El proyecto de piscina del Barco de Valdeorras proviene de un concurso realizado por la Dirección Xeral de Deportes de la Xunta de Galicia en 2006.
La parcela asignada para la edificación, residual, como es habitual en este tipo de equipamientos, se situaba en los límites del actual núcleo urbano en crecimiento, vecina de la estación de autobuses, de un almacén de artículos de construcción y alguna ruina. Al otro lado de la calle se construirán viviendas de ocho alturas.
La ausencia, como se intuye, de referencias cercanas merecedoras de atención genera dificultades para establecer relaciones con el entorno más próximo. La forma triangular de la parcela dada para encajar una piscina rectangular de dimensiones 12.50 x 25.00 m…
Decidimos fragmentar el programa en tres volúmenes para hacer posible el encaje.
1. El perímetro se dibujó como una secuencia de elementos prefabricados en los que los huecos verticales y profundos impiden encontrar un lugar, inexistente, al que mirar.
2. La secuenciación vertical ayuda al nadador a sentir el movimiento, al tiempo que se obtiene una visión siempre fragmentada del exterior, tanto en piscina como en las demás estancias.
3. Para resolver los recorridos se disponen gimnasio y sala de vaso a los extremos, mientras el acceso y los vestuarios se colocan en el centro. Todos los espacios cuentan con iluminación natural.
4. Se investiga la utilización de los denostados restos de cantera de pizarra de la zona, ayudando a la definición del “apoyo” del edificio, utilizando el desnivel de la rasante natural con relación al acceso, y haciendo que cada panel de fachada sea diferente a los demás. La paradoja de una técnica de repetición para conseguir muchos objetos y todos ellos diferentes.
5. Los paneles de hormigón prefabricado se colocan al revés, mostrándonos su cara habitualmente oculta, aquella que ha sido personalizada por la mano del hombre.
6. Los tonos cálidos de los acabados interiores utilizados permiten generar un ambiente amable al uso. Pocos son los colores, pues estos serán dados por el usuario. Los paneles de virutas de madera sobre la cota 2.20m. ayudarán al confort acústico.
7. Cada volumen y cada espacio ajusta su altura según su uso y condición.
Obra: Piscina del Barco de Valdeorras
Autores: Patricia Sabín + Enrique M. Blanco
Cliente: Xunta de Galicia
Empresa constructora: Antalsis SL
Emplazamiento: R/ Rio Galir, Barco de Valdeorras, Ourense, Galicia, España
Año: 2007-2010
Presupuesto de contrata: 1.987.966,72€ (957€/m2)
Superficie construida: 2083 m2
Colaboradores: Marcos Álvarez, Luis Álvarez, Alba Paz, arquitecto redacción, Rebeca Blanco, arquitecto técnico, Isabel Francos, ingeniería
Dirección de obra: F. Javier Fafian, arquitecto técnico
Fotografía: Héctor Santos-Díez | BISimages + sabin-blanco.com
La Fundación Barrié ofrece en su sede de A Coruña, desde el 18 de noviembre y hasta el 10 de abril de 2016, un nuevo proyecto cultural y educativo: la exposición MANUEL GALLEGO. Arquitectura 1969-2015, la primera retrospectiva del arquitecto gallego y Premio Nacional de Arquitectura (1997). La exposición, comisariada por el propio autor y diseñada por el arquitecto y fotógrafo Pablo G. Picard, es una producción propia de la Fundación Barrié, organizada en colaboración con el estudio de Manuel Gallego Jorreto.
La Fundación Barrié complementa este proyecto con la edición de una publicación y con un amplio programa educativo gratuito, para todos los públicos, en torno a la obra de Manuel Gallego con campamentos de Navidad, talleres para familias y escolares, visitas guiadas y un ciclo de conferencias.
La exposición se compone por una selección de proyectos construidos y propone crear un hilo argumental que permita desarrollar un discurso que facilite y provoque miradas diversas sobre la arquitectura, aproximándose así a su complejidad. Para ello se subrayan algunos de los argumentos conceptuales que fueron la base de estas arquitecturas: la idea y el contexto. La idea como soporte conceptual de la arquitectura, como argumento que ordena su materialidad, su construcción, su uso, su forma y su significado. Y el contexto, en su sentido más amplio, como el lugar físico donde se ubica la construcción, pero también como ese paisaje que es expresión de un orden sobre un territorio. Es decir se trata de mostrar las fuerzas exteriores e interiores que dominan el proyecto, desde lo que llamamos espíritu del lugar hasta la idea más abstracta que ordena y le da una intención a la arquitectura.
Para ello cada obra seleccionada define en la exposición un lugar propio que nos recuerda que la arquitectura es la creación de un lugar para usar y vivir. En ese espacio delimitado destaca un gran plano de situación como representación y expresión sintética del contexto de la obra (de su territorio), una serie de esquemas o dibujos originales que, junto a un breve texto, ayudan a precisar las fuerzas (ideas) que condicionan y forman esa determinada arquitectura. Acompañados a su vez de un puzzle de imágenes (12-15 por proyecto) que permiten ver la obra desde diferentes ángulos, mostrando aproximaciones de la materialidad y el lenguaje utilizado, y si acaso de una maqueta (más conceptual y expresiva de las ideas e intenciones perseguidas que representación realista), se ofrece al visitante una visión conjunta sobre el ambiente y el espacio propuesto en cada obra, al mismo tiempo que una reflexión sobre las relaciones complejas que la arquitectura establece entre ambos conceptos.
En términos generales la totalidad de los proyectos expuestos se organizan a través de dos grandes apartados temáticos: la Arquitectura de la vivienda y la Arquitectura de los espacios de uso colectivos. Coherente con un espacio expositivo dividido en dos plantas, y una cronología donde predomina un primer periodo de construcción de vivienda que da paso a una época posterior de mayor desarrollo de edificios públicos y equipamientos, en la planta -1 de menor tamaño se sitúan los proyectos residenciales más significativos (seis), coincidentes con los inicios de la carrera del autor, y en la planta -2, más amplia, se muestran aquellas intervenciones públicas (dieciséis) realizadas por el autor desde 1979 hasta la fecha.
Por último, en ese intento por entender cómo las formas y las arquitecturas han llegado a ser lo que son y el porqué de las fuerzas que las provocaron, en la totalidad de las salas se muestra en gran formato un conjunto de imágenes cuyo ambiente (luz) ayuda a establecer relaciones entre las diferentes obras, así como crear el clima conjunto para orientarse en el espacio expositivo.
Presentes las obras más representativas del autor, como son la vivienda unifamiliar de Corrubedo (1970) o en O Carballo (1979), los premiados Museo de Bellas Artes de A Coruña (1997) y Museo de las Peregrinaciones de Santiago de Compostela (2012), o los igualmente conocidos Complejo Presidencial de Galicia (2002) y Centro Cultural y Ayuntamiento de A Illa de Arousa (2005-2008), la retrospectiva se acompaña de otros proyectos menos conocidos pero igualmente brillantes como son: la Lonja de Lira (2008), el Centro Cultural en Ourense (2009) o el Museo del Papel de Carballiño (2004).
Con un total de 22 proyectos, 16 de ellos con su respectiva maqueta, junto a una amplia información gráfica y fotográfica y un breve texto explicativo. La totalidad del espacio expositivo aúna un total de 24 planos de gran formato, redibujados la mayoría para la ocasión, más de 400 fotografías organizadas en diferentes polidípticos por proyecto, y 16 fotos de gran tamaño. El conjunto irá acompañado por la proyección de dos vídeos sobre el autor: Polo territorio de la arquitectura con Manuel Gallego, producido por la TVG (2006), y el de más reciente producción Maestros de la Arquitectura, Fundación Arquia (2015).
MANUEL GALLEGO. Arquitectura 1969-2015
Inauguración:18 noviembre 2015
Clausura: 10 abril de 2016
Fundación Barrié. A Coruña, Galicia, España
Pabellón finlandés de la Expo de Bruselas de 1958, Reima Pietilä
El arquitecto finlandés Reima Pietilä, cuya mejor obra sea tal vez el Centro de Estudiantes Dipoli, de Espoo (del que hablaremos otro día), se dio a conocer por el pabellón finlandés de la Expo de Bruselas de 1958. (Buena exposición. Recordad que ya hablamos del pabellón español. Pero hay otros cuantos muy interesantes, de los que tal vez merezca la pena hablar en otras ocasiones. Ya veremos).
En principio este pabellón de juventud no prefigura la obra de madurez (de muy pocos años después). ¿O sí? No lo sé. Pero se me hace algo más sencillo de entender y, tal vez, de explicar (o de explicármelo a mí mismo).
Pietilä ganó el concurso del pabellón en 1957, cuatro años después de haber obtenido el título de arquitecto, y aún muy influido por la escuela. Allí le habían hecho trabajar sobre las teorías de Theo van Doesburg, y le habían hecho reflexionar sobre la modulación y sobre la plasticidad del ángulo recto.
En su pabellón utilizó una modulación férrea, pero no esclavizadora. Es decir, aprovechó las ventajas de la modulación para controlar las formas y la estructura, pero no cayó en la rigidez, sino que supo configurar un espacio expresivo y fluido.
Manifestó que había querido hacer una arquitectura natural e intelectual a la vez, y eso, en cierto modo, caracteriza toda su obra: Una especie de «racionalismo orgánico» o de «organicismo racional», lo que le emparenta con el gran patriarca Alvar Aalto.
También dice que quiere hacer una arquitectura «finlandesa». Uno no sabe qué quiere decir eso, pero ve madera y se imagina que algo tendrá que ver.
Maqueta del Pabellón finlandés de la Expo de Bruselas de 1958 | Exposición «Un desafío a la arquitectura moderna» en la sala de la fundación ICO
(No sé por qué, pero eso de utilizar la estructura modular, geométrica, sencilla, para crear un espacio natural, libre y expresivo, creo que se podría aplicar también al pabellón español. Y es que a lo mejor Corrales y Molezún también tienen algo de finlandeses).
El pabellón está formado por «gajos» paralelepipédicos escalonados, que por dentro generan un espacio único y continuo mientras que por fuera aparecen como un volumen fragmentado.
Pabellón finlandés de la Expo de Bruselas de 1958
La piel de madera es muy «cálida», «acogedora» y todo eso. Ya sabéis: finlandesa.
Y, sin embargo, aunque tengan expresiones distintas, el interior y el exterior no se contradicen.
Interior del pabellón finlandés de la Expo de Bruselas de 1958, Reima Pietilä | Fuente: Fundación ICO
El espacio interior es continuo porque se ha puesto un falso techo inclinado de madera, que convierte en continuidad y unidad lo que desde fuera aparece discontinuo y con cortes y saltos.
Este doble juego nos va a servir para estudiar a este arquitecto interesantísimo. El muy tuno organiza estructuras sistemáticas y muy rigurosas, que le permiten jugar con un espacio que a menudo parece contradecirlas; pero lo que ocurre en realidad es que su intelecto y su raciocinio le llevan a ponerse las cosas fáciles para poder jugar sin riesgo de naufragio.
Pabellón de Finlandia para la Exposición Internacional de Bruselas de 1958 (1956-58) | Fuente: lostonsite.wordpress.com
Pietilä sabe nadar y guardar la ropa.
Leo que este pabellón de Pietilä, entre tantos magníficos pabellones de aquella Expo, fue considerado el mejor. No sé por quién. No sé si fue una especie de título oficial. A mí, con todo, me gusta más el español. Creo que la genial idea de Corrales y Molezún resuelve de la manera más simple y más inteligente todas las solicitaciones y requerimientos. Este finlandés sí es más «vistoso».
Planta y alzado del Pabellón de Finlandia para la Exposición Internacional de Bruselas de 1958 (1956-58)
Pero no se trata de pelear ni de competir.
Quedémonos, primero, con el descubrimiento de un arquitecto muy importante pero que cada vez se conoce y aprecia menos. Quienes no lo conocierais aprovechad para buscar cosas suyas. Ya veréis cómo merece la pena.
Reima Pietilä con su esposa Raili, con quien hizo casi todas sus obras | Foto: MFA
José Ramón Hernández Correa · Doctor Arquitecto
Toledo · abril 2012 Autor del blog arquitectamoslocos?
Seguramente no puede decirse que todo ocurriera en la década de los 60, pero sí puede afirmarse que esta fue una década de grandes cambios, de grandes transformaciones sociales, cambios, que hoy podemos observar cómo están más vivos que nunca. Mirando hacia atrás, es fácil reconocer transformaciones significativas que tienen su origen en esos años y que llegan a nuestros días en plena actividad. Sin lugar a dudas, la década de los 60 representa una de las épocas de todo el siglo XX que de manera pacífica en general, los parámetros por los que el mundo se medía, sufren una convulsión capaz de poner patas arriba usos y costumbres, proyectos y anhelos de un mundo que abandona el proyecto moderno para adentrarse en otra época, quizás más confusa, quizás más abierta a interpretaciones, quizás más indefinida, pero sin duda más compleja, mucho más compleja.
Para entender cómo en este punto de la historia arranca un proceso de transformación que podríamos definir como el paso de una lógica del orden a una lógica de la complejidad, basta repasar someramente los acontecimientos de orden social, económico, cultural, tecnológico y político que irán transformando de manera radical nuestra sociedad y darnos cuenta como en cada acontecimiento implica un nuevo nivel de complejidad, cada transformación deja descrito un nuevo límite, como va tejiéndose una madeja más y más tupida de realidades relacionadas las una con las otras. Una característica de esta década es que se amplía enormemente el ámbito de lo posible, creando así unas nuevas reglas de juego.
El gran éxito que han obtenido los cambios ocurridos en los 60, la aparición de una conciencia de transformación y el enorme abanico de disciplinas afectadas por estos, hace pensar que de todo el siglo XX, es en esta década donde se produce la mayor concentración de transformaciones de fondo, impulsadas por una sociedad con una enorme necesidad de cambio, de evolución, de rotura de esquemas hacia una nueva liberación, unos nuevos ideales. Quisiera clarificar antes de seguir, que cuando hablamos de cambios, me refiero fundamentalmente a cambios profundos en la mentalidad de la sociedad y de los individuos, cambios que conllevarán la aparición de nuevas tecnologías, de nuevos órdenes políticos, de nuevos posicionamientos culturales, de nuevas estrategias económicas y nuevos perfiles sociales.
Evidentemente todas estas transformaciones no ocurren en una década, sino que se van desgranando durante años y años hasta nuestros días, se van decantando, van cogiendo forma a medida que la sociedad entera, en todos los puntos del planeta, va madurando. O dicho de otro modo, los cambios que década a década van sucediéndose desde entonces, tienen en gran medida su origen en la cadena de acontecimientos que arranca en la década de los años 60.
Existe en ese momento la confianza ciega de que una nueva sociedad era posible y necesaria, una energía imparable impulsaba a miles de personas a luchar intelectualmente la mayor de las veces, por una nueva sociedad que tan sólo 5 ó 10 años antes hubiera resultado difícil de creer. La atmósfera de las sociedades occidentales se volvió electrizante y un ímpetu desconocido se apoderó de muchísimos jóvenes y no tan jóvenes que movidos como por un resorte imaginario se levantaban cada mañana con el ánimo de cambiar la sociedad de cabo a rabo.
Una reflexión sobre las características de esas transformaciones, nos lleva a detectar que tienen en común tres vectores de cambio, en mayor o menor medida similares en sus comportamientos, es decir estos cambios se rigen por un patrón aplicable a cada una de las pequeñas revoluciones que conforman los revoltosos 60 y que la característica de estos patrones han favorecido el hecho de que los cambios ocurridos en los 60 hayan tenido una influencia definitiva en décadas posteriores.
Vector Velocidad
Los cambios se producen a una velocidad inusual, la propagación de los factores que estos cambios inducen son asumidos a un ritmo tan vertiginoso que impulsan a la sociedad a una tendencia natural a la pérdida de orden, a una cierta entropía. Por la novedad que estos cambios introducen y a su vez por su velocidad de propagación, los efectos que generan provocan una especie de aturdimiento y una clara sensación de desorden, de pérdida de referencias y paralelamente de manifestaciones de angustia o de explosiva creatividad en diversos ámbitos de la sociedad. Si un cambio ya supone una desestabilización poderosa de los cimientos sobre el que un sujeto se asienta, un cambio a gran velocidad provoca una auténtica sensación de cataclismo personal. En aquellos casos en que una persona se adhiere a la corriente de estos cambios, las dosis de entusiasmo y energía se multiplican de manera exponencial. En la década de los 60, aquellos que asumieron un rol en estos procesos de transformación, tenían una autoconfianza arrolladora, se sentían inmersos en una revolución de consecuencias enormes y se convertían en una máquina de generar ideas, acciones y adeptos.
Vector Escala
El ámbito territorial de estos cambios se hace global. Ya sea por implantación, como por reacción a estos cambios, estos nunca son de escala local sino que la profundidad de estas transformaciones se da en términos globales, a una escala planetaria. Por primera vez los cambios se difunden por todos los continentes, afectarán a millones de personas y en aquellos casos en los que se produce una reacción adversa a los cambios, generan un “ruido de fondo” en amplias capas de la sociedad que más pronto o más tarde acaban saliendo a la luz y desarrollando todo su potencial.
Igualmente la escala conceptual de estos cambios es enorme, no hay tabú que quede sin revisar, el armazón intelectual con el que están constituidas las nuevas ideas pone patas arriba todos los valores imperantes, desde la religión a la política, pasando por la sexualidad, los usos sociales, las costumbres más básicas, etc. Un infinito reguero de “verdades” asumidas, se pone en cuestión, se debaten y se combaten en distintos puntos del planeta.
Vector Transversal
Unido a la magnitud territorial de estos cambios, está asociada la transversalidad de los mismos. Los cambios y transformaciones son de amplio espectro. Ni las clases sociales poderosas, ni las clases más desfavorecidas quedarán inmunes a la profundidad y radicalidad de la transformación que los nuevos paradigmas generan. En todo caso la solidez de una nueva clase media se verá especial e irremediablemente afectada por estos vectores de transformación y a su vez esta clase media constituirá el objetivo de la aplicación de estos cambios. Sin embargo, quizás por primera vez en la historia, las transformaciones son de naturaleza “interclase”, diferentes estratos sociales se encuentran en la misma trinchera intelectual. Este aspecto hace que los cambios tengan mayor repercusión y transcendencia. El hermanamiento entre diferentes espectros sociales favorece enormemente la sensación de cambio global, de transformación radical y de advenimiento de una nueva realidad. Estudiantes y obreros, intelectuales y funcionarios, amas de casa e hijos de las clases acomodadas se encuentran y se mezclan en debates, manifestaciones y todo tipo de acciones de protesta.
The nature of changes has changed
«Constant change has been the backdrop to our lives. But the nature of changes has changed.»
Peter Buchanan empieza así de contundente un ensayo reciente publicado en TheArchitectural Review.1 Sin duda e marco conceptual del texto de Buchanan se sitúa en la profunda recesión global que estamos viviendo, entrados de lleno en la segunda década del siglo XXI. Pero una atenta lectura del texto de Buchanan no deja de dar la impresión de que el viejo dicho “de aquellos polvos vienen estos lodos” vuelve a cumplirse. La argumentación de Buchanan acaba con una acertada afirmación:
«The conceptual thinking still conforms to the paradigm of modernity. But as Einstein pointed out, a problem cannot be solved with the same level of thinking as created it.»
Es decir, ya va siendo hora que asumamos que para mirar hacia adelante deberíamos dejar de mirar por el retrovisor. La velocidad, la escala y la transversalidad de los cambios contemporáneos han mutado de naturaleza y ya no son una contraprogramación a la modernidad. Bien es cierto que el origen de todos los cambio lo podemos encontrar en la década de ruptura que supuso los años 60, pero también es cierto que la lógica evolutiva de estos cambios ha acabado por modificar su estructura profunda y urge replantear una respuesta veloz, escalable y transversal acorde con la magnitud de los cambios actuales de una forma totalmente liberada de la modernidad y también como no, de la tan cacareada postmodernidad.
Se impone un espíritu de superación de etapas precedentes para confrontarnos con valentía y una cierta dosis de optimismo militante a un fluir constante de transformaciones que hoy ya pueden empezar a ser explicados desde sí mismos, desde su consistencia y densidad, sin la necesidad de recorrer a culpabilizar una modernidad, hoy totalmente amortizada, ni a una postmodernidad totalmente superada por su propio sentido del sarcasmo.
Abramos bien los ojos, respiremos hondo y preparémonos para un viaje incesantemente exigente, indudablemente necesario y programáticamente liberador: el viaje de los cambios del cambio.
Para entender cómo en este punto de la historia arranca un proceso de transformación que podríamos definir como el paso de una lógica del orden a una lógica de la complejidad, basta repasar someramente los acontecimientos de orden social, económico, cultural, tecnológico y político que irán transformando de manera radical nuestra sociedad y darnos cuenta como en cada acontecimiento implica un nuevo nivel de complejidad, cada transformación deja descrito un nuevo límite, como va tejiéndose una madeja más y más tupida de realidades relacionadas las una con las otras.
Miquel Lacasta. Doctor arquitecto
Barcelona, mayo 2012
Notas:
1 BUCHANAN, Peter, The Big Rethink. Towards a Complete Architecture. The Architectural Review, Londres, Diciembre 2011.
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El Centro de Salud de Pontevedra se ubica en A Parda, un área de reciente expansión urbana en la periferia de la ciudad, en la que coexisten estructuras territoriales propias del ámbito rural con una ordenación de carácter urbano y tipología de ensanche. El edificio emerge en un amplio solar rodeado por las edificaciones del nuevo Conservatorio, bloques de viviendas y una serie de equipamientos en construcción.
En este contexto, la propuesta deseaba aportar un volumen neutro y aristado, de apariencia sólida, como contrapunto a la figuración rutinaria de los edificios de viviendas, y que aportase más serenidad que confusión al nuevo barrio. El recurso manejado para conseguir esta imagen consistió en el empleo prácticamente exclusivo de dos materiales en el plano exterior de la fachada: hormigón visto y chapa de aluminio microperforada. Esta conjunción – apoyada por la entonación cromática de ambos componentes – facilita la identificación unitaria de un sistema complejo, pues el nuevo edificio funciona como dos unidades en gran medida independientes: el Centro de Salud y el Área de Urgencias (PAC- Punto de Atención Continuada).
En contraposición a esta apariencia exterior monolítica, ambos recintos (Centro de Salud y PAC) se abren a sendos patios, que proponen transparencias y vistas interiores entre los respectivos ámbitos de espera. Un segundo plano de fachada, tras los paños de aluminio perforado, resuelve la relación de las consultas con el exterior a través de fachadas de vidrio coloreado que facilitan la identificación de las diferentes áreas.
Se pretendió enfatizar la horizontalidad del edificio frente a la componente predominantemente vertical de la edificación circundante, mediante la evidencia de la razón estructural del edificio, compuesto por la trabazón de elementos planos de hormigón armado.
Una de las funciones asignadas a las planchas microperforadas es la de arrojar sombra sobre las fachadas interiores de vidrio, para evitar la insolación directa y los excesos de temperatura que se derivarían del efecto invernadero, a la par que se produce una regulación térmica pasiva entre el control de la insolación y la ventilación de los espacios entre estos dos planos de fachada.
Los planos de fachada, cuya tersura responde con brillos y opacidades – dentro de la fría gama de grises que ofrecen el hormigón y el aluminio – a las diferentes condiciones de luz y clima a lo largo del día, se transfiguran al caer la tarde e iluminarse el Centro mientras entra en funcionamiento el Servicio de Urgencias, lo que permite descubrir la propuesta cromática del interior y dota de una condición más ligera al edificio, que pretende reconocerlo como espacio asistencial y de referencia urbana.
La organización funcional se resuelve distribuyendo los espacios funcionales y de consultas al exterior y vertiendo las zonas de relación y espera hacia los patios interiores, con desahogos visuales hacia la calle en los extremos finales de los recorridos. Se responde al programa establecido por el Servicio Gallego de Salud (Sergas).
Se ha buscado, en definitiva, proponer un espacio de calidad urbana y un Centro de Salud que responda a los criterios de eficiencia y economía, y resulte un lugar óptimo para el servicio tanto desde la perspectiva del trabajador como del usuario.
Obra: Centro de salud en A Parda
Autores: vier arquitectos slp (Antonio Raya de Blas, Cristóbal Crespo González, Santiago Sánchez Iglesias, Enrique Antelo Tudela)
Emplazamiento: A Parda, Pontevedra (España)
Año: 2005-2009
Colaboradores: Pablo Vilares Calvete, arquitecto, Cristina de Vera Juárez, arquitecta, Antonio Vagace Núñez, arquitecto,
Dirección de obra: vier arquitectos slp, Ana Belén Crespo Iribarne, arquitecta técnica
Contratista: DRAGADOS SA
Fotografía: Héctor Santos-Díez | BISimages + www.vier.es
Publicaciones
ATLAS OF 21st CENTURY ARCHITECTURE
Editores: PHAIDON PRESS, Londres, 2013. ISBN 978-0714848747
ARQUITASA es una Sociedad de Tasación HOMOLOGADA por el BANCO DE ESPAÑA, con 30 años de existencia e implantación en todo el territorio español y en varios países latinoamericanos.
ARQUITASA está integrada en el grupo empresarial AGIFI, (GIA, en Latinoamérica) junto a las empresas GINPROSA, INZAMAC, FUCTURA e ION, desarrollando, además de sus trabajos de valoración, tasación y avalúos, una labor de CAPACITACIÓN Y CERTIFICACIÓN de profesionales, asesoramiento a Administraciones Públicas y empresas privadas, elaboración de Informes Sectoriales, etc… ARQUITASA edita varias publicaciones periódicas, organiza Foros, Congresos y tiene una con considerable presencia e influencia en el mundo digital, con su web, blog y actividad en las redes sociales.
Dentro de su proceso de expansión, ARQUITASA precisa incorporar a su equipo profesional, tanto colaboradores externos, como colaboradores internos estables. Estos colaboradores deben tener experiencia general y específica en al menos dos campos concretos de los trece existentes en el ámbito de las valoraciones y conocer la nueva legislación. Además deberán estar certificados con los criterios de la NORMA ISO 17024, para lo que deberán cursar y superar el PROGRAMA DE FORMACIÓN que ARQUITASA ha desarrollado a tal efecto.
ARQUITASA ha diseñado y desarrollado el PROGRAMA DE FORMACIÓN “ENc_17024” para FORMAR, CAPACITAR Y CERTIFICAR profesionales, tanto, arquitectos, arquitectos técnicos, como ingenieros, economistas o abogados, además de a otros profesionales de sectores más específicos, como “expertos en arte” u otros. Todo ello con las nuevas exigencias del sector.
Los cursos de BILBAO van dirigidos, principalmente a ARQUITECTOS Y ARQUITECTOS TÉCNICOS, por tratarse, principalmente de formación en VALORACIONES INMOBILIARIAS, aunque pueden cursarlos otros profesionales.
ARQUITASA seleccionará TRES PROFESIONALES, por provincia, territorio o por cada millón de habitantes, entre los alumnos que tras cursar los TRES NIVELES del PROGRAMA DE FORMACIÓN, superen la “PRUEBA EVALUADORA FINAL” y obtengan la preceptiva CERTIFICACIÓN.
ES DECIR, SELECCIONARÁ A TRES PROFESIONALES EN BIZKAIA.
Estos TRES PROFESIONALES pasarán a integrarse en el “EQUIPO PROFESIONAL ESTABLE” de ARQUITASA. Con el resto de profesionales que logren la CERTIFICACIÓN, ARQUITASA establecerá una RELACIÓN DE COLABORACIÓN, tanto con ella, como con el resto de las empresas del GRUPO AGIFI, en el que está integrada ARQUITASA, en el ámbito de las valoraciones, pero también en los demás campos profesionales, relacionados con la ARQUITECTURA y la EDIFICACIÓN, en los que trabajan las empresas del grupo.
ARQUITASA impartirá el PROGRAMA DE FORMACIÓN “ENc_17024” en la ciudad de BILBAO con la colaboración de la Demarcación de Bizkaia del Colegio Oficial de Arquitectos Vasco Navarro, COAVN.
Ya están disponibles para la venta los tres ejemplares de la edición 2015 de la colección arquia/maestros, producida y editada por la Fundación Arquia consistente en las grabaciones (monografías audiovisuales) de entrevistas a arquitectos relevantes de la arquitectura contemporánea.
El objeto de la colección es que destacados maestros de la arquitectura transmitan su pensamiento, de viva voz, a generaciones futuras de arquitectos.
La colección arquia/maestros se inició en 2013 con la producción de las tres monografías audiovisuales dedicadas a los arquitectos: Oriol Bohigas i Guardiola (Barcelona, 1925), Rafael Moneo Vallés (Tudela, 1937) y Juan Navarro Baldeweg (Santander, 1939), correspondientes a la edición 2014.
A continuación, se presentan las monografías correspondientes a la edición arquia/maestros 2015:
arquia/maestros 4 ANTONIO FERNÁNDEZ ALBA Entrevistado por Luis Fernández Galiano Dirigido por Joan Úbeda, Arnau Monràs y David Ramos (realizador)
Es, además de arquitecto, intelectual crítico incardinado en su tiempo, del que ha sido testigo a través del arte y la palabra: tanto sus edificios como sus libros expresan con elocuencia lacónica su sensibilidad plástica y su compromiso cultural.
En la entrevista de Luis Fernández-Galiano, su biografía se recorre desde la Salamanca dorada de su infancia hasta el Madrid de sus años de formación, donde traba relación con el mundo del arte y donde al cabo establece su estudio profesional. Bajo el influjo sucesivo de los maestros orgánicos y del monumentalismo kahniano, amalgamados con la severidad de la arquitectura civil de Castilla, Alba levantó un puñado de obras de admirable madurez constructiva, del Convento del Rollo o el Carmelo de San José en Salamanca al Tanatorio de la M-30, que se prolongarán en años posteriores con numerosas intervenciones patrimoniales, como las realizadas en el salón del Prado madrileño, y ambiciosas realizaciones universitarias; todo ello en sintonía con un trayecto vital tan atento a la herencia del pasado como vocacionalmente entregado a la transmisión del conocimiento a través de su fértil enseñanza en la Escuela de Arquitectura de Madrid.
arquia/maestros 5 MANUEL GALLEGO Entrevistado por Luis Fernández Galiano Dirigido por Joan Úbeda, Arnau Monràs y David Ramos (realizador)
Es un arquitecto tan enraizado en su medio como sugiere su apellido, y ha sido en su Galicia natal donde ha levantado toda su obra, en un itinerario lento y silencioso, atento a la materia y refinado en sus detalles. Tras su etapa de formación en Madrid, donde fue discípulo del también gallego Alejandro de la Sota, abrió su estudio en La Coruña, haciendo compatible su dedicación al urbanismo como funcionario y profesor con la construcción de varias casas de ejemplar rigor y áspera poesía, que contribuyeron a renovar el lenguaje moderno con mimbres vernáculos.
En la entrevista realizada por Luis Fernández-Galiano, estos primeros compases, prologados por edificios tan mínimos y exactos como el Museo de Arte Sacro de La Coruña, sirven de umbral a los grandes proyectos realizados en el marco de la cristalización de las instituciones autonómicas, del Museo de Bellas Artes de La Coruña al Complejo Presidencial de Galicia o el Museo de las Peregrinaciones de Santiago, obras de ejemplar interpretación patrimonial y paisajística, y con las que el lenguaje depurado de Gallego ha inspirado a una generación de arquitectos.
arquia/maestros 6 RICARDO BOFILL Entrevistado por Luis Fernández Galiano Dirigido por Joan Úbeda, Arnau Monràs y David Ramos (realizador)
Desborda ampliamente la definición convencional de arquitecto, pero ha sido precisamente su personalidad poliédrica y polémica la que le ha hecho protagonista de muy diferentes episodios culturales, y la que le ha permitido realizar obras icónicas donde se ha cristalizado el talante político y social de nuestro tiempo.
Su itinerario fulgurante se recorre en la entrevista de Luis Fernández-Galiano, desde la influencia del ambiente familiar, la formación fuera de España y la creación del multidisciplinar Taller de Arquitectura en Barcelona, hasta las experiencias cosmopolitas de un creador que construye en todo el mundo, deteniéndose en hitos tan singulares como los experimentales Castillo de Kafka, Muralla Roja y Walden 7 —tres oníricas y utópicas realizaciones residenciales que han quedado como la mejor representación del espíritu del 68— y en obras tan difundidas como los grandes conjuntos de vivienda en Francia, de Les Arcades du Lac o Le Palais d’Abraxas hasta Antigone o Les Échelles du Baroque, cuya urbanidad clasicista los hizo genuinos manifiestos postmodernos, que la trayectoria posterior de su autor templaría con inteligencia técnica y sensibilidad mediterránea para desarrollar una exitosa carrera internacional.
El deployé es un transformado metálico, un producto obtenido a partir de una simple chapa plana de acero a la que se practican unos cortes longitudinales para estirarla posteriormente en la dirección perpendicular a dichos cortes.
De esta forma se obtiene una nueva chapa, con forma de enrrejado y hasta cinco veces más ligera. Esta técnica se emplea desde hace más de cien años desconociéndose el inventor de la misma.
Banco Catalano | bdbarcelona.com
En 1974 Óscar Tusquets y Lluis Clotet utilizan este material en “catalano”, un banco cuyo diseño constituye una lección de sensibilidad y saber hacer constructivo. El banco plagia la sección que Gaudí imprimió en los bancos del parque Güell resolviendo su construcción con este material particularmente duro y barato. El diseño se completa con diferentes modelos de bastidor resueltos con tubo doblado y remachado.
Actualmente es distribuido por BD con un acabado extraordinario si bien muchos de estos bancos se destinaron a estaciones ferroviarias produciéndose masivamente, con el mismo acero galvanizado y expandido que daba forma a las vallas de los tendidos y estaciones
«How High the Moon» armchair, 1986. Shiro Kuramata (Japanese, 1934–1991); Manufacturer: Vitra AG, Basel Nickel-plated steel mesh
En 1986 Shiro Kuramata vuelve a utilizar el deployé en el diseño de asientos. Antes había investigado entorno a los clásicos diseños de Mies van der Rohe con este material pero será “how high the moon” su diseño más celebrado construido con metal expandido. Se trata de un bellísimo sofá producido por IDEE y Vitra en dos versiones: individual y dos plazas.
Su construcción es preciosista: las esquinas se forman soldando uno a uno los hilos del deployé y el acabado es mediante polvo de resina epoxi niquelado. Apenas cuarenta ejemplares en la tirada más larga. No es el plomizo traqueteo ferroviario lo que resuena en esta pieza sino la luz plateada y etérea de la luna.
En sus diseños Kuramta apelaba de forma magistral a la ingravidez, la luz y el vacío.
Elías Cueto, arquitecto
Santiago de Compostela, mayo 2011
Hoy os presentamos el último sorteo del año, y será gracias a Jung Ibérica, en esta ocasión nuestros lectores podrán optar a una Bluetooth Connect (LS990 Aluminio).
El mecanismo es muy sencillo, entre todos aquellos que dejéis un comentario, o bien al final del post o bien en la entrada de Facebook, definiendo en una frase lo que en vuestra opinión os sugiere este producto. Para ello tenéis disponible la información del producto al final del post y en la propia web de Jung Ibérica.
El plazo para participar en el sorteo es desde hoy lunes 23 de noviembre hasta el lunes 14 de diciembre de 2015 a las 00 horas.
Bluetooth Connect es el nuevo receptor de audio estéreo con pantalla táctil del líder europeo en equipamiento eléctrico, Jung, que recoge y amplifica la señal de audio proveniente vía Bluetooth de smartphones, tablets y reproductores de MP3 para que pueda ser escuchada cómodamente mediante los módulos de altavoz del fabricante alemán.
Al tener el mismo formato y tamaño que cualquier mecanismo eléctrico, como interruptores o enchufes, Bluetooth Connect de Jung puede empotrarse en la pared con la misma facilidad, lo que permite su instalación en habitaciones de hotel o en cualquier estancia de una vivienda como dormitorios, cuartos de baño, cocina, etc. Además, está disponible en los diseños de las series AS, A, CD y LS de Jung, lo que asegura una perfecta integración estética con el resto de mecanismos de la instalación eléctrica o de cualquier decoración.
La elegante pantalla táctil situada en el frontal del nuevo Bluetooth Connect de Jung proporciona al usuario toda la información pertinente sobre el estado del dispositivo, como las seis fuentes de audio que pueden almacenarse, la selección de pistas, la regulación del volumen, etc. Ocho teclas virtuales que permanecen ocultas hasta que se toca la pantalla, aseguran un manejo del sistema extraordinariamente sencillo e intuitivo.
Por otro lado, el potente amplificador estéreo del Bluetooth Connect de Jung es el encargado de bombear un torrente de sonido limpio y sin apenas distorsión, a pesar de las reducidas dimensiones del dispositivo. La etapa final de la música favorita del usuario son uno o dos módulos de altavoz de Jung, que se pueden instalar por separado a la distancia adecuada para una óptima audición, aunque también es posible montarlos junto al Bluetooth Connect en un único marco múltiple. Asimismo, el dispositivo cuenta con una conexión auxiliar que puede utilizarse para reenviar la señal de audio a un amplificador externo, lo que abre las puertas a una la sonorización más amplia de otras estancias e incluso de todo el hogar. Además, también admite la opción de conectar la Smart Radio de Jung como fuente alternativa.
En una ocasión acepté la invitación de dar una charla monográfica en el lejano Budapest sobre la «piedra en la arquitectura española actual». Era, al menos para mí, un extraño cometido, pero lo tomé como un ejercicio de análisis. Elegí algunos edificios ejemplares, realizados todos teniendo como protagonista el uso de la piedra, y empecé a buscar un hilo conductor para mi exposición.
Piedra, …. pensé de modo un tanto lúdico.
¡Piedra, papel, tijera!
Me sorprendió la ocurrencia y me puse a indagar en el significado de cada término.
Pronto descubrí un método bastante nítido de ordenar aquel conjunto de proyectos. Reconocí en cada palabra, más que su objeto literal, una actitud. Un modo de ser.
Hice una lista de los edificios y vinculé cada uno de ellos con cada uno de los términos.
Así, todos los edificios ordenados en la columna «piedra» tenían características ligadas con la estabilidad y la sustentación, destacando como protagonista la sección se valían de la fuerza del volumen, la masa y la vertical gravitatoria. En definitiva, tenían que ver con lo tectónico.
Los clasificados bajo el término «papel» tenían como invariante una extrema funcionalidad, derivada del enfático valor de las pautas de distribución en planta, de lo extenso y horizontal. Estaban fuertemente ligados a lo planimétrico.
Por último, los destacados en el apartado «tijera» apostaban de manera inequívoca por la búsqueda de la presencia, por el valor primordial de sus envolventes y alzados. Por la silueta, la línea y el problema de lo perimetral. En definitiva, por el orden estereotómico.
Más allá del uso del material concreto de la piedra, lo que los clasificaba era una determinada estrategia de utilización del material. Descubrí que todo material puede tener un modo «piedra», un modo»papel» y un modo «tijera» de ser. De ser y estar en la arquitectura. Que todo edificio puede proyectarse teniendo como origen estas tres maneras alternativas de disponer la materia. Y que la buena arquitectura conduce convenientemente sus diversas combinaciones.
El ancestral juego de manos de origen chino, basado en la existencia de los tres reinos de la naturaleza, es decir, lo mineral, lo vegetal y lo animal, nos lleva al mundo de las tríadas universales. Podríamos retrotraernos a otros ámbitos, a los mitos de Osiris, Isis y Horus y sus sucesivos paralelismos históricos. Pero también al tratado secular de «firmitas, utilitas y venustas» y sus reinterpretaciones clásicas y modernas. Y otras muchas tríadas dialécticas. Y en todos los casos recurrir al mismo juego de oposiciones jerárquicas.
Es un juego que nos plantea frente al problema del tres, en términos de cantidad, que los enfrentamientos se producen dos a dos. Con resultados cíclicos. Antagónicos. Polares.
Nos previene del difícil arte de la elección. Y de la intuición. Vence el que adivina. El que tiene la estrategia más psicológica (es inútil además de aburrido jugar frente a una máquina). No cabe la duda o la ambigüedad. Prevalece la virtud de lo instantáneo, de lo inmediato.
Sin duda, es un buen juego. Un juego que está también en lo arquitectónico.
«¿Dónde está el norte? Arquitectos buscando un lugar» es un corto documental que describe la situación de precariedad laboral en la que se encuentran los jóvenes arquitectos españoles tras el estallido de la crisis inmobiliaria.
https://youtu.be/p2KwimZJ4d0
Título: ¿Dónde está el norte? Arquitectos buscando un lugar Año: 2015 Duración: 23min Dirección y realización: Daniel Natoli Entrevistas: Laura Díaz del Pino, José Jiménez Pérez, Amanda Galiana Ortega, Marina Díaz García, Kike España Naveira, Alejandro Ramos García, David Rodado Gómez, Rosa Moreno Navas, David Navarro García, Pedro García Sáez, Alejandro Castillo Libermann, Silvia Garrido Fernández, Amada Vaquero González, José Alberto Simón Montesinos, Pablo Iranzo Navas
Desde el blog de arquitectura Stepienybarno ponen a la disposición de los lectores de Veredes una asistencia gratuita para el nuevo curso sobre Identidad Digital que han montado, enfocado exclusivamente para, nosotros, los arquitectos.
Se trata de la cuarta edición y, por los comentarios de los alumnos de las ediciones precedentes, el curso es muy práctico y fácil de realizar.
Así, si eres arquitecto y te interesa mejorar tu presencia en la red, este puede ser tu curso. También, señalar que tiene un horario flexible y se realiza totalmente online durante dos o tres horas al día, en las siguientes fechas: entre el 10 y el 23 de diciembre de 2015.
«Horario relativamente flexible, aunque hace falta aproximadamente una disponibilidad de 3-4 horas al día por parte del alumno durante los nueve días del curso. Así, el tiempo óptimo mínimo de trabajo por parte de los estudiantes será de 30 horas lectivas.
Cada día, a primera hora de la mañana, se suministrará el material necesario y se trabajará intensamente a lo largo del día en la comunidad online, grupo de facebook y correo electrónico con los alumnos. Nuestra disponibilidad durante estos días será absoluta.»
Por lo tanto, entre todos aquellos que dejéis un comentario, al final de la entrada o bien en la entrada de facebook, definiendo en una frase lo que se podría entender, en vuestra opinión, por Identidad Digital, sortearemos una plaza gratuita.
El plazo para participar en el sorteo es desde el lunes 23 al viernes 27 de noviembre hasta el las OO:OO horas.
Así es el nuevo estudio de Chiralt Arquitectos, un espacio reformado y abierto al público en una planta baja amplia, luminosa, con un buen acceso y una gran visibilidad.
‘La imagen de nuestro estudio de arquitectura deja claro lo que somos y lo que hacemos. Y la mejor prueba es la gente que se ha inspirado en él para imaginar sus futuros proyectos’,
destaca Jaume.
El taller
‘Éste era el antiguo taller herrero de mi padre. Arriba teníamos la vivienda y debajo estaba su lugar de trabajo. Cuando se jubiló, el espacio pasó a ser garaje pero conservando su forma original’.
Ahora, su nuevo estudio de arquitectura recuerda la influyente figura de su padre.
‘El espacio transmite todo lo que he vivido’
Aquí Jaume creció y aprendió de primera mano el valor y sacrificio del trabajo artesanal, ingenioso y cuidado.
‘El espacio transmite todo lo que he vivido. Aquí aprendí a soldar, cortar y moldear el hierro. ¡Cuando veía una película de piratas, bajaba a hacerme un barco con sus herramientas! Conocí cómo reaccionan los materiales antes de estudiarlo en los libros’.
El diseño del estudio de arquitectura lo determinó en gran medida el espacio. Y por ello, en Chiralt Arquitectos sabían que, por encima de todo, el proyecto debía tener mucha fuerza.
‘Hicimos una intervención respetuosa con el espacio y de bajo coste. Vimos posibilidades como conservar los techos para darle un toque particular y de recuerdo de lo que era el taller’.
‘Tengo la sensación de estar estrenando constantemente’
‘Disfruto el espacio trabajando en mi mesa, reunido, e incluso paseando por él, ¡es como si llevara zapatos nuevos! Tengo la sensación de estar estrenando constantemente. La palabra que define nuestro día a día aquí es comodidad. Y ése es el placer que esperamos que la gente sienta cuando realizamos sus proyectos’,
afirma Jaume.
El ferro (el hierro)
‘Al principio de la carrera de arquitectura, yo ayudaba a mi padre en el taller para pagarme los estudios. En aquellas jornadas laborales compartí e interioricé su espíritu de creación y su pasión por el trabajo manual.El hierro es mi material. He nacido y aprendido con él’.
‘El hierro es mi material. He nacido y aprendido con él’
Jaume siempre que diseña piensa en hierro. Incluso para las maquetas que suelen ser de materiales ligeros y fáciles de cortar.
‘¿Y por qué no hacerlas de hierro? Yo tengo los medios. Y así fue. Mi padre y yo hicimos cuatro maquetas de hierro, incluida la de mi Proyecto Final de Carrera.Yo dibujaba las plantillas y él las cortaba y soldaba’.
El nuevo espacio
El estudio de arquitectura en Valencia de Chiralt Arquitectos se emplaza en un espacio con casi 100 años de historia, una condición que da solera pero también puede resultar un gran handicap.
‘Queríamos que el espacio tuviera un tinte industrial en recuerdo del taller. Y para ello fue clave la utilización de materiales puros poco tratados como la madera, el hormigón, el cristal o el hierro’,
comenta Jaume.
‘Queríamos que el espacio tuviera un tinte industrial en recuerdo del taller’
La construcción, una vivienda antigua reforzada en varios puntos con estructura metálica, originó el inconveniente más venturoso de todos: una accidentada medianera con salientes y pilares.
‘Hicimos de la necesidad virtud. Creamos un panel de madera de dos metros de altura a modo de zic-zac que recorre la pared irregular y se ha convertido en la guía y el elemento distintivo del espacio’.
Por encima de los dos metros de madera, el resto son las tripas del antiguo taller, sus paredes pintadas de negro.
‘Sobre el plano que recorre el espacio en zic-zac, diseñamos una mesa pegada y una luz lineal en esa misma forma. Nos hemos adaptado a esos defectos para crear unaforma que parece ser así por placer’.
‘Creamos un panel de madera a modo de zic-zac que recorre la pared irregular’
En apoyo al lateral de madera, se creó otro módulo que completa el conjunto: el monolito de la entrada. Un falso muro de madera que recubre tres antiguos pilares.
‘Para acceder a la sala de reuniones teníamos un enjambre de pilares, por lo que decidimos crear un módulo con la matriz del plano en zic-zac: unmonolito de madera natural que los recubriera’,
añade Jaume.
El resultado es un imponente panel divisorio que da la bienvenida y delimita la sala de reuniones del resto del estudio de arquitectura.
‘Para el suelo elegimos hormigón talochado. Queríamos ver un material continúo que comunicase su propio origen’
El suelo es otro de los elementos destacados del proyecto. El pavimento original era de cemento, un material noble y rudo.
‘Queríamos ver un material continúo que comunicase su propio origen, apenas tratado. Elegimos hormigón talochado con una capa de barniz especial que le aportara impermeabilidad, facilidad de limpieza y brillo’.
Finalmente, la iluminación es una gran protagonista, cada ambiente tiene aquélla que requiere. Y un ejemplo son los tubos de luz dispuestos en zic-zac sobre de la mesa de trabajo que reproducen fielmente sus mismo ángulos.
Obra: Reforma Estudio de Arquitectura Chiralt Arquitectos.
Autores: Estudio Chiralt Arquitectos (Arquitectos: Jaume Chiralt, Adrián Fuster y José Rubio).
Emplazamiento: Moncada, Valencia (España).
Año: Mayo – Junio 2015
Superficie: 84m2
Fotografía: Eva Pérez + chiraltarquitectos.com
El Festival de Arquitectura ‘FETSAC’ nació gracias a una agrupación de alumnos de la Escuela de Arquitectura de A Coruña que decidió, por iniciativa propia, crear unas jornadas culturales que alterasen la percepción habitual que sus compañeros tenían del centro, dando lugar al ‘Circo’, la primera edición del festival en 2009.
El esfuerzo inicial llevado a cabo por estos alumnos, se ha visto recompensado cada año con la continuidad del mismo.
‘PsicoFETSAC’, ‘Re’, ‘This is tomorrow’, ‘Who’s ready for FETSAC?’, ‘FETSAC’14’ y ‘FETSAC’15: Más allá del objeto’ han sido las siguientes ediciones, cuyas actividades (conferencias, debates, talleres…) se enmarcan siempre dentro de una temática en particular, en la que se invita a participar a arquitectos y otros colectivos.
FETSAC abre un período de recepción de propuestas de conferencia y/o actividad puntual del 9 de noviembre al 30 de diciembre de 2015. El festival tendrá lugar en A Coruña (España) del 14 al 18 de marzo de 2016.
Echa un vistazo al manifiesto de la presente edición. Más información y/o aclaraciones en la web o fetsac@gmail.com
BASES.
Existen dos maneras de participar:
1. COMO CONFERENCIANTE.
Las conferencias tendrán una duración máxima de 1h30.
Como podrás ver en las ediciones anteriores*, han pasado por nuestro festival profesionales no arquitectos e incluso estudiantes. Consulta los programas de FETSAC’15, FETSAC‘14, FETSAC13, FETSAC12, FETSAC11, FETSAC10 y FETSAC09.
2. CON UNA ACTIVIDAD PUNTUAL.
Las actividades o performances tendrán una duración máxima de 3h. El formato es completamente libre.
Para la realización de las diferentes actividades tendremos total disponibilidad de los espacios de la Escuela de Arquitectura (aulas, salón de actos..), así como del amplio espacio exterior ajardinado.
CALENDARIO.
9/11/2015 Anuncio de la llamada a la participación en Fetsac’16.
30/12/2015 Fin del período de inscripción y envío de propuestas en formato definido
10/01/2016 Resolución de propuestas escogidas
14-18/03/2016 Asistencia al festival
PRESENTACIÓN
El formato de presentación de la propuesta estará contenido en un máximo de tres A4 en formato PDF. El contenido de las mismas será libre. Es importante tener claro que para esta edición, hasta el 30 de diciembre, se tendrán que realizar tanto la inscripción como candidato como el envío de la propuesta.
Todas las propuestas serán valoradas por los organizadores de FETSAC’16.
Se permite que el mismo participante envíe más de una propuesta.
Deberá señalarse en cuál de las 2 modalidades se participa: conferencia/actividad.
-Título de la propuesta
-Nombre de los tutores
-Apellidos de los tutores
-Correo electrónico
-Teléfono de contacto.
-Breve CV.
-Facultad, institución, asociación, colectivo, etc. a la que pertenece.
-Lugar de procedencia.
-Modalidad en la que se participa
-Carrera y curso (en caso de ser estudiante).
Información no obligatoria:
-Perfil en Linkedin.
-Perfil en Twitter.
-Perfil en Facebook.
-Web.
Las propuestas recibidas serán evaluadas siguiendo los siguientes criterios:
– Calidad de los contenidos.
– Interés pedagógico y didáctico de la propuesta.
– Originalidad en la manera de desarrollar la propuesta.
– Relevancia del tema a tratar.
– Claridad en la exposición de la propuesta.
En el momento de hacer público el calendario del festival, la propuesta de los participantes se colgará en la web acompañada de una foto y una breve biografía. Esta información se utilizará, a su vez, para la publicación de carteles y trípticos que se repartirán durante toda la duración del festival.
La organización se hará cargo de los gastos de desplazamiento así como del alojamiento necesario para la realización de la propuesta.
Cada una de las propuestas llevadas a cabo en la FETSAC’16 será remunerada tras haber terminado con éxito la participación. La cifra es independiente del número de personas necesarias para llevarla a cabo.
Un puente es una construcción que lleva a las personas de un sitio a otro pasando encima de un obstáculo, una barrera. Un puente puede, además, proporcionar cobijo, protección.
«Construcción de cualquier clase, fija, provisional, desmontable, etc., hecha sobre un río o un corte del terreno para pasar de una orilla o de un lado a otro. Más adelante el diccionario dice: Lo que sirve para acercar a personas o cosas; particularmente a personas, si existe entre ellas tirantez o enemistad. De allí la expresión Tender un puente: Hacer una persona por su parte una tentativa de aproximación para que cese la tirantez de relaciones o la enemistad entre ella y otra. Reconciliarse.»
Praga, 1357: empieza la construcción del Karlův most, el puente más conocido de Praga, una estructura que pasa sobre el río Moldava, llevando a las personas de la ciudad antigua, Staré Město, a la orilla del castillo, Malá Strana. Diseñado por el arquitecto Petr Parlér y construido por centenares de manos anónimas, en el siglo XV era la arteria central para el paso de personas y mercancías, siendo el único puente que conectaba las dos partes de la ciudad divididas por las aguas del río, amigas y enemigas, fuente del agua potable de la ciudad y peligro en caso de inundación. Otra función no planeada del puente era dar cobijo a multitudes de mendigos, deudores, errantes. Mendigos, deudores, errantes que podían entender el puente, la razón de su construcción y encontrar protección. Las tres torres góticas que representan sus extremos se han vuelto parte de la ciudad, insertándose sin discontinuidad entre el puente, el río y las casas, sus techos de aguja dialogando con las cúpulas de las iglesias barrocas, contribuyendo sin violencia a la excepcional belleza de la ciudad.
Železniční most (2014) | Fotografía: Wayward wandering
Praga, 1871: el puente de ferrocarril de Vyšehrad, el Železniční most, es otro de los numerosos puentes sobre el río Moldava. Cinco siglos después del Karlův most, representa la transposición y adaptación del puente a la época del tren, medio de transporte colectivo que facilita la comunicación entre las dos partes de la ciudad y entre la ciudad y el territorio colindante. Un elemento que resulta fundamental para entender la función y naturaleza de un puente y determinar su relación con el entorno es la posición de la estructura en la ciudad. La posición del Karlův most y del puente de ferrocarril de Vyšehrad no es sustancialmente distinta, ya que repite el esquema de los primeros puentes que remontan a la época prehistórica – como por ejemplo el primer puente sobre el río Támesis en Londres (1750 AC) – así como el de los puentes etruscos, romanos, románicos, renacentistas: una estructura para permitir al hombre cruzar un río o una barrera, una construcción que acerca a personas y cosas, una obra que hace habitable un lugar, un puente tendido hacia lo otro. El color del hierro oxidado del puente de Vyšehrad ha llegado a ser parte de los colores de Praga, así como el verde de las cúpulas de cobre oxidado de muchos edificios de la ciudad.
Proyecto para el Nuselský most (1927) | Josef Havlíček
Praga, 1927: nace el sueño de los ingenieros, construir un puente para conectar las dos orillas del valle Nusle – un tiempo una aldea en las afueras de Praga, tierra rica de viñedos (Vallis Vinarium) y molinos accionados por las aguas del río Botič, hoy en día zona céntrica de la ciudad – haciendo pasar la más grande autopista de la República Checa por el medio de la ciudad. A los extremos del valle: por un lado la meseta de Pankrác – que recibe su nombre de la iglesia de Pankrác, pero que en realidad es hoy un lugar conocido por la cárcel homónima – por el otro el centro de Praga. Josef Havlíček es el arquitecto funcionalista que presentó una propuesta, en el concurso de 1927, para la construcción del puente sobre el valle Nusle: una estructura de hormigón que se apoya en una serie de rascacielos. El viaducto se yergue encima de las casas cortando el valle, yendo hacia la cárcel Pankrác.
La propuesta no fue realizada, el sueño de los ingenieros se quedó suspendido. Algo nuevo ha nacido en el uso de la técnica, que siempre ha tenido un posible efecto adverso, pero ahora el equilibrio entre positividad y negatividad ha sido perdido.
Praga, 1967: 40 años después del concurso de 1927 para la construcción del puente – entre 1967 y 1970 – el viaducto sobre el valle Nusle (el Nuselský most) fue construido, siguiendo un proyecto distinto del presentado por Josef Havlíček, pero en realidad no muy diferente. El puente – 500 metros de hormigón pretensado – aunque no se apoya en rascacielos, pasa por encima de las casas existentes, a 40 metros de altura, y cruza el parque Folimanka, proyectando una sombra sobre casas en que las personas duermen teniendo la ilusión de vivir una vida plena y segura, siendo en realidad mendigos y errantes en un mundo en que se ha perdido cualquier referencia con las cosas.
Nuselský most (2014) | Fotografía: Wayward wandering
El viaducto es la imagen más clara de las ideas políticas de la época del gobierno comunista. Una idea, una línea recta trazada en un plano, abstracta, se materializa en un viaducto gigantesco que lacera el espacio, como un Goliat moderno. Pero otra imagen es la representación perfecta de la relación entre uso moderno de la técnica, guerra, (intento de) destrucción de la persona y la ciudad y conquista de la naturaleza (por parte de los ingenieros y los burócratas): el uso de tanques soviéticos para realizar las pruebas de carga durante la construcción del puente, en 1970. Tanques que sobrevuelan las casas, las personas, conducidos por personas que no se pueden ver y que no pueden tocar, recorren un puente de hormigón que pasa a más de 40 metros de la tierra del valle Nusle, encima de los árboles y los tejados de unas casas que han perdido su referencia con el entorno.
Nuselský most – pruebas de carga (1970) | Archivo Dopravního podniku hl. m. Prahy
En 40 años 400 personas se han suicidado desde el Nusleský most. Una persona cada mes ha saltado del puente. No sería completamente insensato ver los saltos como el deseo de retorno al sentido de las cosas, saltos desde los tanques hacia los árboles y las casas, saltos como desesperación por todos los puentes no tendidos hacia otra posibilidad, saltos como rechazos, como tentativas imposibles de reconciliación con el mundo frente a la insensatez de la historia. Como el intento de suicidio de Jaroslav Hašek en 1911 desde el Karlův most, gesto dadaísta ante litteram de rechazo de la insensatez de las acciones humanas, resumido en las aventuras de su valiente soldado Švejk durante la guerra mundial. Historia que habría que volver a construir a partir de los relatos anónimos de los rechazados, ya que, como dice Pasolini1,
«en los desechos del mundo nace un nuevo mundo: nacen leyes nuevas allí donde ya no hay ley; nace un nuevo honor donde honor es el deshonor. Nacen potencia y nobleza, feroces, en los tugurios apiñados, en los lugares sin frontera, donde crees que la ciudad acaba y donde en cambio vuelve a empezar, enemiga, vuelve a empezar miles de veces, con puentes y laberintos, obras y zanjas, tras marejadas de rascacielos que cubren enteros horizontes.»
La administración, por su parte, ha contribuido a la solución del problema construyendo vallas de protección que impiden a las personas hacerse daño a si mismas.
Wayward Wandering Autor del blog Perspectivas Anómalas
Barcelona, Noviembre 2015
La sede de la Fundación Juana de Vega acogió el pasado 13 de noviembre el acto de lectura del fallo y entrega del Premio Juana de Vega de Arquitectura 2015. Consolidado como uno de los más destacados del sector y creado por la Fundación Juana de Vega para reconocer la labor de los arquitectos que, con sus proyectos, contribuyen a la mejora de calidad paisajística de Galicia. En él se premia la mejor vivienda unifamiliar, tanto de nueva planta como de rehabilitación, terminada en el año natural anterior a la convocatoria, en este caso 2014.
Los integrantes del jurado de esta edición fueron el decano del COAG, Antonio Maroño Cal (presidente); la directora de la Escuela Gallega del Paisaje, Isabel Aguirre (secretaria) y los vocales Enrique Sáez (presidente de la Fundación Juana de Vega); Fernando Agrasar (director de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la UDC), así como Gonçalo Byrne, Salvador Fraga, Manuel Caamaño y Xavier Seoane.
El jurado concedió el Premio Juana de Vega de Arquitectura a la Casa Chao situada en el casco histórico de Corcubión (A Coruña, Galicia, España) de los arquitectos Juan Creus y Covadonga Carrasco. También se ha concedido un accésit y mención especial a otras dos viviendas. El primero de ellos para la vivienda, Choupana House, situada en la Calle Luis Vázquez Parga, nº 9 en Santiago de Compostela (Galicia, España) de 2es+_oficina de arquitectura. Mientras que la mención especial fue para casa situada en A Ferreirúa (Nogueira de Ramuín) en la Ribeira Sacra (Galicia, España) del arquitecto Quico Jorreto.
Producción: Fundación Juana de Vega Dirección: lasonceymedia and veredes Guión: Borja López Cotelo Montaje: Marcos Flórez Fotografía: Carlos Álvarez
Making Africa presenta una gran cantidad de obras, parte d que parten de una mirada retrospectiva a los inicios de la era postcolonial, que transitan por una amplia variedad de medios. Estas obras rompen con las definiciones convencionales de diseño, arte, fotografía, arquitectura y cine.
«Making Africa: Un continente de diseño contemporáneo arroja una nueva luz sobre África a través de las obras de 120 artistas y diseñadores contemporáneos que ilustran la manera en que el diseño acompaña e impulsa el cambio político, económico, social, cultural y tecnológico en el continente.»
La exposición muestra una evolución que está liderada por una nueva hornada de artistas africanos que proponen distintas visiones y soluciones, no solo para el continente si no para todo el mundo, al tiempo que renuevan la manera tradicional de entender el arte.
«El diseño va más allá de la resolución de problemas».
Azu Nwagbogu, director de la African Artists´Foundation
La exposición ha sido comisariada por Amelie Klein, Curadora del Vitra Design Museum, con el asesoramiento de Okwui Enwezor, Director de la Haus der Kunst de Múnich y de la 56ª Bienal de Venecia en 2015.
Making Africa es una exposición de Vitra Design Museum y Guggenheim Bilbao. Guggenheim Museum Bilbao
30 de Octubre 2015 – 21 de Febrero de 2016
Toda una vida de fotografías encerrada en un cobertizo de madera, un cofre decía él. Como si fueran obras robadas, en aquel lugar se escondían buena parte de las mejores imágenes de la arquitectura del siglo XX.
Julius Shulman retrató durante la segunda mitad del siglo pasado lo mejor de la arquitectura moderna de la costa oeste americana, desde que el arquitecto austríaco emigrado a California, Richard Neutra, le iniciase en la contemplación de la arquitectura, Shulman no paró de fotografiar obras de Wright, Mies, Ellwood, los Eames o Koenig; la claridad y optimismo con los que retrató cada una de las casas de Hollywood construyen icónicamente la imagen que poseemos de la arquitectura residencial de la dulce posguerra americana. Aquel año pudimos hablar con él y compartir un té helado, a nuestra espalda, en un recodo del jardín de su casa angelina diseñada por Raphael Soriano, se encontraba el cobertizo repleto de clichés, películas y placas fotográficas, un resumen de la modernidad de la arquitectura americana recluida entre tablones, la propia cabaña, hermética y de madera ajada por la intemperie, parecía en sí misma una obra de arte puesta en el jardín.
En el interior de aquel tinglado se almacenaban miles de fotografías ordenadas en cajas de plástico etiquetadas o acumuladas en montones indescifrables. Sólo la danza acompasada que Shulman comenzó a interpretar cuando entramos en él, localizando aquí y allá cada una de las imágenes que nos quería mostrar, nos convenció de que aquel era el mejor de los museos imaginables para aquel acopio de estampas. Al fin y al cabo, qué edificio podría albergar medio siglo de la mejor arquitectura americana del siglo XX sin salir mal parado en la comparación.
Aprovechando algo de luz en la oscuridad, el fotógrafo desvelaba hábilmente la imagen deseada, cuando alguna de aquellas placas era atravesada por el haz luminoso el espacio parecía inflamarse, el habitáculo se convertía entonces en el único lugar posible para aquella colección, una cámara oscura encendida por la exposición a la luz de las imágenes. Shulman nos confesó su temor a un incendio, aunque sin perder la sonrisa, sabía que su obra hacía tiempo que había escapado de aquel museo doméstico.
Tres meses después de la muerte de Shulman, el 18 de octubre de 2009, ardió un barracón con la obra de toda una vida. No fue en Los Angeles, sucedió en la zona sur de Rio de Janeiro y en este cobertizo se encontraban dos mil obras de Helio Oiticica, entre pinturas, material audiovisual, instalaciones, libros, proyectos y anotaciones del artista, todo ello valorado en unos 200 millones de dólares, según estimaciones de la familia. Como una premonición, entre las obras calcinadas se encontraban algunas de sus Bolas de Fuego o Bólides, un conjunto de objetos que Oiticica denominaba “Trans-objetos” en los que el color de aquellos estaba aparentemente “inflamado” por la luz, al decir del artista.
Estos Bólides incluían una serie de cajones o paneles que al retirarse revelaban su contenido (tierra cruda, pigmento en polvo, cáscaras…) o los diferentes colores con los que estaban pintados. No es difícil imaginar en los Bólides de Oiticica la arquitectura de un museo: un cofre hermético que al desplegarse y descubrir sus compartimentos nos permite observar texturas y colores que se inflaman bajo la luz. Como si la escala no existiera, no hay diferencia esencial entre un Bólide, el cobertizo de imágenes encendidas de Shulman y algunos de los mejores cofres de la modernidad como el Museo Whitney del arquitecto Marcel Breuer en Nueva York, los tres esconden materia teñida del aliento de la emoción que espera ser descubierta.
Acumulamos cosas en cofres porque tenemos esperanza de futuro, porque aspiramos a contemplarlas en adelante bajo una nueva luz, el museo, entendido como arca que encierra un repertorio preciado, al contrario de lo que cabría pensar, no rememora un pasado ni recrea un presente sino que se convierte en un artefacto para transportarnos al futuro, para enviar un mensaje a aquellos que nos aguardan en adelante.
Al fin y al cabo, qué pretendía Duchamp al idear la Bôite en Valise más que empaquetar el presente para que pudiera ser transportado hacia un futuro, o qué son las Cajas de Joseph Cornell sino un modo de dotar de un mañana a los recuerdos encontrados del pasado, una suerte de sonda Voyager que retornara a nosotros mismos en tiempos venideros para contarnos quiénes fuimos.
Helio Oiticica, B11 BOx Bólide 09, 1964 | Marcel Duchamp, Bôite en Valise cerrada, 1936-1941 y 1968.
A unas manzanas del cofre de Marcel Breuer en Nueva York, en el Bowery, los arquitectos japoneses del estudio SANAA apilaron varios cajones donde guardan objetos. En el frágil equilibrio fingido del Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York, unas cajas blancas se desplazan respecto a otras permitiendo la entrada de la luz y el encuentro con la ciudad.
Desde las lejanas perspectivas de la calle Prince, al fondo, se divisa el conjunto de cofres acopiados y herméticos que contradicen la escala de la ciudad y parecen guardar sus reliquias. En el lugar de trabajo de estos arquitectos se acumulan maquetas de este proyecto que se confunden con su propio almacén, son montones de cajas de cartón amontonadas que en su materialidad humilde remiten a su fin último: acoger objetos que guardar para un futuro.
El tamaño vuelve a no importar, Shulman, Oiticica, Cornell y Duchamp, junto a los arquitectos japoneses Sejima y Nishizawa, comparten fascinación por aquellos lugares opacos e impredecibles que esconden un tesoro. El origen de cada uno de los cofres aquí reunidos es dispar, el motivo que empujó a Duchamp a encerrar su obra, nunca conocido del todo, apenas tiene que ver con el de los Bólides de Oiticica o el apilamiento de cajas de SANAA, sin embargo, existe una razón arquitectónica común a todas ellas, que también residía primigenia en el menudo museo de fotografías de Shulman, es el misterio del espacio oculto e impenetrable, el lugar denso que espera ser descubierto en un mañana para inflamarse bajo la luz.
SANAA, Maquetas del Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York, 2003 | Fotografía: Eduardo Arriaga
Nota: De la arquitectura al museo. Cofres, es la segunda de tres partes de un texto publicado originalmente en el nº6 de la revista de arte contemporáneo La raya verde en abril de 2013, titulado De la arquitectura al museo. Ausencias, cofres y huellas.
José María Echarte Ramos · arquitectura y crítica | N+1
Hasta la fecha hemos recorrido de la mano de diversos arquitectos, algunas de las más diversas y variadas actividades que desempeñan, bien de forma complementaria a la actividad más tradición del arquitecto o bien como actividad principal.
Hoy nos adentramos en el amplio mundo de la “crítica”, y que mejor manera de hacerlo que de la mano de José María Echarte, uno de los editores junto a María Granados y Juan Pablo Yakubiuk, de N+1. Un blog de arquitectura y crítica cuyos autores definen como:
“un lugar, a veces divertido pero siempre serio, donde puede leerse lo que nadie contaría en un Colegio de Arquitectos.”
Podríamos presentar a José María de una forma formal, pero en esta ocasión y atendiendo al estilo que emplea en su blog, lo más apropiado es utilizar una descripción suya
“yo me dedico… en fin, la verdad, me dediqué a muchas cosas a largo de los años; algunas son más de los Lannister (Sí, trabajé con ingenieros en obras de carreteras, trasvases etc… fui arquitecto municipal) y algunas más de los Stark (Concursos, investigación, docencia) aunque creo que nunca fui de la Guardia de la Noche (Becario sufriente)”.
Sin más dilación os dejamos con la entrevista que nos concedió José María, esperamos que la disfruten, tanto como nosotros.
José María Echarte
Explícanos, ¿cómo y por qué surge “N+1”?
N+1 lo inicia María Granados en 2004 cuando estaba con el fin de carrera. En parte de forma natural, los blogs estaban pegando fuerte entonces, en parte como vía de escape de esa situación un poco rara que es el PFC y en parte porque no encontraba sitios que escribieran lo que a ella le gustaba leer sobre arquitectura y que tenía mucho que ver con una aproximación diferente a la realidad profesional, a escribir para todo el mundo y que fuera… ¡Entendible!
Yo era lector y comentador y un día María me escribió para decirme que ya estaba bien de que los comentarios fueran más largos que los posts y así empecé a escribir, Juan Pablo también se unió con el tiempo. Lo curioso es que Juan y yo vivíamos en el mismo sitio, en Almería, y nos conocimos antes a través de María –que estaba en Madrid- que en analógico… cosas de internet.
Creo que el espíritu inicial de lo que María pretendía sigue ahí. Escribir de arquitectura, de lo que ocurre, analizarlo todo sin posiciones cerradas, hacerlo sin tabúes, sin servidumbres y para que lo puedan leer nuestras madres, por ejemplo, que siempre hace ilusión y desmitifica mucho. Siempre usamos una frase,
“lo contrario de divertido no es serio, es aburrido”.
Un poco es eso.
¿Os encontrasteis con muchas dificultades? ¿Cuáles fueron las más problemáticas?
En general no. Siempre habíamos escrito… la diferencia es guardarlo en una carpeta en el ordenador o ponerlo en común. Es mucho más enriquecedor lo segundo, evidentemente. Alguna vez ha habido algún problemilla… con un concurso de la junta de Andalucía en el que algunos concursantes nos pidieron que denunciáramos que el ganador era un plagio descaradísimo y que nos costó cambiar de alojamiento por algún comment peligroso… pero poco más. Quizá la más divertida fue la de cierto arquitecto muy mediático que pronunció (en Facebook) la famosa frase
“os llegará una carta de mis abogados”
porque no estaba de acuerdo con lo que escribimos sobre cierta oferta de trabajo suya algo… peculiar. Lo curioso es que esa noticia provenía del semanal del ABC… no sabemos aún si a ellos también les iba a llegar correo postal. Eso ya lo podemos tachar de la lista, son de esas frases que hay que decir o escuchar al menos una vez en la vida, como
“Siga a ese taxi” o “Me acojo a la quinta enmienda”.
Pero quitando estas cosas, en general no. WordPress, donde estamos ahora, nos hace la vida fácil, no tenemos una periodicidad muy clara porque N+1 sigue siendo, de alguna forma, amateur… es una elección consciente. Exige un cierto nivel de atención a lo que pasa a nuestro alrededor, pero en eso las redes sociales ayudan bastante y permiten una inmersión en un caldo de cultivo informativo que puede utilizarse muy provechosamente (O muy mal también, claro).
¿Qué referencias maneja Jose María para sus artículos?
Muchas… y muy raras imagino. Monty Python, Black Adder, The Young ones, Los Simpsons, la música de los 70, las bandas sonoras de James Bond, series de TV clásicas y nuevas con especial pasión por Los Soprano, videojuegos –desde el Spectrum ZX81 hasta la Play 4-, comics, de Neil Gaiman a Dan Motter y los Hernández Brothers o algunas cosas de Miller. Me interesa la visión política de Tafuri, la entomología de Pevsner, el entendimiento de la crítica necesaria de Panayotis Turnikiotis, el humor de Pedacicos Arquitectónicos o de Mi Mesa Cojea, de El Mundo Today y de Masters of Concrete, La Fiera Literaria por su irreverencia… evidentemente de la combatividad y claridad de Fredy Massad y Alicia Guerrero Yeste (De Alicia también sus reseñas sobre libros, espectaculares), la potencia y la estricta verdad de Antonio Miranda, la capacidad docente de mi madre, la honestidad de mi padre, la inocencia escéptica de mi hija … muchas cosas aprendidas de los profesores fantásticos que tuve y de los horrorosos también –al menos servían para algo, para dar mal ejemplo-. No recuerdo quién decía que un proyecto se hace con todo… y sospecho que para mí escribir es igual. Lo haces con todo, probablemente de forma inconsciente.
¿Qué finalidad tienen tus artículos?
Creo que siempre es la misma. Desnudar al emperador. O gritar que en realidad ya venía desnudo de casa, y que era evidente que estaba enseñando las vergüenzas e incluso bailando la conga en plan comando. Procuro hacerlo siempre justificando mis criterios –que pueden o no compartirse- y trato de acercarme a las cuestiones con cierto nivel de humor e ironía, aunque a veces es imposible no ponerse algo más serio. Hay veces que lees artículos o entrevistas a arquitectos y piensas: si esto lo leyera un muggle –o sea un no-arquitecto-, alguien sin mediatizar pero con un buen nivel educativo y que no tiene por qué saber de la arquitectura paramétrica ni del continuo diferenciado ni puñetera falta que le hace… esto acababa en carne de meme. Yo quiero hacer ese meme. Aunque por escrito. Y de forma analítica.
En realidad es lo que te decía, creo que el espíritu de N+1 está en lo que escribo. A lo mejor es una reacción a una formación que salvo excepciones era muy poco crítica y nada autocritica. A ese borreguismo cargado de fanatismo que a veces es como una losa para la profesión.
Artículo de José María en N+1
En muchas de ellos reflexionas sobre diferentes temas, ¿podríamos decir que realizas crítica de arquitectura?
No lo sé. Es una pregunta que siempre está presente, y que yo mismo me hago. Creo que Antonio Miranda diría que hago crítica paranoica… y en parte creo que llevaría razón. Siempre me acuerdo de que el tristemente desaparecido Luis Moreno Mansilla –que fue junto a Álvaro Soto uno de mis mejores profesores- decía que los proyectos se hacen con obsesiones y se convierten en piedra con la técnica. Hay algo de eso.
En el fondo creo que sí hago crítica de arquitectura… aunque no hago lo que tradicionalmente se entiende por crítica de arquitectura. No me interesa demasiado el análisis sesudo de un proyecto, por ejemplo, aunque me parece que es una labor complejísima que hay quien hace fantásticamente y me gusta mucho leerlos. Lo he hecho alguna vez, pero me interesa más el funcionamiento del sistema, del ecosistema si prefieres. Las dinámicas laborales, sociales históricas y éticas que configuran la profesión… Y me interesa la falsedad, el discurso impostado, ya sabes:
“los eventos consuetudinarios que acurrenn en la calle”
que diría Mairena… y reírme de mi mismo, que creo que es lo más sano que uno puede hacer en esta vida. Cuando te empiezas a tomar demasiado en serio o a dar conferencias en tercera persona como Emilio Ambasz, peligro.
Preguntado lo anterior, es casi ineludible plantearte la siguiente, ¿crees que la crítica de arquitectura ha muerto?
Creo que es un enfermo con una eterna mala salud de hierro. Es cierto que hay un cambio interesante, y una mejora que coincide con un cierto relevo generacional. Se resume en aquella frasecita de Iñaki Ábalos
“Antes la crítica te la hacían tus amigos y ahora no sabes quien la hace”.
No sé si hace falta añadir mucho más para imaginarse –salvo excepciones- el estado de la crítica –o de lo que se llamaba crítica- en la década prodigiosa de este país. La capacidad de autopublicación en red ha sido un revulsivo fantástico para la disciplina. Pero no todo es jauja, claro: Como resultado de la facilidad ahora la exigencia de filtrado y de selección está más en el lector… lo cual no es del todo malo. En mis tiempos todo era por el artículo 33, amén Jesús y si se publicaba debía ser que era maná de los dioses. Hoy en día esto no es así, lo que exige probablemente generar un código propio. Creo que la universidad y los años de formación tienen mucho que aportar ahí. Antes salías con la lista aprendida y hoy en día creo que deberías salir con la forma de hacerte tu lista o los criterios de tu lista, mejor. Con el conocimiento suficiente para establecer de forma analítica tus propios criterios y ordenar tus razonamientos.
Por eso me molesta especialmente cuando alguien trata de establecer que hay una crítica “buena” y una “mala”. Que la útil es la que descubre talentos y la inútil la que se hace preguntas y es en ocasiones beligerante. En ese sentido lo que me molesta es la condescendencia con el poder, o con cierto tipo de poder cuyo único objetivo es la perpetuación, ya sabes… Gehry diciendo que en realidad él era un arquitecto verde (super-verde le faltó decir, en plan “El Quinto Elemento”) o Zaha que tuvo una época en la que nos contaba que estaba interesadísima por la sostenibilidad. Gatopardismo puro y duro, como bien explica Fredy Massad en muchos artículos o como diría Miranda, algo demasiado pegado a la crítica inorgánica, positivista.
En mi opinión este resurgir de una crítica más difícil de controlar o que no se rige por los medios y las dependencias conocidas no ha pasado desapercibida para los centros de poder habituales. Cabilderos, agentes futbolístico-arquitectónicos, conseguidores de premios, jurados profesionales y un largo etcétera de figuras vampíricas. De hecho este surgimiento de la “crítica curatorial” como formato me parece una derivada por oposición. Ojo, hay fantásticos comisarios en este país, y me parece una labor encomiable… pero creo que para que algo sea “critica”, el autor no puede ser juez y parte, cosa que ocurre en este caso.
Por resumir, creo que está bien. Que supone un cambio evidente en muchos aspectos, o que debería suponerlo… y siendo optimista, por una vez, creo que puede estar mejor.
Hace unas semanas, Santiago de Molina escribía sobre “vivir sin maestros”, ¿podrías radiografiar el panorama actual de la arquitectura española? ¿E internacional?
Creo que en España el problema no es la capacidad de los arquitectos, sino más bien haberse creído muchas de sus tontunas que no eran sino atavismos empobrecedores… como la de que hay el camino del Jedi y el reverso tenebroso, esto es: que una cosa era hacer arquitectura y otra era “estar en la calle” haciendo lo que fuera. Para mi esa división es una estupidez snob y clasista. Hay buena arquitectura y la hay mala y la hay en todas partes. En parte esa idiotez venia de una formación que otorgaba carnets de buen y mal arquitecto, siendo el bueno únicamente el que hacia concursos –y los ganaba, claro- y daba clase en una universidad… y los malos todos los demás. Creo que las generaciones jóvenes se han dado cuenta de esa falacia y hoy en día están mucho más abiertas a desarrollar la profesión en la infinidad de campos que puede cubrir, y eso –por fuerza- espero que sea enriquecedor. Como sabes, sostengo la teoría de que esa formación sectaria tenía su traslación a un mercado laboral absurdo y llenito de explotadores y que era (y lamentablemente es) en un altísimo porcentaje economía sumergida. Creo que ese es uno de los retos que encara la profesión en este país, el de acabar de entender de una vez por todas que si somos empresas de servicios el personal es lo más importante y que –por ejemplo- cobrar por trabajar con la excusa de la formación está MAL. Vamos, mal, que es de expulsión de la profesión, de traed la brea y las plumas e incluso de “release the Kraken”.
Si me preguntas por la parte más… ¿Creativa? No me gusta la palabra… pero a falta de otra mejor. Creo que en eso no hemos tenido nunca problemas. El arquitecto español está muy bien preparado. Tenemos no obstante aun un resquicio de acriticismo (me incluyo, ojo) que llevamos muy dentro. Me resulta curioso que se hable tanto y tan mal de la poca crítica que cuestiona algo que en general recibe parabienes por doquier. Yo creo que si JJ Abrahams se levanta el día 19 y le dicen que oye, JJ, que todo aplausos menos tres, el tío abre el champan. Pues un poco igual… nos cuesta, y con ese costarnos a veces nos tragamos unas tontunas sicalípticas. También porque creo que somos muy de dar bandazos… esto es algo tremendamente español, más que los cuñados, más que irse a la puerta de la cárcel a gritarle “guapa” a Isabel Pantoja y más que Santiago Calatrava… cuando le interesa, que cuando no es más suizo que la vaca que ríe. Por ejemplo recordarás que durante un tiempo todo tenía que ser espectacular y bigger than life… y ahora sin solución de continuidad todo tiene que ser participativo y nuevas prácticas y de adobe. Estoy generalizando y ridiculizando bastante pero creo que me entiendes. En esa velocidad por ponernos de nuevo donde el sol calienta se nos cuelan cosas que no tienen ningún valor y dejamos pasar otras que si lo tienen. A veces nos pasa esta cosa tan absurda de no pronunciarnos porque tememos quedarnos fuera de “lo último”… una postura que me parece absurdísima.
En lo internacional creo que envidio el concepto empresarial tan claro que se tiene en muchas ocasiones fuera. Aquí esta parte se nos olvida siempre y así acabamos teniendo estudios modelo sweatshop que se sustentan en una cosa absurda, entre la heroica mal entendida y lo inviable. Oye mira, todo necesita un tiempo para crecer, pero hay que tener una perspectiva de cómo hacerlo, un cierto nivel de organización, un orden laboral legal… esas cosas que son lo primero que te van a preguntar en una licitación internacional.
José María Echarte
La arquitectura, tiene abiertos muchos frentes de batalla (LSP, Bolonia, paro, precariedad laboral, COAs, ETSAs, emigración, comunicación, etc), ¿no serán demasiados para la polarización existente dentro de la misma?
Si lo son. Y sobre todo porque estamos siempre, como profesión, defendiéndonos en formato “El Álamo”. A las últimas, rodeados y con una pared a la espalda. Al final –aparentemente- nos vamos salvando de algunas cosas –de las más graves- pero siempre dejándonos pelos en la gatera y siempre pasando más miedo del debido. Siempre tarde, siempre descoordinados, siempre como el ejército de Pancho Villa después de nacionalizar una fábrica de tequila.
Creo que es una cuestión de organización, evidentemente. No podemos seguir manteniendo una estructura que a todas luces (Y pese a la voluntad de quienes la formen, de la que en general no suelo dudar) es fallida, descoordinada y caótica. Creo que hay unos mínimos que son absolutamente incuestionables y que debemos empezar a abordarlos sin miedo y con claridad porque será la única manera de que construyamos algo sólido.
Te pongo un ejemplo: ahora parece que tenemos un supercomisario de bienales, Patxi Mangado. Sin entrar en cómo se le ha nombrado, que imagino que es a dedo… en el artículo de Scalae en que hablaba de su nombramiento, hacía hincapié de la falta de nivel industrial o de proyección profesional en los estudios españoles y como eso les dificultaba trabajar fuera, pero no nombraba en ningún momento la causa principal de esta situación: La absoluta precariedad laboral de unas empresas que quieren ser lo que no son o peor aún funcionar en economía sumergida con el consiguiente problema para los trabajadores y para el resto de profesionales. Ya sabemos de lo que hablo, esas oficinas que tienen 6 trabajadores en nómina y 30 becarios. ¿Cómo se come eso? Eso se llama competencia desleal y se llama ser un explotador. Es así de fácil. ¿Costaba mucho decirlo? Parece que sí, o que vamos a seguir con los circunloquios y con otras cuestiones que nos gustan más o que dan mejor en foto sin abordar ninguno de los problemas que hay detrás.
Yo entiendo que esta cuestión de trabajar con lo que hay para arreglarlo parece la visión lógica… pero empiezo a dudar que lo sea. El lio institucional que tenemos –y que pagamos- es como para pensar en una muy necesaria refundación. Eso exige generosidad, exige compromiso y exige capacidad de autocrítica. Que yo creo que las hay, pero que no acaban de funcionar jamás. Ojo, no quiero que parezca que esto es algo ajeno a nosotros o por señalar, a mí. Yo he sido miembro de Junta y lo habré hecho seguramente fatal. A lo que me refiero es a que los COA por ejemplo tienen asambleas. Y tienen elecciones, votos… etc. Antes de que hiciéramos esto he estado leyendo lo del Colegio de Sevilla, que lamento decir que para los que conocemos a gente de allí que se toma estas cosas en serio y nos contaban lo que veían… no es algo que nos pille de nuevas. Para empezar… ¿Tú vas y votas a un señor que se modifica los estatutos para quedarse en el cargo cuando la tendencia es a limitar los mandatos? Pues oye, ahora no te extrañes que la cosa tenga la mala pinta que tiene. Tengo un amigo que dice siempre eso, que nos quejamos mucho pero que no usamos los pocos medios de que disponemos, y no le falta razón. Ahora, si se confirma que el COAS está en quiebra y empiezan a no poder pagar… ¿Qué ocurre? Es un régimen asambleario, todos los colegiados son responsables y dueños solidarios del Colegio. No me entra en la cabeza que algo tan serio pueda pasar con “yo no voy a las asambleas porque es un rollo”. Pues nada. Ya sabes.
Lo mismo con otras cuestiones. Con la LSCP era para echarse a temblar. Había quien no sabía –después de UN AÑO- de que iba el tema. Descorazonador.
Creo que hay mínimos, repito, en los que vamos a coincidir todos al 99%, y sobre eso creo que hay que trabajar sin miedos y sin líneas rojas. Al menos hay que tener listo el plan B, porque el A ya vemos que en algunos sitios va camino del desastre.
¿Cómo ves el futuro de la arquitectura?
Pues, a pesar de la chapa que te acabo de meter… que parece muy pesimista, lo veo con cierta esperanza. Yo uso mucho en clase la definición de arquitectura de Miranda, parafraseo pero creo recordar que dice que la buena arquitectura (o la arquitectura cuando puede llamarse así) es cuando puede ponerse sin desmerecer junto al voto universal, los derechos de la mujer, el parto sin dolor, la seguridad social etc. etc… poco más se puede añadir. Ese es –creo yo- el objetivo. Espero que algo hayamos aprendido de una época tan rococó como la que hemos pasado y espero que este interés por el aspecto social de la disciplina no se pierda.
Y también que seamos como Pinky y Cerebro y hagamos lo de “take over the world”… o en otras palabras: Que aceptemos sin clasismos que esto no es una profesión “artistizada” sino que lo es en buena medida técnica (Técnicas diferentes, si prefieres) y que nos irá mucho mejor si asumimos la enorme variedad de desempeños que los arquitectos podemos tener: Desde el que -¿Por qué no?- hace concursos, al que tasa o al que calcula instalaciones o es perito.
El futuro para mi es la excelencia. Ojo, no la genialidad, que eso no es enseñable, ni estructurable. La excelencia si lo es. Peritos excelentes, calculistas excelentes, políticos excelentes (Estaría bien…). Y de ahí, empresas excelentes, contratadores excelentes… No basta con salir en las revistas ni en exposiciones que van al MoMA porque eso –estando bien- no nos va a arreglar otros problemas, por tanto no podemos usarlo como barómetro – no como el único barómetro-. A la postre, lo que entiendo es que el sector tiene que estar saneado y funcionando bien.
Por otra parte, creo que es necesario decir esto, de esa excelencia y normalización dependen muchas cosas. Entre ellas, parar la sangría de talento que estamos regalando al exterior. Pienso en Paco Casas y Bea Villanueva, en Julen Asua y Nieves Merayo, en Juan Roldán… que están todos por esos mundos, donde ir más lejos ya es dar la vuelta, y me parece siempre que tener a gente tan brillante lejos dice muy poco de cómo hemos organizado las cosas.
¿Qué opinas de los arquitectos que emprenden en nuevos campos?
Me parece fantástico. Es lo que te comentaba antes, hay muchísimas cosas que podemos hacer, y me parece fantástico que las hagamos. Ojo, también te digo que en este país usamos la etiqueta “emprendedor” con una facilidad pasmosa y a veces lo que se oculta detrás de ciertos emprendimientos es una especie de “no pienso pagar porque soy super cool y tengo un látigo pero es en colores pastel”. Eso son los mismos perros con distintos collares. Peores, si me apuras, porque encima pretenden sustituir la relación laboral normal por una especie de amistad y sentido de la pertenencia mal entendido. Y eso, evidentemente, no vale. Hay que emprender, me parece necesario, pero hay que hacerlo con la creatividad en una mano y el orden y el conocimiento en otra. Y la ética en otra (Sí, hay que tener tres brazos).
Es lo que te decía antes: planes de negocio, presupuestos, expansiones… saber que un trabajador cuesta tanto dinero y que hay que pagarle llueva nieve o haga sol… esas cosas tan básicas.
Décimo aniversario de N+1
¿Qué proyectos de futuro le esperan a José María? ¿Y a “N+1”?
Pues estoy recopilando algunas cosas de N+1 para una próxima publicación (Os mantengo informados). Supongo que N+1 seguirá como es… quizá con algún pequeño cambio, intercalando artículos algo más cortos a veces para que no pase demasiado tiempo entre unos y otros… prometo que volverán las auténticas entrevistas falsas a arquitectos. Respecto a mí, en realidad soy poco complicado… ver Hora de Aventuras con mi hija mientras elevamos nuestras espadas al aire en el salón, jugar al lego, escribir… espero que siga habiendo algo de trabajo, no tengo un estudio enorme, me conformo con poco pero me gusta hacerlo con cuidado (espero). Seguiré concursando, imagino, porque es una gimnasia fantástica. Me gustaría seguir dando clase muchos años… estoy con el doctorado… no me puedo quejar. Mi hermano -otra persona brillantísima- está en Colombia con la familia, trabajando, y al lado de estar tan lejos… me siento un privilegiado.
Para acabar, ¿qué le aconsejas a los actuales estudiantes y futuros profesionales de arquitectura?
Pues que disfruten. Y que estén siempre atentos a todo. Que esto no es fácil, pero no tiene porque no ser divertido. Que deben cuestionarse todo, para empezar todo lo que he dicho yo aquí, y para acabar hasta a ellos mismos y desarrollar un armamento para enfrentarse a las facetas de esta profesión con orden y con honestidad. Les diría que fueran honestos, que ya sé que es una palabra algo viejuna, pero que es necesaria.
Honestos y generosos, creo que solo con eso, ya tienen la mitad del camino hecha. El resto es estar atento y ser cuidadoso. Y saber el teléfono del que sabe, claro.
José María Echarte Ramos · arquitectura y crítica | N+1
Noviembre 2015
Entrevista realizada por Ana Barreiro Blanco y Alberto Alonso Oro. Agradecer a la José María su paciencia, tiempo y predisposición con este espacio.
Hoy gracias a la Fundación Caja de Arquitectos realizamos un nuevo sorteo en veredes, en esta ocasión nuestros lectores podrán optar a dos entradas para disfrutar del acto de presentación pública de la publicación Siza X Siza que tendrá lugar el próximo 20 de noviembre de 2015 a las 19.30 en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid (España).
“Álvaro Siza, escoge en esta publicación, 6 obras de entre más de 400 realizadas durante su vida profesional, y explica las razones de su selección. 157 fotografías componen el reportaje fotográfico de las seis obras realizadas en exclusiva para esta edición, así como la cuidadosa reproducción de 124 dibujos a mano del propio Álvaro Siza, muchos de ellos nunca antes publicados.”
El acto de presentación pública del libro se desarrollará en primer lugar y a modo introductorio, mediante una presentación institucional por parte del Presidente de la Fundación, Javier Navarro Martínez. Después, los editores del libro, Juan Rodríguez y Carlos Seoane, comentarán las singularidades de la edición y seguidamente, Álvaro Siza, ofrecerá una pequeña conferencia de 30 minutos, sobre su obra reciente. Más adelante en formato de mesa redonda, los autores de los prólogos del libro, los arquitectos de reconocido prestigio: David Cohn, Juhani Pallasmaa y Eduardo Souto de Moura, junto con el propio Álvaro Siza, intercambiarán sus opiniones respecto a esta publicación, moderados por la periodista de arquitectura Anatxu Zabalbeascoa.
El final del acto vendrá seguido de un ofrecimiento de copa de vino español, junto con el obsequio de uno de los ejemplares del libro a cada asistente.
El mecanismo es muy sencillo, simplemente debéis dejar un comentario definiendo lo que en vuestra opinión os sugiere el libro o la propia obra de Álvaro Siza. En esta ocasión el comentario lo podréis realizar tanto en la web (al final del post) y/o en la entrada del Facebook.
El plazo para participar en el sorteo es desde hoy jueves 12 de noviembre hasta el martes 17 de noviembre a las 00:00 horas.
Aquellos que no podáis asistir físicamente al evento, éste se retransmitirá online a través de streaming en cualquiera de los 3 idiomas para que todo el mundo pueda seguirlo paralelamente.
El origen del proyecto fue la necesidad planteada por el Centro de I+D Global de ArcelorMittal en Avilés, ubicado en dicho inmueble, de contar con más espacios de trabajo. Un edificio existente, racional, de marcada simetría, con una arquitectura pesada, grandes muros de carga y acabado exterior de ladrillo, que ya había sufrido una ampliación en los años 70.
El sushi roll insideOUT, también conocido como Uramaki, tiene como peculiaridad el hecho de que el arroz se encuentra fuera y el nori [el alga] en el interior, envolviendo el relleno. Por ello se le llama roll inside out. En esta intervención, se planteó jugar con estos conceptos referidos al dentro y fuera INSIDEout], del edificio, de la ciudad, de los materiales.
El acero, un material que entra y sale del edificio, recubriendo fachadas, escaleras, cubierta, que se puede entender como un continuo, referencia a los trenes de laminación en los que se produce, así como al primer productor mundial de acero y a una ciudad, Avilés, siempre referencia y con un incalculable patrimonio. Las partes metálicas de la intervención, podrán ser reutilizadas al 100% y un 70% de ellas provinieron de acero reciclado.
El proyecto tiene dos líneas de acción fundamentales: en primer lugar la recuperación de espacios, fachadas y funcionalidades del inmueble existente y en segundo lugar la construcción de dos nuevos edificios.
– Revestimiento del edificio del Centro de Desarrollo Tecnológico con chapa de acero micro perforada.
La fachada anterior, donde predominaba el ladrillo y el hormigón, ha pasado a tener un nuevo rostro metálico. Los colores que ahora predominan son los corporativos de ArcelorMittal: gris oscuro y naranja. Ya en el interior, se reformó el vestíbulo para relacionar verticalmente las tres plantas del antiguo inmueble, generando un nuevo Atrio que sirve de acceso al edificio.
– Construcción de dos edificios de planta baja junto al Centro de Desarrollo Tecnológico.
Un nuevo pabellón de recepción de visitantes, denominado Open Office, el cual contiene dos salas de reuniones, una zona de descanso [cafetería] así como un área de aseos. Un segundo edificio, llamado Finger Lab, el cual dispone de un laboratorio de energía, medio ambiente y simulación de procesos, así como una sala de reuniones y aseos.
Finalmente, se rehabilitó el aparcamiento ampliando el número de plazas, acondicionando las zonas verdes, planteando una nueva forma de aparcar, más dinámica y acorde al funcionamiento del centro.
Obra: Rehabilitación y ampliación del Centro de ArcelorMittal I+D+i [insideOUT]
Situación: Avilés, Principado de Asturias, España
Año: 2010-2012
Promotor: Arcelormittal
Autor: [baragaño]
Equipo: Sergio Baragaño, Inés Suárez
Colaboradores: Dacer0 [structre ]
Fotografía: Mariela Apollonio [Fotógrafa de Arquitectura]
Dirección de obra: Sergio Baragaño [baragaño], Ignacio Bayon [dirección], Rubén Rendueles [dirección técnica]
Constructoras: Aplicamet – Modultec – Guardado – Dragados Industrial – TSKTrasfalt Isastur – Ingenieros Asesores – Bellido – Asturlan -Arcelor Construcción – Arco – Vilaboy – Siemens – Lacera – Cohega Aircontect – Satec – Sadornil
Presupuesto: 1.250.000 euros
+ barchitects.eu
Ya está aquí la segunda edición de Critic|all, el Congreso de crítica organizado por la Escuela de Arquitectura de Madrid, que en su primera edición en 2014 contó con una participación espectacular.
Esta iniciativa es una gran oportunidad tanto para los jóvenes investigadores como para los más veteranos de intercambiar y confrontar sus posiciones. El formato elegido para la conferencia, con exposiciones cortas y ‘mesas de trabajo’ posteriores donde todo el mundo puede participar habla del carácter decididamente abierto de este evento académico.
Además, la publicación que se ha editado recientemente no se limita a recoger los artículos presentados, sino que reúne una serie de textos generados a partir de las reflexiones suscitadas en los debates de cada una de las ocho mesas de trabajo, junto con la versión escrita y revisada de las conferencias pronunciadas por cada uno de los invitados principales: Joan Ockman, Reinhold Martin y Fernando Castro Flórez. Podéis haceros con una copia aquí.
En esta ocasión, el tema propuesto #out-tonomy pretende recoger nuevas miradas sobre el debate acerca de los límites disciplinares de la arquitectura. Con el término out-tonomy se designa una posible zona de confluencia entre dos posturas enfrentadas y se invita a dar respuesta a algunas preguntas:
¿Son el modelo global y la autonomía disciplinar auto-excluyentes? ¿Es útil o siquiera posible reconfigurar un concepto de autonomía en el contexto actual? ¿Es posible renunciar a los límites de un conocimiento disciplinar y aun asípreservar su identidad y propósito?
Podéis consultar el texto completo bilingüe del Call For Papers y toda la info en la web y seguirles en twitter @criticallconfer
¡Todos a participar! Hay que enviar un resumen de 300 palabras máximo (en español o inglés) antes del 10 de Diciembre.
Couples & Co. 22 Mirror Stories of Spanish Architecture propone una de las muchas lecturas posibles sobre la historia reciente de la arquitectura española.A través de veintidós estudios organizados en torno a parejas, cada equipo se mira en un espejo donde descubrir cómo estos últimos dieciséis años pueden desdoblarse en dos visiones simétricas y continuas en el tiempo si bien asimétricas y discontinuas en los planteamientos y los resultados.
Relación de Estudios de arquitectura participantes y articulistas:
1.- ANTONIO JIMÉNEZ TORRECILLAS_ Elisa Valero
2.- Archikubik Bcn _ Jaume Prat Ortells
3.- CHURTICHAGA Y DE LA CUADRA SALCEDO Josemaría de Churtichaga + Cayetana Quadra-Salcedo _ Andrés Perea
4.- Cruz Ortiz _ Marta Pellegrín
5.- DJarquitectura _ Javier Arpa
6.- ELAP LosdelDesierto EvaluqueAlejandropascual _ José María Jose M Echarte Ramos
7.- MANSILLA & TUÑÓN_ Daniel Jiménez Ferrera
8.- EXANDOUNAMANO_ Aurora Adalid
9.- FAKE INDUSTRIES_ Francisco González y Nuria Alvarez Lombardero
10.- GAP_ Luis Moreno y Emilio Tuñón (2006)
11.- Grupo Aranea _ Miguel Ángel Díaz Camacho
12.- MEDIOMUNDO_ María González García y Juanjo López de la Cruz
13.- MI5_ Francisco González y Nuria Alvarez Lombardero
14.- Mmasa Arquitectos _ Alberto Alonso Oro
15.- NIETO SOBEJANO_ Néstor Montenegro.
16.- OAB_ Alberto Peñin
17.- SELGAS CANO_ Gonzalo Herrero
18.- SOL89. María González y Juanjo López de la Cruz _ Miguel Villegas Ballesta
19.- Taller de Casquería_ Jesús Donaire
20.- TEMPERATURAS EXTREMAS_ Raquel Martínez G e Ignacio Vicente-Sandoval González
21.- Vaumm Arquitectos_ Stepienybarno
22.- Zuloark _ Maite Borjabad
Escribo estas líneas con una especie de sentimiento de culpa por hablar de un artista y de su obra, la que conocí hace tiempo, y la presente a la que corresponde esta exposición, porque se acostumbra a hablar del objeto artístico y de su creador para explicarlo, algo que creo en el fondo es totalmente innecesario cuando se experimenta una intensa y honesta obra de arte.
A pesar de ese sentimiento encontrado, sin embargo, creo necesarias estas palabras para explicar, con sosiego, antes que nadie a mí mismo, ciertas características que hay en la obra plástica de Juan Rivas, y en particular en la exposición “Luz que nunca se apaga” que generan un movimiento, que funciona como una lente que altera la respiración de la mirada. Una mirada controlada, como el llenado y vaciado de una botella, atemperada por la acción del artista que nos hace ver el mundo que nos rodea de manera más compleja, y que genera una enriquecedora extrañeza en su aprehensión. Esta extrañeza, entendida como tensión añadida al conocimiento, es además doble y se produce porque Juan Rivas nos muestra por un lado, una geografía que no refleja la obviedad de la escena exterior que retrata, subvirtiendo el sentido del paisaje encontrado para convertirlo en un lugar interior, y por otro, resitúa nuestra mirada, poniéndonos mentalmente en el interior del cuadro, en un exterior que se ha vuelto del revés.
Así expresada, su acción creadora es una forma de transcribir la naturaleza como un “doméstico exterior” que hace narración desde una dialéctica contrapuesta, entre quien cree controlar la escena desde fuera, el observador, y al mismo tiempo es incomodado por sentirse resituado al interior de lo observado. Se trata, como en las obras pictóricas que aspiran de manera consciente a la imperfección, de un movimiento que llega del interior del cuadro, el ser de la pintura. Un ser que viniendo de dentro, convierte el mirar exterior en una aventura abstracta sobre lo real, en la que importa, y no, lo que hay delante, un dato fundamental que hace de Juan Rivas un verdadero artista contemporáneo.
Vao, 2015, óleo/lienzo, 35 x 60 cm.
Cuando Rivas trabaja desde fuera, para que ese ser atrape más tarde nuestra mirada, demuestra un gran conocimiento de la arquitectura, no de su representación o forma (algo que quiso dejar de dominar hace años), sino de los parámetros fundacionales de ésta y de las situaciones espaciales que tienen que ver con el “dominio arquitectónico”, entendido como lo que las cosas ocupan en el mundo. Es decir el artista sabe transcribirnos pictóricamente qué es el ser y el estar, lo que significan en la raíz de la arquitectura; control del espacio a nuestro alrededor, de las cosas del entorno en la distancia creada por una función a realizar, y no solamente, marcas y referencias dadas por los usos o circunstancias practicadas en este caso desde un no lugar, la noche, a través de la luz artificial. Luz localizadora que hace de referencia y desde donde se proyecta suficiente energía hacia el exterior, para que al final nazca la forma, dándonos la dimensión del paisaje. Dominio en la arquitectura de la escena nocturna, que es también para el artificio de la luz, buscar sitio, localizarse, ubicarse y asentarse, y de igual forma distribuir, reorganizar y equilibrar la naturaleza artificializada mediante la acción de la pintura, tarea nada fácil.
El conflicto de la luz artificial en la noche es esta vez, para Juan Rivas, la propia arquitectura, la marca que señala donde terminan o empiezan otros espacios colindantes, resultando de la armonización de ese conflicto, entre lo “iluminado y lo apagado”, entre “lo que se ve y lo que queda escondido”, la naturaleza del cuadro. Un reequilibrio de fuerzas que organiza la colonización de los espacios y los intersticios que permiten los pasos y movimientos de los habitantes nocturnos que seremos nosotros.
Finalizo como empecé, gracias a la tensión del planteamiento de Juan Rivas, con ese sentimiento de cierta culpabilidad enriquecido por no saber explicarme si soy espectador o habitante, si ando por fuera o por dentro de estas geografías nocturnas que resultan de la sutil búsqueda del equilibrio al problema de lo encontrado y antitético, del llenar y vaciar el paisaje del día artificial en la noche. Algo que solo se puede producir gracias al repensar el artista los principios elementales de la naturaleza: botella vacía que comienza a llenarse por abajo y botella llena que comienza de vaciarse por arriba, para que al final, vaciando o llenando, la fuerza de la auténtica pintura permanezca inalterable.
Camino, 2015, óleo/lienzo, 35 x 60 cm.
Campo, 2015, óleo/lienzo, 35 x 60 cm.
Cascada, 2015, óleo/lienzo, 35 x 60 cm.
Ermita II, 2015, óleo/lienzo, 35 x 60 cm.
Fiesta, 2015, óleo/lienzo, 35 x 60 cm.
Fiesta, 2015, óleo/lienzo, 35 x 60 cm.
Grela II, 2015, óleo/lienzo, 35 x 60 cm.
Luna llena, 2015, óleo/lienzo, 35 x 60 cm.
Mogor II, 2015, óleo/lienzo, 35 x 60 cm.
Pardavila, 2015, óleo/lienzo, 35 x 60 cm.
Paseo, 2015, óleo/lienzo, 35 x 60 cm.
Pereiro I, 2015, óleo/lienzo, 35 x 60 cm.
Pereiro II, 2015, óleo/lienzo, 35 x 60 cm.
Pintos, 2015, óleo/lienzo, 35 x 60 cm.
Pontillón, 2015, óleo/lienzo, 35 x 60 cm.
Riveiro, 2015, óleo/lienzo, 35 x 60 cm.
Vao, 2015, óleo/lienzo, 35 x 60 cm.
Viña, 2015, óleo/lienzo, 35 x 60 cm.
Luis Gil Pita, arquitecto
Santiago de Compostela, noviembre 2015
«Cierto. Lloyd Wright diseñó la casa donde vivo, la Beverly Johnson House, en los sesenta. El hijo de Lloyd Wright, Eric Wright, supervisó la construcción encargado por su padre. Veinticinco años después, Eric diseñó una piscina y una caseta de baño en el inmueble con el espíritu de la obra de su padre».
Por cierto, Beverly Johnson fue la primera afroamericana que apareció en la portada de Vogue y debe tener buen gusto arquitectónico si le encargó su casa a Wright.
Spohr le pregunta luego a Lynch si cree que su casa le ha influido en su trabajo y éste le responde:
«Wright es un gran arquitecto. La casa tiene un ambiente como el de la arquitectura japonesa, pero también de la modernidad americana, un poco de ambas. El espacio es sólo agradable, me da una buena sensación. Esto afecta a toda mi vida por vivir en su interior. Y entonces a veces veo cosas, formas o algo que puede estar dentro de ella y eso me inspira para el mobiliario o las películas».
La entrevistadora le sigue preguntando sobre la casa y si es la «casa de sus sueños» a lo que el cineasta responde:
«Es un bello lugar. La arquitectura es algo en lo que siempre pienso. El diseño influye en mi vida, necesito lugares agradables. A menudo mi mente deriva en esa dirección pero no soy arquitecto. Aunque realmente aprecio a los grandes arquitectos y un gran diseño puede hacer a una persona diferente».
El cineasta todavía cree que la arquitectura puede ayudar a las personas, algo en lo que desgraciadamente ya no confían muchos arquitectos.
La entrevista continúa y Spohr le pregunta por los arquitectos que más admira:
«Todos los alumnos de la Bauhaus y Pierre Chareau, él hizo la Mansión del Vidrio en París. Ludwig Mies Van der Rohe y la familia Wright, Rudolph Michael Schindler y Richard Neutra. Me gustan las cosas mínimas bellamente diseñadas».
Un gusto ecléctico y una selección, excepto Chareau, de arquitectos muy conocidos por su difusión en los medios estadounidenses.
Jorge Gorostiza, arquitecto. Autor del blog Arquitectura+Cine+Ciudad
Santa Cruz de Tenerife, julio 2015
‘El París de Le Corbusier’ analiza las relaciones duales entre la ciudad y el arquitecto: la dialéctica entre la ciudad real – el París donde vivía- y la ciudad ideal – el París abstracto que proyectaba-. Intenta confrontar ambos mundos para entenderlos mejor.
París es ocasión para comprender a Le Corbusier; Le Corbusier es ocasión para estudiar París. Ninguno de los dos factores quiere primar sobre el otro. Le Corbusier encarna la dinámica del siglo XX en París.
Es ahí donde vive la mayor parte de su vida, donde piensa, donde escribe, donde proyecta. La ciudad de Le Corbusier es el lugar de la realidad y el lugar de la utopía. Sus propuestas: la Villa Radieuse, la Ville Contemporaine, son a la vez un gesto profético y una imagen poética.
La confluencia de sus ideales con la realidad de París plantea un diálogo enriquecedor, cuyo desarrollo se expone en este libro a través de un discurso secuencial: Édouard, Jeanneret y Le Corbusier, atendiendo al descubrimiento de París por Édouard, a la dialéctica que París, provocador de energías, establece con Jeanneret, y al París de las propuestas de Le Corbusier, haciendo de ellas una travesía poética y un encuentro vital.
Pues Le Corbusier no sólo quiso proyectar la Ville Radieuse sino también vivir en ella.
ARQUITASA ha diseñado y organizado el PROGRAMA DE FORMACIÓN “ENC_17024” para FORMAR, CAPACITAR y CERTIFICAR profesionales, principalmente arquitectos, según las nuevas exigencias normativas que entrarán en vigor.
ARQUITASA seleccionará TRES PROFESIONALES, por provincia o por cada millón de habitantes, entre los alumnos que tras cursar los tres niveles del PROGRAMA DE FORMACIÓN, superen la“Prueba Evaluadora Final” y obtengan la CERTIFICACIÓN. Estos TRES PROFESIONALES pasarán a integrarse en el “Equipo Profesional Estable” de ARQUITASA. Con el resto de profesionales que logren la CERTIFICACIÓN, ARQUITASA establecerá una serie relaciones de colaboración, tanto con ella, como con el resto de las empresas del GRUPO AGIFI, en el que está integrada ARQUITASA.
Aulario Miralles en CUVI en Vigo, Galicia, España | Enric Miralles y Benedetta Tagliabue
1. CURSO DE INICIACIÓN A LAS VALORACIONES INMOBILIARIAS. PRINCIPIOS, MÉTODOS Y CRITERIOS. (NIVEL I).
ARQUITASA va a impartir el PROGRAMA DE FORMACIÓN “ENC_17024” en la ciudad de VIGO en colaboración con el COLEGIO OFICIAL DE ARQUITECTOS TÉCNICOS DE PONTEVEDRAy con el resto de las empresas del GRUPO AGIFI.
El primero de los cursos o NIVEL I, “CURSO DE INICIACIÓN A LA VALORACIÓN INMOBILIARIA. PRINCIPIOS, MÉTODOS Y CRITERIOS” se impartirá en AULA DE LA SEDE DE LA DELEGACIÓN DE VIGO del COAATIEPO, Plaza de Portugal, 2 bajo, con una carga lectiva de 15 horas.
ARQUITASA SOCIEDAD DE TASACIÓN SA es una Sociedad de Tasación, con 30 años de existencia, HOMOLOGADA por el Banco de España, desde el año 1.992, con implantación en todo el territorio español y en varios países latinoamericanos.
ARQUITASA está integrada en el GRUPO AGIFI, grupo empresarial que engloba, entre otras empresas a INZAMAC, GINPROSA, ION INVERSIONES Y FUCTURA (C@r).
ARQUITASA fue fundada por los Colegios Oficiales de Arquitectos de España. En la actualidad algunos de los referidos Colegios, como es el caso del Colegio Oficial de Arquitectos de Murcia (COAMU), permanecen en el accionariado.
ARQUITASA ha realizado más de 50.000 tasaciones, estando especializada en “valoraciones singulares” y de “especial complejidad”. ARQUITASA colabora con diferentes Organismos Públicos y con grandes empresas, elaborando informes sobre el sector.
Complejo Lúdico deportivo La Florida, Vigo, Galicia, España | Estudio Naos Arquitectura
3. ARQUITASA CAPACITADORA Y CERTIFICADORA DE PROFESIONALES
ARQUITASA además de su actividad tasadora y valoradora, ejerce, desde hace más de 30 años, una intensa labor de FORMACIÓN, CAPACITACIÓN Y CERTIFICACIÓN de profesionales, con especial atención a los arquitectos. Recientemente ha sido contratada en COLOMBIA para preparar y acreditar, en el ámbito de las valoraciones, a los profesionales colombianos. En España ha impartido más de 500 cursos, además de haber capacitado y dado trabajo a más de 1.000 arquitectos.
Recientemente ARQUITASA ha sido ACREDITADA ante el ENAC español y ante elOrganismo Nacional de Acreditación Colombiano (ONAC) como CERTIFICADORA “de personas físicas o jurídicas en el ámbito de las tasaciones, valoraciones y avalúos, según la norma ISO 17024”.
En el mercado hipotecario y pronto en los procesos expropiatorios y en general en cualquier proceso en el que intervengan las Administraciones Públicas, sólo podrán ejercer la actividad valoradora o tasadora las “Sociedades de Tasación Homologadas por el Banco de España”. A su vez, dentro de las Sociedades de Tasación, sólo podrán tasar los profesionales que estén debidamente “CERTIFICADOS” por las Sociedades acreditadas ante el ENAC, según las determinaciones de la referida ISO 17024, como es el caso de ARQUITASA.
Centro Deportivo do Pontillón do Castro en Pontevedra, Galicia, España | José Ramón Garitaonaindía de Vera
4. PROGRAMA DE FORMACIÓN “ENC_17024”.
En el referido contexto, ARQUITASA ha diseñado y organizado el PROGRAMA DE FORMACIÓN “ENC_17024” con tres cursos consecutivos de nivel y dificultad creciente, para capacitar y homologar o certificar a nuevos profesionales, principalmente arquitectos, aunque también ingenieros, economistas, abogados, etc….
Los profesionales que cursen los tres niveles del “Programa” y superen satisfactoriamente la “Prueba Final Evaluadora”, podrán ser CERTIFICADOS por ARQUITASA y comenzar a ejercer la actividad valoradora, sin ningún tipo de restricciones.
El referido PROGRAMA DE FORMACIÓN “ENC_17024” consta de los tres cursos siguientes:
1. CURSO DE INICIACIÓN A LA VALORACIÓN INMOBILIARIA. PRINCIPIOS, MÉTODOS Y CRITERIOS.
2. NIVEL II VALORACIÓN INMOBILIARIA. APLICACIONES PRÁCTICAS DE LOS DIFERENTES MÉTODOS. HERRAMIENTAS INFORMÁTICAS. VALORACIONES HIPOTECARIAS. OTRAS…
3. NIVEL III VALORACIÓN INMOBILIARIA. CURSO EXPERTO EN VALORACIONES DE SUELO Y VALORACIONES SINGULARES Y DE ESPECIAL COMPLEJIDAD.
Registro Propiedad en Vigo. Galicia. España | Jesús Irisarri y Guadalupe Piñera
5.SELECCIÓN DE PROFESIONALES PARA INCORPORARSE A ARQUITASA
ARQUITASA seleccionará a un mínimo de TRES PROFESIONALES por provincia o por cada millón de habitantes, entre los alumnos que tras cursar los tres niveles del Programa y superar la “Prueba Final Evaluadora”, hayan sido CERTIFICADOS por ARQUITASA. Estos tres profesionales seleccionados serán incorporados a los “Equipos Estables de Trabajo” de ARQUITASA.
Con independencia de los tres profesionales seleccionados por provincia, o millón de habitantes, ARQUITASA buscará otras formas de colaboración y de encargos de trabajos para el resto de profesionales que hayan obtenido la CERTIFICACIÓN.
ARQUITASA también buscará la colaboración de los PROFESIONALES CERTIFICADOS con las otras empresas del GRUPO AGIFI, en otros tipos de trabajos relacionados con el ámbito de la edificación (certificaciones energéticas, auditorías energéticas, ITEs, control de calidad, etc…).
Programa de formación “ENC_17024” de Arquitasa en Vigo Nivel 1 19-20 Noviembre. Vigo. Galicia. España “CURSO DE INICIACIÓN A LA VALORACIÓN INMOBILIARIA. PRINCIPIOS, MÉTODOS Y CRITERIOS”
AULA DE LA SEDE DE LA DELEGACIÓN DE VIGO del COAATIEPO, Plaza de Portugal, 2 bajo.
Carga lectiva de 15 horas.
Tras la inauguración del nuevo estadio de San Lázaro de Andrés Albalat, el viejo campo del “Compos” se había reconvertido a hierba sintética para acoger las escuelas deportivas municipales de fútbol. Los viejos vestuarios no daban cabida suficiente a un constante ir y venir de niños y familiares que todas las tardes del año allí se encuentran.
Evitando cualquier protagonismo, tras el muro pétreo del antiguo acceso, singularizado por la puerta elevada que una vez al año permitía entrar al circo, se oculta una pieza lineal que busca resolver el problema de modo económico, claro y riguroso. Se trataba de utilizar el único espacio libre de la parcela que permitía que el edificio facilitase el control de toda la instalación.
Una cubierta única a modo de visera-losa de hormigón se perforó cinco veces para introducir luz natural y se voló sobre los muros-respaldo de los bancos de vestuario para generar los espacios húmedos y el espacio cubierto exterior de transición hacia la zona de juego. La fragilidad y perfección de los paños de vidrio en patios, testeros y hueco corrido de duchas, contrasta con la rotundidad del hormigón estructural. Se procuró facilitar todas las operaciones de mantenimiento y conservación, cuidando el tendido y acceso a las instalaciones, que recorren longitudinalmente el edificio.
Se ejecutó en blanco y negro para que sean los usuarios quienes aporten color, haciendo suyo el edificio.
Algún día crecerá la vegetación…
Obra: Reforma del campo de fútbol de Santa Isabel
Autores: Patricia Sabín + Enrique M. Blanco
Cliente: Concello de Santiago de Compostela
Empresa constructora: 2000 Joscon Sonstrucciones SL
Emplazamiento: Santa Isabel, Santiago de Compostela, Galicia, España
Año: 2006-2008
Presupuesto de contrata: 368.290,72€ (p.e.m. 266.000,00€)
Superficie construida: 588.90 m2
Colaboradores: Marcos Álvarez, Luis Álvarez, Alba Paz, arquitecto redacción, Rebeca Blanco, arquitecto técnico, Isabel Francos, ingeniería
Dirección de obra: F. Javier Fafian, arquitecto técnico
Fotografía: Héctor Santos-Díez | BISimages + sabin-blanco.com
Viento, luminosidad, lluvia, presión atmosférica y temperatura: la estación meteorológica para el sistema de automatización KNX de Jung incorpora todos los sensores necesarios para registrar los datos meteorológicos más importantes en un aparato sólido y especialmente compacto. Su función y ámbito de aplicación principal es el control automático de persianas y toldos en viviendas y edificios, en función de las condiciones meteorológicas y de la posición del sol. Con una única estación, es posible el control inteligente de cerramientos en hasta ocho fachadas de una edificación.
Los sensores integrados miden con total fiabilidad la velocidad y la dirección del viento, la luminosidad en cuatro sentidos, el atardecer, la radiación global, las precipitaciones, la humedad relativa del aire y la presión atmosférica. Como complemento se calculan otros valores, como la humedad absoluta del aire y la sensación térmica. Con la medición de estos datos también se puede optimizar el control de la ventilación y el clima de la vivienda o edificio, según parámetros y diagramas de confort preestablecidos. El receptor GPS/GLONASS -para fecha y hora- y una función astronómica para determinar la altura del sol, optimizan las características de la estación meteorológica KNX. De esta manera, ya no es necesario ajustar la hora manualmente.
Estación meteorológica KNX Jung
Instalación sencilla
La estación meteorológica KNX de Jung se monta en su mástil de montaje con el correspondiente brazo de fijación de acero inoxidable. Por su solidez y precisión, queda garantizado un óptimo registro y medición de los datos meteorológicos. Opcionalmente, se puede montar también directamente en la fachada mediante un brazo de montaje. Asimismo, la caja de la estación está fabricada en un policarbonato especialmente resistente a condiciones meteorológicas adversas.
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![Rehabilitación y ampliación del Centro de ArcelorMittal I+D+i [insideOUT] | Baragaño Architects](https://veredes.es/blog/wp-content/uploads/2015/10/b_i-d_10_ext04.jpg "Rehabilitación y ampliación del Centro de ArcelorMittal I+D+i [insideOUT] | Baragaño Architects")
