Después de mucho tiempo, vuelvo a la carga con esta interesantísima y divertidísima tira cómica que hará las delicias de todos aquellos que como yo, a falta de trabajo, decidimos que lo más importante es tener una web molona, de phantones grises y contrastes en blanco y negro con la ilusión que algún día y gracias a ello, alguien se digne a llamarme y darme el contrato de mi vida.
«Y voy a ponerme tonto por primera vez en mi vida, y dedicarle la tira a mi Santa, Mon Calamari, que aunque aquí no se le parezca en nada, y nunca le agradezca nada y siempre esté amenazándola en enfadarme por no reírse de mis tiras, y que siempre me diga que no sé acabar mis frases y etc etc (no sé acabar mis frases) , tiene más paciencia que una Santa y muchas gracias por estar allí, siempre. I que ens en sortirem.«
For you my Mon
PD. Espero que esto me libre de ir al Ikea el fin de semana.
Lexcursó, arquitecto e ilustrador
Barcelona, enero 2012
El proyecto consiste en la remodelación completa de un local comercial a pie de calle, convirtiéndolo en una tienda de vinos en la que la representación de los elementos principales de la bodega se encuentra presente. La tienda es la bodega, y los corchos, botellas, copas y cajas de vino crean un paisaje relacionado con dicho mundo.
Como se puede observar en las dimensiones, el ancho del espacio es mínimo. Por tanto, el objetivo es mantener el esquema organizativo del frente y aprovechar la falta de luz natural del espacio para poder modificar las condiciones lumínicas del interior.
Por ello, la propuesta consiste en simplificar los planos de materiales y jugar con las texturas que recuerdan a la naturaleza del vino.
Los seis planos que definen el espacio deben tender a simplificarse en las formas y adoptar un modelo común entre sí. Por ello, los planos laterales del espacio presentan una luz difusa en su longitud, que surge como protagonista de cada superficie. El plano frontal se utiliza para potenciar las dimensiones del espacio, utilizando un espejo que refleja la luz del exterior.
Cabe destacar la aparición de los elementos que se adueñan del espacio y de los planos restantes: una mesa central compuesta por cajas de vinos y una lámpara que la corona formada por copas.
La mesa central, constituida por cajas de botellas de vino macladas, mediante un sistema que permite la multiplicación infinita de los volúmenes. La estructura de las cajas permite que no sea necesaria la colocación de una estructura secundaria, aportando la rigidez y la resistencia necesaria para el uso para el que dicha mesa será destinada.
Como coronación de la mesa, en la superficie del techo surge una lámpara compuesta por copas de vino que recorren un conjunto de splines controladas geométricamente. El apoyo de las copas se realiza mediante guías de metacrilato, que soportan el peso de 293 copas de vino. Dichas curvas generan unos recorridos sinuosos que ofrecen un resultado alabeado a la disposición final de todas las copas, y permitiendo que los rayos de luz de la lámpara incidan en las superficies de las copas y se reflejen en todas las direcciones.
El espacio queda rematado por materiales naturales que permiten generar superficies uniformes, en las que los principales protagonistas son la luz y el juego de la misma sobre cada una de las texturas. Por tanto, la intervención plantea una modificación mínima de la forma constructiva del espacio, y una remodelación de la apariencia mediante pequeñas alteraciones de las sensaciones lumínicas y formales.
Se ha aprovechado la organización existente del escaparate, interviniendo exclusivamente en el aspecto exterior, y jugando con el carácter infinito de una secuencia de elementos iguales.
La intervención juega en cada elemento con la repetición de elementos simples mediante una mecánica esquemática, generando superficies polifórmicas, que reciben del exterior el reflejo y la incisión de la luz natural y artificial.
Obra: Wine Store (Remírez de Ganuza Store)
Localización: Jorge Juan 3, Madrid, España
Arquitectos: mecanismo (Marta Urtasun y Pedro Rica)
Superficie: 16m2
Fotografía: Javier Bravo
Año: 2016 + mecanismo.org
[:gl]
O proxecto consiste na remodelación completa dun local comercial a pé de rúa, converténdoo nunha tenda de viños na que a representación dos elementos principais da adega atópase presente. A tenda é a adega, e as cortizas, botellas, copas e caixas de viño crean unha paisaxe relacionada co devandito mundo.
Como se pode observar nas dimensións, o ancho do espazo é mínimo. Por tanto, o obxectivo é manter o esquema organizativo da fronte e aproveitar a falta de luz natural do espazo para poder modificar as condicións lumínicas do interior.
Por iso, a proposta consiste en simplificar os planos de materiais e xogar coas texturas que lembran á natureza do viño.
Os seis planos que definen o espazo deben tender a simplificarse nas formas e adoptar un modelo común entre si. Por iso, os planos laterais do espazo presentan unha luz difusa na súa lonxitude, que xorde como protagonista de cada superficie. O plano frontal utilízase para potenciar as dimensións do espazo, utilizando un espello que reflicte a luz do exterior.
Cabe destacar a aparición dos elementos que se apropian do espazo e dos planos restantes: unha mesa central composta por caixas de viños e unha lámpada que a coroa formada por copas.
A mesa central, constituída por caixas de botellas de viño macladas, mediante un sistema que permite a multiplicación infinita dos volumes. A estrutura das caixas permite que non sexa necesaria a colocación dunha estrutura secundaria, achegando a rixidez e a resistencia necesaria para o uso para o que dita mesa será destinada.
Como coroación da mesa, na superficie do teito xorde unha lámpada composta por copas de viño que percorren un conxunto de splines controladas geométricamente. O apoio das copas realízase mediante guías de metacrilato, que soportan o peso de 293 copas de viño. Ditas curvas xeran uns percorridos sinuosos que ofrecen un resultado alabeado á disposición final de todas as copas, e permitindo que os raios de luz da lámpada incidan nas superficies das copas e reflíctanse en todas as direccións.
O espazo queda rematado por materiais naturais que permiten xerar superficies uniformes, nas que os principais protagonistas son a luz e o xogo da mesma sobre cada unha das texturas. Por tanto, a intervención expón unha modificación mínima da forma construtiva do espazo, e unha remodelación da aparencia mediante pequenas alteracións das sensacións lumínicas e formais.
Aproveitouse a organización existente do escaparate, intervindo exclusivamente no aspecto exterior, e xogando co carácter infinito dunha secuencia de elementos iguais.
A intervención xoga en cada elemento coa repetición de elementos simples mediante unha mecánica esquemática, xerando superficies polifórmicas, que reciben do exterior o reflexo e a incisión da luz natural e artificial.
Obra: Wine Store (Remírez de Ganuza Store)
Emprazamento: Jorge Juan 3, Madrid, España
Arquitectos: mecanismo (Marta Urtasun y Pedro Rica)
Superficie: 16m2
Fotografía: Javier Bravo
Año: 2016 + mecanismo.org
[:en]
The project consists of the complete remodeling of a business premises afoot of street, turning it into a shop of wines into the one that the representation of the principal elements of the warehouse is present. The shop is the warehouse, and the corks, bottles, glasses and boxes of wine believe a landscape related to the above mentioned world.
Since it is possible to observe in the dimensions, the width of the space is minimal. Therefore, the aim is to support the organizational scheme of the front and to take advantage of the lack of natural light of the space to be able to modify the light conditions of the interior.
For it, the offer consists of simplifying the planes of materials and of playing with the textures that resemble the nature of the wine.
Six planes that define the space must tend to be simplified in the forms and a common model adopts between yes. For it, the lateral planes of the space present a diffuse light in his length, which arises as protagonist of every surface. The frontal plane is in use for promoting the dimensions of the space, using a mirror that reflects the light of the exterior.
It is necessary to emphasize the appearance of the elements that take possession of the space and of the remaining planes: a central table composed by boxes of wines and a lamp that the crown formed by glasses.
The central table constituted by boxes of bottles of wine macladas, by means of a system that allows the infinite multiplication of the volumes. The structure of the boxes allows that there should not be necessary the placement of a secondary structure, contributing the inflexibility and the resistance necessary for the use for that the above mentioned table will be destined.
As coronation of the table, in the surface of the ceiling there arises a lamp composed by glasses of wine that cross a set of splines controlled geometrically. The support of the glasses realizes by means of guides of methacrylate, that they support the weight of 293 glasses of wine. The above mentioned curves generate a few sinuous tours that offer a result become warped to the final disposition of all the glasses, and allowing that the beams of light of the lamp should affect in the surfaces of the glasses and are reflected in all the directions.
The space remains finished off by natural materials that allow to generate uniform surfaces, in which the principal protagonists are the light and the game of the same one on each of the textures. Therefore, the intervention raises a minimal modification of the constructive form of the space, and a remodeling of the appearance by means of small alterations of the light and formal sensations.
He has taken advantage of the existing organization of the shop window, intervening exclusively in the exterior aspect, and playing with the infinite character of a sequence of equal elements.
The intervention plays in every element with the repetition of simple elements by means of a schematic mechanics, generating polyformic surfaces, which receive of the exterior the reflection and the incision of the natural and artificial light.
Work: Wine Store (Remírez de Ganuza Store)
Location: Jorge Juan 3, Madrid, Spain
Architects: mecanismo (Marta Urtasun and Pedro Rica)
Superface: 16m2
Photography: Javier Bravo
Year: 2016 + mecanismo.org
[:es]CASA 1014 (Barcelona). Arquitectos H ARQUITECTES. Foto Adrià Goula
La exposición itinerante, que se inaugura en la Alhambra de Granada el 19 de julio, podrá verse en otras ciudades nacionales e internacionales como Nueva York, en octubre.
Bajo el título Alternativas / Alternatives, la XIII BEAU ha distinguido 89 proyectos entre las categorías de Patrimonio, Urbanismo e Innovación, así como en investigación, en la labor de divulgación y en Proyectos Fin de Carrera.
La XIII BEAU ha seleccionado este año aquellos proyectos que destacan por plantear distintas formas de afrontar los problemas a los que se enfrentan la arquitectura y el urbanismo, en una época de recuperación del paisaje y renovación del espacio urbano y sus construcciones.
Sobre la Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo.
Desde su primera edición la Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo ha ido integrando un conjunto de actividades específicamente relacionadas con la Arquitectura, organizadas por las diversas instituciones colaboradoras, una exposición itinerante que recoge en cada una de sus ediciones aquellas obras que por sus cualidades han sido merecedoras de ser finalistas en la Bienal y los premios establecidos en cada una de sus categorías. La Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo se concibe no solo como un evento sino como un proceso abierto durante los dos años correspondientes que abarca su plazo.
La XIII Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo está promovida por el Gobierno de España a través de la Dirección General de Arquitectura, Vivienda y Suelo del Ministerio de Fomento, en colaboración con el Consejo Superior de Colegios de Arquitectos de España (CSCAE), y con el apoyo de la Fundación Arquia.
[:gl]CASA 1014 (Barcelona). Arquitectos H ARQUITECTES. Foto Adrià Goula
A exposición itinerante, que se inaugura na Alhambra de Granada o 19 de xullo, poderá verse noutras cidades nacionais e internacionais como Nova York, en outubro.
Baixo o título Alternativas / Alternatives, a XIII BEAU distinguiu 89 proxectos entre as categorías de Patrimonio, Urbanismo e Innovación, así como en investigación, no labor de divulgación e en Proxectos Fin de Carreira.
A XIII BEAU seleccionou este ano aqueles proxectos que destacan por expor distintas formas de afrontar os problemas aos que se enfrontan a arquitectura e o urbanismo, nunha época de recuperación da paisaxe e renovación do espazo urbano e as súas construcións.
Sobre a Bienal Española de Arquitectura e Urbanismo.
Desde a súa primeira edición a Bienal Española de Arquitectura e Urbanismo foi integrando un conxunto de actividades especificamente relacionadas coa Arquitectura, organizadas polas diversas institucións colaboradoras, unha exposición itinerante que recolle en cada unha das súas edicións aquelas obras que polas súas calidades foron merecedoras de ser finalistas na Bienal e os premios establecidos en cada unha das súas categorías. A Bienal Española de Arquitectura e Urbanismo concíbese non só como un evento senón como un proceso aberto durante os dous anos correspondentes que abarca o seu prazo.
A XIII Bienal Española de Arquitectura e Urbanismo está promovida polo Goberno de España a través da Dirección Xeral de Arquitectura, Vivenda e Chan do Ministerio de Fomento, en colaboración co Consello Superior de Colexios de Arquitectos de España (CSCAE), e co apoio da Fundación Arquia.
[:en]1014 House (Barcelona). Arquitectos H ARQUITECTES. Photo Adrià Goula
The itinerant exhibition, which is inaugurated in the Alhambra of Granada on July 19, will be able turn in other national and international cities as New York, in October.
Under the title Alternatives / Alternatives, the XIIIthBEAU has distinguished 89 projects between the categories of Heritage, Urbanism and Innovation, as well as in investigation, in the labor of spreading and in Projects End of Career.
The XIIIth BEAU has selected this year those projects that stand out for raising different ways of confronting the problems which the architecture and the urbanism face, in an epoch of recovery of the landscape and renovation of the urban space and his constructions.
On the Spanish Biennial show of Architecture and Urbanism.
From his first edition the Spanish Biennial show of Architecture and Urbanism has been integrating a set of activities specifically related to the Architecture, organized by the diverse institutions collaborators, an itinerant exhibition that gathers in each of his editions those works that for his qualities have been deserving of being finalists in the Biennial show and the prizes established in each of his categories. The Spanish Biennial show of Architecture and Urbanism is conceived not only as an event but as an open session during two corresponding years that it includes his term.
The Biennial show XIII Spanish of Architecture and Urbanism is promoted by the Government of Spain across the Headquarter of Architecture, Housing and Soil of the Department of Promotion, in collaboration with the Top Advice of Architects’ Colleges of Spain (CSCAE), and with the support of the Foundation Arquia.
Varios aspectos de la Casa Wittgenstein en Kundmangasse 19, Viena, Austria, 1929. Es hoy sede de la Sección Cultural de la Embajada de Bulgaria en Austria. No está bien mantenida pero aprendemos de ella | oscartenreiro.com
Puede ser interesante luego de que se celebrara la semana pasada en nuestra Facultad de Arquitectura un encuentro internacional sobre la Investigación en Arquitectura hablar de la Casa Wittgenstein, que construyó en 1929, junto a su gran amigo y arquitecto Paul Engelmann (1891-1965), en Viena, Ludwig Wittgenstein (1889-1951), uno de los filósofos más relevantes del siglo veinte.
Porque la casa Wittgenstein es un ejemplo de investigación de la estética “moderna” si se considera la investigación como propuesta de proyecto o construcción del edificio, y no, como se ha extendido en los medios académicos, discurso explicativo. Desde esta perspectiva investigar en arquitectura no es diferente a construir o proyectar. Y la arquitectura mostrará lo que aporta a la disciplina sin necesidad de intermediación lingüística. Algo evidente para un filósofo que en sus “Investigaciones” asevera que la actividad artística se piensa haciéndola. Y LW asume la experiencia de la casa sin ningún tipo de aspaviento retórico sino como tarea, incorporando a la idea arquitectónica, sobre todo surgida de su amigo arquitecto familiarizado con los procesos de Proyecto, su visión técnica proveniente de una formación básica de ingeniero, asociada a una personalidad extremadamente rigurosa.
Esta postura despojada de toda pose intelectual emana sin duda del concepto de filosofía de Wittgenstein que viene a ser como una liberación de la sensación de inadecuación que asalta a quien se asoma a la espesura de la tradición filosófica. En mi caso, me ayudó a verla como resultado de la pulsión muy humana de usar el lenguaje para explicar el mundo y acaso ser subyugado por su “embrujo”, como él llamó a la tendencia a pensar que todo lo que nos rodea es susceptible de ser explicado con palabras.
Un modo de pensar ejemplar
Pude llegar a un cierto grado de familiaridad con el legado de LW motivado inicialmente por uno de sus aforismos en relación al arquitecto y sus tentaciones. Lo he repetido tantas veces que no voy a hacerlo de nuevo, invitando más bien a leer el libro que recoge sus pensamientos sobre “Cultura y Valor” publicados en nuestro idioma con ese mismo título.
El caso es que en ese aforismo y tres o cuatro más que se resumen en no mucho más de 100 palabras es todo lo que LW escribió sobre arquitectura. Demostración evidente de su rechazo a la explicación, que pareciera, precisamente, exigirse como requisito de la visión de la investigación que he mencionado. Y además, insisto, no era arquitecto en el sentido académico. Había estudiado Ingeniería en Berlìn con interés especial en la aeronáutica, pero de allí en adelante, esperando doctorarse en Inglaterra, se inició en el mundo de la filosofía. Siendo su familia muy acomodada y estando desde fines de la Primera Guerra y luego de haber publicado su “Tractatus…” ( obra que habría de abrirle un espacio único en el pensamiento filosófico) en una crisis de identidad que lo llevó a tomar varias decisiones muy radicales, se incorporó al encargo que su hermana Gretl le había hecho al amigo de la familia, Paul Engelmann, para construirle una casa en Viena. Se registró como arquitecto, lo cual era posible sin requisitos académicos en ese tiempo, y se sumergió en la construcción de la casa como capataz, hasta el punto de que sus exigencias vinieron a convertirse en un obstáculo para la relación de trabajo con Engelmann, quien en un momento dado dejó en manos de Ludwig la terminación de la vivienda. Le dejó el mando, podría decirse, algo que los arquitectos sabemos bien lo necesario que es para garantizar resultados en ciertas instancias.
Artesano y Guardián
Mucho tendría que decir a propósito de esta casa, no tanto de ella misma, porque pienso que de la arquitectura se pueden decir pocas cosas aparte de describirla, sino por su papel de hito en la experiencia vital de una persona que no he cesado de admirar y estudiar desde que el colega Manuel López lo mencionó despertando mi curiosidad en un foro de nuestra Escuela. Por hoy me atengo al hecho de que se haya convertido en patrimonio (de la humanidad podría decir, pero hoy lo es sólo de Austria) un edificio construido por un arquitecto de relativamente poca importancia como Engelmann (por otra parte, personaje muy interesante) con la colaboración de un no-arquitecto. Una razón es sin duda que LW es un protagonista del pensamiento moderno, pero la que encuentro definitiva es que la casa es un producto refinado y singular de las tesis sobre arquitectura que prosperaban en ese momento histórico. Tiene un valor icónico respecto a un modo de hacer arquitectura.
Engelmann había sido discípulo de Adolf Loos y Wittgenstein llegó a Engelmann gracias a su recomendación. Y Loos (1870-1933) era un arquitecto de enorme influencia en la Viena de ese tiempo. Hizo ideología en términos tajantes; “Ornamento y Delito” es un ensayo suyo en el que equipara la ornamentación con la perversión. Y Wittgenstein, brazo financiero de la propietaria y defensor de principios por encima de caprichos hizo de radical ejecutor de esas enseñanzas. Dirigió el diseño de innumerables detalles que hoy suscitan admiración y preservó a la obra del gusto “doméstico”, y mientras Gretl le entregó su confianza, el resto de la familia tenía opiniones hostiles y hasta negativas.
Y hoy la casa es muestra viva de una particular visión de la modernidad. Es un ejemplo del “raum plan” de Loos, el diseño de espacios interconectados con sus propias proporciones; de la arquitectura “blanca” y el uso de técnicas nuevas; y es ajena a toda idea de decoración superpuesta. Es rigor técnico, no discurso, como origen de una estética. Es investigación de la más valiosa. Es esta, creo, su mejor enseñanza.
Óscar Tenreiro Degwitz, Arquitecto.
Venezuela, junio 2011, Entre lo Cierto y lo Verdadero
Como bien sabéis, no es la primera vez, ni será la última, que hablamos de las escuelas de arquitectura. Así, ahora que todo el mundo habla de que sobran arquitectos y que salen escuelas de arquitectura como hongos; desde Stepienybarno, proponemos que a lo mejor no es tan claro el tema y, de hecho, en nuestra opinión lo que faltan son arquitectos.
Eso sí, los matices de esta afirmación son importantes y hay que tenerlos bien claros. Así que, antes de decir que nos hemos vuelto locos, os animamos a darnos una oportunidad y seguir leyendo la siguiente reflexión.
¿Sobran arquitectos?
Hace unos días oíamos al profesor Miguel Ángel Alonso del Val recordar que en la Viena de principios de siglo pasado, Otto Wagner, ante la opinión generalizada de que sobraban arquitectos, proponía que debían aparecer en escena más arquitectos; eso sí, lo importante era que estos nuevos arquitectos no siguieran haciendo lo mismo que los anteriores, que se dedicaban principalmente a temas técnicos y formales, sino que debían de meterse en harina y proponer, por ejemplo, nuevas soluciones habitacionales (tema del que pasaban olímpicamente el resto de arquitectos hasta este momento). La realidad dio la razón a Wagner y una nueva arquitectura, de mayor calidad, apareció en escena y la ciudad (y sus ciudadanos) lo agradeció profundamente.
Esta situación tan lejana en el tiempo, y, aparentemente, en el contexto cultural, nos lleva a pensar que, seguramente, en nuestra España post-burbuja, no sobran arquitectos; lo que ocurre es que, faltan arquitectos que tengan claro que van a hacer otras muchas cosas además de proyectar arquitectura. ¿Y qué pueden hacer? A nosotros se nos ocurren por lo menos 100 actividades; así que ¡a buen seguro que hay todavía muchas más!
Nuevos tiempos
De esta forma, pensamos que las nuevas generaciones deberían salir de las escuelas formadas de manera diferente. ¿Significa esto que se debe bajar el nivel? Por supuesto que no, simplemente habrá que introducir en las Escuelas nuevas ideas y que estas se adapten a los nuevos tiempos.
Y aquí, alguno estará pensando, pero si nosotros somos de lo más modernos y ya tenemos un blog en una asignatura de proyectos y !hasta un perfil de facebook de la escuela! Pues nos atrevemos a afirmar, no sin cierto enfado, que ninguna escuela de arquitectura de España se está tomando este tema en serio y lo más que hay son escaramuzas de algunas de ellas en el entorno digital, las cuales están muy bien, pero que no implican que se hayan adaptado de manera contundente a esta Nueva Era Digital. Los alumnos de las escuelas son nativos digitales y no tratarles como tales es la mejor forma de menospreciarles.
Si alguna de estas escuelas quiere saber qué es lo más básico y urgente que podría hacer, les recomendamos que lea el post que publicaba Miguel Ángel Díaz Camacho en el blog de la Fundación Arquia ¡¡Ah!! Y si alguno sigue pensando que el PFC está de maravilla y que se puede seguir manteniendo tal cual, que se pase por el artículo que escribió Veronica Sánchez, y en el que afirma, sin que le temblase el pulso, que
Con todo esto, realmente, no nos importa si hay 66 escuelas o 90; si se deberían bajar a 40 ¡Qué más da! Lo que es una vergüenza es que la mayoría de las escuelas de arquitectura sigan pensando que el mundo tampoco ha cambiado tanto y que la asignatura de proyectos siga proponiendo programas similares a todo la vida. ¡¡Pero como se puede tener tanta jeta!! Y estos profesores, en muchos casos, son los mismos que, antes de la crisis, animaban a los alumnos a que hicieran grandes despliegues de representación. Sí, sí, esos que luego lo que necesitaban era mano de obra barata y que dibujase de maravilla; si luego proyectaba un poco peor, o no proyectaba un carajo, pues tampoco pasaba nada. De hecho, según se mire, se puede pensar que se quitaban competencia de en medio; pero, no seremos nosotros tan malpensados (o sí).
Aun así, y a pesar de las muchas carencias que se detectan en nuestra formación, gracias a saber proyectar muy bien, los arquitectos podemos leer situaciones muy complejas, dando soluciones sencillas y esta virtud, la visión transversal de la jugada, junto con la creatividad, es una de las más valoradas, a día de hoy, para cualquier tipo de empresa o institución.
Eso sí, para que nos puedan reclamar desde otros ámbitos habrá que hacernos más accesibles y acortar la distancia que nos separa de todos los que no son de los nuestros. Y aquí, no puede ser que quienes nos dirigen no hagan nada mucho más contundente para solucionarlo. Los arquitectos hemos pasado de hacernos cercanos a quienes servimos; de contar lo que hacemos y hacerlo para que se entienda que en realidad somos realmente necesarios y pocas veces un peaje por el que hay que pasar.
Las palabras prohibidas
Por último, nos gustaría recalcar que, con lo que ya somos como arquitectos, podemos dar mucho más y que se deben incorporar en nuestras escuelas nuevos conocimientos que faciliten el desembarco de los chavales en la durísima realidad laboral. No puede ser que, sigamos pensando que los arquitectos no somos empresas; lo somos, aunque seamos del tipo llanero solitario y no puede ser que palabras como Identidad Digital sigan sonando a chino. Ya no decimos nada de hablar de Marketing, porque es palabra maldita y ¡prohibida por todo arquitecto que ame la arquitectura! Pues no, no son el demonio, y cuanto antes se incorporen todas estas disciplinas en los planes de estudio, mucho mejor. No tiene nada que ver, como algunos arquitectos dicen, que si aprendemos de estos temas más mundanos y pragmáticos, se debilita nuestro papel como arquitecto; que no! que eso son cuentos chinos de los que ya están arriba y les interesa hacer esta lectura de la situación.
¿No hemos aprendido mecánica de suelo? ¿No sabemos hacer miles de Cross que valen para lo que valen? Pues lo que nosotros proponemos es algo que servirá para casi todos los arquitectos que salgan de la Escuela.
Es una cuestión de responsabilidad que formemos bien a los estudiantes, y que, además de transmitirles el amor por la arquitectura con mayúsculas (una cosa no quita a la otra), les dotemos de herramientas que les hagan más válidos en el mercado laboral.
No sobran arquitectos, no hay demasiadas escuelas de arquitectura; lo que hay en ellas es demasiado arquitecto con egos como montañas soñando que todo volverá a ser como antes; y eso no va a ser así.
Más arquitectos es lo que necesitamos; eso sí, habiendo hecho los deberes y sacando chavales que se coman el mundo porque están formados de la mejor manera posible para los tiempos que corren. Y no olvidarse que hoy no es como antes, ahora los tiempos corren mucho; quien se quede fuera, se va a quedar más fuera que nunca. Quién se adapte, sin embargo, dará una formación mejor a sus chavales y además su escuela tendrá más alumnos, porque los estudiantes, pese a quien pese, saben apreciar y valorar cuando las cosas se hacen bien.
Así que, pónganse las pilas, responsabilicense de lo que realmente tienen que hacer y sean conscientes de que la realidad, del aquí y ahora, es demasiado diferente como para seguir mirando a otro lado.
Adaptarse o morir; nuevos tiempos, nuevas soluciones.
Stepienybarno_Agnieszka Stepien y Lorenzo Barnó, arquitectos
Estella, abril 2015
Su condición de sumatorio de variables sociales y económicas, culturales y políticas, temporales y espaciales la convierte en un hojaldre múltiple difícil de aprehender. Infinidad de teorías e historias llevan décadas intentándolo, de lo que ha derivado un corpus doctrinario igualmente vasto y complejo. El objetivo de este libro es descifrar dicho corpus.
Las dificultades que se afrontan al asumir una tarea así son numerosas. La ciudad no es abarcable desde una única área de conocimiento, por lo que el enfoque interdisciplinar es ineludible. El hecho de que las disciplinas científicas y humanísticas suelan fragmentarse en subdisciplinas multiplica los escollos, ya que, como indicara Henri Lefebvre, cada una de estas subdisciplinas selecciona los contenidos que le interesan y los enfoca con metodologías propias. Si además tenemos en cuenta que esas aproximaciones se influyen mutuamente, entenderemos el grado de contaminación que impregna el territorio que hemos de desbrozar. Este libro lo ha rastrillado, ha detectado las regularidades, las ha relacionado y ha trazado trayectorias que dibujan una topografía legible.
Para llevar a cabo esta operación hemos tenido que pagar un triple peaje: el de la simplificación, la esquematización y la categorización. El primero deriva de la conjunción de lo inconmensurable del campo que nos ocupa con las restricciones dimensionales de esta obra. Ante la imposibilidad tanto de profundizar como de abarcarlo todo, hemos seleccionado las áreas de conocimiento que se han ocupado de la espacialidad de la ciudad, tanto física como social.
En primer lugar, las ciencias sociales, dentro de las cuales hemos destacado la sociología urbana, que ha interpretado la ciudad como una proyección de sus habitantes; la geografía urbana, que ha interpretado a los habitantes como una proyección de la ciudad; y la antropología urbana, que se ha especializado en el estudio de comunidades concretas.
En segundo lugar, la historia, y en concreto la historia urbana, que ha seguido la evolución de la morfología y del proceso de urbanización, y la historia del urbanismo, orientada hacia la planificación de ambos.
Por último, la arquitectura, en la que hemos diferenciado entre urbanismo, diseño urbano, teoría urbana y análisis urbano. Los dos primeros se han ocupado de la materialización de la ciudad: el urbanismo de lo procedimental (la organización técnica) y el diseño urbano de lo sustancial (la forma espacial); por su parte, la teoría urbana, que puede ser descriptiva o normativa, ha sido la encargada de determinar los valores que deben guiar a ambos (éticos, ideológicos o políticos); y el análisis urbano se ha ocupado del estudio e interpretación de lo existente.
A cidade contemporánea é unha criatura incerta. A súa condición de sumatorio de variables sociais e económicas, culturais e políticas, temporais e espaciais convértea nun hojaldre múltiple difícil de aprehender. Infinidade de teorías e historias levan décadas tentándoo, do que derivou un corpus doctrinario igualmente vasto e complexo. O obxectivo deste libro é descifrar devandito corpus.
As dificultades que se afrontan ao asumir unha tarefa así son numerosas. A cidade non é abarcable desde unha única área de coñecemento, polo que o enfoque interdisciplinar é ineludible. O feito de que as disciplinas científicas e humanísticas adoiten fragmentarse en subdisciplinas multiplica os escollos, xa que, como indicase Henri Lefebvre, cada unha destas subdisciplinas selecciona os contidos que lle interesan e enfócaos con metodoloxías propias. Se ademais temos en conta que esas aproximacións inflúense mutuamente, entenderemos o grao de contaminación que impregna o territorio que habemos de rozar. Este libro hao rastrillado, detectou as regularidades, relacionounas e trazou traxectorias que debuxan unha topografía legible.
Para levar a cabo esta operación tivemos que pagar unha tripla peaxe: o da simplificación, a esquematización e a categorización. O primeiro deriva da conxunción do inconmensurable do campo que nos ocupa coas restricións dimensionales desta obra. Ante a imposibilidade tanto de profundar como de abarcalo todo, seleccionamos as áreas de coñecemento que se ocuparon da espacialidad da cidade, tanto física como social.
En primeiro lugar, as ciencias sociais, dentro das cales destacamos a sociología urbana, que interpretou a cidade como unha proxección dos seus habitantes; a xeografía urbana, que interpretou aos habitantes como unha proxección da cidade; e a antropoloxía urbana, que se especializou no estudo de comunidades concretas. En segundo lugar, a historia, e en concreto a historia urbana, que seguiu a evolución da morfoloxía e do proceso de urbanización, e a historia do urbanismo, orientada cara á planificación de ambos. Por último, a arquitectura, na que diferenciamos entre urbanismo, deseño urbano, teoría urbana e análise urbana. Os dous primeiros ocupáronse da materialización da cidade: o urbanismo do procedimental (a organización técnica) e o deseño urbano do substancial (a forma espacial); pola súa banda, a teoría urbana, que pode ser descritiva ou normativa, foi a encargada de determinar os valores que deben guiar a ambos os (éticos, ideolóxicos ou políticos); e a análise urbana ocupouse do estudo e interpretación do existente. […]
The contemporary city is an uncertain creature. His condition of sumatorio of social and economic, cultural and political, temporary and spatial variables turns her into a multiple puff-pastry difficult to apprehend. Infinity of theories and histories they go decades trying it, from what it has derived a doctrinaire equally vast and complex corpus. The aim of this book is to decipher the above mentioned corpus.
The difficulties that are confronted on having assumed a task like that are numerous. The city is not abarcable from the only area of knowledge, for what the approach to interdiscipline is unavoidable. The fact that the scientific and humanistic disciplines are in the habit of fragmenting in subdisciplines it multiplies the reefs, since, as Henri Lefebvre was indicating, each of these subdisciplines selects the contents in that he is interested and focuses them with own methodologies. If in addition we bear in mind that these approximations are influenced mutually, we will understand the degree of pollution that impregnates the territory that we have to clear. This book has raked it, has detected the regularities, has related and planned paths that draw a legible topography.
To carry out this operation we have had to pay a triple toll: that of the simplification, the esquematización and the categorization. The first one derives from the conjunction of the immeasurable of the field that occupies us with the dimensional restrictions of this work. Before the inability so much to penetrate like of including everything, we have selected the areas of knowledge that have dealt with the espacialidad of the city, both physical and social.
First, the social sciences, inside which we have emphasized the urban sociology, which has interpreted the city as a projection of his inhabitants; the urban geography, which has interpreted the inhabitants as a projection of the city; and the urban anthropology, which has specialized itself in the study of concrete communities. Secondly, the history, and in I make concrete the urban history, which has followed the evolution of the morphology and of the process of urbanization, and the history of the urbanism, orientated towards the planning of both. Finally, the architecture, in which we have differed between urbanism, urban design, urban theory and urban analysis. Both first ones have dealt with the materialization of the city: the urbanism of the procedural thing (the technical organization) and the urban design of the substantial thing (the spatial form); for your part, the urban theory, which can be descriptive or normative, has been the manager of determining the values that must guide both (ethical, ideological or political); and the urban analysis has dealt with the study and interpretation of the existing thing. […]
“Diario de un árbol” plantea el rol actual de los arquitectos en países como el Líbano, donde los promotores inmobiliarios son a menudo quienes imponen la planificación urbana. Mediante el uso simbólico de ciertos árboles, esta firma de arquitectos utiliza sus propios proyectos para ejemplificar cómo debería preservarse el espacio público. De esta manera, la propuesta expone cómo, a pesar de que algunos árboles logran salvarse y otros perderse, cada uno representa la historia de una comunidad y la memoria colectiva.
La instalación responde a la consigna planteada por Alejandro Aravena, director de esta edición de la Bienal, quien dijo:
«[La Bienal de Venecia] presentará casos y prácticas en donde se apuesta por la creatividad, aun a riesgo de lograr pequeñas victorias; porque cuando el problema es grande, incluso una mejora milimétrica también es importante.”
Los asistentes a la exhibición recibirán semillas de cedro y pino y serán animados a plantar estas muestras en cualquier parte del mundo. Además, quienes lo hagan podrán visitar la página notesonatree.com y situar la ubicación del árbol en un mapa a través de un pin. Este mapa se proyectará en tiempo real durante la instalación en la Bienal de Venecia, junto con los comentarios en las redes sociales etiquetados con #notesonatree. 109 Architectes utilizará el nivel de interacción para medir la respuesta del público a la pregunta planteada en el proyecto:
«¿Qué tan importante es un árbol?»
“Diario de un árbol” se exhibirá en la Bienal de Venecia hasta el 27 de Noviembre en el marco de la última edición de la Bienal de Arquitectura de Venecia 2016. Esta instalación interactiva forma parte de la exhibición anual “Tiempo – Espacio –Existencia” presentada para la Fundación GAA para conmemorar la pérdida de los espacios públicos en el Líbano.
Obra: Diario de un árbol
Localización: Bienal de Arquitectura de Venecia 2016
Arquitectos: 109 Architectes (Richard Kassab, Youssef Mallat Lopez, Elie Metni, Makenzie Lewis Kassab)
Fotografía: 109 Architectes
Sponsors: Borneinteractive, Ministerio de Turismo del Libano
Año: 2016 + 109architectes.com
• La exhibición ha sido diseñada para generar un nivel mínimo de residuos, reciclando o reutilizando casi todos los materiales.
• Notesofatree.com ha sido diseñada en asociación con la agencia de medios BornInteractive.
• 109 Architectes ha sido la única firma invitada para representar al Líbano en la exposición de la Fundación GAA 2016.
[:gl]
“Diario dunha árbore” expón o rol actual dos arquitectos en países como o Líbano, onde os promotores inmobiliarios son a miúdo quen impón a planificación urbana. Mediante o uso simbólico de certas árbores, esta firma de arquitectos utiliza os seus propios proxectos para ejemplificar como debería preservarse o espazo público. Desta maneira, a proposta expón como, a pesar de que algunhas árbores logran salvarse e outros perderse, cada un representa a historia dunha comunidade e a memoria colectiva.
A instalación responde a consígnaa exposta por Alejandro Aravena, director desta edición da Bienal, quen dixo:
«[A Bienal de Venecia] presentará casos e prácticas onde se aposta pola creatividade, aínda a risco de lograr pequenas vitorias; porque cando o problema é grande, incluso unha mellora milimétrica tamén é importante.”
Os asistentes á exhibición recibirán sementes de cedro e piñeiro e serán animados a plantar estas mostras en calquera parte do mundo. Ademais, quen o faga poderán visitar a páxina notesonatree.com e situar a localización da árbore nun mapa a través dun pin. Este mapa proxectarase en tempo real durante a instalación na Bienal de Venecia, xunto cos comentarios nas redes sociais etiquetaxes con #notesonatree. 109 Architectes utilizará o nivel de interacción para medir a resposta do público á pregunta exposta no proxecto:
«Que tan importante é unha árbore?»
“Diario dunha árbore” exhibirase na Bienal de Venecia ata o 27 de Novembro no marco da última edición da Bienal de Arquitectura de Venecia 2016. Esta instalación interactiva forma parte da exhibición anual “Tempo – Espazo – Existencia” presentada para a Fundación GAA para conmemorar a perda dos espazos públicos no Líbano.
Obra: Diario dunha árbore
Emprazamento: Bienal de Arquitectura de Venecia 2016
Arquitectos: 109 Architectes (Richard Kassab, Youssef Mallat Lopez, Elie Metni, Makenzie Lewis Kassab)
Fotografía: 109 Architectes
Sponsors: Borneinteractive, Ministerio de Turismo do Libano
Ano: 2016 + 109architectes.com
• A exhibición foi deseñada para xerar un nivel mínimo de residuos, reciclando ou reutilizando case todos os materiais.
• Notesofatree.com foi deseñada en asociación coa axencia de medios BornInteractive.
• 109 Architectes foi a única firma convidada para representar ao Líbano na exposición da Fundación GAA 2016.
[:en]
“Diary of a tree” raises the current role of the architects in countries as the Lebanon, where the real estate developers are often those who impose the town planning. By means of the symbolic use of certain trees, this architects’ signature uses his own projects to exemplify how the public space should be preserved. Hereby, the offer exposes how, in spite of the fact that some trees manage to be saved and others to get lost, each one represents the history of a community and the collective memory.
The installation answers to the slogan raised by Alejandro Aravena, the director of this edition of the Biennial show, who said:
«[The Biennial of Venice] he will present cases and practices where he competes for the creativity, even at the risk of achieving small victories; because when the problem is big, enclosed an improvement milimétrica also is important.”
The assistants to the exhibition will receive seeds of cedar and pine and these samples will be encouraged to plant on any part of the world. In addition, those who do it will be able to visit the page notesonatree.com and to place the location of the tree in a map across a pin. This map will be projected real time during the installation in the Biennial show of Venice, together with the comments in the social networks labelled with #notesonatree. The level of interaction will use 109 Architectes to measure the response of the public to the question raised in the project:
«So important what is a tree?»
“Diary of a tree” will show itself in the Biennial show of Venice until November 27 in the frame of the last edition of the Biennial show of Architecture of Venice 2016. This interactive installation forms a part of the annual exhibition » Time – Space – existence » presented for the Foundation GAA to commemorate the loss of the public spaces in the Lebanon.
Work: Diary of a tree
Location: Bienal de Arquitectura de Venecia 2016
Architects: 109 Architectes (Richard Kassab, Youssef Mallat Lopez, Elie Metni, Makenzie Lewis Kassab)
Photography: 109 Architectes
Sponsors: Borneinteractive, Ministerio de Turismo del Libano
Year: 2016 + 109architectes.com
• The exhibition has been designed to generate a minimal level of residues, recycling or re-using almost all the materials.
• Notesofatree.com has been designed in association by the agency of means BornInteractive.
• 109 Architectes has been the only signature invited to represent the Lebanon in the exhibition of the GAA Foundation 2016.
El pasado miércoles 6 de julio de 2016 se inauguró la exposición de Manuel Gallego Jorreto, dentro del ciclo 12miradas::Riverside, impulsado por la Corporación Hijos de Rivera y Galería Vilaseco Laboratorio Creativo. Contaremos con la presencia del arquitecto, que nos aportará sus miradas con una charla de introducción a la exposición.
“A Manuel Gallego se le presenta normalmente enumerando sus premios o bien sus proyectos; son datos que aparecen en cualquier búsqueda rápida realizada a través de internet . Datos sobre alguien que no se ha preocupado por buscar la difusión de su trabajo en papel y por supuesto mucho menos a través de recursos digitales. Manuel Gallego es un arquitecto ocupado en construir para mejorar lo que existe y preocupado por situar su trabajo en un marco adecuado que permita abrir caminos resolviendo las carencias que detecta. Su trabajo se sitúa dentro de las necesarias reflexiones con el territorio y la historia, sin olvidarse de las herramientas con las que materializa lo proyectado, sin olvidarse de los recursos disponibles que maneja. Manuel es un arquitecto alejado de los que se ocupan únicamente por la forma y por su ego. Atento siempre a quienes le interesa la arquitectura. Nos ha ofrecido de forma generosa su sabiduría; aunque supongo que preferiría que dijese “su conocimiento” y así evitar grandilocuencias incluso en la forma en la que le podamos describir.
Sus doce miradas serán especiales para quien no tenga la fortuna de su proximidad y serán un momento de reflexión para quienes hemos tenido la suerte de estar en contacto con el y con su lugar de trabajo. Las doce miradas de Gallego ya estaban colgadas de las paredes de su estudio o apoyadas en alguna mesa que atrajese la mirada, apoyadas sobre un libro o encima de algún plano .
La selección que presentará son imágenes que dejaba flotando por el estudio y que no estaban acompañadas de su conversación. Imágenes importantes que se pegaban a nuestra retina y a nuestra memoria y que el próximo día 6 estarán acompañadas de las palabras de Manuel Gallego, para dejarnos abiertos más y más caminos.”
Carlos Quintans, comisario
Gallego es Premio Nacional de Arquitectura (1997) y ha sido Catedrático del Departamento de Proyectos y Urbanismo de la Escuela de Arquitectura de A Coruña, así como profesor invitado en universidades de todo el mundo. Entre sus obras, destacan las viviendas unifamiliar de Corrubedo (1970) o en O Carballo (1979), los premiados Museo de Bellas Artes de A Coruña (1997) y Museo de las Peregrinaciones de Santiago de Compostela (2012), o los igualmente conocidos Complejo Presidencial de Galicia (2002) y Centro Cultural y Ayuntamiento de A Illa de Arousa (2005-2008).
[:gl]
O pasado mércores 6 de xullo de 2016 inaugurouse a exposición de Manuel Galego Jorreto, dentro do ciclo 12miradas::Riverside, impulsado pola Corporación Fillos de Rivera e Galería Vilaseco Laboratorio Creativo. Contaremos coa presenza do arquitecto, que nos achegará as súas miradas cunha charla de introdución á exposición.
“A Manuel Galego preséntaselle normalmente enumerando os seus premios ou ben os seus proxectos; son datos que aparecen en calquera procura rápida realizada a través de internet . Datos sobre alguén que non se preocupou por buscar a difusión do seu traballo en papel e por suposto moito menos a través de recursos dixitais. Manuel Galego é un arquitecto ocupado en construír para mellorar o que existe e preocupado por situar o seu traballo nun marco adecuado que permita abrir camiños resolvendo as carencias que detecta. O seu traballo sitúase dentro das necesarias reflexións co territorio e a historia, sen esquecerse das ferramentas coas que materializa o proxectado, sen esquecerse dos recursos dispoñibles que manexa. Manuel é un arquitecto afastado dos que se ocupan unicamente pola forma e polo seu ego. Atento sempre a quen lle interesa a arquitectura. Ofreceunos de forma xenerosa a súa sabedoría; aínda que supoño que preferiría que dixese “o seu coñecemento” e así evitar grandilocuencias mesmo na forma na que lle podamos describir.
As súas doce miradas serán especiais para quen non teña a fortuna da súa proximidade e serán un momento de reflexión para quen tiven a sorte de estar en contacto co e co seu lugar de traballo. As doce miradas de Galego xa estaban colgadas das paredes do seu estudo ou apoiadas nalgunha mesa que atraese a mirada, apoiadas sobre un libro ou encima dalgún plano.
A selección que presentará son imaxes que deixaba flotando polo estudo e que non estaban acompañadas da súa conversación. Imaxes importantes que se pegaban á nosa retina e á nosa memoria e que o próximo día 6 estarán acompañadas das palabras de Manuel Galego, para deixarnos abertos máis e máis camiños.”
Carlos Quintans, comisario
Gallego é Premio Nacional de Arquitectura (1997) e foi Catedrático do Departamento de Proxectos e Urbanismo da Escola de Arquitectura da Coruña, así como profesor convidado en universidades de todo o mundo. Entre as súas obras, destacan as vivendas unifamiliar de Corrubedo (1970) ou en Ou Carballo (1979), o premiados Museo de Belas Artes da Coruña (1997) e Museo das Peregrinacións de Santiago de Compostela (2012), ou os igualmente coñecidos Complexo Presidencial de Galicia (2002) e Centro Cultural e Concello da Illa de Arousa (2005-2008).
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Last Wednesday, the 6th of July, 2016 Manuel Gallego Jorreto‘s exhibition was inaugurated, inside the cycle 12miradas:: Riverside stimulated by the Hijos de Rivera Corporation and Creative Laboratory Vilaseco Gallery. We will rely on the presence of the architect, that it will contribute his looks with a chat of introduction to the exhibition.
“One presents Manuel Gallego normally enumerating his prizes or his projects; it is information that appear in any rapid search realized across Internet. Information on someone who has not worried for looking for the diffusion of his work in paper and certainly much less across digital resources. Manuel Gallego is an architect occupied in constructing to improve what exists and worried for placing his work in a suitable frame that allows to open ways solving the lacks that it detects. His work places inside the necessary reflections with the territory and the history, without forgetting the tools with which it materializes the projected, without forgetting the available resources that he handles. Manuel is an architect removed from those who deal only for the form and for his ego. I attempt always whom he is interested in the architecture. It has offered us of generous form his wisdom; though I suppose that he would prefer that he was saying “his knowledge” and this way to avoid grandiloquences even in the form in which we could describe.
His twelve looks will be special for the one who does not have the fortune of his proximity and will be a moment of reflection for whom we have been lucky to be in touch with and with his place of work. Twelve Galician’s looks already were hung of the walls of his study or supported on some table that was attracting the look, supported on a book or on some plane.
The selection that he will present they are images that it was leaving floating for the study and that were not accompanied of his conversation. Important images that were sticking to our retina and to our memory and that next 6th will be accompanied of Manuel Gallego’s words, to make ourselves opened more and more ways.”
Carlos Quintans, curator
Gallego is A National Prize of Architecture (1997) and has been Professor of the Project department and Urbanism of the School of Architecture of To Corunna, as well as teacher invited in universities of the whole world. Between his works, stand out the housings one-family of Corrubedo (1970) or in Or Carballo (1979), winning Museum of Fine arts of To Corunna (1997) and Museum of the Peregrinations of Santiago de Compostela (2012), or equally known Complejo Presidencial of Galicia (2002) and Cultural Center and Town hall of To Illa de Arousa (2005-2008).
[:es]Edificio de Juzgados, Zaragoza. Alejandro de la Sota 1986 | Foto MADC
En ocasiones un fragmento esconde las trazas de la totalidad. La vibración del adoquinado, la diversidad de sus escamas, el brillo de la luz rasante sobre el perfil quebrado de todas y cada una de las piezas, el suelo representa de alguna manera el territorio de toda la ciudad, el suelo como conjunto de pisadas, el país como una amalgama de pies. Sin embargo esta imagen se presenta ante nosotros como una contradicción, pues los adoquines no forman parte de pavimento alguno.
En la imagen el suelo vuelvey se transforma en pared, la calle se convierte entonces en cauce y el lecho de las aceras alcanza la altura adecuada ante nuestra mirada. Sobre la urbanización expandida como envés de una arquitectura simétricamente desplegada, una envolvente ligera se separa elegantemente mediante una junta de aire, una linea de sombra, un vacío como elemento de articulación entre la afanosa solidez del pavimento y la altiva delicadeza de la membrana. Si se observa con detenimiento, el panel superior de chapa muestra una abolladura, una señal certera de su fragilidad, un distintivo que recuerda y explica su posición elevada sobre la orilla de la aceras. Sellos de calidad que solo el tiempo puede otorgar.
La arquitectura se presenta cada día a la contienda de lo cotidiano; escribiremos su biografía desde la fricción permanente con nuestras acciones y maniobras. Un fragmento de la batalla podría esconder las trazas de la totalidad. La soledad de la abolladura, su estoicismo, su pequeña presencia circunstancial nos muestra la energía contenida en nuestras calles, las fuerzas detonantes de la metrópoli, la virulencia de uno solo de sus proyectiles. La presencia protectora de los adoquines justifica la tersura fría de la chapa, su arrogancia metálica, su certidumbre más allá de los impactos de la vida, más allá de la batalla cotidiana.
Miguel Ángel Díaz Camacho. Doctor Arquitecto
Madrid. Enero 2015. Autor de Parráfos de arquitectura. #arquiParrafos
[:gl]Edificio dos Xulgados, Zaragoza. Alejandro de la Sota 1986 | Foto MADC
En ocasións un fragmento esconde as trazas da totalidade. A vibración do empedrado, a diversidade das súas escamas, o brillo da luz rasante sobre o perfil crebado de todas e cada unha das pezas, o chan representa dalgunha maneira o territorio de toda a cidade, o chan como conxunto de pisadas, o país como unha amálgama de pés. Con todo esta imaxe preséntase ante nós como unha contradición, pois as lastras non forman parte de pavimento algún.
Na imaxe o chan volve e transfórmase en parede, a rúa convértese entón en canle e o leito das beirarrúas alcanza a altura adecuada ante a nosa mirada. Sobre a urbanización expandida como envés dunha arquitectura simétricamente despregada, unha envolvente lixeira sepárase elegantemente mediante unha xunta de aire, unha linea de sombra, un baleiro como elemento de articulación entre a afanosa solidez do pavimento e a altiva delicadeza da membrana. Se se observa con detemento, o panel superior de chapa mostra unha abolladura, un sinal certeiro da súa fraxilidade, un distintivo que lembra e explica a súa posición elevada sobre a beira da beirarrúas. Selos de calidade que só o tempo pode outorgar.
A arquitectura preséntase cada día á contenda do cotián; escribiremos a súa biografía desde a fricción permanente coas nosas accións e manobras. Un fragmento da batalla podería esconder as trazas da totalidade. A soidade da abolladura, a súa estoicismo, a súa pequena presenza circunstancial móstranos a enerxía contida nas nosas rúas, as forzas detonantes da metrópole, a virulencia dun só dos seus proxectís. A presenza protectora das lastras xustifica a tersura fría da chapa, a súa arrogancia metálica, a súa certidumbre máis aló dos impactos da vida, máis aló da batalla cotiá.
Miguel Ángel Díaz Camacho. Doutor Arquitecto
Madrid. Xaneiro 2015. Autor de Parráfos de arquitectura. #arquiParrafos
[:en]Courthouse Building , Zaragoza. Alejandro de la Sota 1986 | Photo MADC
In occasions a fragment hides the traces of the totality. The vibration of the paved one, the diversity of his scales, the sheen of the low light on the broken profile of each and every of the pieces, the soil represents somehow the territory of the whole city, the soil as set of trodden, the country as an amalgam of feet. Nevertheless this image appears before us as a contradiction, since the cobbles do not form a part of any pavement.
In the image the soil returns and transforms in wall, the street turns then into riverbed and the bed of the sidewalks reaches the height adapted before our look. On the urbanization expanded as back of a symmetrically unfolded architecture, the surrounding light one separates elegantly by means of an air meeting, a line of shade, an emptiness as element of joint between the eager solidity of the pavement and the haughty sensitivity of the membrane. If it is observed thoroughly, the top panel of sheet shows a dent, an accurate sign of his fragility, a badge that remembers and explains his position raised on the shore of you her steel. Qualit stamps that alone the time can grant.
The architecture appears every day to the contest of the daily thing; we will write his biography from the permanent friction with our actions and maneuvers. A fragment of the battle might hide the traces of the totality. The loneliness of the dent, his stoicism, his small circumstantial presence shows us the energy contained in our streets, the explosive forces of the metropolis, the virulence of the alone one of his missiles. The protective presence of the cobbles justifies the cold smoothness of the sheet, his metallic arrogance, his certainty beyond the impacts of the life, beyond the daily battle.
Miguel Ángel Díaz Camacho. PhD Architect
Madrid. January 2015. Author of Parráfos de arquitectura. #arquiParrafos
En la última entrada de mi blog, mencionaba la jornada MAE + CINE Arquitectura tras la pantalla, celebrada en Matimex, en la que intervino el cineasta y arquitecto Fernando Colomo. Buscando información sobre su trabajo, para preparar ese encentro, encontré varias entrevistas en las que hablaba sobre las relaciones entre cine y arquitectura, que pueden encuadrarse en un serie de entradas que he denominado Arquitectos y Cineastas, iniciada en 2011, y en las que he ido recogiendo opiniones sobre estas dos disciplinas de diversos directores como Woody Allen, Ingmar Bergman, Valerian Borowczyk, René Clair, Luigi Comencini, Dziga Vertov, José Luis García Sánchez, John Ford, Amos Gitai, Peter Greenaway, Abbas Kiarostami, John Sayles y Raúl Ruiz, así como de la actriz Viola Dana, y el ensayista Sigfried Giedion.
En 2003, Colomo declaraba en El País en relación con el cine y la arquitectura:
«son dos formas distintas de expresarse, pero que tienen cosas comunes. Por ejemplo, el guión es como el plano de una casa y la realización es como la dirección de obra».
En una entrevista en el interesante DTF Magazine de febrero de este año, que se puede leer entera aquí, llega a decir:
«en muchos momentos me siento más arquitecto que cineasta»,
y también especifica:
«descubrí que la arquitectura guarda una importante vinculación con el cine, guardando muchos paralelismos, como pueden ser la estructura o la visión del espacio. En ambas se requiere de un equipo técnico que es necesario compaginar»,
concluyendo que
«las características para poder llegar a ser un buen director dependen de muchos factores. Pero podría destacar el ser constante, paciente y muy trabajador. Creo que un estudiante de arquitectura actual reúne esas características, pero también saber dirigir a un gran grupo y tener el control, y bueno, aparte tener talento que es lo más importante».
«Constante, paciente y muy trabajador», y además «tener talento», sin duda es una buena fórmula para afrontar con éxito casi cualquier actividad en la vida.
Jorge Gorostiza, Doctor arquitecto.
Santa Cruz de Tenerife, abril 2016 Autor del blog Arquitectura+Cine+Ciudad
ARQFESTIVAL 2016, EVENTO INTERNACIONAL DE ARQUITECTURA SE LLEVARÁ A CABO LOS DÍAS 13 Y 14 DE OCTUBRE EN EL TEATRO DIANA.
Guadalajara, México, tierra del reconocido arquitecto Luis Barragán, ganador del Premio Pritzker, es sede de la tercera edición de ArqFestival 2016.
El Festival incluye conferencias magistrales, presentaciones y proyectos innovadores de destacados despachos y arquitectos de renombre nacional e internacional.
El ciclo de conferencias abarca temas de Sustentabilidad, Diseño Urbano, Residencial, Corporativo, Hoteles de Playa, Deportiva, Museos, Paisajismo y Espacios Públicos.
ArqFestival 2016 dispone de tres zonas, Zona A: $1,950; Zona B: $1,699; y Zona C: $1,299, incluyen ocho Conferencias, Cóctel de bienvenida y Constancia de participación.
El panel de expertos estará integrado por 8 reconocidos arquitectos, entre ellos:
· Borja Navarro Ibáñez de Aldeoca (España). Arquitectura desplegada.
Arquitecto por la Universidad de Sevilla. En 2010 funda el estudio Bakpak, junto con José de la Peña Gómez Millán, José M. González Chamorro, José A. Pavón González y Myriam Rego Gómez. En 2015 baKpak y BOA fueron acreedores del 1º lugar en el Concurso para el diseño de un edificio de uso mixto en Guiyang, China.
· Octavio Mestre (España). Comercial y oficinas.
Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona, obtuvo la calificación Sobresaliente. Actualmente, es Director de Octavio Mestre Arquitectos; entre sus proyectos destacan el Restaurante Le Mex en España, la Sede Mutua Madrileña en Barcelona y El Palecete en Barcelona.
ARQFESTIVAL 2016, EVENTO INTERNACIONAL DE ARQUITECTURA levará A CABO Os DÍAS 13 E 14 DE OUTUBRO NO TEATRO DIANA.
Guadalaxara, México, terra do recoñecido arquitecto Luís Barragán, gañador do Premio Pritzker, é sede da terceira edición de ArqFestival 2016.
O Festival inclúe conferencias maxistrais, presentacións e proxectos innovadores de destacados despachos e arquitectos de renome nacional e internacional.
O ciclo de conferencias abarca temas de Sustentabilidad, Deseño Urbano, Residencial, Corporativo, Hoteis de Praia, Deportiva, Museos, Paisajismo e Espazos Públicos.
ArqFestival 2016 dispón de tres zonas, Zona A: $1,950; Zona B: $1,699; e Zona C: $1,299, inclúen oito Conferencias, Cóctel de benvida e Constancia de participación.
O panel de expertos estará integrado por 8 recoñecidos arquitectos, entre eles:
· Borja Navarro Ibáñez de Aldeoca (España). Arquitectura despregada.
Arquitecto pola Universidade de Sevilla. En 2010 funda o estudo Bakpak, xunto con José da Pena Gómez Millán, José M. González Chamorro, José A. Pavón González e Myriam Rego Gómez. En 2015 baKpak e BOA foron acredores do 1º lugar no Concurso para o deseño dun edificio de uso mixto en Guiyang, China.
· Octavio Mestre (España). Comercial e oficinas.
Arquitecto pola Escola Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona, obtivo a cualificación Sobresaliente. Actualmente, é Director de Octavio Mestre Arquitectos; entre os seus proxectos destacan o Restaurante Lle Mex en España, a Sede Mutua Madrileña en Barcelona e O Palecete en Barcelona.
ARQFESTIVAL 2016, INTERNATIONAL EVENT OF ARCHITECTURE WILL BE CARRIED OUT ON THE 13TH AND 14TH GIVE OCTOBER IN THE THEATRE REVEILLE.
Guadalajara, México, land of the recognized architect Luis Barragán, winner of the Pritzker Architectura Prize, is a headquarters of ArqFestival’s third edition 2016.
The Festival includes magisterial conferences, presentations and innovative projects of out-standing offices and architects of national and international renown.
The cycle of conferences includes Sustentabilidad’s topics, Urban, Residential, Corporate Design, Sports Beach hotels, Museums, Landscape painting and Public Spaces.
ArqFestival 2016 has three zones, Zone To: 1,950 $; Zone B: 1,699 $; and Zone C: 1,299 $, they include eight Conferences, Coctail of welcome and Witness of participation.
The experts’ panel will be integrated by 8 recognized architects, between them:
· Borja Navarro Ibáñez de Aldeoca (Spain). Unfolded architecture.
Architect for the University of Seville. In 2010 Jose A founds the study Bakpak, together with Jose de la Peña Gómez Millán, Jose M. Gonzalez Chamorro. Pavón Gonzalez and Myriam Rego Gómez. In 2015 baKpak and BOA they were creditors of the 1 º place in the Contest for the design of a building of mixed use in Guiyang, China.
· Octavio Mestre (Spain). Commercial and offices.
Architect for the Technical Top School of Architecture of Barcelona, obtained the Excellent qualification. Nowadays, he is The Director of Octavio Mestre Arquitectos; between his projects Mex emphasizes the Restaurant Him in Spain, the Mutual Headquarters Of Madrid in Barcelona and The Palecete in Barcelona.
El proyecto pedagógico de la Escuela Súnion está fundado sobre tres conceptos principales: el sentido del respeto, la capacidad de auto-concentración y la constitución de una comunidad. Estos tres conceptos se han aplicado espacialmente en la reforma y ampliación de la Escuela Súnion para formar así ciudadanos responsables y sensibles. Estas tres premisas se traducen por un lado en una conexión visual entre los diferentes volúmenes edificados y por otro en una transparencia máxima entre los diferentes espacios de trabajo, sean aulas, seminarios o despachos. Es una escuela transparente, en contraposición a la escuela cerrada y opaca del edificio original.
Un principio operativo de pasillo-armario organiza el espacio de circulación. En cada planta y dando fachada a la calle, se han dispuesto unas cajas de madera para el intercambio informal entre alumnos. Esta idea motriz del proyecto, circulaciones activas y áreas de intercambio constituyen la columna vertebral de una propuesta dinámica y enriquecedora del conjunto, favoreciendo espacios de roce diseminados por todo el centro. Paralelamente, la voluntad de dotar a cada planta de puntos específicos de interrelación e intercambio de información entre alumnos y profesores, genera una distribución por planta alrededor de un núcleo central compacto, compuesto por salas de seminarios y despachos.
La escuela en su conjunto gravita en torno al fórum, un espacio hibrido y polivalente, donde pueden reunirse cursos enteros para dar una charla, realizar actividades de grupo (ensayos de teatro, canto, etc.) o formalizar la relación entre padres, alumnos y profesores. La cubierta de este fórum es una plaza exterior dotada de plantas, bancos y lucernarios que a modo de muebles configuran espacios acotados para la reunión de diferentes grupos de alumnos en las horas de descanso. En la planta segunda, jugando con la volumetría del edificio, se ha diseñado una terraza exterior, con un gran porche a lo largo, para que los alumnos puedan también desayunar o relajarse, mientras toman el sol, reforzando así una experiencia de uso del edificio agradable, abierta y común.
Todos los cerramientos nuevos son desmontables, integrando así el concepto del vector tiempo en la arquitectura, y permitiendo que el espacio pueda adaptarse a las futuras evoluciones de la escuela. Esta lógica dinámica se traduce en el día a día en que las aulas no están asignadas a cursos o asignaturas específicas, lo que obliga a que el alumno deba construir su agenda cada semana. De esta manera el espacio se vive de forma intensa y espacialmente diferente.
En las aulas a calle, al igual que la caja antes mencionada, se ha dispuesto una caja por aula que funciona como espacio extra, en algunos casos como espacio de almacén, otros como tarima y otros para disponer de una mesa y sillas en caso de necesidad de una atención especial a grupos más reducidos.
Estas cajas forman parte de uno de los elementos principales de la fachada que la organizan y la caracterizan. El otro elemento lo componen unas lamas que funcionan como protección solar pasiva de manera que dejan pasar las vistas pero protegen del sol del este. Estas lamas están acabadas de color gris oscuro a una cara y de color blanco de la otra cara, de manera que dependiendo si la visión del edificio es bajando o subiendo la calle, el edificio cambia de color.
El acceso a la escuela se ha pensado como un espacio dilatado de la acera, de forma que en las horas de entrada y salida, el alumno no entorpezca la circulación peatonal de la calle. Este espacio, que funciona como un espacio privado participado, en tanto que extensión del espacio público, se desarrolla a doble altura acentuando el ritual de acceso a la escuela y dotándolo de una escala urbana.
En resumen, la Escuela Súnion funciona como un ágora educativa y el proyecto se puso desde el primer momento al servicio de un modelo pedagógico y docente de primer nivel.
Obra: Escuela Súnion
Emplazamiento: Av/ de la República Argentina, 85, Barcelona, Cataluña, España
Cliente: Privado
Autores: Arquitectos – ARCHIKUBIK (Carmen Santana, Marc Chalamanch, Miquel Lacasta)
Superficie total: 6.140,00m2
Superficie de Reforma: 4.502,00m2
Superficie de Ampliación: 1.638,00m2.
Coste total obra: 5.731.466,00 €. Ratio: 933€/m2
Año: 2016
Fotografía: Adria Goula + archikubik.com
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O proxecto pedagóxico da Escola Súnion está fundado sobre tres conceptos principais: o sentido do respecto, a capacidade de auto-concentración e a constitución dunha comunidade. Estes tres conceptos aplicáronse espacialmente na reforma e ampliación da Escola Súnion para formar así cidadáns responsables e sensibles. Estas tres premisas tradúcense por unha banda nunha conexión visual entre os diferentes volumes edificados e por outro nunha transparencia máxima entre os diferentes espazos de traballo, sexan aulas, seminarios ou despachos. É unha escola transparente, en contraposición á escola pechada e opaca do edificio orixinal.
Un principio operativo de corredor-armario organiza o espazo de circulación. En cada planta e dando fachada á rúa, dispuxéronse unhas caixas de madeira para o intercambio informal entre alumnos. Esta idea motriz do proxecto, circulacións activas e áreas de intercambio constitúen a columna vertebral dunha proposta dinámica e enriquecedora do conxunto, favorecendo espazos de rozamento diseminados por todo o centro. Paralelamente, a vontade de dotar a cada planta de puntos específicos de interrelación e intercambio de información entre alumnos e profesores, xera unha distribución por planta ao redor dun núcleo central compacto, composto por salas de seminarios e despachos.
A escola no seu conxunto gravita en torno ao fórum, un espazo hibrido e polivalente, onde poden reunirse cursos enteiros para dar unha charla, realizar actividades de grupo (ensaios de teatro, canto, etc.) ou formalizar a relación entre pais, alumnos e profesores. A cuberta deste fórum é unha praza exterior dotada de plantas, bancos e lucernarios que a modo de mobles configuran espazos acoutados para a reunión de diferentes grupos de alumnos nas horas de descanso. Na planta segunda, xogando coa volumetría do edificio, deseñouse unha terraza exterior, cun gran soportal ao longo, para que os alumnos poidan tamén almorzar ou relaxarse, mentres toman o sol, reforzando así unha experiencia de uso do edificio agradable, aberta e común.
Todos os cerramentos novos son desmontables, integrando así o concepto do vector tempo na arquitectura, e permitindo que o espazo poida adaptarse ás futuras evolucións da escola. Esta lóxica dinámica tradúcese no día a día en que as aulas non están asignadas a cursos ou materias específicas, o que obriga a que o alumno deba construír a súa axenda cada semana. Desta maneira o espazo vívese de forma intensa e espacialmente diferente.
Nas aulas a rúa, do mesmo xeito que a caixa antes mencionada, dispúxose unha caixa por aula que funciona como espazo extra, nalgúns casos como espazo de almacén, outros como tarima e outros para dispoñer dunha mesa e cadeiras en caso de necesidade dunha atención especial a grupos máis reducidos.
Estas caixas forman parte dun dos elementos principais da fachada que a organizan e caracterízana. O outro elemento compóñeno unhas lamas que funcionan como protección solar pasiva de maneira que deixan pasar o vistas pero protexen do sol do leste. Estas lamas están acabadas de cor gris escura a unha cara e de cor branca da outra cara, de maneira que dependendo se a visión do edificio é baixando ou subindo a rúa, o edificio cambia de cor.
O acceso á escola pensouse como un espazo dilatado da beirarrúa, de forma que nas horas de entrada e saída, o alumno non entorpeza a circulación peonil da rúa. Este espazo, que funciona como un espazo privado participado, en tanto que extensión do espazo público, desenvólvese a dobre altura acentuando o ritual de acceso á escola e dotándoo dunha escala urbana.
En resumo, a Escola Súnion funciona como un ágora educativa e o proxecto púxose desde o primeiro momento ao servizo dun modelo pedagóxico e docente de primeiro nivel.
Obra: Escola Súnion
Emprazamento: Av/ de la República Argentina, 85, Barcelona, Cataluña, España
Cliente: Privado
Autores: Arquitectos – ARCHIKUBIK (Carmen Santana, Marc Chalamanch, Miquel Lacasta)
Superficie total: 6.140,00m2
Superficie de Reforma: 4.502,00m2
Superficie de Ampliación: 1.638,00m2.
Coste total obra: 5.731.466,00 €. Ratio: 933€/m2
Ano: 2016
Fotografía: Adria Goula + archikubik.com
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The pedagogic project of the School Súnion is founded on three principal concepts: the sense of the respect, the capacity of auto-concentration and the constitution of a community. These three concepts have been applied spatially in the reform and extension of the School Súnion to form this way responsible and sensitive citizens. These three premises are translated on the one hand in a visual connection between the different built-up volumes and for other one in a maximum transparency between the different working spaces, be classrooms, seminars or offices. It is a transparent school, in contraposition to the closed and opaque school of the original building.
An operative beginning of corridor – cupboard organizes the space of traffic. In every plant and giving front to the street, they have arranged a few boxes of wood for the informal exchange between pupils. This motive idea of the project, active traffics and areas of exchange constitute the vertebral column of a dynamic and wealth-producing offer of the set, favoring spaces of fret spread by the whole center. Parallel, the will to provide to every plant of specific points of interrelationship and exchange of information between pupils and teachers, generates a distribution for plant about a central compact core composed by rooms of seminars and offices.
The school in his set gravitates concerning the forum, a hybrid and polyvalent space, where they can assemble entire courses to give a chat, to realize activities of group (tests of theatre, singing, etc.) or to formalize the relation between parents, pupils and teachers. The cover of this forum is an exterior square provided with plants, banks and lucernarios that like furniture form spaces annotated for the meeting of different groups of pupils in the hours of rest. In the second plant, playing with the volumetry of the building, an exterior terrace has been designed, with a great porch lengthways, in order that the pupils could have breakfast also or relax, while they sunbathe, reinforcing this way an experience of use of the agreeable building, opened and common.
All the new closings are detachable, integrating this way the concept of the vector time in the architecture, and allowing that the space could adapt to the future evolutions of the school. This dynamic logic is translated in day after day in that the classrooms are not assigned to courses or specific subjects, which forces that the pupil should construct his agenda every week. Hereby the space is lived of intense and spatially different form.
In the classrooms to street, as the box before mentioned, one has arranged a box for classroom that works as space extra, in some cases as space of store, others as dais and others to have a table and chairs in case of need of a special attention to more limited groups.
These boxes form a part of one of the principal elements of the front that they organize and characterize her. Another element is composed by a few muds that work as solar passive protection so that they stop to spend the sights but protect from the Sun of this. These muds are ended from dark gray color to a face and of white color of another face, so that depending if the vision of the building is lowering or raising the street, the building changes color.
The access to the school has been thought as an extensive space of the sidewalk, so that in the hours of entry and exit, the pupil does not obstruct the pedestrian traffic of the street. This space, which works as a private informed space, while extension of the public space, it develops to double height accentuating the ritual of access to the school and providing it with an urban scale.
In short, the Súnion School works like one educational ágora and the project put from the first moment to the service of a pedagogic and educational model of the first level.
Work: Súnion School
Location: Av/ de la República Argentina, 85, Barcelona, Catalonia, Spain
Client: Private
Autores: Arquitectos – ARCHIKUBIK (Carmen Santana, Marc Chalamanch, Miquel Lacasta)
All superfice: 6.140,00m2
Surface of Reform: 4.502,00m2
Surface of Extension: 1.638,00m2.
Total cost acts: 5.731.466,00 €. Ratio: 933€/m2
Year: 2016
Photography: Adria Goula + archikubik.com
Koldo Lus Arana habla de su investigación reciente sobre las interacciones entre tiras cómicas y arquitectura – tanto desde una perspectiva histórica como la corriente de exploración y las superpone. Arana explorará el trabajo de arquitectos contemporáneos como Jimenez Lai, Willem Jan Neutelings y muchos otros que usan tiras cómicas e historietas dentro de su trabajo, a la presencia de arquitectura en tiras cómicas como aquellos creados por Chris Ware o François Schuiten.
Koldo Lus Arana es un arquitecto, ilustrador e investigador. Obtuvo una beca para realizar el Máster en Estudios de Diseño de Harvard GSD en 2008, y es doctor por la Universidad de Navarra en 2013 con la disertación Futuropolis: Tiras cómicas y la Construcción Transmediática de la Ciudad del Futuro. Sus líneas principales de investigación tratan sobre las interacciones entre la arquitectura y medios de comunicación, y el futuro de la arquitectura. Actualmente enseña Teoría y la Historia de Arquitectura en la Universidad de Zaragoza (España).
Esta conferencia es presentada en sociedad por MAS Context. MAS Context es una revista trimestral cuyas publicaciones versan sobre el contexto urbano.
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Koldo Lus Arana fala da súa investigación recente sobre as interaccións entre tiras cómicas e arquitectura – tanto desde unha perspectiva histórica como a corrente de exploración e superponas. Arana explorará o traballo de arquitectos contemporáneos como Jimenez Lai, Willem Jan Neutelings e moitos outros que usan tiras cómicas e historietas dentro do seu traballo, á presenza de arquitectura en tiras cómicas como aqueles creados por Chris Ware ou François Schuiten.
Koldo Lus Arana é un arquitecto, ilustrador e investigador. Obtivo unha bolsa para realizar o Máster en Estudos de Deseño de Harvard GSD en 2008, e é doutor pola Universidade de Navarra en 2013 coa disertación Futuropolis: Tiras cómicas e a Construción Transmediática da Cidade do Futuro. As súas liñas principais de investigación tratan sobre as interaccións entre a arquitectura e medios de comunicación, e o futuro da arquitectura. Actualmente ensina Teoría e a Historia de Arquitectura na Universidade de Zaragoza (España).
Esta conferencia é presentada en sociedade por MAIS Context. MAIS Context é unha revista trimestral cuxas publicacións versan sobre o contexto urbano.
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Koldo Lus Arana discusses his recent research on the interactions between comics and architecture—both from a historical perspective and exploring current overlaps. Arana will explore the work of contemporary architects such as Jimenez Lai, Willem Jan Neutelings and many others who use comics and cartoons within their work, to the presence of architecture in comics such as those created by Chris Ware or François Schuiten.
Koldo Lus Arana is an architect, illustrator and architecture scholar. He earned a Master in Design Studies from Harvard GSD in 2008, and a PhD from the University of Navarra in 2013 with the dissertation Futuropolis: Comics and the Transmediatic Construction of the City of the Future. His main lines of research deal with the interactions between architecture and media, and with architectural prospective. He currently teaches Theory and History of Architecture in the University of Zaragoza (Spain).
This lecture is presented in partnership with MAS Context. MAS Context is a quarterly journal that addresses issues that affect the urban context.
En estuche de regalo, la Villa Saboya de Le Corbusier
La Villa Saboya de Le Corbusier es una obra maestra, y por lo tanto es muchas cosas. Se ha hablado y escrito muchísimo sobre ella, y se seguirá hablando y escribiendo muchísimo más. Como todas las obras maestras, es inagotable; porque no solo es lo que es, sino lo que cada uno de nosotros queremos que sea.
Yo tengo poco que decir, y aun eso poco ya estará dicho más de una vez. Pero, de todas formas, voy a decirlo. Es apenas una observación marginal (como de costumbre) y tal vez un poco simplista (como de costumbre).
Le Corbusier tiene un croquis muy famoso en el que simplifica cuatro formas de diseñar o de concebir un edificio. Es muy claro, como siempre:
Croquis, Villa Saboya, Le Corbusier
La primera es diseñarlo como el edificio quiera ser; dejarlo crecer y manifestarse libremente, orgánicamente. Cada pieza y cada espacio se ubican según convenga y toman la forma que necesiten. (El ejemplo que dibuja es su casa La Roche/Jeanneret en París).
La segunda es hacer un volumen macizo, compacto. (Tiene muchos edificios así, aunque ninguno tan soso ni tan torpemente macizo. Podría ser, por ejemplo, el edificio de Manufacturas Duval, en St. Dié, o el Secretariado de Chandigarh).
La tercera es hacer una estructura muy rígida y cuadriculada y moverse libremente dentro de ella. (Conceptualmente tiene muchas obras así, pero ninguna tiene la forma del croquis nº 3. Pongamos por ejemplo el Centro de Artes Visuales de Cambridge, en la Universidad de Harvard, y el Palacio de Congresos de Estrasburgo).
Y la cuarta es la suma de todas las anteriores: Una disposición en planta que se organiza libremente (véase la zona rayada), pero que exteriormente parece un volumen compacto, una caja, y que, con una estructura regular, se toma todas las libertades que quiere. (El ejemplo palmario de esta es la Villa Saboya).
En definitiva, es un regalo dentro de un estuche
Villa Saboya, Le Corbusier
Es una caja nítida, regular, maciza (un poco sosa), pero que esconde algo totalmente distinto. La caja de regalo (con lacito y todo: las paredes curvas del solarium) no permite adivinar lo que hay dentro. El interior es una verdadera sorpresa. Es justo como cuando abrimos un regalo. Dentro de la sosa caja de cartón hay algo estupendo.
Y, para que luego digan que el Movimiento Moderno estaba ayuno de Complejidad y Contradicción, esta casa es completamente contradictoria.
Tras la aparente sencillez y homogeneidad se esconde un espacio sorprendente
Villa Saboya, Le Corbusier
El aparente macizo está percudido por huecos y vacíos. No tiene nada que ver lo que hay dentro con lo que parecía desde fuera:
Villa Saboya, Le Corbusier
La terraza tiene una vista al horizonte que queda enmarcada por unos huecos inútiles en una falsa fachada cuya función es la de máscara, la de engañar a quien vea la casa desde fuera.
¿Por qué no se ha dejado la mirada libre al espacio abierto? ¿Por que se la constriñe?
Villa Saboya, Le Corbusier
Lo primero, por lo que hemos dicho: Para que haya estuche. Pero también, en cierto modo, se enmarca el paisaje, se le domestica, se le hace pasar por el ojo de la aguja de las falsas ventanas en longueur. Se ejerce una función racionalista incluso sobre la naturaleza, que no se deja disfrutar directamente, sino que hay que acotar y cuadricular para poderla disfrutar.
Por otra parte, el obligar a que la planta de la casa quede inscrita en ese pseudocuadrado ocasiona algunas incomodidades, algunos agobios innecesarios (sobre todo cuando no se tiene ninguna limitación de espacio en la parcela). Hay un cierto «amontonamiento» de las habitaciones, una doble circulación desde la escalera y algunos estorbos en la apertura de puertas que no parecen propios de una casa con tanto sitio.
Villa Saboya, Le Corbusier
Pero por encima de la funcionalidad cuenta el teorema, la dificultad autoimpuesta, la resolución de un problema que no era tal, que se ha inventado el arquitecto por puro placer sádico.
No es la mejor planta del mundo, pero la casa es magnífica. Los complejos y contradictorios espacios que conviven y pelean dentro de la caja producen una gran riqueza perceptiva y un enorme placer, tanto intelectual como sensual.
Villa Saboya, Le Corbusier
La rampa es un hallazgo espacial y plástico, y el juego entre estructura obligatoria (tanto portante como compositiva) y elementos caprichosos tiene un raro equilibrio dinámico y una enorme riqueza.
Villa Saboya, Le Corbusier
Pero, por encima de todo, creo que el mayor hallazgo de esta casa es que los vacíos son más protagonistas que los llenos. La casa se amontona y se estruja, pero las terrazas (cubiertas y no cubiertas), la rampa exterior, el solarium, etc, son los huecos que organizan el espacio, los vacíos que relacionan los volúmenes y dan sentido al conjunto.
En el croquis nº 4 tienen tanta importancia las zonas blancas como las rayadas, o más.
El regalo es siempre más importante que el estuche; el espacio lo es más que la materia.
Elogio de la luz XX, 1990, Eduardo Chillida
José Ramón Hernández Correa · Doctor Arquitecto
Toledo · enero 2012 Autor del blog arquitectamoslocos?
Cartel del evento Nuevas formas de ciudad en la era de internet celebrado el pasado mes de Abril en Valencia | ecosistemaurbano.org
«Hay dos formas de pensar acerca de lo que es el espacio público urbano. Una propugna que es un espacio discursivo, en el que los desconocidos hablan entre sí; y la otra defiende que se trata de un espacio de la vista, donde las personas interactúan visualmente, no verbalmente. En la historia del pensamiento sobre las ciudades, Jürgen Habermas representa el primer tipo: está interesado en los lugares donde las personas leen y luego discuten entre sí sobre lo que han leído; un espacio en el que predomina la interacción verbal. Mi concepción es muy distinta. A mi entender, la esfera pública es esencialmente una esfera visual, lo que supone un conjunto de cuestiones bien diferentes. Implica asuntos como la forma en que las personas se enmarcan en el espacio, hasta dónde alcanzan a ver… La esfera pública es, de algún modo, mucho más táctil porque te desplazas, tienes experiencias que definen el modo en el que tu cuerpo se orienta hacia otras personas.
Esto es importante porque Habermas, y los pensadores que, como él, conciben el espacio público como el espacio de las palabras, creen que la política emerge espontáneamente de allí. Mientras que, a mi entender, el espacio público tiene una configuración más social y las cuestiones que planteo son más bien sobre la relación entre lo visual y lo social, y no sobre lo público y lo político.
Al pasear de noche por la calle surge un conjunto de preguntas sobre la esfera pública muy distinto al que se plantearía a plena luz del día. No son preguntas políticas, sino sociales. Se centran en el peligro, en el descubrimiento, en todo tipo de experiencias que para alguien que reflexiona sobre el espacio discursivo serían periféricas. Y el modo en que estas diferencias evolucionan al reflexionar sobre qué es la esfera pública da como resultado que la ciudad como espacio significativo esté desapareciendo progresivamente de los debates de pensadores como los habermasianos. La ciudad física ha desaparecido como objeto significativo del pensamiento sobre la vida pública. Mientras que para mí, los elementos físicos de la ciudad, sus componentes corpóreos, la experiencia física, se han trasladado a un primer plano».1
Vayamos por partes
En este texto Sennett nos plantea una dicotomía irreconciliable. O entendemos el espacio urbano como el espacio de la palabra, o lo entendemos como el espacio de la vista. Sennett se debe a un relato de la confrontación para dejar bien claras sus preferencias. De ahí a pensar que ambas concepciones de lo esencialmente urbano sean excluyentes, es más que dudoso. Es más, podríamos rebatir que la palabra, el ámbito discursivo del espacio urbano, está en pleno renacer a través de las tecnologías de relación, o lo que comúnmente se llaman redes sociales. En todo caso, si que es totalmente cierto que el espacio urbano ha crecido y trascendido hacia el espacio digital con una fuerza extraordinaria. Es decir, ya no solamente quedamos en la plaza física para hablar, sino que también quedamos constantemente en la plaza virtual que las redes han construido.
Podríamos decir que esa dura competencia, ha mermado la capacidad de la plaza física para seguir siendo el soporte del discurso público. Yo preferiría entender que más que una competencia, es una coopetición, es decir una cooperación que debería permitir a la plaza publica y a la virtual, competir mejor por captar la atención. Porque de eso se trata, en un mundo lleno de ruido en todas las variopintas formas que tiene la información, el captar la atención de un individuo es clave. Y por parte del individuo, tener la habilidad por centrar su atención en algo de provecho, propio o colectivo, es esencial. Por tanto, ambos espacios urbanos, la plaza real y la virtual siguen vigentes como espacio discursivo, de talante eminentemente político, en tanto que habitantes de la polis.
Sigamos
De lo apuntado antes, nada excluye la lógica de lo visual en el espacio público. Es decir la plaza, quintaesencia del espacio público, puede perfectamente ser política, y a la vez, social. Es más, debería ser no solamente eso simultáneamente, sino también, espacio de la construcción simbólica en lo cultural, espacio de nuevos modelos productivos en lo económico y lugar para el desarrollo libre de la tecnología. Entonces, ¿porqué esa confrontación?
Sospecho que en realidad, Sennett aboga por volver a tomar en consideración lo físico en el ámbito espacial de lo público. Y ciertamente quizás lo habíamos perdido un poco de vista. En su teoría sobre la actitud del artesano, Sennett acierta en una clave que se ha debilitado enormemente en las últimas décadas. La técnica como procedimiento no pertenece a la manufactura práctica, sino que es un modo de pensar en si mismo. Más aún, si la actitud es como la del artesano, que se empeña en hacerlo bien, en incorporar una dimensión ética al trabajo manual, eso repercute directamente en la calidad intelectual, en la profundidad y pertinencia del pensamiento.
Esta idea que relaciona la técnica con los resultados, es aplicable al alfarero, pero también al director de orquestra o el investigador de laboratorio. Creo firmemente que también debería aplicarse al arquitecto.
Sennett afirma que
«a mi modo de ver, cuando distinguimos entre la praxis y la idea, la práctica y la teoría, la que resulta perjudicada es la parte intelectual. Es decir, disociar el ámbito material del analítico tiene como consecuencia un debilitamiento intelectual, una disminución de nuestra capacidad de visión y de comprensión».2
Volvamos al principio
El contexto en el que Sennett desautoriza la potencia discursiva del espacio público está más relacionado con el hecho de que para el autor la palabra no es material, que el hecho de que la palabra no tenga valor como materia en la construcción de la argumentación de lo colectivo. A partir de allí, si que puede empezar a profundizarse en las diferentes consideraciones del espacio público. Todos estaremos de acuerdo que los lugares de encuentro que la ciudad nos ofrece, son estructuras materiales que en la mayoría de los casos su uso queda restringido a la mirada, y el posterior reconocimiento por parte de los individuos, de los mensajes que lo material desprende. Una calle estrecha y mal iluminada automáticamente lanza una mensaje de alerta para el paseante ocasional, mientras que una plaza concurrida, llena de bares y terrazas, ofrece un mensaje de confort. Eso es evidente en el momento en que construimos lazos sociales entre iguales con el espacio público de fondo.
En resumidas cuentas, es cierto que desde hace ya demasiado tiempo, hemos olvidado el arte de hacer ciudades, en tanto que hemos puesto el acento en los objetos que conforman un espacio público y no en el vacío que estos objetos configuran. Es más, posiblemente hemos perdido totalmente la noción de que una fachada de un edificio que hace frente a una plaza o una calle no pertenece tanto al objeto arquitectónico, como que pertenece al espacio de lo común, o dicho de otra forma, una fachada es espacio público en vertical, y se debe a las lógicas de ese espacio, de la misma manera que se debe al programa que alberga, a las condiciones energéticas, a la estanqueidad o a la materia en que esa fachada está construida. Es decir, una manera de dar materialidad y praxis al espacio público sería comprender que todo aquello que lo configura, tanto su plano vertical, como su plano horizontal, forma parte del espacio público.
Y así, el resurgir de lo discursivo en lo político, lo simbólico en lo cultural, lo productivo en lo económico y lo termodinámico en lo tecnológico, tendrán una oportunidad de configurar un ecosistema real.
Miquel Lacasta. Doctor arquitecto
Barcelona, mayo 2013
Notas:
1 SENNETT, Richard, Artesanía, tecnología y nuevas formas de trabajo, Katz Editores y el CCCB, Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, Barcelona, 2013. Este texto está extraído de una entrevista muy interesante de Magda Anglès a Richard Sennett.
El BIM o Building Information Modeling es un modelo de gestión de proyectos arquitectónicos con una base de datos inteligente que es actualizada por los usuarios participantes durante todo el ciclo de vida del proyecto. De esta forma se favorece al trabajo colaborativo y multidisciplinario en el que se reúnen todos los datos del proyecto. De esta manera se coordina y gestiona de una manera más efectiva el trabajo, y sobretodo facilita el trabajo de los responsables de gestión.
Las siglas BIM empezaron a escucharse cuando la compañía Autodesk presentó su programa Revit, sin embargo, aunque el concepto lo idearon ellos, otras muchas compañías que desarrollaban softwares similares comenzaron a adoptar también este término.
Las profesiones relacionadas con la arquitectura necesitan conocer este tipo de gestión de proyectos. Autodesk Revit es uno de los softwares más utilizados, y existen escuelas que forman en este sector. Destaca el máster de BIM en Madrid de CICE, que forman a arquitectos, ingenieros, contratistas y propietarios para que lleguen a tener la capacidad de gestionar proyectos a través de este modelo.
A través de éste modelo se consigue que un proyecto que está compuesto por varias áreas o departamentos puedan coordinarse, y sobre todo, todos sean partícipes y tengan acceso a datos e información, ya que antes se recibía de forma más compleja. Además es un canal de comunicación abierto a temas de discusión en el que se plantean posibles errores y decisiones críticas. De esta manera, se evita problemas en etapas posteriores del proyecto.
Siguiendo el modelo BIM, el proyecto puede visualizarse en 3D, un aspecto que sin duda facilita a la visualización del trabajo de cada integrante que interviene en el proceso, pudiendo hacer comprobaciones y simulaciones más precisas, detectando las posibles incidencias y corrigiéndolas a tiempo. Además el proyecto muestra las diferentes etapas dando una visión general del mismo, y de esta forma se puede realizar un mejor estudio de todo lo que conlleva el trabajo. Es muy importante conocer aspectos como las necesidades posteriores de la edificación, que costes tendremos, el impacto medioambiental que tendrá, etc.
Lo bueno de la metodología BIM es que los datos se actualizan de forma constante. De esta manera todos los integrantes del proyecto conocerán las decisiones que se toman, en que etapa del proyecto se encuentran, y sobretodo hacerse una idea de la estructura a través de todos los datos aportados.
¿Qué NOS APORTA EL BIM?
· Diseño digital inteligente: A través de esta metodología, cada una de las áreas diseñada de forma digital va a unir y relacionar datos de todo tipo, por ejemplo, datos de los productos y las características para realizar, a través de ahí, cálculos de forma automática.
· Optimización de tiempo: La metodología tiene un objetivo claro, y ese es que se simplifiquen los procesos y, por lo tanto, esto influye directamente en el tiempo empleado.
· Planificación real: La planificación para que un proyecto funcione debe ser lo más realista posible. Con éste método evitaremos retrasos en el tiempo y costes adicionales que supongan un quebradero de cabeza.
· Facilita el desarrollo de presupuesto: Al poseer toda la información en un mismo canal, es más fácil estimar los recursos necesarios y desarrollar por tanto un presupuesto.
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O BIM ou Building Information Modeling é un modelo de xestión de proxectos arquitectónicos cunha base de datos intelixente que é actualizada polos usuarios participantes durante todo o ciclo de vida do proxecto. Desta forma favorécese ao traballo colaborativo e multidisciplinario no que se reúnen todos os datos do proxecto. Desta maneira coordínase e xestiona dunha maneira máis efectiva o traballo, e abrigo facilita o traballo dos responsables de xestión.
As siglas BIM empezaron a escoitarse cando a compañía Autodesk presentou o seu programa Revit, con todo, aínda que o concepto ideárono eles, outras moitas compañías que desenvolvían softwares similares comezaron a adoptar tamén este termo.
As profesións relacionadas coa arquitectura necesitan coñecer este tipo de xestión de proxectos. Autodesk Revit é un dos softwares máis utilizados, e existen escolas que forman neste sector. Destaca o máster de BIM en Madrid de CICE, que forman a arquitectos, enxeñeiros, contratistas e propietarios para que cheguen a ter a capacidade de xestionar proxectos a través deste modelo.
A través deste modelo conséguese que un proxecto que está composto por varias áreas ou departamentos poidan coordinarse, e sobre todo, todos sexan partícipes e teñan acceso a datos e información, xa que antes recibíase de forma máis complexa. Ademais é unha canle de comunicación aberto a temas de discusión no que se expoñen posibles erros e decisións críticas. Desta maneira, evítase problemas en etapas posteriores do proxecto.
Seguindo o modelo BIM, o proxecto pode visualizarse en 3D, un aspecto que sen dúbida facilita á visualización do traballo de cada integrante que intervén no proceso, podendo facer comprobacións e simulacións máis precisas, detectando as posibles incidencias e corrixíndoas a tempo. Ademais o proxecto mostra as diferentes etapas dando unha visión xeral do mesmo, e desta forma pódese realizar un mellor estudo de todo o que leva o traballo. É moi importante coñecer aspectos como as necesidades posteriores da edificación, que custos teremos, o impacto ambiental que terá, etc.
O bo da metodoloxía BIM é que os datos se actualizan de forma constante. Desta maneira todos os integrantes do proxecto coñecerán as decisións que se toman, en que etapa do proxecto atópanse, e abrigo facerse unha idea da estrutura a través de todos os datos achegados.
Que NOS ACHEGA O BIM?
· Deseño dixital intelixente: A través desta metodoloxía, cada unha das áreas deseñada de forma dixital vai unir e relacionar datos de todo tipo, por exemplo, datos dos produtos e as características para realizar, a través de aí, cálculos de forma automática.
· Optimización do tempo: A metodoloxía ten un obxectivo claro, e ese é que se simplifiquen os procesos e, por tanto, isto inflúe directamente no tempo empregado.
· Planificación real: A planificación para que un proxecto funcione debe ser o máis realista posible. Con este método evitaremos atrasos no tempo e custos adicionais que supoñan un quebradizo de cabeza.
· Facilita o desenvolvemento de orzamento: Ao posuír toda a información nun mesmo canle, é máis fácil estimar os recursos necesarios e desenvolver por tanto un orzamento.
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The BIM or Building Information Modeling is a model of management of architectural projects with an intelligent database that it´s updated by the users participants during the whole life cycle of the project.. Of this form it is favored to the collaborative and multidisciplinary work in which all the information of the project meets. Hereby the work is coordinated and manages in a more effective way, and overcoat facilitates the work of the persons in charge of management.
The initials BIM started being listened when the company Autodesk presented his program Revit, nevertheless, though the concept they designed it, other many companies that were developing similar softwares began to adopt also this term.
The professions related to the architecture need to know this type of project management. Autodesk Revit is one of the most used softwares, and there exist schools that they form in this sector. BIM’s máster emphasizes in CICE’s Madrid, that they form architects, engineers, contractors and owners in order that they manage to have the aptitude to manage projects across this model.
Across this one model achieves that a project that is composed by several areas or departments could be coordinated, and especially, they all are participants and have access to information and information, since before it was received of more complex form. In addition it is a channel of communication opened for topics of discussion in which possible mistakes and critical decisions appear. Hereby, problems are avoided in later stages of the project.
Being still the model BIM, the project can be visualized in 3D, one aspect that undoubtedly it facilitates to the visualization of the work of every member that intervenes in the process, being able to do checkings and more precise simulations, detecting the possible incidents and correcting them in time. In addition the project shows the different stages giving a general vision of the same one, and of this form it is possible to realize a better study of everything what carries the work. It is very important to know aspects as the later needs of the building, that we will have costs, the environmental impact that will have, etc.
The good of the methodology BIM is that the information gets up-to-date of constant form. Hereby all the members of the project will know the decisions that take, in that stage of the project they are, and overcoat an idea of the structure to be done across all the contributed information.
What DOES US CONTRIBUTE THE BIM?
· Digital intelligent design: Across this methodology, each of the areas designed of digital form is going to join and relate information of all kinds, for example, information of the products and the characteristics to realize, across there, calculations of automatic form.
· Optimization of time: The methodology has a clear aim, and this it is that the processes are simplified and, therefore, this influences directly the used time.
· Royal planning: The planning in order that a project works must be an as realist as possible. With this one method we will avoid delays in the time and aftercosts that suppose a quebradero of head.
· It facilitates the development of budget: On having possessed all the information in the same channel, it is easier to estimate the necessary resources and to develop therefore a budget.
El proyecto del mirador de la “Pedra da Rá” es una actuación basada en el programa municipal “Riveira Atlántica 2015” que intenta promover entre otras las posibilidades turísticas del ayuntamiento de Riveira.
Dentro de este programa se diseña la recuperación de varios miradores y entre ellos se nos encarga la recuperación y mejora del mirador conocido como mirador de la “Pedra da Rá” el cual tenía un uso como mirador desde los años 80, cuando se construyó una escalera de hormigón para subir a la misma piedra y desde allí poder observar el parque natural de las dunas de Corrubedo y el horizonte del Atlántico.
Mirador da Pedra da Rá | Carlos Seoane
Lmpieza
La propuesta de nuestro proyecto se basa en una actuación primero de limpieza del entorno, con el derribo de la escalera original de hormigón, así como el lavado de la roca y el movimiento de tierras para recuperar la formación rocosa original, de gran valor plástico por su complejidad geométrica natural.
Mirador da Pedra da Rá | Carlos Seoane | Estado inicial
Mirador
Como resultado de esa primera limpieza, aparecieron nuevas formaciones rocosas que obligó a replantear el proyecto original y lograr convertir el proyecto de un mirador puntual al proyecto de un espacio con vistas de distintas orientaciones posibles, pero sobre todo origen de posibles recorridos en el entorno, tanto por su valor ecológico como origen de recorridos peatonales muy diversos, tanto hacia el castro celta próximo -Castro da Cidácomo incluso hacia el parque natural de las dunas de Corrubedo o hacia una playa próxima.
Mirador da Pedra da Rá | Carlos Seoane | Sección Longitudinal
En ese sentido el proyecto propuso una transformación fundamental, pasando de ser un espacio centralizado en lo visual, en la contemplación de la naturaleza pero centralizada en un punto concreto a ser un espacio de recorrido, origen de caminos y movimientos distintos que permiten contemplar la naturaleza desde distintos puntos pero sobre todo para recorrerla y sentirla a través de las distintas texturas y olores.
En definitiva el proyecto ha intentado reforzar el movimiento contra lo estático y recuperar lo táctil además de lo visual, logrando un conjunto de diverso carácter donde la naturaleza es la protagonista y la arquitectura sólo su marco.
Mirador da Pedra da Rá | Carlos Seoane
Materiales
Todos los materiales utilizados, para la realización de las piedras y los áridos necesarios para formación de los distintos tipos de pavimentos en las distintas plataformas, son materiales locales, fundamentalmente piedra granítica tipo silvestre, la cual tiene su cantera de extracción localizada en Porto do Son a menos de 4 kms de la obra.
Otra parte importante de la pavimentación, casi la totalidad del arranque de los caminos de senderismo, ha sido realizada con losas recicladas -pedra vella- de restos de otras obras y otra parte de las plataformas con adoquín y cantos rodados igualmente resultado del reciclado de desechos de demoliciones de construcciones antiguas del entorno.
Mirador da Pedra da Rá | Carlos Seoane
Las planta utilizadas para la formación de la vegetación, son a la vez plantas tipo rastreras -lengua de gato- localizadas en el monte próximo -monte do castro- y replantadas en el entorno da Pedra da Rá como un manto verde que ayuda a completar la sensación de espacio natural, pero que sin necesidad ni de riego, ni de mantenimiento, por su propia condición botánica de este tipo de plantas.
En definitiva, se ha pretendido usar materiales de la zona e incluso reciclar adoquines y piedras de otras obras -pedra vella- para poder lograr a la vez una actuación de bajo coste -42 euros/m²- y de gran durabilidad que junto al tipo de vegetación propuesto -plantas rastreras tapizantes- el espacio resultante será en su conjunto un lugar de gran durabilidad y nulo o escaso mantenimiento a largo plazo.
En su conjunto el proyecto se podría decir que es de una alta sostenibilidad tanto ecológica como económica.
Mirador da Pedra da Rá | Carlos Seoane
Mirador da Pedra da Rá | Carlos Seoane
Mirador da Pedra da Rá | Carlos Seoane
Mirador da Pedra da Rá | Carlos Seoane
Mirador da Pedra da Rá | Carlos Seoane
Mirador da Pedra da Rá | Carlos Seoane
Mirador da Pedra da Rá | Carlos Seoane
Mirador da Pedra da Rá | Carlos Seoane
Mirador da Pedra da Rá | Carlos Seoane
Mirador da Pedra da Rá | Carlos Seoane | Axonometría
Mirador da Pedra da Rá | Carlos Seoane | Planta
Mirador da Pedra da Rá | Carlos Seoane | Recorrido
Obra: Mirador da Pedra da Rá
Autor: Carlos Seoane
Colaboradores: Myriam Ochoa, Santiago Cotón, José García Varela, Oscar Fuertes (arquitectos), Luis Romero (aparejador), Javier Castro CEBECATRO(project managment)
Emplazamiento: ayuntamiento de Riveira, A Coruña, Galicia, España
Año: Mayo 2016
Fotografía: Héctor Santos-Díez | BISimages + www.cseoane.com
El Máster Universitario en Arquitectura del Paisaje Juana de Vega ofrece una formación especializada y multidisciplinar en la planificación, diseño, gestión y conservación del paisaje a diferentes escalas, en una disciplina de creciente interés a nivel nacional e internacional, como es la Arquitectura del Paisaje.
Se trata de un máster oficial impartido por la Universidad de Santiago de Compostela (USC) y la Universidad de la Coruña (UDC), que cuenta con la colaboración de la Escuela Gallega del Paisaje de la Fundación Juana de Vega.
Es el segundo año que este máster ofrece la posibilidad de seguir su docencia ONLINE, y además, cuenta con 5 semanas de talleres presenciales en los que se trabajará de manera intensiva con expertos paisajistas de primer nivel internacional.
Por otro lado, la Fundación Juana de Vega ofrece 12 becas de matrícula de 800 € a alumnos desempleados.
El plazo de preinscripción está abierto en la UDC a partir de hoy, 23 de junio, y en la USC a partir del próximo 4 de julio.
Consulta toda la información de la nueva edición en la web.
Para cualquier duda o consulta, nos tienes a tu disposición en info@juanadevega.org, en el teléfono 981.65.43.37 (De 9 a 15 h), o en nuestras redes sociales: Facebook y twitter (podrás seguir todas las novedad a través del #MasterJdV)
Si lo deseas puedes descargarte el díptico en PDF aquí.
¡Os esperamos!
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O Máster Universitario en Arquitectura da Paisaxe Juana de Vega ofrece unha formación especializada e multidisciplinar na planificación, deseño, xestión e conservación da paisaxe a diferentes escalas, nunha disciplina de crecente interese a nivel nacional e internacional, como é a Arquitectura da Paisaxe.
Trátase dun máster oficial impartido pola Universidade de Santiago de Compostela (USC) e a Universidade da Coruña (UDC), que conta coa colaboración da Escola Galega da Paisaxe da Fundación Juana de Veiga.
É o segundo ano que este máster ofrece a posibilidade de seguir a súa docencia ONLINE, e ademais, conta con 5 semanas de talleres presenciais nos que se traballará de maneira intensiva con expertos paisajistas de primeiro nivel internacional.
Doutra banda, a Fundación Juana de Veiga ofrece 12 bolsas de matrícula de800 € a alumnos desempregados.
O prazo de preinscrición está aberto na UDC a partir de hoxe, 23 de xuño, e na USC para partir do próximo 4 de xullo.
Consulta toda a información da nova edición na web.
Para calquera dúbida ou consulta, tesnos á túa disposición en info@juanadevega.org, no teléfono 981.65.43.37 (De 9 a 15 h), ou nas nosas redes sociais: Facebook e twitter (poderás seguir todas a novidade a través do #MasterJdV)
Se o desexas podes descargarche o díptico en PDF aquí.
Esperámosvos!
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The Master ‘s Degree in Landscape Architecture Juana de Vega offers specialized and multidisciplinary training in planning, design, management and conservation of the landscape at different levels, in a discipline of growing interest nationally and internationally, as is the Landscape Architecture .
This is an official master taught by the University of Santiago de Compostela (USC) and the University of Coruña (UDC), with the collaboration of the Galician School of Landscape Foundation Juana de Vega .
It is the second year that this master offers the possibility to follow his teaching ONLINE , and also has five weeks of classroom workshops in which they will work intensively with experts top international landscape.
On the other hand, the Foundation Juana de Vega offers 12 scholarships tuition € 800 unemployed students.
The pre – registration period is open at the UDC from today, June 23 , and the USC from next July 4th .
All the information of the new edition on the web.
For any queries, you we have at your disposal in info@juanadevega.org , on the phone 981.65.43.37 (From 9 to 15 h), or in our social networks: Facebook and twitter (you can follow all the news through#MasterJdV )
If you wish you can download the leaflet in PDF here.
Hace ya años que la ciudad ha ganado su pulso al campo. La ciudad es sinónimo de vida urbana, de actividad económica y de oferta cultural y comercial, pero no siempre lo es de bienestar o calidad de vida.
Las grandes urbes del sudeste asiático son las ciudades del planeta con mayor ritmo de crecimiento, pero también son las que condensan peores condiciones de vida. Este modelo de crecimiento ilimitado ha situado además el centro de gravedad de la ciudad en su desarrollo económico, olvidando por completo la componente social de la urbe. Si hacemos un recorrido por los centros de todas estas megaurbes, descubriremos una especie de no lugar, de lugar común donde los elementos se repiten copiando un mismo modelo que es el que parece conducir al éxito financiero, pero que por contra ha borrado cualquier rasgo propio de la identidad del lugar. Esa globalizada falta de identidad ha borrado también al sujeto, a la persona, de modo que parecería que las grandes ciudades se encuentran hoy habitadas por marcas y lobbys en lugar de por personas.
“Inside Out: The People’s Art Project”, 2011, Hong Kong | Fuente: JR
El mundo del arte se ha dado cuenta de esta deriva y ya ha comenzado a cuestionarla y criticarla mediante acciones concretas.
El artista alemán Hendrik Beikirch, más conocido por su alias BCE, acaba de inaugurar en Busan, Corea del Sur, el mayor mural jamás pintado en Asia. La pieza de 95 metros de alto es un retrato de un pescador de 60 años de edad, que contrasta con la crudeza de complejo de rascacielos Haeundae I’Park diseñados por el arquitecto Daniel Libeskind, un complejo financiero que quiere erigirse como el nuevo icono de la ciudad. Libeskind es también el arquitecto responsable de las nuevas torres del World Trace Center en Nueva York, y de hecho el diseño de ambos complejos financieros es similar.
“Inside Out: The People’s Art Project”, 2011, Hong Kong | Fuente: JR
El mural critica el rápido crecimiento y la modernización de Corea del Sur y sirve como un recordatorio de las raíces de la ciudad en pleno distrito financiero. Busan fue una vez un pequeño pueblo de pescadores en el sur de Corea. Mientras la ciudad se transformaba y se convertía en un centro internacional, se perdía la esencia misma de ésta. El retrato del pescador no es sólo un recuerdo del pasado, sino también de aquellos que aún trabajan en su vejez en los muelles sin descanso. Una consecuencia del acelerado crecimiento que ha olvidado los aspectos sociales y ha perjudicado a las clases menos favorecidas.
“Inside Out: The People’s Art Project”, 2011, Hong Kong | Fuente: JR
Con la misma actitud el artista urbano de origen francés JR ha inaugurado su nuevo proyecto en Hong Kong. En el down town de la ciudad, en una zona de inmensos rascacielos en la que no queda espacio para el peatón, JR ha utilizado precisamente el último reducto de los ciudadanos, un paso peatonal elevado para salvar la maraña de tráfico que corre bajo las torres, como soporte para su instalación.
Dieciséis rostros anónimos de habitantes de Hong Kong, impresos a gran escala, cubren la cubierta de la pasarela. Caras anónimas que miran las fachadas de las torres y a quien ellas habitan reivindicando un espacio, un lugar para el ciudadano, en las transacciones y movimientos estratégicos que se negocian en esos despachos.
Tal vez más provocativa fue la intervención de este artista francés sobre el muro de Gaza.
En el año 2005, decidió viajar a Oriente Medio para averiguar por qué los palestinos y los israelíes no podían encontrar la manera de convivir juntos en paz.
Deambuló por las ciudades israelíes y palestinas intentando obtener información y comprender la situación. Descubrió que esos lugares son sagrados para el judaísmo, el cristianismo y el Islam, y también constató que el área es paisajísticamente impresionante, un lugar donde confluyen las montañas, el mar y los desiertos en escasos kilómetros. Pero de alguna manera, el territorio, el paisaje o las religiones se habían puesto por encima de las personas, que parecían no entrar en la ecuación.
Curiosamente las personas a ambos lados del muro tienen el mismo aspecto, hablan casi el mismo idioma, podrían ser como hermanos gemelos criados en familias diferentes.
Un religioso palestino tiene su homólogo en el otro lado. Un campesino, un taxista, un profesor, tienen sus equivalencias en frente de ellos. Para el artista la solución era evidente, había que poner cara al conflicto, identificar a las personas para borrar las diferencias.
El proyecto Face to Face consistió en tomar retratos de palestinos y de israelíes haciendo el mismo trabajo, imprimirlos en formatos grandes, y colocarlos en lugares clave sobre el muro que separa ambos pueblos. En el lado israelí se colocaron los retratos de los palestinos y viceversa. Este proyecto, fue tal vez la mayor exposición artística ilegal al aire libre jamás organizada. Este esfuerzo por colocar dentro del conflicto, a las personas en el primer lugar, por delante de religiones, economía o poder, supuso un profundo choque, por lo que fue prohibido por el gobierno israelí.
Puede resultar evidente que la ciudad, el territorio o la arquitectura está construida para las personas, pero en ocasiones la potencia de esas mismas creaciones, su escala o su inercia, van apartando al ser humano del centro del discurso. Recuperar los rostros de los habitantes de las ciudades es algo más que un acto artístico, es en definitiva un acto que pretende devolver el protagonismo de la ciudad al ciudadano.
Íñigo García Odiaga. arquitecto
San Sebastián. Octubre 2012
Pasan ya más unos años desde que gracias a Alfonso Mato y guiados por Isaac Díaz Pardo varios amigos tuvimos la oportunidad de visitar el Instituto Gallego de Información. Hoy y después de dudar mucho, me permito compartir alguna de las imágenes tomadas en aquella visita llamando la atención sobre las sillas diseñadas y fabricadas por el creador del Laboratorio de formas de Sargadelos.
Fotografía: Elías Cueto
Es fácil encontrar en el IGI un ingenuo diseño de asiento que se adapta a las diferentes situaciones incorporando brazos o cambiando su tapizado. Aparece en los despachos, en el auditorio e incluso en la cantina. Realizadas mediante potentes tablas de madera atornilladas a tope unas contra las otras de una manera básica y expresiva. Las tablas son de pino del país y adoptan el característico corte diagonal que afina la pieza al cegar al suelo haciendo más fácil evitar que el conjunto asiente mal.
Fotografía: Elías Cueto
Su pieza más difundida es conocida como la silla antropomórfica y fue montada en 1958. En este caso nos encontramos ante un diseño que busca conscientemente la innovación. Realizada en castaño y fundición, su forma está cargada de intencionalidad. Más allá de su perfil de hombre sediente, la rusticidad de las piezas que la componen y los acabados recuerdan cierto aperos tradicionales.
La particular redondez obtenida por el desgaste del uso y las dimensiones excesivas propias de los útiles agrarios caracterizan las curvas de esta pieza, curvas que poco tienen que ver con las que usa el ebanista para alixerar el aspecto del mueble y demostrar el suya habilidad. El uso de la fundición dúctil amartillada que cose piezas simétricas recuerda la construcción de cierto aperos tradicionales. Junto a esta pieza se encuentra una mesa pocas veces reseñada y cuyos patas recuerdan los más innovadores diseños de los años cincuenta y sesenta.
Fotografía: Elías Cueto
Dos años después imagino las sillas de Isaac abandoadas en ese espacio sitiado que es el IGI. Muebles hechos a medida de su autor, de reducidas dimensiones y que inducen una posición reflexiva y próxima a la tierra.
Fotografía: Elías Cueto
Elías Cueto, arquitecto
Santiago de Compostela, septiembre 2012
Este libro trata de descubrir y transmitir qué es el proyecto de arquitectura, cómo se concibe, cómo se elabora y cómo se representa. El proyecto es hoy el núcleo central de la enseñanza y de la práctica de la arquitectura, la cual se genera, se desarrolla y se comunica a través de la realización de proyectos.
Proyectar es una aventura fascinante, mediante la que creamos nuevos seres, materializando nuestras ideas y nuestros sueños, mientras descubrimos cosas insospechadas y aprendemos constantemente. Es pues, una labor creativa, intelectualmente enriquecedora y personalmente muy satisfactoria.
Pero el proceso de su aprendizaje no es fácil. La complejidad de la actividad proyectual, los múltiples factores que en ella intervienen, la diversidad de técnicas y conocimientos que debe poseer el proyectista y la necesidad de desarrollar simultáneamente la libertad creadora y el control crítico, hacen del aprendizaje del proyecto una de las labores más arduas a las que se ha de enfrentar el estudiante de arquitectura.
Este libro tiende una mirada sobre los distintos aspectos del proyecto arquitectónico, intentando desentrañar su naturaleza, cómo se ha desarrollado y cómo se realiza, desde una visión didáctica y plural. Así, se explica de forma sencilla cuáles son los pasos a dar, los aspectos que hay que tener en cuenta, cómo diversos arquitectos entienden el proyecto, qué instrumentos hay que manejar, qué técnicas son las más usuales y cómo se formaliza el proyecto.
Este texto puede servir de orientación al estudiante desconcertado ante la complejidad del proyecto, de tabla de salvación al alumno que naufraga en su enfrentamiento a la labor de hacer arquitectura, de amigo que aconseja ante la duda, de guía para abrir nuevos caminos de aprendizaje y de instrumento de reflexión sobre qué hacemos cuando proyectamos arquitectura.
En esta segunda edición, además de actualizar y ampliar algunos de sus contenidos, hemos cambiado la estructura del volumen, para permitir que los aspectos operativos e instrumentales estén al inicio, mientras que el desarrollo histórico y los análisis metodológicos y críticos se sitúen al final del libro. La intención no es otra que ganar en claridad y facilitar la lectura y la utilización de su contenido a los estudiantes de arquitectura.
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Este libro trata de descubrir e transmitir que é o proxecto de arquitectura, como se concibe, como se elabora e como se representa. O proxecto é hoxe o núcleo central do ensino e da práctica da arquitectura, a cal se xera, desenvólvese e comunícase a través da realización de proxectos.
Proxectar é unha aventura fascinante, mediante a que creamos novos seres, materializando as nosas ideas e os nosos soños, mentres descubrimos cousas insospeitadas e aprendemos constantemente. É pois, un labor creativo, intelectualmente enriquecedora e persoalmente moi satisfactoria.
Pero o proceso da súa aprendizaxe non é fácil. A complexidade da actividade proyectual, os múltiples factores que nela interveñen, a diversidade de técnicas e coñecementos que debe posuír o proyectista e a necesidade de desenvolver simultaneamente a liberdade creadora e o control crítico, fan da aprendizaxe do proxecto una dos labores máis arduos ás que se ha de enfrontar o estudante de arquitectura.
Este libro tende unha mirada sobre os distintos aspectos do proxecto arquitectónico, tentando desentrañar a súa natureza, como se desenvolveu e como se realiza, desde unha visión didáctica e plural. Así, explícase de forma sinxela cales son os pasos para dar, os aspectos que hai que ter en conta, como diversos arquitectos entenden o proxecto, que instrumentos hai que manexar, que técnicas son as máis usuais e como se formaliza o proxecto.
Este texto pode servir de orientación ao estudante desconcertado ante a complexidade do proxecto, de táboa de salvación ao alumno que naufraga no seu enfrontamento ao labor de facer arquitectura, de amigo que aconsella ante a dúbida, de guía para abrir novos camiños de aprendizaxe e de instrumento de reflexión sobre que facemos cando proxectamos arquitectura.
Nesta segunda edición, ademais de actualizar e ampliar algúns dos seus contidos, cambiamos a estrutura do volume, para permitir que os aspectos operativos e instrumentais estean ao comezo, mentres que o desenvolvemento histórico e as análises metodolóxicas e críticos sitúense ao final do libro. A intención non é outra que gañar en claridade e facilitar a lectura e a utilización do seu contido aos estudantes de arquitectura.
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This book tries to discover and transmit what is the project of architecture, how there is conceived, how it is elaborated and how it is represented. The project is today the central core of the education and of the practice of the architecture, which is generated, develops and communicates across the project accomplishment.
Projecting is a fascinating adventure, by means of which we believe new beings, materializing our ideas and our dreams, while we discover unsuspected things and learn constant. It is so, a creative, intellectually wealth-producing and personally very satisfactory labor.
But the process of his learning is not easy. The complexity of the activity proyectual, the multiple factors that in her intervene, the diversity of technologies and knowledge that must possess the designer and the need to develop simultaneously the creative freedom and the critical control, do of the learning of the project one of the most arduous labors which the student of architecture has to face.
This book stretches a look on the different aspects of the architectural project, trying to uncover his nature, how one has developed and how it is realized, from a didactic and plural vision. This way, are explained of simple form which are the steps to giving, the aspects that it is necessary to bear in mind, how diverse architects understand the project, what instruments it is necessary to handle, what technologies are the most usual and how the project is formalized.
This text can use as orientation the student disconcerted before the complexity of the project, of table of salvation the pupil who sinks in his clash to the labor of doing architecture, of friend who advises before the doubt, of guide to open new ways of learning and of instrument of reflection on what we do when we project architecture.
In this second edition, beside updating and to extend some of his contents, we have changed the structure of the volume, to allow that the operative and instrumental aspects should be to the beginning, whereas the historical development and the methodological and critical analyses place at the end of the book. The intention is not other one that to win in clarity and to facilitate the reading and the utilization of his content to the students of architecture.
La parcela, situada en el núcleo de San Martiño de Arriba, en Fisterra, A Coruña, tiene un vivienda existente y está orientada al sur, en dos bancales, con un muro visto de hormigón que contiene la carretera en su lado norte.
Se hace un planteamiento general para un edificio de dos plantas, con acceso desde la carretera, aparcamiento en cubierta, hotel de 5 habitaciones y restaurante en el nivel inferior.
La parte ejecutada es la de restaurante, resolviendo un acceso lateral en rampa zigzag que salva el desnivel de unos 7 metros desde la carretera.
El restaurante es una sala rectangular orientada hacia el mar y rodeada de un amplio porche que lo protege del sol de mediodía.
Entrar prácticamente por la cocina forma parte del recibimiento: ver, oler, probar y conversar con los cocineros. Es la pieza central que articula el resto de las estancias, el comedor a la izquierda y un espacio para esperar, charla y tomar algo. Todo ello rodeado por las vistas de entorno y la luz cenital a través de un lucernario de grandes vigas de hormigón.
El espacio entre la casa y el nuevo edificio se resuelve con un patio verde abierto delimitado por el cuerpo de instalaciones.
Paisaje de bancales al que edificio se incorpora enmarcando las vistas.
Obra: Restaurante O Fragón
Autores: CREUSeCARRASCO. Juan Creus y Covadonga Carrasco
Emplazamiento: Se trata de un conjunto de parcelas en el lugar de San Martiño de Arriba, Finisterre, A Coruña, Galicia, España
Fecha de Proyecto/Terminación: Junio 2012 / Diciembre 2015
Superficie útil: 229,55m² / Superficie construida: 266,20m²
Colaboradores: Bárbara Mesquita, Celsa Pesqueira, Iago Otero, Mónica Rodríguez, Sara Escudero
Promotor: Horta de Leire S.L.
Constructora: J. M. Rodríguez Garrido
Estructura: Félix Suárez Riestra
Instalaciones: Isabel Francos Anllo
Fotógrafo: Héctor Santos-Díez | BISimages + creusecarrasco.es
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A parcela, situada no núcleo de San Martiño de Arriba, en Fisterra, A Coruña, ten un vivenda existente e está orientada ao sur, en dous bancales, cun muro visto de formigón que contén a estrada no seu lado norte.
Faise unha formulación xeral para un edificio de dúas plantas, con acceso desde a estrada, aparcadoiro en cuberta, hotel de 5 habitacións e restaurante no nivel inferior.
A parte executada é a de restaurante, resolvendo un acceso lateral en rampla zigzag que salva o desnivel duns 7 metros desde a estrada.
O restaurante é unha sala rectangular orientada cara ao mar e rodeada dun amplo soportal que o protexe do sol de mediodía.
Entrar practicamente pola cociña forma parte do recibimento: ver, cheirar, probar e conversar cos cociñeiros. É a peza central que articula o resto das estancias, o comedor á esquerda e un espazo para esperar, charla e tomar algo. Todo iso rodeado polas vistas de contorna e a luz cenital a través dun lucernario de grandes vigas de formigón.
O espazo entre a casa e o novo edificio resólvese cun patio verde aberto delimitado polo corpo de instalacións.
Paisaxe de bancales ao que edificio se incorpora enmarcando as vistas.
Obra: Restaurante O Fragón
Autores: CREUSeCARRASCO. Juan Creus e Covadonga Carrasco
Emprazamento: Trátase dun conxunto de parcelas no lugar de San Martiño de Arriba, Finisterre, A Coruña, Galicia, España.
Data de Proxecto/Terminación: Xuño 2012 / Dicembro 2015
Superficie útil: 229,55m² / Superficie construida: 266,20m²
Colaboradores: Bárbara Mesquita, Celsa Pesqueira, Iago Otero, Mónica Rodríguez, Sara Escudero
Promotor: Horta de Leire S.L.
Constructora: J. M. Rodríguez Garrido
Estructura: Félix Suárez Riestra
Instalacións: Isabel Francos Anllo
Fotógrafo: Héctor Santos-Díez | BISimages + creusecarrasco.es
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The project rebuilds a small house just over 3 meters wide and 16 deep at the end of a block. It is located in the historic centre of this village of Costa da Morte.
The former house was a dwelling and a bar and it had a blind well oriented dividing wall.
We have sought to resolve the urban scene clearly, bringing a renewed vision of building but without losing identity, through references to history and culture of the place.
It was constructed in wood, recalling the maritime construction and using white painted table. White is the colour of galleries and houses of the village. The ground floor facade is stony, in continuity with the traditional street facades. We wanted to reflect the spirit of the popular architecture without giving up our self-expression.
The house is about 120m2 divided between 3 floors. The ground floor is the entrance and a two car garage. The first ground takes the day area -lounge and kitchen-. The second floor has a bedroom, an office and a bathroom. At the penthouse floor is the ensuite room.
We made a simple approach based on the longitudinal dimension of an open space and the access centrality. The ladder -leaning against the partition wall-, leaves rooms on each side. Meanwhile the facade stands out at its centre making larger spaces, or it approaches to the stairs making an entrance cover.
The high ceilings and narrow windows relate plants to each other and the outside space, without actually showing it all.
The purpose was to reinvent a new living space, which is nowadays in ruins and unresolved.
Work: O Fragón Restaurant
Authors: CREUSeCARRASCO. Juan Creus y Covadonga Carrasco
Location: It is a question Corunna, Galicia as a set of plots in San Martiño’s place of Above, Finisterre, Spain
Date Project / Completion: June 2012 / December 2013
Area: 162.74 m² / Living Area: 221.78 m²
Collaborators: Barbara Mesquita, Celsa Pesqueira
Developer: Jose Manuel Chao
Contractor: J. M. Rodríguez Garrido
Structure: Félix Suárez Riestra
Installations: Isabel Francos Anllo
Photographer:Héctor Santos-Díez | BISimages + creusecarrasco.es
(Mírese el texto en perspectiva de un punto de fuga)
Después de abandonar el despacho de Lex, el becario continua en su incesante búsqueda de trabajo al precio que sea. Después de una insana reflexión, el becario descubre que no dispone de un currículo lo suficientemente amplio para que lo miren, ni siquiera a los ojos.
Fruto de esta decisión , el becario visita la oficina de Java de Hot, donde después de una espera de 3 horas y un sobrecoste de 3000 créditos, el poderoso Kalatravis lo recibe en uno de sus espeluznantes despachos.
(Chan, chan, chan, chan chachan, chan, chachan… poner aquí la musiquilla que todos sabemos)
Lexcursó, arquitecto e ilustrador
Barcelona, junio 2011
El relato sobre mi reciente experiencia alemana me llevó hacia la enseñanza de la arquitectura, tema sobre el cual reincido hoy. Eso no quiere decir que tenga demasiada fe en que la formación de un arquitecto depende de la experiencia universitaria. Creo que de ella quedan algunas huellas que sin duda tienen significación, pero es lo que cada quien hace individualmente para profundizar en la disciplina una vez salido de la universidad lo que dice la última palabra. Uno se hace arquitecto progresivamente. Con lo cual vamos hacia lo que he recordado muchas veces, precisamente de Louis I. Kahn
«La arquitectura es un arte de viejos».
Una verdad a medias tal vez justificada porque las obras que lo hicieron famoso a él las construyó cuando tenía cerca de sesenta años o más; pero sea o no parcialmente cierta es una observación que recuerda que para ser arquitecto es fundamental la experiencia.
Y esa experiencia puede darse en muchas formas a lo largo de la vida. Puede darse sin que sea necesaria la estructura formal de una educación universitaria, como lo demuestra que dos de los arquitectos más importantes del siglo veinte, Frank Lloyd Wright y Le Corbusier, no pasaron por una escuela de arquitectura.
Y no quisieron relacionarse con ellas, habría que agregar. Wright creó su propia escuela en Taliesin (East y West), que no estoy seguro que en su momento tenía el reconocimiento oficial para conceder títulos de arquitecto; y Le Corbusier por su parte se mantuvo higiénicamente distante de las estructuras universitarias; y cuando se sintió impulsado a fijar posición sobre el tema escribió en 1957 su Mensaje a los estudiantes de arquitectura. Un documento que no ha perdido el sentido original pese a los años transcurridos (fue escrito en 1957) porque más allá de particularidades pedagógicas hacía hincapié en principios que podíamos llamar éticos que tienen carácter permanente. Que no pueden pasarse por alto por más revisiones o intentos que se hagan para devaluar los principios de la modernidad. Ese documento esboza un marco ético para quien aspira a convertirse en arquitecto, lo cual me sigue pareciendo la condición más importante para persistir en el empeño de acercarse a la arquitectura.
Jesús Tenreiro (1936-2007), dijo una vez en mi presencia (y si mal no recuerdo en la del colega profesor Américo Faillace) que una de las cosas que más importaba en la docencia de nuestra disciplina era crear un ambiente donde la preocupación por la arquitectura, su presencia en ejemplos concretos, el debate sobre ella y sobre muchos otros aspectos de la cultura hasta crear un ambiente lleno de referencias capaces de disparar asociaciones en el estudiante, era la condición para que los ejercicios de prueba y error típicos del Taller (que como lo decía la semana pasada es el eje de la enseñanza en todas las escuelas del mundo) estuviesen informados, nutridos, con los mensajes derivados de las experiencias (en conversaciones, discusiones, exposiciones, oposiciones) que caracterizarían ese ambiente. Ayudaría a que los ejercicios dejaran de ser dardos lanzados a ciegas, para acercarse a un objetivo personal, a una imagen aunque fuese borrosa nacida de la capacidad individual para asimilar lo vivido. Usó Jesús esa vez la palabra «caldo». En ese «caldo» dinámico y rico en estímulos, transcurriría la vida del estudiante, ese seria el escenario de su formación.
Esa idea de que el estudiante se mueva en un ambiente en el que la arquitectura esté siempre como tema, me parece asunto fundamental que en nuestras Escuelas se da sólo parcialmente, o no se da en absoluto.
Y las razones son múltiples, casi todas asociadas a la crisis de identidad y el deterioro general de nuestras instituciones educativas. Crisis agravada en los últimos años por una especie de asalto por vías de presión y casi de extorsión, de parte del Régimen, que le niega todo a las instituciones más establecidas mientras hace patéticos esfuerzos muy mal dirigidos, por crear nuevas universidades controladas políticamente.
¿Qué podríamos esperar de nuestras Escuelas de Arquitectura de mayor tradición?
No está lejos el momento en el que esta actitud suicida con la educación de nivel superior, deba ser enfrentada y corregida, pero por lo pronto vale la pena ocuparnos del deber ser, de lo que podríamos esperar de nuestras Escuelas de Arquitectura de mayor tradición.
Me viene a la memoria la idea que tuvo Mariano Picón Salas2 como primer Director del Inciba (Instituto de Cultura y Bellas Artes) de crear un Museo Pedagógico que el definía como un lugar donde pese a no contar con obras originales, quien lo visitara podía tener acceso a información muy completa mediante reproducciones, grabaciones, material gráfico en general y cualquier otro recurso técnico de esos años (Picón Salas murió en 1965) respecto al Arte y la Cultura universales.
Era una idea que hoy en día se revela como mucho más atractiva si pensamos en el desarrollo de los medios audiovisuales e informáticos. Análoga a la que unos años más tarde tuvo el Presidente Caldera cuando pensó en crear el Museo Nacional de la Historia, también básicamente apoyado por los recursos tecnológicos, siguiendo el modelo alemán (Museum für Deutsche Geschichte) de tiempos de la RDA, el cual continuó su función después de la caída del Muro en su sede en Berlín-Unter den Linden, remozada y ampliada según proyecto de I.M. Pei. Una continuidad (ahora se llama Deutsches Historisches Museum) que habla a favor de la estabilidad institucional frente a lo político.
En resumen, concibo esa Escuela de Arquitectura ideal como un lugar análogo al propuesto por Picón-Salas, un sitio en el cual el estudiante es objetivo de múltiples estímulos para impulsarlo a conocer la arquitectura universal, la presente y la del pasado, incluyendo referencias constantes al arte en general, mientras que de manera sistemática se lo confronta con eventos diversos en los que el tema fundamental es la ciudad y su arquitectura.
La diferencia con un Museo sería sobre todo la presencia tutelar del cuerpo docente, constituido en lo posible por personas capaces de darle forma y contenido a ese espacio de confrontación e información (el caldo), cumpliendo el papel de promotores y animadores apasionados de la disciplina, porque, precisamente, pasión por la arquitectura era un requisito que Jesús Tenreiro exigía en profesores y estudiantes.
Se daría así además una diferencia cualitativa importante porque la búsqueda de información del estudiante no estaría regida por impulsos o preferencias ocasionales como las que se dan en una típica navegación individual, sino que serían parte de un programa docente vinculado a los ejercicios de prueba y error del Taller.
Si en general es difícil acercarse a ese modelo, las Escuelas de Arquitectura del mundo desarrollado tienen la ventaja de ser beneficiarias del alto nivel de desarrollo de la universidades que las albergan y sobre todo de sus bibliotecas, verdaderos Centros de Información. La de la Universidad de Columbia en Nueva York, por ejemplo, es la más importante del mundo en Arquitectura, con lo cual el estudiante tiene en la puerta de al lado los más completos recursos, aparte de que esa Facultad programa de modo habitual eventos de muy alto nivel que le imprimen un dinamismo muy cercano al que podría aspirarse idealmente.
Pero entre nosotros la situación es desalentadora. La crisis de asedio económico impuesta por el Régimen ha disminuido radicalmente los recursos educativos derivados de la tecnología de la información, incluyendo los tradicionales (libros, revistas). A la vez, la población profesoral ha ido disminuyendo. Y a consecuencias de la situación general pareciera que los impulsos de actualización han sido postergados o reducidos al mínimo, dando la impresión de que se sobrevive.
Y nada tiene de extraño porque en muchos aspectos es eso lo que viene ocurriendo en el mundo institucional venezolano: se sobrevive.3 Así de simple.
Óscar Tenreiro Degwitz, arquitecto.
Venezuela, Enero 2013
Notas:
1 Mi referencia a la conversación con Jesús Tenreiro tiene mucho sentido porque Jesús fue (y de ello pueden dar fe muchos de quienes fueron sus estudiantes) un renovador de los principios pedagógicos que regían en nuestra Escuela. Por una parte, era capaz de utilizar cualquier recurso, guiado por su olfato acerca de los mecanismos de la psicología humana, para sembrar en el estudiante esa semilla que podía hacer germinar la pasión por la arquitectura. En segundo término, su diálogo a propósito de los ejercicios de Taller era cualquier cosa menos rutinario. Buscaba los ángulos más inusitados para el discurso, siempre para enriquecer la reflexión y estimular el diálogo entre estudiante y profesor.
Creo que en este terreno específico y muchos otros, lo que Jesús me dejó, tal vez sin proponérselo, tiene una dimensión invalorable como ampliación de mi modo de entender la docencia.
Y ahora, cuando quise extenderme un poco sobre lo de la semana anterior, vino a mí el recuerdo de esa conversación sostenida una tarde cualquiera en la que nos habló del «caldo». Nunca la olvidé y aquí la rememoro.
2 Cuando hablo, como lo hago en la nota de hoy, de la idea del Museo Pedagógico de Mariano Picón Salas como Presidente designado del Inciba (Instituto Nacional de Cultura y Bellas Artes) a fines de 1964, no puedo evitar referirme a uno de los vicios más agudos de la muy imperfecta democracia venezolana nacida en Enero de 1958: el de la ausencia de continuidad en los proyectos de cualquier índole. A Picón Salas (1901-1965), muerto repentinamente el 1º de Enero de 1965, lo sucedió Simón Alberto Consalvi, y hasta donde se ha podido saber públicamente, Consalvi nunca se refirió a la necesidad de creación de ese Museo. Así que puede decirse, al igual que respecto a una enorme cantidad de iniciativas de ese tiempo venezolano, algunas muy interesantes, que el proyecto murió con la persona que lo concibió.
Conocí de ese proyecto por boca del mismo Picón Salas antes de asumir formalmente la presidencia del Inciba, en tiempos de mi matrimonio con Delia Picón Cento, su hija. Fui testigo de su compromiso e incluso entusiasmo por la idea, de la cual hablaba explayándose en el comentario. Fui pues en este caso testigo de primera mano tal como lo fui respecto al proyecto del Museo de la Historia Nacional en tiempos del primer período Presidencial de Rafael Caldera (1916-2009).
Me llamaron en 1972 a participar en el proyecto de recuperación de la zona donde se encuentra el llamado Helicoide, edificio comercial cuya estructura estaba abandonada en una colina de Caracas desde 1959. Se pensaba albergar allí a la Biblioteca Nacional de Venezuela, y como parte del mismo conjunto al Museo de Ciencia y Tecnología y al Museo Nacional de la Historia, este último una institución que el Presidente Rafael Caldera concebía siguiendo el modelo del Museo Nacional de la Historia que funcionaba en Berlín, vecino a la Isla de los Museos en la Avenida Unter den Linden. Institución creada por la República Democrática Alemana con la intención de afirmar y soportar la versión que pudiéramos llamar marxista, de la historia alemana, con énfasis en el siglo veinte.
Fui parte de un grupo que viajó a Berlín en Septiembre de 1972 para conocer el museo alemán y establecer en qué medida podía ser una referencia para lo que se deseaba hacer aquí. Se inició allí un trayecto largo y problemático que me permitió experimentar como arquitecto, por primera vez, el absurdo en que se mueven las cuestiones públicas en nuestro país. Todo terminó en ese olvido que denuncio; y las incidencias que lo rodearon fueron tan incomprensibles entonces como lo son hoy al recordarlas.
3 Digo en la nota publicada que nuestras instituciones se limitan a sobrevivir. Con el riesgo de que esa vida mínima termine por quitarles todo empuje.
Algo de eso está ocurriendo con la Escuela donde me formé. En ella da la impresión de que prevalece el deseo de orientar los esfuerzos docentes hacia adentro, hacia un ámbito más confortable, alejado de controversias, definido por vinculaciones personales o coincidencias «ideológicas» de corte profesional. Con lo cual se olvida que una de las condiciones que la educación universitaria debe cumplir, es la de la vinculación con la realidad en la cual se da. Es por eso que la «vida hacia adentro» termina por darle un toque ajeno, como si se tratara de un mundo que muy poco tiene que decir para los de afuera.
Por otro lado, la carencia de recursos para su funcionamiento no sólo ha hecho que la sede donde funciona, la Ciudad Universitaria de Villanueva, parezca un escenario en decadencia donde el tiempo ha dejado una marca de abandono en todos los rincones, sino que en lo que se refiere a la gente que trabaja en ella, se ha venido imponiendo un talante burocrático y rutinario que está demasiado lejos de siquiera imaginar cómo darle forma al «caldo». Las autoridades, si es verdad que mantienen una mínima dignidad aderezada con cordialidad conservando las mejores intenciones, parecen estar en la peor de las condiciones para aspirar al dinamismo.
Mucho, por supuesto tiene que ver con el asedio perverso del régimen, pero una buena parte, mayor de la que se reconoce, debe atribuirse a la necesidad de renovar las estructuras universitarias. Eso es una necesidad. Y si saldremos, como saldremos, de la perversa componenda política que domina hoy a Venezuela para alcanzar una situación que nos abra a un futuro positivo, se impone seriamente asumir la tarea de modificar las estructuras universitarias.
Y entre otras cosas muy importantes, habrá que empezar por revisar las modalidades de elección de las autoridades para facilitar el acceso a esos niveles a personas que más allá de la seguridad burocrática estén dispuestas a actuar con decisión para superar el atraso y el estancamiento.
Alvar Aalto (Kuortane, Finlandia, 1898; Helsinki, 1976) fue el gran maestro juvenil de la arquitectura moderna, muy posterior a Frank Lloyd Wright, pero también a Le Corbusier y a Mies van der Rohe, de edad semejante entre ellos e intermedia entre los dos primeros. Y podría decirse así, sin demasiada exageración, que con las obras de estos cuatro nombres lograríamos sintetizar muy expresivamente lo que se ha considerado como más importante de la arquitectura de la revolución moderna, que ellos inventaron como los protagonistas principales que fueron, sacando a la arquitectura del eclecticismo y el historicismo sistemáticos y exacerbados que habían caracterizado a la que fue propia del siglo XIX.
Alvar Aalto fue, pues, el más joven de los reconocidos como «grandes maestros«, y también aquél que, sin abandonar la arquitectura moderna propiamente dicha, la enriqueció considerablemente. La modernidad había sido relativamente plural en su inicial consolidación, en el período de entreguerras, pero triunfó y se consolidó definitivamente, no por medio de todas las tendencias, sino mediante la que fue realmente triunfante y que se conoció como «racionalismo», o, luego, «Estilo Internacional». (O bien «funcionalismo», si se prefiere, y si pensamos en el modo de hablar común en los ambientes menos profesionales). Esta tendencia vencedora puede definir muy bien tanto a la obra de Le Corbusier como a la de Mies van der Rohe, ambos campeones de dos de las modalidades de ella, próximas pero distintas.
Aalto estudió en Helsinki y fue alumno de arquitectos que representaban entonces lo que se conoció en los países nórdicos como «romanticismo nacional». Pero al iniciar la profesión se incorporó al llamado «nuevo clasicismo», que se oponía a lo anterior, que capitaneaba el arquitecto sueco Erik Gunnar Asplund, y que practicaron todos los arquitectos nórdicos y jóvenes de aquel tiempo. Al llamado romanticismo opusieron, pues, un estilo de clasicismo simplificado y modernizado, bastante anacrónico en realidad, aunque no exento de aciertos, y que los caracterizó durante algún tiempo.
Pero la arquitectura moderna se había iniciado en Europa casi en el mismo momento de esta práctica, por lo que los jóvenes nórdicos la fueron abandonando para ejercer las tendencias nuevas. Alvar Aalto (con su mujer Aino Marsi, también arquitecto y ambos ayudantes de Erik Bryggman en Turku y en sus primeros años de profesión) fue de los primeros y de los más rápidos en hacer este cambio y en practicar el racionalismo en obras ya bien significativas, como fueron el edificio para el periódico de Turku (1928) y el Sanatorio antituberculoso de Paimio (1929). Este último fue conocido ya entonces, al publicarse en algunas revistas europeas. Una arquitectura blanca, geométrica, de formas relativamente simples pero de expresión funcional y estructural, variada, y pintoresca, de volumen exento y libre, hizo ingresar a los Aalto en la arquitectura moderna, casi oficialmente, podríamos decir. Y muy concretamente en lo que los estadounidenses llamarían, años adelante, el «Estilo Internacional».
Aino Marsio-Aalto y Alvar Aalto en su estudio, Casa Aalto, Helsinki, 1940s | Aalto Family Collection.
Pero a los Aalto los caracterizó enseguida una arquitectura más compleja aún , en la que podría decirse que las bases románticas y clasicistas de su juventud no habían desaparecido del todo, y a la que se incorporaron también recursos e ingredientes de lo que se llamó el «organicismo», entendido éste, sobre todo, como aspiración a seguir en el diseño arquitectónico algunos principios que se extraían fundamentalmente de las leyes de la naturaleza, biológica y telúrica, e interpretadas por medio de analogías instrumentales. Todo ello sin que se perdieran tampoco los fundamentos racionalista y funcionalista en que se habían basado para ser modernos, y obteniendo así una arquitectura formal y espacialmente más rica y matizada, que se consideró como portadora de un nuevo humanismo, y que fue enseguida muy admirada. Esta etapa puede considerarse representada por tres grandes obras maestras, muy celebradas y muy distintas, la Biblioteca de Viipuri (entonces en Finlandia y hoy llamada Viborg y en Rusia, 1930-35) la lujosa vivienda unifamiliar en el campo llamada «Villa Mairea» (Pori, 1937) y el Pabellón finlandés en la Exposición Internacional de Nueva York de 1939. Estas tres obras, todas ellas de la época inmediatamente anterior a la Segunda Guerra Mundial, han de considerarse como las que definen bien esta primera «edad de oro» de la arquitectura aaltiana, quizá la mejor de todas, al menos en el juicio de algunos.
Por causa del Pabellón finlandés de Nueva York, extremadamente original y brillante, los Aalto fueron conocidos en Estados Unidos. Incluso el propio Frank Lloyd Wright, que no prodigaba los elogios, fue a visitarlo expresamente, y dicen que una vez dentro, exclamó entusiasmado:
«Alvar Aalto es un genio».
Este conocimiento hizo que los estadounidenses, algo más adelante, le libraran a él y a su familia de la segunda guerra ruso-finlandesa (una de las dos guerras simultáneas a la segunda mundial) y que se lo llevaran allí a dar clase, visita que se repitió después de acabado el conflicto y que le valió el encargo del edificio de dormitorio para residentes mayores y de posgrado en el M.I.T, en Boston (1946-49). Este edificio, muy original y atractivo, compuesto mediante una planta en forma ondulada, fue también enseguida uno de sus iconos.
Pabellón de Finlandia, exposición universal de New York, 1939 | foto Ezra Stoller
La arquitectura del «Estilo Internacional» (el funcionalismo, a la postre) se convirtió inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial en el estilo de las democracias, aceptada por Estados Unido y por Gran Bretaña, y casi oficialmente proclamada para evitar así la continuidad de una práctica, la del clasicismo tardío, que había pasado a considerarse propia de soviéticos y de alemanes; es decir, de rojos y de nazis. Esto no era verdad, pues las arquitecturas oficiales de Estados Unidos y de Gran Bretaña habían sido igualmente clasicistas hasta la guerra mundial, pero así son las cosas, o así se cuentan.
El caso es que, simultáneamente con este triunfo oficial, la arquitectura racionalista fue revisada y contestada por algunos arquitectos y grupos significativos, entre los que se encontraban algunos de los países nórdicos, y, muy concretamente Alvar Aalto, ya enormemente admirado y dotado de gran prestigio. Concentrándonos en él, Aalto creía que, al menos en algunas ocasiones y lugares, la arquitectura moderna, sin dejar de existir como tal, podía y debía admitir algunos recursos, instrumentos y elementos de la arquitectura tradicional o histórica, enriqueciéndose así con ello y adecuándose más a determinados usos y emplazamientos. Puede decirse que lo más representativo, conocido y celebrado de esta actitud fue el Ayuntamiento del pueblo de Saynätsälo (Finlandia, 1949-52), construido en un ambiente plenamente campestre, y concebido como un moderno palacete en torno a un patio; esto es, tan moderno como tradicional, edificado con ladrillo y piedra berroqueña y con cubiertas inclinadas. Es una obra muy atractiva y brillante, enormemente conocida y admirada desde entonces, y cuyo prestigio no ha decaído. Ha de hacerse notar que esta tendencia y este edificio fueron especialmente importantes para los arquitectos españoles, sobre todo para un grupo significativo de arquitectos madrileños, seguidores en buena medida de las posiciones aaltianas.
Pero, dicho esto, sería el momento de advertir que los Aalto fueron con todas estas obras los introductores de un moderno y consciente eclecticismo. Esto es, de una actitud que no está demasiado interesada en la fidelidad a un estilo definido, ni siquiera en la fidelidad a nada realmente estilístico, sino que busca, por el contrario, resolver los problemas planteados en cada edificio, identificando, mediante la atención al programa, al necesario carácter de cada institución y a las características del lugar, aquélla arquitectura, casi siempre compleja y matizada que cada caso concreto provoca y requiere. Esto es lo que explica, a la postre, las diferencias tan grandes entre las cinco obras maestras citadas y entre todas las demás.
También es importante distinguir al joven maestro moderno de los otros tres grandes en otro aspecto. Aalto no fue, ni se presentó nunca, como una suerte de demiurgo, de salvador de la humanidad mediante la arquitectura, y cosas semejantes, que sí podemos aplicar, en mayor o menor medida, a los otros tres. Aalto fue más un profesional puro, excepcionalmente dotado, pero más corriente, casi «de provincias», podríamos decir; en el sentido de que daba a las obras el tratamiento que cada una verdaderamente se merecía y que hizo así muchas obras normales, ordinarias, sin gestos heroicos, y que solo en la observación atenta se manifiestan como de muy alto nivel. Eso le ha convertido en algo más cercano para todos, y concretamente para sus compañeros, aunque su virtuosismo y su brillante y asombrosa habilidad hiciera que no haya tenido, casi, discípulos.
Alvar Aalto bautizó a su barco (no sin cierta ironía) «Nadie es profeta en su tierra».
Pero esto no debe hacernos creer en que se entregara a nada próximo a lo vulgar. Aalto fue un arquitecto extremadamente preocupado por la reflexión acerca de la naturaleza de la arquitectura, por su significado social y cultural, por el valor intelectual de sus instrumentos,… y llevó la reflexión a sus obras con eficacia y atractivo. Aalto pensaba en las leyes naturales como posible aplicación a los edificios, así como en el valor de la historia y el de las tradiciones. La reflexión acerca de la naturaleza le llevó a no estimar los habituales mecanismos arquitectónicos de la repetición y la igualdad, que en la naturaleza no se producen, y a utilizar la geometría racional, desde luego, pero siempre sin abusos, evitando por ejemplo el paralelismo sistemático, o los esquematismos inherentes a las composiciones lineales, típicas de la modernidad. Tuvo mucha estimación por lo telúrico y por lo topográfico: el hecho de que la tierra es discontinua, diferente en cada uno de sus puntos, se trasladó a sus obras en lúcidas interpretaciones conceptuales y plásticas. Identificó también algunas formas apriorísticas, para él superiores a otras; pero, lejos de la estimación de las figuras geométricas regulares, como ocurrió con el renacimiento o en el caso de Le Corbusier, puso su aprecio, por el contrario, en figuras irregulares y naturalistas, como fueron las formas onduladas y las formas en abanico, que utilizó con gran profusión, habilidad y diversidad.
Puede decirse que no hubo tópico que evitara y combatiera, y de esos combates sacó la mayor parte de sus valores. Aunque no ha de confundirse esto con el desprecio por las convenciones, pues como lúcido y sabio que era, respetó el valor que en la arquitectura tienen. Y todo lo hizo con una extraordinaria habilidad para el diseño de cualquiera que fuese el objetivo, lo que le llevó también, como es bien sabido, y desde el principio de su carrera, a ser un atractivo diseñador de muebles. (Lo eran ambos, su mujer y él, colaboradores en todo; pero Aino murió prematuramente después de la segunda guerra mundial. Él se volvió a casar, años después, con Elisa, también arquitecto y empleada suya en el estudio).
Alvar y Elissa Aalto, 1950s, Autor Christian Leclerc | Alvar Aalto Museum
Para dar una idea suficientemente completa de Aalto sólo dos cosas faltarían por señalar. La primera, la del reconocimiento de la discontinuidad que la arquitectura tiene. Para Aalto la naturaleza de la arquitectura no es siempre la misma, como se había dicho al hablar de su eclecticismo; y, así puede cambiar incluso en un mismo edificio, como de hecho lo hizo en muchas de sus obras, que integran o compatibilizan dos modos diferentes, a menudo opuestos, de entender la forma arquitectónica. Tantas obras (Casa de Cultura de Helsinki, Biblioteca de Seinäjoky, Apartamentos en Bremen, Ópera de Essen…) tienen como su principio fundamental ese acuerdo, o esa confrontación, entre arquitecturas opuestas.
La segunda es el haber sido, junto con algunos otros maestros, uno de los proyectistas que basaron su inspiración en las formas ilusorias. Esto es, el haber elegido manifestaciones de lo imposible, de lo ilusorio, de lo maravilloso o lo mágico, de lo real o materialmente inexistente, en fin, como pretexto fértil para inventar la nueva arquitectura. La representación ilusoria de la naturaleza, la multiplicación mágica del sol, la desaparición de la gravedad,… son algunas de las muchas y atractivas ilusiones empleadas por Aalto para hacer su arquitectura. Esto es, para trasladar el lenguaje figurado, los tropos y las metáforas, a la concepción de los edificios, uniendo así arquitectura y literatura, o arquitectura y lenguaje, en un insólito abrazo. Cierto es que Asplund o el mismo Le Corbusier también lo hicieron, y que ello habla por lo tanto de una interpretación de la arquitectura moderna tan poco estudiada como verdaderamente importante.
La obra de Aalto se ofrece, pues, como una de las más importantes y seductoras de la arquitectura moderna. Tanto es así que su prestigio continúa incólume: le vemos como uno de los que son ya clásicos y más valiosos, pero también, y todavía, como uno de nuestros contemporáneos.
Antonio González-Capitel Martínez · Doctor arquitecto · catedrático en ETSAM
Madrid · febrero 2016
Una nueva aplicación ya está disponible para obtener información geográfica de Galicia. El Instituto de Estudios del Territorio (IET), en colaboración con la Agencia de Modernización Tecnológica de Galicia (Amtega), acaba de estrenar este nuevo servicio del Centro de Descargas de Información Geográfica de la plataforma de mapas de la Xunta de Galicia.
Se trata de una herramienta orientada a la descarga de mapas y de ficheros georreferenciados en diferentes formatos. En esta aplicación se incrementan en 225.298 los archivos de información puestos a disposición de la población, pasando de los 46.945 archivos existentes en la versión anterior (que suponían 1,1 Terabytes de información) a 272.243 archivos (3,2 Terabytes), lo que supone multiplicar por más de cinco la información disponible hasta el momento.
Con esta nueva versión del centro de descargas de información geográfica, se trata de conseguir un triple objetivo:
· facilitar el uso de la web por cualquiera ciudadano;
· aumentar la información disponible;
· e incorporar la información en distintos formatos para el uso por parte de los profesionales.
Otras de las novedades es que la aplicación es ahora más visuales, gracias a la incorporación de un nuevo visor geográfico en el que el usuario puede buscar un ámbito territorial determinado mediante búsquedas por topónimo, coordenadas o códigos catastrales.
La incorporación de miles de nuevos ficheros con contenido geográfico permite actualmente el acceso y el uso público de un total de 272.243 ficheros, entre series cartográficas en PDF (la escalas 250.000, 100.000 y 5.000), ortofotografías aéreas de distintos años, mapas de usos y ocupación del suelo en formato shapefile, ficheros en formato ráster y ficheros de datos LIDIAR.
Esta nueva aplicación supone un impulso a la difusión simplificada y con alta calidad de información geográfica, a través de una plataforma fácil de usar que permite buscar la información según la necesidad del usuario, tanto de temática de la información como de ámbito geográfico. Esta plataforma podrá incrementar el número de ficheros a descargar de una manera sencilla, por lo que permitirá al Instituto de Estudios del Territorio y la otros departamentos de la Xunta de Galicia poner la disposición de la ciudadanía a información geográfica según se vaya produciendo, de una manera sencilla es rápido.
[:gl]
Unha nova aplicación xa está dispoñible para obter información xeográfica de Galicia. O Instituto de Estudos do Territorio (IET), en colaboración coa Axencia de Modernización Tecnolóxica de Galicia (Amtega), vén de estrear este novo servicio do Centro de Descargas de Información Xeográfica da plataforma de mapas da Xunta de Galicia.
Trátase dunha ferramenta orientada á descarga de mapas e de ficheiros xeorreferenciados en diferentes formatos. Nesta aplicación increméntanse en 225.298 os arquivos de información postos a disposición da poboación, pasando dos 46.945 arquivos existentes na versión anterior (que supoñían 1,1 Terabytes de información) a 272.243 arquivos (3,2 Terabytes), o que supón multiplicar por máis de cinco a información dispoñible ata o momento.
Con esta nova versión do centro de descargas de información xeográfica, trátase de acadar un triplo obxectivo:
· facilitar o uso da web por calquera cidadán;
· aumentar a información dispoñible;
· e incorporar a información en distintos formatos para o uso por parte dos profesionais.
Outras das novidades é que a aplicación é agora máis amigable, grazas á incorporación dun novo visor xeográfico no que o usuario pode buscar un ámbito territorial determinado mediante procuras por topónimo, coordenadas ou códigos catastrais.
A incorporación de miles de novos ficheiros con contido xeográfico permite actualmente o acceso e o uso público dun total de 272.243 ficheiros, entre series cartográficas en PDF (a escalas 250.000, 100.000 e 5.000), ortofotografías aéreas de distintos anos, mapas de usos e ocupación do solo en formato shapefile, ficheiros en formato ráster e ficheiros de datos LIDAR.
Esta nova aplicación supón un impulso á difusión simplificada e con alta calidade de información xeográfica, a través dunha plataforma fácil de usar que permite buscar a información segundo a necesidade do usuario, tanto de temática da información como de ámbito xeográfico. Esta plataforma poderá incrementar o número de ficheiros a descargar dun xeito sinxelo, polo que permitirá ao Instituto de Estudos do Territorio e a outros departamentos da Xunta de Galicia poñer a disposición da cidadanía a información xeográfica segundo se vaia producindo, dun xeito sinxelo é rápido.
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A new application already is available to obtain geographical information of Galicia. The Institute of Studies of the Territory (IET), in collaboration with the Agency of Technological Modernization of Galicia (Amtega), has just released this new service of the Center of Unloads of Geographical Information of the Platform of maps of the Autonomous government of Galicia.
It is a question of a tool orientated to the unload of maps and of files georreferenciados in different formats. In this application there are increased in 225.298 the files of information put at the disposal of the population, happening from 46.945 existing files in the previous version (that 1,1 Terabytes of information supposed) to 272.243 files (3,2 Terabytes), which supposes multiplying for more than five the available information up to the moment.
With this new version of the center of unloads of geographical information, it is a question of obtaining a triple aim:
· facilitating the use of the web for civil anyone;
· increasing the available information;
· and to incorporate the information in different formats for the use on the part of the professionals.
Others of the innovations it is that the application is now more visual, thanks to the incorporation of a new geographical visor in which the user can look for a territorial area determined by means of searches for toponym, coordinates or property codes.
The incorporation of thousands of new files with geographical content allows nowadays the access and the public use of a total of 272.243 files, between cartographic series in PDF (you her climb 250.000, 100.000 and 5.000), ortofotografías air of different years, maps of uses and occupation of the soil in format shapefile, files in format ráster and files of information LIDIAR dates.
This new application supposes an impulse to the simplified diffusion and with high quality of geographical information, across a platform easy to use that it allows to look for the information according to the need of the user, so much of subject matter of the information as of geographical area. This platform will be able to increase the number of files to coming out in a simple way, for what it will allow to the Institute of Studies of the Territory and other departments of the Autonomous government of Galicia to put the disposition of the citizenship to geographical information as it is taking place, in a simple way it is rapid.
Las vistas desde la parte alta son espectaculares. El jardín que produce agua da paso a un mar cubiertas de casas antiguas que se transforma en un paisaje de huertas con los montes en el horizonte. Para disfrutar de esta experiencia, situamos un mirador sobrevolando el jardín, con un pavimento de madera que deja entrever lo que hay debajo, además de proporcionar sombra.
Para la construcción de “La misteriosa historia del jardín que produce agua” (AKA “el Coso”), hemos empleado:
– Hormigón para contener el terreno, los caminos, los estanques y la estructura inferior del vivero de empresas.
– Placas prefabricadas de hormigón para el cerramiento del edificio.
– Acero para la estructura superior del vivero de empresas y el mirador.
– Especies vegetales de uso local, flores, trepadoras, macrofitas en flotación que proyectan sombra y ofrecen un entorno más fresco.
Aunque hemos definido un sistema con el que damos respuesta a las condiciones particulares de un lugar, los problemas topográficos y la falta de agua, el proyecto puede ser transferido a otros espacios, incluso con diferente escala. Se trata de un ejemplo sobre cómo se puede reutilizar el agua, involucrando a los vecinos en el ahorro. Muestra cómo se puede hacer un jardín con recursos limitados, un microclima y un ecosistema enriquecido dentro del casco antiguo de una ciudad.
El jardín es un paisaje de integración social, devuelve al peatón su derecho a pasear y a conectar distintos sitios de la ciudad que antes estaban alejados. Facilita el paseo a las personas con movilidad reducida gracias a sus rampas de pendientes accesibles.
La obra ha contado con trabajadores locales para desarrollar varios de los trabajos. Incluso algunos de ellos eran antiguos habitantes de los edificios que colapsaron en este barrio.
En definitiva, “La misteriosa historia del jardín que produce agua” se concibe como un espacio silvestre que dialoga con su entorno. La vegetación y el tiempo son elementos vitales en su configuración. Las estaciones variarán el aspecto del parque a lo largo de las estaciones y los años. La flora tomará su tiempo en desarrollarse, por lo que cada año el parque será diferente. El final de la obra marcó un principio en la vida en el parque, y un punto de inflexión en la vida de la ciudad.
El proyecto se integra en su entorno respetando la topografía, las edificaciones adyacentes y revitalizando el lugar. No modifica el perfil de la ciudad en la vista inmediata. Desde el paisaje de huerta queda totalmente escondido. Para el usuario, constituye una sorpresa descubrir todo un oasis en medio del laberíntico desierto urbano.
El resultado es un jardín que produce agua donde la flora atrae a la fauna. Además de habitarlo personas, hemos confirmado la presencia de gatos, ranas, vencejos, palomas y varios tipos de insectos. Han tomado el parque como parte de su vida diaria, aportan su movimiento al que se suma el sonido de las hojas, el agua, los vecinos en sus actividades diarias y su continuo transitar para llegar al otro lado.
Obra: Espacio público de “El Coso” y vivero de empresas, Cehegín (Murcia). 2003-2015
Título del proyecto: “La misteriosa historia del jardín que produce agua”
Arquitectos y directores de obra: “cómo crear historias” (Mónica García Fernández y Javier Rubio Montero).
Arquitecta técnica y directora de ejecución de obra: Patricia León de la Cruz
Coordinador de seguridad y salud en la obra: Antonio Martínez Sánchez
Cálculo de estructuras: DeRoman (Dolores Román)
Cálculo de instalaciones: AGM ingenieros y José Alberto García Fernández
Promotor: Ayuntamiento de Cehegín, Murcia, España
Constructor: José Díaz García, S.A.
Fotografías: David Frutos | Fotografia de Arquitectura.
Superficie: 4.436 m2
PEM: 3.111.262 €
Inicio del proyecto: 2003
Duración de la obra: 2011-2015 + comocrearhistorias.com
Premios:
– 1º Premio. Concurso de ideas “Acondicionamiento del Espacio Público de “El Coso” en 2003
– Premio de reconocimiento europeo de arquitectura sostenible. Concurso Construcción Sostenible ‘Holcim Foundation for Sustainable Construction’ en 2005
– 2º Premio. Category A – Best implemented project in the architecture of public buildings. The Second Baku International Architecture Awards.
Publicaciones:
El Cultural (El Mundo). Artículo “La civilidad en proceso”
Smoda (El País) . Artículo “Transformar para disfrutar”
Diseño interior. Artículo en el número 279
Ecologik. Artículo en el número 50
Arquitectura Viva. Artículo en el Anuario 2016
Pasajes de Arquitectura y urbanismo. Artículo en el número 140
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As vistas desde a parte alta son espectaculares. O xardín que produce auga dá paso a un mar cubertas de casas antigas que se transforma nunha paisaxe de hortas cos montes no horizonte. Para gozar desta experiencia, situamos un miradoiro sobrevoando o xardín, cun pavimento de madeira que deixa entrever o que hai debaixo, ademais de proporcionar sombra.
Para a construción de “A misteriosa historia do xardín que produce auga” (AKA “o Coso”), empregamos:
– Formigón para conter o terreo, os camiños, os estanques e a estrutura inferior do viveiro de empresas.
– Placas prefabricadas de formigón para o cerramento do edificio.
– Aceiro para a estrutura superior do viveiro de empresas e o miradoiro.
– Especies vexetais de uso local, flores, trepadoras, macrofitas en flotación que proxectan sombra e ofrecen unha contorna máis fresca.
Aínda que definimos un sistema co que damos resposta ás condicións particulares dun lugar, os problemas topográficos e a falta de auga, o proxecto pode ser transferido a outros espazos, mesmo con diferente escala. Trátase dun exemplo sobre como se pode reutilizar a auga, involucrando aos veciños no aforro. Mostra como se pode facer un xardín con recursos limitados, un microclima e un ecosistema enriquecido dentro do casco antigo dunha cidade.
O xardín é unha paisaxe de integración social, devolve ao peón o seu dereito para pasear e a conectar distintos sitios da cidade que antes estaban afastados. Facilita o paseo ás persoas con mobilidade reducida grazas ás súas ramplas de pendentes accesibles.
A obra contou con traballadores locais para desenvolver varios dos traballos. Mesmo algúns deles eran antigos habitantes dos edificios que colapsaron neste barrio.
En definitiva, “A misteriosa historia do xardín que produce auga” concíbese como un espazo silvestre que dialoga coa súa contorna. A vexetación e o tempo son elementos vitais na súa configuración. As estacións variarán o aspecto do parque ao longo das estacións e os anos. A flora tomará o seu tempo en desenvolverse, polo que cada ano o parque será diferente. O final da obra marcou un principio na vida no parque, e un punto de inflexión na vida da cidade.
O proxecto intégrase na súa contorna respectando a topografía, as edificacións adxacentes e revitalizando o lugar. Non modifica o perfil da cidade na vista inmediata. Desde a paisaxe de horta queda totalmente escondido. Para o usuario, constitúe unha sorpresa descubrir todo un oasis no medio do laberíntico deserto urbano.
O resultado é un xardín que produce auga onde a flora atrae á fauna. Ademais de habitalo persoas, confirmamos a presenza de gatos, ras, vencejos, pombas e varios tipos de insectos. Tomaron o parque como parte da súa vida diaria, achegan o seu movemento ao que se suma o son das follas, a auga, os veciños nas súas actividades diarias e o seu continuo transitar para chegar alén.
Obra: Espazo público de “O Coso” e viveiro de empresas, Cehegín (Murcia). 2003-2015
Título del proyecto: “La misteriosa historia del jardín que produce agua”
Arquitectos e directores de obra: “cómo crear historias” (Mónica García Fernández e Javier Rubio Montero).
Arquitecta técnica e directora de execución de obra: Patricia León de la Cruz
Coordinador de seguridade e saúde na obra: Antonio Martínez Sánchez
Cálculo de estructuras: DeRoman (Dolores Román)
Cálculo de instalacións: AGM inxeñeiros e José Alberto García Fernández
Promotor: Concelloo de Cehegín, Murcia, España
Constructor: José Díaz García, S.A.
Fotografías: David Frutos | Fotografia de Arquitectura.
Superficie: 4.436 m2
PEM: 3.111.262 €
Inicio do proxecto: 2003
Duración da obra: 2011-2015 + comocrearhistorias.com
Premios:
– 1º Premio. Concurso de ideas “Acondicionamento do Espazo Público de “O Coso” en 2003
– Premio de recoñecemento europeo de arquitectura sostenible. Concurso Construcción Sostenible ‘Holcim Foundation for Sustainable Construction’ en 2005
– 2º Premio. Category A – Best implemented project in the architecture of public buildings. The Second Baku International Architecture Awards.
Publicacións:
El Cultural (El Mundo). Artigo “A civilidade en proceso”
Smoda (El País) . Artigo “Transformar para disfrutar”
Diseño interior. Artigo no número 279
Ecologik. Artigo no número 50
Arquitectura Viva. Artigo no Aniario 2016
Pasaxes de Arquitectura e urbanismo. Artigo no número 140
[:en]
The sights from the high part are spectacular. The garden that produces water gives step to a sea covers of ancient houses that transforms in a landscape of gardens with the mounts in the horizon. To enjoy this experience, we place a viewing-point overflying the garden, with a pavement of wood that stops to guess what exists below, beside providing shade.
For the construction of “The mysterious history of the garden that produces water” (AKA “el Coso”), we have used:
– Concrete to contain the area, the ways, the reservoirs and the low structure of the fish-pond of companies.
– Prefabricated plates of concrete for the closing of the building.
– Steel for the top structure of the fish-pond of companies and the viewing-point.
– Vegetable species of local use, flowers, climbing, macrofitas in flotation that they project shade and offer a fresher environment.
Though we have defined a system with which we give response to the particular conditions of a place, the topographic problems and the lack of water, the project can be transferred to other spaces, even with different scale. It is a question of an example on how it is possible to re-use the water, involving the neighbors in the saving. It shows how it is possible to do a garden with limited resources, a microclimate and an ecosystem enriched inside the old town of a city.
The garden is a landscape of social integration, returns to the pedestrian his right to walk and to connect different sites of the city that before were remote. It facilitates the walk to the persons with mobility reduced thanks to his ramps of accessible earrings.
The work has possessed local workers to develop several of the works. Even some of them were former inhabitants of the buildings who collapsed in this neighborhood.
Definitively, “The mysterious history of the garden that produces water” is conceived as a wild space that he composes in a dialogue with his environment. The vegetation and the time they are vital elements in his configuration. The stations will change the aspect of the park along the stations and the years. The flora will take his time in developing, for what every year the park will be different. The end of the work marked a beginning in the life in the park, and a point of inflexion in the life of the city.
The project joins his environment respecting the topography, the adjacent buildings and revitalizing the place. It does not modify the profile of the city in the immediate sight. From the landscape of garden it remains totally hidden. For the user, it constitutes a surprise to discover the whole oasis in the middle of the labyrinthine urban desert.
The result is a garden that produces water where the flora attracts to the fauna. Beside persons lived it, we have confirmed the presence of cats, frogs, vencejos, doves and several types of insects. They have taken the park as a part of his daily life, contribute his movement to which there adds the sound of the leaves, the water, the neighbors in his daily activities and his I continue travelling to come to another side.
Work: “El Coso” public space and fish-pond of companies, Cehegín (Murcia). 2003-2015
Title of the project: “The mysterious history of the garden that produces water”
Architects and the directors of work: “cómo crear historias” (Mónica García Fernández and Javier Rubio Montero).
Technical Arquitecta and director of execution of work: Patricia León de la Cruz
Coordinator of safety and health in the work: Antonio Martínez Sánchez
Calculation of structures: DeRoman (Dolores Román)
Calculation of facilities:AGM ingenieros y José Alberto García Fernández
Client: Ayuntamiento de Cehegín, Murcia, Spain
Builder: José Díaz García, S.A.
Photographies: David Frutos | Fotografia de Arquitectura.
Superface: 4.436 m2
PEM: 3.111.262 €
Beginning of the project: 2003
Duration of the work: 2011-2015 + comocrearhistorias.com
Awards
– 1 º Reward. Contest of ideas » Conditioning of the Public Space of » The Main street » in 2003
– Prize of European recognition of sustainable architecture. I compete For Sustainable Construction ‘ Holcim Foundation for Sustainable Construction ‘ in 2005
– 2 º Reward. Category To – Best implemented project in the architecture of public buildings. The Second Baku International Architecture Awards.
Publicaciones:
El Cultural (El Mundo). Published article “La civilidad en proceso”
Smoda (El País) . Published article “Transformar para disfrutar”
Diseño interior. Published article in number 279
Ecologik. Published article in number 50
Arquitectura Viva. Published article in Anuario 2016
Pasajes de Arquitectura y urbanismo. Published article in number 140
El Colegio Oficial de Arquitectos Vasco-Navarro (COAVN) ha entregado este jueves, 9 de junio, los Premios COAVN de Arquitectura 2016 en una ceremonia con más de 160 invitados que tuvo lugar en el Salón de Plenos del Ayuntamiento de Donostia-San Sebastián. La gala, conducida por Oihane Mateos, reunió en la capital donostiarra a los arquitectos y urbanistas que en los últimos tres años han desarrollado, a juicio del jurado, los trabajos más sobresalientes en cuatro modalidades: interiorismo, urbanismo, rehabilitación y arquitectura.
El fallo de esta decimosegunda edición de los premios COAVN concede un total de 30 galardones, entre obras premiadas y finalistas, entre 121 trabajos presentados. Las diez que han obtenido la máxima distinción en cada una de las categorías se han recogido en los vídeos publicados acontinuación:
[:gl]
O Colexio Oficial de Arquitectos Vasco-Navarro (COAVN) entregou este xoves, 9 de xuño, os Premios COAVN de Arquitectura 2016 nunha cerimonia con máis de 160 invitados que tivo lugar no Salón de Plenos do Concello de Donostia-San Sebastián. A gala, conducida por Oihane Mateos, reuniu na capital donostiarra aos arquitectos e urbanistas que no últimos tres anos desenvolveron, a xuízo do xurado, os traballos máis sobresalientes en catro modalidades: interiorismo, urbanismo, rehabilitación e arquitectura.
O fallo desta decimosegunda edición dos premios COAVN concede un total de 30 galardóns, entre obras premiadas e finalistas, entre 121 traballos presentados. As dez que obtiveron a máxima distinción en cada unha das categorías recolléronse nos vídeos publicados acontinuación:
[:en]
The Architects’ Official College Basque – Navarrese one (COAVN) has delivered this Thursday, the 9th of June, the COAVN Awrds of Architecture 2016 in a ceremony with more than 160 guests that Sebastián took place in the Lounge of Plenary sessions of the Town hall of Donostia-San Sebastian. The show led by Oihane Kill You, it assembled in the cardinal native of San Sebastian the architects and town planners who in the last three years have developed, in the opinion of the juror, the most excellent works in four modalities: interiorismo, urbanism, rehabilitation and architecture.
The failure of this twelfth edition of the prizes COAVN grants a total of 30 awards, between winning works and finalists, between 121 presented works. The ten that have obtained the maximum distinction in each of the categories have retired in the published videoes acontinuación:
«Un lugar puede definirse como lugar de identidad, relacional e histórico, un espacio que no puede definirse como espacio de identidad ni como relacional ni como histórico, definirá un no lugar. (…)»
Las ciudades se maquillan, convertidas en imágenes perfectas, para poder fingir lo que la sociedad espera de ellas. Se camuflan detrás de una aparente y deseada desinfección, ocultando el hecho de que la vida es y no se simula. Luchan insaciablemente para conservar la pureza de sus muros grises, limpios y mudos, que dicen son reflejo del progreso, frente a paredes que hablan de lo que sus ciudadanos desean, unos muros que buscan otro «progreso».
El Muro de Berlín, en Bethaniendamm (1986)
Las ciudades son pensadas para ciudadanos imaginarios en mundos protegidos de males y malos, que ellas mismas engendran; unas ciudades que buscan una visión esterilizada de los espacios compartidos para esconder la diferencia y desarticular las iniciativas no-controladas surgidas de la propia sociedad. Ciudades para unos ciudadanos que son sometidos a un constante bombardeo de intencionalidades que les impiden tomar la iniciativa, dejándolos como desnudos espectadores de lo que tendría que ser su propia realidad. Estos ciudadanos son convertidos en simples actores de una ciudad simulada.
«Tower, Landscapes and contemplations», Kate Kataila
La simulación es la marca repetida hasta la saciedad de lo que aspiran los que dirigen «sus» ciudades, como lo fue la de Barcelona: «la mejor tienda del mundo». Sus habitantes solo se pueden mover en ellas bajo la amenaza de un gran libro de instrucciones, prohibiciones y castigos que pretenden protegerlos, todo bajo el eufemismo del civismo convertido, a veces, en cinismo. Es la ciudad donde se excluye lo de todos para convertirlo en el negocio de unos pocos, y así poder construir la ciudad de «ellos». Una ciudad que parte de la exclusión, que es invadida por ojos que lo ven todo para prometernos nuestra seguridad, ojos que vigilan a los «malos» -que no conocen- y de paso a ti que si saben bien quién eres. Una ciudad «orden-ada», sin darnos cuenta, por un sentido político destinado a neutralizar la capacidad del espacio público para crear relaciones sociales generadoras de ciudadanos.
«La simulación no corresponde a un territorio, a una referencia, a una sustancia, sino que es la generación de los modelos de algo real sin origen ni realidad: lo hiperreal. El territorio ya no precede al mapa ni le sobrevive. En adelante será el mala el que preceda al territorio – precisión de los simulacros- y el que lo engendre, y si fuera preciso retomar la fábula, hoy serían los girones del territorio los que pudrirían lentamente sobre la superficie del mapa. Son los vestigios de lo real, no los del mapa, los que todavía subsisten esparcidos por unos desiertos que ya no son los del Imperio, sino nuestro desierto. El propio desierto de lo real.»
Una nueva, vieja, ciudad se llena de zombis que no miran a los ojos, que no saben de «buenos días». Una ciudad de personas convertidas en GPS de una geografía urbana muda. La ciudad de la dictadura del corto tiempo, de las urgencias de un presente que se escapa, de un territorio desintegrado capitaneado por la soledad. Es la ciudad donde nos convertimos en individuos públicos protegidos por nuestras máscaras de roles codificados.
«Hoy en día, nuestro entorno está Ileno de una brillantez vacua. AI igual que los electrodomésticos que pueblan los estantes de una tienda de oportunidades, nuestras ciudades se han secado y estan yermas. Durante los últimos diez años, a las ciudades se les ha privado de la humedad como si las hubieran echado en una gigantesca secadora. Aunque estamos rodeados de infinidad de productos,vivimos una atmósfera enteramente homogénea. Nuestra opulencia se sostiene solo con ese trozo de película transparente.
La vida simulada está formada sobre la base de la película transparente que cubre la sociedad. Por ejemplo, hombres y mujeres se detienen en ciertos lugares, antes de ir a casa después del trabajo, con el fin de comer, cantar, bailar, charlar, ver películas, ir al teatro, practicar juegos o ir de compras. EI tiempo y el espacio disponibles en algún lugar entre la oficina y el hogar-para hacer ejercicio, por ejemplo, en un club deportivo -son totalmente ficticios. La gente se come cualquier cosa que le sirvan como si aquellos platos hubieran sido preparados por su propia madre; cantan y bailan como si fueran estrellas de cine; debaten temas con quien quiera que esté a su alrededor como si fueran íntimos amigos; van de compras para tener buenos sueños, y actúan en un espacio artificial como si realmente estuvieran corriendo por el campo o nadando en el mar. Todo ello son simulaciones, desde el espacio y las acciones hasta cualquier cosa que puedan obtener allí. Más aún, esta vida y este espacio simulados han invadido las oficinas y las casas en lugar de permanecer modestamente en una zona neutra como es el centro de la ciudad. Nuestras familias y nuestros trabajos son ahora todos simulados. Actualmente no podemos distinguir la realidad de la irrealidad.
Hemos perdido no sólo el sentido de la vista, sino también el del gusto, el oído, el tacto y otros sentidos relacionados con la realidad. Ya no estamos seguros de lo que es realmente sabroso, de lo que oímos, de lo que realmente sentimos, etcétera. Nuestro cuerpo ha cambiado, aunque no nos demos cuenta de ello. Esto es así porque los sistemas de comunicación entre nosotros, o entre los bienes de consumo y nosotros, han sufrido cambios radicales. Hemos transformado nuestro cuerpo de tal modo que podemos invertir la relación entre realidad e irrealidad con el simple movimiento de una imagen.»
Cuando una ciudad esconde su propia realidad y a sus propios ciudadanos, se convierte en el carcelero de consumidores, en vez de convertirlos en sus protagonistas. La ciudad es ciudad cuando tiene ciudadanos, y estos son ciudadanos cuando disponen de las herramientas para apropiarse de ella hasta hacerla suya. Si la ciudad es un espejismo de lo que a algunos les gustaría que fuera, entonces esta se vuelve una ciudad simulada que sencillamente esconde, detrás de un fino espejo, su propia realidad. Una realidad que al ser ignorada y olvidada va empeorando hasta convertirse en la verdadera y desgraciada protagonista de la ciudad.
«Chantier Barbès-Rochechouart Billboard», Pierre Huyghe, Paris 1994
«Estoy más intrigado por la manera en cómo se produce el acontecimiento que en el mismo acontecimiento». Pierre Huyghe analiza en gran parte de sus trabajos la importancia de la visión, sus procesos y construcciones, en una sociedad del espectáculo donde el sujeto está constantemente hostigado por el vértigo voyertista provocado por la multitud de imágenes que se le proponen. Sus obras tratan de poner de manifiesto de qué manera las personas pueden reaccionar a todo tipo de intentos de homogenización o estandarización de los comportamientos y actitudes (para convertirlos en pasivos consumidores) mediante la construcción y reconstrucción de la mirada que permita escapar del control y la pasividad de la sociedad contemporánea.»
Sumar es el único camino para una ciudad real, para que una ciudad crezca con sus ciudadanos y encuentre su propia verdad, en vez de simular la que el mundo espera de ella. Una ciudad que sepa encontrar en sus ciudadanos el potencial para ser lo que en realidad es y lo que ninguna otra ciudad puede llegar a ser. Una ciudad que confíe en si misma y en sus ciudadanos, más que reflejarse en el éxito engañoso de otras ciudades. Una ciudad pensada para su propia realidad, más que diseñada según la copia de otra realidad lejana.
“A la larga, la vida entre los edificios es más importante y también más interesante de observar que cualquier combinación de hormigón colorado y formas edificatorias impactantes.”
Puesta de sol en una pantalla de leds gigante en la plaza de Tiananmen el 16 de Enero del 2014, en un día de alerta por alta contaminación en Beijing, China.
Marc Chalamanch · Arquitecto
Barcelona. Febrero 2014
Siempre me había intrigado la figura del arquitecto alemán Herbert Lippschitz -en realidad ni siquiera se sabe si era arquitecto-, que huyendo de los nazis, vino a España antes de la Guerra Civil con Max Nosseck, a trabajar como escenógrafo cinematográfico y terminó siendo productor. Ahora hay muchos más datos sobre él, incluso una entrada en la Wikipedia y se sabe que en Estados Unidos se hizo llamar Herbert O. Phillips, pero sigue siendo un profesional interesante.
Hace unos días he encontrado una entrevista que le hicieron en marzo de 1934 y que lleva como título: «Las originales ideas de Lippschitz, arquitecto cinematográfico de Doña Francisquita», la entrevista es la siguiente:
«Hemos rogado a Lippschítz que nos explique algunas de sus ideas sobre arquitectura cinematográfica. Por toda respuesta, nos ruega que le acompañemos; se sitúa ante el piano y, con agilidad y ritmo sorprendentes, empieza a tocar un vals vienes. Terminado éste, nos pregunta:
—¿Les ha gustado?
Algo intranquilos respondemos:
—Sí, muchísimo; pero… ¿y de arquitectura, nos puede decir algo? —¿De arquitectura? ¡Ah, sí! Un momento; oiga usted esto.
Sus ágiles dedos interpretan un estudio de Chopin.
Definitivamente inquietos, creemos incorrectamente que no quiere responder a nuestras preguntas. De repente, se levanta de la silla y nos dice:
—¿Ha oído usted lo que he tocado al piano? Pues bien: la «arquitectura cinematográfica es a la vista lo que la música al oído». Un salón, una escalera, una iglesia, una calle, todo, todo necesita ser en el cine algo musical. Como no disponemos en el cine, hasta ahora, del color, hemos de dar ritmo a la forma, agilidad a la estructura, movimiento a las cosas estáticas. El actor nos dice en dos palabras: «Hoy estoy alegre». Y necesariamente, la habitación en que diga estas palabras debe tomar automáticamente el mismo tono del sentimiento del actor. Si estamos en plena tragedia, las palabras, las sillas, los objetos, las luces, todo debe ser trágico: es el ambiente que debe suplir a nuestra imaginación y muchas veces ayudarla. Mire usted si no: En esta habitación. un hombre debe reflejar en su persona un estado de interior satisfacción. Precisa, pues, que las paredes, las sillas, los objetos, todo respire bienestar: hasta el fuego de la chimenea debe, con sus chisporroteos, llegar a nuestro corazón y producimos interna alegría.
La línea, la forma, eso es cuestión de técnica; el ambiente es cuestión de gusto, de interpretación, de sensibilidad. Aquel que logra con dos rosas colocadas en su sitio expresar las sensaciones de una persona., ése es un buen ayudante para el arte cinematográfico.
Aquel que construye magníficos decorados, espléndidas habitaciones y calles, sin que nuestra vista logre hallar un matiz en todo ello, ése puede ser un gran técnico, pero un mal artista…»
Y éstas son, en resumen, las originales ideas de Lippschitz, el arquitecto que ha hecho de su profesión un arte.
Curioso modo de entender la escenografía cinematográfica en una época en que no existía el color, aunque sí la palabra…
Jorge Gorostiza, Doctor arquitecto.
Santa Cruz de Tenerife, abril 2016 Autor del blog Arquitectura+Cine+Ciudad
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