Louis Kahn en la Yale University Art Gallery, 1953. | Cortesía de Lionel Freedman Archives
Una manera de hacer las cosas.
«Amo los inicios. Los inicios me llenan de maravilla. Yo creo que el inicio es lo que garantiza la consecución. Si ésta no tiene lugar, nada podría ni querría existir. Tengo un gran respeto por la instrucción porque es una inspiración fundamental. (…) La voluntad de aprender, el deseo de aprender, es una de las mayores aspiraciones. No me emociona en igual medida la educación. Aprender está bien, pero la educación es algo que siempre está en discusión porque ningún sistema consigue captar jamás el verdadero significado de aprender».
Louis I. Kahn1
Ante todo las cosas claras: Un proyecto es un proceso
Un proceso que sigue una evolución en el tiempo. Un proceso gradual en constante desarrollo nutrido por la adquisición paulatina de conocimientos y habilidades. Un proceso encaminado a la realización de la obra de arquitectura.
Si un proyecto es un proceso parece coherente que la docencia del mismo haya de serlo también. Hemos de entender al proyecto, en su evolución, como aglutinador de intenciones, de intereses y sobre todo de conocimientos, valorando su carácter propositivo.
La formación de un arquitecto es larga y continua, como lo es la de la persona. Creer que en lo que dura la estancia del alumno en la Escuela hemos formado a un arquitecto es, cuando menos, ingenuo. Lo mismo que pensar que hemos formado a un profesional por la mera acumulación de determinadas habilidades y conocimientos. Estamos hablando de calidad y no de cantidad.
Un proceso tan complejo como la formación de una personalidad arquitectónica, es cuestión de un largo e interno proceso de madurez y reflexión, así como de grandes dosis de serenidad y autocrítica.
Decía Goethe al respecto de la madurez del poeta joven,
«el defecto de la mayoría de nuestros poetas jóvenes, es que su personalidad subjetiva no es bastante interesante todavía y no saben hallar en lo objetivo asuntos para sus obras, a lo sumo hallan asuntos mediocres que responden a su propia joven subjetividad».2
Hemos de ser conscientes de que una docencia de proyectos basada en una sucesión en creciente dificultad tipológica de ejercicios corregidos y evaluados, no parece un buen camino para lograr el fin buscado.
Hemos de fomentar y valorar el proceso como herramienta de elaboración del proyecto más que su resultado final. Hemos de fomentar también la integración de todo aquello que lo enriquezca, de todos aquellos conocimientos que conduzcan a la formación de un espíritu arquitectónico completo y capaz de desarrollar esa obra de arquitectura merecedora de ser parte de ese tesoro de la arquitectura del que nos hablaba Kahn.
Valorar el trabajo del proceso en sí mismo y no el resultado es la manera de entenderlo, pero no como un fin en sí mismo, sino como el catalizador y aglutinador de experiencias, conocimientos, deseos y anhelos. Se trata de fomentar la motivación y el anhelo de emocionar.
Proyecto y Taller
El proyecto debe aglutinar e integrar en sí mismo y en torno a si mismo todas aquellas disciplinas y conocimientos que lo hacen factible, en un continuo y constante flujo de influencias. Un taller3 aglutinador, entendido en sí mismo como una forma de trabajo, debe organizarse de manera gradual, tanto vertical como transversalmente, lo largo de la carrera, distribuyendo sus contenidos, no por su aparente complejidad, sino por sus contenidos conceptuales que abarquen las distintas escalas del trabajo proyectual y las diversas complejidades e imbricaciones que el hecho arquitectónico conlleva. Un hilo argumental con diferentes grados de compromiso en el que el alumno ha de ir profundizando e involucrándose.
La docencia es un camino de doble dirección. Es un proceso que se produce en continuidad con la experiencia diaria. Una enseñanza en la que aprendes, descubres y redescubres. Se aprende y se enseña a la vez. Enseñar a buscar y a través de ello entender y aprender a ver. El proceso se enriquece y se retroalimenta, generando ilusión y complicidad.
Hay que desarrollar y articular un conjunto de valores fundamentales que substancien el proceso como trabajo. Hay que fomentar la práctica crítica con debates acerca del contenido intrínseco de las cosas, su esencia y su realidad.
La arquitectura es una creación del pensamiento y la obra su concreción. Ambos, idea y obra, están indisolublemente unidos en una relación honesta y por ende verdadera.
Un proyecto de arquitectura es un proceso personal e intransferible, inevitablemente íntimo. Toda creación es un acto de intimidad, un acto solitario, cualquier acto de creación, cualquier acto de comprensión lo es. Todo sentimiento es individual, toda sensación lo es. Se trata de la búsqueda hacia una aproximación emocional al hecho arquitectónico.
«Uno no aprende nada que no sea parte de sí mismo», decía Kahn.
Un trabajo de arquitectura comprende una ética. Una ética del quehacer que se debe a su proceso mismo. El tiempo, la madurez, y el conocimiento forjan un pensamiento; un pensamiento que destila los intereses, las afinidades y las necesidades, y que afina y delimita el modo de ver las cosas y las maneras de hacer.
3 El nombre ya indica otra actitud de trabajo, de colaboración, hasta de artesanía.
Texto elaborado para una jornada de trabajo sobre la docencia de proyectos, organizada por el Departamento de Proyectos de la ETSAC, celebrada en el Pazo de Lóngora, A Coruña, en junio de 2011. Revisado en noviembre de 2017.
Furia española (Francisco Betriú, 1975) por la que Elisa Ruiz recibió el premio del Círculo de Escritores Cinematográficos a la mejor decoración.
La investigadora mexicana Elisa Lozano, a la que ya mencioné a raíz de la publicación de su fundamental libro sobre Manuel Fontanals, me ha dicho hace poco que está finalizando su trabajo sobre Lucero Isaac, la primera directora artística cinematográfica mexicana.
Lo cierto es que en el ámbito de la escenografía para el cine ha ocurrido lo mismo que en otras especialidades, en las que las mujeres tuvieron muchas dificultades para trabajar, casi siempre por culpa de la propia sociedad, ya que los profesionales del cine, como los del teatro, siempre han estado más abiertos a los cambios. Estos problemas provocaron que cuando se piensa en las mujeres escenógrafas, se recuerde a la antes mencionada, a Carmen Dillon y a muy pocas más.
En España las mujeres, como en otros países, se ocuparon antes del diseño de vestuario que de los decorados, cronológicamente una de las primeras -si no la primera- que aparece en unos títulos de crédito es Elisa Ruiz Fernández, firmando como ambientadora en Cruzada en la mar, dirigida por Isidoro M. Ferry en 1968 y el año siguiente como los decorados de la coproducción italo española Los diablos de la guerra dirigida por Bitto Albertini en 1969.
Elisa nació en San Fernando (Cádiz) el 4 de octubre de 1939, estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes de esa localidad donde se graduó en 1962; comenzó a trabajar en el cine a principios de los años sesenta como ayudante de decoración de José Antonio de la Guerra, siendo después ayudante de Gago, Surribas, Galicia y Pérez Cubero; compaginando su trabajo con el teatro trabajó con el gran Francisco Nieva, que la menciona en sus memorias Las cosas como fueron, realizando la escenografía y el vestuario de obras teatrales, zarzuelas, óperas y ballets, además expuso su obra plástica en varias ocasiones, hizo ilustraciones para libros, murales, y también impartió conferencias sobre su trabajo; falleció joven a los cincuenta y cinco años, en Madrid, tras una larga enfermedad, el 21 de mayo de 1995. Tuve la suerte de asistir a una de sus conferencias, la estupenda que impartió en la UIMP analizando el vestuario de las películas sobre Colón.
No voy a copiar la filmografía de Elisa, que se puede consultar en el libro Directores artísticos del cine español, pero sí hay que destacar que trabajó en cinco películas como figurinista, en catorce como ayudante de decoración y en diecisiete como directora artística, y en este último cometido, con directores como Betriú, Borau y Saura, en películas que ya han pasado a la Historia del Cine Español.
Tampoco quiero olvidar a otras escenógrafas cinematográficas españolas que también comenzaron a trabajar en los años sesenta y setenta, como María Eugenia Sagardía, Núria Pompeia, Elena Guasch, Cristina López, Mireia Riera, Teresa Pecanín y Neus Ciurana.
En España siempre se le ha dado muy poca importancia al fundamental trabajo de los directores artísticos y mucho menos al de las mujeres que trabajaron es esa especialidad, quizás ya va siendo hora que se les haga justicia.
Jorge Gorostiza, Doctor arquitecto.
Santa Cruz de Tenerife, septiembre 2017 Autor del blog Arquitectura+Cine+Ciudad
Una innovadora mirada a la belleza y la espectacularidad de la arquitectura negra a lo largo de mil años.
Black: Architecture in Monochromees un fascinante estudio sobre la intensidad, la fuerza y la mística del color negro en el mundo de la construcción. El negro, que atesora una gran importancia cultural e histórica –ya sea como símbolo de transgresión, devoción, penurias, lujo, introspección o extroversión–, se halla en el centro de la experiencia personal y social, lo cual convierte este provocador compendio en un libro fascinante y relevante.
Black: Architecture in Monochromeincluye más de ciento cincuenta estructuras creadas a lo largo de mil años de arquitectura, monumentos históricos importantes que han modelado la historia de la construcción en negro. Desde un edificio del siglo XI tratado con brea en las islas Feroe hasta la iglesia de madera de Fantoft, del siglo XII, que se ha ennegrecido con el paso del tiempo, las austeras estructuras modernistas cercadas con cristal negro y el cemento negro del angular teatro contemporáneo de Tokio, las influencias históricas de este color pueden apreciarse en multitud de materiales y estilos arquitectónicos de todo el mundo.
Este hermoso volumen presenta obras de algunos de los arquitectos más notables del siglo XX, entre ellos Philip Johnson, Eero Saarinen y Mies van der Rohe, además de célebres creadores contemporáneos como David Adjaye, Jean Nouvel, Peter Marino y Steven Holl. Black: Architecture in Monochrome reúne una espectacular variedad de estructuras locales e históricas para mostrar la diversidad y la belleza de la arquitectura negra, como, por ejemplo, establos rurales, casas de campo georgianas, capillas islandesas y viviendas de piedra tradicionales de Portugal.
Este seductor estudio empareja con gran criterio impresionantes edificios para complementar o contrastar su atractivo estético. Cada entrada viene ilustrada con asombrosas fotografías y acompañada de un cautivador texto que analiza el papel del negro en el diseño del edificio. Black: Architecture in Monochromeincluye letras de canciones clásicas y perspicaces citas sobre el monocromático color –de nombres famosos como Johnny Cash, J.M.W Turner, Henri Matisse, Georgia O’Keefe, Yohji Yamamoto y Aristóteles– que añaden profundidad y contexto a la vez que ponen de relieve la permanente admiración que la cultura popular ha profesado al color negro.
Descubre la elegancia intemporal de este intenso color a través de este compendio visualmente rico de extraordinarias obras de arquitectura. Black: Architecture in Monochrome, una oda visual al color negro que es exhaustiva tanto en variedad como en cronología, será de enorme inspiración para arquitectos y arquituristas por igual.
Black: Architecture in Monochrome de los editores de Phaidon con ensayo introductorio de Stella Paul.
[:gl]
Unha innovadora mirada á beleza e a espectacularidade da arquitectura negra ao longo de mil anos.
Black: Architecture in Monochrome é un fascinante estudo sobre a intensidade, a forza e a mística da cor negra no mundo da construción. O negro, que atesoura unha gran importancia cultural e histórica ?xa sexa como símbolo de transgresión, devoción, penurias, luxo, introspección ou extroversión?, áchase no centro da experiencia persoal e social, o cal converte este provocador compendio nun libro fascinante e relevante.
Black: Architecture in Monochrome inclúe máis de cento cincuenta estruturas creadas ao longo de mil anos de arquitectura, monumentos históricos importantes que han modelado a historia da construción en negro. Desde un edificio do século XI tratado con brea nas illas Feroe ata a igrexa de madeira de Fantoft, do século XII, que se ha ennegrecido co paso do tempo, as austeras estruturas modernistas cercadas con cristal negro e o cemento negro do angular teatro contemporáneo de Tokio, as influencias históricas desta cor poden apreciarse en multitude de materiais e estilos arquitectónicos de todo o mundo.
Este fermoso volume presenta obras dalgúns dos arquitectos máis notables do século XX, entre eles Philip Johnson, Eero Saarinen e Mies van der Rohe, ademais de soados creadores contemporáneos como David Adjaye, Jean Nouvel, Peter Mariño e Steven Holl. Black: Architecture in Monochrome reúne unha espectacular variedade de estruturas locais e históricas para mostrar a diversidade e a beleza da arquitectura negra, como, por exemplo, cortellos rurais, casas de campo xeorxianas, capelas islandesas e vivendas de pedra tradicionais de Portugal.
Este sedutor estudo emparella con gran criterio impresionantes edificios para complementar ou contrastar o seu atractivo estético. Cada entrada vén ilustrada con asombrosas fotografías e acompañada dun cativador texto que analiza o papel do negro no deseño do edificio. Black: Architecture in Monochrome inclúe letras de cancións clásicas e perspicaces citas sobre o monocromático cor –de nomes famosos como Johnny Cash, J.M.W Turner, Henri Matisse, Xeorxia Ou?Keefe, Yohji Yamamoto e Aristóteles– que engaden profundidade e contexto á vez que poñen de relevo a permanente admiración que a cultura popular ha profesado á cor negra.
Descobre a elegancia intemporal desta intensa cor a través deste compendio visualmente rico de extraordinarias obras de arquitectura. Black: Architecture in Monochrome, unha oda visual á cor negra que é exhaustiva tanto en variedade como en cronoloxía, será de enorme inspiración para arquitectos e arquituristas por igual.
Black: Architecture in Monochrome dos editores de Phaidon con ensaio introductorio de Stella Paul.
[:en]
An innovative look to the beauty and the showiness of the black architecture throughout thousand years.
Black: Architecture in Monochromeis a fascinating study on the intensity, the force and the mysticism of the black color in the world of the construction. The black, which hoards a great cultural and historical importance – already is like a symbol of transgression, devotion, penuries, luxury, introspection or extroversion-, there is situated in the center of the personal and social experience, which turns this provocative compendium into a fascinating and relevant book.
Black: Architecture in Monochrome more of hundred includes fifty structures created throughout thousand years of architecture, historical important monuments that have shaped the history of the construction in black. From a building of the 11th century treated with tar in the islands Feroe up to the church of wood of Fantoft, of the 12th century, which has turned black with the passage of time, the austere modernist structures surrounded with black crystal and the black cement of the angular contemporary theatre of Tokyo, the historical influences of this color can be estimated in multitude of materials and architectural styles of the whole world.
This beautiful volume presents works of some of the most notable architects of the 20th century, between them Philip Johnson, Eero Saarinen and Mies van der Rohe, besides famous contemporary creators as David Adjaye, Jean Nouvel, Peter Marino and Steven Holl. Black: Architecture in Monochrome assembles a spectacular variety of local and historical structures to show the diversity and the beauty of the black architecture, like, for example, rural stables, Georgian country houses, Icelandic chapels and traditional housings of stone of Portugal.
This seducer study catches up with great criterion impressive buildings to complement or to confirm his aesthetic attraction. Every entry comes illustrated with amazing photographies and accompanied of a captivating text that analyzes the paper of the black in the design of the building. Black: Architecture in Monochrome includes letters of classic songs and perspicacious appointments on the monochromatic color – of famous names like Johnny Cash, J.M.W Turner, Henri Matisse, Georgia O’Keefe, Yohji Yamamoto and Aristotle – that depth and context add simultaneously that emphasize the permanent admiration that the popular culture has practised to the black color.
It discovers the timeless elegance of this intense color across this visually rich compendium of extraordinary works of architecture. Black: Architecture in Monochrome, a visual ode to the black color that is exhaustive both in variety and in chronology, will be of enormous inspiration for architects and arquituristas equally.
Black: Architecture in Monochrome by the publishers of Phaidon with Stella Paul’s introductory test..
Sala de Carga es una galería de arte contemporáneo al interior de un contenedor marítimo, convoca a distintos realizadores a intervenir en lugares de alta accesibilidad. El contenedor equipado con iluminación y electricidad acoge en su interior propuestas de artistas de diferentes lugares y funciona como una galería itinerante ubicada en el espacio público.
Para el ciclo exposiciones del año 2014-2015 la sala tiene como eje los conceptos de “Situación y Cercanía” iniciativa que busca profundizar en la producción de muestras en las que se establecen relaciones entre arte contemporáneo, esfera pública y comunidad.
La propuesta de República Portátil consiste en la instalación de un prototipo de habitabilidad que se posa sobre el volumen del contenedor utilizándolo como un zócalo sobre la Plaza Perú de Concepción. Al intervenir la cubierta permite relacionar la sala con el espacio público a través de un programa de actividades que se desarrolla durante la muestra. Por 10 días se realizan encuentros y debates, se cocina y se realizan celebraciones. Al terminar la jornada se utiliza la habitación para pasar la noche en un espacio público de la ciudad.
Una habitación fundamental.
La HF es una construcción temporal y transportable a base de madera y telas. Permite la morada y sirve como lugar de reunión para un grupo de personas. Este proyecto es parte de una serie de experimentaciones de habitabilidad de en el espacio público. Está concebida con lo mínimo, utiliza las ideas de reducción y síntesis, intentando ubicarse a medio camino entre lo que podría ser una carpa y una vivienda.
Su concepción formal se basa en un principio de soporte que permite un espacio habitable cubierto mediante dos planos plegados para formar un triangulo de tracción. La estructura se compone de marcos triangulares y rectangulares de madera, de tamaño adecuado para ser manipulados por una persona. Esto permite armar en 3 horas y desarmar 1 hora la habitación, sin ningún tipo de maquinaria y con un mínimo de dos operarios. Con la idea de reducir peso y tamaño y potenciar la portabilidad, las piezas fueron realizadas con una única sección de madera de “1×4” en todas sus partes.
La dimensión del volumen se determina en base al largo que tiene la madera aserrada estandarizada. Se utiliza la medida de tres metros con el propósito de reducir la cantidad de procesos en la construcción, de este modo se disminuye la cantidad de cortes y la pérdida de material, optimizando la construcción en sus costos y tiempo de ejecución.
Obra: Habitación Fundamental.
Arquitectos: República Portátil
Equipo de colaboradores/asociados: Diseño, Lafont Editorial, 2/3 AR&ED, Le Petit Jardin.
Superficie: 18 m2
Ubicación: Plaza Perú, Concepción, Región del Bio-bio, Chile.
Años: 2013
Construcción: República Portátil, en colaboración con alumnos de la Escuela de Arquitectura de la Universidad del Biobío y Universidad de Concepción.
Construcción: 5 días – Montaje: 3 horas – Desmontaje: 1 hora.
Asesores: (Equipo de Estudiantes) Claudia Álvarez, Juan Soto, Francisco Urra, Esteban Perez Mege, Gerardo Neira, Paulina Vargas, Marcos Espinoza
Cliente: Joselyn Contreras, Sala de Carga.
Fotografía: Gino Zavala Bianchi + republicaportatil.cl[:gl]
Contexto.
Sala de Carga é unha galería de arte contemporánea ao interior dun colector marítimo, convoca a distintos realizadores a intervir en lugares de alta accesibilidade. O colector equipado con iluminación e electricidade acolle no seu interior propostas de artistas de diferentes lugares e funciona como unha galería itinerante situada no espazo público.
Para o ciclo exposicións do ano 2014-2015 a sala ten como eixo os conceptos de “Situación e Proximidade” iniciativa que busca profundar na produción de mostras nas que se establecen relacións entre arte contemporánea, esfera pública e comunidade.
A proposta de República Portátil consiste na instalación dun prototipo de habitabilidade que se pousa sobre o volume do colector utilizándoo como un zócalo sobre a Praza Perú de Concepción. Ao intervir a cuberta permite relacionar a sala co espazo público a través dun programa de actividades que se desenvolve durante a mostra. Por 10 días realízanse encontros e debates, cocíñase e realízanse celebracións. Ao terminar a xornada utilízase a habitación para pasar a noite nun espazo público da cidade.
Unha habitación fundamental.
A HF é unha construción temporal e transportable a base de madeira e teas. Permite a morada e serve como lugar de reunión para un grupo de persoas. Este proxecto é parte dunha serie de experimentacións de habitabilidade de en o espazo público. Está concibida co mínimo, utiliza as ideas de redución e síntese, tentando situarse a medio camiño entre o que podería ser unha carpa e unha vivenda.
A súa concepción formal baséase nun principio de soporte que permite un espazo habitable cuberto mediante dous planos encartados para formar un triangulo de tracción. A estrutura componse de marcos triangulares e rectangulares de madeira, de tamaño adecuado para ser manipulados por unha persoa. Isto permite armar en 3 horas e desarmar 1 hora a habitación, sen ningún tipo de maquinaria e cun mínimo de dous operarios. Coa idea de reducir peso e tamaño e potenciar a portabilidad, as pezas foron realizadas cunha única sección de madeira de “1×4” en todas as súas partes.
A dimensión do volume determínase en base ao longo que ten a madeira aserrada estandarizada. Utilízase a medida de tres metros co propósito de reducir a cantidade de procesos na construción, deste xeito diminúese a cantidade de cortes e a perda de material, optimizando a construción nos seus custos e tempo de execución.
Obra: Habitación Fundamental.
Arquitectos: República Portátil
Equipo de colaboradores/asociados: Deseño, Lafont Editorial, 2/3 AR&ED, Le Petit Jardin.
Área: 18 m2
Emprazamento: Plaza Perú, Concepción, Región del Bio-bio, Chile.
Ano: 2013
Construción: República Portátil, en colaboración co alumnado da Escola de Arquitectura da Universidade do Biobío e Universidade de Concepción.
Construción: 5 días – Montaxe: 3 horas – Desmontaxe: 1 hora.
Asesores: (Equipo de Estudantes) Claudia Álvarez, Juan Soto, Francisco Urra, Esteban Perez Mege, Gerardo Neira, Paulina Vargas, Marcos Espinoza
Cliente: Joselyn Contreras, Sala de Carga.
Fotografía: Gino Zavala Bianchi + republicaportatil.cl
[:en]
Context.
Sala de Carga is a gallery of contemporary art to the interior of a maritime container, calls different producers to intervening in places of high accessibility. The container equipped with lighting and electricity receives in his interior proposed of artists of different places and works as an itinerant gallery located in the public space.
For the cycle exhibitions of the year 2014-2015 the room takes as an axis the concepts of “Situation and Nearness” initiative that seeks to penetrate into the production of samples into those who establish relations between contemporary art, public sphere and community.
The offer of República Portátil consists of the installation of a prototype of habitability that settles on the volume of the container it using as a socle on the Plaza Concepción’s Peru. On having controlled the cover it allows to relate the room to the public space across a program of activities that develops during the sample. For 10 days meetings and debates are realized, it is cooked and celebrations are realized. On having finished the day the room is in use for happening the night in a public space of the city.
One fundamental room.
The FR is a temporary and transportable construction based on wood and fabrics. It allows the mansion and serves as place of meeting for a group of persons. This project is a part of a series of experimentations of habitability of in the public space. It is concebida with the minimal thing, uses the ideas of reduction and synthesis, trying to be located to half a way between what it might be a tent and a housing.
His formal conception is based on a beginning of support that allows an inhabitable space covered by means of two planes folded to form a triangle of traction. The structure consists of triangular and rectangular frames of wood, of size adapted to be manipulated by a person. This allows to arm in 3 hours and to disarm 1 hour the room, without any type of machinery and with a minimum of two operatives. With the idea of reducing weight and size and of promoting the portability, the pieces were realized by the only section of wood of “1×4” in all his parts.
The dimension of the volume decides on the basis of the length that has the serrated standardized wood. There is in use the measure of three meters with the intention of reducing the process quantity in the construction, thus there is diminished the quantity of courts and the loss of material, optimizing the construction in his costs and time of execution.
Work: Fundamental room.
Author: República Portátil
Collaborators/Parners Team: Design, Lafont Editorial, 2/3 AR&ED, Le Petit Jardin.
Area: 18 m2
Location: Plaza Perú, Concepción, Región del Bio-bio, Chile.
Year: 2013
Building company: República Portátil, tugether with students of Escuela de Arquitectura de la Universidad del BiobíoandUniversidad de Concepción.
Construction time: 5 days – Mounting: 3 horas – Dismantling: 1 hour.
Advisers: (students team) Claudia Álvarez, Juan Soto, Francisco Urra, Esteban Perez Mege, Gerardo Neira, Paulina Vargas, Marcos Espinoza
Client: Joselyn Contreras, Sala de Carga.
Phootography: Gino Zavala Bianchi + republicaportatil.cl[:]
Ayer tuvo lugar la ceremonia de entrega de los VII Premio de Arquitectura Ascensores Enor 2017 en la que fueron galardonados los arquitectos Luis Moreno Mansilla y Emilio Tuñón, Mansilla y Tuñón Arquitectos con el Gran Premio Ascensores Enor 2017 por la obra Museo de las Colecciones Reales (Madrid) mientras que Premio Ascensores Enor Arquitectura Joven 2017 recayó en los arquitectos Irene Pérez y Jaume Mayol, TEd’A arquitectes, por la obra Can Jordi i n’Àfrica (Montuïri, Illes Balears).
Como es habitual desde la primera edición de los premios, en el año 2005, el Grupo Ascensores Enor edita un libro/catálogo que fue distribuido entre los asistentes.
Si no has podido asistir y hacer con uno de ellos, ¡no te preocupes!¡Puedes optar a uno de ellos! Gracias a la organización de los premios Enor que pone a disposición de este espacio dos ejemplares.
¿Cómo conseguir uno de ellos? Muy sencillo simplemente tendréis que dejar un comentario o bien al final de esta entrada en la zona habilitada para ello o bien en la entrada correspondiente de Facebook, indicando porqué sois acreedores del mismo.
En esta ocasión el periodo del sorteo será desde hoy martes 5 de diciembre hasta el martes 19 de diciembre (hasta las 00:00) para que podáis disfrutarlos durante las Navidades.
El ganador será escogido de entre todos los comentarios.
¡Suerte y esperamos vuestros comentarios!
[:gl]
Onte tivo lugar a cerimonia de entrega do VII Premio de Arquitectura Ascensores Enor 2017 na que foron galardoados os arquitectos Luís Moreno Mansilla e Emilio Tuñón, Mansilla e Tuñón Arquitectos co Gran Premio Ascensores Enor 2017 por óbraa Museo das Coleccións Reais (Madrid) mentres que Premio Ascensores Enor Arquitectura Nova 2017 recaeu nos arquitectos Irene Pérez e Jaume Mayol, Ted’A arquitectes, pola obra Can Jordi i n’Àfrica (Montuïri, Illes Balears).
Como é habitual desde a primeira edición dos premios, no ano 2005, o Grupo Ascensores Enor edita un libro/catálogo que foi distribuído entre os asistentes.
Se non puideches asistir e facer cun deles, non te preocupes!Podes optar a un deles! Grazas á organización dos premios Enor que pon a disposición deste espazo dous exemplares.
Como conseguir un deles? Moi sinxelo simplemente teredes que deixar un comentario ou ben ao final desta entrada na zona habilitada para iso ou ben na entrada correspondente de Facebook, indicando porque sodes acredores do mesmo.
Nesta ocasión o período do sorteo será desde hoxe martes 5 de decembro ata o martes 19 de decembro (ata as 00:00) para que poidades gozalos durante o Nadal.
En esta ocasión el periodo del sorteo será desde hoy martes 5 de diciembre hasta el martes 19 de diciembre (hasta las 00:00) para que podáis disfrutarlos durante las Navidades.
O gañador será escollido de entre todos os comentarios.
Sorte e esperamos os vosos comentarios!
[:en]
Yesterday there took place the ceremony of delivery of the VIIth Prize of Architecture Elevators Enor 2017 in that there were rewarded the architects Luis Moreno Mansilla and Emilio Tuñón, Mansilla and Tuñón Arquitectos by the Great Prize Elevators Enor 2017 by the work Museum of the Royal Collections (Madrid) whereas I Reward Elevators Young Enor Arquitectura 2017 relapsed into the architects Irene Perez and Jaume Mayol, TEd’A arquitectes, for the work Can Jordi i n’Àfrica (Montuïri, Illes Balears)..
Since it is habitual from the first edition of the prizes, in the year 2005, the Group Elevators Enor edits a book / catalogue that was distributed between the assistants.
If you could not have represented and to do with one of them, do not worry! You can choose one of them! Thanks to the organization of the prizes Enor that puts at the disposal of this space exemplary two.
How to obtain one of them? Very simple simply you will have to leave a comment or at the end of this entry in the zone enabled for it or in Facebook‘s corresponding entry, indicating why you are crediting of the same one.
In this occasion the period of the drawing will be from today on Tuesday, the 5th of December until Tuesday, the 19th of December (up to them 00:00) in order that you could enjoy them during the Christmas.
En esta ocasión el periodo del sorteo será desde hoy martes 5 de diciembre hasta el martes 19 de diciembre (hasta las 00:00) para que podáis disfrutarlos durante las Navidades.
The winner will be chosen of between all the comments.
El planteo de la Ciudad Genérica de Rem Koolhaas es sin duda, desde un punto de vista meramente conceptual, un texto apasionante. La idea general no deja indiferente, si bien uno sospecha que el texto es una herramienta para la justificación de una cierta vuelta a la tabula rasa más propia del movimiento moderno, que de un posicionamiento contemporáneo.
La constatación, por otro lado totalmente cierta, que el pasado es demasiado pequeño para habitarlo, da la excusa perfecta a Koolhaas para hacer un elogio a todo aquello que no tiene una significación histórica o a todo lo que no conlleva una significación cultural. Así los edificios y las ciudades deben ser irrelevantes en su forma, en su decoro o su formalización. También en consecuencia directa, no ofrecen al ciudadano ninguna oportunidad para establecer una relación de pertenencia.
No vamos a negar que algo de ello sea cierto. No podemos dejar reducida la bondad de la arquitectura o de una porción de ciudad a la feliz expresión de arquetipos de belleza socialmente aceptados. Y no podemos hacerlo porque esos arquetipos son fácilmente manipulables, demagógicos y casi siempre provienen de una imposición elitista de lo bello. Las trampas de lo popularmente aceptado como categoría irrefutable condujeron a la postmodernidad arquitectónica a un pastiche indescifrable de prejuicios y falsedad.
Sin embargo el origen del texto de Koolhaas The Generic City, empieza con una afirmación sobre la que se asientan todo el relato posterior que me parece dudosa.
«Se ha extendido la idea que la identidad deriva de la sustancia física, de lo histórico, del contexto, de lo real.» 1
Me refiero a que la identidad no deriva necesariamente de la realidad, sino de un complejo proceso intelectual y sensual del que interactúa con esa realidad, es decir, del individuo que hace uso de la realidad construida y que comparte su experiencia con otros individuos. La identidad la crea el individuo y el cuerpo social en que este está inmerso. Con este desplazamiento de foco la excusa del pasado pierde la fuerza negativa a redimir y desarbola todos los razonamientos posteriores del texto.
Eso no quiere decir que el pasado se vuelva un valor per sé, ni mucho menos. En todo caso eso querrá decir que deberíamos volver a interpretar qué hace que un conjunto de individuos construya toda una serie de links con la realidad, ya sea histórica o reciente, con la que se enfrenta y se relaciona hasta el punto de que esa realidad pasa a formar parte de su naturaleza más íntima. Es decir, el tema de la identidad no reside exclusivamente en lo que la ciudad y sus arquitecturas contienen como mensaje, sino que principalmente, en los complejos mecanismos de relación, tanto individuales, como sociales, que establece el ser humano.
Estirando del hilo.
¿A que nos estamos enfrentando cuando hablamos de realidad?
¿Qué es en esencia la ciudad y la arquitectura?
Vuelvo a Koolhaas.
Del sugerente concepto de la cultura de la congestión, se puede fijar el concepto que la fuerza y la fascinación de las ciudades reside en lo excepcional, lo extremo y lo excesivo, dispuesto y en cierta manera provocado por la densidad obtenida de la yuxtaposición, la superposición o la confrontación de muchos programas. Esto constituye el valor primordial de la condición metropolitana contemporánea. Es decir, no se trata de hacer una simplificación objetiva del hecho urbano, sino más bien asumir la hiper-complejidad inherente de la realidad de nuestras ciudades y nuestras arquitecturas. En ellas todo es posible, todo se desenvuelve a la vez, todo ocurre a la velocidad de la luz.
Si esto es así, la manera más inteligente de negociar con esa realidad multicapa, no sería precisamente la estrategia de lo genérico, es decir la estrategia de la insignificancia. Eso sería mirar la realidad con los ojos entornados, y borrar su definición.
La estrategia, o mejor dicho, la mejor o quizás la única manera de enfrentarse a la ciudad y la arquitectura contemporánea es la articulación. Articular la ciudad, articular la arquitectura.
Articular, según el diccionario del RAE, consiste en
«unir dos o más piezas de modo que mantengan entre sí alguna libertad de movimiento.»
También consiste en
«organizar diversos elementos para lograr un conjunto coherente y eficaz.»
Es decir, articular consiste en establecer uniones ni perennes y ni fijas en su significado, uniones con libertad de movimiento, con gradientes de indeterminación. Es más, añadiría que articular significa establecer relaciones solidas y libres, susceptibles de volverse a articular cuando las condiciones del entorno cambien la esencia de esa relación. Por tanto, articular es interactuar. Articular también consiste en organizar elementos para lograr un conjunto coherente, para construir un relato que se sostenga, una forma de relación que sea capaz de explicar, de narrar la realidad.
En definitiva, articular vendría a estructurar partes con partes, algo especialmente inteligente ante la inconmensurabilidad de una realidad excesiva y congestionada por definición.
En arquitectura solemos hablar de articular espacios, es decir, de integrar unos espacios con otros, de provocar una relación que no diluye las partes y que sin embargo enriquece el conjunto. Aquí podríamos hablar de articular edificios, partes de una ciudad, etc.
¿Pero qué debemos articular? Para la gestión tanto privada como pública, tanto individual como colectiva, la idea de articular significaría establecer líneas de fuerza, vectores de relación, entre lo económico y lo social, entre lo tecnológico y lo cultural, entre lo político y social, y así sucesivamente en una matriz de 5×5. Articular viene a determinar partes con coherencia propia y proyectar en esas partes estrategias de interactividad de forma que el resultado final sea más rico, más abierto y a su vez más susceptible de ser asumido y gestionado por el ciudadano. Articular la ciudad, es expandir su campo de acción, su capacidad generativa, con el fin de que a partir de esos vectores de relación el individuo, o una colectividad determinada, encuentre el espacio suficiente para sentirse física y emocionalmente ligado a una realidad dada. Es definitiva generar oportunidades para que pueda construir su identidad.
Articular la ciudad, también significaría establecer líneas de fuerza entre los tiempos que concurren en lo urbano. No tan solo la relación entre tiempo pasado o histórico, con el tiempo presente, sino también con los micro-tiempos que cada individuo maneja en su día a día. Y aún más, todo ello envuelto en el tiempo electrónico e instantáneo que nos ha tocado vivir. Articular es hacer del tiempo simultáneo, un tiempo hiperpresente, hipertrofiado, hiperdenso.
En este sentido, articular la ciudad sería todo lo contrario que convertirla en genérica y articularse en la ciudad, una manera de interactuar con ella.
Miquel Lacasta. Doctor arquitecto
Barcelona, marzo 2013
Notas:
1 KOOLHAAS, Rem, The Generic City, apto. 1.2, S,M,X,XL, The Monacelly Press, New York, 1995
No necesitamos volver a la cabaña primitiva para reencontrar un equilibrio con la naturaleza. La sofisticada tecnología del mayor jardín botánico cubierto del mundo es una lección de ecología y una apuesta por el uso de los materiales reciclados.
La fascinación de Nicholas Grimshaw (n. 1939) por los tejados «anómalos» se plasmó por primera vez en la Terminal Internacional ferroviaria de Waterloo (Londres, 1993). Su interés por las estructuras no sólo procede de la brillante tradición ingenieril británica: uno de sus bisabuelos fue responsable de procurar el adecuado sistema de drenaje y saneamiento a la ciudad de Dublín, mientras que otro construía presas en Egipto. | Fotógrafo: Udo Hesse
El Proyecto Edén nació de la voluntad de mostrar cómo podemos recuperar, e incluso llegar a convivir, con la naturaleza. Para llevar a cabo esta idea, su arquitecto, el británico Nicholas Grimshaw, avanzó en la investigación de estructuras extremadamente ligeras con las que rescatar un paisaje desolado por la explotación de una cantera. Durante la construcción del Proyecto Edén, el estudio Grimshaw también desarrolló un sistema de gestión medioambiental que controlase la influencia de sus estructuras sobre aspectos como la flora, los recursos naturales, la atmósfera o la comunidad local. A esto se debe el haber llegado a ser el primer gran estudio de arquitectura en obtener el estándar internacional ISO 14001, un certificado que les avala entre sus objetivos prioritarios la protección del entorno y la prevención de contaminación, en un balance con las necesidades socio-económicas.
En la actualidad, el estudio Grimshaw ha adoptado como herramienta de diseño su propio sistema de auditoria que, con el nombre EVA (Environmentally Viable Architecture), consiste en un programa informático que comprueba el impacto de un proyecto en cada una de sus etapas de diseño y construcción.
Las ocho bóvedas tienen un tamaño variable, alcanzando la mayor de ellas los 200 metros de longitud, 100 metros de ancho y 55 de altura | Fotografía: EdenProject
El Proyecto Edén
Su fundador, Tim Smit, es un antropólogo holandés, compositor y productor musical, que alcanzó popularidad por su peculiar restauración de “Los Jardines de Heligan” en Cornualles. Estos extraordinarios jardines victorianos, que mostraban plantas exóticas y tecnologías hortofrutícolas innovadoras, quedaron arrasados en 1990, tras la gran tormenta que asoló Inglaterra. El logro de Smit consistió en regenerarlos potenciando su autosuficiencia, por lo que han llegado, desde entonces, a ser los jardines privados más visitados de Gran Bretaña.
En 1996, Smit quiso alcanzar una mayor audiencia a la que transmitir la importancia de la relación existente entre el hombre y las plantas. Para ello fundó el Proyecto Edén, un inmenso jardín con miles de plantas de diferentes climas. Éste no sería un invernadero convencional a gran escala, ni un parque temático; su objetivo básico era el de animar a los visitantes a aprender a encontrar un equilibrio con la naturaleza.
Explica Nicholas Grimshaw que «la idea de usar el acantilado estuvo presente desde el principio, apoyándose sobre él. Desde la primera vez que lo vi. Al tener un muro verde, con el edificio inclinándose sobre él, casi se duplica el espacio.” | Fotografía: Grimshaw-architects
En búsqueda del lugar adecuado, Smit encontró un terreno cercano a St Austell, en la península del extremo suroeste de Inglaterra que apunta a las cálidas aguas de la Corriente del Golfo. Era una gran cantera de arcilla, ya en desuso, con una superficie equivalente a 35 campos de fútbol y con una profundidad de 60 metros. Smit encargó a Nicholas Grimshaw una estructura que fuese lo suficientemente alta para albergar los árboles de bosques tropicales y lo suficientemente amplia para dar cobijo a los soleados paisajes mediterráneos.
Éste es uno de los destinos turísticos más visitados de Inglaterra y entre sus patrocinadores se encuentran la Comisión Europea y la Millennium Commission, que gestionó las ganancias de la Lotería Primitiva en Gran Bretaña | Fotografía: EdenProject
Cúpulas geodésicas
Debido a la inestabilidad del terreno y a su fuerte pendiente, Grimshaw propuso que las estructuras de los invernaderos se apoyase ligeramente sobre la superficie. Como si se tratasen de burbujas de jabón conteniendo un clima específico cada una de ellas, él proyectó una secuencia de ocho biosferas dispuestas en dos cadenas, cada una con cuatro bóvedas insertadas las unas en las otras. Para construir las estructuras lo más etéreas posible, reutilizó la bóveda geodésica que el diseñador, inventor y ecologista americano Buckminster Fuller patentó a finales de los años cincuenta. El principio geodésico consiste en unir superficies planas para formar una forma curva, permitiendo cubrir más espacio sin soportes internos que cualquier otro cerramiento, además de admitir enormes variaciones en los bordes. De esta forma, conforme la estructura incrementa en tamaño se hace proporcionalmente más ligera y fuerte.
Basado en este principio, Nicholas Grimshaw diseñó dos inmensos biomas, que cubren 15.600 y 7.000 metros cuadrados respectivamente, para acomodar el Invernadero Tropical Húmedo y el de Zonas Cálidas. Cada bioma está protegido por bóvedas que están realizadas con secciones tubulares de acero galvanizado, montadas y atornilladas como un mecano gigante para formar 625 hexágonos. El conjunto de la estructura está constituido por un entramado tridimensional de dos capas con curvatura esférica interconectadas, que incluyen casi 4.000 uniones y más de 11.000 barras, alcanzando la mayor de las cúpulas los 200 metros de longitud, 100 metros de ancho y 55 de altura.
El Proyecto Edén (1996 – 2001) abrió sus puertas al público en el 2000, cuando la prensa lo nominó la Octava Maravilla del Mundo | Fotografía: EdenProject
La lámina ETFE
El enorme tamaño de los hexágonos, con vanos de hasta 11 metros, hacía imposible el uso de un solo vidrio para cubrirlos. Al examinar materiales que fuesen ligeros, a la vez que resistentes, los arquitectos comprobaron que la lámina de etil-tetra-fluoroetileno (ETFE) tenía un comportamiento óptimo. Este producto industrial, que es de común utilización en componentes de bombas, válvulas, equipamientos químicos y mecanismos eléctricos, es muy transparente a la luz ultravioleta, no se degrada por la luz solar y presenta gran capacidad de aislamiento térmico con respecto al vidrio, además de ser 10 veces más ligero que él. La lámina, aunque es vulnerable a las perforaciones, puede ser fácilmente reparada con cinta adhesiva del mismo material, es reciclable, se limpia por sí sola y soporta hasta 400 veces su propio peso, es decir, llega a ser lo suficientemente resistente como para mantener el peso de una persona.
ETFE era sin duda alguna ideal para conformar unos elementos en forma de almohadilla que se ajustasen fácilmente en los hexágonos y se adaptasen a las variaciones geométricas de los biomas sin tener que realizar un exhaustivo proyecto previo. La lámina conforma una triple membrana cuyo interior se mantiene hinchado insuflando aire constantemente a baja presión por medio de pantallas solares. También se tuvo en cuenta la vida útil de este material, que es de 25 años, con un diseño que facilita el sencillo cambio de paneles a medida que se desarrollen nuevas tecnologías.
Para recuperar la naturaleza perdida por la cantera, Grimshaw mostró una capacidad extraordinaria de utilización del Sol como fuente principal de energía para calentar los biomas, y el agua de lluvia para humidificarlos. Además empleó aluminio reciclado, maderas procedentes de bosques sostenibles, el uso de papel de periódico para aislar térmicamente y gaviones de acero inoxidable rellenos con la zahorra del lugar como muros de contención. Todos éstos son materiales importantes en nuestra concienciación de los limitados recursos naturales. Otro mecanismo de establecer relaciones directas con la sociedad fue la colaboración con compañías que producen alimentos orgánicos, perfumes naturales y aquellas que promueven el uso de materia base reciclable en la industria.
El Proyecto Edén continúa evolucionando: el nuevo Centro de Educación de Recursos abrirá sus puertas en la primavera del 2005, se construirá un futuro Bioma de Trópicos Áridos, y ya se ha proyectado el edificio de acceso. Con una gran iniciativa y conocimiento se ha llegado a crear una nueva arquitectura que responde al balance entre naturaleza, turismo y economía. Como gustaba argüir a Buckminster Fuller,
«no hay crisis energética, sólo una crisis por ignorancia.»
Halldóra Arnardóttir + Javier Sánchez Merina
doctora en historia del arte. doctor arquitecto
Murcia. diciembre 2017
– Con una sutil intervención, Persiana Barcelona mejora la tradicional persiana de cuerda. Una pieza sostenible, innovadora y moderna que da respuesta a diversas problemáticas y requerimientos.
– Los autores, Usón y Sarquella, cuya obra ha sido reconocida con galardones como el premio Arquia/Próxima que distingue a los mejores arquitectos jóvenes de España, han desarrollado un cualitativo diseño manteniendo un proceso de producción artesanal que pone especial atención en preservar la tradición.
Persiana Barcelona es un producto que surge de las calles de la ciudad que lleva su nombre. En 2010 los arquitectos Pau Sarquella y Diana Usón obtienen el primer premio del concurso Racons Públics con una propuesta que mejoraba la popular persiana de cuerda. La pieza, con una sutil intervención tanto en la lama como en sus acabados, se transforma en un objeto sostenible, innovador y moderno que da respuesta a diversas problemáticas urbanas como la protección al agua, la protección visual o la opacidad lumínica.
La forma de sus lamas permite que se superpongan, como si de una cubierta de tejas se tratara y evitar el paso del agua; además, la posición extendida de éstas permite visualizar el exterior y la posición vertical preserva la intimidad visual; y por último, esta verticalidad también evita la penetración de la luz exterior, procedente de la radiación solar o del alumbrado público. A nivel estético, la Persiana Barcelona se presenta en una paleta de colores variada y atractiva, inspirada en los tonos más populares de la ciudad, como el verde de la Casa Milà, el beige de la Casa Vicens o el marrón de la casa Planells, entre otros.
Persiana Barcelona, que se puede adquirir tanto en tienda como on line, ha tenido una gran aceptación tanto entre el público en general como entre profesionales del ámbito de la arquitectura, el interiorismo y la construcción. Además de su uso habitual, también presenta múltiples posibilidades para formar parte de instalaciones como marquesinas, pérgolas, espacios de ocio o montajes decorativos. El carácter de especialistas de sus autores, los arquitectos Sarquella y Usón garantiza una asesoría profesional para encargos que requieren soluciones específicas.
Desde su lanzamiento en 2014, con un proceso de producción artesanal que pone especial atención en preservar la tradición y la calidad del acabado, Persiana Barcelona además de convertirse en un producto cercano, tradicional e icónico, se ha consolidado como una solución cualitativa, práctica y funcional.
Persiana Barcelona obtuvo en 2016 el Delta de Plata y sus autores, por el desarrollo de este producto, el premio Arquia/Próxima, galardón que distingue a los mejores arquitectos jóvenes de España. Además, la Persiana ha estado presente en 2017 en múltiples ferias y exposiciones como el Salón Internacional del Mueble de Milán o la ICFF New York.
– Cunha sutil intervención, Persiana Barcelona mellora a tradicional persiana de corda. Unha peza sustentable, innovadora e moderna que dá resposta a diversas problemáticas e requirimentos.
– Os autores, Usón e Sarquella, cuxa obra foi recoñecida con galardóns como o premio Arquia/Próxima que distingue aos mellores arquitectos novos de España, desenvolveron un cualitativo deseño mantendo un proceso de produción artesanal que pon especial atención en preservar a tradición.
Persiana Barcelona é un produto que xorde das rúas da cidade que leva o seu nome. En 2010 os arquitectos Pau Sarquella e Diana Usón obteñen o primeiro premio do concurso Racons Públics cunha proposta que melloraba a popular persiana de corda. A peza, cunha sutil intervención tanto na lama como nos seus acabados, transfórmase nun obxecto sustentable, innovador e moderno que dá resposta a diversas problemáticas urbanas como a protección á auga, a protección visual ou a opacidade lumínica.
A forma das súas lamas permite que se superpoñan, coma se dunha cuberta de tellas tratásese e evitar o paso da auga; ademais, a posición estendida destas permite visualizar o exterior e a posición vertical preserva a intimidade visual; e por último, esta verticalidad tamén evita a penetración da luz exterior, procedente da radiación solar ou da iluminación pública. A nivel estético, a Persiana Barcelona preséntase nunha paleta de cores variada e atractiva, inspirada nos tons máis populares da cidade, como o verde da Casa Milà, o beige da Casa Vicens ou o marrón da casa Planells, entre outros.
Persiana Barcelona, que se pode adquirir tanto en tenda como en liña, tivo unha gran aceptación tanto entre o público en xeral como entre profesionais do ámbito da arquitectura, o interiorismo e a construción. Ademais do seu uso habitual, tamén presenta múltiples posibilidades para formar parte de instalacións como marquesiñas, pérgolas, espazos de lecer ou montaxes decorativos. O carácter de especialistas dos seus autores, os arquitectos Sarquella e Usón garante unha asesoría profesional para encargos que requiren solucións específicas.
Desde o seu lanzamento en 2014, cun proceso de produción artesanal que pon especial atención en preservar a tradición e a calidade do acabado, Persiana Barcelona ademais de converterse nun produto próximo, tradicional e icónico, consolidouse como unha solución cualitativa, práctica e funcional.
Persiana Barcelona obtivo 2016 o Delta de Prata e os seus autores, polo desenvolvemento deste produto, o premio Arquia/Próxima, galardón que distingue aos mellores arquitectos novos de España. Ademais, a Persiana estivo presente en 2017 en múltiples feiras e exposicións como o Salón Internacional do Moble de Milán ou a ICFF Nova Iork.
– With a subtle intervention, Persiana Barcelona improves the traditional blind of rope. A sustainable, innovative and modern piece that gives response to diverse problematic and requirements.
– The authors, Usón and Sarquella, whose work has been recognized by awards as the Arquia/Próximaprize that distinguishes the best young architects of Spain, have developed a qualitative design supporting a process of handcrafted production that puts special attention in preserving the tradition.
Persiana Barcelona is a product that arises from the streets of the city that takes his name. In 2010 the architects Pau Sarquella and Diana Usón obtain the first prize of the Racons Públics contest with an offer that was improving the popular blind of rope. The piece, with a subtle intervention both in the mud and in his finished ones, transforms in a sustainable, innovative and modern object that gives response to diverse problematic urban as the protection to the water, the visual protection or the light opaqueness.
The form of his muds allows that they should be superposed, as if about a cover of tiles it was treating itself and to avoid the step of the water; in addition, the widespread position of these allows to visualize the exterior and the vertical position preserves the visual intimacy; and finally, this uprightness also avoids the penetration of the exterior light, proceeding from the solar radiation or from the public system of illumination. To aesthetic level, the Persiana Barcelona appears in a palette of colors changed and attractive, inspired in the most popular tones of the city, as the green one of the Milà House Milà, the beige of the Vicens House or the quoit of the Planells House, between others.
Persiana Barcelona, which can be acquired so much in shop as on-line, has had a great acceptance so much between the public in general like between professionals of the area of the architecture, the interiorismo and the construction. Besides his habitual use, also he presents multiple possibilities to form a part of facilities like marquees, pergolas, spaces of leisure or decorative assemblies. The specialists’ character of his authors, the architects Sarquella and Usón guarantees a professional advising for orders that need specific solutions.
From his launch in 2014, with a process of handcrafted production that puts special attention in preserving the tradition and the quality of the finished one, Persiana Barcelona beside turning into a nearby, traditional product and icónico, it has been consolidated as a qualitative, practical and functional solution.
Persiana Barcelona obtained in 2016 the Delta de Plata and his authors, for the development of this product, the prize Arquia/Próxima, award that distinguishes the best young architects of Spain. In addition, the Blind has been present in 2017 in multiple fairs and exhibitions as the International Lounge of the Furniture of Milan or the ICFF New York.
Castilla y León es una de las regiones del mundo con más patrimonio cultural y natural, fruto tanto de su historia como de su extensión territorial. Muchos de sus Bienes de Interés Cultural (BIC) se encuentran en entornos naturales y rurales, con la consiguiente demanda de vigilancia, así como de atención a las personas que los visitan. En los últimos años, la Junta de Castilla y León viene detectando la necesidad de sustituir las actuales casetas presentes junto a algunos de estos BIC, con el objeto de dignificarlas acorde con los monumentos y lugares a los que prestan servicio.
Estos 2 pabellones suponen un proyecto piloto que podría ser fácilmente exportable a otros BIC de la Comunidad Autónoma. El primero de ellos se ubica junto a la ermita visigoda de Quintanilla de las Viñas (Burgos), uno de los pocos ejemplos de esta arquitectura conservados en la Península Ibérica, y que fue declarada Monumento Nacional en 1929. El segundo se sitúa en el yacimiento arqueológico de Arrabalde (Zamora), en lo que antiguamente fue un castro prerromano, declarado BIC en 2006. Al revisitar el Museo de Zamora, obra de Tuñón y Mansilla que tanto admiramos, descubrimos con sorpresa que entre sus piezas más valiosas custodia el “Tesoro de Arrabalde”, para el que los arquitectos diseñaron expresamente una vitrina, que simultáneamente es un cofre, dentro del gran cofre que es el edificio en sí mismo.
Los pabellones podrían definirse como una caja de madera ligeramente elevada del suelo y situada bajo un plano horizontal de acero. Compactados al máximo para disminuir su presencia y aumentar su eficiencia, protegen a los guardas de las inclemencias del tiempo, a la vez que les posibilitan la conexión visual con el paisaje exterior. Como si de un mueble se tratara, se construyen exclusivamente con madera y acero, de manera industrializada y por tanto fácilmente reproducible. En estas situaciones, construir en taller con apenas 2 gremios (carpintero y herrero) reduce notablemente los costes, lo que ha supuesto una de nuestras principales preocupaciones. Los pabellones se abren o cierran según las necesidades. Cuando están en “estado de latencia”, se manifiestan externamente como un cofre totalmente cerrado y protegido. Su revestimiento exterior es de tarima de madera negra colocada en vertical mientras, al interior, su estructura de panel contralaminado de madera queda totalmente vista, aportando una sensación más cálida.
Economía, sostenibilidad y reversibilidad han sido 3 principios básicos al proyectar estos pequeños edificios, que pretenden no dejar huella alguna en aquellos lugares donde se ubiquen. La cimentación es superficial y de madera tratada. La tarima de madera de fachada se protege con la técnica tradicional japonesa del Shou Sugi Ban, basada en la carbonización. La cubierta se resuelve con chapa engatillada de acero y queda rematada por un fino alero de acero negro natural, con leve pendiente hacia sus bordes para desalojar el agua de manera natural, así como para protegerse del sol. El consumo energético es casi nulo gracias al gran aislamiento térmico de fibras de madera y al uso de energías tradicionales, reciclables y limpias: calefacción mediante una pequeña estufa de leña, lavabo de pedal e inodoro seco ecológico que garantiza un ciclo cerrado.
En resumen, se ha buscado una actuación sencilla, lacónica, sensata y acorde con las necesidades. Una actuación esencial, lógica y discreta. Sin nada accesorio ni caprichoso. Elocuente, pero no locuaz. Respetuosa con las preexistencias, el paisaje y el medioambiente. Dadas sus pequeñas dimensiones y su ligereza, los pabellones se construirán íntegramente en taller y posteriormente se transportarán hasta cada uno de los lugares para su colocación precisa.
Clasificación: Edificios dotacionales – paisaje
Obra: Pabellones de vigilancia para Bienes de Interés Cultural (BIC) en Castilla y León
Lugar: Castilla y León | España Ermita visigoda de Quintanilla de las Viñas (Burgos) | Yacimiento arqueológico de Arrabalde (Zamora)
Año: 2012-16
Cliente: Junta de Castilla y León, Consejería de Cultura y Turismo, Dirección General de Patrimonio Cultural
Superficie: 12,32 m2 (construidos)
Presupuesto: 16.329,65 € (PEM Proyecto Ejecución)
Autores: Enrique Jerez Abajo, Koldo Fdez. Gaztelu
Colaboradores: Catarina Isabel Faustino Mota (Portugal), Alicia Maraña Diez, alterMATERIA, Segovia
Aparejador: Iván Poncelas Ramón
Constructora: Arte y Construcción SL, Burgos
Carpintería: Arte y Construcción SL, Burgos
Mobiliario: Biolan, Fritz Hansen
Fotografía: Javier Bravo Jabato | Koldo Fdez. Gaztelu + gaztelujerez.com
*La dirección de obra de Quintanilla de las Viñas no corrió a cargo de Gaztelu Jerez Arquitectos.
[:gl]
Castela e León é unha das rexións do mundo con máis patrimonio cultural e natural, froito tanto da súa historia como da súa extensión territorial. Moitos dos seus Bens de Interese Cultural (BIC) atópanse en contornas naturais e rurais, coa consecuente demanda de vixilancia, así como de atención ás persoas que os visitan. Nos últimos anos, a Junta de Castilla y León vén detectando a necesidade de substituír as actuais casetas presentes xunto a algúns destes BIC, co obxecto de dignificalas acorde cos monumentos e lugares aos que prestan servizo.
Estes 2 pavillóns supoñen un proxecto piloto que podería ser facilmente exportable a outros BIC da Comunidade Autónoma. O primeiro deles sitúase xunto á ermida visigoda de Quintanilla das Viñas (Burgos), un dos poucos exemplos desta arquitectura conservados na Península Ibérica, e que foi declarada Monumento Nacional en 1929. O segundo sitúase no xacemento arqueolóxico de Arrabalde (Zamora), no que antigamente foi un castro prerromano, declarado BIC en 2006. Ao revisitar o Museo de Zamora, obra de Tuñón e Mansilla que tanto admiramos, descubrimos con sorpresa que entre as súas pezas máis valiosas custodia o ?Tesouro de Arrabalde?, para o que os arquitectos deseñaron expresamente unha vitrina, que simultaneamente é un cofre, dentro do gran cofre que é o edificio en si mesmo.
Os pavillóns poderían definirse como unha caixa de madeira lixeiramente elevada do chan e situada baixo un plano horizontal de aceiro. Compactados ao máximo para diminuír a súa presenza e aumentar a súa eficiencia, protexen aos gardas das inclemencias do tempo, á vez que lles posibilitan a conexión visual coa paisaxe exterior. Coma se dun moble tratásese, constrúense exclusivamente con madeira e aceiro, de maneira industrializada e por tanto facilmente reproducible. Nestas situacións, construír en taller con apenas 2 gremios (carpinteiro e ferreiro) reduce notablemente os custos, o que supuxo unha das nosas principais preocupacións. Os pavillóns ábrense ou pechan segundo as necesidades. Cando están en ?estado de latencia?, maniféstanse externamente como un cofre totalmente pechado e protexido. O seu revestimento exterior é de tarima de madeira negra colocada en vertical mentres, ao interior, a súa estrutura de panel contralaminado de madeira queda totalmente vista, achegando unha sensación máis cálida.
Economía, sustentabilidade e reversibilidad foron 3 principios básicos ao proxectar estes pequenos edificios, que pretenden non deixar pegada algunha naqueles lugares onde se sitúen. A cimentación é superficial e de madeira tratada. A tarima de madeira de fachada protéxese coa técnica tradicional xaponesa do Shou Sugi Ban, baseada na carbonización. A cuberta resólvese con chapa engatillada de aceiro e queda rematada por un fino beirado de aceiro negro natural, con leve pendente cara aos seus bordos para desaloxar a auga de maneira natural, así como para protexerse do sol. O consumo enerxético é case nulo grazas ao gran illamento térmico de fibras de madeira e ao uso de enerxías tradicionais, reciclables e limpas: calefacción mediante unha pequena estufa de leña, lavabo de pedal e inodoro seco ecolóxico que garante un ciclo pechado.
En resumo, buscouse unha actuación sinxela, lacónica, sensata e acorde coas necesidades. Unha actuación esencial, lóxica e discreta. Sen nada accesorio nin caprichoso. Elocuente, pero non locuaz. Respectuosa coas preexistencias, a paisaxe e o medioambiente. Dadas as súas pequenas dimensións e a súa lixeireza, os pavillóns construiranse integramente en taller e posteriormente transportaranse ata cada un dos lugares para a súa colocación precisa.
Clasificación: Edificios dotacionáis – paisaxe
Obra: Pavillóns de vixilancia para bens de interese cultural en Castela e León
Emprazamento: Castela e León | España Ermita visigoda de Quintanilla das Viñas (Burgos) | Xacemento arqueolóxico de Arrabalde (Zamora)
Ano: 2012-16
Cliente: Junta de Castela e León, Consellería de Cultura e Turismo, Dirección Xeral de Patrimonio Cultural
Superficie: 12,32 m2 (construidos)
Presuposto: 16.329,65 € (PEM Proxecto Execución)
Autores: Enrique Jerez Abajo, Koldo Fdez. Gaztelu
Colaboradores: Catarina Isabel Faustino Mota (Portugal), Alicia Maraña Diez, alterMATERIA, Segovia
Aparellador: Iván Poncelas Ramón
Constructora: Arte e Construcción SL, Burgos
Carpintería: Arte e Construcción SL, Burgos
Mobiliario: Biolan, Fritz Hansen
Fotografía: Javier Bravo Jabato | Koldo Fdez. Gaztelu, Arq. + gaztelujerez.com
*A dirección de obra de Quintanilla das Viñas non correu a cargo de Gaztelu Jerez Arquitectos.
[:en]
Castile and León (Spain) is one of the regions with more cultural and natural heritage in the world, thanks to its history and its big area. Many of its Heritage of Cultural Interest (Bienes de Interés Cultural – BIC) are in natural and rural environments. Therefore, they need vigilance, as well as attention for their visitors. Lately, the Regional Government of Castile and León is becoming aware of the need to replace the current stalls located next to these BIC, with the aim of dignify them according to those monuments and places.
These 2 pavilions are a pilot programme which could be easily exportable to other BIC in the same region. The first one is located next to the visigothic hermitage in Quintanilla de las Viñas (Burgos), one of the few buildings of its kind existing in the Iberian Peninsula, and which was designated as a National Monument in 1929. The second one is located at the archeological site in Arrabalde (Zamora), a place which in the past was a pre-roman hill-fort, designated as a BIC in 2006. When we revisited the Zamora Museum, a building by Tuñón and Mansilla that we admire so much, we discovered to our surprise that among its more valuable exhibits it contains the “Arrabalde’s Treasure”, for which the architects expressly designed a showcase, that is simultaneously a jewel case, inside the big jewel case that is the building itself.
The pavilions could be defined as a wooden box slightly elevated from the floor and placed under a horizontal steel plane. They are very compact to reduce their presence and increase their efficiency, and they protect the guards from the inclemency of the weather, whereas they make posible a visual connection with the exterior landscape. Like a piece of furniture, they are built just with wood and steel, in an industrialized and easily reproducible way. In this conditions, building in a factory with only 2 trades (carpenter and blacksmith) reduce the cost considerably, which has been one of our main targets. The pavilions are open or closed depending on the needs. When they are in their “latency period”, they look like a totally closed and protected jewel case. They external building covering is made of vertical black timber, whereas in the inside you can see the cross-laminated timber structure, which provides a warmer sensation.
Economy, sustainability and reversibility have been 3 basic principles to design these small buildings, which try no to leave any trace on those places where they will be located. The foundations are superficial and made of timber. The timber from the façade is protected by Shou Sugi Ban, a traditional Japanese technique based on charring. The roof is made of steel, and its eaes protects the building from the rain and the sun. These are a low-energy buildings thanks to a great insulation made of timber fibres and the use of traditional, reciclable and clean energies: a small wood heater, a pedal washbasin and a dry and eco-friendly toilet that guarantees a closed cycle.
To summarize, we have looked for a natural, laconic and sensible intervention according to the needs. An essential, logic and sober intervention. Without anything accessory or whimsical. Eloquent, but not talkative. Respectful with the pre-existences, the landscape and the environment. Thanks to its small size and its lightness, the pavilions will we totally built in a factory and then carried to the site.
Classification: Civic buildings – landscape
Work: Pabellones de vigilancia para Bienes de Interés Cultural (BIC) en Castilla y León
Locationr: Castilla y León | España, Visigothic hermitage in Quintanilla de las Viñas (Burgos) | Archeological site in Arrabalde (Zamora)
Year: 2012-16
Client: Junta de Castilla y León, Consejería de Cultura y Turismo, Dirección General de Patrimonio Cultural
Area: 12,32 m2 (built-up area)
Budget: 16.329,65 € (PEM estimate from project)
Authors: Enrique Jerez Abajo, Koldo Fdez. Gaztelu
Collaborators: Catarina Isabel Faustino Mota (Portugal), Alicia Maraña Diez, alterMATERIA, Segovia
Building engineer: Iván Poncelas Ramón
Constructor: Arte y Construcción SL, Burgos
Carpentry: Arte y Construcción SL, Burgos
Equipamient: Biolan, Fritz Hansen
Photography: Javier Bravo Jabato | Koldo Fdez. Gaztelu + gaztelujerez.com
*Gaztelu Jerez Arquitectos did not directed the site management in Quintanilla de las Viñas.
Se proponen tres concursos abiertos a la participación cuyo plazo de presentación de las propuestas finaliza el 27 de diciembre de 2017 a las 13:00 horas:
CONCURSO DE DISEÑO Y REALIZACIÓN DEL PABELLÓN DE INFORMACIÓN EN LA PLAZA ESCUELAS TREVIJANO EN CONCÉNTRICO 04, al que podrán presentarse todos los profesionales de la arquitectura y el urbanismo colegiados en cualquier Colegio Oficial de Arquitectos de España.
CONCURSO DE DISEÑO Y REALIZACIÓN DE UNA INTERVENCIÓN EN LA PLAZA DE SAN BARTOLOMÉ EN CONCÉNTRICO 04, al que podrán presentarse todos los creadores (personas o colectivos) que realicen proyectos de intervenciones efímeras dentro de cualquiera de las disciplinas del arte, el diseño y la arquitectura.
CONCURSO DE DISEÑO Y REALIZACIÓN DE UNA INTERVENCIÓN EN VIÑA LANCIANO DE BODEGAS LAN EN CONCÉNTRICO 04, al que podrán presentarse todos los creadores (personas o colectivos) que presenten proyectos de intervenciones efímeras dentro de cualquiera de las disciplinas del arte, el paisajismo, el diseño y la arquitectura.
Propóñense tres concursos abertos á participación cuxo prazo de presentación das propostas finaliza o 27 de decembro de 2017 ás 13:00 horas:
CONCURSO DE DESEÑO E REALIZACIÓN DO PAVILLÓN DE INFORMACIÓN NA PRAZA ESCOLAS TREVIJANO EN CONCÉNTRICO 04, ao que poderán presentarse todos os profesionais da arquitectura e o urbanismo colexiados en calquera Colexio Oficial de Arquitectos de España.
CONCURSO DE DESEÑO E REALIZACIÓN DUNHA INTERVENCIÓN NA PRAZA DE SAN BARTOLOMÉ EN CONCÉNTRICO 04, ao que poderán presentarse todos os creadores (persoas ou colectivos) que realicen proxectos de intervencións efémeras dentro de calquera das disciplinas da arte, o deseño e a arquitectura.
CONCURSO DE DESEÑO E REALIZACIÓN DUNHA INTERVENCIÓN EN VIÑA LANCIANO DE ADEGAS LAN EN CONCÉNTRICO 04, ao que poderán presentarse todos os creadores (persoas ou colectivos) que presenten proxectos de intervencións efémeras dentro de calquera das disciplinas da arte, o paisajismo, o deseño e a arquitectura.
These competitions propose the creation of a temporary architectural intervention at San Bartolomé Plaza and at Viña Lanciano – Bodegas LAN., the period for presentation of proposals will conclude on 27 December 2017 at 1:00 p.m.
INTERVENTION DESIGN AND CREATION COMPETITION IN SAN BARTOLOMÉ PLAZA, AT CONCÉNTRICO 04 All creators (individuals or collectives) may adhere to these rules if they present projects for temporary interventions within any artistic discipline, design or architecture.
INTERVENTION DESIGN AND CREATION COMPETITION AT VIÑA LANCIANO, BODEGAS LAN, AT CONCÉNTRICO 04 All creators (individuals or collectives) may adhere to these rules if they present projects for temporary interventions within any artistic discipline, landscaping, design or architecture.
No es lo mismo 8 que 80; pero 227 sí es lo mismo que 222.
“La precisión verbal es una de mis mayores preocupaciones y la precisión numérica es una de mis menores preocupaciones.”
Como profesor e ingeniero me preocupa mucho la precisión. Y hay que ser preciso desde dos puntos de vista, desde un punto de vista semántico y desde uno numérico.
Hay que hablar con propiedad y con precisión, porque es indiscutible que el uso de las palabras concisas contribuye considerablemente a la claridad y comprensión de una exposición. No es lo mismo la tensión admisible de un suelo que su resistencia, no es lo mismo tensión máxima del acero que su límite elástico, no es lo mismo carga permanente que carga muerta, no es lo mismo densidad que peso específico, no es lo mismo carga característica que carga media, no es lo mismo módulo de elasticidad que módulo de deformación, no es lo mismo coeficiente de seguridad que coeficiente parcial de seguridad, no es lo mismo coeficiente sobre cargas mayoradas que coeficiente sobre cargas características, no es lo mismo dimensionar que comprobar, no es lo mismo ser perito del juez que ser perito de parte, no es lo mismo facturar que cobrar, no es lo mismo calcular que proyectar, no es lo mismo momento que momento flector, no es lo mismo fuerza que esfuerzo, no es lo mismo signo que sentido, no es lo mismo pájaro en mano,…y así podríamos seguir hasta…podríamos aplicarlo a cualquier campo, incluso a nuestra vida cotidiana donde el hablar últimamente… en fin.
Desde el punto de vista numérico, la precisión es muy importante, me refiero a la precisión que hace falta, no a la precisión que sobra. Solemos confundir precisión con el número de decimales y creemos que dar calidad es dar un resultado con 8 cifras significativas. Sin embargo eso no es así, sino todo lo contrario, una precisión excesiva da imagen de mala calidad.
“La precisión es la cualidad que mejor diferencia al profesional del estudiante: el profesional es mucho menos “preciso”.
Conceptos básicos
Definimos precisión como el error que cometemos al expresar un valor numérico. Y se puede medir como el error que se comete al truncar la cifra dada. Por ejemplo, si decimos 335 estamos aunando los valores entre 334,9 y 335,9, es decir cometemos un error máximo de 1/335, es decir, un 0,3% aproximadamente ¿Os parece mucho?
Si decidimos trabajar con tres cifras, el máximo error que podríamos cometer sería cuando expresamos 100,9 como 100, es decir, 0,9 de error sobre 100,9 es decir, un 1%. Y el máximo error que podemos cometer sería cuando expresamos 999,9 como 999, es decir, 0,9 de error sobre 999,9 es decir, un 0,1%.
“Utilizando tres cifras significativas cometemos un error entre 1% y 0,1%.”
Si decidimos trabajar con tan solo dos cifras cometeremos un error entre el 1% y el 10%, según la cifra sea cercana a 10 o a 99. Este error ya es razonablemente alto.
Repasamos alguna confusión habitual, por ejemplo la de asumir que 0,00003 es más preciso que 3. Aunque parezca más precisa la cifra con decimales, ambas tienen exactamente la misma precisión, la correspondiente a tener una cifra significativa.
Y otra confusión frecuente es pensar que 24 y 24,0 significan lo mismo, y no es así ¿Cuál de las dos cifras es más precisa? Pues 24,0 porque tiene tres cifras significativas ya que la cifra 24 trunca valores entre 23,5 y 24,5 mientras que la cifra 24,0 trunca valores entre 23,95 y 24,05, o sea que es mucho más precisa ésta última.
La respuesta es fácil y muy lógica, aunque poco común. Para resolver un problema con la adecuada precisión, en cualquier disciplina, se necesita una precisión similar a la precisión de sus datos.
Cualquier profesional, desde un nanotecnólogo hasta un astrofísico necesita una precisión no mayor que la de sus datos. Y no es más preciso un nanotecnólogo,aunque lo parezca, ya que su nivel de determinación de los datos moleculares no pueden tener más de tres cifras significativas, aunque eso sí, si se habla en metros, tiene muchos decimales, más de nueve.
“Cualquier profesional, del nanotecnólogo al astrólogo, necesita una precisión máxima de tres cifras.”
Y en el caso de la ingeniería estructural, ¿qué precisión necesitamos? Pues la que tienen nuestros datos ¿Qué error cometemos en la determinación de las acciones? ¿Y en la determinación de la resistencia de los materiales?
Para los consultores de estructuras estas dos son preguntas sangrantes pues nos baja los humos de la supuesta precisión de nuestra disciplina.
Tenemos una precariedad notable en la definición de los valores de las acciones, que damos con una precisión de UNA cifra significativa. Es verdad que los pesos pueden darse con dos o tres cifras pero las sobrecargas de uso se dan con una cifra o máxima.
¡Cómo vamos a hablar con cinco cifras significativas si estamos diciendo que una persona pesa UN kilonewton y que ponemos CINCO personas por m2!
¿Y los materiales? Utilizamos hormigón de resistencia característica 25 o 30 (dos cifras) pero admitimos errores casi sin penalización de un 10%, es decir que, casi sin rechistar podemos aceptar hormigones que nominalmente son de 25 pero tienen una resistencia de característica de 22,5 MPa. Para valorar la precisión en la determinación de la resistencia característica recordad que se obtiene a partir de la rotura de DOS probetas.
¿Después de saber que nuestros datos tienen una cifra o dos, y por lo tanto, precisiones peores que un 10%, tiene sentido calcular momentos flectores con cinco cifras?
Hace unos años en la conferencia de inauguración de un máster de rehabilitación estructural en la Escuela de Arquitectura de Sevilla hablaba de la precisión en los momentos flectores. Cómo vamos a utilizar un resultado de 2345,72 mkN, además hay que tener en cuenta que tantos números son muy difíciles de recordar y si no se pueden recordar se acaba perdiendo la visión de conjunto que es la más importante de las propiedades de un proyecto, para que sea razonable, para que tenga escala. Lo recordable de esa cifra es 2350, o como mucho 2345.
Por relacionar la precisión con nuestra experiencia personal, os hago una pregunta:
¿Qué distancia hay de Madrid a Sevilla por carretera?
Si tiras de memoria podrás llegar a decir que hay quinientos y pico. Si dices quinientos y poco ya estás siendo bastante más preciso. Pero si dices 530…
¡Eres todo un conductor profesional!
Y ya si dices 534, es que te haces la ruta a diario y, además, vas siempre al mismo sitio, desde tu trabajo a la casa de tu abuela. Pero si en vez de ir a ver a tu abuela vas a Triana a tomar una caña, esa distancia cambia seguro. Por tanto, podríamos decir que te has pasado de precisión.
Esta pequeña reflexión trae a mi memoria una gran verdad que en su día, hablando de precisión con un viejo ingeniero me dijo y que recordaré siempre:
“Juan Carlos, en cuestiones de precisión, a mí lo que más me preocupa es el signo”.
“Una noche, la gente del espejo invadió la Tierra. Su fuerza era grande, pero al cabo de sangrientas batallas las artes mágicas del Emperador Amarillo prevalecieron. Éste rechazó a los invasores, los encarceló en los espejos y les impuso la tarea de repetir, como en una especie de sueño, todos los actos de los hombres. Los privó de su fuerza y de su figura y los redujo a simples reflejos serviles. Un día, sin embargo, sacudirán ese letargo mágico.”
Resulta difícil precisar qué fueron los habitantes del cristal. En la distancia, todavía son un enigma, resultado tal vez inevitable de las transformaciones sufrida por el vidrio desde el siglo XIX al XXI, en especial de su uso en la arquitectura: sus primeras aplicaciones, en el albor de la Revolución Industrial, en la construcción de espacios más livianos y transparentes —que expandían los límites de la razón al último hueco de un mundo hasta entonces poblado sólo por sombras y mitos— dieron paso a su masiva multiplicación, proliferación y expansión en las pantallas-retina de los aparatos móviles, que pasaron a funcionar como prótesis sensibles de los cuerpos de los llamados habitantes del cristal —pegadas a ellos, a sus ojos y a sus dedos—.
The Crystal Palace (El Palacio de Cristal) fue una edificación de hierro fundido y cristal construida en el Hyde Park, en Londres, con motivo de la Gran Exposición mundial de 1851. Su planta, formado por la nave principal y galerías longitudinales, medía 563,25 m x 124,35 m.
Fue entonces cuando el mundo se llenó de ventanas en apariencia opacas pero hiperconectadas entre sí, que inundaron todo de una sobreabundante información. Pese al tiempo que ha pasado, aún hoy cuesta develar todas este proceso, pero resulta necesario atender a las cualidades que distinguían a esos habitantes de esta ‘otra’ arquitectura más enfocada en la capacidad de interconexión que en el espacio, donde la forma era menos importante que la velocidad de respuesta y en la que, por fin, se cumplió una de las más destacadas expectativas modernas: el destierro total de lo privado de la vida humana.
Sin sentidos: ni tacto, ni vista
Envueltos por una finísima capa de vidrio, los habitantes del cristal sólo podían enfrentarse a un entorno aséptico, carente de sabor y de olor. Una prisión para los sentidos que, aunque les impedía entrar en contacto con cualquier cosa más allá del vidrio, también les defendía de cualquier daño. La envolvente impenetrable actuaba como una pantalla que no sólo les hacía llegar luz e información, sino que les aliviaba de la necesidad de enfrentarse de forma directa a un exterior extremadamente caótico e incomprensible.
Sin embargo, y pese al equívoco que puede dar lugar esta forma de separación, los habitantes del cristal palpaban con frecuencia; usaban sus dedos de forma reiterativa, pero como las cosas que ‘tocaban’ estaban siempre ubicadas al otro lado de la mencionada pantalla —una membrana dura pero afable al tanto que envolvía todo bajo una superficie lisa, sin asperezas y agradable al tacto— sólo podían sentir el mundo como un lugar sin fricción, ni roce, ni transgresión, sobre el cual sus dedos podían deslizar sin tener que enfrentarse a ningún problema ni rugosidad. El tacto se limitaba a la interacción con un velo sensible, capaz de reaccionar a la yema de los dedos, pero que condenaba a los cuerpos a vivir en un interior impermeable.
¿Por qué seguir manteniendo la nostalgia del contacto? Dado que el vidrio que encerraba a los habitantes del cristal, les permitía mantenerlos a resguardo en un entorno inocuo, separado de forma permanente de cualquier amenaza, la insistencia por seguir tocando se debía, quizá, a un residuo genético en la evolución o a un anhelo imperecedero surgido de la negación del placer físico. De cualquier manera, era un mal menor y dicho velo tenía sus ventajas: los dedos y la piel de los habitantes del cristal eran ya demasiado finos y delicados para enfrentarse a la verdadera naturaleza material de las cosas que poblaban el mundo y, de haber tocado dichas cosas sin la intermediación de la pantalla, habrían sufrido frente la áspera textura de lo real.
Pero los habitantes del cristal no sólo vieron mermado su sentido del tacto, también carecían de ojos propios. Los suyos habían sido capturados mucho tiempo atrás por una visión ocularcentrista, una emancipada de sus cuerpos, que operaba siempre desde fuera y en la distancia; una visión exteriorizada, que miraba y les miraba con unos ojos fríos y duros, carentes de párpados y que, más que contemplar, vigilaba y sospechaba —registrando siempre en alta definición—. No es que carecieran de forma literal de órganos oculares, sino que estos habían sido sometidos por nuevo imperio visual marcado por los nuevos aparatos ópticos —las pantallas-retina— que actuaban como prótesis que expandían y enriquecían la realidad más allá de lo visible, superponiendo y develando información —existente o no en ese lugar— que transformaba lo real —fuera cosa, animal o humano— en una imagen predefinida, lista para ser procesada y consumida sin cuestionamiento por los ojos abatidos de los habitantes del cristal.
Gradiente
Sin cuerpo: ni memoria, ni lenguaje, ni imaginación
Fue un paso natural que, una vez sus sentidos ya habían sido reducidos al mínimo, era igualmente fácil desapropiarse de otros aspectos por entonces nada esenciales: su memoria, su lenguaje y la materia misma de sus cuerpos. En cierta manera, los habitantes del cristal se percataron poco a poco que el peso de su carne les lastraba de la posibilidad de habitar realmente el cristal. Su mayor reto fue el de avanzar entonces hacia la superficialidad, donde las cosas no son cosas, sino sus propias imágenes ideales. Además, tan pronto se descubrió que estas imágenes circulaban mejor y más eficientemente que los cuerpos, hasta entonces demasiado pesados, frágiles e ineficaces, y dado que la aceleración era un requisito cada vez mayor para estar en el mundo, no pasó mucho tiempo para que cualquiera quisiera convertirse en imagen. El resultado subsecuente fue la proliferación y superabundancia de millones imágenes que, en pocos años, permitió a los habitantes del cristal dejar de imaginar, esto es, dejaron de producir nuevas imágenes; no porque no tuvieran capacidad, sino porque el esfuerzo ya no valía la pena, pues siempre existía una imagen previa y disponible para conocer, consumir o comunicarse con los demás.
Sin imaginación y con acceso a una infinita información, los habitantes del cristal descubrieron que, rara vez, tenían la necesidad de recordar —al menos de la forma en la que nosotros lo hacemos—. Ellos, aunque tenían la disponibilidad de registrar y archivar toda su vida gracias a las pantallas-retina —un registro que alguna empresa en algún lugar deslocalizado y desconocido resguarda a salvo del paso del tiempo, del polvo o de la humedad—, donaron su memoria propia, la externalizaron y permitieron que sus recuerdos estuvieran siempre accesibles por un módico costo simbólico. Este desapego hizo que sólo fueran capaces retener en su mente unas pocas imágenes: aquellas que pudieran leerse de forma más clara y con menor gasto energético. Ello provocó que los códigos comunicativos tuvieran la necesidad de abstraerse y simplificarse —en resumen, superficializarse—, para adaptarse mejor a las demandas de su nuevo entorno. Pero las cosas no eran tan sencillas, Las imágenes —así como los habitantes del cristal, que, por entonces, no eran otra cosa que una imagen— descubrieron que su supervivencia dependía no sólo de su aplanamiento, sino de la capacidad de reproducirse y replicarse de forma viral una y otra vez en un proceso de desgaste que iba de la mano de su propia inmolación en miles de fragmentos de sí mismos que, sin embargo, les evitaba ser desterrados al olvido. La fortuna quiso que los habitantes del cristal se aliaran con sus pantallas, donde encontraron el refugio necesario, primero en su replicación para acabar haciendo de su vida un performance que ser seguida en directo —o sin apenas desfase— por cualquier persona. Su capacidad de autorreproducción se hallaba en la materialización de una marca propia con fuerza e identidad suficiente, en la que los habitantes del cristal actuaban como empresarios de sí mismos y de sus opiniones.
No había pasado mucho, cuando se dieron cuenta que ya no tenían mucho más que decir. Poco importó, ellos siguieron hablando hasta que, por fin, vaciaron por completo el lenguaje de sentido. Una vez el lenguaje fue vencido, los habitantes del cristal lograron, al fin, desprenderse de su cuerpo, —su peso, su carne, su abyección—, que pasó a ser una vieja reminiscencia demasiado vulnerable que sólo les advertía del paso del tiempo. Negándolo —y por tanto negando su potencia— pudieron devenir en una imagen perfecta y aventurarse en la tan recurrida pasividad: supuesto descanso y goce de una vida voyerista. Y es que, atrapados e insensibles, sin voz ni memoria para reconocerse, los habitantes del cristal se convirtieron, en su gran mayoría, espectadores de una vida que no les pertenecía —una vida fuera de la suya—. Como tales, su acción se reducía a mirar —siempre desde la distancia, la distancia necesaria para nunca implicarse lo suficiente con las cosas o los problemas— lo que pasaba y se deshacía por delante suya.
Para evitar caer en alguna acción que les volviera a hacer conscientes de su corporeidad, los habitantes del cristal se refugiaron en sus pantallas, las cuales les otorgaron la facultad de acceder a cualquier punto, conocer cualquier cosa o descubrir cómo hacer aquello que les pueda interesar en ese preciso momento. Con todo disponible a cualquier hora del día, los habitantes del cristal, siempre ávidos de saber más, ordenaban, consumían, descargaban y acumulaban miles de datos sobre los que rara vez volvían. Así, los habitantes del cristal finalmente construyeron una relación particular y diferente con el tiempo, al que no percibían como una sucesión más o menos lineal de eventos o acontecimientos —donde el pasado ya pasó y el futuro está por venir—, sino que el tiempo comenzaba justo cuando las pantallas se encendían y terminaba cuando se apagaban —si es que alguna vez lo hacían—. Ello les permitía pensar un tiempo múltiple: anacrónico, sincrónico, diacrónico y en tiempo real.
Si bien habían encontrado la manera de mermar sus sentidos, su imaginación y hasta su cuerpo, a los habitantes del cristal les quedaba desapegarse de la emoción. El modo fue bastante sencillo: el control preciso de la iluminación.
Pese a la creencia popular, que les asocia a la transparencia tradicional, los habitantes del cristal escasamente recibían la luz solar —o de cualquier otra fuente de energía natural—. Al contrario, la luz que percibían era, en realidad, mera iluminación emitida por las múltiples pantallas-membrana que les rodeaban. Una luz que intentaba extinguir por completo cualquier secreto, cualquier aspecto siniestro que pudiera aparecerse en sus vidas. Después de todo, como las pantallas que contenían a los habitantes del cristal no sólo proyectaban miles de imágenes, sino que también registraban —ya fuera mediante el uso de cámaras incorporadas sobre el cristal, capaces de entender los sentimientos de aquellos a quienes veían, como de determinar y predecir actitudes (no) deseadas, como analizando sus gustos (likes) y preferencias: los lugares que más ‘visitaban’, aquello que más miraban, ciertas búsquedas ocasionales, etc…— los habitantes del cristal modelaron su conducta para evitar cualquier señalamiento o conducta que pudiera traer algún tipo de marca sobre ellos.
Portadora también de información, esta luz actuaba era como una bruma lechosa pero inocua y siempre fría que hizo posible, además, extinguir la noche y superar las viejas divisiones de trabajo-ocio-descanso, transformando cada lugar del mundo en un espacio productivo que pudiera rendir en pleno funcionamiento durante 24 horas al día y 7 días a la semana.
Esa disponibilidad completa, les permitió tanto consumir y devorar insaciablemente cualquier aspecto del mundo, así como mantenerse ocupados permanentemente y abortar, de paso, cualquier forma de implicación que transformara sus sentimientos hacia lugares no deseados. El objetivo, finalmente, era propiciar un entorno lo suficientemente seguro y alejado de cualquier aspecto indeseable —fuera externo o propio de cada uno de los habitantes del cristal—, algo extremadamente importante en un mundo inundado de imágenes indeseadas, de imágenes que, en definitiva, causaran o propiciaran alguna afección no necesaria.
Cabe aclarar que, si bien la privacidad parecía desterrada bajo la luz, no todo podía estar igualmente iluminado. La construcción de sus prótesis-pantalla era consecuencia de formas de explotación planetarias que pocos estaban dispuestos a sacrificar. Conscientemente, se construyeron zonas de escasa resolución y menor potencia lumínica que, por esa menor visibilidad, daban cuenta de la violencia que suponía su censura. Esta realidad, configurada como una imagen pobre frente a un entorno emitido en alta definición, podían introducirse por alguna grieta y llegar, aunque fuera de forma imprevista, a los habitantes del cristal.
El peligro radicaba entonces en la capacidad de estas imágenes de generar una respuesta no deseada para los habitantes del cristal, un shock, que pudiera sacarlos de su soñado mundo compartido. Sin embargo, tal peligro era casi siempre improbable: como ninguna imagen pasaba el tiempo suficiente ante ellos, descubrieron pronto que ya no existía la necesidad de implicarse en cualquier asunto que estuviera más allá de ellos mismos.
Así, esta luz cargada siempre de información acelerada funcionaba como una anestesia a la empatía: calmaba y apaciguaba el estrés producido por un modelo de vida sin descanso —24/7—, insensible —sin aquello que percibían con los sentidos—, sin contacto con el otro —fuera persona, animal o cosa—, y que necesitaba de un alto costo humano y ambiental para existir.
Una alternativa
Finalmente, los habitantes del cristal desaparecieron. La posibilidad de compartirlo todo de sí mismo no implica la construcción de un mundo común y la gran verdad era, después de todo, que a los habitantes del cristal habían sufrido el secuestro de su vida: su cuerpo, su noche, su descanso, sus sentidos, sus afectos, que habían sido atrapados por la nostalgia y capitalizados y vendidos sin demora al mejor postor.
La destrucción de la privacidad trajo consigo una preocupación del yo individual frente al nosotros colectivo y, en especial, de la imagen frente al cuerpo. Pero este cuerpo, pese a los intentos de eliminación, persistía como un remanente de un mundo anterior. Quizás estaba atrofiado, minimizado y cansado, pero fue justo en ese dolor y en esa vulnerabilidad donde aún existía la capacidad del mismo de revelarse: su potencia.
Las amistades inesperadas… Warhol en la casa de cristal de Philip Johnson | Fuente: arquiscopio.com
Hizo falta que los habitantes del crireflexiónstal se sacudieran de su letargo contra todas las formas de dominio que enclaustraban su vida: fue en ese momento cuando hacia los márgenes de la representación, valorando lo periférico de su mirada y el fuera del foco de atención de las miradas impuestas. Fue allí donde comenzaron a construir otras relaciones, lejos de las pantallas, de la luz; fue allí donde recuperaron el mundo sensible: el tacto, la caricia, el golpe y del valor de la palabra, sus sentidos.
El cuidado, el propio y el del otro. Al calor de un nuevo mundo común se les permitió reconocer y reconocerse en el otro y los habitantes del cristal, hasta entonces cegados, decidieron que, de nuevo, debían dejarse afectar.
Pedro Hernández · arquitecto
Ciudad de México. Mayo 2017
“El viaje es el encuentro de algo que andamos buscando, sin saber qué es con exactitud. Es la búsqueda de un lenguaje con el que ser capaz de dibujar las sombras de nuestras ideas. Moviéndose en el espacio y en el tiempo, el viaje no es sino la historia que nos plagia; es la dilatación de nuestra pupila la que ilumina el espacio y allí encontramos lo desconocido revestido de intimidad”.
Sí hoy hablaremos de viajes, pero no cómo hacerlos o a dónde podríamos ir (si eso es lo que buscáis, podréis encontrarlo en esta sección en entrevistas anteriores), si no sobre los mapas, esos objetos que utilizamos antes, durante y posteriormente a una de estas escapadas.
Del clásico mapamundi de chinchetas al mapa magnético en el que marcar tus viajes por el mundo, así podría definirse el proyecto Mapnético que ha desarrollado dos jóvenes arquitectos malagueños, Marina Díaz García y Daniel Natoli. Su pasión por los viajes y los objetos ha cristalizado en el desarrollo de un mapamundi imantado, una evolución del clásico de corcho o de papel con chinchetas o alfileres.
“¿A quién no le gustaría indicar sobre un mapa aquellas vacaciones inolvidables o aquellos lugares a los que desearía viajar alguna vez en la vida?”
Sobre este mapa podrás colocar de forma precisa gracias a los distintos colores de imanes las ciudades, países, y todo tipo de rutas viajeras que hayas visitado o pretendas realizar, de forma personalizad por lo que dispones infinitas posibilidades.
Todos conocemos el clásico mapamundi de corcho o de papel en el que a los más viajeros les gusta planificar sus rutas por el mundo con chinchetas o alfileres. Sin embargo, Mapnético ha reinventado ahora este mapa y lo ha convertido en un mapamundi imantado de diseño en el que es posible colocar imanes de forma precisa en todas las capitales o ciudades que hayas visitado o trazar el camino de todas tus rutas por el planeta.
¿Y qué más?… Pues seguid leyendo estimados lectores, os vais a quedar totalmente sorprendidos.
Marina Díaz y Daniel Natoli, arquitectos y diseñadores de Mapnético.
¿Cómo se definirían Marina y Daniel?
Arquitectos licenciados por la Universidad de Málaga a finales de 2013, Marina trabajó para distintos estudios de arquitectura en Dinamarca y Finlandia antes de regresar a su ciudad natal y reencontrarse con el sol. Dani compagina el cine con el diseño web, aunque su curiosidad por explorar otros campos es casi infinita. Para ambos, viajar es casi una necesidad porque les hace sentir que están vivos. En ese sentido, Mapnético no es más que el resultado profesional de esta pulsión, una nueva ventana que se abre para poder mirar hacia otros horizontes.
La idea concreta de Mapnético surge dando un paseo por las calles de Tallin (Estonia), en 2015.
A raíz de una experiencia previa que tuvimos con el diseño de una mochila, a menudo pensábamos en crear una marca o estudio dónde pudiéramos idear objetos y comercializarlos. Esto unido a nuestra pasión por viajar hizo que aquella fría mañana acabáramos combinando diseño + viajes y se nos ocurriera crear un mapa magnético dónde poder marcar las ciudades o países visitados con imanes de colores.
Distintos colores de imanes, infinitas posibilidades.
¿Os encontrasteis con muchas dificultades? ¿Cuáles fueron las más problemáticas?
Estuvimos casi un año investigando materiales magnéticos: sus procesos de fabricación, sus costes, sus acabados, su funcionamiento… teníamos claro que queríamos hacer un objeto de calidad y eso nos llevó muchas horas de indagación y testeo.
Sin embargo, aunque invertimos bastante tiempo en la fabricación del mapa, lo más difícil no fue lanzar el producto en sí —de hecho creemos que cualquier arquitecto está más que capacitado para desarrollar un producto con los conocimientos y habilidades que se adquieren durante la carrera —, para nosotros la tarea más compleja fue la de ser persistentes una vez que habíamos lanzado el producto. Insistir, llamar a muchas puertas para que el mapa se diera a conocer, para que llegase a un público amplio. Para nosotros esa labor de marketing (digital y off-line) fue el verdadero reto del proyecto.
¿Cómo es proceso de diseño, desarrollo y comercialización de vuestros productos?
En general, pensamos que cualquier proceso artístico o de diseño se desarrolla de forma muy similar en lo que a su conceptualización se refiere. Proyectar un edificio no dista mucho de diseñar un objeto o hacer un cortometraje, al menos no en su forma de plantear una idea y ser coherente con ella hasta el final.
En el caso de Mapnético lo primero que nos planteamos fue cómo dibujar el mapamundi. Nuestro propósito era que el mapa fuese un gran lienzo en blanco, que cada persona pudiera personalizar según su propia experiencia viajera, y al mismo tiempo que fuera un mapa del mundo de diseño, que tuviera personalidad propia y que esos valores fueran reconocibles como el sello de distinción de Mapnético.
De esta forma, basándonos en la proyección cartográfica de Miller, dibujamos un atlas poligonal a través de una retícula abstracta de puntos, lo que nos permitió dotar al mapa de ese diseño personal que andábamos buscando al mismo tiempo que lograba referenciar las coordenadas geográficas necesarias para localizar una gran cantidad de ciudades relevantes por todo el planeta. Una vez que tuvimos el dibujo completo, decidimos aplicar una gama cromática de grises a la cartografía y jugar con tres colores para los imanes. El resultado fue un mapa del mundo muy minimal que va adquiriendo color conforme las personas van viajando.
Una vez que tuvimos el diseño trabajamos con los distintos fabricantes y proveedores para llevar esa idea a la realidad. Tras testear y probar varios prototipos pulimos el diseño hasta que lo cerramos de manera definitiva. Después nosotros mismos nos encargamos de distribuir el producto a las distintas tiendas y librerías con las que trabajamos actualmente, aunque la mayoría del stock lo mantenemos en almacén ya que la venta de nuestros mapas se realiza en gran parte a través de la web.
La última fase de toda esta cadena sería la mensajería y la atención al cliente. Cada pedido que entra toca enviarlo a su correspondiente destino y por supuesto hay que cumplir siempre los plazos y tratar bien a cada uno de los clientes.
Mapnético incluye un contador de países visitados.
¿Cuáles son vuestras referencias?
Sería difícil enumerar todas las influencias y referencias personales que nos interesan, pero por nombrar algunas relacionadas con Mapnético podríamos hablar de “Cereal”, “Collective Quarterly” o “El Dorado Experience”. Nos encantan ese tipo de proyectos que combinan el viaje con el audiovisual, el storytelling y el diseño de productos. En 2012 desarrollamos un proyecto que se acercaba a esa idea, se llamaba Derivasia. Aunque nos divertimos mucho llevándolo a cabo, lo cierto es que no terminó de ser sostenible. Ahora hemos empezado Mapnético con todo ese bagaje a las espaldas y habiendo aprendido de los errores. Construimos el armazón poco a poco, pero en un futuro nos gustaría mucho acercarnos a este tipo de modelos.
¿A qué segmento de clientes os dirigís? ¿Cuáles son los encargos más demandados?
Básicamente nos dirigimos a aquellas personas a las que les gusta viajar y aprecian el diseño. Muchos de nuestros clientes son arquitectos y diseñadores, pero también nos compran muchos viajeros y trotamundos a los que les encanta recorrer el planeta. Hay gente que se interesa en nuestros mapas porque quiere hacer un regalo especial a un amigo/a, pareja o hijo/a, y también los hay que quieren usarlo para decorar su casa u oficina. Nuestro público es amplio y bastante diverso.
En cuanto a lo más demandado, sin duda nuestro producto estrella es el Mapnético Original, un mapamundi imantado de 120x60cm, perfecto para tematizar cualquier estancia. Ese da mucho juego.
Mapa Mapnético Original, un mapa magnético para marcar tus viajes por el mundo.
¿Cómo y para qué utilizáis las “nuevas tecnologías”? ¿La “red” ha facilitado vuestra labor?
La red es nuestra forma más efectiva de llegar a la gente. Usamos mucho Instagram, no solo para promocionar nuestros productos, sino también para narrar la vida y las historias de Mapnético. Para nosotros es importante mostrar ese factor emocional de Mapnético, nos gusta que exista algún tipo de lazo o de intereses en común entre la persona que compra el producto y la propia marca, y en ese sentido las redes funcionan muy bien para poder comunicar este tipo de valores.
Por supuesto, también usamos todas las herramientas a nuestro alcance para posicionarnos mejor en buscadores y marketplaces. Y aunque la democratización de lo digital provoca que la competencia —y la cantidad de información que se nos muestra— sea brutal, sin duda la red abre un abanico muy interesante de posibilidades.
Dado que por ahora somos dos, trabajamos en muchos frentes al mismo tiempo. Cada día hacemos de diseñadores, programadores web, community managers, distribuidores, comerciales, y en cada momento lo que toque, intentando repartirnos y organizarnos de la manera más eficaz, siempre con disciplina y trabajando por objetivos para marcarnos pequeñas metas.
Mapnético es un atlas de diseño dibujado a través de una retícula abstracta de puntos.
¿Compagináis o complementáis esta actividad con otras labores o en otros campos?
Actualmente compaginamos Mapnético con el diseño web, el cine y puntualmente alguna que otra colaboración en estudios de arquitectura. En este sentido definirse se hace algo bastante complejo, pero podríamos decir que desde hace algún tiempo nos encontramos en una especie de transición en la que momentáneamente abandonamos la arquitectura —entendida desde su forma más clásica— para adentrarnos en otros territorios.
La arquitectura, tiene abiertos muchos frentes de batalla (LSP, Bolonia, paro, precariedad laboral, COAs, ETSAs, emigración, comunicación, etc), ¿no serán demasiados para la polarización existente dentro de la misma?
Efectivamente, hoy día coexisten muchos escenarios de conflicto. Es el poso que se fue formando durante décadas y que ahora hemos heredado cuando el vaso quedó vacío. No creemos que sobre ninguna problemática, si están sobre la mesa será por algún motivo, es más, a veces ni siquiera se visibilizan y no por ello dejan de existir. En cuanto a la polarización, no es más que el resultado de la poca conciencia colectiva que siempre hubo en nuestro sector…
¿Cómo veis el futuro de la arquitectura? ¿Y el de la profesión?
Es el eterno debate, la pregunta estrella en todos los foros de arquitectos desde hace años. Si la respuesta fuera sencilla probablemente no se insistiría tanto en ella. Sin embargo, lo único que se escucha y reverbera en todos los espacios de pensamiento es un recíclense y un sálvese quien pueda que advierte de lo confuso de la situación y de la desorientación generalizada a falta de balizas y de puntos de anclaje en nuestra cotidianidad. En lo relativo al futuro de la profesión tenemos una postura un poco pesimista, no por falta de ilusión —que siempre hubo y habrá en nuestra actitud—, sino más bien por desesperanza y desapego de casi cualquier esfera de poder.
¿Qué mejoras creéis que son fundamentales y que deberían ser puestas en marcha de forma inmediata?
Esta situación desborda los límites del propio sector por lo que es evidente que las soluciones no pueden venir exclusivamente de la arquitectura. Es una cuestión política, transversal y heterogénea, que no puede responderse únicamente con una o dos mejoras corporativistas, requiere de un planteamiento holístico, y eso no es ni algo sencillo ni inmediato. Tenemos que dejar de pensarnos a nosotros mismos como arquitectos que tienen dificultades concretas y aisladas para empezar a analizar nuestros problemas dentro de la sociedad en la que vivimos. La pregunta no es qué paliativo podemos aplicar para que nuestra profesión se vea beneficiada, es qué modelo económico queremos como sociedad, cual es el modelo educativo por el que apostamos, en qué tipo de ciudades queremos vivir, qué papel juega la cultura, como convivimos con la naturaleza… la respuesta a todo este conjunto de cuestiones hará que nuestras condiciones de vida, como ciudadanos arquitectos, sea mejor o peor.
El mapa está impreso sobre una lámina flexible.
Como “emprendedores” ¿qué opináis de los arquitectos que “abren y/o recuperan” nuevos campos y/o enfoques de la profesión?
Por un lado nos parece perverso que se ejemplifiquen este tipo de salidas como una solución colectiva a todas las problemáticas del sector, ese discurso del recíclense, del sálvese quien y como pueda que comentábamos anteriormente. Es muy peligroso convertir esta opción de “emprender” en una obligación. Más allá de eso, nada que objetar. Nos parece muy interesante y más que digno que cada uno pueda adaptar sus conocimientos y redirigirlos hacia nuevos enfoques. Que la arquitectura ensanche su campo de acción es una muestra de creatividad que dignifica y evidencia los recursos de nuestra formación.
¿Estáis contentos con la trayectoria realizada hasta ahora? ¿Qué proyectos de futuro os esperan?
Muy contentos. Actualmente andamos planeando la campaña de Navidad y si todo va bien el próximo año empezaremos a comercializar nuestros mapas en la Unión Europea. A medio-largo plazo nos gustaría seguir diseñando productos e ir ampliando el catálogo, ya sea bajo la marca Mapnético u otra mayor que englobe todos nuestros diseños.
Para acabar, ¿qué les aconsejaríais a los actuales estudiantes y futuros profesionales de arquitectura?
Sobre todo que disfruten de esa etapa de sus vidas, eso es lo más importante. Que viajen todo lo que puedan, que tengan curiosidad por todo, que cuestionen cualquier discurso, que se hagan preguntas y que busquen sus propias respuestas. En definitiva, que aprovechen ese tiempo al máximo porque uno no es verdaderamente consciente de lo valioso que son esos momentos hasta que no pasan los años.
Ejemplo de ruta marcada con imanes en el continente europeo.
Marina Díaz García – Daniel Natoli Rojo · Mapnético
Noviembre 2017
Entrevista realizada por Ana Barreiro Blanco y Alberto Alonso Oro. Agradecer a Marina y Daniel su tiempo y predisposición con este pequeño espacio.
Una pieza compacta, sobria, que busca adaptarse a la escala del lugar.
Un centro cívico que pivota alrededor de un vacío a doble altura; el vestíbulo como corazón del edificio, lugar de encuentro, de estancia en las gradas escaleras, de acceso a los diferentes espacios: sala de usos múltiples, informática, aseos generales y despachos en la planta baja.
También se encuentran en esta planta las instalaciones, aunque con acceso independiente. Independencia de la que también goza la sala de usos múltiples; bien para usarla de forma aislada o como acceso de servicio. En la planta primera, biblioteca y aulas.
Muros de carga de termoarcilla vistos, encalados en el interior; textura y calidez. Lajas de pizarra horizontales en el exterior, economía de medios y mantenimiento. Solados también de pizarra en acceso y circulaciones, de madera en la sala, linóleo arriba. Algunos paramentos de cartón yeso, algún que otro falso techo. Carpintería de aluminio bronce en el exterior, madera en el interior. Lucernarios.
Obra: Centro socio cultural Romaño Vista Alegre
Emplazamiento: Santiago de Compostela, España.
Proyecto y dirección de obra: abalo alonso arquitectos. Elizabeth Abalo, Gonzalo Alonso
Colaboradores: Jesus Garabal, Berta Peleteiro, Luis Adrán, arquitectos.
Estructura: Carlos Bóveda, arquitecto.
Instalaciones: Obradoiro Enxeñeiros. Carmelo Freire, Luis Durán.
Arquitecto técnico: Francisco González Varela
Promotor: Concello de Santiago.
Construcción: F. Gómez. Delegado, José Rey. Encargado, Lagares.
Industriales: Pizarra, Cupa. Carpintería aluminio, Cortizo, industrial, Arteal. Polímeros y siliconas, Syma. Cerrajería, Emesar, Iluminación ornamental, Arturo Álvarez. Madera, Corral y Couto.
Control de calidad: Euroconsult.
Redacción de proyecto: Concurso 27.04.2010, proyecto básico y de ejecución 24.06.2011
Ejecución de obra: 20.06.2014 – 22.05.2017
Presupuesto total: 937.750,00 €
Superficie construida: 948,50 m2
Fotografía: Héctor Santos-Díez | BISimages + abaloalonso.es
Reconocimientos.
– 1º premio concurso de ideas 2010
– 1st Premio. III Bienal Internacional de Arquitectura de Bakú. Azerbaijan 2017.
– Finalista VII Bienal Internacional Barbara Cappochin. Italia 2017.[:gl]
Unha peza compacta, sobria, que busca adaptarse á escala do lugar.
Un centro cívico que pivota ao redor dun baleiro a dobre altura; o vestíbulo como corazón do edificio, lugar de encontro, de estancia nas bancadas escaleiras, de acceso aos diferentes espazos: sala de usos múltiples, informática, aseos xerais e despachos na planta baixa.
Tamén se atopan nesta planta as instalacións, aínda que con acceso independente. Independencia da que tamén goza a sala de usos múltiples; ben para usala de forma illada ou como acceso de servizo. Na planta primeira, biblioteca e aulas.
Muros de carga de termoarcilla vistos, encalados no interior; textura e calidez. Lajas de lousa horizontais no exterior, economía de medios e mantemento. Solados tamén de lousa en acceso e circulacións, de madeira na sala, linóleo arriba. Algúns paramentos de cartón yeso, algún que outro falso teito. Carpintería de aluminio bronce no exterior, madeira no interior. Lucernarios.
Obra: Centro socio cultural Romaño Vista Alegre
Emprazamento: Santiago de Compostela, España.
Proxecto e dirección de obra: abalo alonso arquitectos. Elizabeth Abalo, Gonzalo Alonso
Colaboradores: Jesus Garabal, Berta Peleteiro, Luis Adrán, arquitectos.
Estructura: Carlos Bóveda, arquitecto.
Instalacións: Obradoiro Enxeñeiros. Carmelo Freire, Luis Durán.
Arquitecto técnico: Francisco González Varela
Promotor: Concello de Santiago.
Construcción: F. Gómez. Delegado, José Rey. Encargado, Lagares.
Industriais: Pizarra, Cupa. Carpintería aluminio, Cortizo, industrial, Arteal. Polímeros e siliconas, Syma. Cerraxeria, Emesar, Iluminación ornamental, Arturo Álvarez. Madera, Corral ye Couto.
Control de calidade: Euroconsult.
Redacción de proxecto: Concurso 27.04.2010, proxecto básico e de execución 24.06.2011
Execución de obra: 20.06.2014 – 22.05.2017
Presuposto total: 937.750,00 €
Superficie construida: 948,50 m2
Fotografía: Héctor Santos-Díez | BISimages + abaloalonso.es
Recoñecementos.
– 1º premio concurso de ideas 2010
– 1st Premio. III Bienal Internacional de Arquitectura de Bakú. Azerbaijan 2017.
– Finalista VII Bienal Internacional Barbara Cappochin. Italia 2017.[:en]
A compact, sober piece, which one seeks to adapt to the local scale.
A civic center that pivota about an emptiness to double height; the foyer like heart of the building, place of meeting, of stay in the steps stairs, of access to the different spaces: room, computer science of multiple uses, general bathroom and offices in the ground floor.
Also they find in this plant the facilities, though with independent access. Independence of the one that also enjoys the room of multiple uses; well to use her of isolated form or as access of service. In the first plant, library and classrooms.
Walls of load of termoarcilla seen, whitewashed in the interior; texture and warmth. Horizontal flagstones of slate in the exterior, economy of means and maintenance. Solados also of slate in access and traffics, of wood in the room, linoleum arrives. Some paraments of carton plaster, some that another false ceiling. Carpentry of aluminium bronze in the exterior, wood in the interior.
Work: Romaño Vista Alegre Civic Center
Location: Santiago de Compostela, Spain
Proyecto y dirección de obra: abalo alonso arquitectos. Elizabeth Abalo, Gonzalo Alonso
Collaboratore: Jesus Garabal, Berta Peleteiro, Luis Adrán, architects.
Structure: Carlos Bóveda, architect.
Facilities: Obradoiro Enxeñeiros. Carmelo Freire, Luis Durán.
Technical architect: Francisco González Varela
Promoter: Concello de Santiago.
Construction company : F. Gómez. Delegate, José Rey. Manager, Lagares.
Manufacturers: Slate, Cupa. Carpentry aluminium, Cortizo, manufacturer, Arteal. Polymers and silicones, Syma. Locksmithing, Emesar, ornamental Lighting, Arturo Álvarez. Madeira, Corral and Couto.
Quality control : Euroconsult.
Project draft: Competition for 27.04.2010, basic project and of execution 24.06.2011
Execution of work: 20.06.2014 – 22.05.2017
Total budget: 937.750,00 €
Built-up area: 948,50 m2
Photography: Héctor Santos-Díez | BISimages + abaloalonso.es
Awards.
– 1st reward contest of ideas 2010
– 1st Award. The Biennial International IIIrd of Architecture of Baku. Azerbaijan 2017.
– Finalist The Biennial International VIIth Barbara Cappochin. Italy 2017.[:]
Los próximos días 11, 12 y 13 de diciembre, se celebrará en Madrid el I Congreso Iberoamericano redfundamentos: Experiencias y métodos de investigación.
Organizado por redfundamentos, editor de la revista rita_ (Revista Indexada de Textos Académicos), contará con dos localizaciones: los días 11 y 12 de diciembre tendrá lugar en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM, Avda. Juan de Herrera, 4, 28040, Madrid) y el día 13 en la Casa de América (Plaza de la Cibeles, 2, 28014, Madrid).
En el caso de la ETSAM, las presentaciones, conferencias y ponencias tendrán lugar en tres ubicaciones: la sala de conferencias de la cuarta planta, la sala de grados A y la sala de grados B. En la Casa de América, todas las actividades se desarrollarán en el Salón Simón Bolívar.
El I Congreso Iberoamericano redfundamentos contará con la participación de más de 80 ponentes de toda Iberoamérica que presentarán las experiencias vividas y los métodos empleados en sus investigaciones. La conferencia inaugural estará a cargo de José Ignacio Linazasoro, Catedrático de proyectos y Presidente de Honor; y la conferencia de clausura la realizará José Ramón Alonso Pereira, Catedrático de Historia de la Arquitectura y del Urbanismo en la E.T.S. de Arquitectura de la Universidade da Coruña. Además, se celebrará un ciclo de cine Iberoamericano y Fernando Vela Cossío (Subdirector de Ordenación Académica y Relaciones con Latinoamérica de la ETSAM) presentará el programa iberoamericano de la Escuela.
Presidencia de Honor.
Manuel Blanco Lage (Catedrático).
José Ignacio Linazasoro (Catedrático).
Directores.
Arturo Franco Díaz.
Jacobo García Germán.
Santiago de Molina.
Comité científico. Grupos de investigación asociados:
– Análisis y documentación de la imagen de la ciudad. Arquitectura, Diseño, Moda & Sociedad (ETSAM).
– Arquitectura y Paisaje (ULPGC).
– Cats. Construction: advanced technologies and sustainability (UdG).
– Grupo de Investigación en Historia de la Arquitectura, “IALA” (UDC).
– Arquitectura y Cultura Contemporánea, (UGR).
– Grupo de Investigación en Composición Arquitectónica y Patrimonio (UDC).
– Patrimonio, Arquitectura y Paisaje, (CEU San Pablo).
– Puedes consultar el programa completo.
El acceso será gratuito con previa inscripción.
Toda la información, inscripción y programa completo en: congresoredfundamentos.com
[:gl]
Os próximos días 11, 12 e 13 de decembro, celebrarase en Madrid o I Congreso Iberoamericano redfundamentos: Experiencias e métodos de investigación.
Organizado por redfundamentos, editor da revista rita_ (Revista Indexada de Textos Académicos), contará con dúas localizacións: os días 11 e 12 de decembro terá lugar na Escola Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM, Avda. Juan de Herrera, 4, 28040, Madrid) e o día 13 na Casa de América (Praza da Cibeles, 2, 28014, Madrid).
No caso da ETSAM, as presentacións, conferencias e relatorios terán lugar en tres localizacións: a sala de conferencias da cuarta planta, a sala de graos A e a sala de graos B. Na Casa de América, todas as actividades desenvolveranse no Salón Simón Bolívar.
O I Congreso Iberoamericano redfundamentos contará coa participación de máis de 80 relatores de toda Iberoamérica que presentarán as experiencias vividas e os métodos empregados nas súas investigacións. A conferencia inaugural estará a cargo de José Ignacio Linazasoro, Catedrático de proxectos e Presidente de Honra; e a conferencia de clausura realizaraa José Ramón Alonso Pereira, Catedrático de Historia da Arquitectura e do Urbanismo na E.T.S. de Arquitectura da Universidade dá Coruña. Ademais, celebrarase un ciclo de cinema Iberoamericano e Fernando Vela Cossío (Subdirector de Ordenación Académica e Relacións con Latinoamérica da ETSAM) presentará o programa iberoamericano da Escola.
Presidencia de Honor.
Manuel Blanco Lage (Catedrático).
José Ignacio Linazasoro (Catedrático).
Directores.
Arturo Franco Díaz.
Jacobo García Germán.
Santiago de Molina.
Comité científico. Grupos de investigación asociados:
– Análise e documentación da imaxe da cidade. Arquitectura, Deseño, Moda & Sociedade (ETSAM).
– Arquitectura e Paisaxe (ULPGC).
– Cats. Construction: advanced technologies and sustainability (UdG).
– Grupo de Investigación en Historia de la Arquitectura, “IALA” (UDC).
– Arquitectura e Cultura Contemporánea, (UGR).
– Grupo de Investigación en Composición Arquitectónica e Patrimonio (UDC)
– Patrimonio, Arquitectura e Paisaxe, (CEU San Pablo)
– Podes consultar o programa completo.
O acceso será gratuito con previa inscripción.
Toda a información, inscripción e programa completo en: congresoredfundamentos.com
[:en]
Los próximos días 11, 12 y 13 de diciembre, se celebrará en Madrid el I Congreso Iberoamericano redfundamentos: Experiencias y métodos de investigación.
Organizado por redfundamentos, editor de la revista rita_ (Revista Indexada de Textos Académicos), contará con dos localizaciones: los días 11 y 12 de diciembre tendrá lugar en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM, Avda. Juan de Herrera, 4, 28040, Madrid) y el día 13 en la Casa de América (Plaza de la Cibeles, 2, 28014, Madrid).
En el caso de la ETSAM, las presentaciones, conferencias y ponencias tendrán lugar en tres ubicaciones: la sala de conferencias de la cuarta planta, la sala de grados A y la sala de grados B. En la Casa de América, todas las actividades se desarrollarán en el Salón Simón Bolívar.
El I Congreso Iberoamericano redfundamentos contará con la participación de más de 80 ponentes de toda Iberoamérica que presentarán las experiencias vividas y los métodos empleados en sus investigaciones. La conferencia inaugural estará a cargo de José Ignacio Linazasoro, Catedrático de proyectos y Presidente de Honor; y la conferencia de clausura la realizará José Ramón Alonso Pereira, Catedrático de Historia de la Arquitectura y del Urbanismo en la E.T.S. de Arquitectura de la Universidade da Coruña. Además, se celebrará un ciclo de cine Iberoamericano y Fernando Vela Cossío (Subdirector de Ordenación Académica y Relaciones con Latinoamérica de la ETSAM) presentará el programa iberoamericano de la Escuela.
Presidencia de Honor.
Manuel Blanco Lage (Catedrático).
José Ignacio Linazasoro (Catedrático).
Directores.
Arturo Franco Díaz.
Jacobo García Germán.
Santiago de Molina.
Comité científico. Grupos de investigación asociados:
– Análisis y documentación de la imagen de la ciudad. Arquitectura, Diseño, Moda & Sociedad (ETSAM).
– Arquitectura y Paisaje (ULPGC).
– Cats. Construction: advanced technologies and sustainability (UdG).
– Grupo de Investigación en Historia de la Arquitectura, “IALA” (UDC).
– Arquitectura y Cultura Contemporánea, (UGR).
– Grupo de Investigación en Composición Arquitectónica y Patrimonio (UDC).
– Patrimonio, Arquitectura y Paisaje, (CEU San Pablo).
– Puedes consultar el programa completo.
El acceso será gratuito con previa inscripción.
Toda la información, inscripción y programa completo en: congresoredfundamentos.com
Sobre Planificación Urbana, Río Verde y los baipases
Desde el origen de los tiempos, las ciudades han sido espacios intensos de intercambio, donde los hombres han buscado construir un mayor grado de bienestar, entendido por Aristóteles como el “mejor bien”. La evolución en sus mecanismos de gobierno y regulación tiene que ver con la constante exploración de formas de equilibrio, que permitan repartir la prosperidad que en ellas se genera. Al proyectar su desarrollo mediante un modelo de planificación integral y sistémico, se amplía la cartera de proyectos y el impacto positivo de los mismos, generando nuevos escenarios de inversión pública y privada.
En ese sentido, nuestros vecinos latinoamericanos han mejorado sus ciudades desde la aplicación de un modelo de planificación estratégico y adaptativo. Quienes hayan viajado en la última década a la ciudad de Buenos Aires, pueden dar fe de los buenos resultados de las políticas orientadas a la recuperación de los espacios públicos, desde la gestión integral de los sistemas urbanos, y la aplicación de un plan integral de movilidad sostenible.
El Plan Director Estratégico de la ciudad de San Pablo propone destinar el 60% de los fondos obtenidos por capitalización de plusvalías para transporte público y vivienda social. La ciudad de Río de Janeiro buscó las Olimpiadas como evento detonante para el plan de transformación de la ciudad, destinando el 80% de la inversión como legado en infraestructura, vivienda social, transporte y espacio público. Y así podríamos seguir repasando ejemplos exitosos, en los que la planificación ha mejorado la calidad de vida de los ciudadanos y el valor de la ciudad.
El caso de Lima dista mucho de esas otras realidades, durante la anterior gestión se concluyeron los estudios para el Plan Metropolitano de Desarrollo Urbano (PLAM 2035), documento avalado por el programa de Naciones Unidas ONU-HABITAT. No obstante, a la fecha, la actual gestión no ha continuado el proceso. En su lugar han aprobado -sin tener atribución, según la Ley Orgánica de Municipalidades (Art.157)- un documento titulado “Plan de Desarrollo Local Concertado 2016-2021”, en el cual se incorporan como “Proyectos de Inversión Estratégica” una serie de obras viales entre las que destacan 18 baipases, que se presentan sin contexto ni sustento de planificación.
«Baipases» de la Av. 28 de Julio | Fuente: andina.com.pe
Lamentablemente esto no es un tema menor, la obra más polémica de la actual gestión municipal son los baipases de la avenida 28 de julio, para los que se usó el presupuesto reservado para el proyecto “Río Verde”, mediante el cual se pretendía recuperar y conectar los márgenes del río Rímac en el Centro de Lima. Más allá del trasfondo político, lo que se pone en evidencia es que, al no tener un Plan Metropolitano de Desarrollo Urbano, la ciudad carece de un modelo consensuado de futuro, en base al cual discutir objetivamente la pertinencia de uno u otro proyecto. La ausencia de una visión integral va en contra el principio del “mejor bien”, pues en lugar de ser la ciudad la que defina sus proyectos prioritarios, queda sujeta a iniciativas aisladas que no coadyuvan entre sí, y terminan por agravar los problemas. La demostrada ineficacia de los mencionados baipases para solucionar la congestión vehicular en esos nodos, es la mejor prueba de lo antes expuesto.
Mediante la planificación damos escala territorial y temporal a los posibles escenarios de solución. Por ejemplo, se pasa de discutir sobre si necesitamos escaleras o teleféricos para acceder a lo alto de los cerros, para pensar en los posibles modelos de consolidación de la ciudad hacia sus bordes, y la densificación de las áreas con buena accesibilidad a los servicios urbanos.
Está claro que la Planificación Urbana no es la respuesta milagrosa a todos los males de la ciudad, pero sí que es un camino técnicamente confiable por medio del cual podemos proyectar nuestro futuro, bajo el objetivo de la búsqueda del “mejor bien” para todos.
Aldo G. Facho Dede · Arquitecto Lima · Noviembre 2017 Autor del Blog Habitar: Ambiente+Arquitectura+Ciudad
Ópera Nacional de Oslo, Operahuset, Snøetta 2008. Croquis MADC.
El dibujo supone quizá la más valiosa herramienta para ver, no solo mirar,arquitectura. El registro cinematográfico del ojo, nuestra visión en movimiento, nuestro tempo, oculta con frecuencia aspectos esenciales de todo lo que nos rodea, pliegues de lo visible tan solo evidentes bajo ciertas condiciones de atención y pertenencia al lugar.1 El placer de dibujar un rostro, una ciudad o un paisaje, nos ralentiza y nos invita a explorar desde la mirada, apresurada como anda ante la falta de tiempo, distraída por la nube de imágenes que se deslizan como papeles sobre el agua de nuestras pantallas retro-iluminadas.
Un apunte rápido de la Ópera de Oslo muestra aquí solo lo imprescindible: un paisaje de plegaduras, luz y un suave oleaje.2 Nada más parece necesario, quizá la distancia oportuna para entender lo que vemos, ese tomar distancia para intentar, en realidad, aproximarnos. El dibujo nos desvela cuestiones importantes como son la perspectiva, aquí indescifrable; la escala, ingeniosamente manipulada; la proporción, horizontal como el ojo del cocodrilo; la geometría, de base triangular; la relación con la luz, deslumbrante desde un impropio blanco mediterráneo; el suave vaivén del agua sobre la espalda de un iceberg precisamente calculado. Tan importante resulta aquí lo evidenciado como lo sutilmente sustraído e incluso, por qué no, manipulado: el dibujo miente en ocasiones para decir la verdad.
El ejercicio del dibujo permite pulsar las condiciones ocultas de un lugar, descifrar la «vida» de las formas más allá de las circunstancias que puedan interponerse.3 Necesitamos dibujar para entender, para ver desde la pertenencia, para descifrar lo esencial de aquello que se nos muestra en la batalla del cuerpo a cuerpo. Aunque también necesitamos dibujar para reconocernos a nosotros mismos en ese discurrir, sentirnos incluidos, refugiados, pertenecer de alguna manera a ese mundo desconocido que tratamos de comprender desde la militancia del dibujo. Somos el primer fugitivo de nuestro cuaderno de viaje. Somos, fugazmente, habitantes del dibujo.
Miguel Ángel Díaz Camacho. Doctor Arquitecto
Madrid. Julio 2015. Autor de Parráfos de arquitectura. #arquiParrafos
Notas:
1 En alguna de sus creaciones en vídeo, Bill Viola ralentiza tanto la velocidad de los fotogramas que resulta verdaderamente insoportable para algunas personas. Ver «The quintet of the astonished» (The Passions), 2000.
2 Ópera Nacional de Oslo, Operahuset, Snøetta 2008. Croquis MADC.
3 Fernando Távora habla sobre la vida de las formas en «Sobre la organización del espacio«, Valencia, UPV, 2014 (texto original de 1964).
Arquitectura móvil en su maravillosa variedad, una vivaz colección de estructuras móviles y portátiles.
Movitectura: Arquitectura móvil es un compendio único que rinde tributo a la arquitectura móvil en todas sus formas. Esta publicación, una oda visual a la vida en movimiento, exhaustiva tanto en variedad como en amplitud, explora estructuras móviles que van de lo extravagante a lo sensato y de lo rústico a lo lujoso. Abarcando diseños arquitectónicos que ruedan, se desdoblan, saltan, se deslizan en trineo y flotan sobre el agua, Movitectura aúna una espectacular colección de estructuras en las que podemos deleitarnos, vivir, trabajar o hacer una pausa. Con más de 250 imágenes y un diseño inteligente y cautivador, este libro compacto gustará a todos aquellos que aprecien el poder de un buen diseño.
Movitectura no se limita a tipologías icónicas como las tiendas de campaña y las caravanas, sino que ofrece una enorme variedad de estructuras móviles diseñadas para desiertos, océanos, playas, montañas y ciudades, lo cual pone de relieve una unión entre arte y movilidad. Captando el espíritu de la invención y la ingenuidad, cada ‘movitectura’ supone una latente promesa de libertad con respecto a las rutinas y obligaciones cotidianas. Tal como evidencia el perenne atractivo de las autocaravanas retro, las caravanas Airstream, la fiebre internacional del ‘glamping’, etc., el perdurable encanto de la arquitectura móvil es global y afloró hace varias décadas.
Mientras que ciertos proyectos recurren a la libertad para experimentar con materiales, tamaños, colores y conceptos de diseño, otros arrojan luz de manera más emotiva sobre la importancia del diseño de estructuras móviles. Movitectura incluye diseños que ayudan a los refugiados que huyen de las zonas de conflicto, a los emigrantes económicos que esperan labrarse una vida mejor en otro lugar, a la migración medioambiental debida a causas naturales y a los sin hogar. Desde el Portable Housing Space de Winfried Baumann hasta la Origami Paper House de Architecture Global Aid y la Tent 2 de Angela Luna, la ‘movitectura’ puede ofrecer respuestas funcionales y salvadoras a las necesidades urgentes de refugio. El galardón Beazley Design of the Year de este año, asociado al Museo del Diseño de Londres, puso énfasis en la creciente necesidad de estructuras móviles tras conceder el primer premio a la Fundación Ikea y a la Agencia de la ONU para los Refugiados por su vivienda compacta. hew.tucker@buzzfeed.com
Organizado en ocho capítulos – Humano, Sin ruedas, Una & dos ruedas, Tres ruedas, Cuatro ruedas, Cinco o + ruedas, Trineos y Agua – según el medio primordial de movilidad del proyecto, Movitectura puede leerse como una colección de estudios prácticos singulares o de principio a fin. Cada proyecto incluye detalles sobre el nombre de la estructura, el arquitecto, diseñador, artista o fabricante, el país de origen y su fecha de finalización. Asimismo, junto a cada ‘movitectura’ podemos encontrar más información en forma de símbolos, y en ella se especifica el número de personas que puede albergar el proyecto, el medio de movilidad y la paleta de materiales principales con los que se construyó la estructura. Al principio del libro se incluye también una útil ‘Clave para los iconos de movilidad’.
Siguiendo los pasos del best-seller Nanotectura, también de Rebecca Roke, Movitectura engloba una sorprendente e inspiradora variedad de formas, materiales, colores, tamaños y localizaciones. Con un toque de extravagancia, este exquisito libro es una cautivadora referencia visual para arquitectos, diseñadores y todos aquellos que disfruten viviendo y viajando con estilo.
[:gl]
Arquitectura móbil na súa marabillosa variedade, unha vivaz colección de estruturas móbiles e portátiles.
Mobitectura: Arquitectura móbil é un compendio único que rende tributo á arquitectura móbil en todas as súas formas. Esta publicación, unha oda visual á vida en movemento, exhaustiva tanto en variedade como en amplitude, explora estruturas móbiles que van do extravagante ao sensato e do rústico ao luxoso. Abarcando deseños arquitectónicos que rodan, desdóbranse, saltan, deslízanse en trineo e flotan sobre a auga, Mobitectura aúna unha espectacular colección de estruturas nas que podemos deleitarnos, vivir, traballar ou facer unha pausa. Con máis de 250 imaxes e un deseño intelixente e cativador, este libro compacto gustará a todos aqueles que aprecien o poder dun bo deseño.
Mobitectura non se limita a tipoloxías icónicas como as tendas de campaña e as caravanas, senón que ofrece unha enorme variedade de estruturas móbiles deseñadas para desertos, océanos, praias, montañas e cidades, o cal pon de relevo unha unión entre arte e mobilidade. Captando o espírito da invención e a inxenuidade, cada ‘mobitectura’ supón unha latente promesa de liberdade con respecto ás rutinas e obrigacións cotiás. Tal como evidencia o perenne atractivo das autocaravanas retro, as caravanas Airstream, a febre internacional do ‘glamping’, etc., o perdurable encanto da arquitectura móbil é global e aflorou hai varias décadas.
Mentres que certos proxectos recorren á liberdade para experimentar con materiais, tamaños, cores e conceptos de deseño, outros arroxan luz de maneira máis emotiva sobre a importancia do deseño de estruturas móbiles. Movitectura inclúe deseños que axudan aos refuxiados que foxen das zonas de conflito, aos emigrantes económicos que esperan labrarse unha vida mellor noutro lugar, á migración ambiental debida a causas naturais e aos sen fogar. Desde o Portable Housing Space de Winfried Baumann ata a Origami Paper House de Architecture Global Aid e a Tent 2 de Angela Lúa, a ‘mobitectura’ pode ofrecer respostas funcionais e salvadoras ás necesidades urxentes de refuxio. O galardón Beazley Design of the Year deste ano, asociado ao Museo do Deseño de Londres, puxo énfase na crecente necesidade de estruturas móbiles tras conceder o primeiro premio á Fundación Ikea e á Axencia da ONU para os Refuxiados pola súa vivenda compacta. hew.tucker@buzzfeed.com
Organizado en oito capítulos -Humano, Sen rodas, Unhas & dúas rodas, Tres rodas, Catro rodas, Cinco ou + rodas, Trineos e Auga- segundo o medio primordial de mobilidade do proxecto, Mobitectura pode lerse como unha colección de estudos prácticos singulares ou de principio a fin. Cada proxecto inclúe detalles sobre o nome da estrutura, o arquitecto, deseñador, artista ou fabricante, o país de orixe e a súa data de finalización. Así mesmo, xunto a cada ‘mobitectura’ podemos atopar máis información en forma de símbolos, e nela especifícase o número de persoas que pode albergar o proxecto, o medio de mobilidade e a paleta de materiais principais cos que se construíu a estrutura. Ao principio do libro inclúese tamén unha útil ‘Clave para as iconas de mobilidade’.
Seguindo os pasos do best-seller Nanotectura, tamén de Rebecca Roke, Mobitectura engloba unha sorprendente e inspiradora variedade de formas, materiais, cores, tamaños e localizacións. Cun toque de extravagancia, este exquisito libro é unha cativadora referencia visual para arquitectos, deseñadores e todos aqueles que gocen vivindo e viaxando con estilo.
[:en]
Mobile architecture in his wonderful variety, a vivacious collection of mobile and portable structures.
Mobitecture: mobile Architecture is the only compendium that produces tax to the mobile architecture in all his forms. This publication, a visual ode to the life in movement, exhaustive both in variety and in extent, explores mobile structures that go from the extravagant thing to the sensible thing and from the rustic thing to the luxurious thing. Including architectural designs that roll, they are unfolded, jump, slip on bobsled and float on the water, Mobitecture unites a spectacular collection of structures in which we can take delight, to live, to work or to do a pause. With more than 250 images and an intelligent and captivating design, they all will like this compact book those that they estimate the power of a good design.
Mobitecture does not limit himself to tipologías iconic typology as the shops of campaign and the caravans, but there offers an enormous variety of mobile structures designed for deserts, oceans, beaches, mountains and cities, which emphasizes an union between art and mobility. Catching the spirit of the invention and the naiveté, every ‘Mobitecture‘ supposes a latent promise of freedom with regard to the routines and daily obligations. As the everlasting attraction of the autocaravans demonstrates retro, the caravans Airstream, the international fever of the ‘glamping’, etc., the lasting captivation of the mobile architecture is global and it showed several decades ago.
Whereas certain projects resort to the freedom to experiment with materials, sizes, colors and concepts of design, others throw light of a more emotive way on the importance of the design of mobile structures. Mobitecture includes designs that help the refugees who flee of the zones of conflict, which expect for the economic emigrants to work a better life in another place, to the environmental migration due to natural reasons and to them without home. From Winfried Baumann’s Portable Housing Space up to the Origami Paper Global House de Architecture Aid and the Tent 2 of Angela Luna, the ‘Mobitecture‘ can offer functional answers and salvadoras to the urgent needs of refuge. The award Beazley Design of the Year of this year, associated with the Museum of the Design of London, put emphasis in the increasing need of mobile structures after awarding the first prize to the Foundation Ikea and to the Agency of the UNO for the Refugees for his compact housing. hew.tucker@buzzfeed.com
Organized in eight chapters – Human being, Without wheels, one and two wheels, Three wheels, Four wheels, Five or + wheels, Bobsleds and Water – according to the basic way of mobility of the project, Mobitecture can be read as a collection of practical singular studies or through. Every project includes details on the name of the structure, the architect, designer, artist or manufacturer, the native land and his date of ending. Likewise, together with every ‘mobitecture’ we can find more information in the shape of symbols, and in her there is specified the number of persons that it can shelter the project, the way of mobility and the palette of principal materials with which the structure was constructed. Initially of the book it is included also useful ‘Key for the icons of mobility’.
Following the steps of the best-seller Nanotecture, also of Rebecca Roke, Movitectura includes a surprising and inspiring variety of forms, materials, colors, sizes and locations. With a touch of extravagancy, this exquisite book is a captivating visual reference to architects, designers and all those who enjoy living and travelling with style.
Villa Slow es un retiro vacacional para alquiler en el Parque Natural de Valles Pasiegos, en Cantabria, que nace de una ruina de piedra en un terreno natural de más de dos hectáreas. El volumen se basa en una construcción tradicional de la zona llamada «cabaña pasiega» pero con un toque conteporáneo. La ubicación estratégica de la construcción en la cima de una pequeña colina orientada al sur, otorga impresionantes vistas hacia el valle y la montaña.
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
El esquema de la casa es simple. Dos grandes ventanas panorámicas en la sala de estar orientadas en direcciones opuestas crean una bella escenografía de montañas, nubes y árboles. Estas dos aberturas permiten disfrutar de las impresionantes vistas hacia el valle y las montañas desde la amplia sala de estar en el centro de la casa.
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Dos dormitorios se sitúan al lado de la sala de estar, en el ala este, en el lado más privado, ambos con su propio baño y aberturas hacia el paisaje infinito por donde reciben una preciosa luz matinal. Gracias a su generosa altura, aparece un entrepiso en la parte superior del núcleo del baño que genera un espacio adicional que permite más combinaciones de huéspedes: solo una pareja, pareja con niños, amigos, etc.
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow está diseñada y construida con extrema atención y cuidado por los detalles. La casa es muy respetuosa con el medio ambiente en términos estéticos y técnicos. Villa Slow es una casa pasiva gracias a una bomba de calor, suelo radiante, aislamiento de alta calidad y ventanas para una mínima pérdida de calor. El vidrio de alto rendimiento calienta el interior en el invierno y las grandes contraventanas de madera protegen contra el aumento de calor durante el verano. Todos los materiales utilizados para construir Villa Slow son reutilizados del antiguo cobertizo de piedra o provienen de la zona de Cantabria.
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Las toscas paredes exteriores de piedra y los techos contrastan con la delicada estructura y detalles de madera del interior. Villa Slow es una casa de contrastes sutiles: áspero-delicado, abierto-cerrado, gris-madera, interior-exterior, tradicional-moderno.
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
La arquitectura de Laura Álvarez trata de encontrar soluciones equilibradas en la materialización. En este proyecto, los elementos de madera dan una sensación cálida, mientras que los blancos ayudan a entender la envolvente del edificio. Una combinación de mobiliario clásico y elementos minimalistas crean un espacio muy tranquilo desde el que disfrutar del entorno natural excepcional.
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Obra: Villa Slow
Emplazamiento: San Roque de Riomiera, Valles Pasiegos, Cantabria
Área: 160 m2 brutos, 120 m2 netos
Año: 2014-2017
Función: Alquiler vacacional
Cliente y promotor: Laura Alvarez
Autor: Laura Alvarez Architecture
Constructora: SOAL inversiones
Carpintería de madera: Carpinteria Astillero
Fotografía: David Montero
Maqueta: Matteo Silverii
Permisos y apoyo local: Iván Arenal y Patricia Revuelta. + lauraalvarez.eu[:gl]
Villa Slow é un retiro vacacional para aluguer no Parque Natural de Vales Pasiegos, en Cantabria, que nace dunha ruína de pedra nun terreo natural de máis de dúas hectáreas. O volume baséase nunha construción tradicional da zona chamada «cabana pasiega» pero cun toque conteporáneo. A localización estratéxica da construción na cima dun pequeno outeiro orientado ao sur, outorga impresionantes vistas cara ao val e a montaña.
O esquema da casa é sinxelo. Dúas grandes xanelas panorámicas na sala de estar orientadas en direccións opostas crean unha bela escenografía de montañas, nubes e árbores. Estas dúas aberturas permiten gozar das impresionantes vistas cara ao val e as montañas desde a ampla sala de estar no centro da casa. Dous dormitorios sitúanse á beira da sala de estar, no á este, no lado máis privado, ambos co seu propio baño e aberturas cara á paisaxe infinita por onde reciben unha preciosa luz matinal. Grazas á súa xenerosa altura, aparece un entrepiso na parte superior do núcleo do baño que xera un espazo adicional que permite máis combinacións de hóspedes: só unha parella, parella con nenos, amigos, etc.
Villa Slow está deseñada e construída con extrema atención e coidado polos detalles. A casa é moi respectuosa co medio ambiente en termos estéticos e técnicos. Vila Slow é unha casa pasiva grazas a unha bomba de calor, chan radiante, illamento de alta calidade e xanelas para unha mínima perda de calor. O vidro de alto rendemento quenta o interior no inverno e as grandes contraventanas de madeira protexen contra o aumento de calor durante o verán. Todos os materiais utilizados para construír Vila Slow son reutilizados do antigo alpendre de pedra ou proveñen da zona de Cantabria.
As bastas paredes exteriores de pedra e os teitos contrastan coa delicada estrutura e detalles de madeira do interior. Vila Slow é unha casa de contrastes sutís: áspero-delicado, aberto-pechado, gris-madeira, interior-exterior, tradicional-moderno.
A arquitectura de Laura Álvarez trata de atopar solucións equilibradas na materialización. Neste proxecto, os elementos de madeira dan unha sensación cálida, mentres que os brancos axudan a entender a envolvente do edificio. Unha combinación de mobiliario clásico e elementos minimalistas crean un espazo moi tranquilo desde o que gozar da contorna natural excepcional.
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Obra: Villa Slow
Emprazamento: San Roque de Riomiera, Valles Pasiegos, Cantabria
Área: 160 m2 brutos, 120 m2 netos
Ano: 2014-2017
Función: Alquiler vacacional
Cliente e promotor: Laura Alvarez
Autor: Laura Alvarez Architecture
Constructora: SOAL inversiones
Carpintería de madeira: Carpinteria Astillero
Fotografía: David Montero
Maqueta: Matteo Silverii
Permisos e apoio local: Iván Arenal e Patricia Revuelta. + lauraalvarez.eu[:en]
Villa Slow is a rental holiday retreat in the Natural Park of Valles Pasiegos, in the North of Spain emerging from a stone-ruin within a more than two-hectare terrain of natural landscape. The new home typology is based on a traditional construction of the area called ‘cabaña pasiega’ (peasant cabin) but with a contemporary twist. The strategic location of the construction on top of a little hill facing south, grants impressive views towards the valley and from the mountain.
The scheme of the house is simple. Two big panoramic windows in the living room facing opposite directions create a beautiful scenography of mountains, clouds, and trees. These two openings allow to enjoy the impressive views towards the valley and mountains from the spacious living room in the centre of the house. Two bedrooms are situated next to the living area, on the eastern wing, in the most private side, both with their own bathroom and openings to the infinite landscape. They receive beautiful light in the morning. Thanks to their generous height, a mezzanine on top of the bathroom core, allows for additional sleeping arrangements: just a couple, couple with children, friends, etc.
Villa Slow is designed and built with extreme mindfulness and care for detail. The house is very respectful with the environment in aesthetic and technical terms. Villa Slow is a passive house thanks to a heat pump, under floor heating and high quality insulation and windows for a minimum heat loss. The high performance glass warms up the interior in the winter and the big wooden shutters protect from heat gain during summer. All materials used to build Villa Slow are reused from the old stone shed or come from the area of Cantabria.
The rough exterior stone-walls and roofs contrast with the delicate interior wooden structure and details. Villa Slow is a house of subtle contrasts: rough-delicate, open-closed, wood-grey, interior-exterior, traditional-modern.
Laura Alvarez architecture tries to find balanced solutions in materialisation. In this project, wood elements give a warm feeling, whereas white helps understanding the building envelope. A combination of classic sitting furniture and minimalist elements create a very calm space from which enjoying the outstanding natural setting.
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Villa Slow | Laura Alvarez Architecture
Work : Villa Slow
Location: San Roque de Riomiera, Valles Pasiegos, Cantabria
Area: 160 m2 gross floor area, 120 m2 net floor area
Year: 2014-2017
Status: Built
Function: Holiday retreat rental
Client and developer: Laura Alvarez
Architect: Laura Alvarez Architecture
Contractor: SOAL inversiones
Interior wood works: Carpinteria Astillero
Photography: David Montero
Model making: Matteo Silverii
Local support building permit: Ivan Arenal and Patricia Revuelta. + lauraalvarez.eu[:]
Fernando Higueras Díaz, nace en Madrid el 26 de noviembre de 1930. Cursa estudios en el Instituto Escuela y de bachiller en el madrileño Colegio Estudio. Finaliza en 1959 la carrera de arquitectura en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid.
La Fundación Fernando Higueras tiene carácter cultural y tiene como objetivos:
«El estudio, catalogación, conservación de la obra proyectada y construida del arquitecto Fernando Higueras, la colaboración con las administraciones públicas tanto estatal como autonómicas y locales, universidades, academias, museos, colegios profesionales, y otras fundaciones de carácter cultural, tanto españolas como extranjeras, en proyectos y actividades académicas de investigación, docentes y expositivas, encaminadas al estudio y divulgación pedagógica de la obra y proyectos de Fernando Higueras, y su significado en relación con la arquitectura contemporánea internacional.»
Iñaki Ábalos. Desde la colaboración.
Manuel Ocaña. Desde el análisis.
Nuria Espert. Desde la emoción.
Miguel Oriol. Desde el principio.
Juan Herreros. Desde la distancia.
Salvador Pérez Arroyo. Desde la fundación.
Óscar Tusquets Blanca. Desde el entusiasmo.
Fernando de Higueras Díaz (Madrid, 26 de Noviembre de 1930 – Madrid, 30 de enero de 2008)
Fue un arquitecto español que se tituló como arquitecto en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid en 1959, dentro de una promoción caracterizada por su distanciamiento del racionalismo y su aproximación a las corrientes organicistas, que tenían como referencia la obra de Frank Lloyd Wright.
Gran aficionado a la música, a la pintura y a la fotografía, disciplinas artísticas en las que también ha sido premiada su valía, la originalidad y potencia creadora de Higueras representa, dentro del panorama arquitectónico español, una de las más singulares conjunciones de rigor constructivo con la adaptación al medio físico y natural y del entendimiento de la arquitectura popular desde planteamientos contemporáneos. Con una arquitectura bella y funcional a la vez, sus obras buscan el énfasis tanto en los rasgos expresivos como en la lógica interna.
Desde muy temprano, incluso en su época de estudiante, alcanzó algunos éxitos en el campo de la arquitectura, como el primer premio para un Refugio de alta montaña, otorgado en 1958 por la Escuela de Bellas Artes de San Jorge de Barcelona.
Premio Nacional de Arquitectura en 1961 al Proyecto de centro de restauraciones artísticas, en colaboración con Rafael Moneo, Higueras realiza una arquitectura contra corriente, con un estilo personal característico que lo mantendrá a lo largo de su producción profesional, bien trabajando en solitario, o en colaboración con Antonio Miró Valverde, a partir del año 1962.
Entre sus obras primeras destacan un acertado proyecto para artistas en el monte de El Pardo, de 1960, y la casa Lucio Muñoz en Torrelodones, Madrid, de los años 1962-63, con un estudiado ajuste a la naturaleza como objetivo cumplido.
El estilo de Higueras se le reconoce por el uso sistemático del hormigón armado «visto», mostrando su estructuralismo calcáreo de modo natural, con una expresividad a veces libre y asimétrica, y a veces más clasicista y sosegada. A este tipo pertenece el espectacular edificio de hormigón visto, de planta circular y cubierta inclinada con pináculos de cristal, creado para Centro de Restauraciones Artísticas de Madrid en 1968, realizado en colaboración con Antonio Miró.
Sus espectaculares y sencillas soluciones estructurales, junto con sus bóvedas tabicadas han influido en arquitectos posteriores de manera significativa. La riqueza de la obra de Higueras representa al tiempo la continuidad arquitectónica en España del constructivismo ruso, de la mejor tradición constructiva de Wright pudiendo ser considerado también como uno de los precursores del informalismo en la arquitectura.
Durante su vida profesional, Lebbeus Woods bosquejó pensamientos. Las imágenes que produjo incorporan atisbos de un futuro improbable. Se desplaza sobre ideas sugerentes que no están sometidas a las reglas de la sociedad. Por el contrario, las cuestiona.
Sus representaciones, habitantes de un territorio inhóspito, personifican su singular ontología. Estructuras flotantes y construcciones móviles que componen un relato cargado de sugerencias que reinterpretan el caos urbano.
Su compromiso filosófico prioriza la gráfica por encima de la construcción para evitar ser víctima de las proposiciones de sus clientes. Para Woods, el espacio de la arquitectura futura es la indagación permanente. Pero por sobre todo, representa una posición declamatoria sobre la barbarie de la sociedad.
En tiempos de Alemania dividida por el muro, visiona una ciudad subterránea debajo de Berlín. Proyecta colocar núcleos de circulación vertical en diferentes puntos de la ciudad para que sus habitantes, orientales y occidentales, desciendan a un espacio público común ajeno a las condicionantes políticas existentes en la superficie.
Sarajevo from War and Architecture, 1993
Su plan para la reconstrucción de Sarajevo prevé construir sobre las ruinas, porque considera que ofrecen un sustrato de información que debe permanecer latente. Plantea nuevos flujos circulatorios sobre el paisaje urbano derruido por las metrallas como una manera de evolucionar la ciudad.
Diseña estructuras móviles para instalar en lugares sísmicos. Explora la caótica realidad urbana con imágenes incisivas. Intuye la reconstrucción de territorios devastados por acciones bélicas multiplicando espacios mediante la superposición de capas en diferentes niveles. Condena la violencia dejando visibles sus secuelas. Responde al caos con un nuevo orden ajustado a su imaginación. Impone su poética de manera sugestiva.
Sarajevo from War and Architecture, 1993
La arquitectura de Lebbeus Woods es una investigación fascinante que edifica escenas fantásticas de un mundo alternativo. El alegato que se aferra en la ligereza estructural y la dinámica circulatoria para desplegar una figuración propia.
Su inventiva no está sugestionada por la fuerza de gravedad, y esa liberación intelectual le permite invadir el vacío con soltura e impregnarlo de fantasía.
Sarajevo from War and Architecture, 1993
Marcelo Gardinetti. Arquitecto
La Plata, Argentina. Noviembre 2017
«me interesé mucho en elementos en la línea de las películas, como el diseño de decorados. Entonces me interesé más en las personas que en los muros que había diseñado y empecé a leer guiones. Me presenté como directora artística al National Film and Television School en el Reino Unido y mientras estaba en la entrevista les dije que no estaba decidida si quería ser directora artística o directora, y me dijeron que debería irme a mi casa y pensármelo.
Muy pronto me presenté a directora en Den Danske Filmskole. No soy como varios directores masculinos que han sido fanáticos del cine toda su vida».
Según Bier, parece que el cine se ocupa más de la gente que la arquitectura, lo cual es muy discutible, pero sí es verdad que esta última se convierte en un valioso paso intermedio para acabar dirigiendo películas.
También le preguntan qué directores le influían en aquellos años y contesta:
«Yo estaba increíblemente influenciada en aquel entonces por directores como Antonioni que usaban la arquitectura muy significativamente».
No es la primera vez, ni será la última, que se recomiendan en este blog las películas dirigidas por Michelangelo Antonioni, porque su huella ha sido fundamental en las relaciones entre el cine y la arquitectura y, si no sigue siéndola, sólo podrá ser achacable a la falta de cultura cinematográfica tanto de algunos cineastas, como de algunos arquitectos.
Jorge Gorostiza, Doctor arquitecto.
Santa Cruz de Tenerife, septiembre 2017 Autor del blog Arquitectura+Cine+Ciudad
[:es]Hispalyt convoca los Premios de Arquitectura de Ladrillo y de Teja
La Asociación Española de Fabricantes de Ladrillos y Tejas de Arcilla Cocida (Hispalyt) ha convocado sus dos Premios de Arquitectura: el XIV Premio de Arquitectura de Ladrillo y el III Premio de Arquitectura de Teja.
Estos Premios de Arquitectura, que cuentan con la colaboración de Endesa, tienen un doble objetivo: por un lado, poner en valor la producción arquitectónica de nuestro país realizada con materiales cerámicos, en este caso, el ladrillo cara vista y la teja, y por otro, dar una mayor difusión y repercusión social de las obras más significativas durante el periodo correspondiente.
A ambos Premios podrán concurrir profesionales, arquitectos y constructores, de nacionalidad española o extranjera, con obras de nueva planta de uso público o privado, reformas, rehabilitaciones o espacios públicos urbanos, tanto ubicadas en España como en el extranjero, y que utilicen de forma significativa el ladrillo cara vista o la teja fabricados en España por alguno de los miembros de Hispalyt.
La fecha de finalización de las obras para ambos Premios debe estar comprendida entre el 30 de noviembre de 2015 y el 30 de noviembre de 2017.
La inscripción y presentación de las obras para ambos Premios se realizará a través de la página web de Hispalyt, donde se encuentra toda la información relativa a los Premios.
La fecha límite para la presentación de la documentación es el 19 de diciembre de 2017.
– II Premio de Arquitectura de Teja. Dos viviendas en las murallas de Oropesa (Toledo). Paredes Pedrosa Arquitectos. – XIII Premio de Arquitectura de Ladrillo. Vivienda unifamiliar en Granollers (Barcelona). HARQUITECTES.
El Jurado estará compuesto por los siguientes profesionales de reconocido prestigio:
· Ignacio G. Pedrosa, en representación de Paredes Pedrosa Arquitectos (Ángela García de Paredes e Ignacio G. Pedrosa), ganadores del II Premio de Arquitectura de Teja.
· Antonio Cruz y Antonio Ortiz, arquitectos.
· José María Lapuerta, arquitecto.
· Víctor López Cotelo, arquitecto.
· Enrique Sanz, arquitecto, director de la revista conarquitectura.
· Pedro Rognoni y Noé Román, presidentes de las Secciones de Ladrillos Cara Vista y de Tejas de Hispalyt, respectivamente.
· Elena Santiago, secretaria general de Hispalyt.
El fallo del Jurado se hará público a partir del viernes 26 de enero de 2018. La fecha de entrega de premios se facilitará a los ganadores una vez que se hayan fallado los Premios.
Tras la entrega de Premios, se publicará un libro conmemorativo que presentará las obras ganadoras, mencionadas y seleccionadas en cada uno de los Premios.
El Premio de Arquitectura de Ladrillo es un certamen de convocatoria bienal, promovido por la Sección de Ladrillos Cara Vista de Hispalyt. Se trata de un Premio con una larga trayectoria y prestigio que se organiza desde el año 1991, alcanzando ya su XIV Edición.
Las obras presentadas a este Premio deberán utilizar de forma significativa ladrillo cara vista en la mayor parte de sus paramentos exteriores o interiores, fabricado en España por alguno de los miembros de Hispalyt, en cualquiera de sus formatos o geometrías y sus piezas especiales. Los ladrillos cara vista son los que tienen la consideración de Pieza “U” para su uso en fábrica vista en la documentación del marcado CE, según la norma armonizada UNE-EN 771-1.
El Premio de Arquitectura de Ladrillo está dotado con 6.000 € y tres menciones de 800 € en las categorías de “Vivienda Unifamiliar”, “Vivienda colectiva” y “No residencial”. El Jurado se reserva el derecho de otorgar otras menciones especiales sin dotación económica.
El Premio de Arquitectura de Teja es un certamen de convocatoria bienal, que se organiza desde el año 2013, para poner en valor la producción arquitectónica de nuestro país que utiliza teja cerámica.
Las obras presentadas deberán utilizar de forma significativa teja cerámica en la mayor parte de sus cubiertas o paramentos exteriores, fabricada en España por alguno de los miembros de Hispalyt, en cualquiera de sus formatos, geometrías y piezas especiales. Las tejas deberán tener el marcado CE según la norma armonizada UNE-EN 1304.
El Premio de Arquitectura de Teja está dotado con 3.000 € en cada una de las categorías “Rehabilitación y “Obra nueva” y dos menciones de 600 € en esas mismas categorías. El Jurado se reserva el derecho de otorgar otras menciones especiales sin dotación económica.
[:gl]
A Asociación Española de Fabricantes de Ladrillos e Tellas de Arxila Cocida (Hispalyt) convocou os seus dous Premios de Arquitectura: o XIV Premio de Arquitectura de Ladrillo e o III Premio de Arquitectura de Tella.
Estes Premios de Arquitectura, que contan coa colaboración de Endesa, teñen un dobre obxectivo: por unha banda, poñer en valor a produción arquitectónica do noso país realizada con materiais cerámicos, neste caso, o ladrillo cara vista e a tella, e por outro, dar unha maior difusión e repercusión social das obras máis significativas durante o período correspondente.
A ambos os Premios poderán concorrer profesionais, arquitectos e construtores, de nacionalidade española ou estranxeira, con obras de nova planta de uso público ou privado, reformas, rehabilitacións ou espazos públicos urbanos, tanto situadas en España como no estranxeiro, e que utilicen de forma significativa o ladrillo cara vista ou a tella fabricados en España por algún dos membros de Hispalyt.
A data de finalización das obras para ambos os Premios debe estar comprendida entre o 30 de novembro de 2015 e o 30 de novembro de 2017.
A inscrición e presentación das obras para ambos os Premios realizarase a través da páxina web, onde se atopa toda a información relativa aos Premios.
A data límite para a presentación da documentación é o 19 de decembro de 2017.
– II Premio de Arquitectura de Tella. Dúas vivendas nas murallas de Oropesa (Toledo). Paredes Pedrosa Arquitectos. – XIII Premio de Arquitectura de Ladrillo. Vivenda unifamiliar en Granollers (Barcelona). HARQUITECTES.
O Xurado estará composto polos seguintes profesionais de recoñecido prestixio:
· Ignacio G. Pedrosa, en representación de Paredes Pedrosa Arquitectos (Ángela García de Paredes e Ignacio G. Pedrosa), gañadores do II Premio de Arquitectura de Teja.
· Antonio Cruz y Antonio Ortiz, arquitectos.
· José María Lapuerta, arquitecto.
· Víctor López Cotelo, arquitecto.
· Enrique Sanz, arquitecto, director da revista conarquitectura.
· Pedro RognonieNoé Román, presidentes das Seccións de Ladrillos Cara Vista e de Tellas de Hispalyt, respectivamente.
· Elena Santiago, secretaria xeral de Hispalyt.
O fallo do Xurado farase público a partir do venres 26 de xaneiro de 2018. A data de entrega de premios facilitarase aos gañadores unha vez que se fallaron os Premios.
Tras a entrega de Premios, publicarase un libro conmemorativo que presentará as obras gañadoras, mencionadas e seleccionadas en cada un dos Premios.
XIV Premio de Arquitectura de Ladrillo.
O Premio de Arquitectura de Ladrillo é un certame de convocatoria bienal, promovido pola Sección de Ladrillos Cara Vista de Hispalyt. Trátase dun Premio cunha longa traxectoria e prestixio que se organiza desde o ano 1991, alcanzando xa o seu XIV Edición.
As obras presentadas a este Premio deberán utilizar de forma significativa ladrillo cara vista na maior parte das súas paramentos exteriores ou interiores, fabricado en España por algún dos membros de Hispalyt, en calquera dos seus formatos ou xeometrías e as súas pezas especiais. Os ladrillos cara vista son os que teñen a consideración de Peza “U” para o seu uso en fábrica vista na documentación da marcado CE, segundo a norma harmonizada UNE-EN 771-1.
O Premio de Arquitectura de Ladrillo está dotado con 6.000 € e tres menciones de 800 € nas categorías de “Vivenda Unifamiliar”, “Vivenda colectiva” e “Non residencial”. O Xurado resérvase o dereito de outorgar outras mencións especiais sen dotación económica.
III Premio de Arquitectura de Tella.
O Premio de Arquitectura de Tella é un certame de convocatoria bienal, que se organiza desde o ano 2013, para poñer en valor a produción arquitectónica do noso país que utiliza teza cerámica.
As obras presentadas deberán utilizar de forma significativa tella cerámica na maior parte das súas cubertas ou paramentos exteriores, fabricada en España por algún dos membros de Hispalyt, en calquera dos seus formatos, xeometrías e pezas especiais. As tellas deberán ter a marcado CE segundo a norma harmonizada UNE-EN 1304.
O Premio de Arquitectura de Tella está dotado con 3.000 € en cada unha das categorías “Rehabilitación” e “Obra nova” e dúas mencións de 600 € nesas mesmas categorías. O Xurado resérvase o dereito de outorgar outras mencións especiais sen dotación económica.
[:en]
La Asociación Española de Fabricantes de Ladrillos y Tejas de Arcilla Cocida (Hispalyt) ha convocado sus dos Premios de Arquitectura: el XIV Premio de Arquitectura de Ladrillo y el III Premio de Arquitectura de Teja.
Estos Premios de Arquitectura, que cuentan con la colaboración de Endesa, tienen un doble objetivo: por un lado, poner en valor la producción arquitectónica de nuestro país realizada con materiales cerámicos, en este caso, el ladrillo cara vista y la teja, y por otro, dar una mayor difusión y repercusión social de las obras más significativas durante el periodo correspondiente.
A ambos Premios podrán concurrir profesionales, arquitectos y constructores, de nacionalidad española o extranjera, con obras de nueva planta de uso público o privado, reformas, rehabilitaciones o espacios públicos urbanos, tanto ubicadas en España como en el extranjero, y que utilicen de forma significativa el ladrillo cara vista o la teja fabricados en España por alguno de los miembros de Hispalyt.
La fecha de finalización de las obras para ambos Premios debe estar comprendida entre el 30 de noviembre de 2015 y el 30 de noviembre de 2017.
La inscripción y presentación de las obras para ambos Premios se realizará a través de la página web, donde se encuentra toda la información relativa a los Premios.
La fecha límite para la presentación de la documentación es el 19 de diciembre de 2017.
– II Premio de Arquitectura de Teja. Dos viviendas en las murallas de Oropesa (Toledo). Paredes Pedrosa Arquitectos. – XIII Premio de Arquitectura de Ladrillo. Vivienda unifamiliar en Granollers (Barcelona). HARQUITECTES.
El Jurado estará compuesto por los siguientes profesionales de reconocido prestigio:
· Ignacio G. Pedrosa, en representación de Paredes Pedrosa Arquitectos (Ángela García de Paredes e Ignacio G. Pedrosa), ganadores del II Premio de Arquitectura de Teja.
· Antonio Cruz y Antonio Ortiz, arquitectos.
· José María Lapuerta, arquitecto.
· Víctor López Cotelo, arquitecto.
· Enrique Sanz, arquitecto, director de la revista conarquitectura.
· Pedro Rognoni y Noé Román, presidentes de las Secciones de Ladrillos Cara Vista y de Tejas de Hispalyt, respectivamente.
· Elena Santiago, secretaria general de Hispalyt.
El fallo del Jurado se hará público a partir del viernes 26 de enero de 2018. La fecha de entrega de premios se facilitará a los ganadores una vez que se hayan fallado los Premios.
Tras la entrega de Premios, se publicará un libro conmemorativo que presentará las obras ganadoras, mencionadas y seleccionadas en cada uno de los Premios.
XIV Premio de Arquitectura de Ladrillo.
El Premio de Arquitectura de Ladrillo es un certamen de convocatoria bienal, promovido por la Sección de Ladrillos Cara Vista de Hispalyt. Se trata de un Premio con una larga trayectoria y prestigio que se organiza desde el año 1991, alcanzando ya su XIV Edición.
Las obras presentadas a este Premio deberán utilizar de forma significativa ladrillo cara vista en la mayor parte de sus paramentos exteriores o interiores, fabricado en España por alguno de los miembros de Hispalyt, en cualquiera de sus formatos o geometrías y sus piezas especiales. Los ladrillos cara vista son los que tienen la consideración de Pieza “U” para su uso en fábrica vista en la documentación del marcado CE, según la norma armonizada UNE-EN 771-1.
El Premio de Arquitectura de Ladrillo está dotado con 6.000 € y tres menciones de 800 € en las categorías de “Vivienda Unifamiliar”, “Vivienda colectiva” y “No residencial”. El Jurado se reserva el derecho de otorgar otras menciones especiales sin dotación económica.
III Premio de Arquitectura de Teja.
El Premio de Arquitectura de Teja es un certamen de convocatoria bienal, que se organiza desde el año 2013, para poner en valor la producción arquitectónica de nuestro país que utiliza teja cerámica.
Las obras presentadas deberán utilizar de forma significativa teja cerámica en la mayor parte de sus cubiertas o paramentos exteriores, fabricada en España por alguno de los miembros de Hispalyt, en cualquiera de sus formatos, geometrías y piezas especiales. Las tejas deberán tener el marcado CE según la norma armonizada UNE-EN 1304.
El Premio de Arquitectura de Teja está dotado con 3.000 € en cada una de las categorías “Rehabilitación y “Obra nueva” y dos menciones de 600 € en esas mismas categorías. El Jurado se reserva el derecho de otorgar otras menciones especiales sin dotación económica.
Alibagh, conocida localmente como los Hamptons de Mumbai, es la localización elegida por muchos para su segunda residencia. Concretamente, Aurelia está situada en los montañosos alrededores de Katalpada, un pueblo rodeado de pintorescas colinas y bosques.
El cliente buscaba que su casa de fin de semana le ofreciese una experiencia diametralmente opuesta al caótico y extremo contexto urbano que supone Mumbai. Su visión era obtener tranquilidad y lujo pero siempre en sintonía con la naturaleza.
Programáticamente, nuestro cometido era construir una casa de invitados de dos dormitorios anexa a una estructura preexistente y proveer a esta de una piscina. Piscina que, infinita en todos sus límites y terminada en porcelánico blanco (Techlam by levantina), funciona como nexo de unión entre lo nuevo y lo ya existente y utiliza su entorno como principal fuente de inspiración. Situada en lo más alto de la colina, está orientada hacia el valle de Alibagh en la distancia y trabajando con el desnivel, en el espacio intersticial que queda entra la piscina y la ladera se encajan los dormitorios de invitados y un salón de paredes de cristal correderas y abatibles, que hacen que los límites entre el interior y el exterior se desdibujen. Además, en un particular instante, el canal de captura de aguas de la piscina desaparece y el agua cae a modo de cascada paralela estas paredes transparentes.
Perpendicular a la piscina principal, se extiende una segunda piscina de granito negro y de solo 8 pulgadas de profundidad que enmarca las vistas del valle desde la estructura existente.
Esta piscina, también de borde infinito no tiene vierte-aguas, sino que deja correr el agua sobre una pared vertical de roca basáltica generando un sonido arrullador que te sumerge aún más en este entorno bucólico. Entre las dos piscinas, y a modo de bisagra, se sitúa el jacuzzi, terminado en vetro blanco. Estas piscinas están iluminadas desde su interior con más de 1500 puntos de fibra óptica, que cambian de color rítmicamente creando una atmósfera mágica después del atardecer.
Ambas suites de invitados se orientan hacia lados opuestos. El dormitorio principal se abre hacia la cascada de roca basáltica, mientras que el segundo disfruta de un patio rodeado por el bosque y las laderas de las colinas colindantes.
El paisajismo que envuelve a todas estas estructuras juega un papel fundamental en este proyecto contribuyendo a acercarnos lo máximo posible a la visión del cliente.
La plataforma alrededor de la piscina principal, se convierte en la zona central de entretenimiento, con dos jardines de formas orgánicas que organizan la circulación y un pequeño pabellón que alberga la barbacoa y el bar.
Obra: Aurelia, casa bajo una piscina.
Autor: ShroffLeón (Kayzad Shroff & María Isabel Jiménez León)
Colaboradores: Dhaval Jain, Pratibha Singh, Sidharth Shah, Ronnie Balsara, Rumy Shroff, Tanushree Agarwal.
Año: 2015-2016
Emplazamiento: Alibagh, Maharastra, India.
Fotografía: photographix + shroffleon.com
[:gl]
Alibagh, coñecida localmente como os Hamptons de Mumbai, é a localización elixida por moitos para a súa segunda residencia. Concretamente, Aurelia está situada nos montañosos arredores de Katalpada, un pobo rodeado de pintorescos outeiros e bosques.
O cliente buscaba que a súa casa de fin de semana ofrecéselle unha experiencia diametralmente oposta ao caótico e extremo contexto urbano que supón Mumbai. A súa visión era obter tranquilidade e luxo pero sempre en sintonía coa natureza.
Programáticamente, o noso labor era construír unha casa de invitados de dous dormitorios anexa a unha estrutura preexistente e prover a esta dunha piscina. Piscina que, infinita en todos os seus límites e terminada en porcelánico branco (Techlam by levantina), funciona como nexo de unión entre o novo e o xa existente e utiliza a súa contorna como principal fonte de inspiración. Situada no máis alto do outeiro, está orientada cara ao val de Alibagh na distancia e traballando co desnivel, no espazo intersticial que queda entra a piscina e a ladeira encáixanse os dormitorios de invitados e un salón de paredes de cristal correderas e abatibles, que fan que os límites entre o interior e o exterior se desdibujen. Ademais, nun particular instante, a canle de captura de augas da piscina desaparece e a auga cae a modo de fervenza paralela estas paredes transparentes.
Perpendicular á piscina principal, esténdese unha segunda piscina de granito negro e de só 8 polgadas de profundidade que enmarca as vistas do val desde a estrutura existente.
Esta piscina, tamén de bordo infinito non ten verte-augas, senón que deixa correr a auga sobre unha parede vertical de roca basáltica xerando un son arrullador que che mergulla aínda máis nesta contorna bucólico. Entre as dúas piscinas, e a modo de bisagra, sitúase o jacuzzi, terminado en vetro branco. Estas piscinas están iluminadas desde o seu interior con máis de 1500 puntos de fibra óptica, que cambian de cor rítmicamente creando unha atmosfera máxica despois do atardecer.
Ambas as suites de invitados oriéntanse cara a lados opostos. O dormitorio principal ábrese cara á fervenza de roca basáltica, mentres que o segundo goza dun patio rodeado polo bosque e as ladeiras dos outeiros lindeiros.
O paisaxismo que envolve a todas estas estruturas xoga un papel fundamental neste proxecto contribuíndo a achegarnos o máximo posible á visión do cliente.
A plataforma ao redor da piscina principal, convértese na zona central de entretemento, con dous xardíns de formas orgánicas que organizan a circulación e un pequeno pavillón que alberga a grellada e o bar.
Obra: Aurelia, casa bajo una piscina.
Autor: ShroffLeón (Kayzad Shroff & María Isabel Jiménez León)
Colaboradores: Dhaval Jain, Pratibha Singh, Sidharth Shah, Ronnie Balsara, Rumy Shroff, Tanushree Agarwal.
Año: 2015-2016
Emplazamiento: Alibagh, Maharastra, India.
Fotografía: photographix + shroffleon.com
[:en]
Alibagh, often referred to as the Hamptons of Mumbai, is the location of choice for the Second Homes of Mumbais many. It is here, within the hilly village of Katalpada set amidst an exceptionally beautiful context of rolling undulated landscape, boasting of instagrammable views and surrounded by several picturesque hills, earmarked to be forest lands, does Aurelia find itself situated.
The city based clients wished for their weekend home to offer an experience that is a near impossibility in an urban context such as Mumbai – luxurious larger than life outdoor living, and a feeling of being one with nature.
Programmatically, the brief given was clear -an annex to their existing structure in the form of a standalone two bedroom home, having a spectacular pool- a pool that utilizes the landscape as the primary design element, overshadowing the program of the old and the new and becoming the glue that ties together the home.
Being perched on the top of a hill, our design takes advantage of the existing sloped terrain, by orienting the aqua marine infinity pool in the direction of the landscape and the views beyond. The space then created under the pool houses an independent two bedroom home -a glass house, that by its sheer siting, blurs spaces within into the landscape beyond.
The pool being infinity on all sides overspills into a smaller water body under, which then forms a cascading waterfall, becoming the backdrop to the primary seating in the living room of the glass house.
Perpendicular to the feature white infinity pool, the home has a black 8” deep lounging water body, that allows for unrestricted views and overspills with a gurgling ambient sound, over a textured treated random rubble stone wall into a larger black water body under, with a white Vetro clad.
Jacuzzi positioned in-between the two. These water bodies have embedded within them 1500 fibre optic lights, that change in colour, enhancing the atmosphere of luxury post sundown. The two bedrooms overlook on opposite sides, with the forest suite turning its back on the property, enjoying an outdoor patio with views to the hills across, and the master suite opening up on both ends, with a view to the forest, as well as the dressed random rubble waterfall.
The open space around the infinity pool, the main entertainment area of the home has two free flowing organic grass pods forming informal gathering spaces and houses an eco-mesh barbeque pavilion- a structure to be overtaken by nature in time, to form a folly of flowers.
The landscape within the proposal plays a vital role in the making of place, as that is there that the client will spend most of their time being enveloped within nature.
Work: Aurelia, house under a pool.
Author: ShroffLeón (Kayzad Shroff & María Isabel Jiménez León)
Collaborators: Dhaval Jain, Pratibha Singh, Sidharth Shah, Ronnie Balsara, Rumy Shroff, Tanushree Agarwal.
Year: 2015-2016
Location: Alibagh, Maharastra, India.
Photographys: photographix + shroffleon.com
Desde el 2 de Noviembre hasta el 20 de Noviembre 2017 será posible votar los proyectos que se han recibido este año desde los estudiantes de todo el mundo.
Según el sistema de evaluación, el 20% de el resultado final será decidido por el voto publico en la web de ISARCH.
Ya está abierta la Galería de Proyectos.
Jurado de la 8ª edición:
• Tomislav Dushanov, Associate at Herzog&DeMeuron
• Alexandros Kallegias, Serior Architect at Zaha Hadid Architects
• FALA Atelier
• Ben Van Berkel, Founder/Principal Architect at UNStudio
• Joshua Prince-Ramus, Founder/Principal/President at REX
• Flores&Prats
ISARCH se plantea como una plataforma para la difusión y el reconocimiento de los trabajos universitarios a nivel internacional. Se quiere ayudar a los estudiantes a introducirse y darse a conocer en el mundo profesional y de la empresa.
ISARCH en su interés por difundir las obras premiadas, mantiene contacto con diferentes revistas y webs especializadas, con la finalidad de gestionar que las obras sean publicadas. Todas las obras seleccionadas se publicarán en las diferentes plataformas de ISARCH y en la misma web.
[:gl]
Desde o 2 de Novembro ata o 20 de Novembro 2017 será posible votar os proxectos que se recibiron este ano desde os estudantes de todo o mundo.
Segundo o sistema de avaliación, o 20% do resultado final será decidido polo voto publico na web de ISARCH.
Xa está aberta a Galería de Proxectos.
Xurado da 8ª edición:
• Tomislav Dushanov, Associate at Herzog&DeMeuron
• Alexandros Kallegias, Serior Architect at Zaha Hadid Architects
• FALA Atelier
• Ben Van Berkel, Founder/Principal Architect at UNStudio
• Joshua Prince-Ramus, Founder/Principal/President at REX
• Flores&Prats
ISARCH exponse como unha plataforma para a difusión e o recoñecemento dos traballos universitarios a nivel internacional. Quérese axudar aos estudantes para introducirse e darse a coñecer no mundo profesional e da empresa.
ISARCH no seu interese por difundir as obras premiadas, mantén contacto con diferentes revistas e webs especializadas, coa finalidade de xestionar que as obras sexan publicadas. Todas as obras seleccionadas publicaranse nas diferentes plataformas de ISARCH e na mesma web.
[:en]
From November 2 until November 20, 2017 it will be possible to vote for the projects that have been received this year from the students of the whole world.
According to the system of evaluation, 20 % of the final result will be decided by the public vote in ISARCH’s web.
Already the Project gallery is opened.
Juror of 8 ª edition:
• Tomislav Dushanov, Associate at Herzog&DeMeuron
• Alexandros Kallegias, Serior Architect at Zaha Hadid Architects
• FALA Atelier
• Ben Van Berkel, Founder/Principal Architect at UNStudio
• Joshua Prince-Ramus, Founder/Principal/President at REX
• Flores&Prats
ISARCH appears as a platform for the diffusion and the recognition of the university works worldwide. It wants to help the students to interfere and to be announced in the professional world and of the company.
ISARCH in his interest to spread the winning works, supports contact with different magazines and specialized webs, with the purpose of managing that the works are published. All the selected works will be published in ISARCH’s different platforms and in the same web.
Y me quedé pasmado. Lo primero que se me ocurrió fue:
«Arquitectos, arquitectos, ¡qué listos nos creemos, y naufragamos ante un grifo!»
«Toma ya».
«A ver si aprendemos».
Y pensé en la eterna polémica entre nosotros y los ingenieros.
Los arquitectos solemos dejar los problemas a medio resolver, casi siempre porque los planteamos mal, mientras que estos avionacos son perfectos. En su diseño no hay un solo error.
Nuestro problema es que los arquitectos podemos diseñar hoy una plaza de toros, sin haber hecho antes ninguna y sin tener ni idea de qué necesita, y cuando ya empezamos a conocer el tema nos toca hacer un cine. Y así no se puede. Siempre estamos debutando.
En este mundo superespecializado el arquitecto sigue siendo un «humanista»; es decir, un aprendiz de todo y un maestro de nada, y no puede competir con ningún experto. Mientras que un ingeniero lleva toda su vida estudiando e intentando perfeccionar los flaps ante las entradas en pérdida, un arquitecto se plantearía qué es un avión, cómo puede volar, qué sentido tiene el vuelo, etc, y todo lo más hará un disparatado dibujo a lo Leonardo da Vinci (uno de los mayores artistas de la historia, y probablemente el peor inventor), y diría alborozado:
«¡Mira, se me acaba de ocurrir! Es un helicoide para trepar por el aire. ¿Lo quieres probar?»
«¿Quién, yooooo? Ni harto de vino. Ni loco de la cabeza».
Sí, amigos, así somos los arquitectos. Siempre queriendo inventar la pólvora sin saber ni cómo es exactamente una explosión.
Claro, que también estoy harto de ver proyectos de naves industriales por ingenieros. (Hacen tres rayitas paralelas inclinadas en cada ventana porque, según ellos, eso representa el vidrio. Y cosas así. A veces uno diría que les da igual ocho que ochenta).
Estoy generalizando. Lo sé. Y voy a estropearlo aún más con una comparación.
Ya conté el otro día que la película Prometheus me decepcionó porque abarca mucho y no resuelve nada, y más aún cuando es inevitable ponerla frente a la magnífica Alien.
A mi juicio, Alien propone un problema muy simple. Lo adorna con sugerencias muy complejas, pero ni siquiera las aborda. Las deja de fondo, como mera ambientación. Lo que de verdad aborda es la angustia de unas personas que se sienten en inferioridad, y que están encerradas con un monstruo asesino prácticamente indestructible e invencible. Es solo ese asunto. Nada más. Y la película lo desarrolla hasta sus últimas consecuencias.
Comparemos esta película con los ingenieros. Temas muy concretos, planteamientos muy nítidos, soluciones directas e incluso extremas. (Simplifico, ya sé que simplifico).
Por otra parte tenemos la pretenciosa Prometheus. Esta curiosa película está llena de contradicciones, como probablemente lo estaba Alien en sus principios metafísicos e incluso biológicos. Pero en Alien esos problemas se soslayaban, mientras que en Prometheus se traen al primer plano y se soban y manosean hasta el ridículo.
(Atención: Voy a meter un spoiler. Qué poco me gusta esa expresión. Antes se decía «destripar una película», que me gusta mucho más. Si no la habéis visto y pensáis hacerlo, saltaos el texto).
Unos seres que originan la vida en la tierra. Sustancias biológicas, mutaciones genéticas, ADN, ¿Dios?, el origen del ser humano, un millonario viejísimo, la eterna juventud, la muerte, ¿qué hay más allá?, el sentido de la vida, el amor, las relaciones padre-hija (¿o hijo? Una mujer que tiene una cápsula quirúrgica para su uso exclusivo y esa cápsula solo admite hombres). Puff. Me pierdo. Y, lo que es peor, me aburro.
(A veces me río, como cuando un biólogo, por otra parte supercobardón, que huye de cualquier manifestación de vida, por remota que sea, ve una especie de serpiente muy preocupante y la acaricia con un cuchicuchi. Y su compañero geólogo, que tiene unas sondas que hacen en el acto un mapa 3D del lugar, se pierde).
Bueno. No la destripo más. Tampoco merece la pena
Sí merece la pena decir que los arquitectos somos un poco Prometheus. Siempre queremos llegar a la esencia del misterio. Tenemos el gusto romántico de que para hacer una casa hay que conocer a la familia que la va a habitar, y que también hay que conocer el lugar, fundirse con él y aspirar las esencias de qué sé yo. Un ingeniero diría:
«¿Una casa? Pues una casa. Ya está».
Y le dibujaría tres rayitas en cada vidrio.
Los arquitectos no resolvemos los problemas porque no los sabemos plantear, y no los sabemos plantear porque no son planteables. No es planteable un problema cuyas meras solicitaciones técnicas se contaminan de metafísica. No es planteable que con cada nuevo edificio busquemos la felicidad, la belleza, el placer, la funcionalidad, la economía, la solidez, la luz, la alegría y el arroz con bogavante. No.
A veces sí que sale. A veces hay un milagro. Pero no se puede plantear una profesión como una infalible sucesión de milagros. Eso no es serio. Eso es como pretender que Prometheus saliera interesante e incluso emocionante. No se puede.
José Ramón Hernández Correa
Doctor Arquitecto y autor deArquitectamos locos?
Toledo · septiembre 2012
The Metamorphosis of Ajax (1596), Sir John Harington
Política del WC
Quizás el asiento por excelencia, el más universal apoyo y el que de forma más extraña y promiscua compartimos a lo largo del día con otras personas: el trono, el WC. Esta denominación proviene del acrónimo inglés para “water close” y hace referencia al cierre hidráulico, el mecanismo de sifonamiento mediante el cual el tubo que conecta nuestra vivienda con las cloacas queda cerrado al paso de olores y agentes insalubres de forma sencilla, automática e infalible.
Desde las primeras letrinas talladas en piedra hace más de 4.000 años en Gnossos hasta la incorporación de la electrónica para mejorar nuestra experiencia sobre el inodoro, el diseño, perfeccionamiento y popularización (el retrete es algo obligatorio desde hace más de 200 años), constituyen una historia jalonada de episodios reseñables.
El éxito del invento y la velocidad con que se popularizó no es extraño. El WC resuelve de forma aparentemente definitiva un problema de salud e higiene públicas. Mediante el accionamiento de su sencillo mecanismo, el retrete aleja nuestros residuos para mayor comodidad propia y de nuestros congéneres.
Pero…
¿Se trata de un logro meramente funcional? ¿Implica el retrete una forma de entender el mundo?
Gracias a este nuevo aparato llamado WC, en el siglo XVIII podremos hacer desaparecer por primera vez y de forma casi mágica aquella parte de nosotros con la que ya no nos identificamos. No es de extrañar que Slavoj Žižek vea en la forma y funcionamiento del retrete una metáfora de la forma en que cada sociedad se libra de sus “marrones”.
Efectivamente el WC nos libera de nuestra mierda, pero contribuye también a una importantísima evolución del espacio en que vivimos. El inodoro opera como una máquina higienizadora del espacio. Es capaz de unificar parcelas de nuestra existencia tradicionalmente separadas de forma radical. Gracias al cierre hidráulico las nuevas letrinas no son insalubres siendo posible domesticarlas, es decir, incluirlas en las viviendas de las que hasta entonces estuvieron claramente segregadas cuando no directamente excluidas.
Es gracias al WC y su vasta red de alcantarillado que el espacio público se dignifica quedando atrás los tiempos de “agua va” y los callejones inmundos en que el gris se aliviaba. El retrete en definitiva, hace posible un estado de claridad y limpieza universales que pronto encontrará su expresión estética. En lo doméstico será el espacio luminoso y diáfano. En lo urbano la apertura de viales y la inédita domesticidad del espacio público. En ambos casos triunfa un Foucaultiano espacio “en orden de inspección”.
Desde un punto de vista de la ética de la autoexigencia, de la moral del esfuerzo, la posibilidad de pulcritud que el WC hace posible en el espacio es un mandato. Si es posible deshacerse de la marrones de forma discreta y definitiva, es obligado hacerlo de esa manera. Se inicia así una carrera de nuestros interiores (e interioridades) hacia lo inmaculado, una tendencia que es tan formal como moral, tan estética como ética.
Resulta obscenamente violenta la forma en que Le Corbusier proyectó (¡y publicó!) algunos de sus interiores domésticos haciendo desinhibida apología de la desnudez y limpieza de los espacios de aseo: Como espacios diáfanos que se muestran bajo una impenitente luz cenital directa del sol, sin posibilidad si quiera de un puntual oscurecimiento de alguno en sus rincones. Cualquier atisbo de intimidad, discreción o simple sombra es eliminado a favor de una amplitud y luminosidad higienistas cuya íntima incomodidad Tanizaki describe con tanta sutileza en “Elogio de la sombra”.
Villa Savoye en Poissy, France, Le Corbusier
En el WC se impone la estética de la inspección. Los sanitarios se presentan como iconos de modernidad, en una incuestionada asociación de limpieza y salud, formal y moral.
Mierda y sostenibilidad: tabú y totem
Blanco, de porcelana y de formas redondeadas, este es el hegemónico aspecto del WC desde su primera construcción. Pocas piezas son tan invariables en su forma y aspecto como este asiento. Hubiera querido ilustrar estas líneas con diseños de interés pero cualquier esfuerzo de creatividad y originalidad en su diseño resulta forzado y rápidamente evoluciona hacia el ridículo. Cualquier manipulación o personalización del aspecto del retrete violenta al espectador de manera especialmente directa.
Resulta paradójico lo categórico de la forma del váter, lo intocable de su diseño y material, aparentemente protegidos de cualquier cambio, como si el WC fuese un tabú del diseño y la microsociedad del diseño y los diseñadores hubiesen acordado una moratoria de originalidad entorno al “trono”.
W+W de Roca
Apelo a la paciencia e interés del lector para comentar la última revolución en el diseño de WCs: el W+W de Roca y su antecesor, de menor impacto visual pero idéntica filosofía, el Profile 5 de Caroma fuera ya de fabricación. En ambos casos se trata de un dispositivo que unifica lavamanos e inodoro. Se trata de reducir el consumo de agua utilizando las aguas grises del lavamanos como provisión de la cisterna del retrete, una solución a la que por urgentes problemas de economía muchos llegaron antes a través del bricolage.
Como anteriores avances en materia de fontanería y saneamiento, la simplicidad del planteamiento está lejos de ser un inconveniente y además de garantizar el buen funcionamiento del mecanismo se presta a equivalentes morales sobre los que bien nos hubiera gustado haber escuchado hablar a Slavoj Žižek.
Jofaina
La provocación del elaborado (y costoso) diseño de Roca reside en el hecho de que se trata una pieza de diseño que propone una nueva forma para el WC. Un cambio en la forma del WC sólo es presentable si argumentos muy poderosos lo soportan. Me complace especialmente especular con la posibilidad de que esta última transformación de ese tabú del design que es el retrete resida en un nivel aún mayor del tradicional higienismo funcional y moral tan típicamente centroeuropeo que parece soportar todos los WCs:
La sostenibilidad.
En efecto, si el WC es un tabú del diseño, la sostenibilidad es un totem de esa misma disciplina. En el W+W la novedad formal se ampara en la reducción en el consumo de agua. Y es gracias al carácter exorbitante del concepto sostenibilidad que resulta tolerable una manipulación formal de WC que de otra forma sería rápidamente denostada.
Sostenibilidad en definitiva, una materialización de posibilidades que, precisamente por ser posibles y para la moral más autoexigente, deviene inmediatamente en un mandato…
Elías Cueto, arquitecto
Santiago de Compostela, marzo 2012 Publicado en Nº 313 [sillas…]
«Cuando llegaron a la parte superior de las escaleras, la vista era espectacular. La cubierta dominaba la mayor parte del campus, la ciudad circundante de San Vincenzo y la bahía detrás».
Este párrafo del libro El círculo (Dave Eggers) describe el paradigma de la oficina de la era digital, la cual es ubicua, sin espacio ni tiempo definido. Todo se puede hacer en cualquier momento y en cualquier lugar.
En LA OFICINA EN LA HIERBA, Caruso St JohnArchitects y Javier Mozas(a+t research group) definen el carácter de la oficina contemporánea a través de edificios paradigmáticos y sus fuentes de inspiración.
La edición, a cargo de Aurora Fernández Per (a+t research group), se completa con un glosario ilustrado con proyectos significativos y una cronología de las principales innovaciones en el entorno del espacio de trabajo.
Este volumen es una selección de contenidos publicados previamente en la revista a+t, serie WORKFORCE.
Al espacio de trabajo contemporáneo se ha llegado tras sucesivas compresiones y descompresiones. La serie WORKFORCE analiza el interior y el exterior de los edificios de oficinas, así como el papel que juegan los arquitectos en este campo de batalla entre competencias profesionales.
En su interior, la oficina ha sufrido una reconfiguración del espacio marcada por las nuevas formas de trabajo. En cuanto al edificio, establece nuevas relaciones con la ciudad: imprime su propio carácter a través de formas icónicas, visten pieles cargadas de significado y buscan la sostenibilidad.
Alrededor de estos temas, la serie WORKFORCE presenta:
·45 proyectos de espacios de trabajo contemporáneos
·3 artículos de análisis gráfico, con referencias históricas y paradigmas de organización de plantas,
·Glosario de nuevos conceptos
·Cronología de innovaciones en el entorno de la oficina.
[:gl]
«Cando chegaron á parte superior das escaleiras, a vista era espectacular. A cuberta dominaba a maior parte do campus, a cidade circundante de San Vincenzo e a baía detrás».
Este parágrafo do libro O círculo (Dave Eggers) describe o paradigma da oficina da era dixital, a cal é ubicua, sen espazo nin tempo definido. Todo se pode facer en calquera momento e en calquera lugar.
Na A OFICINA NA HERBA, Caruso St JohnArchitects e Javier Mozas(a+t research group) definen o carácter da oficina contemporánea a través de edificios paradigmáticos e as súas fontes de inspiración.
A edición, a cargo de Aurora Fernández Per (a+t research group), complétase cun glosario ilustrado con proxectos significativos e unha cronoloxía das principais innovacións na contorna do espazo de traballo.
Este volume é unha selección de contidos publicados previamente na revista a+t, serie WORKFORCE.
Ao espazo de traballo contemporáneo chegouse tras sucesivas compresiones e descompresiones. A serie WORKFORCE analiza o interior e o exterior dos edificios de oficinas, así como o papel que xogan os arquitectos neste campo de batalla entre competencias profesionais.
No seu interior, a oficina sufriu unha reconfiguración do espazo marcada polas novas formas de traballo. En canto ao edificio, establece novas relacións coa cidade: imprime o seu propio carácter a través de formas icónicas, visten peles cargadas de significado e buscan a sustentabilidade.
Ao redor destes temas, a serie WORKFORCE presenta:
·45 proxectos de espazos de traballo contemporáneos
·3 artigos de análise gráfica, con referencias históricas e paradigmas de organización de plantas,
·Glosario de novos conceptos
·Cronoloxía de innovacións na contorna da oficina.
[:en]
«When they reached the top of the stairs, the view was spectacular. The roof overlooked most of the campus, the surrounding city of San Vincenzo and the bay beyond.”
This paragraph from the novel The Circle (Dave Eggers) describes the paradigm of the office in the digital era, which is ubiquitous, with no defined space or time. Everything can be done at any time in any place.
In THE OFFICE ON THE GRASS, Caruso St John Architects and Javier Mozas (a+t research group) define the character of the contemporary office through paradigm-changing buildings and their sources of inspiration.
The volume, edited by Aurora Fernández Per (a+t research group), is complemented with an illustrated glossary containing significant projects and a timeline of the most important innovations in the workplace environment.
This publication is a selection of content which has been published previously in the a+t magazine WORKFORCE series.
The contemporary workplace is a result of successive compressions and decompressions. The WORKFORCE series analyses office buildings both inside and out, focusing on the role played by architects on this battlefield of professional competences.
On the inside, offices have been given new spatial layouts as a result of new working practices.
Regarding the buildings themselves, new relationships with the city are being established: they are stamping their identity with iconic forms, donning skins loaded with meaning and aiming for sustainability.
Based on these themes, the WORKFORCE series presents:
·45 projects for contemporary workplaces
·3 graphic analysis articles, containing historical references and paradigms of floor plan layouts
·Glossary of new concepts
·Timeline of office-centred innovations
El Piso Crig es el resultado de una reflexión en torno a las limitaciones y oportunidades concretas de la vivienda original. Cuando llegan a nosotros los propietarios acaban de adquirir un piso de dos caras: una bien orientada, con mucha luz y buenas vistas; la otra condenada a vivir en la noche, por dar a un patio de luces estrecho y oscuro.
Piso Crig. Reforma integral de una vivienda en Burgos | Bher Arquitectos | Esquema
Frente a las seis habitaciones originales, esta pequeña familia de tres miembros -quién sabe si de más en el futuro-, solo necesita tres dormitorios, quizás cuatro. Esto abre la puerta a la reorganización completa de todos los espacios, de tal forma que alcancemos nuestro principal objetivo: una vivienda inundada de luz.
Para conseguirlo tomamos una decisión fundamental: desplazar el pasillo desde el centro de la vivienda hasta el patio. De esta forma todos los espacios habitables -salón, cocina y dormitorios- vuelcan hacia el luminoso parque. Ningún habitante de esta casa se verá relegado a un dormitorio oscuro, ni tendrán que desayunar cada día con luz artificial.
Las estancias adquieren fondo suficiente para poder independizarse de la fachada, de tal forma que las divisiones ciegas no llegan a ésta. Gracias a la creación de una galería-jardín se da continuidad a todas las ventanas del parque, generando una sensación de gran amplitud.
Al mismo tiempo se resuelve el conflicto derivado de la ubicación de los nuevos tabiques entre habitaciones, que no siempre coinciden con las divisiones de las ventanas originales. Los dormitorios de niños se abren al «jardín» a través de una gran cristalera, haciendo suyo este espacio para juegos o lectura.
La estrategia material es sencilla y sigue los criterios del piso original. El suelo de madera de roble es el existente, al cual se ha aplicado un barniz transparente para mostrar su color natural. Y los elementos mueble incorporan siempre el aluminio de las carpinterías originales.
Para el resto se utilizan el blanco y los reflejos, que en su neutralidad multiplican las visuales y la percepción de espaciosidad y luz.
Obra: Piso Crig. Reforma integral de una vivienda en Burgos
Autores: Estudio Bher Arquitectos (Diana Hernando Navarro+Carlos Bermúdez Alonso)
Ubicación: Burgos, España
Año: 2016-2017
Superficie útil: 155 m2
Fotógrafo: Javier Bravo
Constructora: Hermanos García Arnáiz S.L. + estudiobher.com[:gl]
O Piso Crig é o resultado dunha reflexión ao redor das limitacións e oportunidades concretas da vivenda orixinal. Cando chegan a nós os propietarios acaban de adquirir un piso de dúas caras: unha ben orientada, con moita luz e boas vistas; a outra condenada a vivir na noite, por dar a un patio de luces estreito e escuro.
Fronte ás seis habitacións orixinais, esta pequena familia de tres membros -quen sabe se de máis no futuro-, só necesita tres dormitorios, quizais catro. Isto abre a porta á reorganización completa de todos os espazos, de tal forma que alcancemos o noso principal obxectivo: unha vivenda alagada de luz.
Para conseguilo tomamos unha decisión fundamental: desprazar o corredor desde o centro da vivenda ata o patio. Desta forma todos os espazos habitables -salón, cociña e dormitorios- envorcan cara ao luminoso parque. Ningún habitante desta casa verase relegado a un dormitorio escuro, nin terán que almorzar cada día con luz artificial.
As estancias adquiren fondo suficiente para poder independizarse da fachada, de tal forma que as divisións cegas non chegan a esta. Grazas á creación dunha galería-xardín dáse continuidade a todas as xanelas do parque, xerando unha sensación de gran amplitude.
Ao mesmo tempo resólvese o conflito derivado da localización dos novos tabiques entre habitacións, que non sempre coinciden coas divisións das xanelas orixinais. Os dormitorios de nenos ábrense ao «xardín» a través dunha gran cristaleira, facendo seu este espazo para xogos ou lectura.
A estratexia material é sinxela e segue os criterios do piso orixinal. O chan de madeira de carballo é o existente, ao cal se aplicou un verniz transparente para mostrar a súa cor natural. E os elementos moble incorporan sempre o aluminio das carpinterías orixinais.
Para o resto utilízanse o branco e os reflexos, que na súa neutralidade multiplican as visuais e a percepción de espaciosidad e luz.
Piso Crig. Reforma integral de una vivienda en Burgos | Bher Arquitectos | Esquema
Obra: Piso Crig. Reforma integral dunha vivenda en Burgos
Autores: Estudio Bher Arquitectos (Diana Hernando Navarro+Carlos Bermúdez Alonso)
Emprazamento: Burgos, España
Ano: 2016-2017
Superficie útil: 155 m2
Fotógrafo: Javier Bravo
Constructora: Hermanos García Arnáiz S.L. + estudiobher.com[:en]
Flat Crig is the result of a reflection on the specific limits and opportunities of the original house. The day we first met them the clients had just bought a two-faced flat: the properly orientated one, with loads of natural light and great views; and the opposite, sentenced to a endless night due to its openings towards a narrow and dark light well.
Instead of the six existing bedrooms, this small family of three members -might be more in a close future-, only needs three dorms, four perhaps. This opens the door to a full reorganization of the whole space, so that we reach our main target: a house flooded with light.
In order to achieve this objective we make a fundamental decision: moving the corridor from its central position towards the light well façade. By doing this all the primary rooms -living room, kitchen and the three bedrooms- look towards the bright park. Not a single occupant of this house will be relegated to a dark room, and there will be no need to have breakfast with the artificial lights on every morning.
Now the rooms are depth enough to become independent from the façade, so that the blind walls do not need to end up against it. Thanks to the creation of a «winter garden» we manage to give continuity to all the windows that overlook the park, transmitting the feeling of great spaciousness.
Simultaneously this strategy helps us to solve the conflict generated by the position of the new partition walls, that are not always coincident with the frames of the original windows. The children bedrooms are open to the «garden» through a big glazed door, gaining this space for their own use as a wonderful playing or reading room.
The material strategy is simple and follow the criteria of the original design. The old oak flooring has been preserved, and a transparent treatment has been applied so that it shows the true colour. And the carpentry elements always incorporate some aluminium details following the former windows aesthetics. For all other parts white
Vida y obra del genial Alberto Cruz Covarrubias, el arquitecto que unió la arquitectura con la poesía al recorrer el camino de la reformulación de la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica de Valparaíso junto al poeta argentino Godofredo Iommi.
Su obra visionaria dio origen a una de las más bellas aventuras en la enseñanza de la arquitectura en el siglo XX y produjo poemas como AMEREIDA y espacios de creación y vida comunitaria como la CIUDAD ABIERTA DE RITOQUE en la región de Valparaíso.
https://youtu.be/atC1sn6jAP8[:gl]
Vida e obra do xenial Alberto Cruz Covarrubias, o arquitecto que uniu a arquitectura coa poesía ao percorrer o camiño da reformulación da Escola de Arquitectura da Universidade Católica de Valparaíso xunto ao poeta arxentino Godofredo Iommi.
A súa obra visionaria deu orixe a unha das máis belas aventuras no ensino da arquitectura no século XX e produciu poemas como AMEREIDA e espazos de creación e vida comunitaria como a CIDADE ABERTA DE RITOQUE na rexión de Valparaíso.
https://youtu.be/atC1sn6jAP8[:en]
Life and work of the brilliant Alberto Cruz Covarrubias, the architect who joined the architecture with the poetry on having crossed the way of the reformulation of the School of Architecture of the Catholic University of Valparaiso together with the Argentine poet Godofredo Iommi.
His visionary work gave origin to one of the most beautiful adventures in the education of the architecture in the 20th century and produced poems like AMEREIDA and spaces of creation and community life as the CIUDAD ABIERTA in RITOQUE in the region of Valparaiso.
![[:es]Habitación fundamental para Sala de carga | República Portátil[:gl]Habitación fundamental para Sala de carga | República Portátil[:en]Fundamental room for Sala de carga | República Portátil[:]](https://veredes.es/blog/wp-content/uploads/2017/12/Habitación-fundamental-en-Sala-de-carga-República-Portátil-o11-into2.jpg "[:es]Habitación fundamental para Sala de carga | República Portátil[:gl]Habitación fundamental para Sala de carga | República Portátil[:en]Fundamental room for Sala de carga | República Portátil[:]")
![[:es]Sorteamos dos ejemplares del libro/catálogo de los VII Premio de Arquitectura Ascensores Enor 2017[:gl]Sorteamos dous exemplares do libro/catálogo do VII Premio de Arquitectura Ascensores Enor 2017[:en]We avoid two copies of the book /catalogue of the VIIth Architecture Elevators Enor Award 2017[:]](https://veredes.es/blog/wp-content/uploads/2017/12/Sorteo-dos-ejemplares-del-librocatálogo-de-los-VII-Premio-de-Arquitectura-Ascensores-Enor-2017.jpg "[:es]Sorteamos dos ejemplares del libro/catálogo de los VII Premio de Arquitectura Ascensores Enor 2017[:gl]Sorteamos dous exemplares do libro/catálogo do VII Premio de Arquitectura Ascensores Enor 2017[:en]We avoid two copies of the book /catalogue of the VIIth Architecture Elevators Enor Award 2017[:]")
![[:es]Persiana Barcelona, reinventa la tradición con funcionalidad y diseño[:gl]Persiana Barcelona, reinventa a tradición con funcionalidade e deseño[:en]Persiana Barcelona, reinventing the tradition with functionality and design[:]](https://veredes.es/blog/wp-content/uploads/2017/11/Persiana-BarcelonaAixopluc-Temps-de-Flors-Girona.-Pau-Sarquella-Fàbregas-Carmen-Torres-Oleguer-Prat-y-Enric-Sánchez-©-Joan-Guillamat-Castells.jpg "[:es]Persiana Barcelona, reinventa la tradición con funcionalidad y diseño[:gl]Persiana Barcelona, reinventa a tradición con funcionalidade e deseño[:en]Persiana Barcelona, reinventing the tradition with functionality and design[:]")
![[:es]Pabellones de vigilancia para bienes de interés cultural en Castilla y León | Gaztelu Jerez Arquitectos[:gl]Pavillóns de vixilancia para bens de interese cultural en Castela e León | Gaztelu Jerez Arquitectos[:en]Vigilance pavilions for heritage of cultural interest in Castile and León | Gaztelu Jerez Arquitectos[:]](https://veredes.es/blog/wp-content/uploads/2017/11/Pabellones-de-vigilancia-para-bienes-de-interés-cultural-en-Castilla-y-León-Gaztelu-Jerez-Arquitectos-o15-exto15.jpg "[:es]Pabellones de vigilancia para bienes de interés cultural en Castilla y León | Gaztelu Jerez Arquitectos[:gl]Pavillóns de vixilancia para bens de interese cultural en Castela e León | Gaztelu Jerez Arquitectos[:en]Vigilance pavilions for heritage of cultural interest in Castile and León | Gaztelu Jerez Arquitectos[:]")
![[:es]Concéntrico 04, Festival Internacional de Arquitectura y Diseño de Logroño[:gl]Concéntrico 04, Festival Internacional de Arquitectura e Deseño de Logroño[:en]Concéntrico 04, the International Architecture and Design Festival in Logroño [:]](https://veredes.es/blog/wp-content/uploads/2017/11/Concéntrico-04-Festival-Internacional-de-Arquitectura-y-Diseño-de-Logroño.gif "[:es]Concéntrico 04, Festival Internacional de Arquitectura y Diseño de Logroño[:gl]Concéntrico 04, Festival Internacional de Arquitectura e Deseño de Logroño[:en]Concéntrico 04, the International Architecture and Design Festival in Logroño [:]")
![[:es]Centro cívico Romaño Vista Alegre | Abalo Alonso Arquitectos[:gl]Centro cívico Romaño Vista Alegre | Abalo Alonso Arquitectos[:en]Romaño Vista Alegre Civic Center | Abalo Alonso Arquitectos[:]](https://veredes.es/blog/wp-content/uploads/2017/11/Centro-cívico-Romaño-Abalo-Alonso-Arquitectos-o8.jpg "[:es]Centro cívico Romaño Vista Alegre | Abalo Alonso Arquitectos[:gl]Centro cívico Romaño Vista Alegre | Abalo Alonso Arquitectos[:en]Romaño Vista Alegre Civic Center | Abalo Alonso Arquitectos[:]")
![[:es]I Congreso Iberoamericano Redfundamentos. Experiencias y Métodos de Investigación[:gl]I Congreso Iberoamericano Redfundamentos. Experiencias e Métodos de Investigación[:en]First Ibero-American Congress Redfundamentos. Experiences and Methods of Investigation[:]](https://veredes.es/blog/wp-content/uploads/2017/11/I-Congreso-Iberoamericano-Redfundamentos.-Experiencias-y-Métodos-de-Investigación.jpg "[:es]I Congreso Iberoamericano Redfundamentos. Experiencias y Métodos de Investigación[:gl]I Congreso Iberoamericano Redfundamentos. Experiencias e Métodos de Investigación[:en]First Ibero-American Congress Redfundamentos. Experiences and Methods of Investigation[:]")
![[:es]Movitectura. Arquitectura móvil[:gl]Movitectura. Arquitectura móvil[:en]Mobitecture. Architecture on the Move[:]](https://veredes.es/blog/wp-content/uploads/2017/10/Movitectura.-Arquitectura-móvil-Mobitecture.jpg "[:es]Movitectura. Arquitectura móvil[:gl]Movitectura. Arquitectura móvil[:en]Mobitecture. Architecture on the Move[:]")
![[:es]Villa Slow | Laura Alvarez Architecture[:gl]Vila Slow | Laura Alvarez Architecture[:en]Villa Slow | Laura Álvarez Architecture[:]](https://veredes.es/blog/wp-content/uploads/2017/11/Villa-Slow-Laura-Álvarez-Architecture-o20.jpg "[:es]Villa Slow | Laura Alvarez Architecture[:gl]Vila Slow | Laura Alvarez Architecture[:en]Villa Slow | Laura Álvarez Architecture[:]")
![[:es]Hispalyt convoca los Premios de Arquitectura de Ladrillo y de Teja 2015/2017[:gl]Hispalyt convoca os Premios de Arquitectura de Ladrillo e de Tella 2015/2017[:en]Hispalyt convoca los Premios de Arquitectura de Ladrillo y de Teja 2015/2017[:]](https://veredes.es/blog/wp-content/uploads/2017/11/Hispalyt-convoca-los-Premios-de-Arquitectura-de-Ladrillo-y-de-Teja-20152017-destacados.jpg "[:es]Hispalyt convoca los Premios de Arquitectura de Ladrillo y de Teja 2015/2017[:gl]Hispalyt convoca os Premios de Arquitectura de Ladrillo e de Tella 2015/2017[:en]Hispalyt convoca los Premios de Arquitectura de Ladrillo y de Teja 2015/2017[:]")
![[:es]Aurelia, casa bajo una piscina | SHROFFLEóN[:gl]Aurelia, casa baixo unha piscina | SHROFFLEóN[:en]Aurelia, house under a pool | SHROFFLEóN[:]](https://veredes.es/blog/wp-content/uploads/2017/10/Aurelia-casa-bajo-una-piscina-SHROFFLEóN-o1-ext01.jpg "[:es]Aurelia, casa bajo una piscina | SHROFFLEóN[:gl]Aurelia, casa baixo unha piscina | SHROFFLEóN[:en]Aurelia, house under a pool | SHROFFLEóN[:]")
![[:es]¡Vota el mejor proyecto de 8ª Premios ISARCH para estudiantes de arquitectura![:gl]¡Vota o millor proxecto de 8ª Premios ISARCH para estudantes de arquitectura![:en]Votes for the best project of 8th edition ISARCH Awards for architecture students![:]](https://veredes.es/blog/wp-content/uploads/2017/11/¡Vota-el-mejor-proyecto-de-8ª-Premios-ISARCH-para-estudiantes-de-arquitectura.jpg "[:es]¡Vota el mejor proyecto de 8ª Premios ISARCH para estudiantes de arquitectura![:gl]¡Vota o millor proxecto de 8ª Premios ISARCH para estudantes de arquitectura![:en]Votes for the best project of 8th edition ISARCH Awards for architecture students![:]")
![[:es]La oficina en la hierba. La evolución del espacio de trabajo[:gl]A oficina na herba. A evolución do espazo de traballo[:en]The Office on the Grass. The Evolution of the Workplace[:]](https://veredes.es/blog/wp-content/uploads/2017/10/La-oficina-en-la-hierba.jpg "[:es]La oficina en la hierba. La evolución del espacio de trabajo[:gl]A oficina na herba. A evolución do espazo de traballo[:en]The Office on the Grass. The Evolution of the Workplace[:]")
![[:es]Piso Crig. Reforma integral de una vivienda en Burgos | Estudio Bher Arquitectos[:gl]Piso Crig. Reforma integral dunha vivenda en Burgos | Bher Arquitectos[:en]Crig Flat. Full refurbishment of a flat in Burgos | Bher Arquitectos[:]](https://veredes.es/blog/wp-content/uploads/2017/09/Piso-Crig.-Reforma-integral-de-una-vivienda-en-Burgos-Bher-Arquitectos-o32.jpg "[:es]Piso Crig. Reforma integral de una vivienda en Burgos | Estudio Bher Arquitectos[:gl]Piso Crig. Reforma integral dunha vivenda en Burgos | Bher Arquitectos[:en]Crig Flat. Full refurbishment of a flat in Burgos | Bher Arquitectos[:]")
![[:es]Maestros de la forma y el espacio. Alberto Cruz Covarrubias[:gl]Mestres da forma e o espazo. Alberto Cruz Covarrubias[:en]Teachers of the form and the space. Alberto Cruz Covarrubias[:]](https://veredes.es/blog/wp-content/uploads/2017/10/maestros-de-la-forma-y-el-espaci.jpg "[:es]Maestros de la forma y el espacio. Alberto Cruz Covarrubias[:gl]Mestres da forma e o espazo. Alberto Cruz Covarrubias[:en]Teachers of the form and the space. Alberto Cruz Covarrubias[:]")
