Página 86 – veredes, arquitectura y divulgación

[:es]Punto de Información en Glorias | peris+toral.arquitectes[:gl]Punto de Información en Glorias | peris+toral.arquitectes[:en]Information Point in Glorias Square | peris+toral.arquitectes[:]

veredes

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12 octubre, 2016

[:es]Punto de Información en Glorias | peris+toral.arquitectes[:gl]Punto de Información en Glorias | peris+toral.arquitectes[:en]Information Point in Glorias Square | peris+toral.arquitectes[:]

[:es]

En respuesta tanto a la temporalidad del equipamiento como al contexto en el que se ubica, Peris+Toral apuesta por una construcción desmontable y reutilizable, que minimice su huella en el territorio: un sistema de andamiaje como estructura y solución formal del proyecto.

El equipamiento temporal, construido hace un año por el despacho catalán Peris+Toral, forma parte de la urbanización provisional de la plaza de las Glorias de Barcelona. Con este proyecto, el despacho se reafirma en una nueva manera de hacer y refuerza su búsqueda de nuevas soluciones y procesos constructivos.

El equipamiento, destinado a punto de información, zona de exposiciones sobre el proyecto de las obras en la plaza y punto de alquiler de bicicletas eléctricas, se sitúa en una encrucijada de circulaciones peatonales; la que atraviesa la plaza dirección mar-montaña y otra que conecta transversalmente con los dos equipamientos vecinos: el vivero de encinas y la nueva pérgola.

En su condición de temporal, la construcción se integra sutilmente en el entorno de transformación de la plaza de Las Glorias. Su forma lineal, su materialidad y su sistema estructural refuerzan tanto su carácter efímero como la idea de permeabilidad que persigue.

En este sentido, el andamio actúa como soporte de las tres envolventes necesarias para dotar de habitabilidad a la construcción: una piel impermeable y translúcida de policarbonato, una malla de sombreo y una malla metálica de protección. Las zonas que acogen el programa interior y los servicios se resuelven mediante dos módulos de estructura prefabricada de caseta de obra. Mientras que, la madera del pavimento y de los umbrales transversales dotan al equipamiento de espacios más cálidos.

Obra: Punto de Información en Glorias. Un andamio para un equipamiento efímero
Inauguración: Enero 2015
Emplazamiento: Plaza de las Glorias, Barcelona, España
Superficie: 300 m2
Presupuesto: 168.579 €
Cliente: BIM/SA
Arquitecto: peris+toral.arquitectes
Autores: Marta Peris, José Manuel Toral
Colaboradores: Izaskun González, estudiante
Estructura: Manel Fernández Bernuz- Fernandez aquitectes S.L.
Instalaciones: Jaume Pastor, Eletresjota tècnics associats S.L.
Arquitectura: Ana Espinosa, Leticia Soriano
Constructor: BENITO ARNO E HIJOS
Contratistas: Estructura de andamio: LAYHER S.A.
Malla triple torsión: MUROX, Bianchini Ingeniero S.A.
Policarbonato: AISLUX, Policarbonato, construcciones metálicas Pulpón
Malla de sombreo: SOLAN S.L. (GRUPO ALCONSA)
Módulos prefabricados: BALAT MODULOS PREFABRICADOS
Carpintería madera: PARKESTIL S.C.C.L.
Metalista: TOKIO METAL S.L.
Instalaciones: KREUM S.A.
Fotografía: José Hevia
+ peristoral.com

[:gl]

En resposta tanto á temporalidade do equipamento como ao contexto no que se sitúa, Peris+Toral aposta por unha construción desmontable e reutilizable, que minimice a súa pegada no territorio: un sistema de andamiaje como estrutura e solución formal do proxecto.

O equipamento temporal, construído hai un ano polo despacho catalán Peris+Toral, forma parte da urbanización provisional da praza das Glorias de Barcelona. Con este proxecto, o despacho reafírmase nunha nova maneira de facer e reforza a súa procura de novas solucións e procesos construtivos.

O equipamento, destinado a piques de información, zona de exposicións sobre o proxecto das obras na praza e punto de aluguer de bicicletas eléctricas, sitúase nunha encrucillada de circulacións peonís; a que atravesa a praza dirección mar-montaña e outra que conecta transversalmente cos dous equipamentos veciños: o viveiro de aciñeiras e a nova pérgola.

Na súa condición de temporal, a construción intégrase sutilmente na contorna de transformación da praza das Glorias. A súa forma lineal, a súa materialidad e o seu sistema estrutural reforzan tanto o seu carácter efémero como a idea de permeabilidade que persegue.

Neste sentido, a estada actúa como soporte das tres envolventes necesarias para dotar de habitabilidade á construción: unha pel impermeable e translúcida de policarbonato, unha malla de sombreo e unha malla metálica de protección. As zonas que acollen o programa interior e os servizos resólvense mediante dous módulos de estrutura prefabricada de caseta de obra. Mentres que, a madeira do pavimento e dos limiares transversais dotan ao equipamento de espazos máis cálidos.

Obra: Punto de Información en Glorias. Unha estada para un equipamento efémero
Inauguración: Xaneiro 2015
Emprazamento: Praza de las Glorias, Barcelona, España
Superficie: 300 m2
Presuposto: 168.579 €
Cliente: BIM/SA
Arquitecto: peris+toral.arquitectes
Autores: Marta Peris, José Manuel Toral
Colaboradores: Izaskun González, estudante
Estructura: Manel Fernández Bernuz- Fernandez aquitectes S.L.
Instalacións: Jaume Pastor, Eletresjota tècnics associats S.L.
Arquitectura: Ana Espinosa, Leticia Soriano
Constructor: BENITO ARNO E HIJOS
Contratistas: Estructura de andamio: LAYHER S.A.
Maia triple torsión: MUROX, Bianchini Ingeniero S.A.
Policarbonato: AISLUX, Policarbonato, construccións metálicas Pulpón
Maia de sombreo: SOLAN S.L. (GRUPO ALCONSA)
Módulos prefabricados: BALAT MODULOS PREFABRICADOS
Carpintería madera: PARKESTIL S.C.C.L.
Metalista: TOKIO METAL S.L.
Instalacións: KREUM S.A.
Fotografía: José Hevia
+ peristoral.com

[:en]

In response to both the temporality of the facility and the context where is located, Peris+Toral stands up for a detachable and reusable construction that minimizes the trace on the territory: a scaffolding system as structure and
formal solution of the project.

This temporary facility built a year ago by the Catalan practice Peris+Toral, is part of the provisional urbanization of the Glòries Square in Barcelona. With this project, the studio reasserts a new way of working and enhances its search for new solutions and constructive processes.

The facility is thought to be an information point, an exhibition area about the proposed project of the square and rental point of electric bicycles. Is located in a crossroads of pedestrian circulations; which crosses the square towards the sea-mountain and another which transversely connects the two nearby facilities: nursery oaks and the new pergola.

In its temporary condition, the construction is subtly integrated into the transformational environment of Glòries Square. Its linear shape, materials and its structural system highlight both their ephemeral character and the idea of permeability.

Along these lines, scaffolding acts as a support of the three envelopes necessary to provide habitability to the construction: an impermeable and translucent polycarbonate skin, a shade mesh and a metal mesh as a protection. The areas which host the internal program and services are solved by two structural prefabricated modules of site hut, whereas wood on the pavement and on the transverse thresholds provide warmer areas in the facility.

Work: Information Point in Glorias Square. A Scaffolding System for a Temporary Facility
Openning: Enero 2015
Site: Las Glorias square, Barcelona, Spain
Area: 300 m2
Budget: 168.579 €
Client: BIM/SA
Architect: peris+toral.arquitectes
Marta Peris, José Manuel Toral, architects
Collaborators: Izaskun González, student
Structure: Manel Fernández Bernuz- Fernandez aquitectes S.L.
Systems: Jaume Pastor, Eletresjota tècnics associats S.L.
Architecture: Ana Espinosa, Leticia Soriano
Builder: BENITO ARNO E HIJOS
Scaffolding: LAYHER S.A.
Twisted wire mesh: MUROX, Bianchini Ingeniero S.A.
Polycarbonate: AISLUX, Policarbonato, construcciones metálicas Pulpón
Shade wire net: SOLAN S.L. (GRUPO ALCONSA)
Prefabricated modules: BALAT MODULOS
PREFABRICADOS
Woodwork: PARKESTIL S.C.C.L.
Metalworker: TOKIO METAL S.L.
Systems: KREUM S.A.
Photography: José Hevia
+ peristoral.com

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[:es]FORM&DATA Proyectos de vivienda colectiva. Una revisión anatómica[:gl]FORM&DATA Proxectos de vivenda colectiva. Unha revisión anatómica[:en]FORM&DATA Projects of collective housing. An anatomical review[:]

veredes

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11 octubre, 2016

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[:es]FORM&DATA Proyectos de vivienda colectiva. Una revisión anatómica[:gl]FORM&DATA Proxectos de vivenda colectiva. Unha revisión anatómica[:en]FORM&DATA Projects of collective housing. An anatomical review[:]

[:es]

El dibujo del elefante plantea la relación entre estructura soporte y forma. Este sistema interior sabemos que existe, pero no somos conscientes de su materialidad en todo momento.

FORM&DATA incluye una revisión anatómica de 20 proyectos de vivienda colectiva, que desvela la verdadera relación entre forma y órganos internos y descubre el lugar donde se encuentra el alma de cada proyecto.

a+t research group continúa así el camino iniciado en WHY DENSITY?, donde presenta un conjunto de herramientas para construir la ciudad densa. FORM&DATA utiliza los conceptos incluidos en aquella publicación para analizar gráficamente edificios de vivienda colectiva construidos entre 2013 y 2016.

Elementos extraídos de los proyectos:

· Forma urbana.

· Concepto.

· Datos (ocupación del terreno, localización).

· Comportamientos objetivos (inserción en la trama, espacios compartidos, espacio público, circulaciones, usos…).

· Plantas, alzados y secciones.

Además, FORM&DATA incluye un capítulo de 23 páginas donde compara y relaciona los proyectos estudiados.

El libro forma parte de la serie Densidad, considerada la investigación sobre vivienda colectiva de referencia en todo el mundo.

[:gl]

O debuxo do elefante expón a relación entre estrutura soporte e forma. Este sistema interior sabemos que existe, pero non somos conscientes do seu materialidad en todo momento.

FORM&DATA inclúe unha revisión anatómica de 20 proxectos de vivenda colectiva, que desvela a verdadeira relación entre forma e órganos internos e descobre o lugar onde se atopa a alma de cada proxecto.

a+t research group continúa así el camino iniciado en WHY DENSITY?, donde presenta un conjunto de herramientas para construir la ciudad densa. FORM&DATA utiliza los conceptos incluidos en aquella publicación para analizar gráficamente edificios de vivienda colectiva construidos entre 2013 y 2016.

Elementos extraídos dos proxectos:

· Forma urbana.

· Concepto.

· Datos (ocupación do terreo, localización).

· Comportamentos obxectivos (inserción na trama, espazos compartidos, espazo público, circulacións, usos…).

· Plantas, alzados y secciones.

Ademais, FORM&DATA inclúe un capítulo de 23 páxinas onde compara e relaciona os proxectos estudados.

O libro forma parte de sériea serie Densidade, considerada a investigación sobre vivenda colectiva de referencia en todo o mundo.

[:en]

The drawing of the elephant raises the relation between structure support and forms. This interior system we know that it exists, but we are not conscious of his materiality at all time.

FORM&DATA includes an anatomical review of 20 projects of collective housing, which reveals the real relation between form and internal organs and discovers the place where one finds the soul of every project.

a+t research group continues this way the way initiated in WHY DENSITY?, where he presents a set of tools to construct the dense city. FORM&DATA uses the concepts included in that publication to analyze graphically buildings of collective housing constructed between 2013 and 2016.

Elements extracted from the projects:

· Urban form.

· Concept.

· Information (occupation of the area, location).

· Objective Behaviors (insertion in the plot, shared spaces, public space, traffics, uses…).

· Plants, gatherings and sections.

In addition, FORM&DATA includes a chapter of 23 pages where it compares and relates the studied projects.

The book forms a part of the series Density, considered the investigation on collective housing of reference in the whole world.

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Entrevista con Cruz y Ortiz

Alberto Alonso Oro

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10 octubre, 2016

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“Cruz y Ortiz 1/200...1/2000” en Museo ICO — “Cruz y Ortiz 1/200…1/2000” en Museo ICO

“El objetivo principal del Museo ICO es difundir la mejor arquitectura contemporánea, tanto española como internacional. Este año hemos viajado desde Olot a Sevilla para ofrecer una perspectiva más amplia de nuestra arquitectura. Así, tras RCR Arquitectes, es un honor poder contar ahora con Antonio Cruz y Antonio Ortiz.”.

Mónica de Linos, Directora de la Fundación ICO.

“Compartir mesa con los proyectistas”.

La singularidad de la exposición retrospectiva titulada “Cruz y Ortiz 1/200…1/2000” de la obra del estudio Cruz y Ortiz Arquitectos se podría definir claramente con este título, representado en las palabras del comisario de la exposición Jesús Ulargui Agurruza, arquitecto y profesor de Proyectos de la ETSAM desde 1993.

La observación en el proceso del pensamiento proyectual emerge a medida que se recorren las mesas con el material expuesto, puesto que nos encontramos con maquetas de dos escalas diferentes; 1:200, escala que nos invita a acercarnos, y recorrer visualmente el espacio interior de una obra o bien a 1:2000, escala que nos pone de manifiesto una idea o hilo conductor en la ejecución de un proyecto con la síntesis como aliada.

“Su arquitectura se caracteriza por el rigor, la sobriedad y la preocupación por el proceso constructivo, características que hacen a su obra merecedora de una mirada detallada”.

Mónica de Linos, Directora de la Fundación ICO.

Forman parte de las mesas alargadas donde se exhiben los 50 proyectos del estudio a lo largo de más de 40 años de trayectoria profesional, los croquis a mano alzada y los planos representativos de cada uno de los proyectos u obras. La participación de los croquis también sostendrá y avalará el título con el que iniciábamos este breve comentario.

Antonio Cruz - Mónica de Linos - Jesús Ulargui Agurruza - Antonio Ortiz. En la parte posterior podemos observar la fotografía del patio de las Viviendas en calle Doña María Coronel enSevilla, cuyo autor es José Manuel Ballester, Premio Nacional de Fotografía 2010. — Antonio Cruz – Mónica de Linos – Jesús Ulargui Agurruza – Antonio Ortiz. En la parte posterior podemos observar la fotografía del patio de las Viviendas en calle Doña María Coronel en Sevilla, cuyo autor es José Manuel Ballester, Premio Nacional de Fotografía 2010.

Durante la rueda de prensa Mónica de Linos puso especial énfasis en dos proyectos de interés para el Museo ICO:

– The Rijksmuseum, Amsterdam, por el ejercicio de reflexión de lo que un museo debe ser.

– Estadio del Atlético de Madrid, por la intervención del estudio en la historia urbanística de Madrid.

Mesa expositiva en “Cruz y Ortiz 1/200...1/2000” — Mesa expositiva en “Cruz y Ortiz 1/200…1/2000”.

Por otro lado, Jesús Ulargui Agurruza nos explicó las 4 herramientas fundamentales que comprobaremos a lo largo de la exhibición;

1. La transformación de la sala en una única unidad atravesada por mesas, iluminadas y preparadas para exponer las piezas de idéntica manera.

Estadio del Atlético de Madrid. Exposición “Cruz y Ortiz 1/200...1/2000” — Estadio del Atlético de Madrid. Exposición “Cruz y Ortiz 1/200…1/2000”.

2. Metodología de trabajo basada en croquis y maquetas, cuya intención es compartir mesa con los proyectistas. Las maquetas en dos únicas escalas 1:200 / 1:2000 para pasar de lo pequeño a lo grande en un ejercicio de síntesis único.

The Rijksmuseum, Amsterdam. Exposición “Cruz y Ortiz 1/200…1/2000”.

3. 16 vídeos en una visita guiada por los edificios a cargo de los propios arquitectos.

4. Un catálogo de carácter cerrado con 12 obras del estudio que también forman parte de las 50 que se exhiben en la exposición.

Exposición del catálogo titulado "Cruz y Ortiz 12 edificios-12 textos" — Exposición del catálogo titulado «Cruz y Ortiz 12 edificios / 12 textos«.

El catálogo titulado «Cruz y Ortiz 12 edificios / 12 textos», conforma según palabras de Antonio Cruz:

“un único cuerpo de pensamiento que surge a partir de la selección de 12 edificios representativos y sus respectivos comentarios derivados de la opinión de los 12 arquitectos seleccionados especialmente por el estudio para comentar cada uno de los proyectos.”

Sin más preámbulos compartimos la pequeña charla que tuvimos la oportunidad de realizar ambos arquitectos en el Museo ICO de Madrid.

¿Por qué introducir el tema de la escala en el enfoque expositivo?

Antonio Ortiz: Los arquitectos conocemos bien ese tránsito que se produce mediante el uso de escalas progresivamente mayores. En él se parte de un principio muchas veces intuitivo hasta alcanzar la precisión y exactitud que un documento técnico exige.

El museo se ha dividido en tres espacios expositivos y dos zonas de proyección. ¿Por qué este planteamiento?

Antonio Ortiz: No nos cabe duda de la fascinación que las reproducciones a escala de la realidad producen en quienes las contemplan. Algo de ello se pretende alcanzar a través de la profusión de maquetas expuestas y subrayar desde el mismo título de la exposición. Se ha querido así encontrar una solución para algo en lo que todos los arquitectos coincidimos: una exposición de arquitectura no es algo fácil de hacer.

Tras más tres décadas de ejercicio profesional ¿qué va a encontrarse el espectador en esta nueva exposición?

Cruz y Ortiz Arquitectos: Hace ya años que realizamos unas primeras exposiciones –las llamamos “Arquitectura de Síntesis”– en las que utilizamos también las maquetas para ilustrar lo que acabamos de explicar. La presente exposición sería, por tanto, una intensificación de las anteriores. Y su título –más aséptico y menos pretencioso, 1/200…1/2000– es el reconocimiento de la innegable capacidad de sugerencia de lo reducido.

Distribuidas y situadas colocadas en lugares estratégicos en la exposición nos encontramos fotografías de José Manuel Ballester, Premio Nacional de Fotografía 2010, que dan magnitud y belleza a la misma.

Antonio Ortiz: La colaboración de José Manuel Ballester, con cinco de sus fotografías hay que entenderla como un gesto de generosidad y amistad por su parte al aceptar un papel subsidiario que no es habitual en él. Estas fotos en grandes formatos acentúan sin ilustrar ciertos momentos de la exposición.

Cruz y Ortiz. Edificio de viviendas de la calle Doña María Coronel | Fotografía: José Manuel Ballester

En sus charlas o conferencias afirman que el “edificio debe explicarse desde sí mismo”. Pero ¿cómo y cuándo se origina el proyecto? ¿Es un momento individual o colectivo? ¿Cómo se desarrolla posteriormente para llegar a ese concepto?

Antonio Cruz: El proyecto de arquitectura se origina a partir de una conversación, del diálogo con mi socio, del análisis minucioso de los componentes, no surge como idea brillante en un instante, sino a partir del estudio y el entendimiento.

¿Cuál es hilo conductor que cosen todas sus obras?

Antonio Cruz: No lo sé bien, a veces uno piensa que estas preguntas las deben contestar los críticos no los propios autores de las obras, yo creo que hay un hilo conductor que es la respuesta a las necesidades de cada problema que recibimos. El hilo conductor sería precisamente el NO hilo conductor. Es decir, considerar que cada problema o encargo que llega al estudio es un problema nuevo o distinto, y que hay que analizar cuál es la oportunidad que se esconde detrás de ese encargo. Descubrir la oportunidad que brinda el encargo es muy importante, y el análisis de la situación podría ser el hilo conductor, por ejemplo podemos trabajar con los materiales, con la estructura, podemos trabajar con la función, ir descubriendo esto sería el hilo conductor que cose todas las obras.

Muchas veces se dice que el problema esconde la solución.

Antonio Cruz: Exactamente, tratar de hacer de los problemas, virtudes.

catálogo titulado "Cruz y Ortiz 12 edificios / 12 textos". — Catálogo titulado «Cruz y Ortiz 12 edificios / 12 textos».

Esta crisis ha puesto de manifiesto que existen otros modelos de arquitectos, dada su dilatada experiencia profesional y docente, ¿qué recorrido cree que tienen? ¿Se debería adaptar el modelo docente a las nuevas necesidades?

Antonio Cruz: El modelo docente debe adaptarse en efecto, no sé qué comentario podría hacer sobre esta pregunta…evidentemente el tipo de docencia que hay en España es bastante distinta a la que encontramos en otros países, es una docencia muy técnica, donde el arquitecto recibe una gran formación técnica, y esto tiene su ventaja y sus inconvenientes, el arquitecto español domina la técnica o al menos tiene conocimientos de esta técnica, pero por otro lado también es verdad que muchas veces salen los arquitectos con una baja formación plástica o una baja formación en los problemas de la forma y están más entrenados en los problemas técnicos que en los formales, y esto seguramente en España tendría que mejorarse.

¿Qué aconsejarían a los actuales estudiantes y futuros profesionales de arquitectura?

Antonio Cruz: Que tengan calma, que tengan mucha calma, que huyan de los caminos rápidos y fáciles, que se den cuenta que esta es una actividad que exige mucho conocimiento, mucha calma y mucha apreciación de los distintos problemas a los que se van a enfrentar y que no tengan prisa.

La exposición “Cruz y Ortiz 1/200…1/2000” desde el 5 de octubre de 2016 hasta el 22 de enero de 2017, el Museo ICO. Por último agradecer tanto a Antonio Cruz y Antonio Ortiz como al Museo ICO su predisposición con este espacio.

Entrevista realizada por Paz Molinari y Alberto Alonso Oro para veredes.

Zumthor, entre el sosiego y la seducción | Marcelo Gardinetti

Marcelo Gardinetti

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7 octubre, 2016

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Zumthor, entre el sosiego y la seducción | Marcelo Gardinetti

museo-de-la-mina-de-almannajuvet-noruega-fotografia-arne-espeland-01 — Museo de la mina de Almannajuvet (Noruega) | Fotografía: Arne Espeland

Una de las principales motivaciones de Peter Zumthor respecto a su propia obra consiste en proponer el entendimiento inmediato del objeto construido, para bucear mediante un atisbo primario la sensibilidad emocional de sus espectadores. En busca de ese objetivo, Zumthor procura que las combinaciones de formas, materiales, colores y texturas, se amalgamen en el pensamiento perceptivo, dando lugar a la creación de una atmósfera arquitectónica de identidad univoca.

A partir de esta idea, manipula cada entidad de diseño perfilando su anatomía, deliberando dónde y cuándo debe influir o no en un contexto determinado, y cómo debe expresar su presencia material en ese medio. La tensión que propone entre el entorno y el objeto busca alcanzar una sensación de lugar de manera natural, sin que la imposición de masas altere el equilibrio existente. Para ello, armoniza las posibilidades cinemáticas de los elementos de la arquitectura mediante secuencias espaciales que estimulan la distensión y la sorpresa.

museo-de-la-mina-de-almannajuvet-noruega-fotografia-arne-espeland-04 — Museo de la mina de Almannajuvet (Noruega) | Fotografía: Arne Espeland

Los 4 volúmenes que forman parte del conjunto museográfico de la mina de zinc respetan cabalmente estos cánones. Cada objeto parece levitar sobre la ladera, siguiendo la estrategia de recorrido que propone el plan del sitio. De esta forma, Zumthor evita un excesivo peso visual sobre el paisaje, pero además revaloriza los depósitos arqueológicos de la mina de Almannajuvet como el verdadero museo.

Cada uno de los edificios responde a un fin específico y por lo tanto arrogan diferentes configuraciones, pero el arte constructivo es común a todos y se reduce a un manejo lucido de la madera, empleada tanto a modo de elemento estructural como para establecer los límites del espacio habitable.

Museo de la mina de Almannajuvet (Noruega) |Fotografía: Arne Espeland — Museo de la mina de Almannajuvet (Noruega) | Fotografía: Arne Espeland

La estructura de pino, preservada por las cualidades biocidas de la creosota, se disemina sobre la ladera como un bosque de delgados soportes. En algunos casos los tirantillos apoyan directamente sobre el suelo, cubriendo todo el perímetro de la caja que soportan. En otros, se sujetan a las paredes verticales del estrato rocoso, fundando un soporte estructural en voladizo.

Por encima de cada estructura reposan volúmenes de madera teñida de color azul cobalto. Pesadas puertas de acero cincado permiten acceder al interior de esas instalaciones, que contienen las áreas de información, las áreas administrativas y la cafetería. Una cubierta liviana de chapa ondulada separada de la caja azul corona el conjunto.

Los cuatro edificios, estratégicamente ubicados, proponen un espectáculo ambiguo y encantador. Sus formas estrictas se revelan entre los componentes naturales del sitio, pero la complexión delicada de su arquitectura y la característica de sus texturas y colores, permiten que se funda entre el paisaje que forman los abedules, las piedras de granito y el musgo que cubre el lugar.

Zumthor conduce el proceso constructivo con coherencia desde la gestación, consolidando el diseño mediante el desarrollo de maquetas escala uno en uno, que permiten pulir los más variados detalles mediante una paciente búsqueda de la perfección constructiva.

Las estructuras incorporadas salpican el paisaje con la cordialidad que pretende el artista. El entendimiento compositivo es alcanzado de inmediato. Las formas construidas se amalgaman en la montaña, concertando una atmosfera que cautiva mediante el arrobamiento visual.

Zumthor sumerge al visitante en un compendio de sensaciones lúcidas y afables, mediante el estímulo de un espectáculo visual que prospera entre el clima de sosiego y las delicias de la seducción.

Museo de la mina de Almannajuvet (Noruega) |Fotografía: Atelier Peter Zumtor — Museo de la mina de Almannajuvet (Noruega) | Fotografía: Atelier Peter Zumtor

Marcelo Gardinetti. Arquitecto
La Plata, Argentina. Octubre 2015

Le Corbusier. Le Grand

veredes

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6 octubre, 2016

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[:es]

El artista total. El fenómeno, el exponente, el visionario, el mesías del equilibrio y el virtuoso de lo moderno. No hay muchos ni ha habido muchos sobre la tierra en todo las páginas que llevamos pasadas de historia del arte, pero podemos contar algunos de estos prodigios con los dedos de las manos. Sin lugar a dudas, en algún lugar entre el índice y el corazón nos encontramos con Le Corbusier. Sin exageración alguna es denominado el padre de la arquitectura moderna (en el fondo, creemos que se queda corto el título para definir a este magnánimo de la creatividad más inquieta e influyente del siglo XX), pero el artista suizo también fue urbanista, escultor, pintor, diseñador de mobiliario, teórico social, etc.

Un auténtico privilegiado, un iluminado en las concepciones plásticas, espaciales, estéticas, y funcionales. Eso es: Le Corbusier, el grande. Por eso es muy difícil abordar y evaluar el estudio de su obra tan prolija e inconmensurable. Sin embargo, Le Corbusier Le Grand (Phaidon, 2008), de título certeramente elegido, nos lo va a poner un poco más fácil.

Y no tan grande como Le Corbusier, pero casi, es este libro de diseño inmenso y alrededor de ocho kilos de peso. Una joya, un tesoro y una mina, para cualquier interesado en la obra de Charles Edouard Jeanneret, nombre original del artista. En este volumen colosal (parecido, en dimensiones, a aquel que ya publicara la misma editorial en 2006, sobre Andy Warhol), encontramos una elaborada biografía que nos presenta aquellos acontecimientos y personas que marcaron su vida y un minucioso repaso a su obra.

Innumerables, bueno sí, más de 2.000, imágenes que podemos observar en detalle (debido al formato del libro) y documentos no publicados hasta la fecha: ensayos de sus trabajos, bocetos, recortes de prensa correspondencia con Joséphine Baker, Eileen Gray, Fernand Léger o Pablo Picasso, entre otras personalidades. Todo esto en alrededor de 700 páginas introducidas por un ensayo de Jean-Louis Cohen (especialista en arquitectura y urbanismo) e introducciones capitulares de uno de los más reconocidos estudiosos del suizo, Tim Bento.

Un libro y una obra de arte. Un lujo para recordar a este genio de escuadra y cartabón.

[:gl]

O artista total. O fenómeno, o expoñente, o visionario, o mesías do equilibrio e o virtuoso do moderno. Non hai moitos nin houbo moitos sobre a terra en todo as páxinas que levamos pasadas de historia da arte, pero podemos contar algúns destes prodixios cos dedos das mans. Sen dúbida, nalgún lugar entre o índice e o corazón atopámonos con Le Corbusier. Sen esaxeración algunha é denominado o pai da arquitectura moderna (no fondo, cremos que queda curto o título para definir a este magnánimo da creatividade máis inquieta e influente do século XX), pero o artista suízo tamén foi urbanista, escultor, pintor, deseñador de mobiliario, teórico social, etc.

Un auténtico privilexiado, un iluminado nas concepcións plásticas, espaciais, estéticas, e funcionais. Iso é: Lle Corbusier, o grande. Por iso é moi difícil abordar e avaliar o estudo da súa obra tan prolija e inconmensurable. Con todo, Le Corbusier Le Grand (Phaidon, 2008), de título certeramente elixido, váinolo a poñer un pouco máis fácil.

E non tan grande como Le Corbusier, pero case, é este libro de deseño inmenso e ao redor de oito quilos de peso. Unha xoia, un tesouro e unha mina, para calquera interesado na obra de Charles Edouard Jeanneret, nome orixinal do artista. Neste volume colosal (parecido, en dimensións, a aquel que xa publicase a mesma editorial en 2006, sobre Andy Warhol), atopamos unha elaborada biografía que nos presenta aqueles acontecementos e persoas que marcaron a súa vida e un minucioso repaso á súa obra.

Innumerables, bo si, máis de 2.000, imaxes que podemos observar en detalle (debido ao formato do libro) e documentos non publicados ata a data: ensaios dos seus traballos, bosquexos, recortes de prensa correspondencia con Joséphine Baker, Eileen Gray, Fernand Léger ou Pablo Picasso, entre outras personalidades. Todo isto en ao redor de 700 páxinas introducidas por un ensaio de Jean-Louis Cohen (especialista en arquitectura e urbanismo) e introducións capitulares dun dos máis recoñecidos estudiosos do suízo, Tim Bento.

Un libro e unha obra de arte. Un luxo para lembrar a este xenio de escuadra e cartabón.

[:en]

A spectacular visual biography of the life and work of Le Corbusier (1887–1965), one of Modernism’s most influential architects, urban planners, and theorists.

Approximately 2,000 images and documents, many previously unpublished, feature his major built works, urban plans, paintings, publications, and furniture as well as sketches, archival photographs, and personal correspondence. Rarely seen photographs and correspondence shed new light on Le Corbusier’s relationships with Josephine Baker, Eileen Gray, Fernand Léger, Pablo Picasso, Jean Prouvé, and many others.

Insightful introductory essay by France’s most authoritative architectural historian and critic, Jean-Louis Cohen, and incisive chapter introductions by highly regarded Le Corbusier scholar Tim Benton. The same grandly oversized format as Warhol «Giant Size»

Le Corbusier (1887-1965) is one of the giants of twentieth-century architecture and design. Born Charles Edouard Jeanneret in La Chaux-de-Fonds, Switzerland, the self-named Le Corbusier was not only the creator of some of the most important and impressive buildings of the last century–Villa Savoye at Poissy, the Chapel of Notre Dame du Haut at Ronchamp, the Parliament Building in Chandigarh, India–he was also an accomplished painter, sculptor, furniture designer, urbanist, and author. His work and social theories continue to be a dominant force in the world of architecture and design, while his elegant bearing, typified by his round black eyeglasses, which are still today a signature look for architects around the world, helped cast him as an heroic figure out of Ayn Rand’s novel The Fountainhead.

Drawing on an array of archival material, including sketches, photographs, and correspondences, Le Corbusier Le Grand depicts in roughly chronological order not only the vast and varied output of Le Corbusier, but also the major events, people, and forces that shaped the life of an artist who continues to fascinate those in and outside the architectural world.

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[:es]Casa en el mercado de la calle Feria | sol89[:gl]Casa no mercado da rúa Feria | sol89[:en]House in the market at Feria street | sol89[:]

veredes

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5 octubre, 2016

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[:es]Casa en el mercado de la calle Feria | sol89[:gl]Casa no mercado da rúa Feria | sol89[:en]House in the market at Feria street | sol89[:]

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“Nacer en la calle Ancha de la Feria y encararse con la humanidad que hierve en ella apenas se ha cansado uno de andar a gatas y se ha levantado de manos para afrontar la vida a pecho descubierto, es una empresa heroica, que imprime carácter y tiene una importancia extraordinaria para el resto de la vida, porque súbitamente la calle ha dado al neófito una síntesis perfecta del Universo. Son esas calles que milagrosamente llevan siglos de vida intensa, sin que el volumen de su pasado las haya envejecido; son viejas y no lo parecen; sin que se les haya olvidado nada, viven una vida actual febril y auténtica, vibrando con la inquietud de todas las horas; en cada generación se renuevan de manera invisible y naturalísima.”

Manuel Chaves Nogales, Un niño en una calle de Sevilla, en Juan Belmonte, matador de toros, 1970.

El proyecto surge de una situación de urgencia: una orden de ejecución municipal obliga a los nuevos propietarios de esta casa, de finales del siglo XIX, a intervenir en ella con inmediatez para reparar las patologías detectadas por la inspección técnica efectuada algunos años antes.

La premura impuesta y la inversión medida condicionan el modo de intervención; deciden comenzar ellos mismos la obra, como hobby de fin de semana, demuelen y desmontan a la vez que se hace el proyecto para ir conociendo paulatinamente lo que la casa pudiera ocultar. Retiran los falsos techos, particiones y revestimientos que velaban muros y forjados desde que en los años ochenta hubo un intento de convertir la vivienda en una especie de apartamento, tentativa imposible de domesticar la ambigüedad de esta morada centenaria de carniceros del mercado que penetra sinuosa e imprecisa en la manzana.

En ese proceso en el que avanzan a ciegas, donde borrar es más necesario que dibujar y donde el proyecto se hace y deshace sucesivamente, van descubriendo poco a poco una casa latente que permanecía oculta, velada bajo el disfraz de tabiques, morteros y escayolas. Forjados de madera y muros marcados por huecos cegados con el tiempo relatan una construcción hecha a trazos a partir de una negociación continua con sus vecinos que habría de provocar el cambio continuo de su perfil a lo largo de los años. Sobre la marcha deciden retirar los forjados y vigas en peor estado, soldar dinteles y recuperar huecos que existieron en otro momento, cediendo superficie a cambio de ganar volumen, también optan por conservar aquellos elementos revelados que narran la historia de aquel lugar asumiendo que el tiempo también construye. Casi sin que ellos mismos se den cuenta, la casa va pareciéndose a lo que en principio debió ser: un lugar donde construcción y vacío se alternan en similar proporción.

Continúan desvelando pacientemente, se diría que como arqueólogos más que como constructores, y el mal estado de los muros y dinteles de la planta a nivel de calle, donde existía un bar de mercado abandonado, obliga a intervenir en él; deciden entonces hacer muy poco, apenas recuperar el vacío de esa planta adintelando muros que dejen pasar el aire, una continuación del espacio de la calle que se mete dentro de la casa, como un pasaje, un zaguán o un adarve, como los vacíos que desdibujan el espacio común en la trama abigarrada y al tiempo porosa del centro de Sevilla. Ese lugar se convierte en el jardín de la casa, con la peculiaridad de que está debajo de ésta, un sitio de pasos y encuentros como lo es la propia plaza tumultuosa del mercado de la calle Feria, es un espacio sin programa en el que pueden suceder todos los usos: el hijo de la pareja tarda 37 segundos en recorrerla de un extremo a otro en su triciclo.

El proyecto sin proyecto resulta ser como un texto continuado a partir de otro ya existente, donde ha habido que borrar párrafos que resultaban ilegibles por el paso del tiempo y donde se leyó pacientemente lo ya escrito para que nuevos renglones convivan con los anteriores continuando la historia ya comenzada tiempo atrás. El texto sigue abierto y aún quedan capítulos por escribir.

Obra: Casa en el mercado de la calle Feria
Arquitectos: Sol89. María González y Juanjo López de la Cruz
Localización: Sevilla, España
Proyecto: 2009-2012
Ejecución: 2009-2012
Superficie de la intervención: 250 m²
Estructura: Sol89
Instalaciones: Sol89
Constructora: Autoconstrucción y Alejandro Fdez. Carbonero
Fotografías: Fernando Alda
+ sol89.sol89.com

[:gl]

“Nacer na rúa Ancha da Feira e encararse coa humanidade que ferve nela apenas se cansou un de andar a gatiñas e levantouse de mans para afrontar a vida a peito aberto, é unha empresa heroica, que imprime carácter e ten unha importancia extraordinaria para o resto da vida, porque súbitamente a rúa deu ao neófito unha síntese perfecta do Universo. Son esas rúas que milagrosamente levan séculos de vida intensa, sen que o volume do seu pasado envelleceunas; son vellas e non o parecen; sen que se lles esqueceu nada, viven unha vida actual febril e auténtica, vibrando coa inquietude de todas as horas; en cada xeración renóvanse de maneira invisible e naturalísima.”

Manuel Chaves Nogales, Un neno na rúa de Sevilla, en Juan Belmonte, matador de toros, 1970.

O proxecto xorde dunha situación de urxencia: unha orde de execución municipal obriga aos novos propietarios desta casa, de finais do século XIX, a intervir nela con inmediatez para reparar as patoloxías detectadas pola inspección técnica efectuada algúns anos antes.

A présa imposta e o investimento medido condicionan o modo de intervención; deciden comezar eles mesmos a obra, como hobby de fin de semana, demolen e desmontan á vez que se fai o proxecto para ir coñecendo paulatinamente o que a casa puidese ocultar. Retiran os falsos teitos, particións e revestimentos que velaban muros e forxados desde que nos anos oitenta houbo un intento de converter a vivenda nunha especie de apartamento, tentativa imposible de domesticar a ambigüidade desta morada centenaria de carniceiros do mercado que penetra sinuosa e imprecisa na mazá.

Nese proceso no que avanzan a cegas, onde borrar é máis necesario que debuxar e onde o proxecto faise e desfai sucesivamente, van descubrindo aos poucos unha casa latente que permanecía oculta, velada baixo o disfrace de tabiques, morteiros e escaiolas. Forxados de madeira e muros marcados por ocos cegados co tempo relatan unha construción feita a trazos a partir dunha negociación continua cos seus veciños que habería de provocar o cambio continuo do seu perfil ao longo dos anos. Sobre a marcha deciden retirar os forxados e vigas en peor estado, soldar dinteles e recuperar ocos que existiron noutro momento, cedendo superficie a cambio de gañar volume, tamén optan por conservar aqueles elementos revelados que narran a historia daquel lugar asumindo que o tempo tamén constrúe. Case sen que eles mesmos déanse conta, a casa vai parecéndose ao que en principio debeu ser: un lugar onde construción e baleiro altérnanse en similar proporción.

Continúan desvelando pacientemente, diríase que como arqueólogos máis que como construtores, e o mal estado dos muros e dinteles da planta a nivel de rúa, onde existía un bar de mercado abandonado, obriga a intervir nel; deciden entón facer moi pouco, apenas recuperar o baleiro desa planta adintelando muros que deixen pasar o aire, unha continuación do espazo da rúa que se mete dentro da casa, como unha pasaxe, un zaguán ou un adarve, como os baleiros que desdibujan o espazo común na trama abigarrada e ao tempo porosa do centro de Sevilla. Ese lugar convértese no xardín da casa, coa peculiaridade de que está debaixo desta, un sitio de pasos e encontros como o é a propia praza tumultuosa do mercado de cálea Feira, é un espazo sen programa no que poden suceder todos os usos: o fillo da parella tarda 37 segundos en percorrela dun extremo a outro no seu triciclo.

O proxecto sen proxecto resulta ser como un texto continuado a partir doutro xa existente, onde houbo que borrar parágrafos que resultaban ilegibles polo paso do tempo e onde se leu pacientemente o xa escrito para que novas liñas convivan cos anteriores continuando a historia xa comezada tempo atrás. O texto segue aberto e aínda quedan capítulos por escribir.

Obra: Casa no mercado da rúa Feria
Arquitectos: Sol89. María González e Juanjo López de la Cruz
Emprazamento: Sevilla, España
Proxecto: 2009-2012
Execución: 2009-2012
Superficie da intervención: 250 m²
Estructura: Sol89
Instalacións: Sol89
Constructora: Autoconstrucción e Alejandro Fdez. Carbonero
Fotografías: Fernando Alda
+ sol89.sol89.com

[:en]

“To be born in the Broad street of the Fair and one to fall sick with the humanity who boils in her scarcely has got tired of walking to cats and it has got up of hands to confront the life to disclosed chest, is a heroic company, which stamps character and has an extraordinary importance for the rest of the life, because suddenly the street has given a perfect synthesis of the Universe to the neophyte. They are these streets that miraculously go centuries of intense life, without the volume of his past has aged them; they are old and they it do not seem; without nothing has forgotten them, they live through a current feverish and authentic life, vibrating with the worry of every hour; in every generation they are renewed in an invisible and most natural way.”

Manuel Chaves Nogales, A child in a street of Seville, in Juan Belmonte, killer of bulls, 1970.

The project arises from an emergency situation: a town hall execution order requires new owners of this 19th century home to intervene on it immediately to repair the pathologies detected by the technical inspection carried out some years before.

The urgency and the limited budget conditioned the mode of intervention: the owners decided to start the work themselves. They demolished partitions, removed suspended ceiling and claddings walls, to get to know what the house could hide. In the process in which they move blindly, where to erase is needed more than to draw and where the project goes and comes back, they go slowly discovering latent house that was hidden, veiled under the guise of partitions, mortars and plasters.

Forged of wood and walls marked by hollows blocked up with the time they report a construction done to outlines from a constant negotiation with his neighbors that should provoke the constant change of his profile throughout the years. On the march they decide to withdraw the wrought ones and girders in worse condition, to weld lintels and to recover hollows that existed in another moment, yielding surface in exchange for gaining volume, also choose to preserve those revealed elements that narrate the history of that place assuming that the time also constructs. Almost without they themselves realize, the house goes looking like what at first should have been: a place where construction and emptiness are alternated in similar proportion.

They continue revealing patiently, it would be said that as archeologists more that as builders, and the evil been of the walls and lintels of the plant to level of street, where there existed a bar of left market, forces to intervening in him; they decide then to make very little, scarcely recover the emptiness of this plant adintelando walls that stop to spend the air, a continuation of the space of the street that gets inside the house, as a passage, a vestibule or an adarve, as the emptinesses that blur the common space in the multicolored plot and to the time porous of the center of Seville. This place turns into the garden of the house, with the peculiarity of which it is under this one, a site of steps and meetings like it is the own tumultuous square of the market of the street Takes a break, is a space without program in which all the uses can happen: the son of the pair is late 37 second in her crossing from an end to other one in his tricycle.

The project without project turns out to be as a text continued from already existing other one, where it has been necessary to erase paragraphs that were turning out to be illegible for the passage of time and where the already written thing was read patiently in order that new lines coexist with the previous ones continuing the history already begun time behind. The text remains opened and still chapters stay for writing.

Work: House in the market at Feria street
Architects: Sol89. María González and Juanjo López de la Cruz
Location: Sevilla, Spain
Project: 2009-2012
Execution: 2009-2012
Intervention area: 250 m²
Structure: Sol89
Facilities: Sol89
Builder: Autoconstrucción y Alejandro Fdez. Carbonero
Photography: Fernando Alda
+ sol89.sol89.com

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[:es]Luis Peña Ganchegui, arquitectura como paisaje[:gl]Luis Peña Ganchegui, arquitectura coma paisaxe[:en]Luis Peña Ganchegui, architecture like landscape[:]

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veredes

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4 octubre, 2016

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[:es]Luis Peña Ganchegui, arquitectura como paisaje[:gl]Luis Peña Ganchegui, arquitectura coma paisaxe[:en]Luis Peña Ganchegui, architecture like landscape[:]

[:es]

Por encima de las modas Peña Ganchegui sigue construyendo sus edificios con un estilo personal, apegado al País Vasco. Amigo entrañable de Chillida reflexiona sobre él.

«Elogio de la luz» es una serie documental que hace un retrato de la arquitectura contemporánea, entendida no sólo como actividad artística, sino también pragmática y utilitaria.

Luis Peña Ganchegui (1926-2009) ha sido el máximo referente de la Arquitectura en el País Vasco desde el inicio de su carrera a finales de los años 50 hasta su fallecimiento, en abril de 2009.

Obtuvo diferentes premios entre los que cabe destacar el Premio Antonio Camuñas de Arquitectura (1999) y la Medalla de Oro de la Arquitectura que le fue concedida por el Consejo Superior de los Colegios de Arquitectos de España en 2004.

En este escrito, con motivo del Premio Munibe 1997, Luis Peña expone proyectos construidos en los que queda patente la conversión de sitios de geografías y paisajes, urbanos o naturales, en lugares con significado propio, a través de dos temas que abordada en repetidas ocasiones a lo largo de su carrera: la vivienda y el espacio público.

[:gl]

Por encima das modas Peña Ganchegui segue construíndo os seus edificios cun estilo persoal, apegado ao País Vasco. Amigo entrañable de Chillida reflexiona sobre el.

«Eloxio da luz» é unha serie documental que fai un retrato da arquitectura contemporánea, entendida non só como actividade artística, senón tamén pragmática e utilitaria.

Luis Peña Ganchegui (1926-2009) foi o máximo referente da Arquitectura no País Vasco desde o inicio da súa carreira a finais dos anos 50 ata o seu falecemento, en abril de 2009.

Obtivo diferentes premios entre os que cabe destacar o Premio Antonio Camuñas de Arquitectura (1999) e a Medalla de Ouro da Arquitectura que lle foi concedida polo Consello Superior dos Colexios de Arquitectos de España en 2004.

Neste escrito, con motivo do Premio Munibe 1997, Luís Pena expón proxectos construídos nos que queda patente a conversión de sitios de xeografías e paisaxes, urbanos ou naturais, en lugares con significado propio, a través de dous temas que abordada en repetidas ocasións ao longo da súa carreira: a vivenda e o espazo público.

[:en]

Over the modes Peña Ganchegui continues constructing his buildings with a personal style, attached to the Basque Country. Intimate friend of Chillida thinks about him.

«Praise of the light» is a documentary series that does a portrait of the contemporary, understood architecture not only as artistic activity, but also pragmatic and utilitarian.

Luis Peña Ganchegui (1926-2009) has been the relating maximum of the Architecture in the Basque Country from the beginning of his career at the end of the 50s up to his death, in April, 2009.

It obtained different prizes between which the Prize is necessary to emphasize Antonio Camuñas of Architecture (1999) and the Golden medal of the Architecture that was granted to him by the Top Advice of the Architects’ Colleges of Spain in 2004.

In this writing, on the occasion of the Munibe Prize 1997, Luis Peña exposes projects constructed in that the conversion of sites remains clear of geografías and landscapes, urban or natural, in places with own meaning, across two topics that approached in repeated occasions along his career: the housing and the public space.

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Para ver, cierra los ojos | Miquel Lacasta

Miquel Lacasta Codorniu

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3 octubre, 2016

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Para ver, cierra los ojos | Miquel Lacasta

Lo que sigue es el producto de un encuentro fortuito. Un encuentro, que a modo de confrontación amigable, relaciona dos actitudes paralelas encerradas en un mismo espacio. Me explico…

tactilismo-para-ver-cierra-los-ojos-miquel-lacasta — Para ver, cierra los ojos | Miquel Lacasta

He visitado una par de veces la nueva sede de la Filmoteca de Catalunya en el Raval de Barcelona, de José Luís Mateo. El encuentro con la contundente desnudez de un edificio sin concesiones, áspero en su rotundidad ya vale para una reflexión ponderada. Sin embargo hacer crítica objetual, constatar los aciertos aparentes y las desviaciones intencionadas de un edificio en particular no me interesa demasiado. En arquitectura el “qué” me interesa menos que el “cómo”. Es más, no sabría disciplinar mis impresiones, ordenarlas, objetivarlas y construir con ello una reflexión sobre un objeto dado. Hay otros que ya lo hacen muy bien.¹

No obstante la visita, la experiencia “in situ” de edificios y contextos remarcables sigue siendo una inagotable fuente de recursos arquitectónicos. El tiempo que transcurre dentro de una buena arquitectura, es siempre un tiempo aleccionador, un tiempo audaz y formativo, un tiempo intenso y lúcido. Una visita consciente, no vale cualquier momento, ni cualquier actitud para visitar arquitectura, te hace mejor arquitecto.

Hasta aquí no hay misterio. No conozco ningún arquitecto que no coleccione visitas de arquitectura.

Mi encuentro particular en el edificio de Mateo fue de otro tipo. Tras unas horas de visita, de pasos perdidos, de miradas esquineras, tuve la sensación, como con tantos otros edificios que me interesan, que este era un edificio para tocar más que para ver. No había en toda la brutal superficie de hormigón ninguna intención de esconder la materialidad. De forma cruda, sin llegar a la violencia pero sin atisbos de duda, el edificio se mostraba como lo que es, espacio rugoso, espacio liso, espacio frio, espacio duro, espacio cortante… What you see is what you get dice la frase cuando no hay nada que esconder. Pero What do you get when you touch it?

Al finalizar la visita tuve la habitual tentación de visitar la librería. El cine y la arquitectura no son ni tan siquiera parientes lejanos, son buenos amigos, con mucho que aprender el uno del otro y en ocasiones incluso diría que son amantes, promiscuas disciplinas enzarzadas en tórridos idilios.

Fue en la librería donde entendí el proyecto de Mateo en toda su dimensión arquitectónica.

…

Para ver, cierra los ojos,²es el título del libro que recopila los textos del cineasta checo Jan Švankmajer, uno de los maestros del cine de animación, con más de veinticinco cortometrajes y cinco largometrajes. Sus animaciones analógicas, se basan en la creación de marionetas, collages, dibujos etc., con especial atención a lo que Švankmajer llama el tactilismo.

De entrada ya es bien curioso que alguien dedicado a cine tenga como tema central la dimensión táctil. En uno de los textos del libro, Švankmajer, hace un repaso a su biografía vital y el descubrimiento de lo táctil. En otros habla de la experimentación táctil o de sus esculturas gestuales. La capacidad de perturbar y conmocionar de Švankmajer es simplemente brutal.

De los textos del libro, exquisitamente editado, hubo uno que en la típica lectura en diagonal y apresurada que hacemos antes de quedarnos un libro, me dejo clavado. El texto Decálogo publicado en la revista Analogon núm. 26-27 de 1999.

Quizás por el siempre efectivo reclamo de la palabra Decálogo, o simplemente por un azar mediado de serendipia,³me quedé atónito al descubrir como simplemente con la substitución de la palabra cine y todas sus variantes, por la palabra arquitectura y todas sus declinaciones, no solamente había descubierto una nueva dimensión del edificio de Mateo, sino la profunda dimensión de tantos edificios fundamentales que había visitado anteriormente.

El texto, convenientemente manipulado y mutado⁴para referir al hecho de arquitecturizar suena como sigue:

1

Graba en tu espíritu que la poesía es solo una. Antes de empezar a proyectar arquitectura, escribe un poema, pinta un cuadro, haz un collage, escribe un relato, un ensayo, etc. Porque solo alimentando la universalidad de los medios de expresión tendrás la garantía de realizar una buena arquitectura.

2

Sé un completo sumiso de tus obsesiones. Tus obsesiones son, con mucho, lo mejor que posees. Son reliquias de la infancia. No se trata de recuerdos sino de sentimientos.

3

Utiliza la arquitectura como si realizases una operación mágica.

4

Toma el sueño por realidad y la realidad por sueño constantemente. No hay pasadizos lógicos. Entre el sueño y la realidad solamente hay un ínfimo movimiento físico: el de cerrar o abrir los ojos. En el sueño despierto, ni siquiera existe ese movimiento.

5

Si tienes que decidir a qué debes conceder prioridad, si a la mirada o a la experiencia del cuerpo, da siempre prioridad a la experiencia del cuerpo, puesto que el tacto es anterior a la vista y su experiencia es mucho más fundamental.

6

Cuanto más profundizas en una historia propiciada por la imaginación (aquí podríamos hablar del relato de la arquitectura), más realista tienes que ser con los detalles.

7

La imaginación es subversiva porque proclama lo posible sobre lo real. He aquí el porqué de que hagas uso de la imaginación más desenfrenada. Imaginación, imaginación, imaginación…

8

Elige siempre temas frente los cuales tu posición sea ambigua. Esta ambigüedad debe ser suficientemente profunda e irreversible como para que puedas caminar sobre su cumbre sin caer a un lado o a otro, o hacerlo a los dos lados a la vez. Solamente así podrás evitar el peor de los crímenes: hacer una arquitectura de tesis.

9

Cultiva la creación como una forma de autoterapia. Esta actitud antiestética es la que efectivamente acerca la creación a la libertad. Piensa en la creación como en una liberación permanente.

10

Nunca trabajes, improvisa siempre.

Al final de este delicioso decálogo, Švankmajer, irónicamente acaba diciendo:

«El hecho de formular estos diez mandamientos no significa que los siga de forma consciente. Estas reglas son consecuencia de mi creación, no la han precedido. Por otra parte, todo mandamiento está ahí para ser transgredido (no desviado).»

Estoy seguro que los autores de las arquitecturas que más me han impactado no estarían de acuerdo con muchos de los puntos del decálogo del cineasta checo, pero una lectura pausada y reflexiva de estas palabras aplicadas a la arquitectura, tienen la capacidad de abrir nuevas lecturas al hecho de arquitecturizar, y son una invitación, no exenta de provocación, para ver arquitectura cerrando los ojos y simplemente tocarla… para ver, cierra los ojos.

Evidentemente no es Švankmajer, ni el primero ni el último en hablar de las propiedades del tacto para “ver”. No puedo dejar de mencionar aquí a Le Corbusier, donde en su Poème de l’Angel Droit F.3. Offre (La Main ouverte) 1947-1953 escribe:

«…

Le pétrissement des mains

La vue qui est dans la palpation.

——————————————-

Pleine main j’ai reçu

Pleine main je donne».⁵

Pues eso, para ver, cierra los ojos…

Miquel Lacasta. Doctor arquitecto
Barcelona, julio 2012

Notas:

¹Ver el blog de Jaume Prat Ortells, un prodigio de crítica desprejuiciada, a la vez que rigurosa, cimentada en una erudición enciclopédica.

²ŠVANKMAJER, Jan, Para ver, cierra los ojos, Pepitas de Calabaza Ed., Logroño, 2012.

³Según la omnipresente Wikipedia, una serendipia es un descubrimiento o un hallazgo afortunado e inesperado que se produce cuando se está buscando otra cosa distinta. También puede referirse a la habilidad de un sujeto para reconocer que ha hecho un descubrimiento importante aunque no tenga relación con lo que busca. En términos más generales se puede denominar así también a la casualidad, coincidencia o accidente.

⁴Que me perdone Švankmajer desde ahora mismo… He dejado en cursiva las palabras que he introducido como acción mutante, para dejar constancia de la brillantez del texto original.

⁵Traducción del extracto Poème de l’Angel Droit F.3. Offre (La Main ouverte) 1947-1953.

El moldeado de las manos,

La vista que está dentro del tacto,

A manos llenas yo he recibido,

A manos llenas yo doy.

RE: The Shakers… Resonancias | Xosé Suárez

Xosé Suárez

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30 septiembre, 2016

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RE: The Shakers… Resonancias | Xosé Suárez

STUDIO GORM, en su serie Peg (Peg + Wood Peg) recoge dos de las principales características de la tradición Shaker: La primera consiste en la unión de las piezas de madera por ensamblaje sin utilizar accesorios; que deriva de la forma de vida de estas comunidades, donde se utilizaban únicamente los materiales de que disponían en su entorno inmediato.

RE The Shakers… Resonances woodpeg

La segunda es la referencia a la tradición Shaker de colgar los muebles de la pared mediante unos elementos de mobiliario especialmente diseñados para ello, ésto permitía el uso del espacio doméstico para distintas actividades liberándolo de muebles en función de las necesidades; no hay que olvidar que el término Shaker (agitado) deriva de las danzas al borde del trance que realizaban para liberarse del mal.

RE The Shakers… Resonances 01

Las resonancias de la tradición Shaker parecen expandirse con gran éxito mientras la última comunidad formada por cuatro miembros agoniza en el estado de Maine, debido a que los grupos son célibes y sólo pueden captar nuevos miembros a través de la adopción o la conversión. Pero las versiones contemporáneas no resultan tan evocadoras como el diseño genuino, como se aprecia en el excelente catálogo de mobiliario Shaker que se puede descargar en Abbeville. Para saber más sobre la vida en estas comunidades, Cabovolo ha escrito un interesante artículo.

Xosé Suárez, arquitecto
Santiago de Compostela, octubre 2010
Publicado en Nº 313 [sillas…]

[:es]II Concurso PFC de Arquitectura ASEMAS 2016[:gl]II Concurso PFC de Arquitectura ASEMAS 2016[:en]The IInd PFC Architecture Contest ASEMAS 2016[:]

deriva

veredes

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29 septiembre, 2016

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[:es]II Concurso PFC de Arquitectura ASEMAS 2016[:gl]II Concurso PFC de Arquitectura ASEMAS 2016[:en]The IInd PFC Architecture Contest ASEMAS 2016[:]

[:es]

El concurso está concebido para ofrecer un medio de difusión de los trabajos realizados en el Proyecto fin de carrera (PFC) de los arquitectos titulados en las universidades españolas en los tres últimos años, y pretende difundir, promocionar y poner en valor sus proyectos pre-profesionales para dotarles de herramientas más sólidas de cara a su incorporación al mundo laboral.

ASEMAS promueve este concurso nacional con el objeto de premiar a los mejores PFC de Arquitectura entre finales del año 2014 al año 2016. Se premia el PFC, por su concreción de la idea, materialidad, calidad, trabajo, originalidad, cumplimientos de normativas, innovación, elaboración y detalle constructivo dentro de un proyecto arquitectónico.

Los trabajos no premiados podrán ser publicados por ASEMAS en una base de datos de acceso público y de carácter gratuito con objeto de difundir el trabajo de sus autores y propiciar su mejor inserción profesional. La base de datos se publicará en la web de ASEMAS o de cualquier otra forma que ASEMAS considere más adecuada al fin que con ello se pretende.

Para poder participar en el concurso es necesaria la completa inscripción on-line, que se realiza a través de la página web del concurso, adjuntando toda la documentación requerida dentro de los plazos indicados. Sólo se permite la inscripción a título individual.

Los 3 ganadores de esta convocatoria del Concurso PFC de Arquitectura ASEMAS 2016 recibirán un premio en metálico. El jurado, será el encargado de escoger los 3 PFC premiados.

En la presente convocatoria se concederán 3 premios:
1º.- 6.000€
2º.- 2.000€
3º.- 2.000€

Los premios serán entregados en las oficinas de ASEMAS de las delegaciones territoriales más cercanas a la residencia del concursante ganador.

A través de la web de ASEMAS se hará pública el acta del fallo del jurado a partir del día 22 de Marzo de 2017. Los concursantes premiados serán notificados a través de la dirección de correo electrónico que hayan facilitado en el proceso de inscripción. En caso, de que alguno de los ganadores en el plazo de 15 días no confirme la aceptación del premio, se procederá a elegir otro ganador de entre todo el resto de PFC presentados. Si en una segunda selección, no hubiera confirmación del premio, será el propio Jurado quien estime cómo proceder.

Los premios podrán declararse desiertos si el jurado así lo acuerda. Las 3 obras premiadas y una selección de proyectos destacados serán publicadas en la página web www.asemas.es y www.asemaspfc.es.

[:gl]

O concurso está concibido para ofrecer un medio de difusión dos traballos realizados no Proxecto fin de carreira (PFC) dos arquitectos titulados nas universidades españolas nos tres últimos anos, e pretende difundir, promocionar e poñer en valor os seus proxectos pre-profesionais para dotarlles de ferramentas máis sólidas para a súa incorporación ao mundo laboral.

ASEMAS promove este concurso nacional co obxecto de premiar aos mellores PFC de Arquitectura entre finais do ano 2014 ao ano 2016. Prémiase o PFC, pola súa concreción da idea, materialidad, calidade, traballo, orixinalidade, cumprimentos de normativas, innovación, elaboración e detalle construtivo dentro dun proxecto arquitectónico.

Os traballos non premiados poderán ser publicados por ASEMAS nunha base de datos de acceso público e de carácter gratuíto con obxecto de difundir o traballo dos seus autores e propiciar a súa mellor inserción profesional. A base de datos publicarase na web de ASEMAS ou de calquera outra forma que ASEMAS considere máis adecuada ao fin que con iso preténdese.

Para poder participar no concurso é necesaria a completa inscrición on-line, que se realiza a través da páxina web do concurso, achegando toda a documentación requirida dentro dos prazos indicados. Só se permite a inscrición a título individual.

Os 3 gañadores desta convocatoria do Concurso PFC de Arquitectura ASEMAS 2016 recibirán un premio en metálico. O xurado, será o encargado de escoller os 3 PFC premiados.

Na presente convocatoria concederanse 3 premios:
1º.- 6.000€
2º.- 2.000€
3º.- 2.000€

Os premios serán entregados nas oficinas de ASEMAS das delegacións territoriais máis próximas á residencia do concursante gañador.

A través da web de ASEMAS farase pública o acta do fallo do xurado para partir do día 22 de Marzo de 2017. Os concursantes premiados serán notificados a través da dirección de correo electrónico que facilitasen no proceso de inscrición. En caso, de que algún dos gañadores no prazo de 15 días non confirme a aceptación do premio, procederase a elixir outro gañador de entre todo o resto de PFC presentados. Se nunha segunda selección, non houbese confirmación do premio, será o propio Xurado quen estime como proceder.

Os premios poderán declararse desertos se o xurado así o acorda. As 3 obras premiadas e unha selección de proxectos destacados serán publicadas na páxina web www.asemas.es e www.asemaspfc.es.