Una exposición en el Canadian Centre for Architecture (CCA) hasta el 17 de Enero de 2010 que analiza la presencia del color en la arquitectura, prestando especial atención al uso del color rosa.

+ www.cca.qc.ca

La Casa das Artes de Vigo acogerá una retrospectiva de la obra de Maruxa Mallo. Incluye alguna de las obras fundamentales de la artista que estaban en paraderodesconocido en el año 1993, cuando el CGAC le dedicó a súa exposicióninaugural la figura de Maruxa Mallo. A Casa das Artes de Vigo acogerá, hasta el mes de enero, «la mayor y más exhaustiva retrospectiva» dedicada a la artista lucense Maruxa Mallo, una de las figuras máis importantes del surrealismo y las vanguardias históricas internacionales.

La muestra pretende establecer un detallado recorrido por la trayectoria de la artista, centrado tanto en su pintura, como en el dibujo o en los esbozos, puntualiza el comunicado de Caixa Galicia, entidad organizadora. Mallo fue una pioneira de la vanguardia española del primer tercio del siglo pasado, ligada a la generación literaria del 27, y su obra alcanzó un extraordinario desarrollo durante su exilio en Buenos Aires

+ www.lavozdegalicia.es

Cómo pintar olas mecánicas. Tomás Ondarra (Bilbao, 1963) se ha dejado hipnotizar por el movimiento del mar en las playas de medio mundo. De toda la fuerza del paisaje marino, se ha quedado con lo más sutil: las caprichosas formas de la espuma que las olas forman al romper en la orilla. La exposición La mar de mares muestra ahora cómo ha plasmado esas fracciones de los océanos en una colección de medio centenar de pinturas. «Intentan expresar mi sentimiento por el mar», explica.

Ondarra, redactor jefe de infografía de EL PAÍS, ha fotografiado la orilla del mar en cada país que ha pisado en los últimos 10 años, registrando «cada nueva creación que el oleaje regala». Cuando quiso pintar marinas, intentó dibujar el cielo, la playa, los acantilados y la línea del horizonte, pero no encontró el camino. Renunció entonces al paisaje y se volcó sobre las imágenes digitalizadas del mar para superar la frustración. En la espuma de las olas encontró la abstracción de los paisajes marinos que buscaba. Las imágenes, escribe el autor en el catálogo, son «la recreación de un movimiento de avance y retroceso infinito», «la creación que sucede a la destrucción».Las pinturas de La mar de mares muestran el resultado de dos años de trabajo. Como buen dibujante tradicional, Ondarra trabajó con un simple lapicero para llevar las curvas de la espuma de las olas que encontraba en su archivo de fotografías hasta los lienzos, pero también empleó la tecnología de la impresión digital. Sobre la base artesanal o mecanizada utilizó los pinceles para pintar con óleos o con acrílicos sin reglas previas. «La pintura sobre pintura resultó el imprescindible pago de intentar pintar el mar sobre el mar. La ola sobre el fondo, la espuma sobre la ola, y sobre la espuma, nada», indica el autor. «Son pinturas mitad manuales, mitad digitales. El trabajo puede mezclar las impresiones digitales, el óleo o el acrílico, da igual. La base de todas las obras es el dibujo, que luego se acaba con una máquina o con pinceles».La espuma de las pinturas de Ondarra es siempre blanca, y él la recrea pensando en que son «heridas de un mar que no está herido», pero sus mares son de muchos colores. «En el mar, el color es cambiante, es un juego de transparencias», dice. En sus cuadros, lienzos de mediano y gran formato, se muestran fragmentos de mares en los distintos tonos de azules y verdes, pero también rojos, naranjas, amarillos, grises, y hasta llegan a la neutralidad del negro. A veces se combinan en mosaicos de distintos colores o se ven a través de un imaginario ojo de buey. Las pinturas recuerdan que la luz del sol y los fondos alteran el color del mar, que también cambia con la mirada del espectador.

Aula de Cultura de la BBK
Hasta el 9 de enero.

+ www.elpais.com

El artista ferrolano Juan López expone en la galería Sargadelos un proyecto que combina pintura y música. Para este ferrolano del 73, «el arte puede cambiar las cosas». Y así se plantea sus proyectos, alejados de etiquetas y centrados en profundizar en su visión de las cosas a través de varias disciplinas. Sobre todo, la pintura y la música. Como los que dan forma al Proyecto Leteo que, hasta el 31 de enero, expone en la galería Sargadelos de Ferrol.

«-¿Qué nos vamos a encontrar en este Proyecto Leteo?

-Surge a partir de unos textos que escoge el pintor Manolo Quejido, en un taller el Macuf (Museo de arte contemporáneo de Unión Fenosa). Y a partir de esos textos que le pido que escoja y grabe, surge la música y la pintura. Hablan de la sociedad del bienestar, del efecto alienante que provoca en las personas y de lo difícil que es romper este sistema, y la pregunta clave es qué papel juega el arte dentro de la sociedad. El arte siempre es crítico y nos posiciona en otra postura, pero por otro lado también está mercantilizado. Y esto me lleva a una visión bastante horrorosa: si esto no podemos cambiarlo con el arte, ¿con qué lo vamos a cambiar? Se llama Leteo porque es el río del Hades en el que las almas bebían para olvidar y para reencarnarse. Y eso es lo que yo hago en cada proyecto: desaprender lo aprendido, olvidarse para recordarse otro y seguir creyendo y creando.

– ¿Y cómo responde el público?

-De momento, bastante bien. Es una instalación más que una exposición al uso, los cuadros están en forma de pirámide en una esquina, lo que genera cierta sorpresa a la gente que entra en la galería.

-Habría que definirte como un artista multidisciplinar, ya que la música que suena en la muestra la has compuesto tú..

-Sí, soy licenciado en Historia del Arte y en Historia y ciencias de la Música, soy profesor de música. Lejos de acotar significados, unir dos disciplinas, lo que hace es abrir campos. La gente suele usar mucho las etiquetas, y a mí me da igual que le llaméis a esto música o pintura, lo importante es lo que se ve.

-El año pasado, el proyecto fue Termini-Cavour, que se pudo ver en Santiago, ¿cómo lo explicaría?

-Son dos estaciones de metro de Roma. Siempre voy con la grabadora, en plan Mapa de los sonidos de Tokio, pero desde hace más tiempo. Es lo que se llama música concreta, y aquí recogí el recorrido de una estación a otra. Había una pobre pidiendo en el vagón, y la sensación que yo tuve fue de que nos movemos en el tiempo y el espacio, pero todo sigue igual.

-Vas creando año a año, pero con esta crisis, ¿es más complicado o siempre se puede usar el arte como un revulsivo?

-Pese a esa visión que comentaba antes, yo sigo pensando que el arte cambia las cosas, y sigo trabajando para cambiar algo, aunque sea muy pequeñito, en la gente que vea o escuche lo que hago. Y soy optimista, si no lo dejaría. Quizás en momentos como este, textos como los que ha escogido Manolo Quejido, que son muy sesenteros y un poquito marxistas, cobran más sentido. Hay que revolverse un poquito para cambiar las cosas, y mirarnos desde fuera para poder cambiar algo.

+ www.lavozdegalicia.es

El Museo de Belas Artes reúne a los mejores pintores de los últimos setenta años en «De Picasso a Barceló» Empezó juntando cromos de fútbol (su gran pasión), y ahora es uno de los mayores coleccionistas de arte de España. El catalán Manel Mayoral presentó ayer en el Museo de Belas Artes la exposición De Picasso a Barceló , una selección de cuarenta obras pertenecientes a sus fondos personales, y que están firmados por 26 de los artistas españoles más importantes de los últimos setenta años, como Dalí, Miró, Chillida, Clavé, Millares, Tàpies o Saura, entre otros.

Con un gran humildad, Mayoral explicó que él siempre se ha ilusionado con las cosas más sencillas -citó como ejemplo cuatro banderines de fútbol que se llevó de un viaje a A Coruña- y que esta obsesión por disfrutar cada momento con las cosas que le gustan le llevó a comenzar una colección, «que he disfrutado mucho haciendo». El galerista catalán quiso destacar en especial tres piezas de esta muestra, que también marcan otras tantas épocas cronológicas en los movimientos artísticos de los últimos setenta años. El primero es un cuadro de la plaza de San Marcos de Venecia firmado por Dalí; una obra de Genovés es el segundo cuadro más importante, mientras que el tercero es un vestido que pintó Barceló, y que se exhibe en una gran vitrina de cristal, para que se puedan ver ambas caras.Además de su hijo Jordi Mayoral, en la inauguración de ayer también se contó con la presencia de la directora de la pinacoteca coruñesa, Ángeles Pena, y del conselleiro de Cultura e Turismo, Roberto Varela, que con este acto se estrenó por primera vez en el Museo de Belas Artes. El representante autonómico destacó la importancia de contar con una colección de este calado, «que amosa o traballo de Manel Mayoral, no que culmina o seu gusto persoal e o coñecemento experto». Asimismo, agradeció al coleccionista catalán su generosidad, «e a oportunidade que nos ten brindado de gozar dunha parte selecta da súa valiosa colección de arte español».

+ www.lavozdegalicia.es

Bajo este título, la obra del pintor Fernando Prieto será mostrada en el Palacio Municipal de Exposiciones Kiosko Alfonso da Coruña del 10 de diciembre al 17 de enero próximos. En la muestra, que recoge básicamente la última etapa del pintor, se exponen 60 cuadros, en los que si recogen obras de temática variada, pero básicamente girando en torno al efímero del tiempo.

Su pintura realista va más allá de la mera diversión plástica que intenta llevarnos desde los objetos y las figuras humanas a otra profundidad. Las manos, los zapatos viejos, las frutas, las piezas de vestir… están representadas de forma realista, aunque pierden su significación real para alcanzar otra: La que sentimos. Detrás del realismo subjetivo que define Prieto, existe cierto surrealismo apoyado en imágenes-símbolo que trascienden la apariencia de los objetos y nos llevan a otro mundo onírico y poético.

La exposición, está comisariada por Pilar Corredoira, Historiadora de Arte Contemporáneo y persona con gran prestigio y experiencia en este campo tanto en España como en el extanjero y se podrá visitar de lunes a domingo, de 12:00 a 14:00 y de 18:00 a 21:00.

Fechas Exposición: del 10 de diciembre de 2009 al 17 de enero de 2010.
Horario: de 12:00 a 14:00 y de 18:00 a 21:00 h., todos los días.
Organiza: Municipio de A Coruña

+ www.pintorprieto.com

La pintora coruñesa muestra en la sede de la Fundación Paideia su última obra, la serie ‘Vil’, una colección de pinturas acrílicas sobre papel. Llevaba años sin exponer en su ciudad y ahora, al fin, lo hace con su obra más reciente. Isabel Taboada, primer premio del certamen Unión Fenosa, muestra desde hoy la serie ‘Vil’ en la sede de la Fundación Paideia. La pintora coruñesa afincada en Madrid, que tuvo entre sus maestras a las pintoras María Corredoira y Lolita Díaz Baliño, está ahora empeñada en la rehabilitación de su casa en Oza dos Ríos, donde quiere tener un estudio lo suficientemente grande como para dedicarse también a la escultura.

Ha traído cuadros de trazos negros, vigorosos y agresivos, marcados con el rojo -el color del fuego, de la sangre, de las lenguas que salen de bocas llenas de dientes dispuestos a morder-, que pertenecen a la serie Vil, su obra más reciente. Es pintura acrílica sobre papel y tiene algo de grafiti brutal. «Vil, viene de villano -explica ella-, de la gente que se suelta la lengua y dice tonterías, de la mala gente, de la España negra de Puerto Hurraco». También hay cuadros sobre tela -más antiguos, de los años ochenta-, en los que predomina una geometría de colores planos que compone grandes cabezas. Cabezas de frente, cabezas partidas, cabezas fragmentadas que hablan entre si pero quizá sin llegar nunca a entenderse. El pincel de Isabel Taboada es suelto y decidido y quizá su obra haya que relacionarla con el expresionismo, aunque ella detesta las etiquetas y ha hecho a lo largo de su carrera los suficientes cambios como para despistar. Por ejemplo, en la obra que expone ahora no hay nada de aquellos desnudos en los que los críticos vieron hace unos años ecos de Matisse, del que entonces tomó prestado el azul. O de una antigua etapa fauvista. «Es terrible, todos tratan de encasillarte», protesta: «Conoces a alguien y lo primero que intenta es saber dónde encuadrarte para quedarse tranquilo». Las rotundas líneas de su obra, la expresividad «agresiva y elegante» y su primitivismo son algunos de los aspectos en los que se han fijado los críticos. El viejo Laxeiro dijo que su pintura, «inquieta y rápida», «palpita»

+ www.laopinioncoruna.es

Jesús Vázquez (Ourense, 1946) es una de las figuras más importantes del panorama de  la pintura contemporánea en España. Creador de un universo especial, practicante de la abstracción y la figuración a un tiempo, los intereses de este artista gallego afincado en Santander son casi inabarcables: desde la historia como línea continua de un escenario en el que los acontecimientos más terribles y recurrentes se desarrollan para transformarse en decorado de la existencia humana hasta el concepto de memoria, la literatura desde sus orígenes hasta nuestros días, el jazz, la poesía contemporánea (Paul Valéry, Ezra Pound, T. S. Eliot), el arte, el mundo helénico y sus mitologías, las ideologías del siglo XX… es prácticamente imposible encontrar una definición para la práctica pictórica de Vázquez, además de injusto, puesto que sería un intento de esquematizar y reducir consigue atrapar al espectador como el espejo de Alicia, a través del que nos adentramos en un espacio-tiempo diferente, que hace referencia a nuestra memoria personal y colectiva a la vez.

Nieve negra supone el intento por parte de Xesús Vázquez de representar el universo de los campos de concentración a través de unos trazos pictóricos que se acercan a un mundo vacío de seres humanos en el que se trata de representar el carácter irrepresentable de un concepto tan arraigado al devenir del siglo XX como la experiencia inhumana que se produjo en aquellos espacios de muerte en los que se trataba, de aniquilar física y espiritualmente a una parte de la humanidad. La exposición recoge la obra más reciente de este artista, desde el año 2007 al 2009, en un proyecto que aúna distintos formatos como el óleo, los dibujos, la escultura o los soportes audiovisuales.

Fechas:
Del 18 de Diciembre 2009 al 21 de Marzo 2010

Comisario Alberto Ruiz de Samaniego

+ www.luisseoanefund.org