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Rafael González del Castillo Sancho · Editeca, escuela de formación online

En esta nueva entrega de Baliza, nos adentramos en dos mundos que están en pleno auge, la formación y el BIM, para ello que mejor forma de hacerlo que de la mano del joven arquitecto zaragozano Rafael González del Castillo Sancho (1988). Este arquitecto formado en la ETSA Madrid, cuenta con Master BIM y Máster MBA, es ya todo un veterano no solo como profesional de la arquitectura (ha trabajado para varias empresas nacionales e internacionales de diversos sectores), a pesar de corta edad, en el emprendimiento.

A sus espaldas cuenta con proyectos como Designing the Future, DTFmagazine una revista de arquitectura e innovación que lleva ya 14 números publicados vendiendo en Europa y América. Entre 2014 y 2015 lanza más negocios: Fast Wood Festival, taller de construcción en madera, REVIT a la carta, plataforma de docencia de REVIT y La Neoteca, estudio de diseño & arquitectura enfocado a empresas, especializado en marketing y tecnologías.

Pero hoy charlaremos sobre uno de sus últimos proyectos, Editeca, escuela de formación online, que imparte enseñanza sobre Revit, BIM y Realidad Virtual a alumnos de España y América con programas tales como: Master BIM Manager Online y Master Realidad Virtual Online.

Este crisol de conocimiento multidisciplinar le ha llevado a ganar diferentes premios (cabe destacar 2013 recibe el Premio a la Mente Joven Más Brillante de España en el IV Congreso de Mentes Brillantes del Teatro Price de Madrid), impartir cursos en universidades y empresas, ponente en varias conferencias sobre emprendimiento joven y ser jurado en concursos nacionales e internacionales de arquitectura.

Sin más preámbulos os dejamos con la charla mantenida con Rafael.

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Rafael González del Castillo Sancho · Editeca, escuela de formación online
¿Cómo, cuándo y por qué surge Editeca?

Editeca es una Escuela de Diseño, Ingeniería,TECnología y Arquitectura de habla hispana en formato online.

En 2015 nace REVIT a la carta para formar a grupos y empresas españolas en REVIT debido a la gran demanda para pasarse de CAD a la metodología BIM. Empezamos a formar en la Universidad Politécnica de Madrid, la Universidad Rey Juan Carlos y en la Universidad de Zaragoza un año más tarde. En 2016 lanzamos nuestros primeros cursos online que triunfaron en internet debido a la gran calidad formativa. Más adelante en 2017 ampliamos los cursos de REVIT a otros softwares BIM. Así nació BIM a la carta (BIMAC). Finalmente el crecimiento fue tan vertiginoso gracias a nuestra efectiva metodología online que nos propusimos abrir una Escuela de Diseño, Ingeniería, Tecnología y Arquitectura.

Nuestra oferta formativa está compuesta por cursos y máster divididos en 3 áreas: BIM, Realidad Virtual e Impresión 3D. Nuestros cursos online ofrecen la ventaja de formación sin fecha de inicio y sin horarios para que el alumno se forme a su ritmo. Nuestra formación es continua y práctica uniendo teoría, ejercicios, tutorías personalizadas y el desarrollo de proyectos reales. Formación online, personalizada y adaptada para que el alumno pueda hacerla a su ritmo: cómo, cuándo y dónde quiera. Nuestros másteres son totalmente personalizables. Contamos con varias especialidades, que se adaptan a las necesidades de cada alumno. Al finalizar, otorgamos un Certificado de Máster de nuestra escuela y certificaciones oficiales adicionales como la Certificación Oficial de Autodesk.

¿Te encontraste con muchas dificultades? ¿Cuáles fueron las más problemáticas?

Sí, como cualquier negocio, es muy difícil empezar, sabiendo qué demanda el mercado, qué puedes ofrecer, quién eres y qué vendes.

Por otro lado, están las trabas burocráticas, encontrar un buen equipo con quien te entiendas bien o afrontar las subidas y bajadas de las ventas. Hace unos 2 años decidí dejar mi trabajo para emprender y me propuse aguantar 2 inviernos. Actualmente estoy muy contento con la decisión, pero durante esos 2 años ganaba muchísimo menos de lo que me pagaban en el estudio. Es un riesgo que cada uno debe asumir, puede ser que luego te vaya bien o no.

Yo trabajo de sol a sol y lo doy todo por el negocio, es un compromiso mío. Cuando mi equipo se va de la oficina yo todavía permanezco ahí gestionando la empresa, sin embargo es algo que me gusta y que disfruto. Los fines de semana desconecto.

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Rafael González del Castillo Sancho · Editeca, escuela de formación online
¿Cómo detectaste la necesidad de este servicio?

Fue un poco tangencial, incluso podría decir que accidental: Yo me había hecho un Máster BIM, pero encontré un trabajo donde no se trabajaba en BIM.

Un día una amiga me recomendó para dar clases a un grupo de estudiantes de arquitectura: 20 horas en un fin de semana, fue un gran esfuerzo por parte de todos. A partir de ahí decidí crearme una web y moverla entre mis contactos. Poco a poco empezaron a lloverme solicitudes para hacer formación presencial y pensé:

“Esto sólo lo puedo hacer en Madrid y Zaragoza, ¿qué sucede con el resto de ciudades que no pueden hacer una formación presencial en Madrid?”

Entonces decidí crear un curso online, el cual no tuvo ninguna venta en varios meses. A base de esfuerzo, mucho movimiento y contactos empezó a tomar fuerza, a ser recomendado boca a boca, hasta que al final fui sacando más y más cursos ya que nuestra metodología gustaba mucho al ser muy flexible y personalizada. Finalmente un amigo que quería formarse me preguntó:

“¿y no tienes más cursos?”

Él me dio la idea de crear un Máster BIM online a base de más cursos, así que empecé a reclutar a otros docentes que confiaban en mi metodología y sacamos el Máster BIM online que a día de hoy es nuestro formato más exitoso y recomendado.

¿Cuáles son vuestras referencias?

Nuestras referencias siempre son organismos privados, ya sea para el diseño, la comunicación o modelos de negocio. No nos fijamos en universidades públicas ya que tienen un sistema complejo. Somos un equipo con perfiles técnicos reconvertidos, así que todo nuestro grafismo y metodología sigue una línea afín a la arquitectura y la ingeniería.

También avanzamos gracias a la prueba y el error: lo que gusta a los alumnos, lo que le gustaría que mejoráramos o lo que no les parece tan importante. Estamos al servicio de nuestros alumnos constantemente y nos pueden contactar por muchas vías (teléfono, mail, foro o mensaje por la plataforma).

Ellos son quienes marcan el ritmo de la relación,

¡que tampoco nos gusta ser pesados!

¿A qué segmento de clientes te diriges? ¿Cuáles son los servicios más demandados?

Nos dirigimos fundamentalmente a todo el sector de la construcción: arquitectos, ingenieros, aparejadores, delineantes, interioristas… Aunque también tenemos alumnos que son informáticos, artistas o publicistas para el sector de la realidad virtual. Toda persona apasionada por las nuevas tecnologías tiene cabida en Editeca.

Sobre los países, tenemos alumnos en España y en América Latina, aunque también tenemos alumnos hispanoparlantes que están en países con otro idioma y se forman en español con nosotros. Lo más demandado es el Máster BIM online y dentro del temario estaría arquitectura, instalaciones MEP y últimamente mediciones y presupuesto BIM.

¿Cómo y para qué utilizas las “nuevas tecnologías”? ¿La “red” ha facilitado tu labor?

Utilizamos las nuevas tecnologías para poder mejorar nuestras metodologías de trabajo y hacerlas más efectivas. Uno de nuestros principios es “automatizar y optimizar”. La red ha facilitado que nuestra formación llegue a alumnos que no podrían hacer esta misma formación en formato presencial.

Nuestros docentes son profesores en universidades españolas o internacionales y recogen todo ese contenido para transformarlo en un formato online, por eso siempre decimos que ofrecemos “formación de calidad a precios asequibles”:

Queremos hacer llegar la mejor formación a aquel alumno que no puede venir a Madrid o Barcelona a formarse.

¿Cómo es el día a día en Editeca?

Somos un equipo multidisciplinar. Tenemos varias personas trabajando en las oficinas y muchos colaboradores en la red. En la escuela somos un equipo joven enganchados a la nuevas tecnologías, estamos siempre conectados y descubriendo nuevos softwares, plug-ins, gadgets…

Tenemos profesionales de marketing, diseño, informática, comunicación y educación. Nos gusta ser flexibles, al igual que la formación que ofrecemos en Editeca, además usamos varias plataformas online para comunicarnos, asignarnos tareas, contactar con los alumnos, resolver dudas…

Podríamos decir que tenemos una estructura de start-up.

Equipo Editeca
Equipo Editeca
¿Compaginas o complementas esta actividad con otras labores o en otros campos?

Sí, aunque cada vez menos, estoy tan contento con el equipo y con nuestra labor en Editeca, que voy delegando los otros negocios en mis otros socios. Actualmente estamos más enfocados en DTFmagazine y La Neoteca, sin embargo Fast Wood Festival está cedida a un grupo de estudiantes de arquitectura, ingeniería y diseño que lo gestionan en una Asociación sin ánimo de lucro, mi labor sólo es asesoría.

La arquitectura, tiene abiertos muchos frentes de batalla (LSP, Bolonia, paro, precariedad laboral, COAs, ETSAs, emigración, comunicación, etc), ¿no serán demasiados para la polarización existente dentro de la misma?

Bajo mi punto de vista, tenemos que enfocarnos en avanzar y ser productivos, para eso hay que intentar conseguir el mimo fin (que es la materialización de un edificio) de la forma más óptima posible gracias al BIM, la VR, la impresión 3D o cualquier otro sistema. Yo me he formado en una universidad pública, de la que estoy muy orgulloso, para luego pasar a la formación privada.

Considero que desde hace un tiempo en adelante, el sistema público no va a poder cubrir las necesidades que el mercado demanda ya que tiene poco margen de maniobra para cambiar sus planes de estudios. Además la universidad pública está formada por muchos funcionarios y profesores titulares con antigüedad, que para explicar conceptos que no cambian es estupendo.

Sin embargo para explicar las nuevas tecnologías no tanto. Por eso nosotros recogemos esa formación actualizada.

En las universidades europeas, normalmente los profesores adjuntos son profesionales jóvenes que están dando clase varios años pero no toda la vida, de esta manera los conceptos se actualizan y siempre muy frescos.

¿Cómo veis el futuro de la arquitectura?¿Y el de la profesión?

En varias ocasiones he comentado que la arquitectura está sufriendo y va a sufrir muchos cambios. Esto es debido a la crisis económica pero también debido a las nuevas tecnologías. Nosotros en Editeca llevamos meses buscando un Community Manager que sea un perfil técnico (delineante, arquitecto, ingenierio…) y nos está costando mucho encontrarlo. Por otro lado en el equipo somos arquitectos e ingenieros (telecomunicación y aeronaútico) reconvertidos en marketing digital, diseño gráfico, administración de empresas, informáticos o incluso comerciales.

En varias charlas BIM hablo sobre los futuros perfiles que ya son demandados y que lo serán más en el futuro, es el caso del arquitecto programador, del investigador BIM, del analista de datos, del gestor de eficiencia energética…

¿Qué mejoras crees que son fundamentales y que deberían ser puestas en marcha de forma inmediata?

Creo que sería estupendo que las universidades se abrieran más y que hubiera menos “titulitis”, que una persona que estudia ingeniería informática pueda hacer la mayoría de asignaturas de Arquitectura u otra rama. También sería idóneo que se “eliminaran” las asignaturas y se aprendiese de manera más horizontal, por ejemplo con un proyecto anual que se fuera vertiendo de las diferentes ramas y profesores de diversas áreas. Esto se está implantando en el Máster habilitante de la ETSAM y me parece una idea maravillosa.

¡Qué bonito sería que cada alumno personalizase su formación y trazase su propio camino!

Por ejemplo en las universidades europeas, puedes elegir muchas asignaturas de otras titulaciones, manteniendo siempre unas troncales. También conviven alumnos del último curso con los del primer curso impartiendo la misma materia de proyectos, cada uno a su nivel.

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Rafael González del Castillo Sancho · Editeca, escuela de formación online
Como “emprendedor” ¿qué opinas de los arquitectos que “abren y/o recuperan”nuevos campos y/o enfoques de la profesión?

Son unos aventureros, son los que van a marcar el futuro y quienes van a descubrir el camino que seguiremos los demás. Ser tangenciales o innovadores hace que crezcamos como sociedad. Somos unos privilegiados de que existan este tipo de personas en nuestra sociedad.

¿Estáis contentos con la trayectoria realizada hasta ahora?¿Qué proyectos de futuro te(os) esperan?

Sí, estamos muy contentos, de hecho hemos superado nuestras expectativas. Estamos creciendo orgánicamente gracias a las recomendaciones de nuestros alumnos de cursos y másteres BIM. El futuro recae en expandir nuestra metodología online en otras áreas, ya que está muy testada y funciona.

En Editeca tenemos 3 horizontes:

Horizonte 1:
Sacar nuevas formaciones relacionadas con BIM y Realidad Virtual.

Horizonte 2:
Exportar nuestra metodología a otras áreas relacionadas con el Diseño/Ingeniería/Arquitectura/Nuevas Tecnologías.

Horizonte 3:
Sacar nuevos productos relacionados con la Arquitectura/Ingeniería: publicaciones, plug-ins, gadgets… ¡Sería tan estupendo tener un departamento de I+D!

Para acabar, ¿qué les aconsejaríais a los actuales estudiantes y futuros profesionales de arquitectura?

Que además de enfocarse en sus estudios, que diversifiquen en otras áreas: teatro, cine, diseño, comunicación, marketing, psicología urbana… Creo que comenzar siendo un perfil multidisciplinar abre muchos caminos y finalmente recorrerás el que te vaya marcando la vida. A mí me encanta enseñar y el BIM, pero no pensaba que me iba a dedicar a ser formador y consultor BIM.

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Rafael González del Castillo Sancho · Editeca, escuela de formación online

Rafael González del Castillo Sancho  · Editeca, escuela de formación online
Marzo 2018

Entrevista realizada por Ana Barreiro Blanco y Alberto Alonso Oro. Agradecer a Rafael su tiempo y predisposición con este pequeño espacio.

[:es]Espai Gut, centro terapéutico en Terrassa | estudi08014[:gl]Espai Gut, centro terapéutico en Terrassa | estudi08014[:en]Espai Gut, therapeutic center in Terrassa | estudi08014[:]

[:es]

Proyecto de transformación de un local de 26x10m situado en la planta baja de una ‘casa de cós’ del barrio de Ca n’Aurell de Terrassa, el ensanche más antiguo de la ciudad, muy cercano al centro histórico.

El edificio es de 1.925 y destaca su estructura de hormigón armado, muy innovadora para la época, que salva luces de hasta 10m. Sin embargo, las sucesivas transformaciones del local a lo largo de los años han ido ocultando la estructura original tras una superposición caótica de tabiques, falsos techos y revestimientos diversos.

Debemos segregar el espacio en dos locales con accesos independientes. El principal, de unos 180m2, es un ‘coworking’ de profesionales de la psicología que contiene, por un lado, un ámbito con consultas privadas y, por el otro, un espacio diáfano donde desarrollar actividades para grupos: talleres, conferencias, exposiciones, etc. El segundo local, de unos 50m2, es de alquiler.

Más allá del programa, el proyecto está fundamentalmente condicionado por la escasez de luz natural y un presupuesto muy ajustado, en torno a los 500 €/m2.

Espai Gut, centro terapéutico en Terrassa estudi08014 o11 F1

La propuesta se estructura en cuatro ámbitos que definen una secuencia de espacios encadenados.

El primero es una estancia exterior bajo techo. Un espacio sin un uso definido a través del cual se accede a ambos locales. Se concibe como una prolongación de la calle que permite una transición gradual entre exterior e interior. Un ‘espacio intermedio’ característico de nuestro entorno climático y cultural.

El segundo ámbito está formado por un único espacio diáfano de 35m2 con una altura libre de 4.40m donde se prevé el desarrollo de actividades para grupos. Se puede compartimentar con un sistema de cortinas para el desarrollo simultáneo de usos incompatibles a priori: comedor, talleres, charlas, circulaciones, sala de espera, etc.

El tercer ámbito es la zona de servicios: una cocina-office, un aseo adaptado y un almacén articulados a través de un pasillo de techo bajo y una materialidad diferenciada del resto del proyecto para reforzar su carácter de transición.

El cuarto ámbito, situado al fondo del local, es la zona de consultas: siete despachos de dimensiones variables entre 7 y 13m2 organizados en torno a un espacio central situado bajo un lucernario. Un esquema arquetípico de planta central formada por un conjunto de habitaciones situadas alrededor de un vacío que aporta luz y ventilación y que puede ser interpretado como una octava habitación, de modo que las estancias se encadenan y desaparecen las zonas de circulación.

Espai Gut, centro terapéutico en Terrassa estudi08014 o22 F11

La estrategia material y constructiva se basa, por un lado, en desvelar la estructura original; en segundo lugar, llevar luz natural a todas las estancias; finalmente, mejorar el comportamiento energético de un edificio con una construcción muy deficiente de origen.

La primera acción -casi un exorcismo- es retirar todos aquellos elementos constructivos acumulados a lo largo de los años que no forman parte del edificio original. En los dos primeros ámbitos -más diáfanos- se dejarán los techos y algunas paredes originales vistas.

Los nuevos tabiques cerámicos, con una altura de 2,20m, se pintan de blanco para potenciar la luminosidad. A partir de esta cota, los cerramientos se completan con bastidores de madera de pino cerrados con vidrio para que la luz circule entre las distintas estancias. Algunos rincones donde se busca crear un ambiente más cálido se resuelven con tableros de OSB.

Se plantean una serie de estrategias pasivas para reducir la demanda energética. En primer lugar, debido a su uso discontinuo, se opta por no climatizar los espacios comunes, que pasan a funcionar como ‘espacios tampón’ de los ‘interiores puros’. En segundo lugar, se evacua el aire caliente de la zona de consultas por ‘efecto chimenea’ a través de una extracción forzada situada en la parte alta del lucernario. Finalmente, se aísla la envolvente por el interior con 10cm de lana de roca, eliminando los puentes térmicos.

Obra: Espai Gut, centro terapéutico en Terrassa
Situación: Ca n’Aurell, Terrassa (BCN)
Superficie: 240m2
Presupuesto: 120.000€
Fecha proyecto: Noviembre 2016 – abril 2017
Fecha obra: abril 2017 – octubre 2017
Autores: estudi08014 (Adrià Guardiet, Sandra Torres)
Colaborador estructuras: Xavier Gimferrer
Colaborador instalaciones: Silvia Ros
Constructor : Zenlet (Josep Font)
Promotor: Espai Gut
Fotografías: Pol Viladoms
+ estudi08014.com

[:gl]

Proxecto de transformación dun local de 26×10 m situado na planta baixa dunha ‘casa de cós’ do barrio de Ca n’Aurell de Terrassa, o ensanche máis antigo da cidade, moi próximo ao centro histórico.

O edificio é de 1.925 e destaca a súa estrutura de formigón armado, moi innovadora para a época, que salva luces de ata 10m. Con todo, as sucesivas transformacións do local ao longo dos anos foron ocultando a estrutura orixinal tras unha superposición caótica de tabiques, falsos teitos e revestimentos diversos.

Debemos segregar o espazo en dous locais con accesos independentes. O principal, duns 180m2, é un ‘ coworking’ de profesionais da psicoloxía que contén, por unha banda, un ámbito con consultas privadas e, polo outro, un espazo diáfano onde desenvolver actividades para grupos: talleres, conferencias, exposicións, etc. O segundo local, duns 50m2, é de aluguer.

Máis aló do programa, o proxecto está fundamentalmente condicionado pola escaseza de luz natural e un orzamento moi axustado, ao redor dos 500 €/m2.

Espai Gut, centro terapéutico en Terrassa estudi08014 o11 F1

A proposta estrutúrase en catro ámbitos que definen unha secuencia de espazos encadeados.

O primeiro é unha estancia exterior baixo teito. Un espazo sen un uso definido a través do cal se accede a ambos os locais. Concíbese como unha prolongación da rúa que permite unha transición gradual entre exterior e interior. Un ‘espazo intermedio’ característico da nosa contorna climática e cultural.

O segundo ámbito está formado por un único espazo diáfano de 35m2 cunha altura libre de 4.40 m onde se prevé o desenvolvemento de actividades para grupos. Pódese compartimentar cun sistema de cortinas para o desenvolvemento simultáneo de usos incompatibles a priori: comedor, talleres, charlas, circulacións, sala de espera, etc.

O terceiro ámbito é a zona de servizos: unha cociña- office, un aseo adaptado e un almacén articulados a través dun corredor de teito baixo e unha materialidad diferenciada do resto do proxecto para reforzar o seu carácter de transición.

O cuarto ámbito, situado ao fondo do local, é a zona de consultas: sete despachos de dimensións variables entre 7 e 13m2 organizados ao redor dun espazo central situado baixo un lucernario. Un esquema arquetípico de planta central formada por un conxunto de habitacións situadas ao redor dun baleiro que achega luz e ventilación e que pode ser interpretado como unha oitava habitación, de modo que as estancias encadéanse e desaparecen as zonas de circulación.

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A estratexia material e construtiva baséase, por unha banda, en desvelar a estrutura orixinal; en segundo lugar, levar luz natural a todas as estancias; finalmente, mellorar o comportamento enerxético dun edificio cunha construción moi deficiente de orixe.

A primeira acción -case un exorcismo- é retirar todos aqueles elementos construtivos acumulados ao longo dos anos que non forman parte do edificio orixinal. Nos dous primeiros ámbitos -máis diáfanos- deixaranse os teitos e algunhas paredes orixinais vistas.

Os novos tabiques cerámicos, cunha altura de 2,20 m, píntanse de branco para potenciar a luminosidade. A partir desta cota, os cerramentos complétanse con bastidores de madeira de piñeiro pechados con vidro para que a luz circule entre as distintas estancias. Algúns recunchos onde se busca crear un ambiente máis cálido resólvense con taboleiros de OSB.

Exponse unha serie de estratexias pasivas para reducir a demanda enerxética. En primeiro lugar, debido ao seu uso descontinuo, óptase por non climatizar os espazos comúns, que pasan a funcionar como ‘espazos tampón’ dos ‘interiores puros’. En segundo lugar, se evacua o aire quente da zona de consultas por ‘efecto cheminea’ a través dunha extracción forzada situada na parte alta do lucernario. Finalmente, íllase a envolvente polo interior con 10cm de la de roca, eliminando as pontes térmicas.

Obra: Espai Gut, centro terapéutico en Terrassa
Emprazamento: Ca n’Aurell, Terrassa (BCN)
Superficie: 240m2
Presuposto: 120.000€
Data proxecto: Novembro 2016 – abril 2017
Data obra: abril 2017 – outubro 2017
Autores: estudi08014 (Adrià Guardiet, Sandra Torres)
Colaborador estructuras: Xavier Gimferrer
Colaborador instalacións: Silvia Ros
Constructor : Zenlet (Josep Font)
Promotor: Espai Gut
Fotografías: Pol Viladoms
+ estudi08014.com

[:en]

Refurbishment of a ground floor located in the neighborhood of Ca n’Aurell, in the city center of Terrassa, close to Barcelona.

The building is from 1925 and highlights its reinforced concrete structure, very innovative for its time, with spans up to 10 meters. However, the successive transformations of the space over the years have hidden the original structure after a chaotic superposition of partitions and false ceilings.

We must segregate the space into two premises with independent accesses. The main one, with a surface of about 180sqm, is a workspace for psychologists that includes, on the one hand, an area with private consultations and, on the other, an open space to develop activities for groups: workshops, conferences, exhibitions, etc. The second premise, about 50sqm, is for renting.

Beyond the program, the project is basically conditioned by the lack of natural light and a very tight budget, of around €500/m2.

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The proposal is organised into four functional areas that define a sequence of chained spaces.

The first one is an outdoor covered space without specific use through which you can access both premises. It is conceived as an extension of the street that defines a gradual transition between exterior and interior. An ‘intermediate space’ suited to our climatic and cultural environment.

The second area is a single open space of 35sqm with a free height of 4.40m where to develop activities for groups. It can be segregated with a curtains system for the simultaneous development of incompatible uses a priori as dining room, workshops, talks, circulations, waiting room, etc.

In the third area the services are placed: a kitchen diner, an adapted toilet and a storage room, which are connected through a low-ceiling corridor. This area has a different materiality from the rest of the project in order to remark its secondary role.

In the fourth area, at the back, the consultations are located: seven offices of variable dimensions between 7 and 13sqm organised around a central space located under a skylight. An archetypical central plan formed by a set of rooms located around a void that provides light and ventilation. It also can be interpreted as an eighth room resulting in a structure of linked rooms where the circulation areas disappear.

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The material and constructive strategy aims to reveal the original structure, to bring natural light to everywhere and to improve the energy behavior of the building.

The first action -almost an exorcism- is to remove all those constructive elements accumulated over the years that are not part of the original building. In the first two areas the ceilings and some original walls will be left uncoated.

The new ceramic walls, 2.20m high, are painted white to enhance the natural light. From 2.20m up, the walls are completed with pine wood frames and glass in order to bring the light to all corners of the project. Some points where it’s convenient to create a warmer atmosphere are solved with OSB boards.

A series of passive strategies in order to reduce energy consumption are defined. In the first place, the common spaces are not heated, becoming ‘buffer spaces’ that improve the energetic behavior of the ‘100% indoor spaces’. Secondly, hot air in the consulting area is evacuated by the ‘chimney effect’ through a forced extraction located in the skylight. Finally, insulation is improved and thermal bridges are eliminated by placing 10cm of rock-wool on the inside face of the skin.

Work: Therapeutic Center in Terrassa
Site: Ca n’Aurell, Terrassa (BCN)
Surface: 240m2
Budget: €120,000
Project: November 2016 – April 2017
Construction: April 2017 – October 2017
Authors: estudi08014 (Adrià Guardiet, Sandra Torres)
Structure consultant: Xavier Gimferrer
Services consultant: Silvia Ros
Contractor: Zenlet (Josep Font)
Client: Espai Gut
Photos: Pol Viladoms
+ estudi08014.com

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[:es]III Congreso Nacional del Futuro del Arquitecto[:gl]III Congreso Nacional do Futuro do Arquitecto[:en]The IIIrd National Congress of the Future of the Architect[:]

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La Asociación de Estudiantes y Jóvenes Arquitectos ASEJA convoca el III Congreso Nacional del Futuro del Arquitecto.

III Congreso Nacional del Futuro del Arquitecto Portada

Los profesionales de la arquitectura debatirán los días 11, 12 y 13 de Abril en la capital granadina sobre el estado de la profesión, la formación del arquitecto y las nuevas perspectivas del sector.

Un congreso que aglutinará a profesionales y estudiantes llegados de todo el territorio español y que pretende reunir en un mismo foro a profesionales, representantes de la profesión, de las universidades y de las administraciones públicas encargadas de regular la profesión y la arquitectura en nuestro país. Contará con una estructura de mesas redondas los primeros días, e importantes personalidades y organizaciones del mundo de la arquitectura en nuestro país asistirán al mismo.

Una de las principales novedades en esta edición del congreso ha sido la introducción de un Espacio de Emprendimiento que permitirá conectar a los Jóvenes y demás asistentes con empresas y expertos sobre emprendimiento, coorganizado junto a UGR emprendedora. Una actividad central en la programación ya que

‘los arquitectos tenemos una formación amplia y multifacética que nos da habilidades y destrezas para solucionar diferentes problemas de manera creativa. Tenemos que aprender a aplicar nuestra creatividad para desembarcar en el mundo empresarial y empaparnos de la cultura emprendedora’

nos comenta Jorge Contreras Ubric, presidente de la Asociación de Estudiantes y Jóvenes Arquitectos ASEJA y coordinador del congreso.

También se ha conocido el tema que estará presente en el Espacio Comunica que en esta tercera edición versará sobre la ‘Accesibilidad universal y el diseño para todos’, coorganizado junto con La Ciudad Accesible, permitirá que expertos del ámbito de la accesibilidad expongan sus investigaciones y recuerden en el contexto del foro, la importancia de la responsabilidad social de los arquitectos con la sociedad.

III Congreso Nacional del Futuro del Arquitecto twitter
#IIICNFA

La Asociación de Estudiantes y Jóvenes Arquitectos es una organización volcada en la realización de diferentes proyectos en el ámbito de la arquitectura en el plano local y global, en colaboración con diversas organizaciones e instituciones. En su actividad diaria trabajan en establecer nexos de conexión entre el mundo académico y profesional. Es una asociación dirigida y gestionada por jóvenes arquitectos y estudiantes de arquitectura.

Toda la información en iiicnfa.asejagr.com

[:gl]

A Asociación de Estudantes e Novos Arquitectos ASEJA convoca o III Congreso Nacional do Futuro do Arquitecto.

III Congreso Nacional del Futuro del Arquitecto Portada

Os profesionais da arquitectura debaterán os días 11, 12 e 13 de Abril na capital granadina sobre o estado da profesión, a formación do arquitecto e as novas perspectivas do sector.

Un congreso que aglutinará a profesionais e estudantes chegados de todo o territorio español e que pretende reunir nun mesmo foro a profesionais, representantes da profesión, das universidades e das administracións públicas encargadas de regular a profesión e a arquitectura no noso país. Contará cunha estrutura de mesas redondas os primeiros días, e importantes personalidades e organizacións do mundo da arquitectura no noso país asistirán ao mesmo.

Unha das principais novidades nesta edición do congreso foi a introdución dun Espazo de Emprendemento que permitirá conectar aos Mozos e demais asistentes con empresas e expertos sobre emprendemento, coorganizado xunto a UGR emprendedora. Unha actividade central na programación xa que

‘os arquitectos temos unha formación ampla e multifacética que nos dá habilidades e destrezas para solucionar diferentes problemas de maneira creativa. Temos que aprender a aplicar a nosa creatividade para desembarcar no mundo empresarial e empaparnos da cultura emprendedora’

coméntanos Jorge Contreras Ubric, presidente da Asociación de Estudantes e Novos Arquitectos ASEJA e coordinador do congreso.

Tamén se coñeceu o tema que estará presente no Espazo Comunica que nesta terceira edición versará sobre a ‘Accesibilidade universal e o deseño para todos’, coorganizado xunto coa Cidade Accesible, permitirá que expertos do ámbito da accesibilidade expoñan as súas investigacións e lembren no contexto do foro, a importancia da responsabilidade social dos arquitectos coa sociedade.

III Congreso Nacional del Futuro del Arquitecto twitter
#IIICNFA

A Asociación de Estudantes e Novos Arquitectos é unha organización envorcada na realización de diferentes proxectos no ámbito da arquitectura no plano local e global, en colaboración con diversas organizacións e institucións. Na súa actividade diaria traballan en establecer nexos de conexión entre o mundo académico e profesional. É unha asociación dirixida e xestionada por novos arquitectos e estudantes de arquitectura.

Toda a información en iiicnfa.asejagr.com

[:en]

The Association of Students and Young Architects ASEJA summons the Congress III National of the Future of the Architect.

III Congreso Nacional del Futuro del Arquitecto Portada

The professionals of the architecture will debate on the 11th, April 12 and 13 in the from Granada capital on the condition of the profession, the formation of the architect and the new perspectives of the sector.

A congress that will agglutinate professionals and students come from the whole Spanish territory and that tries to assemble in the same forum professionals, representatives of the profession, of the universities and of the public administrations entrusted to regulate the profession and the architecture in our country. It will possess a structure of round tables the first days, and important personalities and organizations of the world of the architecture in our country will attend the same one.

One of the principal innovations in this edition of the congress has been the introduction of Espacio de Emprendimiento that will allow to connect the Young persons and other assistants with companies and experts on emprendimiento, coorganizado together with enterprising UGR. A central activity in the programming since

‘the architects we have a wide and many-sided formation that gives us skills and skills to solve different problems of a creative way. We have to learn to apply our creativity to land in the managerial world and to soak in the enterprising culture’

Jorge Contreras Ubric comments us, president of the Association of Students and Young Architects ASEJA and coordinator of the congress.

Also there has been known the topic that will be present in the Espacio Comunica that in this third edition it will turn on the ‘universal Accessibility and the design for all’, coorganizado together with The Accessible City, it will be allowed that expert of the area of the accessibility they expose his investigations and remember in the context of the forum, the importance of the social responsibility of the architects with the company.

III Congreso Nacional del Futuro del Arquitecto twitter
#IIICNFA

The Association of Students and Young Architects is an organization overturned in the accomplishment of different projects in the area of the architecture in the local and global plane, in collaboration with diverse organizations and institutions. At his daily activity they are employed in establishing links of connection between the academic and professional world. He is an association directed and managed by young architects and students of architecture.

All the information in  iiicnfa.asejagr.com

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Historia Universal de la Infamia [III] | José Ramón Hernández Correa

[:es]Historia Universal de la Infamia [II] | José Ramón Hernández Correa[:gl]Historia Universal da Infamia [II] | José Ramón Hernández Correa[:en]Universal history of the Turpitude [II] | José Ramón Hernández Correa[:]

Finalizo la trilogía (I, II) que prometí, no porque no haya muchas más infamias, sino porque creo que vale con una de cada uno de los tres grandes. Y remato la serie con alivio, porque no está bien contar tantos trapos sucios.

Lilly Reich (1885–1947) | Fuente: moma.org
Lilly Reich (1885–1947) | Fuente: moma.org

A Mies van der Rohe se le ha acusado a menudo de haber sido demasiado dócil con los nazis. Esto tiene matices discutibles, pero mucha relación con la que yo considero su verdadera infamia, así que empezaré por ahí. A Walter Gropius le sucedió Hannes Meyer en la dirección de la Bauhaus. Si la escuela, libre y vanguardista, había sido siempre más bien de izquierdas, bajo la dirección de Meyer lo fue ya decididamente. En pleno apogeo de los nazis, Hannes Meyer radicalizó la ideología política de la Bauhaus hasta límites intolerables por aquellos. En 1930 le expulsaron, y no estaban seguros aún de cerrar la Bauhaus. Mies les convenció de alguna manera de que la escuela se podía «reconducir» y serle útil al Reich.

(En esa delicada relación están los elementos más criticables, en el sentido de que Mies traicionó a la Bauhaus y se la entregó a los nazis, pero también se puede hacer otra lectura y defender que él hizo todo lo posible por salvarla, y que la negociación con los nazis era inevitable. Yo, hasta ahí, le doy a Mies el beneficio de la duda).

Una vez defenestrado Meyer, Mies fue nombrado director. Lo primero que hizo fue una criba feroz de alumnos y profesores, hasta erradicar la ideología política de la Bauhaus. Mies era apolítico, y más en esos tiempos. («Apolítico» puede entenderse en este contexto como «más bien de derechas», pero tibio y sin ganas de líos).

Algunos profesores no esperaron a que les despidieran, y dimitieron. Muchos alumnos se amotinaron, y fueron expulsados. Mejor dicho: Mies fue mucho más radical. Expulsó absolutamente a todos los alumnos, y posteriormente abrió un período de matrícula en el que examinó personal y concienzudamente a cada aspirante, para asegurarse de que las tonterías izquierdistas se habían terminado para siempre.

Mies contrató a Lilly Reich como profesora de Interiorismo y Decoración.

La había conocido en 1924, y le había impresionado profundamente (tanto que al poco tiempo abandonó a su mujer y a sus tres hijas por ella). Lilly había comenzado su carrera como diseñadora de moda, donde aprendió a valorar materiales, texturas, colores… lo que le sirvió de mucho para pasarse posteriormente al diseño de muebles y al acondicionamiento de espacios.

A Mies, siempre tan consciente y tan amante de los materiales, pero aún anclado a los tradicionales, le enseñó a valorar los tejidos, el vidrio, el acero, etc. Inmediatamente empezaron a trabajar juntos. Lilly le lanzó al diseño de muebles, y fue fundamental en proyectos tan fantásticos como el Pabellón de Barcelona o la casa Tugendhat.

Pero, aparte de lo que Lilly le aportó a Mies en el campo de la arquitectura, en lo personal le hizo reconsiderar su vida y su futuro. Se supone que vivieron una tórrida historia de amor, pero el único testimonio gráfico es este, que muy tórrido, lo que se dice muy tórrido, no parece. Vamos, que no es como para derretirse de emoción. (No conozco -y juraría que no existe- ninguna otra fotografía en que aparezcan los dos).

Lilly Reich y Mies van der Rohe
Lilly Reich y Mies van der Rohe

Vida personal, vida profesional, incertidumbre ante el futuro… Años convulsos (que diría un clásico).

Philip Johnson (que era filonazi, y en ese momento lo era mucha gente) en 1933 escribió con entusiasmo que Mies tenía que ser el arquitecto del Tercer Reich. En ese momento Hitler aún no conocía a Albert Speer (estaba empezando a ver algunas cosas suyas). ¿Os imagináis si le hubiera hecho caso a Johnson? ¿Os imagináis si alguien le hubiera presentado en ese momento a Mies? La vida y la casualidad tienen estas cosas, y Mies estaba dispuesto a todo, y seguro que habría celebrado con entusiasmo ser el arquitecto del régimen.

Los nazis aún no sabían qué querían en materia de arte y de arquitectura, pero pronto se vio que la vanguardia no les gustaba nada, y la Bauhaus no duró ni siquiera bajo la dirección servil de Mies. A Hitler, que era un artista aficionado sin talento, sin cultura y sin imaginación, y que había querido ser arquitecto pero no tenía ninguna aptitud, le tiraba lo clasicote-mazacote, y la hábil elegancia de Speer con el neoclasicismo le acabó de definir arquitectónicamente. (Pero Mies era un gran admirador de Schinkel, y habría sido perfectamente capaz de traicionar la línea moderna y ejercer el neoclasicismo sin inmutarse).

Mies no se marchó corriendo a América, como Gropius, porque mantuvo las esperanzas de un futuro con los nazis. Su comportamiento a este respecto hoy se ve ridículo e incluso bochornoso, pero hay que comprender que en esos momentos la mayoría de la gente pensaba que era posible vivir y medrar con los nazis.

Mies hizo muchos y variados esfuerzos por conciliarse con la política artística del Reich, con encajar en ella. Pero los nazis eran contradictorios y brutales: Por una parte les interesaba la funcionalidad, la eficacia y la monumentalidad con tintes modernos, pero por otra querían un renacimiento nacionalista simbólico y enfático. Los esfuerzos de Mies nos lo muestran ahora como un bobo o, todavía peor, como un cobarde.

Por aquella época su vida parecía no correr peligro, pero tampoco tenía encargos, ni daba clases, ni nada.

Al poco tiempo, le llamaron de América y, ahora sí, se agarró a la oportunidad.

Tras un carteo que duró casi todo el año 1936, en el que se le ofrecía una cátedra para finalmente perderla por los pelos, en 1937 el matrimonio Resor le encargó una casa de verano en Wyoming y, sobre todo, le invitó a EE.UU. justo cuando Alemania olía ya a pólvora de una manera insoportable. Mies hizo las maletas a toda velocidad y se marchó corriendo.

A su mujer y a sus hijas ya las había abandonado hacía tiempo, pero estas eran ya mayores y podrían hacerse cargo de su madre. En cuanto a Lilly Reich, ¿por qué se marchó sin ella? La dejó en Alemania, en medio del peligro, sola, enamorada de él.

En América vio otro mundo. Había paz y tranquilidad. La gente le respetaba, le querían hacer encargos y tenía un par de universidades para elegir cátedra.

En abril de 1938 volvió a Alemania para arreglar rápidamente algunas cosas y volverse al paraíso, y se encontró con que los nazis ya se habían aclarado: Juzgaban toda la vanguardia como arte degenerado y la relacionaban con el judaísmo y el comunismo. Sí, le recordaban, y también le emparentaban con los judíos y los comunistas de la extinta Bauhaus. Mies se dio cuenta de que se había metido en la trampa y de que se la estaba jugando, y de que tal vez no pudiera volver ya a América.

En agosto, antes de volver, tenía que pasar por la comisaría de policía para recoger su pasaporte (que había entregado previamente) con su visado de emigración. Le dio tanto miedo que le estuvieran esperando para detenerle que mandó a un amigo. Este recogió el pasaporte, pero cuando llegó a la casa de Mies para dárselo se lo encontró muerto de miedo, ante dos oficiales de la Gestapo que le estaban interrogando y se lo iban a llevar precisamente por estar sin pasaporte.

Afortunadamente, se pudo aclarar la cosa, y los oficiales de la Gestapo dieron por bueno el visado y le dejaron.

Naturalmente, con el pasaporte visado en el bolsillo, Mies se fue otra vez a América corriendo, dejando todo atrás, sin conocer a nadie. Sálvese el que pueda. Sus mujeres se quedaban en el infierno.

Historia Universal de la Infamia [III] Lilly Reich o2
Lilly Reich

Lilly Reich, con grandes trabajos, se ocupó de ir al estudio abandonado de Mies y rescatar los dibujos y los papeles, y clasificarlos y ordenarlos meticulosamente. (Gracias a ella hoy existe el archivo de Mies). También luchó por defender los derechos de sus muebles (que se pirateaban mucho), y de conseguir cobrar algo de dinero que llevaba a la esposa de Mies. Luchó por defender todo lo de Mies, mientras este, en América, se olvidaba de ella. Una llamada desde allí podría haberla salvado, podría haberla llevado también a ella a la salvación, pero Mies no quería estar atado a nadie. No quería que nadie le molestara.

Al año siguiente, en la nochevieja de 1939, conoció a Lora Marx, de quien se enamoró. Nunca vivió con ella. Mies no soportaba ya vivir con nadie. Vivía solo, en una habitación de hotel, con sus cuadros debajo de la cama. Le gustaba encontrarse con Lora, pero que luego se fuera a su casa.

Mies vivió como un rey mientras que su esposa y Lilly pasaban hambre y miedo, en el horrible Berlín de la guerra mundial. No hizo nada por ayudarlas. (Tampoco podía enviarles dinero ni comida tal como estaba la cosa).

Lilly Reich pasó la guerra trabajando como pudo. Los nazis estaban interesados en la prefabricación y en la estandarización, que enlazaba con el espíritu Neufert de la Bauhaus y con la Werkbund, y ella pudo trabajar precaria y anónimamente en trabajos rutinarios de modulación métrica, intentando ser útil y cumplir su deber. Cuidó siempre del legado de Mies y luchó con gran fuerza y valentía. Poco después de acabada la guerra, con Berlín destruido y la moral hundida, murió de cáncer en 1947, enamorada aún y siempre de Mies van der Rohe.

La esposa de Mies, Ada, con todos sus esfuerzos y penurias, fue capaz de ocultar a unos judíos en su pequeño apartamento durante una temporada.

Todas fueron heroínas.

(Si durante todo mi relato habéis pensado que era tendencioso y sesgado, y, pese a todo, habéis intentado ser comprensivos con Mies, mirad su actitud y la de Lora Marx, y, sobre todo, mirad el fondo de la foto con mucha atención. Infamia).
(Si durante todo mi relato habéis pensado que era tendencioso y sesgado, y, pese a todo, habéis intentado ser comprensivos con Mies, mirad su actitud y la de Lora Marx, y, sobre todo, mirad el fondo de la foto con mucha atención. Infamia).

José Ramón Hernández Correa
Doctor Arquitecto y autor de Arquitectamos locos?
Toledo · mayo 2012

Lógica difusa | Miquel Lacasta

Casas flotantes de Laurent Chehere, una imagen onírica imposible de reducir a un código binario de argumentos | laurentchehere.com
Una de las casas flotantes de Laurent Chehere, una imagen onírica imposible de reducir a un código binario de argumentos. Gracias a la fotógrafa Eva Germán por la referencia | Fuente: laurentchehere.com

La esencia de la lógica difusa reside en la expresión todo es cuestión de grado, en clara oposición a la lógica probabilística pura en que todo es 0 ó 1, verdadero o falso. En otras palabras la lógica difusa utiliza expresiones que no son ni totalmente ciertas ni completamente falsas, en definitiva podría decirse que la lógica difusa es la lógica aplicada a conceptos que pueden tomar un valor cualquiera de veracidad dentro de un conjunto de valores que oscilan entre dos extremos, la verdad absoluta y la falsedad total.1 

La lógica difusa es directamente subsidiaria del concepto de multivalencia, cuyo contrario es la bivalencia, donde solo hay dos valores, dos posibles maneras de solucionar una cuestión. Por el contrario la multivalencia admite por definición más de dos opciones. En la bivalencia se requiere que se realicen ciertos esfuerzos para adecuar una respuesta a los dos valores posibles: si o no, 1 ó 0, verdadero o falso. Remite directamente a una lógica binaria. Mientras, la multivalencia permite respuestas tipo: más o menos, o, un poco, mucho, bastante.2 

El pensamiento binario, bivalente, es reduccionista y provoca la pérdida de información al elaborar un juicio o dar una respuesta, ya que redondea los valores para llegar a alguna de las dos respuestas contrapuestas. En cambio, el razonamiento difuso permite el uso de valores intermedios y sobre todo hace posible que un valor pertenezca a dos conjuntos complementarios a la vez.

La lógica difusa en definitiva permite poder manejar cuestiones subjetivas para convertirlas en grados, en niveles. Esta característica hace que sea la herramienta ideal para el tratamiento de datos provenientes de una investigación en el campo social, por ejemplo, donde las situaciones y dinámicas no pueden ser tratadas como verdaderas o falsas absolutas, sino que remiten directamente a una cuestión de grado. También es muy importante la lógica difusa en la programación de software de búsqueda, como el mismísimo Google, donde se realizan búsquedas a partir de aproximaciones, o incluso a partir de errores, gramaticales o conceptuales, y el programa es capaz de interpretar la entrada de datos y dar un ámbito de respuestas muy cercano al buscado. Esta capacidad de adivinar lo que estoy buscando es una propiedad que puede parametrizarse a partir de la programación con lógica difusa.

La lógica difusa fue propuesta por el matemático azerbaiyano y más tarde nacionalizado estadounidense, Lotfi Zadeh en 1965 cuando era chairman del Department of Electrical Engineering and Electronics Research Laboratory de la Universidad de California, Berkeley, en un artículo titulado Fuzzy Sets.3 Más tarde, en 1968, publica una ampliación del primer artículo en el Journal of Mathematical Analysis and Applications llamado Probability Measures of Fuzzy Events.4 

En el primer artículo Zadeh empieza definiendo el título del mismo como:

«Un conjunto difuso son una clase de objetos con un grado continuo de pertenencia. Este conjunto difuso está caracterizado por una función de pertenencia que asigna a cada objeto un nivel de grado de pertenencia entre 0 y 1. Las nociones de inclusión, un ión, intersección, complementariedad, relación, convexidad, etc., son aplicables a estos conjuntos, y varias propiedades de estas nociones pueden ser establecidas en el contexto de los conjuntos difusos».5 

A este difuso principio del artículo sobre los conjuntos difusos, también llamados conjuntos borrosos, le sigue en la introducción un texto un poco más clarificador.

«Habitualmente la clase de objetos que nos encontramos en el mundo físico real, no tiene definido con precisión el criterio de pertenencia. Por ejemplo, la clase animales incluye claramente a los perros, los caballos, los pájaros, etc. como miembros, y también claramente excluye objetos tipo rocas, fluidos, plantas, etc. Sin embargo, objetos como la estrella de mar, una bacteria, etc. tienen un status ambiguo con respecto a la clase de animal que son. El mismo tipo de ambigüedad surge en el caso de un número como el 10 en relación a la clase de números reales que son más grandes que 1.

Claramente, la clase de todos los números que son mayores que 1 o la clase de las mujeres hermosas o la clase de los hombres altos, no constituyen una clase o un conjunto en el sentido matemático usual del término. Sin embargo estas clases imprecisamente definidas juegan un importante papel en el pensamiento humano, particularmente en el dominio de los patrones de reconocimiento, la comunicación de la información y la abstracción.

El propósito de esta nota es explorar a nivel preliminar, algunas de las propiedades y las implicaciones de un concepto que puede ser usado para tratar con el concepto de clase, del tipo mencionado anteriormente. El concepto en cuestión es tal que un conjunto difuso, es una clase con un grado continuo de pertenencia.  Eso viene a querer decir que un objeto de esa clase puede pertenecer a varios conjuntos a la vez».6 

En el segundo artículo mencionado, Zadeh clarifica el ámbito cercano de la teoría de la probabilidad a la que los conjuntos difusos se dirige afirmando que si bien la noción de evento y su probabilidad de suceso constituye el concepto más básico de la teoría de la probabilidad, en la experiencia diaria, uno suele encontrarse con situaciones donde

«el evento es más bien difuso, que no algo perfectamente definido».7

La indefinición de lo que puede significar un día templado, por ejemplo, amplía el campo de aplicación de la teoría de la probabilidad si se aplica conjuntamente con la lógica difusa. Es decir, para algunas personas el día templado puede parecerles algo fresco, y para otras el día templado, demasiado caluroso. Aplicando estrictamente la teoría de la probabilidad, la posibilidad de encontrarse con un día templado es bien remota en cuanto a la satisfacción de los resultados se refiere. Si se aplica la lógica borrosa, es probable que el proceso sea más complejo y por tanto los resultados más matizados pero no dejará partes importantes de la información de lado para llegar a un resultado preciso.

En definitiva la lógica difusa asume que la realidad a estudiar es mucho más compleja que ciertas condiciones de laboratorio, que de tan abstractas, corren el riesgo de ser poco aplicables a dinámicas complejas. A este proceso Zadeh lo llama eventos difusos.

A partir de estos dos textos, la lógica difusa o la teoría de los conjuntos difusos desarrolló un gran avance a finales de los años 70 y principios de los 80, seguramente por su capacidad para parametrizar afirmaciones lingüísticas de una cierta vaguedad –por ejemplo permitiendo establecer un rango a lo que significa una persona joven, una persona madura y una persona vieja– y por la posibilidad más tarde de incorporar operadores lógicos como los modificadores lingüísticos AND, OR y THEN en el lenguaje de programación de software.

De lo dicho hasta ahora, se deduce también que la lógica difusa debería ser la propia del operar proyectual de la arquitectura, el urbanismo y el paisaje contemporáneo. Los proyectos que operan sobre la realidad no se distinguen de la realidad misma. Se fundamentan en el manejo de la complejidad como única solución posible, para dar respuestas pertinentes. Nada en la realidad es reducible a un código binario, ni tan siquiera las operaciones más básicas o más simples. Es por eso que sorprende que mucha de la arquitectura actual todavía se juzga y se procesa desde lo binario, cuando parece imposible cerrar en una sola contraposición, la densidad argumental de un proyecto.  En realidad podría decirse que la lógica difusa es la piedra angular de una nueva modernidad.

Miquel Lacasta. Doctor arquitecto
Barcelona, noviembre 2013

Notas:

1 Ver PEREZ PUEYO, Rossana, Procesado y Optimización de Espectros Raman Mediante Técnicas de Lógica Difusa: Aplicación a la Identificación de Materiales Pictóricos, tesis doctoral del Departamento de Teoría del Senyal i Comunicacions, UPC, Universitat Politécnica de Catalunya, Barcelona, 2005.

2 DIEGOLI, Samantha, El comportamiento de los grupos pequeños de trabajo bajo la perspectiva de la complejidad: Modelos descriptivos y estudio de casos, tesis doctoral de la División de Ciencias de la Salud, Facultad de Psicología del Departamento de Psicología Social de la Universitat de Barcelona, 2003.

3 ZADEH, Lotfi, “Fuzzy Sets”, Information and Control, núm. 8, 1965, pp. 338-353.

4 ZADEH, Lotfi, “Probability Measures of Fuzzy Events”, Journal of Mathematical Analysis and Aplications, Vol. 23, núm. 2, Agosto 1968, pp. 421-427.

5 Op. Cit., ZADEH, 1965, p. 338.

6 Ibídem, p. 339.

7 Op. Cit., ZADEH, 1968, p. 421.

e n g a w a # 22

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e n g a w a # 22 veredes

En 1917 dos cartógrafos ingleses llegan a un pueblo de Gales con el propósito de medir la altura de la montaña Pfynnon Garw. La decepción del pueblo es mayúscula cuando, tras realizar las oportunas mediciones, anuncian que a Pfynnon Garw le faltan 15 pies para considerarse montaña. El pueblo menoscabado en su orgullo decide ponerse manos a la obra y aumentar la altura de su colina y convertirla en montaña. Esta historia forma parte del argumento de la película El inglés que subió una colina y bajó una montaña, dirigida por Christopher Monger y protagonizada por Hugh Grant. La historia cuenta, como unos pocos centímetros separaban una simple colina de una montaña.

Medir, además de permitir diferenciar entre colinas y montañas nos permite establecer un inicio y al mismo tiempo un final. Medir significa conocer la finitud de las cosas, su pequeñez. Medir nos permite comprender la distancia entre objetos, establecer un límite entre eso y aquello, entre tú y yo. Medir es en definitiva una forma de comprensión.

Medir nos permite comprender la importancia de unos simples centímetros.

Por todo ello agradecemos enormemente la generosa propuesta de Dario Zeruto, donde como en la medida, todo cabe.

En este número encontrarán algunas de las observaciones hechas, pero también descubrirán nuevas formas de medir.

Verán que medir puede ser una acción subversiva, que en 80cm cabe lo inconmensurable, que grande y pequeño a veces es una diferenciación vana, que medir puede convertirse en una tarea inabarcable y que la cinta métrica no siempre es el mejor método para comprender la arquitectura.

Editorial

Medir · Dario Zeruto

(At) Fake States · Montse Solano

80cm – Adriana Vázquez Balló

Madera de boj · Javier de las Heras Solé

Tres frases y un abismo · François Guynot de Boismenu

Trayectoria de aproximación lineal · Javier Mosquera

Medir · Pablo Twose

La medida de todas las cosas · Rubén Páez

Mesure / Medida · Emmanuele Delabranche

On scalar reference · Joel Kerner

Dom van der Laan: El número plástico y la otra vía de la modernidad · Arianna Grondona

De algunas cosas · Roberto Cides

Lo cotidiano · Víctor Díaz-Asensio

engawa 22 está disponible online y en versión papel.

Aprovechamos para recordaros que ya está abierta la convocatoria para el siguiente número de la revista: engawa 23, donde contaremos con la colaboración especial de La Ampliadora, escuela social de fotografía de Granada.

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e n g a w a # 22 veredes

En 1917 dous cartógrafos ingleses chegan a un pobo de Gales co propósito de medir a altura da montaña Pfynnon Garw. A decepción do pobo é maiúscula cando, tras realizar as oportunas medicións, anuncian que a Pfynnon Garw fáltanlle 15 pés para considerarse montaña. O pobo menoscabado no seu orgullo decide poñerse ao choio e aumentar a altura do seu outeiro e convertela en montaña. Esta historia forma parte do argumento da película O inglés que subiu un outeiro e baixou unha montaña, dirixida por Christopher Monger e protagonizada por Hugh Grant. A historia conta, como uns poucos centímetros separaban un simple outeiro dunha montaña.

Medir, ademais de permitir diferenciar entre outeiros e montañas permítenos establecer un inicio e ao mesmo tempo un final. Medir significa coñecer a finitud das cousas, a súa pequeñez. Medir permítenos comprender a distancia entre obxectos, establecer un límite entre iso e aquilo, entre ti e eu. Medir é en definitiva unha forma de comprensión.

Medir permítenos comprender a importancia duns simples centímetros.

Por todo iso agradecemos enormemente a xenerosa proposta de Dario Zeruto, onde como na medida, todo cabe.

Neste número atoparán algunhas das observacións feitas, pero tamén descubrirán novas formas de medir.

Verán que medir pode ser unha acción subversiva, que en 80cm cabe o inconmensurable, que grande e pequeno ás veces é unha diferenciación va, que medir pode converterse nunha tarefa inabarcable e que a cinta métrica non sempre é o mellor método para comprender a arquitectura.

Editorial

Medir · Dario Zeruto

(At) Fake States · Montse Solano

80cm – Adriana Vázquez Balló

Madeira de boj · Javier de las Heras Solé

Tres frases e un abismo · François Guynot de Boismenu

Traxectoria de aproximación lineal · Javier Mosquera

Medir · Pablo Twose

A medida de tódalas cousas · Rubén Páez

Mesure / Medida · Emmanuele Delabranche

On scalar reference · Joel Kerner

Dom van der Laan: El número plástico y la otra vía de la modernidad · Arianna Grondona

Dalgunhas cousas · Roberto Cides

O cotián · Víctor Díaz-Asensio

engawa 22 está dispoñible online e en versión papel.

Aproveitamos para lembrarvos que xa está aberta a convocatoria para o seguinte número da revista: engawa 23, onde contaremos coa colaboración especial da La Ampliadora, escola social de fotografía de Granada.

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e n g a w a # 22 veredes

In 1917 two English cartographers come to a people of Wales with the intention of measuring the height of the mountain Pfynnon Garw. The disappointment of the people is capital when, after realizing the opportune measurements, they announce that Pfynnon Garw lacks 15 feet to be considered to be a mountain. People reduced in his pride it decides to put on hands to the work and to increase the height of his hill and to turn her into mountain. This history forms a part of the argument of the movie The Englishman that raised a hill and lowered a mountain directed by Christopher Monger and led by Hugh Grant. The history counts, since a few centimeters were separating a simple hill of a mountain.

Measuring, beside allowing to differ between hills and mountains allows us to establish a beginning and at the same time an end. To measure means to know the finitud of the things, his smallness. To measure allows us to understand the distance between objects, to establish a limit between it and that one, just between us. Measuring is definitively a form of comprehension.

Measuring allows us to understand the importance of a few simple centimeters.

For all this we are grateful enormously for Dario Zeruto‘s generous offer, where as in the measure, everything fits.

In this number they will find some of the made observations, but also they will discover new ways of measuring.

They will see that measuring can be a subversive action, which in 80cm fits the immeasurable thing, which big and small sometimes is a vain differentiation, which to measure can turn into a task inabarcable and which the metric tape not always is the best method to understand the architecture.

Editorial

Medir · Dario Zeruto

(At) Fake States · Montse Solano

80cm – Adriana Vázquez Balló

Madera de boj · Javier de las Heras Solé

Tres frases y un abismo · François Guynot de Boismenu

Trayectoria de aproximación lineal · Javier Mosquera

Medir · Pablo Twose

La medida de todas las cosas · Rubén Páez

Mesure / Medida · Emmanuele Delabranche

On scalar reference · Joel Kerner

Dom van der Laan: El número plástico y la otra vía de la modernidad · Arianna Grondona

De algunas cosas · Roberto Cides

Lo cotidiano · Víctor Díaz-Asensio

engawa 22 is available online and paper version.

We are useful you to remember that already the summons are opened for the following number of the magazine: engawa 23, where we will possess the special collaboration of La Ampliadora social school of photography of Granada.

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[:es]Vivienda unifamiliar en Rúa da Proba | Díaz+Díaz[:gl]Vivenda unifamiliar en Rúa da Proba | Díaz+Díaz[:en]House in Rúa da Proba | Díaz+Díaz[:]

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Vivienda unifamiliar en Rúa da Proba Díaz+Díaz o9 exto4

Vivienda unifamiliar en planta baja en el municipio de Oleiros, que se implanta en el terreno considerando las condiciones de partida de la parcela, entendiendo el lugar y buscando la mejor orientación.

La parcela tiene una planta irregular y con una ligera pendiente hacia su interior, con un acceso por la zona este desde el el vial principal.

El acceso desde el vial principal se realiza aproximadamente en el nexo de unión entre el área de vivienda y el de garaje, facilitando tanto el acceso rodado hacia la zona de garaje, como el peatonal hacia el interior de la vivienda.

Para la edificación se plantea un volumen de hormigón con una envolvente en zinc de junta alzada y elementos de madera. Con una disposición en “U” que se desarrolla paralelamente al vial de acceso y al camino de servicio situado en los lindes Norte y Oeste del terreno, abriéndose hacia el interior de la parcela buscando la mejor orientación de la misma.

La vivienda se compone únicamente de una planta baja que se divide en tres áreas principales, el garaje, la vivienda y una terraza cubierta.

De igual modo, la forma geométrica y la disposición de la vivienda en la parcela, favorecen que se cierre en sus orientaciones Noroeste y Noreste para ganar privacidad, y se abra al Sur hacia la urbanización de la parcela a través de carpinterías con sistema corredizo.

El área destinada a vivienda se sitúa a continuación del garaje y se alinea paralelo al camino de servicio. Este volumen dispone de dos zonas diferenciadas; una caja de madera que recoge los espacios privados, como son el dormitorio principal con su correspondiente baño y vestidor, el estudio, un baño principal y una zona que contiene la lavandería, almacén, instalaciones y taller.

En cambio, la zona de día consiste en una zona más transparente y acristalada que incluye las zonas de salón y cocina.

Por último, el área dedicada a la terraza cubierta se sitúa a continuación de la vivienda, con la posibilidad de establecer una conexión directa con la cocina-salón.

Este espacio se cierra en su orientación Noroeste y se abre a la urbanización de la parcela y a la piscina exterior, aprovechando la luz y el calor.

Obra: Vivienda unifamiliar en Rúa da Proba
Autor: Díaz y Díaz Arquitectos (Gustavo Díaz García y Lucas Díaz Sierra)
Colaboradores: Pablo Mera Montecelos, Daniel Orosa Pico, Miguel Ángel Sendín Bacon
Arq. Técnico: Pablo Sanjurjo Morodo
Paisajista: Aritz Sáez Arostegui
Constructora: Ábaco CR
Año: 2016-2017
Emplazamiento: Oleiros, A Coruña, Galicia, España
Fotografías: Juan Rodríguez
+ diazydiazarquitectos.com [:gl]

Vivienda unifamiliar en Rúa da Proba Díaz+Díaz o9 exto4

Vivenda unifamiliar en planta baixa no municipio de Oleiros, que se implanta no terreo considerando as condicións de partida da parcela, entendendo o lugar e buscando a mellor orientación.

A parcela ten unha planta irregular e cunha lixeira pendente cara ao seu interior, cun acceso pola zona este desde o o viario principal.

O acceso desde o viario principal realízase aproximadamente no nexo de unión entre a área de vivenda e o de garaxe, facilitando tanto o acceso rodado cara á zona de garaxe, como o peonil cara ao interior da vivenda.

Para a edificación exponse un volume de formigón cunha envolvente en zinc de xunta alzada e elementos de madeira. Cunha disposición en “Ou” que se desenvolve paralelamente ao viario de acceso e ao camiño de servizo situado nos lindes Norte e Oeste do terreo, abríndose cara ao interior da parcela buscando a mellor orientación da mesma.

A vivenda componse unicamente dunha planta baixa que se divide en tres áreas principais, o garaxe, a vivenda e unha terraza cuberta.

De igual modo, a forma xeométrica e a disposición da vivenda na parcela, favorecen que se peche nas súas orientacións Noroeste e Nordés para gañar privacidade, e se abra ao Sur cara á urbanización da parcela a través de carpinterías con sistema corredizo.

A área destinada a vivenda sitúase a continuación do garaxe e alíñase paralelo ao camiño de servizo. Este volume dispón de dúas zonas diferenciadas; unha caixa de madeira que recolle os espazos privados, como son o dormitorio principal co seu correspondente baño e vestidor, o estudo, un baño principal e unha zona que contén a lavandería, almacén, instalacións e taller.

En cambio, a zona de día consiste nunha zona máis transparente e acristalada que inclúe as zonas de salón e cociña.

Por último, a área dedicada á terraza cuberta sitúase a continuación da vivenda, coa posibilidade de establecer unha conexión directa con cocíñaa-salón.

Este espazo péchase na súa orientación Noroeste e ábrese á urbanización da parcela e á piscina exterior, aproveitando a luz e a calor.

Obra: Vivenda unifamiliar en Rúa da Proba
Autor: Díaz e Díaz Arquitectos (Gustavo Díaz García y Lucas Díaz Sierra)
Colaboradores: Pablo Mera Montecelos, Daniel Orosa Pico, Miguel Ángel Sendín Bacon
Arq. Técnico: Pablo Sanjurjo Morodo
Paisaxista: Aritz Sáez Arostegui
Constructora: Ábaco CR
Ano: 2016-2017
Emprazamento: Oleiros, A Coruña, Galicia, España
Fotografías: Juan Rodríguez
+ diazydiazarquitectos.com [:en]

Vivienda unifamiliar en Rúa da Proba Díaz+Díaz o9 exto4

Housing in ground floor in Oleiros’s municipality, which is implanted in the area considering the conditions of item of the plot, understanding the place and looking for the best orientation.

The plot has an irregular plant and with a light slope towards his interior, with an access for the zone this one from the road principal one.

The access from the road principal one is realized approximately in the link of union between the area of housing and that of garage, facilitating so much the access rolled towards the zone of garage, as the pedestrian one towards the interior of the housing.

For the building a volume of concrete appears with the surrounding one in zinc of lifted meeting and elements of wood. With a disposition in «U» that develops parallel to the road one of access and to the way of service placed in the boundaries North and West of the area, being opened towards the interior of the plot looking for the best orientation of the same one.

The housing consists only of a ground floor that is divided in three principal areas, the garage, the housing and a covered terrace.

Of equal way, the geometric form and the disposition of the housing in the plot, favor that Northwest and North-east is closed in his orientations to gain privacy, and be opened in the southern part towards the urbanization of the plot across carpentries by sliding system.

The area destined for housing places later of the garage and lines up parallel to the way of service. This volume has two differentiated zones; a box of wood that gathers the private spaces, since they are the principal bedroom with his corresponding bath and dressing room, the study, a principal bath and a zone that contains the laundry, store, facilities and workshop.

On the other hand, the zone by day consists of a more transparent and glazed zone that includes the zones of lounge and kitchen.

Finally, the area dedicated to the covered terrace places later of the housing, with the possibility of establishing a direct connection with the kitchen-lounge.

This space is closed in his orientation Northwest and is opened for the urbanization of the plot and for the exterior swimming pool, taking advantage of the light and the heat.

Work: Housing in Rúa da Proba
Author: Díaz y Díaz Arquitectos (Gustavo Díaz García y Lucas Díaz Sierra)
Collaborators: Pablo Mera Montecelos, Daniel Orosa Pico, Miguel Ángel Sendín Bacon
Technical architect: Pablo Sanjurjo Morodo
Landscape painter: Aritz Sáez Arostegui
Building company: Ábaco CR
Year: 2016-2017
Location: Oleiros, A Coruña, Galicia, Spain
Photography: Juan Rodríguez
+ diazydiazarquitectos.com [:]

[:es]Joaquín Vaquero Palacios. La belleza de lo descomunal. Asturias, 1954-1980[:gl]Joaquín Vaquero Palacios. A beleza do descomunal. Asturias, 1954-1980[:en]Joaquín Vaquero Palacios. The beauty of the extraodinary thing. Asturias, 1954-1980[:]

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Joaquín Vaquero Palacios, integración artística en la Central hidroeléctrica de Salime (Asturias), 1954-1980. © Joaquín Vaquero Palacios, VEGAP, Madrid, 2018 © Fotografía: Luis Asín
Joaquín Vaquero Palacios, integración artística en la Central hidroeléctrica de Miranda (Asturias), 1956-1962. © Joaquín Vaquero Palacios, VEGAP, Madrid, 2018 © Fotografía: Luis Asín

Esta exposición, que puede verse en el Museo ICO del 15 de febrero al 6 de mayo de 2018, muestra el concepto de obra total desarrollado por Vaquero Palacios en torno a las cinco centrales hidroeléctricas realizadas en Asturias.

La exposición se centra en el trabajo que, fruto de 30 años de colaboración con Hidroeléctrica del Cantábrico, materializó en cinco centrales eléctricas asturianas concebidas como obras de arte total.

Joaquín Vaquero Palacios, integración artística en la Central hidroeléctrica de Salime (Asturias), 1954-1980. © Joaquín Vaquero Palacios, VEGAP, Madrid, 2018 © Fotografía: Luis Asín
Joaquín Vaquero Palacios, integración artística en la Central hidroeléctrica de Salime (Asturias), 1954-1980. © Joaquín Vaquero Palacios, VEGAP, Madrid, 2018 © Fotografía: Luis Asín

Joaquín Vaquero Palacios (Oviedo, 1900-Madrid, 1998), arquitecto, pintor y escultor, fue un creador total que abordó el proceso creativo de modo global.

Prolífico en todas las disciplinas, esta exposición se centra en el trabajo que, fruto de treinta años de colaboración con Hidroeléctrica del Cantábrico, materializó en cinco centrales eléctricas asturianas concebidas como obras de arte total: Salime (1945-1955) –uno de los mejores ejemplos de arquitectura industrial española adscrita al Movimiento Moderno–, Miranda (1956-62), Proaza (1964-68), Aboño (1969-1980) y Tanes (1980).

Murales, esculturas, mobiliario, diseño industrial –en solitario o con la colaboración de su hijo, Joaquín Vaquero Turcios– y, en algunos casos, incluso la arquitectura, convierten a Vaquero Palacios en un hombre renacentista que fue capaz de transformar las enormes estructuras de estas centrales eléctricas en auténticas catedrales industriales del siglo XX.

Joaquín Vaquero Palacios, integración artística en la Central hidroeléctrica de Miranda (Asturias), 1956-1962. © Joaquín Vaquero Palacios, VEGAP, Madrid, 2018 © Fotografía: Luis Asín
Joaquín Vaquero Palacios, integración artística en la Central hidroeléctrica de Proaza (Asturias), 1964-1968. © Joaquín Vaquero Palacios, VEGAP, Madrid, 2018 © Fotografía: Luis Asín

HORARIOS Y DÍAS DE VISITA
De martes a sábado: 11.00 – 20.00 h.
Domingo y festivos: 10.00 – 14.00 h.[:gl]

Joaquín Vaquero Palacios, integración artística en la Central hidroeléctrica de Salime (Asturias), 1954-1980. © Joaquín Vaquero Palacios, VEGAP, Madrid, 2018 © Fotografía: Luis Asín
Joaquín Vaquero Palacios, integración artística na Central hidroeléctrica de Miranda (Asturias), 1956-1962. © Joaquín Vaquero Palacios, VEGAP, Madrid, 2018 © Fotografía: Luis Asín

Esta exposición, que pode verse no Museo ICO do 15 de febreiro ao 6 de maio de 2018, mostra o concepto de obra total desenvolvido por Vaqueiro Palacios ao redor das cinco centrais hidroeléctricas realizadas en Asturias.

A exposición céntrase no traballo que, froito de 30 anos de colaboración con Hidroeléctrica do Cantábrico, materializou en cinco centrais eléctricas asturianas concibidas como obras de arte total.

Joaquín Vaquero Palacios, integración artística en la Central hidroeléctrica de Salime (Asturias), 1954-1980. © Joaquín Vaquero Palacios, VEGAP, Madrid, 2018 © Fotografía: Luis Asín
Joaquín Vaquero Palacios, integración artística na Central hidroeléctrica de Salime (Asturias), 1954-1980. © Joaquín Vaquero Palacios, VEGAP, Madrid, 2018 © Fotografía: Luis Asín

Joaquín Vaquero Palacios (Oviedo, 1900-Madrid, 1998), arquitecto, pintor e escultor, foi un creador total que abordou o proceso creativo de modo global.

Prolífico en todas as disciplinas, esta exposición céntrase no traballo que, froito de trinta anos de colaboración con Hidroeléctrica do Cantábrico, materializou en cinco centrais eléctricas asturianas concibidas como obras de arte total: Salime (1945-1955) –un dos mellores exemplos de arquitectura industrial española adscrita ao Movemento Moderno–, Miranda (1956-62), Proaza (1964-68), Aboño (1969-1980) e Tanes (1980).

Murais, esculturas, mobiliario, deseño industrial –en solitario ou coa colaboración do seu fillo, Joaquín Vaquero Turcios– e, nalgúns casos, incluso a arquitectura, converten a Vaqueiro Palacios nun home renacentista que foi capaz de transformar as enormes estruturas destas centrais eléctricas en auténticas catedrais industriais do século XX.

Joaquín Vaquero Palacios, integración artística en la Central hidroeléctrica de Miranda (Asturias), 1956-1962. © Joaquín Vaquero Palacios, VEGAP, Madrid, 2018 © Fotografía: Luis Asín
Joaquín Vaquero Palacios, integración artística na Central hidroeléctrica de Proaza (Asturias), 1964-1968. © Joaquín Vaquero Palacios, VEGAP, Madrid, 2018 © Fotografía: Luis Asín

HORARIOS E DÍAS DE VISITA
De martes a sábado: 11.00 – 20.00 h.
Domingo e festivos: 10.00 – 14.00 h.[:en]

Joaquín Vaquero Palacios, integración artística en la Central hidroeléctrica de Salime (Asturias), 1954-1980. © Joaquín Vaquero Palacios, VEGAP, Madrid, 2018 © Fotografía: Luis Asín
Joaquín Vaquero Palacios, Artistic integration in Hydroelectric power station in Miranda (Asturias), 1956-1962. © Joaquín Vaquero Palacios, VEGAP, Madrid, 2018 © Photography: Luis Asín

This exhibition, which can turns in the ICO Museum from February 15 to May 6, 2018, there shows the concept of total work developed for Denim Palaces concerning five hydroelectric power stations realized in Asturias.

The exhibition centres on the work that, fruit of 30 years of collaboration with Hidroeléctrica del Cantábrico, it materialized in five Asturian electric power stations conceived as works of total art.

Joaquín Vaquero Palacios, integración artística en la Central hidroeléctrica de Salime (Asturias), 1954-1980. © Joaquín Vaquero Palacios, VEGAP, Madrid, 2018 © Fotografía: Luis Asín
Artistic integration in Hydroelectric power station in Salime (Asturias), 1954-1980. © Joaquín Vaquero Palacios, VEGAP, Madrid, 2018 © Photography: Luis Asín

Joaquín Vaquero Palacios (Oviedo, 1900 – Madrid, 1998), architect, painter and sculptor, was a total creator who approached the creative process of a global way.

Prolific of all the disciplines, this exhibition centres on the work that, fruit of thirty years of collaboration with Hidroeléctrica del Cantábrico, it materialized in five Asturian electric power stations conceived as works of total art: Salime (1945-1955) – one of the best examples of industrial architecture Spanish woman assigned to the Modern Movement-, Miranda (1956-62), Proaza (1964-68), Aboño (1969-1980) and Tanes (1980).

Murals, sculptures, furniture, industrial design – in solitary or with the collaboration of his son, Joaquín Vaquero Turcios– and, in some cases, even the architecture, they turn Cowherd Palaces into a Renaissance man who was capable of transforming the enormous structures of these electric power stations into authentic industrial cathedrals of the 20th century.

Joaquín Vaquero Palacios, integración artística en la Central hidroeléctrica de Miranda (Asturias), 1956-1962. © Joaquín Vaquero Palacios, VEGAP, Madrid, 2018 © Fotografía: Luis Asín
Joaquín Vaquero Palacios, Artistic integration in Hydroelectric power station in Proaza (Asturias), 1964-1968. © Joaquín Vaquero Palacios, VEGAP, Madrid, 2018 © Photography: Luis Asín

SCHEDULES AND DAYS OF VISIT
From Tuesday until Saturday: 11.00 – 20.00 h.
On Sunday and festive: 10.00 – 14.00 h.[:]

Historia Universal de la Infamia [II] | José Ramón Hernández Correa

[:es]Historia Universal de la Infamia [I] | José Ramón Hernández Correa[:gl]Historia Universal da Infamia [I] | José Ramón Hernández Correa[:en]Universal history of the Turpitude [I] | José Ramón Hernández Correa[:]

Eileen Gray
Eileen Gray

Se suponía que esto iba a ser un espacio sobre teoría y crítica de arquitectura, pero al final también tiene cotilleos. Y es que yo soy muy fan y muy mitómano, y las vidas de mis héroes me interesan incluso más que sus obras.

(Creo que sería un estupendo colaborador en la sección de arquitectura de Telecinco, suponiendo que tal cosa pudiera existir algún día).

En mi sórdido recorrido por la ignominia de los más grandes, hoy me toca hablaros de Le Corbusier.

Pero antes os tengo que hablar de Eileen Gray, una decoradora irlandesa, experta en lacados, diseñadora de muebles y de tejidos, y que las escasísimas veces que tuvo que diseñar una casa lo hizo magistralmente, sin despeinarse, con una facilidad pasmosa.

E.1027
E.1027

Cada vez que leáis una reseña sobre Eileen Gray leeréis la palabra «lesbiana» para empezar. (Creo que el enlace que he puesto a la wikipedia es uno de los poquísimos sitios en que no se dice). A mí eso me duele. Yo tardé bastantes años y bastantes libros en enterarme, por casualidad, de que Louis Henry Sullivan era homosexual, pero con Eileen Gray basta que leamos una pequeña nota para que nos lo digan. ¿Por qué? Uno diría que hay alguien que piensa que ser lesbiana equivale a ser un marimacho y, por lo tanto, a una especie de pseudohombre, y que solo así se entiende que pueda haber habido una mujer en el Movimiento Moderno capaz de hacer casas tan buenas como las que hacían los hombres.

No sé. Tal vez haya algo de eso. Armémonos de paciencia, porque aún no hemos empezado a contar las humillaciones y vejaciones que tuvo que soportar esta mujer.

Eileen Gray fue una de las personas más sensibles y más innovadoras en el campo del «diseño total del espacio», entendiendo por tal cosa el mobiliario, la luz, las texturas, los colores, los tejidos… Abarcó un campo en el que los arquitectos del Movimiento Moderno apenas habían reflexionado por entonces, y llegó a logros prodigiosos.

Era un espíritu libre, que no quería estar atada a nadie ni a nada. Nunca quiso casarse, y vivió sucesivas historias de amor que a los pánfilos como Le Corbusier les dejaban estupefactos.

Una de estas historias la tuvo con Jean Badovici, un arquitecto rumano que…

-Espera, espera. ¿No habías dicho que Eileen Gray era lesbiana?
-Sí. Y repito que así lo dicen sus biografías.
-¿Y este Badovici?
-Pues eso, que la Gray debía de ser lesbiana pero menos. De todas formas, no apearéis del burro a quienes tienen ese puntito morboso. Lo más que conceden algunos es que fue «bisexual», que sabe Dios qué pretenden que signifique. Yo preferiría que a la gente se le dejaran sus gónadas y costumbres en paz, pero no puede ser. Telecinquismo puro. Menciono esto porque me parece fundamental para entender una parte de la obsesión del Corbu.

E.1027
E.1027

Sigamos. Jean Badovici era arquitecto de formación, pero sobre todo era crítico, y editor de la importantísima revista L’Architecture Vivante; y era amigo de Le Corbusier, de quien había publicado muchas obras.

Eileen y Jean estaban muy enamorados. Se construyeron una estupenda casa en la costa azul para vivir en ella su amor. La casa fue diseñada por ambos, aunque al parecer lo fue principalmente por Eileen, y Jean se limitó a poner la «profesión», solucionando detalles técnicos. Desde luego, tanto la elección del lugar como las ideas principales de la configuración de la casa, y todo el acondicionamiento interior fueron obra exclusiva de Eileen. (También fue ella quien costeó la obra).

A la casa la llamaron E.1027, que parece un nombre muy técnico y muy frío, pero que esconde el anagrama de sus iniciales. (E de Eileen, 10 de la letra J = Jean, 2 de la letra B = Badovici, y 7 de la letra G = Gray).

E.1027
E.1027

La casa fue construida entre 1926 y 1929. Por aquella época, como he dicho, Badovici tenía mucha relación con Le Corbusier, y le invitó varias veces a la casa.

El Corbu se quedó literalmente conmocionado tanto por la casa como por la autora. (Sabía que Badovici no era capaz de hacer eso). Jamás hasta entonces había visto tal integración del diseño de mobiliario, alfombras, tapices y cortinas con la arquitectura moderna en un todo fantástico. Por otra parte, el emplazamiento era de ensueño, las vistas magníficas, y la sensación de estar en esa casa era de alegría, de luz, de espacio, de amor, de felicidad en suma.
Por otra parte, Le Corbusier era un paleto, y nunca había conocido a una mujer como Eileen.

(Yo juraría que no se enamoró de ella, pero sí que le obsesionó, incluso le debió de dar algo de miedo).

E.1027
E.1027

El caso es que Le Corbusier se hacía invitar a esa casa a menudo, e insinuaba que tal pared quedaría muy bien con uno de sus murales. Esas insinuaciones ponían frenética a Eileen, que había pensado cada detalle de la casa y que la quería justo como era, sin necesidad de que nadie viniera a meterle mano ni a pintarrajear.

Entre 1938 y 1939 Le Corbusier, por fin, pintó una serie de murales en la casa. Eileen, impotente, se desesperó.

El amor entre Eileen y Jean se había terminado hacía años. (Escribo como un redactor de ¡Hola!, ¿verdad?). Eileen se había marchado de allí, y la casa había quedado a nombre de Badovici. (Vaya chollo). Para colmo, Le Corbusier, que seguía obsesionado por la casa, se ofreció (otra vez) para pintar unos murales gratis. Le Corbusier era el arquitecto más famoso del mundo, y como pintor también era muy valorado.

¿A quién le amargaba el dulce de que regalara unos murales? (¿Que a quién le amargaba? A Eileen, ¿pero qué importaba Eileen?).

Historia Universal de la Infamia [II] José Ramón Hernández Correa Eileen Gray o4
E.1027

Traicionada por su antiguo amor, Eileen tuvo que enterarse de que el intruso estaba saliéndose con la suya, manchurreando las paredes de su casa, rompiendo todas sus ideas y todas sus intenciones y todos sus logros artísticos y espaciales.

Para más gracia, mirad cómo se hizo fotografiar Le Corbu, feliz y vencedor, pintando por fin las virginales paredes, violando por fin a la E.1027 y a Eileen.

Esto es de psicoanálisis. (Vamos, hasta yo me atrevo a hacer un diagnóstico).
Uno de los murales es precisamente una escena de desnudos femeninos, mujeres (¿lesbianas?) entregadas, receptivas, expectantes. (Me imagino al Corbu poniéndose como un choto).

E.1027
E.1027

Le Corbusier publicó los murales en su Oeuvre Complete, sin ni siquiera mencionar el nombre de Eileen Gray, y volvió a hacer lo mismo en la revista L’Architecture d’Aujour d´hui. Y aún se permitió escribir sobre el escaso valor de los muros inciales, que habían sido revitalizados y animados por su pincel. (Pero se preocupó de no mostrar las fotos de sus murales sin más, sino en perspectiva con los espacios de la casa).

Todo esto enfureció a Eileen. Pero todavía más: Uno de los frescos había sido pintado en la entrada, sobre uno abstracto geométrico de Eileen. Y, todavía más: Dada la fama y la trascendencia de todo lo que hacía el Corbu, mucha gente llegó a pensar que la casa era obra suya. Le Corbusier lo desmintió a medias, y acabó escribiendo que la obra era de Jean Badovici y de Helen (sic) Gray. Ni quiso escribir bien su nombre.

E.1027
E.1027

Luego, con la Segunda Guerra Mundial, la casa fue chabolizada por las tropas alemanas, que la dejaron casi destruida.

En 1952 Le Corbusier construyó una cabaña de vacaciones justo encima de la casa E.1027, a muy pocos metros. Dice que la diseñó como un regalo a su esposa, pero lo único que pensaba era estar encima de la casa que le obsesionaba, estar encima (una vez más) de Eileen.

Le Corbusier entraba a menudo en la casa, restauraba sus murales y reacondicionaba lo que le daba la gana.

Cuando murió Badovici, la casa pasó a ser propiedad de una hermana suya, monja, y Le Corbusier intentó comprarla, o que la comprara algún amigo, sobre todo para preservar los frescos. Cuando la casa fue adquirida finalmente por Madame Schelbert, ajena a toda esa historia y amiga de Le Corbusier (que manipuló la subasta engañando al mismísimo Onassis), este fomentó aún más su relación como buen vecino, y siguió opinando, manipulando y manoseando la casa hasta el mismo día de su muerte.

Parece ser que el 27 de agosto de 1965 Le Corbusier salió de su cabaña y desayunó en la E.1027 con la señora Schelbert, y desde ahí bajó al mar para nadar un rato. Es muy posible que al sentir el ataque al corazón su última mirada fuera a esta casa que le había vuelto loco durante décadas.

E.1027
E.1027

José Ramón Hernández Correa
Doctor Arquitecto y autor de Arquitectamos locos?
Toledo · mayo 2012

Cambiar la educación para cambiar la ciudad (II) | Stepienybarno

[:es]Cambiar la educación para cambiar la ciudad (I) | Stepienybarno[:gl]Cambiar a educación para cambiar a cidade (I) | Stepienybarno[:en]Changing the education to change the city (I) | Stepienybarno[:]

Escuela Montessori, Delf, Herman Hertzberger, 1960
Escuela Montessori, Delf, Herman Hertzberger, 1960

En el anterior post intentábamos dar un breve repaso de los hitos más importantes que encontrábamos al echar una mirada atrás en el apasionante mundo de la arquitectura y la educación. En dicho texto nos paseábamos por casi todo el siglo XX hasta llegar a los años ochenta y es ahí donde hoy queremos recoger el testigo e intentar plantarnos en la actualidad. Para ello, echaremos una mirada a lo que sucede en países en vías de desarrollo de los que, sin duda, podemos aprender muchísimo. A su vez, entender la escuela como uno de los principales espacios públicos y la importancia del edificio educacional como gran maestro, en sí mismo, nos parecen temas bonitos sobre los que profundizar.

La idea original era terminar el artículo metidos de lleno en lo que es la educación expandida y el edupunk, pero, visto que se nos alargaba demasiado, hemos decidido dejar este apasionante tema para una tercera entrega.

Así que, si os animáis, estaríamos encantados de que nos acompañaseis en dicho viaje.

Escuela en Bangladesh _ Obra de Anna Heringer
Escuela en Bangladesh _ Obra de Anna Heringer | Fotografía: Escola METI – Anna Heringer + Eike Roswag. Imagem © Kurt Hoerbst | Fuente: archdaily.com.br

Como bien es sabido, uno de los aspectos más interesantes de la arquitectura educativa es comprobar cómo ciertas “ambigüedades” aportan mucho más al proyecto que una serie de espacios de dimensiones fijas e inflexibles programas. La relación con el exterior,  el estar fuera pero con la sensación de estar dentro y viceversa o el  estudio correcto de la iluminación natural son mecanismos arquitectónicos que no salen en las normativas, y que, desde un punto de vista cuantitativo, son muy difíciles de evaluar. De hecho, como casi siempre ocurre en la arquitectura, lo más importante no es aquello que se puede medir y reglar sino los aspectos cualitativos de los proyectos.

Por ello, queremos rescatar algunas intervenciones que hacen de la indefinición del espacio colectivo de las escuelas una de las armas más poderosas de su arquitectura. A su vez, esta actitud a la hora de proyectar va de la mano de actuales sistemas educativos que heredan lo mejor de métodos como Montessori y Waldorf y que la arquitectura no puede dejar de lado sino que se tiene que convertir en una fiel traductora de ideas y pensamientos pedagógicos.

Igualmente interesante nos resultan aquellos edificios en los que lo que rodea a la propia arquitectura es tan importante como ella y, de hecho, en muchos casos es lo que hace que realmente humildes pero intensas obras se conviertan en grandes proyectos arquitectónicos.

Así que, si os parece, vamos con el primer proyecto que traemos hoy ponemos encima del tablero.

Si nos trasladamos hasta Bangladesh podemos encontrarnos con la escuela que Anna Heringer proyectó para dar respuesta a las necesidades de l@s más pequeñ@s. En esta ocasión el espíritu de comunidad se ve reafirmado y consolidado desde la misma construcción del edificio ya que en él participan los miembros de la comunidad.

De esta forma, la identidad de un pueblo se ve consolidada, y el sentimiento de pertenencia se acrecenta al ir aumentando el orgullo de saberse participes de la construcción del edificio que sacará del analfabetismo a l@s hij@s de quienes lo están construyendo. La autoconstrucción se convierte en el mejor detonante de la toma de conciencia del sentimiento de comunidad.

Igualmente interesante nos parece el cuidadoso uso de que se hace de los materiales locales, así como de las técnicas de construcción del lugar.

Ampliación de escuela en Dano _ Obra de Diébédo Francis Kéré
Ampliación de escuela en Dano _ Obra de Diébédo Francis Kéré | Fotografías: Francis Kéré / Erik Jan Ouwerkerk | Fuente: tectonica.archi

Y no podíamos hablar de Heringer sin traer a primer plano otro arquitecto con el que parece mimetizarse en su pensamiento, discurso y obra: Diébédo Francis Kéré. Este joven y entusiasta arquitecto, originario de Burkina Faso, tiene una obra muy comprometida socialmente, en la que destaca el buen manejo de la escasez de medios económicos, el respeto por la tradición y el empleo de mano de obra social. A su vez, hay que destacar que Keré creció en un pequeño poblado de la capital junto a otros doce hermanos en la más absoluta de las miserias.

Aun así, su padre se empeñó en que fuera a la escuela y por lo que vemos el hoy arquitecto no perdió el tiempo. Fue el primer habitante del poblado en superar el analfabetismo y con el tiempo, una vez terminados sus estudios como carpintero, tuvo la oportunidad de estudiar arquitectura en Berlín dónde llegó a crear la asociación “Schulbausteine für Gando” (“Ladrillos para la escuela en Gando”) con la ayuda de sus compañeros de promoción. Desde ella, consiguieron fondos para levantar la primera escuela en su poblado natal y desde el año 2004 ha seguido comprometido con sus raíces ayudando a cientos de niñ@s a tener una oportunidad en la vida, impensable pocos años atrás.

Otro proyecto que nos parece, especialmente, sugerente es el jardín de infancia del arquitecto italiano Giovanni D’Ambrosio en Kerobokan, Bali. Nuevamente, la escasez de recursos del lugar no supone un hándicap para el proyecto sino más bien un todo un reto. Con unos materiales muy contenidos y ningún exceso formal el proyecto se genera  en torno a un gran “viga – macetero” en la que incrustan sus raíces las plantas trepadoras que se deslizan a 40 centímetros de la cubierta. De esta forma, la vegetación va dando sombra a la chapa metálica y cobija una más que necesaria corriente de aire continua que hace que no se caliente en exceso el ambiente interior.

A su vez, la escuela encierra en su interior una pequeña huerta con plantas autóctonos que hace que los alumnos se conviertan en sus únicos y felices cuidadores. Así, los niños como agricultores y la arquitectura hermanada con la naturaleza forman un tandem perfecto para que la sabiduría y el juego estén siempre presentes en la escuela.

Jardín de infancia en Kerobokan, Bali _ Obra de Giovanni D’Ambrosio
Jardín de infancia en Kerobokan, Bali _ Obra de Giovanni D’Ambrosio | Fuente: arc1.uniroma1.it

Y después de este recorrido por países en situaciones de extrema vulnerabilidad, volvemos a occidente y nos plantamos en Rivas Vaciamadrid. El proyecto de la agencia madrileña de arquitectura Ecosistema Urbano,  surge con el doble reto de convertirse, por un lado, “en una fuente de aprendizaje para los ciudadanos, educando en el ahorro energético y la optimización de los recursos naturales” y, por otro, llegar a ser un verdadero lugar de interacción social. 

Rivas Vaciamadrid _ Obra de Ecosistema Urbano
Rivas Vaciamadrid _ Obra de Ecosistema Urbano |Fotografía: Emilio P. Doiztua  Javier de Paz | Fuente: arquitecturaviva.com

Para terminar este pequeño viaje arquitectónico-educativo, lo haremos de la mano de los arquitectos suizos Rosan Bosch y su nada convencional escuela Vittra en Estocolmo. En ella llevan al extremo la dinamización de los corredores, halls o pasillos, haciéndoles perder su habitual condición de paso y transición, para convertirlos en lugares de estancia donde jugar aprendiendo y aprender jugando.

De esta forma, el espacio abierto y flexible vuelve a ganar la batalla a los espacios cerrados y abocados a una única función. A su vez, dentro de estos lugares colectivos aparecen otros espacios con un carácter más íntimo e introvertido pero que se consiguen con sutiles manipulaciones del espacio general y no con la compartimentación habitual del mismo. Igualmente, los desniveles, anfiteatros e innumerables nichos y recovecos se convierten en perfectos escenarios que l@s niñ@s hacen suyos con extrema facilidad.

Escuela Vittra _ Obra de Rosan Bosch
Escuela Vittra _ Obra de Rosan Bosch | Fuente: rosanbosch.com

En fin, esperamos que este pequeño análisis de obras de arquitectura educacional, desde el punto de vista de lo comunitario y la apropiación de los espacios de manera alternativa haya sido de vuestro agrado y, como siempre, estaremos encantados de recibir vuestros comentarios al respecto.

Stepienybarno_Agnieszka Stepien y Lorenzo Barnó, arquitectos
Estella, Agosto 2017

Artículo publicado originalmente en la Plataforma de La Ciudad Viva.

[:es]Gimnasio Maravillas. La Aventura del Saber[:gl]Ximnasio Marabillas. A Aventura do Saber[:en]Maravillas Gymnasium. The Adventure of knowing[:]

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[:es]

La Dirección General de Patrimonio ha declarado el gimnasio Maravillas, del arquitecto Alejandro de la Sota, Bien de Interés Cultural. Aunque se ha convertido en un centro de peregrinación para cientos de arquitectos de todo el mundo, el gimnasio madrileño es poco conocido por los ciudadanos.

La protección del edificio se enmarca en un proyecto para divulgar la arquitectura moderna. Alejandro de la Sota aprovechó al máximo el espacio y convirtió un encargo convencional en un hito. Le pidieron un gimnasio y él les dio un polideportivo, unas aulas, unas pistas al aire libre y un sótano que se convertiría más tarde en una piscina.

En vez de usar pilares, empleó grandes cerchas invertidas y en sus huecos, colgadas sobre el gimnasio, metió varias aulas con forma de auditorio. Los materiales de construcción se dejaron por primera vez a la vista en un innovador gesto de coherencia y austeridad que influyó sobremanera en posteriores generaciones de arquitectos.

[:gl]

A Dirección Xeral de Patrimonio declarou o ximnasio Marabillas, do arquitecto Alejandro da Sota, Ben de Interese Cultural. Aínda que se converteu nun centro de peregrinación para centos de arquitectos de todo o mundo, o ximnasio madrileño é pouco coñecido polos cidadáns.

A protección do edificio enmárcase nun proxecto para divulgar a arquitectura moderna. Alejandro de la Sota aproveitou ao máximo o espazo e converteu un encargo convencional nun fito. Pedíronlle un ximnasio e el deulles un polideportivo, unhas aulas, unhas pistas ao aire libre e un soto que se convertería máis tarde nunha piscina.

No canto de usar alicerces, empregou grandes cerchas investidas e nos seus ocos, colgadas sobre o ximnasio, meteu varias aulas con forma de auditorio. Os materiais de construción deixáronse por primeira vez á vista nun innovador xesto de coherencia e austeridade que influíu excesivamente en posteriores xeracións de arquitectos.

[:en]

The Headquarter of Heritage has declared the Maravillas gymnasium You astonish, of the architect Alejandro de la Sota, Good of Cultural Interest. Though it has turned into a center of peregrination for hundreds of architects of the whole world, the gymnasium of Madrid is little known by the citizens.

The protection of the building places in a project to spread the modern architecture. Alejandro de la Sota took advantage to the maximum of the space and turned a conventional order into a milestone. They asked for a gymnasium him and he gave to them the polysport one, a few classrooms, a few tracks outdoors and a basement that would turn later into a swimming pool.

Instead of using props, it used big reversed cerchas and in his hollows, hung on the gymnasium, put several classrooms with form of audience. The materials of construction were left by the first time at sight in an innovative gesture of coherence and austerity that influenced exceedingly later generations of architects.

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[:es]Restaurante 1764 | CREUSeCARRASCO[:gl]Restaurante 1764 | CREUSeCARRASCO[:en]Restaurant 1764 | CREUSeCARRASCO[:]

[:es]Restaurante 1764 CREUSeCARRASCO o1 croquisRAMON

A partir de unos estupendos croquis e ideogramas en planta hechos por el propietario, la mayor dificultad para él es ubicar la escalera que, como en muchos casos, es la clave de los proyectos de pequeña dimensión.

1764 es la inscripción que hay en el dintel de la puerta, su año de construcción.

Se trata de una de las casas más antiguas de la villa, edificada entre medianeras, cubierta de teja a dos aguas y una enorme chimenea de piedra.

Restaurante 1764 CREUSeCARRASCO o16 Exto1

Situamos la escalera en el centro, entre los espacios servidores y servidos. En planta baja, separando el espacio de tapeo de los aseos y la bodega. En planta alta, entre comedor y cocina, conectados a ambos lados por dos pequeños puentes de chapa que resuelven ajustes de cota motivados por el desnivel de las calles.

Sobre la escalera, la cumbrera, dónde se abre un lucernario estrecho corrido que se descuelga como una campana, limitado hacia el interior por paños blancos de tablero que enlazan con el techo del comedor y la cocina.

La luz rebota en este prisma blanco y se desliza por las paredes hasta la planta baja.

Su estructura se ve, volviendo desde el interior hacia los paños inclinados de cubierta, sirviendo de soporte a un piso suspendido y estantes a través de los que la luz se tamiza al comedor y la cocina.

Así, el restaurante continúa bajo cubierta, su reservado, biblioteca y oficina.

En el centro la invención, el resto, más o menos lo que había.

Obra: Restaurante 1764
Arquitectos: Juan Creus e Covadonga Carrasco / CREUSeCARRASCO
Colaboradores: Roi Feijoo, Estefanía Vázquez, Belén Salgado, Bárbara Mesquita
Promotores: Ramón Vázquez e Margarida Maceira
Fecha de Proyecto: 2004 / Obra: Marzo 2008 Febrero 2010 /Apertura: Junio 2017
Superficie útil: 128,70 m2 / Superficie construida: 174,30 m2
Emplazamiento: Corcubión, A Coruña, Galicia, España
Constructora: José Manuel Rodríguez Garrido
Carpintería: Forma (Suso, Carlos, Valentín)
Estructura / Dirección Ejecución: Félix Suárez Riestra
Fotografía: Luís Díaz Díaz / CREUSeCARRASCO
+ creusecarrasco.es[:gl]Restaurante 1764 CREUSeCARRASCO o1 croquisRAMON

A partir duns estupendos esbozos e ideogramas en planta feitos polo propietario, a maior dificultade para el é situar a escaleira que, como en moitos casos, é a clave dos proxectos de pequena dimensión.

1764 é a inscrición que hai no dintel da porta, o seu ano de construción.

Trátase dunha das casas máis antigas da vila, edificada entre medianeiras, cuberta de tella a dúas augas e unha enorme cheminea de pedra.

Restaurante 1764 CREUSeCARRASCO o16 Exto1

Situamos a escaleira no centro, entre os espazos servidores e servidos. En planta baixa, separando o espazo de tapeo dos aseos e a adega. En planta alta, entre comedor e cociña, conectados a ambos os dous lados por dúas pequenas pontes de chapa que resolven axustes de cota motivados polo desnivel das rúas.

Sobre a escaleira, a cumbrera, onde se abre un lucernario estreito corrido que se descolga como unha campá, limitado cara ao interior por panos brancos de taboleiro que enlazan co teito do comedor e a cociña.

A luz rebota neste prisma branco e deslízase polas paredes ata a planta baixa.

A súa estrutura vese, volvendo desde o interior cara aos panos inclinados de cuberta, servindo de soporte a un piso suspendido e estantes a través dos que a luz se tamiza ao comedor e a cociña.

Así, o restaurante continúa baixo cuberta, o seu reservado, biblioteca e oficina.

No centro a invención, o resto, máis ou menos o que había.

Obra: Restaurante 1764
Arquitectos: Juan Creus e Covadonga Carrasco / CREUSeCARRASCO
Colaboradores: Roi Feijoo, Estefanía Vázquez, Belén Salgado, Bárbara Mesquita
Promotores: Ramón Vázquez e Margarida Maceira
Data de Proxecto: 2004 / Obra: Marzo 2008 Febreiro 2010 /Apertura: Xuño 2017
Superficie útil: 128,70 m2 / Superficie construida: 174,30 m2
Emprazamento: Corcubión, A Coruña, Galicia, España
Constructora: José Manuel Rodríguez Garrido
Carpintería: Forma (Suso, Carlos, Valentín)
Estructura / Dirección Execución: Félix Suárez Riestra
Fotografía: Luís Díaz Díaz / CREUSeCARRASCO
+ creusecarrasco.es[:en]Restaurante 1764 CREUSeCARRASCO o1 croquisRAMON

From a few marvellous sketches and ideogramas in plant done by the owner, the major difficulty for him is to locate the stairs that, since in many cases, is the key of the projects of small dimension.

1764 is the inscription that exists in the lintel of the door, his year of construction.

Cover of tile treats itself about one of the most ancient houses about the villa, built between dividing, to two waters and an enormous chimney of stone.

Restaurante 1764 CREUSeCARRASCO o16 Exto1

We place the stairs in the center, between the spaces servants and served. In ground floor, separating the space of tapeo from the bathroom and the warehouse. In high plant, between dining room and kitchen, connected to both sides for two small bridges of sheet that solve adjustments of level motivated by the difference of the streets.

On the stairs, the ridge, where opens herself a narrow continuous skylight that is unhooked as a bell, limited towards the interior for white cloths of board that connect with the ceiling of the dining room and the kitchen.

The light bounces in this white prism and slips for the walls up to the ground floor.

His structure is seen, returning from the interior towards the sloping cloths of cover, using as support to a suspended floor and shelves across which the light is sifted to the dining room and the kitchen.

This way, the restaurant continues under cover, his private room, library and office.

In the center the invention, the rest, more or less what existed.

Work Restaurant 1764
Architects: Juan Creus e Covadonga Carrasco / CREUSeCARRASCO
Collaborators: Roi Feijoo, Estefanía Vázquez, Belén Salgado, Bárbara Mesquita
Promotors: Ramón Vázquez e Margarida Maceira
Project date: 2004 / Project completion date: March 2008 February 2010 /Open: Juny 2017
Net usable area: 128,70 m2 / Total built area: 174,30 m2
Location: Corcubión, A Coruña, Galicia, España
Building Company: José Manuel Rodríguez Garrido
Carpenter: Forma (Suso, Carlos, Valentín)
Structure / Project management: Félix Suárez Riestra
Photography: Luís Díaz Díaz / CREUSeCARRASCO
+ creusecarrasco.es[:]

[:es]Congreso internacional de arquitectura y urbanismo. EURAU18 Alicante[:gl]Congreso internacional de arquitectura e urbanismo. EURAU18 Alacante[:en]International congress of architecture and urbanism. EURAU18 Alicante[:]

[:es]

Congreso internacional de arquitectura y urbanismo. EURAU18 Alicante

Organiza la Titulación de Arquitectura de Alicante, bajo el título:

Investigación retroactiva. La capacidad de la Arquitectura de cuestionar y extender los límites de otras disciplinas.

Una investigación interdisciplinar de la arquitectura es algo que la sociedad reclama de nuestra profesión, y que precisamente ahora, aún encerrados en un proceso económico recesivo, resulta ser la única salida posible.

Nos interesa la capacidad de la Arquitectura de aprender de otras disciplinas, y seguir sus pautas y técnicas para llegar a construir y ofrecer nuevas herramientas específicas. Con ellas, nuestra investigación ofrecerá la oportunidad de cuestionar y expandir los límites de aquellas disciplinas originales.

Los ponentes invitados:

· Izaskun Chinchilla

· Santiago Cirugeda

· José María Torres Nadal

· TER

Fechas límite para envío de Resúmenes: 15 Marzo 2018

Toda la información en: eurau.ua.es[:gl]

Congreso internacional de arquitectura y urbanismo. EURAU18 Alicante

Organiza a Titulación de Arquitectura de Alacante, baixo o título:

Investigación retroactiva. A capacidade da Arquitectura de cuestionar e estender os límites doutras disciplinas.

Unha investigación interdisciplinar da arquitectura é algo que a sociedade reclama da nosa profesión, e que precisamente agora, aínda encerrados nun proceso económico recesivo, resulta ser a única saída posible.

Interésanos a capacidade da Arquitectura de aprender doutras disciplinas, e seguir as súas pautas e técnicas para chegar a construír e ofrecer novas ferramentas específicas. Con elas, a nosa investigación ofrecerá a oportunidade de cuestionar e expandir os límites daquelas disciplinas orixinais.

Os relatores invitados:

· Izaskun Chinchilla

· Santiago Cirugeda

· José María Torres Nadal

· TER

Datas límite para envío de Resumos: 15 Marzo 2018

Toda a información en: eurau.ua.es[:en]

Congreso internacional de arquitectura y urbanismo. EURAU18 Alicante

It organizes the Qualifications of Architecture of Alicante, under the title:

Retroactive investigation. The capacity of the Architecture to question and extend the limits of other disciplines.

An investigation to interdiscipline of the architecture is something that the company claims of our profession, and that precisely now, still enclosed in an economic recessive process, it turns out to be the only possible exit.

We are interested in the capacity of the Architecture to learn of other disciplines, and in following his guidelines and technologies to manage to construct and to offer new specific tools. With them, our investigation will offer the opportunity to question and expand the limits of those original disciplines.

The invited referees:

· Izaskun Chinchilla

· Santiago Cirugeda

· José María Torres Nadal

· TER

Date limit for sending of Summaries: On March 15, 2018

All the information in: eurau.ua.es[:]

Historia Universal de la Infamia [I] | José Ramón Hernández Correa

The Arizona Biltmore
The Arizona Biltmore

Creo que no hay duda (y escribo «creo») en celebrar a Frank Lloyd Wright, a Le Corbusier y a Mies van der Rohe como los tres más grandes arquitectos del siglo XX. Hay decenas de geniales arquitectos, y cientos de arquitectos extraordinarios, pero creo que estos tres son otra cosa. Al menos en mi opinión. Los he citado, además, en el orden que ocupan en mi afecto y en mi corazón: Frank Lloyd Wright, Le Corbusier y Mies van der Rohe. Es más, ya puestos, secundo la afirmación de Bruno Zevi:

«Frank Lloyd Wright es el más grande arquitecto desde las cavernas».

Sin embargo, estos tres brillantísimos arquitectos tienen también sus zonas oscuras, sus infamias monstruosas, y mi obligación autoimpuesta es contarlas aquí. Cada uno de ellos cometió más de una, pero voy a contar solo una de cada uno: No sé si la más vil. Tal vez sí. Tengo que alegar que a estos héroes o se les santifica o se les ataca sin piedad, motivo por el que sus puntos negros nunca están claramente contados: O se disimulan e incluso se niegan, o se amplifican desproporcionadamente. Yo intentaré ser objetivo, aunque tengo las fuentes que tengo.

Creo que lo que digo es verdad en su conjunto, aunque seguro que me fallan muchos detalles.

Hoy me dedicaré al primero, a quien siempre he venerado, a quien le dediqué mi tesis doctoral y hasta le escribí una novela (que os podéis descargar) para intentar exorcizármelo (quitármelo de encima) y apearle del altar en que le tenía. (Lo malo es que el canalla aguanta en el sillón presidencial de mi corazoncito a pesar de todo. Es como una lapa).

Vamos con la infamia

Albert Chase McArthur fue el mayor de los tres hijos de Warren McArthur, un exitoso hombre de negocios cuya casa construyó Frank Lloyd Wright en 1892, en Chicago. El muchacho creció admirando al genial arquitecto. Tanto que él mismo se hizo arquitecto, y llegó a trabajar a las órdenes de su ídolo entre 1907 y 1909.

En 1927, Charles y Warren McArthur, los dos hermanos de Albert, compraron un terreno al pie del Monte Camelback, cerca de Phoenix (Arizona), y le encargaron el proyecto de un hotel: El Arizona Biltmore. Albert se puso a trabajar en el diseño del edificio y decidió emplear el sistema de bloques de hormigón que había creado su maestro. Convenció a sus hermanos para que pagaran a Wright por los derechos de utilización de esos bloques. Wright les vendió los derechos por un dineral, olvidando el pequeño detalle de que en su desastrosa situación legal y financiera le habían embargado todo lo que fuera susceptible de ser embargado, incluyendo, por supuesto, esa patente. Pero es que, además de vender lo que no era suyo, como no tenía trabajo se presentó en Phoenix a ayudar a Albert, sin que él se lo hubiera pedido. Albert ya tenía el diseño del edificio terminado, y Wright se entusiasmó al verlo.

Wright caracoleaba por el estudio con Olgivanna, estorbando, reconsiderando cosas que ya estaban resueltas, mareando a todo el mundo hasta que Charles, el hermano de en medio de los McArthur, y jefe de la empresa Arizona Biltmore, le pidió con el mayor tacto que se volviera a su casa, pues su hermano se bastaba y se sobraba para terminar los detalles del proyecto.

Albert hizo el trabajo con toda su ilusión, con toda su alma, con tanto amor por sus hermanos como por su maestro Wright.

The Arizona Biltmore
The Arizona Biltmore

El resultado fue una obra muy atractiva, con un aire wrightiano inconfundible. Menos «inspirada» y menos «magistral» que las auténticas obras de Wright, pero, al fin y al cabo, una muy digna pariente de ellas.

La obra se inauguró el 23-F de 1929. En seguida apareció el abogado del auténtico dueño de la patente de los bloques y les metió una demanda de pronóstico a los hermanos, que tuvieron que volver a pagar por utilizar los bloques. (No sé si le pidieron a Wright que les devolviera el dinero, pero lo llevaban claro).

En todo caso, Wright no devolvió un dólar (no lo tenía), pero a cambio se mostró tan amable, tan cariñoso, tan solícito con su discípulo, que cuando vio la obra terminada dijo:

«Ha quedado tan mal como esperaba».

The Arizona Biltmore
The Arizona Biltmore

¡Qué generoso! ¡Qué manera de devolver amor y cariño!

Albert le adoraba, y su esposa se había hecho muy amiga de Olgivanna. A cambio, Wright se burlaba de la mujer y del hijo de Albert siempre que podía.

Pero volvamos al hotel

Aunque hay que reconocer que el Arizona Biltmore es más romo que los edificios de Wright, se parece tanto que desde el primer momento causó confusión. En varias revistas, e incluso en dos libros, salió publicado como obra de Wright.

Incluso aunque Albert McArthur intentó demostrar la autoría del proyecto mostrando que llevaba su firma, la gente acabó diciendo que Wright estaba tan embargado y perseguido que no podía firmar legalmente, pero que el diseño era suyo en realidad.

Aunque sea una obra algo floja para ser de Wright, sería la obra maestra de cualquier arquitecto mediano (yo estaría más que hiperchulo si fuera su autor). Por eso, Albert le pidió a Wright que deshiciera definitivamente el malentendido y que dijera quién era el verdadero arquitecto del Biltmore.

The Arizona Biltmore
The Arizona Biltmore

Wright escribió a varias revistas, a varias asociaciones de arquitectos y a varios críticos y periodistas… para no aclarar nada. Al Architectural Record le escribió diciendo claramente que la obra era de Albert, pero en otros sitios no lo decía así, e insinuaba esto y lo otro…

¿Será canalla? ¡Si él mismo había dicho que la obra era muy mala! ¿Qué tipo de envidia tenía? No lo sé. No lo puedo entender.

Muchos años antes también le había negado a Alfonso Iannelli la autoría de las esculturas de los Midway Gardens. Siempre negaba todo mérito a sus colaboradores. En el caso de Iannelli, si bien es indiscutible que la autoría es del italiano, es cierto que trabajaba a las órdenes de Wright, siguiendo sus indicaciones y directrices.

En los Midway puedo incluso entender la postura de Wright, que es injusta y mentirosa, pero digo que puedo entenderla porque él inició el diseño de las esculturas, y dirigió el trabajo final. (En mi opinión los dibujos de Wright son mejores que las esculturas de Iannelli). Lo que no puedo entender es que en el Biltmore, en el que no había intervenido en absoluto y que es muy inferior a sus obras, Wright puteara de tal manera a su autor.

Wright no tenía encargos, atravesaba una situación económica y personal horrible, y pudo tener la debilidad de envidiar el dinero y el éxito de McArthur. Yo entendería que, a consecuencia de todo esto, pusiera esta obra a parir, dijera que era una adulteración de sus ideas, etc. Pero no puedo entender que dijera que era suya (y al mismo tiempo que era muy mala). Me parece una rabieta de niño chico.

Albert Chase McArthur se pasó la vida luchando por demostrar que el hotel era suyo. Sufrió un ataque cardíaco y quedó postrado durante los últimos diez años de su vida, consagrado al estudio de la metafísica, de las matemáticas y de la teoría del color.

Los hermanos McArthur disfrutaron de su hotel apenas tres años. La Gran Depresión los mandó a California. El hotel siguió en otras manos, se quemó, fue restaurado, etc. Hoy, curiosamente, está adornado con réplicas de las esculturas de Iannelli. Qué cosas.

McArthur murió en 1951. Frank Lloyd Wright le mandó a su viuda una carta en la que decía:

«Yo siempre dije que Albert era el arquitecto del Biltmore. Pero él lo fue por mí, y yo fui más arquitecto que él, y usted debería saberlo».

Hizo este mismo tipo de observaciones simpáticas en el funeral de Albert, y Charles McArthur (el hermano de en medio) se acercó a él, le soltó un tremendo puñetazo en la cara y le tiró al suelo.

Como en las películas que veíamos de niños, a uno le dan ganas de ponerse en pie y aplaudir. Ya era hora de que alguien le sobara los morros a este chulo.

The Arizona Biltmore
The Arizona Biltmore

José Ramón Hernández Correa
Doctor Arquitecto y autor de Arquitectamos locos?
Toledo · mayo 2012

(Si consultáis la página web del Biltmore, cuyo enlace he puesto antes, veréis que se les sigue cayendo la baba con que es un edificio influido por Wright. Muestran claramente la autoría de Albert McArthur, pero la sombra del maestro sigue siendo más pesada).

Historia Universal de la Infamia [II] | José Ramón Hernández Correa

 

Cambiar la educación para cambiar la ciudad (I) | Stepienybarno

Con el presente artículo iniciamos un pequeña trilogía repasando que entendemos, desde Stepienybarno, que son algunas claves dentro del mundo de la educación y los edificios educaciones, y que, a su vez,  pueden resultar  determinantes a la hora de tener ciudades más sanas y habitables. Para ello, nos distanciaremos lo suficiente, en el tiempo y en el espacio, para intentar tener una visión global del tema en cuestión.

Así, la entrada de hoy es la primera parte del artículo que hemos escrito al respecto y, en ella, nos centraremos en un periodo que va desde principios de siglo XX hasta los años ochenta.

En la segunda parte del mismo, nos meteremos de lleno en nuestra contemporaneidad, analizando nuevas tendencias como puede ser el edupunk o educación expandida.

Esperamos que nuestra aportación sea de vuestro interés y, como siempre, esperamos vuestros comentarios al respecto.

Eugène Beaudouin - Marcel Lods
Eugène Beaudouin – Marcel Lods | Fuente: pubblicazioni.unicam.it 

Uno de nuestros pensadores de referencia, Claudio Naranjo, publicó, en año 2004, un recomendable libro bajo el título, “Cambiar la educación para cambiar el mundo” y que nos sirve para dar título al presente post. En él defiende que mucho más importante que la propia arquitectura de las aulas o, incluso, los sistemas pedagógicos actuales, son los maestros y profesores que imparten las clases. Según el psiquiatra chileno, vivimos en una sociedad enferma, en la que las personas nos hemos “descentrado” y alejado de nuestra verdadera esencia.

Cambiar la educación para cambiar el mundo. Claudio Naranjo
Cambiar la educación para cambiar el mundo. Claudio Naranjo

Mejorar en el conocimiento de uno mismo y evolucionar como personas es requisito imprescindible para que quienes sean los facilitadores del conocimiento puedan transmitir valores, sabiduría y serenidad a sus jóvenes pupilos.

Así, son las personas y no las cosas ni los métodos las que se han poner en un primer plano para que la  educación evolucione y, en consecuencia, esta maltrecha sociedad tenga mayores opciones de mejorar en un futuro cercano.

A su vez, acercando el tema a territorios más arquitectónicos, era Louis Kahn quien contaba que la primera escuela no tuvo lugar entre cuatro paredes, sino que,

“comenzó con un hombre bajo un árbol, un hombre que no sabía que era un maestro, y que se puso a discutir de lo que había comprendido con algunos otros, que no sabían que eran estudiantes”.

Igualmente, Kahn insiste en que el problema de las escuelas es que han perdido el norte y han olvidado esa esencia con la que surgieron. Por lo tanto, comenta que, es imprescindible volver a retomar el contacto con la naturaleza para humanizar nuestros centros de enseñanza.

Escuelas al aire libre
Escuelas al aire libre

Así que, si rebobinamos en el tiempo, y nos vamos a principios de siglo pasado, justo después de la Primera Guerra Mundial, en Alemania encontraremos varios ejemplos en los que se comenzaron a plantear el tema de manera muy diferente. En un momento dado, se preguntaron cuál sería la  mejor manera de sanar a los cientos de niños enfermos que poblaban sus  dañadas urbes. La respuesta, para los tiempos que corrían fue totalmente revolucionaria: crear centros en plena naturaleza en los que gracias al contacto con el agua, la vegetación y, especialmente, con el sol estos pequeños mejorasen de sus enfermedades.

De esta forma, en paralelo a la salud, aparecieron nuevos métodos de enseñanza con las denominadas “Escuelas al aire libre”; un primer germen de lo que sería uno de los temas centrales en la evolución de las escuelas del siglo XX.

“Instituto Escuela” de Armiches y Domínguez, 1935
“Instituto Escuela” de Armiches y Domínguez, 1935

Curiosamente, no fueron los grandes maestros de la arquitectura moderna los primeros en “traducir” estas ideas de aire naturalista a una arquitectura más académica. En realidad, uno de los primeros proyectos en los que la innovadora tecnología del acero y el vidrio posibilitaba cumplir los sueños de una arquitectura en la que la luz natural pasaba a ser la protagonista absoluta del espacio fue, en 1935, el edificio del “Instituto Escuela” de la pareja de arquitectos madrileños Armiches y Domínguez.

Este proyecto, como podéis ver en las imágenes que publicamos a continuación,  apuesta por una serie de paneles móviles que dan a las aulas una flexibilidad hasta entonces impensable. A su vez, se posibilita la ventilación cruzada e iluminación doble con una sección que garantiza una luz homogénea en toda el aula (adelantándose 15 años a la famosa sección de Arne Jacobsen). Así, ante esta comunión entre cultura y educación y una técnica al servicio de la sociedad, comienza una nueva para la arquitectura del siglo XX.

Escuela Munkegård‎ de Arne Jacobsen, 1951.
Escuela Munkegård‎ de Arne Jacobsen, 1951.

Esta preocupación por mantener el binomio educación – naturaleza, que comentábamos líneas más arriba, fue, igualmente, uno de los grandes desafíos del estilo internacional. Fueron varios de sus miembros, como Taut o Duiker, los que se atrevieron a dar forma a una arquitectura sensible a estas nuevas necesidades, pero fue, quizás, Richard Neutra uno de los que más afinó con sus propuestas, especialmente con su “Corona School”, allá por el temprano 1935.

El arquitecto de origen austriaco, pero afincado en Estados Unidos, fue capaz de inventar unas aulas en las que, al igual que en el “Instituto Escuela”, además de proporcionar iluminación y ventilación cruzada, se diluían los límites entre el interior y el exterior.

Corona School de Richard Neutra
Corona School de Richard Neutra

En esta misma línea, en Francia surgieron varias escuelas como el proyecto de  École de plein-air, Suresnes de los arquitectos Eugène Beaudouin y Marcel Lods. Cada clase era un pequeño pabellón inmerso en un gran parque con tres de sus lados completamente acristalados y lo que era más importante con la posibilidad de abrirse completamente al paisaje consiguiendo, al igual que Neutra, tener un espacio interior con un carácter marcadamente exterior. A su vez, en esta propuesta se daba una vuelta de tuerca más y se incorporaba una nueva estrella para la configuración del espacio exterior: la piscina.

Llegados a este punto, es importante recordar que en esta época la mayoría de las casas no tenía aseos, por lo que, el agua, en este caso, además de servir como elemento catalizador de las actividades más lúdicas era la pieza clave para la mejora de la salud de estos jóvenes escolares. También, la incorporación de actividades menos rígidas hacía que los estudiantes no estuvieran en la misma postura hora tras hora, con los graves problemas que les ocasionaba (por ejemplo, deformaciones en la columna vertebral). Así, nuevamente, la salud y la educación se daban la mano en este intenso  primer tercio de siglo XX.

École de plein-air, Suresnes _ 1932-1935, Eugène Beaudouin et Marcel Lods
École de plein-air, Suresnes _ 1932-1935, Eugène Beaudouin et Marcel Lods

Pero si nos plantamos en la mitad de siglo pasado,  podemos ver cómo Le Corbusier conseguía levantar su famosa Unité de Marsella, dando forma a muchos de sus ideales e intuiciones más profundas. Se trababa de un gran paso en la formalización de esta nueva arquitectura que hacía de la azotea uno de sus leitmotiv del proyecto.

Y ¿para quién reservó este preciado espacio? Pues, efectivamente, para los niños y niñas, creando un aula de enseñanza que daba acceso a  un perfecto espacio de juego (y viceversa), con el sol y el cielo como techo, que, aún hoy, continúa activo y en perfecto estado de conservación.

Jardín de infancia en la Unité de Marsella de Le Corbusier,1952.
Jardín de infancia en la Unité de Marsella de Le Corbusier,1952.

Así, continuaron apareciendo nuevas propuestas en las que el mundo infantil comenzaba a ocupar una absoluta y novedosa situación de privilegio. De entre los muchos ejemplos posibles, rescatamos los archiconocidos, pero no por ello suficientemente reconocidos, playgrounds de Aldo van Eyck que hacían renacer la alegría y la vida de entre los socavones del odio y la guerra.

A su vez, el arquitecto neerlandés planteaba interesantes cuestiones entorno al espacio colectivo, urbano o comunitario que, aún hoy, son de absoluta vigencia.

Playgrounds de Aldo van Eyck
Playgrounds de Aldo van Eyck

“Los proyectos deben manifestar, en términos arquitectónicos, el deseo real de superar las polaridades que realmente no existen: individual-colectivo, material-emocional, parte-todo, permanencia-cambio, interior-exterior. No son dualidades, ni polaridades. Este hecho debe ser expresado en cualquier planeamiento”. 

Aldo van Eyck

Escuela de Aldo van Eyck
Escuela de Aldo van Eyck

Otro de los temas que nos parecen fundamentales es la estrecha relación que debe (o debiera) existir entre los avances de la pedagogía y su correlación con los cambios en los proyectos de edificios educaciones. En este sentido, la escuela que veíamos de Richard Neutra fue una de las pioneras siendo sensible a los métodos de enseñanza de María Montessori. Igualmente, en nuestra vieja Europa, es Herman Hertzberger quien mejor asimila los planteamientos de la educadora y psicóloga italiana, dando forma a una enseñanza mucho más libre.

Escuela Montessori, Delf, Herman Hertzberger, 1960
Escuela Montessori, Delf, Herman Hertzberger, 1960

Según Montessori, los más pequeños aprenden primero desde el inconsciente para luego pasar lo aprendido  al consciente; para ello han de tener “libertad de elección en un medio ambiente preparado” donde puedan desenvolverse a su antojo, sintiéndose siempre seguros y arropados.

Así, las aulas han de ser espaciosas, luminosas y permitir distintas posibilidades para disponer el mobiliario. Por ello, es bonito ver como Hertzberger juega con distintos espacios dentro de las clases, en los que el propio suelo se remete alojando una serie de cubos que, una vez extraídos, se convierten en el mobiliario del aula. A su vez, en sus escuelas se da especial importancia al espacio comunitario por lo que abandona la tradicional y repetida hasta la saciedad organización “en peine” por un núcleo central que hace de sala polivalente y al que dan todas las aulas de la escuela.

De esta forma, en el nuevo corazón de la escuela con  doble e, incluso, triple altura se dan cita niños de diferentes edades que pueden realizar actividades en común de carácter más creativo como teatro o música. Otro aspecto que destaca en la obra del arquitecto holandés, es el cuidado con que diseña el espacio exterior, disponiendo zonas sin un uso fijo pero que acaban siendo areneros, jardines, zonas de juego o  de reposo.

Escuela Apollo, Herman Hertzberger, 1980.
Escuela Apollo, Herman Hertzberger, 1980.

Y no podíamos terminar esta primera parte del artículo, sin traer a primer plano al gran Francesco Tonucci. Este psicopedagogo italiano ha protagonizado una auténtica revolución en la enseñanza italiana y de medio mundo. Igualmente, con su famoso libro “La ciudad de los niños”, Tonucci, nos hizo entender que cuando las ciudades estén pensadas para que niños y otros sectores, en general, más desfavorecidos por nuestro “urbanismo inmobiliario” pasen a un primer plano, solo entonces, nuestras urbes empezarán a dejar de estar enfermas.

A su vez, Tonucci, sigue muchos de los designios de María Montessori u otras escuelas alternativas como puede ser el método Waldorf, nacido de la incasable mente creativa del polifacético Rudolf Steiner. Estas escuelas, surgidas en 1917 y que han llegado hasta nuestro días, abogan, nuevamente, por una enseñanza más personalizada, más libre, con un contacto directo del estudiante con la naturaleza y donde se respeta la evolución natural del niño.

La ciudad de los niños. Tonucci
La ciudad de los niños. Tonucci

Lo dicho y ya sabéis que en nuestro próximo artículo continuaremos este apasionante tema, con la intención de derribar todo tipo de muros físicos y meternos de lleno en las miles de posibilidades que nos puede brindar una educación hibridada entre lo digital y lo analógico.

Cambiar la educación para cambiar la ciudad (II) | Stepienybarno

Stepienybarno_Agnieszka Stepien y Lorenzo Barnó, arquitectos
Estella, Agosto 2017

Bibliografía:

– Naranjo, Claudio. Cambiar la educación para cambiar el mundo.

–Kahn, Louis. Obras y proyectos.

–Burgos, Francisco. La arquitectura del aula.

– Arne Jacobsen: edificios públicos.

– Richard Neutra, 1892-1970.

– Arquitectura Viva _ número 78 /126.

– Le Corbusier, Obra completa.

– Aldo van Eyck, parques de juego en Amsterdam (1947-1971).

– http://www.metodomontessori.es/

– Pedagogía Waldorf

– http://www.lacittadeibambini.org/

Artículo publicado originalmente en la Plataforma de La Ciudad Viva.

[:es]Breviario de Ronchamp[:gl]Breviario de Ronchamp[:en]Breviary of Ronchamp[:]

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Breviario de Ronchamp

“Y si consagrar (sacrare) era el término que designaba la salida de las cosas de la esfera del derecho humano, profanar significaba, a la inversa, devolver las cosas al libre uso de la gente.”

Giorgio Agamben, Elogio della profanazione.

Devolver al libre uso del común la obra de Le Corbusier en Ronchamp: tal sería el deseo de este Breviario.

Le Corbusier padeció en 1948 el fracaso de su proyecto de la Sainte-Baume, fulminado por la prohibición de las autoridades de la Iglesia católica francesa. Pero en el cruce entre el camino de tierra, por donde entraban en lo que sería Francia las poblaciones nómadas desde la Prehistoria, y el camino del agua, que une las fuentes y los cursos del Rin y del Ródano, Le Corbusier consiguió convertir una vieja capilla católica en un monumento a la presencia humana, identificada con la línea vertical que crea nuestro cuerpo en pie sobre la tierra, ligándolo a ese otro monumento que él mismo levantó muy cerca de aquí: la torre de control de la esclusa Kembs-Niffer, que dirige la marcha horizontal de las aguas.

Josep Quetglas Ruisech (Palma, Islas Baleares, 1946) es Catedrático de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Cataluña y autor de numerosas publicaciones de teoría y crítica de la Arquitectura. Ha sido galardonado con la medalla FAD (2002), el Premio Nacional de Arquitectura y Espacio Público de la Generalitat de Catalunya (2009) y el premio Ramon Llull de la Comunidad Autónoma de las Islas Baleares (2011). En 2002 fundó y dirigió el anuario Massilia. Annuaire d’etudes corbuséennes que, desde 2012, edita la Foundation Le Corbusier de París.

Suyos son libros como La casa de Don Giovanni (1996), El horror cristalizado: imágenes del Pabellón de Alemania de Mies van der Rohe (2001), Pasado a limpio I (2001), Pasado a limpio II (2002) y Oiza, Oteiza: línea de defensa en Altzuza (2004), Artículos de ocasión (2004), Le Corbusier et le livre (2005), Casa en Mallorca. Alvaro Siza (2010), Aurora Picornell. Escrits 1930-1936 (2013), Ronchamp: A landscape of Visual Acoustics (2014), Restos de arquitectura y crítica de la cultura (2017), Breviario de Ronchamp (2017). Es uno de los mayores expertos mundiales en Le Corbusier, además de editor de sus obras completas en España.

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Breviario de Ronchamp

“E se consagrar (sacrare) era o termo que designaba a saída das cousas da esfera do dereito humano, profanar significaba, á inversa, devolver as cousas ao libre uso da xente.”

Giorgio Agamben, Elogio della profanazione.

Devolver ao libre uso do común a obra de Lle Corbusier en Ronchamp: tal sería o desexo deste Breviario.

Le Corbusier padeceu en 1948 o fracaso do seu proxecto da Sainte- Baume, fulminado pola prohibición das autoridades da Igrexa católica francesa. Pero no cruzamento entre o camiño de terra, por onde entraban no que sería Francia as poboacións nómades desde a Prehistoria, e o camiño da auga, que une as fontes e os cursos do Rin e do Ródano, Le Corbusier conseguiu converter unha vella capela católica nun monumento á presenza humana, identificada coa liña vertical que crea o noso corpo en pé sobre a terra, ligándoo a ese outro monumento que el mesmo levantou moi preto de aquí: a torre de control da esclusa Kembs- Niffer, que dirixe a marcha horizontal das augas..

Josep Quetglas Ruisech (Palma, Illas Baleares, 1946) é Catedrático da Escola Técnica Superior de Arquitectura da Universidade Politécnica de Cataluña e autor de numerosas publicacións de teoría e crítica da Arquitectura. Foi galardoado coa medalla FAD (2002), o Premio Nacional de Arquitectura e Espazo Público da Generalitat de Catalunya (2009) e o premio Ramon Llull da Comunidade Autónoma das Illas Baleares (2011). En 2002 fundou e dirixiu o anuario Massilia. Annuaire d’etudes corbuséennes que, dende 2012, edita a Foundation Le Corbusier de París.

Seus son libros como La casa de Don Giovanni (1996), El horror cristalizado: imágenes del Pabellón de Alemania de Mies van der Rohe (2001), Pasado a limpio I (2001), Pasado a limpio II (2002) e Oiza, Oteiza: línea de defensa en Altzuza (2004), Artículos de ocasión (2004), Le Corbusier et le livre (2005), Casa en Mallorca. Alvaro Siza (2010), Aurora Picornell. Escrits 1930-1936 (2013), Ronchamp: A landscape of Visual Acoustics (2014), Restos de arquitectura y crítica de la cultura (2017), Breviario de Ronchamp (2017). É un dos maiores expertos mundiais en Le Corbusier, ademais de editor das súas obras completas en España.

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Breviario de Ronchamp

“And if to dedicate (sacrare) was the term that was designating the exit of the things of the sphere of the human right, to profane was meaning to return, inversely, the things to the free use of the people.”

Giorgio Agamben, Elogio della profanazione.

Corbusier returns to the free use of the common one the work of Him in Ronchamp: such it would be the desire of this Breviary.

Le Corbusier suffered in 1948 the failure of his project of the Sainte-Baume, fulminated by the prohibition of the authorities of the catholic French Church. But in the crossing between the dirt track, where they were entering in what would be France the nomadic populations from the Prehistory, and the way of the water, which joins the sources and the courses of the Rhine and of the Rhone, Le Corbusier it managed to convert an old catholic chapel into a monument to the human presence identified with the vertical line that believes our body in foot on the land, tying it to this another monument that he itself raised closely together of here: the tower of control of the sluice Kembs-Niffer, which directs the horizontal march of the waters.

Josep Quetglas Ruisech (Palma, Islas Baleares, 1946) is A Professor of the Technical Top School of Architecture of the Technical University of Catalonia and author of numerous publications of theory and critique of the Architecture. He has been an award winner with the medal FAD (2002), the National Prize of Architecture and Public Space of the Autonomous government of Catalonia of Catalonia (2009) and the prize Ramon Llull of the Autonomous Community of the Balearic Islands (2011). In 2002 it founded and directed the yearbook Massilia. Annuaire d’etudes corbuséennes that, from 2012, edits the Foundation Le Corbusier of Paris.

His they are books as La casa de Don Giovanni (1996), El horror cristalizado: imágenes del Pabellón de Alemania de Mies van der Rohe (2001), Pasado a limpio I (2001), Pasado a limpio II (2002) and Oiza, Oteiza: línea de defensa en Altzuza (2004), Artículos de ocasión (2004), Le Corbusier et le livre (2005), Casa en Mallorca. Alvaro Siza (2010), Aurora Picornell. Escrits 1930-1936 (2013), Ronchamp: A landscape of Visual Acoustics (2014), Restos de arquitectura y crítica de la cultura (2017), Breviario de Ronchamp (2017). There is one of the major world experts in Him Corbusier, besides publisher of his complete works in Spain.

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[:es]Rehabilitación de nave industrial en Valladolid | contextos de arquitectura y urbanismo[:gl]Rehabilitación de nave industrial en Valladolid | contextos de arquitectura y urbanismo[:en]Warehouse rehabilitation in Valladolid | contextos de arquitectura y urbanismo[:]

[:es]Rehabilitación de nave industrial en Valladolid contextos de arquitectura y urbanismo o12

Creación de atmósferas.

En las periferias de nuestras ciudades no es excepcional que la industria sólo sea construcción. Los procesos fabriles marcan la exactitud y el calibrado del dimensionamiento de estructuras y cerramientos. La lógica de la funcionalidad no da cabida a la arbitrariedad. Lo fabril es preciso, mecánico, óptimo;  si no se adapta a las necesidades productivas el edificio industrial desaparece, se olvida. Cierra.

Rehabilitar una vieja y abandonada nave, adaptarla a nuevas máquinas de alta tecnología, operarios y exigencias de más luz, espacio y aire fue el reto que nuestro estudio tuvo que afrontar y que suponía transformar una anodina nave de un olvidado polígono industrial en una nueva instalación en la que primase la claridad y la luminosidad. Nuestra reivindicación – y propuesta al cliente – fue la de reconvertir el tradicional espacio industrial dotándole de nueva atmósfera que buscase el beneficio de las personas que trabajasen en su interior.

La vieja fachada presentaba serios problemas de estabilidad por lo que fue sustituida por nuevas pieles; porosas, traslúcidas. La tradicional fachada industrial de panel sándwich y fábrica de ladrillo fue reemplazada por diversas capas de vidrio, policarbonato y chapa de acero perforada que se superponían permitiendo el tamizado paso de la luz en el interior de la nave y de las oficinas. La intencionada creación de esta nueva atmósfera industrial, cimentada sobre luz natural, facilita el rendimiento energético y el buscado bienestar de los trabajadores que no están sometidos a la claridad fría y artificial.

En las oficinas, sinceramos la estructura y los materiales, sustituyendo todos los opacos perímetros existentes por vidrio. Estructura, forjado colaborante, instalaciones, se dejaron vistos, directos. Los amplios paños de vidrio permiten el contacto visual entre nave y estancias técnicas; esencial para una correcta ejecución y permitiendo la inclusión de la luz no sólo desde la calle si no desde el interior de la nave.

Obra: Rehabilitación de nave industrial en Valladolid
Autor: Óscar Miguel Ares Álvarez
Dirección de obra: Óscar Miguel Ares Álvarez,
Dirección de ejecución: Javier Palomero Alonso
Fecha: 2016-17
Ubicación: Poligono Los Hoyales. Valladolid
Colaboradores: Bárbara Arranz González, Jesús J. Ruiz Alonso, Dorota Tokarska
Fotógrafo: Jesús J. Ruiz Alonso | Pedro Iván Ramos Martín
Superficie: 1.500 m2
Contrata: Contratas y Obras San Gregorio SA
Mobiliario: MOI.
+ contextosdearquitectura.com[:gl]Rehabilitación de nave industrial en Valladolid contextos de arquitectura y urbanismo o12

Creación de atmosferas.

Nas periferias das nosas cidades non é excepcional que a industria só sexa construción. Os procesos fabrís marcan a exactitude e o calibrado do dimensionamiento de estruturas e cerramentos. A lóxica da funcionalidade non dá cabida á arbitrariedade. O fabril é preciso, mecánico, óptimo; se non se adapta ás necesidades produtivas o edificio industrial desaparece, esquécese. Pecha.

Rehabilitar unha vella e abandonada nave, adaptala a novas máquinas de alta tecnoloxía, operarios e esixencias de máis luz, espazo e aire foi o reto que o noso estudo tivo que afrontar e que supoñía transformar unha anodina nave dun esquecido polígono industrial nunha nova instalación na que primase a claridade e a luminosidade. A nosa reivindicación – e proposta ao cliente – foi a de reconverter o tradicional espazo industrial dotándolle de nova atmosfera que buscase o beneficio das persoas que traballasen no seu interior.

A vella fachada presentaba serios problemas de estabilidade polo que foi substituída por novas peles; porosas, traslúcidas. A tradicional fachada industrial de panel sándwich e fábrica de ladrillo foi substituída por diversas capas de vidro, policarbonato e chapa de aceiro perforada que se superpoñían permitindo o tamizado paso da luz no interior da nave e das oficinas. A intencionada creación desta nova atmosfera industrial, cimentada sobre luz natural, facilita o rendemento enerxético e o buscado benestar dos traballadores que non están sometidos á claridade fría e artificial.

Nas oficinas, sinceramos a estrutura e os materiais, substituíndo todos os opacos perímetros existentes por vidro. Estrutura, forxado colaborante, instalacións, deixáronse vistos, directos. Os amplos panos de vidro permiten o contacto visual entre nave e estancias técnicas; esencial para unha correcta execución e permitindo a inclusión da luz non só desde a rúa se non desde o interior da nave.

Obra: Rehabilitación de nave industrial en Valladolid
Autor: Óscar Miguel Ares Álvarez
Dirección de obra: Óscar Miguel Ares Álvarez,
Dirección de execución: Javier Palomero Alonso
Data: 2016-17
Ubicación: Poligono Los Hoyales. Valladolid
Colaboradores: Bárbara Arranz González, Jesús J. Ruiz Alonso, Dorota Tokarska
Fotógrafo: Jesús J. Ruiz Alonso | Pedro Iván Ramos Martín
Superficie: 1.500 m2
Contrata: Contratas e Obras San Gregorio SA
Mobiliario: MOI.
+ contextosdearquitectura.com[:en]Rehabilitación de nave industrial en Valladolid contextos de arquitectura y urbanismo o12

Creating atmospheres.

In the peripheries of our cities it is not unusual that the industry is just construction. The manufacturing processes mark the accuracy and the calibration of the dimensioning of structures and enclosures. The logic of functionality does not allow arbitrariness. The Industry is precise, mechanical, and optimal; if it is not adapted to the productive needs, the industrial building disappears, is forgotten. It Closes.

Rehabilitating an old and abandoned warehouse, adapting it to new high-tech machines, operators and responding to the requirements of more light, space and air was the challenge that our studio had to face. It meant transforming a banal warehouse from a forgotten industrial estate into a new installation in which clarity and luminosity prevail. Our claim – and proposal to the customer – was to reconvert the traditional industrial space by providing a new atmosphere that seeks the benefit of the people working inside.

The old facade presented serious problems of stability. Consequently was replaced by new porous and translucent facade skins. The traditional industrial facade of sandwich panel and brick walls is replaced by various overlapped layers of glass, polycarbonate and perforated steel sheet, which allows daylight to filter through to the interior spaces of the warehouse and offices. The intentional creation of this new industrial atmosphere, based on natural light, improves the energy performance and the well-being of workers who are not subjected to cold and artificial clarity.

In the offices, the structure and materials are sincerely shown, replacing all opaque preexisting perimeters by glass. Structure, the mixed concrete decking slab and installations are left raw, visible and exposed. The wide glass walls allow the visual contact between the warehouse working area and the technical office; this relation is essential for a correct execution and allows the inclusion of light not only from the street but also from the interior of the warehouse.

Work: Warehouse rehabilitation in Valladolid
Author: Óscar Miguel Ares Álvarez
Construction management: Óscar Miguel Ares Álvarez,
Direction of execution: Javier Palomero Alonso
Date: 2016-17
Location: Poligono Los Hoyales. Valladolid
Collaborators: Bárbara Arranz González, Jesús J. Ruiz Alonso, Dorota Tokarska
Photography: Jesús J. Ruiz Alonso | Pedro Iván Ramos Martín
Built area: 1.500 m2
Constructing company: Contratas y Obras San Gregorio SA
Forniture: MOI.
+ contextosdearquitectura.com[:]

[:es]Los problemas de la regeneración Urbana. Experiencias de Barcelona y Madrid[:gl]Os problemas da rexeneración Urbana. Experiencias de Barcelona e Madrid[:en]The problems of the Urban regeneration. Experiences of Barcelona and Madrid[:]

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[:es]https://youtu.be/zhNhlJYKSO8

El pasado 16 de Enero tuvo lugar en el Círculo de Bellas Artes de Madrid el debate titulado: «Los problemas de la regeneración Urbana. Experiencias de Barcelona y Madrid».

«La regeneración urbana debe ser un conjunto de acciones que deben orientarse a dar solución a todos los problemas que causan el deterioro urbano así como las causas y factores que lo originan. Una estrategia de regeneración urbana, puede abarcar acciones de rehabilitación, renovación o mejoramiento, pero no se limita a ninguna de ellas en concreto. Para poder lograr un proyecto integral es necesario que se tengan en cuenta aspectos urbanísticos y arquitectónicos, además también otros elementos como los sociales, culturales, climatológicos y económicos».

Intervienen:
Jordi Martí. Gerente Municipal del Ayuntamiento de Barcelona
Oriol Nel.lo. Presidente del Consell Assessor del Pla de Barris de Barcelona
Pilar Pereda. Asesora del Concejal de Desarrollo Urbano Sostenible del Ayuntamiento de Madrid
Silvia Villacañas. Directora General de Estrategia de Regeneración Urbana del Ayuntamiento de Madrid.

Presenta y modera:
Jon Aguirre. Junta Directiva del Club de Debates Urbanos

[:gl]https://youtu.be/zhNhlJYKSO8

O pasado 16 de Xaneiro tivo lugar no Círculo de Belas Artes de Madrid o debate titulado: «Os problemas da rexeneración Urbana. Experiencias de Barcelona e Madrid».

«A rexeneración urbana debe ser un conxunto de accións que deben orientarse a dar solución a todos os problemas que causan a deterioración urbana así como as causas e factores que o orixinan. Unha estratexia de rexeneración urbana, pode abarcar accións de rehabilitación, renovación ou mejoramiento, pero non se limita a ningunha delas en concreto. Para poder lograr un proxecto integral é necesario que se teñan en conta aspectos urbanísticos e arquitectónicos, ademais tamén outros elementos como os sociais, culturais, climatolóxicos e económicos».

Intervienen:
Jordi Martí. Xerente Municipal do Concello de Barcelona
Oriol Nel.lo. Presidente do Consell Assessor del Pla de Barris de Barcelona
Pilar Pereda. Asesora do Concexal de Desarrollo Urbano Sostenible do Concello de Madrid
Silvia Villacañas. Directora Xeral de Estrategia de Rexeneración Urbana do Concello de Madrid.

Presenta e modera:
Jon Aguirre. Xunta Directiva do Clube de Debates Urbans

[:en]https://youtu.be/zhNhlJYKSO8

Last January 16 the qualified debate took place in the Circle of Fine arts of Madrid: «The problems of the Urban regeneration. Experiences of Barcelona and Madrid».

«The urban regeneration must be a set of actions that must orientate to give him solution to all the problems that cause the urban deterioration as well as the reasons and factors that originate it. A strategy of urban regeneration, it can include actions of rehabilitation, renovation or improvement, but it does not limit itself to any of them in concretly. To be able to achieve an integral project is necessary that there are born in mind urban development and architectural aspects, in addition also other elements as social, cultural, climatological and economic».

Speakers:
Jordi Martí. Municipal manager of the Town hall of Barcelona
Oriol Nel.lo. President of the Consell Assessor of the Pla de Barris of Barcelona
Pilar Pereda. Adviser of the Councilman of Development Urbano Sostenible of the Town hall of Madrid
Silvia Villacañas. General manager of Strategy of Urban Regeneration of the Town hall of Madrid.

Presenter and moderator :
Jon Aguirre. Board of directors of the Club de Debates Urbanos

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La arquitectura es inútil | Miguel Ángel Díaz Camacho

Inauguración de la Exposición Internacional de Barcelona | Fotografía: Josep Brangulí
Inauguración de la Exposición Internacional de Barcelona | Fotografía: Josep Brangulí

Una primera necesidad nos obliga a ponerlo por escrito: la arquitectura es inútil. Una vez superado el desconcierto inicial, la afirmación nos asalta retorciendo el brazo de una de nuestras convicciones más profundas, la utilitas vitrubiana (y con ella sus dos atónitas compañeras de viaje). Livio Vacchini nos invita a recorrer este camino pedregoso al escribir sobre el monumento, en concreto Stonehenge, un espacio circular sin cobertura ni utilidad alguna mensurable -ni censurable- por cualquier técnico municipal con independencia de su desconfianza:

«la arquitectura es algo más inútil de lo que comúnmente se piensa».1

Veamos.

En ocasiones hemos defendido la utilidad de la arquitectura como algo secundario, el programa como algo contra lo que habría que rebelarse (Kahn). En verdad la arquitectura no transita entre los dos principios clásicos de la productividad inmobiliaria: la superficie «útil» o dominio sobre el que podemos establecer un sistema de propiedad y control; y la vida «útil» o periodo indefinido que se proyecta en el tiempo a nuestra conveniencia. Control e indeterminación: la simonía de la inteligencia,

«la insuficiencia del principio clásico de utilidad»,2 

una explicación de nuestro sistema paradójico y contradictorio. Pero la arquitectura no tiene como tarea principal explicar nuestro tiempo o identificarse con nuestra cultura, más al contrario, la arquitectura se establece como una herramienta de pensamiento capaz de cuestionar nuestro tiempo, un instrumento capaz de poner en jaque la propia cultura

«de manera que de ahí pueda emerger una nueva condición de lo posible».3

En la imagen, los distinguidos invitados a la inauguración de la Exposición Internacional de Barcelona miran algo desconcertados -un poco perdidos- en todas direcciones. El Pabellón de Mies van der Rohe carece de una estructura productiva lineal, carece de uso en el sentido computable de la administración o la costumbre. Tal vez por ello desapareció tras la Exposición, aunque seguramente -y esto quizá sea lo más importante- por ello pudo ser reconstruido años más tarde como un ritual, una necesidad esencial y desafiante para todas las teorías y las certezas sobre lo «útil».

La arquitectura no explica su tiempo, lo cuestiona.

La arquitectura no respeta la norma, la mejora.

La arquitectura no es respuesta programática, sino pregunta para la Historia.

La arquitectura es algo más «inútil» de lo que comúnmente se piensa.

Miguel Ángel Díaz Camacho. Doctor Arquitecto
Madrid. Noviembre 2015.
Autor de Parráfos de arquitectura. #arquiParrafos

Notas:

1 Livio Vacchini, «Obras Maestras», Barcelona, Gustavo Gili 2009, pág. 19

2 Georges Bataille, «La parte maldita, precedida de la noción de gasto«, Barcelona, Icaria 1987, pág. 26. Visto en «El límite de lo útil» por Miguel Paredes, Pasajes nº121, págs. 56-59.

3 Roberto Masiero, «A contracorriente», en Livio Vacchini, «Obras Maestras», Barcelona, Gustavo Gili 2009, pág. 12.

 

El universo fantástico de Chernikhov | Marcelo Gardinetti

Architectural Fantasies 1925 -1933
Architectural Fantasies 1925 -1933

“La fantasía arquitectónica estimula la actividad del arquitecto. Despierta el pensamiento creativo, pero no sólo para el artista. También educa y estimula a todos aquellos que entran en contacto con él; produce nuevas direcciones, nuevas misiones, y abre nuevos horizontes.”

Yakov Georgievich Chernikhov, 1927

La obra de Yakov Georgievich Chernikhov se caracteriza por su permanente indagación sobre la forma arquitectónica. Su trabajo asume el desafío de graficar el arte arquitectónico que proclamaban las teorías del suprematismo y el constructivismo, mediante la manipulación de estrictas figuras geométricas ensambladas con riguroso ímpetu formal.

Para Chernikhov, el arquitecto debe atender los requisitos del programa con una actitud valiente, que permita actuar su propia imaginación para evitar caer en imitaciones formales. Sostiene que todo aquel que no tiene en cuenta su propia fantasía está pensando de manera falsa e incorrecta.

Graduado en la Academia de Bellas Artes, Chernikhov creo su “Laboratorio Piloto de Ciencia e Investigación para Formas Arquitectónicas y Estudios Gráficos” donde trabajó en la investigación del diseño experimental. Dedicado a la escritura y la enseñanza,   instaba a sus discípulos a componer sin imitar, apelando a una alfabetización gráfica que permitió el desarrollo de una activo ensayo sobre la forma arquitectónica y la representación gráfica.

Construction of Architectural and Machine Forms 1925 -1931
Construction of Architectural and Machine Forms 1925 -1931

La preocupación principal de Chernikov era el desarrollo de nuevos métodos de enseñanza para que los trabajos representen fielmente la teoría del constructivismo y el suprematismo y así resolver los desafíos que enfrenta la arquitectura moderna, fundamentalmente en la construcción de edificios industriales. Una numerosa cantidad de proyectos con soluciones formales muy audaces son el resultado de esa experiencia. Cuerpos geométricos aplicados de manera dinámica que dejan ver los soportes estructurales para reflejar la ética de la revolución.

La figura de Chernikov trasciende en el campo académico durante la década de 1920. En esos años también participó de varios concursos de arquitectura, de los que ganó varios, aunque su obra construida es escasa

Escribió numerosos libros en los que expuso sus ideas revolucionarias: “El arte de la representación gráfica” de 1927, “Fundamentos de la arquitectura moderna” en 1929, “La construcción de formas arquitectónicas y de máquina” en 1931 y “101 fantasías arquitectónicas” en 1933, con ilustraciones que anticiparon el rumbo de la disciplina.

Fundamentals of Modern Architecture, 1925 -1938
Fundamentals of Modern Architecture, 1925 -1938

A mitad de los años 30 la arquitectura soviética cambia su enfoque ideológico, decretando el fin del constructivismo. En esos años, la obra de Chernikov fue sometida a severos cuestionamientos y sus libros fueron quitados de las bibliotecas públicas. Sin embargo prosiguió su actividad profesional organizando ciclos de conferencias, escribiendo artículos y desarrollando algunos nuevos proyectos hasta su muerte en 1951.

Yakov Georgievich Chernikhov dejó un imponente legado gráfico. Su extensa obra resume un pensamiento arquitectónico que enlaza el suprematismo y el constructivismo con la aplicación inflexible de sus conceptos teóricos. Sus exploraciones trascienden su época y son elementos de referencia de varias generaciones. Su obra fue exhibida en numerosas exposiciones e incidió de manera trascendente en los movimientos arquitectónicos de vanguardia desde las últimas décadas del siglo xx.

Marcelo Gardinetti . arquitecto
La Plata. Febrero 2018

Mónica Martínez Vicente · Memoory, diseño de estelas

Mónica Martínez Vicente · Memoory, diseño de estelas
Mónica Martínez Vicente · Memoory, diseño de estelas

“El 97% de nuestro cuerpo es polvo de estrellas por eso cuando nos vamos de este mundo, dejamos una estela brillante”.

Así reza el inicio en el inicio de la web de Memoory, un proyecto de esta Monica Martínez, una “mamarquitecta” murciana por la ETSA de Valencia, que se ha planteado “transformar la imagen tan dura e inerte de los cementerios, dotarlos de algo de vida” a través de lápidas únicas y memoriales sobre la vida de nuestros seres queridos que se han marchado para siempre.

“El diseño, los materiales y epitafios se basan en las vivencias más bonitas y felices de su paso por este mundo, plasmando la esencia de su persona y realizar así un tributo a la VIDA.”

Cuando estaba en plena creación de su labor profesional y sus primeros trabajos, como otros muchos compañeros de profesión, tuvo que derivar a otros campos, por suerte en su caso hacia la docencia en Arquitectura, otra de sus grandes pasiones.

Memoory, no es el primer proyecto en el que se embarca Mónica, participó durante esos años convulsos en un proyecto emprendedor para realizar   seriadas pero adaptadas totalmente al usuario pero no fue posible avanzar por la situación económica de los clientes y los bancos, “no era el momento o no supimos llegar al cliente adecuado” nos cuenta Mónica.

Tras dos años de duro trabajo, Memoory comienza a dar sus frutos, gracias al experiencia acumulada y al duro trabajo.

“¿Qué es una Estela? Es un homenaje a medida, una nueva relación con el recuerdo.”

Sin más preámbulos os dejamos con la charla mantenida con Mónica.

Mónica Martínez Vicente · Memoory, diseño de estelas
Mónica Martínez Vicente · Memoory, diseño de estelas
¿Cómo se definiría Mónica?

Mónica es una entusiasmada de todo lo relacionado con la creación artística, desde el Arte propiamente dicho, el Diseño, la Moda y por supuesto la Arquitectura. Me encanta el proceso creativo como experiencia y estilo de vida.

Trasladar esas vivencias a todos los aspectos de mi vida es de las cosas que más me enriquecen y me hacen disfrutar.

El resultado será lo que tenga que ser pero el cómo se va generando es emocionante.

¿Cómo, cuándo y por qué surge Memoory?

Surge en septiembre de 2016 tras una experiencia personal un año antes. Realicé el diseño de la lápida de un familiar, había que renovarla y lo que existía alrededor era tan triste, gris…

El día de su despedida, allí mismo en el cementerio, rodeada de fríos mármoles y granitos empecé a imaginarme otra tumba diferente más adaptada a su persona, sus gustos, su vida. Algo que lo imaginase a él contento.

Ideé un árbol que evocaba un huerto. Su huerto de naranjos donde él era feliz, la sombra del naranjo en verde como símbolo de la continuación de su vida en nuestro recuerdo. Una frase “bajo la sombra de mis naranjos” le haría compañía para siempre pues no le gustaba estar solo.

Elegí un material más cambiante con el paso del tiempo que reflejaba perfectamente su personalidad. Se generó un momento mágico entre la familia y nos ayudó a sentirnos apaciguados.

Después pensé que esta experiencia podría trasladarla a otras familias y decidí crear este proyecto.

¿Te encontraste con muchas dificultades? ¿Cuáles fueron las más problemáticas?

Saber de antemano qué tipo de producto y servicio realizas es fundamental pero lo más importante es conocer en la medida de lo posible al cliente que va a querer y consumir esos productos o servicios, pero eso es lo más difícil para mí, acertar con las necesidades/preferencias/consumo real de los usuarios.

Las estadísticas están muy bien pero la realidad es otra. Además, cuando emprendes en un sector cerrado y desconocido, cuesta conseguir los contactos, las alianzas,… parece que está todo en tu contra pero si uno está convencido de que lo que hace puede cambiar los sentimientos de personas o hacer vivir experiencias menos dramáticas, hay que ser perseverante, paciente… no desfallecer en el intento porque el camino no es inmediato.

¿Cómo es el proceso de diseño, desarrollo y comercialización en Memoory?

El primer paso es el más importante que es captar la “esencia de la persona” a través del storytelling que cuentan sus familiares/amigos.

A partir de ahí estos conceptos se trasladan físicamente plasmándolos en un solo gesto y en el material más idóneo para ello o el elegido por los clientes.

Una vez que se da el visto bueno al diseño, se accede a un acuerdo y se pone en marcha el proceso de fabricación y su posterior colocación en el lugar de sepultura.

Es el mismo proceso que se utiliza para la realización de una vivienda o proyecto mayor, una previa fase anteproyecto con su correspondiente validación/aceptación y una siguiente fase de ejecución e instalación.

Mónica Martínez Vicente · Memoory, diseño de estelas
Mónica Martínez Vicente · Memoory, diseño de estelas
¿Cuáles son tus referencias?

Seguimos muy de cerca todo lo que tenga que ver con los negocios cuyas bases tienden hacia la economía circular, social y ecoeficiencia.

El diseño en este sector estaba un tanto vetusto, introducir estrategias de comunicación de otros sectores como la publicidad para cambiar la percepción e intentar naturalizar temas que a priori parecen tabú como es en este caso.

¿A qué segmento de clientes te diriges? ¿Cuáles son los encargos más demandados?

A personas que tienen una cierta inquietud hacia la cultura y el diseño/arte que no quieren vivir esa experiencia tal y como estaba planteada…quieren algo especial y único, más amable para sus seres queridos.

Lo que más nos estamos encontrado es gente joven que quieren encargar ya cómo quieren que sea su final, el cómo y dónde depositar sus restos, insisten que sea al estilo memoory.

Así que lo próximo es ver la manera de recoger esa “declaración de intenciones” e incluirla en el servicio. Eso es lo que más nos hace seguir para adelante.

¿Cómo y para qué utilizas las “nuevas tecnologías”? ¿La “red” ha facilitado tu labor?

La tecnología la utilizamos para implementar las lápidas; que puedan emitir sonidos o tengan texturas o escritos en braille (para personas que tienen dificultades físicas) o para que se queden iluminadas al atardecer… Estamos colaborando con una empresa *Mi legado digital* que aporta una placa con una tecnología sencilla para móviles que te dirigen a una biografía digital de la persona allí depositada.

También estamos utilizando la red sobre todos las sociales para ir redactando temas relacionados que ayuden a difundir este proyecto a más personas y que no se quede como algo local.

¿Cómo es el día a día en Memoory?

Actualmente seguimos continuamente en proceso de formación, captación de alianzas afines que aporten más servicios o reafirmen los conceptos de la empresa y la labor comercial para hacérselo llegar a las familias que están pasando por esos momentos de una manera más humana.

Es bueno estar en contacto con otras empresas que funcionan ver lo que hacen bien y no tan bien para aprender. Hay que tener una hoja de ruta para no desviarse, pero al mismo tiempo hay que seguir en contacto con las nuevas tecnologías, formaciones, tendencias etc y adaptarse a la circunstancias de los clientes.

Si te encierras en crear algo seguro que al día siguiente alguien ya lo está haciendo y puede que mejor.

Mónica Martínez Vicente · Memoory, diseño de estelas
Mónica Martínez Vicente · Memoory, diseño de estelas
¿Compaginas o complementas esta actividad con otras labores o en otros campos?

Soy mamá de dos niños pequeños, la conciliación aún está a años luz de otros países por lo que me toca compaginar, llevando  las riendas de Memoory y la crianza de mis hijos a partes iguales. En ocasiones, desarrollo algún proyecto de arquitectura como informes o colaboraciones en otros proyectos con compañeros de profesión.

La arquitectura, tiene abiertos muchos frentes de batalla (LSP, Bolonia, paro, precariedad laboral, COAs, ETSAs, emigración, comunicación, etc), ¿no serán demasiados para la polarización existente dentro de la misma?

Hay que aprovecharse de todos esos condicionantes. Hay un montón de campos pocos explorados por los arquitectos porque estamos obstinados con la máxima “proyectar para construir” por decir una se pueden desarrollar “arquitecturas digitales” que para mí sí que es “construir” y que lo están haciendo otras profesiones que tienen menos capacidad visual o global que podría tener un arquitecto.

¿Cómo veis el futuro de la arquitectura? ¿Y el de la profesión?

Una de las cosas que más me preocupa de la arquitectura precisamente es esa, que se vea como una batalla porque se está pensando en una época en que la arquitectura ni siquiera se puede llamar así, se utilizó como forma de enriquecimiento de personas que les importaba lo más mínimo la arquitectura.

En mi opinión la arquitectura es una gran disciplina que abarca muchos campos, desde el diseño, la estética, el arte,…y no olvidemos las humanidades tan necesarias en estos tiempos tan convulsos.

Por lo que cualquier arquitectura que vaya hacia lo humano y se aleje de la “construcción de fotografía” (que no se malinterprete que yo las adoro) será un buen camino de partida.

No es época del arquitecto “figura” y su obra “figura”… si no del arquitecto con responsabilidad social. Esa fase hizo mucho daño a la profesión porque todo el mundo aspiraba a eso y la sociedad se aprovechó de ello para otros fines.

¿Qué mejoras crees que son fundamentales y que deberían ser puestas en marcha de forma inmediata?

La formación hacia la aplicación directa de la tecnología en la arquitectura. El internet de las cosas es ya una realidad y habrá que integrarla en las edificaciones, no? Porque las cosas llevarán la tecnología pero las cosas están en un contenedor que a lo mejor es conveniente replanteárselo para que pueda ser inteligente y cambie también con la tecnología.

En la Universidad siguen creando a arquitectos como antaño, me entristece, pues cuando salen la mayoría va a tener que crear su puesto de trabajo desde cero porque la mayoría de los trabajos se están reinventando.

Mónica Martínez Vicente · Memoory, diseño de estelas
Mónica Martínez Vicente · Memoory, diseño de estelas
Como “emprendedora” ¿qué opinas de los arquitectos que “abren y/o recuperan” nuevos campos y/o enfoques de la profesión?

Me parece estupendo porque eso hace que aumenten las posibilidades de ofertas laborales y se nos valore más, no sólo como meros firmantes que se han llenado los bolsillos.

Además, que anima a jóvenes que les gusta la arquitectura pero no se atreven por el pesimismo instalado en la misma.

¿Estas contenta con la trayectoria realizada hasta ahora? ¿Qué proyectos de futuro te esperan?

A veces, uno no sabe que camino es mejor o que camino tomar, en mi caso todo ocurrió por una experiencia personal… pero en el fondo ya ansiaba y buscaba otras opciones laborales. Estoy muy agradecida por la aceptación del proyecto.

En el futuro me veo que esto toma forma y consigo que sea más rentable, hacer a las personas un poquito más felices y crear belleza en un sector tan oscuro y dramatizado.

Para acabar, ¿qué les aconsejaríais a los actuales estudiantes y futuros profesionales de arquitectura?

Que realmente elijan esta profesión por lo que ellos puedan ofrecer a la misma, no como simple hecho de tener un trabajo y ganar dinero.

«La arquitectura como un estilo de vida».

Entender la arquitectura como herramienta social, búsqueda real de la eficiencia energética y la sostenibilidad como algo intrínseco no como un plus de venta.

Mónica Martínez Vicente · Memoory, diseño de estelas
Mónica Martínez Vicente · Memoory, diseño de estelas

Mónica Martínez Vicente · Memoory, diseño de estelas 
Febrero, 2018.

Entrevista realizada por Ana Barreiro Blanco y Alberto Alonso Oro. Agradecer a Mónica su tiempo y predisposición con este pequeño espacio.

[:es]Cafetería del Hall de la Escuela de Arquitectura Universidad del BioBío | República Portátil[:gl]Cafetería do Hall da Escola de Arquitectura Universidade do BioBío | República Portátil[:en]Cafeteria of the Hall of the School of Architecture University of the BioBío | República Portátil[:]

[:es]

Cafetería del Hall.

La Escuela de Arquitectura de la Universidad del Biobío ubicada en Concepción, fue fundada en el año 1969. Esta escuela es una comunidad de aproximadamente 500 personas y entre su infraestructura consta con talleres de uso exclusivo, que tienen un espacio central de reuniones en doble altura conocido como el Hall del Pilar. Este espacio es testigo de asambleas, fiestas, exposiciones y desde siempre ha sido el corazón de esta escuela. Luego en el año 2006 el edificio fue remodelado y producto de su traslado la cafetería del hall perdió su carácter, convertida en un espacio ambiguo que terminó por desaparecer el año 2015 dejando un lugar desocupado que acabó por vaciar el corazón de la escuela de sus actividades.

A comienzos del año 2016 se hace urgente la necesidad de reformular el espacio que dejó la cafetería. Para ello se realiza una alianza de trabajo entre la Escuela de Arquitectura, los funcionarios de la Universidad del BioBío (Afunab) y los estudiantes. Este esfuerzo en conjunto vino a revitalizar un espacio sin programa, sumado a la propuesta de los arquitectos de devolverle a la escuela aquel lugar de reunión y discusión vital dentro de un contexto de producción creativa.

La propuesta busca generar un elemento de contención para el espacio de la cafetería, un configurante, que a la vez contiene las actividades que ocurren en el Hall del Pilar. Este nuevo elemento separa sin aislar, respetando la relación entre ambos recintos. Con dos vanos, distribuye los accesos y de este modo ordena los recorridos que mantenían anteriormente al Hall como un espacio de transito, devolviéndole a este la neutralidad de un lugar que congrega a los docentes y estudiantes de la Escuela de Arquitectura UBB.

Cafetería del Hall de la Escuela de Arquitectura Universidad del BioBío República Portátil o4

Un andamiaje para los recuerdos.

Un andamio es ante todo una estructura, un esqueleto modular y auto soportante que tiene como finalidad servir a la construcción de otra estructura. La nueva cafetería contempla un andamiaje de madera cuya función es tomar distancia del Hall del Pilar. Este andamio conformado por una serie de casilleros de 50x50x50 cm es un separador a la vez que un cuerpo vacío dispuesto para ser llenado de objetos y producciones. Se pensó este lugar desde la necesidad de generar un límite poroso y transparente, una gran vitrina vertical que permite dejar expuesto los recuerdos y el que hacer. Y de esa manera llenar el hall de arquitectura de pequeños objetos significativos que se van sumando en el cotidiano.

Tres lugares para estar.

En su interior la cafetería reúne tres modos relacionarse. El primero es la mesa social, compuesta por dos mesones de camping para 20 personas, con una pequeña cubierta como para compartir con quien se sienta a un costado o en frente. La dimensión de la superficie del mesón es de 56 cm de ancho y permite estrechar lazos en diálogos cercanos, pero a la vez entrega la libertad suficiente como para no sentirse invadido por el vecino.

La barra, es un mueble que genera un espacio para el ingreso desde el exterior de la cafetería. Permite su uso de pie o sentado en 4 taburetes altos de 70 cm. La cubierta estrecha deja que sus usuarios se reúnan a tomar un café al paso o sentados, enmarcados por las repisas de la barra disfrutan de una panorámica general con vistas hacia el Hall de Arquitectura.

La banca empotrada de 4 m de largo abarca todo el muro de fondo, enmarcado por dos repisas ofrece una pequeña inclinación en su respaldo capaz de acoger a los usuarios como si fuera un sillón de casa. El mueble guarda bajo el asiento taburetes y mesillas que permiten un uso flexible y acorde a las necesidades del encuentro. En algunos momentos se crean círculos de reunión alrededor de la banca y en otros los taburetes son apilados para formar superficies de trabajo, instalando computadores portátiles sobre ellos. Este mueble genera uno de los espacios más dinámicos dentro de la cafetería, permitiendo que tanto estudiantes, docentes y público en general acomoden a su disposición los muebles que entrega la intervención.

Obra: Cafetería del Hall de la Escuela de Arquitectura Universidad del BioBío
Diseño y Construcción: República Portátil
Colaboradores: Camilo Aravena, María Francisca Aruta, Gerardo Neira, German Aravena, Carlos Martín Quinteros , María Teresa Castro, Melissa Moscoso, Betzabé Morales, Mirko Smith, Ismael Sandoval, Valentina Leiva, Diego Gajardo, Heriberto Vera, Mariana Rodríguez, Gabriel burgos, Oscar Rivera y Francisco Marín.
Ubicación: Escuela de Arquitectura Universidad del BioBío, Concepción, Chile
Área: 120 m2
Materiales: Pino Radiata MSD, terminación en base a OSMO Polix-Oil incoloro y OSMO Wood Protector.
Registro en terreno: Franco Van der Mollen
Fotografía: Gino Zavala Bianchi
+ republicaportatil.cl

[:gl]

Cafetería do Hall.

A Escola de Arquitectura da Universidade do Biobío situada en Concepción, foi fundada no ano 1969. Esta escola é unha comunidade de aproximadamente 500 persoas e entre a súa infraestrutura consta con talleres de uso exclusivo, que teñen un espazo central de reunións en dobre altura coñecido como o Hall do Pilar. Este espazo é testemuña de asembleas, festas, exposicións e desde sempre foi o corazón desta escola. Logo no ano 2006 o edificio foi remodelado e produto do seu traslado a cafetería do hall perdeu o seu carácter, convertida nun espazo ambiguo que terminou por desaparecer o ano 2015 deixando un lugar desocupado que acabou por baleirar o corazón da escola das súas actividades.

A comezos do ano 2016 faise urxente a necesidade de reformular o espazo que deixou a cafetería. Para iso realízase unha alianza de traballo entre a Escola de Arquitectura, os funcionarios da Universidade do BioBío (Afunab) e os estudantes. Este esforzo en conxunto viño a revitalizar un espazo sen programa, sumado á proposta dos arquitectos de devolverlle á escola aquel lugar de reunión e discusión vital dentro dun contexto de produción creativa.

A proposta busca xerar un elemento de contención para o espazo da cafetería, un configurante, que á vez contén as actividades que ocorren no Hall do Pilar. Este novo elemento separa sen illar, respectando a relación entre ambos os recintos. Con dous vans, distribúe os accesos e deste xeito ordena os percorridos que mantiñan anteriormente ao Hall como un espazo de transito, devolvéndolle a leste a neutralidade dun lugar que congrega aos docentes e estudantes da Escola de Arquitectura UBB.

Cafetería del Hall de la Escuela de Arquitectura Universidad del BioBío República Portátil o4

Un andamiaje para os recordos.

Unha estada é ante todo unha estrutura, un esqueleto modular e auto soportante que ten como finalidade servir á construción doutra estrutura. A nova cafetería contempla un andamiaje de madeira cuxa función é tomar distancia do Hall do Pilar. Esta estada conformada por unha serie de marcadoras de 50x50x50 cm é un separador á vez que un corpo baleiro disposto para ser enchido de obxectos e producións. Pensouse este lugar desde a necesidade de xerar un límite poroso e transparente, unha gran vitrina vertical que permite deixar exposto os recordos e o que facer. E desa maneira encher o hall de arquitectura de pequenos obxectos significativos que se van sumando no cotián.

Tres lugares para estar.

No seu interior a cafetería reúne tres modos relacionarse. O primeiro é a mesa social, composta por dous mesóns de cámping para 20 persoas, cunha pequena cuberta como para compartir con quen senta a un costado ou en fronte. A dimensión da superficie do mesón é de 56 cm de ancho e permite estreitar lazos en diálogos próximos, pero á vez entrega a liberdade suficiente como para non sentirse invadido polo veciño.

A barra, é un moble que xera un espazo para o ingreso desde o exterior da cafetería. Permite o seu uso de pé ou sentado en 4 taburetes altos de 70 cm. A cuberta estreita deixa que os seus usuarios reúnanse a tomar un café ao paso ou sentados, enmarcados polas repisas da barra gozan dunha panorámica xeral con vistas cara ao Hall de Arquitectura.

A banca encaixada de 4 m de longo abarca todo o muro de fondo, enmarcado por dous repisas ofrece unha pequena inclinación no seu respaldo capaz de acoller aos usuarios coma se fose unha cadeira de brazos de casa. O moble garda baixo o asento taburetes e mesillas que permiten un uso flexible e acorde ás necesidades do encontro. Nalgúns momentos créanse círculos de reunión ao redor da banca e noutros os taburetes son apilados para formar superficies de traballo, instalando computadores portátiles sobre eles. Este moble xera un dos espazos máis dinámicos dentro da cafetería, permitindo que tanto estudantes, docentes e público en xeral acomoden á súa disposición os mobles que entrega a intervención.

Obra: Cafetería do Hall da Escola de Arquitectura Universidade do BioBío
Deseño e Construcción: República Portátil
Colaboradores: Camilo Aravena, María Francisca Aruta, Gerardo Neira, German Aravena, Carlos Martín Quinteros , María Teresa Castro, Melissa Moscoso, Betzabé Morales, Mirko Smith, Ismael Sandoval, Valentina Leiva, Diego Gajardo, Heriberto Vera, Mariana Rodríguez, Gabriel burgos, Oscar Rivera e Francisco Marín.
Emprazamento: Escola de Arquitectura Universidade do BioBío, Concepción, Chile
Área: 120 m2
Materiais: Pino Radiata MSD, terminación en base a OSMO Polix-Oil incoloro e OSMO Wood Protector.
Rexistro no terreno: Franco Van der Mollen
Fotografía: Gino Zavala Bianchi
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[:en]

Cafeteria in the Hall.

The School of Architecture of the University of the Biobío located in Concepcion, it was founded in the year 1969. This school is a community of approximately 500 persons and between his infrastructure it is clear with workshops of exclusive use, that they have a central space of meetings in double height known as the Hall of the Prop. This space is a witness of assemblies, holidays, exhibitions and from always it has been the heart of this school. Then in the year 2006 the building was remodelled and product of his movement the cafeteria of the hall lost his character, turned into an ambiguous space that ended for disappearing the year 2015 leaving an unoccupied place that finished for emptying the heart of the school of his activities.

At the beginning of the year 2016 there becomes urgent the need to re-formulate the space that left the cafeteria. For it an alliance of work is realized between the School of Architecture, the civil servants of the University of the BioBío (Afunab) and the students. This effort as a whole came to revitalize a space without program added to the offer of the architects of returning to him to the school that place of meeting and vital discussion inside a context of creative production.

The offer seeks to generate an element of containment for the space of the cafeteria, a configurante, which simultaneously contains the activities that happen in the Hall of the Prop. This new element separates without isolating, respecting the relation between both enclosures. With two vain ones, it distributes the accesses and thus it arranges the tours that were supporting previously the Hall as a space of traffic, returning to this one the neutrality of a place that congregates to the teachers and students of the School of Architecture UBB.

Cafetería del Hall de la Escuela de Arquitectura Universidad del BioBío República Portátil o4

A scaffolding for the recollections.

A scaffolding is first of all a structure, a modular skeleton and car soportante that has as purpose serve to the construction of another structure. The new cafeteria contemplates a scaffolding of wood which function is to take distance of the Hall of the Prop. This scaffolding shaped by a series of pigeonholes of 50x50x50 cm is a divider simultaneously that an empty body arranged to be filled with objects and productions. This place was thought from the need to generate a porous and transparent limit, a great vertical showcase that allows to make the recollections exposed and that to do. And that way to fill the hall of architecture of small significant objects that are adding in the daily one.

Three places to be.

In his interior the cafeteria assembles three manners to relate. The first one is the social table composed by two inns of camping for 20 persons, with a small cover as to share with whom it sits down to a side or opposite. The dimension of the surface of the inn is 56 cm of width and allows to reduce bows in nearby dialogs, but simultaneously it delivers the sufficient freedom as not to feel invaded by the neighbor.

The bar, it is a furniture that generates a space for the revenue from the exterior of the cafeteria. It allows his use of foot or sat in 4 high stools of 70 cm. The narrow cover allows that his users should meet to take a coffee to the step or sat, framed by the mantelpieces of the bar they enjoy a panoramic general conference towards the Hall of Architecture.

The banking fixed of 4 m of length includes the whole wall of bottom, framed by two mantelpieces offers a small inclination in his support capable of receiving the users as if it was an armchair of house. The furniture guards under the seat stools and small tables that allow a flexible and identical use the needs of the meeting. In some moments they believe circles of meeting about the banking and in others the stools are piled up to form surfaces of work, installing portable computers on them. This furniture generates one of the most dynamic spaces inside the cafeteria, allowing that so much students, teachers and public in general should accommodate to his disposition the furniture that the intervention delivers.

Work: Cafeteria of the Hall of the School of Architecture University of the BioBío
Design and Construction: República Portátil
Collaborators: Camilo Aravena, María Francisca Aruta, Gerardo Neira, German Aravena, Carlos Martín Quinteros , María Teresa Castro, Melissa Moscoso, Betzabé Morales, Mirko Smith, Ismael Sandoval, Valentina Leiva, Diego Gajardo, Heriberto Vera, Mariana Rodríguez, Gabriel burgos, Oscar Rivera and Francisco Marín.
Location: Escuela de Arquitectura Universidad del BioBío, Concepción, Chile
Area: 120 m2
Materials: Pine Radiata MSD, completion on the basis of OSMO colorless Polix-Oil and OSMO Wood Protector.
Register in area: Franco Van der Mollen
Photography: Gino Zavala Bianchi
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[:es]Arquitectura del espejismo. Ensayos sobre la ciudad mediática y el fin de lo público[:gl]Arquitectura do espellismo. Ensaios sobre a cidade mediática e o fin do público[:en]Architecture of the mirage. Tests on the media city and the end of the public thing[:]

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[:es]

Arquitectura del espejismo. Ensayos sobre la ciudad mediática y el fin de lo público

Es este un libro dedicado.

Dedicado en el sentido. En el sentido de la búsqueda de una lógica.

Inquirir una lógica a un espejismo no puede consistir meramente en encontrar efectos ópticos causados por inusuales posiciones de masas de aire de diferente temperatura, que combinan la luz que emana de los objetos con aquella otra que se refracta de ellos, hasta obtener una composición irreal en lo real.

No puede ser eso si este libro se titula “Arquitectura del espejismo”.

Roberto Fernández, arquitecto, prolífico escritor, aún mayor lector y académico de prestigio, presenta este libro con la propuesta de encontrar, en el estado de ánimo del lector-buscador, una figura coherente en los fragmentos de nuestro tiempo. Y es un trabajo dedicado. Lo inmediato no puede ser lo que se aporte para entender la complejidad de lo que aquí es expuesto.

No obstante, nuestro interés es hacer de nuestra lectura una gimnasia de confrontaciones con lo que, formando parte de nuestro acervo, se pongan en cuestionamiento con las tesis de este libro.

Tal y como es declarado en el libro, se trataría, de una lógica, dedicada, de sentido, y disyuntiva. No hay lógicas binarias, una realidad contra una irrealidad, sino que ha de añadírsele el intrincado orden de correlaciones inesperadas, imprevisibles, la oportunidad de acontecimiento de otros planos de realidad. Es, ése, hoy, un lugar plausible para la arquitectura, y no habría que temer por su quiebre estatutario ni por la pérdida de sus horizontes habituales de acción. Esta es una de las grandes aportaciones de este libro, tanto para comprender y resituar los procesos arquitectónicos dispersos, como para evaluar el estado de la disciplina.

Extraer aprendizajes, formar a las nuevas generaciones. Esa es otra de las contribuciones que se halla en este ejercicio intelectual que propone el arquitecto argentino, que es construir un libro de cabecera, desde donde comenzar nuevos entendimientos. Dedicado, de nuevo, el autor se ha preocupado de sugerir continuidades y contigüidades, provocar confrontaciones, sugerir futuras investigaciones para la arquitectura y proveer consciencia de acción.

Fernández lo lleva a su terreno, el de la arquitectura, y propone una discusión acerca de qué es el paso pro-jectivo y la consecuencia post-jectiva.

Esta evaluación no es retórica, diríamos que casi no puede ser lógica, si atendemos a esa convención donde las cosas son pensables sin atender ya a una realidad en su obediencia. La lógica estudia las formas y principios generales que gobiernan el conocimiento y el pensamiento humano, estimado puramente en sí mismo, sin referencia a los objetos. Son conceptos los que maneja la lógica. Pero de lo que se trata es de extraer consecuencias cuando ya sólo es posible otear como un camello: un arte post-representacional y, más allá, lanzar unas hipótesis sobre el fin del proyecto arquitectónico, que ya no atiende a modelos.

Este es un libro dedicado, así comenzamos, así terminamos. Dedicado en el sentido significa, según lo que hemos querido mostrar a partir de estas líneas que Roberto Fernández nos regala, profundizar hasta el abismo el pensamiento que construye la arquitectura. No es una piedra más en la discusión sobre crisis de la propia crítica. El papel de las escuelas y facultades de arquitectura permiten elaboraciones en su ámbito que pueden salir de él para posibilitar una arquitectura más certera con su tiempo, incluso para promover su mejora, la del tiempo de presente.

Hay muchos retos abiertos que requieren la capacitación académica y que su conocimiento compartido y discernido en cada centro garantizaría la calidad de la arquitectura que ha de venir.

Colocar estos contextos junto con el que promueve este libro y su autor, en la facultad de Arquitectura de Buenos Aires, hay que mencionar su exploración del concepto táctico “modo de proyecto” que desarrolla desde hace unos años, a favor de la regeneración y auge de lo que él llama “los nuevos eclecticismos”. Aunque la idea de modo de proyecto sólo le sirve para fines puntuales y sólo en relación a un autor específico, también le permite recomponer genealógicamente una historia modal-proyectual de la arquitectura con la que formar a las nuevas generaciones de arquitectos en relación con su entorno próximo latinoamericano.

Por eso, para todo académico en arquitectura, éste es también un libro dedicado.

En él puede encontrar los frutos de las observaciones hechas por su autor durante años, y las reflexiones que de ellas resultaron, articuladas con un fecundísimo y original pensamiento.

Extracto prólogo Carlos Tapia.

[:gl]Arquitectura del espejismo. Ensayos sobre la ciudad mediática y el fin de lo público

É leste un libro dedicado.

Dedicado no sentido. No sentido da procura dunha lóxica.

Inquirir unha lóxica a un espellismo non pode consistir meramente en atopar efectos ópticos causados por inusuais posicións de masas de aire de diferente temperatura, que combinan a luz que emana dos obxectos con aquela outra que se refracta deles, ata obter unha composición irreal no real.

Non pode ser iso se este libro titúlase “Arquitectura do espellismo”.

Roberto Fernández, arquitecto, prolífico escritor, aínda maior lector e académico de prestixio, presenta este libro coa proposta de atopar, no estado de ánimo do lector-buscador, unha figura coherente nos fragmentos do noso tempo. E é un traballo dedicado. O inmediato non pode ser o que se achegue para entender a complexidade do que aquí é exposto.

Con todo, o noso interese é facer da nosa lectura unha ximnasia de confrontacións co que, formando parte do noso acervo, póñanse en cuestionamiento coas teses deste libro.

Tal e como é declarado no libro, trataríase, dunha lóxica, dedicada, de sentido, e disxuntiva. Non hai lóxicas binarias, unha realidade contra unha irrealidad, senón que ha de engadírselle o intrincado orde de correlacións inesperadas, imprevisibles, a oportunidade de acontecemento doutros planos de realidade. É, ese, hoxe, un lugar plausible para a arquitectura, e non habería que temer pola súa crebe estatutario nin pola perda dos seus horizontes habituais de acción. Esta é unha das grandes achegas deste libro, tanto para comprender e resituar os procesos arquitectónicos dispersos, como para avaliar o estado da disciplina.

Extraer aprendizaxes, formar ás novas xeracións. Esa é outra das contribucións que se acha neste exercicio intelectual que propón o arquitecto arxentino, que é construír un libro de cabeceira, desde onde comezar novos entendementos. Dedicado, de novo, o autor preocupouse de suxerir continuidades e contigüidades, provocar confrontacións, suxerir futuras investigacións para a arquitectura e prover consciencia de acción.

Fernández lévao ao seu terreo, o da arquitectura, e propón unha discusión acerca de que é o paso prol- jectivo e a consecuencia post- jectiva.

Esta avaliación non é retórica, diriamos que case non pode ser lóxica, se atendemos a esa convención onde as cousas son pensables sen atender xa a unha realidade na súa obediencia. A lóxica estuda as formas e principios xerais que gobernan o coñecemento e o pensamento humano, estimado puramente en si mesmo, sen referencia aos obxectos. Son conceptos os que manexa a lóxica. Pero do que se trata é de extraer consecuencias cando xa só é posible otear como un camelo: unha arte post- representacional e, máis aló, lanzar unhas hipóteses sobre o fin do proxecto arquitectónico, que xa non atende a modelos.

Este é un libro dedicado, así comezamos, así terminamos. Dedicado no sentido significa, segundo o que quixemos mostrar a partir destas liñas que Roberto Fernández regálanos, profundar ata o abismo o pensamento que constrúe a arquitectura. Non é unha pedra máis na discusión sobre crise da propia crítica. O papel das escolas e facultades de arquitectura permiten elaboracións no seu ámbito que poden saír del para posibilitar unha arquitectura máis certeira co seu tempo, mesmo para promover a súa mellora, a do tempo de presente.

Hai moitos retos abertos que requiren a capacitación académica e que o seu coñecemento compartido e discernido en cada centro garantiría a calidade da arquitectura que ha de vir.

Colocar estes contextos xunto co que promove este libro e o seu autor, na facultade de Arquitectura de Buenos Aires, hai que mencionar a súa exploración do concepto táctico “modo de proxecto” que desenvolve desde hai uns anos, a favor da rexeneración e auxe do que el chama “os novos eclecticismos”. Aínda que a idea de modo de proxecto só lle serve para fins puntuais e só en relación a un autor específico, tamén lle permite recompoñer genealógicamente unha historia modal- proyectual da arquitectura coa que formar ás novas xeracións de arquitectos en relación coa súa contorna próxima latinoamericano.

Por iso, para todo académico en arquitectura, este é tamén un libro dedicado.

Nel pode atopar os froitos das observacións feitas polo seu autor durante anos, e as reflexións que delas resultaron, articuladas cun fecundísimo e orixinal pensamento.

Extracto prólogo Carlos Tapia.

[:en]Arquitectura del espejismo. Ensayos sobre la ciudad mediática y el fin de lo público

It is this dedicated book.

Dedicated in the sense. In the sense of the search of a logic.

To investigate a logic to a mirage can consist of finding merely optical effects caused by unusual positions of air masses of different temperature, which combine the light that comes from the objects with that one other one that is refracted of them, up to obtaining an unreal composition in the royal thing.

No puede ser esIt cannot be it if this book titles “Architecture of the mirage”.

Roberto Fernandez, architect, prolific writer, still major reader and academician of prestige, presents this book with the offer to find, in the state of mind of the reader – seeker, a coherent figure in the fragments of our time. And it is a dedicated work. The immediate thing cannot be what is contributed to understand the complexity of what here is exposed.

Nevertheless, our interest is to do of our reading a gymnastics of confrontations with what, forming a part of our array, they put in question with the theses of this book.

As it is declared in the book, it would be a question, of a logic, dedicated, of sense, and dilemma. There is no binary logics, a reality against an unreality, but it has of be adding the dense order of unexpected, unforseeable correlations, the opportunity of event of other planes of reality. It is, that one, today, a commendable place for the architecture, and it would not be necessary to be afraid for his sculptor fails not for the loss of his habitual horizons of action. This one is one of the big contributions of this book, so much to understand and to re-place the architectural dispersed processes, as to evaluate the condition of the discipline.

Extracting learnings, to form the new generations. This it is different of the contributions that one finds in this intellectual exercise that there proposes the Argentine architect, who is to construct a book of head-board, from where beginning new understandings. Dedicated, again, the author has worried about suggesting continuities and contiguities, about provoking confrontations, about suggesting future investigations for the architecture and about providing conscience of action.

Fernandez takes it to his area, that of the architecture, and proposes a discussion brings over of what it is the step pro-jectivo and the consequence post-jectiva.

This evaluation is not rhetorical, we would say that almost it cannot be a logic, if we attend to this convention where the things are pensables without attending already to a reality in his obedience. The logic studies the forms and general beginning that govern the knowledge and the human thought, estimated purely in yes same, without reference to the objects. They are concepts those that the logic handles. But about what it treats itself it is of extracting consequences when already only it is possible to look as a camel: an art post-representacional and, beyond, to throw a few hypotheses on the end of the architectural project, which already does not attend to models.

This one is a dedicated, like that book we begin, this way we end. Dedicated in the sense it means, according to what we have wanted to show from these lines that Roberto Fernandez gives us, to deepen up to the abyss the thought that constructs the architecture. It is not one more stone in the discussion on crisis of the own critique. The paper of the schools and powers of architecture allow elaborations in his area that they can go out of him to make a more accurate architecture possible with his time, even to promote his improvement, that of the time of present.

There are many opened challenges that need the academic training and that his knowledge shared and discerned in every center would guarantee the quality of the architecture that has to come.

To place these contexts together with the one that this book and his author promotes, in the faculty of Architecture of Buenos Aires, it is necessary to mention his exploration of the tactical concept “project way” that it develops for a few years, in favour of the regeneration and summit of what it is called “the new eclecticisms”. Though the idea of project way only serves for punctual ends and only in relation a specific author, also it allows him to re-compose genealogically a modal history – proyectual of the architecture with which to form the new generations of architects in relation with his next Latin-American environment.

Because of it, for every academician in architecture, this one is also a dedicated book.

In him it can find the fruits of the observations done by his author for years, and the reflections that from them ensued, articulated with a fecundísimo and original thought.

Summary prólogo Carlos Tapia.

[:]

El buen salvaje. El estatus de un arquitecto contemporáneo | Josep Lluís Mateo

Source image main page: Rousseau, Jean-Jacques, Émile ou De l’éducation (1762). Author: Moreau le Jeune, Jean Michel.
Fuente: Jean-Jacques Rousseau, Émile ou De l’éducation (1762). Autor: Jean Michel Moreau le Jeune.

“Gardez-vous de la pureté, c’est le vitriol de l’âme…”.

Paul Valéry

El estatus de un arquitecto contemporáneo

En el imaginario de la profesión de arquitecto han aparecido históricamente diversos paradigmas. No tan lejano está el del genio cosmopolita globalizado, defendiendo la globalización y, en sus palabras, lo genérico, y proponiendo sin cesar nuevos horizontes, encontrándose éstos en Atlanta o en China. En el clima intelectual del fin de siglo esta figura profesional emergió, con sus correspondientes sacerdotes (pienso en Rem Koolhaas) y una amplia legión de, en muchos casos, menos sofisticadas figuras que se lanzaban apresurada y glotonamente sobre el amplio mercado en donde el estilo personal icónico, la confianza en la bondad extraterritorial de la técnica (ecos del high tech) o simplemente restos de modernidades o clasicismos amanerados se aplicaban.

La crisis económica de principios de siglo, y la amplia conciencia colectiva frente a la devastación producida por esta actitud han hecho que esta línea de argumentación, digamos cosmopolita y globalizadora, haya perdido su prestigio intelectual. Frente a ella, recientemente, hay muchos datos que anuncian la proposición de un nuevo mito con amplio consenso colectivo y mediático.

Frente al ilustrado cosmopolita anterior, nos encontramos ahora en presencia del, utilizando la nomenclatura Rousseauniana1, Buen Salvaje2. Rousseau, en abierta polémica contra la Ilustración de los enciclopedistas volterianos, defendía como esencia de verdad y de pureza al “buen salvaje”, al Emilio incontaminado en el mundo “natural”.

En nuestro campo los mitos presentes colectivamente activos parecen anunciar procesos semejantes.

Frente a la globalización, defensa de lo local. Frente a lo cosmopolita, ruralismo. El artista ahora vive en el pueblo, preferentemente en lugares poco accesibles: las montañas. Sean éstas los Alpes o los Pirineos.

El buen salvaje tiene a gala desdeñar la tecnología, y en su aparente retiro de anacoreta por supuesto no tiene web, secretaria ni ninguno de los medios de comunicación y organización habituales.

Este personaje habla poco, pero cuando lo hace no siempre utiliza argumentos racionales, se encuentra cómodo en una cierta metafísica cuasi religiosa. Temas queridos de su santoral son: la arquitectura como transmisora de emociones, el espacio como atmósfera, la naturaleza como referencia primigenia, acultural, esencial.

Emoción, atmósfera, naturaleza, temas propios de esta actitud

Aquí le añadiría material. La visión corta que esta actitud exhibe orgullosamente, se encuentra con el mundo físico del proyecto y hace de él, frecuentemente, argumento central. El objeto acentúa sus cualidades matéricas, su presencia3 próxima, táctil, sensible, protagonista.

La aparición de esta figura, entendible históricamente como alternativa a las proposiciones anteriores ya claramente no pertinentes, no esconde – a mi juicio – su debilidad.

Si fuera cierto su rural alejamiento de la escena urbana y global dejaría a esta proposición sin capacidad de intervención fuera de su entorno, del pueblo. Significaría encontrarnos frente a una experiencia atractiva por lo arcaico y entrañable, sin posibilidades de desarrollo a mayores horizontes.

En una historia como la nuestra en donde el cambio pese a todo es siempre protagonista, probablemente se estén ya anunciando nuevas figuras en donde la globalización no suponga oposición a lo local, la inteligencia y la razón sean valores compartidos y sirvan para construir lenguajes y análisis globalmente comprensibles, la forma tenga sentido y no solo valor metafísico, y la obertura cosmopolita sea un instrumento eficaz de construcción de lo nuevo.

Josep Lluís Mateo. Doctor arquitecto
Barcelona, febrero 2018

Notas:

1 Ver Cours sur Rousseau, Louis Althusser, Ed. Le temps des cerises. 1972.

2 “El mito del buen salvaje era sólo una renovación y la continuación del mito de la Edad de oro; es decir de la perfección del principio de cosas. El mito del buen salvaje es la creación de una memoria […].” Mircea Eliade, The Myth of the Noble Savage”en Myths, Dreams and Mysteries, Harper & Row, 1975.

3 Gumbrecht, Hans Ulrich. Production of Presence: What Meaning Cannot Convey. Stanford University Press, 2004.

La eléctrica | Elías Cueto

La primera silla eléctrica, usada en la ejecución de William Kemmler en 1890 | Fuente: wikipedia.org
La primera silla eléctrica, usada en la ejecución de William Kemmler en 1890 | Fuente: wikipedia.org

No todas las sillas son cómodas. Algunas son deliberada y profundamente incómodas. Es el caso de la eléctrica, una “creación” sobre la que Mary Bellis ha escrito en el marco de su trabajo sobre inventos e inventores. Es posible conocer todos los detalles de este diseño a través de “Edison and the electric chair: A Story of light and Death” de Mark Essig.

En 1886 el Gobierno Estatal de Nueva York abrió una comisión legislativa para estudiar formas alternativas de pena capital. En ese mismo momento Thomas Edison y George Westinghouse se disputaban el liderazgo empresarial en un sector económico nuevo: el suministro doméstico de electricidad.

Electrocución de Topsy | Fuente: ireneu.blogspot.com.es
Electrocución de Topsy | Fuente: ireneu.blogspot.com.es

Edison ofrecía el servicio de corriente continua mientras Westinghouse había apostado por la corriente alterna. La corriente alterna permitía hilos más finos y por tanto era más competitiva, sin embargo tenía un riesgo: daba calambres. Consciente de esta debilidad en la oferta de su competidor, Edison lanzó en 1887 una campaña de contrapublicidad en la que utilizando corriente alterna electrocutaba animales y los fotografiaba con el objetivo de alarmar a la población. La electrocución de un pequeño elefante -Topsy- adquirió el rango de espectáculo público con la presencia de más de 1500 personas.

1888 será el año en que la legislación del estado de Nueva York reconozca la electrocución como forma de ejecución de la pena capital. Edison lograba así asociar la tecnología de su competidor no ya con el peligro sino con la muerte. Contrató para ello a un técnico, Harold Brown, y a un médico Fred Peterson, que trabajaron en el diseño de la primera silla eléctrica.

Diseño original de Edison | plongstreet.typepad.com
Diseño original de Edison | plongstreet.typepad.com

El uno de enero de 1889 se realizaba la primera ejecución mediante electrocución. Westinghouse se había negado a suministrar generadores de corriente alterna para este fin pero General Electric -Edison+J.P Morgan- se encargó de que esta pieza fundamental de la silla no faltase.

Elías Cueto, arquitecto
Santiago de Compostela, marzo 2011
Publicado en Nº 313 [sillas…]

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rEcolectores urbanos es un equipo transdisciplinar que explora el espacio de confluencia entre plataformas de pensamiento en torno a tecnologías de la información y comunicación, cultura, arquitectura, ciudad, territorio, sociedad y participación.

Investiga en dichos espacios sembrando ideas-semilla impulsadas por sus miembros, para ser cultivadas en colaboración con otros colectivos, empresas e instituciones. Como punto de recolección de conocimiento de los investigadores, trabaja sobre estrategias para la implantación de nuevos modelos de recolección, gestión y visualización de la información y el conocimiento llevándolos desde los entornos de pensamiento y discusión a la ciudadanía.

Desarrolla proyectos que propicien la innovación utilizando el territorio como soporte de trabajo y acción; incorpora la capa digital a través de nuevas tecnologías.

[:es]Rehabilitación y ampliación de los Talleres Gon-Gar | NUA Arquitectures [:gl]Rehabilitación e ampliación dos Obradoiros Gon-Gar | NUA Arquitectures [:en]Rehabilitation and extension of the Gon-Gar Garage | NUA Arquitectures [:]

[:es]

Rehabilitación y ampliación de los Talleres Gon-Gar NUA Arquitectures o1

El proyecto de ampliación y rehabilitación de Talleres Gon-Gar reorganiza un clúster industrial de crecimiento orgánico formado por dos naves industriales y la vivienda de la propiedad, que configuran esta empresa de reparación de maquinaria agrícola. El conjunto está insertado des de hace casi 50 años en el centro de la trama urbana compacta de Benissanet, una pequeña población de escasamente 1.200 habitantes de esencia rural y agrícola, ubicada en el margen derecha del curso bajo del río Ebro.

El proyecto se compone de la transformación de una nave preexistente abandonada en edificio de oficinas (Nave B2), y la construcción de una nueva nave industrial diáfana adosada a la anterior que se utilizará como taller mecánico y zona de exposición productos (Nave B3). La reubicación de las oficinas en el centro del clúster y la construcción del nuevo taller ha permitido multiplicar la conectividad interna del conjunto y mejorar la calidad de vida laboral de sus trabajadores, aumentando la superficie útil en 938m², definiendo un total de 2.610m².

Urbanísticamente la recuperación de la nave preexistente y la construcción del nuevo taller industrial interrelacionan el conjunto con el entorno, compuesto fundamentalmente por viviendas unifamiliares entre medianeras de PB+2 con cubierta a dos aguas dispuestas rítmicamente cada 5m. El proyecto configura el nuevo frente urbano del clúster con la definición de un nuevo perímetro de fachada en esquina orientado al sur y al este que responde a las necesidades y características de su espacio interior y, simultáneamente, a su inserción y adaptación al paisaje urbano.

Dos estrategias, un sólo proyecto.

El proyecto se concibe pues como una doble intervención de características muy distintas.

La transformación de la nave antigua se materializa a través de distintas acciones puntuales que dialogan con las preexistencias como la formalización de un nuevo doble espacio, la apertura de nuevas ventanas y de nuevos lucernarios que mejoran las condiciones lumínicas y espaciales de la nave, y la construcción de algunas estructuras ligeras de madera para definir los despachos privados y el mobiliario. Vaciar, recortar e insertar intentando conservar la esencia de la construcción original.

Por otro lado, el nuevo taller se concibe como una nave diáfana de 625m² de nueva construcción que se adapta a los límites de su parcela trapezoidal mediante una estructura ligera triangulada de celosías y vigas de acero soportada por pilares perimetrales. El entramado estructural que sostiene la cubierta integra una serie de lucernarios triangulares orientados al norte que permiten iluminar el espacio interior de manera natural. La sensación de ligereza del espacio interior de la nave contrasta con un exterior más rotundo y contextualizado que pretende adaptarse al lugar.

Pese a tratarse de dos piezas muy distintas con carácter propio, una de las claves del proyecto ha sido la búsqueda de la continuidad, el diálogo y la coherencia entre las dos construcciones y su relación con los elementos preexistentes y con el paisaje urbano.

En primer lugar, se ha concebido la estructura principal del nuevo taller siguiendo los ejes principales de la estructura de la nave existente. La conservación de la dirección y el módulo de la estructura de la nave antigua ordena y vincula los dos edificios y a la vez permite resolver de la misma forma el lado oblicuo del trapecio, absorbiendo la deformación geométrica en el tramo estructural de la fachada principal.

Por otro lado, funcionalmente los dos edificios quedan comunicados por el interior en planta baja gracias a la apertura de nuevas conexiones en lugares estratégicos que permiten la circulación de maquinaria y productos entre las distintas naves del conjunto. A la vez, a nivel de planta primera, el nuevo taller incorpora un altillo materializado con madera contralaminada que alberga la nueva sala de reuniones de la empresa. Esta sala, que se contrapone al vaciado del doble espacio de la nave existente desde donde es accesible en planta primera, funde los dos edificios y se manifiesta en la exterior a través de un gran lucernario que ilumina uno de los espacios más representativos del conjunto y pretende vincular volumétricamente las dos edificaciones.

Finalmente, la reinterpretación de las reglas geométricas y compositivas tradicionales del tejido urbano residencial de Benissanet permite integrar y establecer la continuidad urbana necesaria entre el nuevo taller, la nave existente y el entorno. Las dimensiones de las crujías estructurales, el ritmo de las vertientes de la cubierta y del perfil de la fachada lateral, la dimensión, situación, y proporción de los huecos, y el tratamiento textil de los muros de termoarcilla revestidos parcialmente con mortero de cal específicamente texturizado pretenden modular, desfragmentar, e integrar el nuevo volumen de aproximadamente 20x30m de lado en la morfología urbana existente.

Obra: Rehabilitación y ampliación de los Talleres Gon-Gar.
Autor: NUA arquitectures (Ferran Tiñena, Arnau Tiñena, Maria Rius).
Arquitecta técnica: Teresa Arnal.
Cálculo estructural: Windmill Structural Consultants SLP.
Empresa constructora: Germans Llarch SL.
Estructura: Maifersa SL.
Año: 2017.
Situación: Benissanet, Tarragona.
Superfície: 938m²
Presupuesto: 454€/m²
Fotografías: Adrià Goula
+ nuaarquitectures.com[:gl]

Rehabilitación y ampliación de los Talleres Gon-Gar NUA Arquitectures o1

O proxecto de ampliación e rehabilitación de Obradoiros Gon-Gar reorganiza un clúster industrial de crecemento orgánico formado por dúas naves industriais e a vivenda da propiedade, que configuran esta empresa de reparación de maquinaria agrícola. O conxunto está inserido deas de hai case 50 anos no centro da trama urbana compacta de Benissanet, unha pequena poboación de escasamente 1.200 habitantes de esencia rural e agrícola, situada na marxe dereita do curso baixo do río Ebro.

O proxecto componse da transformación dunha nave preexistente abandonada en edificio de oficinas (Nave B2), e a construción dunha nova nave industrial diáfana encostada á anterior que se utilizará como taller mecánico e zona de exposición produtos (Nave B3). A recolocación das oficinas no centro do clúster e a construción do novo taller permitiu multiplicar a conectividade interna do conxunto e mellorar a calidade de vida laboral dos seus traballadores, aumentando a superficie útil en 938 m², definindo un total de 2.610 m².

Urbanisticamente a recuperación da nave preexistente e a construción do novo taller industrial interrelacionan o conxunto coa contorna, composto fundamentalmente por vivendas unifamiliares entre medianeiras de PB+2 con cuberta a dúas augas dispostas rítmicamente cada 5m. O proxecto configura a nova fronte urbana do clúster coa definición dun novo perímetro de fachada en esquina orientado ao sur e ao leste que responde as necesidades e características do seu espazo interior e, simultaneamente, á súa inserción e adaptación á paisaxe urbana.

Dúas estratexias, un só proxecto.

O proxecto concíbese pois como unha dobre intervención de características moi distintas.

A transformación da nave antiga materialízase a través de distintas accións puntuais que dialogan coas preexistencias como a formalización dun novo dobre espazo, a apertura de novas xanelas e de novos lucernarios que melloran as condicións lumínicas e espaciais da nave, e a construción dalgunhas estruturas lixeiras de madeira para definir os despachos privados e o mobiliario. Baleirar, recortar e inserir tentando conservar a esencia da construción orixinal.

Doutra banda, o novo taller concíbese como unha nave diáfana de 625 m² de nova construción que se adapta aos límites da súa parcela trapezoidal mediante unha estrutura lixeira triangulada de celosías e vigas de aceiro soportada por alicerces perimetrais. O armazón estrutural que sostén a cuberta integra unha serie de lucernarios triangulares orientados ao norte que permiten iluminar o espazo interior de maneira natural. A sensación de lixeireza do espazo interior da nave contrasta cun exterior máis rotundo e contextualizado que pretende adaptarse ao lugar.

A pesar de tratarse de dúas pezas moi distintas con carácter propio, unha das claves do proxecto foi a procura da continuidade, o diálogo e a coherencia entre as dúas construcións e a súa relación cos elementos preexistentes e coa paisaxe urbana.

En primeiro lugar, concibiuse a estrutura principal do novo taller seguindo os eixos principais da estrutura da nave existente. A conservación da dirección e o módulo da estrutura da nave antiga ordena e vincula os dous edificios e á vez permite resolver da mesma forma o lado oblicuo do trapecio, absorbendo a deformación xeométrica no tramo estrutural da fachada principal.

Doutra banda, funcionalmente os dous edificios quedan comunicados polo interior en planta baixa grazas á apertura de novas conexións en lugares estratéxicos que permiten a circulación de maquinaria e produtos entre as distintas naves do conxunto. Á vez, a nivel de planta primeira, o novo taller incorpora un altillo materializado con madeira contralaminada que alberga a nova sala de reunións da empresa. Esta sala, que se contrapón ao baleirado do dobre espazo da nave existente desde onde é accesible en planta primeira, funde os dous edificios e maniféstase na exterior a través dun gran lucernario que ilumina un dos espazos máis representativos do conxunto e pretende vincular volumétricamente as dúas edificacións.

Finalmente, a reinterpretación das regras xeométricas e compositivas tradicionais do tecido urbano residencial de Benissanet permite integrar e establecer a continuidade urbana necesaria entre o novo taller, a nave existente e a contorna. As dimensións das crujías estruturais, o ritmo das vertentes da cuberta e do perfil da fachada lateral, a dimensión, situación, e proporción dos ocos, e o tratamento téxtil dos muros de termoarcilla revestidos parcialmente con morteiro de cal especificamente texturizado pretenden modular, desfragmentar, e integrar o novo volume de aproximadamente 20×30 m de lado na morfoloxía urbana existente.

Obra: Rehabilitación e ampliación dos Obradoiros Gon-Gar.
Autor: NUA arquitectures (Ferran Tiñena, Arnau Tiñena, Maria Rius).
Arquitecta técnica: Teresa Arnal.
Cálculo estructural: Windmill Structural Consultants SLP.
Empresa constructora: Germans Llarch SL.
Estructura: Maifersa SL.
Ano: 2017.
Situación: Benissanet, Tarragona.
Superfície: 938m²
Presuposto: 454€/m²
Fotografías: Adrià Goula
+ nuaarquitectures.com[:en]

Rehabilitación y ampliación de los Talleres Gon-Gar NUA Arquitectures o1

The project of extension and rehabilitation of Workshops Gon-Gar reorganizes an industrial clúster of organic growth formed by two industrial ships and the housing of the property, which form this company of repair of agricultural machinery. The set is inserted des of almost 50 years ago in the center of the urban compact plot of Benissanet, a small population of scantily 1.200 inhabitants of essence rural and agricultural, located in the margin right of the low course of the river Ebro.

The project consists of the transformation of a preexisting ship left in office block (Ship B2), and the construction of a new industrial diaphanous ship attached to the previous one that will be in use as mechanical workshop and zone of exhibition products (Ship B3). The relocation of the offices in the center of the clúster and the construction of the new workshop has allowed to multiply the internal connectivity of the set and to improve the quality of labor life of his workers, increasing the useful surface in 938m², defining a total of 2.610m².

Urbanistically the recovery of the preexisting ship and the construction of the new industrial workshop interrelate the set with the environment, composed fundamentally by one-family housings between dividing of PB+2 with cover to two waters arranged rhythmically every 5m. The project forms the new urban front of the clúster with the definition of a new perimeter of front in corner orientated in the southern part and in the eastern part that answers to the needs and characteristics of his interior space and, simultaneously, to his insertion and adjustment to the urban landscape.

Two strategies, one only project.

The project is conceived so as a double intervention of very different characteristics.

The transformation of the ancient ship materializes across different punctual actions that they compose in a dialogue with the preexistences as the formalization of a new double space, the opening of new windows and of new lucernarios that improve the light and spatial conditions of the ship, and the construction of some light structures of wood to define the private offices and the furniture. To empty, to cut away and to insert trying to preserve the essence of the original construction.

On the other hand, the new workshop is conceived as a diaphanous ship of 625m² of new construction that adapts to the limits of his trapezoidal plot by means of a light structure triangulada of lattices and girders of steel supported by props perimetrales. The structural studding that supports the cover integrates a series of lucernarios triangular orientated in the northern part that allow to illuminate the interior space of a natural way. The sensation of lightness of the interior space of the ship confirms with a more round exterior and contextualizado that tries to adapt to the place.

In spite of treating itself about two very different pieces with own character, one of the keys of the project has been the search of the continuity, the dialog and the coherence between both constructions and his relation with the preexisting elements and with the urban landscape.

First, there has been conceived the main frame of the new workshop following the principal axes of the structure of the existing ship. The conservation of the direction and the module of the structure of the ancient ship arranges and links both buildings and simultaneously it allows to solve of the same form the oblique side of the trapeze, absorbing the geometric deformation in the structural section of the main face.

On the other hand, functionally both buildings remain communicated by the interior in ground floor thanks to the opening of new connections in strategic places that allow the traffic of machinery and products between the different ships of the set. Simultaneously, to level of the first plant, the new workshop incorporates a hillock materialized with counter laminated wood that shelters the new room of meetings of the company. This room, which is opposed to the emptying of the double space of the existing ship from where it is accessible in the first plant, fuses both buildings and one demonstrates in the exterior across a great lucernario that it illuminates one of the most representative spaces of the set and tries to link volumetrically both buildings.

Finally, the reintepretation of the geometric rules and compositivas traditional of Benissanet’s urban residential fabric it allows to integrate and to establish the urban necessary continuity between the new workshop, the existing ship and the environment. The dimensions of you them were squeaking structural, the pace of the slopes of the cover and of the profile of the lateral front, the dimension, situation, and proportion of the hollows, and the textile treatment of the walls of termoarcilla re-dressed partially in mortar of lime specifically texturized they try to modulate, to defragment, and to integrate the new volume of approximately 20x30m of side in the urban existing morphology.

Work: Rehabilitation and extension of the Gon-Gar Garage.
Author: NUA arquitectures (Ferran Tiñena, Arnau Tiñena, Maria Rius).
Technical Architect: Teresa Arnal.
Structural design: Windmill Structural Consultants SLP.
Construction company: Germans Llarch SL.
Structure: Maifersa SL.
Year: 2017.
Location: Benissanet, Tarragona.
Built area: 938m²
Budget: 454€/m²
Photography: Adrià Goula
+ nuaarquitectures.com[:]

[:es]IV PIAM. Espacios Comerciales Contemporáneos[:gl]IV PIAM. Espazos Comerciais Contemporáneos[:en]The IVth PIAM. Commercial Contemporary spaces[:]

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[:es]

IV PIAM. Espacios Comerciales Contemporáneos.

Tras el éxito de participación en ediciones anteriores, Matimex convoca un año más PIAM, el Premio Internacional de Arquitectura dedicado en esta ocasión a los Espacios Comerciales Contemporáneos.

La arquitectura siempre ha estado ligada al comercio: desde las primeras tiendas efímeras que se fueron asentando en plazas formando zocos hasta los grandes espacios comerciales actuales.  Nuestra sociedad, siempre en continua evolución, cada vez es más exigente. Ya no solo se trata de adquirir el producto, sino de vivir toda una experiencia de compra. Es por ello que se busca un diseño global que vaya más allá del producto y que se entienda como un todo junto a la marca, el espacio y las sensaciones que puedan experimentarse.

Este cambio de enfoque conlleva una evolución del espacio comercial ligada a estas nuevas necesidades del consumidor. Nuevos espacios comerciales para nuevas necesidades de los usuarios.

Planteamos proyectar un espacio o recuperar uno existente, cuyo diseño gire en torno al tema principal del concurso: “ComerciARQ. Espacios Comerciales Contemporáneos”.

La empresa, que forma parte de Iris Ceramica Group, quiere mostrar una vez más el apoyo al medioambiente con la recepción de estos proyectos y la constante evolución del concurso. Se tendrá en cuenta el uso del material con acabado Active Clean Air & Antibacterial Ceramic, así como la selección en el proyecto de cerámica con certificado LEED o BREEAM; también se valorará la calidad, originalidad, creatividad y buen uso y acondicionamiento de los productos del grupo.

Este premio va dirigido a profesionales y estudiantes del mundo de la arquitectura, arquitectura técnica, el diseño, el interiorismo, la ingeniería y cualquier perfil que se asemeje a estas características.

El jurado encargado de valorar los proyectos se compone de profesionales de gran reconocimiento a nivel internacional vinculados directamente con la arquitectura, el diseño y la sostenibilidad:

· Enric Batlle. Doctor Arquitecto, Director del Máster Universitario de Paisajismo UPC- MBLandArch. Socio fundador Batlle i Roig Arquitectura.

· Margarida Caldeira. Architect. Board Director EMEA Chair. Broadway Malyan

· Lucia Ferrater. Partner Architect OAB

· Diego Gronda. Arquitecto y diseñador. Fundador de Studio Gronda

· Josep Piñot. Ingeniero industrial. Director Retail Development Services CBRE

· Juan-Luis Grafulla. Consejero y Director General de Matimex.

· Dottoressa Federica Minozzi. Consejera Delegada de Iris Ceramica Group, Italia.

Los premios, entendidos en cantidades netas, que se otorgarán son los siguientes:

Categoría Profesionales:

· 1er premio: 3.000 €

· 2º premio: 1.000 €

· 1er accésit: sin remuneración económica

· 2º accésit: sin remuneración económica

Categoría estudiantes:

· 1er premio: 1.000 €

· 2º premio: 500 €

https://vimeo.com/253210942

La inscripción y entrega de proyectos comienza el 29 de enero y finaliza el 7 de mayo a través de la página web del concurso. Cualquier información relacionada con el mismo podrá consultarse en la web.

[:gl]

IV PIAM. Espacios Comerciales Contemporáneos.

Tras o éxito de participación en edicións anteriores, Matimex convoca un ano máis PIAM, o Premio Internacional de Arquitectura dedicado nesta ocasión aos Espazos Comerciais Contemporáneos.

A arquitectura sempre estivo ligada ao comercio: desde as primeiras tendas efémeras que se foron asentando en prazas formando zocos ata os grandes espazos comerciais actuais. A nosa sociedade, sempre en continua evolución, cada vez é máis esixente. Xa non só trátase de adquirir o produto, senón de vivir toda unha experiencia de compra. É por iso que se busca un deseño global que vaia máis aló do produto e que se entenda como un todo xunto á marca, o espazo e as sensacións que poidan experimentarse.

Este cambio de enfoque leva unha evolución do espazo comercial ligada a estas novas necesidades do consumidor. Novos espazos comerciais para novas necesidades dos usuarios.

Expomos proxectar un espazo ou recuperar un existente, cuxo deseño vire en torno ao tema principal do concurso: “ComerciARQ. Espazos Comerciais Contemporáneos”.

A empresa, que forma parte de Iris Ceramica Group, quere mostrar unha vez máis o apoio ao medioambiente coa recepción destes proxectos e a constante evolución do concurso. Terase en conta o uso do material con acabado Active Clean Air & Antibacterial Ceramic, así como a selección no proxecto de cerámica con certificado LEDE ou BREEAM; tamén se valorará a calidade, orixinalidade, creatividade e bo uso e acondicionamento dos produtos do grupo.

Este premio vai dirixido a profesionais e estudantes do mundo da arquitectura, arquitectura técnica, o deseño, o interiorismo, a enxeñería e calquera perfil que se asemelle a estas características.

O xurado encargado de valorar os proxectos componse de profesionais de gran recoñecemento a nivel internacional vinculados directamente coa arquitectura, o deseño e a sustentabilidade:

· Enric Batlle. Doutor Arquitecto, Director do Máster Universitario de Paisajismo UPC- MBLandArch. Socio fundador Batlle i Roig Arquitectura.

· Margarida Caldeira. Architect. Board Director EMEA Chair. Broadway Malyan

· Lucia Ferrater. Partner Architect OAB

· Diego Gronda. Arquitecto y diseñador. Fundador de Studio Gronda

· Josep Piñot. Inxeñeiro industrial. Director Retail Development Services CBRE

· Juan-Luis Grafulla. Conselleiro e Director Xeral de Matimex.

· Dottoressa Federica Minozzi. Conselleira Delegada de Iris Ceramica Group, Italia.

Os premios, entendidos en cantidades netas, que se outorgarán son os seguintes:

Categoría Profesionais:

· 1er premio: 3.000 €

· 2º premio: 1.000 €

· 1er accésit: sen remuneración económica

· 2º accésit: sen remuneración económica

Categoría estudiantes:

· 1er premio: 1.000 €

· 2º premio: 500 €

https://vimeo.com/253210942

A inscrición e entrega de proxectos comeza o 29 de xaneiro e finaliza o 7 de maio a través da páxina web do concurso. Calquera información relacionada co mesmo poderá consultarse na web.

[:en]

IV PIAM. Espacios Comerciales Contemporáneos.

Tras el éxito de participación en ediciones anteriores, Matimex convoca un año más PIAM, el Premio Internacional de Arquitectura dedicado en esta ocasión a los Espacios Comerciales Contemporáneos.

La arquitectura siempre ha estado ligada al comercio: desde las primeras tiendas efímeras que se fueron asentando en plazas formando zocos hasta los grandes espacios comerciales actuales.  Nuestra sociedad, siempre en continua evolución, cada vez es más exigente. Ya no solo se trata de adquirir el producto, sino de vivir toda una experiencia de compra. Es por ello que se busca un diseño global que vaya más allá del producto y que se entienda como un todo junto a la marca, el espacio y las sensaciones que puedan experimentarse.

Este cambio de enfoque conlleva una evolución del espacio comercial ligada a estas nuevas necesidades del consumidor. Nuevos espacios comerciales para nuevas necesidades de los usuarios.

Planteamos proyectar un espacio o recuperar uno existente, cuyo diseño gire en torno al tema principal del concurso: “ComerciARQ. Espacios Comerciales Contemporáneos”.

La empresa, que forma parte de Iris Ceramica Group, quiere mostrar una vez más el apoyo al medioambiente con la recepción de estos proyectos y la constante evolución del concurso. Se tendrá en cuenta el uso del material con acabado Active Clean Air & Antibacterial Ceramic, así como la selección en el proyecto de cerámica con certificado LEED o BREEAM; también se valorará la calidad, originalidad, creatividad y buen uso y acondicionamiento de los productos del grupo.

Este premio va dirigido a profesionales y estudiantes del mundo de la arquitectura, arquitectura técnica, el diseño, el interiorismo, la ingeniería y cualquier perfil que se asemeje a estas características.

El jurado encargado de valorar los proyectos se compone de profesionales de gran reconocimiento a nivel internacional vinculados directamente con la arquitectura, el diseño y la sostenibilidad:

· Enric Batlle. Doctor Arquitecto, Director del Máster Universitario de Paisajismo UPC- MBLandArch. Socio fundador Batlle i Roig Arquitectura.

· Margarida Caldeira. Architect. Board Director EMEA Chair. Broadway Malyan

· Lucia Ferrater. Partner Architect OAB

· Diego Gronda. Arquitecto y diseñador. Fundador de Studio Gronda

· Josep Piñot. Ingeniero industrial. Director Retail Development Services CBRE

· Juan-Luis Grafulla. Consejero y Director General de Matimex.

· Dottoressa Federica Minozzi. Consejera Delegada de Iris Ceramica Group, Italia.

Los premios, entendidos en cantidades netas, que se otorgarán son los siguientes:

Categoría Profesionales:

· 1er premio: 3.000 €

· 2º premio: 1.000 €

· 1er accésit: sin remuneración económica

· 2º accésit: sin remuneración económica

Categoría estudiantes:

· 1er premio: 1.000 €

· 2º premio: 500 €

https://vimeo.com/253210942

La inscripción y entrega de proyectos comienza el 29 de enero y finaliza el 7 de mayo a través de la página web del concurso. Cualquier información relacionada con el mismo podrá consultarse en la web.

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El vacío monumental de Nikola Dobrović | Jelena Prokopljević

Estado del conjunto, 2014
Estado del conjunto, 2014

En la primavera de 2014, se cumplieron quince años desde los ataques aéreos de la OTAN sobre Belgrado y de la destrucción parcial de lo que muchos arquitectos coincidirían en calificar como uno de los mejores ejemplos del modernismo socialista yugoslavo: El Cuartel General del Ejército Yugoslavo –Generalštab-, obra del arquitecto Nikola Dobrović (1897-1967). Fue construido entre 1956 y 1963 según el diseño ganador del concurso restringido de 1953 en el cual tomó parte, aunque en categoría especial, el maestro esloveno Josip Plečnik. El complejo se compone de dos bloques horizontales y un cuerpo vertical situados, en dos manzanas enfrentadas en uno de los cruces más transitados y céntricos de Belgrado, de las calles Nemanjina y Kneza Miloša.

A finales de la turbulenta década de los 90, el edificio fue identificado como el corazón de la maquinaria bélica del régimen de Slobodan Milošević y recibió varios impactos de ‘bombas inteligentes’. Desde entonces sus casi 80 mil metros cuadrados siguen en el estado ruinoso, en un limbo entre la destrucción y reconstrucción, un poco en la lista de patrimonio nacional y un poco fuera de ella, dependiendo de los intereses de los posibles inversores en su reconstrucción y reutilización.

El cuartel general es la única obra del arquitecto Dobrović en la capital. Forma parte del registro de docomomo-Serbia, no sólo como proyecto sino también por toda la polémica relacionada con su frustrada reconstrucción. Muy al estilo de las instituciones corruptas de Europa de Este, en 2005 fue incluido en la lista del patrimonio arquitectónico que obliga a la reconstrucción, pero tras alguna oferta importante de parte de inversores sauditas y teniendo en cuenta la enorme dificultad de la reconstrucción, se decidió excluirlo de esta lista para no entorpecer las negociaciones y asegurar los máximos ingresos.

Actualmente se está especulando en convertir a uno de los dos bloques en hotel de alta categoría e incluso se ha oído nombrar a la cadena de Donald Trump como posible interesado. Han sido estas especulaciones y sus posibles efectos sobre la forma del conjunto, que han movilizado a la comunidad de los arquitectos e historiadores de arte y arquitectura para tratar de encauzar y asegurar su correcta reconstrucción.

Entrada al edificio A
Entrada al edificio A

Nikola Dobrović es considerado uno de los maestros del modernismo yugoslavo. Educado en Praga y Budapest, fue seguidor de las ideas de las vanguardias con una especial sensibilidad centroeuropea. Su expresión se depuró en los años 30 en los proyectos de viviendas unifamiliares en Dubrovnik donde tuvo algún encargo importante como Hotel Grand. (Fotos) La arquitectura de Dobrović es arquitectura de masas, volúmenes, vacíos y sombras.

Con la introducción de la piedra roja tallada a la medida de las piedras de las murallas de Dubrovnik, sus obras adquirieron textura y un particular vínculo con el contexto mediterráneo. Las piedras también le proporcionaron la cuadricula orientadora de escala y proporción. En la época de auge constructivo de entreguerras, Dobrović intentó construir en la capital, Belgrado. En 1929 ganó el concurso para ordenar la plaza Terazije, centró histórico y neurálgico de la ciudad, una especie de terraza natural con vistas sobre el río Sava, que sin embargo nunca fue realizado.

La segunda guerra mundial y la paralela revolución socialista supusieron una vuelta de 180 grados del sistema político y económico y un importante cambio de posiciones y papeles en todos los niveles de la sociedad. Dobrović entró en la capital en el uniforme de Partisano y le fueron asignados puestos de responsabilidad: en el ministerio de construcción, arquitecto municipal de Belgrado, fundador y director del instituto de planificación urbana y dirigió el grupo para la planificación de la ambiciosa ampliación de la capital, la actual Nueva Belgrado.

Aun así sus proyectos se vieron revisados y suspendidos uno tras otro y él relevado de los cargos importantes en 1948, en la ola de desestalinización forzada, impulsada por Tito. Gracias a su trabajo docente en la Escuela de Arquitectura y a sus numerosas publicaciones – tanto o más que a sus obras construidas-, Dobrović ha sido uno de los principales impulsores de la modernidad yugoslava en la época que cambió radicalmente los supuestos sociales de la arquitectura.

El edificio Generalštab se compone alrededor del vació de la calle Nemanjina que separa los bloques A y B. Este vacío marca toda la composición: la orientación, la fachada principal y los volúmenes. Se impone como un eje de simetría que no es, forzando una torre de 18 plantas (los bloques A y B tienen 9) para equilibrar el conjunto. El vacío como centro de la composición, o como su inicio es el tema recurrente en la obra de Dobrović y precisamente en el proyecto de Generalštab lo intenta teorizar. Para hacerlo se inspira en los escritos del filósofo francés Henri Bergsson, de principios de siglo XX, conocido por sus teorías sobre el espacio, tiempo, vacío, instinto e intuición como motores para entender la realidad.

“Nuestro conocimiento se basa en la sucesión cinematográfica de estados estáticos definidos por nuestros propios intereses. Son ellos los que nos impiden reconocer la continuidad, el cambio constante y el flujo del tiempo. También son los intereses los que nos proporcionan la noción del vacío como ausencia de lo esperado o deseado.”

H. Bergson: La Evolución Creadora, 1907.

En 1960 Dobrović publicó su texto “Espacio en movimiento. Los esquemas dinámicos de Bergson. El nuevo entorno plástico” que interpreta las teorías de Bergson en clave arquitectónica. El constante movimiento y cambio del mundo se traslada a la arquitectura en el dinamismo de la composición de las masas y de los vacios. Los vacios son tratados como parte integral del proyecto y no como un negativo de la volumetría, añadiendo el contenido del materialismo dialéctico – a su vez tan presente en la vida política y en la retórica cotidiana- a la concepción del espacio. Dobrović dice:

“El papel mediador de las formas vacías o huecas en el sentido psicológico es muy importante. De la misma manera que una pausa entre dos motivos acústico-plásticos de Beethoven no es un corte, sino al contrario, una continuidad cuando el hombre con la calidad caleidoscópica de su adaptabilidad psicológica se prepara para una nueva serie de percepciones y emociones, diferentes entusiasmos y pasiones, desde la risa hasta el sueño ligero; lo mismo ocurre con la ‘macroarquitectura’ del espacio urbano y suburbano.”

Las tensiones visuales entre los volúmenes que forman parte de la composición –los edificios A y B en el caso de Generalštab- materializan al vacío, que a su vez, aligera a las masas. Cuando habla del espectador y usuario del edificio, tiene en cuenta al hombre urbano que no percibe al entorno como una imagen estática, sino en movimiento continuo: la experiencia del espacio es una película y de acuerdo con ello compone su última gran obra. El espacio se organiza en base del movimiento, tanto el exterior como el interior y éste es horizontal, vertical o inclinado. Así los núcleos comunicativos no son elementos residuales de la funcionalidad, sino tienen su autonomía en la planta y en el alzado.

Esta continuidad de movimiento, la plasticidad y el dinamismo de las formas del complejo, provocaron una serie de oposiciones y malos entendidos entre el autor, las autoridades militares y algunos críticos de arquitectura. Partes de la composición, como volúmenes de entrada de la calle Nemanjina que Dobrovic defendía como dinamizadores, se interpretaban como excesivos o formalistas. El citado texto teórico sobre el espacio en movimiento se publicó precisamente como respuesta a estas polémicas. El espacio en movimiento, la plasticidad de la forma y la inclusión del vacío en la composición arquitectónica influyeron a la obra de muchos arquitectos yugoslavos.

Estado original del edificio B
Estado original del edificio B

Esta teorización de los principios que resume una gran parte de la obra de Dobrović, fue sin embargo sólo un lado de interpretación de este importante complejo arquitectónico y urbanístico. Más extendida popularmente fue la interpretación simbólica donde los dos volúmenes acabados en piedra roja, inclinados en las dos aceras de la calle Nemanjina como si fueran el cañón del río Sutjeska, lugar de una de las batallas decisivas de la II Guerra Mundial en el territorio yugoslavo. La batalla tuvo lugar en 1943 en la parte sudoriental de Bosnia y Herzegovina (actual república Serbia) y forma un capítulo importante en el imaginario revolucionario. Es el lugar del conocido complejo monumental de Miodrag Živković (1971) y fue tema de la película más cara de la cinematografía yugoslava donde el papel de Tito fue interpretado por (ni más ni menos) Richard Burton.

Monumento a la batalla de Sutjeska de Miodrag Živković
Monumento a la batalla de Sutjeska de Miodrag Živković

El patrimonio arquitectónico de la época socialista ha tenido una suerte desigual en las décadas posteriores a la vuelta al capitalismo. El abandono de la ideología comunista, el cambio radical de la retórica de los líderes políticos, sociales y de los medios de comunicación, a menudo se superpone y ofusca a otros factores quizás más decisivos en la desconexión de algunos edificios de la vida urbana. En el caso de Generalštab, aparte de los enormes costes de la reconstrucción, están los temas del uso, de la viabilidad de miles de metros cuadrados de oficinas, de la propiedad y responsabilidad sobre el complejo compartida entre la autoridad militar (en proceso de transformación) y el ayuntamiento, etc… Ciertamente, aquel contenido retórico revolucionario no ayuda a que los nuevos gobiernos, muy dependientes del voto nacionalista, opten por defender una obra de calidad evidente e importancia monumental para la identidad arquitectónica de Belgrado.

La destrucción, abandono y olvido selectivo han sido inseparables de la modernidad. Los constructivistas declararon la muerte al arte (Aleksei Gan, 1922) para construir la nueva creatividad quemando el camino de detrás (Kazimir Malévich, 1919), mientras que los socialistas de la posguerra cortaron (sobre todo retóricamente) las relaciones con las formas y representaciones del pasado capitalista, buscando la nueva identidad, funcionalidad y apariencia para las ciudades socialistas. Los estudios para la Gran Belgrado del mismo Dobrović realizados en 1946, y su proyecto para el centro de Nueva Belgrado tenían estas connotaciones, cambiando radicalmente la escala y los referentes urbanos junto con la calidad y la percepción del espacio construido. En este sentido, el acto de destruir o de no reconstruir, no es un acto incoherente con la modernidad.

Cartel de la película Sutjeska con Richard Burton en papel de Tito
Cartel de la película Sutjeska con Richard Burton en papel de Tito

En relación con el debate sobre la reconstrucción o derribo de los edificios de Generalštab hay un consenso entre los arquitectos que se debe conservar la totalidad de de sus características exteriores. También se han oído peticiones de que la reconstrucción incluya de alguna manera el recuerdo a la destrucción de fin de siglo. En plena guerra de Bosnia, en 1993, Lebbeus Woods conmocionado por la destrucción generalizada de Sarajevo publicó su “Arquitectura y guerra” en que explicó las 20 tácticas y una estrategia para la reconstrucción. Aunque tratan principalmente el tema de tejido urbano, algunas de ellas se podrían considerar como base teórica para una reconstrucción inclusiva de los diferentes significados que acumula el edificio.

Entre ellas: atender a la paradoja –cuestionar e incluso olvidar las tipologías existentes por anacrónicas y limitadoras e insistir en la manifestación de paradoja buscando la realización de ideas y soluciones contradictorias-; hacer decisiones de segundo orden –más que seguir las reglas de diseño existentes o de primer orden el arquitecto debería crear las reglas de la reconstrucción o hacer arquitectura de la arquitectura-; reciclar y reformar; construir arquitectura como si nunca se hubiera dibujado; crear tejido y no monumentos; ser políticos y no ideológicos.

Lebbeus Woods reconstrucción del parlamento de Bosnia y Herzegovina del arquitecto Juraj Neihardt, 1955
Lebbeus Woods reconstrucción del parlamento de Bosnia y Herzegovina del arquitecto Juraj Neihardt, 1955

Jelena Prokopljevic. Doctora Arquitecta
Barcelona. Junio 2014

Notas:

Fotos de 2008 y 2014 – Jelena Prokopljević

Obra de Nikola Dobrović, y esquemas de tensiones visuales y foto del estado original: Miloš Perović, Spasoje Krunić: Nikola Dobrović: eseji, projekti, kritike. Arhitektonski fakultet i Muzej arhitekture, Beograd, 1998.

Planos del edificio A: Marko Matejić: Prilog proučavanju zgrade Generalštaba arhitekte Nikole Dobrovića: koncept i iskustvo prostora. Spomeničko nasleđe, Beograd

Monumento a la batalla de Sutjeska: Jan Kampenaers 

Reconstrucción del parlamento de Bosnia: Lebbeus Woods. 

Arquitectura y lógica ecosistémica | Miquel Lacasta

Graphical visualization of text similarities | visualcomplexity.com
Graphical visualization of text similarities | visualcomplexity.com

Podríamos pensar que el modelo mimético de la arquitectura con la naturaleza no tiene hoy ninguna vigencia o que no es pertinente para pensar la arquitectura. Podríamos decir que los avances científicos y todas sus formulaciones tienen escasos vínculos con el quehacer de un arquitecto y que lejos de ocupar un espacio central en la reflexión de la arquitectura contemporánea, la idea misma de complejidad no es más que un intento de construir una coartada intelectual a un oficio que en realidad solo está destinado a diseñar edificios o ciudades.

Sin embargo sería algo más lógico pensar si las aportaciones de las ciencias de la complejidad son determinantes para formalizar el supuesto paradigma de la complejidad que aquí se diserta. Por ello antes de dar un repaso general a las diferentes formulaciones científicas que circundan este cuerpo de conocimiento de gran influencia en la arquitectura actual me parece interesante seguir la argumentación de Carlos Grillo en la tesis, La Arquitectura y la Naturaleza Compleja: Arquitectura, Ciencia y Mimesis a finales del Siglo XX para fijar la importancia y la pertinencia de las ciencias de la complejidad en la definición de la naturaleza compleja de la arquitectura.

Mi pretensión es que si asumimos el carácter de espejo reflectante que la naturaleza ha tenido en la concepción de la arquitectura desde el principio de la historia y entendemos las aportaciones del conjunto de teorías que conforman las ciencias de la complejidad en la comprensión de lo natural en la actualidad, entenderemos la posición de centralidad de tales teorías en el debate contemporáneo de la arquitectura y por tanto será especialmente pertinente entender en qué momento histórico cristaliza esa idea de complejidad en la reflexión arquitectónica.

Siguiendo la estela de Grillo en su disertación de la tesis referenciada, sintetizaré a continuación varios puntos de interés acerca de las aportaciones de las ciencias de la complejidad.

1.- La ciencia como un conocimiento continuo

La idea de conocimiento continuo, que en arquitectura ya había sido argumentada por Eisenman en su tesis doctoral, curiosamente también forma parte de la lógica del pensamiento científico.

La ciencia ha estado siempre inmersa en una dinámica evolutiva, cuya historia se puede leer como un proceso continuo de conocimiento e interpretación. Esta constatación del carácter de continuidad del pensamiento científico es en principio independiente de la noción de complejidad. Sin embargo como argumenta Grillo:

«no obstante, esta noción de continuidad gana una nueva dimensión en las ciencias de la complejidad, al presentarnos un universo esencialmente dinámico y activo, que evoluciona hacia crecientes niveles de complejidad».1

Es decir, más que simplemente evolucionar, las ciencias de la complejidad impulsan un conocimiento de la naturaleza mucho más profundo pero a la vez mucho más complejo, y debido a ello ponen en evidencia la permanente novedad como proceso necesario y también la ignorancia frente a los misterios de la naturaleza, tal como recuerda Ilya Prigogine:

«siempre pensé que la ciencia era un diálogo con la naturaleza. Como en todo diálogo genuino, las respuestas suelen ser inesperadas».2

2.- Una nueva imagen de la naturaleza

Las ciencias de la complejidad describen una naturaleza extraordinariamente diferente de la visión que se tenía de ella hace un siglo. La naturaleza según las teorías circunscritas en las ciencias de la complejidad, dibujan una imagen compuesta por sistemas abiertos, dinámicos, autoorganizados, creativos, azarosos, etc. Un mundo de posibilidades y opciones en los que se imponen la indeterminación, la incertidumbre y la imprevisibilidad.

Por otro lado un aspecto importante de las ciencias de la complejidad es la capacidad para afectar al comportamiento de lo viviente y a todo sistema dinámico, físico o social que interactúa con un entorno, afectando desde la descripción de los movimientos imprevisibles de la bolsa o de un torbellino, la organización de células o de grupos sociales, o hasta el comportamiento de los átomos y los cuerpos celestes. En definitiva las ciencias de la complejidad afectan transversalmente a toda la concepción clásica de la naturaleza e instauran un nuevo orden complejo en el reino de lo natural que reformula la geometría de la naturaleza frente a la geometría de los individuos.

3.- La compleja naturaleza humana

La asunción de la complejidad del universo liderada por la indeterminación, la incertidumbre y la imprevisibilidad, supone un cambio radical no solamente en la visión holística del mundo donde vivimos, sino más allá incluso, implica una transformación de la esencia cultural del YO como ser humano, habituado a edificar su identidad sobre el sustrato determinista y reduccionista propio de la modernidad.

El hombre no ha dejado atrás una concepción medievalista o renacentista de sí mismo, sino que en el momento de aceptar la complejidad con todas sus consecuencias, deja atrás una parte importante de la concepción moderna de sí mismo y se adentra en una lógica guiada por un comportamiento imprevisible, no-lineal y creativo, al igual que ocurre con el resto del universo.

Esta nueva naturaleza del ser humano ha sido defendida por pensadores como Edgar Morin3 que asume que todo individuo, la sociedad y la empresa, son máquinas no triviales. Morin define como trivial una máquina de la que, cuando conocemos todos sus inputs, conocemos todos sus outputs; podemos predecir su comportamiento desde el momento que sabemos todo lo que entra en la máquina.

Si bien una parte de nuestro comportamiento es predecible y funcionaria más bien como una máquina trivial, debido a que la vida social exige que nos comportemos como máquinas triviales, es cierto que nosotros no actuamos como puros autómatas, sino que buscamos medios no triviales desde el momento que constatamos que no podemos llegar a nuestras metas.

Lo importante es lo que sucede en momentos de crisis, en momentos de tomar decisiones, en los que la máquina se vuelve no trivial: actúa de una manera que no podemos predecir. Todo lo que concierne al surgimiento de lo nuevo es no trivial y no puede ser predicho por anticipado.

Es en este sentido que Morin sostiene que el ser humano ha entrado en un ámbito que ha superado por completo la noción de modernidad, entendida como aquella estructura cultural reduccionista y determinista de la que hablábamos antes y por tanto predecible, y por consiguiente, debemos considerar que el individuo contemporáneo ha entrado de lleno en un nuevo tiempo, el tiempo de la nueva naturaleza humana.

Otra de las características de la nueva naturaleza humana es la cultura red en la que estamos inmersos, frente a la cultura malla de la que proveníamos. Esta interesante idea la desarrolla Mark Taylor4 afirmando que el contraste entre mallas y redes clarifica la transición que hemos sufrido desde la guerra fría hasta hoy.

La guerra fría se diseñó para mantener la estabilidad a través de la simplificación de complejas relaciones y situaciones en la forma de una malla de opuestos clara y precisa: Este/Oeste, Derecha/Izquierda, Capitalismo/Comunismo, etc. Este era un mundo en que los muros, los límites, parecían proveer de seguridad.

Sin embargo no hay mallas ni muros que puedan proteger del crecimiento en red. En el momento que la red empezó a crecer, todo empezó a cambiar. La nueva economía desplazó la existente y un nuevo orden mundial apareció en el horizonte.

La cultura en red conecta, enzarza a todo el mundo en múltiples y mutantes conexiones de manera que uno se define a partir de ellas. A medida que las conexiones proliferan, los cambios se aceleran llevándolo todo hasta el límite del caos en tanto que nadie tiene realmente el control.

Sin embargo hoy sabemos que el caos es simplemente la incapacidad de determinar las complejas estructuras de orden que operan en una situación.

En realidad hemos entrado en una nueva naturaleza en la que sistemas autoorganizados emergen para crear nuevas pautas de coherencia y estructuras de relación. Eso es la cultura red.

Por último la definición de esta nueva naturaleza humana viene conformada por la unión de opuestos, idea que Richard Tarnas desarrolla en su libro La pasión de la mente occidental.5

El libro es una historia del pensamiento occidental, desde los filósofos clásicos griegos hasta el mundo contemporáneo, que goza de varias virtudes. La primera: la deslumbrante claridad expositiva, tanto de las ideas que se han desarrollado en la cosmovisión occidental como en la visión panorámica que las va entrelazando. Segundo, la amenidad y el dinamismo de la exposición de esta sucesión de concepciones cosmológicas a lo largo del libro. Y también está la coherencia en el desarrollo y la sucesión de formas de pensamiento a lo largo de nuestra historia, desde los arquetipos platónicos a la concepción cristiana del mundo, para pasar luego al Renacimiento, la Ilustración, la ciencia, el racionalismo y el mecanicismo del mundo contemporáneo.

En cierta manera lo que intenta subrayar Tarnas es la emancipación de la conciencia, en el transcurso de los siglos, en relación al mundo mítico; desde una participación mística con el Universo, a una percepción y análisis del lo concreto en el mundo moderno. La emergencia del pensamiento autónomo, fáustico y prometeico… pagando por ello un elevado precio: la separación de la conciencia humana en relación al todo existente.

Uno de los aspectos más interesantes del libro es su Epílogo, en el que el autor aporta la visión de un posible desarrollo de la concepción cosmológica contemporánea, hacia la ecología, hacia una nueva concepción de lo femenino y hacia el re-encantamiento del mundo. En cierta manera el desarrollo de la concepción intelectual durante los dos últimos milenios ha sido patriarcal, lineal, progresiva y prometeica, lo que ha llevado tanto a ganancias como a pérdidas. Ante ello Tarnas sugiere una reunión con los opuestos: un reencuentro con lo cíclico, lo femenino y lo participativo. Esa es la nueva naturaleza del mundo y por tanto la nueva naturaleza del individuo.

4.- Una nueva alianza con la naturaleza, un nuevo devenir biológico

Para Ilya Prigogine e Isabelle Stengers, La Nouvelle Alliance6 es un alegato contra la dicotomía entre la razón y la vida. A esta pareja sustancial, tradicionalmente entendida como una oposición, los autores la consideran como una herencia innecesaria de la ciencia clásica, sin ninguna correspondencia con la ciencia contemporánea. Desde una profunda convicción, Prigogine y Stengers se declaran enemigos de todo entendimiento científico que haga al ser humano sentirse extraño en el cosmos, y proponen, como idea-fuerza, el establecimiento de una alianza nueva entre el ser humano y la naturaleza, basada en la ciencia de finales del siglo XX, para sustituir con ella a la antigua ciencia rota por una interpretación errónea del siglo XIX.

Como es lógico pensar, el planteamiento que hacen los autores no excluye las explicaciones deterministas de la mecánica clásica, pero consideran imprescindibles ampliarlas con una concepción de la naturaleza indeterminista.

Podríamos decir que el comportamiento complejo que caracteriza los sistemas dinámicos es un síntoma característico de lo viviente y que las ciencias de la complejidad encuentran en la vida, a la vez que su mayor desafío, su principal esencia, lo que se plantea esa nueva conexión con lo natural por parte de las ciencias.

En realidad esta propuesta de aliarnos de nuevo con la naturaleza y no sentirnos fuera de ella sino asumir que el ser humano también es naturaleza, se fundamenta en dos ámbitos complementarios. Por un lado esta concepción se crea a partir de la identificación de las similitudes entre la naturaleza del hombre y la naturaleza natural.

Como hemos visto en el punto anterior, la esencia del hombre se entiende como un sistema dinámico, con comportamientos parecidos a una máquina no trivial, y con la necesidad de re-encontrarse con el lado más telúrico, más animal del ser humano, para empezar a razonar desde allí con nuevos instrumentos y nuevas capacidades. El individuo asume su papel en el universo, en primer lugar como parte del universo, y no como cuerpo extraño en él.

Por fin aceptamos que funcionamos con innumerables similitudes en relación con todo el universo natural, lo que acentúa la idea de mutua identidad. Además las teorías de la auto-organización desvelan la inexorabilidad y la importancia de la interacción entre sistemas para su supervivencia y para explotar todo el potencial evolutivo, lo que vale tanto para sistemas biológicos, sistemas físicos y sistemas sociales, desde la escala celular, hasta la escala planetaria.

Por otro lado, el otro fundamento que propone esta nueva alianza es el reconocimiento de la dependencia que como seres humanos tenemos del medio o mejor dicho del sistema natural. Para ser sinceros, lo que en verdad ha ocurrido es que todo el proyecto de conocimiento y sometimiento de la naturaleza llevado a cabo durante el siglo XIX y el XX se nos ha vuelto en contra. Hemos caído por fin en la cuenta que la única posición posible como especie en el planeta, no es luchar contra la naturaleza, sino aliarnos con ella y para ello hay que primero asumir nuestra dependencia, o mejor dicho nuestra interdependencia con ella.

Para la física clásica el observador se situaba en una posición desencarnada sobre el objeto descrito, algo así como una posición de sobrevuelo. En la objetividad científica tradicional estaba implícita una voluntad de dominio para la cual el mundo estaba separado de nosotros. Hoy, las demostraciones de imposibilidad, en la teoría de la relatividad, en la mecánica cuántica o en la dinámica, nos han enseñado que no se puede describir la naturaleza desde el exterior, como meros espectadores. La descripción es una comunicación y está sometida a ligaduras muy generales que la física puede aprender a reconocer porque nos identifican como seres situados en el mundo físico.

Cuando se trata de descripciones de sistemas complejos, vivos y sociales, una descripción desde lo alto, está totalmente excluida. Prigogine nos habla del reencantamiento de la naturaleza: sostiene que siendo seres temporales y espontáneamente creados, formamos parte integral del movimiento temporal y espontáneamente organizado de la naturaleza, en vez de ser un accidente poco probable.7

Tanto el hecho de asumir nuestra naturaleza natural como seres humanos, y la asunción de nuestra relación interdependiente con la naturaleza son consideraciones que encuentran y formatean un nuevo devenir ecológico, una nueva lógica de lo ecosistémico.

Esta lógica de lo ecosistémico, o podríamos decir también, la lógica de una interdependencia radical con el medio, entendido este como medio natural, como medio social y como medio cultural, es hoy central en la arquitectura contemporánea. Hacer arquitectura hoy es desarrollar un conjunto complejo e interdependiente de razonamientos que den estructura y legitimen nuestras decisiones. Solamente desde ese esfuerzo por asumir la complejidad que ello comporta, podremos legitimar nuestro papel en la sociedad a la que servimos.

Miquel Lacasta. Doctor arquitecto
Barcelona, abril 2013

Notas:

1 GRILLO, Carlos D., La Arquitectura y la Naturaleza Compleja: Arquitectura, Ciencia y Mimesis a finales del Siglo XX, UPC Departament de Composició Arquitectònica, tesis doctoral dirigida por Dra. Marta Llorente, Barcelona 2005, p. 182.

2 PRIGOGINE, Ilya, El fin de las certidumbres, Andrés Bello, Santiago de Chile, 1996 A, p. 63

3 Estas ideas han sido argumentadas en MORIN, Edgar, Introducción al pensamiento complejo, Gedisa, Barcelona, 2000.

4 Pueden seguirse sus argumentaciones en el interesante TAYLOR, Mark, The moment of Complexity. The emerging network culture, University of Chicago Press, Chicago, 2001.

5 TARNAS, Richard, La pasión de la mente Occidental, Atalanta, Girona, 2008

6 PRIGOGINE, Ilya, y STENGERS, Isabelle, La Nouvelle Alliance, Gallimard, París, 1986.

7 Ver RIERA, Elba del Carmen, La complejidad: Consideraciones Epistemológicas y Filosóficas, ponencia en el Twentieth World Congress of Philosophy, celebrado en Boston, del 10 al 15 de Agosto de 1998.