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La cocina de la abuela de Oíza | José Ramón Hernández Correa

José Ramón Hernández Correa
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La cocina de la abuela de Oíza | José Ramón Hernández Correa
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La cocina de la abuela de Oíza | José Ramón Hernández Correa

Hace años escuché a Sáenz de Oíza hablar contra el diseño excesivamente funcional, y puso un ejemplo muy convincente. Habló de que la cocina funcional de la Bauhaus tenía previstos exhaustivamente todos los elementos necesarios, hasta el último detalle, y todo ello perfectamente modulado y optimizado.

Era una maravilla que en los años veinte, mientras la casa de su abuela en Cáseda, Navarra, no tenía ni agua corriente ni electricidad, la cocina de la Bauhaus tuviera lavadora, horno, lavaplatos… y todos los adelantos tecnológicos.

Pero… eran todos los adelantos tecnológicos de los años veinte.

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La cocina de la abuela de Oíza | José Ramón Hernández Correa

Si luego se inventaba algún nuevo electrodoméstico no cabía en esa cocina tan diseñada, tan cerrada. Si las lavadoras cambiaban de sistema de funcionamiento, o de modelo, ya no encajaban en esa cocina que tenía previstas todas las tomas, todos los huecos, todos los comportamientos.

Vamos, que con que cambiara la tensión de suministro de 125 V a 220 V, prácticamente había que tirar la casa y volverla a construir.

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Bauhaus, cocina

Todo estaba tan cerradamente organizado que no permitía ninguna improvisación, ninguna introducción de elementos no previstos.

Mientras que la casa de su abuela tenía una cocina que consistía en una buena lumbre, una pila, una gran mesa y unos muros de piedra.

Como la casa de su abuela no tenía ni agua ni electricidad, cuando llegó la una se instaló normalmente, como si tal cosa; y cuando llegó la otra, lo mismo.

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Bauhaus, cocina

Y, por la misma razón, en un momento dado se pudo instalar un frigorífico, y una lavadora, y una secadora, y lo que hiciera falta. Hasta, llegado el caso, un horno microondas y una placa vitrocerámica o de inducción; aparatos estos que no son posibles en la moduladísima cocina de la Bauhaus.

Porque la cocina de su abuela era un mero contenedor abierto, indefinido, adaptable, que permitía asumir lo que fuera viniendo.

El diseño funcional en arquitectura a menudo consiste en no diseñar nada especialmente y dejar que la gente lo vaya usando y lo adapte. Es decir:

«El diseño consiste en no estorbar».

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Caseda, Navarra

Soy funcionalista a rabiar, pero creo que esta consideración es necesaria. Hay que pensar en ella a menudo.

En todo caso, me acojo a las sabias palabras de Walt Whitman:

«¿Me contradigo? Pues bien, sí, me contradigo. En mí moran multitudes».

José Ramón Hernández Correa
Doctor Arquitecto y autor de Arquitectamos locos?
Toledo · diciembre 2011

Uniones | Elías Cueto

Elías Cueto
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Uniones | Elías Cueto

Ha sido sólo recientemente que ha sido posible dar forma a un producto de una sola vez. Esta posibilidad sin embargo no ha supuesto la definitiva desaparición de las soluciones basadas en el ensamblaje de piezas ya que esta tecnología ofrece ciertas posibilidades: facilita el traslado mediante el desmontaje, permite adecuar el material de cada una de las piezas según su función final, puede contribuir a simplificar la producción de cada uno de los componentes, etc.

La historia de las uniones es larga. La técnica tradicional ha sido el ensamble: una pieza encaja en la otra resolviéndose la unión gracias a sus geometrías complementarias. El clavo primero, el tornillo después y finalmente el uso de colas y pegamentos han permitido la ejecución cada vez más rápida y simple de las uniones. Sin embargo las uniones no son un simple problema, también son un elemento expresivo…

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Así, la unión convencional entre dos maderas formada mediante una pieza intermedia ha sido hábilmente interpretada por Sebastian Herkner en la Clip Chair. En este diseño la unión del asiento a las patas se realiza mediante una pieza de plástico interpuesta. A diferencia de la madera, el plástico puede conformarse muy fácilmente de manera que toda la complejidad geométrica de la unión queda resuelta en esta pequeña pieza sin necesidad de complejos trabajos artesanales de vaciado. Además, la rigidez del plástico ha sido trabajada de tal forma que el respaldo bascula ajustando su posición a la del usuario. La misma técnica en una propuesta aún más elocuente es utilizada por Vroon Land en Rubber Chair.

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Otra forma aún más elaborada de unión mediante una pieza intermedia es la propuesta por Iva Dinulovic en Liquid Joint. En este caso la pieza intermedia se realiza con resina que es vertida en estado líquido de modo que rellene los huecos dejados a tal efecto en las piezas a unir. Esta resina no sólo solidifica rellenando los huecos sino que alcanza una extraordinaria resistencia y conforma una sólida unión.

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Llevando al límite las posibilidades de verter un material y dejar que solidifique como forma de unión, Studio Blitzkrieg desarrollando Blitz.k11. En este caso es latón fundido lo que se vierte sobre huecos practicados en la madera. El material no sólo enfría y endurece resolviendo las uniones sino que además quema y penetra la madera de forma dramática y expresiva.

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La utilización de productos químicos de última generación es llevada al límite por no-smoking en su DaR, una silla en la que las piezas carecen de perforaciones o vaciados de ningún tipo y las uniones se realizan mediante un simple y gestual brochazo de resina.

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En esta misma dirección y alejado de cualquier purismo formal, Hannes Harms propone la Soum Chair, toda una lección de anti-diseño. Las piezas que componen el asiento son simples recortes de un cartón. La unión de todas las piezas se resuelve en un único e informal nudo formado mediante una espuma proyectada de color fucsia y de cuya ejecución se encarga el propio comprador.

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En el límite de la tecnología,  Francois Dumas ha desarrollado la Sealed Chair, una silla en la que las piezas de plástico translúcido que la componen se funden las unas a las otras mediante calor. El diseño recuerda la eficientísima geometría de los diseños de Thonet que minimizan el número de piezas –y por tanto de uniones- del producto final. Dumas ha logrado que las uniones sean extraordinariamente limpias y altamente expresivas de la naturaleza plástica del material.

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Sin embargo también la baja tecnología ofrece soluciones singulares de unión entre piezas de madera. Así Max Frommeld, cuyos diseños siempre prestan singular atención a las uniones, propone Strammer Max, un taburete en el que todas las piezas se unen mediante la tensión inducida por una cuerda al ser retorcida y atrancada con un simple pasador.

strammer-max

Las uniones, un tema inagotable sobre el que invitamos a nuestros lectores para que nos señalen ejemplos de interés.

Elías Cueto, arquitecto
Santiago de Compostela, noviembre 2011
Publicado en Nº 313 [sillas…]

[:es]Casa Roteta | Estudio Peña Ganchegui[:gl]Casa Roteta | Estudio Peña Ganchegui[:en]Roteta House | Estudio Peña Ganchegui [:]

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[:es]Casa Roteta | Estudio Peña Ganchegui[:gl]Casa Roteta | Estudio Peña Ganchegui[:en]Roteta House | Estudio Peña Ganchegui [:]

[:es]

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La casa se modela a partir de los aspectos singulares de la parcela: Su nivel, 3 metros por encima de la calle; la sobrecogedora pared de roca estratificada en el fondo de la parcela; la hermosa palmera existente; y la presencia de sendas áreas de aparcamiento a Sur y Oeste. Todos ellos han sido, junto con la orientación (N-S, siguiendo la forma alargada de la parcela) y el programa de necesidades (vivienda para una familia con dos hijos), los aspectos determinantes en la formalización de la Casa Roteta.

Respetando hacia el límite oeste el retiro mínimo impuesto por la ordenanza, que se excava a cota de calle para organizar el acceso, el edificio se desarrolla de forma lineal, en una secuencia que parte de las habitaciones de los hijos, a Norte, prosigue con los cuartos de aseo y la habitación de los padres, y desemboca en el comedor-cocina, desde el que se desarrolla, atravesado, el estar, que se conecta con el jardín mediante un porche abierto a Sur.

El muro de hormigón blanco que protege la casa es reemplazado a Sur por un cierre acristalado, acompañando la forma ramificada con la que se despliega en planta el estar. Un gesto, el del giro del salón, que tiene su reflejo en el alzado, al diferenciarse su cubierta, plana y revestida de gravilla, de la del volumen lineal, cuya geometría curva, revestida de zinc, se eleva respecto a la anterior, buscando la luz del Este.

La implantación de la casa en la parcela divide el espacio exterior en 4 ámbitos diferenciados: a Oeste, el patio de acceso ya mencionado (que organiza tanto el acceso rodado como el peatonal); a Norte, un jardín privado vinculado a las habitaciones secundarias (caracterizado por la presencia de la cantera); otro vinculado a la principal (en torno a la palmera), a Este; y a Sur, el jardín principal vinculado al estar.

Obra: Casa Roteta
Emplazamiento: Donostia (España)
Autores: Rocío Peña, Mario Sangalli (Estudio Peña Ganchegui)
Colaboradores: Jonathan Chanca, Josemari López, Edorta Subijana
Aparejador: Josemari Roteta
Estructura: Inak Ingeniaritza
Instalaciones: GE & asociados
Fotografías: Edorta Subijana
Año: Proyecto,2011, Obra, 2016
+ ganchegui.com

[:gl]

CasaRoteta_EstudioPeñaGanchegui_09_ext09

A casa se modela a partir dos aspectos singulares da parcela: O seu nivel, 3 metros por encima da rúa; a sobrecogedora parede de roca estratificada no fondo da parcela; a fermosa palmeira existente; e a presenza de senllas áreas de aparcadoiro a Sur e Oeste. Todos eles foron, xunto coa orientación (N-S, seguindo a forma alongada da parcela) e o programa de necesidades (vivenda para unha familia con dous fillos), os aspectos determinantes na formalización da Casa Roteta.

Respectando cara ao límite oeste o retiro mínimo imposto pola ordenanza, que se escava a cota de rúa para organizar o acceso, o edificio desenvólvese de forma lineal, nunha secuencia que parte das habitacións dos fillos, a Norte, prosegue cos cuartos de aseo e a habitación dos pais, e desemboca no comedor-cociña, desde o que se desenvolve, atravesado, o estar, que se conecta co xardín mediante un soportal aberto a Sur.

O muro de formigón branco que protexe a casa é substituído a Sur por un peche acristalado, acompañando a forma ramificada coa que se desprega en planta o estar. Un xesto, o do xiro do salón, que ten o seu reflexo no alzado, ao diferenciarse a súa cuberta, plana e revestida de grava miúda, da do volume lineal, cuxa xeometría curva, revestida de zinc, elévase respecto da anterior, buscando a luz do Leste.

A implantación da casa na parcela divide o espazo exterior en 4 ámbitos diferenciados: a Oeste, o patio de acceso xa mencionado (que organiza tanto o acceso rodado como o peonil); a Norte, un xardín privado vinculado ás habitacións secundarias (caracterizado pola presenza da canteira); outro vinculado á principal (ao redor da palmeira), a Leste; e a Sur, o xardín principal vinculado ao estar.

Obra: Casa Roteta
Emprazamento: Donostia (España)
Autores: Rocío Peña, Mario Sangalli (Estudio Peña Ganchegui)
Colaboradores: Jonathan Chanca, Josemari López, Edorta Subijana
Aparellador: Josemari Roteta
Estructura: Inak Ingeniaritza
Instalacións: GE & asociados
Fotografías: Edorta Subijana
Ano: Proxecto,2011, Obra, 2016
+ ganchegui.com

[:en]

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The particular attributes offered by the plot shape the house: Its level 3 meters above the street, the astonishing layered rock wall at the bottom of the plot, the beautiful existing palm, and the presence of two car-parks located South and West of the plot. All of them have been, along with the orientation (N-S, following the elongated form of the plot) and the program of needs (a house for a two-children family), determining factors in the Roteta House formalization.

Taking distance from the West limit, which is excavated at street level to organize the entrance, the building is developed in a linear way. The sequence starts from North with the children’s rooms, continues with the toilet rooms and the parents’ room, and ends in the kitchen, from where the living-room grows, linked with the garden through a porch open to the South.

The white concrete wall that protects the house is replaced on the South side by a glazed closure, along the living-room wing. The external appearance of this space contrasts with the linear volume, whose curved geometry, coated with zinc, stands out from the previous one, seeking the Eastern light.

The house situation on the plot divides the exterior space into 4 different areas: the entrance courtyard already mentioned (which organizes both the road and the pedestrian access) on the West, a private garden linked to the secondary rooms (characterized by the presence of the quarry) on the North, another linked to the main one (around the palm tree) on the East, and the main garden linked to the living room, on the South.

Work: Casa Roteta House
Location: Donostia (Spain)
Authors: Rocío Peña, Mario Sangalli (Estudio Peña Ganchegui)
Collaborators: Jonathan Chanca, Josemari López, Edorta Subijana
Quantity Surveyor: Josemari Roteta
Structural engineering: Inak Ingeniaritza
Facilities engineering: GE & asociados
Photography: Edorta Subijana
Year: Project,2011, Competed, 2016
+ ganchegui.com

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[:es]Innovación en 360 grados[:gl]Innovación en 360 graos[:en]Innovation in 360 degrees[:]

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[:es]Innovación en 360 grados[:gl]Innovación en 360 graos[:en]Innovation in 360 degrees[:]

[:es]https://www.youtube.com/watch?v=y4X5OpEVDe0

Innovación=cambio. Y ésta es la idea que subyace en el concepto de la nueva edición de Barcelona Barcelona Building Construmat (BBConstrumat), el Salón Internacional de la Construcción de Fira de Barcelona que tendrá lugar del 23 al 26 de mayo en el recinto de Gran Via.

La digitalización y las nuevas tecnologías son el motor de cambio del sector de la construcción y son los dos grandes ejes temáticos sobre los que se sustenta BBConstrumat, el único evento del sector de toda Europa que destina 2.000 metros cuadrados de exposición a mostrar nuevos materiales e innovadores procesos en el ámbito de la arquitectura, el diseño y la construcción.

Nombres propios como los de Anna y Eugeni Bach, quienes se encargarán de diseñar las áreas temáticas sobre la que se articulará el salón (Industry Arena, Future Arena, Talks Arena y el Meeting Arena) o de Andrés Jaque, curator del Congreso de Innovación que se desarrollará durante el  certamen, ponen de manifiesto la decidida apuesta que la dirección del salón hace este año por la innovación.

En esta misma línea, se inscribe la celebración de la tercera edición del European BIM Summit, en el que expertos de todo el mundo darán a conocer las últimas novedades del BIM, herramienta fundamental en el proceso de modernización que está experimentando el sector.

La nueva directora de BBConstrumat, la joven arquitecta navarra Ione Ruete, afirma que

“el salón quiere convertirse en una cita imprescindible para todos los miembros del sector desde arquitectos a ingenieros, pasando por proyectistas o diseñadores”.

Para ello, además de contar con una amplia oferta en el marco del salón, en colaboración con el Colegio de Arquitectos de Cataluña (COAC), se ha organizado ‘La Semana de la Arquitectura’, con la que se pretende que la ciudad de Barcelona respire arquitectura, diseño y construcción mediante un programa de actividades que van desde rutas para descubrir una ciudad diferente hasta un ciclo de cine, sin dejar de lado conferencias, debates, talleres o exposiciones.

Y bajo la coordinación de la Fundación Mies van der Rohe, se convocará la 17ª edición de los Premios BBConstrumat en sus categorías de Edificación, Obra Civil, Material o producto innovador, Proyecto o servicio innovador y Mejor stand.

Innovación en 360 grados

[:gl]https://www.youtube.com/watch?v=y4X5OpEVDe0

Innovación=cambio. E esta é a idea que subxace no concepto da nova edición de Barcelona Barcelona Building Construmat (BBConstrumat), o Salón Internacional de la Construción de Fira de Barcelona que terá lugar do 23 ao 26 de maio no recinto de Gran Via.

A dixitalización e as novas tecnoloxías son o motor de cambio do sector da construción e son os dous grandes eixos temáticos sobre os que se sustenta BBConstrumat, o único evento do sector de toda Europa que destina 2.000 metros cadrados de exposición a mostrar novos materiais e innovadores procesos no ámbito da arquitectura, o deseño e a construción.

Nomes propios como os de Anna e Eugeni Bach, quen se encargará de deseñar as áreas temáticas sobre a que se articulará o salón (Industry Area, Future Area, Talks Area e o Meeting Area) ou de Andrés Xaque, curator do Congreso de Innovación que se desenvolverá durante o  certame, poñen de manifesto a decidida aposta que a dirección do salón fai este ano pola innovación.

Nesta mesma liña, inscríbese a celebración da terceira edición do European BIM Summit, no que expertos de todo o mundo darán a coñecer as últimas novidades do BIM, ferramenta fundamental no proceso de modernización que está a experimentar o sector.

A nova directora de BBConstrumat, a nova arquitecta navarra Ione Ruete, afirma que

“o salón quere converterse nunha cita imprescindible para todos os membros do sector desde arquitectos a enxeñeiros, pasando por proyectistas ou deseñadores”.

Para iso, ademais de contar cunha ampla oferta no marco do salón, en colaboración co Colexio de Arquitectos de Cataluña (COAC), organizouse ‘A Semana da Arquitectura’, coa que se pretende que a cidade de Barcelona respire arquitectura, deseño e construción mediante un programa de actividades que van desde rutas para descubrir unha cidade diferente ata un ciclo de cinema, sen deixar de lado conferencias, debates, talleres ou exposicións.

E baixo a coordinación da Fundación Mies van der Rohe, convocarase a 17ª edición dos Premios BBConstrumat nas súas categorías de Edificación, Obra Civil, Material ou produto innovador, Proxecto ou servizo innovador e Mellor caseta.

Innovación en 360 grados

[:en]https://www.youtube.com/watch?v=y4X5OpEVDe0

Innovation=Change. And this one is the idea that sublies in the concept of the new edition of Barcelona Barcelona Building Construmat (BBConstrumat), the construction International Lounge by Fira de Barcelona that will take place from May 23 to May 26 in the Gran Via´s enclosure.

The digitalization and the new technologies are the engine of change of the sector of the construction and are both big thematic axes on which there is sustained BBConstrumat, the only event of the sector of the whole Europe that destines 2.000 square meters of exhibition to show new material and innovative processes in the area of the architecture, the design and the construction

Own names like those of Anna and Eugeni Bach, who will take charge designing the thematic areas on that the lounge will be articulated (Industry Arena, Future Arena, Talks Arena and the Meeting Arena) or of Andrés Jaque, curator of the Congress of Innovation that will develop during the contest, they reveal the determined bet that the direction of the lounge this year ago for the innovation.

In the same line, there registers the celebration of the third edition of the European BIM Summit, in which experts of the whole world will announce the last innovations of the BIM, fundamental tool in the process of modernization that is experiencing the sector.

The new director of BBConstrumat, the young woman arquitecta of Navarre Ione Ruete, affirms that

“The lounge wants to turn into an indispensable appointment for all the members of the sector from architects to engineers, happening for designers or designers”.

For it, beside possessing a wide offer in the frame of the lounge, in collaboration with the Architects’ College of Catalonia (COAC), one has organized ‘The Architecture Week‘, with that there is claimed that the city of Barcelona breathes architecture, design and construction by means of a program of activities that go from routes to discover a different city up to a cycle of cinema, without leaving of side conferences, debates, workshops or exhibitions.

And under the coordination of the Mies van der Rohe Foundation, will be summoned 17th edition of the Prizes BBConstrumat in his categories of Building, Civil, Material Work or innovative product, Project or innovative service and Better stand.

Innovación en 360 grados

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Cajas de luz | Íñigo García Odiaga

Íñigo García Odiaga
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Cajas de luz | Íñigo García Odiaga
Gipsoteca Canoviana en Possagno, Carlo Scarpa, 1955-57
Gipsoteca Canoviana en Possagno, Carlo Scarpa, 1955-57

Louis Kahn llegó a asegurar que un espacio donde no entrase la luz natural, no podría se considerado un espacio arquitectónico. La afirmación aunque tal vez algo exagerada, es sin duda sugerente.

De hecho la arquitectura en una de sus múltiples definiciones podría determinarse como el arte de controlar la luz, y controlarla además en función del clima y del uso de la caja.

En las latitudes más calurosas y luminosas la sombra ha sido siempre lo más deseado, y las celosías, tamices, toldos y pequeñas aperturas los mecanismos que la arquitectura ha utilizado para alejar el calor y definir la penumbra. Por el contrario en los países escandinavos, el claro en el bosque es el mito de la luz, de la claridad y los grandes ventanales orientados al mediodía las herramientas del arquitecto para buscar ese sueño.

Pero también el uso y la función determinan el tipo de iluminación de un espacio. Carlo Scarpa lo sabía bien. No es lo mismo iluminar el espacio que iluminar las paredes. En un museo de reproducciones de obras clásicas en yeso, una Gipsoteca, el problema suele ser la falta de densidad del material de las piezas. La luz no incide igual, no vibra y reverbera igual sobre el yeso que sobre el mármol pentélico.

Si en el mármol los brillos y las sombras construyen el peso de la materia, en el yeso la luz parece volver las piezas débiles, quebradizas y porosas, casi huecas.

La Gipsoteca Canoviana en Possagno construida entre 1955 y 1957, tiene una planta en la que se agrupan varias cajas ciegas, sin ventanas. Scarpa eliminó las esquinas superiores de las salas de exposiciones, en el encuentro de las paredes con el techo, construyendo unos pequeños prismas vidriados a modo de cajas de luz.

Gipsoteca Canoviana en Possagno, Carlo Scarpa, 1955-57
Gipsoteca Canoviana en Possagno, Carlo Scarpa, 1955-57

Este simple gesto baña de luz las paredes de la sala, dejando el centro en una sostenida penumbra. Mediante este artificio, los moldes de yeso cobran vida al contrastar su densidad oscura contra un fondo luminoso que parece desmaterializarse. Las banales piezas de yeso se vuelven sublimes bajo la luz. Si esto no es arquitectura, es difícil saber que podría serlo.

Íñigo García Odiaga. arquitecto
San Sebastián. Febrero 2017

La distensiónes del espacio en Zaha Hadid | Marcelo Gardinetti

Marcelo Gardinetti
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La distensiónes del espacio en Zaha Hadid | Marcelo Gardinetti
The Peak | ©Zaha Hadid Architects
The Peak | © Zaha Hadid Architects

En términos de indagación metodológica, los primeros trabajos de Zaha Hadid fueron los más fructíferos. En ellos explora y reformula búsquedas de las vanguardias de principio de siglo XX abortadas por las condiciones políticas de aquellos años.

La raíz genética de esas obras abreva en el lenguaje suprematista de Kazimir Malévich. El tránsito por la obra del artista ruso se inició en su propuesta para su tesis de estudio, un complejo hotelero sobre el río Támesis. El proyecto adapta la morfología de los “arquitectones”. Su finalidad no era retomar iconografías del movimiento moderno, sino forjar una estrategia para desvelar nuevos campos constructivos a partir de esos trabajos.

The Peak | ©Zaha Hadid
The Peak | © Zaha Hadid

Según describe Hal Foster,

“la pintura suprematista fue vista alguna vez como un achatamiento radical del plano pictórico; Hadid la utiliza como una irrupción dramática en un espacio-tiempo infinito, en un intento por “abrir a la fuerza” sus objetos, por “comprimir y expandir” sus espacios, por intensificar y liberar sus estructuras, todo al mismo tiempo”.1

La no figuración y la negación a cualquier asociación insustancial con el color, Hadid las convierte en nuevas experiencias. Los planos retraídos o cercanos en la planitud de una perspectiva abolida, se comprimen y se expanden para generar espacialidad. Multiplica los elementos, utiliza rotaciones y ejes combados para construir imágenes de gran dinamismo visual. Manipula las perspectivas para que sus diseños adquieran carácter pictórico y gocen de una sugestiva ingravidez. Y para ello se asiste de los nuevos programas para graficar de una manera propia su arquitectura.

El sustento tectónico a esas figuras complejas, se nutre del constructivismo. La arquitectura constructivista tiende a ser escenográfica se expresa con audaces soluciones formales que respaldó en su idoneidad para experimentar las nuevas tecnologías. Hadid usa esos recursos para generar espacios tan extravagantes como espontáneos. La función se supedita a convenciones que están en permanente tensión. Lo vertical y lo horizontal se funden en acuerdos novedosos y a veces arbitrarios.

Tomigaya | © Zaha Hadid Architects 05
Tomigaya | © Zaha Hadid Architects

Los planos y volúmenes que resultan de estas operaciones desafían la verticalidad para construir precisas y cambiantes distensiones.

Cuando concibe el proyecto ganador del concurso para el club deportivo The Peak en Hong Kong, todas estas especulaciones gráficas se transforman en un proyecto concreto. El edificio debía construirse en la ladera de un pico montañoso ubicado en un extremo de la estructura urbana de la ciudad. Hadid propone una “geología suprematista”: planos horizontales con distintos ángulos que emergen de la ladera en diferentes direcciones y se confunden en el espacio como extensión de la propia montaña. El conjunto asume formas libres, poco cohesivas y desafiantes de la gravedad. Un contraste axiomático con las rígidas estructuras construidas ladera abajo.

Tomigaya | © Zaha Hadid Architects
Tomigaya | © Zaha Hadid Architects

Esas cualidades se repiten en el edificio Tomigaya, donde propone un pabellón de cristal por encima de un vacío. El plano superior curvo y las columnas de sostén inclinadas establecen nuevamente una imagen dinámica e ingrávida, aunque para alcanzar esta figura las funciones principales se relegan a una plataforma inferior.

En la estación de Bomberos Vitra, Hadid reafirma la intensidad de su búsqueda geométrica, pero la materialización del edificio deja expuestas sus limitaciones. El diseño destaca vigorosos planos que evocan la dinámica suprematista y las aspiraciones de velocidad futurista. Sin embargo, la abundancia de líneas y capas superpuestas no impide que las cualidades perceptivas del hormigón atenten contra la sensación volátil de sus dibujos. El conjunto irrumpe vigoroso, pero no alcanza la ingravidez extrema de sus aspiraciones gráficas.

vitra fire station | © Zaha Hadid Architects
vitra fire station | © Zaha Hadid Architects

En años posteriores, la idea arquitectónica de Hadid empieza a acercarse al expresionismo, y aunque no abandona la influencia suprematista, sus diseños pierden la levedad que había imbuido a sus trabajos anteriores. Sin embargo, la apertura metodológica de esos proyectos incita a la investigación y el tratamiento de nuevas relaciones entre diferentes convenciones formales.

Hadid confirma que es posible progresar el carácter de la arquitectura desde las más variadas expresiones artísticas. O, en todo caso, que es posible rescatar indagaciones arquitectónicas abortadas en la historia reciente y progresarlas al contexto socio cultural actual.

vitra fire station | ©Zaha Hadid Architects
vitra fire station | © Zaha Hadid Architects

Marcelo Gardinetti. Arquitecto
La Plata, Argentina. Noviembre 2016

Notas:

1. Foster, Hal. 2013, El complejo arte-arquitectura, Editorial Turner Noema

[:es]III PIAM. Arquitectura del Equilibrio[:gl]III PIAM. Arquitectura do Equilibrio[:en]The IIIrd PIAM. Architecture of the Balance[:]

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[:es]III PIAM. Arquitectura del Equilibrio[:gl]III PIAM. Arquitectura do Equilibrio[:en]The IIIrd PIAM. Architecture of the Balance[:]

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III PIAM. Arquitectura del Equilibrio Cartel

Una ocasión más, Matimex quiere reconocer la excelencia en la arquitectura y presenta la 3ª convocatoria del Premio Internacional de Arquitectura, dedicada en esta ocasión a la Arquitectura del Equilibrio “Mens sana in corpore sano”.

Muchos espacios arquitectónicos se dedican total o parcialmente a la búsqueda de este equilibrio: espacios deportivos, gimnasios, centros de terapias alternativas, spas, hoteles destinados al bienestar, institutos de belleza…, además de aquellos centros dedicados plenamente a la salud y la curación, entre muchas otras opciones.

La nueva temática, sobre el bienestar holístico, será la protagonista del reto de proyectar un espacio o recuperar uno existente cuyo diseño se englobe dentro de una o varias de las tipologías señaladas (bibliotecas, centros educativos, gimnasios, institutos de belleza, centros sanitarios, entre otros) o que gire sobre el tema principal del concurso.

La empresa, que forma parte de Iris Ceramica Group, quiere mostrar una vez más el apoyo al medioambiente con la recepción de estos proyectos y la constante evolución del concurso. Se tendrá en cuenta el uso del material con acabado Active Clean Air & Antibacterial Ceramic, así como la selección en el proyecto de cerámica con certificado LEED o BREEAM; también se valorará la calidad, originalidad, creatividad y buen uso y acondicionamiento de los productos del grupo.

https://vimeo.com/201140839

Este premio va dirigido a profesionales y estudiantes del mundo de la arquitectura, arquitectura técnica, el diseño, el interiorismo, la ingeniería y cualquier perfil que se asemeje a estas características.

El jurado encargado de valorar los proyectos se compone de profesionales de gran reconocimiento a nivel internacional vinculados directamente con la arquitectura, el diseño y la sostenibilidad:

· Federica Minozzi. Consejera Delegada de Iris Ceramica Group.

· Juan-Luis Grafulla Gaspar. Consejero y Director General de Matimex.

· Nini Andrade Silva. Interiorista y pintora. Fundadora de Atelier Nini Andrade Silva en Funchal y Lisboa.

· Jacinto Arenas Serna. Director General de Ares Arquitectos en México.

· Carlos Lamela de Vargas. Arquitecto. Presidente Ejecutivo de Estudio Lamela.

· Isabel López Vilalta. Socia Fundadora de Isabel López Vilalta + Asociados.

· Carlos Martín Ramírez. Director de L35 Arquitectos de Madrid.

Los premios, entendidos en cantidades netas, que se otorgarán son los siguientes:

Categoría Profesionales:

1er premio: 3.000 €

2º premio: 1.000 €

1er accésit: sin remuneración económica

2º accésit: sin remuneración económica

· Categoría estudiantes:

1er premio: 1.000 €

2º premio: 500 €

La inscripción y entrega de proyectos se realizará del 30 de enero a 8 de mayo a través de la página web del concurso. Cualquier información relacionada con el mismo podrá consultarse en la web.

III PIAM. Arquitectura del Equilibrio

[:gl]

III PIAM. Arquitectura del Equilibrio Cartel

Unha ocasión máis, Matimex quere recoñecer a excelencia na arquitectura e presenta a 3ª convocatoria do Premio Internacional de Arquitectura, dedicada nesta ocasión á Arquitectura do Equilibrio “Mens sana in corpore sano”.

Moitos espazos arquitectónicos dedícanse total ou parcialmente á procura deste equilibrio: espazos deportivos, ximnasios, centros de terapias alternativas, spas, hoteis destinados ao benestar, institutos de beleza?, ademais daqueles centros dedicados plenamente á saúde e a curación, entre moitas outras opcións.

A nova temática, sobre o benestar holístico, será a protagonista do reto de proxectar un espazo ou recuperar un existente cuxo deseño se englobe dentro dunha ou varias das tipoloxías sinaladas (bibliotecas, centros educativos, ximnasios, institutos de beleza, centros sanitarios, entre outros) ou que vire sobre o tema principal do concurso.

A empresa, que forma parte de Iris Ceramica Group, quere mostrar unha vez máis o apoio ao medioambiente coa recepción destes proxectos e a constante evolución do concurso. Terase en conta o uso do material con acabado Active Clean Air & Antibacterial Ceramic, así como a selección no proxecto de cerámica con certificado LEDE ou BREEAM; tamén se valorará a calidade, orixinalidade, creatividade e bo uso e acondicionamento dos produtos do grupo.

https://vimeo.com/201140839

Este premio vai dirixido a profesionais e estudantes do mundo da arquitectura, arquitectura técnica, o deseño, o interiorismo, a enxeñería e calquera perfil que se asemelle a estas características.

O xurado encargado de valorar os proxectos componse de profesionais de gran recoñecemento a nivel internacional vinculados directamente coa arquitectura, o deseño e a sustentabilidade:

· Federica Minozzi. Conselleira Delegada de Iris Ceramica Group.

· Juan-Luis Grafulla Gaspar. Conselleiro e Director Xeral de Matimex.

· Nini Andrade Silva. Interiorista e pintora. Fundadora de Atelier Nini Andrade Silva en Funchal e Lisboa.

· Jacinto Arenas Serna. Director Xeral de Ares Arquitectos en México.

· Carlos Lamela de Vargas. Arquitecto. Presidente Executivo de Estudo Lamela.

· Isabel López Vilalta. Socia Fundadora de Isabel López Vilalta + Asociados.

· Carlos Martín Ramírez. Director de L35 Arquitectos de Madrid.

Os premios, entendidos en cantidades netas, que se outorgarán son os seguintes:

Categoría Profesionales:

1er premio: 3.000 €

2º premio: 1.000 €

1er accésit: sen remuneración económica

2º accésit: sen remuneración económica

· Categoría estudantes:

1er premio: 1.000 €

2º premio: 500 €

A inscrición e entrega de proxectos realizarase do 30 de xaneiro ao 8 de maio a través da páxina web do concurso. Calquera información relacionada co mesmo poderá consultarse na web.

III PIAM. Arquitectura del Equilibrio

[:en]

III PIAM. Arquitectura del Equilibrio Cartel

One more occasion, Matimex wants to recognize the excellence in the architecture and presents 3 ª summons of the International Prize of Architecture, dedicated in this occasion to the Architecture of the Balance “Mens sana in corpore sano”.

Many architectural spaces devote themselves total or partially to the search of this balance: sports spaces, gymnasia, centers of alternative therapies, spas, hotels destined for the well-being, institutes of beauty …, besides those centers dedicated fullly to the health and the treatment, between many other options.

The new subject matter, on the holistic well-being, will be the protagonist of the challenge of projecting a space or recovering the existing one which design is included inside one or several of the notable tipologías (libraries, educational centers, gymnasia, institutes of beauty, sanitary centers, between others) or that turns on the principal topic of the contest.

The company, which forms a part of Iris Ceramica Group, wants to show once again the support to the environment with the receipt of these projects and the constant evolution of the contest. The use of the material will be born in mind with finished Active Clean Air & Antibacterial Ceramic, as well as the selection in the project of ceramics with certificate READ or BREEAM; also there will be valued the quality, originality, creativity and good use and conditioning of the products of the group.

https://vimeo.com/201140839

This prize is directed professionals and students of the world of the architecture, technical architecture, the design, the interior design, the engineering and any profile that is alike these characteristics.

The juror entrusted to value the projects consists of professionals of great recognition worldwide linked directly with the architecture, the design and the sustainability:

· Federica Minozzi. Representative adviser of Iris Ceramica Group.

· Juan-Luis Grafulla Gaspar. Counselor and General manager of Matimex.

· Nini Andrade Silva. Works as interior and painter. General manager of Plough Architects in Mexico.

· Jacinto Arenas Serna. General manager of in Mexico.

· Carlos Lamela de Vargas. Architect. President chairman of Lamela Studyr.

· Isabel López Vilalta. Socia Founder of Isabel López Vilalta + Asociados.

· Carlos Martín Ramírez. The director of L35 Architects in Madrid.

The prizes understood with clear quantities, which will be granted are the following ones:

Category Professionals:

1er prize: 3.000 €

2º prize: 1.000 €

1er Second prize: without economic remuneration

2º Second prize: without economic remuneration

· Category students:

1er prize: 1.000 €

2º prize: 500 €

The inscription and project delivery will be realized from January 30 to May 8 across the web page of the contest. Any information related to the same one will be able to consult in the web.

III PIAM. Arquitectura del Equilibrio

[:]

[:es]Entorno Mercado del Born de Barcelona | vora[:gl]Entorno Mercado do Born de Barcelona | vora[:en]Born Market surrounding area in Barcelona | vora[:]

veredes
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[:es]Entorno Mercado del Born de Barcelona | vora[:gl]Entorno Mercado do Born de Barcelona | vora[:en]Born Market surrounding area in Barcelona | vora[:]

[:es]

La propuesta forma parte de una estrategia de regeneración de un sector de la Ciudad que durante muchos años ha estado estancada por la falta de uso continuado del mercado y la falta de permeabilidad de la Ciutadella.

vora_entorno-mercado-del-born-de-barcelona_o1_ext01

La urbanización de las calles del entorno del antiguo Mercat del Born tiene el objetivo de dar respuesta a las necesidades y potencialidades que la activación del renovado edificio como Born Centre Cultural generará en el espacio público.

Conectividad y permeabilidad.

Se ha eliminado el tráfico de la calle Comerç en su tramo por delante del Mercat.

Se configura un espacio de peatones en continuidad con el resto del barrio hasta los límites del Parque de la Ciutadella.

Centralidad y identidad.

Se ha generado un vacío alrededor del edificio para responder a su monumentalidad.

El pavimento es el elemento de conexión con la historia y la memoria del lugar.

Flexibilidad y funcionalidad.

El proyecto se ha definido con la premisa de propiciar la máxima diversidad de usos. Con la puesta en marcha del BornCC se intensificaran los usos existentes y aparecerán usos Nuevos. El espacio diáfano, la plataforma única y el carácter de plaza potencian esta diversidad.

Obra: Entorno Mercado do Born de Barcelona
Dirección: Mercado del Born. Barcelona. España
Superficie construida: 14.000 m2
Proyecto: 2009-12
Obra: septiembre 2012 – septiembre 2013
Arquitectos proyecto: vora (Pere Buil y Toni Riba)
Colaboradores: Adrià Guardiet, Miquel Camps, Jordi Riba, Eva Cotman, Ondrej Fabian
Ingeniería proyecto: PCG arquitectura e ingeniería
Proyecto iluminación: Anoche
Proyecto vegetación: Josep Selga
Arqueología: Isidre Pastor
Arquitectos obra: vora (Toni Riba)
Ingeniería obra y coordinación: PCG arquitectura e ingeniería (Federico Giacomelli)
Constructor: Copisa
Promotor: BIMSA (Barcelona d’Infraestructures Municipals)
Fotografías: Adrià Goula
+ vora.cat

Premios

Premio europeo de intervención en el patrimonio arquitectónico 2015/ finalista
Premio archmarathon 2014/ categoría diseño urbano
VI Premio enor 2014 seleccionado/ Españo y Portugal
Premio Ciudad de barcelona 2013/ arquitectura y urbanismo
Premios AJAC 2012, Jóvenes Arquitectos de Catalunya

 [:gl]

A proposta forma parte dunha estratexia de rexeneración dun sector da Cidade que durante moitos anos estivo estancada pola falta de uso continuado do mercado e a falta de permeabilidade da Ciutadella.

vora_entorno-mercado-del-born-de-barcelona_o1_ext01

A urbanización das rúas da contorna do antigo Mercat do Born ten o obxectivo de dar resposta ás necesidades e potencialidades que a activación do renovado edificio como Born Centre Cultural xerará no espazo público.

Conectividade e permeabilidade.

Eliminouse o tráfico da rúa Comerç no seu tramo por diante do Mercat.

Configúrase un espazo de peóns en continuidade co resto do barrio ata os límites do Parque da Ciutadella.

Centralidade e identidade.

Xerouse un baleiro ao redor do edificio para responder ao seu monumentalidade.

O pavimento é o elemento de conexión coa historia e a memoria do lugar.

Flexibilidade e funcionalidade.

O proxecto definiuse coa premisa de propiciar a máxima diversidade de usos. Coa posta en marcha do BornCC intensificásense os usos existentes e aparecerán usos Novos. O espazo diáfano, a plataforma única e o carácter de praza potencian esta diversidade.


Obra: Entorno Mercado do Born de Barcelona
Dirección: Mercado do Born. Barcelona. España
Superficie construida: 14.000 m2
Proxecto: 2009-12
Obra: setembro 2012 – setembro 2013
Arquitectos proxecto: vora (Pere Buil y Toni Riba)
Colaboradores: Adrià Guardiet, Miquel Camps, Jordi Riba, Eva Cotman, Ondrej Fabian
Enxeñería proxecto: PCG arquitectura e inxeñería
Proxecto iluminación: Anoche
Proxecto vexetación: Josep Selga
Arqueoloxía: Isidre Pastor
Arquitectos obra: vora (Toni Riba)
Enxeñería obra e coordinación: PCG arquitectura e inxeñería (Federico Giacomelli)
Constructor: Copisa
Promotor: BIMSA (Barcelona d’Infraestructures Municipals)
Fotografías: Adrià Goula
+ vora.cat

Premios

Premio europeo de intervención no patrimonio arquitectónico 2015/ finalista
Premio archmarathon 2014/ categoría deseño urbano
VI Premio Enor 2014 seleccionado/ Españo e Portugal
Premio Cidade de Barcelona 2013/ arquitectura e urbanismo
Premios AJAC 2012, Xóvenes Arquitectos de Cataluña

 [:en]The proposal is part of the strategy to revitalize part of the old town, which has stagnated for many years for lack of use of the Born Market and lack of permeability of the Citadel.

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The urbanization of the streets surrounding the old Born Market has the goal to respond to needs and potentials, which an opening of a renovated building like Born Cultural Center will generate in public space.

Connectivity and permeability.

Traffic in the Comerç Street infront of the market has been eliminated and the pedestrian space was included in the continuum of the rest of the district, up to the limit of the Citadel Park.

Centrality and identity.

There has been created a vacuum around the building to highlight its monumentality.

The paving is an element of connection to history and memory of the place.

Flexibility and functionality.

The project was defined with the premise to promote maximum diversity of uses. With the launch of BornCC the current uses were intensified and new ones appeared. The open space, the single platform and the character of the plaza strengthen this diversity.


Work: Born Market surrounding area
Adress: Born Market surrounding area. Barcelona. Spain
Surface Area: 14.000 m2
Project: 2009-12
Construction: September 2012 – September 2013
Architects: vora (Pere Buil and Toni Riba).
Project Team: Adrià Guardiet, Miquel Camps, Jordi Riba, Eva Cotman, Ondrej Fabian
Engineers: PCG arquitectura e ingeniería
Budget control: PCG arquitectura e ingeniería
Lighting project: Anoche
Vegetation project: Josep Selga
Arqueology: Isidre Pastor
Building coordination architects: vora (Toni Riba)
Building coordination engineers: PCG arquitectura e ingeniería (Federico Giacomelli)
Contractor: Copisa
Client: BIMSA (Barcelona d’Infraestructures Municipals)
Photographs: Adrià Goula
+ vora.cat

Award

European award for architectural heritage intervention 2015/ finalist
Archarathon award 2014/ urban design category
City of barcelona 2013 award/ architecture and urbanism category
fad awards 2014 selection/ spain and portugal
VI enor awards 2014 selection/ spain and portugal
ajac 2012 awards, young catalan architects/ non built projects category award. public space

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[:es]Ludwig Mies Van Der Rohe. Una biografía crítica[:gl]Ludwig Mies Van Der Rohe. Unha biografía crítica[:en]Ludwig Mies Van Der Rohe. Una biografía crítica[:]

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[:es]Ludwig Mies Van Der Rohe. Una biografía crítica[:gl]Ludwig Mies Van Der Rohe. Unha biografía crítica[:en]Ludwig Mies Van Der Rohe. Una biografía crítica[:]

[:es]

ludwig-mies-van-der-rohe-una-biografia-critica

Este libro es una reelaboración y ampliación de la ‘biografía crítica’ de Ludwig Mies van der Rohe publicada por Franz Schulze en 1985 (y traducida al español en 1986), que fue el primer estudio completo de este maestro de la arquitectura moderna. Con la incorporación como coautor de Edward Windhorst, esta segunda edición, totalmente revisada, presenta nuevas investigaciones y se apoya en los mejores trabajos recientes de estudiosos y críticos, tanto alemanes como norteamericanos.

Los autores describen la trayectoria profesional de Mies desde su incorporación a la vanguardia moderna, con obras muy innovadoras pero de escala modesta, hasta su segunda etapa en los Estados Unidos, donde creó un nuevo lenguaje arquitectónico de una expresión estructural ‘objetiva’. Entre las aportaciones de esta nueva edición está la transcripción del pleito sobre la casa Farnsworth, a comienzos de los años 1950, que desvela por primera vez los hechos del enfrentamiento entre Mies y su clienta. El texto ofrece nuevos datos sobre las relaciones de Mies con las mujeres, entre ellas la naturaleza y la ruptura de su matrimonio con la acomodada Ada Bruhn, sus estrechos vínculos profesionales y personales con la diseñadora Lilly Reich, y nuevos detalles extraídos de entrevistas con su compañera norteamericana, Lora Marx.

Esta edición también da la palabra a docenas de arquitectos que conocieron y trabajaron con Mies, en buena parte gracias a la excepcional colección de ‘historia oral’ del departamento de arquitectura del Art Institute de Chicago. En esta completa biografía se narra la fascinante historia de cómo Mies (y sus alumnos y seguidores) crearon algunos de los edificios más significativos del siglo XX.

Esta edición española cuenta con un prólogo del profesor Juan Calatrava, catedrático de Composición Arquitectónica en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Granada.

[:gl]

ludwig-mies-van-der-rohe-una-biografia-critica

Este libro é unha reelaboración e ampliación da ‘biografía crítica’ de Ludwig Mies van der Rohe publicada por Franz Schulze en 1985 (e traducida ao español en 1986), que foi o primeiro estudo completo deste mestre da arquitectura moderna. Coa incorporación como coautor de Edward Windhorst, esta segunda edición, totalmente revisada, presenta novas investigacións e apóiase nos mellores traballos recentes de estudiosos e críticos, tanto alemáns como norteamericanos.

Os autores describen a traxectoria profesional de Mies desde a súa incorporación á vangarda moderna, con obras moi innovadoras pero de escala modesta, ata a súa segunda etapa nos Estados Unidos, onde creou unha nova linguaxe arquitectónica dunha expresión estrutural ‘obxetiva’. Entre as achegas desta nova edición está a transcrición do preito sobre a casa Farnsworth, a comezos dos anos 1950, que desvela por primeira vez os feitos do enfrontamento entre Mies e a súa clienta. O texto ofrece novos datos sobre as relacións de Mies coas mulleres, entre elas a natureza e a ruptura do seu matrimonio coa acomodada Ada Bruhn, os seus estreitos vínculos profesionais e persoais coa deseñadora Lilly Reich, e novos detalles extraídos de entrevistas coa súa compañeira norteamericana, Lora Marx.

Esta edición tamén dá a palabra a ducias de arquitectos que coñeceron e traballaron con Mies, en boa parte grazas á excepcional colección de ‘historia oral’ do departamento de arquitectura do Art Institute de Chicago. Nesta completa biografía nárrase a fascinante historia de como Mies (e os seus alumnos e seguidores) crearon algúns dos edificios máis significativos do século XX.

Esta edición española conta cun prólogo do profesor Juan Calatrava, catedrático de Composición Arquitectónica na Escola de Arquitectura da Universidade de Granada.

[:en]

ludwig-mies-van-der-rohe-una-biografia-critica

This book is a reproduction and extension of the ‘critical biography’ Ludwig Mies van der Rohe’s published by Franz Schulze in 1985 (and translated into the Spanish in 1986), that was the first complete study of this teacher of the modern architecture. With the incorporation as co-author of Edward Windhorst, this second edition, totally checked, presents new investigations and rests on the best recent works of experts and critics, both Germans and North Americans.

The authors describe the professional path of Grain from his incorporation to the modern forefront, with very innovative works but on a large scale modest, up to his second stage in the United States, where it created a new architectural language of a structural ‘objective’ expression. Between the contributions of this new edition the transcription of the lawsuit is on the house Farnsworth, at the beginning of the year 1950, which reveals for the first time the facts of the clash between Grain and his clienta. The text offers new information on the relations of Grain with the women, between them the nature and the break of his marriage with the well-off Ada Bruhn, his narrow professional and personal links with the designer Lilly Reich, and new details extracted from interviews with his North American companion, Lora Marx.

This edition also gives the word to dozens of architects who knew and worked with Grain, in good part thanks to the exceptional collection of ‘oral history’ of the department of architecture of the Art Institute of Chicago. In this complete biography the fascinating history is narrated of how Grain (and his pupils and followers) created some of the most significant buildings of the 20th century.

This Spanish edition possesses a prologue of the teacher Juan Calatrava, professor of Architectural Composition in the School of Architecture of the University of Granada.

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[:es]Techlam #slimtile, gama porcelánica versátil, flexible y resistente de Levantina[:gl]Techlam #slimtile gama porcelánica versátil, flexible e resistente de Levantina[:en]Techlam range porcelánica versatile, flexible and resistant Levantina[:]

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[:es]Techlam #slimtile, gama porcelánica versátil, flexible y resistente de Levantina[:gl]Techlam #slimtile gama porcelánica versátil, flexible e resistente de Levantina[:en]Techlam range porcelánica versatile, flexible and resistant Levantina[:]

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Techlam Slate Ebony LR
Techlam Slate Ebony

La elección de los materiales durante el proceso proyectual, es una de las fase más importantes ya que determinará, no solo el aspecto visual del proyecto si no las sensaciones que producirá en el usuario final.

Por eso desde Levantina, fruto del desarrollo e investigación dispone de la nueva colección Techlam, un lámina porcelánica versátil, flexible y resistente en unos espesores mínimos, con la que poder desarrollar diferentes ambientes gracias a sus múltiples aplicaciones.

Este producto potencia las características mecánicas propias del material porcelánico, tales como alta resistencia a las agresiones (rayados, grafitis, cambios climáticos, etc.), impermeabilidad e higiene, aumentando así las posibilidades proyectuales tanto en interiores como en exteriores de obra nueva o rehabilitación. Cabe destacar que gracias a los pequeños espesores obtenidos (entre 3 y 5 mm) se pueden conseguir piezas de grandes formatos, de hasta 1×3 metros, que soportan y resisten la flexión a la que pueden estar sometidas.

La colección Techlam para dar respuesta a la versatilidad que ofrece, pone a disposición de los profesionales y usuarios una amplia gama de productos de múltiples colores e infinidad de combinaciones que conformarán los ambientes soñados.

Techlam Blaze Grey
Techlam Blaze Grey

Agrupados inicialmente en cinco colecciones Basic, Hydra, Steel y Vulcano, amplía su gama con cinco gamas nuevas denominadas Blaze, Slate, Deco, Wood y Stone, que según sus texturas y acabados recrean ambientes de lo más clásico y elegante hasta el carácter más industrial, pasando por estilos coloniales.

Techlam te transporta hacia nuevas posibilidades recreando espacios con los que sólo habías podido soñar.

La colección Techlam, que es fruto de la investigación y desarrollo realizado por Levantina, ha sido reconocido con diversas distinciones (como premio al mejor Diseño de producto 2016 por el prestigioso jurado de los Red Dot Design Awards) y certificados (entre otros el US Green Building Council), nacionales e internacionales, que avalan su calidad y su respeto al medio ambiente.

El compromiso con el medio ambiente está asegurado ya que Techlam es un producto 100% natural, producido con materias primas minerales libres de derivados del petróleo. Además puede ser molido y reciclado en otros procesos de producción con lo que su vida útil se amplía.

[:gl]

Techlam Slate Ebony LR
Techlam Slate Ebony

A elección dos materiais durante o proceso proyectual, é unha da fase máis importantes xa que determinará, non só o aspecto visual do proxecto se non as sensacións que producirá no usuario final.

Por iso desde Levantina, froito do desenvolvemento e investigación dispón da nova colección Techlam, un lámina porcelánica versátil, flexible e resistente nuns espesores mínimos, coa que poder desenvolver diferentes ambientes grazas ás súas múltiples aplicacións.

Este produto potencia as características mecánicas propias do material porcelánico, tales como alta resistencia ás agresións (raiados, grafitis, cambios climáticos, etc.), impermeabilidad e hixiene, aumentando así as posibilidades proyectuales tanto en interiores como en exteriores de obra nova ou rehabilitación. Cabe destacar que grazas aos pequenos espesores obtidos (entre 3 e 5 mm) pódense conseguir pezas de grandes formatos, de ata 1×3 metros, que soportan e resisten a flexión á que poden estar sometidas.

A colección Techlam para dar resposta á versatilidade que ofrece, pon a disposición dos profesionais e usuarios unha ampla gama de produtos de múltiples cores e infinidade de combinacións que conformarán os ambientes soñados.

Techlam Blaze Grey
Techlam Blaze Grey

Agrupados inicialmente en cinco colecciones Basic, Hydra, Steel e Vulcano, amplía a súa gama con cinco gamas novas denominadas Blaze, Slate, Deco, Wood e Stone, que segundo as súas texturas e acabados recrean ambientes en grao sumo clásico e elegante ata o carácter máis industrial, pasando por estilos coloniais.

Agrupados inicialmente en cinco colecciones Basic, Hydra, Steel y Vulcano, amplía su gama con cinco gamas nuevas denominadas Blaze, Slate, Deco, Wood y Stone, que según sus texturas y acabados recrean ambientes de lo más clásico y elegante hasta el carácter más industrial, pasando por estilos coloniales.

Techlam transpórtate cara a novas posibilidades recreando espazos cos que só puideras soñar.

A colección Techlam, que é froito da investigación e desenvolvemento realizado por Levantina, foi recoñecido con diversas distincións (como premio ao mellor Deseño de produto 2016 polo prestixioso xurado dos Rede Dot Design Awards) e certificados (entre outros o US Green Building Council), nacionais e internacionais, que avalan a súa calidade e o seu respecto ao medio ambiente.

O compromiso co medio ambiente está asegurado xa que Techlam é un produto 100% natural, producido con materias primas minerais libres de derivados do petróleo. Ademais pode ser moído e reciclado noutros procesos de produción co que a súa vida útil amplíase.

[:en]

Techlam Slate Ebony LR
Techlam Slate Ebony

The choice of the materials during the process proyectual, is one of the most important fase since it will determine, not only the visual aspect of the project if not the sensations that it will produce in the final user.

Because of it from Levantina, fruit of the development and investigation has the new Techlam collection, one versatile, flexible and resistant porcelain of sheet in a few minimal thicknesses, with which to be able to develop different environments thanks to his multiple applications.

This product promotes the mechanical own characteristics of the parcelain matter, such as high resistance to the aggressions (striped, grafitis, climate changes, etc.), impermeability and hygiene, increasing this way the possibilities proyectuales both in interiors and in exteriors of new work or rehabilitation. It is necessary to emphasize that thanks to the small thicknesses obtained (between 3 and 5 mm) there can be obtained pieces of big formats, of up to 1×3 meters, which support and resist the flexion to which they can be submitted.

The Techlam collection gives response to the versatility that offers, puts at the disposal of the professionals and users a wide range of products of multiple colors and infinity of combinations that will shape the dreamed environments.

Techlam Blaze Grey
Techlam Blaze Grey

Grouped initially in five collections Basic, Hydra, Steel and Vulcano, extends his range with five new ranges named Blaze, Slate, Deco, Wood and Stone, that according to his textures and finished they recreate environments of the most classic and elegant thing up to the most industrial character, happening for colonial styles.

Techlam transports you towards new possibilities recreating spaces of which only you could have dreamed.

The Techlam collection, which is a fruit of the research and development realized for Levantine, has been admitted by diverse distinctions (as prize to the best Design of product 2016 for the prestigious juror of the Red Dot Design Awards) and certificates (between others the US Green Building Council), national and international, that they support his quality and his respect to the environment.

The commitment with the environment is assured since Techlam is a product 100 % native produced with mineral free raw materials of derivatives of the oil. In addition can be ground and recycling in other processes of production with what his useful life is extended.

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[Piscina en el río Spree a su paso por Berlín, de AMP | Halldóra Arnardóttir – Javier Sánchez Merina

Halldóra Arnardóttir – Javier Sánchez Merina
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[Piscina en el río Spree a su paso por Berlín, de AMP | Halldóra Arnardóttir – Javier Sánchez Merina
Gilbert Wilk (n. 1966) y Ana Salinas (n. 1975) conforman el estudio de arquitectura que, habiendo colaborado con Felipe Artengo, Fernando Martín Menis y José Rodríguez Pastrana (AMP), y la artista Susanne Lorenz, en 2005, junto a Thomas Freiwald, proyectaron y construyeron el cerramiento de la piscina durante el invierno. Propiedad Kulturarena Veranstaltungs GmbH (www.arena-berlin.de). Colaboradores Catharine von Eitzen, Ann-Kristin Hase, Fabian Lippert, Nora Müller.
Gilbert Wilk (n. 1966) y Ana Salinas (n. 1975) conforman el estudio de arquitectura que, habiendo colaborado con Felipe Artengo, Fernando Martín Menis y José Rodríguez Pastrana (AMP), y la artista Susanne Lorenz, en 2005, junto a Thomas Freiwald, proyectaron y construyeron el cerramiento de la piscina durante el invierno. Propiedad Kulturarena Veranstaltungs GmbH. Colaboradores Catharine von Eitzen, Ann-Kristin Hase, Fabian Lippert, Nora Müller.

Romper con la tradicional división entre las tareas del ingeniero, artista y arquitecto ha contribuido a construir un oasis urbano que hace realidad una fantasía.

Iluminada por las noches desde el interior, la piscina surge como una linterna china. Desde las ocho de la mañana hasta la media noche, en un entorno cautivador y aislado del ruido de tráfico, los berlineses disfrutan de este oasis urbano que, al anochecer, se muestra iluminado con los tonos azules y verdes de sus aguas.
Iluminada por las noches desde el interior, la piscina surge como una linterna china. Desde las ocho de la mañana hasta la media noche, en un entorno cautivador y aislado del ruido de tráfico, los berlineses disfrutan de este oasis urbano que, al anochecer, se muestra iluminado con los tonos azules y verdes de sus aguas.

En el verano del 2002, treinta y dos ingenieros, artistas y arquitectos fueron invitados a Berlín para formar grupos que participasen en un concurso para crear, en el río Spree, un punto de conexión entre las dos partes de la ciudad. El proyecto “Spreebruecke”, puente del río Spree, de los arquitectos tinerfeños AMP y la artista berlinesa Susanne Lorenz ganó el primer premio con la reutilización de una antigua gabarra hundida: la llenaron de agua depurada e hicieron de ella una piscina pública que flota en el río. Un proyecto que interpreta el tema del puente como una plataforma de comunicación.

El Berlín del siglo XIX ofrecía una relación similar con el río al formar parte importante de la vida social berlinesa.
El Berlín del siglo XIX ofrecía una relación similar con el río al formar parte importante de la vida social berlinesa.
Proyectos Artísticos en la Ciudad

El concurso arrancó por la iniciativa privada de Proyecto Artístico en la Ciudad, una asociación fundada para fomentar el diálogo entre los ciudadanos, organizando un evento cultural bienal con proyectos interdisciplinares en Berlín.

“Conexiones Construidas” ha reanimado la relación entre la ciudad y el río al proponer un nuevo lugar de ocio junto al antiguo muro de Berlín.
“Conexiones Construidas” ha reanimado la relación entre la ciudad y el río al proponer un nuevo lugar de ocio junto al antiguo muro de Berlín.

Un comité de consejeros seleccionó a los participantes por sus trabajos realizados en colaboración con otras áreas del conocimiento, puesto que las propuestas de diseño deberían reflejar un proyecto conjunto de los distintos profesionales. Se alentaba así una amalgama de ideas entre la mente del ingeniero, del artista y del arquitecto para cambiar la perspectiva del planeamiento urbano actual. En demasiadas ocasiones el “arte” es añadido a posteriori.

“Conexiones Construidas” ha reanimado la relación entre la ciudad y el río al proponer un nuevo lugar de ocio junto al antiguo muro de Berlín.
“Conexiones Construidas” ha reanimado la relación entre la ciudad y el río al proponer un nuevo lugar de ocio junto al antiguo muro de Berlín.

El proceso de organizar los grupos consistió en invitar a todos los participantes a participar durante dos días en un coloquio en el Ayuntamiento de Berlín. En ese tiempo todos ellos presentaron sus trabajos. Se organizaron también viajes en barco a lo largo del Spree para familiarizarse con el lugar y, finalmente, se les solicitó que formasen equipos y seleccionasen un lugar para ubicar su actuación que debía estar comprendido entre el Este del centro de la ciudad y el Sureste, conteniendo los distritos Mitte, Friedrichshain-Kreuzberg y Treptow-Koepenick. La asociación Proyecto Artístico en la Ciudad seleccionó este tramo del río para mostrar la importancia del Spree como conexión entre el centro de la ciudad y las afueras.

La construcción obedece al concepto de un rápido embalaje y montaje de la playa, que consiste en una sencilla construcción metálica con plataformas de madera. Las obras de construcción se iniciaron en febrero del 2004 y la piscina se inauguró en tan sólo dos meses.
La construcción obedece al concepto de un rápido embalaje y montaje de la playa, que consiste en una sencilla construcción metálica con plataformas de madera. Las obras de construcción se iniciaron en febrero del 2004 y la piscina se inauguró en tan sólo dos meses.
Un puente vivo

El grupo formado por los arquitectos Felipe Artengo, Fernando Martín Menis y José Rodríguez Pastrana (AMP), en colaboración con la artista Susanne Lorenz, eligió un lugar del río en un vecindario del distrito de Treptow que se estaba regenerando. Se caracteriza por sus construcciones de oscuros ladrillos de un antiguo garaje de autobuses que la compañía ARENA había transformado en lugar de ocio junto al río. Era además un lugar cercano al puente Elsen con vínculos históricos a la cultura del baño berlinesa. En el siglo XIX, los ciudadanos nadaban en el río, en zonas separadas de baño o en piscinas privadas llenas con agua fresca, que eran conocidas como Badeschiff o “barcos de baño”. Aunque en 1906 habían llegado a existir once áreas de baño para hombres y siete para mujeres, poco antes de la Primera Guerra Mundial, la contaminación convirtió el Spree en no apto para el baño; se cerraron sus Badeschiff y los berlineses tuvieron que desplazarse a los lagos de la región o a las piscinas municipales.

Hoy, a raíz de un ambicioso proyecto de limpiar el río, toneladas de arena limpia han sido transportadas a sus riberas desde la costa del Mar Báltico para crear playas artificiales. Estas orillas del río se han hecho inmediatamente populares y en ellas se han abierto concurridos locales de ocio.

El “barco de baño” está compuesto por cuatro elementos una embarcación del tipo gabarra para bañarse, una playa, un puente como elemento conector y su container. Juntos crean un baño móvil a lo largo del río Spree que, en invierno, puede ser utilizado como pista de patinaje sobre hielo.
El “barco de baño” está compuesto por cuatro elementos una embarcación del tipo gabarra para bañarse, una playa, un puente como elemento conector y su container. Juntos crean un baño móvil a lo largo del río Spree que, en invierno, puede ser utilizado como pista de patinaje sobre hielo.
Nadar en el río

Con la propuesta de un “barco de baño” contemporáneo, el equipo ganador quiso recuperar la práctica de los baños e incorporar esta actividad a los bares de las playas. El nuevo “puente Spree” sería, en realidad, un lugar que conecta con el pasado, con su tradición perdida, y con el presente, como lugar de comunicación. La idea fascinó al jurado del concurso y convenció a la compañía ARENA, que lo ha construido y lo mantendrá anclado frente a sus instalaciones durante los próximos cinco años. Durante ese tiempo esta zona de Berlín se concebirá como un lugar de bares donde también se podrá ir a nadar, una cualidad que servirá para cubrir gran parte del coste de la construcción.

Al aproximarnos al río, entre la arena se abre un camino hacia dos grandes plataformas de madera. Éstas conectan con la vieja barcaza de cargo convertida en “barco de baño”. La gabarra, cuyo tamaño es óptimo para natación por medir 32’5 metros de longitud por 8’2 de ancho, y poco más de dos metros de profundidad, se llenó con 400.000 litros de agua ligeramente clorada que se mantiene a 24°C. El ingeniero del grupo, Juan José Gallardo, calculó la carga liquida y el peso propio de la gabarra para que, totalmente llena, quedase elevada 70 centímetros sobre la superficie del río. La idea era hacer coincidir el nivel del agua con el del borde de la piscina de tal forma que los bañistas se sintiesen completamente inmersos en el cauce del río. Para ello, y por medio de la curvas de calados, se añadió a la cámara de aire contenida en la doble carcasa de estas embarcaciones de carga, una base de poliestireno expandido que decreciese el peso de la carga y consiguiese el desplazamiento deseado.

La colaboración de los distintos profesionales ha transformado una tradición perdida en una experiencia poética. Con el baño móvil en una barcaza que puede ser transportada fácilmente y anclada en otra localización, los bañistas han ganado una perspectiva completamente nueva de su ciudad.

«Con-Con» Berlín

Los límites entre el Berlín Este y el Oeste no fueron dibujados únicamente por el muro que ahora pertenece a la historia. El río Spree acentuaba esa separación ya que todos sus puentes en la ciudad – con la excepción del Schilling y del Weidendammerbruecke – fueron dinamitados al final de la Segunda Guerra Mundial. Es más, la presencia del Spree llegó a ser casi imperceptible en la parte Este de la ciudad.

Desde la unificación alemana, el gobierno ha realizado formidables inversiones en la restauración y en la construcción de nuevos puentes. Sin embargo, y a pesar de que el río Spree recorra el centro histórico de la ciudad o a los numerosos puentes ahora existentes, Berlín no ha concedido nunca la importancia que ciudades como París o Londres han atribuido a sus puentes.

Con el objetivo de establecer, literalmente, puentes con sus viejas fronteras, el proyecto “Conexiones Construidas 2002” entendió la edificación de nuevos puentes como un problema interdisciplinar. El título «Con-Con” relata las interacciones comunicativas que derivan de la unión de dos polos. Se propuso como una plataforma de discusión sobre la significancia y función de los puentes, tanto en su sentido estructural como sociológico, con el objetivo principal de realizar diversas actuaciones en los puentes y el río Spree que fomentarán y potenciarán las relaciones sociales y culturales río-ciudad.

El éxito del “barco de baño” Spree es patente entre los berlineses. Tal y como nos ha escrito Heike Catherina Müller, comisaria de Con-Con:

“Se han transformado los márgenes del río Spree de forma sostenible. Muchas ciudades nos llaman ahora porque les gustaría abrir de nuevo sus ríos al público”.

“Spreebrueke” es el puente que hace del río Spree un lugar habitable.
“Spreebrueke” es el puente que hace del río Spree un lugar habitable.
Winterbadeschiff Berlin

Para mantener el uso del «barco de baño» durante la temporada de invierno, se ha creado una cubierta temporal, que fue montada por primera vez en el otoño de 2005. Esta segunda parte del proyecto pertenece al estudio de arquitectura berlinés Wilk-Salinas. Conformado por Gilbert Wilk y Ana Salinas, esta joven pareja trabajó con AMP en el proyecto de piscina y, desde entonces, ha estado ligada a la ejecución de las obras, encargada de la intensa negociación con las normativas municipales, así como del proyecto y la construcción – literalmente hablando – del cerramiento de la piscina en los meses de invierno.

Arcos de madera apoyan la cubiera de dos capas de una tela de PVC y distribuyen el interior en el Lounge, la zona de la sauna y la piscina.
Arcos de madera apoyan la cubierta de dos capas de una tela de PVC y distribuyen el interior en el Lounge, la zona de la sauna y la piscina.

La cubierta consiste en tres cuerpos ligeros en forma de tubo, orientados longitudinalmente a la piscina y a las plataformas de madera. El interior de cada tubo esta determinado por sus funciones: un Lounge, en la primera plataforma, un paisaje de Sauna, en la segunda, y la piscina.

La construcción consiste en arcos de madera con forma de elipse cubiertos por dos familias de telas. El espacio entre la doble capa de tela se infla con aire a baja presión. De esta forma se consigue un buen aislamiento y un peso propio mínimo. Al utilizar tela translúcida, y en ciertos puntos transparente, se mantiene una relación intensa con el entorno, se eliminan los cerramientos. Se consigue una construcción etérea y abierta.

Arcos de madera apoyan la cubiera de dos capas de una tela de PVC y distribuyen el interior en el Lounge, la zona de la sauna y la piscina.
Arcos de madera apoyan la cubiera de dos capas de una tela de PVC y distribuyen el interior en el Lounge, la zona de la sauna y la piscina.

Para la construcción se han utilizado materiales estándar. Los detalles de las conexiones entre los elementos son muy sencillos, para conseguir un montaje rápido y manual, sin necesidad de grúas. Durante la temporada de verano esta cubierta se desmonta hasta su uso en el próximo invierno, o se reutiliza como un pabellón de exposiciones en el área de la Arena.

Elementos grandes de tela transparente permiten la vista al río.
Elementos grandes de tela transparente permiten la vista al río.

El Winterbadeschiff prolonga la oferta de la piscina de verano al resto del año. Poder bañarse en el río delante de un escenario urbano en los meses invernales: utilizar la sauna y bañarse con la vista al río congelado.

Elementos grandes de tela transparente permiten la vista al rio.
Elementos grandes de tela transparente permiten la vista al río.

Halldóra Arnardóttir + Javier Sánchez Merina
doctora en historia del arte. doctor arquitecto
Murcia. enero 2017

Entrevista William J. R. Curtis (II) | bRijUNi

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Entrevista William J. R. Curtis (II) | bRijUNi
William J. R. Curtis
William J. R. Curtis

Continuamos con la segunda parte de la entrevista a William J. R. Curtis con motivo de la reedición del libro “Le Corbusier. Ideas and Forms”.

Entrevista William J. R. Curtis (I) | bRijUNi

Con respecto a la historia y a la posible continuidad hegeliana de la que hablábamos antes, en el contexto actual, ¿Cree que existe una posición comúnmente aceptada sobre la necesidad de conocerla, tal como afirmaba Le Corbusier en la cita anterior o, por el contrario, la práctica contemporánea de la arquitectura se inscribe -en general- en relatos autónomos, individuales o desconectados de ella?

Le Corbusier, y los otros “maestros modernos”, nos han dejado un legado muy rico y no ha habido una revolución mayor que iguale aquella del temprano movimiento moderno el siglo pasado. Ellos cambiaron las reglas y raíces de la arquitectura y de hecho a todo el mundo le ha afectado este cambio de paradigmas, incluso aquellos que afirmaban que están creando de la nada una nueva vanguardia. Al final lo único que cuenta es la calidad duradera. Sí, por supuesto que Le Corbusier continúa siendo relevante hoy, pero de maneras inesperadas. Uno no aboga por una academia corbusiana que copie el exterior de sus formas. En lugar de eso, uno debería penetrar en el proceso subyacente del pensamiento, de los principios generadores, y transformar estos en creaciones nuevas. Esa es la dinámica de una tradición moderna. Vuelvo a la nueva parte 4 del libro, especialmente al capitulo 17 donde hablo de “El alma de las Ideas Arquitectónicas”.

En el capítulo 13 “Sacral Forms, Ancient Associations”,  usted hace referencia al shock que supuso para muchos críticos de la época la visita a Ronchamp. No obstante, en su opinión, no supone una ruptura tan brutal como algunos quieren leer o como podría parecer formalmente, y usted señala conexiones con las pinturas y las esculturas de Le Corbusier de años anteriores, así como edificios e incluso esquemas urbanos, incluso análisis de algunos edificios y estructuras monumentales del pasado. En Modern Architecture Since 1900 incluso se refiere al Pavillon Suisse. A pesar de todo ello, Ronchamp fue muy difícil de encajar en su época y aún hoy supone un notable desafío visual con respecto a la obra anterior de Le Corbusier. ¿Qué lectura podría hacerse en la actualidad, si es que es posible establecer un paralelismo con nuestro tiempo, de este acontecimiento? 

Yo lo explicaré de otra forma diciendo que TODAS las obras de gran intensidad fracasaron al intentar encajar en su época y eso es precisamente parte de su fuerza y su longevidad. Por aquel tiempo, en los años veinte y treinta, historiadores y críticos intentaban encajar las obras de Le Corbusier en sus propias y limitadas agendas, tales como la muy superficial idea de un “Estilo Internacional”. Pero las obras de cierta profundidad evitan esas categorías y se deslizan en la historia a un nivel mucho más profundo.

En el libro me centro mucho en el orden individual y el significado de cada obra pero también con la investigación de Le Corbusier sobre tipos: lo único y lo típico,  ambos están presentes, pero de hecho otro capitulo completamente nuevo se dedica a esta interacción en la parte 4 del libro, también nueva. Más que eso, estas obras individuales son releídas por otros muchos años después. Ronchamp, por ejemplo, fue el punto inicial para Frank Gehry en relación a sus curvas y a las interacciones espaciales de figura y fondo. Pero Ronchamp también era una fuente de inspiración primaria para alguien tan diferente como Tadao Ando en relación a su espacio contemplativo y a la luz. Esas es la complejidad de su obra en un orden superior.

Capilla de Notre Dame du Haut en Ronchamp, Francia.
Capilla de Notre Dame du Haut en Ronchamp, Francia.
Aún siendo Le Corbusier un arquitecto prolífico y que no sólo abordó la arquitectura o el urbanismo como prácticas posibles sino también la pintura y otros territorios, su obra podría considerarse que está dentro de los límites conocidos de la disciplina. ¿Cómo considera que la arquitectura está siendo re-definida en la actualidad en cuanto a sus posibilidades de  ocupar o proponer más allá de los lugares que ya le son conocidos?

Le Corbusier pensaba que el dibujo era una forma de conocer el mundo y transformarlo, incluso fenómenos naturales y artificiales de todo tipo. Él era un mago que transformaba cosas de una categoría en otra y la pintura era una especie de laboratorio de formas e ideas para él. Obviamente él llevó el campo de la arquitectura a otros territorios en su época. Hoy hay muchos caminos en arquitectura, pero sea cual sea el elegido, sean cuales sean las analogías,  sean cuales sean las teorías consideradas, siempre está el problema de que se alcance la condición de arquitectura en sí misma.

Plan de Chandigarh recogido en “Le Corbusier. Ideas and Forms”
Plan de Chandigarh recogido en “Le Corbusier. Ideas and Forms”
¿Cree que podría llegar a darse un genio o maestro como Le Corbusier que volviera a abrir nuevos caminos y lenguajes por la arquitectura o su excepcionalidad convierten su obra y legado en algo irrepetible por su enorme variedad propositiva y creativa y su indiscutible influencia en la contemporaneidad?

Soy un historiador de arquitectura y no un astralólogo que pretende ver el futuro. Después de Handel y Mozart, alguien podía imaginarse que habría un Beethoven? Probablemente no. Así que esperemos y veamos. ¿Por qué es Le Corbusier todavía importante hoy? ¿Por qué lo son Shakespeare, Beethoven, Picasso? Primero y sobre todo porque fueron grandes artistas cuyas obras continúan inspirándonos. Sus creaciones son como mitos colectivos que remueven nuestras imaginación a la vez que revelan aspectos universales de la condición humana. En el caso de Picasso uno debe también enfatizar que él pone los cimientos del arte moderno, que él cambió las reglas del juego, que él reveló nuevas formas de ver así como nuevas formas, y que él inventó modos de construir el espacio y lo hizo con significado. Al mismo tiempo él tenía un conocimiento profundo de las tradiciones universales del pasado desde la escultura africana hasta Velázquez, desde los las cuevas de Lascaux a Cezanne. Le Corbusier hizo algo parecido con la arquitectura.

¡Figuras así son bastante raras en la historia!

Croquis de Le Corbusier recogidos en “Le Corbusier. Ideas and Forms”
Croquis de Le Corbusier recogidos en “Le Corbusier. Ideas and Forms”
¿Qué cuatro o cinco obras de Le Corbusier cree que podrían ser las más didácticas y por tanto necesarias para un estudiante de arquitectura hoy en día? ¿Elegiría las mismas desde un punto de vista de su importancia histórica?

Esto es algo que debe decidir cada uno. Creo que se puede aprender mucho de la mayoría de los edificios de Le Corbusier, pero qué respuestas recibe cada cual dependen de alguna forma de las preguntas que cada cual haga. Yo sobre todo estoy a favor de animar a los estudiantes a visitar y experimentar los edificios de Le Corbusier en primera persona. Deberían gastar muchas horas dibujándolos y sobre todo apagando sus teléfonos móviles.

La arquitectura comunica en silencio y en sus propios términos. Por supuesto un profesor puede abrir los ojos del estudiante hasta un punto, pero al final la experiencia directa es la que pone la base del conocimiento.

En mi segunda edición he incluido más de ciento treinta fotografías propias y me he esforzado en evocar la experiencia de los edificios de Le Corbusier. Quizá por eso la mejor manera de transmitir las lecciones de Le Corbusier es dirigir cursos nómadas en los que todos los estudiantes viajen juntos y suban la rampa de la Villa Savoie o pasar la noche en el Monasterio de La Tourette, dibujando continuamente y viendo lo que haya que ver. Entonces poco a poco se animarán a penetrar en la anatomía que subyace por debajo de las intenciones. En mi opinión, esta es una de las mejores maneras de aprender arquitectura y de hecho es como yo enseño historia de la arquitectura. Observación, transformación, invención: esta fue la clave del método propio de Le Corbusier y todos podemos aprender de él.

Alzado de la Villa Savoye, recogido en “Le Corbusier. Ideas and Forms”
Alzado de la Villa Savoye, recogido en “Le Corbusier. Ideas and Forms”

Muchísimas gracias por su tiempo, Mr. Curtis y por hacernos disfrutar de una charla tan instructiva.

bRijUNi architects (Beatriz Villanueva y Francisco Javier Casas Cobo).
Riyadh (Arabia Saudí), Enero 2017

indexARQ

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¿Qué es el Manual de Calidad?

El Manual de Calidad del Proyecto Arquitectónico (MC) elaborado por el CSCAE es un instrumento a disposición del proyectista para la redacción de Proyectos con un estándar para la organización de la información y la justificación del cumplimiento de la normativa.

El MC se articula como documento de referencia para el control del cumplimiento del ordenamiento jurídico y normativo aplicable a escala estatal y autonómica a los proyectos de edificación. El MC es un documento en continua actualización que incorpora semestralmente las novedades normativas.

El MC también es un instrumento que estructura de una manera ordenada el listado de los contenidos que deben tener todos los proyectos, facilitando la integridad del documento así como la coherencia y vinculación entre las distintas partes que lo componen.

Por último, el MC facilita al proyectista la identificación de los elementos sujetos a comprobación de la integridad y corrección formal del documento técnico objeto durante el procedimiento de visado.

indexARQ

¿Qué es indexARQ?

IndexARQ es una herramienta informática que filtra los contenidos del Manual de Calidad aplicables a cada proyecto en función de una serie de campos básicos como la fase (básico, de ejecución, etc.), uso principal, tipo de obra (nueva planta, intervención en edificio existente, etc.) y ubicación.

El contenido de proyecto de edificación que se extrae a través de IndexARQ es el que recoge el Anejo I de la Parte I del Código Técnico de la Edificación (CTE), desarrollado de acuerdo con la normativa de aplicación hasta conseguir la suficiencia legal del proyecto.

La fiabilidad de este programa se fundamenta en la actualización continua por parte del Consejo y de los Colegios de la normativa técnica emanada en sus ámbitos territoriales respectivos: estatal y autonómico.

¿Qué obtengo al usarlo?

Una vez introducidos los datos y extraída esta información, la herramienta permite obtener:

–  ÍNDICE COMPLETO – Exportar el contenido completo a un documento formato texto (Word).

–  LISTAS DE CHEQUEO DE CONTENIDO SUJETO A VISADO.

· Exportar el contenido de proyecto sujeto a comprobación de adecuación en el proceso de visado en formato pdf tipo lista de chequeo.

· Exportar el contenido de proyecto obligatorio y sujeto a comprobación de existencia en formato pdf tipo lista de chequeo.

Consultas.

Para realizar una consulta o reportar una incidencia puede ponerse en contacto con el departamento técnico en el correo indexarq@cscae.com

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[:gl]

Que é o Manual de Calidade?

O Manual de Calidade do Proxecto Arquitectónico (MC) elaborado polo CSCAE é un instrumento a disposición do proyectista para a redacción de Proxectos cun estándar para a organización da información e a xustificación do cumprimento da normativa.

O MC articúlase como documento de referencia para o control do cumprimento do ordenamento xurídico e normativo aplicable a escala estatal e autonómica aos proxectos de edificación. O MC é un documento en continua actualización que incorpora semestralmente as novidades normativas.

O MC tamén é un instrumento que estrutura dunha maneira ordenada a listaxe dos contidos que deben ter todos os proxectos, facilitando a integridade do documento así como a coherencia e vinculación entre as distintas partes que o compoñen.

Por último, o MC facilita ao proyectista a identificación dos elementos suxeitos a comprobación da integridade e corrección formal do documento técnico obxecto durante o procedemento de visado.

indexARQ

Que é indexARQ?

IndexARQ é unha ferramenta informática que filtra os contidos do Manual de Calidade aplicables a cada proxecto en función dunha serie de campos básicos como a fase (básico, de execución, etc.), uso principal, tipo de obra (nova planta, intervención en edificio existente, etc.) e localización.

O contido de proxecto de edificación que se extrae a través de IndexARQ é o que recolle o Anejo I da Parte I do Código Técnico da Edificación (CTE), desenvolvido de acordo coa normativa de aplicación ata conseguir a suficiencia legal do proxecto.

A fiabilidade deste programa fundaméntase na actualización continua por parte do Consello e dos Colexios da normativa técnica emanada nos seus ámbitos territoriais respectivos: estatal e autonómico.

Que obteño ao usalo?

Unha vez introducidos os datos e extraída esta información, a ferramenta permite obter:

– ÍNDICE COMPLETO – Exportar o contido completo a un documento formato texto (Word).

– LISTAS DE RECOÑECEMENTO DE CONTIDO SUXEITO A VISADO.

· Exportar o contido de proxecto suxeito a comprobación de adecuación no proceso de visado en formato pdf tipo lista de recoñecemento.

· Exportar o contido de proxecto obrigatorio e suxeito a comprobación de existencia en formato pdf tipo lista de recoñecemento.

Consultas.

Para realizar unha consulta ou reportar unha incidencia pode poñerse en contacto co departamento técnico no correo indexarq@cscae.com

indexarq-inicio

[:en]

What is the Qualit manual?

The Qualit manual of the Architectural Project (MC) elaborated by the CSCAE is an instrument at the disposal of the designer for the project draft with a standard for the organization of the information and the justification of the fulfillment of the regulation.

The MC is articulated as document of reference to the control of the fulfillment of the juridical and normative classification applicable to state and autonomous scale to the projects of building. The MC is a document in continuous update that incorporates half-yearly the normative innovations.

The MC also is an instrument that structures in an arranged way the list of the contents that must have all the projects, facilitating the integrity of the document as well as the coherence and entail between the different parts that compose it.

Finally, the MC facilitates to the designer the identification of the elements subject to checking of the integrity and formal correction of the technical document I object during the procedure of visa.

indexARQ

What is indexARQ?

IndexARQ is an IT tool that leaks the contents of the Qualit manual applicable to every project depending on a series of basic fields as the phase (basic, of execution, etc.), principal use, type of work (new plant, intervention in existing building, etc.) and location.

The project content of building that is extracted across IndexARQ is the one that gathers the Annex I of the Part I of the Technical Code of the Building (CTE), developed of agreement with the regulation of application up to obtaining the legal sufficiency of the project.

The reliability of this program is based on the constant update on the part of the Advice and the Colleges of the technical regulation come in his territorial respective areas: state and autonomous.

What do I obtain on having used it?

Once introduced the information and extracted this information, the tool allows to obtain:

– COMPLETE INDEX – the complete content Exports to a document format text (Word).

– LISTS OF CHECKUP OF CONTENT SUBJECT TO VISA.

· Exporting the content of project subject to checking adequacy in the process of visa in format pdf type lists of checkup.

· Exporting the content of project obligatory and subject to checking existence in format pdf type lists of checkup.

Consultations.

For realizing a consultation or to bring an incident it can put in touch with the technical department in the mail indexarq@cscae.com

indexarq-inicio

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[:es]Oficinas Possum | ARKB-Arrokabe arquitectos[:gl]Oficinas Possum | ARKB-Arrokabe arquitectos[:en]Possum offices | ARKB-Arrokabe arquitectos[:]

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[:es]Oficinas Possum | ARKB-Arrokabe arquitectos[:gl]Oficinas Possum | ARKB-Arrokabe arquitectos[:en]Possum offices | ARKB-Arrokabe arquitectos[:]

[:es]

Arrokabe_Oficinas_Possum_10

El nuevo local se encuentra en la planta segunda de un edificio exento destinado íntegramente a oficinas.  El espacio no había sido ocupado en ningún momento y por tanto no estaba acondicionado. Únicamente contaba con unos aseos en uno de los extremos  y  la “infraestructura” básica que proporciona el propio edificio, (envolvente exterior,  espacios comunes e instalaciones generales).

La intervención consiste en una obra de interiorismo que sirve para acoger diferentes espacios de trabajo de una empresa de servicios dedicada a la intermediación y optimización de recursos comerciales. Se precisaba por tanto de zonas de trabajo variadas, algunas de ellas con posibilidad de ser modificadas en función de la carga de trabajo y la actividad concretas. De entrada  se requería  una zona de recepción,  zonas comunes con servicios compartidos, despachos individuales y dobles, zonas de reunión, espacios abiertos para teletrabajo y una sala de descanso.

En la propuesta se mantiene la disposición de los aseos, ajustando su dimensión. Teniendo en cuenta  la forma de la planta, prácticamente un cuadrado con ventanas en tres de los lados (fachadas sur, este y oeste), se plantea un espacio central al que se accede directamente, y que a través de un tratamiento diferenciado de su límite perimetral se presenta como el  espacio representativo de la empresa. Este cerramiento interior gana espesor  integrando, además de la estructura vertical existente, las nuevas instalaciones, zonas de almacenamiento y carpinterías interiores acristaladas que resuelven el acceso y la relación visual entre  los diferentes espacios. Define toda la organización espacial y funcional, y se presenta como  una piel de madera cuya geometría, materialidad y sistema constructivo, cualifica el espacio central estableciendo una relación que contrasta con los espacios perimetrales, más luminosos y con vistas.

Obra: Oficinas Possum
Situación: Santiago de Compostela. España
Año: 2016
Autores: ARROKABE Arquitectos SLP (Óscar Andrés Quintela y Iván Andrés Quintela)
Fotografías: ARROKABE Arquitectos SLP | Luis Díaz Díaz
+ arrokabe.com

[:gl]

Arrokabe_Oficinas_Possum_10

O novo local atópase na planta segunda dun edificio exento destinado integramente a oficinas.  O espazo non fora ocupado en ningún momento e por tanto non estaba acondicionado. Unicamente contaba cuns aseos nun dos extremos  e  a “infraestructura” básica que proporciona o propio edificio, (envolvente exterior,  espazos comúns e instalacións xerais).

A intervención consiste nunha obra de interiorismo que serve para acoller diferentes espazos de traballo dunha empresa de servizos dedicada á intermediación e optimización de recursos comerciais. Precisábase por tanto de zonas de traballo variadas, algunhas delas con posibilidade de ser modificadas en función da carga de traballo e a actividade concretas. De entrada  requiríase  unha zona de recepción,  zonas comúns con servizos compartidos, despachos individuais e dobres, zonas de reunión, espazos abertos para teletraballo e unha sala de descanso.

Na proposta mantense a disposición dos aseos, axustando a súa dimensión. Tendo en conta  a forma da planta, practicamente un cadrado con xanelas en tres dos lados (fachadas sur, leste e oeste), exponse un espazo central ao que se accede directamente, e que a través dun tratamento diferenciado do seu límite perimetral preséntase como o  espazo representativo da empresa. Este cerramento interior gaña espesor  integrando, ademais da estrutura vertical existente, as novas instalacións, zonas de almacenamento e carpinterías interiores acristaladas que resolven o acceso e a relación visual entre  os diferentes espazos. Define toda a organización espacial e funcional, e preséntase como  unha pel de madeira cuxa xeometría, materialidad e sistema construtivo, cualifica o espazo central establecendo unha relación que contrasta cos espazos perimetrales, máis luminosos e con vistas.

Obra: Oficinas Possum
Emprazamento: Santiago de Compostela. España
Ano: 2016
Autores: ARROKABE Arquitectos SLP (Óscar Andrés Quintela e Iván Andrés Quintela)
Fotografías: ARROKABE Arquitectos SLP | Luis Díaz Díaz
+ arrokabe.com

[:en]

Arrokabe_Oficinas_Possum_10

The new premises are located on the second floor of an isolated building that was originally designed for office use. The space had never been occupied before and, with the exception of the toilets and the basic structural elements (outer walls, common spaces and general) the rest of the infrastructural elements were missing.

The intervention is a work of interior design that seeks to accommodate the different workspaces of a service company dedicated to the intermediation and optimization of commercial resources. It was necessary to plan a choice of working areas that could be eventually modified depending on specific workloads and activities. As a precondition, it required a reception hall, common areas with shared services, individual and double offices, meeting areas, open spaces for telework and a break room.

The proposal maintains the location of the toilets, adjusting their size. Moreover, it considers  the layout of the floor plan, which is practically a square with windows on three sides (south, east and west facades), and plans a central space that is to be accessed directly and that, by means of a singular treatment of its outer perimeter, is intended to act as a space representing the company.

The interior enclosure gains thickness by integrating, in addition to the existing vertical structure, the new installations, the storage areas and the interior glass carpentries that solve, not only access, but also the visual relationship between the different spaces. Thus, the interior enclosure presents itself as a wooden skin having a geometry, materiality and construction system that defines the spatial and functional organization of the premises. It also qualifies the central space by establishing a contrasting relationship with the outer area, luminous and with views.

Work: Possum offices
Location: Santiago de Compostela. Spain
Year: 2016
Authors: ARROKABE Arquitectos SLP (Óscar Andrés Quintela and Iván Andrés Quintela)
Photography: ARROKABE Arquitectos SLP | Luis Díaz Díaz
+ arrokabe.com

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[:es]XVIII Convocatoria Concurso Arquia/Becas[:gl]XVIII Convocatoria Concurso Arquia/Becas[:en]The XVIIIth of the contest for Arquia/Scholarships[:]

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[:es]XVIII Convocatoria Concurso Arquia/Becas[:gl]XVIII Convocatoria Concurso Arquia/Becas[:en]The XVIIIth of the contest for Arquia/Scholarships[:]

[:es]

La Fundación Arquia, atendiendo al valor formativo que suponen el conocimiento práctico de la profesión y la movilidad geográfica, convoca la XVII edición del concurso arquia/becas, por la que concede 20 becas dirigidas a estudiantes en los últimos años de la carrera y a jóvenes arquitectos recién titulados, destinadas a la realización de prácticas profesionales en estudios europeos de Arquitectura.

XVIII Convotaria Concurso ArquiaBecas
20 becas para la realización de prácticas profesionales en estudios europeos de Arquitectura.

Modalidades de participación.

Existen dos modalidades de participación: expediente académico y concurso. Puede optarse por participar en una de ellas o en ambas simultáneamente. Se convocan 10 becas para cada modalidad. Para asegurar una adecuada distribución geográfica de las becas, ésta se ponderará proporcionalmente al número de inscripciones válidas recibidas por centro y modalidad.

· Expediente académico.
Los candidatos serán seleccionados en virtud de su expediente académico. Éste se valorará por la media de las notas obtenidas en las asignaturas superadas de la carrera, así como por la media de las notas obtenidas en las asignaturas superadas de Proyectos (a tal efecto se considerarán todas las que dependan del Departamento de Proyectos arquitectónicos). Dichas notas medias serán calculadas por el solicitante, tal como se especifica en el Anexo I de las Bases.

· Concurso 2017
Los estudiantes serán seleccionados en virtud del material aportado a concurso.

Calendario.

· Apertura convocatoria: 2 enero 2017
· Periodo de inscripción: 2 de enero al 2 de mayo de 2017
· Resultados: a partir de la última semana de julio 2017
· Acto de entrega: octubre 2017

Toda la información en la web.

[:gl]

A Fundación Arquia, atendendo ao valor formativo que supoñen o coñecemento práctico da profesión e a mobilidade xeográfica, convoca a XVII edición do concurso arquia/becas,, pola que concede 20 bolsas dirixidas a estudantes nos últimos anos da carreira e a novos arquitectos recentemente titulados, destinadas á realización de prácticas profesionais en estudos europeos de Arquitectura.

XVIII Convotaria Concurso ArquiaBecas
20 bolsas para a realización de prácticas profesionais en estudos europeos de Arquitectura.

Modalidades de participación.

Existen dúas modalidades de participación: expediente académico e concurso. Pode optarse por participar nunha delas ou en ambas simultaneamente. Convócanse 10 bolsas para cada modalidade. Para asegurar unha adecuada distribución xeográfica das bolsas, esta ponderarase proporcionalmente ao número de inscricións válidas recibidas por centro e modalidade.

· Expediente académico.
Os candidatos serán seleccionados en virtude do seu expediente académico. Este valorarase pola media das notas obtidas nas materias superadas da carreira, así como pola media das notas obtidas nas materias superadas de Proxectos (para ese efecto consideraranse todas as que dependan do Departamento de Proxectos arquitectónicos). Ditas notas medias serán calculadas polo solicitante, tal como especifícase no Anexo I das Bases.

· Concurso 2017
Os estudantes serán seleccionados en virtude do material achegado a concurso.

Calendario.

· Apertura convocatoria: 2 xaneiro 2017
· Período de inscrición: 2 de xaneiro ao 2 de maio de 2017
· Resultados: a partir da última semana de xullo 2017
· Acto de entrega: outubro 2017

Toda a información na web.

[:en]

The Arquia Foundation, attending to the formative value that they suppose the practical knowledge of the profession and the geographical mobility, summons the edition XVII of the contest arquia/Scholarships, for that it grants 20 scholarships directed students in last years of the career and to young architects newly qualified, destined to the accomplishment of professional practices in European studies of Architecture.

XVIII Convotaria Concurso ArquiaBecas
20 scholarships for the accomplishment of professional practices in European studies of Architecture.

Modalities of participation.

Two modalities of participation exist: academic process and I compete. It can choose to take part in one of them or in both simultaneously. 10 scholarships are summoned for every modality. To assure a suitable geographical distribution of the scholarships, this one will be weighted proportionally to the number of valid inscriptions got for center and modality.

· Academic process.
The candidates will be selected by virtue of his academic process. This one will be valued by the average of the notes obtained in the subjects overcome of the career, as well as by the average of the notes obtained in the subjects overcome of Projects (to such an effect they will be considered to be all those who should depend on the Department of architectural Projects). The above mentioned average notes will be calculated by the solicitor, as it is specified in the Annexe I of the Bases.

· Contest 2017
The students will be selected by virtue of the material contributed to contest.

Calendar.

· Opening summons: on January 2, 2017
· Period of inscription: on January 2 to May 2, 2017
· Results: from last week of July, 2017
· Act of delivery: October, 2017

All the information in the web.

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El Pabellón de Barcelona de Mies, ¿»de chiripa»? | Rodrigo Almonacid

Rodrigo Almonacid Canseco
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El Pabellón de Barcelona de Mies, ¿»de chiripa»? | Rodrigo Almonacid
2015-01-21 DOCS
El Pabellón de Alemania en la expo’29 de Barcelona recién terminada la obra.

¿Podríamos pensar, siquiera por un momento, que el Pabellón de Alemania en Barcelona de Mies acabó tan bien “de chiripa”?

El pasado miércoles 4 de mayo de 2016 José Ramón Hernández Correa lanzaba la siguiente afirmación en su provocador post de Facebook:

“A Mies van der Rohe el Pabellón de Barcelona le salió bien de chiripa.”

José Ramón parecía apuntar a una “suerte divina” que acompañó a Mies en la realización de ese mítico proyecto, acaso para desmitificarlo… o no: ¡¡que se pronuncie!! Solo 3 minutos hicieron falta para que Santiago de Molina saliera “al quite” para negar la mayor. El debate, querido lector, estaba servido…

Y, claro, no pudimos resistir la tentación de entrar al trapo…😉

Jaume Prat incendió el hilo en FB instigando a un juego de billar a 3 bandas entre nuestros respectivos blogs, y… voilá, aquí andamos. Podéis leer AQUÍ el post de José Ramón y AQUÍ el post de Jaume, seguro que no os defraudarán. Y así disfrutamos todos jugando esta partidilla miesiana…

A los que somos miesianos, una sentencia como la de José Ramón “nos ofende”. Pero uno, decidido como de costumbre a no dar nada por sentado, prefiere navegar en la duda. Para no romper mi amistad sincera  ;-) con mi admirado colega (un wrightiano de pro, como es sabido), pensé en concederle cierto margen de verosimilitud a su afirmación, acaso para explorar si

“existe alguna posibilidad, por pequeña que sea, de salvar lo nuestro”,

como diría Marisa Paredes en La flor de mi secreto. Así que intentaré comprobar si mi peregrina idea defendida en el hilo de Facebook tiene algún sentido:

“¿Se podría decir que el proyecto le salió maravillosamente pero que lo que fue “de chiripa” fue el lograr construirlo como lo proyectó y más en nuestra querida España de entonces?”

No se trata aquí de repetir ni recopilar los ríos de tinta sobre el célebre —¡¡qué digo “célebre” : mítico!!— pabellón de Mies. Lo que sabemos del pabellón es muy difuso pues prácticamente todos los análisis han sido escritos por autores que no lo pudieron ver in situ, en la Barcelona de 1929. Como además fue demolido tras la exposición, no quedan más testigos que unos escasos bocetos y planos, y un puñado de fotos de época de la obra. Así que, en realidad, todo son elucubraciones… y ésta que te propongo aquí, querido lector, otra más, por supuesto.

Nos vamos a limitar a sembrar las dudas y luego cada cual que se sienta libre de comentar y sugerir si lo ve de otra forma. Aunque Jaume Prat dice que Josep Quetglas1 ya lo dejó todo dicho sobre el pabellón en su libro El Horror Cristalizado (afirmación que yo comparto igualmente), sin embargo creo que siempre se pueden añadir lecturas nuevas. Entiendo, querido lector, que cada generación debe y tiene el derecho a descubrir y explicar “SU” Pabellón de Barcelona, como ocurre con las obras maestras del Arte.

Aunque no ha llegado hasta nosotros la documentación completa del proyecto (“se perdió” o “se eliminó” en su traslado de Berlín a Chicago), consultando las fuentes originales disponibles advertimos una secuencia más o menos lógica en su definición formal: un recinto abierto pero perfectamente delimitado por un podium de travertino y confinado entre muros exentos situados en los extremos cortos del solar. Desde el primer boceto esto es así. Y conforme se desarrollan las versiones del pabellón aparecen dos cubiertas que cubren los 2 únicos espacios cerrados del futuro edificio.

Planta de una de las versiones iniciales del Pabellón de Alemania con cotas referidas al emplazamiento de 1928 (Archivo Mies van der Rohe).
Planta de una de las versiones iniciales del Pabellón de Alemania con cotas referidas al emplazamiento de 1928 (Archivo Mies van der Rohe).

No se dispone de los dibujos “definitivos” del proyecto, o quizá sería mejor decir que los planos de obra —o los más vinculados a su construcción, por decirlo de algún modo— resultan los más interesantes para nosotros: ese estado as built, donde aparecen ciertas “complejidades y contradicciones” como diría Venturi2… Y ahí es donde pretendemos sembrar las dudas sobre las casualidades y fortunas divinas que acompañaron al maestro alemán. Porque es ahí donde la obra parece mostrarse más frágil, “erosionable”, donde la grandeza del mito muestra esa humanidad “imperfecta” que implica su construcción; y, gracias a ella, su condición legendaria es aún más grande…

Uno de los planos que más nos atrae es la planta de pavimentación. Se trata de un plano donde por fin aparece la retícula que está ausente en casi todas las plantas originales del proyecto. Es un plano donde la cuadrícula base del proyecto deja de ser abstracta y se hace concreta, verosímil. Aquel encaje perfecto del proyecto se desdibuja y apreciamos que, frente a la idea modular de un podium construido con un único tipo de baldosa cuadrada, el plano de ejecución revela mil y una excepciones a esa regla regular de su trazado. Hay multitud de tipos de baldosas, de varias formas y dimensiones, “aproximadamente iguales” pero NO iguales. Tienden a ser cuadradas, pero nada más. ¿Descuido de Mies…? Inconcebible: “de chiripa” no se iba a resolver este tema en la obra, debía venir pensada alguna solución al menos desde el proyecto… ¿O simplemente, como ocurre con el Partenón, el arquitecto alemán proyectó un edificio ideal construido con sabias correcciones que permitieran mostrarlo como lo imaginó, y no “como en realidad es”? Suposiciones…

Planta con los despieces del pavimento de travertino del Pabellón de Barcelona (Archivo Mies van der Rohe – MoMA)
Planta con los despieces del pavimento de travertino del Pabellón de Barcelona (Archivo Mies van der Rohe – MoMA)

Derivado de lo anterior nos fijamos ahora en algunas “dudas” acerca de sus famosos pilares cruciformes. La primera resulta de que su ubicación no coincide con la retícula del pavimento. Su forma en cruz segmenta el espacio horizontal isotrópicamente, de manera que en grupos de 4 delimitan un cubículo espacial ideal confinado entre suelo y techo paralelos. En el pabellón, hay hasta 3 recintos cuadrados idénticos en tamaño bajo la cubierta principal; y, pese a esa claridad espacial,

¡¡la cuadrícula del solado no coincide con la cuadrícula de la estructura!!

Es cierto que el uso de la base modular reticulada la empezó a ensayar en esta obra y la empleó con profusión en sus casas-patio, pero no será hasta su etapa americana cuando esto se vea coherente y efectivamente realizado. La obra modélica en este sentido son los 860-880 Lake Shore Drive Apartments de Chicago, donde los ejes de los pilares cuadrados coinciden con las juntas de las baldosas cuadradas que pautan todo el solar3. ¿Pero por qué en Barcelona solo las 2 parejas de pilares de los extremos tienen sus ejes sobre las líneas de la cuadrícula y las otras 2 parejas centrales no? Lo único que diremos es que en sus planos ambos tienden a ser “olvidados”, incluso hasta no ser representados; ya lo hemos dicho de la retícula, pero igual pasa con los pilares. Y claro, también en la percepción real, pues se forraron de chapa cromada como si fueran espejos…

Planta del Pabellón de Barcelona en una de las versiones iniciales sin cuadrícula en el pavimento ni pilares cruciformes (Archivo Mies van der Rohe).
Planta del Pabellón de Barcelona en una de las versiones iniciales sin cuadrícula en el pavimento ni pilares cruciformes (Archivo Mies van der Rohe).

En cuanto a la forma y construcción de los pilares cruciformes en sí también hay temas muy interesantes… La primera versión es poco concluyente acerca de la unión entre los 4 angulares que forman el fuste (hay una platabanda que maciza el intersticio central y otra igual en sentido opuesto, partida en 2 mitades), y la sujeción del forro de chapa cromada no parece técnicamente viable para las testas donde han de ser atornillado; sin embargo, en la segunda y definitiva versión la solución se depura, el esquema es perfectamente simétrico en las dos direcciones del plano, y sus detalles de fijación sin duda perfeccionados con 4 idénticos remates en T. Incluso su dibujo resulta más bello, pues la curvatura del pliegue cóncavo de la chapa es concéntrica con la del angular estructural. Ahora bien, ese tramo desnudo de pilar bajo el solado o por encima del techo no estuvieron “forrados” y no deja de inquietarme pensar en esos detalles “ocultos”, querido lector…

Sección horizontal comparativa entre la versión inicial y la final del pilar cruciforme del Pabellón de Barcelona.
Sección horizontal comparativa entre la versión inicial y la final del pilar cruciforme del Pabellón de Barcelona.

Estudiando el nivel casi divino de esta encuentro de piezas elementales  (recordemos que, para Mies, “Dios está en los detalles”), también nos resulta algo extraña su ubicación en el espacio y su comportamiento estructural. Su posición respecto a la cubierta es simétricamente equilibrada al efecto del reparto de cargas y, pese a todo, muchos autores han comentado la dificultad de apear la  cubierta con esos 8 escasos y distanciados puntos de apoyo.

No se sabe “a ciencia cierta”, pero parece verosímil creer que la cubierta no se sostiene solo con esos 8 pilares cruciformes, como sería lo ideal para una planta libre modélica como ésta. Parece que se necesitó del apoyo puntual o parcialmente lineal sobre los muros de piedra para asegurar su estabilidad. Las fotos de obra parecen confirmarlo, mostrando numerosos caballetes a modo de apeo provisional de las vigas, cuando aún los muros no podían servir de apoyo (y eso que el peso de la cubierta solo era el debido a sus perfiles metálicos).

Foto del Pabellón de Barcelona con parte de la estructura de cubierta terminada, y apoyada en 6 pilares y numerosos caballetes auxiliares apeando los voladizos.
Foto del Pabellón de Barcelona con parte de la estructura de cubierta terminada, y apoyada en 6 pilares y numerosos caballetes auxiliares apeando los voladizos.

Quizá no sea tan “extraño” entonces ver la exagerada robustez del nudo de unión entre pilar y vigas, con una especie de ábaco roblonado que abraza los refuerzos de mayor canto que disponen las vigas que se cruzan sobre la cabeza de cada pilar.

Detalle del refuerzo metálico en la unión entre los pilares cruciformes y las vigas de la cubierta del Pabellón de Barcelona.
Detalle del refuerzo metálico en la unión entre los pilares cruciformes y las vigas de la cubierta del Pabellón de Barcelona.

¿Un cálculo demasiado afinado? Creemos que esa podría ser la verdad, sin tener más pruebas, pero sí a la vista de cómo sus perfiles cobraron más entidad en obras igualmente livianas como ésta (compárese con la casa Farnsworth, por ejemplo). Y ser tan preciosista en el diseño de los pilares sin tener resuelto el problema portante con idéntica precisión y belleza nos parece igualmente contradictorio, ¿no tienes esa sensación, querido lector?

Me surgen más dudas todavía sobre ese estado definitivo de su construcción…

Por ejemplo, la intención del despiece horizontal del muro de ónice en 2 piezas remarcando, con su marcada textura, esa simetría especular de plano horizontal, como ya advirtió R.Evans4 en su magnífico ensayo; y, paradójicamente, el resto de muros de mármol se parte en 3 piezas, con las texturas simétricas en cada una de las dos juntas horizontales, con lo que su colocación ya no ofrece esa lectura especular con la altura de los ojos a mitad de distancia entre el suelo y el techo…

O por qué el podium parece “incompleto” en las plantas del proyecto (como ocurre así en la obra final), pues el basamento de travertino dobla la esquina frente a la solemne columnata octástila pero acaba sin más, como brusca o precipitadamente. Y, en cambio, existen otras versiones de la planta “definitiva” donde este basamento sí figura “completo” definiendo el perímetro del edificio, con lo que la ambigüedad sobre el estado final del edificio queda irresuelto…

Planta de una de las versiones “definitivas” del Pabellón de Barcelona con el podium perimetral (Archivo Mies van der Rohe)
Planta de una de las versiones “definitivas” del Pabellón de Barcelona con el podium perimetral (Archivo Mies van der Rohe)

Volvamos al principio… Seremos unos “antiguos”, pero somos de los que aún creemos que es en la obra donde un arquitecto muestra el dominio del oficio, donde las cosas no suceden “de chiripa”, si es bien atendida como se merece. Pero claro, durante la construcción del Pabellón de Alemania, ¿cuántas veces pudo pasar Mies por su obra? No se sabe con certeza… Que uno sepa, solo hay una foto suya en el lugar de la obra, para replantear la cimentación. La perfección de su ejecución parece mérito suyo sin duda, pero resulta difícil de imaginar una supervisión minuciosa en la distancia desde su estudio en Berlín…

Mies van der Rohe supervisando la obra del Pabellón de Barcelona en 1929.
Mies van der Rohe supervisando la obra del Pabellón de Barcelona en 1929.

Últimamente ya estamos viendo cómo determinadas investigaciones están ayudando a destapar leyendas creadas por las “historias apasionadas” de la Modernidad. Desde el máximo respecto por arquitectos y obras tan maravillosas como ésta, quizá no esté de más empezar a abrir discursos críticos e introducir el factor humano en su análisis (promotores, constructores, colaboradores, etc.), incluso considerando el factor psicológico (y el psicoanalítico, llegado el caso) para comprender mejor la obra en sí. Quizá ni así logremos librarnos de estas dudas nunca. Lo que siempre nos quedará es la certeza de una obra tan depurada como ambigua, tan purista como contradictoria, tan exquisita y cara como efímera e “inútil”. Suficiente como para que hoy, pasados ya cerca de nueve décadas, sigamos desconcertados y apabullados por tanta y tan feliz obra terminada “de chiripa”… o no tanto. Yo de ti, querido lector, me pasaría ahora mismo por el blog “ARQUITECTAMOS LOCOS?” de José Ramón Hernández Correa y por el blog “ARQUITECTURA ENTRE D’ALTRES SOLUCIONS” de Jaume Prat Ortells. Igual ellos te resuelven ellos la duda. Yo, sinceramente, no me veo capaz…

Rodrigo Almonacid [r-arquitectura] · doctor arquitecto
Valladolid. Mayo 2016

Notas:

1. QUETGLAS, Josep: El horror cristalizado  imágenes del pabellón de Alemania de Mies Van der Rohe. Barcelona: Actar, 2001.

2. Robert Venturi jamás tuvo palabras elogiosas hacia la arquitectura de Mies, seguramente porque (a su juicio) era la antítesis de su Complejidad y contradicción en la Arquitectura (1966). Años más tarde confesaría que había cometido una tremenda injusticia con su obra al haberla estudiado y reflexionado. No sabemos si es que ahora la lectura profunda de su complejidad superaba la aparente simplicidad…

3. CORTÉS, Juan Antonio: “Los reflejos de una idea. Sobre los 860-880 Lake Shore Drive Apartments y los 900 Lake Shore Drive Esplanade Apartments de Mies van der Rohe”, Arquitecturas Bis n.44, julio de 1983.

4. EVANS, Robin: “Mies van der Rohe’s Paradoxical. Symmetries”, AA Files n.19, primavera de 1990.

Entrevista William J. R. Curtis (I) | bRijUNi

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Entrevista William J. R. Curtis (I) | bRijUNi

En el año 2015, coincidiendo con el 50 aniversario de la muerte del prolífico maestro Le Corbusier, la editorial Phaidon se reeditó la ampliación del libro Le Corbusier. Ideas and Forms de William J.R Curtis, historiador de la arquitectura, crítico, escritor, pintor y fotógrafo británico.

William J.R Curtis es especialmente conocido por su crítica de la historia de la arquitectura moderna y sus reflexiones nunca dejan indiferentes.

“Todo el mundo encuentra en Le Corbusier lo que va buscando, sea lo que sea.”

William J.R Curtis

William J. R. Curtis, Villa Savoye, 2011
William J. R. Curtis, Villa Savoye, 2011
Esta segunda edición de Le Corbusier. Ideas and Forms supone un gran cambio con respecto a la primera y no sólo en cuanto al formato de mayores dimensiones, sino sobre todo porque añade la parte IV donde aparecen cinco nuevos capítulos. Siendo esta la principal novedad y justificación de esta segunda magnífica edición, junto con la revisión de argumentos e ideas que han sido reforzadas o lo contrario, tal como usted expone en el prefacio, ¿qué otras razones le han impulsado a acometer esta revisión y cómo animaría a aquellos que ya conocieron la primera edición a acercarse a esta segunda?

La segunda edición de Le Corbusier: Ideas y Formas ha supuesto una completa transformación del libro a todos los niveles: contenido, forma, ilustraciones, imágenes y material, bibliogafía. Era mi objetivo preservar el alma de la primera edición de 1986 expandiendo de una manera ordenada el cuerpo principal. En todo momento me preocupé de la calidad literaria y de que fuera equilibrado. Mencionas los cuatro nuevos capítulos al final de la sección “Principios y Transformaciones”. Representan una reflexión sin precedentes sobre los temas básicos y las ideas central del universo creativo de Le Corbusier. Pero hay numerosas revisiones y ampliaciones a lo largo del libro, por ejemplo la Villa Savoie en Poissy ahora tiene un capitulo detallado para ella sola que la muestra mucho más en detalle.

El registro completo y los argumentos sobre los cambios se recogen en el Prefacio a esta segunda edición y en las Nota Bibliográfica del final donde se explica la re-estructuración del libro con mucho detalle incluyendo el uso de más de ciento treinta de mis propias fotografías e incontables reproducciones de alta resolución de dibujos de Le Corbusier. Con tiempo y con la perspectiva de más de un cuarto de siglo, era obvio que el libro se merecía una nueva edición, incluso a pesar de que la primera edición muchas veces era referida ya como un clásico. Afortunadamente los revisores de la segunda edificios parecieron aprobarlo y esta versión ha sido referida como un trabajo definitivo.

Croquis de Le Corbusier en
Croquis de Le Corbusier recogido en “Le Corbusier. Ideas and Forms”
El pasado año 2015 se celebró el 50 aniversario de la muerte de Le Corbusier y se programaron muchos actos y congresos que conmemoran su figura. Usted habla de un “eclipse temporal” en la reputación de Le Corbusier cuando se publicó la primera edición de Le Corbusier. Ideas and Forms, sólo veinte años después de la desaparición de Le Corbusier. ¿Por qué cree que treinta años después de aquella primera edición su figura y sus ideas se han revalorizado y asistimos a un nuevo florecimiento de obras, lecturas y re-lecturas de su vida y obra?

Cuando la primera edición fue publicada en 1986 hubo muchas visiones distorsionadas que circularon en relación a Le Corbusier. Algunas de ellas venían de la retórica del post modernismo en la que se tendía a demonizarla y culparle de todos los  errores de la modernización y la urbanización (moderna). Fue tratado como un funcionalista sin raíces. Por eso la primera edición situaba a Le Corbusier con una perspectiva histórica mucho mayor que evitaba los caprichos de la moda y entre otras cosas revelaba la profundidad de su conocimiento del pasado.

En muchos de mis escritos de esa época, incluyendo por supuesto Arquitectura Moderna desde 1900, mis monografías sobre Denys Lasdun y Balkrishna Doshi, mis escritos sobre Louis Kahn, Alvar Aalto, Alejandro de la Sota y muchos otros, así como mis artículos en revistas sobre crítica tales como Architectural Review y Architectural Record, yo insistía en la complejidad y la durabilidad de una tradición moderna en arquitectura en la que los primeros manifiestos estaban siendo releídos y transformados por otros seguidores. En los noventa, hubo un cambio a favor de reinterpretar los entonces maestros modernos y su legado. Al final de la primera edición yo insistí en que es el carácter intemporal de la obra de Le Corbusier el que garantizaba su presencia de forma duradera y relevante.

¡Creo que la historia me ha dado la razón!

El penúltimo capítulo de esta segunda edición “On Transforming Le Corbusier” aborda, entre otros asuntos, la influencia de Le Corbusier en algunos arquitectos coetáneos, otros arquitectos modernos y algunos contemporáneos. Estando profusamente ilustrada con imágenes y ejemplos de todo ello, no parece en ningún caso que estas referencias y conexiones no sean claras, en algunos casos incluso obvias. ¿A qué cree que se debe esta increíble influencia de la obra de Le Corbusier que no se da, sin embargo, en ningún otro arquitecto de su generación o posterior?

El capitulo 20 “On Transforming Le Corbusier” supone un añadido completamente nuevo a literatura sobre Le Corbusier. En este capítulo evito definiciones simplistas de “influencia” en favor de múltiples re-lecturas de ejemplos de Le Corbusier por otros a lo largo de un periodo de un siglo y en muchos lugares del mundo. En varias ocasiones me refiero a Le Corbusier como un espejo y como una lente. Un espejo, porque otros encuentra su identidad como reflejo de sus obras iniciales; una lente, porque a través de esos mismo prototipos ellos perciben problemas habituales de esos tiempos de nuevas formas.

Le Corbusier ha tenido un impacto enorme por varias razones. Primero porque se enfrentó a muchos de los problemas de la industrialización a través de propuestas muy poderosas en sus edificios, proyectos no construidos y escritos. Segundo porque dotó a sus manifiestos ejemplares con una fuerza formal sin precedentes. Cada generación puede volver a la obras de Le Corbusier y encontrar algo inspirador y relevante en ellas.

William J. R. Curtis, Marseille
William J. R. Curtis, Marseille
En relación a la pregunta anterior y a su libro Modern Architecture Since 1900 también editado en Phaidon, Jean-Louis Cohen1 le concede la virtud de haber tenido en cuenta la expansión global de la arquitectura moderna e incluir zonas geográficas como Asia o América Latina casi por primera vez en las historias -occidentales en su mayoría- de arquitectura. ¿Cree que el hecho de que Le Corbusier trabajara en Asia, América y Europa tiene alguna relación con la la heterogeneidad e influencia posterior de su obra?

Sí, por supuesto, incluso la primera edición de Arquitectura Moderna desde 1900 publicada en 1982 estaba bastante por delante de los demás al tener en cuenta la difusión y extensión de los ideales de la arquitectura moderna en aquello que llamamos países en desarrollo. En los ochenta, pasé largos periodos en Indio, el sudeste de Asia, el norte de África y Mexico, investigando sobre arquitectura antigua y moderna. Estaba profundamente interesado en temas de identidad nacional y post colonial y en la fusión de lo general con lo local. También con la interacción entre modelos universales y otros del pasado.

La segunda y tercera ediciones de Arquitectura Moderna desde 1900 (de los años 987 y 1996) señalaban palabras clave surgidas en India, África, América Latina, etc. tanto en contextos locales como globales. Mi conocimiento de estos lugares y de estas obras era de primera mano y por tanto rechacé caer en los habituales clichés acerca del llamando tercer mundo. Mis escritos sobre Balkrishna Doshi, Raj Rewal, el modernismo indio, Luis Barragán, y las arquitectura emergentes de oriente medio aparecieron en los 80 y se han convertido en seminales. Por eso obviamente cuando me tocó volver a Le Corbusier y su impacto mundial, estaba bien preparado. El capitulo 20 de hecho desarrolla la noción misma de tradición moderna, comparándola con un delta con muchas corrientes.

Still Life, Le Corbusier
Still Life, Le Corbusier recogido en “Le Corbusier. Ideas and Forms”
El último capítulo del libro “Conclusion: Modernism, Nature, Tradition” plantea estos tres términos como posible resumen de la complejísima realidad de la obra de Le Corbusier, junto con una cita del mismo en la que subraya la importancia de conocer la historia y encontrar la continuidad en ella, por supuesto abundando en la idea de historia de Hegel y de zeigeist. ¿Podría deducirse de ello que este resumen deja en un segundo plano la fuerte atracción de Le Corbusier por la tecnología (si bien de un primer Le Corbusier como se anota en algún momento) y confía en una lectura de su obra de madurez para situarlo de nuevo más interesado en la naturaleza, la tradición (o la historia) y la idea de modernidad que de estos conceptos emana?

Del mismo modo que Picasso reinventó el mundo visual de la pintura, Le Corbusier reinventó el mundo de la arquitectura. Fue radical en todos los sentidos: revolucionario pero volviendo a los orígenes. Él mismo dijo que el pasado era su único verdadero maestro, una declaración sorprendente para el “padre” de la arquitectura moderna. Pero por supuesto Le Corbusier penetró en las subestructuras de las diversas tradiciones mundiales y entonces las transformó en el lenguaje de su arquitectura moderna.

Este proceso de metamorfosis es uno de los temas centrales de mi libro, también de todo mi trabajo sobre Le Corbusier comenzando con mis primeros estudios y libros unos cuarenta años atrás. Otro tema importante es el de la génesis de las formas. He dedicado un capitulo entero en la nueva parte 4 del libro a “Principios y Transformaciones,” pero de hecho el libro entero se ocupa de los procesos de invención de Le Corbusier y las interacciones entre ideas y formas. La parte final de la “Conclusión” ha sido ampliada para hablar más del retorno de Le Corbusier a lo fundamental y sobre su uso de materiales básicos del medio arquitectónico como son la luz y el espacio.

…Continuará, la semana que viene segunda y última parte de la entrevista…

Entrevista William J. R. Curtis (II) | bRijUNi

bRijUNi architects (Beatriz Villanueva y Francisco Javier Casas Cobo).
Riyadh (Arabia Saudí), Enero 2017

Nota:

1 Lo que dice Jean-Louis Cohen exactamente sobre el libro de Curtis es esto:

“took into account the global expansion of modern architecture, a perspective rooted in his own experiences in Asia and Latin America”.

 

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La gestión empresarial se eleva por fin a la categoría de ARTE: los más eficaces planteamientos empresariales llegan ahora desde el mundo del diseño.

Arthur Gensler es arquitecto y fundador de GENSLER, la firma de arquitectura y diseño que más factura del mundo (Architectural Record), presente en 15 países con 40 oficinas. En este libro, como en los tratados clásicos, Art Gensler nos desvela con claridad y sencillez las pautas magistrales del arte empresarial. Aplicándolas, Gensler ha logrado que su firma sea líder en su sector, atravesando cambios generacionales y capeando los vaivenes de la economía globalizada. Es el prodigio de la creatividad aplicada a los servicios profesionales lo que ha llevado a GENSLER a obtener beneficios y una alta rentabilidad año tras año, durante cinco décadas consecutivas.

Los Principios de Art(e) se fundamentan en sólidas normas de conducta empresarial que se apoyan en la creación de un espíritu único en todo el equipo de la organización. El proceso de trabajo se diseña como una estrategia colectiva en acción enfocada al resultado, que no es otro que el servicio al cliente, una prioridad absoluta por encima de veleidades personales más propias del frívolo star-system. Todo ello convierte a este libro en mucho más que un gran manual práctico de empresa: es también una guía de ética profesional enfocada al éxito.

Clientes como Apple, The Gap, Bank of America, Levi Strauss o JetBlue, entre otros muchos, avalan la solvencia de los Principios de Art(e). Ellos saben que otra empresa es posible: una empresa útil para la sociedad, productiva para sus clientes y, por supuesto, rentable para sus propietarios y empleados.

“Tanto si está usted gestionando una firma de servicios profesionales como si está empezando en su carrera querrá tener este libro cerca, en la mesita de noche.”

Ted W. Hall, Director Emérito, McKinsey & Company

PRINCIPIOS DE ART(E)
ARTHUR GENSLER
ISBN: 978-84-945656-6-3
Formato: 13,33 x 20,32 cm.
Páginas: 320
Encuadernación: Rústica
Edición a cargo de Carlos J. Irisarri
Traducción: Isabel Suárez-Llanos
Ilustraciones: Doug Wittnebel



[:gl]

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A xestión empresarial elévase por fin á categoría de ARTE: os máis eficaces formulacións empresariais chegan agora desde o mundo do deseño.

Arthur Gensler é arquitecto e fundador de GENSLER, a firma de arquitectura e deseño que máis factura do mundo (Architectural Record), presente en 15 países con 40 oficinas. Neste libro, como nos tratados clásicos, Art Gensler desvélanos con claridade e sinxeleza as pautas maxistrais da arte empresarial. Aplicándoas, Gensler logrou que a súa firma sexa líder no seu sector, atravesando cambios xeracionais e capeando os vaivéns da economía globalizada. É o prodixio da creatividade aplicada aos servizos profesionais o que levou a GENSLER a obter beneficios e unha alta rendibilidade ano tras ano, durante cinco décadas consecutivas.

Os Principios da Art(e) fundaméntanse en sólidas normas de conduta empresarial que se apoian na creación dun espírito único en todo o equipo da organización. O proceso de traballo deséñase como unha estratexia colectiva en acción enfocada ao resultado, que non é outro que o servizo ao cliente, unha prioridade absoluta por encima de veleidades persoais máis propias do frívolo star-system. Todo iso converte a este libro en moito máis que un gran manual práctico de empresa: é tamén unha guía de ética profesional enfocada ao éxito.

Clientes como Apple, The Gap, Bank of America, Levi Strauss ou JetBlue, entre outros moitos, avalan a solvencia dos Principios da Art(e). Eles saben que outra empresa é posible: unha empresa útil para a sociedade, produtiva para os seus clientes e, por suposto, rendible para os seus propietarios e empregados.

Clientes como Apple, The Gap, Bank of America, Levi Strauss o JetBlue, entre otros muchos, avalan la solvencia de los Principios de Art(e). Ellos saben que otra empresa es posible: una empresa útil para la sociedad, productiva para sus clientes y, por supuesto, rentable para sus propietarios y empleados.

“Tanto se está vostede xestionando unha firma de servizos profesionais coma se está a empezar na súa carreira quererá ter este libro preto, na mesita de noite.”

Ted W. Hall, Director Emérito, McKinsey & Company

PRINCIPIOS DA ART(E)
ARTHUR GENSLER
ISBN: 978-84-945656-6-3
Formato: 13,33 x 20,32 cm.
Páxinas: 320
Encadernación: Rústica
Edición a cargo de Carlos J. Irisarri
Traducción: Isabel Suárez-Llanos
Ilustracións: Doug Wittnebel



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The business management rises finally up to the category of ART: the most effective managerial expositions come now from the world of the design.

Arthur Gensler is architect and founder of GENSLER, the signature of architecture and design that more it invoices of the world (Architectural Record), present in 15 countries with 40 offices. In this book, since in the classic agreements, Art Gensler reveals with clarity and simplicity the magisterial guidelines of the managerial art. Applying them, Gensler has achieved that his signature is leading in his sector, crossing generational changes and capeando the sways of the included economy. It is the prodigy of the creativity applied to the professional services what has led GENSLER to obtaining benefits and high profitability year after year, during five consecutive decades.

Art’s Beginning is based on solid procedure of managerial conduct that rest on the creation of the only spirit on the whole equipment of the organization. The process of work is designed as a collective strategy in action focused on the result, which is not other one that the service to the client, an absolute priority over more own personal inconstancies of the frivolous star-system. All this turns to this book in much more than a great practical manual of company: she is also a guide of professional ethics focused on the success.

Clients like Apple, The Gap, Bank of America, Levi Strauss or JetBlue, between great others, support the solvency of Art’s Beginning. They know that another company is possible: a useful company for the company, productive for his clients and, certainly, profitable for his owners and employees.

“So much if you are managing a signature of professional services as if it is beginning in his career it will want to have this book it surrounds, in the bedside table.”

Ted W. Hall, The Emeritus director, McKinsey & Company

Art’s Beginning.
ARTHUR GENSLER
ISBN: 978-84-945656-6-3
Format: 13,33 x 20,32 cm.
Pages: 320
Binding: Rustic
Edition at the expense of Carlos J. Irisarri
Traduction: Isabel Suárez-Llanos
Ilustrations: Doug Wittnebel



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Uno de los secretos mejor guardados de la Ciudad de Santiago de Compostela lo encontramos a orillas del Río Sarela… A tan sólo un kilómetro de la Catedral, es precisamente en este lugar donde se produce la excepcional singularidad de la supervivencia del último contacto entre la ciudad histórica y su territorio rural de origen, con una riqueza de matices en la transición entre lo urbano y rural que lo convierten en uno de los espacios más singulares desde el punto de vista ambiental del entorno inmediato de la ciudad.

Un lugar donde se mezcla lo agrario, lo doméstico o lo industrial, combinando a la perfección su uso público como fuente de recursos, de espacios de trabajo y de entretenimiento, así como de pesca, juego e incluso baño.

En la actualidad, un paseo fluvial acompaña en su recorrido al Sarela haciendo de este mágico lugar uno de los espacios de uso público en contacto directo con la naturaleza más emblemáticos de Santiago. Un sendero completamente abrazado por robles y vegetación típica de las riberas gallegas: alisos, abedules, sauces, etc; en el que podemos encontrar aún a día de hoy antiguos molinos y fábricas de curtidos de cuero.

Con el objetivo de potenciar esta relación territorial con la ciudad se desarrolla el Plan Especial de Acondicionamiento y Saneamiento del Río Sarela y su entorno, y que será de aplicación directa en el ámbito de nuestra actuación.

En este contexto, con acceso directo desde el paseo fluvial y a escasos metros del río, surge la oportunidad de la rehabilitación de una vivienda con alpendre y unos 700 metros de finca, construida a principios de los años 60, de construcción modesta.

A pesar de su importante estado de abandono y conservación, no es difícil imaginar la vitalidad y riqueza espacial de tiempos pasados. Rodeada de terrenos de cultivo, su escala y posición han establecido una relación con el entorno que de alguna manera debemos recuperar y potenciar…

Esta relación tendrá como protagonista silenciosa la madera que tan generosamente abraza y acompaña a su entorno… Una envolvente de madera de pino cuperizado recorre los cerramientos renovando su piel y dotando al conjunto del carácter y uniformidad necesarios. Un gran ventanal encuadra el espacio… Un sistema de contraventanas exteriores filtran y gradúan los distintos grados de intimidad y relación, a la vez que dotan al conjunto de sus alzados de gran dinamismo y protección. Una habitación, un baño, un espacio en doble altura, un lucernario, una chimenea y un mueble-escalera completan la escena… Poco más habría que añadir a este proyecto con vocación de imperfecto y espíritu de integración…

Obra: Rehabilitación de Vivienda Sarela_Rehab.
Situación: Río Sarela, Santiago de Compostela, A Coruña, España.
Autores: 2es+_oficina de arquitectura (Álvaro Marín Durán – Alfonso Castro Lorenzo)
Constructora: Emac Proyectos y Obras
Promotor: Particular.
Tipología: Vivienda unifamiliar. Obra privada.
Año: 2016
Fotografía: Héctor Santos-Díez | BISimages
+ dosesmas.es

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Un dos segredos mellor gardados da Cidade de Santiago de Compostela atopámolo a beiras do Río Sarela… A tan só un quilómetro da Catedral, é precisamente neste lugar onde se produce a excepcional singularidade da supervivencia do último contacto entre a cidade histórica e o seu territorio rural de orixe, cunha riqueza de matices na transición entre o urbano e rural que o converten nun dos espazos máis singulares desde o punto de vista ambiental da contorna inmediata da cidade.

Un lugar onde se mestura o agrario, o doméstico ou o industrial, combinando á perfección o seu uso público como fonte de recursos, de espazos de traballo e de entretemento, así como de pesca, xogo e mesmo baño.

Na actualidade, un paseo fluvial acompaña no seu percorrido ao Sarela facendo deste máxico lugar uno dos espazos de uso público en contacto directo coa natureza máis emblemáticos de Santiago. Un carreiro completamente abrazado por carballos e vexetación típica das ribeiras galegas: alisos, bidueiros, salgueiros, etc; no que podemos atopar aínda a día de hoxe antigos muíños e fábricas de curtidos de coiro.

Co obxectivo de potenciar esta relación territorial coa cidade desenvólvese o Plan Especial de Acondicionamento e Saneamento do Río Sarela e a súa contorna, e que será de aplicación directa no ámbito da nosa actuación.

Neste contexto, con acceso directo desde o paseo fluvial e a escasos metros do río, xorde a oportunidade da rehabilitación dunha vivenda con alpendre e uns 700 metros de leira, construída a principios dos anos 60, de construción modesta.

A pesar do seu importante estado de abandono e conservación, non é difícil imaxinar a vitalidade e riqueza espacial de tempos pasados. Rodeada de terreos de cultivo, a súa escala e posición estableceron unha relación coa contorna que dalgunha maneira debemos recuperar e potenciar…

Esta relación terá como protagonista silenciosa a madeira que tan xenerosamente abraza e acompaña á súa contorna… Unha envolvente de madeira de piñeiro cuperizado percorre os cerramentos renovando a súa pel e dotando ao conxunto do carácter e uniformidade necesarios. Unha gran ventá encadra o espazo… Un sistema de contraventanas exteriores filtran e gradúan os distintos graos de intimidade e relación, á vez que dotan ao conxunto dos seus alzados de gran dinamismo e protección. Unha habitación, un baño, un espazo en dobre altura, un lucernario, unha cheminea e unha moble-escaleira completan a escena… Pouco máis habería que engadir a este proxecto con vocación de imperfecto e espírito de integración…

Obra: Rehabilitación de Vivenda Sarela_Rehab.
Situación: Río Sarela, Santiago de Compostela, A Coruña, España.
Autores: 2es+_oficina de arquitectura (Álvaro Marín Durán – Alfonso Castro Lorenzo)
Constructora: Emac Proxectos e Obras
Promotor: Particular.
Tipología: Vivenda unifamiliar. Obra privada.
Ano: 2016
Fotografía: Héctor Santos-Díez | BISimages
+ dosesmas.es

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One of the secrets better avoided the City of Santiago de Compostela we find it on the banks of the Rio Sarela … To only a kilometre of the Cathedral, it is precisely in this place where there takes place the exceptional singularity of the survival of the last contact between the historical city and his rural territory of origin, with a wealth of shades in the transition between the urban and rural thing that they turn into one of the most singular spaces from the environmental point of view of the immediate environment of the city.

A place where there is mixed the agrarian thing, the domestic thing or the industrial thing, combining to the perfection his public use as source of resources, of spaces of work and of entertainment, as well as of fishing, game and enclosed bath.

At present, a fluvial walk accompanies in his tour the Sarela doing of this magic place one of the spaces of public use in direct contact with the nature more emblematic of Santiago. A path completely embraced by oaks and typical vegetation of the Galician banks: alder-trees, birches, willows, etc; in that we can find still to day of today former mills and factories of tanning of leather.

With the aim to promote this territorial relation with the city there develops the Special Plan of Conditioning and Reparation of the Rio Sarela and his environment, and that will be of direct application in the area of our action.

In this context, with direct access from the fluvial walk and to scanty meters of the river, there arises the opportunity of the rehabilitation of a housing with alpendre and approximately 700 meters of estate, constructed at the beginning of the 60s, of modest construction.

In spite of his important condition of abandon and conservation, it is not difficult to imagine the vitality and spatial wealth of last times. Surrounded with areas of culture, his scale and position have established a relation with the environment that somehow we must recover and promote…

This relation will have as silent protagonist the wood that so generously it embraces and accompanies on his environment… The surrounding One of wood of pine cuperizado crosses the closings renewing his skin and providing to the necessary set of the character and uniformity. A great large window fits the space… A system of exterior shutters they leak and classify the different degrees of intimacy and relation, simultaneously that provide to the set of his gatherings of great dynamism and protection. A room, a bath, a space in double height, a lucernario, a chimney and a furniture – stairs complete the scene… Little more it would be necessary to add to this project with vocation of imperfect and spirit of integration…

Work: Rehabilitation of Housing Sarela_Rehab.
Location: Río Sarela, Santiago de Compostela, A Coruña, Spain.
Authors: 2es+_oficina de arquitectura (Álvaro Marín Durán – Alfonso Castro Lorenzo)
Construction company: Emac Proyectos y Obras
Promoter: Private
Typology: House. Private work.
Year: 2016
Photography: Héctor Santos-Díez | BISimages
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Terramotourism

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Terramotourism

[:es]

El 1 de noviembre de 1755 un terremoto destruyó la ciudad de Lisboa. Su impacto fue tal que desplazó al hombre del centro de la creación. Sus ruinas legitimaron el despotismo ilustrado.

Lisboa hoy tiembla de nuevo, sacudida por un sismo turístico que transforma la ciudad a velocidad de crucero. Su impacto desplaza al habitante del centro de la ciudad. ¿Qué nuevos absolutismos encontrarán aquí su coartada?

Mientras el derecho a la ciudad se derrumba, ahogado por el discurso de la identidad y lo auténtico, la ciudad cruje anunciando el colapso y la urgencia de una nueva forma de mirarnos, de reaccionar ante una transformación, esta vez predecible, que la desesperanza del capitalismo finge inevitable.

«Yo soy ciudadano del mundo; no deseo la vuelta al nacionalismo, pero si mañana amamos únicamente al que está lejos sin ser conscientes de que odiamos a nuestro prójimo porque está presente, porque apesta, porque hace ruido, porque me molesta y porque me requiere, a diferencia del que está lejos, del que me puedo zafar; si mañana si nos empeñamos en preferir al que está lejos en detrimento del que está cerca, destruiremos la ciudad, es decir, el derecho a la ciudad.»

Paul Virilio – El Cibermundo, la política de lo peor.

Desde hace algunas semanas está publicado en abierto para ver y descargar nuestro último documental «Terramotourism» (con subtítulos en castellano o en inglés) proyecto para el que comenzamos a recoger imágenes hace más de 4 años en la ciudad de Lisboa.

En las próximas semanas continuaremos presentando dicho documental en diferentes espacios de Portugal y España:

– Día 10 de enero en Lisboa Vadía (Academia Cidadã) en Lisboa.
– Día 17 de Enero en Espaço GAIA, barrio de Alfama (Lisboa)
– Día 22 de enero en Espaço Contrabando, Oporto.
– Día 10 de febrero en el espacio de la Associação Cultura no Muro, Parede (Cascáis).

En los próximos días anunciaremos nuevas fechas en localidades periféricas de Lisboa y varias ciudades en España.

[:gl]

O 1 de novembro de 1755 un terremoto destruíu a cidade de Lisboa. O seu impacto foi tal que desprazou ao home do centro da creación. As súas ruínas lexitimaron o despotismo ilustrado.

Lisboa hoxe treme de novo, sacudida por un sismo turístico que transforma a cidade a velocidade de cruceiro. O seu impacto despraza ao habitante do centro da cidade. Que novos absolutismos atoparán aquí a súa coartada?

Mentres o dereito á cidade derrúbase, afogado polo discurso da identidade e o auténtico, a cidade cruje anunciando o colapso e a urxencia dunha nova forma de mirarnos, de reaccionar ante unha transformación, esta vez predicible, que a desesperanza do capitalismo finxe inevitable.

«Eu son cidadán do mundo; non desexo a volta ao nacionalismo, pero se mañá amamos unicamente ao que está lonxe sen ser conscientes de que odiamos ao noso próximo porque está presente, porque apesta, porque fai ruído, porque me molesta e porque me require, a diferenza do que está lonxe, do que me podo zafar; se mañá se nos empeñamos en preferir ao que está lonxe en detrimento do que está preto, destruiremos a cidade, é dicir, o dereito á cidade.»

Paul Virilio – O Cibermundo, a política do peor.

Desde hai algunhas semanas está publicado en aberto para ver e descargar o noso último documental «Terramotourism» (con subtítulos en castelán ou en inglés) proxecto para o que comezamos a recoller imaxes hai máis de 4 anos na cidade de Lisboa.

Nas próximas semanas continuaremos presentando devandito documental en diferentes espazos de Portugal e España:

– Día 10 de xaneiro en Lisboa Vadía (Academia Cidadã) en Lisboa.
– Día 17 de xaneiro en Espaço GAIA, barrio de Alfama (Lisboa)
– Día 22 de xaneiro en Espaço Contrabando, Oporto.
– Día 10 de febreiro no espazo da Associação Cultura no Muro, Parede (Cascáis).

Nos próximos días anunciaremos novas datas en localidades periféricas de Lisboa e varias cidades en España.

[:en]

On 1 November 1755 an earthquake destroyed the city of Lisbon. Its impact was such that it displaced man from the center of creation. Its ruins legitimized Enlightened Despotism.

Lisbon today is trembling again, shaken by a tourist earthquake that transforms the city at cruising speed. Its impact displaces the inhabitant of the center of the city. What new absolutisms will find their alibi here?

As the right to the city collapses, drowned by the discourse of identity and the authentic, the city creaks announcing the collapse and the urgency of a new way of looking at us, of reacting to a transformation, this time predictable, that the despair of the Capitalism pretends inevitable.

«I am a citizen of the world, I do not want a return to nationalism, but if tomorrow we love only the one who is far away without being aware that we hate our neighbor because he is present, because he stinks because he makes noise because he bothers me and because he requires me , Unlike the one that is far away, from which I can get away, if tomorrow if we strive to prefer the one who is far to the detriment of the one who is near, we will destroy the city, that is, the right to the city.»

Paul Virilio – Politics of the Very Worst.

For some weeks it is published in opened to see and to unload our last documentary «Terramotourism» (with subtitles in spanish or in English) the project for that we begin to gather images it does more than 4 years in the city of Lisbon.

In the next weeks we will continue presenting the above mentioned documentary in different spaces of Portugal and Spain:

– On January 10 in Lisboa Vadía (Academia Cidadã) in Lisboa.
– On January 17 in Espaço GAIA, Alfama’s neighborhood (Lisboa)
– On January 22 in Espaço Contrabando, Oporto.
– On February 10 in the space of Associação Cultura no Muro, Parede (Cascáis).

In the next days we will announce new dates in peripheral localities of Lisbon and you change cities in Spain.

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¿Nos da miedo la metodología de proyectos en arquitectura? | Miguel Villegas

Lourdes Bueno – Miguel Villegas
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¿Nos da miedo la metodología de proyectos en arquitectura? | Miguel Villegas

En los últimos años se ha usado muchísimo el término procesos para referirse a una arquitectura que se interesa fundamentalmente por los acontecimientos entendidos como fenómenos en curso.

Nada que objetar. Podría decir incluso que la arquitectura que nos interesa tiene mucho que ver con el tiempo y los acontecimientos entendidos de esta manera.

La pregunta viene por otro lado.

Data Path Ryoji Ikeda Foto by cc sa rh2ox
Data Path Ryoji Ikeda | Foto by cc sa rh2ox
¿Cómo es vuestro proceso de proyecto?

Dentro de mi investigación doctoral, una de las hipótesis que estoy discutiendo es la de la ausencia de metodología en la docencia y práctica de la arquitectura en España.

Sé que es una hipótesis muy arriesgada y todavía demasiado intuitiva, pero por mi experiencia en la ETSAS y por mi relación con muchos compañeros, creo que no conozco a ningún arquitecto español que trabaje siguiendo metodologías de proyecto.

ds1785 Imagen CC by-sa David Peña
ds1785 Imagen CC by-sa David Peña

Otra cosa son los procesos de proyecto… lineales, iterativos, cíclicos, erráticos… la creatividad en bruto sigue su propia línea temporal, pero ¿y la creatividad disciplinada?

¿Tenéis una metodología?¿Usáis un protocolo para proyectar?

Algunas ramas del diseño, sobre todo producto y gráfico, más relacionadas con la resolución que con la proposición, aunque también más cerca de la creatividad que de lo ingenieril, usan por su proximidad a esto último, metodologías muy claras y concretas. Creo que nosotros no.

Quizás me esté equivocando, pero tengo la enorme sensación/experiencia de que la docencia de proyectos, y por extensión la práctica en los estudios, se ha basado en el enfrentamiento directo con una situación, un ejercicio/encargo y el establecimiento de un tema; el reciclaje, lo social, las infraestructuras, el patrimonio, la relación de una determinada ciudad con un elemento X…

¿Por qué nos da miedo la metodología de proyectos en arquitectura?

¿Creemos que va a coartar nuestra creatividad?¿Seguimos siendo artistas?¿O es que simplemente no nos han enseñado?

Miguel Villegas, arquitecto
Editor en arquitextónica
Sevilla, septiembre 2014

“NETWORK”. La expresión del malestar en el espacio público | Ignacio Grávalos – Patrizia Di Monte

Ignacio Grávalos – Patrizia di Monte
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“NETWORK”. La expresión del malestar en el espacio público | Ignacio Grávalos – Patrizia Di Monte
“NETWORK”, La expresión del malestar en el espacio público

En 1976 se estrenó “Network. Un mundo implacable” de Sidney Lumet. La película resultó visionaria en varios aspectos. Por un lado, avanzaba ya la voracidad de los medios para captar telespectadores más allá de cualquier consideración ética. En ella podemos ver la transición de los programas informativos hacia una versión mediática de los sucesos y del espectáculo, observando la rentabilidad del delirio y la extravagancia.

En el fragmento escogido, el veterano presentador Howard Beale, en la que prevé que será su última aparición en los medios, realiza un discurso sobre la indignación contenida de los ciudadanos, exigiendo visualizar su malestar para de ese modo hacerlo tangible. El mensaje difundido en directo por varias televisiones logra burlar la censura. Sin embargo, y allí es donde aparece la dimensión cínica de la televisión, los productores pronto ven que esa alteración de las masas puede resultar comercialmente rentable, con lo que dejan espacio al presentador para que continúe con sus apariciones airadas.

“NETWORK”. La expresión del malestar en el espacio público | Ignacio Grávalos - Patrizia Di Monte . Network, un mundo implacable
“NETWORK”. La expresión del malestar en el espacio público
“NETWORK”. La ira del ciudadano indignado

Resulta interesante constatar el poder de sugestión del  medio televisivo que en este caso logra canalizar la ira del ciudadano indignado en un acto colectivo expresado en el espacio público. Un espacio público que se va desplazando cada vez más a un escenario virtual, lo que Zygmunt Bauman denominaría como

«la conversión de la vida social en una vida electrónica».1

El presentador consigue recuperar el escenario urbano como medio de expresión, si bien se intuye que se trata de la crónica de una muerte avanzada. El acto de traspasar los límites del hogar (la apertura de las ventanas) para dotar de una dimensión pública a la protesta resulta elocuente. La unión producida por la pantalla da un salto hacia la conciencia de grupo materializada en un escenario físico común. La calle, en pocos momentos, pasa a ser entendida como un flujo de gritos y ecos. El poder de los media estaba ya presente en la ciudad, esperando a Facebook y Twitter, que estaban todavía por venir.

“NETWORK”. La expresión del malestar en el espacio público | Ignacio Grávalos - Patrizia Di Monte . Network
“NETWORK”. La expresión del malestar en el espacio público

Ignacio Grávalos – Patrizia Di Monte. Arquitectos (estonoesunsolar)
Zaragoza-Venezia. diciembre 2016.

Notas:

1 BAUMAN, Zygmunt. Vida de consumo. Fondo de Cultura Económica. Madrid, 2007.

Luis Lope de Toledo · #JuevesDeArquitectura

Ana Barreiro Blanco
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Luis Lope de Toledo · #JuevesDeArquitectura

Comenzamos el año en la sección baliza charlando con Luis Lope de Toledo, arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM) y creador en twitter del hashtag #JuevesDeArquitectura en el que cada semana cientos de usuarios, entre los que nos incluimos, comparten a través de esta red social diferentes obras arquitectónicas desde diferentes enfoques e inquietudes.

A priori podría ser una iniciativa más enfocada para arquitectos, pero ha conseguido enganchar a numerosos usuarios no-arquitectos que muestran y aportan su punto de vista, que confrontan en hilos muy interesantes.

«Proyectar se parece mucho a escribir: somos capaces de crear lugares que no existen utilizando solo nuestra mente y la tinta que sale de la estilográfica.» 

Por eso desde hace años comparte la actividad arquitectónica con la escritura, colaborando con diversos medios como El País o Jot Down Magazine, aportando su personal punto de vista en diferentes viajes realizados o escritos relacionados con el mundo de la arquitectura.

¡Sin más preámbulos les dejamos con la entrevista!¡Esperamos que disfruten!

Luis Lope de Toledo
Luis Lope de Toledo
¿Cómo se definiría Lope de Toledo?

La pregunta del millón. Nunca he sabido cómo hacerlo, así que supongo que eso mismo cuenta como definición. Podría decirse que soy alguien a quien le gusta mirar por la ventana de su vagón y ver cómo cambian los paisajes a lo largo del viaje. Y observar la gente que se sube en su estación, permanece a tu lado hasta que llegas a tu destino o se baja del tren antes de tiempo.

Creo que cada uno de ellos tiene algo que aportarte, si eres capaz de encontrarlo.

¿Cuál ha sido tu formación y trayectoria profesional?

Cuando salí del colegio tuve un breve romance con la informática, pero ambos nos dimos cuenta de que aquello no funcionaba. Ella me pedía más de lo que podía darle y yo en ese momento no estaba preparado para relaciones serias. Después de pasar por dos escuelas de arquitectura, terminé mis estudios en la Universidad Politécnica de Madrid, completamente enamorado de mi profesión. Aunque mi formación como arquitecto ya había comenzado mucho antes sin yo saberlo: descubrí que de pequeño, el cuarto de baño de casa que más utilizaba era el único que tenía ventana e iluminación natural.

En cuanto a mi trayectoria profesional, he pasado por numerosos trabajos que no tenían nada que ver con la arquitectura (o más bien pasaron ellos por encima de mí) hasta que comencé a colaborar con algún estudio. En 2013 salí de España con destino Japón para trabajar con el arquitecto Riken Yamamoto, donde cambió mi concepción del espacio. Eso y los 20 metros cuadrados de apartamento en los que llegamos a vivir hasta 4 personas, supongo que ayudaron.

¿Qué te llevó a compaginar la labor de arquitecto con la de escritor? ¿Por qué compaginarlas?

Lo cierto es que siempre me ha gustado escribir, desde que he sido capaz de sostener un lápiz sin comerme la goma. Supongo que es una de esas espinas que he llevado clavadas desde que decidí estudiar arquitectura, sin darme cuenta de que ambas podían encajar perfectamente.

En Japón se abrió mi mente creativamente hablando, y tuve la sensación de que todo lo que estaba aprendiendo debía compartirlo de alguna manera. Comencé así a escribir artículos para ‘El País’ relacionados con la cultura japonesa y las experiencias que estaba viviendo allí, a la vez que publiqué para ‘Jot Down’ otros textos de carácter arquitectónico. Compaginar estas dos disciplinas me servía para hacer llegar la arquitectura a un público no especializado de manera que ellos fueran capaces de comprenderla sin perderse por el camino con detalles técnicos menos relevantes.

¿Consideras que estudiar Arquitectura ha sido un pasaporte fundamental para haber llegado a tu trabajo actual?

Si hubiese seguido friendo patatas Deluxe en el McDonald’s te diría que no, pero es inevitable. Actualmente tengo la suerte de vivir gracias al trabajo que desempeño como arquitecto y, teniendo en cuenta cómo están las cosas, es muy de agradecer.

No tengo la menor idea de dónde acabaré dentro de unos años, pero creo que cada paso que das te sirve para afianzar mucho más el terreno que pisas.

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Luis Lope de Toledo
¿Qué le movió a crear el hashtag #JuevesDeArquitectura hace 3 años?

Entré a Twitter como todo el mundo, sin saber bien cómo funcionaba y abandonándolo unos meses después. Con el paso del tiempo comprendí el potencial que tenía como herramienta de comunicación y pensé en compartir con la gente que me seguía, uno de los pedazos que llevo dentro.

Por lo menos en nuestro país, el 90% de proyectos edificados responden al interés de ciertos promotores en enriquecerse gracias a la inversión inmobiliaria, en vez de dar respuesta a una serie de necesidades habitables que varían con cada usuario. Dicho de otro modo, en España se construye para ganar dinero, no para que la gente disfrute verdaderamente de su vivienda.

Gracias a los #JuevesDeArquitectura podía enseñar que existe vida más allá de los bloques de ladrillo y hormigón en los que vivimos casi todos nosotros.

¿Ha alcanzado los objetivos principales de esta iniciativa?

Cuando comencé con la etiqueta mi principal objetivo era el de convertirme en alguien rico y famoso, y no volver a tener que madrugar nunca más. A pesar de no haberlo logrado, cada día más gente participa en la iniciativa y hay muchos jueves en los que se cuela dentro de los Trending Topics de nuestro país. Todavía me sorprende que algo que comenzase de la manera más inocente pueda aportar un granito de cultura a una red social tan saturada de chiste y crítica política.

¿Cree que haber salido en un medio generalista favorece a la difusión de la arquitectura?

Con los arquitectos pasa una cosa muy curiosa. Seguramente debido a nuestra formación, consumimos una gran cantidad de material divulgativo especializado y dedicado a nuestra profesión. La gran mayoría de nosotros, sobretodo en su periodo universitario, está al tanto de las obras que se están creando y cuenta con una gran cantidad de referencias a la hora de proyectar.

Pero cuando hablas con cualquiera ajeno a nuestra ocupación, descubres que saben muy poco sobre arquitectura. Y lo poco que llega a sus oídos, no son precisamente buenas noticias. Al final te das cuenta de que somos nosotros los que vivimos dentro de una burbuja, con famosos que no lo son para el espectador medio y  con un consumo de material educativo completamente diferente.

Considero que existe un “vacío” en cuanto a difusión de la arquitectura para el público general, a pesar de que haya mucha gente interesada en esta disciplina.

¿A fecha de hoy qué valoración puede hacernos de los #JuevesDeArquitectura?

Para mí es positiva. Pienso que enseñar proyectos diferentes y de calidad, aunque sea de una manera muy ingenua con dos o tres fotos y algún plano, sirve para generar interés en quienes este tipo de arte ha sido siempre un gran desconocido. Evidentemente los procesos son mucho más complejos y aunque hayan tenido que enfrentarse a una serie de variables previas como ubicación, programa o materialidad, la visualización de la obra terminada puede incitar que se busque más información sobre el mismo.

¿Cómo evolucionarán #JuevesDeArquitectura?

No lo sé. Es muy complicado predecir el futuro y más en lo referente al mundo de la tecnología.

Twitter es una red social que puede haber desaparecido de aquí a dos años, o evolucionar y seguir mucho tiempo con nosotros. Depende de tantos factores que tiene que ser un quebradero de cabeza para sus propios creadores.

A mí lo que me interesa es el concepto. La capacidad de difundir arquitectura de una manera amena a quienes no la llegan a comprender o incluso conseguir conectar gente con los mismos intereses dentro del sector. Y en ese sentido sí que puede decirse que ha funcionado con creces.

Luis Lope de Toledo
Luis Lope de Toledo
La arquitectura, tiene abiertos muchos frentes de batalla (LSP, Bolonia, paro, precariedad laboral, COAs, ETSAs, emigración, comunicación, etc), ¿no serán demasiados para la polarización existente dentro de la misma?

El principal problema es que nos estamos cargando la arquitectura los propios arquitectos. Eso engloba muchas acciones, desde no saber defender nuestros derechos hasta aceptar cualquier trabajo por cuatro duros, porque no tenemos otra cosa mejor que hacer. Una profesión técnica que acarrea tantas responsabilidades civiles debería verse recompensada de cierta manera, y da la sensación de que a medida que pasan los años, retrocedemos en todos estos aspectos.

¿Cómo ve el futuro de la arquitectura? ¿Y el de la profesión?

Me gusta pensar que la arquitectura debe pertenecer a los que más la necesitan. Esto significa trabajar en lugares devastados por catástrofes, en poblaciones donde sus habitantes han perdido su vivienda y tampoco tienen dónde ir. También significa buscar nuevos métodos de financiación o atender a modelos de crecimiento impulsados por micro acciones dentro del tejido social y económico de la población afectada, lo que implica una colaboración directa de la arquitectura con otras disciplinas.

Parece que la tendencia de estos últimos años es la de premiar el trabajo de los arquitectos que han dedicado gran parte de su tiempo en este tipo de acciones colaborativas, renunciando a elevados honorarios con tal de aportar su pequeño grano de arena a regiones que necesitan de su trabajo y no se pueden permitir pagarlo.

Tras su experiencia propia, ¿qué opina de los que se han ido a trabajar al extranjero?

Salir de tu país es absolutamente recomendable.

No solo te sirve para aprender de otra cultura, conocer gente o salir de tu zona de confort. También es necesario para ver las cosas con otra perspectiva y apreciar lo que tenemos aquí. Trabajar en el extranjero te ayuda a desenvolverte en un ambiente que no es el tuyo y a adaptarte a todos los inconvenientes con los que no contabas en un principio.

Y lo más importante de todo, te sirve para conocerte a ti mismo y descubrir que eres una persona diferente que nunca habías imaginado.

Luis Lope de Toledo
Luis Lope de Toledo
¿Qué opina de los arquitectos que emprenden en nuevos campos?

Fredy Masad lo explica muy bien. Las circunstancias actuales no permiten el mismo desarrollo de la profesión que existía hace 15 años, pero las dificultades debemos transformarlas en oportunidades. Tenemos un perfil muy polivalente y existen ramas (muchas de ellas incluso sin desarrollar) en las que con otro enfoque y cierta reconversión nos acogerían con los brazos abiertos. Cada vez es más frecuente encontrar arquitectos dedicados al cine, la programación de videojuegos o el mundo online…

¿Por qué marcarse límites?

¿Está contento con su trayectoria profesional? ¿Qué proyectos de futuro le esperan?

Esta pregunta tendría que responderla dentro de veinte años. Ahora mismo acabo de salir del cascarón, y todavía me queda muchísimo por delante para echar a volar. Es necesario terminar la carrera con muchas ganas, sobretodo de aprender de todo lo que te rodea.

Tengo un proyecto personal en mente para el que me estoy preparando, ya que requiere cierto dominio de una técnica que no controlo lo suficiente y creo que puede funcionar. Está relacionado con esa idea que tengo de hacer llegar la arquitectura a un mayor público, siguiendo la línea del #JuevesDeArquitectura. Mi plan es darle lanzamiento a lo largo de este año, aunque todavía haya muchas dudas en mi cabeza que espero ir resolviendo cuanto antes. Prometo manteneros informados.

Para acabar, ¿qué le aconsejaría a los actuales estudiantes y futuros profesionales de arquitectura?

Lo primero de todo, que disfruten la carrera.

Existe una tendencia generalizada a pensar que ya se disfrutará una vez se tenga el título, y me parece un error. La universidad es un periodo perfecto para conocerse a uno mismo, explorar tus habilidades y descubrir hacia dónde quieres enfocar tu trayectoria profesional. Es cierto que con tanta entrega, examen y práctica no queda tiempo para nada más, pero quizás sea necesario replantearse de alguna manera la formación que recibimos.

Y por último, que se dediquen a lo que más les llene. Nuestra profesión pasa por un reciclaje casi obligado, desde las instituciones hasta los métodos de enseñanza; que parecen anclados en una sociedad de hace cien años y han evolucionado muy poco o nada.

Luis Lope de Toledo
Luis Lope de Toledo

Luis Lope de Toledo · #JuevesDeArquitectura
Enero 2017

Entrevista realizada por Ana Barreiro Blanco y Alberto Alonso Oro. Agradecer a Luis su tiempo y predisposición con este pequeño espacio.

 

[:es]Reforma de la nueva sede para la escuela de diseño EASD-DEIÀ | ZFA Architecture & Urban Lab[:gl]Reforma da nova sede para a escola de deseño EASD-DEIÀ | ZFA Architecture & Urban Lab[:en]Reform of the new headquarters for the school of design EASD-DEIÀ | ZFA Architecture and Urban Lab [:]

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[:es]Reforma de la nueva sede para la escuela de diseño EASD-DEIÀ | ZFA Architecture & Urban Lab[:gl]Reforma da nova sede para a escola de deseño EASD-DEIÀ | ZFA Architecture & Urban Lab[:en]Reform of the new headquarters for the school of design EASD-DEIÀ | ZFA Architecture and Urban Lab [:]

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Nuestro trabajo consistió en mejorar la envolvente del edificio (fachadas y cubiertas) para conseguir más eficiencia y mejor estética a un inmueble de uso educativo que había quedado funcionalmente obsoleto. Desde el principio nos planteamos nuestra intervención como UNA SEGUNDA OPORTUNIDAD que la arquitectura puede brindar a los edificios en el marco de una operación de reforma integral.

Como punto de partida el proyecto tiene como objeto la reparación de fachadas y cubiertas y la substitución de las carpinterías exteriores. Sin embargo la diagnosis previa al desarrollo del proyecto ejecutivo desveló serias deficiencias constructivas que afectaban al aislamiento térmico de la fachada y a la integridad de los mecanismos y sistemas de las persianas enrollables. Esta situación supuso un cambio de rumbo en la línea de actuación prevista por el Consorci d’Educació de Barcelona que llevó al proyecto a considerar la necesidad de dotar de una nueva piel al edificio, que resolviera las deficiencias detectadas y dotara al inmueble de una mayor solvencia energética y de una renovada imagen.

La nueva actuación arquitectónica se llevó a cabo incorporando exteriormente a la fachada un grueso añadido que contiene, a la vez, el aislamiento necesario y el nuevo revestimiento. Para una mejor logística de la obra, y recuperando la experiencia de este estudio en proyectos similares, se opta por trabajar con chapas metálicas plegadas (tipo Europerfil) como nueva piel e imagen. A la vez se considera que este nuevo revestimiento, en su versión microperforada, puede colaborar en el control solar de las grandes aberturas a las aulas. Precisamente esta gran dimensión de los ventanales invita a una solución en forma de “pliegues” que aporta dinamismo a la composición final.

Obra: Reforma integral de envolventes (fachadas y cubiertas) de edificio con uso educativo
Cliente: Consorci d’Educació de Barcelona
Autor: ZFA Architecture & Urban Lab (Juan Manuel Zaguirre Fernández)
Arquitecto Técnico: David Salsench Fernández
Becarios colaboradores: Igor Muñoz, Isaac Gallego
Año de proyecto: 2015
Año de construcción: 2016
PEC: 636.500 €
Empresa constructora: Tarraco empresa constructora, S.A.
Fotógrafo: Pepo Segura
+ zfa.cat

[:gl]

zfa_deia-design-school_02_estado-inical

O noso traballo consistiu en mellorar a envolvente do edificio (fachadas e cubertas) para conseguir máis eficiencia e mellor estética a un inmoble de uso educativo que quedara funcionalmente obsoleto. Desde o principio expómonos a nosa intervención como UNHA SEGUNDA OPORTUNIDADE que a arquitectura pode brindar aos edificios no marco dunha operación de reforma integral.

Como punto de partida o proxecto ten como obxecto a reparación de fachadas e cubertas e a substitución das carpinterías exteriores. Con todo a diagnose previa ao desenvolvemento do proxecto executivo desvelou serias deficiencias construtivas que afectaban o illamento térmico da fachada e á integridade dos mecanismos e sistemas das persianas enrollables. Esta situación supuxo un cambio de rumbo na liña de actuación prevista polo Consorci d’Educació de Barcelona que levou ao proxecto para considerar a necesidade de dotar dunha nova pel ao edificio, que resolvese as deficiencias detectadas e dotase ao inmoble dunha maior solvencia enerxética e dunha renovada imaxe.

A nova actuación arquitectónica levou a cabo incorporando exteriormente á fachada un groso engadido que contén, á vez, o illamento necesario e o novo revestimento. Para unha mellor loxística da obra, e recuperando a experiencia deste estudo en proxectos similares, óptase por traballar con chapas metálicas encartadas (tipo Europerfil) como nova pel e imaxe. Á vez considérase que este novo revestimento, na súa versión microperforada, pode colaborar no control solar das grandes aberturas ás aulas. Precisamente esta gran dimensión das ventás convida a unha solución en forma de “pliegues” que achega dinamismo á composición final.

Obra: Reforma integral de envolventes (fachadas e cubertas) de edificio con uso educativo
Cliente: Consorci d’Educació de Barcelona
Autor: ZFA Architecture & Urban Lab (Juan Manuel Zaguirre Fernández)
Arquitecto Técnico: David Salsench Fernández
Becarios colaboradores: Igor Muñoz, Isaac Gallego
Ano de proxecto: 2015
Ano de construcción: 2016
PEC: 636.500 €
Empresa constructora: Tarraco empresa constructora, S.A.
Fotógrafo: Pepo Segura
+ zfa.cat

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Our work consisted of improving the surrounding one of the building (fronts and covers) to obtain more efficiency and better aesthetics to a building of educational use that had remained functionally obsolete. From the beginning we appear our intervention as THE SECOND OPPORTUNITY that the architecture can offer to the buildings in the frame of an operation of integral reform.

Since point of item the project takes as an object the repair of fronts and covers and the substitution of the exterior carpentries. Nevertheless the diagnostics before the development of the executive project revealed serious constructive deficiencies that were concerning the thermal isolation of the front and the integrity of the mechanisms and systems of the blinds enrollables. This situation supposed a change of course in the line of action foreseen by the Consorci d’Educació de Barcelona who led to the project to considering the need to provide with a new skin to the building, which was solving detected deficiencies and was providing to the building of a major energetic solvency and of a renewed image.

The new architectural action was carried out incorporating externally into the front an added thickness that contains, simultaneously, the necessary isolation and the new coating. For a better logistics of the work, and recovering the experience of this study in similar projects, one chooses to work with metallic sheets folded (type Europrofile) as new skin and image. Simultaneously it thinks that this new coating, in his microperforated version, can collaborate in the solar control of the big openings for the classrooms. Precisely this great dimension of the large windows invites to a solution in the shape of “folds” that dynamism contributes to the final composition.

Work: Integral reform of surrounding (fronts and covers) of building with educational use
Client: Consorci d’Educació de Barcelona
Author: ZFA Architecture & Urban Lab (Juan Manuel Zaguirre Fernández)
Technical architect: David Salsench Fernández
Scholars collaborators: Igor Muñoz, Isaac Gallego
Project year: 2015
Year of construction: 2016
PEC: 636.500 €
Construction company: Tarraco empresa constructora, S.A.
Photography: Pepo Segura
+ zfa.cat

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Canva

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Canva

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canva-logo

La idea de Canva surgió cuando Melanie Perkins daba clases de programas de diseño gráfico en la universidad y se dio cuenta de que los estudiantes tenían dificultades para aprender lo básico. Junto con Cliff Obrecht, cofundador de Canva, Melanie creó Fusion Books, una herramienta de diseño en línea que ayudaba a estudiantes y docentes a crear sus propios anuarios. Rápidamente se percataron de que la tecnología que habían desarrollado se podía emplear en un entorno mucho más amplio. Y tras una búsqueda laboriosa, crearon Canva junto a Cameron Adams, cofundador tecnológico.

«Canva no es magia, no te convertirá de un día a otro en diseñador gráfico, ni tampoco pretende reemplazar el trabajo de estos. Canva es simplemente una alternativa de software para la creación de elementos visuales, con una curva de aprendizaje muy baja y que pone al alcance de cualquier usuario con pocos conocimientos, el poder de dar vida a sus ideas con una mano amigable guiándole durante todo el proceso».

Gabriela González

https://youtu.be/P2n735t4eXI

Canva es una herramienta web, así que puede ser usada por cualquiera con un navegador, desde cualquier dispositivo. El servicio es gratuito y aunque deberás registrarte para poder acceder.

Canva ofrece una enorme librería de fotografías, ilustraciones, elementos web, tipografías, paletas de colores, y todo tipo de recursos de diseño que puedas imaginar para usar en tus proyectos.

Canva cuenta con un gran equipo de diseñadores, desarrolladores, artistas, profesionales de marketing, inversores y asesores. Todos provienen de lugares inesperados: unos dejaron sus trabajos; otros, sus propias startups, y algunos incluso acortaron sus viajes por el mundo para sumarse al equipo.

Si quieres aprender todo sobre Canva y como usarlo, el sitio pone a la disposición de sus usuarios una serie de vídeo tutoriales bastante completos.

Canva es una alternativa interesante a las complejas herramientas profesionales tradicionales, como Photoshop o Illustrator, sin duda debes experimentar con este nueva opción.

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canva-logo

A idea de Canva xurdiu cando Melanie Perkins daba clases de programas de deseño gráfico na universidade e deuse conta de que os estudantes tiñan dificultades para aprender o básico. Xunto con Cliff Obrecht, cofundador de Canva, Melanie creou Fusion Books, unha ferramenta de deseño en liña que axudaba a estudantes e docentes a crear os seus propios anuarios. Rapidamente decatáronse de que a tecnoloxía que desenvolveran podíase empregar nunha contorna moito máis ampla. E tras unha procura laboriosa, crearon Canva xunto a Cameron Adams, cofundador tecnolóxico.

«Canva non é maxia, non che converterá dun día a outro en deseñador gráfico, nin tampouco pretende substituír o traballo destes. Canva é simplemente unha alternativa de software para a creación de elementos visuais, cunha curva de aprendizaxe moi baixa e que pon ao alcance de calquera usuario con poucos coñecementos, o poder de dar vida ás súas ideas cunha man amigable guiándolle durante todo o proceso».

Gabriela González

https://youtu.be/P2n735t4eXI

Canva é unha ferramenta web, así que pode ser usada por calquera cun navegador, desde calquera dispositivo. O servizo é gratuíto e aínda que deberás rexistrarche para poder acceder.

Canva ofrece unha enorme librería de fotografías, ilustracións, elementos web, tipografías, paletas de cores, e todo tipo de recursos de deseño que poidas imaxinar para usar nos teus proxectos.

Canva conta cun gran equipo de deseñadores, desarrolladores, artistas, profesionais de márketing, investidores e asesores. Todos proveñen de lugares inesperados: uns deixaron os seus traballos; outros, as súas propias startups, e algúns mesmo acurtaron as súas viaxes polo mundo para sumarse ao equipo.

Se queres aprender todo sobre Canva e como usalo, o sitio pon á disposición dos seus usuarios unha serie de vídeo tutoriales bastante completos.

Canva é unha alternativa interesante ás complexas ferramentas profesionais tradicionais, como Photoshop ou Illustrator, sen dúbida debes experimentar con esta nova opción.

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Canva‘s idea arose when Melanie Perkins was giving lessons of programs of graphical design in the university and realized that the students had difficulties to learn the basic thing. Together with Cliff Obrecht, co-founder of Canva, Melanie created Fusion Books, a tool of design on line that was helping students and teachers to create his own yearbooks. Rapidly they noticed that the technology that they had developed could use in a much more wide environment. And after a laborious search, they created Canva together with Cameron Adams, technological co-founder.

«Canva is not a magic, it will not turn you from one day to other one into graphical designer, neither it tries to replace the work of these. Canva is simply an alternative of software for the creation of visual elements, with a very low curve of learning and that it puts within reach of any user with few knowledge, the power to give life to his ideas with an amicable hand guiding him during the whole process».

Gabriela González

https://youtu.be/P2n735t4eXI

Canva is a web tool, so it can be used by anyone by a mariner, from any device. The service is free and though you will have to register to be able to accede.

Canva offers an enormous bookshop of photographies, illustrations, web elements, typographies, palettes of colors, and all kinds of resources of design that you could imagine to use in your projects.

Canva possesses a great equipment of designers, developers, artists, professionals of marketing, investors and advisers. They all come from unexpected places: some left his works; others, his own startups, and some of them even shortened his trips for the world to add to the equipment.

If you want to learn everything on Canva and as to use it, the site puts to the disposition of his users a series of video tutoriales complete enough.

Canva is an interesting alternative to the complex professional traditional tools, as Photoshop or Illustrator, undoubtedly you must experience with this one new option.

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La ciudad como hábitat | Miguel Ángel Díaz Camacho

Miguel Ángel Díaz Camacho
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La ciudad como hábitat | Miguel Ángel Díaz Camacho
Croquis: Le Corbusier, incluido en La Casa del Hombre.
Croquis: Le Corbusier, incluido en La Casa del Hombre.

La Ciudad se ha convertido progresivamente y quizá desde la Revolución Industrial, en una suerte de gran depredador sobre el medio. Su papel como agente dinamizador de la actividad económica y cultural del mundo, el progreso, ha configurado conurbaciones de consumo, mega-estructuras desconectadas de los ciclos de la naturaleza, la energía o los recursos. La Ciudad Genérica pesa demasiado para el Mundo: superficial, desestructurada, hiperdensa, polucionada, “supremamente inorgánica”1, la ciudad impermeable en la que el imaginario de un afuera natural se reduce al bucólico artificial de los lagos en el campo de golf, o la nieve industrial pulverizada sobre la pista de esquí.

Ha llegado el momento de pactar con la Naturaleza:

«cada época sueña con la siguiente».2

Para Le Corbusier la ciudad representaba la verdadera Casa del Hombre, entendida siempre desde una aproximación higienista y de recuperación de los placeres esenciales, es decir el sol, el aire, el agua, la vegetación, el paisaje:

“Hay que reconquistar los horizontes. Hay que volver a plantar árboles”.3

Fernando Higueras daba un paso más al convertir algunos de sus proyectos en edenes habitados por plantas y animales:

“Qué pena elogiar un nuevo tipo de cubierta porque ni un solo pájaro ha conseguido anidar en ella; aquí gorriones, mirlos, abubillas: un nido por vigueta. Murciélagos también. En vez de pradera norteña, tan adecuada en la meseta castellana, el bosque de espinos, dislate ayer para los técnicos paisajistas, hoy refugio para varias familias de gatos protectores”.4

Fracasadas las nuevas ciudades utópicas socialistas en Europa y posteriormente en Norteamérica, tanto como presentimos el destino fatal de la nueva y autosuficiente ciudad smart, el presente nos ofrece la posibilidad de repensar la ciudad existente desde su activación ambiental, biológica o ecosistémica. Al margen de discursos primitivistas surgidos desde una adulterada imagen pastoril de la naturaleza, la ciudad contemporánea precisa la recuperación urgente de la utopía; la reinvención de una nueva teoría de lo urbano desde la puesta en valor, también, de lo no humano; la ciudad como un paisaje capaz de recomponer la frágil belleza del mundo. La belleza de La Ciudad como Hábitat .5

Miguel Ángel Díaz Camacho. Doctor Arquitecto
Madrid. Febrero 2015.
Autor de Parráfos de arquitectura. #arquiParrafos

Notas:

1 Rem Koolhaas, La Ciudad Genérica, Barcelona, Gustavo Gili, 2008. Publicado originalmente en Domus, 791, marzo de 1997, con el título “The Generic City”. Se recomienda el artículo de José Fariña «Desmontando la Ciudad Genérica«.

2 Walter Benjamin, El libro de los Pasajes, Madrid, Akal, 2004.

3 Le Corbusier, La Casa del Hombre, Barcelona, Apóstrofe, 1999.

4 Fernando Higueras. Curiculum Vitae completo (1954-1984). Escritos sobre FH. Publicación: Fernando Higueras. Madrid, 1985.
5 La Asociación Sostenibilidad y Arquitectura -ASA- y ROCA organizan una serie de encuentros bajo el título La Ciudad como Hábitat, Madrid, febrero-julio 2015. Sirva esta breve introducción como anuncio y estímulo de las mismas.

Moneo, desde la idea de fachada | Marcelo Gardinetti

Marcelo Gardinetti
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Moneo, desde la idea de fachada | Marcelo Gardinetti
Moneo, desde la idea de fachada | ntuliberalarts.net
Moneo, desde la idea de fachada | Fotografía: ntuliberalarts.net

Incorporada a una trama determinante de la identidad local, la intervención de Rafael Moneo para el ayuntamiento de Murcia logra su consonancia contextual mediante la observancia del protagonismo de los edificios que componen el corazón histórico de la ciudad hasta alcanzar una complementación sin fracturas.

La operación de Moneo se focaliza en realzar las arquitecturas existentes, desarrollando un concepto que no pretende imponer la superioridad de un edificio sobre otro, sino que explora la relación entre ambos expresando un compromiso de concordancia tácita.

El nuevo edificio del Ayuntamiento ocupa un lugar clave en la Plaza Belluga. Se enfrenta a la Catedral de Murcia, un edificio diseñado por Jaime Bort y construido entre 1737 y 1764, que es portador de una fachada de exuberante carácter barroco articulada a la manera de un retablo con grandes columnas corintias para generar movimiento a través de las sombras. La catedral y el ayuntamiento representan el antiguo y el nuevo poder civil. Ambos ocupan extremos opuestos de una plaza que ofrece cuatro fachadas de diferente carácter.

Moneo, desde la idea de fachada | Fotografía: Michael Moran
Moneo, desde la idea de fachada | Fotografía: Michael Moran

Moneo propone un edificio virtualmente generado a partir de la idea de fachada, que se establece en función de la enmarcación visual de las arquitecturas existentes y la forma de relacionarse con el centro histórico, pero que también expresa la dignidad de la institución.1

Desde la plaza, el volumen se comprende como un estricto prisma regular que retrocede en su terreno para facilitar la conexión de las calles con la plaza. Pero no abre hacia ella, sino a un patio hundido que se encuentra en el lado derecho en un gesto que parece evitar entrar en competencia con la catedral.

La fachada precisa como ver la ciudad desde el edificio. Preserva una idea renovada de retablo pero establecida a modo de pantalla, para facilitar la contemplación de los hechos históricos enmarcados en la secuencia de vanos, mediando alegorías que hienden la historia de la arquitectura.

Moneo, desde la idea de fachada | Fotografía ntuliberalarts.net
Moneo, desde la idea de fachada | Fotografía: ntuliberalarts.net

El plano de fachada tiene el carácter de una muralla, un perfil favorecido por la textura sedimentaria y el color amarillo fósil de las piedras de Hellín. En su grafía asume un carácter clásico al adoptar el concepto tripartito de un basamento denso, un desarrollo articulado y un remate ligero.

Evitando una grafía abstracta, la prevalencia de la verticalidad se ve equilibrada por la progresión asimétrica de rectángulos de diferentes anchos entre de vigas de hormigón armado que enmarcan en la fachada una sucesión de bandas horizontales.

Estas perforaciones conceden una dinámica tensionada producida por la articulación de luces y sombras, en un ritmo que recuerda el carácter etéreo de las columnatas de los teatros romanos y al Danteum de Terragni.

Moneo, desde la idea de fachada | Fotografía: ntuliberalarts.net
Moneo, desde la idea de fachada | Fotografía: ntuliberalarts.net

El tamaño de las aberturas está concebido para teatralizar los monumentos históricos que tiene alrededor, mediante una rítmica rememora las ondulatories diseñadas por Le Corbusier y Xenakis en La Tourette.2

El balcón adopta un carácter determinante en la fachada. Símbolo del poder cívico, está ubicado a la misma altura que el piso principal del palacio del cardenal, y en su ventanal se ve reflejada la silueta de la catedral. Posteriormente, cuando recibe el encargo de repavimentar la plaza completa el trabajo contextual poniendo en un plano de igualdad la totalidad de los edificios de la plaza.3

Moneo pone atención en el espacio urbano sin obviar el carácter representativo de su edificio, para el que asume un rol de espectador que no opaca el protagonismo del resto de los edificios. Su trabajo se apuntala en los esquemas tradicionales del oficio arquitectónico, mediando un procedimiento distintivo que no entiende el contexto como un suceso consumado, sino como un acontecimiento que requiere una interpretación particular.

Moneo, desde la idea de fachada | Fotografía: ntuliberalarts.net
Moneo, desde la idea de fachada | Fotografía: ntuliberalarts.net

Marcelo Gardinetti. Arquitecto
La Plata, Argentina. diciembre 2015

Notas:

1. “Me gusta trabajar en ciudades con carácter propio, sin importar el tamaño. El Ayuntamiento de Murcia está virtualmente generado a partir de la idea de fachada. El diseño de una fachada hermosa es una tarea que más pone en prueba a un arquitecto …..Esta fachada necesitaba expresar la dignidad de la institución y de ahí disponer un balcón principal desde el que las autoridades se asomen a la plaza al mismo nivel que el balcón del palacio del cardenal”. Rafael Moneo, Elogio de la luz.

2. “En el piso inferior, la sala de seminarios tiene paños de vidrio en toda la superficie exterior, dividido por montantes verticales de hormigón que siguen una secuencia diseñada por Xenakis. Esta modulación que proviene del modulor y de ritmos musicales, en los paños fijos es denominada “ondulatories”, y en los móviles “aérateurs”. Marcelo Gardinetti, Los atributos de La Tourette.

2. “Diseñando el suelo recordé lo aprendido en las plazas de Italia; una buena Piazza es rara vez plana, evita siempre la horizontalidad estricta”. Rafael Moneo, Elogio de la luz.

[:es]El paisaje codificado en la arquitectura de Arne Jacobsen[:gl]A paisaxe codificada na arquitectura de Arne Jacobsen[:en]The landscape codified in Arne Jacobsen’s architecture[:]

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[:es]El paisaje codificado en la arquitectura de Arne Jacobsen[:gl]A paisaxe codificada na arquitectura de Arne Jacobsen[:en]The landscape codified in Arne Jacobsen’s architecture[:]

[:es]

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El paisaje codificado en la arquitectura de Arne Jacobsen

El paisaje codificado en la arquitectura de Arne Jacobsen

Sus escasas declaraciones públicas o textos escritos exigen remitirse a los hechos en sí, sean éstos consumados en forma de edificio, objeto cotidiano, proyecto arquitectónico, diseño textil, dibujo, acuarela o fotografía.

Una mínima distancia separaba su estudio de arquitectura y su jardín doméstico, lugar donde solía entretenerse pintando, cultivando plantas y fotografiando escenas vegetales. Esa proximidad es la misma que hay entre las acuarelas o fotografías que allí preparaba y sus proyectos arquitectónicos.

Estudiar la obra de Arne Jacobsen exige cierta paciencia

La presente investigación se sitúa en esa posición intermedia donde se cruzan las múltiples formas que desarrolló Jacobsen para aprehender el universo visible y las posibilidades de imaginarlo.

A lo largo del libro El paisaje codificado en la arquitectura de Arne Jacobsen se muestran las huellas de ese intercambio para así facilitar la aproximación de su obra. Al descubrir esas claves paisajísticas que dan sentido a las ideas arquitectónicas de sus proyectos se pretende poner valor al paisaje como material muy fértil en manos del arquitecto moderno. Acaso es su vigencia la que hoy, agotados ya de tantos excesos visuales de rápido consumo en los medios especializados, podamos reivindicar para el ejercicio profesional contemporáneo.

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Rodrigo Almonacid Canseco

(Teruel, 1974) es licenciado en Arquitectura con Premio Extraordinario Fin de Carrera por la E.T.S. Arquitectura de la Universidad de Valladolid (1999), y doctor cum laude en Arquitectura por la tesis Arne Jacobsen: el paisaje codificado (2013).

Profesor Contratado Doctor del área de “Composición Arquitectónica” del Departamento de Teoría de la Arquitectura y Proyectos Arquitectónicos de la E.T.S.A. Valladolid, con docencia desde el curso 2004-05 en materias de Historia de la Arquitectura, Composición Arquitectónica, Arquitectura Contemporánea y Diseño Industrial. Profesor de postgrado en el “Máster en Investigación e Innovación en Arquitectura. Intervención en el Patrimonio, Rehabilitación y Regeneración” en dicho centro desde 2014-15.

Su investigación

se ha enfocado principalmente en cuestionar o revisar determinados lugares comunes relacionados directamente con el relato instaurado sobre la evolución de la Arquitectura Moderna, optando por aproximaciones tangenciales desde las siguientes líneas de investigación: análisis de la fundamentación teórica e historiográfica de la primera Modernidad y su relación con la Historia de la Arquitectura; puesta en valor de los vínculos de la arquitectura moderna con la evolución industrial y su aplicación tecnológica en la elaboración de nuevos modelos (glassbox, licharchitektur); análisis de los fundamentos teóricos y artísticos en la construcción del relato visual gráfico y fotográfico a partir de los experimentos de las vanguardias artísticas; discusión acerca de las formas de divulgación de la arquitectura moderna en medios especializados y su alineación con las estrategias de marketing y publicidad en la posguerra.

En el ámbito nacional español, las investigaciones se han centrado en indagar sobre determinados períodos de transición desde el origen hasta la consolidación de la Modernidad en España, considerando estas líneas de trabajo: el advenimiento de las vanguardias a finales de los años 20 a territorio español, las vías de importación de modelos foráneos modernos, el debate sobre su aceptación y rechazo en los años 30 y 40, y las alternativas abiertas en la autarquía franquista como tránsito complejo hacia la arquitectura moderna en la posguerra española en los años 50 y 60.

La vinculación de estas líneas de investigación con fenómenos tecnológicos, artísticos, urbanísticos, culturales y patrimoniales permiten ir perfilando ciertos relatos de la arquitectura moderna y contemporánea con una visión integral que facilite la comprensión de los hechos, trascendiendo al mero ámbito disciplinar de la Teoría de la Arquitectura en el que el autor se halla enmarcado.

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Estudar a obra de Arne Jacobsen esixe certa paciencia. As súas escasas declaracións públicas ou textos escritos esixen remitirse aos feitos en si, sexan estes consumados en forma de edificio, obxecto cotián, proxecto arquitectónico, deseño téxtil, debuxo, acuarela ou fotografía.

Unha mínima distancia separaba o seu estudo de arquitectura e o seu xardín doméstico, lugar onde adoitaba entreterse pintando, cultivando plantas e fotografando escenas vexetais. Esa proximidade é a mesma que hai entre as acuarelas ou fotografías que alí preparaba e os seus proxectos arquitectónicos.

A presente investigación sitúase nesa posición intermedia onde se cruzan as múltiples formas que desenvolveu Jacobsen para aprehender o universo visible e as posibilidades de imaxinalo. Ao longo do libro móstranse as pegadas dese intercambio para así facilitar a aproximación da súa obra. Ao descubrir esas claves paisaxísticas que dan sentido ás ideas arquitectónicas dos seus proxectos preténdese poñer valor á paisaxe como material moi fértil en mans do arquitecto moderno. Seica é a súa vixencia a que hoxe, esgotados xa de tantos excesos visuais de rápido consumo nos medios especializados, podamos reivindicar para o exercicio profesional contemporáneo.

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[:en]

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To study Arne Jacobsen’s work demands certain patience. His scanty public declarations or written texts demand to be sent to the facts in yes, be perfect these in the shape of building, daily object, architectural project, textile design, drawing, water-color or photography.

A minimal distance was separating his study of architecture and his domestic garden, place where it was in the habit of amusing doing, cultivating plants and photographing vegetable scenes. This proximity is the same that exists between the water-colors or photographies that there it was preparing and his architectural projects.

The present investigation places in this intermediate position where there cross the multiple forms that Jacobsen developed to apprehend the visible universe and the possibilities of imagining it. Along the book there appear the fingerprints of this exchange this way to facilitate the approximation of his work. On having discovered these landscape keys that give sense to the architectural ideas of his projects value is tried to put to the landscape as very fertile material in hands of the modern architect. Perhaps it is his force the one that today, exhausted already of so many visual excesses of rapid consumption in the specialized means, we could claim for the professional contemporary exercise.

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[:es]Residencia de Mayores de Aldeamayor de San Martín | contextos de arquitectura y urbanismo[:gl]Residencia de Maiores de Aldeamayor de San Martín | contextos de arquitectura e urbanismo[:en]The housing for the elderly in Adeamayor de San Martin | contextos de arquitectura y urbanismo[:]

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[:es]Residencia de Mayores de Aldeamayor de San Martín | contextos de arquitectura y urbanismo[:gl]Residencia de Maiores de Aldeamayor de San Martín | contextos de arquitectura e urbanismo[:en]The housing for the elderly in Adeamayor de San Martin | contextos de arquitectura y urbanismo[:]

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La Residencia de Mayores de Aldeamayor de San Martín (Valladolid) no se puede entender sin su contexto.  Ubicada en la zona limítrofe de un criptohumedal salino (Salgüeros de Aldeamayor) la aridez del terreno y la infinita horizontalidad de la explanada agrícola castellana – salpicada por pequeñas masas de pinares – domina el paisaje, condicionando la implantación de cualquier estructura o artefacto.

A su vez, nuestros planteamientos estaban sujetados por ideas insistentes: conferir a nuestros mayores entornos amables, que fomentasen el contacto con la naturaleza, el sol, pero también que permitiesen la relación próxima;  de esa vecindad de sillas en la puerta de casa que tanto conocemos en el medio rural castellano.

Sobre esa llanura de aridez del paisaje castellano hemos dejado posar un edificio a base de bloques de hormigón blanco aparejados de manera estriada, marcando una intensa pero sutil frontera con el terreno.

El exterior es abstracto y duro, como el entorno. Un barrera aparentemente infranqueable, un cascarón, para proteger el interior que se torna amable, cálido y complejo. La severa geometría exterior contrasta con la complejidad interior. Las habitaciones se generan como pequeñas células que se aglutinan de forma orgánica en torno ese patio creando zonas intersticiales y de relación, tanto hacia el propio patio como al interior donde el deambulatorio perimetral que supone el pasillo se convierte en un lugar rico en matices y espacios a la manera de un pequeño pueblo donde sus habitantes puede hablar a la puerta de sus habitaciones-casas huyendo así de la clásica configuración de este tipo de centros más parecida a lúgubres hospitales que a edificios agradables y acogedores.

Queríamos lugares que permitiesen la relación próxima;  de esa vecindad de sillas en la puerta de casa que tanto conocemos en el medio rural.  Más que una residencia, el proyecto pretende la búsqueda de un hogar, por lo que los factores psicológicos tenían que ser esenciales en el planteamiento del proyecto.

 Estas células habitacionales configuran los recorridos internos del edificio y conviven con las zonas comunes: sala de actividades, gimnasio, comedor, consultas médicas y la gran sala donde se ha pretendido una cuidada espacialidad  iluminación natural a fin de crear un ambiente plácido y seductor.

Toda la obra se ha regido por el uso de materiales sencillos y de coste contenido, sin alardes de geometría, espacialidad, luz y un cuidado tratamiento cromático y de texturas a fin de conseguir un interior cálido y acogedor protegido por un límite abstracto y rítmico al exterior.

Obra: Residencia de Mayores de Aldeamayor de San Martín
Emplazamiento: Avenida de las Navas s/n. Urb. Aldeamayor Golf. Aldeamayor de San Martín, Valladolid; España
Autores: contextos de arquitectura y urbanismo (Óscar Miguel Ares Álvarez – Bárbara Arranz)
Colaboradores: Bárbara Arranz González, Jesús J. Ruiz Alonso, Dorota Tokarska
Año: 2014-2016
Superficie: 1980m2
Fotografía: Jesús J. Ruiz Alonso | Pedro Iván Ramos Martín
+ contextosdearquitectura.com

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A Residencia de Maiores de Aldeamayor de San Martín (Valladolid) non se pode entender sen o seu contexto. Situada na zona limítrofe dun criptohumedal salino (Salgüeros de Aldeamayor) a aridez do terreo e a infinita horizontalidad da chaira agrícola castelá –salpicada por pequenas masas de piñeirais– domina a paisaxe, condicionando a implantación de calquera estrutura ou artefacto.

Á súa vez, as nosas formulacións estaban suxeitados por ideas insistentes: conferir ás nosas maiores contornas amables, que fomentasen o contacto coa natureza, o sol, pero tamén que permitisen a relación próxima; desa veciñanza de cadeiras na porta de casa que tanto coñecemos no medio rural castelán.

Sobre esa chaira de aridez do paisaxe castelán deixamos pousar un edificio a base de bloques de formigón branco aparellados de maneira estriada, marcando un intensa pero sutil fronteira co terreo.

O exterior é abstracto e duro, como a contorna. Unha barreira aparentemente infranqueable, un cascarón, para protexer o interior que se torna amable, cálido e complexo. A severa xeometría exterior contrasta coa complexidade interior. As habitacións xéranse como pequenas células que se aglutinan de forma orgánica en torno ese patio creando zonas intersticiales e de relación, tanto cara ao propio patio como ao interior onde o deambulatorio perimetral que supón o corredor convértese nun lugar rico en matices e espazos á maneira dun pequeno pobo onde os seus habitantes pode falar á porta das súas habitacións-casas fuxindo así da clásica configuración deste tipo de centros máis parecida a lúgubres hospitais que a edificios agradables e acolledores.

Queriamos lugares que permitisen a relación próxima; desa veciñanza de cadeiras na porta de casa que tanto coñecemos no medio rural. Máis que unha residencia, o proxecto pretende a procura dun fogar, polo que os factores psicolóxicos tiñan que ser esenciais na formulación do proxecto.

Estas células habitacionales configuran os percorridos internos do edificio e conviven coas zonas comúns: sala de actividades, ximnasio, comedor, consultas médicas e a gran sala onde se pretendeu unha coidada espacialidad iluminación natural a fin de crear un ambiente plácido e sedutor.

Toda a obra rexeuse polo uso de materiais sinxelos e de custo contido, sen alardes de xeometría, espacialidad, luz e un coidado tratamento cromático e de texturas a fin de conseguir un interior cálido e acolledor protexido por un límite abstracto e rítmico ao exterior.

Obra: Residencia de Maiores de Aldeamayor de San Martín
Emprazamento: Avenida de las Navas s/n. Urb. Aldeamayor Golf. Aldeamayor de San Martín, Valladolid; España
Autores: contextos de arquitectura y urbanismo (Óscar Miguel Ares Álvarez – Bárbara Arranz)
Colaboradores: Bárbara Arranz González, Jesús J. Ruiz Alonso, Dorota Tokarska
Ano: 2014-2016
Superficie: 1980m2
Fotografía: Jesús J. Ruiz Alonso | Pedro Ivan Ramos Martín
+ contextosdearquitectura.com

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The housing for the elderly in Adeamayor de San Martin (Valladolid) can not be understood without its context. Located on the border of a saline hidden wetland (Salgüeros de Aldeamayor) the aridity of the terrain and the infinite horizontality of the Spanish agricultural esplanade – dotted with small masses of pine trees – dominates the landscape, conditioning the implementation of any structure or artifact.

In turn, our approaches were held by insistent ideas: provide our elderly with kind environment which promote to be in touch with nature, with the sun, but also enhancing the close relation between inhabitants of the building; the neighborly relations among chairs in the front door of the houses that are so recognizable in the rural areas of Castilla y León.

On the arid plain of the Castilla y León landscape we have placed a building formed by white concrete blocks paired in a striated way, marking an intense but subtle border with the ground.

The exterior is abstract and hard, as the environment. A seemingly insurmountable barrier, a shell to protect the interior that becomes kind, warm and complex. The external severe geometry contrasts with the inner complexity. The rooms are generated as small cells that clump together organically around the courtyard, creating interstitials and areas of relation, both to the courtyard itself as the interior. The perimeter corridor becomes a place rich in nuances and spaces in the manner of a small town where people can speak in front of the door of their room-houses fleeing the classic configuration of such centers more close to lugubrious hospitals than to kind and welcoming buildings.

We wanted places that would allow the close relationship between inhabitants; the neighborly relations among chairs in the front door of the houses that are so recognizable in the rural areas of Castilla y León. More than a residence, the project aims to search for be a real home, so that psychological factors had to be essential in the project approach.

These cells make up the internal connecting paths of the building and coexist with public areas: activity room, fitness room, medical consultations and the large room where has been to create a careful spatiality natural lighting to create a peaceful and seductive atmosphere.

The whole work has been governed by the use of simple and cost-effective materials, without fanfare. Geometry, spatiality, light and careful treatment color and textures to get a warm and cozy interior protected by an abstract and rhythmic limit to the exterior.

Work: The housing for the elderly in Adeamayor de San Martin
Lcoation: Avenida de las Navas s/n. Urb. Aldeamayor Golf. Aldeamayor de San Martín, Valladolid; Spain
Authors: contextos de arquitectura y urbanismo (Óscar Miguel Ares Álvarez – Bárbara Arranz)
Collaborators: Bárbara Arranz González, Jesús J. Ruiz Alonso, Dorota Tokarska
Year: 2014-2016
Area: 1980m2
Photography: Jesús J. Ruiz Alonso | Pedro Ivan Ramos Martín
+ contextosdearquitectura.com

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