Quinto acto de la actual edición de Intemción, acudirá la librería Formatos (La Coruña) el arquitecto Manuel Gallego Jorreto, para dar una conferencia que lleva por título «Conversaciones sobre arquitecturas». Esta conferencia, el igual que los demás actos, comenzará las 19.45h del próximo miércoles 21 de abril.
El vanguardismo arquitectónico practicado a principios del siglo veinte en la ciudad de Vigo da testimonio del dinamismo y receptividad de un urbe que empezaba en aquel momento a realizar su despegue industrial. De aquella, muchas empresas optaron por el cambio en los conceptos arquitéctónicos hasta entonces tradicionales de sus fábricas. El empleo de nuevos materiales en la construcción y la pureza en las formas, se fueron imponiendo gracias la gripe del vanguardismo arquitectónico europeo.
Así, la tradición de la arquitectura industrial en Vigo siguió la evolución –a las más de las veces con detalles propios-, del que iban siendo las discusiones desarrolladas en Europa alrededor del que si concebía como una nueva rama de la arquitectura: la industrial.
Discusión fundamentalmente articulada por el movimiento moderno, Vigo recogió la huella visible de las tesises de Walter Gropius y de la Bauhaus, tanto en edificios de viviendas como en arquitectura industrial. La particular estética de la ciudad, con sus grandes superficies fabriles sin ornamentación y el empleo constante del hormigón armado, no sólo guardan la personalidad propia que ha alcanzado Vigo, sino también parte de la memoria arquitectónica industrial colectiva.
El racionalismo –[incluido] dentro de la arquitectura moderna-, que durante más de cuarenta años fue la dominante europea y que creó escuela también en los Estados Unidos, tuvo su reflejo en Galicia en la ciudad más nueva y la que acogía a un mayor número de gente. Vigo, que precisó tanto del funcional, apenas verla hoy por la historia de esta arquitectura y es fácil encontrarse con impresionantes edificios en ruinas que tienen por destino la demolición. En concreto, el objeto de este documental es poner en valor dos de estos edificios. Una ciudad como la olívica, para la que la arquitectura industrial es uno de los más claros componentes de suya fisonomía, debería ser consciente de este patrimonio y desentrañar el valor histórico y artístico de sus edificios:
La Panificadora o Fábrica de Harinas es un ejemplo de arquitectura industrial único en Galicia. Ergueito su impresionante perfil en el centro de la ciudad, su aspecto mudará en breve porque sólo si respetarán –la esto [sí] obligación la ley- la chimenea y los silos. La fábrica de almacenamiento de Santa Clara, cronologicamente posterior, es el ejemplo de las tesises racionalistas que articularon en los años veinte la arquitectura industrial y que aún hoy no tuvieron parangón en ninguna otra corriente arquitectónica. El futuro inmediato de esta fábrica es, así mismo, la demolición.
Las opciones que si sugieren en el documental son pues la recuperación de estos edificios como parte del patrimonio histórico de Vigo, y la rehabilitación y restauración como reflejo de la madurez de su propia sociedad.
A las 20,00 h. del martes 20 de abril tendrá lugar en la sede del COAG (Plaza de la Quintana 3, Santiago de Compostela) el acto de entrega de premios y la inauguración de la exposición del XIII Premio COAG de Arquitectura. El Colegio Oficial de Arquitectos de Galicia (COAG) distingue hoy a los mejores trabajos llevados a cabo en Galicia en esta disciplina a lo largo del último bienio. Estos galardones llegan a su decimotercera edición con el objetivo de poner en valor la importante función social que desempeña la arquitectura, además de divulgar el sentido ético y el compromiso de este oficio con la sociedad.
En total, cinco obras obtuvieron el máximo galardón, nueve recibieron accésits, y dos, menciones especiales, lo que suma un total de 15 obras premiadas en toda Galicia. El primer premio en la categoría de edificios de nueva planta es compartido por dos obras. Una de ellas es la Casa do Alemán de Camelle, en Camariñas, un centro sociocultural y juvenil dedicado al desaparecido Man y que,
«como el, el edificio quiere ser algo aparentemente ajeno al lugar y al mismo tiempo catalizador de la vida en su contorno»,
según los promotores de estos premios. El centro está en un edificio que pretende ser
«un refugio, un espacio acondicionado frente a lo expuesto del clima».
El otro premiado en obra nueva es Casa Domitila, una vivienda unifamiliar en San Pedro de Nós (Oleiros, A Coruña), surgida como necesidad de acondicionar una casa antigua y «conseguir que estando en la nueva casa, sus habitantes sintiesen las mismas emociones y sensaciones que en la otra». Los accésits fueron para una vivenda en Ames, como edificio de nueva planta; la Escola de Deportes Naúticos en Sorribos y una vivenda en A Graña, en la categoría de rehabilitación; un local de calzado y una reforma en la Ciudad Vieja coruñesa, en interiorismo; la pavimentación del Camiño da Petada (Leiro) y la ampliación del Cemiterio de Santa Baia de Moar (Frades), en la categoría de espacios abiertos, y los montajes de la exposición Galicia en cartel en Toulouse y en Buenos Aires como arquitecturas efímeras.
Los premios se entregarán esta tarde en la Casa da Conga, en Santiago, al tiempo que se inaugurará una exposición de las obras premiadas que estará abierta hasta el 31 de mayo. El decano de este colegio profesional, Celestino García Braña, asegura que la aparición de nuevos protagonistas en cada edición de estos premios
«parece un síntoma de reflexión colectiva que luego se concretará en cada obra y, al mismo tiempo, de riqueza renovada de la cantera».
Una veintena de equipos de jóvenes arquitectos españoles y belgas se reunirá la próxima semana en Bruselas en el congreso internacional “Crisis in Architecture?”para debatir sobre el estado actual de la arquitectura y cómo se ha visto ésta afectada por la crisis.
El congreso se enmarca en la exposición “Jóvenes Arquitectos de España” que organiza el Ministerio de Vivienda.
El simposio, que se celebra los días 20, 21 y 22 en la Casa de Asturias, se enmarca en la exposición “Jóvenes Arquitectos de España (JAE)” promovida por el Ministerio de Vivienda y cuenta con la colaboración del Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación.
Además de establecer lazos entre jóvenes arquitectos europeos y crear un marco para que éstos presenten y pongan en común las prácticas profesionales que desarrollan en sus países, el congreso pone sobre la mesa los cambios que la situación económica actual ha generado en la arquitectura, llevando al arquitecto a plantearse los parámetros en los que se desarrolla su trabajo y, de manera consecuente, a revisar los conceptos clásicos de la arquitectura de Vitruvio y adaptarlos a este momento específico.
Para ello, cada jornada se cerrará con una mesa redonda centrada en uno de los tres conceptos arquitectónicos de Vitruvio (utilitas, venustas y firmitas) y a la que asistirán arquitectos de reconocido prestigio.
El primer día se hará hincapié en el concepto de la utilitas que hace referencia a la utilidad o funcionalidad de la arquitectura y cómo esta ha evolucionado en el siglo XXI, en función, por ejemplo, de los cambios de usos que demanda la sociedad contemporánea.
El segundo día se centrará en el concepto de venustas o belleza para estudiar cómo la sociedad demanda una arquitectura de consumo y cómo los profesionales responden a esa demanda con una arquitectura de calidad, que no responde únicamente a una imagen o efecto de consumo.
La mesa redonda del tercer día versará sobre la firmitas o construcción en este contexto de cambio donde lo global, lo local, la sostenibilidad y las nuevas tecnologías han adquirido protagonismo.
Invitar a descubrir a una generación de grandes arquitectos menores de 40 años latente en nuestro país es el objetivo de la exposición JAE, que se puede visitar hasta el 22 de junio en Bruselas en el marco de las actividades culturales de la Presidencia Española de la Unión Europea. La exposición “Jóvenes Arquitectos de España” persigue mostrar que la excelencia arquitectónica no sólo se halla en la obra de los maestros españoles de renombre internacional, sino en el trabajo desconocido que se realiza en estudios de una nueva generación de profesionales que asegura un prometedor futuro para la arquitectura de España.
La muestra ya estuvo en la sala La Arquería de Nuevos Ministerios de Madrid y en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Columbia de Nueva York y se expone ahora a Bruselas con la colaboración del Gobierno del Principado de Asturias y del Ministerio de Asuntos Exteriores.
Cajas iluminadas de gran tamaño albergan paneles con fotografías, vídeos e información de 62 obras arquitectónicas realizadas por 98 españoles dentro y fuera de nuestras fronteras y por seis extranjeros que han encontrado en España el lugar donde dar forma a sus proyectos. Las edificaciones se hallan repartidas por 28 provincias del territorio nacional, si bien 13 se ubican en Madrid. Además, cinco proyectos se levantan en Shanghai (China), Oaxaca (México), Groningen (Países Bajos), Budapest (Hungría) y Berlín (Alemania), dando muestra del enfoque internacional de la trayectoria profesional de los jóvenes arquitectos españoles, también interesados por la docencia y la I+D+I.
JAE se puede visitar de lunes a domingo de 10.00 a 19.00 horas en la Casa de Asturias de Bruselas (Rue Saint-Laurent, 36-38).
Se Busca la mejor vivienda de Galicia del 2009. Hasta el 31 de mayo.
El Club Cultural Valle-Inclán organiza un ciclo sobre “ARQUITECTOS E ARQUITECTURA” que se desarrollará en la segunda quincena del mes de abril, en el salón de actos del Pazo de San Marcos, a partir das 20,00 horas e de acordo co seguinte programa:
Documental Herzog & de Meuron. En China: Nido de Pájaros. V.O. alemán, chino, inglés, suizo, subtítulos en castelán (88 minutos).
Mesa redonda “Arquitectura en Lugo”. Interveñen: Mónica Alonso, artista multimedia; Benxamín Casal Vila, economista e ex presidente do Club Cultural Valle-Inclán; Xosé Anxo Carreira, arquitecto e Santiago Catalán Tobía, arquitecto. Modera Felipe Arias Vilas, director do Museo de Viladonga. Coloquio.
Documental Lucio Costa Brasilia y La Utopía Moderna
V.O. portugués, subtítulos en castelán (60 minutos).
Para la realización de este ciclo el Club Cultural Valle-Inclán cuenta con la colaboración del Colegio de Arquitectos de Galicia -COAG Lugo- a través da Fundación Arquia que cede el material audiovisual para las proyecciones seleccionadas y que recogen tres hechos importantes en la historia del mundo de la arquitectura.
La entrada será libre y gratuita.
El Foro Costa da Morte pretende desarrollar iniciativas tendentes a conseguir la proyección exterior de este espacio y, simultáneamente, que los propios lo reconozcan, lo valoren y si comprometan con su salvaguardia y aprovechamiento inteligente.
Con ese objeto, el Foro Costa da Morte se constituye en un espacio de encuentro y reflexión sobre el pasado, el presente y el futuro de la comarca, sobre sus señales de identidad geográficas, sociales y culturales, pero también sobre el retraso socio – económico casi endémico que arrastra. Mediante la convocatoria de pensadores, expertos y artistas, se procurará ahondar en el reconocimiento y el respeto por la identidad propia como modo perfectamente complementario de aspirar a alcanzar una voz universal.
Entendemos que la atención por las nuevas modalidades artísticas no es en absoluto contradictoria con la formación de una sensibilidad estética respetuosa con el legado recibido del pasado. Al contrario, creemos que una sensibilidad estética contemporánea incluye (o debería incluir) inseparablemente una capacidad para reconocer cuanto de valioso hay en el que la tradición fue seleccionando y sedimentando.
Contra una imagen tópica y desorientadora de las nuevas artes como simples “destructoras” de todo el “viejo”, tanto la exigencia creadora del auténtico artista, como la exigencia estética del espectador exigente, son congruentes con una irrenunciable capacidad para disfrutar sin contradicción de las formas construidas en el pasado.
«Tal vez nos estamos a acercar a un momento de crisis de la vida urbana y las ciudades invisibles son un sueño que nace del corazón de las ciudades invivibles.»
Italo Calvino “As cidades invisibles”
Esta ciudad nace a la ribera de la imaginación de cada uno, se transforma y gira sobre sí misma con cada visitante de manera que siempre muestra un lado distinto. Trueca los colores de las construcciones, de las ventanas, de las calles…la vegetación se revuelve y crece indistintamente, a veces gusta de amontonarse en un punto y otras se extiende hasta donde la vista no la puede seguir. La gente cambia sus recurridos como si de una partida de dados se tratarse y los que un día estaban quietos otros si mueven como si les había sido la vida en eso…En ocasiones los hierros se encamaran por enormes estructuras formando enredadas tramas refulgentes y colosales donde mantienen largas y complejas conversas con los pájaros, en otras, riachuelos de piedras y hormigón fluyen siguiendo a estela de la humedad y la luz de la mañana], dando lugar a formas recogidas y lineales…Porque esta ciudad revela una imagen diferente en cada mirada, en cada paseo, en cada viaje…de manera que cuando hechas la vista atrás ya no eres capaz de reconocer la melodía con la que si movían los gestos.
Obra: La Ciudad Cambiante
Autor: Roi Alonso Padin
Año: 2009
Emplazamiento: Madrid
Memoria: Roi Alonso Padin
+ flyckr
La exposición titulada «La Modernidad Construida. Arquitectura Gallega 1930-1970«. La muestra, de carácter itinerante, reúne cuarenta proyectos que explican la eclosión de la modernidad de Galicia y su desarrollo a lo largo de cuatro décadas, pero también permite entender las aspiraciones y la evolución de una sociedad, traducidas en arquitectura.
La exposición, comisariada por Fernando Agrasar, se inaugura el próximo jueves 22 de abril y se podrá visitar ate o 25 de mayo. Sala de Arquitectura del COAG. Federico Tapia 64. A Coruña.
Ya se han dado a conocer los resultados de la sexta edición de este premio, que pretende reconocer y estimular los proyectos de recuperación y defensa del espacio público en las ciudades europeas. En la edición de 2010 de este Premio de ámbito europeo, se han concedido:
El jurado de esta sexta edición del Premio ha estado formado por Rafael Moneo, que ha sido el presidente del mismo; y por Severi Blomstedt, Ole Bouman, Sarah Mineko Ichioka, Francis Rambert, Dietmar Steiner y Peter Cachola Schmal.
El Premio está convocado por el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona, la Cité de l’Architecture et du Patrimoine (París), The Architecture Foundation (Londres), el Nederlands Architectuurinstituut (Rotterdam), el Architekturzentrum Wien (Viena) y el Museum of Finnish Architecture (Helsinki). El acto de entrega de premios se celebrará el 11 de junio en Barcelona.
Hoy dieron inicio los talleres del MUAU con «Inciciación al stencil» impartido por FRAGIL. Para los próximos aún quedan plazas, pero no perdáis tiempo que si agotan volando….recordaros las fechas:
·EL NIÑO DE LAS PINTURAS: 16 y 17 de abril
·ESTUDIO ALAVISTA: 23 y 24 de abril
·JAVIER ABARCA: 31 de abril y 2 de mayo
Si os quereis apuntaros enviaros un mail a: info@muau.org
+ www.muau.org
Psicofetsac. ETSA CORUÑA. 12 al 16 de abril de 2010.
Psicofetsac es un festival de arquitectura organizado por alumnos de la escuela técnica superior de arquitectura de Coruña que concentra talleres, conferencias, exposiciones y otras actividades a lo largo de toda una semana. Estas jornadas se comenzaron a realizar en el año 2009 con el argumento del circo que ataba la totalidad de las actividades.
Esta obra representó a nivel personal una experiencia sumamente estimulante. Principalmente, porque resulta ser mi primer proyecto construido. En él, súmanse todas las dudas del principiante y toda la inexperiencia posible, pero también la fuerza de una gran ilusión. En el proyecto en sí, concurrían distintas circunstancias relativas al propietario. El encargante resultaba ser una única persona (sin familia) que si trasladaba a Santiago por motivos laborales y que pretendía adquirir una vivienda para su rehabilitación. Estos eran los puntos de partida, que si fueron enriqueciendo, en la medida en que si me requirió para participar en la propia elección de la vivienda. Sin duda, un hecho sorprendente, pero, si cabe, me implicaba más aún.
Finalmente, se escogió una pequeña casa en el nº 57 de la calle Espíritu Santo, en Santiago de Compostela. Una pieza que si [incrustaba] en el tejido del casco histórico y por tanto, sujeta a toda su reglamentación. Se trata de una vivienda entre medianeras, pero que también es ciega en su parte posterior, sirviendo su muro trasero de contención. Asimismo, el estado en el que si encontraba la construcción era lamentable, ya que había grandes infiltraciones por la cubierta y la estructura de madera era prácticamente insalvable.
Había que empezar entonces de cero, y se planteo que la luz había sido la auténtica protagonista. Se permitió que esta había atravesado todas las estancias y recuperar así un espacio mucho más amplio frente a la compartimentación excesiva que había. La vivienda pasó a ser mucho más diáfana, tanto en sus plantas, como en sección.
Por otra parte, se apostó muy decididamente por un único material, este iba a ser, la madera de eucalipto. Se hace uso de vigas y viguetas laminadas, pero sobre todo un empleo intesivo del tablón [alistonado]. Este producto, que si comercializa casi exclusivamente para la formación de peldaños de escaleras, se empleó aquí desde el propio piso hasta tabiques y muebles de obra.
Luz y eucalipto le confiere una cierta homogeneidad al conjunto, siendo el hilo conductor a propia escalera, que si mantiene con el mismo desenrollo y posición. Esta, en ocasiones librería, se convierte en un acompañante de ese recorrido que si inicia en la calle, de estrechas dimensiones, para sorprendentemente terminar con vistas al monte Pedroso.
Obra: Rehabilitación de vivienda unifamiliar
Autor: Xulio Turnes Vieito
Colaboradores: Elena López Fernández e María Veiga Fernández
Ano: 2006 – 2008
Emplazamento: Rúa Espíritu Santo nº 57. Santiago de Compostela
Memoria: Xulio Turnes Vieito
Tomamos esta situacion actual extrema, aprovechando los modelos de la tecnologia de la informacion que nos permiten describir los atributos de participacion de ese metaespacio de trabajo: Describimos «Emergencia» como propiedad que surge no de una parte sino de la interaccion entre todos los individuos de una comunidad compleja. Propiedades no predecibles de las unidades que trabajan como colectivo.
El objectivo del Taller es la generacion de un mapa colectivo de trabajo que incorpora adiciones y alteraciones y va adquiriendo complejidad con cada revision (desarrollo de versiones). El objetivo fundamental es poner a prueba un metodo de trabajo como «comunidad colaborativa» y definir la polisemia de «proyecto» y de «entidad arquitectonica». Desarrollaremos el espacio de trabajo desde sus atributos digitales como un sistema que se desarrolla desde fuentes y material externo.
fetsac10
+ http://fetsac10.blogspot.com
El Centro Cultural Conde Duque de Madrid ofrece, hasta el 18 de abril, la exposición Félix Cándela. La Conquista de la Esbeltez, una muestra organizada por el Ayuntamiento de Madrid, la Universidad Politécnica y la Fundación Juanelo Turriano, que ha sido realizada para conmemorar los cien años el nacimiento (1910-1997) de uno de los arquitectos más destacados de la llamada Aventura Laminar en la Arquitectura Moderna.
La aparición de este “movimiento” se debe principalmente al esfuerzo e investigaciones de varios arquitectos e ingenieros en torno al uso del hormigón. Su objetivo fue explorar y conquistar la libertad de forma de este material introducido en la construcción durante la Modernidad. Feliz Cándela fue uno de estos arquitectos, en cuyo legado arquitectónico nos ha dejado más de 800 cascarones de hormigón armado construidos durante las décadas de los años 50 y 60, época en la que el desarrollo de este material no era pleno y aún se estaban investigando sus múltiples posibilidades, contribuyendo con su legado a la libertad de nuevas formas estructurales.
Cascarones de hormigón
Dividida en tres grandes secciones, la visita recorre los puntos principales del trabajo de Félix Candela y el destacado papel que jugó desde los años cincuenta con la construcción de sus cascarones siguiendo la forma geométrica del paraboloide hiperbólico. Candela convirtió estas estructuras en verdaderas esculturas habitables.
La exposición está organizada en torno a un recorrido histórico que pone de manifiesto la evolución del arquitecto junto con la evolución de la arquitectura internacional y del desarrollo del hormigón armado, para un mejor entendimiento de las aportaciones del arquitecto. Se expone una selección de algunas de sus más famosas obras, a través de imágenes (dibujos, planos y fotografías), maquetas, análisis estructurales y breves textos explicativos. Se exponen también algunos dibujos originales de Candela que se muestran por primera vez.
Félix Cándela fue un arquitecto autodidacta cuyo conocimiento en España no es muy grande ya que realizó la mayor parte de su trabajo en México. Licenciado en Arquitectura en 1935 por la Universidad Politécnica de Madrid, pronto conoció al ingeniero Eduardo Torroja y sus aplicaciones del hormigón armado en las cubiertas (Hipódromo de Madrid). Con el estallido de la Guerra Civil se exilió en México donde vivió pasa parte de su vida, junto con EE.UU.
Madrid. Félix Cándela. La Conquista de la Esbeltez (1910-2010). Centro Cultural Conde Duque.
Hasta el 18 de abril de 2010.
alicia valdivieso
Fase 1: verano 2008
Nos enfrentamos a una plaza heterogénea en su uso y en su relación con la ciudad. Hoy está ocupada por coches aparcados en superficie y rodeada por vías con una elevada densidad de tráfico. Es urgente hacer algo, pero la escasez de recursos nos obliga a proponer una intervención low-cost:
Con la tierra resultante de las excavaciones llevadas a cabo actualmente en las manzanas cercanas, proponemos crear unas franjas verdes de topografía artificial sobre las que se reubicarán los árboles existentes en Toftegaards.
Estas franjas funcionarán como barrera para la plaza, y serán unos oasis que posibilitarán un uso más flexible del espacio público: sobre ellos se podrá leer, tomar el sol, dejarse caer…y eliminarán la necesidad de mobiliario urbano, reduciendo al mínimo el coste de la intervención.
Se reordenarán las plazas de aparcamiento necesarias y el acceso a los edificios perimetrales.
Los intersticios entre las franjas verdes serán vacíos donde podrán tener lugar los eventos que los vecinos consideren necesarios: bailes, teatro al aire libre, manifestaciones…
Fase 2: invierno 2009
La plaza seguirá dividiéndose en franjas. Esta vez, se proyectan tres franjas de captación de energía: una recogerá el agua de lluvia para ser utilizada en las aguas grises de los edificios que conforman la plaza, otra franja captará energía eólica gracias a pequeños aerogeneradores y una tercera captará energía solar por medio de pequeñas flores fotovoltáicas.
La energía generada hará en un primer momento que la plaza de Toftegaards sea autosuficiente, y más tarde la venta del excedente permitirá la financiación de las siguientes fases del proyecto.
Fase 3: verano-otoño 2009
Se lanzará una página web donde los vecinos, según las posibilidades económicas de cada momento, sugerirán nuevas franjas de uso. Así, los vacíos entre las franjas de las dos primeras fases de la intervención se irán ocupando paulatinamente.
Se define un mobiliario urbano hinchable común a las distintas franjas para dar unidad a la intervención, basado en el uso de plásticos obtenidos del reciclaje de botellas y bolsas (PET y LDPE respectivamente). Los pavimentos, también de plástico reciclado, tendrán colores para diferenciar cada franja de actividad.
También en esta fase se construirá un edificio que coserá el conjunto en dirección Norte-Sur albergando desde áreas de almacenaje y kioscos hasta pérgolas. En su extremo Norte aparecerá un artefacto elevado con un brazo mecánico que servirá como hito a la plaza y como lugar de observación de Copenhague para usuarios y visitantes.
Fase 4: año 2010
Se acometerán mejoras en los edificios en torno a la plaza y se reorganizará el tráfico del perímetro para reforzar el vínculo de la nueva plaza pública con el área circundante, especialmente con la plaza de Toftegards Plads Nord.
Fase 5: año 2015-2020
La propuesta podría extenderse como un virus por los numerosos vacíos sin uso diseminados por el distrito de Valby y la ciudad de Copenhague en su conjunto.
Entre estos nuevos vacíos verdes y de captación de energía, proponemos el establecimiento de corredores arbolados, algunos de los cuales ya existen en las avenidas próximas a Toftegaards.
Esta estructura de núcleos y líneas verdes transformará el área en un espacio verde continuo y eficiente desde el punto de vista energético a bajo pecio.
Obra: Reforma y construccion de equipamientos en una plaza del distrito Valby
Autores: Maria Olmo Bejar-Borja Lopez Cotelo
Año: 2008
Emplazamiento: Toftegaards Plads Syd, Copenhague. Dinamarca
Memoria: Maria Olmo Bejar-Borja Lopez Cotelo
+ lasonceymedia.com
premios
+ www.arkitektforeningen.dk
¿Donde vivimos?
¿Como vivimos?
Y sobretodo, ¿como nos afecta?
Nos interesan los espacios. La ciudad. El ciudadano. Los barrios. El territorio. La arquitectura. La sociedad. El diálogo que se establece entre estos personajes y la manera en que se afectan mutuamente.
Aprender a ser críticos con el lugar que habitamos. Implicarnos con nuestro entorno.
A veces entendemos las críticas como algo negativo pero lejos de eso, la crítica es la oportunidad de soñar, de querer, de añorar, de provocar, de demandar, de quejarse, de crecer, de reflexionar, de intervenir.
El vacío urbano, descrito “formalmente” como espacio urbano remanente de la dinámica urbana; terrenos vacíos o subutilizados que no se desarrollan en la plenitud de su potencial, contrariando el principio de función social de la propiedad, aparece como posibilidad.
¿Cuántos espacios ya “llenos” se encuentran “vacíos” de uso?
¿Qué es realmente un vacío urbano?
El blog Los Vacíos Urbanos surge de este interés crítico hacia el espacio en el que vivimos, de esta posibilidad de transformar, del mostrar la posibilidad de hacer las cosas “de otra manera”.
Porque el espacio es del que lo habita.
«Urbanitat és aquella qualitat que reforça la percepció física o mental de pertanyer a una comunitat. En la condició material de la urbanitat és on es juga la qualitat dels espais públics”.
Manel de Solà Morales
Clara Nubiola
Sólo puedo hablar de lo que no conozco. Lo hago desde la figuración estricta. Personas y cosas en el momento en que menos se parecen a sí mismas, cuando, como sumergidas en una corriente profunda, se pudiera vislumbrar un cambio, quizá la sustitución de una esperanza por otra, o ese momento en que un viaje en columpio anula el porvenir.
Un hombre hace flexiones, en un salón, con el rostro de otro, y pese a lo que pudiera parecer no es pintura narrativa, aunque éste y otros instantes capturados sean parte de una narración que nadie sabe, y sus protagonistas menos, hacia dónde se dirige o de dónde viene. Son los tiempos muertos que acompañan a los propósitos. Algunos proceden de la realidad, otros no. Se revelan en las deshoras.
Obra: Deshoras
Autor: María Martín Carmona
Año: 2009
Emplazamiento: A Coruña
Fotografías: María Martín Carmona
+www.mariacarmona.com
Kazuyo Sejima (Ibarki, 1956) responde al móvil. Dice que está contenta y agradecida y pide hablar con más intimidad, una hora más tarde. Está en un autobús, camino de su despacho. Se dispone a trabajar un domingo por la noche. Está claro que su perfil queda muy lejos de esos arquitectos que pilotan su propio jet. Su arquitectura también.
Naturalmente, es esto último lo que le ha hecho ganar el Premio Pritzker a ella y a su socio Ryue Nishizawa (Tokio, 1966), con el que fundó el estudio SANAA (Sejima and Nishizawa and Associates) hace 15 años. «Él me hacía dudar de todo. Supe que debía ofrecerle ser mi socio», explica, aunque cada uno mantiene proyectos propios y las viviendas las firman individualmente. Que un premio Pritzker trabaje como un estudiante resulta revelador.
Así parece haberlo entendido el jurado que les ha concedido el galardón por «su franqueza constructiva y por el contraste que ofrecen frente a la apabullante retórica arquitectónica». Aunque sus proyectos sean descritos con frecuencia como ligeros y transparentes, su economía de medios no es una simplificación de la arquitectura. Es muy complicado mejorar las cosas. Pero Sejima y Nishizawa investigan y analizan todas las posibilidades de los encargos para que lo complejo parezca simple, ligero, transparente, todos esos adjetivos asociados a sus esmerados trabajos que el jurado ha calificado «de una belleza precisa».
«No nos interesa hacer muchos proyectos. Nos interesa hacerlos con tiempo»,
cuenta Sejima. Ella y Nishizawa dedican 15 horas de trabajo diario a eliminar las jerarquías espaciales dentro de una vivienda, a conseguir que todos los bailarines tengan vistas desde su camerino (Teatro Kunstline en Almere, Holanda), a investigar para emplear materiales cotidianos de una manera sutil y precisa (Pabellón de Cristal del Museo de Arte de Toledo, Ohio) o a extrusionar las plantas para asentar un edificio en su contexto y conseguir más luz en su interior (New Museum of Contemporary Art, Nueva York, 2007). Lo hacen «porque no sabemos trabajar más rápido», sin escatimar esfuerzos. Y sin teorías.
Si numerosas ciudades se han llenado ya de «colecciones de premios Pritzker», el galardón más importante de la arquitectura ha demostrado su voluntad de mantener ese puesto premiando, ahora, a Sejima y Nishizawa. Ellos son los arquitectos del cambio. Han llenado la nueva arquitectura de ideas, pero ni tienen ideario ni han escrito teorías. A pesar de carecer de libros ideológicos, Sejima fue nombrada comisaria de la próxima Bienal de Arquitectura de Venecia, cuyo León de Oro obtuvo en 2004.
Los arquitectos de SANAA, que trabajan en el futuro Museo Louvre de Lens (en el norte de Francia), y que ganaron hace una década el concurso para la ampliación del Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM), que nunca se construyó, admiten comer y cenar en el estudio. Y hasta dormir, de vez en cuando, debajo de su mesa de trabajo: «Son siestas reparadoras. Luego seguimos trabajando». Esta periodista ha visto cómo uno de sus colaboradores terminaba el carpaccio de una Sejima inapetente sin necesidad de pedirlo, alargando el tenedor. Lo de eliminar las jerarquías no lo ha hecho sólo en sus viviendas, parece ser.
«Delicada y poderosa, precisa y fluida, su arquitectura es a la vez ingenua y sagaz, y explica, como pocas otras, las ventajas del trabajo en equipo»,
subrayó el jurado. Y aunque no es ésta la primera vez que el Pritzker reconoce una labor a dúo (Herzog y De Meuron lo ganaron en 2001) sí es la primera ocasión en la que comparten honores un hombre y una mujer. Puede parecer anecdótico. No lo es. Denisse Scott Brown, que más allá de los edificios había firmado también libros seminales como Aprendiendo de Las Vegas con su marido Robert Venturi, tuvo que contentarse con escuchar cómo su marido le agradecía el apoyo prestado en el discurso tras recibir el premio.
Sejima, que tan esforzada y sutilmente ha llegado a la cima, se ha adelantado al que, hace ya casi tres décadas, fuera su maestro, Toyo Ito.
«En los setenta, Ito logró que la gente confiase casas pequeñas a los arquitectos. Fue importante. Luego Nishizawa me hizo ver las cosas de otra manera»,
explicó a este periódico. Por supuesto, el que Sejima y Nishizawa se adelanten no invalida al autor del Nuevo Hotel Porta Fira de Barcelona como candidato, pero no deja de ser elocuente que un discípulo tome ventaja.
Tampoco es esta la primera vez que una mujer gana el Pritzker. Zaha Hadid se hizo con el galardón en 2004. Pero sí es la primera ocasión en la que, más allá de la arquitectura, el Pritzker parece reconocer otra manera de trabajar. Según Sejima: «Para hacer grandes obras tienes que crecer y manejar un estudio grande. Una mujer puede hacer eso, pero los grandes proyectos suelen estar relacionados con la política. Y ahí, por lo menos en Japón, no lo tenemos fácil. No nos hemos preparado para lidiar con el poder».
El Pritzker ha insistido en el trabajo en equipo. Y en Tokio los colaboradores de los galardonados lo celebran con horas de trabajo nocturno. «Sus edificios quieren construir más contexto que objeto. No hay mejores exploradores del espacio colectivo», apuntó el jurado. Sejima resta importancia a la dedicación nocturna. «Necesito tiempo. Nuestros proyectos han crecido y son más complejos. Para poder controlar todos los detalles necesitamos aún más tiempo».
anatxu zabalbeascoa
Era unha das demandas máis repetidas durante a última edición da feira de arte contemporánea de Vigo, Espacio Atlántico, o pasado mes de xaneiro. Expositores e coleccionistas suxeriron á dirección do evento un cambio de ubicación no calendario, a fin de evitar a proximidade coa celebración de Arco en Madrid e doutros acontecementos artísticos internacionais, o que ocasionaba incompatibilidades e certos atrancos ós profesionais do mundo da arte. Finalmente, a directora de Espacio Atlántico, Marta Scarpellini, vén de anunciar as novas datas. A vindeira edición do certame celebrarase do sete ao dez de abril de 2011.
Scarpellini confirmou a mudanza trala sinatura do convenio de cesión dos fondos artísticos da feira á Fundación Marco, de xeito que as obras, recén adquiridas durante a pasada edición e que dan inicio á Colección Espacio Atlántico como fondo propio, estarán depositadas no Museo de Arte Contemporánea de Vigo (Marco) por un tempo de cinco anos. En calidade de presidente da Fundación Marco, o alcalde de Vigo, Abel Caballero, rubricou onte o convenio coa directora da feira no salón de actos do museo. Ademais de preservar a súa conservación e restauración, os comisarios do Marco poderán inserir as pezas nas exposicións temporais que conforman a súa programación.
As obras, sete producións de formato e materiais diversos, están asinadas por Ana Soler, José Bechara, Karmelo Bermejo, Misha Bies Golas, Antía Moure e Francisco Tropa, seis artistas galegos, portugueses e españois seleccionados para arrancar esta colección, «tendo en conta os intereses expositivos do museo para facilitar a incorporación na súa programación», indicou Scarpellini, quen expresou a súa satisfacción «por que a colección poida ser exhibida no principal museo de arte contemporánea da cidade». «Esta iniciativa estreita o vencellamento da feira coa cidade de Vigo», manifestou, «ademais de incrementar o patrimonio cultural e amosar a rendibilidade social do investimento en arte contemporánea».
Segundo a organización do certame, o presuposto desta primeira quenda de compras en feira foi «algo superior» aos 40.000 euros. «A colección seguirá crecendo en futuras edicións e a intención é que a partida orzamentaria se incremente en próximas convocatorias, adquisicións que se rexerán polos mesmos criterios expositivos do Marco», afirmou Scarpellini.
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teresa cuiñas
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Entrevista al fotografo gallego Héctor Santos-Díez en el programa Miraxes de TVG. Puedes ver una galería de sus trabajos aqui
Entrevista con el arquitecto de Madrid Néstor Montenegro, que junto a Lina Toro y Ignacio Borrego forman el estudio Dosmasunoarquitectos. En esta conversasion hablamos sobre el significado de habitar, sobre de la enseñanza de la arquitectura, la relación arquitectura y sociedad, la vivienda publica, el acceso a la vivienda, el precio del suelo, el fomento de procesos de cambio en las relaciones con políticos y promotores privados, el papel del arquitecto en la toma de decisiones sobre la ciudad y el territorio, la participación ciudadana, los procesos de creación y construcción en la vivienda pública, la flexibilidad y la movilidad residencial, su consejo para los que estudian arquitectura y una reflexión sobre el futuro de la profesión…
CONFERENCIA
Agradecemos la Néstor Montenegro el interés con el que compartió los proyectos de su estudio en esta conferencia impartida en A Coruña el 5 de De marzo del 2010, antes de la anterior entrevista y de la sesión crítica con nuestros alumnos en el taller de proyectos de 2º curso. En la conferencia nos habló de las viviendas en Carabanchel, Vallecas y ColmenarViejo, así como de dos concursos EUROPAN en Cartes y Ama.
recomendado por borja lopez cotelo
La sede de Caixanova en Vigo inaugura hoy la exposición Pano de fondo, una iniciativa impulsada y comisariada por los fotógrafos Manuel Sendón y Xosé Luís Suárez Canal que aborda el retrato realizado en los estudios gallegos, centrándose de forma especial en aquellas instantáneas tomadas durante la primera mitad del siglo XX, un periodo de extraordinaria riqueza en este ámbito.
Paño de fondo_jose dominguez
La muestra constituye un análisis del retrato de estudio como acto solemne que fue, y que desaparece con la irrupción de la cámara fotográfica en los hogares a partir de la segunda mitad del siglo XX. Se aborda el significado del retrato, atendiendo a sus características generales singulares según la época, la ubicación rural o urbana, el estilo, la colocación de los grupos, las poses, las miradas, el papel del fotógrafo como director de escena, la relación entre el fotógrafo y el sujeto fotografiado, etc. Además, se presta atención de forma especial a los diferentes elementos que configuran el estudio, como los telones, bancos o maceteros.
Reflexión sobre el retrato de estudio
Pano de fondo no se concibe como un catálogo de los fotógrafos de estudio más relevantes, sino como una reflexión sobre el retrato de estudio. En la muestra están presentes instantáneas de los estudios más relevantes de las ciudades, como Pacheco, Ksado o Pintos, así como otros procedentes del mundo rural, como Ramón Caamaño o Pedro Brey. Tampoco se ha olvidado a otros fotógrafos que, a pesar de no haber trabajado en estudio, lo hacen en exterior con unos criterios muy semejantes.
Las fotografías que componen la muestra pertenecen a diferentes instituciones gallegas, como el Museo de Pontevedra, el Archivo Real de Galicia, el Archivo Municipal de A Coruña o el Centro Gallego de Artes de la Imagen, entre otros. Junto a los originales de la época, y perfectamente diferenciados en el montaje, se encuentran copias actuales, obtenidas con las más avanzadas tecnologías para captar, de una manera plena, todos los matices del negativo original.
Vigo. Pano de fondo. Centro Cultural Caixanova.
Del 24 de marzo al 23 de mayo de 2010.
El concurso, organizado por Terreform, propone el diseño de espacios y sistemas que explorar el amplio marco de la agricultura urbana y periurbana y sus efectos sobre la arquitectura y el diseño urbano. Las solicitudes de inscripción deben enviarse antes del 31 de marzo de 2010.“Mowing to Growing” no está destinada a transformar el jardín de cada en huerta, sino a abrirnos a las posibilidades de auto-sustento, crecimiento orgánico y cambio perpetuo. En particular, se buscan estrategias concretas técnicas, urbanísticas, arquitectónicas y no simplemente para la producción de alimentos necesarios para alimentar a las ciudades y los suburbios, pero las posibilidades de alimentación, agricultura, y las instalaciones retroalimentadas que podrían alcanzar ese nivel dentro de las limitaciones del clima local.
Dirigido a todos los futuros arquitectos, urbanistas, ingenieros, científicos, artistas y estudiantes: ¿Cómo reinventar el césped americano? ¿Qué tipo de soluciones de diseño pueden llegar a facilitar el mini-cultivo de alimentos? ¿Pueden incorporarse invernaderos a los rascacielos? ¿Cómo podrían transformarse las cajas vacías de los supermercados para agricultura? ¿Qué se requiere para eliminar los signos de exclusión que salpican muchos prados y convertirlos en jardines de la comunidad? ¿Los alimentos pueden crecer en los tejados, estacionamientos, fachadas de edificios?
Premios
– Profesionales: el ganador recibirá un premio de 10.000 dólares USA. Los cinco finalistas se beneficiarán la exposición de sus propuestas en la página web del concurso, la presentación de sus diseños en la entrega de premios y en el simposio web, y serán presentados en los medios de comunicación a los patrocinadores.
– Estudiantes: el ganador recibirá un premio de 1.000 dólares, exposición de su propuesta en el sitio web del concurso, presentación de sus diseños en la entrega de premios y el simposio web y serán presentados en los medios de comunicación a los patrocinadores.
Inscripción
Todas las solicitudes de registro deben enviarse antes del 31 de marzo de 2010.
Calendario
– 1 de diciembre 2009: El registro se abre. Se abre periodo de preguntas.
– 31 de marzo 2010: La inscripción se cierra. Respuestas publicadas.
– 30 de abril 2010: Fecha tope de presentación de trabajos.
– 31 de mayo 2010: Anuncio de los Finalistas.
– Junio 2010: Ceremonia de Premios y Simposio web. Inauguración exposición.
Solicitud de propuesta
Las propuestas se compondrán de un catálogo digital de bocetos de diseño que describan e ilustren la propuesta: premisas y objetivos fundamentales, inventiva, enfoque de diseño desarrollado en un nivel conceptual, oportunidades para su aplicación.
Las propuestas pueden ser para un proyecto real o especulativo, para uno o más sitios reales, y situados en los EE. UU. o aplicables a los lugares de EE. UU. Además, la propuesta no tiene que ser generada exclusivamente para este concurso, siempre que se refiera a la intención del concurso. Puede ser el resultado de una investigación anterior o la reelaboración de un proyecto no realizado.
Premio Enor. Exposición y conferencia de Entresitio. ETSA. CORUÑA . 25 marzo a 26 de abril de 2010.
Conferencia jueves 25 a las 12 horas
La cuarta edición del Premio de Arquitectura Ascensores Enor ha tenido como jurado a Andrés Fernadez-Albalat, Francisco Mangado Beloqui, David Cohn, Javier Revillo, José Manuel Martínez Rodríguez, João Álvaro Rocha y Carlos Quintáns que han seleccionado los 38 proyectos finalistas y los seis premios en las distintas categorías.
La inauguración de la exposición se complementa con la conferencia de uno de los equipos premiados: el estudio Entresitio. Entresitio ha ganado el premio de arquitectura de Madrid con el Centro de salud de San Blas .
La cuarta edición del premio de arquitectura Ascensores ENOR tuvo como principales ganadores a Víctor López Cotelo y Juan Manuel López Funes que recibieron el Gran Premio de Arquitectura Ascensores ENOR por su vivienda unifamiliar en el conjunto de la antigua fábrica de curtidos de la Ribera de San Lourenzo en Ponte Sarela, en Santiago.
El premio de Galicia ha sido para Enrique Rodriguez por el centro de salud de Cotobade. Premio Castilla León para Roberto Valle por el museo del Pan. el premio de Portugal para ha sido un ex aequo, para el Museo de las Ciencias en el antiguo laboratorio de Química de la Universidad de Coimbra, de Joao Mendes Ribeiro, Carlos
Antunes y Desiré Pedro, y el Premio Ascensores ENOR de arquitectura Joven, para arquitectos de menos de 40 años fue entregado a José María Sánchez García por su Centro de Tecnificación de actividades físico deportivas y de ocio, construido en el poblado Gabriel y Galán.
+ http://tectonicablog.com
La experiencia del ‘Tiempo’ en la obra de fotógrafos y artistas visuales será el hilo conductor de las 69 exposiciones que componen la XIII edición del Festival Internacional PhotoEspaña 2010, que se celebrará del 9 de junio al 25 de julio. Con la presencia de 372 artistas de 41 nacionalidades en las 69 exposiciones, 31 de ellas en la Sección Oficial, el festival presentará más de 120 actividades entre exposiciones, talleres de fotografía, visionados de porfolios, debates, clases magistrales, visitas guiadas, programas educativos, talleres familiares, proyecciones y acciones en la calle.
En un año más complicado, los organizadores agradecieron, durante la presentación del festival en el Círculo de Bellas Artes, la colaboración de las más de 60 entidades públicas y privadas que han hecho posible mantener el grado de exigencia al que ha llegado PhotoEspaña. Sergio Mah, que este año cierra su ciclo de tres años como comisario general de PHE10, ha propuesto un programa con una selección de artistas y trabajos visuales que ponen el acento en la experiencia y la percepción temporal y la relación directa que la fotografía tiene con ellas. El programa engloba diferentes maneras de abordar el tiempo: la naturaleza, lo efímero, la inestabilidad de las obras y su temporalidad, la especulación histórica, el archivo, la experiencia individual y colectiva y la articulación entre lo fotográfico y otras prácticas de la imagen.
Entre las personalidades de PHE10 figuran el científico e ingeniero electrónico Harold Edgerton, creador de la mítica imagen ‘Salpicadura de una gota de leche’, del que se podrán contemplar 80 fotografías, un documental y materiales de trabajo, en el BBVA/Sala de exposiciones de AZCA.
El Centro de Arte/Fundación Banco Santander, mostrará’Entretiempos’, con más de 200 obras entre fotografías, vídeo instalaciones y películas de 17 artistas (entre ellos Ignasi Aballí, Tacita Dean o Hiroshi Sugimoto) que han convertido al tiempo en uno de los temas fundamentales de la fotografía contemporánea.
‘Lírica urbana. Fotografías 1936-1993’, la primera exposición antológica de Helen Levitt tras su fallecimiento el pasado año, reunirá en el Museo de Colecciones ICO 120 imágenes.
El Museo Reina Sofía organizará ‘Manhattan: Uso Mixto’, colectiva sobre los usos e imágenes tomadas en la ciudad de Nueva York. Gordon Matta-Clark, Zoe Leonard, Helen Levitt, Bernd & Hilla Becher, y películas de Andy Warhol y Peter Hutton entre otros, formarán la muestra.
En el Círculo de Bellas Artes se exhibirán ‘El arte de la luz’, que aborda la creación de Lázsló Moholy-Nagy en su conjunto; «Volverse aire», cuatro sugerentes instalaciones audiovisuales de Óscar Muñoz, y «Episodios nacionales. Táctica», el nuevo trabajo de Fernando Sánchez Castillo.
En el Museo de la Ciudad se mostrará ‘Profecías. Colección Fondo Fotográfico Universidad de Navarra’, un diálogo entre un centenar de obras maestras de la fotografía española del siglo XIX y trabajos de 12 autores contemporáneos.
La Comunidad de Madrid presentará en la Sala Canal de Isabel II el trabajo de Isabel Muñoz, muestra organizada con motivo del Premio de Fotografía de la Comunidad de Madrid 2006. En esta exposición, Muñoz coloca el objetivo de su cámara en ceremonias espirituales de Siria, Irán, Irak y Turquía.
La Sala Alcalá 31 mostrará más de cien fotografías y publicaciones de Juergen Teller, uno de los fotógrafos más influyentes del panorama actual que ha creado la imagen de marcas como Marc Jacobs e Yves Saint Laurent y por cuyo objetivo han pasado personalidades como Charlotte Rampling o Cindy Sherman.
Omotesando es el nombre de una de las calles comerciales más importantes de Tokio, así mismo se está convirtiendo en una de la más interesantes para los amantes de la arquitectura y de la moda.
En Japón hace tiempo que han demostrando que son grandes consumidores de lujo, por lo que importantes marcas de moda han decidido construir en Tokio, sus templos. Odas al consumismo vestidas con los diseños de los arquitectos más vanguardistas.
Si hacemos un breve repaso a las tradiciones y estructura de la sociedad nipona nos vamos haciendo una idea de las necesidades que los objetos de lujo cubren para ellos.
Los jóvenes japones son educados en el orden y el rigor desde su tierna infancia. Y hasta llegar al periodo universitario estas exigencias no bajan; por ello este constituye el periodo más independiente de sus vidas, aprovechan para vivir fuera de la casa de los padres y desarrollar inquietudes más artísticas. Una vez graduados, entran a formar parte del mundo laboral. A las empresas no les importa que estos recién titulados tengan o no conocimientos específicos elevados, ya que ellas mismas se encargaran de seguir formándolos. Y así es como los japoneses se ven, otra vez, inmersos en una estructura rígida donde no hay mucha cabida para la diferenciación y la creatividad. Algunos cubren esta necesidad de diferenciación con los artículos de lujo y con todo lo vintage llegado de occidente. Muchas jóvenes japonesas se vuelven locas por los bolsos de marca, y por ser las más «cool» adquiriendo el último modelo. Como nadie quiere renunciar a los objetos de alta gama, en Japón existen boutiques de segunda mano que se dedican a los productos de marca, que dan satisfacción al público menos pudiente. Desde las estudiantes a las mujeres trabajadoras, forman un nutrido y creciente grupo de entusiastas compradoras de marcas de lujo.
Con este panorama, que apunta un crecimiento incesante del consumo de las marcas de alta gama, es obvio que las empresas decidan instalar en Japón sus puntos de venta y oficinas más representativos.
Los edificios corporativos, forman parte de la imagen que la empresa desea proyectar. Así las empresas buscan tener edificios emblemáticos que trasmitan mensajes claros sobre ellas mismas. Cada uno de estos espacios está estudiado en todos los sentidos para fortalecer su distinción y reflejar cada uno de los principales valores de la marca.
fig01. louis vuitton Omotesando store
fig02. Tod’s Omotesando store
fig03. ChristianDior Omotesando store
Dior, Tod’s y Louis Vuitton son algunas de las marcas que han elegido en Tokio, el distrito de Omotesando como emplazamiento de una de sus tiendas, más destacadas.
La firma Louis Vuitton confió en Jun Aoki para diseñar su boutique inaugurada en 2002. Su fachada simula baúles de diferentes tamaños apilados, evocando las raíces de LV como fabricante de maletas y baúles. Una tradición que en la casa LV han sabido combinar muy bien con la modernidad, buena muestra de ello es la colaboración constante con el artista nipón Takashi Murakami, que ha revolucionado su monograma y en este caso ha sido el encargado de la decoración interior de la tienda, dándole un toque muy colorista y más cercana a la estética japonesa.
Muy cerca nos encontramos con Tod’s Omotesando Building, un proyecto vanguardista tanto en concepto como en técnica, inaugurado en 2004. En las siete plantas de este edificio convive la tienda con oficinas, espacios para eventos y una azotea ajardinada. La división de plantas se aprecia por la transparencia de la estructura y no por la delineación de la fachada. La cual ha sido diseñada siguiendo el dibujo que genera la superposición de nueve árboles, construida en hormigón y cristal. Toyo Ito, el arquitecto, compara la naturaleza cambiante del edificio a medida que avanzas en alturas con la forma de los árboles de la base a la copa.
Siguiendo nuestro paseo por Omotesando, nos encontramos con Dior, que nos presenta un edificio proyectado por SANAA, en el cual a parte de la tienda también hay cabida para salas de eventos y jardines. En este caso la cantidad exacta de plantas no se aprecia desde el exterior, lo que potencia la impresión de ambigüedad que genera el edificio. Esta estética deliberadamente voluble y enigmática guarda coherencia con la obra de uno de los diseñadores más coloristas y dinámicos del momento, John Galiano.
Otro de los edificios que nos llaman la atención es el de Prada, la tienda diseñada por los suizos Jacques Herzog y Pierre de Meuron, en 2003, aparece como una elemento escultórico en medio de la trama compacta de la zona. La forma de Prada, con su vidrio verdoso, parece una especie de esmeralda, un edificio más bien tallado que construido. Se trata de un volumen irregular, sus seis pisos han sido trabajados de manera que el volumen no parezca tan alto. El armazón formado por rombos de tubos metálicos, rellenados con paneles de vidrio cóncavos, convexos y planos, algunos transparentes y otros translúcidos, le dan textura y variedad a la superficie.
fig04 prada Omotesando store
fig05 burberry Omotesando store
Burberry para unirse a esta tendencia, reabrió a finales de 2009 su tienda, de 550 metros cuadrados, con un aspecto innovador y vanguardista. La boutique de Omotesando es la expresión más lujosa de la firma en Japón y alberga las colecciones de la línea Burberry Prorsum tanto de hombre como de mujer así como la colección de accesorios. El suelo está realizado en madera oscura espigada mientras que la pared recoge el color trench en la zona dedicada a la línea Outerwear. Los materiales británicos y guiños a los iconos de la firma son protagonistas en el espacio.
Pero de todos, el proyecto más controvertido ha sido Omotesando Hill, conjunto mixto de 130 tiendas y 38 viviendas. Su diseño lo inició Tadao Ando en 1996, en el 2003 se empezó su construcción que acabaría en 2006. Esta obra causó controversia al reemplazar una obra en estilo Bauhaus, los Dōjunkai Aoyama Apartments, uno de los espacios urbanos más ricos e históricamente significativos de Tokio, un conjunto habitacional social construido en 1927 tras el terremoto de Kanto y superviviente a la segunda guerra mundial.
La propuesta de Ando convive con la arboleda de zelkova, una especie japonesa de frondosa copa, que se encuentra en frente del edificio, controlando su altura para que no sobrepase la altura de dicha arboleda. La fachada del edificio se comporta como un anuncio electrónico gigante de 250 metros, compuesta por una serie de pantallas LED que van cambiando continuamente. Para sacar provecho al enorme costo del terreno sin perturbar demasiado el perfil de la calle, Ando optó por construir el mayor número de niveles subterráneos, donde situó las tiendas y algún espacio para el desarrollo cultural. Las viviendas se encuentran en el volumen superior, ya que la idea es aislarlas lo más posible del frenético mundo que se vive bajo ellas, tratando de resolverlas en un mundo aparte, a pesar de encontrarse en el corazón comercial de la ciudad.
fig06. omotesando hill
fig07. omotesando hill project
Fuera de los intentos de integración y respeto por el entorno siempre habrá quién simplifiquen este edificio al calificativo de mall, muy sofisticado y algo culturoso, pero al fin y al cabo un mall.
La arquitectura de todas estas boutiques viene determinada por aquellos valores que las marcas pretenden comunicar, como transparencia, eficiencia, sostenibilidad, modernidad. La creatividad de cada uno de estos edificios ayuda a conseguir la implantación de esos valores y su diferenciación con el resto de las compañías. En Omotesando estos conviven con idénticos mensajes transmitidos por la sociedad japonesa, a través de sus nuevos centros comerciales.
Al final del paseo queda claro que Omotesando es una de las calles más interesantes del mundo para los amantes de la arquitectura y tiendas de lujo. Además hace honor a su ancestral nombre «camino al templo», en esta ocasión a los templos del consumismo.
ana bastero
vigo. marzo 2010
imagenes obtenidas de http://moleskinearquitectonico.blogspot.com
+ articulo
Los edificios premiados han sido el Museo de Arqueología de Álava, en Vitoria, de Patxi Mangado, en la categoría de edificación dotacional; el Palacio del Condestable, en Pamplona, de Fernando Tabuenca y Jesús Leache, en la categoría de rehabilitación y restauración; Top Oulet, comercio textil en Pamplona, de Iñaki Beguiristain e Iñaki Bergera; y Lounge Ms, restaurante en Cadreita, de Antonio Vaíllo y Juan Luis Irigaray, ambos ex aequo en la categoría de interiorismo. Además, de los 10 accésit concedidos por el jurado, 5 corresponden a obras navarras de arquitectos navarros; y de otras 21 obras seleccionadas como finalistas, 13 han sido diseñadas por navarros.
museo de arqueologia de alava de patxi mangado, ganó, ex aequo con otros dos edificios, en edificación dotacional, por crear «una referencia iconográfica»
Al certamen se presentaron un total de 237 obras, y el concurso se ha dividido en diez categorías: edificación residencial; edificación dotacional; edificación industrial; rehabilitación y restauración; interiorismo; ordenación territorial; planeamiento urbanístico; diseño urbano y paisajismo; diseño; y cultura arquitectónica.
Los Premios de Arquitectura COAVN se conceden en el ámbito del Colegio Oficial de Arquitectos Vasco-Navarro, que acoge a las delegaciones de Álava, Guipúzcoa, Navarra y Vizcaya, y esta edición constituye la décima convocatoria del concurso, la primera con caráter trienal (hasta ahora era bienal).
+ www.diariodenavarra.es
¿…es posible rehabilitar una manzana histórica degradada introduciendo en la misma un nuevo uso…?
Ribadavia_ casco histórico almendrado de origen medieval circundado por la muralla medieval aun hoy presente. trama de parcelación gótica irregular acentuada por la fuerte pendiente hacia el río avia, cuyo puente, situado en un meandro del mismo, dio origen a la villa. la casa de la inquisición_ edificación del SXVI de mampostería de piedra, muy deteriorada y propuesta por el planeamiento como futuro museo. manzana_ forma cuadrada con una fuerte pendiente en dirección N-S. edificación perimetral con vacío interior inicialmente dedicado a huertas, que actualmente se encuentra abandonado y fragmentado mediante construcciones ilegales. introducción de un nuevo uso, museo, para reactivar una manzana deteriorada.
Proceso_partiendo de la casa de la inquisición se agregan otras parcelas que permitan alojar la totalidad del programa. en lugar de tomar las edificaciones adyacentes, se toman dos edificaciones fuera de ordenación y deshabitadas situadas en otros extremos de la parcela, por lo que la actuación se hace presente en todas las calles perimetrales, permitiendo fragmentar el programa de cara a un uso independiente del mismo: administración, museo del vino, punto de información y auditorio. estas piezas se unen mediante el espacio central de manzana que se vacía de edificaciones ilegales abandonadas de manera que todo el programa queda así unido de cara a un funcionamiento conjunto del mismo. relaciones_estas piezas independientes establecerán diálogos entre ellas de manera que el conjunto se haga identificable pese a su inserción en la trama. el espacio central de manzana_ se establece como la razón de ser del mismo. su conexión con todas las calles perimetrales lo hacen permeable al exterior. desde este espacio central es el lugar desde donde mejor se percibe el museo en su totalidad.
Obra: Museo de la Ciudad y el Vino
Autor: Juan Ignacio Prieto López
Poyecto Final de Carrera: Etsac
Año: 2008
Emplazamiento: Ribadavia, Orense, España
Memoria: Juan Ignacio Prieto López
+ premios
2º premio acxt proyecto fin de carrera 2oo8_ accesit
premio documentos de arquitectura pfc 2oo8_ 2º premio
x bienal española de arquitectura y urbanismo_ proyecto seleccionado
+ exposiciones
sobresaíntes_colegio de arquitectos de a coruña
cursos de verano_colegio de arquitectos de almería
bienal x_exposicion itinerante
El VII Congreso DOCOMOMO Ibérico tendrá lugar en Oviedo, Asturias, los días 14, 15, 16 y 17 de abril de 2010.
Tras la experiencia de los Congresos celebrados en Zaragoza, Sevilla, Oporto, Valencia, Barcelona y Cádiz bajo los epígrafes ´La habitación y la ciudad modernas: rupturas y continuidades. 1925-1965´, ´Arquitectura e industria modernas. 1900-1965´, ´Cultura: origen y destino del Movimiento Moderno, Equipamientos e infraestructuras culturales, 1925-1965´, ´Arquitectura moderna y turismo: 1925-1965´, ´El GATCPAC y su tiempo. Política, cultura y arquitectura en los años treinta´ y ´Renovarse o Morir? Experiencias, apuestas y paradojas en la arquitectura del Movimiento Moderno´ respectivamente; la Fundación DOCOMOMO Ibérico propone ahora reflexionar sobre la influencia de la técnica en la aparición de la arquitectura del Movimiento Moderno, y en la nueva visión que haría cambiar las interpretaciones de todas las experiencias artísticas, por lo que, desde este objetivo, convoca su VII Congreso bajo el lema: La Fábrica paradigma de la modernidad.
El próximo Congreso DOCOMOMO Ibérico se estructurará en cuatro sesiones que se circunscribirán a dos sectores productivos específicos: Carbón-acero y Energético (térmica e hidráulica).
+ www.docomomo7.es
