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Un orden hecho de tejidos | Mario Desaulo Pérez

“A la luz del sol, portón cortado por la sombra;
Y luego el aire facetado”
Ezra Pound

El hombre se valió del orden para sustentar su comprensión del mundo y mediante él reclamar un control. Su método más eficaz topológicamente es la geometría. Esta a su vez nos acerca a un cuerpo-materia mas sin embargo encontramos un vacío oculto en la mente; un deseo.

Antes de que todo existiese había un “abismo absoluto”, después la interacción de la criatura con esa “nada”. Por premisa epistemológica es el orden un desorden. Una alteración de quien lo intervino. Los pensamientos irracionales se tornan racionales al encausarlos al reino del mundo físico. Su anhelo como representación lo procesa y de allí se deriva la arquitectura.

El orden es sujetarse a un pensamiento bajo un criterio. En el bagaje del arquitecto estadounidense Frank Lloyd Wright abundan órdenes, del que se quiere referir es el de su etapa temprana (última década de 1800 y las casi tres primeras de 1900).

Un manto flotante que envuelve al edificio a manera de textura, esa capa que se adhiere como dialecto del tiempo. El pasado se hace presente con un lenguaje material moderno.

Ingreso de luz Madison Millard House, California EUA.
Fuente: In the nature of materials. The buildings of Frank Lloyd Wright-1887-1941 by Henry-Russell Hitchcock. Duell sloan and pearce.
De la última parte del libro: illustrations. illustration 253.Mrs.George Madison Millard House,645 prospect crescent,Pasadena, cal. Living Room (1923).

Las visitas al oriente resultaron reformadoras en su mente como también la arquitectura prehispánica y los templos de Konarak, sitios en que la pasiones se enrutan a las creencias y la poesía hace lo suyo. Donde se desborda el relieve y la sombra como aplauso deídico

“la piedra arde, las sustancias enamoradas se entrelazan”1.

Esta imaginación condensada de la textura guió a Wright a la urdimbre de tejido en la piedra donde exploró con varillas y patrones más allá de matemáticos la indumentaria textil-arquitectónica. Wright adquirió una categoría de fusión entre el ojo, lo táctil y la mente con un valor meritorio2, situación que hizo visible su primer orden identidataria distinguiéndose de la escuela temprana del arquitecto Sullivan3.

Mosaicos reforzados con paredes interiores y exteriores daban a Frank Lloyd caparazones para ejercer su orden geométrico. Fue hasta Millard House como adquirió astucia en sus observaciones4. Tanto el regionalismo como la vegetación se volvían una masa exhaladora. Por dentro de las habitaciones las perforaciones en patrón de los bloques permitían decenas de umbrales parlantes. En resumen,los exteriores de Frank se dimensionaban con la sombra y los interiores con la luz.

Juego de sombras en la George Madison Millard House.
Fuente: In the nature of materials. The buildings of Frank Lloyd Wright-1887-1941 by Henry-Russell Hitchcock. Duell sloan and pearce.
De la última parte del libro: illustrations. illustration 254.Mrs.George Madison Millard House,645 prospect crescent,Pasadena, cal. Detail (1923).

El orden exige un principio rítmico, diálogos que se vuelven figura, propiedades del material que trascienden con la forma. El ritmo como si fuese un imán sujeto al orden que evoca y reproduce todo como un conjunto.

El ritmo de Wright además no solo es una sucesión y espacio dividido con fundamento en lo cuantitativo: su ritmo hecho orden Incita. Paz habla respecto al ritmo

“…provoca una expectación, suscita un anhelar”5.

El orden Wrightiano no es estático, es un “ir hacia”. El ojo adjunto con una mente despierta; ágilmente acompañan al observador en el recorrido de sus patrones.

Desarrolló su estilo y complejizo los planos en muros y techos. El tiempo como el material requerían de un hombre como Wright.

“For the style is created by the material, the subject, the time, and the man”6.

Patrones de German Warehouse.
Fuente: In the nature of materials. The buildings of Frank Lloyd Wright-1887-1941 by Henry-Russell Hitchcock. Duell sloan and pearce.
De la última parte del libro: illustrations. illustration 203.A.D. German Warehouse, Richland center,wis (1915).

Además aconsejo la prédica del bloque-textil a sus alumnos entre ellos McArthur7 quien asintió a tomar el orden del maestro para el hotel en Arizona Biltmore en Poenix, formula que repitió posteriormente. El influjo de Lloyd se extendió. Sus manos absolutas se tienden con el papel, tabaco y tintero. El completo dominio de los ángulos, la greca, los ochavos y el zig-zag lo valieron de infinitas posibilidades. “Hatches” que tramposamente ocultaban las dimensiones del edificio, pero que lo extendían a algo más contundente: el anhelo. La movilidad de signos en sus edificios hacen un querer buscar un significado, una conciliación con su alrededor en tiempo y espacio.

La síntesis de advenimiento del movimiento moderno como la depresión de tantos ejercicios que solo se quedaron en papel8 aplacaron con los años la intriga del bloque textil, depurando su orden y el estilo de un patrón menguado que dejo de habitar en su restirador.

Los años veintes hicieron de Wright el profeta de la arquitectura moderna9 ,“parecía” no ser un arquitecto de vanguardia ni tampoco del progreso10 según la crítica coetánea que se gestaba con el personaje de Le corbusier. Los ordenes Wrightianos no buscaban la universalidad, tan solo “ir”.

La ornamentación y su exceso del patrón fue el estandarte con quien Lloyd se sintió más cómodo y expuesto a su musa. Su moderno excéntrico buscaba la imagen como experiencia, realidades dueñas de su pensamiento, su arquitectura textil no “quiere” representar, tampoco remembrar. Más aun Representa y remembra pasados.

Exploración de textura de Avery Coonley House.
Fuente: In the nature of materials. The buildings of Frank Lloyd Wright-1887-1941 by Henry-Russell Hitchcock. Duell sloan and pearce.
De la última parte del libro: illustrations. illustration 151.Avery Coonley House. Detail of wall pattern (1908).

Mario Desaulo Pérez. Arquitecto
Junio 2020, México

Notas:
1. Octavio Paz, (1986) El arco y la lira. Fondo de cultura económica, (pp. 104) México.
2. Juhani Pallasma, (2009). La mano que piensa. Gustavo Gili., (pp. 79) Barcelona.
3. Henry Rusell Hitchcock, (1942). In the nature of materials. Duell sloan and pearce., (pp. 07) New York.
4. Ibídem, 75
5. Octavio Paz, (1986). El arco y la lira. Fondo de cultura económica., (pp. 57) México.
6. Steen Eiler Rasmussen, 1942. Experiencing architecture. Massachusetts Institute of Technology., (pp. 167) Cambridge.
7. Henry-Rusell Hitchcock, 1942. In the nature of materials. Duell sloan and pearce., (pp. 77) New York.
8. Ibídem, 81
9. Ibídem, 82
10. Ibídem, 82

Manifiesto arquitectónico paso a paso. Un ensayo sobre la arquitectura contemporánea a través de las iglesias

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«Con esta herramienta el autor quería hacer visible lo invisible: desgranar los procesos interiores de la creación para hacerlos llegar tanto a otros arquitectos como a los usuarios, destinatarios últimos de los proyectos y de los edificios».

Del prólogo de Eduardo Delgado Orusco.

El patrimonio arquitectónico moderno está escondido en cada barrio de Madrid. La arquitectura nos rodea en nuestro día a día. Nos acompaña cuando paseamos por las calles de nuestro barrio. Toda nuestra vida transcurre en entornos construidos y, en muchas ocasiones, no somos conscientes de que algunos de estos edificios son obras apasionantes con mucho de lo que aprender.

No siempre es sencillo pararnos a observarlos, y más difícil aún es acceder a muchos de ellos, al tratarse de propiedades privadas. Pero en el caso de la arquitectura religiosa nos encontramos ante edificios que podemos visitar en casi cualquier momento, en los que nadie nos va a preguntar si entramos y nos ponemos a curiosear.

El libro tiene su origen en la tesis doctoral de García-Asenjo, y en concreto en una recomendación de Eduardo Delgado Orusco, secretario del tribunal y autor del prólogo. Una de las partes del trabajo, Síntesis Parciales, fue señalada por el tribunal como su principal aportación y podía ser entendido, en palabras de Delgado Orusco, como un pequeño manual de instrucciones que diera lugar a un libro en el que condensar los análisis de la tesis doctoral.

Con Manifiesto arquitectónico paso a paso David García-Asenjo intenta explicar cómo entender un buen proyecto de arquitectura a través de elementos sencillos que tenemos a simple vista: se trata de una guía que nos va a permitir recorrer la ciudad con otros ojos, redescubriendo joyas desconocidas en edificios que conforman nuestro caminar diario. Y, así, entender qué hace que ese extraño edificio que hay en frente de nuestra oficina sea una obra maestra que merece ser visitada y reconocida.

El autor transmite su pasión por la arquitectura trasladando a un lenguaje claro y sencillo las virtudes de una disciplina. Nuestro patrimonio arquitectónico es seña de nuestra cultura, y con este libro se ofrece la oportunidad de empezar a apreciarlo y disfrutar de nuestras ciudades de otra manera.

Se ha procurado cuidar al máximo el aspecto gráfico del libro, con dibujos, esquemas y fotografías que son acordes al tema concreto de cada capítulo.

El libro ha sido publicado tras una campaña de crowdfunding lanzada por la editorial Libros.com. Una editorial que apuesta por un modelo más democrático en la industria del libro, y que utiliza el crowdfunding para desarrollar proyectos editoriales, y tratar de establecer una relación más justa y transparente con los colaboradores.

Superilla de Sant Antoni | Leku Studio

El Eixample de Barcelona caracterizado por su tejido uniforme, regular y extensivo, muestra una ciudad sólida, mixta y altamente densificada con un espacio público consolidado que afronta la necesidad de reprogramarse para dar respuesta a una nueva realidad social, ambiental y económica aceleradamente cambiante.

La falta de verde urbano y de espacios de relación, sumado a la situación de emergencia climática, los altos niveles de contaminación y las demandas sociales, impulsa un nuevo orden que dibuje una ciudad más humana, confortable y saludable.

El Programa Superilles supone una de las transformaciones urbanas más ambiciosas de la ciudad con un plan que reestablece el orden urbano mediante la agrupación de manzanas. Una planificación centrada en las personas que posibilita ganar nuevos espacios públicos creando plazas de proximidad en los chaflanes y ejes verdes en calles que antes eran autopistas urbanas.

El alcance del plan es extenso y la transformación requiere de un despliegue progresivo y consensuado. El testeo de soluciones, la reversibilidad y flexibilidad son ingredientes esenciales del proceso y para ello es necesario establecer nuevas herramientas urbanísticas que Leku Studio viene trabajando en los últimos años.

La Superilla de Sant Antoni es ejemplo de este trabajo, en el que el diseño urbano especializado al servicio del proceso de transformación ha hecho efectiva la extensión progresiva y flexible de la Superilla en el barrio.

Flexible, modular y adaptativo
Son premisa de la actuación la total reversibilidad, la adaptabilidad y el reciclaje de los elementos utilizados. Para ello se diseña una estrategia que incorpora un Kit de elementos de mobiliario urbano agregables, un libro de criterios gráficos y una metodología de implantación y ordenación.

Criterios gráficos y señalización
Se define el lenguaje gráfico, la señalización y la carta de colores así como el módulo que, a modo de malla reticular extensible, dibuja la base de la nueva distribución. Esta sirve de guía y referencia para la implantación del patrón y elementos urbanos. La nueva baldosa gráfica se extiende siguiendo la malla, colonizando y redistribuyendo los espacios en calzada.

Elementos de mobiliario urbano adaptativo
Las piezas adaptativas se diseñan siguiendo la modulación establecida por la malla base siendo fácilmente agregables y combinables entre sí y ofreciendo numerosas disposiciones. Estos conjuntos son clave para la integración y extensión del verde urbano así como para la estructuración de espacios. La utilización de materiales amables, respetuosos con el medio ambiente y sistemas eficientes de riego garantizan la sostenibilidad de la actuación.

Social, saludable y progresivo
El diseño urbano especializado al servicio del proceso de transformación ha hecho efectiva la extensión progresiva y flexible de la Superilla de manera participativa y consensuada.

Donde antes había coches ahora hay una nueva plaza repleta de vida y verde. El ruido de vehículos predominante ha sido sustituido por los juegos de los niños, conversaciones animadas entre vecinos… El cambio de modelo ya es efectivo, pero la transformación continúa acompañada de un diseño flexible y adaptativo capaz de asimilar modificaciones y variaciones derivadas del testeo y experimentación de las soluciones implementadas.

Obra: Superilla de Sant Antoni
Autores: Leku Studio (Jokin Santiago, Marta Sola)
Cliente: Ayuntamiento de Barcelona
Año: 2019
Superficie construida: 16.180m2
Ubicación: Barcelona, España
Fotografía: © Del Río Bani
Créditos Vídeo: Leku Studio y Del Río Bani
+ lekustudio.com

Colección completa de la Revista CA Sovremennaya arkhitektura [Современная Aрхитектура]

Editado por los principales arquitectos de la vanguardia rusa, incluidos Aleksandr Vesnin y Moisei Ginzburg, CA fue la revista de arquitectura contemporánea más importante de Rusia en la década de 1920. Lejos de ser una empresa nacionalista, promovió una perspectiva internacional sobre construcción, publicación de teorías y diseños de arquitectos soviéticos y de Europa occidental.

Los artistas constructivistas Aleksei Gan y Varvara Stepanova diseñaron las portadas, como esta, con gráficos llamativos y coloridos que reflejan la misión revolucionaria de la revista.

Sovremennaya arkhitektura [Arquitectura moderna; Arquitectura moderna] fue una revista publicada por los constructivistas en OSA de 1926 a 1930.

El diario fue editado por Moisei Ginzburg y los hermanos Vesnin , hasta que Roman Khiger se hizo cargo en 1928, y fue el principal diario de vanguardia arquitectónica en la URSS. Desde febrero de 1926 hasta finales de 1930, se publicaron seis números de la revista anualmente. Proporcionó una salida para la teoría y el diseño arquitectónicos para arquitectos soviéticos y de Europa occidental, siguiendo un programa de diseño claramente internacionalista. El diario se cerró a principios de 1931, reemplazado por el periódico de toda la Unión Soviet Architecture, que gradualmente se movió en dirección al neoclasicismo.

Acceso a la base completa AQUÍ

La información ha sido recopilada por Eduardo Almalé Artal tras rastrearla a través principalmente de bibliotecas y archivos. Los siguientes repositorios son solo algunos de ellos:

– Archive
– Monoskop
– US Modernist
– IADDB
– Heidelberger historische Bestände – digital
– Hemeroteca digital

La Bella y la Ética | Miquel Lacasta

Ya hace tiempo que en las diferentes reflexiones y los diferentes textos que se deslizan por aquí, se nota a faltar una ausencia. Los que conocen la nube de ideas que envuelven los textos que cada lunes amanecen en este espacio, ya saben que la controvertida figura de Robert Venturi, es una pieza clave en el relato de la complejidad.

Alexander Calder con su circo. Paris, 1929 | Fotografía de Andre Kertesz | axonometrica.wordpress.com

Solamente por el archiconocido Complejidad y Contradicción en Arquitectura,1 Venturi ya tiene un lugar en el olimpo de la historia de la arquitectura.

Complejidad vs Simplificación, Contradicción vs Pintoresquismo

Aparte de Un suave manifiesto a favor de una arquitectura equívoca, una introducción deliciosa que con el tiempo se ha convertido en la piedra angular del cambio de fase histórico de la modernidad hacia la postmodernidad,

¿qué tiene de reflexión sobre la complejidad este libro, fundamental en la historia de la arquitectura?

En el capítulo La complejidad y la contradicción versus la simplificación y el pintoresquismo, Venturi intenta contraponer dos parejas de opuestos para centrar los conceptos principales del libro. En realidad este capítulo, funcionaría mejor como prólogo o como introducción, que no la introducción que hace Vincent Scully.

Este capítulo empieza con una crítica a la visión simplificadora e incluso simplista del movimiento moderno, es decir empieza a definir la complejidad a partir del entendimiento de su opuesto, la simplicidad. Venturi empieza justificando tal espíritu de simplificación por la necesidad de los arquitectos modernos ortodoxos de romper con la tradición y empezar todo de nuevo, de forma que con esta voluntad inicial idealizaron lo primitivo y elemental a expensas de lo variado y sofisticado.

Este capítulo empieza con una crítica a la visión simplificadora e incluso simplista del movimiento moderno, es decir empieza a definir la complejidad a partir del entendimiento de su opuesto, la simplicidad. Venturi empieza justificando tal espíritu de simplificación por la necesidad de los arquitectos modernos ortodoxos de romper con la tradición y empezar todo de nuevo, de forma que con esta voluntad inicial idealizaron lo primitivo y elemental a expensas de lo variado y sofisticado.

Venturi vuelve a cargar contra el purismo y el puritanismo del movimiento moderno, como ya lo hizo también Jacobs al inicio de The Death and Life of Great American Cities.2 Parece que en los 60 se estructura y se consolida realmente una crítica al movimiento moderno alrededor de un cierto status quo. No solamente en estos dos autores crece la crítica, sino ya los situacionistas, y posteriormente todo el coro de voces de los 60 arremete contra el movimiento moderno en parecidos términos.

Para contraponer la complejidad y la contradicción a la idea de lo puro, Venturi se apoya en dos citas, una de Frank Lloyd Wright que hizo su famoso –y pretencioso- lema La verdad contra el mundo y que en un momento de su vida escribió:

Tuve unas visiones de simplicidad tan amplias y grandes y se me aparecieron unos edificios de tal armonía que… me convencí que cambiarían y profundizarían el pensamiento y la cultura del mundo moderno. Así lo creí.3

La otra cita es del inevitable Le Corbusier que como uno de los fundadores del purismo, hablaba de las grandes formas primarias de las que decía que

eran diferentes… y no tenían ambigüedad.4

Para Venturi la justificación de su interés por la complejidad es sencillo pues al mismo tiempo que los problemas aumentan en cantidad, complejidad y dificultad también estos evolucionan más rápidamente5 que antes, y se apoya en una contracita, para contrarrestar las dos anteriores, de August Heckscher

el paso de una visión de la vida esencialmente simple y ordenada a una visión de la vida compleja e irónica es lo que cada individuo experimenta al llegar a la madurez. Pero ciertas épocas animan este desarrollo; en ellas la perspectiva paradójica o teatral, colorea el escenario intelectual… El racionalismo nació entre la simplicidad y el orden, pero el racionalismo resulta inadecuado en cualquier periodo de agitación. Entonces el equilibrio debe crearse en lo opuesto. La paz interior que los hombres ganan debe suponer una tensión entre las contradicciones e incertidumbres… Una sensibilidad paradójica permite que aparezcan unidas cosas aparentemente diferentes y que su incongruencia sugiera una cierta verdad.6

Agitación y Paradoja

De este texto referenciado por Venturi cabe destacar dos conceptos que van repitiéndose en la lógica de lo complejo. Por un lado una clara consciencia de que la época que había tocado en suerte vivir a varios autores contemporáneos de Venturi, era un periodo de agitaciónLos 60 definitivamente fueron unos años de cambio drástico, una década que marca un antes y un después, y eso está presente en el ímpetu y el ánimo de la mayoría de los autores con voz propia del momento.

Por otro lado la idea de lo complejo parece sustentarse en parte en la idea de lo paradójico y lo irónico, es decir, en dos mecanismos del intelecto que refutan cualquier sentido de verdad en términos categóricos. Quizás sea una interpretación mía, pero uno de los componentes importantes de la década de los 60 es la manera como definitivamente se destapa el tarro de las esencias del relativismo, dando al traste definitivamente con la escolástica,7 con los rígidos planteamientos ideológicos de la modernidad post-revolucionaria de principio de siglo y con el encorsetamiento general de una sociedad, que no sin cierta perplejidad, observará como se desatan todas las costuras de un mundo hasta entonces dibujable y explicable mediante argumentos simples y lineales. Efectivamente en los 60 no solamente se desatan las costumbres, se desata también el intelecto, una manera de pensar lejos de la linealidad que de manera natural asume el concepto de lo complejo como base de sus razonamientos y operativamente echa mano de la ironía y la paradoja para avanzar en una senda que perfectamente podemos rastrear en múltiples ramificaciones en nuestros días.

Contra Mies

Venturi vuelve a la carga con Mies. Para entender la persistencia de los razonamientos a favor de la simplificación, el autor está convencido de que la clave está en la famosa paradoja Menos es Más Miesiana, que al igual que un mantra ha ido calando en el acervo arquitectónico. Sin embargo esta visión simplista de la realidad y de la arquitectura, debe pagar un alto precio. Venturi recurre a Paul Rudolph para explicar el trucola trampa, que Mies teje en sus proyectos para conseguir la apariencia de sencillez:

Todos los problemas nunca pueden ser resueltos… Verdaderamente es una característica del siglo XX que los arquitectos sean muy selectivos al determinar qué problemas quieren resolver. Por ejemplo, Mies construye edificios bellos sólo porque ignora muchos aspectos de un edificio. Si resolviese más problemas, sus edificios serían mucho menos potentes.8

Quizás aquí hemos descubierto que la fascinación por Mies, al igual que un gigante con pies de barro, se configura a partir de unos resultados arquitectónicos potentes que llevan implícito una traición inicial y pretendida por el arquitecto: la imposibilidad de resolver todos los aspectos propios de un problema arquitectónico con el fin de no desmerecer el resultado estético final.

Un problema ético recorre la espina dorsal del movimiento moderno. Según Venturi, la manera exclusiva como Mies aborda los problemas a resolver son tanto su limitación como su fuerza, ahora bien, esta actitud corre el riesgo de

separar la arquitectura de la experiencia de la vida y las necesidades de la sociedad.9

La Bella y la Ética

No cabe pensar una crítica mayor a un arquitecto que tildarlo de falta de rigor, de falta de ética con las necesidades de una sociedad. Hoy día parece que lo hemos visto por fin con claridad. Aquí descubrimos los males de una arquitectura esclavizada por su propia estética, sometida al vicio de su belleza, hasta el punto de romper el contrato básico que todo arquitecto contrae con la sociedad en el mismo momento que ésta lo reconoce como arquitecto. Evidentemente en una posición de este tipo, no cabe el fragmento, la contradicción, la improvisación, ni la tensión que surge cuando se tienen en cuenta todos los problemas y se intenta darles respuesta. En estos párrafos, es posible que Venturi haya resumido el nudo gordiano de la modernidad.

Solo es posible ser modernos si somos selectivos con los problemas a tratar, si simplificamos nuestra lectura del mundo a un selectivo ramillete de problemas y despreciamos los demás. Esta falta de rigor de la modernidad con la realidad se hace insoportable a medida que la sociedad se hace más sofisticada, más compleja y menos lineal, hasta que explota en la década de los 60. Sin embargo, cuatro décadas más tarde, todavía hoy, este trampa sigue instalada en la producción contemporánea.

¿Hasta cuando?

El fin de la modernidad, el descredito de una manera de mirar el mundo, su derrumbe, empieza el mismo día que se asume la realidad como algo complejo, matizable, sofisticado, contradictorio, fragmentario, mestizo, etc.

Ciertamente, este fin de la modernidad ha tomado muchas caras, desde los 60 hasta ahora, y a medida que se van sumando las reflexiones y los proyectos, cada vez surge con mayor fuerza la duda de si la postmodernidad ha existido nunca. Aún más, podría llegar a argumentarse que con la convulsión actual de un mundo acelerado hasta la sinrazón, las voces que reclaman un poco de sentido común, una especie de back to basics, son las verdaderamente revolucionarias, y las que abren de par en par las puertas de una postmodernidad incipiente, la que empieza por ejemplo, hoy mismo.

En arquitectura hacer compatible el rigor ético de un servicio a la sociedad fundado en relatos y razonamientos de calado, no puede ser incompatible con la concepción de lo bello. La Bella y la Ética deben de ir de la mano, de forma que ninguna subyuga a la otra. Este y no otro es nuestro cometido. Tan simple y tan complejo a la vez.

Miquel Lacasta. Doctor arquitecto
Barcelona, septiembre 2013

Notas:

VENTURI, Robert, Complejidad y Contradicción en la Arquitectura, Gustavo Gili, Barcelona, 1972 (1966)

JACOBS, Jane, The Death and Life of Great American CitiesModern Library Edition, Random House, 1993, (1961), Nueva York

WRIGHT, Frank Lloyd, An American Architecture, Horizon Press, Nueva York 1955, p. 207.

LE CORBUSIER, Towards a New Architecture, Architectural Press, Londres, 1927 p. 31. Título original Vers une Architecture.

5 Es interesante la introducción de la idea de tiempo, uno de los factores fundamentales de la contemporaneidad y tema esencial en la arquitectura y en tantas otras disciplinas.

6 HECKSCHER, August, The Public Happiness, Atheneum Publishers, Nueva York, 1962, p. 102.

7 Entiéndase aquí por escolástica más bien una metáfora que no el movimiento teológico y filosófico de la Edad Media. Esta metáfora al igual que el movimiento de revelación cristiana tiene como fundamentos el principio de autoridad, y el sometimiento de la razón a la fe. Es en el sentido de la rigidez de estos principios que la idea de escolástica viene a clarificar y enfatizar el sentido de lo expuesto.

8 RUDOPH, Paul, “Paul Rudolph. For Perspecta”, Perspecta 7, The Yale Architectural JournalNew Haven, 1961, p. 51.

9 Op. Cit., VENTURI, 1972 (1966), p. 28.

 

En recuerdo de… Manuel de Solà-Morales Rubió | Antón Capitel

Manuel de Solà-Morales Rubió | Foto: Rosa Felíu, 2009 | Fuente: ub.edu

Manuel de Solà-Morales Rubió, catalán nacido en Vitoria en 1939, ha fallecido en Barcelona en febrero 2012 a la edad de 73 años. Manuel era hijo de un arquitecto barcelonés, catedrático de construcción de la Escuela, y hermano mayor de Ignacio, también arquitecto y también catedrático, en su caso de composición. Y también desgraciadamente fallecido, pero de modo mucho más prematuro, en 2000. Manuel estudió arquitectura, en Barcelona, pues era lo que le parecía que le acercaba más al objeto de su más alto interés, la ciudad. Fue luego discípulo de Ludovico Quaroni en Roma y de Josep Lluis Sert en Harvard.

Y fue así arquitecto y urbanista. O, mejor debiéramos decir quizá, arquitecto de edificios y de ciudad, de ciudades. En la enseñanza fue catedrático de Urbanística de la Escuela de Barcelona, su Escuela, quizá el mejor de España, o, desde luego uno de los mejores. Y quien dice de España dice mucho. De su misma Escuela fue también director, más o menos al final de su vida académica. Fue igualmente profesor visitante en numerosas y reconocidas Escuelas de Arquitectura en Europa y América.

Manuel de Solà-Morales con Ludovico Quaroni. 1986 | Foto: Rosa Felíu | Fuente: ub.edu

Así, pues, era arquitecto de edificios y de diseños urbanos, y autor de numerosos y magníficos artículos y libros. En Barcelona hizo, entre otras cosas, el Moll de la Fusta, en la orilla del mar; y, con Moneo, el gran edificio de la Illa Diagonal, donde arquitectura y ciudad se funden, aunque no sea más que por el tamaño. Influyó con proyectos y obras, y con sabio consejo, en las transformaciones recientes de Barcelona, e hizo numerosas obras de arquitectura y de diseño urbano en España y fuera de España (Alemania, Holanda, Bélgica, Portugal, Italia). Su obra ha recibido numerosos premios.

Perteneció a la redacción de la prestigiosa revista “Arquitecturas bis”, dentro del consejo de redacción capitaneado por Oriol Bohigas y por Rosa Regás, y compuesto por él, por Federico Correa, Rafael Moneo, Lluis Domènec, Tomás Llorens y Heliodoro Piñón. Fundó además la revista “UR” dentro del Seminario de urbanismo de la Escuela catalana, que también fundó y dirigió.

Quizá podamos decir que su trabajo y su figura toda están muy bien definidos por la creencia en, y el cultivo de, la unión entre arquitectura y urbanismo como partes insoslayables de una misma cuestión, como pareja de protagonistas de un mismo argumento; esto es, de la mejor invención humana que han visto y verán los siglos: la ciudad. Lo que más amaba.

https://youtu.be/HInNaBbg-Ag

Quien esto escribe tuvo la fortuna de conocerle y de tener con él una cierta amistad. Por eso recomienda sus libros y, también, la entrevista que publicó la revista Arquitectura COAM en 2008. Es un buen testimonio de su atractiva personalidad.

Antonio González-Capitel Martínez · Doctor arquitecto · catedrático en ETSAM
Madrid · marzo 2012

Tesis de Urbanismo. III Premio Europeo Manuel de Solà-Morales

El premio Europeo de Solà-Morales reconoce cada dos años las mejores investigaciones universitarias en el campo de la urbanística para obtener el título de doctor (PhD).

Actualmente los arquitectos españoles y portugueses cuentan con dos convocatorias de concursos de tesis que comparten como premio la edición de la tesis ganadora en la colección arquia/tesis de la Fundación Arquia:

1. La convocatoria ibérica del Concurso bienal de tesis de arquitectura de la Fundación Arquia, que este próximo año 2021 celebrará su XIII edición, está abierta a arquitectos españoles y portugueses con tesis presentadas en escuelas internacionales o nacionales, o arquitectos extranjeros con tesis presentadas en escuelas de arquitectura españolas o portuguesas.

2. El Premio Europeo Manuel de Solá-Morales para tesis de urbanismo, con carácter bienal, organizado por LUB-ETSAB-UPC, que actualmente tiene su 3ª convocatoria 2021 abierta para la recepción de tesis desde el 21 de mayo al 15 de septiembre de 2020, se dirige a tesis presentadas en escuelas de arquitectura europeas.

Considerando esta situación, la Fundación Arquia realizará un cambio en las bases de su próxima convocatoria, que se abrirá en enero de 2021, de tal manera, que las tesis de urbanismo, ordenación del territorio, paisaje, etc., únicamente podrán presentarse al Premio Europeo Solá-Morales, cuyo jurado cuenta con profesionales en esta materia y disciplina arquitectónica, así como representantes de la Fundación arquia.

Por tanto, se invita a enviar las tesis en esta especialidad a la convocatoria vigente del Premio Europeo Manuel de Solá-Morales 2021.

Restaurante Museo en el Gaiás | trespes.arquitectos

“El grado de lentitud es directamente proporcional a la intensidad de la memoria; el grado de velocidad es directamente proporcional a la intensidad del olvido.”
Milan Kundera

Dice Juhani Pallasma

“Al entrar en un espacio, el espacio entra en nosotros y la experiencia es esencialmente un intercambio y una fusión entre el objeto y el sujeto.”

Creemos que es una afirmación muy acertada porque al visitar la primera vez este espacio, donde Peter Eisenman tenía previsto situar el restaurante, se convirtió en una obsesión como solucionar el restaurante sin enturbiar el espacio y mejorar, si pudiese ser, las sensaciones que tuvimos cuando se allí entramos.

El esfuerzo de la intervención se centra provocar una reducción de velocidad, a crear un ambiente de tranquilidad, una atmosfera acogedora procurando la calidez. Esto se traduce en una meditada elección de los materiales. La madera y el papel son fundamentales que para el efecto deseado resulte.

La celosía de acceso cumple dos cometidos, por un lado acotar tridimensionalmente el espacio y por otra separar las circulaciones. La reducción de altura [de 5 a 2,30 m.] que se produce en el acceso es fundamental devolver la escala humana a un espacio que se desarrolla bajo un plano inclinado que nace a cota cero y alcanza 15.5 metros de altura.

La otra pieza, el mástil de iluminación, trata de generar un plano de luz sobre las mesas de la sala, en el local existe una iluminación indirecta que queríamos matizar. El elemento que deberíamos introducir debería relacionar la escala humana con el espacio existente sin distorsionar su lectura. Optamos por interpretar tridimensionalmente las tramas de Peter Eisenman y colgar mediante “grúas” las lámparas de papel para generar un plano de luz a 2.30 metros de altura.

Completa la intervención el mobiliario: dos gigantes estanterías y las mesas. Las estantería son inspiradas en las diseñadas por Estudio Nômada para la Cantina y que se encuentran en múltiple puntos de la Cidade da Cultura. Las mesas fueron diseñadas expresamente para el restaurante, se trata de cuatro “L” que se van trabando perpendicularmente y genera interesantes encuentros al acoplarse varias mesas. La “L” tiene un pequeño giro similar a las tramas del pavimento.

Obra: Restaurante Museo en el Gaiás
Autores: trespes.arquitectos:  (Alberte Pérez Rodríguez – Carlos Mosquera del Palacio – Enrique Iglesias Lima)
Colaboradores: Pablo Midón Vidal [Arquitecto], Alejandro Lastra Salazar [Arquitecto], Carolo Losada Soto [Arquitecto, Estructura]
Supervisión: Benito Caramés [Arquitecto, Oficina Técnica CdC], Antonio Maroño [Arquitecto, Oficina Técnica CdC], Álvaro Prego [Ingeniero, Oficina Técnica CdC]
Promotor: Caterin A Cantina do Gaiás. [Moncho e Suso]
Situación: Cidade da Cultura. Monte Gaiás s/n. 15.702 Santiago de Compostela [A Coruña]
Fecha Redacción Proyecto y Final de obra: Redacción Junio 2019 | Finalización Obra Diciembre 2019
Fotografía: Iván Casal Nieto
+ trespesarquitectos.com

Chair Times. Una silla, una época: de 1800 hasta hoy

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«Las sillas son importantes testigos de nuestro tiempo. Lo son independientemente de si tienen una novedad relacionada con el momento actual, es decir, si expresan una moda o representan la tendencia de una época. Son retratos de sus usuarios y reflejan el proceso de producción que les da vida. De ahí que las sillas nos permitan reconocer y comprender una época –su orden social, sus materiales y técnicas y su gusto. Incluso diría que no hay otro objeto cotidiano es más complejo.»

Rolf Fehlbaum, presidente emérito de Vitra

La película «Chair Times» es un recorrido por un «mar de sillas»: 125 objetos, que datan desde 1807 hasta los más recientes diseños con impresora 3D, se exhiben en el Schaudepot de Vitra siguiendo el orden de su año de producción, para esbozar la línea de tiempo del diseño de sillas modernas.

¿De qué objetos les gustaría hablar a los profesionales del diseño, que conocen los materiales a la perfección?

La diseñadora Hella Jongerius, los diseñadores Antonio Citterio y Ronan Bouroullec, los arquitectos y coleccionistas Arthur Rüegg y Ruggero Tropeano, el arquitecto David Chipperfield, el director emérito de MAK Viena/Los Angeles Peter Noever, Mateo Kries, director del Vitra Design Museum, los comisarios del Vitra Design Museum Amelie Klein, Jochen Eisenbrand y el comisario de la colección Serge Mauduit. Y como «guía» de este viaje en el tiempo a través de las sillas, Rolf Fehlbaum, presidente emérito de Vitra.

Una película de: Heinz Bütler
Producción: HOOK Film & Kultur Produktion GmbH en cooperación con el Vitra Design Museum, 2018

Ordenadores | Roberto Cides

“Así como el primitivo cazador-recolector obraba en completo equilibrio con todo su entorno, el recolector de información del presente está volviendo al concepto inclusivo de «cultura». En este nuevo mundo nómada y «sin trabajo», nuestra cantera es el saber y la comprensión de los procesos creativos de la vida y de la sociedad”.1

Otra vez, espacio y tiempo. Parece ineludible pensar nuevamente dicho par dialéctico en este momento, cuando la noción temporal se ha elastizado y la condición del afuera nos conduce forzosamente hacia adentro. A gran velocidad.

Mapa de Rome (Vaticano, 1748), Giambattista Nolli

A lo largo de la historia, las revoluciones tecnológicas se alimentaron de la naturaleza evolutiva del ser humano, de su capacidad única para generar conocimiento y de su exhaustiva voluntad por alcanzarlo. Las transformaciones del hábitat grafican el desarrollo urbano como un vector lanzado al futuro que se dirige sin concesiones aparentes a la universalmente aceptada perspectiva 2050: un mundo donde el conjunto de residentes urbanos duplicará a los valores actuales, alcanzando el 70% del total de la población mundial sobre un estimado total de nueve mil millones de habitantes en búsqueda del deseado equilibrio.2

El arco evolutivo desplegado desde los primeros ordenadores a la compleja infraestructura inteligente de la actualidad, ilustra la aceleración informática de las últimas décadas, proceso que no solo imprimió mayor vértigo a la ecuación general, sino que generó la ampliación del campo de acción antropológico derivando por un lado en una red global de alcance cuasi universal y, en sentido individual, en el concepto híbrido de humanidad aumentada, proporcionado nuevas formas de percepción de la realidad y con ello, nuevas interpretaciones de los modos de habitar.

El alcance de las redes informáticas es amplio y diverso, y cuando se orienta al proyecto urbano o al uso y administración de su espacio público es comúnmente englobado bajo el rótulo de Smart Cities, pero

¿qué tan inteligentes podemos ser?

Mapa lógico de los dispositivos conectdos a ARPANET en 1977

Información en tiempo real, mediciones ambientales, controles de seguridad, monitoreos de movilidad o, como se ha visto recientemente, sistemas complementarios para el manejo sanitario, son herramientas cada vez más poderosas que se valen del Procesamiento en la Nube (Cloud Computing) y de la Internet de las Cosas (IoT) para extraer y procesar los datos obtenidos, redefiniendo los límites de privacidad, propiedad y participación ciudadana. En tiempos de distanciamiento y confinamiento social, nos enfrentamos a la realidad que supimos construir mientras que los índices de desigualdad nos recuerdan aquello que aún no. Cuando el devenir se vuelve virtual, parece entonces necesario analizar qué tipo de inteligencia ciudadana debemos profundizar e incentivar la consolidación de espacios públicos urbanos de calidad y escala humana que interactúen positivamente con el entorno natural, el espacio privado y una trama apta de infraestructuras, definiendo así una red social analógica efectiva y afectiva.

La aceleración de los cambios recientes ubica a la variable biológica como motor del impulso tecnológico: la carrera científica que hoy intenta aplacar la incertidumbre viral, derivará probablemente en el futuro conocimiento que consolide de manera definitiva la Revolución Científico Tecnológica, todo ello en un espacio temporal condensado por la presión de los acontecimientos; también se vislumbra como motor del impulso urbano: la ocupación actual de las ciudades puede calcularse alrededor del 3% de superficie de la tierra pero sus consumos energéticos abarcan entre el 60 % y el 80% de los recursos y concentran el 75% de las emisiones de carbono3; como contrapartida, al preservar la solidaridad del sinesismo4, las ciudades son reservorios de pluralidad social, cultural y económica, estímulos potenciales de participación transversal y vertientes universales de información y conocimiento, pudiendo aportar desde su diseño, gestión y gobernanza a la proliferación positiva del ecosistema; después de todo, el 99,7% de la biomasa es vegetal y solo el 0,3% corresponde al reino animal, incluida la especie humana5.

Internet es un diente de leon fractal

Sabemos que la ciudad que se desgarraba en suburbios6 será un mundo que se desgarre en ciudades; sabemos también que debemos proyectar cuáles serán sus condiciones de habitabilidad, cómo despresurizar la tensión entre globalidad y localidad, qué vínculos de sostenibilidad establecer con el medio ambiente y cómo incorporar favorablemente las nuevas tecnologías en función de impulsar un espacio público virtuoso que actúe como plataforma física de acontecimientos socioculturales y en beneficio de sus ciudadanos.

Entendiendo que el espacio y tiempo de las ciudades es el mismo que el de la naturaleza, el marco de dicha convivencia debe ser aumentado sensiblemente intentando aprehender todas las relaciones y procesos creativos que en él intervienen; el exponencial progreso de la sociedad del conocimiento debe favorecer dicha coexistencia y para ello debemos garantizar paralelamente el hardware que lo sostenga; abordar con sistematicidad el porvenir, es una de las capacidades únicas del proceso cognitivo humano.

Aún cuando hay fronteras que hoy parecen infranqueables, es válido y necesario establecer condiciones superadoras que permitan cruzarlas y saber que será allí donde deberá manifestarse nuestra identidad; entonces

¿qué tan inteligentes podremos ser?

Roberto Cides. Arquitecto
Junio 2020, Argentina

Notas:
1. Marshall McLuhan, Comprender los medios de comunicación (Barcelona: Paidós, 1996), 154
2. ONU, Objetivos de desarrollo sostenible, (2015), Obj, Nº11
3. ONU/FAO, Global Landa Cover-SHARE, (2014)
4. Edward W. Soja, Postmetrópolis, (Los Angeles: Blackwell Publishing, 2000), 41-45
5. Stefano Mancuso & Carlo Petrini, Biodiversos, (Barcelona: Galaxia Gutenberg, 2016), 14
6. Jorge Luis Borges, Sur, extraído de Ficciones, (Buenos Aires: Emecé, 1956), 84

Filmando en casa | Jorge Gorostiza

Parlor, Bedroom and Bath,

El título de esta artículo no se refiere a los espectáculos domésticos que estoy estudiando en estos días, ni a documentales sobre arquitectura, sino a rodajes de largometrajes de ficción en los hogares de cineastas. Surge porque el otro día viendo El gran Buster, recordé que Keaton había sido el protagonista de Parlor, Bedroom and Bath, titulada horrorosamente en España como Pobre Tenorio, dirigida por Edward Sedgwick,y filmada en 1930 en la villa que cinco años antes le había encargado al arquitecto Gene Verge Sr. para él, su mujer Natalie Talmadge y sus hijos.

No recuerdo ahora muchas películas que se hayan rodado en las casas de los propios cineastas, salvo Faces filmada en la vivienda de su director John Cassavetes y su protagonista Gena Rowlands, y Five dirigida Arch Oboler en el estupendo edificio que le encargó a Frank Lloyd Wright y al que en esta película posapocalíptica no le sacó demasiado partido.

Volviendo a la película de Keaton, en The Filmgoer’ Annual de 1932 hay una información sobre ella cuando su título iba a ser Romeo in Pyjamas:

«Los aficionados al cine que sienten curiosidad por ver cómo es el hogar de una famosa estrella de cine estarán interesados en ver a Buster Keaton en casa en Romeo in Pyjamas. Cuando se planeó la película, se buscó una mansión con jardines en terrazas y una piscina. Buster Keaton rápidamente ofreció su propia casa, de modo que cuando comenzó la producción, tuvo la experiencia única de levantarse por la mañana, desayunar y luego salir a su jardín para ir a trabajar. La casa de Keaton, los jardines de Keaton, la piscina de Keaton y el perro de Keaton, Elmer, están todos bien visibles en Romeo in Pyjamas.»

Esta visión idílica no era cierta, en 1930 Keaton llevaba dos años contratado por la Metro Goldwyn Mayer haciendo películas que no le gustaban y que eran mucho peores que las rodadas con su propia compañía, había ganado muchísimo dinero, pero su mujer había gastado mucho más, por lo que estaba teniendo problemas de liquidez, su mansión también se usó para rodar el cortometraje Running Hollywood, dirigido por Charles Lamont en 1932 y, según el IMDb en Stepping Out, dirigida por Charles Reisner en 1931 y producida también por la MGM, posiblemente Keaton alquilaba su propia casa a las productoras. De hecho, en 1932 se divorció de Natalie y ella se quedó con la villa pero pronto tuvo que venderla para pagar las deudas.

House of Buster Keaton, Beverly Hills—Gene Verge, Architect | Fuente: archive.architecturaldigest.com

Keaton llamaba a su casa La villa italiana, tenía dos plantas en forma de X cada uno de los cuerpos de los brazos de la X de la planta superior estaba ocupado por las habitaciones personales de Buster y Natalie que así permanecían alejados y con accesos independientes que les permitían salir y entrar sin ser vistos por sus cónyuges.

Dando hacia el jardín había una gran escalinata con sesenta escalones que llegaba hasta una piscina y que normalmente era la imagen que más se divulgó del edificio.

En el plano inicial de Parlor, Bedroom and Bath se puede ver esa piscina desde arriba y la primera secuencia transcurre alrededor de ella.

Plano inicial de la película

Reggie Irving (Keaton) trabaja pegando carteles en la calle, ve los jardines de mansión desde el exterior, por encima de su valla y se queda tan asombrado, que al cruzar la calzada lo atropella el novio de la hija del dueño de la mansión y lo lleva a la casa para que lo curen, el protagonista no es rico y no hubiera podido acceder al interior sin este accidente, una broma al ser el propio hogar de Keaton, pero que fue premonitoria, porque cuando muchos años después pidió permiso para enseñar su antigua propiedad a su nueva mujer, Pamela Mason, la esposa de James Mason, que la había comprado, le impidió entrar.

Fachada lateral con Keaton descendiendo desde un balcón

En la película, también se ven las fachadas laterales del edificio en unas secuencias en las que Keaton hace algunas acrobacias, así como parte de las terrazas y jardines.

La diferencia entre rodar en un interior natural y en la propia casa es el conocimiento perfecto que se tiene del segundo al ser el espacio de la vida cotidiana y también la pérdida de intimidad, que ya se mencionaba en la anterior entrada dedicada a los youtubers. En el documental Buster Keaton & the Italian Villa, dirigido por Jack Dragga en 2005, hay una frase atribuida a Louise Brooks:

«Toda la vida de Buster entonces era una película. Su casa era un decorado, la piscina era un decorado, la barbacoa era un decorado.»

Lo real y la ficción se unían hasta el punto que era inevitable que la casa se convirtiera en un espacio escenográfico.

Jorge Gorostiza, Doctor arquitecto.
Santa Cruz de Tenerife, enero 2020
Autor del blog Arquitectura+Cine+Ciudad

Rafa Mateo | Diseño gráfico e industrial, Arquitectura y Pintura de precisión

En esta nueva entrega de la sección aprovechemos una de las virtudes que tiene la red y que gracias a la entrevista con Moisés Puente, hemos descubierto el trabajo del arquitecto y diseñador Rafa Mateo, así no hemos perdido la oportunidad de entrevista a este profesional polifacético que se mueve en el campo del diseño y de la arquitectura.

Rafa Mateo es arquitecto y diseñador. Comenzó su trayectoria profesional como delineante en Málaga, su ciudad de origen, y a principios de la década de 1990 se fue a Barcelona para continuar su formación en Diseño Industrial en la Escola Massana. Tras finalizar los estudios, entró en contacto con el mundo de la música de Barcelona (pop, rock y electrónica), y sus diseños de publicaciones, portadas de discos, carteles y flyers marcaron toda una época.

En 2000 decidió retomar su formación y empezó a estudiar en la Escuela de Arquitectura de Barcelona (ETSAB), carrera que compaginó con el ejercicio profesional como diseñador, que se fue desplazando desde el ámbito musical al de la arquitectura.

Sin más preámbulos os dejamos con la entrevista que hemos tenido la oportunidad de realizarle. Aprovechamos para darle las gracias de nuevo por su tiempo y predisposición.

Rafa Mateo y símbolo de RafamateoStudio | Fotografía: Keke García

¿Cómo se definiría Rafa Mateo?
Me identifico con aquella definición de la historia de la arquitectura del siglo XX de “diseño total” asociado a la “obra de arte total”. En mi caso, no solo porque he tenido una trayectoria muy diversa en el ámbito del diseño, sino porque entiendo que sus distintas parcelas se tocan entre sí y es más factible tener una visión lo más integrada posible de todas ellas.

Es decir, no participo tanto de la idea de especialización, hacia la que tiende la academia, aunque, con los tiempos que corren, la tendencia pueda invertirse y quizá en un futuro deba prevalecer una formación más flexible que pueda adaptarse a las circunstancias.

¿Cómo, cuándo y por qué surge RafamateoStudio?

Como tal, RafamateoStudio surge precisamente cuando hago ese trasvase de diseñador del ámbito musical al ámbito arquitectónico (hasta entonces, mi nombre profesional era Rafamateo a secas). Pero en realidad viene a ser todo lo mismo, porque básicamente siempre me he desenvuelto de forma autónoma, con pocos proyectos en los que me pueda sentir cómodo como autor.

¿Qué dificultades o problemáticas encontraste a la hora de centrarte en el “diseño”? ¿Cuál/es son/fueron las más problemáticas?

No encontré nunca problemáticas en sí, la verdad. Ejercer como diseñador apareció de forma natural en mi trayectoria, quizás porque siempre supe que debía encontrar una voz propia a la hora de ofrecer mi trabajo y tener muy claro el criterio del tipo de proyecto que debía abordar. Creo que es importante poder elegir siempre que puedas permitírtelo. En ese sentido, también se podría decir que el destino, si es que existe, ha estado a mi favor.

¿Es muy diferente el Rafa Mateo de los comienzos del actual?

En esencia, diría que no, pero el hecho de estudiar arquitectura con una edad ya madura hizo que diera un giro mental importante. Diría que la formación de arquitecto cerró el círculo que en realidad estaba buscando de un modo intuitivo. Hoy tengo una visión más amplia que me permite abordar con mayor claridad cualquier tipo de proyecto que guarde relación con el diseño y la arquitectura.

Los Ángeles. La arquitectura de cuatro ecologías, de Reyner Banham, primer libro de la colección de teoría e historia de Puente editores.
Nueva etapa de la revista 2G, publicada desde 2016 por la editorial alemana Walther König.

¿Cómo es el día a día en RafamateoStudio?

Es bastante tranquilo, desarrollo pocos encargos, pero con empeño y pasión.

¿Qué proyectos maneja habitualmente RafamateoStudio?

En la actualidad los proyectos principales son de diseño editorial en el ámbito de la arquitectura, concretamente en colaboración con Moisés Puente, tanto en la dirección de arte de la revista 2G como de Puente editores. Desde 2008, también colaboro puntualmente con la Universitat Politècnica de Catalunya (ETSAB) y la Editorial Gustavo Gili.

¿Qué referencias maneja Rafa Mateo a la hora de realizar sus diferentes proyectos?

Cuando empecé partía de referencias externas, pero en la actualidad, quizás ya por la propia experiencia, intento dotar a casi todos los proyectos de cierto carácter específico que los identifique con un lenguaje de comunicación propio, que normalmente encuentro en una especie de experimentación intuitiva que combina racionalidad y expresión a partes iguales.

¿Cómo se gesta un proyecto en RafamateoStudio?

Es necesario entender muy bien lo que el cliente pretende, lo que le inquieta y necesita. Dedicar tiempo al conocimiento del problema y ser muy empático con él, y, a partir de ahí, aportar mi punto de vista y “dar liebre por gato”, diría Alejandro de la Sota.

Diversos diseños de cubierta para la Editorial Gustavo Gili.

¿Cómo surgen los nuevo encargos”?

Normalmente no busco nuevos encargos; me los encuentro utilizando como aval mi propio trabajo. Siempre he partido de la base que tu trabajo tiene que venderse por sí solo. Nunca he creído en el marketing, que siempre he considerado una disciplina un tanto mezquina, a decir verdad.

¿Cómo y para qué utilizas las “nuevas tecnologías”? ¿La “red” ha facilitado tu labor?

En las nuevas tecnologías estamos inmersos ya desde hace tiempo, pero intento no arrodillarme ante sus dictámenes. Soy también un gran defensor de los procesos artesanales, y creo sinceramente que no deberían de desaparecer nunca. Confío muy poco en las “redes”, quizás por el exceso de ruido que producen. Si quieres producir, mejor no utilizarlas o hacerlo con moderación sin permitir que te enreden, o al menos eso es lo que intento.

¿A qué segmento de público/cliente te diriges?

Siguiendo con mi cruzada antimarketing, a quien me sepa encontrar.

Póster Enric Miralles 1955-2000 para revista DC (ETSAB)

¿Compaginas o complementas esta actividad con otras labores o en otros campos?

Sí, desde 2015 alterno mi tiempo dedicado a los trabajos de diseño con lo que he bautizado como “pintura de precisión”, un modo de pintar que no renuncia a mi formación de diseñador y arquitecto. Después de finalizar la carrera, es el modo que he encontrado de desarrollar lo que no siempre me llega de un modo profesional y diría que también es un compromiso conmigo mismo.

Hasta el momento, he disfrutado de una residencia de tres meses en California y he vendido algunas obras en una plataforma internacional.

Recientemente también he proyectado mi propia casa en la nueva ciudad donde resido, y espero poder construirla pronto.

¿Cómo ves el futuro de la arquitectura? ¿Y el de la profesión?

Lo veo en continua transformación, adaptándose y diversificándose a las nuevas demandas de la sociedad. El arquitecto tiene que seguir encargándose de hacer bien lo que siempre hizo, pero además podrá abordar otras facetas que limiten con su disciplina, y que se verá obligado conocer de forma específica. Por ejemplo, en mi ámbito profesional, algunos arquitectos –sobre todo jóvenes tras finalizar la carrera– creen que por su formación también están capacitados para ser diseñadores industriales (de muebles, por ejemplo), y creo que se equivocan.

El diseño industrial es una disciplina en sí misma, con un conocimiento específico que tiene que entenderse como una formación complementaria a la de arquitecto y que es necesario aprender. Alvar Aalto demostró conocerla bien, pero seguramente porque fue a descubrirla.

¿Qué mejoras crees que son fundamentales y que deberían ser puestas en marcha de forma inmediata?

De momento se me ocurre que la formación debe ser más flexible y permitir abordar esos otros ámbitos que la limitan. La especialidad de arquitecto, tanto en su versión especialista como en la generalista, podría abrir una tercera vertiente que abordara también el diseño en otras disciplinas.

Póster JIDA’15 (Jornadas de Innovación Docente en Arquitectura) (ETSAB)

Como “emprendedor” ¿qué opinas de los arquitectos que “abren y/o recuperan” nuevos campos y/o enfoques de la profesión?

No sé si tanto como emprendedor. Yo he hecho el recorrido de ida, me he acercado a la arquitectura desde una formación de técnico y diseñador, y entiendo que el recorrido de vuelta también puede ser posible. Es más, diría que sería interesante que la profesión se aireara, que saliera del “ensimismamiento” que a veces se percibe al acercarse a ella.

Siempre he pensado que combinar dos disciplinas aparentemente dispares te da un perfil único y específico.

¿Estás contento con la trayectoria realizada hasta ahora? ¿Qué proyectos de futuro te esperan?

Sí, estoy contento, no me puedo quejar. Tengo la formación que siempre deseé, hago un trabajo que me gusta y no me estreso, algo que no resulta tan fácil en la sociedad en la que vivimos.

Proyectos futuros: los que vengan.

Para acabar, ¿qué le aconsejarías a los actuales estudiantes y futuros profesionales de arquitectura?

Que traten de buscar aquello que de sentido a lo que hacen y que aprendan a decir no cuando sea necesario; creo que es muy saludable. Y también que hay otros mundos más allá de la arquitectura.

Rafa Mateo en su faceta de ‘pintor de precisión’.

RafamateoStudio | Diseño gráfico e industrial, Arquitectura y Pintura de precisión
Julio 2020

Entrevista realizada por Ana Barreiro Blanco y Alberto Alonso Oro. Agradecer a Rafa su tiempo y predisposición con este pequeño espacio.

Centro Social en Cornido | CREUSeCARRASCO

ACCESIBILIDAD

El cubo de hormigón encajado en un desnivel, tiene dos superficies de uso, una interior que es la sala del centro social, en la cota más baja y otro plano superior, prácticamente al nivel de la carretera y que es un banco en medio de un jardín con unas estupendas vistas de la playa de Carnota y la ría desde Fisterra hasta el Monte Louro.

La accesibilidad a estos dos espacios nos parecía importante por lo que a pesar de plantear una escalera que enlaza las dos cotas desde el exterior y que es un elemento fundamental del diseño del edificio, también se cuidó el acceso a nivel a ambos espacios.

Una suave rampa casi a cota con la carretera permite entrar en el mirador sobre la cubierta y desde la cota inferior, la puerta de la fachada sur permite el acceso a nivel a la sala principal.
A pesar de ser un local de reducidas dimensiones, para uso de los habitantes de la pequeña aldea, el aseo es adaptado, teniendo en cuenta que además, quizá la mayor parte de los usuarios sean personas de edad que pueden tener ciertos problemas de movilidad.

SOSTENIBILIDAD

La forma compacta del edificio, un cubo de hormigón encajado en un desnivel del terreno hace que su materialidad y volumen ayuden a conseguir unas condiciones naturales de protección térmica de tal manera que las instalaciones dedicadas a este fin no necesiten gran demanda.

El edificio tiene una ventana fija rasgada al oeste con dos piezas opacas móviles que permiten su apertura para ventilar y una puerta acristalada en la fachada contraria.

La luz entra tanto desde el este como desde el oeste por sus fachadas y también puede abrirse hacia el sur comunicando, en este caso a la misma cota, interior y exterior a través de un portalón de madera que se abre al campo.

La carpintería es de madera de cedro y en el caso del ventanal al oeste, su diseño rasgado con el vidrio detrás de un marco saliente de madera permite la protección frente a la radiación solar de la tarde.

La cubierta es vegetal, utilizando plantas de la zona, en este caso se han elegido distintos tipos de ericas que son especies que abundan en este entorno de paisaje de la costa atlántica y que presentan una adaptación total a las condiciones del ambiente y que además visualmente forman un continuo con el paisaje inmediato. No requieren mantenimiento ni aporte de agua mayores.

Obra:Centro Social en Cornido
Arquitectos: CREUSeCARRASCO (Juan Creus y Covadonga Carrasco)
Colaboradores: Elena Junquera, Alicia Balbás, Miriam Núñez // Isabel Francos (instalaciones), Félix Suárez (estructura), Juan Leis (aparejador)
Dirección de Obra: CREUSeCARRASCO
Constructora: Mecano
Año: Abril 2017 (Proyecto) 2019 (Terminación)
Promotor: Concello de Carnota
Superficie construida: 64,78 m²
Fotógrafo: Héctor Santos-Díez
+ creusecarrasco.es

REBUILD 2020. Building the new era

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La situación actual está obligando a muchos sectores a reinventarse, y por eso, más que nunca, REBUILD 2020 premiará la innovación en la edificación con los Advanced Architecture Awards 2020.

Advanced Architecture Awards 2020

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¿Los Arquitectos cuestionamos lo suficiente nuestros proyectos? | Germán Campagnolo

Durante nuestra formación los proyectos que generamos son cuestionados, atacados y embestidos por un sinfín de ayudantes, jefes de cátedra, titulares, compañeros, amigos y familiares, logrando así proyectos que cumplen con los estándares requeridos.

Corrección de proyectos, Taller de Arquitectura Nivel III, Facultad de Arquitectura y Urbanismo UNLP)

Desde las primeras semanas en la facultad de arquitectura, el alumno se ve sometido a un incesante cuestionamiento de sus primigenias presentaciones y entregas, pasaran muchos meses y probablemente años hasta que el alumno compatibilice con esta metodología y haga el «click» que necesita para pasar al siguiente nivel. El hecho de volver a su hogar con maquetas destrozadas luego de una corrección y planos tan rayados que casi no recuerde a que se deba cada una de las observaciones, es difícil de afrontar ya que nos encuentra de cara con el fracaso continuamente.

Con el correr de los años el alumno va adquiriendo en su formación nuevas herramientas que le permiten generar proyectos que nacen correctos desde su concepción, esto no hace que deje de ser participe de correcciones y embestidas por parte del claustro de profesores de la facultad, pero ahora el alumno espera con ansias estas embestidas ya que sabe que luego, su proyecto lograra pulirse hasta cumplir con los estándares de una obra realizada por un profesional, y al fin y al cabo obtener una buena nota que es el objetivo en este momento.

Una vez que este alumno se transforma en profesional, debe convertirse en todas esas personas que lo asistían y corregir a conciencia sus proyectos, tratando de abstraerse para poder pulirlo lo mas posible. Esto toma tiempo y es la parte más importante, la inspiración son destellos que duran segundos, el trabajo es lo que realmente forma al proyecto. Según Thomas Edison

«la genialidad se compone 1% inspiración 99% transpiración»,

si no logramos hacer este ejercicio, perdemos el oficio adquirido en nuestra formación y esto es inconcebible. No podemos culpar a la falta de tiempo, a las exigencias de la vida profesional, o a un cliente indeciso, todos nuestros proyectos deben contar con su debido proceso de maduración y correcciones antes de llegar a concretarse.

Si no embestimos y cuestionamos el proyecto solo lograremos resolver las solicitudes básicas del comitente (no todas). En este punto, el proyecto se encuentra en vías de desarrollo en todos los demás aspectos, los cuales son el valor agregado que un Arquitecto debe ofrecer en sus trabajos: estudios de implantación, estudios de suelo, asoleamiento, variedad espacial en corte, relación con el entorno, ahorro energético, adaptabilidad de plantas según los usos, fachadas… la quinta fachada!, materialidad, etc, etc.

Es muy común que los anteproyectos generen expectativa y hasta admiración por parte de nuestros clientes, ya que van vislumbrando como será su proyecto, su ansiedad aumenta y en esa etapa todo lo ven espléndido, pero claro, nosotros somos profesionales, no debemos encandilarnos con esas luces, nuestro anteproyecto aun tiene mucho por progresar hasta ser una obra consolidada y digna de ejecutar… y no justamente por linda o fea, sino porque (el cliente no lo sabe) aún no sabemos dónde colocar el tanque de reserva, no sabemos si el municipio va a aprobar ese retiro de frente, quién fabricará tamaña carpintería e inclusive cómo se sostiene la planta alta… el anteproyecto ni siquiera tiene estructura!

En fin… si somos conscientes, y sabemos todo esto, no hay problema, ahora si queremos transformar ese anteproyecto rápidamente en proyecto y ejecutarlo, simplemente aportaremos una obra mediocre más a la ciudad, la cual tendrá una infinidad de problemas que ira encontrando el usuario en su vida diaria dentro de nuestro encandilado anteproyecto. Así que pongámonos lentes de sol, y por el bien de la profesión, sigamos tachando, rompiendo y frustrándonos con nuestros proyectos hasta hallar la mejor versión.

Germán Campagnolo. Arquitecto
Junio 2020, Argentina

Lo bueno de la crisis | José Ramón Hernández Correa

Vivienda sostenible en Teo (A Coruña), del estudio de arquitectos Iterare | Fotografía: Héctor Santos-Díez | BIS IMAGES
Vivienda sostenible en Teo (A Coruña), del estudio de arquitectos Iterare | Fotografía: Héctor Santos-Díez | BIS IMAGES

Hay en EL PAÍS un artículo [Historias de la arquitectura ‘mileurista] cuya lectura recomiendo encarecidamente. Trata de la fuerza con la que unos arquitectos jóvenes y creativos luchan contra… Iba a escribir «luchan contra la crisis», pero en realidad contra lo que luchan es contra la inercia y el pesimismo. En cierto sentido «luchan a favor de la crisis».

A ver si sé aclararme las ideas y explicar lo que quiero decir. Me he negado siempre, por principio, a hablar en este espacio de la crisis que nos está matando. Arquitectos sin dinero, sin trabajo, sin presente y sin futuro. Bancos (esos mismos bancos que hace cuatro días no sabían ya que regalarnos, qué ofrecernos: cavas de ébano para conservar vino, relojes termonucleares, cafeteras anaeróbicas…) que nos cierran cuentas de crédito.

Demandas de «listos» que buscan arañar lo que pueden… No sé dónde vamos a llegar. No sé qué va a ser de nosotros.

La crisis económica ha reducido un promedio de un 5% los sueldos de los funcionarios, ha reducido un no sé cuántos por ciento las ventas de coches, un tanto más la de zapatos… Pero a nosotros no nos ha reducido la actividad un tanto por ciento. No. Nos ha multiplicado por cero, como diría el filósofo americano Bart J. Simpson.

Nos han laminado, nos han aplanado, nos han dejado exhaustos. Y ahora que nos hemos quedado boquerones, la compañía de seguros de responsabilidad civil nos sube la prima una barbaridad porque no da abasto, y el colegio de arquitectos nos sube la cuota, y ya no sabemos qué hacer, ni a quién recurrir.

Leo un aviso de un arquitecto que se ha ido a currar a Sydney y proclama su aventura, pero en seguida dice que apenas puede trabajar como delineante en un estudio, diez horas diarias, en régimen  de semiesclavitud.

A todo esto, el colegio de Madrid celebra un curso de dos mañanas sobre cómo dejar de ser imbécil y empezar a reconvertirse de una puñetera vez. Y resulta que el curso cuesta doscientos euros (¡por dos mañanas! ¡precio especial para colegiados!) para que te digan que aprendas inglés (para irte a Sydney, ¿no te digo?) y que diseñes páginas web.

Y la conclusión que saco es que la mejor reconversión consiste en ponerse a dar cursillos de dos mañanas sobre reconversión, a doscientos euros. (Porque, si no, nos vamos a pasar la vida haciendo páginas web, y en inglés).

Y todo es gris, y todo se hunde, y estamos como colgados de las puntas de los dedos, a punto de caer en el abismo. Los dedos ya no pueden más. Ya no tienen fuerza. A nuestro lado cae un compañero. Después, un poco más allá, cae otro. Ya nos toca. Ya nos toca.

Pero dejemos esa porquería y congratulémonos.

La crisis tiene algo bueno para la arquitectura (la poca arquitectura que se hace) y para los arquitectos: Una revolución de la dignidad.

En estos años pasados podíamos asistir consternados a las cenas anuales de los colegios de arquitectos. ¡Qué parque móvil! ¡Qué abrigos! ¡Qué sombreros! ¡Qué conversaciones! Éramos estupendos, nos sabíamos tocados por el dedo de los dioses, pero nuestro único mérito era tener una churrería de chalés adosados, una cinta sin fin de metros cuadrados de forjados.

Eran años poceriles. Todo el mundo entendía de vinos, todos tenían yate, todos jugaban al golf (incluso en plena Sagra toledana).

Fue un empacho y una orgía cutre. (Una especie de pesadilla en la que queríamos creer que gozábamos de placeres sublimes entre huríes y valquirias, pero en realidad eran los regüeldos pedorros de la zafiedad. Huríes ni una).

Cada promotor quería distinguir su producto con elementos decorativos más singulares y llamativos que el de al lado, pero todo se reducía a salón comedor, cocina y aseo en planta baja y tres dormitorios arriba. Con un patio de tres metros de fondo -retranqueo mínimo exigido- y seis de ancho -el ancho del chalet-. Ese era el paraíso, y si el vecino de la derecha hacía barbacoas y el de la izquierda tenía perro ladrador, ya me dirás tú dónde se escondían las jodías valquirias de las turmas, porque yo te juro que no las vi.

En el artículo que os digo se habla de arquitectos que trabajan, que piensan, que sueñan. Que luchan contra todo, en condiciones precarias, que abaratan la construcción (y sus honorarios) hasta lo inimaginable, para que la ridícula financiación del maldito banco valga para hacer la casa de su cliente.

Ya no se despliegan por doquier los insufribles sofás tapizados con escroto de búfalo. Ya no se ven los suelos de madera de sequoya viudo del Canadá. Ya no se sonoriza el salón de la casa con Dolby Surround 3D Megasound Reflection (para ver Aquí no hay quien viva).

(Fuera de coña. Conocí a un alcalde que tenía en el coche un equipo de música que costaba varios miles de euros, y solo ponía el torito bravo que tiene botines y no va descalzo).

Pues toda esa tontería se ha ido a la mierda. ¡Bien! ¡Tres hurras!

¡Estos chicos de los que habla ese artículo solo hacen arquitectura. Arquitectura heroica!

Algunos dicen que tienen que hacérselo todo, hasta fregar el estudio. Perfecto.

¿No hacían eso y más los alegres discípulos de Taliesin?

No se nos caen los anillos. Porque ya no nos quedan. Los hemos empeñado.

Pero la arquitectura, la poquísima arquitectura que se hace, está más viva que nunca, y está más lista y más despabilada que antes. Por la cuenta que le tiene.

José Ramón Hernández Correa
Doctor Arquitecto y autor de Arquitectamos locos?
Toledo · noviembre 2011

Call for Papers. VAD 04. Los secundarios

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Hace ya 20 años que el profesor Carlos Sambricio propuso la idea de la recuperación en el panorama español de lo que nosotros queremos llamar “los secundarios”, aquellos arquitectos que por diferentes motivos no disfrutaron de excesiva fortuna crítica durante su ejercicio profesional pero cuya obra, revisitada a la luz de los años transcurridos, plantea temas de interés a nuestros ojos.

Ciertamente la memoria de aquellos trabajos –esta vez abierto el foco dentro y fuera de nuestro país– se hace necesaria para entender en toda su extensión la urdimbre profesional necesaria para alumbrar las obras maestras de la arquitectura moderna,

“de modo que a través de ese conjunto pudiese entenderse de un modo distinto –tal vez más continuo y uniforme, más anónimo pero no menos interesante– lo sucedido en el ámbito de la arquitectura”.

Pero es que además, la obra de esos profesionales, adecuadamente diseccionada, descubre nuevas capas de interés y complejidad en aquella urdimbre. Serían secundarios de lujo sin cuya participación no solo no se entiende lo ocurrido en aquellos años de brillantez, es que sin ellos sencillamente no se hubieran dado.

Además sucede que la mirada contemporánea descubre obras de aquella época que resplandecen con luz propia y cuyo análisis está todavía pendiente.

Es por todo ello, por la necesidad de recuperar arquitectos y arquitecturas que se han filtrado en los sucesivos tamices de la crítica, que este nuevo número de VAD. veredes, arquitectura y divulgación plantea este tema de los llamados secundarios.

Así pues, se abre la veda para este redescubrimiento. O más bien, para el pasado a limpio de tantas investigaciones recientes que han abierto cajones-planeros, desempolvado vegetales y recuperado memorias con una mente análoga: la de la escritura de un nueva capa en el palimpsesto de la historia reciente de la arquitectura.

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Prólogo realizado por Eduardo Delgado Orusco, miembro del consejo editorial.

Casa de los gigantes | Iterare arquitectos

Ubicada en el barrio valenciano de El Cabañal, la casa de los gigantes aparece como una obra singular dentro de este histórico distrito de pescadores. Su innovación, más allá de estar basada en el empleo de tecnologías de vanguardia fuera de todo contexto y situación, radica en la profunda actualización histórica que en ella se produce. Sin caer en estilos ni simplificaciones, la tarea era la de dotar de una sensibilidad contemporánea a todos esos materiales y técnicas constructivas mediterráneas, propiamente locales, eficientes y responsables, que tan bien han soportado el paso y el peso del tiempo. De este modo se utilizan por toda la vivienda materiales como la piedra natural extraída localmente, los enfoscados tradicionales de cal, la madera recuperada de la propia vivienda, y otros materiales y técnicas tradicionales que se emplean sin embargo, con una comprensión contemporánea de los mismos.

En definitiva, se trata de crear una suerte de precedente que permita actualizar el patrimonio construido del barrio y prepararlo así para su futuro; sin sobrescribir, insultar o pervertir ninguno de los aspectos de su majestuoso pasado.

Desde el punto de vista espacial, la escalera interior que comunica cada uno de los niveles es, sin lugar a dudas, el elemento más importante de la casa. Recorrerla supone una auténtica experiencia sensorial, pues se trata de un espacio enteramente construido en piedra natural -casi simulando una gruta donde los reflejos, las luces y las sombras, acompañan a lo largo de su singular recorrido.

En fachada, el dueño de la casa, artista de profesión, le dará nombre a esta obra mediante toda una serie de gigantes que, grabados en piedra y vidrio, permiten relacionar la obra con aquellas viviendas del pasado cuya simbología no era sino la cristalización del particular carácter de sus propietarios.

Obra: Proyecto de consolidación estructural y rehabilitación integral de vivienda entre medianeras en calle Barraca 135. La casa de los gigantes.
Autor: Iterare arquitectos. Rubén Gutiérrez + Pedro Ponce
Colaboradores: Ciro Vidal
Año: 2016-2019
Emplazamiento: Calle Barraca 135, Valencia, España
Fotografías: David Zarzoso
+ iterarearquitectos.com

Intervención en la cubierta del palacete en Azuqueca de Henares

Intervención en la cubierta del palacete en Azuqueca de Henares | Fotografía: Tejas Verea

Construido en el año 1850, este palacete de estilo italiano se encuentra ubicado en Azuqueca de Henares en Guadalajara (Castilla-La Mancha), rodeado por una parcela de aproximadamente 20.000 m2.

Estado previo de la cubierta del palacete en Azuqueca de Henares | Fotografía: Tejas Verea

¿Qué problemáticas ser afrontaron?

La estructura de cubierta del palacete estaba formada por vigas y correas de madera, sobre las que se apoyaba una ripia de madera, generando una superficie continua sobre la que se asentaban directamente tejas cerámicas tomadas con mortero.

El paso de los años provocó movimiento en las tejas, lo que hizo que se despegasen del mortero y acabasen desplazándose de su posición original, lo que, unido a la inexistencia de una capa de impermeabilización inferior, provocó la filtración de agua hacia la estructura de madera originando graves humedades en el interior de la edificación, así como su deterioro prematuro.

Cubierta ligera del palacete en Azuqueca de Henares | Fotografía: Tejas Verea

¿Qué solución técnica se propuso?

Teniendo en cuenta el mal estado de toda la estructura de madera se opta por una intervención total en la cubierta, sustituyendo la estructura original por un sistema de cubierta ligera, formada por vigas y correas metálicas, que sirvieron de base para la colocación de placa ondulada de fibrocemento, sobre la que se instalaron tejas cerámicas curvas de dimensiones 50×21 acabado Jacobeo siguiendo el DIT de instalación número 622/16 de Tejas Verea.

Se puede apreciar la estructura metálica, cuyas vigas tienen un canto considerable dado que la distancia entre apoyos era importante. Sobre estas vigas se colocaron unos perfiles tipo omega 50×40 metálicos, con una separación entre ellos de 1,15 metros, distancia máxima permitida para la colocación de placas onduladas de fibrocemento de 2,50 metros de longitud para un solape de 20 cm, tal y como indica el DIT de Tejas Verea.

Cubrición | Fotografía: Tejas Verea

En la zona de alero se instaló un canalón de recogida de aguas, cuyas patillas se fijaron directamente a la placa de fibrocemento al permitir este material realizar fijaciones directas sobre el mismo, impermeabilizando la zona de fijación para evitar posibles filtraciones de agua, tal y como se aprecia en la siguiente fotografía.

Una vez fijado el soporte para el canalón, se procedió a la colocación de la teja de alero, una pieza especial contemplada en el sistema que consiste en una pieza precortada y pretaladrada, permitiendo de este modo que la teja cobija del alero sea más corta que las del resto del faldón y sirviendo de tope para las mismas. Por ello es de vital importancia que esta teja se fije con un tornillo a la onda alta del fibrocemento, aprovechando el agujero pretaladrado que trae de fábrica, lo que además de asegurar que no se desplazará de su posición, permite la entrada de aire por la zona de alero lo que garantiza la microventilación bajo teja, que ayuda a la conservación del material cerámico y aumenta el confort térmico de la vivienda.

Encuentro de alero con canalón | Fotografía: Tejas Verea

Una vez colocadas todas las tejas de alero, el resto de piezas del faldón se instalan en seco mediante gancho de acero inoxidable de longitud 7,5 cm, así como espuma de poliuretano en la zona de solape entre tejas cobijas.

Por último, la cumbrera se ejecuta igualmente mediante el sistema ventilado contemplado en el DIT, formado por una lámina impermeable-transpirable y por un perfil metálico que se fija y nivela mediante un conjunto pletina metálico, que a su vez va atornillado directamente a la onda alta de la placa ondulada de fibrocemento.

Cumbrera y limatesa | Fotografía: Tejas Verea

De esta forma, se garantiza que el aire que entra por la zona se alero se evacua correctamente por la zona de cumbrera, asegurando de este modo el correcto funcionamiento de la cubierta.

Intervención en la cubierta del palacete en Azuqueca de Henares | Fotografía: Tejas Verea

Principales datos de la rehabilitación
Inicio de las obras: marzo 2019
Superficie rehabilitada: 600 m2
Empresa responsable de la cubierta: Sotecur SL

Asuntos en serie I: Complejidad y ficción | Antonio S. Río Vázquez

Robert Venturi y Denise Scott Brown Frist Campus Center, Princeton (2000)

«Por fortuna, está demostrado que el tiempo no es absoluto».

Dr. House en el capítulo «Tres historias» (2005)

Uno de los protagonistas de la serie House, sin tanto carisma como el doctor que le da nombre, pero posiblemente con más minutos de pantalla, es el Princeton Plainsboro Teaching Hospital. Esta institución es un hospital universitario ficticio, creado expresamente para la serie, aunque con algunos matices. Realidad y ficción se entrecruzan para disfrute del espectador curioso.

Las imágenes del exterior pertenecen a una auténtica escuela universitaria: se trata de un edificio proyectado en 1908 por el arquitecto Henry Hardenbergh para albergar los laboratorios de física del nuevo campus de Princeton (New Jersey), originariamente con una planta en forma de H siguiendo los trazados académicos habituales y en un lenguaje neogótico de piedra y ladrillo como otros muchos edificios docentes de la época.

En el año 2000, los arquitectos Robert Venturi y Denise Scott Brown —posiblemente más conocidos en el ámbito de la teoría de la arquitectura que por sus obras construidas— diseñaron la ampliación del edificio, cerrando los extremos de la H con dos construcciones: un pórtico y un nuevo frente edificado, que es el ámbito que más se puede observar en la serie.

Siguiendo sus ideas acerca de la complejidad y la contradicción en la arquitectura quisieron relacionarse con el edificio existente a través del material y del lenguaje: empleando el mismo tipo de ladrillo en las fachadas y hormigón pulido en el zócalo del edificio, manteniendo las líneas fundamentales de composición del edificio existente y ocultando bajo la cota del terreno los espacios demandados por el programa que podían tener una presencia contundente, como un auditorio. Desde entonces se emplea como centro de usos múltiples dentro del campus y los ambientes interiores que vemos en la serie no se corresponden con los reales, aunque muchos de ellos han sido inspirados por el edificio de Venturi, como la cafetería o los despachos del doctor Wilson y del doctor House. De nuevo, complejidad y ficción para el observador atento.

Asuntos en serie II: Little boxes | Antonio S. Río Vázquez

Una primera versión de este texto se publicó en el blog El tiempo del Lobo en agosto de 2006 y está incluido en el libro Textos compartidos. Apuntes y artículos breves 2004-2019 (2020)

Mirar es poseer | Miguel Ángel Díaz Camacho

Ledoux, Theatre of Besançon

El espacio y el ojo mantienen una fascinante relación de interclusión. Por un lado el ojo se encuentra sumergido en el espacio, sostenido en una posición flotante que construye nuestra percepción del afuera; al mismo tiempo, el espacio se despliega en la habitación interior del ojo, resolviendo una de las formas más elementales y efímeras de la conquista. Tal vez este procedimiento intangible (podríamos decir biológico) de posesión, pudiera explicar por sí solo el enorme valor de la arquitectura como instrumento para la apropiación del mundo.

Pocas obras representan de manera tan literal este modelo de usufructo intraocular como el grabado de Ledoux “Coup d’Oeil du Theatre de Besonçon”.1 Aquí el espacio arquitectónico pierde su condición exterior y es representado como un paisaje en miniatura alojado en el interior del ojo. La altura total del teatro es sugerida mediante la presencia de un foco cenital que se dirige hacia el espectador, una exhalación luminosa que atraviesa el propio ojo y se prolonga hacia el afuera. Espacio exterior, luz interior o el hombre como una suerte de centro de claridades.

El ejercicio de inmersión del ojo en el espacio exterior no resulta en absoluto menos excitante. Le Corbusier dibuja ojos fuera del cuerpo (y fuera de la arquitectura) en la conocida sección de la Unidad de Habitación de Marsella, situando un desproporcionado órgano para la visión sobre el vacío.2 La poderosa infraestructura queda detrás del ojo, como el andamiaje necesario para la construcción de la mirada y la recuperación de los placeres esenciales: el sol, la naturaleza, las nubes, la feliz agitación del mundo en nuestro interior.

Paisaje conquistado:

¿acaso se le puede pedir más a la arquitectura?

Mirar es poseer.

Miguel Ángel Díaz Camacho. Doctor Arquitecto
Madrid. Abril 2015.
Autor de Parráfos de arquitectura. #arquiParrafos

Notas:

1 Fine Arts Museum of San Francisco, Claude Nicolas Ledoux, 1804.
2 Unidad de Habitación de Marsella, Le Corbusier, 1952.

VAD 03. El orden

Se cuenta, puede que más cerca del mito que de la realidad, que cuando Mies van der Rohe entrevistaba a un candidato para formar parte de la plantilla del estudio le sometía a una extraña prueba. Le acompañaba hasta una de las mesas de dibujo, le hacía entrega de todo tipo de instrumental, reglas, compases, escuadras, cartabones, lápices, gomas de borrar etc., y le pedía que ordenase aquellos elementos en el acotado campo de juego del tablero de dibujo. Nada más, y nada menos que ordenarlos.

Orden es un término polisémico que explica cómo se colocan las cosas, cual es el sitio que les corresponde y las reglas que establecen, sus composiciones; hace referencia a como se construyen las series, sucesiones o taxonomías; puede ser también un mandato que se debe obedecer; también alude a una agrupación religiosa, o incluso puede referirse al lenguaje clásico de la arquitectura.

Puede por tanto hacerse referencia al orden público, a una real orden, al orden establecido, a un orden del día, al orden cerrado, a una orden religiosa, al orden natural de las cosas o por supuesto a los órdenes toscano, dórico, jónico o corintio. Incluso uno puede colocarse en posición de a la orden, a sus órdenes, puede llamar a alguien al orden, o simplemente situarse en orden o poner algo en orden. Todo ello sin aludir al desorden, por no acabar sin orden ni concierto.

El orden, o su ausencia, es un campo fecundo para la arquitectura, un espacio abierto y versátil en el que pueden fluir múltiples investigaciones, múltiples visiones que superpuestas pueden abrir nuevos recorridos sobre este término fundamental para la arquitectura.

El propio Mies había expresado con vehemencia

“Espero que nadie se figure que la arquitectura tiene nada que ver con eso de la creación de formas, lo propio de los arquitectos es el orden”.

Una afirmación visible por ejemplo, en aquella obsesión geométrica de la rejilla de 24 x 24 pies que organizaba su campus para el Illinois Institute of Technology. Un papel milimetrado que instauraba un orden abstracto, una medición de la tierra, un tablero acotado en el que colocar los edificios.

¿Qué otra cosa puede ser la arquitectura sino honrar el orden?

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SUMARIO

Prólogo

– El orden. Íñigo Garcia Odiaga

Editorial

– Órdenes parciales. Ángel Martínez García-Posada

Artículos de investigación

– Laboratorios del vacío. El orden no construido de José Luis Fernández del Amo en Vegaviana. Sete Álvarez
– Complejidad, Caos y Entropía. O cómo entender el orden evolutivo de las ciudades. Francisco Javier Parada Pino
– La habitación india de Pierre Jeanneret en Chandigarh. Oljer Cárdenas Niño
– Cano Lasso y Elviña. Poniendo en orden la ciudad sobre el paisaje. Francisco Dinís Díaz Gallego
– La ordenación del espacio en la planta baja de la Casa de Suecia. Ismael Amarouch García
– Preciso, ampliado, redibujado, recordado. Una revisión del proyecto de Pym y Lawson para el Ulster Museum. Cecilia López Prego | Antonio S. Río Vázquez.
– Rethinking the concept of Order from a Systemic and Expanded vision of Architecture. Foundations and strategies for a new framework. Jon Arteta Grisaleña

Artículos de crítica

– Coyuntura. ¿De qué estamos hablando los arquitectos en Chile? Nicolás Valencia
– Prêt-à-porter y el orden del proyecto arquitectónico en la segunda era de la máquina.  Juan Diego López-Arquillo
– De un cuerpo a otro. Joaquín Ibáñez Montoya
– El orden en Arquitectura. Myriam Goluboff Scheps
– El caos necesario. Las ratas de Pruitt-Igo. David V. Martínez Villaescusa

Reseñas

– La obra conjunta de la Universidad Laboral de Zamora. Arquitectura civil y religiosa de la Fundación San José. Rafael Ángel García-Lozano. Alberto García-Samaniego Rey.
– Arquitectura, Diseño y Sociedad en la Temprana Edad Moderna (Guido Cimadomo, ed.). María Jesús García Granja.
– Wayfinding. The Art and Science of How We Find and Lose Our Way. Michael Bond. Ana Mombriedo.
– Salvador Pérez Arroyo. Escritos de un arquitecto (Eduardo Delgado Orusco, ed.) Alegría Colón Mur

Escuela de secundaria y edificaciones auxiliares del complejo escolar Bangre Veenem | Albert Faus Architecture

Una de las acciones más recientes del ministerio de educación de Burkina Faso en la lucha contra el abandono escolar ha sido la de unificar los centros educativos aislados en complejos escolares donde se imparta la formación desde Preescolar hasta la Secundaria.

El proyecto contempla la ordenación del nuevo Complejo Escolar Bangre Veenem a partir de la existente escuela de primaria del poblado de Youlou (Koudougou), así como la realización de la Escuela de Secundaria y las edificaciones auxiliares (cantina escolar, vestuarios de personal, garita, depósito de agua y otros espacios de servicio). En el futuro, la ONG y el Ayuntamiento de la ciudad deberán completar la intervención con la construcción de la Guardería y la Administración central del complejo.

La alcaldía y los vecinos han puesto a disposición del proyecto más de 8ha de terreno para poder completar la infraestructura, dado que las escuelas en los poblados de Burkina Faso usualmente se formalizan como múltiples pabellones en planta baja desperdigados en importantes extensiones de terreno.

La primera decisión ha sido compactar la propuesta a fin de reducir el ámbito de intervención en un 40% (5ha) con tal de afectar lo menos posible a los núcleos habitacionales existentes y a sus terrenos de cultivo. Además se ha optado por disgregar la propiedad en dos zonas, Norte y Sur, con un área “exterior” intermedia, una gran plaza pública de acceso pero también de tránsito, para evitar que el cierre perimetral convirtiera la escuela en una barrera de hasta 500 ml de costado.

El grueso de la intervención se concentra en la zona central del terreno, disponiéndose en tres franjas horizontales, donde la intermedia es el gran vacío de acceso, en la Norte se ubica la Secundaria, la administración central y sus espacios de aparcamiento, y en la Sur las construcciones para la Guardería, la Cantina y sus cuerpos auxiliares y de estacionamiento. Estas divisiones y el lugar en el que en ellas se disponen las edificaciones responde también a la presencia de unos Néré (Parkia biglobosa) majestuosos, a los que el programa pretende referenciarse.

La propuesta prevé la construcción de los edificios principales -Liceo, Guardería y Administración- con muros y bóvedas de ladrillos de tierra comprimida (BTC) y con una doble cubierta superior de protección, y los edificios auxiliares, junto con los muros de cierre que conforman la plaza central de acceso, en gruesos muros de piedra resistentes a la intemperie.

El Instituto de Secundaria se concibe como un único edificio. Los diferentes cuerpos que lo componen se sitúan bajo una gran carpa protectora, la cual se perfora en su cumbrera para iluminar y ventilar naturalmente la terraza interior de acceso a las aulas, y se deforma e interrumpe en su tramo central para proteger la construcción inferior y para dar lugar a la gran pérgola vegetal que cubre el acceso principal a sur.

La secuencia de aulas se dispone en dos alineaciones paralelas, orientadas a N-S, con una simple asimetría dimensional provocada por el número de clases que las componen. El volumen central de la pieza de despachos de dirección abandona dicha alineación, se avanza marcando las entradas a los diferentes ámbitos desde el acceso sur, se erige como tercera fachada de cada terraza interior (la cuarta sería el paisaje a Esto u Oeste) y genera un área posterior de profesores a norte.

Se plantarán numerosos árboles alrededor de las construcciones que permitirán crear amplias zonas de sombra natural y atenuar la temperatura y la presencia de polvo en el aire. De la misma manera, la gran pérgola de entrada al Instituto o las de las zonas de aparcamiento quedarán sombreadas gracias a las decenas de enredaderas plantadas a tal efecto. Pero eso ya será la próxima estación de lluvias. Mientras, estudiantes y bicicletas encuentran cobijo bajo los grandes Néré.

Obra: Escuela de secundaria y edificaciones auxiliares del complejo escolar Bangre Veenem
Emplazamiento: Koudougou, Burkina Faso
Autor: Albert Faus Architecture
Equipo: Albert Faus, Anton Pena, Giovanni Quattrocolo, Cecilia Martínez, María Lindón de Miguel, Aziz Ilboudo, Teresa Cruz, Alienor Goffart, Camie Deramaux, David Demange (Le Soleil dans la Main)
Estructura: otherstructures
Proyecto: 2018
Construcción: 2019
Client: ONG-D Le Soleil dans la Main (LUX)
Propietario: Ayuntamiento Koudougou
Funding: ONG-D ASDM + Ministère des Affaires Etrangères et Européennes (MAEE) du Luxembourg
Contratista: Concept Sarl (LYCEE) / EWK (Edificios auxiliares)
Superficie:

Secundaria_ Superficie construida 940,00 m2
Terraza exterior 435,00 m2.
Bajo techo 2.200,00 m2
Cantina_ Superficie construida 80,50 m2
Bajo techo 170,00 m2
Vestuarios _ Superficie construida 28,25 m2
Gatehouse _ Área construida 28,25 m2
Áreas de estacionamiento _ Área construida 610,00 m2
Edificio tanque de agua _ Superficie construida 60,00 m2

Fotografía: Milena Villalba

Arquitectura religiosa del siglo XXI en España

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Este libro presenta veintiséis espacios para el culto realizados en España durante los primeros años del siglo XXI. Su selección responde a una elección personal del autor, cuyo criterio se ha apoyado en valores estrictamente arquitectónicos.

Este libro presenta veintiséis espacios para el culto realizados en España durante los primeros años del siglo XXI. Entre las obras seleccionadas se encuentran veinticuatros iglesias católicas, una iglesia evangélica y otra levemente interconfesional.

Es difícil saber si estos edificios son realmente significativos de la reciente arquitectura religiosa española; en cualquier caso, su selección responde a una elección personal del autor, cuyo criterio se ha apoyado en valores estrictamente arquitectónicos. Y aunque no se hayan incluido mezquitas, sinagogas o templos de religiones orientales, podemos pensar que este conjunto de iglesias nos dice algo acerca de la situación actual de las religiones en España.

La arquitectura religiosa permite tomar el pulso de la sociedad en general, ya que condensa en sí misma una serie de valores que la hacen especialmente sensible para captar las sinergias de cualquier tejido social. Y esto por varios motivos: por su escala singular, porque apenas tiene programa y porque para mantenerla a lo largo del tiempo es necesaria la confluencia de muchas voluntades; porque trabaja con grandes vacíos, porque para formalizarla se requieren recursos constructivos no habituales y porque en ella la luz es el tema; porque comunica; y porque —en definitiva— aspira a ser sagrada.

Se recogen obras de AGi architects, Alejandro Beautell, Chérrez y Cantera, Eduardo Delgado Orusco y Javier Viver, Elesio Gatón, Elisa Valero, Erithacus arquitectos, Fernando Menis, Funcionable, Gimeno-Guitart, IMB arquitectos, OAB/Office of Architecture in Barcelona, Otxotorena arquitectos, Pablo Guillén, Pablo López Aguado, Pablo M. Millán, Rafael Moneo, Rubén Labiano y Jesús Bazal, T113 arquitectos, Tabuenca y Leache, Vicens + Ramos, VZ arquitectos.

El autor
Esteban Fernández-Cobián (Vigo, 1969). Doctor arquitecto, Premio Extraordinario de Doctorado de la Universidade da Coruña y Premio de Humanidades del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (2001).

Es Profesor Titular en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidade da Coruña (España), ha sido profesor visitante en el Alma Mater Studiorum-Università di Bologna y en la Pontificia Universidad Católica de Chile, y desde 2014 forma parte del cuerpo académico de la Universidad Popular Autónoma del Estado de Puebla (México).

Miembro del comité científico de la Fondazione Frate Sole (Pavia, Italia) y de los congresos internacionales Arte, Architettura e Liturgia nel Novecento (Venecia, Italia), desde el año 2007 organiza los Congresos Internacionales de Arquitectura Religiosa Contemporánea y edita el journal «AARC – Actas de Arquitectura Religiosa Contemporánea».

Es autor de numerosos textos académicos y ponencias en congresos. Entre sus publicaciones cabe destacar las monografías «Fray Coello de Portugal, dominico y arquitecto» (2001) y «El espacio sagrado en la arquitectura española contemporánea» (2005), así como las colecciones de artículos «Escritos sobre arquitectura religiosa contemporánea» (2013) y «Precisiones sobre arquitectura religiosa contemporánea» (2016).

Ficha técnica
Arquitectura religiosa del siglo XXI en España
Esteban Fernández-Cobián
Editor Universidade da Coruña. Servizo de Publicacións
Colección Monografías, núm. 164
N.º de páginas 248
Formato 22 x 22 cm.
Imágenes 300 aprox. Color y bn.
Encuadernación Rústica con solapas
Depósito legal C 2377-2019
ISBN 978-84-9749-759-6
Fecha de edición Mayo 2020

Afterword | Miquel Lacasta

Message From The Interior ed. Eakins Press, 1966. Primera edición de 12 grabados del fotógrafo Walker Evans, (St. Louis 1903, New Haven 1975)

La arquitectura es un tipo especifico de imaginación.

Así lo afirma Michael Hays en el texto Afterword que cierra el libro Constructing a New Agenda, Architectural Theory 1993-2009.1

Este tipo de imaginación es una combinación de sensibilidad, proyección y conceptualización, que organiza el mundo en categorías interrelacionadas de tiempo y espacio. Toda arquitectura surge de un substrato eminentemente complejo capaz de negociar con lo objetivo y lo subjetivo, capaz de construir una afirmación que involucra percepciones, imágenes, sistemas y códigos.

La disciplina de la arquitectura debe moverse con extrema rapidez entre la ética, la jurisprudencia, la gravedad y el clima.

Un determinado contexto de un simple ejemplo de arquitectura está envuelto por todas las fuerzas tecnológicas, estéticas, económicas, jurídicas y psicológicas que conducen la producción social de significados y que de hecho, de una cierta manera, articulan la historia. No solamente la historia de la arquitectura, sino que diría, la historia sin más.

La forma de la arquitectura, más allá de su geometría, viene determinada por las demandas y los reclamos de una sociedad, por sus patrones, sus productores, por sus usuarios y por el público, de una manera inclusiva y represiva a la vez. La arquitectura, al menos la buena arquitectura, es un deseo colectivo que se impone. Por tanto, por un lado es un aspiración social estructurada, con raíces y derivadas muy profundas, y por otro, siempre acaba excluyendo a un número importante de individuos, que lejos de haber aspirado o reclamado nada, se encuentran que de un día para otro, la realidad ha sido brutalmente transformada. Incluso en aquellos casos donde se desarrollan rigurosos procesos de interacción social,  de dialogo vecinal o de políticas de inclusión en la toma de decisiones, la arquitectura siempre se impone, como una especie de mazo implacable que transforma una calle, hace emerger una plaza o destapa un edificio.

En el contrato ciudadano que de forma implícita todos los individuos firmamos en el instante que tomamos la decisión de formar parte de una sociedad urbana, esa doble cara de la arquitectura, la inclusiva y la impositiva se suscribe también.

Visto así, la arquitectura tiene infinitos puntos de contacto con la realidad, ese sujeto dúctil y maleable de las mil caras, y posiblemente por eso mismo, existe la pulsión de escribir sobre arquitectura, para la arquitectura. Escribir de arquitectura la hace pensalbe, la ordena de forma compleja, la jerarquiza de manera dinámica, la posiciona cerca de sus estímulos, de sus fuentes de alimentación. Puede decirse también que escribir sobre arquitectura organiza una constelación de vectores que la identifican y determinan escenarios perceptibles.

Desde la década de los 60’s, y especialmente en los 70’s y 80’s, la arquitectura intenta hacerse escritura. Al principio reclama ser un lenguaje. Pero un lenguaje es un sistema compartido de preconcepciones y asociaciones construidas. Si aceptamos que cualquier caso individual de un sistema general usa partes de ese sistema para su configuración, sean estos códigos, tipos o estilos, la significación de cada parte, de cada fragmento, está cargada de una cierta ideología. Por tanto cada ejemplo individual de arquitectura es inescapablemente ideológico. Otra discusión es si la condición ideológica ha mutado de ser antiguamente un recipiente cerrado de conceptos y relaciones a contemporáneamente convertirse en una red maleable y abierta de nodos interconectados.

Sea como sea, la arquitectura, y su relato, su traducción pensable en lo escrito, es una compleja madeja de ideas ideologizadas. El cometido de la arquitectura en tanto que escritura, viene a ser la tercera dimensión a medio camino entre el horizonte social de un lenguaje generalista, y la particular y personal profundidad de un código individual.

En cierto sentido la escritura de la arquitectura abre un espacio donde lo ideológico, producto de dentro hacia fuera, y lo lógico, producto de fuera hacia adentro, se encuentran. Sólo así la arquitectura puede aspirar a ser escrutada, reflejada, transgredida y transcender su propia y mera condición física.

Si estas afirmaciones, que voy traduciendo y ampliando libremente del texto antes referido, tienen alguna potencia, esta es la de activar los mecanismos de comprensión de lo que llamamos el acto de proyectar. Toda arquitectura es antes un proyecto de arquitectura. Es decir, toda construcción física en el espacio y en un tiempo determinado, ha sido antes proyectada, construida en la mente, dibujada con unos códigos de representación muy precisos y lanzados, por tanto proyectados, a un futuro próximo, con la esperanza de que se transformen en un cuerpo físico. La escritura de la arquitectura también es en cierta manera una forma de proyectar, de lanzar los porqués de la arquitectura hacia delante. Convertirlos en cabeza de  puente hacia el siguiente hito, dirigirlos hacia el próximo reto. Avanzarlos hasta el siguiente muro conceptual infranqueable.

Quizás por eso, un escrito de arquitectura debería marcar antes un camino y situarse en forma de epílogo, o de afterword, que situarse al principio, en forma de prólogo.

Miquel Lacasta. Doctor arquitecto
Barcelona, octubre 2013

Notas:

1 SYKES, Krista A. Ed, Constructing a New Agenda, Architectural Theory 1993-2009, Princeton Architectural Press, Nueva York, 2010

 

Las cafeteras de Aldo Rossi | Borja López Cotelo

Aldo Rossi

Las cosas no siempre son lo que parecen. Una cafetera, por ejemplo, puede ser la puerta de entrada a un hombre y a una época1. En los dibujos de Aldo Rossi aparecen de manera recurrente anónimas cafeteras como fantasmas de un pasado recordado entre la niebla del Po. Del mismo modo que sus bocetos de maniquíes aluden a esa Clase Muerta de Kantor2– intuimos, a lo lejos, la Europa convulsa y dadaísta de los albores del siglo XX-, del mismo modo que las sombras largas de sus bocetos remiten a óleos de De Chirico3 o a esa Siena vista a través de los ojos de Louis Kahn4, las cafeteras dibujadas por Rossi son un retazo más del mapa de su pensamiento, tal vez un simple objet trouvé5. Cuando Alessi encargó a Aldo Rossi el diseño de una cafetera, el terreno estaba abonado.

Aldo Rossi. Dibujo fechado en 1989

La primera cafetera diseñada por Aldo Rossi no suponía un avance en el mecanismo del aparato, no tenía un diseño ergonómico ni optimizaba el uso del material. Era casi una relectura de esa Crítica al Funcionalismo Ingenuo6 postulada por el milanés en su Arquitectura de la Ciudad. Ni Alessi ni Rossi pretendían lograr con ella nada más que aquello que consiguieron; el primero, transformar instrumentos cotidianos en obras de arte o, al menos, en objetos codiciados por coleccionistas.

A. Rossi. Boceto de ‘La Conica’, 1982. Por fondazionealdorossi.org

Rossi, por su parte, logró convertir una cafetera en un manifiesto.

A. Rossi, ‘La Conica’, en tamaño para 3 y 6 tazas

En 1984, el arquitecto diseñó La Conica, un diseño elemental en acero inoxidable con fondo de cobre. Su geometría pura –un cono que descansa sobre un cilindro- parece aludir al corbusieriano

juego sabio, correcto y magnífico de los volúmenes reunidos bajo la luz7,

aunque tal vez su génesis haya que buscarla más lejos, en esa generación perdida del Dieciocho francés que imaginó cenotafios y bibliotecas; en su autobiografía, Rossi se defiende: sólo había sido ‘traductor de Boullée8. La Conica despertaba recuerdos; su figura era familiar, como si hubiese flotado lánguida sobre las aguas del Gran Canal cinco años antes9. La mente de Rossi no estaba formada por compartimentos estancos, sus formas viajaban de un lado a otro con una promiscua voluntad transdisciplinar.

A. Rossi. Boceto de ‘La Conica’, 1984. Por fondazionealdorossi.org

Hacia el final de la década de 1980, Alessi encargó un nuevo diseño al arquitecto italiano. Rossi no defraudó; diseñó una pequeña cafetera de acero10 con cuerpo cilíndrico que sostenía una pieza ovoide, y la llamó La Cupola. El nombre es, como el título de una obra surrealista11, parte del juego: se trata de la misma cúpula que destaca en el perfil de esas ciudades italianas en las que Rossi encontró sus ogetti d’afezione12, tal vez incluso la misma a la que Taut alude en su Stadtkrone13.

A. Rossi. Dibujo de cafetera, 1984

Esa imagen alimentó durante décadas sus proyectos, junto a casetas de playa, chimeneas fabriles a orillas de la carretera o casas abandonadas en el llano de Padania. Y como La Conica, también La Cupola se filtró hasta los proyectos de Rossi14 a través de unas manos que dibujaban una y otra vez las mismas obsesiones:

En los ratos que pasaba en la gran cocina de S., junto al lago de Como, dibujaba durante horas y horas, de un modo absolutamente espontáneo, cafeteras, pucheros, botellas. Me gustaban especialmente, por sus extrañas formas, las cafeteras esmaltadas en azul, verde, rojo; eran una especie de miniatura de las fantásticas arquitecturas con las que me iba a encontrar después. Hoy todavía me gusta dibujar esas grandes cafeteras que se convierten, en mi imaginación, en estructuras de ladrillo por cuyo interior se puede caminar15.

A. Rossi. Estudio para cafetera, 1980. Por fondazionealdorossi.org

Pero, al fin y al cabo, una cafetera es una cafetera. O quizá no sea siquiera eso, quizá sea sólo una disculpa para alimentar nuestra imaginación, para cerrar los ojos y entrever a Rossi sentado en un extremo de la mesa, enfrentado -como Don Juan y el comendador en el acto final del drama16– a Kantor y Le Corbusier, a Boullée y De Chirico.

A. Rossi. Dibujo de ‘La Cupola’

Con La Conica en medio para servir café a los comensales, echando a suertes quién arrastrará a quién a los infiernos.

‘La Cupola’ en tamaño para 1,3 y 6 tazas

Borja López Cotelo. Doctor arquitecto
A Coruña. Diciembre 2012

Notas:
1. A esa época de la que, según nos advierte Hakon Ahlberg, ‘ningún artista está libre’. AHLBERG, H. (1982). Gunnar Asplund, arquitecto.1885-1940. Murcia, Comisión de Cultura del Colegio Oficial de Aparejadores y Arquitectos Técnicos, p. 9
2KANTOR, T. (2010). La clase muerta. Barcelona, Alba Editorial. La obra fue escrita en 1975.
3. Es interesante destacar que, aunque Rossi reconoció a menudo la influencia de numerosos pintores en su obra, desde Mantegna a Antonello da Messina, paradójicamente no mencionó a Giorgio de Chirico.
4. HOCHSTIM, J. (1991) The paintings and sketches of Louis Kahn. Nueva York, Rizzoli
5. De nuevo el surrealismo- Duchamp, Man Ray, Picabia-… ¿Serán los bocetos de Rossi una ventana a lo que Roger Connah denomina ‘la Grutadel Dadá’?
6. Dicho texto forma parte de la obra de Aldo Rossi. La arquitectura de la ciudad. Barcelona, Gustavo Gili, [1971]1999, pp.81-84
7. JEANNERET, Charles-Édouard [1977]1978: Hacia una Arquitectura. Barcelona, Editorial Poseidón, p.16. En la misma obra, publicada por primera vez en 1923, el autor afirma: ‘Las formas primarias son las formas bellas puesto que se leen con claridad’. Ver Ibid., p.13
8ROSSI, A. [1984]1998. Una autobiografía científica. Barcelona, Gustavo Gili, p.24. El libro fue publicado por primera vez en 1981 por el MIT.
9. En 1979, Rossi diseñó un teatro flotante para la Bienal de Teatro y Arquitectura de Venecia. En su coronación, como en la cafetera diseñada para Alessi, un tejado apuntado –piramidal en el Teatrino, cónico en la cafetera- rematado con una esfera, tal vez una alusión a la coronación dela Dogana.
10. A diferencia del modelo anterior, Rossi incluyó en La Cupola piezas plásticas en el asa y el remate que facilitaban su manipulación.
11. ¿Se puede entender la Fuente de Duchamp sin su título? ¿Estaría completo Ceci n’est pas une pipe sin la valiosa pista que Magritte nos da con esa frase?
12. Rossi, A. (1979). ‘La arquitectura análoga’. en 2c Construcción de la ciudad, No.2, pp.8-11
13. A este texto, publicado en 1919, concede Kenneth Frampton una importancia ‘seminal’ en la obra del maestro alemán. FRAMPTON, K. (1999). Estudios sobre cultura tectónica. Madrid, Ediciones Akal, p. 239
14. Es notable la similitud de la pieza principal del Bonnefanten en Maastricht y el diseño para Alessi.
15. Esta afirmación de Aldo Rossi es señalada en MONEO, R & V. SCULLY (1986). Aldo Rossi. Obras y Proyectos. Barcelona, Gustavo Gili, pp.249-250. La cita está extraída de la Autobiografía científica del italiano.
16. DE MOLINA, Tirso (1996). El burlador de Sevilla. Madrid, Espasa Calpe. La obra, atribuida a este autor, fue publicada por primera vez en la primera mitad del siglo XVII.

Colección completa de la revista L’Architecture Vivante (1923-1932)

Colección completa de la revista L’Architecture Vivante (1923-1932)

La revista L’Architecture Vivante fue una publicación de vanguardia que se desarrollo desde 1923 hasta 1932 y que consta 21 volúmenes dobles (42 números). Las publicaciones especializadas de arquitectura facilitan la difusión de ideas, métodos y técnicas del período concreto de su existencia. Sus contenidos, analizados al cabo del tiempo, conforman un atlas de pensamiento capaz de enmarcar la interpretación social de un contexto espacio-temporal bajo el prisma de lo constructivo.

Jean Badovici funda en 1923, junto al periodista Christian Zervos, la revista L’Architecture Vivante (1923-1933) editada por Albert Morancé. La aparición en sus páginas de una arquitectura técnicamente bien definida, acompañada de reseñas redactadas con rigor crítico por su director, o por los propios autores de las obras, hicieron de ella un instrumento prestigioso de propagación de las nuevas ideas entre el público profesional. Una relectura contemporánea de los textos y proyectos publicados, permite detectar el itinerario intelectual llevado a cabo por sus responsables respecto al convulso y cambiante entorno arquitectónico europeo en el que fijaron su mirada. En esa evolución, manifestada en apenas el período de una década, hay que subrayar el protagonismo adquirido por la obra de Le Corbusier que, a partir del cierre de L’Esprit Nouveau en 1925, no dudó en considerarla una excelente herramienta de exposición al debate de sus ideas, incluyendo en ella los proyectos y escritos realizados en pro de una arquitectura moderna.

Badovici mantuvo contactos con revistas europeas de vanguardia como Wendingen (Países Bajos) y Cahiers d’art (Francia, fundada en 1926) a través de su amigo y cofundador Christian Zervos.

La revista ha sido digitalizada por la biblioteca de la Ciudad de Arquitectura y Patrimonio y puede consultarse en su portal documental.

Acceso a la base completa AQUÍ

La información ha sido recopilada por Eduardo Almalé Artal tras rastrearla a través principalmente de bibliotecas y archivos. Los siguientes repositorios son solo algunos de ellos:

– Archive
– Monoskop
– US Modernist
– IADDB
– Heidelberger historische Bestände – digital
– Hemeroteca digital

Vivienda en San Vicente de Paul | Balzar Arquitectos

Vivienda en San Vicente de Paul | Balzar Arquitectos
Vivienda en San Vicente de Paul | Balzar Arquitectos

El proyecto realizado consiste en la reforma de una vivienda unifamiliar situada en un barrio periférico de la ciudad de Valencia.

La vivienda se ubica en una de las esquinas de una agrupación de casas en hilera, que conforman parte de un complejo residencial creado a principios de este siglo.

Vivienda en San Vicente de Paul | Balzar Arquitectos
Vivienda en San Vicente de Paul | Balzar Arquitectos

La nueva distribución de la planta baja dibuja un espacio continuo en el que la cocina y el salón están separados únicamente por elementos de mobiliario, que se disponen en el centro del espacio, junto con una chimenea a dos caras.

La materialidad seleccionada para el proyecto busca crear una atmósfera serena y pulcra sobre la que destacan distintos elementos singulares, que se presentan como piezas de arte.

Obra: Vivienda en San Vicente de Paul
Autor: Balzar Arquitectos
Ubicación: Valencia | España
Año Proyecto: 2019
Año Construcción: 2019 | 2020
Superficie Construida: 270 m2
Colaboradores: Project Manager, Israel Pérez | Tesela Gestión, Carpintería Miguel Garrido, Mobiliario: Andreu World
Fotografía: David Zarzoso
+ balzararquitectos.com 

II Premios Ciudad

Open House Madrid anuncia la II Edición de los Premios Ciudad que reconocen las propuestas más innovadoras, sociales y comprometidas que marcarán el futuro de las ciudades.

Las ciudades, más que nunca, se enfrentan a una serie de desafíos. La globalización y la revolución tecnológica, entre otros factores, están generando cambios económicos y sociales que exigen nuevas respuestas. Para atender a estas nuevas necesidades aparecen iniciativas emprendedoras que ponen el foco en solucionar problemas concretos, principalmente a través de la innovación.

Los Premios Ciudad reconocen la creatividad, el diseño y la sostenibilidad como factores esenciales para aportar calidad de vida a los ciudadanos. Con ellos se trata asimismo de fomentar la cultura del diseño y de la innovación en España, tanto en el ámbito profesional como en el conjunto de la sociedad en general.

Los galardones se dividen en cinco categorías:

Mejor diseño urbano,

Mejores propuestas de movilidad,

Mejor solución innovadora,

Mejor compromiso ciudadano

y Mejor uso de las redes sociales.

El premio consistirá en un galardón que se entregará en un acto que tendrá lugar durante la celebración de la Edición Especial de Open House Madrid, lo que contribuirá a poner de relieve la labor de los premiados.

Podrán participar estudiantes, ciudadanos, colectivos, empresas o profesionales que trabajen, investiguen o desarrollen iniciativas urbanas.

Aquellos que cumplan con las condiciones fijadas en las bases, disponibles en openhousemadrid.org, podrán presentar sus pAquellos que cumplan con las condiciones fijadas en las bases, disponibles en openhousemadrid.org, podrán presentar sus propuestas antes del 20 de julio de 2020 en el email hello@openhousemadrid.org.

Arquitecto Carlos Jiménez reflexiones en Argentina. Renacer desde la memoria | Luis Alberto Monge Calvo

Durante los días 4 y 10 de octubre de 2019 fue posible compartir en Argentina con el arquitecto Carlos Jiménez1, y asistir a tres de sus charlas2, primero en la ciudad de Mendoza y posteriormente en Buenos Aires. Es con base en esta experiencia que se extraen las principales reflexiones que sirven de hilo conductor en la obra de este arquitecto costarricense radicado en Texas. Jiménez fue jurado del premio Pritzker por diez años, es arquitecto en Houston desde 1982, y profesor de la universidad de Rice3 en los Estados Unidos.

Arquitecto Carlos Jiménez reflexiones en Argentina. Renacer desde la memoria | Luis Alberto Monge Calvo
Charla en Mundaneum Mendoza 4 de octubre | Fotografía: Luis Alberto Monge Calvo
COSTA RICA

Carlos Jiménez vivió sus primeros 15 años en Costa Rica, su estadía se dividió entre su temprana infancia en el campo en medio de cafetales y los años posteriores en la ciudad de San José, pero fue su prematura relación con la naturaleza la que lo marcó en su ideario arquitectónico hasta la actualidad. De manera muy simple Jiménez explica como ese mágico lugar de su infancia vive aun en su memoria:

“Siempre digo que a mi país es difícil regresar, pero nunca se puede partir de él, y a pesar de como digo que no puedo regresar nunca a él, no me he marchado tampoco”.

Él considera que en Costa Rica la naturaleza se entiende como un regalo, pero también como algo imborrable, destaca que para los ticos4

“la naturaleza abundante se vierte casi dentro de la sangre, existe entre los poros, entre toda vivencia y memoria”.

Por eso no es de extrañar que uno de sus más arraigados recuerdos sea que a pesar de la contundencia de la lluvia que inundaba todo a su paso, la arquitectura parecía renacer cada día, hecho que recuerda muy poéticamente al decir:

“Como si la arquitectura se tratase de una historia de Sherezade5 donde de pronto empieza todo de nuevo, porque para sobrevivir se debe continuar una y otra vez esa historia magnífica”.

Arquitecto Carlos Jiménez reflexiones en Argentina. Renacer desde la memoria | Luis Alberto Monge Calvo
Charla en Mundaneum Mendoza 4 de octubre | Fotografía: Luis Alberto Monge Calvo

Posteriormente se traslada a la ciudad de San José después de la muerte de su padre, de aquella ciudad recuerda que le encantaba, pero por la fuerza de la ciudad, no tanto por su belleza, la capital costarricense nunca ha sido una ciudad particularmente bella, y de hecho no da signos de mejoría para Jiménez, pues cuando se refiere a la ciudad actual sus palabras parecen estar a medio camino entre la nostalgia y la desilusión:

“Ahora no la reconozco porque es una ciudad del capitalismo y del turismo desenfrenado, pero ésta era la ciudad que me fascinaba”.

HOUSTON

Por las circunstancias de la vida en 1977 llega a Huston cuando aún es joven, y encuentra una ciudad que rechaza, que no entiende, que le parece: escalofriante, sin referentes, y sumamente áspera. Para él esta ciudad es capaz de reflejar por si sola a un capitalismo sin restricciones y cómo el mundo ha llegado a ser insostenible. En este sentido considera que la ciudad de Houston se puede definir como

“una ciudad del mercado, creada por el mercado, por la voluntad del mercado”,

y desde su punto de vista es sin duda la ciudad más proto-capitalista que hay, y es también el fiel reflejo de todo lo malo que tiene el capitalismo.

Para Jiménez esta idealización del sueño americano en la ciudad de Houston se terminó convirtiendo más bien en una pesadilla, de la que no se pueden despertar, y esto queda en evidencia al advertir que allí:

“las personas pasan dos o tres horas en el tormento del automóvil moviéndose de un garaje hacia otro garaje, eso y las hipotecas son el precio que pagan por el sueño americano”.

En una ciudad que consume todo de una forma tan voraz e incontrolable los edificios también son víctimas que caen derribados simplemente para hacer más espacio para los automóviles o para nuevos edificios, generando una especie de amnesia urbana, una pérdida de memoria colectiva y de olvido de referentes urbanos. Agrega a esta idea –

“que los edificios que se ven en las fotos antiguas no existen más, han sido borrados completamente”.

Arquitecto Carlos Jiménez reflexiones en Argentina. Renacer desde la memoria | Luis Alberto Monge Calvo
Charla en la Universidad de Belgrano 7 de octubre | Fotografía: Luis Alberto Monge Calvo

Esta era la imagen preponderante de la ciudad que se encontró Jiménez al llegar a Houston, y esa condición de desperdicio le causó gran impacto, principalmente porque era contraria al respeto por la naturaleza que aprendió en Costa Rica. Para él, este capitalismo sin regulaciones que se vivía en Houston terminó creando una fórmula muy peligrosa que se podría definir como:

“memoria corta igual a ganancia inmediata”.

Y es esta falta de memoria es imperdonable para Jiménez, quien considera que la memoria es indispensable,

“pero hoy en día somos víctimas de la amnesia debido a que vivimos sólo en el presente”.

Este sería un mundo de presente eterno, sin pensar en el futuro, ni recordar el pasado.

ESTUDIOS

Carlos Jiménez estudió en la Universidad de Houston principalmente durante los convulsos años setenta, sobre este clima intelectual se refiere al decir:

“Cuando fui estudiante, me acuerdo muy bien del clima cataclísmico de la arquitectura, por un lado, un rechazo de la arquitectura moderna, pero también existía una búsqueda en el pasado, pero sin entender el pasado, con un futuro, pero sin comprender el futuro, simplemente eran imágenes que se proyectaban con esa audacia del momento”.

Durante sus años de estudiante no se sentía muy cercano a estas tendencias, a esos fuegos artificiales como él los llama, se interesaba más bien en una arquitectura con mayor profundidad y alejada de lo que consideraba una búsqueda superficial de imágenes que saturaba al mercado. Por lo que decide alejarse de las preferencias de sus maestros y gracias a su propia curiosidad descubre a tres arquitectos que marcaron su obra desde entonces: Luis Barragán (1902 – 1988), John Hejduk (1929 – 2000) y Aldo Rossi (1931 – 1997).

“Estos tres arquitectos me enseñaron cada uno algo que nunca me ha abandonado: Luis Barragán nos demostraba que es posible con la arquitectura encontrar un santuario, un santuario dentro de la metrópolis, encontrar un lugar donde se puede apreciar el tiempo. Aldo Rossi permite que la arquitectura no se convierta en un objeto principal o protagónico (…) para él la arquitectura es básicamente el fondo para la vida. Y John Hejduk me enseñó a ver la capacidad de la arquitectura para desatar una línea poética de la cual muchas veces no se puede hablar, sino simplemente hay que vivirla”.

Arquitecto Carlos Jiménez reflexiones en Argentina. Renacer desde la memoria | Luis Alberto Monge Calvo
Conferencia en la universidad de Buenos Aires 9 de octubre | Fotografía: Luis Alberto Monge Calvo

Jiménez afirma que fue gracias estos maestros que aprendió a sobrevivir en la ciudad de Houston, proceso que fue alimentado por sus memorias de la infancia en Costa Rica. En retrospectiva recuerda que en un punto de su vida pudo entender a su ciudad adoptiva:

“vi de pronto que Houston tenía esta belleza incontenible, pero que no se podía ver de inmediato, que necesitaba tiempo”.

Es precisamente al encontrar esta nueva cara de la ciudad que decide emprender la aventura que se convertiría en la semilla germinal de toda su carrera: su propio estudio – casa.

FILOSOFÍA ARQUITECTÓNICA

Tal como se mencionó antes, entre los recuerdos de Jiménez en Costa Rica estaba la lluvia inundando todo, estas imágenes de alguna manera parecen inspirar constantemente su obra bajo un simple concepto:

“lo que me fascina de la relación entre el paisaje y lo construido, es precisamente ese renacimiento propio cada día (después de la lluvia), de esa posibilidad que brindan la arquitectura de resurgir”.

Este pensamiento del resurgir de un lugar, sumado al enfrentar la condición de desperdicio de Houston, llevan a Carlos Jiménez a plantear su arquitectura desde la idea de preservar la memoria de los lugares a través de su arquitectura, lo que quiere decir que apuesta por condiciones espaciales del lugar que no son visibles a simple vista, y concibe a los edificios como los instrumentos ideales para hacer visibles esas condiciones.

Es así como el propio terreno abandonado se convierte de nuevo en esa célula que hace crecer la obra, para él la arquitectura es un instrumento para renacer los lugares, para darles una segunda vida. En sus propias palabras lo sintetiza de esta manera:

“lo que hacemos es transformar esa condición de un lugar que no tiene casi huellas, encontrar sus huellas desde la memoria hacia el futuro. Hemos diseñado todo tipo de proyectos en que respetamos esa idea del futuro, pero no armados por una propuesta estilística del futuro vanamente proyectada”, -tal como él la percibió en su época de estudiante, sino que invierte, por así decirlo, en el futuro a través del pasado”.

Arquitecto Carlos Jiménez reflexiones en Argentina. Renacer desde la memoria | Luis Alberto Monge Calvo
Mesa Redonda en la universidad de Buenos Aires con los arquitectos Álvaro Rojas y Fredy Massad | Fotografía de Luis Alberto Monge Calvo

Sobre su profesión el arquitecto opina:

“Para mí en arquitectura la reflexión es tan importante como la construcción, por eso la arquitectura siempre ha sido una forma de mirar el mundo, de entender el mundo, para mí, la arquitectura es una forma de apreciar, de investigar, de descifrar, de enfocar y de descubrir el mundo y en esa situación es importantísima la reflexión constante”.

En relación con esto recuerda que Rossi escribió lo siguiente:

“Tal vez la observación de las cosas, ha sido mi más importante educación formal, porque esa observación se transforma después en memoria, y ahora al pasar los años parece ser que veo todas estas cosas y las observo alineadas nítidamente como si fueran un diagrama, o un catálogo botánico, tal vez un diccionario, pero este catálogo que existe entre la imaginación y la memoria no es neutral, siempre reaparece en varios objetos y constituye su deformación y de cierta forma su evolución”.

Finalmente, es evidente que su casa – estudio es la semilla de su teoría arquitectónica, la cual ha ido reproduciéndose en toda su obra construida, pero continua como obra abierta, como un vínculo constante con su memoria y sus raíces, a este respecto comenta lo siguiente:

“Mi casa continúa creciendo, los espacios se transforman o se añaden, este proyecto tiene ya 36 años y nunca se termina, me imagino que algún día llegará la oportunidad de concluirla”.

Este rescate de la memoria es una posición muy importante viviendo en una ciudad como Houston con amnesia, en donde todo se destruye y nada se recuerda, para esto Jiménez plantea algo que suena más como una proclama, pero que sirve para resumir sus ideales de su arquitectura:

“mi posición es la de invertir en el tiempo, por esta fascinación del tiempo mismo, memoria por encima de la ganancia inmediata”.

Arquitecto Carlos Jiménez reflexiones en Argentina. Renacer desde la memoria | Luis Alberto Monge Calvo
Casa Estudio de Carlos Jiménez en Houston: Las fotografías de la casa son de Paul Hester de la empresa Hester + Hardaway, liberadas por Carlos Jiménez Studio 
Notas:

1 Carlos Jiménez nació en San José, Costa Rica en 1959 y se trasladó a los Estados Unidos en los setenta. Es docente de grado y de postgrado, inició su carrera docente en RICE como crítico invitado en 1987 y desde 1997 es Profesor Titular. Es el arquitecto principal en Carlos Jiménez Studio una firma de arquitectura de Houston fundada en 1983, internacionalmente reconocida y ganadora de premios. Jiménez también fue jurado de los afamados premios Pritzker de arquitectura (2001-2011).
2 Mundaneum Mendoza (4 de octubre), Universidad de Belgrano (7 de octubre), y Universidad de Buenos Aires (9 de octubre).
3 La Universidad William Marsh Rice, conocida como Universidad Rice, es una universidad privada ubicada en Houston, Texas.
4 Tico es un gentilicio coloquial sinónimo de costarricense, originario de Costa Rica.
5 Sherezade es el personaje y la narradora principal de la recopilación de cuentos en farsi titulada Las mil y una noches.