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La parábola del inglés | Borja López Cotelo

Recuerdo mi breve estancia en el St. James College, en Maypole Green, Essex. En las tardes de lluvia, el repicar de las gotas contra el alféizar sonaba como el segundero de un reloj que parecía ir cada vez más lento, mientras un paisaje verde y gris se filtraba a través de la ventana ojival. Yo, a menudo, perdía el tiempo rebuscando en su biblioteca algún manuscrito; según me había confesado el decano Brown, el gran Chesterton había pasado allí largas temporadas charlando sobre teología y paradojas con su bisabuelo.

G. K. Chesterton

Jamás encontré allí rastro alguno del escritor, pero entre los miles – ¿o eran millones?- de libros acumulados en sus estanterías descubrí algo tal vez más extraordinario: el diario de Hiram Mallord Sinclair, séptimo duque de Connaught. Me tropecé con él sin pretenderlo, mientras dejaba que mi vista vagase entre las páginas de una edición original de El paraíso perdido de Milton. Las memorias de Sinclair dibujaban un personaje particular: iconoclasta, culto, refinado en sus gustos1, audaz en sus empresas y tenaz en sus propósitos. Vivió, según se desprende de sus escritos, como un respetable aristócrata dedicado a la administración de su fortuna hasta que en el verano de 1824, a la edad de 47 años y sin motivo explícito, abandonó la seguridad de su castillo para consagrar su vida a un propósito incierto: la búsqueda del grafiti más antiguo del mundo.

Tal vez exista entre la aristocracia inglesa una tradición de extravagancia capaz de conceder legitimidad a empresas de este género; quizá hubiera en el equipaje de Hiram Sinclair tanto esnobismo como curiosidad, tanta voluntad de embaucar a las damas en una conversación ligera como de desvelar los arcanos del arte, tanto deseo de impresionar a caballeros de potentadas familias como de arrojar luz sobre ancestrales comportamientos humanos. Sea como fuere, cuando subió al barco que debía trasladarlo desde Bristol hasta Nápoles, Sinclair fue consciente de que ‘nada en su vida, ni en la del resto de los hombres, volvería a ser igual’2.

Nápoles hacia 1850, fotografiada por J. Dunlop

La nave arribó a puerto el 19 de septiembre, día de San Genaro. Bulliciosa, hosca, arrogante y amparada por el descomunal Vesubio, la ciudad no prestó atención al noble inglés:

‘Las gentes se agolpaban ante la portada de la inmensa catedral: allí, aseguran, se licúa la sangre de San Genaro. El aire olía a todas las especias de Oriente y los gritos llenaban las plazas. Se percibía un éxtasis colectivo, un paroxismo que me resultaba ajeno; decidí entonces acercarme a una diminuta posada cercana al puerto. Llamé con insistencia y hube de esperar unos segundos. Como suponía, se trataba de un discreto fumadero de opio’.

Los siguientes párrafos son ilegibles. Sinclair, propenso a la experimentación y la moral relajada, parecía haber encontrado en la ciudad partenopea la horma de su zapato:

‘No recuerdo con precisión qué me ha traído hasta aquí. Pero sólo una buena razón me hará regresar’,

escribía ocho días después de su llegada a Nápoles. Las páginas siguientes parecen haber sido arrancadas, y la caligrafía desmañada de los párrafos conservados dificulta la reconstrucción del relato. En la siguiente nota, escrita una semana más tarde, se puede leer:

‘Schiaffino me ha hablado hoy de una ciudad sepultada por la lava del Vesubio en tiempos remotos. Los muros de sus edificios conservan dibujos antiquísimos y numerosas anotaciones, jeroglíficos indescifrables. La semana que viene partiré hacia allí para verlos con mis propios ojos’.

Por primera vez, ese día de otoño de 1824, Hiram Sinclair oyó hablar de la infausta ciudad de Pompeya; en realidad, pocos la conocían entonces más allá del Reino de Nápoles. Siete días después, cuando vio los vestigios por primera vez, escribió:

‘No se trata de ruinas, sino de un instante detenido.  Aquí está lo grandioso de Roma, los templos y villas, pero también los tugurios y lupanares. Se percibe lo sucio y perverso en íntima convivencia con aquello que nos ha sido legado por las fuentes clásicas. Todo ello, el bien y el mal, lo explícito y lo secreto, el esplendor y la ignominia latente en cada ciudad, en cada vida, sepultados bajo la lava un día cualquiera’.

Y prosigue, entre el alivio y la excitación:

‘Los jeroglíficos a los que se refería Schiaffino son, en realidad, inscripciones en latín. Cientos. Miles. No sabría precisar cuántas. Algunas recogen citas clásicas -¡ahí estaban Virgilio y Ovidio!-, otras parecen mera propaganda de políticos. Un tercer grupo, el más numeroso, lo componen frases obscenas escritas sobre las paredes de los prostíbulos: tarifas de prostitutas, alusiones a atributos sexuales, insultos a antiguas concubinas3. En ocasiones, garabatos de cuestionable virtuosismo ilustran las proclamas. Esta debe de haber sido la ciudad de la lujuria, el refugio de los promiscuos4. Las paredes lo atestiguan. Los dibujos deben de haber sido realizados más de veinte siglos atrás: mi viaje parece haber llegado a su fin’.

Grafitis conservados en la ciudad de Pompeya

Con estas palabras podría haber concluido el periplo de Hiram Sinclair. Pero alguien, tal vez a su vuelta a Nápoles, tal vez en algún otro fumadero de opio que sin duda visitó durante su largo viaje de regreso a Inglaterra, le habló de un personaje particular, Joseph Kyselak:

‘Un joven austrohúngaro que tiene por costumbre grabar su nombre en todos los rincones del Imperio’ -anota-. ‘Un hombre que tal vez comparta mis inquietudes’, escribe (o, quizá, suplica).  

Apenas cuatro semanas más tarde, Sinclair logró reunirse en Viena con Kyselak. Fue el 2 de diciembre de 1824, en el célebre café Sacher:

‘Se trata de un muchacho anodino. Me ha confesado que la costumbre de grabar su nombre en las paredes de edificios singulares comenzó como una apuesta de juventud. Más tarde, su afición por escalar las montañas más remotas del Imperio le hizo pensar que también allí debía figurar su apellido’.

El inglés parece, en estos párrafos, profundamente decepcionado.

‘No es más que un chiquillo’ -lamenta-, ‘y tanto su forma de hablar como sus gestos denotan una educación pulcra. No lo creo capaz de acometer una empresa arriesgada. Tal vez no sea más que un charlatán’.

Sin embargo, esas palabras habían sido tachadas de su diario; quizá porque, para sorpresa de Sinclair, cuando ese vienés de refinadas maneras se hubo alejado, descubrió sobre la mesa de madera oscura que habían compartido fugazmente siete letras cuidadosamente talladas: Kyselak5.

Grabado representando a Joseph Kyselak
Tag de Kyselak en el Schwarzenbergpark de Viena

Según se deduce de sus diarios, Hiram Sinclair decidió entonces regresar a Londres. El viaje había tocado a su fin. Pero esa misma noche, en la cafetería del hotel Imperial, conoció al Mariscal de Campo Otto Gerstner, ‘un hombre de estatura formidable, barba poblada y diminutos ojos azules’. Fue él quien le habló de unos grafitis remotos, situados en el extremo septentrional de Europa:

‘En la región de Alta, en Noruega, hasta donde lo llevó una expedición financiada por el Emperador. Gerstner asegura que lo visto en Pompeya palidecerá en mi memoria tras contemplar las maravillas grabadas en la roca por los primeros hombres del Norte’.

Parece, no obstante, que los recursos económicos de Sinclair comenzaban a agotarse. Dudó entre regresar a Inglaterra para atender a sus obligaciones financieras o culminar su hazaña6. Fiel a sí mismo, decidió finalmente emprender el camino más difícil: vendió  sus efectos personales y se dirigió a Noruega, alternando largas caminatas y trayectos a caballo, protegiéndose del frío con el único abrigo de Astrakán que pudo rescatar de su equipaje.

Pictogramas conservados en la región de Alta, Noruega

Así, el 14 de junio de 1825, Hiram Mallord Sinclair llegó al fiordo de Alta, tras haber atravesado la yerma meseta de Finnmarksvidda y millas de inescrutables bosques hamsunianos. A partir de este punto, el diario parece mezclar ya sin rubor realidad y ficción. Se convierte en un conjunto de notas inconexas acerca de diferentes escenas y personajes con los que -según su relato- se topó en la gélida costa escandinava: habla de Knut, un marinero de Narvik que había fletado tres expediciones con el único fin de dar muerte al kraken; cita también a Ole, ‘un pescador de más de siete pies de estatura aterrado ante la amenaza del Malström’, y a Sigurd, un hombre docto que años antes había tenido bajo su tutela en Copenhague a un muchacho llamado Søren Kierkegaard. Hace referencia por último a Ingrid Håkonsdatter, una campesina que aseguraba conocer los dibujos prehistóricos descritos por Gerstner aquella noche, en el lujoso café Imperial de Viena.

‘Ingrid afirma que los grafitis se hallan en la bahía de Hjemmeluft, a dos millas del lugar donde pasaré la noche’- escribía Sinclair-  ‘Mañana será el último día de mi viaje’.

Pictogramas conservados en la región de Alta, Noruega

Con esas palabras concluye el diario. Quizá haya algún otro cuaderno extraviado; tal vez Sinclair llegó a ver los pictogramas de Alta y se maravilló ante su descubrimiento para regresar más tarde a Gran Bretaña, recuperar su fortuna y ganarse una reputación de audaz viajero, de explorador ávido y admirado gentleman. Pero puede también que muriese de frío y agotamiento esa misma noche, presa de los delirios en el confín de Europa, velado por una campesina bajo la  luz tenue de una bujía7.

Borja López Cotelo. Doctor arquitecto
A Coruña. mayo 2012

Notas:

1. Eso parecen indicar algunos pasajes de su autobiografía, en los que -rememorando viajes de juventud- pondera el exquisito sabor del caviar del Volga o el delicado tacto de las sedas de Damasco.
2. La cita exacta, conservada en el primero de sus diarios, es:

‘Supe al partir que esta decisión -como cualquier otra- haría que nada en mi vida, ni en la del resto de los hombres, volvería a ser igual’.

Estas palabras traen inevitablemente a la memoria aquéllas de Borges:

‘No hay acto que no sea coronación de una infinita serie de causas y manantial de una infinita serie de efectos’.

3. Hoy en día, gran parte de estos grafitis se encuentran inventariados en el cuarto volumen del Corpus Inscriptionum Latinarum. Tanto las referencias políticas y filosóficas como las eróticas y vejatorias fueron cuidadosamente estudiadas durante las décadas posteriores al viaje de Hiram Sinclair. En Pompeya se han encontrado más de 20.000 grafitis, datados antes de agosto del año 79 A.D (fecha de la erupción del Vesubio).
4. Las inscripciones a las que hace referencia Sinclair son legibles aún hoy en las paredes pompeyanas. En su mayoría se trata de textos políticos (Trebium Valiente(m) et Gaviun Rufum viros bon(os), es decir ‘Votad por Trebio Valiente y Gayo Rufo. Son hombres buenos’), sexuales (Suspirium puellarum Celadus thraex , es decir ‘Celadus el Tracio hace suspirar a las chicas’, inscripción recogida en el C.I.L. IV, 4397) y citas de autores clásicos como Ovidio o Virgilio.
5. Una anécdota similar es atribuida a Kyselak durante su vista con el emperador austrohúngaro Francisco I, quien lo había llamado a palacio para exigirle que cesase en su pretensión de grabar su nombre en todos los edificios singulares de Viena.
6. El dilema consumió gran parte del segundo tomo de su diario. Durante dos semanas, Hiram Sinclair anotó febrilmente todas sus dudas y deseos, en los pasajes más personales de su obra. Se conserva también un inventario de bienes, en el que aquéllos que fueron vendidos aparecen cuidadosamente tachados.
7. Sea como fuere, el extraordinario conjunto de pinturas rupestres de Alta no fue descubierto oficialmente hasta el otoño de 1972, ciento cincuenta años después de la expedición de Sinclair. Datados entre el 4.200 A.C. y el 500 A.C., los petroglifos representan tanto figuras humanas como animales, primitivas embarcaciones y rituales chamanísticos.

Sinergia Sostenible · sostenibilidad | Asociación

En la entrevista de hoy charlaremos con Sinergia Sostenible, un proyecto con estatus de asociación sin ánimo de lucro. Iniciado en año 2008 y formado en la actualidad por Amaya González, Lorenzo Barnó, Agnieszka Stepien, Uxua Domblás, Ana Enguita y Leire Garaikoetxea, desarrollan su actividad tanto en Navarra, como en el resto del estado.

Sus fundadores definen esta iniciativa como un lugar de encuentro donde se fusionan las ganas de saber y de dar a conocer qué es la sostenibilidad, para buscar el mejor camino de llegar a ella.

“Creemos que una de las labores más importantes que hoy en día tenemos los arquitectos es la de emplear nuestras energías en diseñar los mecanismos que permitan lograr un hábitat en equilibrio con el planeta que lo sustenta.”

Sinergia Sostenible no es sólo un contenedor donde clasificar sus propias investigaciones, sino también una multiplicación de fuerzas donde la interacción con los lectores de su blog es muy importante.

Paralelamente a la confección de ese espacio virtual, y como parte de un proyecto más amplio de difusión de la información e interactuación con los demás habitantes de este planeta, realizan simposios, talleres infantiles, cursos, congresos (EQUIciuDAD)  y otras actividades complementarias.

Sinergia Sostenible · sostenibilidad | Asociación
Sinergia Sostenible · sostenibilidad | Asociación
¿Qué es la sostenibilidad? ¿Por qué una asociación?

Ahora mismo hay mucha información sobre lo que es la sostenibilidad; pero, allá por el 2004 cuando comenzamos nuestras andaduras profesionales, el tema no estaba tan claro. Así, en el 2008, después de formarnos sobre el tema lanzamos la asociación con la nítida idea de que la sostenibilidad no era la ecología, ni la bioclimática, ni mucho menos sólo la bioconstrucción, como muchos querían hacernos pensar. De esta forma, apostamos por el concepto de que la sostenibilidad se sustentante en tres patas: la E-conomia, la E-quidad y la E-cologia. Es más, la segunda pata la Equidad, lo social, es la que más nos interesa y sobre ella hemos trabajado mucho.

A su vez, en este tiempo, la propia palabra sostenibilidad se ha comercializado en tal manera, que todo es sostenible desde el marco de la publicidad. Así, aunque puede resultar tentador obviar la palabra, nosotr@s pensamos que es más necesaria que nunca.

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Sinergia Sostenible al completo
¿Cuál ha sido vuestra formación y trayectoria profesional en este campo?

La mayoría nos hemos formado con cursos y master sobre sostenibilidad. A su vez, por suerte hay infinidad de libros sobre el tema y cada vez más blogs y webs que tratan la sostenibilidad con la seriedad que se merece. Además, nos interesa especialmente la escala urbana y, por ello, somos fieles lectores de publicaciones como La ciudad viva, un inmenso océano de reflexiones en materia de ciudad sostenible totalmente actualizada.

A la par, hemos asistido a varios congresos, primero como oyentes y últimamente como ponentes. También hemos dado clase tres años seguidos en el Máster Universitario en Eficiencia Energética y Arquitectura Bioclimática, en Madrid,  y en el Máster de Ciudad y Arquitectura Sostenibles (mcas), en la Universidad de Sevilla.

De todas formas, como en casi todos lo campos, es necesaria una formación continua y no creerte que has llegado a ningún sitio jamás, cada día es un nuevo aprendizaje.

Por otro lado, creemos que es importante experimentar lo aprendido en casos prácticos y, por suerte, hemos podido hacer más de un proyecto de arquitectura, donde conceptos importantes de sostenibilidad han estado bien presentes.

¿Qué os llevó a abriros camino en él? ¿Quiénes son a vuestro criterio los clientes potenciales de este servicio?

El problema de los proyectos con características sostenibles es que son algo más caros. Bueno, no es que sean más caros, solo es que al principio cuestan un poco más, pero al cabo de pocos años se amortiza la inversión.

Por lo demás, todo son ventajas; aunque también es cierto que, muchas veces, por apostar que todo sea muy bio-eco-sostenible, no se emplea la suficiente energía en lo que es la propia arquitectura. En este sentido, hay estudios de arquitectura muy buenos, como pueden ser Satt, que saben combinar perfectamente la arquitectura y la sostenibilidad.

¿Os encontrasteis con muchas dificultades en su puesta en marcha?

Sinergia Sostenible, surgió de manera muy natural y hoy después de 6 años sigue igual. Ningun@ de nosotr@s le dedica toda su jornada laboral; por lo cual, no hay una tensión económica que haga forzar las cosas. Los garbanzos han de venir por otro lado, y aquí, aunque evidentemente miramos el tema económico, nunca ha sido lo principal a la hora de lanzarnos a la piscina.

Hacemos lo que realmente nos apetece y que aporte al actual panorama de la arquitectura y la sostenibilidad.

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Taller infantil desarrollado por Sinergia Sostenible, en colaboración con ASA.
¿Consideráis que estudiar Arquitectura ha sido un pasaporte fundamental para haber llegado a tu trabajo actual?

En este caso, fundamental. Todas las personas que han pasado por la asociación hemos sido arquitectos y creemos que, por ello, hemos podido dar una visión de la sostenibilidad muy coherente. De todas formas, en un futuro inmediato quizás pueda entrar en el equipo gente de comunicación o de educación, pero nuestra formación como arquitectos, la capacidad de unir situaciones aparentemente dispares, es clave en nuestro funcionamiento.

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Andrés Perea en el Congreso EQUIciuDAD
¿Estáis contentos con los objetivos alcanzados? ¿Le veis futuro?

La verdad es que no nos gusta mucho marcar objetivos; hemos ido confiando en lo que el futuro nos iba trayendo y, poco a poco, avanzando por diferentes senderos.

Todos los talleres que hemos hecho con los más pequeños han sido geniales. Hemos disfrutado, tanto ellos como nosotr@s, de lo lindo y eso es lo más que se puede pedir.

A su vez, en año 2011, nos vimos organizando un congreso realmente importante como Equiciudad y, al final, hicimos dos ediciones con ponentes de la talla de Andrés Perea, José Fariña o Zaida Muxi.

Ahora mismo, siguen apareciendo más oportunidades de hacer cosas interesantes y, en realidad, nuestro problema es que con la dedicación que, cada uno de nosotros,  tenemos para la Asociación, no damos abasto. En breve, tendremos que pensar en ampliar la Asociación para ser más activos todavía.

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Segunda edición del Congreso EQUIciuDAD
¿Animarías a otros arquitectos a seguir vuestros pasos? ¿Qué otros consejos les daríais?

Animar sí; apostar por la sostenibilidad siempre es necesario. Organizar eventos, con lo mal que está todo, tiene un mérito doble y hacer talleres con niños es algo que te exige mucho pero también te da un montón.

Sin duda, lo que hemos hecho en estos años es muy bonito y hemos aprendido y disfrutado; así que, solo podemos animar a la gente a que se adentre por estos derroteros. De todas formas, cada vez hay más gente trabajando de manera muy seria por la sostenibilidad, como el caso de la Asociación de arquitectura y sostenibilidad, ASA.

Por otro lado, cuando empezamos con los talleres para los más pequeños, estábamos prácticamente solos y, a día de hoy, por suerte, hay mucha gente que lo hace de maravilla, como arkitente, Maushaus, Chiquitectos

¿Crees que los arquitectos en España deberíamos seguir abriendo nuevas vías de trabajo para salir de la casilla más «tradicional» de proyectar dada la actual situación de la construcción en nuestro país?

Seguir pensando que construir proyectos es una opción válida para la mayoría de los arquitectos, a día de hoy, es engañarse. Algunos habrá que hacer y mejor hacerlos bien, evidentemente, pero son muy pocos los que están en juego para los más de 50.000 arquitectos españoles.

Lo es igualmente participar en concursos contra 100 o 200 compañeros; aunque solo sea por probabilidades está claro que la mayoría solo tiraran horas a la basura. Son sistemas de locos que se aprovechan, por un lado, de la buena pasta de los arquitectos y, por otro, de nuestras nulas dotes a la hora de buscar otros caminos. El futuro, para los arquitectos, no está en el corazón de la arquitectura, sino en su periferia.

A su vez, ninguna profesión sale bien parada bajando el precio hasta el infinito o trabajando gratis para hacer cv. Solo nuestra ingenuidad e ilusión por la arquitectura lleva a jóvenes arquitectos a ser explotados por otros arquitectos con más nombre o experiencia.

Necesitamos un cambio radical de mentalidad y entender que conceptos básicos de estrategia empresarial no nos pueden seguir siendo ajenos. Hacer lo que, realmente, sabemos hacer bien, encontrar un nicho de mercado, dentro de un segmento de clientes concreto, y que lo que hagamos sea demandado por la sociedad, debieran ser los pilares básicos de nuestra actividad.

¿Qué opináis de los que se han ido a trabajar al extranjero?

Pues tal y como está el patio, es una opción más que lógica. Los que se van, además, en muchos casos son gente brillantísima y en los que se ha invertido mucho dinero por parte del estado. Nuestros políticos debieran estar pasando toda la vergüenza del mundo.

¿Cómo veis el futuro de la profesión?

Aunque esté feo decirlo por arquitectos, lo más preocupante no es la profesión, sino la arquitectura. El mundo necesita más de la arquitectura que de los arquitectos; de hecho, sin arquitectura este mundo sería bastante menos feliz. Es algo que nos toca a todos y todo el tiempo; pocas cosas hay más importantes.

El problema es que, aunque también se han hecho muchas barbaridades por nuestro colectivo, quienes mejor garantizan que la arquitectura exista, a día de hoy, son los arquitectos.  Eso sí, los arquitectos necesitamos espabilar rápido, pues estamos dormidos en los laureles; somos una profesión sin tradición competitiva en el mercado laboral y eso se nota demasiado.

A su vez, nuestros dirigentes no hacen mucho por nosotros, las escuelas de arquitectura están, en general, obsoletas y el cambio, sí o sí, ha de venir desde abajo y desde la sinergia entre los arquitectos de a pie.

Aún con todo, somos optimistas casi por naturaleza ¡¡y no vamos a dejar de serlo ahora!!

Sinergia Sostenible · sostenibilidad | Asociación
Mayo 2014

Entrevista realizada por Ana Barreiro Blanco y Alberto Alonso Oro. Agradecer a Amaya González, Lorenzo Barnó, Agnieszka Stepien, Uxua Domblás, Ana Enguita y Leire Garaikoetxea su tiempo y predisposición con este espacio.

Cierre Rocha Forte | RVR ArquitectosPeche Rocha Forte | RVR ArquitectosEnclosing wall Rocha Forte | RVR Architects

El objeto del presente proyecto es la protección de los restos arqueológicos de la antigua fortaleza de A Rocha Forte y el establecimiento de las bases para el acondicionamiento de su entorno para la creación del futuro Parque Arqueológico de A Rocha Forte.

El castillo de A Rocha fue construido en torno al año 1240, durante el episcopado del arzobispo Juan Arias y fue destruido en 1467, en la segunda guerra Irmandiña, en tiempos del arzobispo Alfonso II de Fonseca.

La historia del castillo de A Rocha Forte está íntimamente ligada a la de la ciudad de Santiago, siendo escenario de algunos de los acontecimientos más importantes ocurridos en esa época. Los doscientos años en los que la fortaleza de A Rocha estuvo en pie fueron una época de gran convulsión social para la ciudad de Santiago, marcada por las tensiones entre el poder de la Mitra Compostelana y la creciente burguesía urbana apoyada en ciertos sectores de la nobleza, que desembocarían en las revueltas irmandiñas del siglo XV, durante las cuales tuvo lugar su destrucción.

El trabajo realizado consistió en la elaboración de los cierres y cancillas exteriores de acceso al yacimiento y el diseño de una serie de paneles informativos que difundan los orígenes, el contexto histórico y la función original del antiguo Castelo da Rocha.

Dichos cierres no debían tener tanto la misión de formar una barrera física y visual efectiva que impida el paso de personas y animales a cualquier coste, sino más bien establecer un elemento de delimitación del yacimiento, de disuasión y señal para regular el acceso de visitantes. Para las personas, el cierre define un límite entre este espacio arqueológico ordenado y salvaguardado por la administración pública y el espacio rural circundante, permitiendo a la vez la visión general del perímetro del yacimiento.

Es también un recordatorio de que se está accediendo a una propiedad pública y de interés patrimonial, cuyo uso y disfrute para toda la comunidad en las debidas condiciones depende en gran parte del propio uso que sus visitantes hagan de él.

El cierre establece fundamentalmente el límite hacia los lados sur y oeste del yacimiento, quedando este protegido en el lado norte por las propias vías del ferrocarril y en el lado este por la estructura consolidada de la muralla del antiguo castillo.

Está formado por varillas de acero de sección circular de 20 mm, con una separación entre ejes de 15 cm, que se arriostrarán transversalmente con piezas del mismo diámetro.

Se establece así una barrera física para impedir el acceso incontrolado al yacimiento que sin embargo permite también, debido al pequeño diámetro de las barras y a su color oscuro, la contemplación de los restos del castillo.

Se construyeron dos puertas para regular el acceso de público al yacimiento y permitir también la entrada de vehículos de mantenimiento, estas se construyen de forma similar al cierre, de manera que cuando estén cerradas establezcan una continuidad con el resto del vallado.

Obra: Cierre Rocha Forte
Emplazamiento: Santiago de Compostela. Galicia. España
Autor: RVR Arquitectos (Alberto Redondo+José Valladares+Marcial Rodríguez)
Año:2013
Memoria:  RVR Arquitectos
Fotografías: RVR Arquitectos
+ rvr-arquitectos.es

The object of the present project is the protection of the archaeological remains of the former strength of To Rocha Forte and the establishment of the bases for the conditioning of his environment for the creation of the future Rocha Forte Archaeological Park.

The castle of was constructed Rocha concerning the year 1240, during the episcopate of the archbishop Juan Arias and was destroyed in 1467, in the second war Irmandiña, in times of the archbishop Fonseca’s Alfonso II.

The history of the A Rocha Forte castle is intimately tied to that of the city of Santiago, being a scene of some of the most important events happened in this epoch. Two hundred years in which the strength of A Rocha was in foot were an epoch of great social convulsion for the city of Santiago, marked by the tensions between the power of the From Santiago de Compostela Miter and the increasing urban middle class rested on certain sectors of the nobility, which would end in the revolts irmandiñas of the 15th century, during which his destruction took place.

The realized work consisted of the production of the closings and cancillas exteriors of access to the deposit and the design of a series of informative panels that spread the origins, the historical context and the original function of the former Castelo da Rocha.

The above mentioned closings did not have to have so much the mission to form a physical and visual effective barrier that blocks the persons’ way and animals to any cost, but rather establish an element of delimiting of the deposit, of dissuasion and sign to regulate the visitors’ access. For the persons, the closing defines a limit between this archaeological space tidy and safeguarded by the public administration and the rural surrounding space, allowing simultaneously the general vision of the perimeter of the deposit.

It is also a follow-up of which one is acceding to a public property and of patrimonial interest, which use and enjoyment for the whole community in the due conditions depends largely of the own use that his visitors do of him.

The closing establishes fundamentally the limit towards the sides south and west of the deposit, remaining this protected in the north side for the own routes of the railroad and in the this side for the structure consolidated of the wall of the former castle.

It is formed by rods of steel of circular section of 20 mm, with a separation between axes of 15 cm, that arriostrarán transversely with pieces of the same diameter.

A physical barrier is established this way to prevent the uncontrolled access to the deposit that nevertheless allows also, due to the small diameter of the bars and his dark color, the contemplation of the remains of the castle.

Two doors were constructed to regulate the public’s access to the deposit and to allow also the entry of vehicles of maintenance, these are constructed of form similar to the closing, so that when they are closed they establish a continuity with the rest of the fence.

Work: Enclosing wall Rocha Forte

Location: Santiago de Compostela. Galicia. Spain

Author: RVR Arquitectos (Alberto Redondo+José Valladares+Marcial Rodríguez)

Year: 2013

Report: RVR Arquitectos

Photography: RVR Arquitectos

+ rvr-arquitectos.es

O obxecto do presente proxecto é a protección dos restos arqueolóxicos da antiga fortaleza da Rocha Forte e o establecemento das bases para o acondicionamento do seu ámbito para a creación do futuro Parque Arqueolóxico dáa Rocha Forte.

O castelo da Rocha foi construído en torno ao ano 1240, durante o episcopado do arcebispo Juan Arias e foi destruído en 1467, na segunda guerra Irmandiña, en tempos do arcebispo Alfonso II de Fonseca.

A historia do castelo da Rocha Forte está intimamente ligada á da cidade de Santiago, sendo escenario dalgúns dos acontecementos máis importantes acontecidos nesa época. Os douscentos anos nos que a fortaleza da Rocha estivo en pé foron unha época de gran convulsión social para a cidade de Santiago, marcada polas tensións entre o poder da Mitra Compostelá e a crecente burguesía urbana apoiada en certos sectores da nobreza, que desembocarían nas revoltas irmandiñas do século XV, durante as cales tivo lugar a súa destrución.

O traballo realizado consistiu na elaboración dos peches e cancillas exteriores de acceso ao depósito e o deseño dunha serie de paneis informativos que difundan as orixes, o contexto histórico e a función orixinal do antigo Castelo dá Rocha.

Os devanditos peches non debían ter tanto a misión de formar unha barreira física e visual efectiva que impida o paso de persoas e animais a calquera custo, senón máis ben establecer un elemento de delimitación do depósito, de disuasión e sinal para regular o acceso de visitantes. Para as persoas, o peche define un límite entre este espazo arqueolóxico ordenado e salvagardado pola administración pública e o espazo rural circundante, permitindo á vez a visión xeral do perímetro do depósito.

É tamén un recordatorio de que se está a acceder a unha propiedade pública e de interese patrimonial, cuxo uso e desfrute para toda a comunidade nas debidas condicións depende en gran parte do propio uso que os seus visitantes fagan del.

O peche establece fundamentalmente o límite cara aos lados sur e oeste do depósito, quedando este protexido no lado norte polas propias vías do ferrocarril e no lado este pola estrutura consolidada da muralla do antigo castelo.

Está formado por varas de aceiro de sección circular de 20 mm, cunha separación entre eixes de 15 cm, que se arriostrarán transversalmente con pezas do mesmo diámetro.

Establécese así unha barreira física para impedir o acceso incontrolado ao depósito que non obstante permite tamén, debido ao pequeno diámetro das barras e á súa cor escura, a contemplación dos restos do castelo.

Construíronse dúas portas para regular o acceso de público ao depósito e permitir tamén a entrada de vehículos de mantemento, estas constrúense de forma similar ao peche, de maneira que cando estean pechadas establezan unha continuidade co resto do valado.

Obra: Peche Rocha Forte

Emprazamiento: Santiago de Compostela. Galicia. España

Autor: RVR Arquitectos (Alberto Redondo+José Valladares+Marcial Rodríguez)

Ano: 2013

Memoria: RVR Arquitectos

Fotografías: RVR Arquitectos

+ rvr-arquitectos.es

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Ciudad y dibujo · Taller de verano 2014Ciudad e debuxo · Obradoiro de verán 2014City and drawing · Summer workshop 2013

El taller de verano Ciudad y dibujo propone una reflexión acerca de las posibilidades del dibujo a mano alzada como instrumento de análisis urbano y de comunicación de ideas.

A lo largo de tres días (25, 26 y 27 de junio) los arquitectos Antonio Amado Lorenzo, Santiago de Molina Rodríguez, Borja López Cotelo y el ilustrador David Pintor ofrecerán cinco ponencias centradas en la labor de arquitectos y artistas que recurrieron a la imagen como medio de interpretación de diferentes realidades urbanas. Simultáneamente se llevarán a cabo otras tantas sesiones prácticas en las que los alumnos del taller desarrollarán un ejercicio en la Ciudad Vieja de La Coruña (España).

Junto con las actividades académicas se llevarán a cabo, tras la finalización de cada jornada de trabajo, otras menos formales que contribuirán al intercambio de ideas entre organizadores, ponentes y alumnos: proyección de vídeos relacionados con el tema del taller y coloquios, así como visitas complementarias al área de estudio para entrar en contacto con su realidad social.

Una vez concluido el curso, los resultados serán recogidos en una publicación digital de descarga gratuita que hará accesibles al público las conclusiones y servirá como base a futuras experiencias análogas en otras áreas de la ciudad.

Calendario

Sesión 1. Mañana del miércoles 25 de junio de 2014
10:00h-10:30h Presentación del curso y el área de estudio (Ciudad Vieja).
10:30h-12:30h Ponencia de David Pintor. Ilustración y ciudad: ciudades de papel.
12:30h-14:00h Visita al área de estudio y toma de notas sobre el terreno.

Sesión 2. Tarde del miércoles 25 de junio de 2014
16:00h-18.00h Ponencia de Borja López Cotelo. Ciudad y secuencia (I): La ciudad en el cómic: Manuele Fior y Guy Delisle.
18:00h-20:00h Sesión práctica.

Sesión 3. Mañana del jueves 26 de junio de 2014
10:00h-12:00h Ponencia Antonio Amado. La ciudad en la fotografía: París.
12:00h-14:00h Sesión práctica.

Sesión 4. Tarde del jueves 26 de junio de 2014
16:00h-18:00h Ponencia de Borja López Cotelo. Ciudad y secuencia (II): La ciudad en el cine de Wim Wenders.
18:00h-20:00h Sesión práctica.

Sesión 5. Mañana del viernes 27 de junio de 2014
10:00h-12:00h Ponencia de Santiago de Molina. Ciudad y collage.
12:00h-14:00h Sesión práctica.

Sesión 6. Tarde del viernes 27 de junio de 2014
16:00h-20:00h Puesta en común de los trabajos desarrollados durante el taller.

Ponentes
Antonio Amado Lorenzo, doctor arquitecto
Santiago de Molina Rodríguez, doctor arquitecto
Borja López Cotelo, doctor arquitecto
David Pintor, ilustrador

Lugar:
Museo de Belas Artes da Coruña
Calle Zalaeta, 0, 15002, A Coruña (España)

Modalidades del curso:
Curso completo: incluye ponencias y taller
Curso parcial: incluye solo ponencias

Créditos:
1,5 créditos de libre elección (curso completo)

Cuotas:
curso completo (ponencias+taller) : 75 euros
curso parcial (ponencias): 20 euros

Plazas:
Máximo 50 plazas
*La celebración del curso está supeditada a la confirmación de un número mínimo de 15 plazas cubiertas antes de la finalización del plazo de matrícula establecido.

Plazo de inscripción:
Hasta el 23 de junio de 2014
*La aceptación de solicitudes se realizará por riguroso orden de recepción.

Descargar documentación:
Programa
Formulario de inscripción

Contacto:
tallerdeverano@veredes.es

Coordinadores:
Maria Olmo Béjar, arquitecta
Alberto Alonso Oro, arquitecto
Borja López Cotelo, doctor arquitecto

Colaboran:
Escuela Técnica Superior de Arquitectura de A Coruña
Universidad de A Coruña
Fundación Caja de Arquitectos
Museo de Belas Artes da Coruña

The summer workshop City and drawing proposes a reflection brings over from the possibilities of the drawing to hand lifted as instrument of urban analysis and of communication of ideas.

Throughout three days (June 25, 26 and 27) the architects Antonio Amado Lorenzo, Santiago de Molina Rodríguez, Borja Lopez Cotelo and the illustrator David Pintor will offer five presentations centred on the labor of architects and artists who resorted to the image as way of interpretation of different urban realities. Simultaneously there will be carried out some other practical meetings in which the pupils of the workshop will develop an exercise in the Old City of La Coruña.

Together with the academic activities others less formal will carry out, after the ending of every day of work, that they will contribute to the exchange of ideas between organizers, referees and pupils: projection of videoes related to the topic of the workshop and colloquia, as well as complementary visits to the area of study to enter in touch with his social reality.

Once concluded the course, the results will be gathered in a digital publication of free unload that will make the conclusions accessible to the public and will serve as base to future analogous experiences in other areas of the city.

Calendar

Session 1. In the morning of Wednesday, the 25th of June, 2014

10:00h-10:30h Presentation of the course and the area of study (Old City).

10:30h-12:30h David Pintor’s presentation. Ilustración y ciudad: ciudades de papel.

12:30h-14:00h Visit to the area of study and capture of notes on the area.

Session 2. In the evening of Wednesday, the 25th of June, 2014

16:00h-18.00h Borja López Cotelo’s presentation. Ciudad y secuencia (I): La ciudad en el cómic: Manuele Fior y Guy Delisle.

18:00h-20:00h Practical session.

Session 3. In the morning of Thursday, the 26th of June, 2014

10:00h-12:00h Antonio Amado’s presentation. La ciudad en la fotografía: París.

12:00h-14:00h Practical session.

Session 4. In the evening of Thursday, the 26th of June, 2014

16:00h-18:00h Borja López Cotelo’s presentation. Ciudad y secuencia (II): La ciudad en el cine de Wim Wenders.

18:00h-20:00h Practical session.

Session 5. In the morning of Friday, the 27th of June, 2014

10:00h-12:00h Santiago de Molina’s presentation. Ciudad y collage.

12:00h-14:00h Practical session.

Session 6. In the evening of Friday, the 27th of June, 2014

16:00h-20:00h Puesta en común de los trabajos desarrollados durante el taller.

Referees

Antonio Amado Lorenzo, Phd architect

Santiago de Molina Rodríguez, Phd architect

Borja López Cotelo, Phd architect

David Pintor, Illustrator

Location:

Museo de Belas Artes da Coruña

Calle Zalaeta, 0, 15002, A Coruña (Spain)

Modalities of the course:

Complete Course: Presentations and workshop includes

Partial Course: Includes only presentations

Credits:

1,5 credits of free choice (complete course)

Quotas:

complete course (presentations + workshop): 75 Euros

partial course (presentations): 20 Euros

Places:

Maximum 50 places
*La celebration of the course is subordinated to the confirmation of a minimal number of 15 squares covered before the ending of the term of matriculation established.

Term of inscription:

Until June 23, 2014

*The acceptance of requests will be realized by rigorous order of receipt.

Unload documentation:

Programm

Application forn

Contact:

tallerdeverano@veredes.es

Coordinators:

Maria Olmo Béjar, arquitecta

Alberto Alonso Oro, arquitecto

Borja López Cotelo, doctor arquitecto

Supports:

Escuela Técnica Superior de Arquitectura de A Coruña

Universidad de A Coruña

Fundación Caja de Arquitectos

Museo de Belas Artes da Coruña

O obradoiro de verán Ciudad e debuxo propón unha reflexión acerca das posibilidades do debuxo a man alzada como instrumento de análise urbana e de comunicación de ideas.

Ao longo de tres días (25, 26 e 27 de xuño) os arquitectos Antonio Amado Lorenzo, Santiago de Molina Rodríguez, Borja López Cotelo e o ilustrador David Pintor ofrecerán cinco relatorios centrados no labor de arquitectos e artistas que recorreron á imaxe como medio de interpretación de diferentes realidades urbanas. Simultáneamente levaranse a cabo outras tantas sesións prácticas nas que os alumnos do taller desenvolverán un exercicio na Cidade Vella de A Coruña (España).

Xunto coas actividades académicas levaranse a cabo, tras a finalización de cada xornada de traballo, outras menos formais que contribuirán ao intercambio de ideas entre organizadores, relatores e alumnos: proxección de vídeos relacionados co tema do taller e coloquios, así como visitas complementarias á área de estudo para entrar en contacto coa súa realidade social.

Unha vez concluído o curso, os resultados serán recollidos nunha publicación dixital de descarga gratuíta que fará accesibles ao público as conclusións e servirá como base a futuras experiencias análogas noutras áreas da cidade.

Calendario

Sesión 1. Mañá do mércores 25 de xuño de 2014

10:00h-10:30h Presentación do curso e a área de estudo (Cidade Vella).

10:30h-12:30h Relatorio de David Pintor. Ilustración e cidade: cidades de papel.

12:30h-14:00h Visita a área de estudo e toma de notas sobre o terreo.

Sesión 2. Tarde do mércores 25 de xuño de 2014

16:00h-18.00 h Relatorio de Borja López Cotelo. Cidade e secuencia (I): A cidade no cómic: Manuele Fior e Guy Delisle.

18:00h-20:00h Sesión práctica.

Sesión 3. Mañá do xoves 26 de xuño de 2014

10:00h-12:00h Relatorio Antonio Amado. A cidade na fotografía: París.

12:00h-14:00h Sesión práctica.

Sesión 4. Tarde do xoves 26 de xuño de 2014

16:00h-18:00h Relatorio de Borja López Cotelo. Cidade e secuencia (II): A cidade no cine de Wim Wenders.

18:00h-20:00h Sesión práctica.

Sesión 5. Mañá do venres 27 de xuño de 2014

10:00h-12:00h Relatorio de Santiago de Molina. Cidade e colaxe.

12:00h-14:00h Sesión práctica.

Sesión 6. Tarde do venres 27 de xuño de 2014

16:00h-20:00h Posta en común dos traballos desenvolvidos durante o taller.

Relatores

Antonio Amado Lorenzo, doutor arquitecto

Santiago de Molina Rodríguez, doutor arquitecto

Borja López Cotelo, doutor arquitecto

David Pintor, ilustrador

Lugar:

Museo de Belas Artes da Coruña

Calle Zalaeta, 0, 15002, A Coruña (España)

Modalidades do curso:

Curso completo: inclue relatorios e obradoiro

Curso parcial: inclue só relatorios

Créditos:

1,5 créditos de libre elección (curso completo)

Cuotas:

curso completo (relatorios+ obradoiro): 75 euros

curso parcial (relatorios): 20 euros

Prazas:

Máximo 50 plazas

*La celebración do curso está supeditada á confirmación dun número mínimo de 15 prazas cubertas antes da finalización do prazo de matrícula establecido.

Prazo de inscripción:

Ata o 23 de xuño de 2014

*La aceptación de solicitudes realizarase por rigorosa orde de recepción.

Descargar documentación:

Programa

Formulario de inscripción

Contacto:

tallerdeverano@veredes.es

Coordinadores:

Maria Olmo Béjar, arquitecta

Alberto Alonso Oro, arquitecto

Borja López Cotelo, doutor arquitecto

Colaboran:

Escuela Técnica Superior de Arquitectura de A Coruña

Universidad de A Coruña

Fundación Caja de Arquitectos

Museo de Belas Artes da Coruña

Mies

[:es]

Ludwig Mies der Rohe es uno de los arquitectos más influyentes del vigésimo siglo. Sus proyectos más conocidos incluyen Barcelona el Pabellón en España (1929); el Edificio Seagram en Nueva York (1954-56); la Casa Farnsworth (1945-50), 860 y 880 Lakeshore Drive (1945-51) y el Campus IIT (1939-58), todas en y alrededor de Chicago, y la  New National Gallery en Berlín (1962-68). Estos son sólo algunos de los pabellones, casas, rascacielos y recintos universitarios de Mies,  donde en todos se muestra  una nueva radical claridad estructural y espacial.

La pureza de la arquitectura de Mies es casi sorprendente en la luz la diversidad de sus intereses. Un autodidacta, Mies estudió la filosofía y la ciencia así como el diseño. El autor Detlef Mertins, pasó más de diez años investigando y escribiendo esta monografía comprensiva. Además de viajes para ver los edificios y la lectura casi todo lo escrito por y sobre Mies, Mertins también condujo un estudio detallado de la literatura arquitectónica, filosófica y científica en la propia biblioteca de Mies. El resultado es un texto lúcido que no sólo da la perspicacia detallada al lector en el trabajo de todo Mies, pero que también explora la variedad de las ideas que influyeron en esta figura excepcional. La beca es rigurosa, pero la escritura accesible y la presentación sumamente visual, de-proyecto-por-proyecto también invitan a aquellos lectores que poseen un interés al tema, pero quien carece del conocimiento detallado en ello.

Arreglado en la orden cronológica, las cinco secciones del libro y su conclusión ofrecen un retrato sintético de la carrera de Mies y la recepción, atravesando sesenta años, dos continentes y dos guerras mundiales. El texto dice una historia continua, sin embargo, la mayor parte de capítulos enfocan un trabajo significativo (el edificio de Seagram o el campus IIT), teniendo una presentación a fondo en cuenta de fotografías y dibujos; otros capítulos enfocan un acontecimiento específico en la vida de Mies (el tiempo de tal Mies como el jefe del Bauhaus).

Todos los edificios importantes son presentados por fotografías, dibujos y diagramas, mostrando a las estructuras innovadoras, depuran detalles y la riqueza material que distingue el trabajo de Mies. Además, muchos pedazos de arte y arquitectura que influyó en Mies también son ilustrados así como siendo hablado en el texto.

[:gl]

Ludwig Mies der Rohe é un dos arquitectos máis influentes do vixésimo século. Os seus proxectos máis coñecidos inclúen Barcelona o Pavillón en España (1929); o Edificio Seagram en Nova York (1954-56); a Casa Farnsworth (1945-50), 860 e 880 Lakeshore Drive (1945-51) e o Campus IIT (1939-58), todas en e arredor de Chicago, e a New National Gallery en Berlín (1962-68). Estes son só algúns dos pavillóns, casas, rañaceos e recintos universitarios de Mies, onde en todos se mostra unha nova radical claridade estrutural e espacial.

A pureza da arquitectura de Mies é case sorprendente na luz a diversidade dos seus intereses. Un autodidacta, Mies estudou a filosofía e a ciencia así como o deseño. O autor Detlef Mertins, pasou máis de dez anos investigando e escribindo esta monografía comprensiva. Ademais de viaxes para ver os edificios e a lectura case todo o escrito por e sobre Mies, Mertins tamén conduciu un estudo detallado da literatura arquitectónica, filosófica e científica na propia biblioteca de Mies. O resultado é un texto lúcido que non só dá a perspicacia detallada ao lector no traballo de todo Mies, pero que tamén explora a variedade das ideas que influíron nesta figura excepcional. A bolsa é rigorosa, pero a escritura accesible e a presentación sumamente visual, de-proxecto-por-proxecto tamén invitan a aqueles lectores que posúen un interese ao tema, pero quen carece do coñecemento detallado niso.

Arranxado na orde cronolóxica, as cinco seccións do libro e a súa conclusión ofrecen un retrato sintético da carreira de Mies e a recepción, atravesando sesenta anos, dous continentes e dúas guerras mundiais. O texto di unha historia continua, non obstante, a maior parte de capítulos enfocan un traballo significativo (o edificio de Seagram ou o campus IIT), tendo unha presentación a fondo en conta de fotografías e debuxos; outros capítulos enfocan un acontecemento específico na vida de Mies (o tempo de tal Cereal como o xefe do Bauhaus).

Todos os edificios importantes son presentados por fotografías, debuxos e diagramas, mostrando ás estruturas innovadoras, depuran detalles e a riqueza material que distingue o traballo de Mies. Ademais, moitos anacos de arte e arquitectura que influíu en Cereal tamén son ilustrados así como sendo falado no texto.

[:en]

Ludwig Mies van der Rohe is one of the twentieth century’s most influential architects. His most well-known projects include the Barcelona Pavilion in Spain (1929); the Seagram Building in New York (1954-56); the Farnsworth House (1945-50), 860 and 880 Lakeshore Drive (1945-51) and the IIT Campus (1939-58), all in and around Chicago, and the New National Gallery in Berlin (1962-68). These are only a few of Mies’s pavilions, houses, skyscrapers and campuses, which all epitomized a radically new structural and spatial clarity.

The purity of his Mies’s architecture is almost surprising in light the diversity of his interests. An auto-didact, Mies studied philosophy and science as well as design. Author Detlef Mertins, spent over ten years researching and writing this comprehensive monograph. In addition to traveling to see the buildings and reading nearly everything written by and about Mies, Mertins also conducted a detailed study of the architectural, philosophical and scientific literature in Mies’s own library. The result is a lucid text that not only gives the reader detailed insight into all of Mies’s work, but which also explores the variety of ideas that influenced this exceptional figure. The scholarship is rigorous, but the accessible writing and the highly visual, project-by-project presentation also invites those readers who possess an interest in the topic, but who lack detailed knowledge in it.

Arranged in chronological order, the book’s five sections and its conclusion offer a synthetic portrait of Mies’s career and reception, spanning sixty years, two continents and two world wars. The text tells a continuous story, however, most chapters focus on a significant work (the Seagram building or the IIT campus), allowing for an in-depth presentation of photographs and drawings; other chapters focus on a specific event in Mies’s life (such Mies’s time as the head of the Bauhaus).

All the important buildings are presented through photographs, drawings and diagrams, showing the innovative structures, fine details and material richness that distinguish Mies’s work. In addition, many pieces of art and architecture that influenced Mies are also illustrated as well as being discussed in the text.

[:]

[:es]Bauhaus. El rostro del siglo XX[:gl]Bauhaus. O rostro do século XX[:en]The face of the 20 th century [:]

0

[:es]http://youtu.be/m_TrRPoxdec

Less is More presenta Bauhaus El rostro del siglo XX.
Narrada y escrita por Frank Whitford. 1994

[:gl]http://youtu.be/m_TrRPoxdec

Less is More presenta Bauhaus O rostro do século XX.

Narrada e escrita por Frank Whitford. 1994

[:en]http://youtu.be/m_TrRPoxdec

Less is More presents Bauhaus The face of the 20 th century.

written and narrated by Frank Whitford. 1994

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Tras las huellas de Saarinen | Miguel Ángel Díaz Camacho

Mon Oncle (1958). Director: Jacques Tati
Mon Oncle (1958). Director: Jacques Tati

Eero Saarinen dedicó una muy pequeña parte de su carrera al tema de la vivienda, de hecho, solo construyó dos. En palabras de uno de los estudiosos más importantes de su obra, Antonio Román Asensio:

“el diseño de la casa unifamiliar simplemente no encajaba con el ejercicio de la profesión tal y como lo entendía Saarinen”.1

A pesar de este aparente desinterés por el tema, este arquitecto estadounidense de origen finlandés realizó una de las declaraciones más sorprendentes que se conocen sobre la casa, al afirmar -nada más y nada menos- que la casa NO es arquitectura:

“The house isn’t really architecture. I think it’s been too much overblown and much too important. Let’s sort of relate this to other things. Now we know that the family is not as strong as [it] used to be. It’s not as strong as an educational element. The education that children got through the family was much greater in earlier days than [it] is today. Yet the house as a piece of architecture has become terribly important. It really wasn’t until the Victorian times…But lots of civilizations have lived with the house being an unimportant part, an anonymous part of architecture”2.

¿Qué puede esconderse detrás de esta sorprendente afirmación? ¿La casa NO es arquitectura?

Saarinen identifica el verdadero valor de la casa en el conjunto de relaciones entre seres humanos que allí se convocan, las sinergias entre éstas y el propio paisaje o el componente formativo que toda experiencia de vida supone para los habitantes. En este sentido, cultivar tomates, cocinar con fuego o convivir con los abuelos, por ejemplo, son acciones que pudieran concentrar más «arquitectura» que un salón a doble altura o varias unidades de pilar de acero u hormigón. Frente a la imagen de la casa «escenario» y el habitante «actor» que desempeña un papel diseñado con anterioridad3, interesa aquí la idea del habitar «desplegado» sobre el territorio y el tiempo, la casa como geografía sobre la cual los habitantes ejercen como verdaderos autores de su cotidianidad.

«La importancia de la arquitectura no es otra que la del ambiente que crea. Y un ambiente es conformador de conductas»,

escribía Alejandro de la Sota al referirse al Pabellón de Barcelona de Mies van de Rohe4. Cabe preguntarse entonces si, como decía Heiddeger, no tendríamos que definir primero un modo de habitar para establecer después cómo se habría de construir. De lo contrario, se corre el peligro de la impostura de la propia experiencia habitacional, cuestión fabulosamente reflejada por Jacques Tati en Mon Oncle5, película en la que los Arpel “sobreviven” en un cómico esperpento por la gracia “moderna” de su casa-máquina (por supuesto, el hijo de los Arpel adora el desordenado vitalismo de su tío).

«La casa NO es arquitectura».

La frase pesa como una losa, uno no sabe muy bien qué hacer con ella. Posiblemente se trata de una provocación muy propia del contexto: los años 50 y los congresos del Team 10 suponen una profunda revisión sobre el paradigma moderno del habitar, una reacción a la intoxicación de villas burguesas desplegadas por el Estilo Internacional y su interpretación (tan solo parcial) de los dogmas del Movimiento Moderno6. Sin ánimo de enmendar a Saarinen, posiblemente sea más razonable expresar:

“Arquitectura no es SOLO la casa”,

dejando en blanco la página sobre la que cada cual debe establecer sus relaciones e intereses, desplegar su idea concreta de lo que significa habitar. En palabras de Oíza:

“Si pones el peso en el habitar, todos los instrumentos te parecen útiles, pero si el peso lo pones en el propio instrumento, pues resulta que no sabes habitar porque el instrumento decae cada día”7.

Miguel Ángel Díaz Camacho. Doctor Arquitecto
Madrid. febrero 2014

Notas:

1 Antonio Román Asensio, Eero Saarinen: an architecture of multiplicity, New York, Princeton Architectural Press, 2003.
2 Ibídem. Declaración grabada en una entrevista de 1958 realizada por el arquitecto John Peter.
3 El arquitecto belga Henry van de Velde (1863-1957) diseñaba no solo el mobiliario de sus obras, también el vestuario, las vajillas y hasta los complementos más pequeños que habrían de componer la escena del habitar.
4 Alejandro de la Sota, revista Arquitectura nº261, julio-agosto 1986.
5 Mon Oncle, Jacques Tati, París (1957).
6 El Congreso CIAM 10, celebrado en Dubrovnik en 1956 se dedicó a los “Problemas del hábitat humano”, y vino a constatar la crisis definitiva de esta institución (moderna) como consecuencia de la contestación radical a los maestros por parte de los miembros más jóvenes (Bakema, Van Eyck, Alison y Peter Smithson) agrupados en la organización paralela “Team 10”.
7 Francisco Javier Sáenz de Oíza, entrevista con Vicente Patón y Pierluigi Cattermole, revista ON nº68 (1986).

Instrumentos de medida del tiempo (I) | Jorge Rodríguez

Rascainfierno, Fernando Higueras

Siempre me han asaltado las dudas, vacilo cuando se acerca el momento de elegir. Pero es algo que nunca me ha preocupado.

Es común la duda, la incertidumbre. Lejos de denotar flaqueza o debilidad, lo veo como un indicativo de reflexión, de pausa y silencio previo a la acción. Llegados a este punto, quiero recordar unos versos, recomendación de un buen amigo, de San Juan de la Cruz,

«Aquél que obra con tibieza, cerca está de caer».1

Como he dicho, no es la incertidumbre lo que me preocupa, es la calidez (que no calidad) de la decisión. El grado de implicación con el camino que elegimos, la pasión y el cariño con el que lo vivimos. Es capital obrar con la convicción de que disfrutamos aquello que nos rodea, más si cabe en este pútrido ambiente en el que las esperanzas de buen vivir se vuelven quimera, y aquella arena prometida sous les pavès, no es más que la cuarta fila de una playa de tercera, infestada de madres embadurnando a chiquillos con Nivea factor 15. En este ambiente, tenemos que rodearnos de aquello y aquellos que confiamos nos harán disfrutar.

Primero debemos ubicarnos, hacer el que va a ser nuestro hogar, el lugar del fuego. Y digo hacer porque no confío en la elección de un sitio, sino en su manipulación, en optimizar sus potencialidades, en definitiva, hacer, como quien hace una cama, el lugar en el que encontraremos el confort, la tranquilidad o frenesí, que cada momento requiera para desarrollarnos, para vivir a gusto. Y en ocasiones, para crear. Me gusta imaginarme mi lugar, como uno capaz de generar, capaz de ayudar a impulsar mis ideas, y a la vez, capaz de disfrutarlas y acogerlas.

Hace un par de semanas me acerqué a la Costa da Morte y después de un paseo por Muxía le hice una visita al alemán de Camelle. La energía que reside en su casa, el lugar de Man, muestra la intensidad con la que fue vivido. Es su obra a su vez museo y pasión. Sobre Man no puedo hacer más que recomendaros una visita y que le echéis un ojo al artículo que Carlos Pita escribió para la Obradoiro 342. Ya me contaréis.

Volviendo para Coruña con resaca de calamares, me venía a la cabeza el lugar que se construyó Fernando Higueras enterrado junto a su casa, el rascainfierno. Más allá del mamoneo del nombre, pensaba en lo brillante de su decisión disfrazada de locura. Construyó un lugar con una temperatura agradable y tremendamente estable lleno de luz cenital controlada y una hamaca. Y mucho espacio para rodearse de aquello que le importaba, lo que creía que le ayudaría a enriquecer su pensamiento, hacía años que había dejado de ser un hombre de acción. Allí, dijo, fue feliz. Rodeado de cuadros de Antonio López, esculturas de Chillida, miles de bocetos, planos y maquetas. Libros, muchos libros. Para las noches, whiskey con hielo y alguna que otra raya.

Me asaltó este lugar, pero podríamos pensar en el estudio de Picasso en la Rue des Grand Augustins, en la cabaña de Heidegger, en la de Cap Martin del Corbu. O en la casita de Kolonihaven de Miralles. Pequeños lugares, instrumentos de medida del tiempo.

Hace un par de meses escuchaba a un joven arquitecto y editor de un blog, bien podía ser éste, que si algo encontraba como rasgo definitorio y fundamental de su trayectoria profesional, era la colaboración. Las personas son un factor vital en la configuración de los lugares. Son imprescindibles. Y su rastro es una manifestación natural, evidente. Me sacan de quicio los sitios etéreos, brillantes, blancos hasta el hipotálamo, que no admiten ser vividos. Anorexia de niño pijo. Tibios, lugares donde la pasión no cabe.

No sé hasta qué punto el lugar de Man, o el de Higueras, tenían de ellos mismos y de su gente. Quizás, lo que diferencia el lugar de las personas es fino como la piel, y separarlo duele, sangra. Lo que sé es que fueron disfrutados, vividos con pasión. Queridos. Aún a pesar de lo decadente de su vejez, la erosión del tiempo y los peajes que ambos pagaron. Ya se sabe, el mundo de la pasión, es insatisfactorio.3

Ahora todo son perplejidades clásicas que decía Borges. Dónde, con quién. Siempre me han asaltado las dudas, vacilo, cuando se acerca el momento de elegir.

Pero es algo que nunca me ha preocupado.

Jorge Rodríguez Seoane
Febrero de 2014. Coruña

Notas:

1San Juan de la Cruz. Obras Completas. Ed. Espiritualidad. Madrid, 1992. P.205
2Revista Obradoiro nº34 ‘O limite’ VV.AA. COAG, Marzo 2012, A Coruña.
3El amor, las mujeres y la muerte’ Schopenhauer, A. Ed. EDAF. 1993, Madrid

[:es]Instrumentos de medida del tiempo (II) | Jorge Rodríguez[:gl]Instrumentos de medida do tempo (II) | Jorge Rodríguez[:en]Instruments of measure of the time (II) | Jorge Rodríguez[:]

 

Le Corbusier – Unité d’Habitation Marseille

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La Unité d’Habitation Marseille, el primer encargo que recibe del Estado francés, es uno de los proyectos icónicos de Le Corbusier y una de esas referencias básicas para cualquier arquitecto. Comienza a ser planeada inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial (1945-46), entrando en construcción en 1951.

Esta obra, de una magnitud sin precedentes para su autor, se ve ralentizada por problemas presupuestarios y tardará en ejecutarse cinco años, en lugar de los doce meses previstos inicialmente.

Grafting Architecture. Catalonia at VeniceGrafting Architecture. Catalonia at VeniceGrafting Architecture. Catalonia at Venice

El Institut Ramon Llull presenta la muestra catalana dentro de los Eventi Collaterali GRAFTING ARCHITECTURE. CATALONIA AT VENICE REPRESENTA A CATALUÑA EN LA 14ª BIENAL DE ARQUITECTURA DE VENECIA.

Cataluña estará presente por segunda vez en la Bienal de Arquitectura de Venecia, dentro de los Eventi Collaterali, con un proyecto comisariado por Josep Torrents i Alegre: Grafting Architecture. Catalonia at Venice. Esta propuesta, elegida por un jurado a través de un concurso público convocado por el Institut Ramon Llull, quiere mostrar el cambio de paradigma que se está produciendo en la arquitectura contemporánea catalana, mostrando ejemplos de una manera de hacer que sabe actualizar una tradición viva, proyectándola hacia el futuro. Grafting Architecture. Catalonia at Venice se inaugurará el 5 de junio en los Cantieri Navali, Calle Quintavalle, Castello, 40.

Esta propuesta que Cataluña presenta en Venecia tiene el firme propósito  de reconocer, valorar y reformular la especificidad de las arquitecturas locales en contraste con la arquitectura global y franquiciada que ha imperado en los últimos años. El punto de partida es la casa Bofarull (1913-1933), una de las obras principales de Josep Maria Jujol (1879-1949). En el modo de trabajar del arquitecto tarraconense podemos identificar una actitud que se puede seguir en muchos proyectos construidos en el último siglo, y que se fundamenta en un intenso diálogo con las preexistencias (físicas y no), que permiten desarrollar un proyecto que incluye y mezcla los elementos nuevos y los existentes, tal como el esqueje se injerta del árbol.

La casa Bofarull nos permite recorrer una actitud arquitectónica atemporal. La acompañan el IES La Llauna de Badalona (1984-86, Carme Pinós y Enric Miralles), el espacio La Lira de Ripoll (2004-2011, RCR Arquitectes y Joan Puigcorbé), y el espacio transmisor del túmulo/dolmen de Seró (2007-2013, Toni Gironès), proyectos alejados temporalmente, pero cercanos en muchos aspectos. Todos trabajan con preexistencias y son fruto de la estratificación de conceptos, en la que se reinterpretan los materiales tradicionales y se insertan en un territorio, dialogando con ellos. Son proyectos complejos y enriquecedores, que añaden un hito temporal en el lugar donde se construyen, y no se entienden sin el entorno, por lo que es imposible distinguir las partes del todo. Una rica síntesis local-universal vista como motor del proyecto, donde se produce la interpretación del mundo desde uno de sus rincones. Proyectos de cocción lenta y reflexión, continuadores de una tradición arquitectónica viva y de largo recorrido.

Edificios seleccionados

Reforma de la Casa Bofarull (1913-1933, Josep Maria Jujol, als Pallaresos)
Apartaments a les golfes de la Pedrera (1953-1955, Francisco Juan Barba Corsini, a Barcelona)
Restauració de l’església de l’Hospitalet (1981-1984, José Antonio Martínez Lapeña i Elías Torres Tur, a Eivissa)
IES La Llauna (1984-86, Carme Pinós i Enric Miralles, a Badalona)
Caldereria petita, rehabilitació d’habitatge entre mitgeres (2001-2002, Calderon – Folch – Sarsanedas Arquitectes, a Gelida)
Museu de Can Framis (2007-2009, Jordi Badia BAAS Arquitectura, a Barcelona)
Espai públic Teatre La Lira (2004-2011, RCR Arquitectes –Rafael Aranda, Carme Pigem i Ramon Vilalta– i Joan Puigcorbé, a Ripoll)
Apartament Juan (2011, Vora arquitectura –Pere Buil i Toni Riba–, a Barcelona)
Auditori a l’església de Sant Francesc (2003-2011, David Closes, a Santpedor)
Tres estacions de la Línia 9 del Metro: Amadeu Torner, Parc Logístic i Mercabarna (2008-2011, Garcés – De Seta – Bonet Arquitectes –Jordi Garcés, Daria e Seta i Anna Bonet– i Ingeniería Tec-4 –Ferran Casanovas, Antonio Santiago i Felipe Limongi–, a Barcelona)
Espai transmissor del túmul/dolmen megalític (2007-2013, Toni Gironès, a Seró, Artesa de Segre)
Clínica Arenys – can Zariquiey (2006-2013, Josep Miàs Arquitectes –Josep Miàs–, a Arenys de Munt)
Centre cultural Casal Balaguer (1996 – en procés, Flores&Prats Arquitectes –Eva Prats i Ricardo Flores– i Duch-Pizá Arquitectos –M. José Duch i Francisco Pizá–, a Palma)
Restauració paisatgística de l’abocador de la vall d’En Joan a Begues (2002 – en procés, Enric Batlle, Joan Roig i Teresa Galí, al Parc Natural del Garraf)
Torre de 94 habitatges de protecció oficial (2012 – en procés, Josep Llinàs, a l’Hospitalet de Llobregat)
Projecte de revitalització del districte d’Adhamiya (2012 – en procés, AV62 Arquitectos –Victòria Garriga i Toño Foraster– i Pedro García del Barrio – Pedro Azara, a Bagdad).

En el comisariado de la exposición, Josep Torrents i Alegre está acompañado por dos comisarios adjuntos: Guillem Carabí, arquitecto y responsable del apartado dedicado a Jujol, y Jordi Ribas, gestor cultural a cargo de las Acciones.

Según Torrents i Alegre,

“la propuesta no es un debate sobre proyectos taxidérmicos y conservadores, sino que pretende profundizar en una actitud arquitectónica que genera nuevos estratos y establece nuevas relaciones allí donde interviene. Injertar es un concepto que transmite la idea de un organismo nuevo más vigoroso, fruto de dos organismos que combinan sus componentes originales, y las arquitecturas que se presentan son el resultado de estas vigorosas combinaciones”.

El hilo conductor de la propuesta es la descripción de los diversos proyectos a través del proceso arquitectónico y de la posterior percepción del edificio resultante. Estos proyectos se entienden a partir de sí mismos, de su singularidad, y no como arquitecturas que forman parte de un movimiento.

En la primera fase se describe el proceso usado para proyectar y construir el edificio mediante fotografías, bocetos, dibujos, maquetas… pero en ningún caso documentos de los edificios terminados. Esta fase permite entender y descubrir las diversas maneras de aproximarse a esta actitud, escuchando la voz de los arquitectos.

En la segunda fase se pone énfasis en la percepción de estas arquitecturas a través de tres miradas distintas. El paso del tiempo y la cotidianidad se captarán con imágenes fotográficas y de vídeo. En esta fase se realizarán las Acciones para las que se han seleccionado cuatro artistas diferentes que reinterpretarán cada edificio a partir de una acción artística pensada específicamente para el espacio donde se desarrollarán.

La exposición se complementará con un catálogo y una web: + info

Grafting Architecture. Catalonia at Venice
Cantieri Navali, Calle Quintavalle, Castello, 40
Inauguración: 5 de junio, 18:30 h. www.llull.cat

O Institut Ramon Llull presenta a mostra catalá dentro dos Eventi Collaterali GRAFTING ARCHITECTURE. CATALONIA AT VENICE REPRESENTA A CATALUÑA NA 14ª BIENAL DE ARQUITECTURA DE VENECIA.

Cataluña estará presente por segunda vez na Bienal de Arquitectura de Venecia, dentro dos Eventi Collaterali, cun proxecto comisariado por Josep Torrents i Alegre: Grafting Architecture. Catalonia at Venice. Esta proposta, elixida por un xurado a través dun concurso público convocado polo Institut Ramon Llull, quere mostrar o cambio de paradigma que se está a producir na arquitectura contemporánea catalá, mostrando exemplos dun xeito de facer que sabe actualizar unha tradición viva, proxectándoa cara ao futuro. Grafting Architecture. Catalonia at Venice inaugurarase o 5 de xuño nos Cantieri Navali, Rúa Quintavalle, Castello, 40.

Esta proposta que Cataluña presenta en Venecia ten o firme propósito de recoñecer, valorar e reformular a especificidade das arquitecturas locais en contraste coa arquitectura global e franquiciada que imperou nos últimos anos. O punto de partida é a casa Bofarull (1913-1933), unha das obras principais de Josep Maria Jujol (1879-1949). No modo de traballar do arquitecto tarraconense podemos identificar unha actitude que se pode seguir en moitos proxectos construídos no último século, e que se fundamenta nun intenso diálogo coas preexistencias (físicas e non), que permiten desenvolver un proxecto que inclúe e mestura os elementos novos e os existentes, tal como o gallo se enxerta da árbore.

A casa Bofarull permítenos percorrer unha actitude arquitectónica atemporal. Acompáñana o IES La Llauna de Badalona (1984-86, Carme Pinós e Enric Miralles), o espazo La Lira de Ripoll (2004-2011, RCR Arquitectes e Joan Puigcorbé), e o espazo transmisor do túmulo/dolmen de Seró (2007-2013, Toni Gironès), proxectos afastados temporalmente, pero próximos en moitos aspectos. Todos traballan con preexistencias e son froito da estratificación de conceptos, na que se reinterpretan os materiais tradicionais e se insiren nun territorio, dialogando con eles. Son proxectos complexos e enriquecedores, que engaden un fito temporal no lugar onde se constrúen, e non se entenden sen o ámbito, polo que é imposible distinguir as partes de todo. Unha rica síntese local-universal vista como motor do proxecto, onde se produce a interpretación do mundo dende un dos seus cantos. Proxectos de cocción lenta e reflexión, continuadores dunha tradición arquitectónica viva e de longo recorrido.

Edificios seleccionados

Reforma de la Casa Bofarull (1913-1933, Josep Maria Jujol, als Pallaresos)

Apartaments a les golfes de la Pedrera (1953-1955, Francisco Juan Barba Corsini, a Barcelona)

Restauració de l’església de l’Hospitalet (1981-1984, José Antonio Martínez Lapeña i Elías Torres Tur, a Eivissa)

IES La Llauna (1984-86, Carme Pinós i Enric Miralles, a Badalona)

Caldereria petita, rehabilitació d’habitatge entre mitgeres (2001-2002, Calderon – Folch – Sarsanedas Arquitectes, a Gelida)

Museu de Can Framis (2007-2009, Jordi Badia BAAS Arquitectura, a Barcelona)

Espai públic Teatre La Lira (2004-2011, RCR Arquitectes –Rafael Aranda, Carme Pigem i Ramon Vilalta– i Joan Puigcorbé, a Ripoll)

Apartament Juan (2011, Vora arquitectura –Pere Buil i Toni Riba–, a Barcelona)

Auditori a l’església de Sant Francesc (2003-2011, David Closes, a Santpedor)

Tres estacions de la Línia 9 del Metro: Amadeu Torner, Parc Logístic i Mercabarna (2008-2011, Garcés – De Seta – Bonet Arquitectes –Jordi Garcés, Daria e Seta i Anna Bonet– i Ingeniería Tec-4 –Ferran Casanovas, Antonio Santiago i Felipe Limongi–, a Barcelona)

Espai transmissor del túmul/dolmen megalític (2007-2013, Toni Gironès, a Seró, Artesa de Segre)

Clínica Arenys – can Zariquiey (2006-2013, Josep Miàs Arquitectes –Josep Miàs–, a Arenys de Munt)

Centre cultural Casal Balaguer (1996 – en procés, Flores&Prats Arquitectes –Eva Prats i Ricardo Flores– i Duch-Pizá Arquitectos –M. José Duch i Francisco Pizá–, a Palma)

Restauració paisatgística de l’abocador de la vall d’En Joan a Begues (2002 – en procés, Enric Batlle, Joan Roig i Teresa Galí, al Parc Natural del Garraf)

Torre de 94 habitatges de protecció oficial (2012 – en procés, Josep Llinàs, a l’Hospitalet de Llobregat)

Projecte de revitalització del districte d’Adhamiya (2012 – en procés, AV62 Arquitectos –Victòria Garriga i Toño Foraster– i Pedro García del Barrio – Pedro Azara, a Bagdad).

No comisariado da exposición, Josep Torrents i Alegre está acompañado por dous comisarios adxuntos: Guillem Carabí, arquitecto e responsable do apartado dedicado a Jujol, e Jordi Ribas, xestor cultural a cargo das Accións.

Según Torrents i Alegre,

“a proposta non é un debate sobre proxectos taxidérmicos e conservadores, senón que pretende afondar nunha actitude arquitectónica que xera novos estratos e establece novas relacións alí onde intervén. Enxertar é un concepto que transmite a idea dun organismo novo máis vigoroso, froito de dous organismos que combinan os seus compoñentes orixinais, e as arquitecturas que se presentan son o resultado destas vigorosas combinacións”.

O fío condutor da proposta é a descrición dos diversos proxectos a través do proceso arquitectónico e da posterior percepción do edificio resultante. Estes proxectos enténdense a partir de si mesmos, da súa singularidade, e non como arquitecturas que forman parte dun movemento.

Na primeira fase descríbese o proceso usado para proxectar e construír o edificio mediante fotografías, bosquexos, debuxos, maquetas… pero en ningún caso documentos dos edificios rematados. Esta fase permite entender e descubrir as diversas maneiras de aproximarse a esta actitude, escoitando a voz dos arquitectos.

Na segunda fase ponse énfase na percepción destas arquitecturas a través de tres miradas distintas. O paso do tempo e a cotianidade captaranse con imaxes fotográficas e de vídeo. Nesta fase realizaranse as Accións para as que se seleccionaron catro artistas diferentes que reinterpretarán cada edificio a partir dunha acción artística pensada especificamente para o espazo onde se desenvolverán.

A exposición complementarase cun catálogo e unha web: + info

Grafting Architecture. Catalonia at Venice

Cantieri Navali, Calle Quintavalle, Castello, 40

Inauguración: 5 de xuño, 18:30 h. www.llull.cat

The Institut Ramon Llull presents the Catalan sample inside the Eventi Collaterali GRAFTING ARCHITECTURE. CATALONIA AT VENICE REPRESENTS TO CATALONIA IN 14 ª BIENNIAL SHOW OF ARCHITECTURE OF VENICE.

Catalonia will be present for the second time in the Biennial show of Architecture of Venice, inside the Eventi Collaterali, with a project comisariado for Josep Torrents i Alegre: Grafting Architecture. Catalonia at Venice. This offer chosen by a juror across a public contest summoned by the Institut Ramon Llull, wants to show the change of paradigm that is taking place in the contemporary Catalan architecture, showing examples of a way of doing that it can update an alive tradition, projecting it towards the future. Grafting Architecture. Catalonia at Venice will inaugurate on June 5 in the Cantieri Navali, Street Quintavalle, Castello, 40.

This offer that Catalonia presents in Venice has the firm intention of recognizing, of valuing and re-formulating the specificity of the local architectures in contrast with the architecture global and franchisee that has reigned in the last years. The point of item is the house Bofarull (1913-1933), one of Josep Maria’s principal works Jujol (1879-1949). In the way of working of the of Tarragona architect we can identify an attitude that can follow in many projects constructed in the last century, and that is based on an intense dialog by the preexistences (physical and not), that allow to develop a project that includes and mixes the new elements and the existing ones, as the cutting grafts of the tree.

The house Bofarull allows us to cross an architectural attitude atemporal. They her accompany the IES The Llauna de Badalona (1984-86, Carme Pinós and Enric Miralles), the space The Lira de Ripoll (2004-2011, RCR Arquitectes and Joan Puigcorbé), and the space transmitter of Seró’s tomb / dolmen (2007-2013, Toni Gironès), projects removed temporarily, but nearby in many aspects. They all work with preexistences and are a fruit of the stratification of concepts, in which the traditional materials are reinterpreted and are inserted in a territory, talking with them. They are complex and wealth-producing projects, which add a temporary milestone in the place where they are constructed, and do not understand each other without the environment, for what it is impossible to distinguish the parts completely. A rich local – universal synthesis dresses as engine of the project, where the interpretation of the world takes place from one of his corners. Projects of slow boiling and reflection, continuers of an architectural alive tradition and of crossed length.

Selected buildings

Reforma de la Casa Bofarull (1913-1933, Josep Maria Jujol, als Pallaresos)

Apartaments a les golfes de la Pedrera (1953-1955, Francisco Juan Barba Corsini, a Barcelona)

Restauració de l’església de l’Hospitalet (1981-1984, José Antonio Martínez Lapeña i Elías Torres Tur, a Eivissa)

IES La Llauna (1984-86, Carme Pinós i Enric Miralles, a Badalona)

Caldereria petita, rehabilitació d’habitatge entre mitgeres (2001-2002, Calderon – Folch – Sarsanedas Arquitectes, a Gelida)

Museu de Can Framis (2007-2009, Jordi Badia BAAS Arquitectura, a Barcelona)

Espai públic Teatre La Lira (2004-2011, RCR Arquitectes –Rafael Aranda, Carme Pigem i Ramon Vilalta– i Joan Puigcorbé, a Ripoll)

Apartament Juan (2011, Vora arquitectura –Pere Buil i Toni Riba–, a Barcelona)

Auditori a l’església de Sant Francesc (2003-2011, David Closes, a Santpedor)

Tres estacions de la Línia 9 del Metro: Amadeu Torner, Parc Logístic i Mercabarna (2008-2011, Garcés – De Seta – Bonet Arquitectes –Jordi Garcés, Daria e Seta i Anna Bonet– i Ingeniería Tec-4 –Ferran Casanovas, Antonio Santiago i Felipe Limongi–, a Barcelona)

Espai transmissor del túmul/dolmen megalític (2007-2013, Toni Gironès, a Seró, Artesa de Segre)

Clínica Arenys – can Zariquiey (2006-2013, Josep Miàs Arquitectes –Josep Miàs–, a Arenys de Munt)

Centre cultural Casal Balaguer (1996 – en procés, Flores&Prats Arquitectes –Eva Prats i Ricardo Flores– i Duch-Pizá Arquitectos –M. José Duch i Francisco Pizá–, a Palma)

Restauració paisatgística de l’abocador de la vall d’En Joan a Begues (2002 – en procés, Enric Batlle, Joan Roig i Teresa Galí, al Parc Natural del Garraf)

Torre de 94 habitatges de protecció oficial (2012 – en procés, Josep Llinàs, a l’Hospitalet de Llobregat)

Projecte de revitalització del districte d’Adhamiya (2012 – en procés, AV62 Arquitectos –Victòria Garriga i Toño Foraster– i Pedro García del Barrio – Pedro Azara, a Bagdad).

The comisariado of the exhibition, Josep Torrents i Happy is accompanied by two attached commissioners: Guillem Carabí, architect and person in charge of the paragraph dedicated to Jujol, and Jordi Ribas, cultural manager at the expense of the Actions.

According to  Torrents i Alegre,

“the offer is not a debate on projects taxidérmicos and conservative, but it tries to penetrate into an architectural attitude that generates new strata and establishes new relations there where it intervenes. Grafting is a concept that transmits the idea of the most vigorous new organism, fruit of two organisms that combine his original components, and the architectures that they present are the result of these vigorous combinations”.

The conductive thread of the offer is the description of the diverse projects across the architectural process and the later perception of the resultant building. These projects are understood from yes same, of his singularity, and not as architectures that form a part of a movement.

In the first phase the process is described used to plan and to construct the building by means of photographies, sketches, drawings, models … but in no case documents of the finished buildings. This phase allows to understand and to discover the diverse ways of coming closer this attitude, listening to the voice of the architects.

In the second phase it puts on emphasis in the perception of these architectures across three different looks. The passage of time and the commonness will be caught by photographic images and of video. In this phase the Actions will be realized for those that there have selected four different artists who will reinterpret every building from an artistic action thought specifically for the space where they will develop.

The exhibition will complement itself with a catalogue and a web: + info

Grafting Architecture. Catalonia at Venice

Cantieri Navali, Calle Quintavalle, Castello, 40

Inauguration: on June 5, 18:30 h. www.llull.cat

Pousada Jardín de Armenteira | Mauro Lomba Martínez © Adrián Capelo Cruz

Pousada Jardín de Armenteira | Mauro Lomba Martínez © Adrián Capelo Cruz
Pousada Jardín de Armenteira | Mauro Lomba Martínez © Adrián Capelo Cruz

Un hotel con un desarrollo espacial que atiende a los modos de habitar de los usuarios, procurando una arquitectura atractiva, humanizada y accesible, que se confunde con el bosque mientras la niebla lo envuelve todo. Cuando despeja se descubre el monasterio y entiendes la tranquilidad del lugar.

La Pousada de Armenteira se ha proyectado y construido dentro del conjunto de actuaciones denominado “Pousadas Jardín: Creación de un producto turístico” de la Diputación de Pontevedra.

Pousada Jardín de Armenteira | Mauro Lomba Martínez © Adrián Capelo Cruz

La Pousada se sitúa en Armenteira, un núcleo rural del interior de la comarca del Salnés, en las Rías Baixas, en un área protegida por su proximidad al Monasterio de Armenteira. Un entorno rural configurado por cultivos familiares en la base de un precioso bosque, donde las nieblas paran a descansar. Una parcela con gran pendiente y vistas a la ría de Arousa.

Debido a este fuerte vínculo con el lugar, se construye con el mayor respeto hacia la tradición, tanto en los materiales como en las formas, trasladando el clima de recogimiento del monasterio al proyecto de la Pousada pero sin perder el paisaje como telón de fondo.

Pousada Jardín de Armenteira | Mauro Lomba Martínez © Adrián Capelo Cruz

Se materializa de este modo un hotel con un desarrollo espacial que atiende a los modos de habitar de los usuarios, procurando una arquitectura atractiva, humanizada y accesible, que se confunde con el bosque mientras la niebla lo envuelve todo. Cuando despeja se descubre el monasterio y entiendes la tranquilidad del lugar.

El acceso se produce a través de un claustro de piedra, al que se vuelcan los espacios de uso común del proyecto, restaurante y cafetería, cuya fachada, de vidrio y listones verticales de madera oscura, se funde con el bosque y permite la ventilación cruzada.

Pousada Jardín de Armenteira | Mauro Lomba Martínez © Adrián Capelo Cruz

Las habitaciones se agrupan en módulos que se entierran de forma escalonada, formando bancales, como si de una bodega se tratase. Estos bancales se quiebran, posibilitando la aparición de espacios comunes de reunión entorno al fuego, chimeneas suspendidas de tragaluces piramidales.

Pousada Jardín de Armenteira | Mauro Lomba Martínez © Adrián Capelo Cruz

La fachada de las habitaciones se realiza con piedra local texturizada, que junto con los huecos abocinados y los lucernarios de las chimeneas, rememoran el carácter del Monasterio y junto con los cierres de varillas de acero establecen un diálogo con la naturaleza mientras las cubiertas, vegetales, se convierten en minifundio de cultivo.

Obra: Pousada Jardín de Armenteira
Emplazamiento: Santa María de Armenteira, Concello de Meis, Pontevedra, Galicia, España
Autor: Mauro Lomba Martínez
Colaboradores: María Pierres López, María del Carmen Moldes García, Ana Monteagudo García
Aparejador: Vicente Fraga Fernández
Promotor: Diputación de Pontevedra
Contratista: Construcciones Abal, S.A.
Presupuesto: 3.321.348 €
Fecha de proyecto: 14/12/2010
Fecha de terminación: 28/12/2012
Fotografías: Adrián Capelo Cruz
+ maurolomba.com

sobre mesas & otras cosassobre mesas & outras cousasabout tables & other things

El joven diseñador vigués, afincado en Londres, con un trabajo que está extensamente publicado y expuesto en todo el mundo, inaugurará con una conferencia, su exposición de mobiliario y objetos sobre mesas & otras cosas.

Como homenaje a su tierra de procedencia, y con la complicidad de la Empresa SIRVENT, ha querido afrontar el proyecto de la serie de muebles VAL DO BARCO, con procesos productivos y materias primas autóctonas, como la madera de castaño y el granito, con acabados naturales trabajados artesanalmente por profesionales cualificados, con la pretensión de conservar nuestra identidad, los recursos naturales y la mano de obra especializada de los oficios habituales de nuestro entorno.

La exposición permanecerá abierta en Espacio SIRVENT desde el día de la inauguración, hasta el próximo día 20 de Junio de 2.014.

Espacio Sirvent en su búsqueda continua de personas relevantes dedicadas al diseño, presenta el trabajo del diseñador industrial vigués afincado en Londres, Tomás Alonso.

La exposición presenta su trabajo desde tres ángulos diferentes, pero con un enfoque común; el de crear objetos sencillos y funcionales con un profundo respeto por el contexto que los rodea, desde su concepción, a su vida con nosotros los que los usamos, pasando por su producción, completamente intrínseca a su estética.

Por un lado la colaboración con empresas – en este caso centrada en los sistemas de mesas y estanterías Offset diseñados para la empresa italiana Maxdesign. Junto a ellos se presentan los taburetes 5º diseñados para la alemana Nils Holger Moormann, o los percheros de pared y tablas de cocina para ACE, joven empresa suiza o los contenedores Euclid para Praxis.

Por otro lado, contamos con algunos trabajos que el diseñador realiza de modo más experimental, ya sea con materiales, o procesos de producción, y que se materializa en prototipos o en objetos de producción artesanal realizados en pequeñas ediciones que normalmente se venden a través de galerías de arte.

Y por último tenemos la presentación de la serie Val do Barco, una pequeña colección de mesas producidas en colaboración exclusiva con Sirvent y que se basa en un interés común por los materiales y procesos productivos autóctonos del entorno en el que nacen, en este caso Galicia, un homenaje a su tierra de procedencia, en el que el granito de Vincios y la madera de castaño de Lalín son trabajados artesanalmente por profesionales cualificados y acabados de manera natural, reinterpretando la tradición, con la pretensión de conservar los recursos naturales y la mano de obra especializada de los oficios habituales de nuestra región.

Su trabajo también puede verse en las tiendas que ha diseñado para CAMPER, en diferentes ciudades y países, con quién inaugurará el próximo mes de Junio, otro espacio en Tokio.

Tomás Alonso (Vigo, 1.974)
Nacido en Vigo, Tomás Alonso ha estado viajando desde los 19 años para perseguir su carrera como diseñador. Vivió, estudió y trabajó en EE.UU., Italia y Australia antes de trasladarse a Londres para completar un master en el Royal College of Art. En 2006 co-fundó el colectivo de diseño OKAYstudio junto a otros 5 graduados del RCA.

Su trabajo ha sido extensamente publicado y expuesto en todo el mundo; desde el Design Museum o Aram gallery en Londres a galerías y exposiciones en Italia, España, Francia, USA, Canadá o Japón. Entre otros premios, ha sido elegido como Diseñador del Año 2013 por la revista AD en España, Joven Diseñador del Año por Elle Deco Japón en 2012 y Elle Deco España en 2011.

Su práctica, con base en el Noroeste de Londres, se desenvuelve en mobiliario, producto, iluminación, interiores y diseño de exposiciones y sus clientes van desde productores internacionales a selectas galerías de diseño y museos.

Combina su investigación y trabajo de diseño comercial con, ocasionalmente, docencia y talleres; lo más reciente como profesor del Master de diseño de producto en ÉCAL en Lausanne, Switzerland.
+ tomas-alonso.com

Exposición y conferencia
TOMÁS ALONSO en Espacio SIRVENT
Inauguración 15 de Mayo a las 20,00 horas,
Vigo, Galicia, España
15 de Mayo – 20 de Junio de 2.014

O novo deseñador vigués, afincado en Londres, cun traballo que está extensamente publicado e exposto en todo o mundo, inaugurará cunha conferencia, a súa exposición de mobiliario e obxectos sobre mesas & outras cousas.

Como homenaxe á súa terra de procedencia, e coa complicidade da Empresa SIRVENT, quixo afrontar o proxecto da serie de mobles VAL DOMINGO BARCO, con procesos produtivos e materias primas autóctonas, como a madeira de castaño e o granito, con acabados naturais traballados artesanalmente por profesionais cualificados, coa pretensión de conservar a nosa identidade, os recursos naturais e a man de obra especializada dos oficios habituais do noso ámbito.

A exposición permanecerá aberta en Espazo SIRVENT dende o día da inauguración, ata o próximo día 20 de Xuño de 2.014.

Espacio Sirvent na súa busca continua de persoas relevantes dedicadas ao deseño, presenta o traballo do deseñador industrial vigués afincado en Londres, Tomás Alonso.

A exposición presenta o seu traballo dende tres ángulos diferentes, pero cun enfoque común; o de crear obxectos sinxelos e funcionais cun profundo respecto polo contexto que os rodea, dende a súa concepción, á súa vida connosco os que os usamos, pasando pola súa produción, completamente intrínseca á súa estética.

Por un lado a colaboración con empresas – neste caso centrada nos sistemas de mesas e estantes Offset deseñados para a empresa italiana Maxdesign. Xunto a eles preséntanse os tallos 5º deseñados para a alemá Nils Holger Moormann, ou os percheiros de parede e táboas de cociña para ACE, nova empresa suíza ou os colectores Euclid para Praxe.

Por outro lado, contamos con algúns traballos que o deseñador realiza de modo máis experimental, xa sexa con materiais, ou procesos de produción, e que se materializa en prototipos ou en obxectos de produción artesanal realizados en pequenas edicións que normalmente se venden a través de galerías de arte.

E por último temos a presentación da serie Val do Barco, unha pequena colección de mesas producidas en colaboración exclusiva con Sirvent e que se basea nun interese común polos materiais e procesos produtivos autóctonos do ámbito no que nacen, neste caso Galicia, unha homenaxe á súa terra de procedencia, no que o granito de Vincios e a madeira de castaño de Lalín son traballados artesanalmente por profesionais cualificados e rematados de xeito natural, reinterpretando a tradición, coa pretensión de conservar os recursos naturais e a man de obra especializada dos oficios habituais da nosa rexión.

O seu traballo tamén pode verse nas tendas que deseñou para CAMPER, en diferentes cidades e países, con quen inaugurará o próximo mes de Xuño, outro espazo en Tokyo.

Tomás Alonso (Vigo, 1.974)

Nado en Vigo, Tomás Alonso estivo a viaxar dende os 19 anos para perseguir a súa carreira como deseñador. Viviu, estudou e traballou en EUA, Italia e Australia antes de trasladarse a Londres para completar un máster no Royal College of art.º En 2006 co-fundou o colectivo de deseño OKAYstudio xunto a outros 5 graduados do RCA.

O seu traballo foi extensamente publicado e exposto en todo o mundo; dende o Design Museum ou Aram gallery en Londres a galerías e exposicións en Italia, España, Francia, USA, Canadá ou Xapón. Entre outros premios, foi elixido como Deseñador do Ano 2013 pola revista AD en España, Novo Deseñador do Ano por Elle Deco Japón en 2012 e Elle Deco España en 2011.

A súa práctica, con base no Noroeste de Londres, desenvólvese en mobiliario, produto, iluminación, interiores e deseño de exposicións e os seus clientes van dende produtores internacionais a selectas galerías de deseño e museos.

Combina su investigación y trabajo de diseño comercial con, ocasionalmente, docencia y talleres; lo más reciente como profesor del Master de diseño de producto en ÉCAL en Lausanne, Switzerland.

+ tomas-alonso.com

Exposición e conferencia

TOMÁS ALONSO en Espacio SIRVENT

Inauguración 15 de Maio a las 20,00 horas,

Vigo, Galicia, España

15 de Maio – 20 de Xuño de 2.014

The young person designer vigués, bought property in London, with a work that is extensively published and exposed in the whole world, will inaugurate with a conference, his exhibition of furniture and objects about tables & other things.

As honoring to his land of origin, and with the complicity of the Company SIRVENT, there has wanted to confront the project of the series of furniture VAL DO BARCO, with productive processes and autochthonous raw materials, as the wood of chestnut-tree and the granite, with finished worn out natives artesanalmente for qualified professionals, with the pretension to preserve our identity, the natural resources and the specialized workforce of the habitual trades of our environment.

The exhibition will remain opened in Space SIRVENT from the day of the inauguration, until the next June 20 of 2.014.

Espacio Sirvent in his constant search of relevant persons dedicated to the design, he presents the work of the industrial designer vigués bought property in London, Tomás Alonso.

The exhibition presents his work from three different angles, but with a common approach; of creating simple and functional objects with a deep respect for the context that surrounds them, from his conception, to his life with us that we use them, happening for his production, completely intrinsic to his aesthetics.

On the one hand the collaboration with companies – in this case centred on the systems of tables and racks Offset designed for the Italian company Maxdesign. Together with them 5 appear the stools º designed for the German Nils Holger Moormann, or the coat racks of wall and kitchen tables for ACE, young woman Swiss company or the containers Euclid for Practice.

On the other hand, we possess some works that the designer realizes in a more experimental way, already be with materials, or processes of production, and that materializes in prototypes or in objects of handcrafted production realized in small editions that normally sell across galleries of art.

And finally we have the presentation of the series Val do Ship, a small collection of tables produced in exclusive collaboration with Sirvent and that bases on a common interest for the materials and productive autochthonous processes of the environment on that they are born, on this case Galicia, an honoring to his land of origin, on which Vincios’s granite and the wood of Lalín’s chestnut-tree are worn out artesanalmente for qualified and finished professionals of a natural way, reinterpreting the tradition, with the pretension to preserve the natural resources and the specialized workforce of the habitual trades of our region.

His work also can turn in the shops that he has designed for CAMPER, in different cities and countries, with whom it will inaugurate next June, another space in Tokyo.

Tomás Alonso (Vigo, 1.974)

Born in Vigo, Tomás Alonso has been travelling from 19 years to chase his career as designer. It lived, studied and was employed at USA, Italy and Australia before moving to London to complete a master in the Royal College of Art. In 2006 co – founded the group of design OKAYstudio together with other 5 graduates of the RCA.

His work has been extensively published and exposed in the whole world; from the Design Museum or Aram gallery in London to galleries and exhibitions in Italy, Spain, France, USA, Canada or Japan. Between other prizes, it has been chosen as Designer of the Year 2013 by the magazine AD in Spain, Young woman Designer of the Year by Elle Deco Japan in 2012 and Elle Deco Spain in 2011.

His practice, with base in the Northwest of London, is unrolled in furniture, product, lighting, interiors and design of exhibitions and his clients go from international producers to select galleries of design and museums.

It combines his investigation and work of commercial design with, occasionally, teaching and workshops; the most recent thing like teacher of the Master of design of product in ÉCAL in Lausanne, Switzerland.

+ tomas-alonso.com

Exhibition and conference

TOMÁS ALONSO en Espacio SIRVENT

Inauguration On May 15 at 20:00,

Vigo, Galicia, Spain

On May 15 – June 20 of 2.014

Estudios sobre cultura tectónicaEstudos sobre cultura tectónicaStudies on tectonic culture

Estudios sobre cultura tectónica reescribe la tradición de la arquitectura moderna. La noción de tectónica tal como la emplea Frampton –la visión de la arquitectura como técnica constructiva– constituye un desafío a la corriente convencional de pensamiento sobre los límites artísticos de la posmodernidad. De hecho, dice Frampton, la arquitectura moderna tiene mucho más que ver con la estructura y la construcción que con el espacio y con la forma abstracta.

Frampton explica los vaivenes de la ingeniería estructural y la imaginación tectónica en la obra de arquitectos como Perret, Wright, Kahn, Scarpa y Mies, y muestra cómo la forma constructiva así como el carácter material forman parte integral de la expresión arquitectónica evolutiva de las obras. Frampton demuestra además que la articulación de dichos elementos de unas obras constituyen la base desde la cual se puede evaluar el trabajo de un arquitecto como un todo. Esto resulta evidente especialmente en sus reflexiones sobre la obra de Perret, Mies y Kahn, y la continuidad con el pasado en su pensamiento y actitudes.

Estudos sobre cultura tectónica reescribe a tradición da arquitectura moderna. A noción de tectónica tal como a emprega Frampton -a visión da arquitectura como técnica construtiva- constitúe un desafío á corrente convencional de pensamento sobre os límites artísticos da postmodernidade. De feito, di Frampton, a arquitectura moderna ten moito máis que ver coa estrutura e a construción que co espazo e coa forma abstracta.

Frampton explica os vaivéns da enxeñaría estrutural e a imaxinación tectónica na obra de arquitectos como Perret, Wright, Kahn, Scarpa e Cereal, e mostra como a forma construtiva así como o carácter material forman parte integral da expresión arquitectónica evolutiva das obras. Frampton demostra ademais que a articulación dos devanditos elementos dunhas obras constitúen a base dende a cal se pode avaliar o traballo dun arquitecto como un todo. Isto resulta evidente especialmente nas súas reflexións sobre a obra de Perret, Cereal e Kahn, e a continuidade co pasado no seu pensamento e actitudes.

Studies on tectonic culture it rewrites the tradition of the modern architecture. The notion of tectonic as there uses Frampton – the vision of the architecture as constructive technology – constitutes a challenge to the conventional current of thought on the artistic limits of the postmodern era. In fact, Frampton says, the modern architecture has much more that to see with the structure and the construction that with the space and with the abstract form.

Frampton explains the sways of the structural engineering and the tectonic imagination in the architects’ work as Perret, Wright, Kahn, Scarpa and Grain, and shows how the constructive form as well as the material character form a part integral of the architectural evolutionary expression of the works. Frampton demonstrates besides the fact that the joint of the above mentioned elements of a few works is constituted by them the base from which the work of an architect can evaluate as everything. This turns out to be evident specially in his reflections on Perret’s work, Grain and Kahn, and the continuity with the past in his thought and attitudes.

Espacios para aprender. Arquitectura y Docencia (VI) | Raquel Martínez – Alberto Ruiz

 

[:es]Espacios para aprender. Arquitectura y Docencia (V) | Raquel Martínez – Alberto Ruiz[:gl]Espazos para aprender. Arquitectura e Docencia (V) | Raquel Martínez – Alberto Ruiz[:en]Spaces to learn. Architecture and Teaching (V) | Raquel Martínez – Alberto Ruiz[:]

El modelo arquitectónico de la Institución Libre de Enseñanza

Anteriormente hemos citado la influencia de la Iglesia Católica en el sistema educativo. Esta relación entre Iglesia y Educación no es propiamente de influencia, sino de auténtico monopolio en estos años. En 1875, una circular del ministro de Fomento a los rectores de universidad advertía de la necesidad de vigilancia

para que en los establecimientos que dependen de su autoridad no se enseñe nada contrario al dogma católico ni a la sana moral”.1

Contra este planteamiento gubernamental se posicionaron un buen número de profesores, que se adhirieron en 1876, a una nueva organización creada por Francisco Giner de los Ríos, la Institución Libre de Enseñanza. La defensa de la libertad de cátedra y la independencia de la educación respecto a dogmas morales y religiosos son las bases de esta nueva comunidad académica que, hasta el comienzo de la Guerra Civil, se convirtió en el cauce de introducción de las nuevas teorías pedagógicas en España.

La introducción de conceptos novedosos por parte de la ILE hacía necesaria la concepción de nuevos espacios educativos. La eliminación de la segregación por sexos, la enseñanza aconfesional y la concepción de la educación como un proceso activo, alejado de los planteamientos tradicionales en que se concebía al maestro como un mero transmisor de información, se traduce en nuevos proyectos de centros escolares, como el promovido – aunque no construido – en el Paseo de la Castellana, en la ubicación actual de la Escuela Superior del Ejército. Esta escuela contaría con talleres, gimnasio, aulas especiales destinadas a laboratorio, dibujo, música, además de espacios libres ajardinados que seguían los conceptos del sistema Froebel.

La influencia de la ILE fue creciendo a medida que algunos de sus alumnos más ilustres se fueron incorporando a la vida política e intelectual española. La importancia de la institución se hizo particularmente patente con la llegada de la II República y su identificación política con esta supuso su desmantelamiento tras el fin de la Guerra Civil. El régimen del General Franco consideró la ILE como un organismo subversivo, contrario a los ideales religiosos y morales que se habrían de imponer en España y procedió a su disolución y confiscación de sus bienes. La gran mayoría de los integrantes de la Institución tuvieron que exiliarse o enfrentarse a la censura.

En cualquier caso, en los años anteriores a su desaparición, varias de las iniciativas promovidas directa o indirectamente por la ILE cristalizaron en la creación de algunas de las más importantes instituciones pedagógicas de los primeros años del siglo XX. Esta creación vino, además, acompañada de la construcción de nuevas infraestructuras educativas. La Junta de Ampliación de Estudios (1907), la Residencia de Estudiantes (1910) o el Instituto Escuela (1918) se instalaron de forma definitiva en una serie de edificios construidos en un magnífico enclave madrileño, conocido como la Colina de los Chopos.

Centrándonos en los edificios de uso puramente educativo, podemos destacar los dos realizados por dos jóvenes arquitectos, Carlos Arniches y Martín Domínguez, el Instituto de Secundaria y el Pabellón de Párvulos. Ambos edificios, junto al Auditorio y Biblioteca para la Residencia de Estudiantes, transformado años después por Miguel Fisac en la actual Iglesia del Espíritu Santo, se convirtieron en la decidida apuesta de la todavía balbuceante arquitectura de vanguardia española por un nuevo modelo de espacio educativo, basado en aquellos conceptos reclamados por el GATEPAC –orientación, iluminación, ventilación.

Arniches y Domínguez consiguieron, además, con la obra del Pabellón de Párvulos, un edificio innovador, incorporando elementos novedosos, como la iluminación del corredor de acceso a las aulas mediante un ventanal situado en cubierta que complementaba el gran frente acristalado de estas; la integración del espacio de circulación a las aulas mediante paneles móviles, y el gran hallazgo, diseñado en colaboración con Eduardo Torroja, de las marquesinas voladas de hormigón armado. Estas marquesinas se convirtieron en la imagen más característica del edificio a la vez que funcionaban como zona de descanso de los niños al abrigo de la lluvia o el sol.

Pabellón de Párvulos del Instituto Escuela. Madrid. Arq. Arniches e Dominguez. 1933-1936 | Fuentes: Flickr y Blog de Stepien y Barno.

Este destacado conjunto escolar tuvo un corto recorrido, ya que su reconversión posterior a la Guerra Civil, bajo los auspicios del Opus Dei, terminó por modificar de forma profunda, no solo su ideario educativo sino también, y de forma radical, la constitución de sus edificios.

Una vez comenzada la guerra, y como suele ser habitual en este tipo de situaciones, la educación se convirtió en propaganda. La carga ideológica se radicalizó tanto en un bando como en otro, e iniciativas como la propuesta por la ILE dejaron de tener acomodo entre los intereses inmediatos de ambos gobiernos. Más aún cuando, una vez consumada la victoria del bando franquista, las prioridades se centraron en eliminar cualquier resto de la situación previa. Para ello se procedió, con carácter urgente, al desmantelamiento de las estructuras educativas introducidas por la República, a la transformación de los organismos e instituciones ya asentadas – el Instituto Escuela se convirtió en el Ramiro de Maeztu y el recién creado CSIC sustituyó a la Junta de Ampliación de Estudios – y, sobre todo, a la depuración por razones políticas de la mayoría del cuerpo de maestros de escuela.

Raquel Martínez y Alberto Ruiz
arquitectos, docentes e investigadores
Madrid. mayo 2014

Notas:

1 Citado por Francisco Burgos en La Arquitectura del Aula

Bibliografía

Monografías:

GARCIA PABLOS, Rodolfo. Construcciones Escolares. Curso organizado por el gobierno español como colaboración al proyecto principal de la UNESCO. Madrid: Dirección General de Enseñanza Primaria, 1962

LANDROVE, Susana, ed. Equipamientos I. Lugares públicos y nuevos programas, 1925-1965. Registro DoCoMoMo Ibérico. Barcelona: Fundación Caja de Arquitectos: Fundación DOCOMOMO ibérico, 2010

BURGOS RUIZ, Francisco. La arquitectura del aula. Nuevas escuelas madrileñas, 1868-1968. Madrid: Ayuntamiento de Madrid. Área de las Artes, 2007

A.C. Documentos de Actividad Contemporánea. nº 9. Primer trimestre de 1933. Barcelona Madrid San Sebastián: G.A.T.E.P.A.C. (Grupo de Arquitectos y Técnicos Españoles para el Progreso de la Arquitectura Contemporánea), 1931-1937

Recursos en línea:

El Blog de Stepien y Barno. La enseñanza según Louis Kahn [en línea] Abril de 2010 [Consulta en julio de 2012] Disponible en web

ALVES GONÇALVES, Polyanna. Herman Hertzberger. Edificios Escolares [en línea]. Octubre de 2009 2010 [Consulta en julio de 2012]  Disponible en web

Espacios para aprender. Arquitectura y Docencia (VII) | Raquel Martínez – Alberto Ruiz

 

 

Open Journal Systems Open Journal Systems Open Journal Systems

(OJS) es un software de código abierto para la administración de revistas creado por el Public Knowledge Project, liberado bajo licencia GNU General Public License.

OJS fue diseñado para facilitar el desarrollo de publicaciones de acceso libre, publicación revisada por pares, proveyendo la infraestructura técnica no solo para la presentación en línea de artículos de revista, sino también el flujo editorial por completo, incluyendo el envio de artículos, múltiples rondas de revisión por pares e indexación. OJS se basa en que los individuos cumplan diferentes roles, como administrador de revista, editor, revisor, autor, lector, etc. Fue publicado en 2001 y es compatible con el protocolo OAI-PMH. En agosto de 2008 OJS es utilizado por al menos 1923 revistas en el mundo; en el tercer trimestre de 2012 OJS supera las 14000 revistas.

Al igual que Open Conference Systems, OJS cuenta con una comunidad de desarrollo muy activa a través de foros de ayuda. En Colombia, esta herramienta es utilizada por la UIS,Universidad del Rosario, Universidad Nacional, la Pontificia Universidad Javeriana, la Universidad Icesi, la Universidad de Antioquia y la Universidad de Cundinamarca, entre otras. En Argentina, el CAICYT de CONICET está implementando OJS en el Portal de Publicaciones Científicas y Técnicas para revistas científicas argentinas, y la Universidad Nacional de La Plata posee desde 2008 el Portal de Revistas. En Ecuador, la Escuela Politécnica Nacional a través del Departamento de informática y Ciencias de la Computación utiliza Open Journal Systems para su revista electrónica ReDiFIS y la Universidad Católica de Santiago de Guayaquil, usa OJS en su publicación de Revista Medicina, y tiene en proyecto otras publicaciones.

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Fuente: Wikipedia

(OJS) is a software of code opened for the administration of magazines created by the Public Knowledge Project, liberated under license General Public License GNU.

OJS was designed to facilitate the development of publications of free access, publication checked by couples, providing the technical infrastructure not only for the presentation on line with articles of magazine, but also the publishing flow completely, including the sending of articles, multiple rounds of review for couples and indexation. OJS bases that the individuals fulfill different roles, as administrator of magazine, publisher, reviser, author, reader, etc. It was published in 2001 and it is compatible with the protocol OAI-PMH. In August, 2008 OJS it is used by at least 1923 magazines in the world; in the third quarter of 2012 OJS it overcomes 14000 magazines.

As Open Conference Systems, OJS possesses a very active community of development across forums of help. In Colombia, this tool is used by the UIS, University of the Rosario, National University, the Pontificia Universidad Javeriana, the University Icesi, the University of Antioch and Cundinamarca’s University, between others. In Argentina, CONICET’s CAICYT is implementing OJS in the Portal of Scientific and Technical Publications for scientific Argentine magazines, and the National University of La Plata possesses from 2008 the Portal of Magazines. In Ecuador, the Technical National School across the Department of computer science and Sciences of the Computation uses Open Journal Systems for his electronic magazine ReDiFIS and the Catholic University of Santiago of Guayaquil, OJS uses in his publication of Magazine Medicine, and has in project other publications.

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Source: Wikipedia

(OJS) é un software de código aberto para a administración de revistas creado polo Public Knowledge Project, liberado baixo licenza GNU Xeneral Public License.

OJS foi deseñado para facilitar o desenvolvemento de publicacións de acceso libre, publicación revisada por pares, provendo a infraestrutura técnica non só para a presentación en liña de artigos de revista, senón tamén o fluxo editorial por completo, incluíndo o envio de artigos, múltiples roldas de revisión por pares e indexación. OJS baséase en que os individuos cumpran diferentes roles, como administrador de revista, editor, revisor, autor, lector, etc. Foi publicado en 2001 e é compatible co protocolo OAI-PMH. En agosto de 2008 OJS é utilizado por polo menos 1923 revistas no mundo; no terceiro trimestre de 2012 OJS supera as 14000 revistas.

Ao igual que Open Conference Systems, OJS conta cunha comunidade de desenvolvemento moi activa a través de foros de axuda. En Colombia, esta ferramenta é utilizada pola UIS,Universidad do Rosario, Universidade Nacional, a Pontificia Universidade Javeriana, a Universidade Icesi, a Universidade de Antioquia e a Universidade de Cundinamarca, entre outras. En Arxentina, o CAICYT de CONICET está a implementar OJS no Portal de Publicacións Científicas e Técnicas para revistas científicas arxentinas, e a Universidade Nacional de La Plata posúe dende 2008 o Portal de Revistas. En Ecuador, a Escola Politécnica Nacional a través do Departamento de informática e Ciencias da Computación utiliza Open Journal Systems para a súa revista electrónica ReDiFIS e a Universidade Católica de Santiago de Guayaquil, usa OJS na súa publicación de Revista Medicina, e ten en proxecto outras publicacións.

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Fonte: Wikipedia

Espacios para aprender. Arquitectura y Docencia (V) | Raquel Martínez – Alberto Ruiz

 

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La evolución de los espacios educativos en España

El caso español es más complicado. La evolución, tanto social como cultural, del país lleva un ritmo diferente al de los países de nuestro entorno y las pocas iniciativas importadas deberán ser adaptadas a nuestras propias condiciones particulares. Se parte de una evidente desventaja social y económica en los primeros años del siglo y posteriormente; todas las propuestas innovadoras en materia pedagógica deberán pasar por el filtro impuesto por un estado confesional, en el que la Iglesia monopolizará la educación, tanto pública como privada, en todos los niveles escolares.

Portada del número 9 de A.C. 1933 | Fuente: Biblioteca Nacional de España

A principios del año 1933, la revista AC, publicación periódica del G.A.T.E.P.A.C.1 dedicaba, de forma monográfica, su número 9 al problema de las escuelas. En el momento de publicar este número de la revista, los datos de analfabetismo en el país superaban, según datos de la propia revista, el 50% del total de la población, acercándose en algunas provincias al 70%. Ante estos datos, los arquitectos del G.A.T.E.P.A.C. se planteaban varias cuestiones, que exponían, del modo tajante que les era habitual, en la primera página de la publicación:

España necesita construir 25.000 escuelas en un plazo inmediato.

Es preciso construir estas escuelas con el mínimo coste.

La construcción de una escuela de lujo (y es lujo todo lo innecesario), deja sin enseñanza a una porción de niños. Por lo tanto, la urgencia de dar instrucción al mayor número posible de estos, dentro de los medios que dispone el Estado, obliga a no construir escuelas de este tipo.

Hay que afrontar el problema de las nuevas construcciones escolares, después de estudiar un plan de conjunto.

De este plan de conjunto saldrán perfectamente determinados una serie de tipos y de elementos standard, adaptables a los distintos climas de España.

En estos tipos standard sólo se modificarán los elementos que el clima exija. Para la creación de ellos el GATEPAC propone que no se olvide:

1. Que existe un nuevo sistema pedagógico, consecuencia del nuevo concepto de la vida que viene acentuándose después de la gran guerra;

2. Que la célula primaria de la escuela es la clase;

3. Que existe un problema de orientación en la construcción;

4. Otro de iluminación y ventilación (renovación de aire);

5. Que debe estudiarse la calefacción y soleamiento de las clases;

6. Que el conjunto de todos los elementos que forman la escuela ha de ligarse de una manera orgánica y racional (funcional);

7. Que las terrazas, en casi todo nuestro país, son de una gran utilidad y que los tejados representan siempre una superficie perdida;

8. Que hay que rechazar ciertos prejuicios, inexistentes ya en los países adelantados. Como son a) monumentalidad, b) fachadas presuntuosas, c) ordenación del plano a base de ejes que solo existen realmente sobre tableros de dibujo (problema artificioso, resabio de las escuelas de arquitectura).

El actual reglamento de escuelas imposibilita toda innovación. Las leyes, pues, deben de modificarse cuando se oponen al desarrollo racional de nuevos conceptos.2

Resulta paradójico que apenas hace 80 años fuera necesario reivindicar condiciones de habitabilidad en las escuelas, que a día de hoy se han convertido en mínimos innegociables en el diseño de cualquier espacio público.  Pero es cierto que las premisas establecidas en cuanto a la arquitectura escolar en España distaban mucho de estos planteamientos de los jóvenes arquitectos del GATEPAC y estaban mucho más en consonancia con criterios elitistas según los cuales la educación estaba reservada para una determinada clase social, y en cualquier caso, controlada de forma casi exclusiva por la Iglesia católica.

No es hasta la Constitución de 1812 que la Educación se plantea como una cuestión de Estado. A partir de este momento, los sucesivos gobiernos comenzarán a plantear, en sintonía con el resto de estados europeos y los nuevos movimientos higienistas, una serie de reformas destinadas a dotar al país de la mínima infraestructura escolar necesaria para combatir las desmesuradas cifras de analfabetismo.

En cualquier caso, a mediados del siglo XIX, ninguno de los sucesivos intentos de reforma de la educación había dado frutos. Si bien los resultados prácticos de estas ideas son poco consistentes, es cierto que los nuevos planteamientos, referidos fundamentalmente a las condiciones higiénicas del aula, suponen una base importante sobre la que se podrá trabajar de forma progresiva, aunque lenta, en los años posteriores.

Como ejemplo de la mentalidad referida, podemos analizar brevemente uno de los proyectos propuestos en el decreto ley redactado por el ministerio de Fomento en 1869, elaborado por la Escuela de Arquitectura de Madrid y destinado a “Escuela Pública para ambos sexos en población menor de 500 almas”.

Planta de la Escuela pública para ambos sexos en población menor de 500 almas | Fuente: BURGOS RUIZ, Francisco. La arquitectura del aula

Como se puede ver, no se contempla la división del alumnado por edades, sino exclusivamente por sexos. Esta división afecta no solo al espacio de aulas, sino a los aseos, los patios de juegos e incluso los accesos y vestíbulos de comunicación con las aulas. Las ideas de segregación por sexos se llevan a extremos casi cómicos cuando analizamos la situación del estrado del maestro, situado en medio del tabique de separación de las aulas, a caballo entre ambas.

Conviene destacar que en el cuerpo de entrada, entre los vestíbulos de comunicación, se sitúa un elemento novedoso: la biblioteca, concebida además como espacio público accesible para la población local. Aunque no podemos dejar de señalar que el acceso a esta biblioteca se realiza exclusivamente a través del vestíbulo destinado a los niños. Casi a finales del siglo XIX, el acceso de la población femenina a la cultura se consideraba algo casi exótico, cuando no directamente reprobable.

Más allá de las directrices marcadas por el ministerio de Fomento, estos últimos años del siglo propiciaron la aparición de iniciativas de innovación pedagógica, importadas en su gran mayoría de los países de Centroeuropa que, excepto casos notables como las Escuelas Aguirre, tuvieron escasa repercusión en el sistema educativo español, pero que sirvieron de germen de modelos posteriores de indudable importancia, como los centros educativos creados en la Colina de los Chopos, de Madrid.

Entre estas iniciativas experimentales merece la pena mencionar la Escuela Froebel, basada en las ideas del pedagogo alemán propulsor de los nuevos métodos de educación preescolar, inaugurada en 1879. En este caso concreto podemos apreciar una primera intención de adaptar los espacios educativos al sistema pedagógico. El aula sigue siendo el centro del proceso educativo pero comienzan a aparecer conceptos novedosos, como el jardín, diseñado para su utilización como espacio de clases en épocas de buen tiempo, el gimnasio e incluso una pequeña zona de huertos para los alumnos.

Raquel Martínez y Alberto Ruiz
arquitectos, docentes e investigadores
Madrid. mayo 2014

Notas

1 Grupo de Artistas y Técnicos Españoles para el Progreso de la Arquitectura Contemporánea, fundado en 1930 como rama española de los CIAM.
2 A.C. Documentos de Actividad Contemporánea. nº 9. Primer trimestre de 1933.

Bibliografía

Monografías:

GARCIA PABLOS, Rodolfo. Construcciones Escolares. Curso organizado por el gobierno español como colaboración al proyecto principal de la UNESCO. Madrid: Dirección General de Enseñanza Primaria, 1962

LANDROVE, Susana, ed. Equipamientos I. Lugares públicos y nuevos programas, 1925-1965. Registro DoCoMoMo Ibérico. Barcelona: Fundación Caja de Arquitectos: Fundación DOCOMOMO ibérico, 2010

BURGOS RUIZ, Francisco. La arquitectura del aula. Nuevas escuelas madrileñas, 1868-1968. Madrid: Ayuntamiento de Madrid. Área de las Artes, 2007

A.C. Documentos de Actividad Contemporánea. nº 9. Primer trimestre de 1933. Barcelona Madrid San Sebastián: G.A.T.E.P.A.C. (Grupo de Arquitectos y Técnicos Españoles para el Progreso de la Arquitectura Contemporánea), 1931-1937

Recursos en línea:

El Blog de Stepien y Barno. La enseñanza según Louis Kahn [en línea] Abril de 2010 [Consulta en julio de 2012] Disponible en web

ALVES GONÇALVES, Polyanna. Herman Hertzberger. Edificios Escolares [en línea]. Octubre de 2009 2010 [Consulta en julio de 2012]  Disponible en web

Espacios para aprender. Arquitectura y Docencia (VI) | Raquel Martínez – Alberto Ruiz

 

 

[:es]Ciudad de la Imaginación: La Ciudad Amurallada de Kowloon 20 años después[:gl]Cidade da Imaxinación: A Cidade Amurallada de Kowloon 20 anos despóis.[:en]City of Imagination: Kowloon Walled City 20 Years Later [:]

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[:es]

La ciudad amurallada de Kowloon en Hong Kong fue una vez el lugar más denso en la tierra, un laberinto prácticamente sin ley de la delincuencia, la suciedad, el comercio y la esperanza.

El documental de Wall Street Journal da pistas de la diversidad de su legado y recupera el lugar 20 años después de su desaparición.

http://youtu.be/dj_8ucS3lMY[:gl]

A cidade amurallada de Kowloon en Hong Kong foi unha vez o lugar máis denso na terra, un labirinto practicamente sen lei da delincuencia, a sucidade, o comercio e a esperanza. O documental de Wall Street Journal dá pistas da diversidade do seu legado e recupera o lugar 20 anos despois da súa desaparición.

[:en]

The Kowloon Walled City in Hong Kong was once the densest place on earth, a virtually lawless labyrinth of crime, grime, commerce and hope. A Wall Street Journal documentary tracks its colorful legacy and brings the place alive 20 years later.

[:]

Eso dicen · Jorge Rodríguez ÁlvarezEso din · Jorge Rodríguez ÁlvarezSo they say · Jorge Rodríguez Álvarez

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El próximo jueves 15 de mayo tendrá lugar una nueva sesión de la sesión coloquio de arquitectura, Eso dicen. En esta ocasión, el invitado será Jorge Rodríguez. La sesión se dividirá en media hora de presentación del arquitecto y otros treinta minutos de coloquio informal con el público.

Eso dicen es un ciclo de sesiones-coloquio que se celebra el primer y tercer jueves de cada mes entre las 20:00h y las 21:00h en la planta baja del Taller Creativo No Importa (calle San Andrés, 46); en él participan arquitectos gallegos pertenecientes a distintas generaciones con la intención de presentar un amplio espectro de enfoques de la disciplina, siempre con una reflexión acerca del papel del arquitecto en el momento actual como telón de fondo.

ESO DICEN · Jorge Rodríguez Álvarez
Jueves 15 de mayo 20:00 – 21:00h
aforo limitado – entrada gratuita
[NO IMPORTA] taller creativo
C/San Andrés 46 planta Baja
A Coruña [España]

Organiza:
Alberto Alonso Oro [veredes.es]
Maria Olmo Béjar + Borja López Cotelo [lasonceymedia.com]

Next Thursday, the 15th of may a new session of the session will take place colloquium of architecture, So they say. In this occasion, the guest will be a Jorge Rodríguez Álvarez. The session will divide in the half hour of presentation of the architect and other thirty minutes of informal colloquium with the public.

So they say is a cycle of meetings – colloquia that is celebrated on the first and third Thursday of every month between them 20:00h and them 21:00h in the ground floor of the No Importa Creative Workshop (street San Andrés, 46); in him there take part Galician architects belonging to different generations with the intention of presenting a wide spectrum of approaches of the discipline, always with a reflection it brings over of the paper of the architect in the current moment as backdrop.

SO THEY SAY · Jorge Rodríguez Álvarez
Thursday on May 15, 20:00 – 21:00h
Limited appraisal – admission free
[NO IMPORTA] taller creativo
C/San Andrés 46 planta Baja
A Coruña [Spain]

Organize:
Alberto Alonso Oro [veredes.es]
Maria Olmo Béjar + Borja López Cotelo [lasonceymedia.com]

O próximo xoves 3 de maio terá lugar unha nova sesión de sesións coloquio de arquitectura, Eso din. Nesta ocasión, o convidado será Jorge Rodríguez Álvarez. A sesión dividirase en media hora de presentación do arquitecto e outros trinta minutos de coloquio informal co público.

Iso din é un ciclo de sesións-coloquio que se celebra o primeiro e terceiro xoves de cada mes entre as 20:00h e as 21:00h na planta baixa do Taller Creativo No Importa (rúa San Andrés, 46); nel participan arquitectos galegos pertencentes a distintas xeracións coa intención de presentar un amplo espectro de enfoques da disciplina, sempre cunha reflexión acerca do papel do arquitecto no momento actual como pano de fondo.

ESO DIN · Jorge Rodríguez Álvarez
Xoves 15 de mayo 20:00 – 21:00h
aforo limitado – entrada gratuita
[NO IMPORTA] taller creativo
C/San Andrés 46 planta Baja
A Coruña [España]

Organiza:
Alberto Alonso Oro [veredes.es]
Maria Olmo Béjar + Borja López Cotelo [lasonceymedia.com]

[:es]Havana 7. Historias que cuentan del periodismo científico[:gl]Havana 7. Historias que contan do periodismo científico[:en]Havana 7. Historias que cuentan del periodismo científico[:]

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El pasado 6 de mayo, se celebró en Teatro Calderón de Madrid (España), la octava edición del Proyecto “Havana 7. Historias que cuentan”, que se centró en la labor de los divulgadores científicos.

Bajo este enfoque, los profesionales que se subieron al escenario fueron el naturalista Joaquín Araújo, sucesor de Félix Rodríguez De La Fuente en El hombre y la tierra, autor de decenas de enciclopedias y más de 300 documentales televisivos, Premio GLOBAL 500 de la ONU y nominado al Óscar y los Goya por Nómadas del viento; Mónica López, Vicepresidenta de la Asociación de Comunicadores de Meteorología, directora del departamento de EL TIEMPO de TVE y autora del divertido libro Si no llueve, lloverá, basado en el refranero popular; Antonio Calvo Roy, presidente de la Asociación Española de Divulgadores Científicos y colaborador de El País y de gran parte de las publicaciones científicas españolas, y autor de numerosos guiones para museos de ciencia y documentales de televisión; y Manuel Lozano Leyva, catedrático de Física Atómica, Molecular y Nuclear en la Universidad de Sevilla y escritor que ha desarrollado una destacada labor divulgativa con títulos como El cosmos en la palma de la mano o Los hilos de Ariadna: diez descubrimientos científicos que cambiaron la visión del mundo.

Este cuarteto de lujo fue presentado y moderado por la popular periodista de RNE y Quo, América Valenzuela. Durante el evento se proyectó un vídeo homenaje a los Museos De la Ciencia españoles, y se contó con la intervención de Philip Ball, una de las firmas más famosas de la prestigiosa revista Nature, colaborador de The New York Times, The Guardian o The Financial Times, y autor de libros como Curiosidad, recientemente publicado en nuestro país por Taurus.

Masa líquida | Íñigo García Odiaga

Miguel Fisac, experimentado con las propiedades líquidas del hormigón

Aunque pueda parecer una terrible contradicción, ya desde los años 50, arquitectos como Miguel Fisac han experimentado con las propiedades líquidas del hormigón. Una masa cementosa que adquiere una condición pétrea tras su fraguado, pero que en origen es un fluido que permite tratarlo de forma eficaz.

El hormigón por tanto adopta la forma del molde en el que se vierte, pero tradicionalmente esas formas reproducían las geometrías de las estructuras de madera, como si la evolución del material no hubiese supuesto un evolución material. Será Miguel Fisac el que quiera de alguna manera buscar la geometría natural que le corresponde al nuevo material y se planteará cuestiones como; cuando el hormigón no tenga nada que le moleste, ¿qué forma tomará?. Llegando a afirmar:

«Es el único material que se echa blando en un molde. Pues que quede un poco la huella de que aquello ha sido blando.»

Sus obras con encofrados elásticos construidos con bastidores de madera, cables y lonas propiciaron muros de hormigón cuya materialidad final asemejaba almohadillados, texturas imposibles para un elemento pétreo que mantiene su memoria fluida.

Casi 60 años después de las obras llevadas a cabo por Fisac, con cierto aire experimental, arquitectos contemporáneos han retomado esa capacidad expresiva del hormigón.

Los arquitectos Mierta y Kurt Lazzarini acaban de inaugurar un edificio de viviendas en el pueblo rural suizo de Samedan, que reinterpreta estas cuestiones. El edificio se sitúa en el centro de este núcleo urbano de montaña y hace uso de su estructura fragmentada, de su colocación aterrazada y de la expresión de sus muros de hormigón para fundirse con el entorno.

Edificio de viviendas en el pueblo rural suizo de Samedan, Mierta & Kurt Lazzarini

En el fondo la volumetría del edificio reinventa las típicas formas de las casas rurales suizas, así como su morfología generada mediante la adición de diferentes piezas. Esta relectura del modelo clásico ha generado un edificio con la geometría de las antiguas construcciones pero con la rotundidad que un cierto aire minimalista contemporáneo le ha otorgado.

En la fuerte pendiente aparecen, los tres volúmenes que componen el edificio, con sus plantas ligeramente trapezoidales. El edificio de mayor altura se encuentra colocado en el extremo más elevado de la parcela lo que acentúa su carácter dominante respecto del pueblo.

La estratificación del paisaje aterrazado de la región, de las áreas de cultivo y de las laderas que rodean el valle se ha llevado a la fachada. La fachada reproduce la estratificación del paisaje mediante la estratificación de sus propios hormigones. Capas de diferentes hormigones, realizados con piedras diferentes de la región, se van acumulando de forma sinuosa sobre la pared del volumen edificado. Los muros ofrecen una especie de estampado, de acuarela paisajística del entorno, generando una integración armónica en el paisaje y también histórica, ya que la piedra es la materia típica de la zona, lo que ofrece una especie de continuidad de la memoria del lugar.

Detalle de fachada

Otro proyecto que parte de premisas similares es el realizado por el artista plástico Walter Jack, para la construcción de un muro de contención en la región de Cornwall.

La obra se sitúa en Heartlands, una promoción inmobiliaria destinada a promover la transformación del suelo de unas antiguas minas de estaño, en una nueva área urbana, que incluirá equipamientos culturales, comerciales, residenciales y turísticos.

Walter Jack, muro de contención en la región de Cornwall

El muro quiere expresar la presión geológica que la minería tuvo en la tierra durante el apogeo de la minería de estaño en Cornualles, cuando los mineros estaban golpeando el corazón de la región a más de un kilómetro de profundidad. Un recuerdo histórico aún visible en muchos edificios y fábricas de la región y que Walter Jack, toma como metáfora inicial de su trabajo. ¿Como contener un terreno que ha sido licuado por el hombre para extraer sus minerales?

Mediante una técnica de moldeo realizada con cauchos se crea un efecto fluido y sensual sobre la masa de hormigón. Walter y su equipo crearon un gigante molde de caucho en el que el hormigón debe penetrar por todos los resquicios, por lo que hubo que utilizar hormigones extremadamente fluidos, tremendamente líquidos. Una vez terminado, el llenado del molde, la pieza final se cortó en seis secciones que fueron transportadas a la obra. Una vez allí, especialistas en montaje de estructuras prefabricadas recompusieron la pieza inicial para generar esa visión inusual, la de una piedra convertida en líquido, o en una tela arrugada por el viento.

La expresividad de las telas de las esculturas barrocas de Bernini, esa fluidez textil tallada en el mármol por el artista romano, es alcanzada ahora por el mantenimiento de la memoria líquida del material.  Si el hormigón al fin y al cabo es una masa que permite construir de forma artificial una roca, algo de su memoria, de su origen o de su composición química debe quedar latente en su expresividad. El hormigón ahora se ve liberado de la geometría de sus moldes y puede expresar su latir interno, el de la fluidez que lo creó.

íñigo garcía odiaga . arquitecto
san sebastián. marzo 2012

Publicado en ZAZPIKA 25.03.2012

Premio IE Arquitectura+Premio IE Arquitectura+IE Arquitectura+ Award

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IE School of Architecture and Design convoca el primer PREMIO IE ARQUITECTURA+ (España 2010-14) para jóvenes arquitectos, en busca de los mejores jóvenes talentos de la arquitectura de España, para invitarlos a formar parte de la próxima edición del programa de IE Master in Work Space Design ó el IE Master in Architectural Management and Design cuyo inicio tendrá lugar en febrero de 2015.

Podrán optar al PREMIO IE ARQUITECTURA+ todos los jóvenes arquitectos que hayan presentado su Proyectos Fin de Carrera (PFC) en cualquier Escuela Superior de Arquitectura de España entre 2010 y 2014 y que hayan obtenido una calificación de 7/10 o superior. Los autores de los proyectos ganadores serán admitidos en el programa de IE Master in Work Space Design ó IE Master in Architectural Management and Design para el año académico 2015-16 y obtendrán una beca en las matrículas.

IE School of Architecture and Design

IE School of Architecture and Design redefine las fronteras de la formación tradicional en el campo de la arquitectura. Con un marcado espíritu emprendedor y en un entorno internacional, nuestra escuela une dos mundos que tradicionalmente han estado separados, el académico y el profesional.

IE da la bienvenida a todos aquellos jóvenes arquitectos que deseen afrontar nuevos retos y aspiren a convertirse en líderes del dinámico mundo de la arquitectura y el diseño.

IE Master in Architectural Management

El IE Master in Architectural Management and Design es un programa orientado a cerrar la brecha existente entre el diseño avanzado y el mundo empresarial en el campo de la arquitectura. Gracias a la combinación única de formación en gestión y diseño avanzado, el IE Master in Architectural Management and Design aporta un conocimiento más a fondo de la relación entre la gestión empresarial y el diseño arquitectónico.

El curso no se centra solamente en la empresa, puesto que ha sido específicamente diseñado y desarrollado para profesionales con conocimientos de principios arquitectónicos teóricos y prácticos que desean aprender y aplicar la lógica empresarial en este campo. Al final del curso, los alumnos habrán adquirido todos los conocimientos empresariales y de gestión necesarios para actividades profesionales relacionadas con el diseño.

IE Master in Work Space Design

El IE Master in Work Space Design es un programa innovador que aborda las implicaciones del cambio en los espacios de trabajo contemporáneos. El programa está diseñado para proporcionar a los estudiantes las habilidades y conocimientos necesarios para entablar relaciones positivas entre el diseño del espacio, el mundo de la empresa y el individuo. Mediante un análisis detallado de las complejidades del espacio el programa busca proporcionar una visión innovadora que integra la cultura empresarial y el diseño, su relación con el branding, la eficiencia y la responsabilidad social.

El perfil innovador y pionero de este máster reside en la combinación de la experiencia empresarial de IE junto con la capacidad investigadora del Centro de Diseño Helen Hamlyn del Royal College of Art de Londres.

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IE School of Architecture and Design convoca o primeiro PREMIO IE ARQUITECTURA+ (España 2010-14) para novos arquitectos, en busca dos mellores novos talentos da arquitectura de España, para invitalos a formar parte da próxima edición do programa de IE Master in Work Space Design ou o IE Máster in Architectural Management and Design cuxo inicio terá lugar en febreiro de 2015.

Poderán optar ao PREMIO IE ARQUITECTURA+ todos os novos arquitectos que presentasen o seu Proxectos Fin de Carreira (PFC) en calquera Escola Superior de Arquitectura de España entre 2010 e 2014 e que obtivesen unha cualificación de 7/10 ou superior. Os autores dos proxectos gañadores serán admitidos no programa de IE Master in Work Space Design ou IE Máster in Architectural Management and Design para o ano académico 2015-16 e obterán unha bolsa nas matrículas.

IE School of Architecture and Design

IE School of Architecture and Design redefine as fronteiras da formación tradicional no campo da arquitectura. Cun marcado espírito emprendedor e nun ámbito internacional, a nosa escola une dous mundos que tradicionalmente estiveron separados, o académico e o profesional.

IE dá a benvida a todos aqueles novos arquitectos que desexen afrontar novos retos e aspiren a converterse en líderes do dinámico mundo da arquitectura e o deseño.

IE Master in Architectural Management

O IE Máster in Architectural Management and Design é un programa orientado a pechar a brecha existente entre o deseño avanzado e o mundo empresarial no campo da arquitectura. Grazas á combinación única de formación en xestión e deseño avanzado, o IE Máster in Architectural Management and Design achega un coñecemento máis a fondo da relación entre a xestión empresarial e o deseño arquitectónico.

O curso non se centra soamente na empresa, posto que foi especificamente deseñado e desenvolvido para profesionais con coñecementos de principios arquitectónicos teóricos e prácticos que desexan aprender e aplicar a lóxica empresarial neste campo. Ao final do curso, os alumnos terán adquirido todos os coñecementos empresariais e de xestión necesarios para actividades profesionais relacionadas co deseño.

IE Master in Work Space Design

O IE Máster in Work Space Design é un programa innovador que aborda as implicacións do cambio nos espazos de traballo contemporáneos. O programa está deseñado para proporcionar aos estudantes as habilidades e coñecementos necesarios para entaboar relacións positivas entre o deseño do espazo, o mundo da empresa e o individuo. Mediante unha análise detallada das complexidades do espazo o programa busca proporcionar unha visión innovadora que integra a cultura empresarial e o deseño, a súa relación co branding, a eficiencia e a responsabilidade social.

O perfil innovador e pioneiro deste máster reside na combinación da experiencia empresarial de IE xunto coa capacidade investigadora do Centro de Deseño Helen Hamlyn del Royal College of Art de Londres.

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IE School of Architecture and Design announces its first IE ARQUITECTURA+ PRIZE (Spain 2010-14) for young architects, seeking to attract top architecture talents in Spain and invite them to take part in the IE Master in Work Space Design or the IE Master in Architectural Management and Design starting next February 2015.

All young architects who have submitted their Final Degree Project in any School of Architecture of Spain between 2010 and 2014 and obtained a grade of 7/10 or higher are elegible to win the  IE ARQUITECTURA+ PRIZE. The winning entries will be awarded admittance to IE Master in Work Space Design  or IE Master in Architectural Management and Design for the 2015-2016 academic year and a scholarships towards the program tuition fees.

IE School of Architecture and Design

IE School of Architecture & Design places emphasis on excellence in design, innovation, and entrepreneurship. IE students are encouraged to take a creative approach to architecture, learn the latest digital skills in a contemporary context, and develop talents to become leaders in a changing field. IE School of Architecture & Design is part of a broader university, which supports learning across disciplines, especially the humanities and business.

IE School of Architecture & Design is one of the leading architecture schools in Europe. Through its unique combination of design, innovation and management, IE School of Architecture & Design expands the boundaries of traditional architectural education.

IE welcomes students who seek challenges and aspire to become leaders in the dynamic world of architecture and design.

IE Master in Architectural Management

The Master in Architectural Management and Design is a 13 month program aimed to bridge the gap that exists between advanced design and the business in the architectural field.

The Master combines management with advanced design studies. Participants will explore the relationship between architecture and management with top business professors and leading design professionals.

IE Master in Work Space Design

The Master in Work Space Design is an innovative post-professional program that addresses the implications of change in our contemporary work place.

The Master combines the study of design strategies with the organizational culture of business. Students in the program will gain the skills and knowledge needed to establish positive relationships between work space design, individual needs, technology, and business.

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La Pesadilla de la Participación O Pesadelo da Participación The Nightmare of the Participation

En línea con el estado de la profesión en los tiempos que corren, este libro cierra la trilogía sobre “Participación”, con la que Miessen reclama la figura del “outsider desinteresado” alguien no sujeto a los protocolos existentes y que se anima a lanzar propuestas solamente armado de su inteligencia creativa y la voluntad de generar un cambio en su entorno. Miessen propone una forma urgente de participación que traspase el consenso político interesado e inefectivo. Un agente de conflictos constructivos, que refresque los campos del conocimiento con una nueva mirada… A veces, «la democracia» tiene que ser evitada a toda costa.

En liña co estado da profesión nos tempos que corren, este libro pecha a triloxía sobre «Participación», coa que Miessen reclama a figura do «outsider desinteresado» alguén non suxeito aos protocolos existentes e que se anima a lanzar propostas soamente armado da súa intelixencia creativa e a vontade de xerar un cambio no seu ámbito. Miessen propón unha forma urxente de participación que traspase o consenso político interesado e inefectivo. Un axente de conflitos construtivos, que refresque os campos do coñecemento cunha nova mirada… Ás veces, «a democracia» ten que ser evitada custe o que custe.

On line with the condition of the profession in the times that run, this book closes the trilogy on «Participation», with which Miessen claims the figure of » outsider lost interest » someone I do not hold to the existing protocols and that encourages to throw offers only armed with his creative intelligence and the will to generate a change in his environment. Miessen proposes an urgent form of participation that penetrates the political interested and ineffective consensus. An agent of constructive conflicts, who refreshes the fields of the knowledge with a new look… Sometimes, » the democracy » has to be avoided at any expense.

Oficinas Martínez Otero | RVR ArquitectosOficinas Martínez Otero | RVR ArquitectosMartínez Otero Offices | RVR Arquitectos

El trabajo consistió en la remodelación del edificio de oficinas de la empresa de mobiliario Martínez Otero. Fue una labor realizada en fases sucesivas aparentemente inconexas unas de otras que ha terminado con la renovación casi total de los espacios de administración de la empresa: vestuarios para los trabajadores, zonas de descanso, oficinas comerciales y técnicas y áreas de exposición, así como la ordenación de los espacios exteriores de ingreso y aparcamiento.

Nuestro mayor empeño es que lo emprendido de forma unívoca en cada una de las fases pudiera servir como aprendizaje y solución para las siguientes fases aún no planteadas.

Así el trabajo empezó por realizar un nuevo cierre de la parcela, realizado con pies derechos de pizarra que sirvió de referencia para realizar posteriormente la nueva fachada del edificio existente; la renovación de un taller de metalistería para convertirlo en una nueva área de vestuarios y oficinas de logística, sirvió como experiencia para la renovación de las carpinterías exteriores del antiguo edificio.

De esta manera fragmentaria y atenta se fue realizando todo el trabajo hasta conseguir la coherencia que creemos al final tiene.

Obra: Oficinas Martínez Otero
Emplazamiento: A Estrada. Pontevedra. Galicia. España
Autor: RVR Arquitectos (Alberto Redondo+José Valladares+Marcial Rodríguez)
Año: Proyecto: 2005. Construcción: 2006
Memoria:  RVR Arquitectos
Fotografías: RVR Arquitectos – Héctor Santos-Díez | BISimages
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The work consisted of the remodeling of the office block of the company of furniture Martínez Otero. It was a labor realized in successive seemingly unconnected phases some of others that it has finished with the almost total renovation of the spaces of administration of the company: wardrobes for the workers, zones of rest, commercial and technical offices and areas of exhibition, as well as the arrangement of the exterior spaces of revenue and parking.

Our major determination is that the undertaken of univocal form in each of the phases could serve as learning and solution for the following still not raised phases.

This way the work began for realizing a new closing of the plot, realized with right feet of slate that used as reference to realize later the new front of the existing building; the renovation of a workshop of metalwork to turn it into a new area of wardrobes and offices of logistics, served as experience for the renovation of the exterior carpentries of the former building.

Hereby fragmentary and attentive all the work was realized up to obtaining the coherence that we believe ultimately it has.

Work: Martínez Otero Offices

Location: A Estrada. Pontevedra. Galicia. Spain

Authors: RVR Arquitectos (Alberto Redondo+José Valladares+Marcial Rodríguez)

Year: Project: 2005. Construction: 2006

Report: RVR Arquitectos

Photography: RVR Arquitectos – Héctor Santos-Díez | BISimages

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O traballo consistiu na remodelación do edificio de oficinas da empresa de mobiliario Martínez Otero. Foi un labor realizado en fases sucesivas aparentemente inconexas unhas doutras que rematou coa renovación case total dos espazos de administración da empresa: vestiarios para os traballadores, zonas de descanso, oficinas comerciais e técnicas e áreas de exposición, así como a ordenación dos espazos exteriores de ingreso e aparcadoiro.

O noso maior empeño é que o emprendido de forma unívoca en cada unha das fases puidese servir como aprendizaxe e solución para as seguintes fases aínda non formuladas.

Así o traballo empezou por realizar un novo peche da parcela, realizado con pés dereitos de lousa que serviu de referencia para realizar posteriormente a nova fachada do edificio existente; a renovación dun taller de metalistería para convertelo nunha nova área de vestiarios e oficinas de loxística, serviu como experiencia para a renovación das carpintarías exteriores do antigo edificio.

Deste xeito fragmentario e atento foise realizando todo o traballo ata conseguir a coherencia que creemos ao final ten.

Obra: Oficinas Martínez Otero

Emprazamento: A Estrada. Pontevedra. Galicia. España

Autor: RVR Arquitectos (Alberto Redondo+José Valladares+Marcial Rodríguez)

Ano: Proxecto: 2005. Construcción: 2006

Memoria: RVR Arquitectos

Fotografías: RVR Arquitectos – Héctor Santos-Díez | BISimages

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Ciudad EsperanzaCidade EsperanzaHope Town

Construya una ciudad, construya la esperanza de cientos de personas

¿Puedes imaginarte diciendo que podrías ayudar a mejorar el modo de vivir de la gente más pobre en el mundo entero? Habitualmente más de 1,000 millones de personas viven en un estado de pobreza extrema. Ciudad Esperanza apunta para ser un proyecto piloto para construir la vivienda a precios asequibles en la República Dominicana y en el mundo entero.

Somos un equipo que se ha unido con el mismo objetivo en común, queremos contribuir nuestro bit para hacer un cambio significativo de las vidas de personas que viven en la pobreza extrema. Hemos contribuido antes en nuestra comunidad local, pero la primera vez que hemos tomado el desafío para cometer a algo que cambiará las vidas de muchas personas, y aún nuestro propio.

Ciudad Esperanza ayudará a la gente de una comunidad con recursos de barrio bajo, proporcionando una azotea donde vivir, una escuela, cuidando el área, talleres, empleos y ocio para un relativamente precio bajo.

La idea es la comunidad puede ampliarse y desarrollar por sí mismo, enormemente creciente la calidad de vida de sus inquilinos. Esta ciudad será un cambio significativo para comunidades en la pobreza extrema como esto aumentará su desarrollo como una comunidad; promueva la educación de niños y dará empleos a los padres, como estos tendrán la oportunidad de aprender un comercio y asegurar sus familias.

Esto es un proyecto piloto planificó a República Dominicana, pero la idea es de ampliar esto alrededor de todo mundo, con el tiempo, debido al precio bajo y la resistencia significativa construida.

http://youtu.be/3ZVnOJzRatY
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Constrúa unha cidade, constrúa a esperanza de centos de persoas

¿Podes imaxinarte deciendo que poderías axudar a mellorar o modo de vivir da xente máis pobre no mundo enteiro? Habitualmente máis de 1,000 millóns de persoas viven nun estado de pobreza extrema. Cidade Esperanza apunta para ser un proxecto piloto para construír a vivenda a prezos alcanzables na República Dominicana e no mundo enteiro.

Somos un equipo que se uniu co mesmo obxectivo en común, queremos contribuír o noso bit para facer un cambio significativo das vidas de persoas que viven na pobreza extrema. Contribuímos antes na nosa comunidade local, pero a primeira vez que tomamos o desafío para cometer a algo que cambiará as vidas de moitas persoas, e aínda noso propio.

Cidade Esperanza axudará á xente dunha comunidade con recursos de barrio baixo, proporcionando unha azotea onde vivir, unha escola, coidando a área, talleres, empregos e ocio para un relativamente prezo baixo.

A idea é a comunidade pode ampliarse e desenvolver por si mesmo, enormemente crecente a calidade de vida dos seus inquilinos. Esta cidade será un cambio significativo para comunidades na pobreza extrema como isto aumentará o seu desenvolvemento como unha comunidade; promova a educación de nenos e dará empregos aos pais, como estes terán a oportunidade de aprender un comercio e asegurar as súas familias.

Isto é un proxecto piloto planificou a República Dominicana, pero a idea é de ampliar isto arredor de todo mundo, co tempo, debido ao prezo baixo e a resistencia significativa construída.

http://youtu.be/3ZVnOJzRatY

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Build a city, build hope of hundreds of people

Can you imagine saying that you could help to improve the lifestyle of the poorest people around the world? Currently more than 1,000 million people live in a state of extreme poverty. Ciudad Esperanza aims to be a pilot project to build extremely affordable housing in Dominican Republic and around the world.

We are a team that has joined with same goal in common, we want to contribute our bit to make a significant change in the lives of people living in extreme poverty. We have contributed before in our local community, but the first time we have taken the challenge to commit to something that will change the lives of many people, and even our own.

Ciudad Esperanza will help the people of a community with slum resources, providing a roof where to live, a school, nursing area, workshops, jobs and leisure for a relatively low cost.

The idea is the community can expand and develop by itself, greatly increasing the quality of life of its occupants. This city will be a significant change for communities in extreme poverty as it will boost its development as a community; promote education of children and will give jobs to the parents, as these will have the opportunity to learn a trade and to provide for their families.

This is a pilot project planned to Dominican Republic, but the idea is to expand this around the all world, over time, because of the low cost and the significant resistance built.

http://youtu.be/3ZVnOJzRatY

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La vajilla FerrádicaA vaixela FerrádicaThe china Ferrádica

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La vajilla Ferrádica es el resultado de un proyecto de investigación sobre soportes de degustación para alta gastronomía. El proyecto es un encargo de Sargadelos, con la coordinación de Xènia Viladàs.

http://vimeo.com/cenlitros/ferradica

A vaixela Ferrádica é o resultado dun proxecto de investigación sobre soportes de degustación para alta gastronomía. O proxecto foi encargado por Sargadelos e coordinado por Xènia Viladàs.

The china Ferradica is the result of a project of investigation on supports of degustation for high gastronomy. The project is Sargadelos’s order, with Xènia Viladàs’s coordination.

La imagen corpórea. Imaginación e imaginario en la arquitecturaA imaxe corpórea. Imaxinación e imaxinario na arquitecturaThe corporeal image. Imagination and imaginary in the architecture

La ilimitada producción y mercantilización de las imágenes en la cultura contemporánea ha relegado el concepto de ‘imagen’ a una forma superficial, estilizada y efímera de representación artística y de comunicación visual. Sin embargo, las imágenes constituyen un vehículo esencial para la percepción, el pensamiento, el lenguaje y la memoria y, en el conjunto del imaginario que configura nuestras mentes, las imágenes poéticas y corpóreas se erigen como categorías fundamentales, puesto que son la raíz de toda expresión artística. En el ámbito de la arquitectura, las experiencias espaciales duraderas consisten precisamente en imágenes vividas y corpóreas que se han convertido en parte inseparable de nuestras vidas.

Este libro ahonda en la naturaleza de la imagen. Tras revisar su controvertido papel en la cultura contemporánea y la mínima atención que le ha brindado la tradición logocéntrica filosófica occidental, Juhani Pallasmaa nos muestra la gran complejidad del universo de la imagen, donde entran en juego elementos como el tiempo, el espacio, el cuerpo o la metáfora, y nos brinda, a través de estas páginas, un delicioso alegato a favor de una revisión crítica de la imagen.

Juhani Pallasmaa (Hämeenlinna, Finlandia, 1936) es arquitecto y trabaja en Helsinki. Fue profesor de arquitectura en la Universidad de Tecnología de Helsinki, director del Museo de Arquitectura de Finlandia y profesor invitado en diversas escuelas de arquitectura de todo el mundo. Autor de numerosos artículos sobre filosofía, psicología y teoría de la arquitectura y del arte, su obra Los ojos de la piel. La arquitectura y los sentidos (Editorial Gustavo Gili, Barcelona, 2006) se ha convertido en un clásico de la teoría de la arquitectura y es de lectura obligatoria en diferentes escuelas de arquitectura de todo el mundo. Pallasmaa es también autor de The Architecture of Image: Existential Space in Cinema (2001), Encounters. Architectural Essays (2005) y La mano que piensa (Editorial Gustavo Gili, Barcelona, 2012).

A ilimitada produción e mercantilización das imaxes na cultura contemporánea relegou o concepto de ‘imaxe’ a unha forma superficial, estilizada e efémera de representación artística e de comunicación visual. Non obstante, as imaxes constitúen un vehículo esencial para a percepción, o pensamento, a linguaxe e a memoria e, no conxunto do imaxinario que configura as nosas mentes, as imaxes poéticas e corpóreas eríxense como categorías fundamentais, posto que son a raíz de toda expresión artística. No ámbito da arquitectura, as experiencias espaciais duradeiras consisten precisamente en imaxes vividas e corpóreas que se converteron en parte inseparable das nosas vidas.

Este libro afonda na natureza da imaxe. Tras revisar o seu controvertido papel na cultura contemporánea e a mínima atención que lle brindou a tradición logocéntrica filosófica occidental, Juhani Pallasmaa móstranos a gran complexidade do universo da imaxe, onde entran en xogo elementos como o tempo, o espazo, o corpo ou a metáfora, e nos brinda, a través destas páxinas, unha deliciosa alegación a favor dunha revisión crítica da imaxe.

Juhani Pallasmaa (Hämeenlinna, Finlandia, 1936) é arquitecto e traballa en Helsinki. Foi profesor de arquitectura na Universidade de Tecnoloxía de Helsinki, director do Museo de Arquitectura de Finlandia e profesor invitado en diversas escolas de arquitectura de todo o mundo. Autor de numerosos artigos sobre filosofía, psicoloxía e teoría da arquitectura e da arte, a súa obra Os ollos da pel. A arquitectura e os sentidos (Editorial Gustavo Gili, Barcelona, 2006) converteuse nun clásico da teoría da arquitectura e é de lectura obrigatoria en diferentes escolas de arquitectura de todo o mundo. Pallasmaa é tamén autor de The Architecture of Image: Existential Space in Cinema (2001), Encounters. Architectural Essays (2005) e A man que pensa (Editorial Gustavo Gili, Barcelona, 2012).


The unlimited production and mercantilización of the images in the contemporary culture it has relegated the concept of ‘image’ to a superficial form, estilizada and ephemeral of artistic representation and of visual communication. Nevertheless, the images constitute an essential vehicle for the perception, the thought, the language and the memory and, in the set of the imaginary one that forms our minds, the poetical and corporeal images are raised as fundamental categories, since they are the root of any artistic expression. In the area of the architecture, the spatial lasting experiences consist precisely of vivid images and corporeal that have turned partly inseparably of our lives.

This book goes deeply into the nature of the image. After checking his controversial paper in the contemporary culture and the minimal attention that has offered to him the tradition logocéntrica philosophical western, Juhani Pallasmaa shows us the great complexity of the universe of the image, where they enter game elements as the time, the space, the body or the metaphor, and offers to us, across these pages, a delicious allegation in favour of a critical review of the image.

Juhani Pallasmaa (Hämeenlinna, Finland, 1936) is an architect and is employed at Helsinki. He was a teacher of architecture in the University of Technology of Helsinki, the director of the Museum of Architecture of Finland and teacher invited in diverse schools of architecture of the whole world. Author of numerous articles about philosophy, psychology and theory of the architecture and of the art, his work The eyes of the skin. The architecture and the senses (Publishing Gustavo Gili, Barcelona, 2006) has turned into the classic one of the theory of the architecture and is of obligatory reading in different schools of architecture of the whole world. Pallasmaa is also an author of The Architecture of Image: Existential Space in Cinema (2001), Encounters. Architectural Essays (2005) and The hand that he thinks (Publishing Gustavo Gili, Barcelona, 2012).


El desastre de la City londinense. O, ponga su verdadera cara a los negocios financieros | Antón Capitel

El desastre de la City londinense. O, ponga su verdadera cara a los negocios financieros | Antón Capitel
Londres desde el aire | Kathleen Conklin | Flickr

La característica principal de la ciudad de Londres ha sido la de no tener planificación urbana. O, al menos, la de no tener «trazado», geométrico o compositivo. Esta idea se convirtió en una verdadera invariante, casi una manía, y llegó hasta el extremo de que, después del pavoroso «Great Fire» de 1666, que destruyó la ciudad prácticamente por completo, el Parlamento no aprobó el nuevo trazado propuesto por el arquitecto Christopher Wren, elegido por el rey entre otras dos posibilidades, la de Evelyn y la de Hooke. Los propietarios no querían someterse a las incomodidades que suponía una reparcelación, y defendían el trazado antiguo para que cada cual pudiera construir a su albedrío sobre los mismos terrenos.

Así, las cosas, la City (como se llamó a la ciudad que propiamente era London, y no Westminster, que era el lugar del rey, ente otros muchos lugares diversos que hoy configuran el «Great London») se reedificó sobre casi el mismo plano medieval que tenía. Allí se hicieron casas de piedra, en vez de en madera, para conjurar la posibilidad de otro incendio, y allí se construyeron de nuevo las muy numerosas iglesias, que proyectó Wren, así como la gran catedral de St. Paul, proyecto también suyo, como es bien sabido, y cuya fortuna formal y gran tamaño logran imponerse al entorno y caracterizar el lugar.

No reformar el plano medieval fue, sencillamente, un disparate. Al principio no importaba mucho, por el tipo de caserío, aunque ya las iglesias de Wren acusaban bastante las consecuencias de las irregularidades del plano. No obstante, con las esbeltas y atractivas flechas de sus torres, los templos lograban imponer un cierto orden urbano, al menos desde el aspecto visual, tal y como comprobamos en algunos cuadros y grabados de los siglos XVIII y XIX. Edificios como el Banco de Inglaterra, de John Soane, muestran bien la enorme irregularidad del lugar, vencida por medio de la habilidad de los proyectistas.

Pero en la época victoriana y, sobre todo, en el primer tercio del siglo XX, la City fue sometida a un proceso de transformación prácticamente absoluto, en el que sólo quedaron las iglesias y la catedral como testimonios del pasado. Hubiera sido lógico que se aprovechara para darle al importante sector financiero un nuevo trazado, pero tanto la tradición como la pereza, y un sentido tan práctico como equivocado (pues es cierto que construir sobre lo ya existente era más inmediato y más fácil), se impusieron por completo. El plano de la ciudad siguió prácticamente igual y los edificios se renovaron y crecieron en volumen. La habilidad de los proyectistas eclécticos y clasicistas fue puesta a prueba, y salió vencedora, al tener que aceptar las tortuosas, irregulares y curvas alineaciones, y hasta puede decirse que todas estas cosas aumentaron el pintoresquismo y el interés visual de las arquitecturas, mayormente clásicas, que participaron en la operación. Un pintoresquismo clásico, de encuentros difíciles, ángulos agudos y obtusos, quiebros y curvaturas, pareció aumentar el interés de la «sinfonía» urbana interpretada por los edificios de las grandes firmas.

El «paisaje» creado es, en realidad, bastante abusivo, lo que no quiere decir que esté exento de interés. Tal vez lo más valioso sean edificios como los de Lutyens, aunque no hay muchos, o algunas contribuciones de arquitectura moderna, como la de Owen Williams. El otro extremo es el de la pretenciosa y desastrosa operación de Herbert Baker, el amigo de Lutyens y su colega en New Delhi, con la ampliación del Banco de Inglaterra y el consiguiente destrozo de la obra de Soane. Este disparate puede servir de emblema de la gran operación, como lo puden ser tambien la situación en la que quedaron las iglesias de Wren, de las que apenas se ven ya las flechas, y que están ahora escondidas entre la masa de los pétreos gigantes financieros.

Pero a finales del siglo XX y principios del XXI, en la City se ha emprendido otra operación especulativa y, naturalmente, sin cambiar el viejo trazado. Ya no son tiempos, en realidad, ni hay muchas posibilidades. Ahora en la City se han respetado casi todos los viejos artefactos clasicistas de la última operación, pero se las han arreglado para encontrar sustituciones y construir arquitectura ¿moderna?, generalmente de acero y cristal. La conservación de las viejas alineaciones combinada con los volúmenes excesivos y con una arquitectura comercial infame ha creado así uno de los lugares más feos del mundo, a la altura del contenido altamente inmoral que encierra.

Los viejos edificios clasicistas se defendían mejor. Para empezar eran de piedra, y conservaban ideas de arquitectura tanto de cierta eficacia como de un notable y arquitectónico candor. No es que fueran mejores, pero sus recursos eran más eficaces. Los edificios ¿modernos? de ahora son detestables (opnotius) y es difícil decidir si son peores los que todavía, con más picardía que ingenuidad, intentan algo parecido a las preexistencias ambientales italianas, o los que, sin más, se lanzan a exhibir ridículas y abstractas aventuras formales.

Lo cierto es que la City se ha convertido en un infierno, arquitectónicamente hablando. It´s a place absolutly obnoxious. Y tiendo a creer que la culpa principal corresponde a aquellos propietarios del siglo XVII que se negaron a reformar el plano de la ciudad en favor de sus intereses económicos más inmediatos. Creo que Rasmussen se equivoca de medio a medio cuando elogia esta conservación en su conocido libro «London, the unique city».

Y lo malo es que todo ello le da la razón al Príncipe Carlos y a sus campañas reaccionarias en favor de una arquitectura ¿clásica?, que ya no existe ni puede existir, y que acaba teniendo como ideal las aldeas historicistas de Disney World. Charles II, el rey de la restauración y del incendio de 1666, tenía demasiado cerca que a Carlos I, por oponerse al Parlamento, le habían cortado la cabeza. Por eso no se atrevió, quizá, a insistir sobre la reforma de la City. Al Prince Charles actual no le van a cortar la cabeza, porque ni siquiera va a llegar al trono. A Dios gracias (en nombre de los británicos).

Antonio González-Capitel Martínez · Doctor arquitecto · catedrático en ETSAM
Madrid · febrero 2011

Patkau Architects en Ciclo Foros ESARQ-UICPatkau Architects en Ciclo Foros ESARQ-UICPatkau Architects in Ciclo Foros ESARQ-UIC

El lunes 5 de mayo nos visita el despacho canadiense Patkau en la última conferencia del ciclo «Transformations» Foros ESARQ 2014. Os esperamos a las 19:30h en el aula magna.

El estudio Patkau Architects fue fundado en 1978 en Canadá por John y su mujer Patricia. A lo largo de su carrera Patkau ha sido galardonado con diferentes premios como el Royal Architectural Institute of Canada Gold Medal, y es Miembro de Honor del American Institute of Architects (AIA) y del Royal Institute of Bristish Architects (RIBA). Entre sus últimos proyectos destacan el Varsity Centre for High Performance Sport (Universidad de Toronto) o la School of Art Building (Universidad de Manitoba), entre otros.

O luns 5 de maio visítanos o despacho canadense Patkau na última conferencia do ciclo «Transformations» Foros ESARQ 2014. Esperámosvos as 19:30h na aula magna.

O estudo Patkau Architects foi fundado en 1978 en Canadá por John e a súa muller Patricia. Ao longo da súa carreira Patkau foi galardoado con diferentes premios como o Royal Architectural Institute of Canada Gold Medal, e é Membro de Honra do American Institute of Architects (AIA) e do Royal Institute of Bristish Architects (RIBA). Entre os seus últimos proxectos destacan o Varsity Centre for High Performance Sport (Universidade de Toronto) ou a School of Art Building (Universidade de Manitoba), entre outros.

On Monday, the 5th of May there visits the Canadian office Patkau in the last conference of the cycle «Transformations» His Forums ESARQ 2014. We wait for you to them 19:30h in the assembly hall.

The study Patkau Architects was founded in 1978 in Canada by John and his wife Patricia. Along his career Patkau he has been an awardwinner with different prizes as the Royal Architectural Institute of Canada Gold Medal, and is A Member of Honor del American Institute of Architects (AIA) and of the Royal Institute of Bristish Architects (RIBA). Between his last projects the Varsity Centre emphasizes for High Performance Sport (University of Toronto) or the School of Art Building (University of Manitoba), between others.

Las arquitectas pioneras: la presencia de la ausencia (VIII) | Cristina García-Rosales

Las arquitectas pioneras: la presencia de la ausencia (VII) | Cristina García-Rosales

Lina Bo Bardi  | Fotografía:  Ioana Marinescu, Instituto Lina Bo e P.M. Bardi
Lina Bo Bardi  | Fotografía:  Ioana Marinescu, Instituto Lina Bo e P.M. Bardi

Ahora quisiera tener un breve recuerdo para la arquitecta italo-brasileña Lina Bo Bardi.

Bien puede decirse que, junto con Eileen Gray, conformó el lado femenino de la modernidad.

Lina nació en Roma en 1914 y murió en Sao Paulo en 1992. Estudió la carrera de arquitectura en Italia, licenciándose en 1939. Trabajó con Gio Ponti, fundador de la revista Domus en Milán, ciudad que abandonó en 1943 y de la que escapó milagrosamente de la muerte tras destruir su estudio un bombardeo aliado.

A mediados de la década de los años cuarenta se traslada a vivir a Brasil, donde se convertirá en una de las figuras más representativas de la cultura brasileña del siglo XX.

Era una artista completa, poseedora de una gran capacidad creativa que la llevó a trabajar en las más diversas actividades. Así colaboró en películas, decorados para la ópera y teatro, escritura y periodismo, pintura, diseño de mobiliario, moda, joyería y arquitectura, una arquitectura cargada de una peculiar sensibilidad humana, opuesta al espíritu maquinista que poseía el movimiento moderno. Estaba dotada de una genialidad que pasó desapercibida en su tiempo.

Lina además supo comprender la esencia de la tierra donde vivió durante muchos años: Brasil. Representando el espíritu mediterráneo ligado al trópico, para crear, a través del entendimiento del entorno, una arquitectura marcada por un equilibrio poético, situado entre la parte natural del ser humano y la parte humana de la naturaleza.

Casa de cristal
Casa de cristal

En 1951 proyectó y construyó en Sao Paulo una residencia para ella y su marido,  “la casa de cristal”, una de sus obras mas conocidas. Fue proyectada con tres grandes frentes de vidrio para aprovechar al máximo las increíbles vistas del paisaje que se despliegan a través del bosque, y disfrutar de vivir en contacto con la naturaleza, de los amaneceres y puestas de sol. Para acentuar la relación con el paisaje exterior intentó minimizar la carpintería del vidrio y los travesaños horizontales de las ventanas, que se elevan por encima de la línea de la mirada para no entorpecer esta relación.

Tal como Margarete Schütte-Lihotzky, trabajó con gran interés para las capas sociales más desfavorecidas, proyectando viviendas y hospitales e introduciendo sus conceptos antropológicos en su forma de hacer arquitectura.

El Museo de Arte de Sao Paulo, construido entre 1957 y 1968 es, seguramente, su obra más significativa y  la que la ha llevado a ser considerada como uno de los arquitectos más importantes de Brasil. En este edificio, calificado por algunos como “la arquitectura de la libertad”, rompe con los modelos de museos propuestos por los maestros del movimiento moderno, pero su modernidad y originalidad es innegable. Se trata de un prisma acristalado sujeto con dos enormes vigas rojas, de tal manera que su interior es totalmente diáfano.

Otra de sus importantes obras es el Centro Cultural SESC de Pompéia en el que desarrolla una intensa expresión plástica a través del cuidado y variado uso del hormigón. Ubicado en la ciudad de Sao Paulo y construido en 1977, se emplaza sobre el terreno de una vieja fábrica de tambores, convirtiéndose en la sede de uno de los edificios comunales del Servicio Social de Comercio.

Centro Cultural SESC de Pompéia | Usuario de Flickr: Pedro Kok

Lina Bo Bardi se caracteriza por no tener influencias que se puedan identificar, por lo que su obra pasa a ser única, respuesta de sus innovadoras ideas.

Tras su muerte en 1992, la fundación que lleva su nombre realizó una importante exposición que ha viajado por 20 países de todo el mundo, y de cuya presentación extraemos la frase para poner final a este breve recuerdo:

«Su mirada, aguda y profunda, logró desechar lo superfluo y descartable y revelar la esencia de la vida cotidiana de los pueblos a través de sus objetos y su universo construido: la mirada como una herramienta que nos guía.»

Cristina García-Rosales. Arquitecta
Madrid. Mayo 2014

[:es]Las arquitectas pioneras: la presencia de la ausencia (IX) | Cristina García-Rosales[:gl]As arquitectas pioneiras: a presenza da ausencia (IX) | Cristina García-Rosales[:en]The pioneering arquitect women: the presence of the absence (IX) | Cristina García-Rosales[:]