Con este número recuperamos el antiguo formato anuario que, por un lado, permite recoger y ampliar de modo coherente la información aparecida en la sección Obsevatorio, habitual en Quaderns tanto en su formato papel como en el digital y, por otro, reafirmar la voluntad de establecer conexiones entre la historia de la propia revista y su relectura contemporánea.
Con Quaderns #264, homenajeamos y recuperamos el espíritu de los anuarios publicados regularmente en la revista entre 1969 y 1979, con una selección de más de 50 obras, proyectos y mucho más.
Tradicionalmente la preservación ha sido entendida como cristalización de lo existente. Preservamos. Pero ¿cómo preservar lo que siempre cambia, lo que sucede en el interior de lo construido, el uso, es decir, la auténtica arquitectura?
ENSAYO VISUAL
Ricardo Leite
EDITORIAL
P07 Preservado al vacío
AGENDA
P09 ¿Merece la pena seguir gastando dinero para mantener la Plaza de los Països Catalans? — Josep Fuses i Comalada
P10 Casa Planells — Arturo Frediani
1 ENSAYO sobre 4 CASOS
P13 Preservación, ideología Y cultura. Pep Avilés
P17 Galeria Haunch of Venison. Haworth Tompkins
P23 Theaterraum Zuoz. Corinna Menn
P27 Centro de producción artística Cal Massó. Tapias + Salvadó
P33 La casa inacabada. Pau Faus y Claudio Astudillo
ARCHIVO Quaderns #25, 1956
Adolf Florensa i Ferrer “La restauración de edificios antiguos”, pp. 129-134
P38 Autenticidad e ilusión en la preservación del patrimonio. Joan Ganau Casas
SUPLEMENTO #1
P42 Suplemento al manifesto de preservación de OMA. Jorge Otero-Pailos
4 ENSAYOS sobre 1 CASO
Monjuïc. Fotografías de Adrià Cañameras
P55 Montjuïc: escenario de la memoria. Manel Guàrdia i Josep Maria Garcia-Fuentes
P59 Tres réplicas del pabellón alemán. Urtzi Grau
P65 Dos paseos por el Poble Espanyol. Stella Rahola
P69 El aliento vital de la sustancia gris. Stéphane Degoutin
OBSERVATORIO
SUPLEMENTO #2: Entrevista
P81 Museo de la ruina. Isidoro Valcárcel Medina
INVITADO
P84 Envejecer sin dignidad : edificios, preservación y tiempo. Charles Holland
Al contrario que un pintor o un poeta, el arquitecto ve cómo su idea toma forma a través de numerosos intermediarios. Es parte de esa gruesa piel disciplinar que hace de la arquitectura un lento paquidermo ante la eclosión de nuevas vanguardias, pero que al mismo tiempo la protege de la vacuidad absoluta, de la nada y el solipsismo.
Sin embargo, existen otros agentes impostados que están presentes en el proceso de materialización de una obra de arquitectura. Cada vez son más.
El próximo 2 de Octubre a las 20,30 horas, iniciamos la temporada del Espacio SIRVENT, con el Concierto Inaugural del Festival vertixeVIGO’13. Que interpretarán, Vertixe Sonora Ensemble y trasPediante DANZA. Os esperamos en esta nueva singladura.
Al final, como ya es costumbre, disfrutaremos de un aperitivo en el Ambigú SIRVENT.
El festival vertixeVIGO ‘13, una iniciativa de Vertixe Sonora Ensemble y el Instituto Galego de Sonoloxía en colaboración con musicadhoy, nos acerca la obra de la compositora rusa Marina Poleukhina de la que podremos escuchar and add to the neon elk a pinch of tarragon (y añade al neón alce una pizca de estragón) para flauta de pico, guitarra, bailarina y luz de neón, una propuesta que, aúna luz, danza y sonido y será interpretada por Vertixe Sonora Ensemble y trasPediante DANZA. La actuación se verá precedida por la intervención del director artístico de vertixeVIGO ´13, el también compositor Ramón Souto que realizará una breve presentación de esta edición.
Desde un universo sonoro muy cercano a la improvisación libre y el surrealismo —no en vano la compositora fundó en el 2011 el ensemble [t] to Kirill Shirokov , colectivo que integra a poetas, compositores e improvisadores de la escena vanguardista en la capital rusa— la obra construye una poética sumamente original y de gran poder evocador. A partir de elementos mínimos amplificados a través de pequeños altavoces portátiles, dos intérpretes combinan los sonidos que producen la voz, una flauta de pico, una guitarra acústica, un triángulo y juguetes infantiles como los nano hex bugs, especie de insectos robóticos o incluso molinetes mecánicos, para organizar un discurso musical cargado de referencias simbólicas y plagado de sutilezas. La bailarina Begoña Cuquejo de trasPediante DANZA completa esta propuesta proponiéndonos una sutil coreografía activada por esa luz de neón alce a la que alude el título de la pieza.
Espacio SIRVENT, inicia su programación en el 2013 sumándose a una iniciativa que albergará conciertos por toda la ciudad y que también incluye la posibilidad de bucear en los contextos que fundamentan la creación musical contemporánea a través de la participación en las múltiples actividades de formación y dinamización diseñadas.
Colegios de primaria, colectivos artísticos, la Universidad, el MARCO, escuelas de música, galerías de arte, librerías y el propio Espacio SIRVENT comparten en vertixeVIGO un esfuerzo por crear un organismo cultural activo que proyecta la diversidad de propuestas que en el ámbito de la música contemporánea podemos encontrar hoy en día, sirve de plataforma para las nuevas formas de expresión de la música de nuestro tiempo y da a conocer a algunos de los más importantes creadores de la actualidad.
Promovido por el Concello de Vigo y organizado y producido por musicadhoy, vertixeVigo ´13 teje una red de colaboraciones internacionales que convierten la ciudad en un escenario musical global, en una caja acústica en permanente resonancia en la que se sucederán los conciertos, los cursos de acercamiento a la música contemporánea, los talleres de música electrónica e improvisación sonora para transformarla en los meses de octubre y noviembre en una de las capitales de la vanguardia musical europea.
Creado en el 2010, el Instituto Galego de Sonoloxía se presenta como una plataforma para la experimentación sonora con vocación de desarrollar proyectos interdisciplinares y promocionar colaboraciones internacionales que aúnen arte y nuevos medios y que participen activamente en un desarrollo racional y significativo de la tecnología del futuro. Por su parte Vertixe Sonora Ensemble, se ha convertido en muy pocos años en uno de los grandes referentes de la música de vanguardia de nuestro país, uno de los colectivos más destacados en su decidida apuesta por la música contemporánea y por el diálogo y la confluencia entre la música y las artes.
Así, con música y danza, daremos inicio, un año más, a una temporada cuya programación —estamos seguros— os deparará muy gratas sorpresas.
En busca del tiempo presente. Investigaciones arqueológicas en torno a la arquitectura.
Alguna vez confesó Borges que escribía cuentos porque no conocía otro medio literario tan directo para narrar historias. Acaso por ello, Ángel Martínez García-Posada -profesor e investigador en la Escuela de Arquitectura de Sevilla- se vale del cuento para rememorar pensamientos y acciones de ciertos escritores, pintores, arquitectos y otros personajes de gran influencia del siglo XX; Robert Smithson, Gordon Matta-Clark o Joseph Beuys son, entre otros, algunos de estos “sospechosos habituales”, en palabras del autor. El libro es una antología de relatos, una suerte de actualización de Las Mil y Una Noches en la que el lector se convierte en un atento rey Schariar que observa cómo se difuminan los límites del tiempo y los personajes se funden unos con otros, dejando un poso en el que el arte queda como el recuerdo de instantes memorables. Cercano a la épica subyacente en este género, trasluce el deseo de elevar a categoría artística todos aquellos acontecimientos dignos de ser transmitidos y evocados: el paseo entre las nubes de Philippe Petit, los jaques de Marcel Duchamp a su aprendiz John Cage, el viaje al Nuevo Mundo de un obelisco alejandrino… La lectura se convierte en una dérive, paseo de idas y venidas por el tiempo y el espacio, en el que se establecen relaciones múltiples e inesperadas entre las diferentes narraciones.
Sueños y polvo. Cuentos de tiempo sobre arte y arquitectura
[…]
Miguel Ángel Damián Sanz
Esta reseña ha sido la ganadora del I Concurso de reseñas de libros de teoría, crítica e historia de arquitectura convocado por la Asociación Témenos, con la colaboración del DCA de la ETSAM, la Editorial Reverté y la revista Arquitectura Viva.
Sueños y polvo. Cuentos de tiempo sobre arte y arquitectura Ángel Mártinez García-Posada
Lampreave, 2009
Fragmento de apunte de viaje realizado por Arne Jacobsen en Atenas, 1962
Arne Jacobsen fue un gran dibujante y aún mejor acuarelista. Cuando disfrutaba de unas vacaciones siempre le acompañaban sus lápices y pinceles. Disfrutaba con esta afición, que cultivaba desde su infancia. Siempre confesó que no era más que eso, una mera afición, que no tenía ninguna pretensión artística con aquellos dibujos o acuarelas1. Tampoco reconoció que estuviesen relacionados con su trabajo profesional como arquitecto. Pero esa ósmosis, aunque fuese involuntaria, se daba a menudo. Y más, en una persona que vivía con su familia, trabajaba como arquitecto, pintaba al aire libre y cultivaba su jardín en un mismo espacio: un sencillo (y precioso) adosado al norte de Copenhague, con vistas al estrecho marino del Øresund.
En uno de sus últimos viajes al Mediterráneo, Jacobsen hizo su propio tour por Grecia. Además de los lugares sagrados de la cultura helena por todos conocidos, visitó las ruinas de lo que fue el colosal templo de Zeus Olímpico de Atenas. La imponente escala de las escasas columnas que aún están en pie es sobrecogedora, tanto o más que la de una de ellas que permanece derrumbada en el lugar. Sus tambores se alinean con el desorden propio de un colapso sobre un terreno natural. La expresividad del apunte (imagen del encabezamiento de este post2) muestra la emotividad de la visita, raras veces contemplado en sus dibujos de viaje.
La anécdota podría haberse quedado ahí, pero no. Esos tambores pétreos reaparecieron metafóricamente pocos años más tarde en su ciudad natal, Copenhague, en lo que sería su obra póstuma: el Banco Nacional de Dinamarca3.
Interior del primer patio del Banco Nacional de Dinamarca recién inaugurado en 1971
Seguramente todos recordéis el gran vestíbulo de ese edificio y, sobre todo, su escalera suspendida del techo. Pero al visitar su interior, uno descubre un gran patio interior (me refiero al que pudo ser construido antes de su muerte en 1971, pues hay dos) cuyo suelo es un extraño “paisaje en ruinas”. Allí yacen, en filas desordenadas, una suerte de piezas cilíndricas semienterradas, sobre las que crecen aleatoriamente especies vegetales rastreras, como si el tiempo las llevase cubriendo durante siglos cual ruina clásica olvidada. Fuera, sobre la acera, un par de réplicas de capiteles corintios reposan al pie del monumental edificio, que siempre desconciertan al paseante, y que no hacen sino recordarnos un cierto halo de perennidad aún perseguida por la Arquitectura.
O quizá no. Quizá solo sea un olvido, un error en el “traslado” (metafórico, en el espacio-tiempo) de aquellas columnas griegas hasta Copenhague. Desmembrada la columna clásica, hoy solo vemos sus vestigios, y acaso no puedan ser ya otra cosa que un mero (y bello) objet trouvé.
Rodrigo Almonacid [r-arquitectura] · doctor arquitecto
valladolid. septiembre 2013
Notas: 1 Entrevista concedida a Ninka (Anne Wolden-Raethinge) para el periódico Politiken, el 28 de febrero de 1971. Traducida al español bajo el título “Las nuevas ideas son siempre criticadas” en el Catálogo de la exposición (HEATH, Ditte – ed): Arne Jacobsen. Ministerio de Obras Públicas y Transportes. Madrid, 1993, pp. 69-72. 2 Apunte tomado del libro: SOLAGUREN-BEASCOA, Félix: Arne Jacobsen. Dibujos 1958-1965. Fundación Caja de Arquitectos, colección “Arquíthemas” nº10. Barcelona, 2002, p.155. 3 ALMONACID CANSECO, Rodrigo: Arne Jacobsen: el paisaje codificado. Tesis doctoral (inédita). Departamento de Teoría de la Arquitectura y Proyectos Arquitectónicos de la E.T.S. Arquitectura de Valladolid. Valladolid, 2013. (Disponible resumida en r-arquitectura)
En el presente año 2013 se cumple el centenario del nacimiento de significativos protagonistas de la arquitectura española del siglo XX.
En homenaje a estos maestros, el Departamento de Composición de la ETSAC organiza este ciclo de conferencia en el que se propone hacer un recorrido por la experiencia arquitectónica que se inicia a partir de 1930 y finaliza en la década de los ochenta.
A lo largo de ocho secciones se analizan los espacios más sobresalientes de la arquitectura de aquellos, siguiendo un temario en el que se cruzan experiencias y autores, los señalados y sus coetáneos más inmediatos, abandonando el recorrido monográfico y que centre su enfoque de modo fundamental, en la relación entre procedimientos constructivos y expresividades arquitectónicas.
En el fondo buscamos la ocasión no sólo para saber quienes fueron ellos sino, más bien, para la herencia que nos han hecho ser como somos.
Ciclo de conferencias «No centenario dos mestres»,
Organiza: Departamento de Composición de la ETSAC
Dirección: Celestino García Braña
Fechas: 09-31 de octubre de 2013, miércoles y jueves, 12:00-14:00h
Lugar: Salón de Actos de la ETSAC, A Coruña, Galicia, España Se ha solicitado 1 crédito de libre elección (en trámite)
Henri Cartier Bresson (22 de agosto de 1908 – 3 de agosto de 2004) fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del fotorreportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo, versión traducida de sus «imágenes a hurtadillas». Se trataba, pues, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento en el que se desarrolla el clímax de una acción.
A lo largo de su carrera, tuvo la oportunidad de retratar a personajes como Pablo Picasso, Henri Matisse, Marie Curie, Édith Piaf, Fidel Castro y Ernesto «Che» Guevara. También cubrió importantes eventos, como la muerte de Gandhi, la Guerra Civil Española, donde filmó el documental sobre el bando republicano «Victorie de la vie», la SGM, en la que estuvo en la Unidad de Cine y Fotografía del ejército galo o la entrada triunfal de Mao Zedong a Pekín. Cartier Bresson fue el primer periodista occidental que pudo visitar la Unión Soviética tras la muerte de Stalin.
Fue cofundador de la Agencia Magnum. Junto a su esposa, la también fotógrafa Martine Frank, creó en el año 2000 una fundación encargada de reunir sus mejores obras, situada en el barrio parisino de Montparnasse.
Para algunos, Cartier Bresson es una figura mítica en la fotografía del siglo XX. Uno de sus mejores biógrafos (Pierre Assouline) lo apelaría como «el ojo del siglo». En el año 1982 recibió el Premio internacional de la fundación Hasselblad.
El próximo jueves 3 de octubre tendrá lugar la primera sesión de la nueva temporada de sesiones coloquio de arquitectura, Eso dicen. En esta ocasión, el invitado será Pernas Varela Arquitectos. La sesión se dividirá en media hora de presentación del arquitecto y otros treinta minutos de coloquio informal con el público.
Eso dicen es un ciclo de sesiones-coloquio que se celebra el primer y tercer jueves de cada mes entre las 20:00h y las 21:00h en la planta baja del Taller Creativo No Importa (calle San Andrés, 46); en él participan arquitectos gallegos pertenecientes a distintas generaciones con la intención de presentar un amplio espectro de enfoques de la disciplina, siempre con una reflexión acerca del papel del arquitecto en el momento actual como telón de fondo.
Pernas Varela Arquitectos. «PRIVADO» es el título elegido por el estudio para esta presentación, en la que nos ofrecerán una visión personal de su trabajo reciente y no tan reciente. + pernasvarela.com
ESO DICEN · Pernas Varela Arquitectos Jueves 3 de octubre 20:00 – 21:00h
aforo limitado – entrada gratuita [NO IMPORTA] taller creativo
C/San Andrés 46 planta Baja
La Coruña [España]
Organiza:
Alberto Alonso Oro [veredes.es]
Maria Olmo Béjar + Borja López Cotelo [lasonceymedia.com]
El edificio forma parte del parque tecnológico de la universidad de A Coruña, que consta de siete edificios que se concatenan entre sí.
El plan urbanístico dispone que cada edificio esté formado por dos volúmenes(de cuatro y dos plantas respectivamente), separados entre sí por un espacio público-peatonal que comunicará transversalmente todos los edificios del parque.
Partiendo de esta volumetría dada, nuestro proyecto gira en torno a dos sencillas operaciones de “excavación”: una, en el volumen pequeño, nos permite formalizar tanto la entrada peatonal como la rodada, la otra, en el volumen grande, concebida a modo de patio, nos posibilita tanto una relación visual entre las distintas partes del edificio como una relación con el espacio público exterior.
La entrada al edificio se realiza a través de una rampa de pendiente contraria a la calle, permitiendo el acceso a minusválidos al mismo tiempo que nos eleva el forjado de planta baja lo suficiente para realizar la entrada de vehículos en planta sótano.
El patio posibilita, además de las relaciones visuales mencionadas, una buena iluminación y ventilación de las zonas de planta baja. Una pasarela, que lo cruza en leve pendiente, garantiza la continuidad del recorrido peatonal exterior.
En la concepción del edificio son premisas fundamentales la funcionalidad, versatilidad y flexibilidad, así como la claridad en las circulaciones.
Obra: Centro de Investigaciones Científicas Avanzadas. Universidade da Coruña
Arquitectos (redacción proyecto y dirección obra): Manuel Vázquez Muíño. Ángel Rico Painceiras
Colaboradores (redacción proyecto): Roberto Regatos Gómez. Ingrid Edo Bosch
Estructura: Carololo Losada Soto
Arquitecto técnico: Manuel López Lamas
Promotor: Universidade da Coruña
Empresa Constructora: Acciona
Fecha proyecto: 2008
Fecha obra: 2008-2013
Situación: Parque Tecnolóxico. Campus Universitario de Elviña. A Coruña
Presupuesto Ejecución Material: 3.727.740 €
superficie construida: 4.901 m2
Fotografías: Ángel Rico Painceiras, Manuel Vázquez Muíño | Héctor Santos-Díez | BISimages + vazquezmuino.com + arqmais.net
La arquitectura se enfrenta hoy a la difícil tesitura de ser fiel a su tiempo, aceptando una historicidad inacabada, o forzar su propia redefinición. Este libro propone una reconciliación entre ciudad histórica y arquitectura contemporánea, con un recorrido crítico por algunos de los aspectos más destacables de la cultura arquitectónica del siglo XX.
Construir en lo construido
Construir en lo construido. La arquitectura como modificación
Francisco de Gracia
Editorial Nerea, 1992
Ver en plantalla completa, por favor. Una pieza FULL-CG animada que trata de ilustrar el arte de arquitectura a través de un punto de vista fotográfico donde el principal sujeto son los espacios ya construidos. A veces de un modo abstracto. A veces surrealista.
Fresco de la Capilla Sixtina (detalle de la Creación de Adán), Miguel Angel, 1508-1512
Las cosas pequeñas
Empezaremos por una confesión, hola, me llamo Jorge y me gustan las cosas pequeñas. Si, lo admito, me gustan las cosas pequeñas y los hechos pequeños. Las pequeñas cosas. En el fondo creo que a todos nos gustan, de una u otra manera. Además, dicen que es por las pequeñas cosas por las que el mundo se mueve, será verdad. Los comienzos son siempre pequeños y son siempre importantes, así que…
La clasificación de lo pequeño, como diría Bachelard, es, al contrario de lo que su nombre parece indicar, muy amplia, casi infinita, casi todo ha sido pequeño alguna vez, y tan variada como cualquiera de aquellas clasificaciones o categorías con las que el bueno de John Wilkins pretendía ordenar el mundo allá por el siglo XVII. Borges nos lo recuerda en su texto El idioma analítico de John Wilkins, en el que también aparece esa magnífica referencia a cierta enciclopedia china que se titula Emporio celestial de conocimientos benévolos que, cierta o no, es tan sublime como inútil era intento de Wilkins.
Pero mi interés por lo pequeño no nace por un afán de catalogación, tampoco tiene que ver con la fabricación íntima de los objetos, ni con la filigrana de su detalle o aspecto, ni está asociado a objetos determinados. No, mi interés por lo pequeño nace por lo abarcable de su naturaleza. Si hacemos caso de la definición que de abarcar hace el diccionario de la RAE tenemos:
1. Ceñir algo con los brazos o con la mano.
2. Rodear, comprender.
3. Contener, implicar o encerrar en sí.
4. Percibir o dominar con la vista, de una vez, algo en su totalidad.
Entonces comprendemos hacia donde quiero llegar, estamos ante aquello que se puede comprender, además de abarcar, aquello que se puede percibir en su totalidad. Percepción y comprensión, o mejor dicho comprehensión, si se me permite ir un paso más allá en la abstracción del concepto. Así pues lo pequeño radica en su proporción y escala, y por ello, también con su relación respecto a otras cosas con las que se le puede comparar, y sobre todo, con la percepción que tenemos de él. Pero también lo pequeño es una categoría intima que está fuera de toda escala y proporción, es una categoría interior y personal. La percepción nos sitúa ante nuestro entorno y el entorno aprehensible es el entorno controlable por nuestros sentidos y sensaciones.
La pequeña escala ofrece un campo de experimentación más controlado, permite una génesis más directa, una percepción más cercana. Una sensación cercana. Lo pequeño permite, por su abarcabilidad, si se me permite el palabro y ya llevo unos cuantos, una relación personal, directa e íntima. Son objetos, piezas, o espacios abarcables, manipulables y habitables, que podemos hacerlos uno con nosotros. Y todo ello tiene mucho que ver con el espacio y la percepción del mismo, tiene que ver con la arquitectura, esa gran palabra a la que tan a menudo se vacía de contenido para se utilizada para cualquier fin.
La pequeña arquitectura, esa de la pequeña escala, suele ser nuestro primer paso en la profesión. Generalmente se llega a la arquitectura práctica, esa del encargo más o menos remunerado, de la mano de la pequeña escala, del pequeño encargo. La primera obra, tiene mucho que ver con la contención, tanto de medios como de programa. Son ejercicios limitados, y está bien que lo sean, al fin y al cabo la confianza hay que ganársela, la de los demás y la de uno mismo… Pero también tiene que ver con la autocontención.
¡Ay de aquel que comienza desplegando todo su extenso repertorio amontonado con ansia de primerizo nervioso! ¡Ay de aquel que no ha aprendido el valor de la contención, de esa autocontención, esa que viene de la mano de la reflexión y la autocrítica!.
Todo aquello, en lo pequeño, rebosa y se desborda, se vuelve grosero e inútil. En lo pequeño se delata el exceso. Exceso y falsa complejidad que se confunden con profundidad de pensamiento y mensaje, “lo que sólo resulta complejo es equivocadamente confundido con lo profundo”, decía Edgar Allan Poe por boca de uno de sus personajes en Los crímenes de la calle Morgue. Menos es más, decía don Ludwig, y dar liebre por gato era la máxima de don Alejandro. Ambos hablaban de calidad y no de cantidad.
Las pequeñas cosas, los pequeños hechos, detalles de la vida como en la novela de la india Arundhati Roy, El dios de las pequeñas cosas, o como en el tan famoso como maltratado y malentendido efecto mariposa, son aquellas que cambian el curso de los acontecimientos; en ellos está la posibilidad de la diferencia, así en la vida como en la arquitectura. Ya decía Mies “Dios está en los detalles”, una frase robada a Flaubert por cierto… Nadie es perfecto.
jorge meijide . arquitecto
a coruña. septiembre 2013
El siguiente texto nace de la inquietud generada a partir de la revisión entrometida a dos proyectos de Le Corbusier: La pequeña casa en Corseaux-Vevey de 1923 y la villa Savoye de 1928, me he preguntado el por qué la colocación de muros y ventanas en donde aparentemente no hace falta, la una en la terraza de la villa Savoye y la otra en el jardín sur de la casa Corseaux-Vevey. Algo que me resulta extraño es que en ambos proyectos se construye un muro frente a unas magnificas vistas, y esto es algo que a través de el siguiente texto me tratare de responder.
Pienso que hallando respuesta a estas preguntas es posible encontrar valores, que aparentemente insignificantes, sirvan para proyectar; intuyo que es posible encontrar estas respuestas en el origen mismo de la arquitectura, y es justamente por ahí donde inicio. Como estrategia, se reconocen, tres aspectos para el desarrollo de esta indagación, objeto, tema y problema, en este caso el objeto son dos obras de Le Corbusier, el tema son estos muros-ventanas en particular, y el problema es el por qué de la disposición de estos en lugares aparentemente casuales. Para ello me pregunto,
¿qué es arquitectura?, ¿cuál es su cometido?, ¿cuál es su origen?
Pienso en los orígenes de la arquitectura, mucho antes de los cánones clásicos de belleza, de sus órdenes, de Vitruvio. Algunos autores sostienen que el origen de la arquitectura se encuentra en la cabaña primitiva, conformada por troncos de árboles y pieles de animales, dispuestos de alguna manera para que, bajo ella, pueda albergarse una o un grupo de personas, el gesto primigenio, disponer de una cubierta que los proteja de la intemperie y de la inmensidad del planeta en esa remota época. Si vamos más atrás en el tiempo, se dice que, la primera arquitectura son las cavernas, esa concavidad de superficie rocosa, húmeda y oscura, invadida y domesticada por el hombre para asegurarse un refugio.
2001: a space odyssey, el amanecer del hombre, director Stanley Kubrick, 1968.
Así, uno de los gestos primigenios de la arquitectura es el de establecer relaciones con el mundo, permitir al hombre, orientarse con respecto a la geografía que le rodea, a las montañas, el alba, el ocaso. Bajo esta reflexión, revisemos entonces algunos proyectos de Le Corbusier, y veamos lo que podemos encontrar.
La residencia Corseaux-Vevey (latitud 46°28` N, longitud 6°49` E), organiza sus espacios a lo largo de una ventana horizontal, orientada hacia el sur, aprovechando así, en esta latitud norte, la luz solar austral y en especial la escasa luz rasante de invierno. Su fachada norte, es un muro ciego con moderadas aberturas que protege a la casa de los vientos fríos del norte. En la esquina Sur-Este se dispone un patio conformado por un muro, una mesa y un árbol que acompaña el espacio a manera de una sombrilla, el muro agujereado a manera de una ventana, orientado hacia el sur, encuadra sus vistas hacia el lago Léman, sobre él, de tanto en tanto aparece un bote, al fondo el espectáculo de las montañas de los Alpes.
Boceto casa en Corseaux-Vevey. Le Corbusier Le Grand, Phaidon, New York, 2008. P. 150.
“El problema planteado: una casa para dos personas solas, sin servicio domestico. Región: el extremo este del lago Léman; a orillas del lago en la ladera dominante; vista frontal al sur. Se procedió de forma contraria a lo acostumbrado: se estableció el plan riguroso de la casa, funcional, respondiendo exactamente al programa, verdadera pequeña máquina para vivir. Luego, con el plano en el bolsillo, se busco el terreno que podría convenir”.1
“.… haciendo entrar en la casa la grandeza de un lugar magnifico: el lago, con su movimiento, los Alpes, con el milagro de la luz”.2
Fotografía casa en Corseaux-Vevey, hacia los Alpes | Fuente desconocida
Este recurso de encuadrar el paisaje lo encontramos en la villa Savoye, (latitud 48°55` N, longitud 2°01` E), cuando al final de la rampa y de toda la promenade se dispone de un muro agujereado a manera de una ventana. En la terraza a través de este muro horadado, se aprecia la naturaleza desde un punto más elevado, esto es al nivel de las copas de los arboles.
Terraza Villa Savoie. Le Corbusier Le Grand, Phaidon, New York, 2008. P. 209.
Alguién pensará que la colocación de estas ventanas es un caso fortuito o aislado, pues así lo hice, pero al inspeccionar los carnets de viajes de Le Corbusier, vemos que, este recurso es vislumbrado por Jeanneret ya en 1911, antes siquiera que haya construido sus celebres obras, esto lo atestigua sus dibujos de viaje a oriente, travesía en donde el joven Jeanneret explora el mundo observándolo de una manera atenta y aguda. Durante cuatro años se dedico a estudiar edificios y lugares, tomando nota, dibujando, midiendo, y cuestionándose cosas.
Específicamente en el croquis de la cartuja de Ema, ubicada en las cercanías de Florencia, al final del pasillo en las celdas de los monjes, una ventana enmarca el paisaje de toscana, este hecho es registrado y valorizado por el joven Jeanneret a través del dibujo, nótese como el horizonte de las montañas y su vertical, la columna del pasillo, forman un ángulo de 90 grados, este croquis es acompañado por otro que consiste en una planta de una de las celdas de la Cartuja donde traza una flecha con la palabra vue, esto es, la vista desde el alto pasillo de la célula, hacia el tenue reflejo de la luz del valle, junto con el sinuoso perfil del horizonte Italiano, nótese que el punto de la columna en planta, esta fuerte mente trazada.
Perspectiva de Cartuja hacia horizonte. Procedencia: JEANNERET, Ch.-Edouard, Voyage d’ Orient Carnets, Electraarchitecture, Foundation L.C. Milano, 2002. Carnet 6.p.15 | Boceto de la planta de la Cartuja de Ema. Procedencia: JEANNERET, Ch.-Edouard, Voyage d’ Orient Carnets, Electraarchitecture, Foundation L.C. Milano, 2002. Carnet 6.p.13.
Otro de sus bocetos, registra esta manera de apreciar la naturaleza, boceto realizado en su visita al monte Athos, desde su habitación del hotel karyes en la sagrada montaña, dibuja, a la derecha de su composición el monte, una pirámide vertical, vegetación en sus faldas, y a la izquierda vista infinita hacia el mar horizontal en reposo, desde su habitación, Jeanneret dibuja, piensa
“poseo lo que veo”.
Boceto de monte Athos desde el hotel Karyes. Procedencia: JEANNERET, Ch.-Edouard, Voyage d’ Orient Carnets, Electraarchitecture, Foundation L.C. Milano, 2002. Carnet 3 .p.53
Esta sensibilidad, no solamente se observa en sus dibujos, sino también se lee en sus apuntes registrados en su libro Le Voyage d´Orient, publicado poco antes de su muerte, el texto registra las agudas impresiones de su visita al Athos.
“Los cipreses eran negros, el convento del gris más delicado, los olivares de plata verdosa y el cielo de un verde crudo invadido por un violeta venido del mar y de las blancas estrellas del zénit, que entraron en escena en ese decorado móvil cuya rampa luminosa se iba apagando…” 3
El monasterio de la Tourette de 1953 (latitud 45°49` N, longitud 4°37` E), está conformado por tres bloques de celdas que giran en torno a un claustro, orientadas cada una hacia el Este, Sur y Oeste, el conjunto está delimitado en su fachada Norte por la iglesia, esta cierra todo el conjunto como un gran muro ciego que protege al claustro de los vientos fríos del Norte, con respecto a la disposición de estos bloques, hay algo que siempre me ha llamado la atención, que es la separación que existe entre los bloques de celdas y la iglesia, es algo que hasta hace poco, no conseguía entrever plenamente la razón definitiva de esta operación, existen varios motivos de esta separación, el que considero más potente es dejar este vacío para que la misma arquitectura encuadre el paisaje, una operación aparentemente inocente, que al ser tan obvia, personalmente, la había dejado pasar por alto, pero es justamente ahí en donde la buena arquitectura se hace presente.
El monasterio de La Tourette, un dispositivo que incentiva al hombre a tener una aproximación contemplativa hacia la naturaleza y el paisaje, de una manera silenciosa, de meditación, es precisamente lo que incentiva a los monjes, a reflexionar sobre el lugar en el que habitan. El espacio entre la iglesia y las demás dependencias enmarcan el paisaje de una manera monumental por su tamaño, (recordemos las pequeñas ventanas en los dos proyectos anteriores). Elementos arquitectónicos como: el balcón, las “metralletas de luz” de la sacristía, la rampa, la chimenea, y el puente en la terraza, crean una fuerte composición escultórica, entre paisaje natural y paisaje construido.
Monasterio de la Tourette | fondationlecorbusier.fr
El primer trazo de arquitectura comienza con el hombre y su actitud con respecto a la situación geográfica en la que habita. Eligiendo el lugar se comete el acto criminal o valedero de la arquitectura. Tomando conciencia de cómo es su topografía, el horizonte, el cíclico recorrido del sol en el transcurso del día, Le Corbusier toma decisiones de proyecto. Horizonte, orientación solar y topografía son factores del lugar que esperan ser proyectados y vivenciados. En este caso, Le Corbusier toma estos elementos del lugar para trazarlos como parte del proyecto.
Terraza Monasterio de la Tourette. Procedencia: COPANS, Richard, Le couvent de la Tourette, video.
Si damos repaso al libro Acerca del Purismo de Ozenfant y Jeanneret, en la pagina sesenta y ocho, reconocían como un valor del arte el ser capaz de percibir el orden de la naturaleza
“Uno de los mayores deleites del espíritu humano es percibir el orden de la naturaleza y medir su propia participación en el orden de las cosas; la obra de arte nos parece que es un trabajo de ordenación, una obra maestra de orden humano”.4
Así, el Monasterio de la Tourette toma posición con respecto al mundo, su arquitectura se convierten en la medida que hace mensurable y por lo tanto apreciable a la geografía, y al paisaje, permite a su habitante reconocer el orden de la naturaleza y medir su participación en ese orden. Todo empieza a cobrar sentido cuando inspeccionamos otras obras de Le Corbusier.
¿La clave de su arquitectura? Un dispositivo, hacer al paisaje conmensurable, apreciable, ya que
“… el paisaje omnipresente sobre todos los frentes, omnipotente, acaba cansando… ¿Habéis observado que en tales condiciones no se le mira más? Para que el paisaje sea tenido en cuenta es preciso limitarlo…”5,
y así lo hace, en el pabellón l’Esprit Nouveau de 1924, el departamento Beistegui de 1929, en la Unité d’habitation de Marsella de 1945, en el Monasterio de la Tourette de 1953, su arquitectura intensifica la experiencia del espectador hacia el paisaje, la clave, un muro alto, tras él se oculta la ciudad, ala ves que este muro hace de base para el espectáculo del horizonte lejano, las montañas, las nubes, la luminosidad del cielo desde el amanecer hasta el atardecer, con todos sus colores. Estar en la terraza de la Unité de Marsella es estar en la cubierta de un transatlántico varado a orillas de Marsella, entre el mar y las montañas.
¿Cuántas personas pagan por un crucero cada año, pudiendo vivir en uno?
En la terraza, alejados del ruido de la ciudad, descanso, sol, espacio, aire, teatro, esparcimiento, deporte.
Terraza de la Unité de Marsella | Fotografía: Akihito Morita | panoramio.com
“Creo que al menos una vez en la vida el hombre debería concentrar su mente en el recuerdo de la tierra. Debería entregarse a un paisaje de su vida. En particular, mirarlo desde tantos ángulos como pueda, preguntarse acerca de éste, morar en él… Me interesa la manera en que un hombre mira un determinado paisaje y toma posesión de éste en su cuerpo y en su mente”.6
Santiago Carvajal. arquitecto
Cuenca (Ecuador). septiembre 2013
Notas:
1. BALTANÁS, José, Le Corbusier, promenades,
Gustavo Gili, Barcelona 2005.p.37
2. Ibidem.p.38
3. JEANNERET, Charles Edouard, Le Voyage d´Orient,
Colegio oficial de aparejadores y arquitectos técnicos de Madrid, 1984. Extracto p. 145
4. OZENFANT, Amédée, JEANNERET, Charles Edouard, Acerca del Purismo escritos1918-1926,
Madrid, El croquis editorial, 1993, p. 68.
5. BALTANÁS, José, Le Corbusier, promenades,
Gustavo Gili, Barcelona 2005.p.37
¿Cómo puede la memoria transformar el espacio? ¿Y si su visión y percepción es de un muchacho de 8 años? Trabajamos con la interpretación del proyecto desde un punto de vista de usuarios. Los alumnos.
Una piscina es un edificio con estropajos, impermeabilización, guardarropas …. pero esto también puede ser una montaña que un día algunos hombres consiguieron llenar de agua. Filmado sobre un proyecto de Javier Pérez Uribarri. ACXT
Los invitados de engawa 14 son el estudio fala atelier, compuesto por Filipe Magalhães y Ana Luisa Soares. Ellos nos han propuesto una sugerente imagen que muestra un espacio completamente genérico, un no-lugar, habitado temporalmente por un hombre sentado, en lo que parece ser una sala de espera, un espacio de tránsito. Por el contrario en el exterior de este espacio genérico se alza una oda al individuo, 140 óculos apilados que escrutan la ciudad: La torre Nakagin.
Miremos desde el otro lado, imaginémonos estar en el interior de una de las cápsulas y mirar en dirección contraria, veremos un moderno edificio de oficinas, y si agudizamos la vista quizás logremos ver a un hombre sentado, o puede que no, que tan sólo veamos nuestro propio reflejo en las ventanas oscuras.
A nuestro alrededor 139 ventanas están mirando ese mismo pedazo de realidad. 139 miradas distintas, 139 tokios distintos.
Quizás engawa sea un Nakagin en miniatura, formado por esa suma de miradas individuales que intentan apresar un pedazo de realidad común (en forma de fotografía) y que en su suma, un rudimentario apilamiento, generan una estructura con forma de revista.
Gracias a todos los que habéis participado, y en especial a fala atelier por su penetrante mirada al día a día de un edificio tan complejo como la Nakagin Tower de Kurokawa.
Imagen propuesta por Filipe Magalhães y Ana Luisa Soares
Editorial
Un futuro que nunca aconteció · Filipe Magalhães y Ana Luisa Soares
Utopía y progreso · Rubén Páez
Operativo Lavadoras · Matías Grimaldi
Corrección · Carlos Cachón
…Y dibujar · Javier de las Heras Solé
Salomé en Ginza · Fernando Agrasar
Una temporada en la cabaña · Alberto Ruiz de Samaniego
10 m2 · Pablo Twose
Ojos que no ven, corazón que no siente · Jorge Meijide
Lo Recuerdo… · Daniel Luis Martinez
Más de lo que vemos · Gabriel Fernández Birriel y François Guynot de Boismenu
Nakagin · Aitor González
Tras el primer año de la edición del ciclo Eso dicen, charlas coloquio de arquitectura, que contó con la participación de Jorge Meijide, Pablo Gallego, trespés arquitectos y Carlos Quintáns, retoma su ritmo y se desarrollará durante los meses de octubre de 2013 a junio de 2014.
Eso dicen es una iniciativa organizada por lasonceymedia y veredes, que reunirá arquitectos gallegos pertenecientes a distintas generaciones con la intención de presentar un amplio espectro de enfoques de la disciplina: construcción, docencia, divulgación, investigación e hibridación con otros campos. En todos los casos, el telón de fondo será una reflexión acerca del papel del arquitecto en el momento actual y sus múltiples redefiniciones.
Cada sesión se dividirá en media hora de presentación del arquitecto invitado y otros treinta minutos de coloquio entre los asistentes y el ponente. Tanto la charla como la conversación posterior tendrán un carácter informal y distendido.
El ciclo se celebrará el primer y tercer jueves de cada mes entre las 20:00h y las 21:00h en la planta baja del taller creativo No Importa (c/ San Andrés, 46) a partir de mayo de 2013.
Organiza:
Alberto Alonso Oro [veredes.es]
Maria Olmo Béjar + Borja López Cotelo [lasonceymedia.com]
“Se trata de la restauración de un hermoso edificio antiguo en Ville d’Avray (Sr. Church). Una villa de estilo clásico y un nuevo edificio, anexo a la villa, con garajes en la planta baja, salas de servidumbre y un vestíbulo, en el primer piso habitaciones con todas las comodidades, comedor, sala de estar con un loft, baño, biblioteca y el acceso directo a la terraza-jardín.
El pabellón es la transformación de la casa antigua. En la planta baja se instaló un gran hall de entrada con grandes armarios, aseo, cocina, etc. La primera planta dispone de una sala de recepción, biblioteca, sala de juegos y un bar, se trata directamente de un jardín colgante.
Muebles y armarios contra las paredes. Los asientos, sillas, mesas, etc. son muebles de serie, creados por Le Corbusier, Pierre Jeanneret y Charlotte Perriand.” 1
La Villa Church en Ville d’Avray, Le Corbusier
La Villa Church en Ville d’Avray es una de las estructuras ausentes de Le Corbusier. Realizada por encargo de Henry Church y su esposa, el programa formula un reto atípico en su carrera: construir una casa vinculada a una estructura neoclásica existente emplazada sobre un terreno irregular.
Le Corbusier responde a esta circunstancia estableciendo una composición que se vincula a las construcciones existentes por medio de terrazas y circulaciones. Resuelve con soltura el programa funcional organizando una estructura de volúmenes asociados caracterizados por el orden geométrico de la elevación principal. En este sentido, su desvelo por la armonía de las formas y sus preocupaciones estéticas probablemente fueron exaltados por el carácter neoclásico del edificio existente.
La ubicación del cuerpo principal es resultado de una operación sutil: un leve desplazamiento del volumen respecto al eje del camino de acceso permite focalizar la visión sobre el nuevo edificio, dejando en un segundo plano las construcciones existentes. En una operación similar, el orden riguroso del jardín de acceso levemente desplazado hacia el lado izquierdo, acentúa la simetría de la fachada principal.
La fachada se organiza a partir de elementos que acentúan los ejes de composición. El pequeño balcón del primer piso sobre el acceso al vestíbulo de planta baja señala el eje vertical. La ventana corrida en el centro de la fachada domina el plano en sentido horizontal.
Dos losas en baldaquino a cada lado de la terraza superior rematan la estructura. La losa de la derecha se propone más extensa que la izquierda para equilibrar el menor tamaño del portón inferior sobre ese lado.
En planta baja, el vestíbulo conduce a una circulación horizontal ubicada en el lado opuesto al acceso. La escalera instalada de manera perpendicular a la circulación vincula el vestíbulo con el piso principal. El primer nivel concentra la actividad social, exaltada por la ventana horizontal que recorre el plano de fachada encuadrando las vistas exteriores. Un grupo de locales de servicio separa las habitaciones de la circulación. En el extremo izquierdo, una escalera de un tramo conduce al segundo nivel, donde la terraza jardín corona el edificio.
El plano curvo de la escalera ubicado a la izquierda de la fachada articula el volumen principal con otro más bajo ubicado a su derecha, donde se disponen las instalaciones de servicio. Un muro de baja altura construido delante del plano curvo entre ambos volúmenes, enmarca la puerta de acceso al hall de la escalera.
Sobre el lado izquierdo, la prolongación de la circulación trasera permite el vínculo con el segundo volumen que se sitúa de manera perpendicular. Por delante, una terraza de lado curvo establece el único punto de contacto entre la elevación principal y aquel cuerpo.
El pabellón anexo reformula una construcción existente. Los muros de planta baja están recubiertos por un revestimiento oscuro aplicado como listones horizontales. Por encima, el estuco blanco del primer piso enfatiza el contraste entre niveles. En ese mismo plano, las carpinterías colocadas a ras de muro realzan la sensación de levedad de la estructura.
La elevación repite el gesto de incorporar un plano saliente para jerarquizar el acceso a una planta baja destinada a locales de servicios. Por el contrario, la biblioteca y la sala de juegos alojados en la planta alta componen los espacios principales.
Le Corbusier junto a Pierre Jeanneret y Charlotte Perriand diseñaron para esta obra algunos de sus muebles más reconocidos. El ingreso de Charlotte Perriand al estudio de 35 Rue de Sèvres fortaleció la reformulación del espacio moderno, establecida en la búsqueda de la forma del equipamiento compatible a la arquitectura de Le Corbusier. El sillón basculante, el sillón individual y la Chaise longue, son parte del equipamiento interior de la Villa Church, incorporados con carácter experimental. Estos diseños fueron progresados para la presentación al público en el salón de otoño de 1929.
La Villa Church en Ville d’Avray, Le Corbusier | tecne.com
La Villa Church, construida entre 1927 y 1929, fue demolida sin fecha cierta en la segunda mitad del siglo XX.
Marcelo Gardinetti, Arquitecto
La Plata, Argentina. septiembre 2013
La economía entendida como proceso de contención y reducción a lo esencial, mediante la más pura sinceridad constructiva y racionalidad formal, caracteriza esta ampliación de caniles para la asociación protectora de animales Gatocan.
Arquitectura de mínimos, eficaz, funcional y expresiva.
Según la RAE, se define economía, ente otras acepciones, de la siguiente forma:
1. Administración eficaz y razonable de los bienes.
2. Contención o adecuada distribución de los recursos materiales o expresivos.
En este proyecto, los escasos recursos existentes obligan a emplear este concepto de economía, entendido no sólo como una cuantía económica, sino como un proceso de contención, y de llevar el problema a lo esencial. La contención hace que los elementos empleados sean eficaces y expresivos al mismo tiempo, y generen así un sistema económico.
El resultado, es una arquitectura sincera, con un elemento básico de repetición que resuelve las necesidades tanto de los peludos habitantes como de los encargados de su cuidado.
La totalidad de la ampliación, compuesta de veinte caniles, se divide en dos piezas, de doce y ocho celdas, que facilitan su correcta adaptación a la topografía del terreno, considerando la pendiente para minimizar el movimiento de tierras y generando cuatro patios, que amplían las posibilidades de paseo de los huéspedes.
Por otro lado, las piezas de ampliación focalizan la visión del valle, ya que se van concatenando en altura y adaptándose al terreno de la parcela, permitiendo las vistas desde cualquier punto. La conexión entre las piezas se realiza a través de una escalera que salva el nivel sosegadamente siguiendo la vaguada del terreno.
Cada canil se compone de varias zonas: una interior, una exterior cubierta y otra totalmente exterior, bien orientadas para lograr el máximo confort de sus ocupantes. Existe un corredor de distribución cubierto, orientado al norte y protegido de los vientos predominantes y de la lluvia para facilitar el cuidado de los animales. Y al sur, otro corredor da acceso a los caniles desde el frente descubierto que se abre hacia los patios.
Los materiales empleados son lo que resuelven los problemas existentes sin artificios. Unos muros de bloque de hormigon “split” acanalados soportan una estructura de madera de cubierta sobre la que reposa una chapa minionda galvanizada, ventilada inferiormente para disipar el calor del verano.
La propia estructura de muros de bloque de hormigón genera el esquema rítmico y acompasado de la ampliación, que se remata en la fachada mediante el uso de bloque acanalado que refuerza la visión de conjunto y se difumina con el telón de fondo creado por los troncos de los eucaliptos.
A su vez, la chapa minionda galvanizada de cubierta refleja el entorno, acentuando la presencia del cielo y mimetizándose con él. Estos recursos juegan, los bloques y la madera a ser bosque y la chapa metálica a ser cielo.
En definitiva, se trata de arquitectura llevada a la esencia, económica en todas sus acepciones y atractiva en su sencillez.
obra: Ampliación de la Asociación Protectora de Animales Gatocan
autores: Fernando Martínez López y Miguel Carballido Pensado [soma arquitectura]
colaboradoras: Inés García Dintén y Susana Vázquez Rodríguez
promotor: Asociación Protectora de Animales Gatocan
contrata: Jose Antonio Suárez Romar
aparejador: Aurelio Gago Losada
superficie: 313,60 m²
año: 2011
emplazamiento: Coirós, A Coruña, Galicia, España
presupuesto: 225 €/ m² + somaa.es
Foto/Vídeo aborda las posibilidades que ofrecen la foto y el vídeo en el ámbito de la creación Se incluye dentro de Fotocoruña y tendrá lugar en los jardines de Méndez Núñez, organizada por el Ayuntamiento de A Coruña.
Este encuentro de fotografía y vídeo, que se celebrará entre septiembre y octubre, implica a diversas instituciones, espacios y galerías que mostrarán al público obras de artistas noveles y consagrados a través de distintas propuestas como talleres o exposiciones. La propuesta de Foto/Vídeo, que se desarrollará en doce contenedores dispuestos en los jardines Méndez Núñez hasta el próximo 3 de octubre, está comisariada por Susana González y Nicolás Combarro y aborda las posibilidades que ofrecen la foto y el vídeo en el ámbito de la creación. Cada uno de los espacios está dedicado a un artista o colectivo de jóvenes creadores y en ellos se plasma la reciprocidad entre ambas disciplinas, permitiendo al público reflexionar sobre sus posibilidades comunicativas y estéticas mediante distintos registros fotográficos y videográficos.
El espectador está invitado a adentrarse en este ámbito creativo a través de documentales, piezas de videoarte, fotoproyecciones o sesiones de bookjokey con la imagen como herramienta fundamental de la expresión artística. Para ello, se han intentado borrar las diferencias formales presentando los trabajos de igual manera y en espacios similares para que el espectador se centre más en el contenido que en el continente.
Entre los autores que presentan su trabajo de forma individual se encuentran Carlos Rodríguez-Méndez, cuya trayectoria se vincula al ámbito escultórico, mostrando en su propuesta una investigación antropomórfica; Miguel Ángel Delgado, relacionado con el documental, describe espacios de los suburbios de Seúl y Calixto Ramírez, que aborda su interés por la representación plástica a través de vídeos realizados durante una estancia en Galicia.
Por su parte, Lois Patiño hace intensas descripciones poéticas del paisaje resaltando la fragilidad del ser humano; Rubén Ramos Balsa juega con la capacidad imaginativa del espectador en Veo, veo; Álvaro Negro recupera fragmentos del paisaje gallego componiendo a través de la mirada un cuadro fotográfico; Carme Nogueira describe la evolución de la ciudad chilena de Valparaíso y Xoán Anleo explora la realidad inmediata durante un viaje a la Patagonia. Otros artistas participan en este proyecto a través de colectivos como Blankpaper, que ocupa un destacado lugar en el panorama fotográfico nacional, buscando por parte de sus componentes los límites de la tradición de la fotografía de autor hacia nuevos horizontes; Nophoto, constituido como una revisión de la agencia fotográfica tradicional, en la que se alternan trabajos fotográficos y editoriales; Fotoaplauso, que recupera iniciativas de proyectar fotografía en la calle, como se hizo en el cine con los proyeccionistas ambulantes y Bookjokey, propuesta innovadora en la que #BJ_Xoubanova presentará fotolibros al público, a modo de disc jokey, que acompañará de comentarios.
El quinto número de la revista de arte y arquitectura POINTEs, editada en Madrid, una publicación de arte y arquitectura realizada por estudiantes de diferentes ramas artísticas, que pretende reavivar el debate y dirigirnos HACIA UN ESPIRITU CRÍTICO, así como la investigación de las referencias mas importantes del siglo XX.
Es así como se conforma como una revista libre de secciones basada en la recopilación de textos de opinión, reflexión, trabajos de investigación y trabajos artísticos propios.
Revista Pointes [n05]
POINTES 5
El orden, el caos, las casas. Una probable genealogía de las villas ideales Arquitecturas Anónimas
Reflexión sobre el equilibrio
De emoción o arquitectura; Luis Barragán
La masa del espacio; La villa Rotonda
Desde el 10 de Octubre de 2013 hasta el 5 de Junio de 2014, tendrá lugar en la Fundación Luis Seoane el curso Secretos de la Arquitectura.
Tras la primera edición, el club de arquitectura de la Fundación Luis Seoane propone una segunda vuelta. Se trata de una iniciativa que reunirá a lo largo de ocho meses a un conjunto excepcional de profesionales que analizarán aspectos básicos de la arquitectura y el urbanismo, la historia de la arquitectura y su impronta en el entramado social y económico, así como su relación con el arte, la didáctica o la naturaleza; el paisajismo, edificios y obras célebres desde el punto de vista arquitectónico, el espacio y su uso, la relación entre arquitectura y género o su papel como mecanismo de reacción social, etc.
Secretos de la arquitectura toma ya desde su primera edición como punto de partida la publicación del libro La historia secreta de los edificios de uno de los arquitectos más importantes de nuestro país, Ricardo Aroca, para estudiar cómo la arquitectura establece conexiones con casi todos los aspectos que configuran nuestro mundo, como el arte, la economía, la sociedad o la política. Para ello, este club de arquitectura coordinado por el arquitecto Fermín Blanco ha conseguido reunir a un grupo excepcional de arquitectos de diferentes generaciones como Juán Domingo Santos, José Ramón Soraluce, Fernando Agrasar, Santiago Cirugeda, Manuel Gallego Jorreto, Juan Creus, Covadonga Carrasco, Andrés Fernández Albalat, Arturo Franco Taboada o Fernando Blanco, así como profesionales de otros ámbitos como el historiador Jesús Giráldez, el fotógrafo Juán de la Sota o la artista Carme Nogueira entre otros muchos.
La estructura de este club de arquitectura gira en torno a treinta sesiones de 90 minutos manteniendo todas un formato de dos conferencias de 45 minutos. Las clases tendrán lugar todos los jueves, excepto festivos, a las 19:30. El precio de la matrícula es de 100 euros, con un descuento del 50% para estudiantes (udc), arquitectos colegiados (COAG), desempleados y jubilados.
Luis Fernando Gómez-Stern e Ignacio Medina y Fernández de Córdoba, Duque de Segorbe, ganadores del Premio Rafael Manzano Martos de Arquitectura Clásica y Restauración de Monumentos por su restauración integral de la Judería de Sevilla. Convocado por The Richard H. Driehaus Charitable Lead Trust y la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Notre Dame (Indiana, Estados Unidos), el premio está dotado con 50.000 euros y una medalla conmemorativa y será entregado 15 de octubre en un acto solemne en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid. Fundación MAPFRE y la Real Academia de San Fernando colaboran en la gestión de este galardón.
Nadie en mi barrio conocía a Mies Van der Rohe. Los niños no soñábamos con ser Alvar Aalto porque nuestro altar lo ocupaban Bruce Lee, Rocky Balboa, Peio Uralde o Zoran Stojadinovic. Yo, que era un poco raro, a veces cambiaba de objetivo y aspiraba a suceder al gran Sempé. Los días transcurrían entre libros de matemáticas, papeles garabateados y horas pateando el balón; esperando que llegase pronto el domingo para ir a ver al Deportivo en ese estadio que tenía un solo fondo sobre el que emergía hierática la torre de Maratón. Vivíamos tranquilos sin haber leído Hacia una arquitectura, sin haber visitado Ronchamp, sin haber oído hablar jamás de Louis Kahn.
Años después se fraguaron los mitos de mi postadolescencia. Mies, Aalto y Le Corbusier, esa Santísima Trinidad que todo estudiante de arquitectura venera, esos perfectos desconocidos durante mis primeros diecisiete años de vida. Y más tarde, la colisión con el mundo real me dejó la desconcertante sensación de haber sido estafado: la vida laboral en el inescrutable laberinto de la burocracia española, el aburrimiento, la falta de Rock and roll. No construí ni un solo rascacielos a la orilla del lago, y el terco ladrillo no me respondía por más que le preguntaba qué quería ser. Fue entonces cuando comencé a plantearme abandonar el barco: al fin y al cabo no soy un arquitecto vocacional, ¿por qué no empezar de cero? Pronto encontré la respuesta: no lo haré porque he visto un pilar y un incendio.
Un pilar
Existe un pilar que hace de Klippan el centro del universo. En ese pueblo sueco, Lewerentz se dio cuenta de que las bóvedas cerámicas podían apoyarse en dos enormes vigas metálicas y de que éstas, a su vez, podían transmitir las cargas a un pilar. A un solo pilar. A una ‘T’ en la que podemos ver una alegoría de la cruz o podemos, por el contrario, ver toda la historia de la humanidad, incluso aquella que precedió a la conmemorada crucifixión. Porque ante todo, esa vertical dota de significado un lugar; en su oposición con la horizontal, con el suelo, dibuja el axis mundi, el eje del mundo. Y en torno a este eje han girado desde el inicio de los tiempos, aquí y allá, cientos de creencias: las que estudio Mircea Eliade, las que Frampton citó en sus Estudios sobre cultura tectónica1, y muchas otras de las que probablemente nunca oigamos hablar. Es, no por casualidad, el mismo eje al que Le Corbusier dedicó su Poema del ángulo recto, la misma vertical definida por el mástil al que Ulises se ató para no sucumbir a los cantos de sirena.
No debemos olvidar que los nórdicos -Lewerentz lo era, no solo por haber nacido en Suecia- siempre han sido, por encima de todo, constructores de barcos. Naves ligeras que remontaron el Volga, que surcaron el Báltico y el Mar del Norte para acabar avistando Terranova. Herencia que esparcieron por el sur de Europa2. Por eso muchos arquitectos del Norte entendieron la importancia de la vertical, del mástil o el pilar: Fehn escribió, acerca de su proyecto para una iglesia en el puerto de Honningsvag: ‘Desde su asiento [el marinero] percibe que el pilar tiene la misma dimensión que un mástil. En este reconocimiento se siente seguro. Se sienta al lado de ese pilar, lo reconoce también con el suave tacto de sus dedos. En mar abierto… fue un símbolo en el que creyó, el que lo trajo de vuelta a casa’3 . A su vez, estos mástiles normandos no son muy diferentes del pilar que ocupa el centro del más arcaico templo sintoísta de Japón4, el Gran Templo de Izumo, que evoca un pasaje del mito de la Creación: en una sala de ocho brazas construida en torno al Pilar del Cielo se cortejaron Izanami e Izanagi, las deidades primigenias, antes de su primera unión5.
Lewerentz, huelga decirlo, no inventó el pilar ni su simbolismo. Simplemente hizo descansar sobre uno de ellos, condensada, su experiencia de anciano y la herencia de muchos siglos de construcción de templos y barcos. Lewerentz colocó ahí ese pilar para recordarnos que sin gravedad no hay arquitectura.
Un incendio
Fue el reverendo Simonsen quien dio a Jørn Utzon una memorable lección de arquitectura: ‘Un espacio sagrado no se hace’ -dijo- ‘Es algo que se consagra. Podría estar debajo de un árbol’6. Los que vinieron después, los arquitectos que sucedieron al maestro danés (al menos los más despiertos) asumieron que así era. Cuando Peter Zumthor construyó una capilla consagrada al Hermano Klaus, santo patrón de Suiza, decidió que la solución era prenderle fuego. Como el bíblico fuego purificador, como las siete llamas que coronan en su quietud la Menorá, como aquel otro incendio de Sidonie.
Zumthor hizo construir una estructura cónica de madera para luego verter sobre ella veinticuatro tongadas de hormigón en otros tantos días. Más tarde prendió fuego a la cimbra; la madera quedó impresa en el hormigón y, al consumirse, definió el vacío que desde entonces sólo es llenado por una luz cenital. Esa iluminación es el único acontecimiento que tiene lugar en el interior de un templo que carece incluso de altar: en su lugar encontramos un charco formado por el agua de lluvia y la nieve derretida. La capilla, con su óculo abierto al cielo, trae a la mente esa estancia de la villa Rotonda por cuyo interior se derrama la luz del sol y el agua de lluvia; también, inevitablemente, ese otro óculo tan célebre, el que convierte la luz en materia densa, casi tangible, en las entrañas de Roma. Pero Zumthor parece haber tenido otras cosas en la cabeza: la rudeza del material, la desnudez absoluta, el proceso de evisceración que le dio forma, sugieren que esa capilla es deudora de las nuraga sardas y de las arquitecturas hipogeas de Capadocia, Mattera o el Sacromonte.
Zumthor quemó aquella cimbra para recordarnos que la arquitectura es materia, y que la materia trasciende lo visible: se toca, se huele, se percibe en ella la cicatriz dejada por el tiempo y el fuego.
Intuyo que Klaus, el ermitaño, estaría satisfecho. La capilla se yergue hoy sobre el trigo amarillo, solitaria como un anacoreta; sin luz ni agua corriente, rendida a los elementos, pero firme ante el empuje del tiempo y la gravedad. Tal vez el fuego en la cimbra no haya sido más que un ritual, una epifanía previa a la catarsis. Como ese otro incendio en Preferencia antes del gol de Stoja.
Borja López Cotelo. Doctor arquitecto
A Coruña. septiembre 2013
Ilustraciones: El primo Ramón (EpR)
Notas: 1 Ver Frampton, Kenneth: Estudios sobre cultura tectónica (Ed. Akal Arquitectura, 1999), p.249 2 Staffan Mörling, antropólogo sueco, es quien más ha profundizado en el estudio de la herencia nórdica en la construcción de las dornas, embarcaciones tradicionales gallegas. 3 Ver Fjeld, Per Olaf: The thought of Construction (Ed. Rizzoli, 1983), p. 46 4 Es recomendable, a este respecto, leer el ensayo ‘Tra terra e mare, L’Architettura di Sverre Fehn’, escrito por Francesco Dal Co e incluido en Sverre Fehn. Opera Completa (Ed. Electa, 1997). En él, Dal Co incide en el ancestral parentesco entre las construcciones japonesas y las construcciones navales nórdicas. 5 Ver el ensayo ‘Kazuo Shinohara: más allá de estilos más allá de la domesticidad’, de Enric Massip-Bosch, en Kazuo Shinohara. Casas, 2G número 58/59 (Ed. Gustavo Gili, Barcelona, 2011), p. 14 6 Ver Puente, Moisés: Jørn Utzon. Conversaciones y otros escritos (Ed. Gustavo Gili, Barcelona, 2010), p.55.
El jurado del Premio de Arquitectura Clásica y Restauración de Monumentos Rafael Manzano Martos ha decidido otorgar el galardón del año 2013 al equipo formado por el arquitecto Luis Fernando Gómez-Stern y el diseñador e inspirador de la restauración integral de la antigua judería de Sevilla, Ignacio Medina y Fernández de Córdoba, Duque de Segorbe.
Fue difícil la elección entre las múltiples candidaturas existentes, todas ellas de extraordinaria calidad. El trabajo seleccionado supone una iniciativa singularmente loable, ya que es resultado del empeño personal de sus autores, quienes con constancia y determinación fueron año tras año insuflando nueva vida a todo un barrio entonces muy degradado y amenazado de demolición del centro histórico de Sevilla. Un barrio que, como todo conjunto urbano tradicional, incluía no sólo monumentos singulares, sino también edificaciones populares más modestas que son con frecuencia minusvaloradas u olvidadas, pero sin las cuales perdería su sentido.
En su restauración y rehabilitación se dio prioridad al uso del lenguaje y las técnicas constructivas tradicionales que proporcionaban al conjunto la identidad que le es propia.
Esta es la segunda edición del premio de Arquitectura Clásica y Restauración de Monumentos Rafael Manzano Martos, dirigido a profesionales dedicados al campo de la arquitectura cuya obra encarne los principios de la arquitectura y el urbanismo tradicionales en el mundo contemporáneo. Su objetivo es poner en valor la labor de aquéllos que estén no sólo trabajando en la preservación y rehabilitación del patrimonio arquitectónico y urbano tradicional español, sino también contribuyendo a la continuidad de las tradiciones constructivas y arquitectónicas que lo configuran y, con ello, trabajando por la creación y el mantenimiento de entornos más humanos y sostenibles.
Convocado por The Richard H. Driehaus Charitable Lead Trust y la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Notre Dame (Indiana, Estados Unidos), el premio está dotado con 50.000 euros y una medalla conmemorativa y será entregado 15 de octubre en un acto solemne en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid. FUNDACIÓN MAPFRE y la Real Academia de San Fernando colaboran en la gestión de este galardón.
Como defensor de los mencionados valores, Rafael Manzano Martos fue ganador del Octavo Premio The Richard H. Driehaus Prize de Arquitectura Clásica concedido en Chicago en el año 2010. Este premio internacional, instituido por el gran mecenas norteamericano Richard H. Driehaus y promovido a través de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Notre Dame de Indianápolis, está considerado como uno de los reconocimientos más importantes del mundo a una trayectoria profesional vinculada a la arquitectura tradicional y a la restauración. Tras concederle este galardón Richard H. Driehaus anunció la creación en nuestro país de un nuevo premio con el nombre de Rafael Manzano, en este caso destinado a honrar aquellos que estén protegiendo y enriqueciendo el legado arquitectónico español.
¿En qué medio puede un arquitecto investigar libremente con ideas que redefinan el entorno doméstico? ¿Existe el cliente dispuesto a llevar a cabo tales experimentos?
Nubes Rosas
Alfons Soldevila, arquitecto
La casa translúcida, de Alfons Soldevila. La construcción de una casa experimental
Alfons Soldevila, profesor de Proyectos de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona, ha examinado el tema de la vivienda, proponiendo una serie de debates en clase con sus estudiantes, que acabaron materializándose en la construcción de una casa a escala 1:1 en medio del campus. La llamaron la Casa Translúcida y fue, desde 1996 hasta el 2002, cuando tuvo que ceder su espacio a una nueva biblioteca, un centro de encuentro de estudiantes y profesores. Se trataba de experimentar con un nuevo tipo de alojamiento realizado a partir de un nuevo material de construcción. Hecho con policarbonato, la luz se filtraría a través de sus suelos, paredes y techos, una cualidad translúcida que determinaría el diseño y su construcción.
“Si no podemos estar en contacto con las paredes, si no podemos estar en contacto con el techo, si no podemos estar en contacto con el suelo, estamos trabajando en un espacio muy especial, desconectado de las paredes, del suelo y del techo.” A. Soldevila
La universidad como laboratorio
Indudablemente la universidad es un lugar ideal para exploraciones culturales y del modo como los hombres se relacionan entre sí y su entorno. Es un lugar donde se elogia la investigación comprometida con la contemporaneidad y donde la duda forma parte del construir de la historia. Con esta vocación, Alfons Soldevila planteó el proyecto de redefinir la vivienda, analizando, cuestionando y comprobando en el aula y en el taller, antes de comenzar su construcción.
La primera fase consistió en realizar una maqueta a escala 1:10, con el fin de comprobar su estructura y estudiar una secuencia de su montaje que no requiriese grúa alguna. El armazón se elevaría de forma similar a la estructura tradicional americana conocida como balloom-frame, la cual puede ser alzada por una persona ayudada por un tráctel.
Consecutivamente se construyó la estructura de tubos de acero inoxidable, con una sección 80x80mm y 30mm de camisa. Para los soportes de la cimentación, que también se quisieron ejecutar con un material translúcido, se realizaron probetas de hormigón y vidrio reciclado en lugar de arena. El resultado mostraba que su capacidad mecánica era menor a la del hormigón tradicional pero lo suficiente para un edificio de diez toneladas. Sobre estos soportes, separados cada dos metros, se alzaban los pórticos, que estaban conexionados por otros perfiles de 80x80x3mm y que actuaban como de zunchos perimetrales. La estructura de los forjados se realizó con perfiles de 80x80x2mm que, a modo de viguetas separadas 40cm, se apoyaban en los zunchos. Su fijación se realizó con silicona estructural, por lo que podrían desmontarse fácilmente con una cuchilla.
Por último, la estructura metálica se cerró con planchas extrusionadas de policarbonato, utilizadas tanto en el tejado, paredes, techos, suelos, rampas y peldaños. También se empleó silicona en todas sus uniones para evitar elementos opacos y facilitar el desmontaje o sustitución.
El método de montaje es en seco, por lo que es reciclable, y realizado con mano de obra no cualificada. Está pensado para que una persona pueda construirla, gastando en su construcción la misma energía que la necesaria para practicar un deporte
Policarbonato como material de construcción
Al investigar la composición del policarbonato, los estudiantes valoraron las grandes ventajas de este producto orgánico en la construcción. A su inercia química que lo hacía inmune a los ácidos, bases y agentes atmosféricos, se le añade su alta resistencia a la rotura y el deterioro, tiene buena elasticidad y puede aguantar varios tratamientos incluyendo el teñido de colores. Dentro de los productos termoplásticos, presenta buen comportamiento ante el fuego ya que es autoextinguible. Adicionalmente, el policarbonato es un material que podría competir con el vidrio ya que ofrece una claridad óptica única de traslucidez. Este factor jugó un papel decisivo en la elección del material ya que tanto la forma curva del tejado como las fachadas de la casa permitían un aprovechamiento máximo de la luz solar, el calor y la ventilación. Por otro lado, las planchas de policarbonato tienen el inconveniente de ser sensibles a los rayos UV, por lo que amarillean a la exposición del sol. La solución a esta reacción consistió en colocar una película adherida a la superficie para protegerla del sol. Esta película modificar el acabado de la superficie con diferentes tramas y colores dependiendo de sus habitantes.
Para un máximo beneficio de la luz natural y minimizar las sombras, los muebles ideales son aquellos que no tocan las paredes ni los suelos
Experimentando el interior
Para que la luz natural fluyese sin obstáculos, la distribución de la casa tendría que resolverse sin que nada se sitúe frente a los muros traslúcidos. Las únicas habitaciones opacas, la cocina y los baños, se dispusieron como piezas de mobiliario. Tampoco se instaló luz eléctrica dentro de la casa, para liberar la vivienda de instalaciones e interruptores. En su lugar, cuando oscurece, se encienden por control remoto las luminarias situadas fuera de la casa.
Una escalera longitudinal relaciona las tres plantas
Para un máximo beneficio de la luz natural y minimizar las sombras, los muebles ideales son aquellos que no tocan las paredes ni los suelos. Tendrían que estar flotando. Consecuentemente los estudiantes experimentaron con el diseño de mobiliario de policarbonato – sillas y hamacas que se columpian, mesas que cuelgan, armarios translúcidos y cajones que están elevados del suelo. Incluso las alfombras o las suelas de los zapatos tuvieron que ser repensadas, esta vez desde abajo. Otros alumnos experimentaron con juegos de limpieza que incluían el baldeo de la casa con un manguerazo, algo posible al ser los armarios de policarbonato con cierre de cremallera.
“La casa, como entidad abstracta, no responde de forma directa a su entorno, sino a la voluntad sensorial de sus ocupantes.” A. Soldevila
Aunque la Casa Translúcida no existe hoy día su valor permanece, no solo en los estudiantes que participaron en el experimento, sino también en el currículum de la universidad. La tecnología, los materiales y sus posibilidades están en continua evolución aunque se integren lentamente en sociedad. La investigación necesita primero jugar un papel esencial en forma de educación para poder aprender de sus logros, errores y el beneficio de la duda.
Halldóra Arnardóttir + Javier Sánchez Merina
doctora en historia del arte. doctor arquitecto
Murcia. septiembre 2013
Arte y arquitectura se fusionan en la 16ª edición del Taller Vertical de la ESARQ-UIC. De la mano de la artista Eugènia Balcells, medalla al mérito en las bellas artes 2009 alumnos y profesores de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universitat Internacional de Catalunya (ESARQ-UIC) están abordando esta semana en el marco de la 16ª edición del Taller Vertical una serie de investigaciones sobre la materia, la luz y la forma en la estructura platónica del cubo.
El Taller Vertical de la ESARQ-UIC, que en la presente edición lleva por título “Arquitecturas esenciales“, se inauguró el jueves 5 de septiembre con una conferencia a cargo de la propia artista y, tras una semana de trabajo, los proyectos se levantarán a escala real en los exteriores del Campus Barcelona la mañana del próximo jueves 12 de septiembre, día que se realizará la corrección final, el jury estará compuesto por Eugènia Balcells, Eulalia Bosch, Alfons Puigarnau, coordinador del Taller y Fernando Marzá, vocal de cultura del COAC. Por la tarde (18h) se entregarán los premios a los tres mejores proyectos.
Todos los alumnos que participan en el taller, de segundo a quinto del grado en Arquitectura, presentarán por equipos sus propuestas para los tres cubos, en los que han aplicado el lenguaje creativo de la artista catalana Eugènia Balcells para representar un cubo simbólico, un cubo cósmico y un cubo antropológico. En esta edición, el Taller Vertical de la ESARQ enfoca el trabajo desde el punto de vista creativo al trabajar la relación entre arte y arquitectura de la mano de la prestigiosa artista catalana, y refuerza así la transversalidad y ampllitud de miras que todo estudiante de arquitectura debe que tener para afrontar la realidad.
En esta 16ª edición, la ESARQ-UIC vuelve a vincularse con las empresas del sector como Onducart, SA; Mecalux, SA, y LQ-LUX. para poder llevar a cabo los prototipos 1/1.
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Parcela triangular con ligera pendiente en el borde marítimo urbano de Ferrol. El planeamiento prevé un edificio en forma de V y se permite cierto juego de entrantes o salientes tanto en el borde exterior como en el interior.
Un zócalo continuo nos permite acceder desde el punto más elevado, relacionado con el resto del barrio, en la fachada norte. Por debajo todo garaje y trasteros, prácticamente sin rampa, al acceder desde la fachada opuesta.
Tenemos pues toda la planta baja dedicada a centro de día, con accesos a nivel tanto desde el exterior como hacia el patio y las tres plantas superiores a viviendas.
El centro de día ocupa el vértice y un ala de la V. Acceso y zonas de administración y atención médica hacia el noroeste; servicios, con acceso independiente, hacia el sureste, y zonas de estancia en la parte central con doble orientación, sur hacia el exterior y norte hacia el patio.
El resto de la planta baja lo ocupan cuatro viviendas adaptadas y con acceso directo al patio, zona de instalaciones y almacenes.
Las tres plantas superiores se configuran en tres paquetes cada una con espacios intersticiales de relación. Los más generosos al suroeste y con vistas a la ría, hacia el norte lavandería y tendedero y los corredores hacia el patio con pequeñas dilataciones a modo de miradores.
La vivienda tipo se estructura en dos franjas; una de servicio con aseo, armario y cocina y otra de estancia comedor y dormitorio; ambas con doble orientación. En algunos casos se añade una crujía intermedia con dos habitaciones, una para cada vivienda.
Obra: 43 viviendas para jóvenes y mayores y centro de día en Ferrol
Localización: Ferrol, La Coruña, Galicia, España.
Autores: abalo alonso arquitectos. Elizabeth Abalo, Gonzalo Alonso
Fechas de redacción: Concurso 2007, proyecto 2007, fin de obra 2010.
Arquitecto técnico: Francisco González Varela.
Colaboradores: Carlos Bóveda, Francisco J. Vázquez, Arquitectos.
Estructura: Inaec ingeniería, Jacobo Valido.
Instalaciones: Inaec ingeniería, Federico Valido.
Promotor: Instituto Galego de Vivenda e Solo. Xunta de Galicia
Empresa Constructora: Assignia Infraestructuras. Jefe de obra: Julián Carabaña.
Fotografía: Héctor Santos-Díez | BISimages + abaloalonso.es
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