la capacidad de poner en valor los negocios y productos a través del diseño nace In-Design-We-Trust. Una empresa que ofrece soluciones totales de Diseño, especializada en restauración y diseño de producto.”
Enrique Barrera es el autor de las reformas de programas actuales como «Pesadilla en la cocina«, de Alberto Chicote, y recientemente el más popular y disparatado restaurante de la televisión: el “First Dates” de Carlos Sobera.
Este trasiego televisivo no le ha impedido cosechar premios de carácter nacional e internacional con proyectos como la promoción de 166 viviendas VPP en la calle Honrrubia 9 (Ensanche de Vallecas, Madrid), la Urbanización del P.A.R. de San Cayetano en Madrid, o la remodelación de la Plaza de Tirso de Molina en Madrid.
¡Pasean, lean y disfruten de la “magia televisiva”!
Enrique Barrera | Fotografía: Seber Ugarte
¿Cómo se definiría Enrique Barrera?
Me siento incapaz de hacer tal cosa. Me gusta pensar que soy alguien inquieto, un perseguidor en el sentido cortazariano, cualquier cosa, antes que mirar el paisaje desde la ventana…
Desde su formación como arquitecto y ahora como docente ¿qué opina de los programas y del sistema educativo actual en las escuelas de Arquitectura y Diseño?
Es difícil contestar a esto… La universidad es fundamental, pero opino que lamentablemente hoy en día las instituciones están más preocupadas, en general, de la gestión, de las estadísticas y del número de alumnos que atraen, que de ser la avanzadilla de la sociedad. La universidad debería actuar como un explorador que trabaja para la sociedad, pero sus mecanismos son tan lentos… (generalmente tanto más cuanto mayor es ésta) Cuando al fin pone algo en marcha resulta estar ya obsoleto. Una y otra vez se muestra incapaz de dar respuestas a las inquietudes y necesidades de su propio tiempo.
La universidad que yo entiendo debe marcar el ritmo, proponer, innovar, avanzar a pecho descubierto, aunque a veces no acierte, aunque se equivoque, porque su función no es la de dar soluciones sino la de hacerse preguntas, la de abrir puertas. Según yo lo entiendo una universidad debería trabajar en el lado del vértigo y no en el de la seguridad.
Conozco gente valiosísima, entregados a la causa, deseando dar clase, compartir sus experiencias… tienen tanto que aportar… pero la universidad no les deja sitio. Se premian únicamente otras cosas… doctores, muchas veces con tesis de pomposos títulos que fueron puestos antes siquiera de empezar a investigar sobre temas que apenas interesan a su autor… cosas así.
¿Qué aspectos se podrían mejorar y/o completar?
Muchos, muchísimos. Pero lo más importante, lo único importante, es que lo que se haga se haga de verdad. Que no sea un juego, o mejor dicho, que no sea un simulacro. Que haya riesgo y compromiso. Esto, que puede parecer una trivialidad, o una obviedad, resulta ser lo más difícil.
Hacer arquitectura no es jugar a las casitas. No se trata de producir planos y renders que tengan «apariencia de arquitectura». No se trata de replicar formas que se agarraren a la seguridad del café caliente. Hay que jugar, sí, pero como juegan los niños, olvidándose de comer, resistiéndose a dormir, desollándose las rodillas, porque todo su ser está metido en el juego.
Se trata de arriesgar y desnudarse. Se trata, en las palabras de Lorca que tanto citaba Sáenz de Oíza, de
«quemar el Partenón cada noche para volver a levantarlo cada mañana».
Y si no, no hay arquitectura. No hay nada.
¿Cuál fue el motivo o causa que le llevó a encauzar su vida profesional hacía el “diseño”?
Nunca me lo planteé. De repente estaba allí.
Durante mucho tiempo detesté la palabra diseño. Me sonaba a un postureo superficial, a relamido, a esnobismo. Pero un día reparé en su etimología (siempre la etimología) Diseñar es designar, o sea ponerle nombre a las cosas, separarlas del resto del mundo. Y entonces me pareció que «diseñar» era maravilloso.
De todas maneras creo que siempre he hecho lo mismo, lo único que pasa es que van cambiando los nombres que se le ponen a aquello que haces. Es decir, lo llamas de diferente manera según el ámbito en el que se trabaja, el oficio, pero las operaciones abstractas que se realizan son conceptualmente casi las mismas.
«Lo cierto es que no sé cómo distinguir entre arquitectura, diseño, cine, literatura… ¿no es todo lo mismo?»
Experimentación con alumnos de Esne en cúpulas geodésicas | Fotografía: Carlos García
Desde el año 2012 realiza las reformas del programa «Pesadilla en la Cocina”, con Alberto Chicote ¿qué le aporta este contacto con el mundo de la televisión?
Muchísimas cosas, pero principalmente un campo de experiencia impagable, en una profesión donde los tiempos son muy lentos. Muchas veces desesperadamente lentos. El tiempo de una obra en arquitectura abarca con frecuencia varios años. Es frecuente que en el transcurso de la elaboración de un proyecto para un concurso, su adjudicación, la redacción del proyecto de ejecución y luego la construcción del mismo hayan pasados varios años. Tantos que con frecuencia el interés del autor está ya en otro lugar cuando aún está ejecutando dicho trabajo, lo que en ocasiones resulta muy frustrante.
La velocidad de la televisión imprime una agilidad poco frecuente en la construcción, que si bien es mareante y estresante lo cierto es que resulta sumamente interesante. La necesidad de tomar decisiones muy rápidamente agiliza procesos que en ocasiones se eternizan y postergan en la redacción de un proyecto hasta agotar los plazos. Además resulta muy satisfactorio ver el resultado del trabajo en tan corto plazo.
También se desarrolla, o al menos se entrena, una cierta capacidad de analizar situaciones rápidamente, de detectar problemas, de comprender las claves de un lugar, de dirigir la mirada.
Además trabajar mano a mano con un grande de la cocina como Alberto Chicote me ha permitido aprender infinidad de cosas acerca del funcionamiento de un restaurante que resultan fundamentales tener en cuenta en el momento del proyectar. Es sorprendente descubrir que los chefs de este alto nivel se hacen las mismas preguntas y usan conceptos y términos análogos a los usados en arquitectura, sólo que no cargan con el peso de la tradición en su mochila. Se aprenden valiosas lecciones de proyectos escuchándoles hablar y viéndoles trabajar.
Es realmente muy satisfactorio trabajar en un proyecto en el que dos disciplinas diferentes como gastronomía y diseño, se unen para avanzar de la mano enriqueciéndose el uno al otro.
Por último, resulta un ejercicio estimulante el tener que trabajar en muy diferentes registros, pues la naturaleza de la televisión hace necesario que cada proyecto sea distinto a los anteriores. Llevamos más de medio centenar de locales reformados en los que el día que se emite el programa los clientes, son los dos millones de espectadores que esperan con curiosidad encontrar un cambio cada vez diferente.
Enrique Barrera preparando el mural para el restaurante «La Mariña «(Luarca) | Fotografía: Yolanda González
¿Cuántas “horas” hay detrás de esos “minutos emitidos” para realizar la reforma? ¿Cómo es el proceso?
Intenso, muy intenso. Esta pregunta me la realizan a menudo, y me doy cuenta de que cuando la contesto, sin quererlo, adultero la respuesta. Justo al terminar de esbozarla reparo en que me he dejado atrás todo lo importante. No sé decir realmente cuánto tiempo ha durado.
La reforma se ejecuta en 36 horas continuas, pero por supuesto, antes ha habido que visitar el local y plantear un proyecto. Es frecuente que se superpongan varios, por lo que resulta casi imposible cuantificar el tiempo que lleva cada una. En mi opinión para que la propuesta funcione tiene que lograr acontecer un verdadero cambio. No se trata de cambiar el color, o vestir las paredes, sino de lograr modificar su naturaleza, resignificar el local, «transformarlo en otra cosa». Eso es algo independiente del tamaño o profundidad de la intervención, y se consigue a base de dibujar y de trabajar en él hasta averiguar cuál es ese cambio que lo ordena todo. A veces ocurre deprisa, pero la mayoría de las veces necesito darle vueltas y más vueltas hasta comprender el local. Y sin embargo entonces resulta casi evidente. Lo demás es oficio.
Por supuesto gran parte depende de decisiones rápidas que se deben tomar en obra, porque como en todas las obras aparecen muchísimos imprevistos, sólo que en tan poco tiempo no se pueden posponer las decisiones o esperar a mañana, así que continuamente hay que derivar a nuevas soluciones el proyecto.
Aunque la temática del programa es referida al mundo de la cocina y restaurantes, ¿no cree que es posible esa reducción de los tiempos del trabajo que realizan puede “confundir” a la sociedad llevándoles a pensar que los pasos “reales” son esos?
No lo creo. A todo el mundo, y en especial a los restauradores les parece casi magia lograr esos resultados en ese tiempo. No lo ven en absoluto normal. Lo que se hace en el programa es una propuesta de cambio de imagen, Es decir, clarificar ideas, proponer un concepto potente capaz de ordenar y significar el lugar y de comunicar al público lo que en esa casa se ofrece. No se trata de una obra al uso terminada al 100%, sino más bien un punto de partida para que el propietario del negocio luego interprete y cierre la obra. Pero de todo modos sí es cierto que en la construcción una buena organización, un equipo eficaz, y sobre todo el manejar conceptos claros desde la concepción del diseño que tengan presente su ejecución desde el origen del proyecto, puede reducir los tiempos en la ejecución de la obra de manera muy significativa con respecto a lo que muchas veces estamos acostumbrados.
Autoretrato tomado durante la reforma de «El mesón de Galicia» (Hamburgo) | Fotografía: Enrique Barrera
Dada su experiencia en el mundo televiso ¿cree que sería factible un programa que acerque la labor de los arquitectos y diseñadores a la sociedad? ¿Y de ser factible cree que sería positivo?
Estoy absolutamente convencido de ello. De hecho llevo intentando desde hace ya varios años, sin éxito hasta el momento, sacar a la luz algunos programas y formatos que hemos desarrollado en el estudio en esa línea. Lo presenté a varias cadenas pero no supe hacerles ver el potencial del formato. No sé si lograré sacar alguno adelante, pero tengo claro que es cuestión de tiempo y coincidencias de intereses que tengan su oportunidad programas de esta índole. Y funcionarán. Es claro que hay un interés creciente desde hace ya unos cuantos años del público en general por el mundo de arquitectura y el diseño. Lo que ocurre es que se presta tan poca atención en los años de formación de la niñez y juventud a estos temas que más tarde el adulto aunque detecta y alimenta el interés por estas disciplinas no tiene palabras para hablar sobre ello ni fundamentos con los que poder discutir, posicionarse. En fin, desean participar pero no tienen herramientas para «ver la arquitectura».
Curiosamente se trataba de formatos que no habían sido casi ensayados y que recientemente han resultado cosechar un éxito que ha sorprendido a las propias cadenas, como es el caso del Chester de Mejide o más recientemente el programa de entrevistas de Bertín Osborne.
Estaría encantado de hablar de estas iniciativas e incluso de que intentáramos ponerlas en marcha desde una plataforma tan interesante como la vuestra.
Sin duda este tipo de programas existirán, es sólo cuestión de tiempo (poco, en mi opinión) que lleguen las condiciones y sensaciones adecuadas a todas las partes necesarias en un proyecto audiovisual para que se produzcan.
En un artículo reciente, Santiago de Molina escribía sobre “vivir sin maestros”, ¿podría radiografiar el panorama actual de la arquitectura y diseño?
Siempre he pensado que esa labor es por definición imposible… Sólo puedes entender lo que pasa… Cuando ya ha pasado. Un sistema no puede comprenderse a sí mismo. Sólo el tiempo y la distancia permite situarte fuera del cuadro y mirar hacia atrás «desde fuera». Desde dentro no se puede comprender nada, como un libro no puede saber lo que porta.
Yo me limito a hacer. Ya averiguaremos después lo que estamos haciendo ahora.
Enrique Barrera | Fotografía: Carlos Valledor
La arquitectura, tiene abiertos muchos frentes de batalla (LSP, Bolonia, paro, precariedad laboral, COAs, ETSAs, emigración, comunicación, etc), ¿no serán demasiados para la polarización existente dentro de la misma?
Bajo la palabra arquitectura siempre se han agrupado infinidad de temas y perfiles muy diferentes. Creo que eso es parte de su gran interés. Pero el arquitecto trabaja ajeno a estas cuestiones… No se escribe para publicar ni se pinta para exponer. El escritor escribe aunque no le lean. La arquitectura acontece independientemente de las leyes o la situación laboral. Otra cosa es que el panorama sea o no más halagüeño para los arquitectos, pero eso no tiene nada que ver con la arquitectura.
¿Cómo ve el futuro de la arquitectura y del diseño? ¿Y el de la profesión?
El de la arquitectura y el diseño, fenomenal. Como digo, no depende de las circunstancias. Todo se diseña. El de la profesión es otro tema. Está claro que se está redefiniendo la profesión y creo que cada vez para peor para nosotros. Cada vez más ordenanzas, normativas y condiciones que dejan menos lugar al individuo y a la arquitectura.
Pero es como lamentarse de que llegue el mal tiempo. No soluciona nada. Así que no me obsesiona el futuro, pensar en él implica quitarle tiempo al presente, y bastante tengo con sacar adelante lo que hay hoy encima de la mesa. Recuerdo cierta entrevista en la que preguntaban a Giacometti si esos rostros alargados intentaban captar el espíritu del modelo, a lo que el escultor contestó algo como
“¿El espíritu? ¡Ya tengo suficiente con intentar representar su ojo!”
Prefiero por ello recordar aquello que decía Paul Valéry
“que basta observar lo que sucede en un vaso de agua para pasar escribiendo el resto de tu vida”.
¿Qué opina de los que se han ido a trabajar al extranjero?
Lo mismo que de los que se han quedado. Todo el mundo intenta encontrar su lugar. Hoy la «distancia de seguridad» se ha ampliado enormemente. Mucha gente se ha ido «exiliada» con el sentimiento de no tener otro remedio, pero otros muchos lo han hecho porque pueden, porque están preparados, porque han querido ir hacia los lugares donde están ocurriendo las cosas. Me parece estupendo. Habrá algún día en que no tendrá sentido el hablar de ir fuera o quedarse dentro, porque todo será felizmente lo mismo.
Jornada organizada y moderada por Enrique Barrera para ESNE sobre Gastronomía y Diseño bajo el título ¿Dónde Comemos? | Fotografía: Muriel de Gracia Wittemberg (de izquierda a derecha: Arturo Pardos, David Muñoz, Enrique Barrera, Eva Almohacid y Fernando Moral)
¿Qué opina de los arquitectos que emprenden en nuevos campos?
No me sorprende en absoluto. No creo en arquitectos que emprenden en nuevos campos. Es decir, con frecuencia se habla de modo que parece que la condición de ser arquitecto fuera un estado a priori. Un término nítido y unívocamente definido, perfectamente acotado, del que ciertos individuos «se salen» para dedicarse a hacer otra cosa… a pesar de ser arquitecto.
Pero lo cierto es que ser arquitecto implica más que nada una manera de pensar. Una sensibilidad singular hacia lo que nos rodea. No entiendo la diferencia entre un arquitecto, un escritor, un cineasta, un pintor, un dibujante, un ama de casa, un monje budista…
La arquitectura es sólo un oficio. Lo que sí creo es que es la obra quien hace al autor, y el ejercicio de la arquitectura construye a un ser fascinado por el mundo, que en todo encuentra interés.
¿Está contento con su trayectoria profesional? ¿Qué proyectos de futuro le esperan?
Desde luego que no, siempre me siento incompleto, insatisfecho. Siempre la sensación de no haber logrado llevar cada proyecto un poco más lejos. Resulta Inevitable lamentar el terminar los proyectos. No poder perpetuar la emoción de las cosas que aún pueden ser, ese gato de Schrödinger que es el estado natural del proyectar. Conforme se ejecuta el proyecto, coagula, cristaliza, pierde su multiplicidad en favor de una sola realidad y deja cada vez menos sitio a todo lo que pudo ser.
¿Proyectos de futuro? Aparecen cada día. Sólo espero estar abierto a lo que venga para aprovechar cada ocasión como una oportunidad de aprender, de trabajar, de evolucionar, de ayudar, de investigar, de curiosear, de romper, de comenzar, de divertirme, de probar, de equivocarme…
Para acabar, ¿qué le aconsejaría a los actuales estudiantes y futuros profesionales de arquitectura?
No soy nadie para dar consejos a nadie. Comparto esa máxima de que lo único que es lícito enseñar es enseñar a aprender.
Pero si tengo que decirles algo, no como profesor, sino como compañero de profesión, de intereses, como compañero de viaje en este tiempo tan corto que nos ha tocado compartir les diría que no se preocupen por la situación, que no escuchen a nadie, que se muestren activos y optimistas, porque la arquitectura no entiende de crisis, ni de gustos, ni de dinero.
Les diría que sonrían y dibujen… dibujen… dibujen…
Enrique Barrera | Fotografía: Carlos Valledor
Enrique Barrera · Arquitecto, Diseñador, Interiorista, Director de Arte y profesor en ESNE
Noviembre, 2016
Entrevista realizada por Ana Barreiro Blanco y Alberto Alonso Oro. Agradecer a Enrique su tiempo y predisposición con este pequeño espacio.
[:gl]
“O deseño é a alma das cousas creadas polo home”.
— Steve Jobs
Nesta nova tempada da sección “baliza” ue comezamos, penetrámonos no mundo da televisión, e que mellor forma de facelo que da man de (@ebarrera_). Este arquitecto e deseñador de espírito inquieto, formado na ETSAM conxuga o seu labor docente (como profesor na UCJC e en ESNE, onde foi Director do Grao en deseño de Interiores) co seu actual estudo, In Design We Trust, especializado en restauración e televisión.
“O deseño o é todo. Non existe hoxe un negocio por bo que sexa que non necesite do deseño para comunicar as excelencias dos seus produtos ou servizos, para transformar en experiencia a visita do seu potencial cliente.
E do profundo convencemento da capacidade de poñer en valor os negocios e produtos a través do deseño nace In-Design-We-Trust. Unha empresa que ofrece solucións totais de Deseño, especializada en restauración e deseño de produto.”
Enrique Barreira é o autor das reformas de programas actuais como «Pesadelo na cociña«, de Alberto Chicote, e recentemente o máis popular e disparatado restaurante da televisión: o “First Dates” de Carlos Sobera.
Esta trasfega televisiva non lle impediu cultivar premios de carácter nacional e internacional con proxectos como a promoción de 166 vivendas VPP na rúa Honrrubia 9 (Ensanche de Vallecas, Madrid), a Urbanización do P.A.R. de San Cayetano en Madrid, ou a remodelación da Praza de Tirso de Molina en Madrid.
Pasean, lean e gocen da “maxia televisiva”!
Enrique Barrera | Fotografía: Seber Ugarte
Como se definiría Enrique Barrera?
Sinto incapaz de facer tal cousa. Gústame pensar que son alguén inquieto, un perseguidor no sentido cortazariano, calquera cousa, antes que mirar a paisaxe desde a xanela…
Desde a súa formación como arquitecto e agora como docente, que opina dos programas e do sistema educativo actual nas escolas de Arquitectura e Deseño?
É difícil contestar a isto… A universidade é fundamental, pero opino que lamentablemente hoxe en día as institucións están máis preocupadas, en xeral, da xestión, das estatísticas e do número de alumnos que atraen, que de ser a avanzada da sociedade. A universidade debería actuar como un explorador que traballa para a sociedade, pero os seus mecanismos son tan lentos… (xeralmente con máis motivo maior é esta) Cando ao fin pon algo en marcha resulta estar xa obsoleto. Unha e outra vez móstrase incapaz de dar respostas ás inquietudes e necesidades do seu propio tempo.
A universidade que eu entendo debe marcar o ritmo, propoñer, innovar, avanzar a peito aberto, aínda que ás veces non acerte, aínda que se equivoque, porque a súa función non é a de dar solucións senón as de facerse preguntas, a de abrir portas. Segundo eu enténdoo unha universidade debería traballar no lado da vertixe e non no da seguridade.
Coñezo xente valiosísima, entregados á causa, desexando dar clase, compartir as súas experiencias… teñen tanto que achegar… pero a universidade non lles deixa sitio. Prémianse unicamente outras cousas… doutores, moitas veces con teses de pomposos títulos que foron postos antes sequera de empezar a investigar sobre temas que apenas interesan ao seu autor… cousas así.
Que aspectos poderíanse mellorar e/ou completar?
Moitos, moitísimos. Pero o máis importante, o único importante, é que o que se faga fágase de verdade. Que non sexa un xogo, ou mellor devandito, que non sexa un simulacro. Que haxa risco e compromiso. Isto, que pode parecer unha trivialidade, ou unha obviedad, resulta ser o máis difícil.
Facer arquitectura non é xogar ás casiñas. Non se trata de producir planos e renders que teñan «aparencia de arquitectura». Non se trata de replicar formas que se agarraren á seguridade do café quente. Hai que xogar, si, pero como xogan os nenos, esquecéndose para comer, resistíndose a durmir, desollándose os xeonllos, porque todo o seu ser está metido no xogo.
Trátase de arriscar e espirse. Trátase, nas palabras de Lorca que tanto citaba Sáenz de Oíza, de
«queimar o Partenón cada noite para volver levantalo cada mañá».
E se non, non hai arquitectura. Non hai nada.
Cal foi o motivo ou causa que lle levou a canalizar a súa vida profesional facía o “deseño”?
Nunca mo expuxen. De súpeto estaba alí.
Durante moito tempo detestei a palabra deseño. Soábame a un postureo superficial, a relamido, a esnobismo. Pero un día reparei na súa etimoloxía (sempre a etimoloxía) Deseñar é designar, ou sexa poñerlle nome ás cousas, separalas do resto do mundo. E entón pareceume que «deseñar» era marabilloso.
De todas as maneiras creo que sempre fixen o mesmo, o único que pasa é que van cambiando os nomes que se lle poñen a aquilo que feixes. É dicir, chámalo de diferente maneira segundo o ámbito no que se traballa, o oficio, pero as operacións abstractas que se realizan son conceptualmente case as mesmas.
«O certo é que non se como distinguir entre arquitectura, deseño, cinema, literatura… non é todo o mesmo?»
Experimentación con alumnos de Esne en cúpulas xeodésicas | Fotografía: Carlos García
Desde o ano 2012 realiza as reformas do programa»Pesadelo na Cociña”, con Alberto Chicote que lle achega este contacto co mundo da televisión?
Moitísimas cousas, pero principalmente un campo de experiencia impagable, nunha profesión onde os tempos son moi lentos. Moitas veces desesperadamente lentos. O tempo dunha obra en arquitectura abarca con frecuencia varios anos. É frecuente que no transcurso da elaboración dun proxecto para un concurso, a súa adxudicación, a redacción do proxecto de execución e logo a construción do mesmo haxan pasados varios anos. Tantos que con frecuencia o interese do autor está xa noutro lugar cando aínda está a executar devandito traballo, o que en ocasións resulta moi frustrante.
A velocidade da televisión imprime unha axilidade pouco frecuente na construción, que aínda que é mareante e estresante o certo é que resulta sumamente interesante. A necesidade de tomar decisións moi rapidamente axiliza procesos que en ocasións eternízanse e postergan na redacción dun proxecto ata esgotar os prazos. Ademais resulta moi satisfactorio ver o resultado do traballo en tan curto prazo.
Tamén se desenvolve, ou polo menos adéstrase, unha certa capacidade de analizar situacións rapidamente, de detectar problemas, de comprender as claves dun lugar, de dirixir a mirada.
Ademais traballar man a man cun grande da cociña como Alberto Chicote permitiume aprender infinidade de cousas achega do funcionamento dun restaurante que resultan fundamentais ter en conta no momento do proxectar. É sorprendente descubrir que os chefs deste alto nivel fanse as mesmas preguntas e usan conceptos e termos análogos aos usados en arquitectura, só que non cargan co peso da tradición na súa mochila. Apréndense valiosas leccións de proxectos escoitándolles falar e véndolles traballar.
É realmente moi satisfactorio traballar nun proxecto no que dúas disciplinas diferentes como gastronomía e deseño, únense para avanzar da man enriquecéndose o un ao outro.
Por último, resulta un exercicio estimulante o ter que traballar en moi diferentes rexistros, pois a natureza da televisión fai necesario que cada proxecto sexa distinto aos anteriores. Levamos máis de medio centenar de locais reformados nos que o día que se emite o programa os clientes, son os dous millóns de espectadores que esperan con curiosidade atopar un cambio cada vez diferente.
Enrique Barrera preparando o mural para o restaurante «La Mariña «(Luarca) | Fotografía: Yolanda González
Cantas “horas” hai detrás deses “minutos emitidos” para realizar a reforma? Como é o proceso?
Intenso, moi intenso. Esta pregunta realízanma a miúdo, e doume conta de que cando a contesto, sen querelo, adultero a resposta. Xusto ao terminar de esbozala reparo en que me deixei atrás todo o importante. Non sei dicir realmente canto tempo durou.
A reforma execútase en 36 horas continuas, pero por suposto, antes houbo que visitar o local e expor un proxecto. É frecuente que se superpoñan varios, polo que resulta case imposible cuantificar o tempo que leva cada unha. Na miña opinión para que a proposta funcione ten que lograr acontecer un verdadeiro cambio. Non se trata de cambiar a cor, ou vestir as paredes, senón de lograr modificar a súa natureza, resignificar o local, «transformalo noutra cousa». Iso é algo independente do tamaño ou profundidade da intervención, e conséguese a base de debuxar e de traballar nel ata pescudar cal é ese cambio que o ordena todo. Ás veces ocorre rápido, pero a maioría das veces necesito darlle voltas e máis voltas ata comprender o local. E con todo entón resulta case evidente. O demais é oficio.
Por suposto gran parte depende de decisións rápidas que se deben tomar en obra, porque como en todas as obras aparecen moitísimos imprevistos, só que en tan pouco tempo non se poden pospoñer as decisións ou esperar a mañá, así que continuamente hai que derivar a novas solucións o proxecto.
Aínda que a temática do programa é referida ao mundo da cociña e restaurantes, non cre que é posible esa redución dos tempos do traballo que realizan pode “confundir” á sociedade levándolles a pensar que os pasos “reais” son eses?
Non o creo. A todo o mundo, e en especial aos restauradores parécelles case maxia lograr eses resultados nese tempo. Non o ven en absoluto normal. O que se fai no programa é unha proposta de cambio de imaxe, É dicir, clarificar ideas, propoñer un concepto potente capaz de ordenar e significar o lugar e de comunicar ao público o que nesa casa ofrécese. Non se trata dunha obra ao uso terminada ao 100%, senón máis ben un punto de partida para que o propietario do negocio logo interprete e peche a obra. Pero de todo modos si é certo que na construción unha boa organización, un equipo eficaz, e sobre todo o manexar conceptos claros desde a concepción do deseño que teñan presente a súa execución desde a orixe do proxecto, pode reducir os tempos na execución da obra de maneira moi significativa con respecto ao que moitas veces estamos afeitos.
Autoretrato tomado durante a reforma de «El mesón de Galicia» (Hamburgo) | Fotografía: Enrique Barrera
Dada a súa experiencia no mundo televiso cre que sería factible un programa que achegue o labor dos arquitectos e deseñadores á sociedade? E de ser factible cre que sería positivo?
Estou absolutamente convencido diso. De feito levo tentando desde hai xa varios anos, sen éxito ata o momento, sacar á luz algúns programas e formatos que desenvolvemos no estudo nesa liña. Presenteino a varias cadeas pero non souben facerlles ver o potencial do formato. Non se se lograrei sacar algún adiante, pero teño claro que é cuestión de tempo e coincidencias de intereses que teñan a súa oportunidade programas desta índole. E funcionarán. É claro que hai un interese crecente desde fai xa uns cuantos anos do público en xeral polo mundo de arquitectura e o deseño. O que ocorre é que se presta tan pouca atención nos anos de formación da nenez e mocidade a estes temas que máis tarde o adulto aínda que detecta e alimenta o interese por estas disciplinas non ten palabras para falar sobre iso nin fundamentos cos que poder discutir, situarse. En fin, desexan participar pero non teñen ferramentas para «ver a arquitectura».
Curiosamente tratábase de formatos que non foran case ensaiados e que recentemente resultaron cultivar un éxito que sorprendeu ás propias cadeas, como é o caso do Chester de Mejide ou máis recentemente o programa de entrevistas de Bertín Osborne.
Estaría encantado de falar destas iniciativas e mesmo de que tentásemos poñelas en marcha desde unha plataforma tan interesante como a vosa.
Sen dúbida este tipo de programas existirán, é só cuestión de tempo (pouco, na miña opinión) que cheguen as condicións e sensacións adecuadas a todas as partes necesarias nun proxecto audiovisual para que se produzan.
Nun artigo recente, Santiago de Molina escribía sobre “vivir sen mestres”, podería radiografiar o panorama actual da arquitectura e deseño?
Sempre pensei que ese labor é por definición imposible… Só podes entender o que pasa… Cando xa pasou. Un sistema non pode comprenderse a si mesmo. Só o tempo e a distancia permite situarche fose do cadro e mirar cara atrás «desde fóra». Desde dentro non se pode comprender nada, como un libro non pode saber o que porta.
Eu limítome a facer. Xa pescudaremos despois o que estamos a facer agora.
Enrique Barrera | Fotografía: Carlos Valledor
A arquitectura, ten abertos moitas frontes de batalla (LSP, Bolonia, paro, precariedade laboral, COAs, ETSAs, emigración, comunicación, etc), non serán demasiados para a polarización existente dentro da mesma?
Baixo a palabra arquitectura sempre se agruparon infinidade de temas e perfís moi diferentes. Creo que iso é parte do seu gran interese. Pero o arquitecto traballa alleo a estas cuestións… Non se escribe para publicar nin se pinta para expoñer. O escritor escribe aínda que non lle lean. A arquitectura acontece independentemente das leis ou a situación laboral. Outra cousa é que o panorama sexa ou non máis halagüeño para os arquitectos, pero iso non ten nada que ver coa arquitectura.
Como ve o futuro da arquitectura e do deseño? E o da profesión?
O da arquitectura e o deseño, fenomenal. Como digo, non depende das circunstancias. Todo se deseña. O da profesión é outro tema. Está claro que se está redefinindo a profesión e creo que cada vez para peor para nós. Cada vez máis ordenanzas, normativas e condicións que deixan menos lugar ao individuo e á arquitectura.
Pero é como lamentarse de que chegue o mal tempo. Non soluciona nada. Así que non me obsesiona o futuro, pensar nel implica quitarlle tempo ao presente, e bastante teño con sacar adiante o que hai hoxe encima da mesa. Lembro certa entrevista na que preguntaban a Giacometti se eses rostros alongados tentaban captar o espírito do modelo, ao que o escultor contestou algo como
“O espírito? Xa teño suficiente con tentar representar o seu ollo!”
Prefiro por iso lembrar aquilo que dicía Paul Valéry
“que basta observar o que sucede nun vaso de auga para pasar escribindo o resto da túa vida”.
Que opina dos que se foron a traballar ao estranxeiro?
O mesmo que dos que se quedaron. Todo o mundo tenta atopar o seu lugar. Hoxe a «distancia de seguridade» ampliouse enormemente. Moita xente foise «exiliada» co sentimento de non ter outro remedio, pero outros moitos fixérono porque poden, porque están preparados, porque quixeron ir cara aos lugares onde están a ocorrer as cousas. Paréceme estupendo. Haberá algún día en que non terá sentido o falar de ir fose ou quedar dentro, porque todo será felizmente o mesmo.
Xornada organizada e moderada por Enrique Barrera para ESNE sobre Gastronomía e Deseño baixo o título, Onde Comemos? | Fotografía: Muriel de Gracia Wittemberg (de esquerda a dereita: Arturo Pardos, David Muñoz, Enrique Barrera, Eva Almohacid e Fernando Moral)
Que opina dos arquitectos que emprenden en novos campos?
Non me sorprende en absoluto. Non creo en arquitectos que emprenden en novos campos. É dicir, con frecuencia fálase de modo que parece que a condición de ser arquitecto fose un estado a priori. Un termo nítido e univocamente definido, perfectamente acoutado, do que certos individuos «sáense» para dedicarse a facer outra cousa… a pesar de ser arquitecto.
Pero o certo é que ser arquitecto implica máis que nada unha maneira de pensar. Unha sensibilidade singular cara ao que nos rodea. Non entendo a diferenza entre un arquitecto, un escritor, un cineasta, un pintor, un debuxante, un ama de casa, un monxe budista…
A arquitectura é só un oficio. O que si creo é que é a obra quen fai ao autor, e o exercicio da arquitectura constrúe a un ser fascinado polo mundo, que en todo atopa interese.
Está contento coa súa traxectoria profesional? Que proxectos de futuro espéranlle?
Desde logo que non, sempre sinto incompleto, insatisfeito. Sempre a sensación de non lograr levar cada proxecto un pouco máis lonxe. Resulta Inevitable lamentar o terminar os proxectos. Non poder perpetuar a emoción das cousas que aínda poden ser, ese gato de Schrödinger que é o estado natural do proxectar. Conforme se executa o proxecto, coagula, cristaliza, perde o seu multiplicidad en favor dunha soa realidade e deixa cada vez menos sitio a todo o que puido ser.
Proxectos de futuro? Aparecen cada día. Só espero estar aberto ao que veña para aproveitar cada ocasión como unha oportunidade de aprender, de traballar, de evolucionar, de axudar, de investigar, de esculcar, de romper, de comezar, de divertirme, de probar, de equivocarme…
Para acabar, que lle aconsellaría aos actuais estudantes e futuros profesionais de arquitectura?
Non son ninguén para dar consellos a ninguén. Comparto esa máxima de que o único que é lícito ensinar é ensinar a aprender.
Pero se teño que dicirlles algo, non como profesor, senón como compañeiro de profesión, de intereses, como compañeiro de viaxe neste tempo tan corto que nos tocou compartir diríalles que non se preocupen pola situación, que non escoiten a ninguén, que se mostren activos e optimistas, porque a arquitectura non entende de crise, nin de gustos, nin de diñeiro.
Diríalles que sorrían e debuxen… debuxen… debuxen…
Enrique Barrera | Fotografía: Carlos Valledor
Enrique Barrera · Arquitecto, Deseñador, Interiorista, Director de Arte e profesor en ESNE
Novembro, 2016
Entrevista realizada por Ana Barreiro Blanco e Alberto Alonso Ouro. Agradecer a Enrique o seu tempo e predisposición con este pequeno espazo.
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“The design is the soul of the things created by the man”.
— Steve Jobs
In this new season of the section it marks with “beacon” that we begin, we enter the world of the television, and that better way of it doing that of Enrique Barrera’s hand (@ebarrera_). This architect and designer of anxious spirit, formed in the ETSAM brings together his educational labor (as teacher in the UCJC and in ESNE, where he has been The Director of the Degree in design of Interiors) with his current study, In Design We Trust, specialized in restoration and television.
“The design it is quite. A business does not exist today for well that it is that he does not need from the design to communicate the excellences of his products or services, to transform into experience the visit of his potential client.
And of the deep conviction of the aptitude to put in value the business and products across the design In-Design-We-Trust is born. A company that offers total solutions of Design, specialized in restoration and design of product.”
Enrique Barrera is the author of the reforms of current programs as «Kitchen Nightmares«, by Alberto Chicote, and recently the most popular and ludicrous restaurant of the television: “First Dates” by Carlos Sobera.
This television decanting has not prevented him from harvesting prizes of national and international character with projects as the promotion of 166 housings VPP in the street Honrrubia 9 (Vallecas’s Widening, Madrid), the Urbanization of San Cayetano’s P.A.R. in Madrid, or the remodeling of Tirso de Molina’s Plaza in Madrid.
They walk, read and enjoy the “television magic”!
Enrique Barrera | Photography: Seber Ugarte
How would Enrique Barrera be defined?
I feel unable to do such a thing. I like to think that I am anxious someone, a persecutor in the sense Cortazar´s style, any thing, before that to look at the landscape from the window…
From his formation like architect and now as teacher what does think of the programs and of the educational current system in the schools of Architecture and Design?
It is difficult to answer this… The university is fundamental, but I think that lamentably nowadays the institutions are more worried, in general, of the management, of the statistics and of the number of pupils who attract, that of being the avanzadilla of the company. The university should act as an explorer who works for the company, but his mechanisms are so slow … (generally so much more major all that is this one) When to the end it starts something proves to be already obsolete. Again and again it proves to be unable to give answers to the worries and needs of his own time.
The university that I understand must mark the pace, propose, innovate, advance to disclosed chest, though sometimes it does not succeed, though he is wrong, because his function is not it of giving solutions but her of questions be doing, her of opening doors. As I it understand a university it should be employed at the side of the dizziness and not at that of the safety.
I know the most valuable people, delivered to the reason, wanting to give lessons, to share his experiences … they have so much that to contribute … but the university does not leave site them. Other things are rewarded only … doctors, often with thesis of pompous titles that were put before at least of starting investigating on topics that scarcely interest his author … things like that.
What aspects might they improve and / or complete?
Great, great. But the most important thing, the important only thing, is that what is done is done indeed. That is not a game, or rather, that is not a sham. That there is risk and commitment. This, which can look like a triteness, or an obviedad, turns out to be the most difficult thing.
To do architecture is to play to the little houses. It is not a question of producing planes to him and renders that have «appearance of architecture». It is not a question of answering forms that will fight to the safety of the warm coffee. It is necessary to play, yes, but since the children play, forgetting to eat, refusing to sleep, the knees being skinned, because all his being is put in the game.
It is a question of risking and to undressing. It treats itself, in Lorca’s words that so much Sáenz de Oíza was mentioning, of
«burning the Parthenon every night to return to raise it every morning».
And if not, there is no architecture. There is nothing.
Which was the motive or reason that led him to channelling his professional life was doing the “design”?
I never appeared it. Suddenly it was there.
For a long time I detested the word I design. It me was sounding to a superficial postureo, to re-licked, to snobbery. But one day I repaired in his etymology (always the etymology) Designing is to designate, or to put name to the things, to separate them from the rest of the world. And then it seemed to me that «designing» was wonderful.
Anyhow I think that always I have done the same thing, the only thing that happens is that they are changing the names that put on that one that you do. That is to say, you call it of different way according to the area at which one is employed, the trade, but the abstract operations that are realized are conceptual almost the same ones.
«The certain thing is that I do not know how to distinguish between architecture, design, cinema, literature … is not it everything same?»
Experimentation with pupils of Esne in geodesic domes | Photography: Carlos García
From the year 2012 it realizes the reforms of the program «Kitchen Nightmares«, with Alberto Chicote what does contribute this contact with the world of the television?
Many things, but principally a field of unpayable experience, in a profession where the times are very slow. Often desperate slow. The time of a work in architecture includes often several years. It is frequent that in the course of the production of a project for a contest, his adjudication, the draft of the project of execution and then the construction of the same one several years have spent. So many people that often the interest of the author is already in another place when still he is executing the above mentioned work, which in occasions turns out to be very frustrating.
The speed of the television stamps a slightly frequent agility on the construction, that though it is sea and sressful the certain thing is that it turns out to be extremely interesting. The need to take decisions very rapidly improves processes that in occasions are eternized and postpone in the draft of a project up to exhausting the period. In addition it turns out to be very satisfactory to see the result of the work in so short term.
Also it develops, or at least he trains, a certain aptitude to analyze situations rapidly, to detect problems, to understand the keys of a place, to direct the look.
In addition to work hand to hand with the big one of the kitchen as Alberto Chicote has allowed me to learn infinity of things brings over of the functioning of a restaurant that they turn out to be fundamental bear in mind in the moment of to project. It is surprising to discover that the chefs of this high level do the same questions to themselves and use concepts and analogous terms to used in architecture, only that do not load with the weight of the tradition in his rucksack. Valuable lessons of projects are learned listening to them to speak and seeing them to work.
It is really very satisfactory to be employed at a project in which two different disciplines like gastronomy and design, they join to advance of the hand prospering one to other one.
Finally, it turns out to be a stimulant exercise to have to be employed at very different records, since the nature of the television makes necessary that every project is different from the previous ones. We take more of half a hundred of reformed places in those who the day that issues the program the clients, are two million spectators who expect with curiosity to find a change every time different.
Enrique Barrera preparing the mural for the restaurant «La Mariña «(Luarca) | Photography: Yolanda González
How many “hours” it is behind these “minutes issued” to realize the reform? How is it the process?
Intense, very intense. This question they fulfil me often, and I realize that when I answer it, without wanting it, I commit adultery the response. I joust on she having stopped being outlined by objection in which I have left me behind everything important. I do not know say really how much time has lasted.
The reform executes in 36 constant hours, but certainly, before it has been necessary to visit the place and raise a project. It is frequent that superpose several, for what it turns out almost impossible to quantify the time that goes each one. In my opinion in order that the offer works a real change has to manage happen. It is not a question of changing the color, or dressing the walls, but to managing to modify his nature, of re-meaning the place, «of transforming it into another thing». It is something independent from the size or depth of the intervention, and is obtained based on drawing and of being employed at him up to verifying which is this change that arranges everything. Sometimes it happens fast, but the majority of the times I need to turn him and more returns up to understanding the place. And nevertheless then it turns out to be almost evident. The rest is a trade.
Certainly great part depends on rapid decisions that must think in work, because since in all the works they turn out to be great unforeseen, only that in a little time cannot postpone the decisions or wait to tomorrow, so constant it is necessary to derive to new solutions the project.
Though the subject matter of the program is recounted to the world of the kitchen and restaurants, he does not think that it is possible this reduction of the times of the work that they realize can “confuse” to the company leading them to thinking that the “royal” steps are this?
I do not believe it. To the whole world, and especially it looks like to the restorers an almost magic to achieve these results in this time. They do not see it by no means normally. What is done in the program is an offer of change of image, that is to say, to clarify ideas, to propose a powerful concept capable of ordering and meaning the place and of communicating to the public what in this house offers. It is not a question 100 % as a work to the use finished, but rather a point of item in order that the owner of the business then interpreter and closing the work. But of quite manners yes it is true that in the construction a good organization, an effective equipment, and especially to handle clear concepts from the conception of the design that they have presents his execution from the origin of the project, can reduce the times in the execution of the work of a very significant way with regard to what often we are accustomed.
Autoportrait taken during the reform of «El mesón de Galicia» (Hamburgo) | Photography: Enrique Barrera
Given his experience in the world I televise does he think that there would be feasible a program that brings over the labor of the architects and designers to the company? And of feasible being does he think that it would be positive?
I am be absolutely sure of it. In fact I go trying for already several years, without success up to the moment, to extract to the light some programs and formats that we have developed in the study in this line. I presented it to several chains but I could not make them see the potential of the format. I don´t be if I will manage to extract anyone improve, but I have clear that it is question of time and coincidences of interests that have his opportunity programs of this nature. And they will work. It is clear that there is an increasing interest for already a few years of the public in general for the world of architecture and the design. What happens is that few attention lends so in the years of formation of the childhood and youth to these topics that later the adult though it detects and feeds the interest for these disciplines does not have words to speak either on it or foundations with which to be able to discuss, be positioned. In end, they want to take part but they do not have tools «to see the architecture «.
Curiously it was a question of formats that had not been almost tested and that recently have proved to harvest a success that has surprised to the own chains, since it is the case of Mejide’s Chester or more recently the program of Bertín Osborne’s interviews.
It would be been charmed with of speaking about these initiatives and even about that we were trying to start from a platform as interesting as your.
Undoubtedly this type of programs will exist, it is only a question of time (little, in my opinion) that come the conditions and sensations adapted to all the necessary parts in an audio-visual project in order that they take place.
In a recent article, Molina’s Santiago was writing on “living without teachers”, might it X-ray the current panorama of the architecture and design?
Always I have thought that this labor is for impossible definition… Only you can understand what happens… When already it has happened. A system cannot be understood to yes same. Only the time and the distance allows to place you out of the picture and to look backward » from out «. From inside it is not possible to understand anything, since a book cannot know what it carries.
I limit myself to doing. Already we will verify later what we are doing now.
Enrique Barrera | Photography: Carlos Valledor
The architecture, it has opened many fronts of battle (LSP, Bologna, unemployment, labor precariousness, Spades, ETSAs, emigration, communication, etc), will not they be too much for the existing polarization inside the same one?
Under the word architecture always there has been grouped infinity of topics and very different profiles. I think that it is a part of his great interest. But the architect works foreign to these questions… He neither writes himself to publish nor makes up to exhibit. The writer writes though they do not read him. The architecture happens independently of the laws or the labor situation. Another thing is that the panorama is or not more pleasing for the architects, but it does not have anything to see with the architecture.
How does it see the future of the architecture and of the design? And that of the profession?
That of the architecture and the design, phenomenal. As I say, it does not depend on the circumstances. Everything is designed. That of the profession is another topic. It is clear that the profession is re-defined and I believe that every time for worse for us. Increasingly ordinances, regulations and conditions that leave less place the individual and the architecture.
But it is like to complain from that the evil comes time. It does not solve anything. So it does not obsess the future, to think about him implies taking him time to the present, and enough I have in spite of extracting forward what exists today on the table. I remember certain interview in which they were asking Giacometti if these elongated faces were trying to catch the spirit of the model, to what the sculptor answered something as
“The spirit? Already I have sufficiently in spite of trying to represent his eye!”
I prefer for it to remember that one that Paul Valéry was saying
“that is enough to observe what happens in a water glass to happen writing the rest of your life”.
What does think of those that they have been going to work abroad?
The same thing that of those who have remained. The whole world tries to find his place. Today the «safety distance» has been extended enormously. Many people have gone away «exiled» with the feeling of not having another remedy, but great others have done it because they can, because they are prepared, because they have wanted to go towards the places where the things happen. It seems to me to be marvellous. It will have some day in which it will not have felt to speak of going out or of remaining inside, because everything will be happily the same thing.
Day organized and moderated by Enrique Barrera for ESNE on Gastronomy and Design under the title where Do We Eat? | It comes out in photographs: Muriel of Grace Wittemberg (from left side to right: Arturo Pardos, David Muñoz, Enrique Barrera, Eve Almohacid and Fernando Moral)
What does think of the architects who undertake in new fields?
I do not surprise it by no means. I do not believe in architects who undertake in new fields. That is to say, often one speaks so that it seems that the condition to be an architect was a condition a priori. A clear term and unívocamente definite, perfectly fenced, of that certain individuals » leave» to devote itself to do another thing … in spite of being an architect.
But the certain thing is that to be an architect it implies more than at all a way of thinking. A singular sensibility towards what it surrounds us. I do not understand the difference between an architect, a writer, a filmmaker, a painter, a draftsman, an ama de casa, a monk Buddhist…
The architecture is only a trade. What yes I believe is that it is the work who does the author, and the exercise of the architecture constructs a being fascinated by the world, who in everything finds interest.
Is it satisfied with his professional path? What projects of future do wait?
Certainly that not, always I feel incomplete, unsatisfied. Always the sensation of not having managed to take every project a bit beyond. It turns out to be Inevitable to regret finishing the projects. Not to be able to perpetuate the emotion of the things that still can be, this Schrödinger’s cat that is the natural condition of to project. As the project is executed, coagulates, crystallizes, loses his multiplicity in favor of an alone reality and leaves less and less site everything what could be.
Projects of future? They appear every day. Only I wait to be opened what comes to seize every opportunity as an opportunity to learn, of working, of evolving, of helping, of investigating, of snooping, of breaking, of beginning, of amusing myself, of trying, of being wrong…
Finishing, what would him advise the current students and future professionals of architecture?
I am not anybody to give advices to anybody. I share this maxim of which the only thing that is lawful to teach is to teach to learning.
But if I have to say something to them, not as teacher, but as companion of profession, of interests, as companion of trip in this time so short that we have had to share he would say to them that they should not worry for the situation, that they do not listen to anybody, that they prove to be active and optimistic, because the architecture deals neither on crisis, nor on tastes, nor on money.
He would say to them that they should smile and draw … draw … draw…
Enrique Barrera | Photography: Carlos Valledor
Enrique Barrera · Architect, Designer, Interiorista, The Director of Art and teacher in ESNE
November, 2016
Interview realized by Ana Barreiro Blanco and Alberto Alonso Oro. To be grateful for Enrique his time and predisposition with this small space.
La intervención se lleva a cabo en un espacio subterráneo, cerca del mar, con apenas iluminación desde el exterior y en un estado previo que presentaba serios problemas de humedad. Aún así, en el interior de un edificio de construcción muy humilde, el espacio, muy reducido, de apenas 55m2, presentaba un aspecto completamente monumental, presidido por dos columnas octogonales de piedra sobre las que se elevaban cúpulas y bóvedas para cubrir el espacio y aguantar el peso de las plantas superiores.
El requerimiento por parte del cliente era crear un único ambiente, pero la monumentalidad de éste, sumada a la escasez de luz natural y visión exterior, condujo la propuesta a, si bien mantener el concepto de un único espacio, hacerlo mediante una mayor complejidad espacial donde se superponen y entrecruzan dos circulaciones: una central, a modo de espacio común sin una función específica; y una perimetral, a través de pequeñas estancias especializadas (dormitorio, vestidor, baño, almacén, cocina y estudio).
Así, ningún paramento llega hasta el techo, y el orden de bóvedas y cúpulas es continuo y visible desde cualquier punto; pero por debajo, hasta la altura marcada por el arranque de las cúpulas, la visión es parcial, interrumpida por los tabiques, creando así expectación ante lo que hay más allá, al otro lado, conformando un mundo interior propio, donde una reducida paleta de materiales; suelos y paramentos existentes revestidos de blanco para rebotar y reflejar toda la luz que pueda entrar a través de las escasas aberturas; y madera contralaminada de pino, en contraste con las superficies existentes revestidas para destacar todo lo que queda en medio del espacio, queda a la espera de la invasión de colores y texturas de las pertenencias de los futuros usuarios.
La obra ha sido lenta, la falta de ventilación y de aperturas al exterior provocaba que el proceso de secado de los materiales se dilatara en el tiempo; fue necesario proyectar y construir un suelo elevado de varias capas para asegurar su impermeabilización y aislamiento; todos las superficies y techos tuvieron que ser selladas con morteros impermeabilizantes de doble acción para impedir la entrada de humedad; se implementó un sistema de suelo radiante y de ventilación forzada conectada a una máquina deshumidificadora para controlar el nivel de humedad interior.
Pero poco a poco los materiales fueron secando, el salitre fue desapareciendo, y al quitar las luces de obra, y ya entrados en verano, pudimos comprobar que la luz natural entraba y rebotaba y creaba un espacio muy agradable y confortable, sin rastros de humedad, y que daba la impresión de ser bastante más grande de sus escasos 55 m2.
Obra: Apartamento Tibbaut
Autor: RAS Arquitectura
Lugar: Barcelona, España
Ingeniería: Marés ingenieros
Estructuras: Sustenta
Proyecto: 2014
Obra: Enero/Junio 2015
Cliente: Privado
Área construida: 55m2
Fotografía: José Hevia + rasarquitectura.com
A intervención leva a cabo nun espazo subterráneo, preto do mar, con apenas iluminación desde o exterior e nun estado previo que presentaba serios problemas de humidade. Aínda así, no interior dun edificio de construción moi humilde, o espazo, moi reducido, de apenas 55m2, presentaba un aspecto completamente monumental, presidido por dúas columnas octogonales de pedra sobre as que se elevaban cúpulas e bóvedas para cubrir o espazo e aguantar o peso das plantas superiores.
O requirimento por parte do cliente era crear un único ambiente, pero a monumentalidad deste, sumada á escaseza de luz natural e visión exterior, conduciu a proposta a, aínda que manter o concepto dun único espazo, facelo mediante unha maior complexidade espacial onde se superpoñen e entrecruzan dúas circulacións: unha central, a modo de espazo común sen unha función específica; e unha perimetral, a través de pequenas estancias especializadas (dormitorio, vestidor, baño, almacén, cociña e estudo).
Así, ningún paramento chega ata o teito, e a orde de bóvedas e cúpulas é continuo e visible desde calquera punto; pero por baixo, ata a altura marcada polo arranque das cúpulas, a visión é parcial, interrompida polos tabiques, creando así expectación ante o que hai máis aló, alén, conformando un mundo interior propio, onde unha reducida paleta de materiais; chans e paramentos existentes revestidos de branco para rebotar e reflectir toda a luz que poida entrar a través das escasas aberturas; e madeira contralaminada de piñeiro, en contraste coas superficies existentes revestidas para destacar todo o que queda no medio do espazo, queda á espera da invasión de cores e texturas das pertenzas dos futuros usuarios.
A obra foi lenta, a falta de ventilación e de aperturas ao exterior provocaba que o proceso de secado dos materiais dilatásese no tempo; foi necesario proxectar e construír un chan elevado de varias capas para asegurar a súa impermeabilización e illamento; todos as superficies e teitos tiveron que ser seladas con morteiros impermeabilizantes de dobre acción para impedir a entrada de humidade; implementouse un sistema de chan radiante e de ventilación forzada conectada a unha máquina deshumidificadora para controlar o nivel de humidade interior.
Pero aos poucos os materiais foron secando, o salitre foi desaparecendo, e ao quitar as luces de obra, e xa entrados no verán, puidemos comprobar que a luz natural entraba e rebotaba e creaba un espazo moi agradable e confortable, sen rastros de humidade, e que daba a impresión de ser bastante máis grande dos seus escasos 55 m2.
Obra: Apartamento Tibbaut
Autor: RAS Arquitectura
Lugar: Barcelona, España
Inxeñeria: Marés ingenieros
Estructuras: Sustenta
Proxecto: 2014
Obra: Xaneiro/Xuño 2015
Cliente: Privado
Área construida: 55m2
Fotografía: José Hevia + rasarquitectura.com
The project is carried out in an underground space near the sea, with barely any outside lighting and in serious humidity conditions. However, the interior of the simply-built, very small structure — barely 55m2 — had a real monumental look, presided over by two octagonal stone pillars from which domes and vaults rise to cover the space and bear the weight of the upper floors.
The client had requested the creation of an open-floor space. However, this monumentality, coupled with the shortage of natural light and view to the outdoors, led to another proposal. The single-space concept could be maintained but with greater spatial complexity, by overlapping and intersecting two living spaces: a central, common, multipurpose space and a perimeter of small designated-use rooms (bedroom, dressing room, bathroom, storage room, kitchen and study).
The walls do not reach all the way up to the ceiling so the vaults and domes are continuous and visible from anywhere. But from the ground level, up to the level marked by where the domes begin, the view is partially interrupted by partitions, creating an anticipation of what lies beyond on the other side, and giving contour to the inner world. The palette of materials is reduced. Floors and walls are white to bounce and reflect every beam of light that manages to enter through the few openings. The laminated pine dividing walls highlight the items in the centre of the space, while contrasting with the white surfaces of the existing walls. This is the serene canvas against which future users will splash the colours and textures of their furnishings and belongings.
Work has been slow-paced. Lack of ventilation and openings to the outside extended drying times for materials. We had to design and build a raised floor with several layers to ensure waterproofing and insulation. All surfaces and ceilings had to be sealed with double-action waterproof mortar to prevent moisture from leaking through. The level of indoor humidity was controlled with an underfloor heating and forced ventilation system connected to a dehumidifier.
Gradually, materials started drying and the saltpeter started disappearing. When we removed the worksite floodlights in early summer we found that natural light filled the space and bounced on the walls nicely, creating a very pleasant and comfortable humidity-free space which seemed much bigger than its meagre 55 m2.
Work: Apartment Tibbaut
Author: RAS Arquitectura (Raúl Sánchez)
Location: Barcelona, Spain
Engineering: Seas Engineers
Structure: It sustains
Construction: January-June 2015
Client: Private commission
Built surface: 55 square meters
Photography: José Hevia + rasarquitectura.com
El Museo de Arte Romano de Mérida, El Kursaal de San Sebastián y otras obras importantes son mostradas hoy por Rafael Moneo, el único premio Pritzker de Arquitectura nacido en España y maestro de varias generaciones de arquitectos nacionales e internacionales.
Obtiene el título de arquitecto en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid, donde se graduó en 1961. Durante sus estudios colaboró en varios proyectos con Francisco Javier Sáenz de Oiza (1956-1961). Trabajó a continuación durante los años 1961 y 1962 en el despacho de Jorn Utzon en Hellebaek (Dinamarca), el autor del famoso edificio de la ópera de Sídney.
En 1963 recibió una beca de dos años para estudiar en la Academia de España en Roma, estancia que tuvo gran influencia sobre su trabajo posterior. Volvió a España en 1965 y fue en primer lugar profesor adjunto en la Escuela de Arquitectura de Madrid (1966-1970). En 1972 ganó la Cátedra de Elementos de Composición en la ETSAB, lo que le llevó a vivir durante casi diez años en Barcelona, hasta que en 1980 ganó la oposición a catedrático de composición en la Escuela de Arquitectura de Madrid, que abandonó tras unos años de ejercicio.
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O Museo de Arte Romana de Mérida, O Kursaal de San Sebastián e outras obras importantes son mostradas hoxe por Rafael Moneo, o único premio Pritzker de Arquitectura nacido en España e mestre de varias xeracións de arquitectos nacionais e internacionais.
Obtén o título de arquitecto na Escola Técnica Superior de Arquitectura de Madrid, onde se graduó en 1961. Durante os seus estudos colaborou en varios proxectos con Francisco Javier Sáenz de Oiza (1956-1961). Traballou a continuación durante os anos 1961 e 1962 no despacho de Jorn Utzon en Hellebaek (Dinamarca), o autor do famoso edificio da ópera de Sídney.
En 1963 recibiu unha bolsa de dous anos para estudar na Academia de España en Roma, estancia que tivo gran influencia sobre o seu traballo posterior. Volveu a España en 1965 e foi en primeiro lugar profesor adxunto na Escola de Arquitectura de Madrid (1966-1970). En 1972 gañou a Cátedra de Elementos de Composición na ETSAB, o que lle levou a vivir durante case dez anos en Barcelona, ata que en 1980 gañou a oposición a catedrático de composición na Escola de Arquitectura de Madrid, que abandonou tras uns anos de exercicio.
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The Museum of Roman Art of Merida, The Kursaal of San Sebastian and other important works are showed today by Rafael Moneo, the only prize Pritzker of Architecture born in Spain and teacher of several generations of national and international architects.
It obtains the architect’s title in the Technical Top School of Architecture of Madrid, where it graduated in 1961. During his studies he collaborated in several projects with Francisco Javier Sáenz de Oiza (1956-1961). It was employed later during the year 1961 and 1962 at Jorn Utzon’s office at Hellebaek (Denmark), the author of the famous building of Sídney’s opera.
In 1963 it received a scholarship of two years to study in the Academy of Spain in Rome, stay that had great influence on his later work. It returned to Spain in 1965 and was first an assistant teacher in the School of Architecture of Madrid (1966-1970). In 1972 it gained the Chair of Elements of Composition in the ETSAB, which led him to living for almost ten years in Barcelona, until in 1980 it gained the opposition to professor of composition in the School of Architecture of Madrid, which it left after a few years of exercise.
Me perdonaréis y en especial a quien en el fondo dedico estas breves palabras, la nada científica aproximación de estas líneas a la “arquitectura escrita” de Carles Martí. Con toda seguridad, su rigor y extremo pudor nunca admitirían un texto como el presente. Aún así, en esta ocasión voy a contradecir al profesor…
Como tantos otros, tuve la breve oportunidad, y gran suerte de encontrar en la figura de Carles Martí la orientación y los consejos como referencia, al comienzo de una investigación y tesis. Fue nuestro primer encuentro una reunión en su estudio de Barcelona, de la que guardo un agradecidísimo recuerdo tanto por lo humano de su atención como por las sinceras opiniones y directo enfoque en torno al tema que yo intentaba presentar a estudio. Hablamos de las pautas y ritmos de este tipo de trabajos, de la amplitud de lo abordable, del extremo peligro de escoger temas genéricos, y ya que este joven arquitecto iba camino de Holanda, por culpa del tema que había escogido, de la traición de J.J.P. Oud al Movimiento Moderno…
Recuerdo, todavía hoy y de manera frecuente todos sus consejos, aunque el más básico, casi un latigazo sotiano, lo tengo presente cada día de práctica profesional y muy especialmente cuando llega la hora de escribir (en concreto, y como excepción, hoy no seguiré su consejo) sobre cuestiones ligadas a la arquitectura. Con todo cariño y atención me recomendó ya que era la hora del inicio del trabajo, conseguir un buen diccionario, quizás el María Moliner, me explicó. Allí entrarás en contacto con la etimología y la semántica, con el lenguaje más breve y básico, denso y conciso de los significados aislados de las palabras, sin contaminación, que hayan de componer los párrafos y sentencias más amplias por venir para organizar las ideas y lo que en realidad se quiere expresar.
En un único disparo, me había puesto en las manos la pista más importante, fiarse del origen y sentido primero de las palabras con las que vamos a trabajar, antes y al mismo tiempo, de estudiar los datos, de investigar los acontecimientos, como diciendo el resto importa, pero ya no tanto, si al comienzo está todo más claro. Carles Martí buscaba en aquella solo aparente obviedad, la de ir a buscar a un diccionario, un redescubrir constante de lo básico, a la manera de Cornelis van Eesteren, que se regalaba como una llamada de atención. Atención dirigida para arrancar con calma y perspectiva centrada en lo realmente importante, las palabras y el pensamiento sosegado… El diccionario como punto de partida, como matemática liberada de la vanidad de la literatura, gramática inicial, caminar antes que correr.
Pasados bastantes años éste -entre otros de sus muchos consejos- sigue igual de vivo, con la única diferencia de que ahora suelo acompañar el uso constante del citado María Moliner, con otro diccionario para mí básico, ya tan importante como el anterior: cualquiera de los textos académicos, científicos o de divulgación firmados y/o prologados por Carles Martí. La obra escrita de Carles Martí es para los estudiantes y arquitectos de las tres últimas décadas sinónimo de calidad, densidad y profunda honestidad. Textos narrados como si fueran todos, pasos unos detrás de otros, esclarecedores y seguros espacios de tránsito por el oficio y los verdaderos temas de fondo y preocupación continua a la tarea del arquitecto.
En un breve repaso a su bibliografía resulta imprescindible la relectura de su clásico “Las variaciones de la identidad” de Ediciones Serbal y también la del cuerpo editorial de la revista 2C, en especial la del ya famoso y tantas veces fotocopiado nº22 de 1985 entorno a “la Línea dura del Racionalismo” que tan bien viene para hacer pie en estos tiempos…
Carlos Martí Arís, en el acto de distinción como ‘magister honoris causa’ | Fuente: upc.edu
Son también fundamentales cualquiera de las colecciones o publicaciones del Departamento de proyectos arquitectónicos de la UPC, de las que Carles Martí ha sido redactor y en los que aparecen siempre textos y temas escogidos relacionados con lo imperecedero en arquitectura, como reflexión siempre crítica a los problemas de la contemporaneidad que nos ha tocado habitar. De igual forma, tampoco cabría mejor dirección que la suya para la ya amplísima colección Arquitesis de la Fundación Caja de arquitectos.
Para acabar este, somero y sucinto repaso, no podemos dejar de citar el que para una generación de arquitectos -en la búsqueda del perdido oficio- es uno de los textos capitales de la pasada década, el publicado inicialmente en el Circo nº 93 como “La Cimbra y el Arco”. Una condensada y crítica dosis de pensamiento sobre la importancia relativa, secundaria y auxiliar de la inflacionada reflexión en arquitectura, en relación a la verdadera cuestión que debe ocupar al arquitecto, la de la construcción, en su más profundo sentido. Un texto que cruza en diagonal tantas cuestiones de peso, presentándolas casi sin citarlas, que cada una de sus relecturas se vuelve una lección diferente.
Finalmente -a pesar de lo personal de estas palabras- me quedo tranquilo al saber que cada vez que entro en un texto de Carles Martí, lo hago con la total tranquilidad de que allí uno encuentra la radicalidad, la ciencia y la sencillez con la que el María Moliner nos abre y regala cada palabra para luego poder componer el mundo… un mundo seguramente menos importante.
Luis Gil Pita, arquitecto
Santiago de Compostela, enero 2009
Texto publicado originalmente en el blog de la desaparecida biblioteca del COAG.
Bibliografía
Martí Aris, Carles con Xavier Monteys Edt 2C Construcción de la Ciudad. La linea Dura, El ala radical del racionalismo 1924-34. Barcelona. 1985
Oslo Museum de Sverre Fehn | Fotografía: MADC, Oslo, julio 2014.
La mirada recorre la ciudad contemporánea un poco perdida entre señales, asfalto, muros y rótulos luminosos: superficies impermeables. El sistema también muestra huecos inaccesibles como la ventana ajena desde la que poder sentirse discretamente observado. El ojo urbano apenas penetra un par de metros en los escaparates, el interior de un vehículo, el negro tras la ventanilla de los kioscos.
Sin embargo, la construcción de la ciudad exige la consideración de la fisura, la mirada permeable, la calle como instrumento de observación errante.
En 2007 Sverre Fehn amplía con un pabellón cuadrado e independiente el edificio de oficinas para el Norge Bank (Oslo 1830), adaptando las salas a su nuevo uso como Museo de Arquitectura y sirviendo la ampliación como espacio de exposiciones temporales. El delicado pabellón de vidrio se rehúnde y retira de las calles adyacentes mediante un jardín, un muro de hormigón y una galería perimetral exterior.
La instalación de una serie de troneras en el muro permite observar desde la calle las exposiciones sucesivas, bien en el interior del pabellón, bien en la galería exterior, convertida entonces en el verdadero lugar expositivo: un intermedio. O dos.
El mecanismo se presenta como el revés de la ventana, su otro lado, la mirilla exterior desde la que avistar el adentro. Como un periscopio invertido, la exposición inferior se desvela tanto para el espectador urbano como el visitante del museo: la galería habilita sus posiciones simétricas.
Ciudad y galería, pabellón y jardín exterior, los espacios se suceden y nos transbordan desde el afuera como transeúntes de una ciudad permeable, la ciudad transigente, la ciudad horadada a través de mirillas y periscopios.
Miguel Ángel Díaz Camacho. Doctor Arquitecto
Madrid. Febrero 2015. Autor de Parráfos de arquitectura. #arquiParrafos
Es el evento del año para los arquitectos, un acto lúdico (esto es, con juegos y actividades en las que participar, fiesta, networking con otros compañeros y arquitectos más consolidados, entre otras muchas cosas). Bajo el concepto SALUD 4.0, hna invita a participar a todos los estudiantes de arquitectura y arquitectos profesionales con edades comprendidas entre los 17 y 99 años que tengan ganas de demostrar sus habilidades y pasárselo bien.
Este evento, que tendrá lugar en Barcelona (15 noviembre), Madrid (17 de noviembre), Sevilla (24 de noviembre) y Valencia (22 de noviembre), tiene plazas limitadas (200 participantes por ciudad) y una dotación en premios superior a los 10.000 euros.
Además, después de las actividades propiamente dichas, habrá un espacio ‘afterwork’, con música y cóctel (saludable) en el que los participantes podrán conocer a algunos compañeros de estudios o profesión que han desarrollado actividades paralelas a la arquitectura (ControlX, Joecon, DTF, Auara…)
Todos los participantes estarán divididos por equipos. Estos deberán superar una serie de pruebas y conseguir puntuaciones para lograr, compitiendo entre ellos, alcanzar el éxito final. El desarrollo de la actividad será en sistema de ‘circuito de actividades’, por las que los equipos irán pasando de 2 en 2 compitiendo entre ellos hasta la prueba final.
Agilidad, rapidez, trabajo en equipo y cooperación, liderazgo, simpatía y buen humor son algunas de las habilidades que se premiarán.
Se harán 14 equipos, 10 de 11 personas y 4 de 10 personas, hasta las 150 personas. ¡Inscríbite!
Dichos equipos se ‘emparejarán’ de 2 en 2 para hacer el circuito compitiendo entre ellos. En total deberán superar 9 pruebas. De esta forma, habrá 2 equipos en cada prueba, rotando por las 9 actividades y finalizando en una prueba común en la que compiten todos equipos a la vez.
La duración de cada una de las pruebas será de unos 12-15minutos.
Al comenzar el evento habrá una charla inicial, de unos 25 minutos, para informar de la organización de las actividades, premios y reglas del juego, organizar a los equipos y entregar los materiales a los mismos. Habrá un break para que los participantes puedan reponerse.
¿A qué pruebas deberán enfrentarse los participantes?
1. Futbolín humano: futbolín GIGANTE, hinchable, en el que los ‘muñecos’ son los participantes de cada equipo, disputando partidos entre ellos, marcando más goles que el contrario.
2. Esquís cooperativos: en los esquís cooperativos dos o más compañeros deben ‘esquiar’ sujetos a los mismos esquís en una trepidante carrera por relevos, coordinándose ante la acción de dar un simple paso.
3. Súper diana + Cuerda de tracción: diana GIGANTE en la que los participantes demostrarán su puntería con los discos voladores (frisbies) y la ‘tradicional’ cuerda de tracción o SOGA-TIRA, en la que todo el equipo debe ir al mismo compás si quiere vencer a su rival.
4. Bandas de cooperación: los primeros 2 participantes equilibran el balón u otro objeto en la base de su banda y lo pasan de su banda de equilibrio a la siguiente y así sucesivamente. Deberán transportar: saquitos, pelotas, objetos madera…etc.
5. Tiro con arco-caza simulada: combina dos modalidades de tiro en donde priman la concentración y la técnica, tanto dianas, figuras semi-3D y 3D serán sus objetivos.
6. Río ácido: Un problema planteado ¿Cómo atravesar un río ácido sin que nadie resulte herido? Se facilitarán medios necesarios para construir un pequeño puente y conseguir llegar a la orilla contraria antes que los adversarios.
7. Ingenio y habilidad: rascacielos/torre y naipes gigantes, los participantes deberán construir y ‘elevar’ su torre/rascacielos sin que sus piezas caigan, de igual modo con sus cartas gigantes; pudiendo competir equipo contra equipo o el que antes lo consiga construir o evitar que se caiga.
8. Pensamiento lateral: 7 acertijos difíciles para mentes ‘privilegiadas’. En la resolución de un problema de pensamiento lateral no siempre tienen ventaja las personas con más conocimientos, sino las que son más creativas. La tarea del grupo será resolver el acertijo tan rápidamente como pueda. Si el grupo queda atascado, entonces el monitor puede ayudar mediante claves o ayudas.
9. Tipies indios: La construcción de tipies es un pequeño team-building en el que el equipo deberá construir y decorar un poblado con tipies indios. Todos los materiales serán facilitados para la construcción de estos tipies.
La última prueba haría un ÚNICO EQUIPO con un OBJETIVO COMÚN DE EQUIPO en la construcción del poblado Indio; para unificar el trabajo conjunto, cooperación, comunicación….de los 150 participantes.
Dependiendo de localizaciones hay actividades que se pueden ‘sustituir’ por otras, que de igual modo estén relacionadas con la salud, arquitectura, deporte, como pueden ser: gladiadores, fútbol a ciegas, mini-bicicletas, Tangram gigante, dominó gigante, circuito pista americana, problema de transporte, carreras de obstáculos, bolera… etc.
1º Premio al equipo más competente -> 100 €/persona
2ª Premio al arquitecto más creativo-> 200€
3º Premio al mejor coach -> Seis meses póliza de salud (Reembolso) + 6 meses de pack A Medida para 5 de sus empleados
4ª Sorteo entre todos los participantes de una estancia en el hotel Asia Gardens
Además, todos los asistentes recibirán obsequios por el simple hecho de participar.
El sistema de puntuación será llevado por parte de los monitores realizando un sumatorio final para obtener un ranking/podio desde el puesto 14 hasta el primero, en el que está el PODIO de 1º,2º y 3º equipo; pudiendo dar una mención o premio adicional al Equipo más Deportivo-Saludable, Equipo más Competitivo, Solidario, Constructivo o similar.
Cada actividad puede llevar una puntuación diferente desde 1 punto a 0 punto u empate, así como por tiempos, goles, distancias alcanzadas…o similar, dependiendo de la prueba.
18:00 Comienzo del evento. Entrega de material y hospitality (camisetas, pulseras y chapas con nombre) en el stand personalizado con trasera personalizada de #arquiolimpiadashna
1. a) Titular del estudio -> Se convertirá en el mentor/coach de uno de los equipos. Su principal misión será la de apoyar a sus integrantes y dotarles de la confianza suficiente para poder ganar. Si, además, tanto u equipo resulta ganador se llevarán un año gratis de la póliza de salud que tengan y un pack de productos A medida para cada uno de los miembros de su estudio
2. b) Integrantes de un estudio-> Todos los integrantes de los estudios podrán participar en las olimpiadas y recibir cualquiera de los premios.
En el evento participarán, además, estudiantes de arquitectura y arquitectos que tienen su propia empresa, al margen de la arquitectura. Así, contaremos un puesto de agua (Aguara), de revistas (DTF), etc..
É o evento do ano para os arquitectos, un acto lúdico (isto é, con xogos e actividades nas que participar, festa, networking con outros compañeiros e arquitectos máis consolidados, entre outras moitas cousas). Baixo o concepto SAÚDE 4.0, hna convida a participar a todos os estudantes de arquitectura e arquitectos profesionais con idades comprendidas entre os 17 e 99 anos que teñan ganas de demostrar as súas habilidades e pasarllo ben.
Este evento, que terá lugar en Barcelona (15 novembro), Madrid (17 de novembro), Sevilla (24 de novembro) e Valencia (22 de novembro), ten prazas limitadas (200 participantes por cidade) e unha dotación en premios superior aos 10.000 euros.
Ademais, despois das actividades propiamente ditas, haberá un espazo ‘afterwork’, con música e cóctel (saudable) no que os participantes poderán coñecer a algúns compañeiros de estudos ou profesión que desenvolveron actividades paralelas á arquitectura (ControlX, Joecon, DTF, Auara…)
Todos os participantes estarán divididos por equipos. Estes deberán superar unha serie de probas e conseguir puntuacións para lograr, competindo entre eles, alcanzar o éxito final. O desenvolvemento da actividade será en sistema de ‘circuíto de actividades’, polas que os equipos irán pasando de 2 en 2 competindo entre eles ata a proba final.
Axilidade, rapidez, traballo en equipo e cooperación, liderado, simpatía e bo humor son algunhas das habilidades que se premiarán.
Faranse 14 equipos, 10 de 11 persoas e 4 de 10 persoas, ata as 150 persoas. Inscríbite!
Devanditos equipos se ‘emparellarán’ de 2 en 2 para facer o circuíto competindo entre eles. En total deberán superar 9 probas. Desta forma, haberá 2 equipos en cada proba, rotando polas 9 actividades e finalizando nunha proba común na que compiten todos equipos á vez.
A duración de cada unha das probas será duns 12-15minutos.
Ao comezar o evento haberá unha charla inicial, duns 25 minutos, para informar da organización das actividades, premios e regras do xogo, organizar aos equipos e entregar os materiais aos mesmos. Haberá un break para que os participantes poidan repoñerse.
A que probas deberán enfrontarse os participantes?
1. Futbolín humano: futbolín XIGANTE, inchable, no que os ‘bonecos’ son os participantes de cada equipo, disputando partidos entre eles, marcando máis goles que o contrario.
2. Esquís cooperativos: nos esquís cooperativos dous ou máis compañeiros deben ‘esquiar’ suxeitos aos mesmos esquís nunha trepidante carreira por substitucións, coordinándose ante a acción de dar un simple paso.
3. Súper diana + Corda de tracción: diana XIGANTE na que os participantes demostrarán a súa puntería cos discos voadores (frisbies) e a ‘tradicional’ corda de tracción ou SOGA-TIRA, na que todo o equipo debe ir ao mesmo compás se quere vencer ao seu rival.
4. Bandas de cooperación: os primeiros 2 participantes equilibran o balón ou outro obxecto na base da súa banda e pásano da súa banda de equilibrio á seguinte e así sucesivamente. Deberán transportar: saquitos, pelotas, obxectos madeira…etc.
5. Tiro con arco-caza simulada: combina dúas modalidades de tiro onde priman a concentración e a técnica, tanto dianas, figuras semi-3D e 3D serán os seus obxectivos.
6. Río acido: Un problema exposto Como atravesar un río acedo sen que ninguén resulte ferido? Facilitaranse medios necesarios para construír unha pequena ponte e conseguir chegar á beira contraria antes que os adversarios.
7. Inxeño e habilidade: rañaceos/torre e naipes xigantes, os participantes deberán construír e ‘elevar’ a súa torre/rañaceos sen que as súas pezas caian, de igual modo coas súas cartas xigantes; podendo competir equipo contra equipo ou o que antes o consiga construír ou evitar que caia.
8. Pensamento lateral: 7 enigmas difíciles para mentes ‘privilexiadas’. Na resolución dun problema de pensamento lateral non sempre teñen vantaxe as persoas con máis coñecementos, senón as que son máis creativas. A tarefa do grupo será resolver o enigma tan rapidamente como poida. Se o grupo queda atrancado, entón o monitor pode axudar mediante claves ou axudas.
9. Tipies indios: A construción de tipies é un pequeno team-building no que o equipo deberá construír e decorar un poboado con tipies indios. Todos os materiais serán facilitados para a construción destes tipies.
A última proba faría un ÚNICO EQUIPO cun OBXECTIVO COMÚN DE EQUIPO na construción do poboado Indio; para unificar o traballo conxunto, cooperación, comunicación… dos 150 participantes.
Dependendo de localizacións hai actividades que se poden ‘sustituír’ por outras, que de igual modo estean relacionadas coa saúde, arquitectura, deporte, como poden ser: gladiadores, fútbol a cegas, mini-bicicletas, Tangram xigante, dominou xigante, circuíto pista americana, problema de transporte, carreiras de obstáculos, boleira… etc.
1º Premio ao equipo máis competente -> 100 €/persona
2ª Premio ao arquitecto máis creativo-> 200€
3º Premio ao mellor -> Seis meses póliza de saúde (Reembolso) + 6 meses de pack A Medida para 5 dos seus empregados
4ª Sorteo entre todos os participantes dunha estancia no hotel Asia Gardens
Ademais, todos os asistentes recibirán obsequios polo simple feito de participar.
O sistema de puntuación será levado por parte dos monitores realizando un sumatorio final para obter un ránking/podio desde o posto 14 ata o primeiro, no que está o PODIO de 1º,2º e 3º equipo; podendo dar unha mención ou premio adicional ao Equipo máis Deportivo-Saudable, Equipo máis Competitivo, Solidario, Construtivo ou similar.
Cada actividade pode levar unha puntuación diferente desde 1 punto a 0 punto ou empate, así como por tempos, goles, distancias alcanzadas…ou similar, dependendo da proba.
18:00 Comenzo do evento. Entrega de material e hospitality (camisetas, pulseiras e chapas con nome) na caseta personalizada con traseira personalizada de #arquiolimpiadashna
18:15 Speech hna – Por que Arquiolimpiadassaludables?
18:20 Reparto de grupos e inicio das actividades.
20:30 – 21:00 Entrega de premios polos xuíces na caseta con podium.
1. a) Titular do estudio -> Converterase no mentor/coach dun dos equipos. A súa principal misión será a de apoiar aos seus integrantes e dotarlles da confianza suficiente para poder gañar. Se, ademais, tanto ou equipo resulta gañador levarán un ano gratis da póliza de saúde que teñan e un pack de produtos A medida para cada un dos membros do seu estudo
2. b) Integrantes dun estudio-> Todos os integrantes dos estudos poderán participar nas olimpíadas e recibir calquera dos premios.
No evento participarán, ademais, estudantes de arquitectura e arquitectos que teñen a súa propia empresa, á marxe da arquitectura. Así, contaremos un posto de auga (Augase), de revistas (DTF), etc..
Es el evento del año para los arquitectos, un acto lúdico (esto es, con juegos y actividades en las que participar, fiesta, networking con otros compañeros y arquitectos más consolidados, entre otras muchas cosas). Bajo el concepto SALUD 4.0, hna invita a participar a todos los estudiantes de arquitectura y arquitectos profesionales con edades comprendidas entre los 17 y 99 años que tengan ganas de demostrar sus habilidades y pasárselo bien.
Este evento, que tendrá lugar en Barcelona (15 noviembre), Madrid (17 de noviembre), Sevilla (24 de noviembre) y Valencia (22 de noviembre), tiene plazas limitadas (200 participantes por ciudad) y una dotación en premios superior a los 10.000 euros.
Además, después de las actividades propiamente dichas, habrá un espacio ‘afterwork’, con música y cóctel (saludable) en el que los participantes podrán conocer a algunos compañeros de estudios o profesión que han desarrollado actividades paralelas a la arquitectura (ControlX, Joecon, DTF, Auara…)
Todos los participantes estarán divididos por equipos. Estos deberán superar una serie de pruebas y conseguir puntuaciones para lograr, compitiendo entre ellos, alcanzar el éxito final. El desarrollo de la actividad será en sistema de ‘circuito de actividades’, por las que los equipos irán pasando de 2 en 2 compitiendo entre ellos hasta la prueba final.
Agilidad, rapidez, trabajo en equipo y cooperación, liderazgo, simpatía y buen humor son algunas de las habilidades que se premiarán.
Se harán 14 equipos, 10 de 11 personas y 4 de 10 personas, hasta las 150 personas. ¡Inscríbite!
Dichos equipos se ‘emparejarán’ de 2 en 2 para hacer el circuito compitiendo entre ellos. En total deberán superar 9 pruebas. De esta forma, habrá 2 equipos en cada prueba, rotando por las 9 actividades y finalizando en una prueba común en la que compiten todos equipos a la vez.
La duración de cada una de las pruebas será de unos 12-15minutos.
Al comenzar el evento habrá una charla inicial, de unos 25 minutos, para informar de la organización de las actividades, premios y reglas del juego, organizar a los equipos y entregar los materiales a los mismos. Habrá un break para que los participantes puedan reponerse.
¿A qué pruebas deberán enfrentarse los participantes?
1. Futbolín humano: futbolín GIGANTE, hinchable, en el que los ‘muñecos’ son los participantes de cada equipo, disputando partidos entre ellos, marcando más goles que el contrario.
2. Esquís cooperativos: en los esquís cooperativos dos o más compañeros deben ‘esquiar’ sujetos a los mismos esquís en una trepidante carrera por relevos, coordinándose ante la acción de dar un simple paso.
3. Súper diana + Cuerda de tracción: diana GIGANTE en la que los participantes demostrarán su puntería con los discos voladores (frisbies) y la ‘tradicional’ cuerda de tracción o SOGA-TIRA, en la que todo el equipo debe ir al mismo compás si quiere vencer a su rival.
4. Bandas de cooperación: los primeros 2 participantes equilibran el balón u otro objeto en la base de su banda y lo pasan de su banda de equilibrio a la siguiente y así sucesivamente. Deberán transportar: saquitos, pelotas, objetos madera…etc.
5. Tiro con arco-caza simulada: combina dos modalidades de tiro en donde priman la concentración y la técnica, tanto dianas, figuras semi-3D y 3D serán sus objetivos.
6. Río ácido: Un problema planteado ¿Cómo atravesar un río ácido sin que nadie resulte herido? Se facilitarán medios necesarios para construir un pequeño puente y conseguir llegar a la orilla contraria antes que los adversarios.
7. Ingenio y habilidad: rascacielos/torre y naipes gigantes, los participantes deberán construir y ‘elevar’ su torre/rascacielos sin que sus piezas caigan, de igual modo con sus cartas gigantes; pudiendo competir equipo contra equipo o el que antes lo consiga construir o evitar que se caiga.
8. Pensamiento lateral: 7 acertijos difíciles para mentes ‘privilegiadas’. En la resolución de un problema de pensamiento lateral no siempre tienen ventaja las personas con más conocimientos, sino las que son más creativas. La tarea del grupo será resolver el acertijo tan rápidamente como pueda. Si el grupo queda atascado, entonces el monitor puede ayudar mediante claves o ayudas.
9. Tipies indios: La construcción de tipies es un pequeño team-building en el que el equipo deberá construir y decorar un poblado con tipies indios. Todos los materiales serán facilitados para la construcción de estos tipies.
La última prueba haría un ÚNICO EQUIPO con un OBJETIVO COMÚN DE EQUIPO en la construcción del poblado Indio; para unificar el trabajo conjunto, cooperación, comunicación….de los 150 participantes.
Dependiendo de localizaciones hay actividades que se pueden ‘sustituir’ por otras, que de igual modo estén relacionadas con la salud, arquitectura, deporte, como pueden ser: gladiadores, fútbol a ciegas, mini-bicicletas, Tangram gigante, dominó gigante, circuito pista americana, problema de transporte, carreras de obstáculos, bolera… etc.
1º Premio al equipo más competente -> 100 €/persona
2ª Premio al arquitecto más creativo-> 200€
3º Premio al mejor coach -> Seis meses póliza de salud (Reembolso) + 6 meses de pack A Medida para 5 de sus empleados
4ª Sorteo entre todos los participantes de una estancia en el hotel Asia Gardens
Además, todos los asistentes recibirán obsequios por el simple hecho de participar.
El sistema de puntuación será llevado por parte de los monitores realizando un sumatorio final para obtener un ranking/podio desde el puesto 14 hasta el primero, en el que está el PODIO de 1º,2º y 3º equipo; pudiendo dar una mención o premio adicional al Equipo más Deportivo-Saludable, Equipo más Competitivo, Solidario, Constructivo o similar.
Cada actividad puede llevar una puntuación diferente desde 1 punto a 0 punto u empate, así como por tiempos, goles, distancias alcanzadas…o similar, dependiendo de la prueba.
18:00 Comienzo del evento. Entrega de material y hospitality (camisetas, pulseras y chapas con nombre) en el stand personalizado con trasera personalizada de #arquiolimpiadashna
1. a) Titular del estudio -> Se convertirá en el mentor/coach de uno de los equipos. Su principal misión será la de apoyar a sus integrantes y dotarles de la confianza suficiente para poder ganar. Si, además, tanto u equipo resulta ganador se llevarán un año gratis de la póliza de salud que tengan y un pack de productos A medida para cada uno de los miembros de su estudio
2. b) Integrantes de un estudio-> Todos los integrantes de los estudios podrán participar en las olimpiadas y recibir cualquiera de los premios.
En el evento participarán, además, estudiantes de arquitectura y arquitectos que tienen su propia empresa, al margen de la arquitectura. Así, contaremos un puesto de agua (Aguara), de revistas (DTF), etc..
El edificio está situado en la plaza del Ayuntamiento de Ponferrada, en la base del Arco del Reloj, en lo que fue una de las 5 puertas de acceso a la ciudad medieval. La muralla de mampostería forma parte del edificio en uno de sus alzados, y lo cruza de lado a lado como uno de los muros de carga de la edificación, siendo a la vez medianería compartida con el convento de clausura de las Concepcionistas, lo que ha permitido su conservación.
La edificación responde a la construcción tradicional de casona blasonada Berciana del s. XVIII de planta rectangular, formada por volúmenes adosados, con patio interior, torreón y estratificando sus usos por alturas. La planta alta se dedicaba a vivienda con una zona de taller artesanal ysu planta baja orientada a actividades agrícolas o comerciales.
Sus muros, escaleras, balcones, aleros, solados y rejería son elementos protegidos, que son el reflejo de las diferentes etapas del crecimiento de la ciudad. La muralla medieval con su superposición de fases y alturas, el horno, el pozo, el escudo y el torreón son rasgos típicos de la casona tradicional del s. XVIII. Los artesonados, las baldosas hidráulicas y escaleras representan el interior de la burguesía industrial del s. XIX, y los cambios del s. XX en sus fachadas muestras los nuevos huecos para sus usos comerciales. Durante comienzos del s. XXI se realizan obras de estabilización y conservación.
El encargo, como objeto guía de la rehabilitación por parte del promotor, nos exige adaptar el antiguo edificio a las claves funcionales de un nuevo uso como restaurante, manteniendo íntegra su identidad y readaptando los espacios.
Planteamos una estrategia clara, la de resolver las necesidades de confort e instalaciones con la tecnología contemporánea, conjugándolo con en el valor histórico del lugar. Intervenimos mediante procesos de vacío que extraen las capas superfluas. Al despojar al edificio de estas pieles aparecen elementos singulares que decidimos poner en valor. Recuperamos los muros de carga de mampostería, los solados hidráulicos, las escayolas de los techos decorativos, los tabiques de entramado de madera y piedra tradicionales, piezas del mobiliario, parte de las carpinterías en puertas, ventanas y sus rejerías.
Lo nuevo se construye independiente a lo existente, pero continuando la estrategia de materiales nobles y técnicas tradicionales, enlazando piedras naturales, mortero de cal, y trabajo artesanal de yesos, maderas, vidrios y diferentes metales.
Como organización espacial proponemos rearticular el espacio entorno a los vacíos. En el primer cuerpo del edificio, se abre un hueco a doble altura a modo de atrio interior que conecta la planta baja y primera. En el segundo cuerpo edificado, orientamos los usos entorno al patio existente que envuelve a la muralla y creando luz y espacio.
El resultado resume un proyecto cargado de particularidades, que tiene el objeto de devolver a la ciudad los elementos de su patrimonio histórico.
Obra: Rehabilitación en casona blasonada del s. XVIII
Arquitecto: Marcos Miguélez
Localización: Ponferrada, España
Año: 2016
Superficie: 600 m2
Cliente: Trastevere
Constructor principal: Puferca
Vidriería: Tvitec
Pavimentos de madera: Maderas Besteiro
Pavimentos de mármol: Cupa stone
Ascensor y elevadores: Jobensa S.L.
Estores: Bandalux
Colaboradores: Alejandro Mikrós Herce
Fotografía: Antonio Vázquez Sotelo + marcosmiguelez.com
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O edificio está situado na praza do Concello de Ponferrada, na base do Arco do Reloxo, no que foi unha das 5 portas de acceso á cidade medieval. A muralla de mampostería forma parte do edificio nun dos seus alzados, e crúzao de lado a lado como un dos muros de carga da edificación, sendo á vez medianería compartida co convento de clausura das Concepcionistas, o que permitiu a súa conservación.
A edificación responde á construción tradicional de casarón blasonada Berciana do s. XVIII de planta rectangular, formada por volumes encostados, con patio interior, torreón e estratificando os seus usos por alturas. A planta alta dedicábase a vivenda cunha zona de taller artesanal ysu planta baixa orientada a actividades agrícolas ou comerciais.
Os seus muros, escaleiras, balcóns, beirados, solados e rejería son elementos protexidos, que son o reflexo das diferentes etapas do crecemento da cidade. A muralla medieval coa súa superposición de fases e alturas, o forno, o pozo, o escudo e o torreón son trazos típicos do casarón tradicional do s. XVIII. Os artesonados, as baldosas hidráulicas e escaleiras representan o interior da burguesía industrial do s. XIX, e os cambios do s. XX nas súas fachadas mostras os novos ocos para os seus usos comerciais. Durante comezos do s. XXI realízanse obras de estabilización e conservación.
O encargo, como obxecto guía da rehabilitación por parte do promotor, esíxenos adaptar o antigo edificio ás claves funcionais dun novo uso como restaurante, mantendo íntegra a súa identidade e readaptando os espazos.
Expomos unha estratexia clara, a de resolver as necesidades de confort e instalacións coa tecnoloxía contemporánea, conxugándoo con en o valor histórico do lugar. Intervimos mediante procesos sen carga que extraen as capas superfluas. Ao desposuír ao edificio destas peles aparecen elementos singulares que decidimos poñer en valor. Recuperamos os muros de carga de mampostería, os solados hidráulicos, as escaiolas dos teitos decorativos, os tabiques de armazón de madeira e pedra tradicionais, pezas do mobiliario, parte das carpinterías en portas, xanelas e as súas rejerías.
O novo constrúese independente ao existente, pero continuando a estratexia de materiais nobres e técnicas tradicionais, enlazando pedras naturais, morteiro de cal, e traballo artesanal de yesos, madeiras, vidros e diferentes metais.
Como organización espacial propoñemos rearticular o espazo contorna aos baleiros. No primeiro corpo do edificio, ábrese un oco a dobre altura a modo de atrio interior que conecta a planta baixa e primeira. No segundo corpo edificado, orientamos os usos contorna ao patio existente que envolve á muralla e creando luz e espazo.
O resultado resume un proxecto cargado de particularidades, que ten o obxecto de devolver á cidade os elementos do seu patrimonio histórico.
Obra: Rehabilitación nunha casona blasonada do s. XVIII
Arquitecto: Marcos Miguélez
Emprezamento: Ponferrada, España
Ano: 2016
Superficie: 600 m2
Cliente: Trastevere
Constructor principal: Puferca
Vidreira: Tvitec
Pavimentos de madeira: Maderas Besteiro
Pavimentos de mármore: Cupa stone
Ascensor e elevadores: Jobensa S.L.
Estores: Bandalux
Colaboradores: Alejandro Mikrós Herce
Fotografía: Antonio Vázquez Sotelo + marcosmiguelez.com
[:en]
The building is placed in the square of Ponferrada’s Town hall, in the base of the Arco del Reloj, in what it was one of 5 doors of access to the medieval city. The wall of masonry forms a part of the building in one of his gatherings, and crosses it from side to side as one of the walls of load of the building, being simultaneously a party wall shared with the convent of closing of the Concepcionistas, which has allowed his conservation.
The building noble Berciana answers to the traditional construction of casona of s. The XVIIIth of rectangular plant formed by attached volumes, with interior court, tower and stratifying his uses for heights. The high plant ysu was devoting himself to housing with a zone of handcrafted workshop ground floor orientated to agricultural or commercial activities.
His walls, stairs, balconies, eaves, solados and rejería are protected elements, which are the reflection of the different stages of the growth of the city. The medieval wall with his overlapping of phases and heights, the oven, the well, the shield and the tower are typical features of the traditional casona of s. The XVIIIth. The artesonados, the hydraulic tiles and stairs represent the interior of the industrial middle class of s. The XIXth, and the changes of s. The XXth in his fronts you show the new hollows for his commercial uses. During beginning of s. The XXIst realize works of stabilization and conservation.
The order, since object guides of the rehabilitation on the part of the promoter, it is required to us to adapt the former building to the functional keys of a new use as restaurant, keeping his identity complete and re-adapting the spaces.
We raise a clear strategy, her of solving the needs of comfort and facilities with the contemporary technology, bringing together it with in the historical local value. We intervene by means of processes of emptiness that extract the superfluous caps. On having cleared to the building of these skins there appear singular elements that we decide to put in value. We recover the walls of load of masonry, the hydraulic solados, the stuccoes of the decorative ceilings, the traditional partitions of studding of wood and stone, pieces of the furniture, part of the carpentries in doors, windows and his rejerías.
The new thing is constructed independently to the existing thing, but continuing the strategy of noble materials and traditional technologies, connecting natural stones, mortar of lime, and handcrafted work of plasters, wood, glasses and different metals.
Since spatial organization we propose to re-articulate the space I half-close to the emptinesses. In the first body of the building, a hollow is opened for double height like interior porch that connects the ground and first floor. In the second built-up body, we orientate the uses I half-close to the existing court that it wraps to the wall and creating light and space.
The result summarizes a project loaded with particularities, which has the object to return to the city the elements of his historical heritage.
Work: Rehabilitation in casona praised of s. The XVIIIth
Architect: Marcos Miguélez
Location: Ponferrada, Spain
Year: 2016
Area: 600 m2
Client: Trastevere
Principal builder: Puferca
Glassware: Tvitec
Wood Pavements: Maderas Besteiro
Marble Pavements: Cupa stone
Elevators: Jobensa S.L.
Stors: Bandalux
Collaborators: Alejandro Mikrós Herce
Photography: Antonio Vázquez Sotelo + marcosmiguelez.com
Enric Miralles (1955-2000) es considerado una de las figuras clave para entender la arquitectura española reciente y muchos de los temas recurrentes que hoy se manejan en la práctica y la teoría arquitectónicas contemporáneas. Este libro recoge una conversación, inédita hasta ahora, que el arquitecto barcelonés mantuvo con Enrique Walker en 1999 a raíz de un escrito del propio Miralles sobre James Lord y Alberto Giacometti, una de las últimas conversaciones importantes mantenida con Luis Moreno Mansilla y Emilio Tuñón y una serie de fragmentos de otras conversaciones en las que Miralles reflexiona sobre los arquitectos que marcaron su forma de entender la profesión. Los diálogos vienen acompañados de un texto del editor del libro, Carles Muro, que ofrece las claves fundamentales para interpretar la extraordinariamente rica variedad de cuestiones que Miralles abordó a lo largo de su intensa trayectoria.
«Así conocí yo a Enric, como un hipnotizador con un discurso siempre inesperado, un arquitecto que, cuando dibujaba un espacio abierto en una planta, poco después volvía a dibujar algo más para bloquearlo. Quizás fuese su manera de ser; intentar ser delicado, nunca directamente definido, para así llegar a una arquitectura sutil, integrada y respetuosa. Cuando dibujaba o cuando explicaba la razón de las cosas, le aburría hacer un gesto demasiado definido o arrogante. En su discurso escrito o hablado procuraba describir de una manera muy precisa todo lo que pasa cuando el lápiz se mueve sobre el papel, detallando todos los impulsos, los matices, los pensamientos tangenciales, los “amigos” que le acompañaban (casi siempre a través de los libros abiertos sobre la mesa).»
Benedetta Tagliabue
[:gl]
Enric Miralles (1955-2000) é considerado unha das figuras crave para entender a arquitectura española recente e moitos dos temas recorrentes que hoxe se manexan na práctica e a teoría arquitectónicas contemporáneas. Este libro recolle unha conversación, inédita ata agora, que o arquitecto barcelonés mantivo con Enrique Walker en 1999 por mor dun escrito do propio Miralles sobre James Lord e Alberto Giacometti, unha das últimas conversacións importantes mantida con Luís Moreno Mansilla e Emilio Tuñón e unha serie de fragmentos doutras conversacións nas que Miralles reflexiona sobre os arquitectos que marcaron a súa forma de entender a profesión. Os diálogos veñen acompañados dun texto do editor do libro, Carles Muro, que ofrece as claves fundamentais para interpretar a extraordinariamente rica variedade de cuestións que Miralles abordou ao longo da súa intensa traxectoria.
«Así coñecín eu a Enric, como un hipnotizador cun discurso sempre inesperado, un arquitecto que, cando debuxaba un espazo aberto nunha planta, pouco despois volvía debuxar algo máis para bloquealo. Quizais fose a súa maneira de ser; tentar ser delicado, nunca directamente definido, para así chegar a unha arquitectura sutil, integrada e respectuosa. Cando debuxaba ou cando explicaba a razón das cousas, aburríalle facer un xesto demasiado definido ou arrogante. No seu discurso escrito ou falado procuraba describir dunha maneira moi precisa todo o que pasa cando o lapis móvese sobre o papel, detallando todos os impulsos, os matices, os pensamentos tangenciales, os «amigos» que lle acompañaban (case sempre a través dos libros abertos sobre a mesa).»
Benedetta Tagliabue
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Enric Miralles (1955-2000) is considered to be one of the figures key to understand the Spanish recent architecture and many of the topics appellants who today manage in the architectural contemporary practice and the theory. This book gathers a conversation, unpublished till now, that the Barcelonian architect supported with Enrique Walker in 1999 immediately after a writing of the own Miralles on James Lord and Alberto Giacometti, one of the last important conversations supported with Luis Moreno Mansilla and Emilio Tuñón and a series of fragments of other conversations in which Miralles thinks about the architects who marked his way of understanding the profession. The dialogs come accompanied from a text of the publisher of the book, Carles Muro, which offers the fundamental keys to interpret the extraordinarily rich variety of questions that Miralles approached along his intense path.
«This way I knew Enric, as a hypnotist with a speech always unexpectedly, an architect that, when I was drawing a space opened in a plant, little later was returning to draw something more to block it. Probably it was his way of being; to never try to be delicate, directly definite, this way to come to a subtle, integrated and respectful architecture. When it was drawing or when it was explaining the reason of the things, he was boring him to do a too definite or arrogant gesture. In his written or spoken speech it was trying to describe in a very precise way everything what happens when the pencil moves on the paper, detailing all the impulses, the shades, the tangential thoughts, the «friends» who were accompanying him (almost always across the books opened on the table). «
En 1959 el concepto de corrección política todavía estaba por inventarse, así que aún era posible que un periódico de tirada nacional, en este caso Blanco y Negro —suplemento cultural de ABC— publicara un artículo con este rotundo encabezado.1 El artículo cumplía todas las premisas para llamar la atención: titular polémico, composición gráfica llamativa y, sobre todo, firmante de reconocido prestigio; en este caso, Miguel Fisac.
Esta profesión se queja regularmente de que la sociedad tiene una imagen distorsionada de la labor de los arquitectos. Se nos identifica con el tópico del profesional caprichoso y pagado de sí mismo, que resulta más un estorbo que un agente útil en el proceso de construcción de la ciudad. En un vistazo rápido a la prensa actual española es fácil localizar columnas periódicas dedicadas a la crítica de cine, moda, música o arte, pero, salvo contadas excepciones, la difusión de la labor de los arquitectos se limita a alguna sonada inauguración o a algún —no menos sonado— escándalo inmobiliario. Si bien es cierto que, de unos años a esta parte, los suplementos culturales de la mayor parte de los periódicos tienen una sección dedicada a este asunto, la buena arquitectura, medida, sensata y responsable —que la hay— resulta difícil de encontrar entre noticias que tendrían mejor acomodo en las páginas de sucesos o en las de prensa del corazón.
Por otra parte, también existe la creencia de que el arquitecto no considera la opinión que sobre la arquitectura tienen los ‘no iniciados’. Buena muestra de ello es el poco interés que siempre ha mostrado el colectivo por difundir su trabajo entre el público más generalista. Demasiado a menudo los arquitectos nos servimos de un lenguaje deliberadamente críptico, aprendido y asimilado ya en las aulas que, aunque puede entenderse por una gran parte de la profesión —y aún esto es discutible—, resulta, cuanto menos, complicado de entender para el resto de la población.
Si a día de hoy se abre cualquier revista especializada, pueden localizarse descripciones como la que sigue, referidas al proyecto de un edificio de viviendas en el centro de Madrid:
«El futuro claustro resultante, o plaza interior, anticipa y promete la felicidad de una fusión morfológica, con el fin de compartir lo mejor: el alma colectiva y arbolada de la manzana. Ese alma aventada y fresca (ya que mira y respira por los huecos de doble escala a la calle) constituirá un espacio panóptico y fluyente que convertirá lo que era simple patio en una homotecia invertida y ampliada de la vivienda de doble rostro»
Este texto, que podría resultar poético y evocador para muchos, no parece, sin embargo, demasiado asequible para un lector que pretenda comprender y apreciar lo que, por otra parte, es un magnífico proyecto de arquitectura. Así que, ¿dónde radica realmente la distancia entre los arquitectos y la sociedad? Por una parte, parece que la arquitectura como tal no interesa y, por otra, se diría que los propios profesionales nos empeñamos en alejarla de la comprensión de la gente.
Este artículo de Fisac da mucho más de lo que promete en su titular. Habla de acercar la arquitectura a la gente, de tenerles en cuenta a la hora de diseñar las ciudades en las que van a vivir, de abandonar este florido ensimismamiento que nos ha convertido en ese agente incomprensible del que ahora renegamos. Habla de que, a fin de cuentas, no deberíamos estar encantados de haber inventado el frigorífico, sin pensar en que quizá, sólo quizá, la gente preferiría seguir usando el botijo.
Alberto Ruiz. Arquitecto, docente e investigador.
Madrid. Octubre 2016.
Notas:
1. «El urbanismo y las amas de casa». Este artículo apareció en la edición del día 24 de enero de 1959 en la revista Blanco y Negro.
[:gl]
En 1959 o concepto de corrección política aínda estaba por inventarse, así que aínda era posible que un xornal de tirada nacional, neste caso Branco r Negro —suplemento cultural de ABC— publicase un artigo con este rotundo encabezado.1 O artigo cumpría todas as premisas para chamar a atención: titular polémico, composición gráfica rechamante e, sobre todo, asinante de recoñecido prestixio; neste caso, Miguel Fisac.
Esta profesión quéixase regularmente de que a sociedade ten unha imaxe distorsionada do labor dos arquitectos. Identifícasenos co tópico do profesional caprichoso e pago de si mesmo, que resulta máis un estorbo que un axente útil no proceso de construción da cidade. Nunha ollada rápida á prensa actual española é fácil localizar columnas periódicas dedicadas á crítica de cinema, moda, música ou arte, pero, salvo contadas excepcións, a difusión do labor dos arquitectos limítase a algunha soada inauguración ou a algún —non menos soado— escándalo inmobiliario. Aínda que é certo que, duns anos a esta parte, os suplementos culturais da maior parte dos xornais teñen unha sección dedicada a este asunto, a boa arquitectura, medida, sensata e responsable —que a hai— resulta difícil de atopar entre noticias que terían mellor acomodo nas páxinas de sucesos ou nas de prensa do corazón.
Por outra banda, tamén existe a crenza de que o arquitecto non considera a opinión que sobre a arquitectura teñen os ‘non iniciados’. Boa mostra diso é o pouco interese que sempre mostrou o colectivo por difundir o seu traballo entre o público máis xeneralista. Demasiado a miúdo os arquitectos servímonos dunha linguaxe deliberadamente críptico, aprendido e asimilado xa nas aulas que, aínda que pode entenderse por unha gran parte da profesión —e aínda isto é discutible—, resulta, canto menos, complicado de entender para o resto da poboación.
Se a día de hoxe ábrese calquera revista especializada, poden localizarse descricións como a que segue, referidas ao proxecto dun edificio de vivendas no centro de Madrid:
«O futuro claustro resultante, ou praza interior, anticipa e promete a felicidade dunha fusión morfológica, co fin de compartir o mellor: a alma colectiva e arboredo da mazá. Esa alma aventada e fresca (xa que mira e respira polos ocos de dobre escala á rúa) constituirá un espazo panóptico e fluyente que converterá o que era simple patio nunha homotecia investida e ampliada da vivenda de dobre rostro»
Este texto, que podería resultar poético e evocador para moitos, non parece, con todo, demasiado alcanzable para un lector que pretenda comprender e apreciar o que, por outra banda, é un magnífico proxecto de arquitectura. Así que, onde radica realmente a distancia entre os arquitectos e a sociedade? Por unha banda, parece que a arquitectura como tal non interesa e, por outra, diríase que os propios profesionais empeñámonos en afastala da comprensión da xente.
Este artigo de Fisac dá moito máis do que promete no seu titular. Fala de achegar a arquitectura á xente, de terlles en conta á hora de deseñar as cidades nas que van vivir, de abandonar este florido ensimismamiento que nos converteu nese axente incomprensible do que agora renegamos. Fala de que, a final de contas, non deberiamos estar encantados de inventar o frigorífico, sen pensar en que quizá, só quizá, a xente preferiría seguir usando o botixo.
Alberto Ruiz. Arquitecto, docente e investigador.
Madrid. Outubro 2016.
Notas:
1. «O urbanismo e as amas de casa». Este artigo apareceu na edición do día 24 de xaneiro de 1959 na revista Branco e Negro.
[:en]
In 1959 the concept of political correction still was for be inventing, so still it was possible that a newspaper of national issue, in this Blanco y Negro -ABC’s cultural supplement- an article was publishing with round this one headline.1 The article was fulfilling all the premises to call the attention: polemic holder, graphical showy and, composition especially, signatory of recognized prestige; in this case, Miguel Fisac.
This profession complains regularly about that the company has an image distorted of the labor of the architects. We are identified by the topic of the capricious and full professional of yes same, that turns out to be more a hindrance than a useful agent in the process of construction of the city. In a rapid glimpse to the current Spanish press it is easy to locate periodic columns dedicated to the critique of cinema, mode, music or art, but, except few exceptions, the diffusion of the labor of the architects limits itself to some famous inauguration or to some – not less famous – real-estate scandal. Though it is true that, of a few years to this part, the cultural supplements of most of the newspapers have a section dedicated to this matter, the good architecture, measured, sensible and responsible – that exists – it turns out difficult to think between news that they would have better arrangement in the pages of events or in those of romance magazines.
On the other hand, also there exists the belief of which the architect does not consider the opinion that on the architecture they have ‘not initiated’. Good sample of it is little interest that always the group has showed to spread his work between the most general public. Too often the architects we are served a deliberately cryptic language, learned and assimilated already in the classrooms that, though it can be understood on a great part of the profession – and still this is debatable-, it turns out to be, less, complicated to deal for the rest of the population.
If a today any specialized magazine is opened, descriptions can be located as the one that is still, recounted to the project of a building of housings in the center of Madrid:
«The future resultant cloister, or interior square, it anticipates and promises the happiness of a morphologic merger, in order to share the better thing: the collective and wooded soul of the apple. This fanned and fresh soul (since it looks and breathes for the hollows of double scale to the street) will constitute a space panóptico and fluyente that will turn what was a simple court in a reversed and extended homotecia of the housing of double face»
This text, which might turn out to be poetical and evocative for many, does not seem to be, nevertheless, too attainable for a reader who tries to understand and to estimate what, on the other hand, is a magnificent project of architecture. So, where does it take root really in the distance between the architects and the company? On one hand, it seems that the architecture as such is not interested and, for other one, it would be said that the own professionals we pledge in removing it from the comprehension of the people.
This Fisac’s article gives much more than it promises in his holder. It speaks of bringing the architecture over to the people, of bearing them in mind at the moment of designing the cities in which they are going to live, of leaving this flowery absorption that has turned us into this incomprehensible agent whom now we renounce. He speaks that, ultimately, we should not be been charmed with of having invented the refrigerator, without thinking that probably, only probably, the people would prefer continuing using the earthenware jar.
Alberto Ruiz. Architect, teacher and investigator.
Madrid. October 2016.
Notes:
1. «The urbanism and the housewives». This article appeared in the edition of January 24, 1959 in Blanco y Negro Magazine.
En una ocasión, escuché fascinado la respuesta de Oiza cuando se le preguntó sobre cuál era su casa ideal.
Abrió mucho sus ojos y empezó a mover las manos, las palabras y las emociones. Con su maestría de siempre.
Soy incapaz de transcribir sus bellas palabras. Pero intentaré trasladar lo que me quedó. Porque lo que me quedó es un sueño. Un sueño que me asalta a menudo desde aquel día.
Nos describió detalladamente una casa fantástica. Con dos niveles. Uno con el terreno y otro por encima, arriba. Un lugar extenso y cambiante, grande y generoso. Un plano libre fragmentado por la presencia protagonista de muchas escaleras. Un incontable bosque de diseminadas escaleras de bello trazado que conducen verticalmente a los lugares privados, protegidos. A cada una de las guaridas de la noche.
He reconstruido mentalmente muchas veces esa casa. La casa de las escaleras.
He imaginado muchas veces el efecto emocional de la nube de peldaños. Ingrávidos. Salvadores. Aquel lugar diáfano y sin embargo velado, abierto y conectado.
Las sensaciones del dormir, de recogerse, allí. Teniendo como única puerta, único umbral, la energía ascendente de una escalera privada. Su seguridad e intimidad.
Le pongo colores, materiales, muebles, personas… y siempre me gusta.
Qué luz.
Yendo más allá deduzco que no sólo es una casa. No sólo un arquetipo ancestral. Es una imagen.
Sin medida, sin orden. Pero con alma.
Ver es tocar.
Sergio de Miguel, arquitecto
Madrid, marzo 2010[:gl]
Nunha ocasión, escoitei fascinado a resposta de Oiza cando se lle preguntou sobre cal era a súa casa ideal.
Abriu moito os seus ollos e empezou a mover as mans, as palabras e as emocións. Coa súa mestría de sempre.
Son incapaz de transcribir as súas belas palabras. Pero tentarei trasladar o que me quedou. Porque o que me quedou é un soño. Un soño que me asalta a miúdo desde aquel día.
Describiunos detalladamente unha casa fantástica. Con dous niveis. Un co terreo e outro por encima, arriba. Un lugar extenso e cambiante, grande e xeneroso. Un plano libre fragmentado por presénciaa protagonista de moitas escaleiras. Un incontable bosque de diseminadas escaleiras de belo trazado que conducen verticalmente aos lugares privados, protexidos. A cada unha das goridas da noite.
Reconstruín mentalmente moitas veces esa casa. A casa das escaleiras.
Imaxinei moitas veces o efecto emocional da nube de peldaños. Ingrávidos. Salvadores. Aquel lugar diáfano e con todo velado, aberto e conectado.
As sensacións do durmir, de recollerse, alí. Tendo como única porta, único limiar, a enerxía ascendente dunha escaleira privada. A súa seguridade e intimidade.
Póñolle cores, materiais, mobles, persoas… e sempre me gusta.
Que luz.
Indo máis aló deduzo que non só é unha casa. Non só un arquetipo ancestral. É unha imaxe.
Sen medida, sen orde. Pero con alma.
Ver é tocar.
Sergio de Miguel, arquitecto
Madrid, marzo 2010[:en]
In an occasion, listened fascinado the answer of Oiza when it asked him on which was his ideal house.
It opened a lot his eyes and began to move the hands, the words and the emotions. With his mastery of always.
I am unable to transcribe his beautiful words. But I will try to move what remained me. Because what remained me is a dream. A dream that assaults me often from that day.
It described us in detail a fantastic house. With two levels. One with the terrain and another by on, up. An extensive place and cambiante, big and generous. A free plane fragmentado by the leading presence of a lot of stairs. A countless forest of disseminated stairs of beautiful traced that drive vertically to the private places, protected. Eaching of the haunts of the night.
I have reconstructed mentally often this house. The house of the stairs.
I have imagined often the emotional effect of the cloud of steps. Weightless. Saviors. That diaphanous place and nevertheless watched, opened and connected.
The sensations of to sleep, of retiring, there. Having as the only door, the only threshold, the ascending energy of a private stairs. His safety and intimacy.
I him put colors, materials, furniture, persons … and always I like it.
What light.
Going beyond I deduce that not only it is a house. Not only an ancient archetype. It is an image.
El Premio Rafael Manzano se concede anualmente desde el año 2012 a arquitectos cuya obra haya destacado, bien en el campo de la restauración o bien en el de la obra nueva, por su defensa de los valores de las tradiciones arquitectónicas españolas. Se trata del mayor premio de arquitectura otorgado en España y se debe a la generosidad del filántropo norteamericano Richard H. Driehaus, enamorado del patrimonio arquitectónico español, y a la colaboración de la Escuela de Arquitectura de la University of Notre Dame (Indiana, EEUU).
En 2016, el quinto Premio Rafael Manzano de Nueva Arquitectura Tradicional ha sido concedido a Enrique Nuere, quien no sólo ha destacado por su magnífica labor restaurando artesonados tradicionales y diseñando otros nuevos, sino que ha sido posible, gracias a él, recuperar los conocimientos de un oficio cuyos pormenores, codificados antes de ser olvidados, nadie había podido aún desentrañar, así como revitalizarlo tanto desde la docencia y la investigación como desde la propia práctica profesional.
[:gl]https://youtu.be/cGctigAe2U4
O Premio Rafael Manzano concédese anualmente desde o ano 2012 a arquitectos cuxa obra destacase, ben no campo da restauración ou ben no da obra nova, polo seu defensa dos valores das tradicións arquitectónicas españolas. Trátase do maior premio de arquitectura outorgado en España e débese á xenerosidade do filántropo norteamericano Richard H. Driehaus, namorado do patrimonio arquitectónico español, e á colaboración da Escola de Arquitectura da University of Notre Dáme (Indiana, EEUU).
En 2016, o quinto Premio Rafael Manzano de Nova Arquitectura Tradicional foi concedido a Enrique Nuere, quen non só destacou polo seu magnífico labor restaurando artesonados tradicionais e deseñando outros novos, senón que foi posible, grazas a el, recuperar os coñecementos dun oficio cuxos pormenores, codificados antes de ser esquecidos, ninguén puidera aínda desentrañar, así como revitalizalo tanto desde a docencia e a investigación como desde a propia práctica profesional.
[:en]https://youtu.be/cGctigAe2U4
The Rafael Manzano Award is granted anually from the year 2012 to architects whose work has stood out, well in the field of the restoration or in that of the new work, for his defense of the values of the architectural Spanish traditions. It is a question of the major prize of architecture granted in Spain and owes to the generosity of the North American philanthropist Richard H. Driehaus fallen in love with the architectural Spanish heritage, and to the collaboration of the School of Architecture of the University of Notre Dame (Indiana, the USA).
In 2016, the fifth Prize Rafael Manzano of New Traditional Architecture has been granted to Enrique Nuere, who not only has stood out for his magnificent labor restoring artesonados traditional and designing new others, but it has been possible, thanks to him, to recover the knowledge of a trade which details, codified before being forgotten, nobody had could uncover still, as well as revitalize it both from the teaching and the investigation and from the own professional practice.
Hay espacios que surgen como un hallazgo afortunado e inesperado. Una serendipia de ejes X Y Z. Ante la sorpresa de encontrar un espacio no previsto, surge la necesidad de darle un uso y una dimensión social con nuevas actividades. Un espacio de energía potencial que al ser descubierto y pasar a formar parte de nuestro conocimiento colectivo se convierte en energía cinética. Una energía cinética que se transforma en social cuando el espacio es capaz de acoger un programa.
La idea de hallazgo fue lo que ocurrió con el depósito del Rei Martí, un antiguo depósito de retención de agua en la antigua finca de la torre y viaducto de Bellesguard, obra de Antoni Gaudí. Un depósito enterrado de más de 600m2 y fechado a finales del S.XIX que había quedado olvidado bajo un bosque de pinos hasta que hace 20 años se redescubrió de forma accidental.
La serendipia exige humildad, necesita de la capacidad de afinar mecanismos para escuchar, conectar espacios y personas, a menudo alejados de nuestro entorno conocido y fiable. Esa fue nuestra primera estrategia, mantener esa condición misteriosa del depósito e invitar a la ciudadanía a reapropiarse de él y a compartir la emoción del encuentro inesperado.
Una pequeña dotación presupuestaria permitió al distrito de Sarrià – Sant Gervasi en Barcelona proyectar una estrategia de reapropiación del depósito para pasar la energía potencial del depósito a energía cinética y prepararlo para una futura energía social. Un ejercicio de reciclaje de la ciudad que transforma un depósito de retención de agua en un equipamiento cultural. Un nuevo espacio que podrá ser todo.
Para ello el espacio del proyecto debe respetar el carácter, su código, su naturaleza, su materialidad, la huella del agua y la fuerza del depósito original. Tiene que ser un espacio que entienda y refuerce su estructura de pilares y arcos cada 3,5m y valorice sus bóvedas cerámicas a la catalana. No podíamos permitirnos cambiar el espacio, todo lo contrario, debíamos de promover su fuerza y su condición original.
El acceso al depósito se produce por la calle Bellesguard creando un nuevo espacio público para el barrio que hace al mismo tiempo de hall exterior de entrada. Una plaza que salva el desnivel que hay entre la calle y el depósito creando conexiones y relaciones visuales con la torre Bellesguard a través de la materialidad de los grandes muros de hormigón que se integran con el bosque de pinos que hay encima del depósito. Esta plaza funciona también como un activador urbano con la inclusión en el programa de una cafetería que se apropia de la plaza y hace la función de rótula entre la entrada al depósito y el jardín público que tiene encima.
En el interior del depósito los arcos y bóvedas cerámicas mantienen su carácter original y la huella del agua y la cal. Unos elementos constructivos que son enfatizados con la iluminación para convertirlos en los únicos protagonistas. Mientras, el suelo y las paredes perimetrales son revestidos de una madera que nos conecta organolépticamente con el bosque que hay en la cubierta del depósito, y nos permiten un control acústico del espacio. El depósito quiere ofrecer a la ciudad la oportunidad de una experiencia cultural diferente.
Proyecto: Restauración y reconversión de un antiguo depósito de retención de aguas – Depósito del Rei Martí
Emplazamiento: Calle Bellesguard 14, Barcelona, España
Autores: ARCHIKUBIK (Marc Chalamanch, Miquel Lacasta, Carmen Santana) – Enllaç arquitectònic Arc-Roig) – arquitectos
Dirección de obra: ARCHIKUBIK (jefe del proyecto: Jero Steinger) – arquitectos
Dirección ejecutiva de la obra: Francesc Belart – Arquitecto técnico
Project Manager: Projects Facilities & Management (Joan Mitjans, Sara Bordas)
Ingeniería: Atres80
Estructuras: Eskubi Turró Arquitectes
Acústica: David Casadevall
Coordinador de seguridad y salud: E-SCENTIA (Jordi Cabrera, Teresa Cano)
Promotor: Ajuntament de Barcelona – Districte de Sarrià-Sant Gervasi
Directora de Licencias y Espacios Públicos: Pilar Boguña – arquitecta
Responsable del contrato: Jordi Fargas – arquitecto
Técnico de suporte: Elisabet Boleda – arquitecta
BIMSA: Maite Gàmez – arquitecto
Fechas: 2014-2015
Presupuesto Total: 1,091M Euros
Superficie: 966.05m2 construidos
Programa: Depósito enterrado convertido en espacio multifuncional, edificio de servicios semienterrado, cafetería y plaza pública.
Empresas constructoras: Arcadi Pla (Jose M. Varón, Marcos Muñoz, Antonio Santana, Albert Abad, Ferran Coll)
• Estructura: Jab Encofrados
• Fachada interior: Flexbrick
• Instalaciones: MEFISA
• Cerrajería: Cerrajería Ciutat Vella
• Fusteria Forster: METCOR
• Estanqueidad: PRODEGI
• Paletería: SANCASA
• Pintura: APLIDECOR
• Pavimentos: ANTOLIN SERRANO
• Iluminación exterior: Santa&Cole
Fotografía: Adria Goula + archikubik.com
[:gl]Espazos Inesperados – Espazos reapropiados.
Hai espazos que xorden como un achado afortunado e inesperado. Unha serendipia de eixos X E Z. Ante a sorpresa de atopar un espazo non previsto, xorde a necesidade de darlle un uso e unha dimensión social con novas actividades. Un espazo de enerxía potencial que ao ser descuberto e pasar a formar parte do noso coñecemento colectivo convértese en enerxía cinética. Unha enerxía cinética que se transforma en social cando o espazo é capaz de acoller un programa.
A idea de achado foi o que ocorreu co depósito do Rei Martí, un antigo depósito de retención de auga na antiga leira da torre e viaduto de Bellesguard, obra de Antoni Gaudí. Un depósito enterrado de máis de 600m2 e datado a finais do S.XIX que quedara esquecido baixo un bosque de piñeiros ata que hai 20 anos se redescubrió de forma accidental.
A serendipia esixe humildade, necesita da capacidade de afinar mecanismos para escoitar, conectar espazos e persoas, a miúdo afastados da nosa contorna coñecida e fiable. Esa foi nosa primeira estratexia, manter esa condición misteriosa do depósito e convidar á cidadanía a reapropiarse del e a compartir a emoción do encontro inesperado.
Unha pequena dotación orzamentaria permitiu ao distrito de Sarrià – Sant Gervasi en Barcelona proxectar unha estratexia de reapropiación do depósito para pasar a enerxía potencial do depósito a enerxía cinética e preparalo para unha futura enerxía social. Un exercicio de reciclaxe da cidade que transforma un depósito de retención de auga nun equipamento cultural. Un novo espazo que poderá ser todo.
Para iso o espazo do proxecto debe respectar o carácter, o seu código, a súa natureza, a súa materialidad, a pegada da auga e a forza do depósito orixinal. Ten que ser un espazo que entenda e reforce a súa estrutura de alicerces e arcos cada 3,5m e valorice as súas bóvedas cerámicas á catalá. Non podiamos permitirnos cambiar o espazo, todo o contrario, debiamos de promover a súa forza e a súa condición orixinal.
O acceso ao depósito prodúcese pola rúa Bellesguard creando un novo espazo público para o barrio que fai ao mesmo tempo de hall exterior de entrada. Unha praza que salva o desnivel que hai entre a rúa e o depósito creando conexións e relacións visuais coa torre Bellesguard a través da materialidad dos grandes muros de formigón que se integran co bosque de piñeiros que hai encima do depósito. Esta praza funciona tamén como un activador urbano coa inclusión no programa dunha cafetería que se apropia da praza e fai a función de rótula entre a entrada ao depósito e o xardín público que ten encima.
No interior do depósito os arcos e bóvedas cerámicas manteñen o seu carácter orixinal e a pegada da auga e o cal. Uns elementos construtivos que son salientados coa iluminación para convertelos nos únicos protagonistas. Mentres, o chan e as paredes perimetrales son revestidos dunha madeira que nos conecta organolépticamente co bosque que hai na cuberta do depósito, e permítennos un control acústico do espazo. O depósito quere ofrecer á cidade a oportunidade dunha experiencia cultural diferente.
Proxecto: Restauración e reconversión dun antigo depósito de retención de augas ? Depósito do Rei Martí
Emprazamento: Rúa Bellesguard 14, Barcelona, España
Autores: ARCHIKUBIK (Marc Chalamanch, Miquel Lacasta, Carmen Santana) ? Enllaç arquitectònic Arc-Roig) – arquitectos
Dirección de obra: ARCHIKUBIK (xefe do proxecto: Jero Steinger) – arquitectos
Dirección executiva da obra: Francesc Belart – Arquitecto técnico
Project Manager: Projects Facilities & Management (Joan Mitjans, Sara Bordas)
Enxeñería: Atres80
Estruturas: Eskubi Turró Arquitectes
Acústica: David Casadevall
Coordinador de seguridade e saúde: E-SCENTIA (Jordi Cabrera, Teresa Cano)
Promotor: Ajuntament de Barcelona ? Districte de Sarrià-Sant Gervasi
Directora de Licenzas e Espazos Públicos: Pilar Boguña ? arquitecta
Responsable do contrato: Jordi Fargas – arquitecto
Técnico de suporte: Elisabet Boleda ? arquitecta
BIMSA: Maite Gàmez – arquitecto
Datas: 2014-2015
Orzamento Total: 1,091M Euros
Superficie: 966.05m2 construídos
Programa: Depósito enterrado convertido en espazo multifuncional, edificio de servizos semienterrado, cafetería e praza pública.
Empresas construtoras: Arcadi Pla (Jose M. Home, Marcos Muñoz, Antonio Santana, Albert Abad, Ferran Coll)
• Estructura: Jab Encofrados
• Fachada interior: Flexbrick
• Instalaciones: MEFISA
• Cerraxería: Cerrajería Ciutat Vella
• Fusteria Forster: METCOR
• Estanqueidade: PRODEGI
• Paletería: SANCASA
• Pintura: APLIDECOR
• Pavimentos: ANTOLIN SERRANO
• Iluminación exterior: Santa&Cole
Fotografía: Adria Goula + archikubik.com
[:en]Unexpected spaces – reappropriate Spaces.
There are spaces that arise as a lucky and unexpected finding. A serendipia of axes X And Z. Before the surprise of finding a not foreseen space, there arises the need to give him a use and a social dimension with new activities. A space of potential energy that on having been discovered and having happened to form a part of our collective knowledge turns into kinetic energy. A kinetic energy that transforms in socially when the space is capable of receiving a program.
The idea of finding was what happened with the warehouse of the Rei Martí, a former warehouse of water retention in the former estate of the tower and Bellesguard’s viaduct, Antoni Gaudí’s work. A warehouse buried of more of 600m2 and dating at the end of the S.XIX that had remained forgotten under a forest of pines until 20 years ago it re-revealed itself of accidental form.
The serendipity demands humility, needs from the aptitude to perfect mechanisms to listen, to connect spaces and persons, often removed from our known and trustworthy environment. This it was our first strategy, to support this mysterious condition of the warehouse and to invite to the citizenship to reapropiarse of him and to sharing the emotion of the unexpected meeting.
A small budgetary endowment allowed the district of Sarrià – Sant Gervasi in Barcelona to plan a strategy of reappropriation of the warehouse to spend the potential energy of the warehouse to kinetic energy and to prepare it for a future social energy. An exercise of recycling of the city that transforms a warehouse of water retention into a cultural equipment. A new space that will be able to be quite.
For it the space of the project must respect the character, his code, his nature, his materiality, the fingerprint of the water and the force of the original warehouse. It has to be a space that understands and reinforces his structure of props and arches every 3,5m and values his ceramic vaults to the Catalan one. We could not allow change the space, everything opposite, must promote his force and his original condition.
The access to the warehouse takes place for the street Bellesguard creating a new public space for the neighborhood that does at the same time of hall exterior of entry. A square that saves the difference that exists between the street and the warehouse creating connections and visual relations with the tower Bellesguard across the materiality of the big walls of concrete that join with the forest of pines that exists on the warehouse. This square works also as an urban activator with the incorporation in the program of a cafeteria that appropriates of the square and does the function of kneecap between the entry to the warehouse and the public garden that has above.
Inside the warehouse the arches and ceramic vaults support his original character and the fingerprint of the water and the lime. A few constructive elements that are emphasized by the lighting to turn them into the only protagonists. While, the soil and the walls perimetrales are redressed in a wood that connects us organolépticamente with the forest that exists in the cover of the warehouse, and allow us an acoustic control of the space. The warehouse wants to offer to the city the opportunity of a cultural different experience.
Work: Restoration and restructuring of a former warehouse of water retention – Rei Martí Warehouse
Location: Calle Bellesguard 14, Barcelona, Spain
Authors: ARCHIKUBIK (Marc Chalamanch, Miquel Lacasta, Carmen Santana) – Enllaç arquitectònic Arc-Roig) – arquitectos
Direction of work: ARCHIKUBIK (chief of the project: Jero Steinger) – architects
Executive management of the work: Francesc Belart – technical Architect
Project Manager: Projects Facilities & Management (Joan Mitjans, Sara Bordas)
Engineering: Atres80
Structures: Eskubi Turró Arquitectes
Acoustics: David Casadevall
Coordinator of safety and health: E-SCENTIA (Jordi Cabrera, Teresa Cano)
Promoter: Ajuntament de Barcelona – Districte de Sarrià-Sant Gervasi
Director of Licenses and Public Spaces: Pilar Boguña – architect
Person in charge of the contract: Jordi Fargas – architect
Technician of suporte: Elisabet Boleda – architect
BIMSA: Maite Gàmez – architect
Date: 2014-2015
Total budget: 1,091M Euros
Area: 966.05m2
Program: Buried Warehouse turned into multifunctional space, building of services semiburied, cafeteria and public square.
Construction companies: Arcadi Pla (Jose M. Varón, Marcos Muñoz, Antonio Santana, Albert Abad, Ferran Coll)
• Structure: Jab Encofrados
• Interior front: Flexbrick
• Facilities: MEFISA
• Locksmithing: Cerrajería Ciutat Vella
• Fusteria Forster: METCOR
• Watertightness: PRODEGI
• Brickwork: SANCASA
• Paint: APLIDECOR
• Pavements: ANTOLIN SERRANO
• Exterior lighting: Santa&Cole
Photography: Adria Goula + archikubik.com
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El Lago de Chapala, pintado a fines de los años veinte, que miro diariamente en la sala de mi casa | oscartenreiro.com
Hace cincuenta años tuvimos un profesor en la Facultad de Arquitectura que enseñaba a dibujar. Su enseñanza nada tenía que ver con trucos o fórmulas sino con fundamentos, con lo que precede al acto mismo de dibujar, podría decirse. Nos decía por ejemplo que era importante observar en general, lo cual consideraba una virtud especial; y observar el objeto que se quería dibujar con la mayor atención, para entenderlo. Buscar en él proporciones y direcciones. Ritmos. Cosas todas difíciles de definir, vagas. Dibujábamos con carboncillo y usábamos atriles. Nos exigía colocarnos con la distancia adecuada frente al atril, medida con el brazo estirado para lograr amplitud en el gesto, en el trazo. Nos hablaba de evitar el detalle, de no dejarnos llevar por él sin antes haber esbozado la totalidad. Nos exigía mucho, nos acosaba casi y era duro con los que creían saber, porque decía que había que renunciar a lo aprendido para moverse con libertad. Apuntaba siempre a que buscáramos nuestra propia capacidad de expresarnos. Y no buscaba de su rol de profesor razones para ocultar su modo de vivir, de ver las cosas, de situarse frente a la vida.
Se llamaba Charles Ventrillon-Horber y era francés, nacido en París en 1899. Mencionaba mucho a esa gran figura de la pintura académica francesa que fue Jean Paul Laurens (1838-1921), profesor de nuestros Arturo Michelena, Cristóbal Rojas y tal vez de él, cuando muy joven. Había pintado mucho en su tiempo europeo pero aquí su tema era la enseñanza. Su formación lo alejaba de las modas de entonces y acaso lo paralizaba como artista. Ataviado con una bata blanca, era habitante permanente del taller de dibujo, lleno de reproducciones de esculturas del mundo helénico. Las colocaba en el centro del Taller y a veces nos asignaba los puestos haciéndonos dibujar en escorzo aumentando la dificultad. El discóbolo en reposo era su preferido por lo sutil de su ritmo. Una vez logré esbozarlo, él me elogió y aquí está el dibujo frente a mí, todos los días, para recordarme un pequeño logro.
Exigencias y Enseñanzas
Como uno de los ejercicios de comienzo de curso, difícil hasta para los más hábiles, solía colocar dos taburetes de dibujo entrelazados, para que estudiáramos las direcciones. Y nos recomendaba dibujar nubes. O rocas, porque sus múltiples aristas, vetas, quiebres, reflejos, estimulaban la precisión del trazo. Dio forma a una constelación de exigencias y enseñanzas que ayudaba a distinguir entre el dibujo con vida propia, que remite a la complejidad del objeto, y la simple reproducción hábil, tan común y trivial. Ya eso era de agradecer.
Amaba y estudiaba la naturaleza. Y a Venezuela, su gente, sus paisajes. Cuando “Los Diablos de Yare” eran más auténticos e ir a observarlos requería un viaje de varias horas, en 1954, organizó una visita de estudiantes de la cual quedó un documental en blanco y negro imperfecto pero interesante que una vez nos proyectó. Porque practicaba el cine. Tenía una Paillard-Bolex de 16 mm.
Frecuentaba el mar, que disfrutaba en la casa construida por él en Chichiriviche de la Costa, a donde viajaba en jeep los fines de semana. Allí, en el corredor de esa casa destruida hace veinte años por uno de esos deslaves de nuestro litoral, instaló una especie de silla de pescar porque sentía especial predilección por capturar tiburones. Y como la casa estaba frente al mar y a no más de cien metros de la orilla, sólo tenía que pedirle a alguno de los pescadores del lugar, sus amigos, que le llevaran anzuelo y carnada mar adentro y el viejo (así le decíamos, pero era joven) se quedaba pendiente de la alarma de la caña, para encargarse de la lucha. Era su hobby preferido.
Personas
Ventrillon nos hablaba de todo en los momentos de descanso. Con frecuencia se le acercaban (seductoras, claro), las compañeras de curso; y él encantado. Y dejaba espacio para sesiones de conversación que eran como pequeños seminarios sobre la vida, las cosas y su obsesión, el arte. Junto a Edoardo Crema, profesor italiano que nos hablaba del Renacimiento, citaba a Vasari y nos hizo comprar la Historia del Arte de Pijoan, nos abrieron a ese mundo. Crema era más convencional pero no menos dispuesto a señalar lo importante.
Y el ser ajeno a convencionalismos hacía que Ventrillon incursionara en temas mundanos. Una vez me dijo,
¿quiere saber como será la mujer que le interesa?
Observe a su madre. Pensé que había dejado paso a una cierta misoginia, pero ahora lo entiendo mejor, la juventud puede ser un disfraz.
Muchos lo hemos visto con inmensa gratitud. Hoy lo reitero, y no lo digo por ser amable con el recuerdo, sino porque en momentos adolescentes cuando uno duda de sus capacidades o de haber escogido el camino equivocado, la presencia de quienes orientan enfrentándote con rigor a tus limitaciones sin dejar de señalar tus virtudes, tienen una importancia excepcional.
Charles Ventrillon es una prueba más de la importancia de las personas en la educación, es mi tema de estos días. Por encima de métodos, programas o intenciones pedagógicas. En cierto modo su presencia en los dos primeros años de la carrera, resumía la dimensión humanística del oficio de arquitecto. Y desde que dejó de ser profesor en nuestras aulas, injustamente separado de su cátedra por la explosión de lugares comunes ideológicos (populistas, claro) a la caída de Pérez Jiménez, su ausencia no ha podido ser suplida o compensada. Pero lo acogió desde entonces la Facultad de Ciencias donde dictó la cátedra de Dibujo para Biólogos y publicó un librito con ese nombre, que sigue a la venta. Murió en su casa de La Pastora en 1977. Allí lo visité una vez, con deseos de decirle que había sido mi Maestro. No sé si lo logré. Hoy lo recuerdo con palabras que me parecen pocas. Y sé que soy el portavoz de muchos.
Óscar Tenreiro Degwitz, Arquitecto.
Venezuela, septiembre 2011, Entre lo Cierto y lo Verdadero
El pasado 20 de noviembre 2015, Anatxu Zabalbeascoa, mientras moderaba la estupenda mesa redonda de Siza x Siza, comentó que la obra del maestro portugués, más allá de sus evidentes bondades, tenía el plus de que estaba pensada cuidando todos los detalles -incluso el poco tratado tema de la limpieza del proyecto-. Para ilustrarlo hablaba de cómo en uno de sus primeros proyectos, las piscinas de Leca de Palmeira, los vestuarios estaban diseñados para ser limpiados con un simple manguerazo.
Posteriormente Anatxu, ya en petit comité, nos contaba que tanto el coste de las obras de arquitectura, como su posterior limpieza y mantenimiento eran dos temas que siempre le habían interesado.
Piscinas en Leça de Palmeira de Álvaro Siza | Foto: Fernando Guerra_ FG+SG fotografía de arquitectura | Publicada en Alvaro Siza. Obras completas 1952-2013 Editorial Taschen
En este sentido, nos pareció muy oportuna su intervención pues, en los actuales tiempos en los que la imagen, y el postureo, son tan importantes (todo es efímero casi por naturaleza), pararnos, como arquitectos, a pensar en el detalle y en lo que no se ve en la foto, nos parece de suma importancia. Ante tanto formalismo desatado y publicación de cualquier proyecto que sea espectacular, bien nos viene volver a la esencia de la propia arquitectura y dejarnos de brindis al sol.
De todas formas, esto no es nuevo y en la arquitectura muchas veces ha ido conviviendo la innovación formal y tipológica, con grandes chapuzas constructivas. Es más, hasta un cierto punto, fue necesaria cierta temeridad constructiva, y asumir posibles goteras, para dar nacimiento, sin ir más lejos, a la arquitectura moderna.1
No hay que olvidar que el propio Le Corbusier, era muy consciente de las consecuencias mediáticas de sus proyectos e incluso de su propia persona. El marketing, que tanto sigue provocando sarpullido a muchos arquitectos, es algo que ha ido de la mano de los más grandes de la arquitectura; pero este es ya otro tema y en otros post nos ocuparemos de él.
En cualquier caso, una cosa es arriesgar en el límite de la técnica, y otra, bien distinta, sucumbir ante el mundo del espectáculo.
En muchos proyectos, aparecen vidrios demasiado grandes que son imposibles de limpiar, a no ser que se monté el circo para ello. En este sentido, con la llegada en el 2006 del CTE (se nos hace raro estar defendiendo semejante tocho lleno de contradicciones), se puso el acento en que los vidrios de las ventanas pudieran ser limpiables con facilidad. Aun así, no es complicado ir por la calle y encontrarte a más de una persona jugándose la vida –literal- para limpiar sus ventanas (¿posible solución?).
Tampoco ayuda demasiado la típica ventana corrida con la vitrocerámica delante y a ras. Seguramente, quedará muy bien, pero desde el punto de vista de limpieza, desde luego que no.
Otro aspecto dudoso que aparece, muchas veces, en la “arquitectura minimalista” es el encuentro entre paramento vertical y horizontal; de hecho, lo que suelen hacer es encontrarse tal cual, pues un rodapié “ensuciaría” el proyecto. Curiosamente, lo que acabará ensuciándose, sin duda alguna, son los bajos de esa pared, una vez que el fotógrafo de turno haya hecho el reportaje del proyecto.
Y así podríamos seguir con la lista de soluciones proyectuales que no ayudan para nada al mantenimiento ni limpieza de los proyectos.2
Reparación de Palau de les arts,obra de Santiago Calatrava | Foto: José Cuellar para El Mundo
Hace ya unos añitos, cuando éramos todavía estudiantes, no nos parábamos demasiado a pensar qué hacía que un proyecto acabará siendo publicado en la AV o en el Croquis; sin demasiada reflexión al respecto, dábamos por hecho que la buena arquitectura era la que se terminaba publicando.
Y eso era así, pero solo en parte. Sin ir más lejos, que una vez terminado el proyecto, se llame a un fotógrafo o a otro, hará que las posibilidades de publicación del proyecto aumenten considerablemente. Y por supuesto, los fotógrafos más caros, en general, son los que tenían y tienen los mejores contactos editoriales; así que, ser portada de una revista de papel, puede pasar en gran parte por tener pasta para gastar en el reportaje del edificio.3
Con ello, muchas veces la labor del fotógrafo -cuya necesidad y calidad de la mayoría de ellos, no dudamos- ha ido más allá de retratar el edificio y se ha centrado en ocasiones en camuflar sus defectos, incluso usando el photoshop cuando hace falta. Sobre barandillas que aparecen o desaparecen en las fotos de los proyectos (según intereses) daría para otro buen post.
Seguro que no siempre es así; pero sí en muchos casos. Como vemos este tipo de situaciones y actitudes están muy lejos del rigor con el que Anatxu hablaba de Siza.
Rodapié de la escalera del Caixa Forum Madrid. Arquitectos: Herzog & de Meuron | Fotos: José Ramón Hernández Correa
De esta forma, en demasiadas ocasiones la arquitectura ha olvidado su papel de servicio y se ha dejado engatusar por la foto y papel couché. Proyectos que, casi desde el momento de ser paridos, sucumbían al espectáculo y no es que se fueran a preocupar de cómo será su limpieza o mantenimiento, sino que cualquier deficiencia constructiva, podía ser asumida en favor de su posterior difusión y publicación.
Ejemplos de esta arquitectura la tenemos en abundancia y pasa desde los “clásicos” de Santiago Calatrava o Zaha Hadid, hasta otros en ocasiones menos evidentes como Bjarke Ingels o muchos de los edificios de Frank Gehry.
Mientras esto ha ocurrido, y todavía nos ha distanciado más de la sociedad, también ha existido siempre arquitectura seria y rigurosa. De hecho, España es un país en que abundan arquitectos, casi anti-mediáticos, como los casos de Fisac o Coderch y otros muchos, más actuales, como Tuñón y Mansilla o Cruz y Ortiz.
La lista, por suerte sería interminable.
Iglesia de Nuestra Sra. de la Coronación de Vitoria. Miguel Fisac, 1957-60 | Proyecto que visitamos no hace mucho y que se encuentra es muy buen estado.
Aun con todo, y no siendo poco esta arquitectura rigurosa, sincera y eficaz de la que hablamos, lo que en la actualidad a nosotros más nos interesa, es el nacimiento de un nuevo tipo de arquitecto. Esta figura, totalmente alejada de los fuegos de artificio, pone todo su énfasis en acercar la arquitectura a la sociedad.
Así, pasamos de una especie de arquitectura de la suciedad (en el sentido literal y también en el de su encantamiento por la imagen) a una arquitectura de la sociedad.
No nos vale eso de que si es buena arquitectura ya es social y, por tanto, entabla un diálogo suficiente con la sociedad. No entabla nada, lo único que hace es hacernos valer como una necesidad a la sociedad; lo cual, por otro lado, siempre está bien.
Estamos convencidos que, para que nos entiendan los “no arquitectos”, tendremos que hacer bastante más que construir buena arquitectura; este es un paso imprescindible, pero tenemos que aprender a comunicarnos de manera diferente.
Seguramente, no lo conseguiremos en esta generación, sobre todo si no nos ponemos la pilas -y de momento, desde nuestras cabezas pensantes no se hace gran cosa en este sentido-. Aun así, gracias a arquitect@s como Almudena de Benito (Chiquitectos), Zaramari y su arkitente o Maushaus, que trabajan con l@s más pequeñ@s, quizás haya más opciones de que la próxima generación no nos vea como unos tipos pedantes y distantes que no se sabe muy bien lo que hacen.
Sobre el lenguaje de los arquitectos ya hemos hablado mucho y sobre la apatía del colectivo a la hora de bajar a tierra nuestras ideas también.
Imagen de taller realizado por Almudena de Benito (Chiquitectos) | Publicada en visionarq.wordpress.com
Por todo ello, valoramos tanto que “colectivos” o agrupaciones de arquitectos (ver post sobre colectivos, aquí), hayan sabido estar en las trincheras, salir al cuerpo a cuerpo, dejar el título en casa (de hecho, algunos ni han terminado la carrera) y facilitar procesos.
Y esto es muy diferente de firmar proyectos, pues implica un posicionamiento horizontal en el que la autoridad se gana en cada segundo y nada se da por sentado. Viven en el aquí y en el ahora, asumiendo una responsabilidad que aparentemente no les tocaba y haciéndose valer por lo que son, no por lo que aparentan ser.
Así que, solo nos queda felicitar a gente como Paisaje Transversal, Zuloark o n´UNDO, que, de manera más que generosa, están cimentando las bases de una nueva manera de hacer arquitectura; una actitud que apuesta por el ciudadano y devuelve a la arquitectura su vocación de servicio.
Y esto en mucho para unos nuevos tiempos que se presentan tan esperanzadores como inciertos.
¡Ahora os toca a vosotros contarnos como veis nuestra reflexión!
Stepienybarno_Agnieszka Stepien y Lorenzo Barnó, arquitectos.
Estella, noviembre 2015
Notas:
1. De todas formas, no olvidamos que la arquitectura moderna, surge, en gran parte, para dar respuesta a un problema social de un momento concreto de la historia. Precisamente, la preocupación por la salubridad, tiene que ver con parte de las soluciones constructivas que se proponían. Luego, no es menos cierto, que éstas también daban problemas, como los que mencionamos en el post.
2. A modo de “anectota”, rescatamos del recuerdo la siguiente historia. Hace como un par de años, teníamos que escribir un reportaje de unas viviendas para una revista de papel polaca. Como las fotos originales estaban hechas por Ronald Hable, la revista ya sabía que no tendría presupuesto para pagarlas; así que, encargó a otro fotógrafo hacer unas cuantas fotos y ésas salieron publicadas. Y se publicaron tal cual; es decir, si había chorretones, salían los chorretones. Las viviendas no tenían ni meses de vida y, a pesar de los premios recibidos, no estaban en perfecto estado (tampoco nada horrible). De todas formas, lo que más nos llamó la atención fue la indignación con la que el arquitecto responsable de la obra –por otro lado, un arquitecto muy bueno, que, en general, admiramos mucho-, nos llamó porque su obra no estaba en la revista como al él le gustaba (las fotos retocadas de Hable). En fin, una anécdota que resume, en gran parte, lo que nos pasa con las fotos y las publicaciones a los arquitectos.
3. A este respecto hay que apuntar que, la mayoría de los arquitectos ganan cuatro duros y muchas responsabilidades -recordar que Asemas se acuerda de ti, y de tu dinero, 10 años después de haber dado el fin de obra-, perdiendo mucha salud en toda la fase de la obra del edifico.[:gl]Advocacy planning: Urbanismo al servicio de la justicia social | Strategic advocacy planning training, Budapest, septiembre 2012
El pasado 20 de noviembre 2015, Anatxu Zabalbeascoa, mientras moderaba la estupenda mesa redonda de Siza x Siza, comentó que la obra del maestro portugués, más allá de sus evidentes bondades, tenía el plus de que estaba pensada cuidando todos los detalles -incluso el poco tratado tema de la limpieza del proyecto-. Para ilustrarlo hablaba de cómo en uno de sus primeros proyectos, las piscinas de Leca de Palmeira, los vestuarios estaban diseñados para ser limpiados con un simple manguerazo.
Posteriormente Anatxu, ya en petit comité, nos contaba que tanto el coste de las obras de arquitectura, como su posterior limpieza y mantenimiento eran dos temas que siempre le habían interesado.
Piscinas en Leça de Palmeira de Álvaro Siza | Foto: Fernando Guerra_ FG+SG fotografía de arquitectura | Publicada en Alvaro Siza. Obras completas 1952-2013 Editorial Taschen
En este sentido, nos pareció muy oportuna su intervención pues, en los actuales tiempos en los que la imagen, y el postureo, son tan importantes (todo es efímero casi por naturaleza), pararnos, como arquitectos, a pensar en el detalle y en lo que no se ve en la foto, nos parece de suma importancia. Ante tanto formalismo desatado y publicación de cualquier proyecto que sea espectacular, bien nos viene volver a la esencia de la propia arquitectura y dejarnos de brindis al sol.
De todas formas, esto no es nuevo y en la arquitectura muchas veces ha ido conviviendo la innovación formal y tipológica, con grandes chapuzas constructivas. Es más, hasta un cierto punto, fue necesaria cierta temeridad constructiva, y asumir posibles goteras, para dar nacimiento, sin ir más lejos, a la arquitectura moderna.1
No hay que olvidar que el propio Le Corbusier, era muy consciente de las consecuencias mediáticas de sus proyectos e incluso de su propia persona. El marketing, que tanto sigue provocando sarpullido a muchos arquitectos, es algo que ha ido de la mano de los más grandes de la arquitectura; pero este es ya otro tema y en otros post nos ocuparemos de él.
En cualquier caso, una cosa es arriesgar en el límite de la técnica, y otra, bien distinta, sucumbir ante el mundo del espectáculo.
En muchos proyectos, aparecen vidrios demasiado grandes que son imposibles de limpiar, a no ser que se monté el circo para ello. En este sentido, con la llegada en el 2006 del CTE (se nos hace raro estar defendiendo semejante tocho lleno de contradicciones), se puso el acento en que los vidrios de las ventanas pudieran ser limpiables con facilidad. Aun así, no es complicado ir por la calle y encontrarte a más de una persona jugándose la vida –literal- para limpiar sus ventanas (¿posible solución?).
Tampoco ayuda demasiado la típica ventana corrida con la vitrocerámica delante y a ras. Seguramente, quedará muy bien, pero desde el punto de vista de limpieza, desde luego que no.
Otro aspecto dudoso que aparece, muchas veces, en la “arquitectura minimalista” es el encuentro entre paramento vertical y horizontal; de hecho, lo que suelen hacer es encontrarse tal cual, pues un rodapié “ensuciaría” el proyecto. Curiosamente, lo que acabará ensuciándose, sin duda alguna, son los bajos de esa pared, una vez que el fotógrafo de turno haya hecho el reportaje del proyecto.
Y así podríamos seguir con la lista de soluciones proyectuales que no ayudan para nada al mantenimiento ni limpieza de los proyectos.2
Reparación de Palau de les arts,obra de Santiago Calatrava | Foto: José Cuellar para El Mundo
Hace ya unos añitos, cuando éramos todavía estudiantes, no nos parábamos demasiado a pensar qué hacía que un proyecto acabará siendo publicado en la AV o en el Croquis; sin demasiada reflexión al respecto, dábamos por hecho que la buena arquitectura era la que se terminaba publicando.
Y eso era así, pero solo en parte. Sin ir más lejos, que una vez terminado el proyecto, se llame a un fotógrafo o a otro, hará que las posibilidades de publicación del proyecto aumenten considerablemente. Y por supuesto, los fotógrafos más caros, en general, son los que tenían y tienen los mejores contactos editoriales; así que, ser portada de una revista de papel, puede pasar en gran parte por tener pasta para gastar en el reportaje del edificio.3
Con ello, muchas veces la labor del fotógrafo -cuya necesidad y calidad de la mayoría de ellos, no dudamos- ha ido más allá de retratar el edificio y se ha centrado en ocasiones en camuflar sus defectos, incluso usando el photoshop cuando hace falta. Sobre barandillas que aparecen o desaparecen en las fotos de los proyectos (según intereses) daría para otro buen post.
Seguro que no siempre es así; pero sí en muchos casos. Como vemos este tipo de situaciones y actitudes están muy lejos del rigor con el que Anatxu hablaba de Siza.
Rodapié de la escalera del Caixa Forum Madrid. Arquitectos: Herzog & de Meuron | Fotos: José Ramón Hernández Correa
De esta forma, en demasiadas ocasiones la arquitectura ha olvidado su papel de servicio y se ha dejado engatusar por la foto y papel couché. Proyectos que, casi desde el momento de ser paridos, sucumbían al espectáculo y no es que se fueran a preocupar de cómo será su limpieza o mantenimiento, sino que cualquier deficiencia constructiva, podía ser asumida en favor de su posterior difusión y publicación.
Ejemplos de esta arquitectura la tenemos en abundancia y pasa desde los “clásicos” de Santiago Calatrava o Zaha Hadid, hasta otros en ocasiones menos evidentes como Bjarke Ingels o muchos de los edificios de Frank Gehry.
Mientras esto ha ocurrido, y todavía nos ha distanciado más de la sociedad, también ha existido siempre arquitectura seria y rigurosa. De hecho, España es un país en que abundan arquitectos, casi anti-mediáticos, como los casos de Fisac o Coderch y otros muchos, más actuales, como Tuñón y Mansilla o Cruz y Ortiz.
La lista, por suerte sería interminable.
Iglesia de Nuestra Sra. de la Coronación de Vitoria. Miguel Fisac, 1957-60 | Proyecto que visitamos no hace mucho y que se encuentra es muy buen estado.
Aun con todo, y no siendo poco esta arquitectura rigurosa, sincera y eficaz de la que hablamos, lo que en la actualidad a nosotros más nos interesa, es el nacimiento de un nuevo tipo de arquitecto. Esta figura, totalmente alejada de los fuegos de artificio, pone todo su énfasis en acercar la arquitectura a la sociedad.
Así, pasamos de una especie de arquitectura de la suciedad (en el sentido literal y también en el de su encantamiento por la imagen) a una arquitectura de la sociedad.
No nos vale eso de que si es buena arquitectura ya es social y, por tanto, entabla un diálogo suficiente con la sociedad. No entabla nada, lo único que hace es hacernos valer como una necesidad a la sociedad; lo cual, por otro lado, siempre está bien.
Estamos convencidos que, para que nos entiendan los “no arquitectos”, tendremos que hacer bastante más que construir buena arquitectura; este es un paso imprescindible, pero tenemos que aprender a comunicarnos de manera diferente.
Seguramente, no lo conseguiremos en esta generación, sobre todo si no nos ponemos la pilas -y de momento, desde nuestras cabezas pensantes no se hace gran cosa en este sentido-. Aun así, gracias a arquitect@s como Almudena de Benito (Chiquitectos), Zaramari y su arkitente o Maushaus, que trabajan con l@s más pequeñ@s, quizás haya más opciones de que la próxima generación no nos vea como unos tipos pedantes y distantes que no se sabe muy bien lo que hacen.
Sobre el lenguaje de los arquitectos ya hemos hablado mucho y sobre la apatía del colectivo a la hora de bajar a tierra nuestras ideas también.
Imagen de taller realizado por Almudena de Benito (Chiquitectos) | Publicada en visionarq.wordpress.com
Por todo ello, valoramos tanto que “colectivos” o agrupaciones de arquitectos (ver post sobre colectivos, aquí), hayan sabido estar en las trincheras, salir al cuerpo a cuerpo, dejar el título en casa (de hecho, algunos ni han terminado la carrera) y facilitar procesos.
Y esto es muy diferente de firmar proyectos, pues implica un posicionamiento horizontal en el que la autoridad se gana en cada segundo y nada se da por sentado. Viven en el aquí y en el ahora, asumiendo una responsabilidad que aparentemente no les tocaba y haciéndose valer por lo que son, no por lo que aparentan ser.
Así que, solo nos queda felicitar a gente como Paisaje Transversal, Zuloark o n´UNDO, que, de manera más que generosa, están cimentando las bases de una nueva manera de hacer arquitectura; una actitud que apuesta por el ciudadano y devuelve a la arquitectura su vocación de servicio.
Y esto en mucho para unos nuevos tiempos que se presentan tan esperanzadores como inciertos.
¡Ahora os toca a vosotros contarnos como veis nuestra reflexión!
Stepienybarno_Agnieszka Stepien y Lorenzo Barnó, arquitectos.
Estella, noviembre 2015
Notas:
1. De todas formas, no olvidamos que la arquitectura moderna, surge, en gran parte, para dar respuesta a un problema social de un momento concreto de la historia. Precisamente, la preocupación por la salubridad, tiene que ver con parte de las soluciones constructivas que se proponían. Luego, no es menos cierto, que éstas también daban problemas, como los que mencionamos en el post.
2. A modo de “anectota”, rescatamos del recuerdo la siguiente historia. Hace como un par de años, teníamos que escribir un reportaje de unas viviendas para una revista de papel polaca. Como las fotos originales estaban hechas por Ronald Hable, la revista ya sabía que no tendría presupuesto para pagarlas; así que, encargó a otro fotógrafo hacer unas cuantas fotos y ésas salieron publicadas. Y se publicaron tal cual; es decir, si había chorretones, salían los chorretones. Las viviendas no tenían ni meses de vida y, a pesar de los premios recibidos, no estaban en perfecto estado (tampoco nada horrible). De todas formas, lo que más nos llamó la atención fue la indignación con la que el arquitecto responsable de la obra –por otro lado, un arquitecto muy bueno, que, en general, admiramos mucho-, nos llamó porque su obra no estaba en la revista como al él le gustaba (las fotos retocadas de Hable). En fin, una anécdota que resume, en gran parte, lo que nos pasa con las fotos y las publicaciones a los arquitectos.
3. A este respecto hay que apuntar que, la mayoría de los arquitectos ganan cuatro duros y muchas responsabilidades -recordar que Asemas se acuerda de ti, y de tu dinero, 10 años después de haber dado el fin de obra-, perdiendo mucha salud en toda la fase de la obra del edifico.[:en]Advocacy planning: Urbanismo al servicio de la justicia social | Strategic advocacy planning training, Budapest, septiembre 2012
El pasado 20 de noviembre 2015, Anatxu Zabalbeascoa, mientras moderaba la estupenda mesa redonda de Siza x Siza, comentó que la obra del maestro portugués, más allá de sus evidentes bondades, tenía el plus de que estaba pensada cuidando todos los detalles -incluso el poco tratado tema de la limpieza del proyecto-. Para ilustrarlo hablaba de cómo en uno de sus primeros proyectos, las piscinas de Leca de Palmeira, los vestuarios estaban diseñados para ser limpiados con un simple manguerazo.
Posteriormente Anatxu, ya en petit comité, nos contaba que tanto el coste de las obras de arquitectura, como su posterior limpieza y mantenimiento eran dos temas que siempre le habían interesado.
Piscinas en Leça de Palmeira de Álvaro Siza | Foto: Fernando Guerra_ FG+SG fotografía de arquitectura | Publicada en Alvaro Siza. Obras completas 1952-2013 Editorial Taschen
En este sentido, nos pareció muy oportuna su intervención pues, en los actuales tiempos en los que la imagen, y el postureo, son tan importantes (todo es efímero casi por naturaleza), pararnos, como arquitectos, a pensar en el detalle y en lo que no se ve en la foto, nos parece de suma importancia. Ante tanto formalismo desatado y publicación de cualquier proyecto que sea espectacular, bien nos viene volver a la esencia de la propia arquitectura y dejarnos de brindis al sol.
De todas formas, esto no es nuevo y en la arquitectura muchas veces ha ido conviviendo la innovación formal y tipológica, con grandes chapuzas constructivas. Es más, hasta un cierto punto, fue necesaria cierta temeridad constructiva, y asumir posibles goteras, para dar nacimiento, sin ir más lejos, a la arquitectura moderna.1
No hay que olvidar que el propio Le Corbusier, era muy consciente de las consecuencias mediáticas de sus proyectos e incluso de su propia persona. El marketing, que tanto sigue provocando sarpullido a muchos arquitectos, es algo que ha ido de la mano de los más grandes de la arquitectura; pero este es ya otro tema y en otros post nos ocuparemos de él.
En cualquier caso, una cosa es arriesgar en el límite de la técnica, y otra, bien distinta, sucumbir ante el mundo del espectáculo.
En muchos proyectos, aparecen vidrios demasiado grandes que son imposibles de limpiar, a no ser que se monté el circo para ello. En este sentido, con la llegada en el 2006 del CTE (se nos hace raro estar defendiendo semejante tocho lleno de contradicciones), se puso el acento en que los vidrios de las ventanas pudieran ser limpiables con facilidad. Aun así, no es complicado ir por la calle y encontrarte a más de una persona jugándose la vida –literal- para limpiar sus ventanas (¿posible solución?).
Tampoco ayuda demasiado la típica ventana corrida con la vitrocerámica delante y a ras. Seguramente, quedará muy bien, pero desde el punto de vista de limpieza, desde luego que no.
Otro aspecto dudoso que aparece, muchas veces, en la “arquitectura minimalista” es el encuentro entre paramento vertical y horizontal; de hecho, lo que suelen hacer es encontrarse tal cual, pues un rodapié “ensuciaría” el proyecto. Curiosamente, lo que acabará ensuciándose, sin duda alguna, son los bajos de esa pared, una vez que el fotógrafo de turno haya hecho el reportaje del proyecto.
Y así podríamos seguir con la lista de soluciones proyectuales que no ayudan para nada al mantenimiento ni limpieza de los proyectos.2
Reparación de Palau de les arts,obra de Santiago Calatrava | Foto: José Cuellar para El Mundo
Hace ya unos añitos, cuando éramos todavía estudiantes, no nos parábamos demasiado a pensar qué hacía que un proyecto acabará siendo publicado en la AV o en el Croquis; sin demasiada reflexión al respecto, dábamos por hecho que la buena arquitectura era la que se terminaba publicando.
Y eso era así, pero solo en parte. Sin ir más lejos, que una vez terminado el proyecto, se llame a un fotógrafo o a otro, hará que las posibilidades de publicación del proyecto aumenten considerablemente. Y por supuesto, los fotógrafos más caros, en general, son los que tenían y tienen los mejores contactos editoriales; así que, ser portada de una revista de papel, puede pasar en gran parte por tener pasta para gastar en el reportaje del edificio.3
Con ello, muchas veces la labor del fotógrafo -cuya necesidad y calidad de la mayoría de ellos, no dudamos- ha ido más allá de retratar el edificio y se ha centrado en ocasiones en camuflar sus defectos, incluso usando el photoshop cuando hace falta. Sobre barandillas que aparecen o desaparecen en las fotos de los proyectos (según intereses) daría para otro buen post.
Seguro que no siempre es así; pero sí en muchos casos. Como vemos este tipo de situaciones y actitudes están muy lejos del rigor con el que Anatxu hablaba de Siza.
Rodapié de la escalera del Caixa Forum Madrid. Arquitectos: Herzog & de Meuron | Fotos: José Ramón Hernández Correa
De esta forma, en demasiadas ocasiones la arquitectura ha olvidado su papel de servicio y se ha dejado engatusar por la foto y papel couché. Proyectos que, casi desde el momento de ser paridos, sucumbían al espectáculo y no es que se fueran a preocupar de cómo será su limpieza o mantenimiento, sino que cualquier deficiencia constructiva, podía ser asumida en favor de su posterior difusión y publicación.
Ejemplos de esta arquitectura la tenemos en abundancia y pasa desde los “clásicos” de Santiago Calatrava o Zaha Hadid, hasta otros en ocasiones menos evidentes como Bjarke Ingels o muchos de los edificios de Frank Gehry.
Mientras esto ha ocurrido, y todavía nos ha distanciado más de la sociedad, también ha existido siempre arquitectura seria y rigurosa. De hecho, España es un país en que abundan arquitectos, casi anti-mediáticos, como los casos de Fisac o Coderch y otros muchos, más actuales, como Tuñón y Mansilla o Cruz y Ortiz.
La lista, por suerte sería interminable.
Iglesia de Nuestra Sra. de la Coronación de Vitoria. Miguel Fisac, 1957-60 | Proyecto que visitamos no hace mucho y que se encuentra es muy buen estado.
Aun con todo, y no siendo poco esta arquitectura rigurosa, sincera y eficaz de la que hablamos, lo que en la actualidad a nosotros más nos interesa, es el nacimiento de un nuevo tipo de arquitecto. Esta figura, totalmente alejada de los fuegos de artificio, pone todo su énfasis en acercar la arquitectura a la sociedad.
Así, pasamos de una especie de arquitectura de la suciedad (en el sentido literal y también en el de su encantamiento por la imagen) a una arquitectura de la sociedad.
No nos vale eso de que si es buena arquitectura ya es social y, por tanto, entabla un diálogo suficiente con la sociedad. No entabla nada, lo único que hace es hacernos valer como una necesidad a la sociedad; lo cual, por otro lado, siempre está bien.
Estamos convencidos que, para que nos entiendan los “no arquitectos”, tendremos que hacer bastante más que construir buena arquitectura; este es un paso imprescindible, pero tenemos que aprender a comunicarnos de manera diferente.
Seguramente, no lo conseguiremos en esta generación, sobre todo si no nos ponemos la pilas -y de momento, desde nuestras cabezas pensantes no se hace gran cosa en este sentido-. Aun así, gracias a arquitect@s como Almudena de Benito (Chiquitectos), Zaramari y su arkitente o Maushaus, que trabajan con l@s más pequeñ@s, quizás haya más opciones de que la próxima generación no nos vea como unos tipos pedantes y distantes que no se sabe muy bien lo que hacen.
Sobre el lenguaje de los arquitectos ya hemos hablado mucho y sobre la apatía del colectivo a la hora de bajar a tierra nuestras ideas también.
Imagen de taller realizado por Almudena de Benito (Chiquitectos) | Publicada en visionarq.wordpress.com
Por todo ello, valoramos tanto que “colectivos” o agrupaciones de arquitectos (ver post sobre colectivos, aquí), hayan sabido estar en las trincheras, salir al cuerpo a cuerpo, dejar el título en casa (de hecho, algunos ni han terminado la carrera) y facilitar procesos.
Y esto es muy diferente de firmar proyectos, pues implica un posicionamiento horizontal en el que la autoridad se gana en cada segundo y nada se da por sentado. Viven en el aquí y en el ahora, asumiendo una responsabilidad que aparentemente no les tocaba y haciéndose valer por lo que son, no por lo que aparentan ser.
Así que, solo nos queda felicitar a gente como Paisaje Transversal, Zuloark o n´UNDO, que, de manera más que generosa, están cimentando las bases de una nueva manera de hacer arquitectura; una actitud que apuesta por el ciudadano y devuelve a la arquitectura su vocación de servicio.
Y esto en mucho para unos nuevos tiempos que se presentan tan esperanzadores como inciertos.
¡Ahora os toca a vosotros contarnos como veis nuestra reflexión!
Stepienybarno_Agnieszka Stepien y Lorenzo Barnó, arquitectos.
Estella, noviembre 2015
Notas:
1. De todas formas, no olvidamos que la arquitectura moderna, surge, en gran parte, para dar respuesta a un problema social de un momento concreto de la historia. Precisamente, la preocupación por la salubridad, tiene que ver con parte de las soluciones constructivas que se proponían. Luego, no es menos cierto, que éstas también daban problemas, como los que mencionamos en el post.
2. A modo de “anectota”, rescatamos del recuerdo la siguiente historia. Hace como un par de años, teníamos que escribir un reportaje de unas viviendas para una revista de papel polaca. Como las fotos originales estaban hechas por Ronald Hable, la revista ya sabía que no tendría presupuesto para pagarlas; así que, encargó a otro fotógrafo hacer unas cuantas fotos y ésas salieron publicadas. Y se publicaron tal cual; es decir, si había chorretones, salían los chorretones. Las viviendas no tenían ni meses de vida y, a pesar de los premios recibidos, no estaban en perfecto estado (tampoco nada horrible). De todas formas, lo que más nos llamó la atención fue la indignación con la que el arquitecto responsable de la obra –por otro lado, un arquitecto muy bueno, que, en general, admiramos mucho-, nos llamó porque su obra no estaba en la revista como al él le gustaba (las fotos retocadas de Hable). En fin, una anécdota que resume, en gran parte, lo que nos pasa con las fotos y las publicaciones a los arquitectos.
3. A este respecto hay que apuntar que, la mayoría de los arquitectos ganan cuatro duros y muchas responsabilidades -recordar que Asemas se acuerda de ti, y de tu dinero, 10 años después de haber dado el fin de obra-, perdiendo mucha salud en toda la fase de la obra del edifico.[:]
“Un arquitecto es alguien que imagina lo que deseas pero con un poco más de exactitud que tú”.
Con esta cita de Paul Valèry glosaba la comisaria de la Bienal Iberoamericana de Arquitectura y Urbanismo, Ángela García de Paredes, la figura de Eduardo Souto de Moura, premiado en esta bienal con el Premio Iberoamericano, y que protagonizará en breve uno de los nuevos documentales de la Fundación Arquia, premiada en esta XBIAU. La ciudad de São Paulo acoge estas jornadas inauguradas el lunes y se ha volcado llenando las sesiones académicas para las que se agotaron las entradas en pocos días.
A la inauguración asistieron entre otras, autoridades de la ciudad como representantes de la Prefeitura de São Paulo y de su área de Urbanismo, así como el cónsul general de España en la ciudad, Ricardo Martínez, quien destacó que esta X BIAU se celebrara en
“la capital del urbanismo y la arquitectura de Brasil, y de las más importantes de América Latina”.
En nombre de España, Martínez invitó a los premiados en esta BIAU a
“descubrir cada rincón, cada detalle de esta ciudad donde Niemeyer, Da Rocha, Lina Bo Bardi son referencias ineludibles”.
Por su parte, el subdirector general de Arquitectura y Edificación del Ministerio de Fomento, Francisco Javier Martín, indicó a los arquitectos premiados que
“no son casuales los premios que está recibiendo la arquitectura iberoamericana en los últimos lustros: tiene identidad propia, compromiso social y ambiental, honestidad y talento. Esa combinación es una receta de éxito y os animo a que no perdáis ninguno de esos ingredientes”.
El presidente del Consejo Superior de Colegios de Arquitectos de España (CSCAE), Jordi Ludevid, agradeció a los comisarios y curadores su profesionalidad, “compromiso ético y conocimiento experto”, y su dedicación a esta décima edición de la bienal iberoamericana, y subrayó el importante papel de los arquitectos de cara al futuro:
“cuando la habitabilidad es el problema, la arquitectura es la solución”.
Compromiso ético y de innovación.
Angela García de Paredes, comisaria de esta X BIAU junto con Nacho G. Pedrosa y con Álvaro Puntoni en la organización brasileña, glosó la historia y vida de Souto de Moura, Premio Iberoamericano de la bienal. La obra del arquitecto portugués se caracteriza sobre todo por
“la persistencia en rechazar un discurso estándar, y por su compromiso ético, apuesta por la innovación y por la experimentación tanto técnica como conceptual”.
“Su obra tiene el valor de la creatividad para solucionar los problemas y adversidades sin perder el contacto de la realidad más próxima, es el fruto de observar la realidad con ojos de arquitecto”,
añadió,
“lo que nos rodea es clave para lo esencial del proyecto. La arquitectura es un conjunto de soluciones que transforma la realidad: además de intervenir lo cuantificable interviene lo subjetivo y personal”.
Un saber que, en opinión de Souto, tiene que transmitirse en contacto con un ambiente en el que convivan los jóvenes arquitectos con las generaciones anteriores.
El debate que siguió a la ceremonia de entrega de premios a los autores de las 26 obras, 6 libros, dos publicaciones periódicas y una colección de vídeos que resultaron premiados en esta X BIAU, estuvo protagonizado por el propio Souto de Moura y Paulo Mendes da Rocha, bajo la moderación de João Luis Carrilho da Graça.
Coloquio Paulo Mendes da Rocha, Eduardo Souto Moura e Joao Carrilho da Graça
La bienal continúa hoy en el parque Ibirapuera, que ayer ya brindó para la ceremonia de entrega de premios el Auditorio, espléndida obra de Oscar Niemeyer, y que hoy acoge las sesiones académicas en el pabellón del mismo arquitecto en el que se encuentran además expuestas las obras de la Bienal de Arte de Brasil.
El día de la clausura, 12 de octubre, está prevista la realización de un recorrido arquitectónico que incluirá espacios como el museo de Arte de la ciudad MASP, la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de São Paulo, la Casa de Vidro de Lina Bo Bardi, y el MuBE (Museo Brasileño de Escultura). Todo el programa está disponible en la web de la BIAU, que además mantiene abierta una exposición con los trabajos premiados en el parque Ibirapuera de São Paulo.
A esta X BIAU se han presentado un total de 1.111 obras de 22 países con la intención de mostrar la huella que las personas han dejado en las ciudades y el territorio como consecuencia de migraciones y otros movimientos. De ahí que el lema de esta edición sea “Desplazamientos/Deslocamientos”. El jurado internacional acordó premiar 26 trabajos ubicados en Argentina (2), México (2), Portugal (4), Ecuador (2), Paraguay (1), Brasil (4), Uruguay (1), Colombia (1), Chile (1) y España (7). Las obras premiadas son principalmente arquitectónicas y entre ellas encontramos edificios públicos como centros culturales, teatros y museos, así como viviendas de distinta tipología y hasta un establo. El jurado ha seleccionado además como finalistas otras 28 obras.
A la categoría de publicaciones se han presentado 160 libros, 61 publicaciones periódicas y 25 publicaciones en otros soportes (vídeo), y la elevada calidad de las obras ha llevado al jurado a premiar, ex aequo, seis libros y dos publicaciones periódicas. Los libros abordan diferentes temas vinculados a la cultura arquitectónica iberoamericana a partir de varios enfoques, desde la historia hasta la crítica arquitectónica, la cultura urbana o la investigación del territorio. Los premiados, procedentes de Portugal, España, Perú, Argentina y México, son trabajos realizados por editoriales académicas e independientes. El premio recoge además como finalistas otros nueve libros. El detalle de todos los premiados se encuentra en la web de la BIAU.
Premiados X BIAU 2016
La revista Monolito y El Cultural, publicaciones premiadas.
Las publicaciones periódicas premiadas ex aequo son dos revistas (una brasileña y otra española), mientras que una tercera (española) ha merecido una mención especial del jurado. En las primeras se ha valorado el esfuerzo
“por promover épocas, personajes y obras de la cultura arquitectónica brasileña”,
en el caso de la Revista Monolito, y el valor de “la labor de concienciación social hacia la arquitectura” en el caso del suplemento de El Cultural (del diario español El Mundo).
El trabajo premiado en la categoría de Otros Soportes ha sido la colección Maestros de la Fundación Arquia, dirigida por Luis Fernandez-Galiano por sus entrevistas a Rafael Moneo, Ricardo Bofill, Manuel Gallego, Oriol Bohigas y Antonio Fernández Alba. El director de la Fundación Arquia, Gerardo García-Ventosa, anunció al recoger el premio que ya están preparando nuevos trabajos acerca de las obras de Souto de Moura, Paulo Mendes da Rocha, Álvaro Siza y Norman Foster.
De entre las más de 100 tesis doctorales recibidas en esta X BIAU, el jurado ha decidido otorgar el premio a Francisco Javier Castellano por su obra
“El patrimonio fértil. Transferencias entre el paisaje agrario y la arquitectura en los crecimientos urbanos”.
Además, se han otorgado cinco distinciones a otras tantas tesis procedentes de Portugal, Brasil y España. Quedaron finalistas otros 28 trabajos de investigación.
En respuesta tanto a la temporalidad del equipamiento como al contexto en el que se ubica, Peris+Toral apuesta por una construcción desmontable y reutilizable, que minimice su huella en el territorio: un sistema de andamiaje como estructura y solución formal del proyecto.
El equipamiento temporal, construido hace un año por el despacho catalán Peris+Toral, forma parte de la urbanización provisional de la plaza de las Glorias de Barcelona. Con este proyecto, el despacho se reafirma en una nueva manera de hacer y refuerza su búsqueda de nuevas soluciones y procesos constructivos.
El equipamiento, destinado a punto de información, zona de exposiciones sobre el proyecto de las obras en la plaza y punto de alquiler de bicicletas eléctricas, se sitúa en una encrucijada de circulaciones peatonales; la que atraviesa la plaza dirección mar-montaña y otra que conecta transversalmente con los dos equipamientos vecinos: el vivero de encinas y la nueva pérgola.
En su condición de temporal, la construcción se integra sutilmente en el entorno de transformación de la plaza de Las Glorias. Su forma lineal, su materialidad y su sistema estructural refuerzan tanto su carácter efímero como la idea de permeabilidad que persigue.
En este sentido, el andamio actúa como soporte de las tres envolventes necesarias para dotar de habitabilidad a la construcción: una piel impermeable y translúcida de policarbonato, una malla de sombreo y una malla metálica de protección. Las zonas que acogen el programa interior y los servicios se resuelven mediante dos módulos de estructura prefabricada de caseta de obra. Mientras que, la madera del pavimento y de los umbrales transversales dotan al equipamiento de espacios más cálidos.
Obra: Punto de Información en Glorias. Un andamio para un equipamiento efímero
Inauguración: Enero 2015
Emplazamiento: Plaza de las Glorias, Barcelona, España
Superficie: 300 m2
Presupuesto: 168.579 €
Cliente: BIM/SA
Arquitecto: peris+toral.arquitectes
Autores: Marta Peris, José Manuel Toral
Colaboradores: Izaskun González, estudiante
Estructura: Manel Fernández Bernuz- Fernandez aquitectes S.L.
Instalaciones: Jaume Pastor, Eletresjota tècnics associats S.L.
Arquitectura: Ana Espinosa, Leticia Soriano
Constructor: BENITO ARNO E HIJOS
Contratistas: Estructura de andamio: LAYHER S.A.
Malla triple torsión: MUROX, Bianchini Ingeniero S.A.
Policarbonato: AISLUX, Policarbonato, construcciones metálicas Pulpón
Malla de sombreo: SOLAN S.L. (GRUPO ALCONSA)
Módulos prefabricados: BALAT MODULOS PREFABRICADOS
Carpintería madera: PARKESTIL S.C.C.L.
Metalista: TOKIO METAL S.L.
Instalaciones: KREUM S.A.
Fotografía: José Hevia + peristoral.com
[:gl]
En resposta tanto á temporalidade do equipamento como ao contexto no que se sitúa, Peris+Toral aposta por unha construción desmontable e reutilizable, que minimice a súa pegada no territorio: un sistema de andamiaje como estrutura e solución formal do proxecto.
O equipamento temporal, construído hai un ano polo despacho catalán Peris+Toral, forma parte da urbanización provisional da praza das Glorias de Barcelona. Con este proxecto, o despacho reafírmase nunha nova maneira de facer e reforza a súa procura de novas solucións e procesos construtivos.
O equipamento, destinado a piques de información, zona de exposicións sobre o proxecto das obras na praza e punto de aluguer de bicicletas eléctricas, sitúase nunha encrucillada de circulacións peonís; a que atravesa a praza dirección mar-montaña e outra que conecta transversalmente cos dous equipamentos veciños: o viveiro de aciñeiras e a nova pérgola.
Na súa condición de temporal, a construción intégrase sutilmente na contorna de transformación da praza das Glorias. A súa forma lineal, a súa materialidad e o seu sistema estrutural reforzan tanto o seu carácter efémero como a idea de permeabilidade que persegue.
Neste sentido, a estada actúa como soporte das tres envolventes necesarias para dotar de habitabilidade á construción: unha pel impermeable e translúcida de policarbonato, unha malla de sombreo e unha malla metálica de protección. As zonas que acollen o programa interior e os servizos resólvense mediante dous módulos de estrutura prefabricada de caseta de obra. Mentres que, a madeira do pavimento e dos limiares transversais dotan ao equipamento de espazos máis cálidos.
Obra: Punto de Información en Glorias. Unha estada para un equipamento efémero
Inauguración: Xaneiro 2015
Emprazamento: Praza de las Glorias, Barcelona, España
Superficie: 300 m2
Presuposto: 168.579 €
Cliente: BIM/SA
Arquitecto: peris+toral.arquitectes
Autores: Marta Peris, José Manuel Toral
Colaboradores: Izaskun González, estudante
Estructura: Manel Fernández Bernuz- Fernandez aquitectes S.L.
Instalacións: Jaume Pastor, Eletresjota tècnics associats S.L.
Arquitectura: Ana Espinosa, Leticia Soriano
Constructor: BENITO ARNO E HIJOS
Contratistas: Estructura de andamio: LAYHER S.A.
Maia triple torsión: MUROX, Bianchini Ingeniero S.A.
Policarbonato: AISLUX, Policarbonato, construccións metálicas Pulpón
Maia de sombreo: SOLAN S.L. (GRUPO ALCONSA)
Módulos prefabricados: BALAT MODULOS PREFABRICADOS
Carpintería madera: PARKESTIL S.C.C.L.
Metalista: TOKIO METAL S.L.
Instalacións: KREUM S.A.
Fotografía: José Hevia + peristoral.com
[:en]
In response to both the temporality of the facility and the context where is located, Peris+Toral stands up for a detachable and reusable construction that minimizes the trace on the territory: a scaffolding system as structure and
formal solution of the project.
This temporary facility built a year ago by the Catalan practice Peris+Toral, is part of the provisional urbanization of the Glòries Square in Barcelona. With this project, the studio reasserts a new way of working and enhances its search for new solutions and constructive processes.
The facility is thought to be an information point, an exhibition area about the proposed project of the square and rental point of electric bicycles. Is located in a crossroads of pedestrian circulations; which crosses the square towards the sea-mountain and another which transversely connects the two nearby facilities: nursery oaks and the new pergola.
In its temporary condition, the construction is subtly integrated into the transformational environment of Glòries Square. Its linear shape, materials and its structural system highlight both their ephemeral character and the idea of permeability.
Along these lines, scaffolding acts as a support of the three envelopes necessary to provide habitability to the construction: an impermeable and translucent polycarbonate skin, a shade mesh and a metal mesh as a protection. The areas which host the internal program and services are solved by two structural prefabricated modules of site hut, whereas wood on the pavement and on the transverse thresholds provide warmer areas in the facility.
Work: Information Point in Glorias Square. A Scaffolding System for a Temporary Facility
Openning: Enero 2015
Site: Las Glorias square, Barcelona, Spain
Area: 300 m2
Budget: 168.579 €
Client: BIM/SA
Architect: peris+toral.arquitectes
Marta Peris, José Manuel Toral, architects
Collaborators: Izaskun González, student
Structure: Manel Fernández Bernuz- Fernandez aquitectes S.L.
Systems: Jaume Pastor, Eletresjota tècnics associats S.L.
Architecture: Ana Espinosa, Leticia Soriano
Builder: BENITO ARNO E HIJOS
Scaffolding: LAYHER S.A.
Twisted wire mesh: MUROX, Bianchini Ingeniero S.A.
Polycarbonate: AISLUX, Policarbonato, construcciones metálicas Pulpón
Shade wire net: SOLAN S.L. (GRUPO ALCONSA)
Prefabricated modules: BALAT MODULOS
PREFABRICADOS
Woodwork: PARKESTIL S.C.C.L.
Metalworker: TOKIO METAL S.L.
Systems: KREUM S.A.
Photography: José Hevia + peristoral.com
El dibujo del elefante plantea la relación entre estructura soporte y forma. Este sistema interior sabemos que existe, pero no somos conscientes de su materialidad en todo momento.
FORM&DATA incluye una revisión anatómica de20 proyectos de vivienda colectiva, que desvela la verdadera relación entre forma y órganos internos y descubre el lugar donde se encuentra el alma de cada proyecto.
a+t research group continúa así el camino iniciado en WHY DENSITY?, donde presenta un conjunto de herramientas para construir la ciudad densa. FORM&DATA utiliza los conceptos incluidos en aquella publicación para analizar gráficamente edificios de vivienda colectiva construidos entre2013 y 2016.
Elementos extraídos de los proyectos:
· Forma urbana.
· Concepto.
· Datos (ocupación del terreno, localización).
· Comportamientos objetivos (inserción en la trama, espacios compartidos, espacio público, circulaciones, usos…).
· Plantas, alzados y secciones.
Además, FORM&DATA incluye un capítulo de 23 páginas donde compara y relaciona los proyectos estudiados.
El libro forma parte de la serie Densidad, considerada la investigación sobre vivienda colectiva de referencia en todo el mundo.
[:gl]
O debuxo do elefante expón a relación entre estrutura soporte e forma. Este sistema interior sabemos que existe, pero non somos conscientes do seu materialidad en todo momento.
FORM&DATA inclúe unha revisión anatómica de 20 proxectos de vivenda colectiva, que desvela a verdadeira relación entre forma e órganos internos e descobre o lugar onde se atopa a alma de cada proxecto.
a+t research group continúa así el camino iniciado en WHY DENSITY?, donde presenta un conjunto de herramientas para construir la ciudad densa. FORM&DATA utiliza los conceptos incluidos en aquella publicación para analizar gráficamente edificios de vivienda colectiva construidos entre2013 y 2016.
Ademais, FORM&DATA inclúe un capítulo de 23 páxinas onde compara e relaciona os proxectos estudados.
O libro forma parte de sériea serie Densidade, considerada a investigación sobre vivenda colectiva de referencia en todo o mundo.
[:en]
The drawing of the elephant raises the relation between structure support and forms. This interior system we know that it exists, but we are not conscious of his materiality at all time.
FORM&DATA includes an anatomical review of 20 projects of collective housing, which reveals the real relation between form and internal organs and discovers the place where one finds the soul of every project.
a+t research group continues this way the way initiated in WHY DENSITY?, where he presents a set of tools to construct the dense city. FORM&DATA uses the concepts included in that publication to analyze graphically buildings of collective housing constructed between 2013 and 2016.
Elements extracted from the projects:
· Urban form.
· Concept.
· Information (occupation of the area, location).
· Objective Behaviors (insertion in the plot, shared spaces, public space, traffics, uses…).
· Plants, gatherings and sections.
In addition, FORM&DATA includes a chapter of 23 pages where it compares and relates the studied projects.
The book forms a part of the series Density, considered the investigation on collective housing of reference in the whole world.
“El objetivo principal del Museo ICO es difundir la mejor arquitectura contemporánea, tanto española como internacional. Este año hemos viajado desde Olot a Sevilla para ofrecer una perspectiva más amplia de nuestra arquitectura. Así, tras RCR Arquitectes, es un honor poder contar ahora con Antonio Cruz y Antonio Ortiz.”.
Mónica de Linos, Directora de la Fundación ICO.
“Compartir mesa con los proyectistas”.
La singularidad de la exposición retrospectiva titulada “Cruz y Ortiz 1/200…1/2000” de la obra del estudio Cruz y Ortiz Arquitectos se podría definir claramente con este título, representado en las palabras del comisario de la exposición Jesús Ulargui Agurruza, arquitecto y profesor de Proyectos de la ETSAM desde 1993.
La observación en el proceso del pensamiento proyectual emerge a medida que se recorren las mesas con el material expuesto, puesto que nos encontramos con maquetas de dos escalas diferentes; 1:200, escala que nos invita a acercarnos, y recorrer visualmente el espacio interior de una obra o bien a 1:2000, escala que nos pone de manifiesto una idea o hilo conductor en la ejecución de un proyecto con la síntesis como aliada.
“Su arquitectura se caracteriza por el rigor, la sobriedad y la preocupación por el proceso constructivo, características que hacen a su obra merecedora de una mirada detallada”.
Mónica de Linos, Directora de la Fundación ICO.
Forman parte de las mesas alargadas donde se exhiben los 50 proyectos del estudio a lo largo de más de 40 años de trayectoria profesional, los croquis a mano alzada y los planos representativos de cada uno de los proyectos u obras. La participación de los croquis también sostendrá y avalará el título con el que iniciábamos este breve comentario.
Antonio Cruz – Mónica de Linos – Jesús Ulargui Agurruza – Antonio Ortiz. En la parte posterior podemos observar la fotografía del patio de las Viviendas en calle Doña María Coronel en Sevilla, cuyo autor es José Manuel Ballester, Premio Nacional de Fotografía 2010.
Durante la rueda de prensa Mónica de Linos puso especial énfasis en dos proyectos de interés para el Museo ICO:
– The Rijksmuseum, Amsterdam, por el ejercicio de reflexión de lo que un museo debe ser.
Por otro lado, Jesús Ulargui Agurruza nos explicó las 4 herramientas fundamentales que comprobaremos a lo largo de la exhibición;
1. La transformación de la sala en una única unidad atravesada por mesas, iluminadas y preparadas para exponer las piezas de idéntica manera.
Estadio del Atlético de Madrid. Exposición “Cruz y Ortiz 1/200…1/2000”.
2. Metodología de trabajo basada en croquis y maquetas, cuya intención es compartir mesa con los proyectistas. Las maquetas en dos únicas escalas 1:200 / 1:2000 para pasar de lo pequeño a lo grande en un ejercicio de síntesis único.
The Rijksmuseum, Amsterdam. Exposición “Cruz y Ortiz 1/200…1/2000”.
3. 16 vídeos en una visita guiada por los edificios a cargo de los propios arquitectos.
4. Un catálogo de carácter cerrado con 12 obras del estudio que también forman parte de las 50 que se exhiben en la exposición.
“un único cuerpo de pensamiento que surge a partir de la selección de 12 edificios representativos y sus respectivos comentarios derivados de la opinión de los 12 arquitectos seleccionados especialmente por el estudio para comentar cada uno de los proyectos.”
Sin más preámbulos compartimos la pequeña charla que tuvimos la oportunidad de realizar ambos arquitectos en el Museo ICO de Madrid.
¿Por qué introducir el tema de la escala en el enfoque expositivo?
Antonio Ortiz: Los arquitectos conocemos bien ese tránsito que se produce mediante el uso de escalas progresivamente mayores. En él se parte de un principio muchas veces intuitivo hasta alcanzar la precisión y exactitud que un documento técnico exige.
El museo se ha dividido en tres espacios expositivos y dos zonas de proyección. ¿Por qué este planteamiento?
Antonio Ortiz: No nos cabe duda de la fascinación que las reproducciones a escala de la realidad producen en quienes las contemplan. Algo de ello se pretende alcanzar a través de la profusión de maquetas expuestas y subrayar desde el mismo título de la exposición. Se ha querido así encontrar una solución para algo en lo que todos los arquitectos coincidimos: una exposición de arquitectura no es algo fácil de hacer.
Tras más tres décadas de ejercicio profesional ¿qué va a encontrarse el espectador en esta nueva exposición?
Cruz y Ortiz Arquitectos: Hace ya años que realizamos unas primeras exposiciones –las llamamos “Arquitectura de Síntesis”– en las que utilizamos también las maquetas para ilustrar lo que acabamos de explicar. La presente exposición sería, por tanto, una intensificación de las anteriores. Y su título –más aséptico y menos pretencioso, 1/200…1/2000– es el reconocimiento de la innegable capacidad de sugerencia de lo reducido.
Distribuidas y situadas colocadas en lugares estratégicos en la exposición nos encontramos fotografías de José Manuel Ballester, Premio Nacional de Fotografía 2010, que dan magnitud y belleza a la misma.
Antonio Ortiz: La colaboración de José Manuel Ballester, con cinco de sus fotografías hay que entenderla como un gesto de generosidad y amistad por su parte al aceptar un papel subsidiario que no es habitual en él. Estas fotos en grandes formatos acentúan sin ilustrar ciertos momentos de la exposición.
Cruz y Ortiz. Edificio de viviendas de la calle Doña María Coronel | Fotografía: José Manuel Ballester
En sus charlas o conferencias afirman que el “edificio debe explicarse desde sí mismo”. Pero ¿cómo y cuándo se origina el proyecto? ¿Es un momento individual o colectivo? ¿Cómo se desarrolla posteriormente para llegar a ese concepto?
Antonio Cruz: El proyecto de arquitectura se origina a partir de una conversación, del diálogo con mi socio, del análisis minucioso de los componentes, no surge como idea brillante en un instante, sino a partir del estudio y el entendimiento.
Antonio Cruz: No lo sé bien, a veces uno piensa que estas preguntas las deben contestar los críticos no los propios autores de las obras, yo creo que hay un hilo conductor que es la respuesta a las necesidades de cada problema que recibimos. El hilo conductor sería precisamente el NO hilo conductor. Es decir, considerar que cada problema o encargo que llega al estudio es un problema nuevo o distinto, y que hay que analizar cuál es la oportunidad que se esconde detrás de ese encargo. Descubrir la oportunidad que brinda el encargo es muy importante, y el análisis de la situación podría ser el hilo conductor, por ejemplo podemos trabajar con los materiales, con la estructura, podemos trabajar con la función, ir descubriendo esto sería el hilo conductor que cose todas las obras.
Muchas veces se dice que el problema esconde la solución.
Antonio Cruz: Exactamente, tratar de hacer de los problemas, virtudes.
Esta crisis ha puesto de manifiesto que existen otros modelos de arquitectos, dada su dilatada experiencia profesional y docente, ¿qué recorrido cree que tienen? ¿Se debería adaptar el modelo docente a las nuevas necesidades?
Antonio Cruz: El modelo docente debe adaptarse en efecto, no sé qué comentario podría hacer sobre esta pregunta…evidentemente el tipo de docencia que hay en España es bastante distinta a la que encontramos en otros países, es una docencia muy técnica, donde el arquitecto recibe una gran formación técnica, y esto tiene su ventaja y sus inconvenientes, el arquitecto español domina la técnica o al menos tiene conocimientos de esta técnica, pero por otro lado también es verdad que muchas veces salen los arquitectos con una baja formación plástica o una baja formación en los problemas de la forma y están más entrenados en los problemas técnicos que en los formales, y esto seguramente en España tendría que mejorarse.
¿Qué aconsejarían a los actuales estudiantes y futuros profesionales de arquitectura?
Antonio Cruz: Que tengan calma, que tengan mucha calma, que huyan de los caminos rápidos y fáciles, que se den cuenta que esta es una actividad que exige mucho conocimiento, mucha calma y mucha apreciación de los distintos problemas a los que se van a enfrentar y que no tengan prisa.
La exposición “Cruz y Ortiz 1/200…1/2000” desde el 5 de octubre de 2016 hasta el 22 de enero de 2017, el Museo ICO. Por último agradecer tanto a Antonio Cruz y Antonio Ortiz como al Museo ICO su predisposición con este espacio.
Entrevista realizada por Paz Molinari y Alberto Alonso Oro para veredes.
[:gl]“Cruz e Ortiz 1/200…1/2000” no Museo ICO
“O obxectivo principal do Museo ICO é difundir a mellor arquitectura contemporánea, tanto española como internacional. Este ano viaxamos desde Olot a Sevilla para ofrecer unha perspectiva máis ampla da nosa arquitectura. Así, tras RCR Arquitectes, é unha honra poder contar agora con Antonio Cruz e Antonio Ortiz.”
Mónica de Linos, Directora da Fundación ICO.
“Compartir mesa cos proxectistas”.
A singularidade da exposición retrospectiva titulada “Cruz e Ortiz 1/200…1/2000” da obra do estudo Cruz e Ortiz Arquitectos poderíase definir claramente con este título, representado nas palabras do comisario da exposición Jesús Ulargui Agurruza, arquitecto e profesor de Proxectos da ETSAM desde 1993.
A observación no proceso do pensamento proyectual emerxe a medida que se percorren as mesas co material exposto, posto que nos atopamos con maquetas de dúas escalas diferentes; 1:200, escala que nos convida a achegarnos, e percorrer visualmente o espazo interior dunha obra ou ben a 1:2000, escala que nos pon de manifesto unha idea ou fío condutor na execución dun proxecto coa síntese como aliada.
“A súa arquitectura caracterízase polo rigor, a sobriedade e a preocupación polo proceso construtivo, características que fan á súa obra merecedora dunha mirada detallada”.
Mónica de Linos, Directora da Fundación ICO.
Forman parte das mesas alongadas onde se exhiben os 50 proxectos do estudo ao longo de máis de 40 anos de traxectoria profesional, os esbozos a man alzada e os planos representativos de cada un dos proxectos ou obras. A participación dos esbozos tamén sosterá e avalará o título co que iniciabamos este breve comentario.
Antonio Cruz – Mónica de Liños – Jesús Ulargui Agurruza – Antonio Ortiz. Na parte posterior podemos observar a fotografía do patio das Vivendas en rúa Dona María Coronel en Sevilla, cuxo autor é José Manuel Ballester, Premio Nacional de Fotografía 2010.
Durante a rolda de prensa Mónica de Liños puxo especial énfase en dous proxectos de interese para o Museo ICO:
– The Rijksmuseum, polo exercicio de reflexión do que un museo debe ser.
Mesa expositiva na exposición “Cruz e Ortiz 1/200…1/2000”.
Doutra banda, Jesús Ulargui Agurruza explicounos as 4 ferramentas fundamentais que comprobaremos ao longo da exhibición;
1. A transformación da sala nunha única unidade atravesada por mesas, iluminadas e preparadas para expoñer as pezas de idéntica maneira.
Estadio do Atlético de Madrid. Exposición “Cruz e Ortiz 1/200…1/2000”.
2. Metodoloxía de traballo baseada en esbozo e maquetas, cuxa intención é compartir mesa cos proyectistas. As maquetas en dúas únicas escalas 1:200 / 1:2000 para pasar do pequeno ao grande nun exercicio de síntese único.
The Rijksmuseum, Amsterdam. Exposición “Cruz e Ortiz 1/200…1/2000”.
3. 16 vídeos nunha visita guiada polos edificios a cargo dos propios arquitectos.
4. Un catálogo de carácter pechado con 12 obras do estudo que tamén forman parte das 50 que se exhiben na exposición.
“un único corpo de pensamento que xorde a partir da selección de 12 edificios representativos e os seus respectivos comentarios derivados da opinión dos 12 arquitectos seleccionados especialmente polo estudo para comentar cada un dos proxectos.”
Sen máis preámbulos compartimos a pequena charla que tivemos a oportunidade de realizar ambos os arquitectos no Museo ICO de Madrid.
Por que introducir o tema da escala no enfoque expositivo?
Antonio Ortiz: Os arquitectos coñecemos ben ese tránsito que se produce mediante o uso de escalas progresivamente maiores. Nel se parte dun principio moitas veces intuitivo ata alcanzar a precisión e exactitude que un documento técnico esixe.
O museo dividiuse en tres espazos expositivos e dúas zonas de proxección. Por que esta formulación?
Antonio Ortiz: Non nos cabe dúbida da fascinación que as reproducións a escala da realidade producen en quen as contempla. Algo diso preténdese alcanzar a través da profusión de maquetas expostas e subliñar desde o mesmo título da exposición. Quíxose así atopar unha solución para algo no que todos os arquitectos coincidimos: unha exposición de arquitectura non é algo fácil de facer.
Tras máis tres décadas de exercicio profesional, que vai atoparse o espectador nesta nova exposición?
Cruz y Ortiz Arquitectos: Hai xa anos que realizamos unhas primeiras exposicións chamámolas “Arquitectura de Síntese”– nas que utilizamos tamén as maquetas para ilustrar o que acabamos de explicar. A presente exposición sería, por tanto, unha intensificación das anteriores. E o seu título –máis aséptico e menos pretencioso, 1/200…1/2000– é o recoñecemento da innegable capacidade de suxestión do reducido.
Distribuídas e situadas colocadas en lugares estratéxicos na exposición atopámonos fotografías de José Manuel Ballester, Premio Nacional de Fotografía 2010, que dan magnitude e beleza á mesma.
Antonio Ortiz: A colaboración de José Manuel Ballester, con cinco das súas fotografías hai que entendela como un xesto de xenerosidade e amizade pola súa banda ao aceptar un papel subsidiario que non é habitual nel. Estas fotos en grandes formatos acentúan sen ilustrar certos momentos da exposición.
Cruz e Ortiz. Edificio de vivendas da rúa Dona María Coronel | Fotografía: José Manuel Ballester
Nas súas charlas ou conferencias afirman que o “edificio debe explicarse desde si mesmo”. Pero como e cando se orixina o proxecto? É un momento individual ou colectivo? Como se desenvolve posteriormente para chegar a ese concepto?
Antonio Cruz: Antonio Cruz: O proxecto de arquitectura orixínase a partir dunha conversación, do diálogo co meu socio, da análise minuciosa dos compoñentes, non xorde como idea brillante nun instante, senón a partir do estudo e o entendemento.
Cal é o fío conductor que cosen todas as súas obras?
Antonio Cruz: Non o sei ben, ás veces un pensa que estas preguntas débenas contestar os críticos non os propios autores das obras, eu creo que hai un fío condutor que é a resposta ás necesidades de cada problema que recibimos. O fío condutor sería precisamente o NON fío condutor. É dicir, considerar que cada problema ou encargo que chega ao estudo é un problema novo ou distinto, e que hai que analizar cal é a oportunidade que se esconde detrás dese encargo. Descubrir a oportunidade que brinda o encargo é moi importante, e a análise da situación podería ser o fío condutor, por exemplo podemos traballar cos materiais, coa estrutura, podemos traballar coa función, ir descubrindo isto sería o fío condutor que cose todas as obras.
Moitas veces dise que o problema esconde a solución.
Antonio Cruz: Exactamente, tratar de facer dos problemas, virtudes.
Esta crise puxo de manifesto que existen outros modelos de arquitectos, dada a súa dilatada experiencia profesional e docente, que percorrido cre que teñen? Deberíase adaptar o modelo docente ás novas necesidades?
Antonio Cruz: O modelo docente debe adaptarse en efecto, non se que comentario podería facer sobre esta pregunta…evidentemente o tipo de docencia que hai en España é bastante distinta á que atopamos noutros países, é unha docencia moi técnica, onde o arquitecto recibe unha gran formación técnica, e isto ten a súa vantaxe e os seus inconvenientes, o arquitecto español domina a técnica ou polo menos ten coñecementos desta técnica, pero doutra banda tamén é verdade que moitas veces saen os arquitectos cunha baixa formación plástica ou unha baixa formación nos problemas da forma e están máis adestrados nos problemas técnicos que nos formais, e isto seguramente en España tería que mellorarse.
Que aconsellarían aos actuais estudantes e futuros profesionais de arquitectura?
Antonio Cruz: Que teñan calma, que teñan moita calma, que fuxan dos camiños rápidos e fáciles, que se dean conta que esta é unha actividade que esixe moito coñecemento, moita calma e moita apreciación dos distintos problemas aos que se van a enfrontar e que non teñan présa.
A exposición “Cruz e Ortiz 1/200…1/2000” dende o 5 de outubro de 2016 ata o 22 de xaneiro de 2017, o Museo ICO. Por último agradecer tanto a Antonio Cruz e Antonio Ortiz como ao Museo ICO a súa predisposición con este espazo.
Entrevista realizada por Paz Molinari e Alberto Alonso Oro para veredes.
[:en]“Cruz and Ortiz 1/200…1/2000” in ICO Museum
“The principal aim of the ICO Museum is to spread the best contemporary, both Spanish and international architecture. This year we have travelled from Olot to Seville to offer a more wide perspective of our architecture. This way, after RCR Arquitectes, it is an honor to be able to possess now Antonio Cruz and Antonio Ortiz.
Mónica de Linos, Director of the ICO Foundation.
“Sharing table with the designers”.
The singularity of the retrospective qualified exhibition “Cruz and Ortiz 1/200…1/2000” of the work of the study Cruz and Ortiz Architects might be defined clearly by this title represented in the words of the commissioner of the exhibition Jesús Ulargui Agurruza, architect and project teacher of the ETSAM from 1993.
The observation in the process of the thought proyectual emerges as the tables are crossed by the exposed material, since we meet models of two different scales; 1:200, it climbs that it invites us to bring us over, and to cross visually the interior space of a work or to 1:2000, climbs that it reveals an idea or conductive thread in the execution of a project with the synthesis as allied.
“His architecture is characterized by the rigor, the sobriety and the worry by the constructive process, characteristics that they do to his deserving work of a detailed look”.
Mónica de Linos, Director of the ICO Foundation.
They form a part of the elongated tables where 50 projects of the study show themselves throughout more than 40 years of professional path, the sketches to lifted hand and the representative planes of each one of the projects or works. The participation of the sketches also will support and support the title with which we were initiating this brief comment.
Antonio Cruz – Mónica de Linos – Jesús Ulargui Agurruza – Antonio Ortiz. In the later part we can observe the photography of the court of the Housings in street Dona Maria Coronel enSevilla, whose author is Jose Manuel Ballester, National Prize of Photography 2010.
During the press conference Mónica de Linos put special emphasis in two projects of interest for the ICO Museum:
– The Rijksmuseum, Amsterdam, for the exercise of reflection of what a museum must be.
– Atlético de Madrid Stadium, for the intervention of the study in the urban development history of Madrid.
Explanatory table in “Cruz and Ortiz 1/200…1/2000”.
On the other hand, Jesus Ulargui Agurruza explained to us 4 fundamental tools that we will verify along the exhibition;
1. The transformation of the room in the only unit crossed by tables, illuminated and prepared to expose the pieces of identical way.
Atlético de Madrid Stadium. Exhibition “Cruz and Ortiz 1/200…1/2000”.
2. Methodology of work based on sketch and models, which intention is to share table with the designers. The models in two only scales 1:200 / 1:2000 to go on from the small thing to the big thing in the only exercise of synthesis.
The Rijksmuseum, Amsterdam. Exhibition “Cruz and Ortiz 1/200…1/2000”.
3. 16 videoes in a visit guided by the buildings at the expense of the own architects.
4. A catalogue of character closed with 12 works of the study that also form a part of the 50 that show themselves in the exhibition.
“The only body of thought that arises from the selection of 12 representative buildings and his respective comments derived from the opinion of 12 architects selected specially by the study to comment each of the projects.”
Ado preambles we share the small chat that we had the opportunity to realize both architects in the ICO Museum in Madrid.
Why to introduce the topic of the scale in the explanatory approach?
Antonio Ortiz: The architects we know well this traffic that takes place by means of the use of progressively major scales. In him it splits of a beginning often intuitively up to reaching the precision and accuracy that a technical document demands.
The museum has divided in three explanatory spaces and two projection zones. For what this exposition?
Antonio Ortiz: We are not fitted by doubt of the fascination that the reproductions to scale of the reality produce in whom they contemplate them. Something of it is tried to reach across the profusion of exposed models and to underline from the same title of the exhibition. It has been wanted like that to find a solution for something with what all the architects we coincide: an exhibition of architecture is not anything easy of doing.
After more three decades of professional exercise what is spectator going to be in this new exhibition?
Cruz y Ortiz Arquitectos: Already for years we realize a few first exhibitions – we are called them a “Syntheses Architecture” – in which we use also the models to illustrate what we have just explained. The present exhibition would be, therefore, an intensification of the previous ones. And his title – more aseptic and less pretentious, 1/200 … 1/2000-it is the recognition of the undeniable capacity of suggestion of the limited thing.
Distributed and placed placed in strategic places in the exhibition we are Jose Manuel Ballester’s photographies, National Prize of Photography 2010, which magnitude and beauty give to the same one.
Antonio Ortiz: Jose Manuel Ballester’s collaboration, with five of his photographies it is necessary to understand it as a gesture of generosity and make friends for your part on having accepted a subsidiary paper that is not habitual in him. These photos in big formats accentuate without illustrating certain moments of the exhibition.
Cruz and Ortiz. Building of housings of the street Dona Maria Coronel | Photography: José Manuel Ballester
In his chats or conferences they affirm that the » building must explain from yes same «. But how and when does project originate? Is it an individual or collective moment? How does it develop later to come to this concept?
Antonio Cruz: The project of architecture originates from a conversation, of the dialog with my partner, of the meticulous analysis of the components, does not arise as brilliant idea in an instant, but from the study and the understanding.
Antonio Cruz: I do not know it well, sometimes one thinks that the critics must answer these questions not the own authors of the works, I think that there is a conductive thread that is the response to the needs of every problem that we receive. The conductive thread would be precisely I do not spin driver. That is to say, to think that every problem or order that comes to the study is a new or different problem, and that it is necessary to analyze which is the opportunity that one hides behind this order. To discover the opportunity that offers the order is very important, and the analysis of the situation might be the conductive thread, for example we can work with the materials, with the structure, can work with the function, be discovering this it would be the conductive thread that sews all the works.
Often it is said that the problem hides the solution.
Antonio Cruz: Exactly, to try to do of the problems, virtues.
This crisis has revealed that other models of architects exist, given his extensive professional and educational experience, what tour does he think that they have? Should educational model adapt to the new needs?
Antonio Cruz: The educational model must adapt in effect, do not be what comment it might do on this question … evidently the type of teaching that exists in Spain is different enough from the one that we find in other countries, is a very technical teaching, where the architect receives a great technical formation, and this has his advantage and his disadvantages, the Spanish architect dominates the technology or at least it has knowledge of this technology, but on the other hand also it is true that often the architects go out with a low plastic formation or a low formation in the problems of the form and are more trained in the technical problems that in the formal ones, and this surely in Spain would have to improve.
What would they advise the current students and future professionals of architecture?
Antonio Cruz: That have calmness, which they have great calm, that flee of the rapid and easy ways, which realize that this one is an activity that demands very much knowledge, great calm and great appraisal of the different problems which they are going to face and which do not have hurry.
The exhibition “Cruz and Ortiz 1/200…1/2000” from October 5, 2016 until January 22, 2017, the ICO Museum. Finally to be grateful both to Antonio Cruz and Antonio Ortiz and to the ICO Museum for his predisposition with this space.
Interview realized by Paz Molinari and Alberto Alonso Oro for veredes.
[:es]Museo de la mina de Almannajuvet (Noruega) | Fotografía: Arne Espeland
Una de las principales motivaciones de Peter Zumthor respecto a su propia obra consiste en proponer el entendimiento inmediato del objeto construido, para bucear mediante un atisbo primario la sensibilidad emocional de sus espectadores. En busca de ese objetivo, Zumthor procura que las combinaciones de formas, materiales, colores y texturas, se amalgamen en el pensamiento perceptivo, dando lugar a la creación de una atmósfera arquitectónica de identidad univoca.
A partir de esta idea, manipula cada entidad de diseño perfilando su anatomía, deliberando dónde y cuándo debe influir o no en un contexto determinado, y cómo debe expresar su presencia material en ese medio. La tensión que propone entre el entorno y el objeto busca alcanzar una sensación de lugar de manera natural, sin que la imposición de masas altere el equilibrio existente. Para ello, armoniza las posibilidades cinemáticas de los elementos de la arquitectura mediante secuencias espaciales que estimulan la distensión y la sorpresa.
Museo de la mina de Almannajuvet (Noruega) | Fotografía: Arne Espeland
Los 4 volúmenes que forman parte del conjunto museográfico de la mina de zinc respetan cabalmente estos cánones. Cada objeto parece levitar sobre la ladera, siguiendo la estrategia de recorrido que propone el plan del sitio. De esta forma, Zumthor evita un excesivo peso visual sobre el paisaje, pero además revaloriza los depósitos arqueológicos de la mina de Almannajuvet como el verdadero museo.
Cada uno de los edificios responde a un fin específico y por lo tanto arrogan diferentes configuraciones, pero el arte constructivo es común a todos y se reduce a un manejo lucido de la madera, empleada tanto a modo de elemento estructural como para establecer los límites del espacio habitable.
Museo de la mina de Almannajuvet (Noruega) | Fotografía: Arne Espeland
La estructura de pino, preservada por las cualidades biocidas de la creosota, se disemina sobre la ladera como un bosque de delgados soportes. En algunos casos los tirantillos apoyan directamente sobre el suelo, cubriendo todo el perímetro de la caja que soportan. En otros, se sujetan a las paredes verticales del estrato rocoso, fundando un soporte estructural en voladizo.
Por encima de cada estructura reposan volúmenes de madera teñida de color azul cobalto. Pesadas puertas de acero cincado permiten acceder al interior de esas instalaciones, que contienen las áreas de información, las áreas administrativas y la cafetería. Una cubierta liviana de chapa ondulada separada de la caja azul corona el conjunto.
Museo de la mina de Almannajuvet (Noruega) | Fotografía: Arne Espeland
Los cuatro edificios, estratégicamente ubicados, proponen un espectáculo ambiguo y encantador. Sus formas estrictas se revelan entre los componentes naturales del sitio, pero la complexión delicada de su arquitectura y la característica de sus texturas y colores, permiten que se funda entre el paisaje que forman los abedules, las piedras de granito y el musgo que cubre el lugar.
Zumthor conduce el proceso constructivo con coherencia desde la gestación, consolidando el diseño mediante el desarrollo de maquetas escala uno en uno, que permiten pulir los más variados detalles mediante una paciente búsqueda de la perfección constructiva.
Museo de la mina de Almannajuvet (Noruega) | Fotografía: Arne Espeland
Las estructuras incorporadas salpican el paisaje con la cordialidad que pretende el artista. El entendimiento compositivo es alcanzado de inmediato. Las formas construidas se amalgaman en la montaña, concertando una atmosfera que cautiva mediante el arrobamiento visual.
Zumthor sumerge al visitante en un compendio de sensaciones lúcidas y afables, mediante el estímulo de un espectáculo visual que prospera entre el clima de sosiego y las delicias de la seducción.
Museo de la mina de Almannajuvet (Noruega) | Fotografía: Atelier Peter Zumtor
Marcelo Gardinetti. Arquitecto
La Plata, Argentina. Octubre 2015
[:gl]Museo da mina de Almannajuvet (Noruega) | Fotografía: Arne Espeland
Unha das principais motivacións de Peter Zumthor respecto da súa propia obra consiste en propoñer o entendemento inmediato do obxecto construído, para mergullar mediante un indicio primario a sensibilidade emocional dos seus espectadores. En busca dese obxectivo, Zumthor procura que as combinacións de formas, materiais, cores e texturas, se amalgamen no pensamento perceptivo, dando lugar á creación dunha atmosfera arquitectónica de identidade univoca.
A partir desta idea, manipula cada entidade de deseño perfilando a súa anatomía, deliberando onde e cando debe influír ou non nun contexto determinado, e como debe expresar a súa presenza material nese medio. A tensión que propón entre a contorna e o obxecto busca alcanzar unha sensación de lugar de maneira natural, sen que a imposición de masas altere o equilibrio existente. Para iso, harmoniza as posibilidades cinemáticas dos elementos da arquitectura mediante secuencias espaciais que estimulan a distensión e a sorpresa.
Museo da mina de Almannajuvet (Noruega) | Fotografía: Arne Espeland
Os 4 volumes que forman parte do conxunto museográfico da mina de zinc respectan cabalmente estes canons. Cada obxecto parece levitar sobre a ladeira, seguindo a estratexia de percorrido que propón o plan do sitio. Desta forma, Zumthor evita un excesivo peso visual sobre a paisaxe, pero ademais revaloriza os depósitos arqueolóxicos da mina de Almannajuvet como o verdadeiro museo.
Cada un dos edificios responde a un fin específico e por tanto arrogan diferentes configuracións, pero a arte construtiva é común a todos e redúcese a un manexo lucido da madeira, empregada tanto a modo de elemento estrutural como para establecer os límites do espazo habitable.
Museo da mina de Almannajuvet (Noruega) | Fotografía: Arne Espeland
A estrutura de piñeiro, preservada polas calidades biocidas da creosota, se disemina sobre a ladeira como un bosque de delgados soportes. Nalgúns casos os tirantillos apoian directamente sobre o chan, cubrindo todo o perímetro da caixa que soportan. Noutros, suxéitanse ás paredes verticais do estrato rochoso, fundando un soporte estrutural en voladizo.
Por encima de cada estrutura repousan volumes de madeira tinguida de cor azul cobalto. Pesadas portas de aceiro cincado permiten acceder ao interior desas instalacións, que conteñen as áreas de información, as áreas administrativas e a cafetería. Unha cuberta liviá de chapa ondulada separada da caixa azul coroa o conxunto.
Museo da mina de Almannajuvet (Noruega) | Fotografía: Arne Espeland
Os catro edificios, estratexicamente situados, propoñen un espectáculo ambiguo e encantador. As súas formas estritas revélanse entre os compoñentes naturais do sitio, pero a complexión delicada da súa arquitectura e a característica das súas texturas e cores, permiten que se funda entre a paisaxe que forman os bidueiros, as pedras de granito e o brión que cobre o lugar.
Zumthor conduce o proceso construtivo con coherencia desde a xestación, consolidando o deseño mediante o desenvolvemento de maquetas escala un nun, que permiten puír os máis variados detalles mediante unha paciente procura da perfección construtiva.
Museo da mina de Almannajuvet (Noruega) | Fotografía: Arne Espeland
As estruturas incorporadas salpican a paisaxe coa cordialidade que pretende o artista. O entendemento compositivo é alcanzado de inmediato. As formas construídas se amalgaman na montaña, concertando unha atmosfera que cativa mediante o arrobamiento visual.
Zumthor mergulla ao visitante nun compendio de sensacións lúcidas e afables, mediante o estímulo dun espectáculo visual que prospera entre o clima de acougo e as delicias da sedución.
Museo da mina de Almannajuvet (Noruega) | Fotografía: Atelier Peter Zumtor
Marcelo Gardinetti. Arquitecto
La Plata, Argentina. Outubro 2015
[:en]Zinc mine museum Almannajuvet (Norway) | Photography: Arne Espeland
One of Peter Zumthor‘s principal motivations with regard to his own work consists of proposing the immediate understanding of the constructed object, to dive by means of a primary observation the emotional sensibility of his spectators. In search of this aim, Zumthor tries that the combinations of forms, materials, colors and textures, they amalgamate in the perceptive thought, giving place to the creation of an architectural atmosphere of univocal identity.
From this idea, it manipulates every entity of design outlining his anatomy, deliberating where and when it must influence or not in a certain context, and since his material presence must express in this way. Tension that he proposes between the environment and the object seeks to reach a sensation of place of a natural way, without the imposition of masses alters the existing balance. For it, it harmonizes the cinematic possibilities of the elements of the architecture by means of spatial sequences that stimulate the expansion and the surprise.
Zinc mine museum Almannajuvet (Norway) | Photography: Arne Espeland
4 volumes that form a part of the set museográfico of the mine of zinc respect cabalmente these cánones. Every object seems levitar on the hillside, following the strategy of tour that proposes the plan of the site. Of this form, Zumthor avoids an excessive visual weight on the landscape, but in addition it revalues the archaeological warehouses of Almannajuvet’s mine as the real museum.
Each of the buildings answers to a specific end and therefore they assume different configurations, but the constructive art is common to all and diminishes to a managing illuminated of the wood, used so much like structural element as to establish the limits of the inhabitable space.
Zinc mine museum Almannajuvet (Norway) | Photography: Arne Espeland
The structure of pine, preserved by the qualities biocidas of the creosote, is spread on the hillside as a forest of thin supports. On some cases the tirantillos rest directly on the soil, covering the whole perimeter of the box that they support. In others, they subject themselves to the vertical walls of the rocky stratum, founding a structural support in projecting.
Over every structure there rest volumes of wood dyed of blue color cobalt. Heavy doors of steel cincado allow to accede to the interior of these facilities, which contain the areas of information, the administrative areas and the cafeteria. A frivolous cover of wavy sheet separated from the blue box crowns the set.
Zinc mine museum Almannajuvet (Norway) | Photography: Arne Espeland
Four buildings, strategically located, propose an ambiguous and charming spectacle. His strict forms are revealed between the natural components of the site, but the delicate complexion of his architecture and the characteristic of his textures and colors, allow that it should fuse between the landscape that there form the birches, the stones of granite and the moss that covers the place.
Zumthor leads the constructive process with coherence from the gestation, consolidating the design by means of the development of models climbs one in one, which the most varied details allow pulir by means of a patient search of the constructive perfection.
Zinc mine museum Almannajuvet (Norway) | Photography: Arne Espeland
The built-in structures splash the landscape with the warmth that the artist claims. The understanding compositivo is reached at once. They amalgamate the constructed forms in the mountain, coordinating an atmosphere that it captivates by means of the visual ecstasy.
Zumthor immerses the visitor in a compendium of lucid and affable sensations, by means of the stimulus of a visual spectacle that prospers between the climate of quiet and the delights of the seduction.
Zinc mine museum Almannajuvet (Norway) | Photography: Atelier Peter Zumtor
Marcelo Gardinetti. Architect
La Plata, Argentina. October 2015
El artista total. El fenómeno, el exponente, el visionario, el mesías del equilibrio y el virtuoso de lo moderno. No hay muchos ni ha habido muchos sobre la tierra en todo las páginas que llevamos pasadas de historia del arte, pero podemos contar algunos de estos prodigios con los dedos de las manos. Sin lugar a dudas, en algún lugar entre el índice y el corazón nos encontramos con Le Corbusier. Sin exageración alguna es denominado el padre de la arquitectura moderna (en el fondo, creemos que se queda corto el título para definir a este magnánimo de la creatividad más inquieta e influyente del siglo XX), pero el artista suizo también fue urbanista, escultor, pintor, diseñador de mobiliario, teórico social, etc.
Un auténtico privilegiado, un iluminado en las concepciones plásticas, espaciales, estéticas, y funcionales. Eso es: Le Corbusier, el grande. Por eso es muy difícil abordar y evaluar el estudio de su obra tan prolija e inconmensurable. Sin embargo, Le Corbusier Le Grand (Phaidon, 2008), de título certeramente elegido, nos lo va a poner un poco más fácil.
Y no tan grande como Le Corbusier, pero casi, es este libro de diseño inmenso y alrededor de ocho kilos de peso. Una joya, un tesoro y una mina, para cualquier interesado en la obra de Charles Edouard Jeanneret, nombre original del artista. En este volumen colosal (parecido, en dimensiones, a aquel que ya publicara la misma editorial en 2006, sobre Andy Warhol), encontramos una elaborada biografía que nos presenta aquellos acontecimientos y personas que marcaron su vida y un minucioso repaso a su obra.
Innumerables, bueno sí, más de 2.000, imágenes que podemos observar en detalle (debido al formato del libro) y documentos no publicados hasta la fecha: ensayos de sus trabajos, bocetos, recortes de prensa correspondencia con Joséphine Baker, Eileen Gray, Fernand Léger o Pablo Picasso, entre otras personalidades. Todo esto en alrededor de 700 páginas introducidas por un ensayo de Jean-Louis Cohen (especialista en arquitectura y urbanismo) e introducciones capitulares de uno de los más reconocidos estudiosos del suizo, Tim Bento.
Un libro y una obra de arte. Un lujo para recordar a este genio de escuadra y cartabón.
[:gl]
O artista total. O fenómeno, o expoñente, o visionario, o mesías do equilibrio e o virtuoso do moderno. Non hai moitos nin houbo moitos sobre a terra en todo as páxinas que levamos pasadas de historia da arte, pero podemos contar algúns destes prodixios cos dedos das mans. Sen dúbida, nalgún lugar entre o índice e o corazón atopámonos con Le Corbusier. Sen esaxeración algunha é denominado o pai da arquitectura moderna (no fondo, cremos que queda curto o título para definir a este magnánimo da creatividade máis inquieta e influente do século XX), pero o artista suízo tamén foi urbanista, escultor, pintor, deseñador de mobiliario, teórico social, etc.
Un auténtico privilexiado, un iluminado nas concepcións plásticas, espaciais, estéticas, e funcionais. Iso é: Lle Corbusier, o grande. Por iso é moi difícil abordar e avaliar o estudo da súa obra tan prolija e inconmensurable. Con todo, Le Corbusier Le Grand (Phaidon, 2008), de título certeramente elixido, váinolo a poñer un pouco máis fácil.
E non tan grande como Le Corbusier, pero case, é este libro de deseño inmenso e ao redor de oito quilos de peso. Unha xoia, un tesouro e unha mina, para calquera interesado na obra de Charles Edouard Jeanneret, nome orixinal do artista. Neste volume colosal (parecido, en dimensións, a aquel que xa publicase a mesma editorial en 2006, sobre Andy Warhol), atopamos unha elaborada biografía que nos presenta aqueles acontecementos e persoas que marcaron a súa vida e un minucioso repaso á súa obra.
Innumerables, bo si, máis de 2.000, imaxes que podemos observar en detalle (debido ao formato do libro) e documentos non publicados ata a data: ensaios dos seus traballos, bosquexos, recortes de prensa correspondencia con Joséphine Baker, Eileen Gray, Fernand Léger ou Pablo Picasso, entre outras personalidades. Todo isto en ao redor de 700 páxinas introducidas por un ensaio de Jean-Louis Cohen (especialista en arquitectura e urbanismo) e introducións capitulares dun dos máis recoñecidos estudiosos do suízo, Tim Bento.
Un libro e unha obra de arte. Un luxo para lembrar a este xenio de escuadra e cartabón.
[:en]
A spectacular visual biography of the life and work of Le Corbusier (1887–1965), one of Modernism’s most influential architects, urban planners, and theorists.
Approximately 2,000 images and documents, many previously unpublished, feature his major built works, urban plans, paintings, publications, and furniture as well as sketches, archival photographs, and personal correspondence. Rarely seen photographs and correspondence shed new light on Le Corbusier’s relationships with Josephine Baker, Eileen Gray, Fernand Léger, Pablo Picasso, Jean Prouvé, and many others.
Insightful introductory essay by France’s most authoritative architectural historian and critic, Jean-Louis Cohen, and incisive chapter introductions by highly regarded Le Corbusier scholar Tim Benton. The same grandly oversized format as Warhol «Giant Size»
Le Corbusier (1887-1965) is one of the giants of twentieth-century architecture and design. Born Charles Edouard Jeanneret in La Chaux-de-Fonds, Switzerland, the self-named Le Corbusier was not only the creator of some of the most important and impressive buildings of the last century–Villa Savoye at Poissy, the Chapel of Notre Dame du Haut at Ronchamp, the Parliament Building in Chandigarh, India–he was also an accomplished painter, sculptor, furniture designer, urbanist, and author. His work and social theories continue to be a dominant force in the world of architecture and design, while his elegant bearing, typified by his round black eyeglasses, which are still today a signature look for architects around the world, helped cast him as an heroic figure out of Ayn Rand’s novel The Fountainhead.
Drawing on an array of archival material, including sketches, photographs, and correspondences, Le Corbusier Le Grand depicts in roughly chronological order not only the vast and varied output of Le Corbusier, but also the major events, people, and forces that shaped the life of an artist who continues to fascinate those in and outside the architectural world.
“Nacer en la calle Ancha de la Feria y encararse con la humanidad que hierve en ella apenas se ha cansado uno de andar a gatas y se ha levantado de manos para afrontar la vida a pecho descubierto, es una empresa heroica, que imprime carácter y tiene una importancia extraordinaria para el resto de la vida, porque súbitamente la calle ha dado al neófito una síntesis perfecta del Universo. Son esas calles que milagrosamente llevan siglos de vida intensa, sin que el volumen de su pasado las haya envejecido; son viejas y no lo parecen; sin que se les haya olvidado nada, viven una vida actual febril y auténtica, vibrando con la inquietud de todas las horas; en cada generación se renuevan de manera invisible y naturalísima.”
El proyecto surge de una situación de urgencia: una orden de ejecución municipal obliga a los nuevos propietarios de esta casa, de finales del siglo XIX, a intervenir en ella con inmediatez para reparar las patologías detectadas por la inspección técnica efectuada algunos años antes.
La premura impuesta y la inversión medida condicionan el modo de intervención; deciden comenzar ellos mismos la obra, como hobby de fin de semana, demuelen y desmontan a la vez que se hace el proyecto para ir conociendo paulatinamente lo que la casa pudiera ocultar. Retiran los falsos techos, particiones y revestimientos que velaban muros y forjados desde que en los años ochenta hubo un intento de convertir la vivienda en una especie de apartamento, tentativa imposible de domesticar la ambigüedad de esta morada centenaria de carniceros del mercado que penetra sinuosa e imprecisa en la manzana.
En ese proceso en el que avanzan a ciegas, donde borrar es más necesario que dibujar y donde el proyecto se hace y deshace sucesivamente, van descubriendo poco a poco una casa latente que permanecía oculta, velada bajo el disfraz de tabiques, morteros y escayolas. Forjados de madera y muros marcados por huecos cegados con el tiempo relatan una construcción hecha a trazos a partir de una negociación continua con sus vecinos que habría de provocar el cambio continuo de su perfil a lo largo de los años. Sobre la marcha deciden retirar los forjados y vigas en peor estado, soldar dinteles y recuperar huecos que existieron en otro momento, cediendo superficie a cambio de ganar volumen, también optan por conservar aquellos elementos revelados que narran la historia de aquel lugar asumiendo que el tiempo también construye. Casi sin que ellos mismos se den cuenta, la casa va pareciéndose a lo que en principio debió ser: un lugar donde construcción y vacío se alternan en similar proporción.
Continúan desvelando pacientemente, se diría que como arqueólogos más que como constructores, y el mal estado de los muros y dinteles de la planta a nivel de calle, donde existía un bar de mercado abandonado, obliga a intervenir en él; deciden entonces hacer muy poco, apenas recuperar el vacío de esa planta adintelando muros que dejen pasar el aire, una continuación del espacio de la calle que se mete dentro de la casa, como un pasaje, un zaguán o un adarve, como los vacíos que desdibujan el espacio común en la trama abigarrada y al tiempo porosa del centro de Sevilla. Ese lugar se convierte en el jardín de la casa, con la peculiaridad de que está debajo de ésta, un sitio de pasos y encuentros como lo es la propia plaza tumultuosa del mercado de la calle Feria, es un espacio sin programa en el que pueden suceder todos los usos: el hijo de la pareja tarda 37 segundos en recorrerla de un extremo a otro en su triciclo.
El proyecto sin proyecto resulta ser como un texto continuado a partir de otro ya existente, donde ha habido que borrar párrafos que resultaban ilegibles por el paso del tiempo y donde se leyó pacientemente lo ya escrito para que nuevos renglones convivan con los anteriores continuando la historia ya comenzada tiempo atrás. El texto sigue abierto y aún quedan capítulos por escribir.
Obra: Casa en el mercado de la calle Feria
Arquitectos: Sol89. María González y Juanjo López de la Cruz
Localización: Sevilla, España
Proyecto: 2009-2012
Ejecución: 2009-2012
Superficie de la intervención: 250 m²
Estructura: Sol89
Instalaciones: Sol89
Constructora: Autoconstrucción y Alejandro Fdez. Carbonero
Fotografías: Fernando Alda + sol89.sol89.com
[:gl]
“Nacer na rúa Ancha da Feira e encararse coa humanidade que ferve nela apenas se cansou un de andar a gatiñas e levantouse de mans para afrontar a vida a peito aberto, é unha empresa heroica, que imprime carácter e ten unha importancia extraordinaria para o resto da vida, porque súbitamente a rúa deu ao neófito unha síntese perfecta do Universo. Son esas rúas que milagrosamente levan séculos de vida intensa, sen que o volume do seu pasado envelleceunas; son vellas e non o parecen; sen que se lles esqueceu nada, viven unha vida actual febril e auténtica, vibrando coa inquietude de todas as horas; en cada xeración renóvanse de maneira invisible e naturalísima.”
O proxecto xorde dunha situación de urxencia: unha orde de execución municipal obriga aos novos propietarios desta casa, de finais do século XIX, a intervir nela con inmediatez para reparar as patoloxías detectadas pola inspección técnica efectuada algúns anos antes.
A présa imposta e o investimento medido condicionan o modo de intervención; deciden comezar eles mesmos a obra, como hobby de fin de semana, demolen e desmontan á vez que se fai o proxecto para ir coñecendo paulatinamente o que a casa puidese ocultar. Retiran os falsos teitos, particións e revestimentos que velaban muros e forxados desde que nos anos oitenta houbo un intento de converter a vivenda nunha especie de apartamento, tentativa imposible de domesticar a ambigüidade desta morada centenaria de carniceiros do mercado que penetra sinuosa e imprecisa na mazá.
Nese proceso no que avanzan a cegas, onde borrar é máis necesario que debuxar e onde o proxecto faise e desfai sucesivamente, van descubrindo aos poucos unha casa latente que permanecía oculta, velada baixo o disfrace de tabiques, morteiros e escaiolas. Forxados de madeira e muros marcados por ocos cegados co tempo relatan unha construción feita a trazos a partir dunha negociación continua cos seus veciños que habería de provocar o cambio continuo do seu perfil ao longo dos anos. Sobre a marcha deciden retirar os forxados e vigas en peor estado, soldar dinteles e recuperar ocos que existiron noutro momento, cedendo superficie a cambio de gañar volume, tamén optan por conservar aqueles elementos revelados que narran a historia daquel lugar asumindo que o tempo tamén constrúe. Case sen que eles mesmos déanse conta, a casa vai parecéndose ao que en principio debeu ser: un lugar onde construción e baleiro altérnanse en similar proporción.
Continúan desvelando pacientemente, diríase que como arqueólogos máis que como construtores, e o mal estado dos muros e dinteles da planta a nivel de rúa, onde existía un bar de mercado abandonado, obriga a intervir nel; deciden entón facer moi pouco, apenas recuperar o baleiro desa planta adintelando muros que deixen pasar o aire, unha continuación do espazo da rúa que se mete dentro da casa, como unha pasaxe, un zaguán ou un adarve, como os baleiros que desdibujan o espazo común na trama abigarrada e ao tempo porosa do centro de Sevilla. Ese lugar convértese no xardín da casa, coa peculiaridade de que está debaixo desta, un sitio de pasos e encontros como o é a propia praza tumultuosa do mercado de cálea Feira, é un espazo sen programa no que poden suceder todos os usos: o fillo da parella tarda 37 segundos en percorrela dun extremo a outro no seu triciclo.
O proxecto sen proxecto resulta ser como un texto continuado a partir doutro xa existente, onde houbo que borrar parágrafos que resultaban ilegibles polo paso do tempo e onde se leu pacientemente o xa escrito para que novas liñas convivan cos anteriores continuando a historia xa comezada tempo atrás. O texto segue aberto e aínda quedan capítulos por escribir.
Obra: Casa no mercado da rúa Feria
Arquitectos: Sol89. María González e Juanjo López de la Cruz
Emprazamento: Sevilla, España
Proxecto: 2009-2012
Execución: 2009-2012
Superficie da intervención: 250 m²
Estructura: Sol89
Instalacións: Sol89
Constructora: Autoconstrucción e Alejandro Fdez. Carbonero
Fotografías: Fernando Alda + sol89.sol89.com
[:en]
“To be born in the Broad street of the Fair and one to fall sick with the humanity who boils in her scarcely has got tired of walking to cats and it has got up of hands to confront the life to disclosed chest, is a heroic company, which stamps character and has an extraordinary importance for the rest of the life, because suddenly the street has given a perfect synthesis of the Universe to the neophyte. They are these streets that miraculously go centuries of intense life, without the volume of his past has aged them; they are old and they it do not seem; without nothing has forgotten them, they live through a current feverish and authentic life, vibrating with the worry of every hour; in every generation they are renewed in an invisible and most natural way.”
The project arises from an emergency situation: a town hall execution order requires new owners of this 19th century home to intervene on it immediately to repair the pathologies detected by the technical inspection carried out some years before.
The urgency and the limited budget conditioned the mode of intervention: the owners decided to start the work themselves. They demolished partitions, removed suspended ceiling and claddings walls, to get to know what the house could hide. In the process in which they move blindly, where to erase is needed more than to draw and where the project goes and comes back, they go slowly discovering latent house that was hidden, veiled under the guise of partitions, mortars and plasters.
Forged of wood and walls marked by hollows blocked up with the time they report a construction done to outlines from a constant negotiation with his neighbors that should provoke the constant change of his profile throughout the years. On the march they decide to withdraw the wrought ones and girders in worse condition, to weld lintels and to recover hollows that existed in another moment, yielding surface in exchange for gaining volume, also choose to preserve those revealed elements that narrate the history of that place assuming that the time also constructs. Almost without they themselves realize, the house goes looking like what at first should have been: a place where construction and emptiness are alternated in similar proportion.
They continue revealing patiently, it would be said that as archeologists more that as builders, and the evil been of the walls and lintels of the plant to level of street, where there existed a bar of left market, forces to intervening in him; they decide then to make very little, scarcely recover the emptiness of this plant adintelando walls that stop to spend the air, a continuation of the space of the street that gets inside the house, as a passage, a vestibule or an adarve, as the emptinesses that blur the common space in the multicolored plot and to the time porous of the center of Seville. This place turns into the garden of the house, with the peculiarity of which it is under this one, a site of steps and meetings like it is the own tumultuous square of the market of the street Takes a break, is a space without program in which all the uses can happen: the son of the pair is late 37 second in her crossing from an end to other one in his tricycle.
The project without project turns out to be as a text continued from already existing other one, where it has been necessary to erase paragraphs that were turning out to be illegible for the passage of time and where the already written thing was read patiently in order that new lines coexist with the previous ones continuing the history already begun time behind. The text remains opened and still chapters stay for writing.
Work: House in the market at Feria street
Architects: Sol89. María González and Juanjo López de la Cruz
Location: Sevilla, Spain
Project: 2009-2012
Execution: 2009-2012
Intervention area: 250 m²
Structure: Sol89
Facilities: Sol89
Builder: Autoconstrucción y Alejandro Fdez. Carbonero
Photography: Fernando Alda + sol89.sol89.com
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