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Arquitectura Espontánea | Íñigo García Odiaga

Favela Painting, 2006, un proyecto de Jeroen Koolhaas y Dre Urhahn

Los valores de las ciudades autoconstruidas. La economía de la globalización, con la crisis actual entre sus referentes, arrastra sin concesiones a la sociedad contemporánea hacia un mayor desequilibrio entre clases; tal vez olvidadas en occidente pero ni mucho menos en los países emergentes. Este desequilibrio acentúa las fronteras entre la ciudad del urbanismo y lo que podríamos denominar la ciudad espontánea, la de las favelas, las chabolas o las cañadas reales.

Brasil es reconocida en la actualidad como una de las economías emergentes más importantes del planeta, y curiosamente en este país latinoamericano encontramos a nivel social y urbanos contraste difícilmente reconciliables.

A principios de este año 2010 se celebraba el 50 aniversario de la inauguración de Brasilia, tal vez el proyectos urbanístico construido más ambicioso del siglo XX. El presidente de corte progresista Juscelino Kubitschek organizó un concurso para construir una nueva capital en una zona forestal del centro del país en la que no había nada. El urbanista Lucio Costa proyecto una planta de geométrica rotundidad en forma de boomerang para dar cabida a las infraestructuras de la ciudad y un jovencísimo Oscar Niemeyer construyó con un lenguaje inequívocamente moderno todos los edificios representativos de la ciudad. Cuarenta y un meses después se inauguraba Brasilia, bautizada como un milagro de hormigón surgido de la nada. Brasilia se ideó como una utopía de igualdad y modernidad, pero con la perspectiva que dan los 50 años transcurridos críticos como William J. R. Curtis juzgan hoy fallido el resultado, sobre todo en lo que se refiere al objetivo inicial de igualdad social. El urbanismo planificado del movimiento moderno, con grandes espacios abiertos y enormes manzanas residenciales articuladas por el gran eje monumental de los edificios administrativos ha generado una ciudad dependiente del vehículo en la que los ricos transitan de un lugar a otro y los pobres están obligados a vivir en ese espacio vacío.

Brasilia, Lucio Costa y Lucio Costa

En el otro extremo y con una historia antitética se encuentra Rocinha. Rocinha es el nombre de una de las favelas más grandes de Rio de Janeiro. Según datos oficiales se calcula que en ella residen alrededor de 57.000 personas, es decir una población a medio camino entre la del municipio de Santurtzi e Irun, por establecer dos referentes cercanos. En 1931 se levantó la considerada como primera edificación ilegal de la favela, los trámites para su derribo comenzaron en el año 1952. La desidia de una administración muy burocratizada propició que muchos inmigrantes llegados a Rio para trabajar en las obras de infraestructuras de la zona sur de la ciudad buscasen su espacio en Rocinha.

Son innegables los problemas que estos métodos espontáneos de colonización del territorio generan. Barrios con problemas de salubridad, con redes de suministro sin ningún tipo de control, la utilización de solares con serios problemas de estabilidad del terreno, a los que hay que añadir problemáticas de índole social como la inseguridad, el analfabetismo o la falta de servicios sociales.

Rocinha es una favela de la Zona Sur de Río de Janeiro, Brasil

Pero por contraposición al modelo ortodoxo de Brasilia la cohesión social y el sentimiento de colectividad es un valor capital de este «modelo urbano». Tal vez esta condición identitaria fue descubierta por la administración cuando en las protestas y manifestaciones la favela se levantaba como un único elemento social, sin fisuras y con fuertes uniones entre sus miembros.

Precisamente esta condición de colectividad es la que expertos urbanistas han aclamado y utilizado como impulso para la reforma de estos asentamientos. Planes como el Favela Barrio, un programa de acción que mediante pequeños proyectos de cirugía urbana pretende obtener beneficios sociales, promoviendo la integración y la transformación de la favela en barrio. En definitiva romper la imagen de esa «tierra de nadie» que un día alguien hizo suya y que es la imagen de la arquitectura de la pobreza mediante el rescate de los valores inherentes a estos asentamientos como la cultura social de comunidad.

Tanto urbanistas como artistas contemporáneos ven en este sentimiento de colectividad, un potencial que la ciudad académica del tablero de dibujo disciplinar no posee. Esta realidad levanto el proyecto Favela Painting, como una forma de atraer la atención de la comunidad internacional sobre los valores activos que mueven a estas comunidades que han trasgredido la legalidad urbana para poder subsistir.

Favela Painting, 2006, un proyecto de Jeroen Koolhaas y Dre Urhahn

El proyecto Favela Painting se desarrolla en otra barriada marginal de Rio, Vila Cruzeiro, dirigido por los artistas de origen holandés Jeroen Koolhaas y Dre Urhahn. El proyecto intenta revalorizar la belleza de las estructuras urbanas surgidas de forma aleatoria, en las que un gran porcentaje de sus habitantes intentan vivir con tranquilidad y honestidad rompiendo la barrera de la pobreza.

La propuesta artística consiste en pintar mediante murales gigantes las circulaciones verticales de las favelas, transformando así los muros que forman las escaleras y las paredes de las viviendas en grandes carteles-escaparate que hacen la favela presente para el reto de la ciudad. Además el proyecto se apoya en la comunidad local para realizar los trabajos que se ejecutan con la misma aleatoriedad y espontaneidad que creó la trama urbana hace casi 100 años.

El valor de estos asentamientos siempre denostados por su origen marginal, reside en su valor social y en el de su arquitectura. Una arquitectura basada en la espontaneidad para dar respuesta a problemáticas individuales que se ha revelado como la mejor de las recetas para la colectividad, en contraposición al urbanismo proyectado para la colectividad que a menudo olvida los problemas del individuo.

Favela Painting, 2006, un proyecto de Jeroen Koolhaas y Dre Urhahn

íñigo garcía odiaga . arquitecto
san sebastián. octubre 2008

Publicado en MUGALARI 10.10.08

Las arquitectas pioneras: la presencia de la ausencia (VII) | Cristina García-Rosales

Las arquitectas pioneras: la presencia de la ausencia (VI) | Cristina García-Rosales

Ahora, y por medio de unas leves pinceladas, me gustaría citar a otra gran arquitecta pionera europea: Margarete Schütte-Lihotzky, fallecida el 23 de enero de 2000 en un hospital de Viena, cuando estaba a punto de cumplir 103 años. Esta arquitecta se especializó en el diseño y construcción de viviendas sociales y sobre todo es conocida por ser la creadora de la célebre Cocina de Frankfurt, prototipo de la cocina funcional y moderna de nuestros días.

Margarete Schütte-Lihotzky

Las enciclopedias, tratados e historias de la arquitectura contemporánea –ya está dicho- raramente citan a las arquitectas pioneras, ni siquiera cuando son conocidas dentro de la profesión, como es este caso u otros similares, y si las nombran lo hacen como si de arquitectos varones se tratara o cuando han sido las esposas o compañeras de importantes arquitectos masculinos.

Así Kenneth Frampton, en su libro «Historia Crítica de la Arquitectura Moderna» escribe:

«La ultraeficiente cocina tipo laboratorio, la Cocina de Frankfurt, fue diseñada por el arquitecto G. Schutte-Lithotzky.”

Hoy sabemos que G. es la inicial de una magnífica mujer de los años veinte, la primera arquitecta austríaca, que firmaba siempre con su  diminutivo: Grethe Schutte-Lihotzky.

Nacida en 1897, fue la hija rebelde de un funcionario austriaco. Estudió arquitectura en vez de seguir la formación de institutriz, una de las escasas posibilidades previstas en la Viena de principios del siglo XX para jóvenes burguesas con ambiciones profesionales. Su original talento pronto se dio a conocer: consiguió varios premios en su ciudad natal (medalla de bronce y de plata de la ciudad de Viena en 1922 y 1923) y  tuvo la gran oportunidad de trabajar con el arquitecto Adolf Loos, autor del libro “Ornamento y Delito”, libro que revolucionaría la arquitectura moderna dando lugar al movimiento racionalista.

Al poco tiempo se trasladó a Frankfurt, donde se asoció con el también arquitecto y urbanista Ernst May. Juntos se embarcaron en un atractivo proyecto social con el que pudo demostrar su capacidad y su valía profesional.

En Frankfurt, al igual que en Berlín, se estaban desarrollando entonces las primeras experiencias europeas en la construcción de viviendas higiénicas y estandarizadas, con el objetivo fundamental de mejorar la calidad de vida de sus habitantes.

Su intención era transformar la tipología de viviendas colectivas del siglo XIX, carentes de instalaciones sanitarias, hacinadas en el interior de oscuras y húmedas manzanas cerradas con pequeños patios interiores de luces. Se pretendían sustituir por viviendas en bloques abiertos, soleados, blancos y luminosos, separados entre sí y asentados entre amplias zonas verdes comunes. Con una mentalidad eminentemente social, se creaban espacios colectivos tales como lavaderos, terrazas cubiertas y otros recintos comunitarios, así como múltiples espacios exteriores, con la intención de favorecer una vida sana y un tejido social íntegro.

El trabajo más importante de Grethe Schuthe-Lihoztky fue el diseño de un barrio que se desarrolló bajo estas premisas y que realizó junto con Ernst May en Frankfurt am Main para las autoridades de la Construcción de la Edificación de Frankfurt. En este barrio se edificaron 15.000 viviendas, representando el 90% de las construidas en esta ciudad en aquel período. Los estándares mínimos de May, gracias a los cuales se produjeron tal cantidad de viviendas, al conseguir abaratar costes, dependían en gran medida de la prefabricación de los elementos de construcción, de la reducción de la superficie habitable, del uso de ciertos dispositivos de almacenaje, como camas y muebles plegables, y sobre todo de la eficiente cocina que Grethe diseñó hasta el último detalle: la «Frankfurter Küche«, referencia emblemática de la vivienda contemporánea, fabricada en serie para unas 10.000 viviendas.

Este primer ejemplo de cocina estandarizada, tenía 6.43 m2 y fue producido por el Ayuntamiento de Frankfurt con precios más baratos de los que ofrecía la industria privada. Estaba destinada a la nueva mujer moderna que no disponía de mucho tiempo de dedicación a las tareas domésticas, con objeto de racionalizar y facilitar su trabajo y mejorar su posición social, al disponer de más tiempo libre para poder desarrollar una actividad profesional fuera del hogar.  “Toda mujer pensante”, escribía Grethe en 1926,

“debe de ser consciente del retraso que tienen aún los métodos domésticos y debe reconocer que éstos obstaculizan su propio desarrollo y, por lo tanto, también el de su familia.”

La cocina de Frankfurt

La «Frankfurter Küche» fue la primera versión de la cocina empotrada moderna, la que ha sustituido a las obsoletas cocinas del siglo XIX. En ella, todas las partes quedan perfectamente integradas y adaptadas en el menor espacio posible de acuerdo con su función, ya sea de almacenaje, de trabajo, de lavado y planchado o de cocinado.

Shutte-Lihotzky vivió la arquitectura como reflejo de una particular filosofía de vida en la que creía y de unos ideales políticos que no dudó en poner en práctica. Afiliada al partido comunista, tomó una postura activa en campañas antifascistas que le costaron cuatro años de cárcel, desde 1941 a 1945. Arrestada por los nazis en Austria pudo librarse, excepcionalmente, de la pena de muerte.

Dedicó la práctica y la teoría de su profesión a la planificación de viviendas para los sectores menos privilegiados de la sociedad, participó en grandes proyectos y fue profesora de arquitectura en Moscú, donde tanto ella como Ernst May, a partir de los años 30, intentaron repetir sin mucho éxito el programa de construcción de viviendas realizado en Frankfurt. Ella lo intentó en China, Estambul y en la Habana, antes de encontrar en Austria, su país, un reconocimiento tardío, aunque caluroso.

Su obra se expuso por primera vez en 1993, en el Museo de Artes Aplicadas en Viena. Fue allí donde, en 1997, Margarethe, ya respetable colega femenina entre sus compañeros arquitectos, celebró su propio centenario bailando un último vals.

Cristina García-Rosales. Arquitecta
Madrid. Abril 2014

Las arquitectas pioneras: la presencia de la ausencia (VIII) | Cristina García-Rosales

 

Las arquitectas pioneras: la presencia de la ausencia (VI) | Cristina García-Rosales

Las arquitectas pioneras: la presencia de la ausencia (V) | Cristina García-Rosales

Aino & Alvar Aalto

Pasamos ahora a una etapa algo posterior -1924-1949- y nos vamos a Finlandia, el llamado país de los mil lagos.

Aino Marsio Aalto, fue una arquitecta finlandesa graduada en 1924 en Helsinki, compañera del arquitecto Alvar Aalto.

Aino e Alvar Aalto. AAA. La firma de las tres aes en todos sus proyectos permanecerá siempre hasta la muerte por cáncer de Aino en 1949. Sin embargo, la discreta compañera brilla por su ausencia en la mayoría de los textos y en las enciclopedias. Tampoco ha sido reconocida en su justa dimensión, su figura se ha silenciado y olvidado como si pudiera temerse que hiciera sombra a Alvar Aalto.

Si Eileen Grey era la sofisticación y el glamour, Aino, podría ser la sencillez y la funcionalidad.

Vasos de Aino

Dotada de gusto innato, no aceptaba la moda, utilizaba su propia sensibilidad vanguardista, apreciando los materiales y técnicas naturales finlandesas tanto en la fabricación de muebles como en el diseño de espacios y objetos.

Fueron, ella y su marido, una excepcional pareja de arquitectos que trabajaron activamente como asociados durante 25 años, anticipándose a su momento histórico, no sólo en sus proyectos sino en su modo de trabajar,  formando una pareja fuera de época. Hasta que ella falleció y él se volvió a casar con Elsa, arquitecta también, que se ciñó a los deseos arquitectónicos de su compañero, limitándose a dibujarlos.

Aino y Alvar acometieron en su joven treintena primeros encargos de arquitectura de tanta envergadura como el Sanatorio Antituberculoso de Paimio en 1929, la Biblioteca de Viipuri, con sus techos ondulantes, o el Pabellón de la Feria Mundial de París en 1938, todo un adelanto a la modernidad. Juntos también se implicaron en el diseño de muebles y objetos que fabricaron en serie y distribuyeron por medio de la firma Artek (junto con sus amigos, el matrimonio Gullichsen). Firma que contribuyó a lanzarles al estrellato internacional.

Sus obras de arquitectura conjuntas tenían algo de collage tridimensional, de composición por partes, de complejidad evidente o de falta de unidad generadora, características propias de la obra de Alvar Aalto, pero también características de las obras realizadas por dos manos diferentes.

En este sentido, su máximo exponente es, sin duda, la Villa Mairea construida entre 1937 y 1939, y en la que se evidencia la acumulación de diferentes ideas que se superponen, dando un bellísimo resultado repleto de matices.

La Villa Mairea es una vivienda de lujo situada en un claro del bosque, no lejana al mar, diseñaba para la pareja Gullichsen, sus amigos multimillonarios con los que se unieron empresarialmente a través de la firma Artek y con los que les unía unos mismos ideales. Una vivienda que se ha convertido en un emblema de la arquitectura contemporánea finlandesa. Una casa, entendida por los Aalto como un laboratorio experimental.

Una casa compleja con rasgos modernos y un planteamiento vernáculo o tradicional. Moderna por la composición en distintos elementos diferenciados en planta. Y tradicional por la manera de asentarse en el terreno y por muchos de sus múltiples detalles y formas constructivas: las láminas superpuestas de pizarra negra bajo las ventanas, que entonan con sus bastidores de madera de teca o la banda amarilla de abedul que se extiende a todo lo largo, en su parte superior.

Villa Mairea

De esta villa el historiador Sigfried Giedion escribió:

Es como una pieza de música de cámara en la que, solamente con la máxima atención, se percibe la finura de sus soluciones e intenciones. Las amplias ventanas permiten la interpenetración de los espacios interior y exterior, parece como si el bosque penetrara en la casa y como si hallara su correspondiente eco en las sutiles columnas de madera, envueltas en cuerdas, que los representan.”

Alvar y Aino Alto se complementaban como ocurre con muchas parejas de arquitectos. Y el secreto de su éxito se basaba, tal vez, en una profunda relación integradora entre cualidades humanas y artísticas complementarias. Si Alvar era inquieto, ardoroso e imprevisible, Aino era constante, perseverante y reposada; si él era extrovertido, mundano y gran comunicador, ella valoraba su mundo interior y actuaba firme, pero entre bastidores; si él prefería dejar volar su fantasía e imaginación y dibujar “free hand”, ella era práctica, moderada, hábil delineante y profesional eficiente, cuidando hasta el más mínimo detalle. “Tal vez”, escribe Giedion,

le sea beneficioso a un volcán, que la mole de la montaña se halle circundada por las tranquilas aguas de un río…”

No hay duda que la práctica mente de Aino se combinaba -con singular maestría- con la intuitiva y espontánea imaginación de Alvar. Pero tampoco hay duda que, mientras él ha sido internacionalmente reconocido, ella ha sido ninguneada y silenciada.

Cristina García-Rosales. Arquitecta
Madrid. Marzo 2014

Las arquitectas pioneras: la presencia de la ausencia (VII) | Cristina García-Rosales

Contrúe en verde

La Escola de Enxeñería Forestal de la Universidade de Vigo inicia las actividades de Constrúe en Verde, un proyecto que pretende sensibilizar a la sociedad sobre el uso de materiales sotenibles, con una charla del profesor de Ingeniería de los recursos naturales y medio ambiente, Juan Picos, sobre Materiales Sostenibles-Madera y la visita a la Estación Marítima de Vilanova de Arousa, como ejemplo arquitectónico de edificación sostenible y uso de materiales ecológicos que fue premiado por su innovación. Los interesados pueden inscribirse, de manera gratuita, en info@portal48.es

La charla de apertura se celebrará el viernes 11 de abril, a partir de las 19:30 horas, en la Escuela de Enxeñaría Forestal que presentará Antonia Blanco, Vicerreitora do Campus de Pontevedra da Universidad de Vigo y Anxos Riveiro, Concelleira de Cultura do Concello de Pontevedra.

El sábado 12 de abril, se realizará una visita guiada por la Estación Marítima de Vilanova de Arousa en la que participarán: el presidente de Portos de Galicia, José Juan Durán Hermida; la secretaria general de Confemadera Hábitat Galicia, Ana Oróns y que estará guiada por el arquitecto de la obra Ángel Cid, del estudio de arquitectura 2C Arquitectos y Manuel Touza, jefe del área de innovación y tecnología del CIS Madeira.

También se ha programado una segunda actividad, que se celebrará el viernes 25 y el sábado 26 de abril, con la visita a una edificación sostenible del IES A Xunqueira y una charla sobre Arquitectura y urbanismo sostenible.

Concurso de ideas para edificación sostenible

Constrúe en verde es un proyecto de estudiantes y profesionales de la Universidad de Vigo y vecinos de un barrio de Pontevedra que tiene por objetivo final convocar un concurso de ideas para decidir el diseño y la construcción de una edificación que responda a las necesidades reales de los vecinos. Como paso previo se desarrollan actividades de divulgacion sobre materiales sostenibles.

Esta iniciativa está dentro de TANGRAM, un programa de promoción social y cultural, promovido por la Vicerreitoría do Campus de Pontevedra da Universidade de Vigo, que cuenta con la colaboración de la Concellería de Cultura do Concello de Pontevedra, que intenta encajar las piezas para que la red de conocimiento especializado que representa la Universidad y el saber hacer de los cuidadanos colaboren de manera equilibrada, sostenible y permanente.

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CTE: Nueva versión de la herramienta de cálculo del DB-HR

Para facilitar la aplicación de la Opción General se ha desarrollado una herramienta informática que contiene y desarrolla la formulación del CTE DB HR y que permite verificar el cumplimiento de los casos más frecuentes.

La herramienta sirve para realizar uno a uno el chequeo del aislamiento acústico de parejas de recintos a ruido aéreo y de impactos o simultáneamente y para calcular la absorción acústica y tiempo de reverberación.

Es aplicable a los proyectos de rehabilitación y edificación existente.

Se trata de una reprogramación de la anterior versión de herramienta de cálculo que la convierte en una aplicación informática multiplataforma que puede ser ejecutada en los sistemas operativos MacOS, Windows y Linux. La aplicación incluye un manual de usuario que muestra de forma sencilla cómo se utiliza.

La herramienta incorpora los datos del Catálogo de Elementos Constructivos y el usuario puede añadir sus propias soluciones caracterizadas. Se han añadido además nuevos elementos constructivos que pueden ser habituales en edificación existente.

Se ha mejorado considerablemente la usabilidad de la herramienta con respecto a las versiones anteriores, superando muchas de las limitaciones que presentaban. La introducción de nuevos modos de selección de elementos constructivos y uniones, la agrupación de casos de cálculo en proyectos, así como el uso de otras tecnologías de bases de datos, proporcionan a la nueva versión una mejora una mejora sustancial en cuanto a la facilidad de uso.

La herramienta es libre y gratuita.

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Arquia/Maestros 01 · Oriol Bohigas

Oriol Bohigas. Entrevistado por Luis Fernández-Galiano

ORIOL BOHIGAS I GUARDIOLA (Barcelona, 1925) ha sido algo más que el autor intelectual de la Barcelona contemporánea: su fértil carrera desborda los límites de la arquitectura, y es inseparable de la cultura de Cataluña en la segunda mitad del siglo XX.

La extensa entrevista realizada por Luis Fernández-Galiano recorre su trayectoria desde sus inicios estudiantiles –con la trágica pausa de la Guerra Civil-, la creación del despacho MBM con Josep Martorell y David Mackay, y la fundación del renovador Grup R en los años cincuenta, y hasta los años de transformación urbana de Barcelona en vísperas de los juegos olímpicos de 1992, y el reconocimiento internacional que se extendería a los primeros compases del siglo XXI.

Entremedias, la prolífica obra de la oficina durante los desarrollistas años sesenta se comenta en relación a la no menos abundante producción crítica e histórica de Bohigas durante esa etapa, y los turbulentos setenta se reflejan en la renovación pedagógica de las obras escolares, en el compromiso intelectual con la Escuela de Arquitectura, y en un sinfín de aventuras editoriales y artísticas que llegan hasta nuestros días.

AUTOR DEL LIBRETO. Luis Fernández-Galiano
Es arquitecto, catedrático de Proyectos en la Escuela de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Madrid y director de las revistas AV/Arquitectura Viva desde 1985. Entre 1993 y 2006 estuvo a cargo de la página semanal de arquitectura del diario El País, donde actualmente colabora en la sección de Opinión. Miembro de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y de la Real Academia de Doctores, es International Fellow del RIBA, ha sido Cullinan Professor en la Universidad de Rice, Franke Fellow en la Universidad de Yale, investigador visitante en el Centro Getty de Los Ángeles y crítico visitante en Harvard y Princeton, así como en el Instituto Berlage; y ha dirigido cursos de las universidades Menéndez Pelayo y Complutense. Fue también director de los congresos internacionales de arquitectura ‘Más por menos’ (2010) y ‘Lo común’ (2012). Presidente del jurado en la 9ª Bienal de Arquitectura de Venecia, experto y jurado del premio europeo Mies van der Rohe, ha sido comisario de las exposiciones El espacio privado, Eurasia Extrema (en Tokio y en Madrid), Bucky Fuller & Spaceship Earth y Jean Prouvé: belleza fabricada (estas dos últimas con Norman Foster), así como de Spain mon amour (en la 13ª Bienal de Arquitectura de Venecia y en Madrid) y The Architect is Present. Asimismo, ha formado parte del jurado de numerosos concursos internacionales en Europa, América y Asia, incluyendo los de la Biblioteca Nacional de México, el Museo Nacional de Arte de China y la Biblioteca Nacional de Israel, en este último caso como presidente. Entre sus libros se cuentan La quimera moderna, El fuego y la memoria (publicado en inglés con el título Fire and Memory), Spain Builds (con el MoMA en la versión inglesa, y presentado en su versión china con simposios en Shanghái y Pekín) y Atlas, arquitecturas del siglo XXI, una serie de cuatro volúmenes.

ORIOL BOHIGAS. Entrevistado por Luis Fernández-Galiano
Director del documental: Joan Úbeda y Gilbert Arroyo
Autor del libreto: Luis Fernández-Galiano
Año de Producción: 2013
Formato: DVD
Duración: 62′
Colección: arquia/maestros
Nº de la colección: 1
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Premio Rafael Manzano Martos 2014 (convocatoria)

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PREMIO RAFAEL MANZANO MARTOS DE ARQUITECTURA CLÁSICAY RESTAURACIÓN DE MONUMENTOS 2014

El Premio Rafael Manzano Martos de Arquitectura Clásica y Restauración de Monumentos se otorga a profesionales vivos cuya obra encarne los principios de la arquitectura y el urbanismo clásicos y tradicionales en el mundo contemporáneo. El conjunto de la obra del candidato elegido no sólo debe estar dirigida a la preservación y rehabilitación del patrimonio arquitectónico y urbano tradicional español, sino también a contribuir a la continuidad de las tradiciones constructivas y arquitectónicas que lo configuran.

El Premio toma su nombre del arquitecto Rafael Manzano Martos, quien ha dedicado su vida profesional a la preservación del patrimonio arquitectónico y urbano español a través, tanto de la restauración, como del diseño de nuevas arquitecturas basadas en ese patrimonio.

El Premio Rafael Manzano Martos 2014 está convocado por The Richard H. Driehaus Charitable Lead Trust y University of Notre Dame School of Architecture (Indiana, Estados Unidos), con la colaboración de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid) y FUNDACIÓN MAPFRE. El ganador del premio recibirá 50.000 euros y una placa conmemorativa.

Los candidatos deberán presentar antes del 23 de mayo de 2014 la documentación.

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Oficinas Dardo | RVR Arquitectos

Se trataba de la habilitación de un local en planta baja de un edificio de viviendas en la periferia de Santiago para su uso como sede de la editorial Dardo.  El local, estrecho y largo tiene dos fachadas a dos calles de carácter peatonal que aprovechamos para plantear un acceso independiente desde cada una de ellas.

La propuesta de proyecto se definió mediante la construcción de una gran estantería para almacenar los libros tanto de consulta como de producción propia de la oficina.

Esta estantería de unos 14 metros de longitud y 2,30 metros de alto disecciona funcionalmente el local separando las zonas de trabajo de las de entrada, aseo y almacén.

Las zonas de trabajo se distribuyen en paralelo a la estantería con la ubicación de dos despachos vinculados a cada una de las dos fachadas a la calle y una zona central de trabajo en común que los conecta.

Los despachos y la zona central de trabajo reciben luz natural desde las dos fachadas mediante grandes huecos acristalados en la mitad alta de las mismas.

La parte baja de las fachadas es en cambio más opaca para conceder privacidad y un cierto anonimato a los espacios interiores de trabajo.

La construcción es de mínimos, regida por el mínimo coste posible: el interior está dominado por esa gran estantería que recorre el local, los suelos son de hormigón y las paredes son el propio ladrillo de obra pintado, las nuevas fachadas se construyeron mediante perfilería y planchas de aluminio anodinado natural.

Obra: Oficinas Dardo
Emplazamiento: Santiago de Compostela. Galicia. España
Autor: RVR Arquitectos (Alberto Redondo+José Valladares+Marcial Rodríguez)
Año: Proyecto: 2008. Construcción: 2009
Memoria:  RVR Arquitectos
Fotografías: RVR Arquitectos
+ rvr-arquitectos.es

Paisajes con Alma. Inventario de lugares para rezar

«Los paisajes con alma que nos propone en este libro Eduardo Delgado Orusco, son paisajes del alma con calma, con la calma que concede a la arquitectura la presencia del espíritu. Estas arquitecturas son paisajes atravesados por el soplo de un aura suave, aquel rumor en el que Elías reconoció la presencia de Dios.

¿Cómo podríamos definir mejor la sagrada presencia que late en estas 7 obras que ahora se presentan en este libro? Desde las primeras Trazas Romanas hasta la última, la Columna de fuego, todas están impregnadas de ese algo sagrado, de ese algo sublime que impregna toda obra de arquitectura que merezca la pena.»

Alberto Campo Baeza

Paisajes con alma que nos propone en este libro de Eduardo Delgado Orusco, son paisajes del alma con calma, del alma calma, con la calma que concede a la arquitectura la presencia del espíritu. Estas arquitecturas son paisajes atravesados por el soplo de un aura suave, aquel rumor en el que Eías reconocío la presencia de Dios.

Este libro es un recorrido con Bernini y Borromini. Con Palladio y Miguel Angel. Con los grandes maestros constructores del románico y del gótico, pero también, con Le Corbusier o con Schwartz o con Mies Van der Rohe.

Un recorrido que no olvida la arquitectura española moderna, Sota y Oiza, Carvajal y Fisac de manera especialísima. Todos ellos acompañados por arquitecturas para la eternidad a través de sus iglesias maravillosas.

Título: Paisajes con Alma. Inventario de lugares para rezar
Autor del texto: Eduardo Delgado Orusco.
Prólogo: Alberto Campo Baeza
Idiomas: Castellano, Inglés.
Editor: RU Books
ISBN: 978-84-616-6566-2
PVP con IVA: 18 €
Nº de páginas: 160
Dimensiones: 170×210 mm
Cubierta: Blanda
Materia: Arquitectura, Historia de la arquitectura, Arte Contemporáneo, Espacios de culto

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Conferencia de Zef Hemel

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The Wiki City: Building buy-in at the planning stage. Conferencia de Zef HEMEL_Deputy Managing Director of the Urban Planning Department, City of Amsterdam

Zef Hemel

Director General Adjunto del Departamento de Planificación Urbana de la Ciudad de Amsterdam desde 2004.

Anteriormente fue Director de la Academia de Arquitectura de Rotterdam (2001 a 2004), miembro del grupo de expertos del Ministerio de Vivienda, Ordenación del Territorio y Medio Ambiente en los Países Bajos y secretario del Consejo Asesor de Ordenación del Territorio.

Desde enero de 2012 ocupa la Cátedra Wibaut en la Universidad de Ámsterdam como profesor de Cuestiones Urbanas. Escribió “Cómo construir el camello. Un nuevo museo de arquitectura para los Países Bajos” (1989), “El paisaje de los pólderes de IJsselmeer. Planificación, distribución y diseño” (1994), “¡Ciudades creativas!” (2001) y “Estado Libre de Amsterdam” (2010).

Zef Hemel estudió Geografía en la Universidad de Groningen y se doctoró en Literatura en la Universidad de Amsterdam (1994) sobre el trabajo de planificación urbana en Cornelis van Eesteren IJsselmeerpolders. Antes de recibir el Premio del Año Profesor Ter Veen 1994.

sOpA14

¿Qué es sOpA´14?
Educar en lo común, contactar, facilitar el acceso y la transmisión al patrimonio en el medio rural. Trabajar en el sentimiento colectivo, con gente que quiere comprometerse con la comunidad, que quiere cambiar las formas de relacionarnos con nuestra cultura. Emancipar el conocimiento mediante la expansión de los saberes y la cocreación de contenidos y metodologías.

Os presentamos la II Edición del sOpA: Congreso Internacional sobre Educación y sOcialización del pAtrimonio en el Medio Rural, que tendrá lugar en Celanova entre el 22 y el 27 de Septiembre de 2014.

Este año el congreso sOpA quiere serun foro de presentaciones tanto de profesionales como aquellas articuladas por otros agentes vinculados al patrimonio más un lugar de conversación, exploración teórica y metodológica + un lugar en donde experimentar mecanismos conjuntos de acción.

Esta convocatoria se ha estructurado en dos sesiones temáticas en las que deberán basarse la presentación de las distintas propuestas: teoría constructiva y metodologías participativas.

Educar en lo común, contactar, facilitar el acceso y la transmisión al patrimonio en el medio rural. Trabajar en el sentimiento colectivo, con gente que quiere comprometerse con la comunidad, que quiere cambiar las formas de relacionarnos con nuestra cultura. Emancipar el conocimiento mediante la expansión de los saberes y la cocreación de contenidos y metodologías. (…)”

Para más información os dejamos el enlace a la web del congreso y a su página de facebook. 

Materfad, centro de materiales

Desde esta semana la base de datos de materiales innovadores de Materfad se puede consultar de manera totalmente libre y gratuita: más de 2000 materiales, información técnica, detalles de aplicaciones, información de contacto, un almacén de materiales favoritos y muchas funcionalidades más, al alcance de cualquier usuario interesado en descubrir nuevos materiales.

La base de datos, la primera de estas características en castellano, cuenta con un potente buscador de materiales con más de 150 criterios de búsqueda.

 

Esta nueva base de datos inicia su andadura al mismo tiempo que Materfad Barcelona abre sus puertas en su nueva sede del Disseny Hub Barcelona. En este nuevo espacio, la experiencia de consulta de nuevos materiales se centra en la relación entre las muestras físicas y la información asociada en la base de datos.

A través de un sistema de consulta RFID, los usuarios de la materioteca tienen a su disposición una serie de equipos (tablets, PC y lectores portátiles) para explorar la información de todos los materiales repartidos por el showroom. Este nuevo sistema de consulta ha sido implantado gracias al apoyo del Ayuntamiento de Barcelona – Instituto de Cultura.

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La arquitectura moderna y el poder. España y el mundo en el s. XX | Antón Capitel

Construcción del Palazzo della Civiltà Italiana. Arquitectos Giovanni Guerrini, Ernesto Bruno La Padula y Mario Roman (Courtesy of Wikicommons)

Con alguna frecuencia he tenido que explicar, como profesor, la arquitectura de los años 40 en el franquismo, o la del nazismo en los 30. Siempre digo que tanto el nazismo como el franquismo tuvieron a la arquitectura moderna como un enemigo, lo que en realidad resulta insólito, pues la arquitectura moderna -dijeran lo que dijeran algunos críticos e historiadores, o digan lo que digan ahora- no tenía contenido ideológico directo alguno. Bien pudiera haber ocurrido que el dictador nazi hubiera sido un entusiasta de la modernidad, incluso por presumir de radical, y hubiera promovido una arquitectura que en buena medida podía considerarse alemana. En gran modo así se hizo en Italia, por ejemplo, y bajo el dictador fascista. Sin embargo, no era así en el nazismo; el jefe era partidario de la arquitectura clásica y académica, en lo que denunciaba su retraso y su falta de educación, y la impuso como tantas cosas.

En el dictador español la cosa era algo distinta, pues aquel ser no tenía mucho criterio en nada que no fuera político, y fueron algunos arquitectos -sobre todo uno- los que impusieron una política arquitectónica conservadora, lo que cuadraba con los gustos convencionales, de clase media baja, del dictador.

Bien, pero, en definitiva, ¿por qué la identificación de la arquitectura moderna como un enemigo, si éste en realidad no lo era, y su adopción hubiera permitido presumir de progresismo técnico y artístico?

En el caso de España quizá pueda esbozarse una contestación.

Sin olvidar la difícil situación a la que había llegado el país bajo el régimen republicano, en buena medida imposible de disculpar, y aunque aquélla no fuera una responsabilidad tan directa de los políticos como se suele decir, pues abundó el sabotaje de unos y de otros, la supuesta «salvación de la Patria» que decidieron llevar a cabo los militares y aquellos que les ayudaron, no se sostiene como razón, y aparece más bien como simple coartada.

La guerra civil no fue un simple golpe de Estado para enderezar el régimen republicano e imponer el orden, lo que podría haber sido. Fue una guerra cruenta, fratricida, artificialmente sostenida en su larga duración para liquidar al enemigo al máximo posible y cambiar por completo la estructura política del país. Si la guerra, según tantos, era inevitable, el resultado tras ella no lo era. Una república parlamentaria se sustituyó por una dictadura personal, al mando de un general de brigada africanista, sin otros méritos que su prestigio entre la extrema derecha, su astucia y su crueldad, ya exhibida con su acción al sofocar y reprimir la revolución de Asturias en 1934.

El oscuro y astuto general de brigada se libró por accidente de sus principales rivales, el general Sanjurjo, Marqués del Rif (africanista como él, que fue su jefe y ya anteriormente sublevado contra la república) y Emilio Mola Vidal (organizador de la rebelión), ambos más inteligentes y de pensamiento político menos limitado del de aquél que luego se las arregló, con trampas bien conocidas, para ser nombrado dictador.

El general de brigada se ascendió a sí mismo a capitán general y pasó a presidir una cruenta y despótica dictadura, apoyado en las derechas, en general, pero sobre todo en un ejército pretoriano, guardaespaldas y cómplice de la operación y pagado con la corrupción más absoluta. No salvaron la Patria, se limitaron a apoderarse de ella. Se apoderaron del Estado y de la sociedad y la pusieron a su servicio. Ello pasó por la destrucción del país, por la muerte y el asesinato de muchos cientos de miles, y por la instauración de la corrupción sistemática y de la entronización social de los negocios sucios.

Ahora, bien, todo esto ¿qué tiene que ver con la arquitectura moderna? Nada en absoluto, pero tampoco tenía nada que ver la arquitectura con la ideología de otros países que, sin embargo, reaccionaron fuertemente en relación a ella. Stalin suprimió violentamente la arquitectura rusa de vanguardia para dar paso a un academicismo decadente «al servicio del pueblo». De Hitler y de Mussolini ya hemos hablado. En Estados Unidos, lo más importante de la arquitectura oficial, las grandes obras en Washington construidas en los años 30, eran un «revival» del neoclásico. En Inglaterra, no sólo las obras oficiales, sino también muchas de las privadas, al menos en Londres, fueron obligadas a servir un clasicismo decadente, que pretendía aún representar al imperio, y que ya flaqueaba incluso en las hábiles manos de Lutyens. La sacralización de la arquitectura moderna como arquitectura de la democracia por parte de los aliados al acabar la segunda guerra mundial fue un apresurado invento, al comprobar que el viejo y vencido enemigo -el nazismo- y el inmediatamente antes aliado y ahora enemigo -el comunismo- practicaban el clasicismo, como ellos mismos también habían hecho. Era, preciso, pues, distinguirse y entronizar un nuevo icono capaz de representar a las «democracias».

En la España franquista, feroz régimen dictatorial, la propaganda era enormemente necesaria, por lo que ya se ha dicho, pues se trataba de justificar por sublimación el hecho de haberse apoderado del país y de haber provocado tal desastre material y tan incontable número de muertos entre los propios compatriotas. La arquitectura fue llamada así a unirse a la propaganda. Quizá el general de brigada devenido dictador y Pedro Muguruza Otaño, arquitecto guipuzcoano a quien el militar africanista había nombrado «Director General de Arquitectura», urdieron juntos la grosera trama de resucitar la arquitectura ecléctica, a la que se iba a llamar «Nacional» -no era la primera vez- y oponerse a los incipientes racionalismo y expresionismo, más o menos identificados con la república por simples razones temporales, y a la que se iba a llamar «arquitectura roja». Quizá el invento fue más bien de Muguruza, que se lo propuso al general de brigada, el cual aplaudiría la ocurrencia, que venía a coincidir con su mediocre gusto de hombre ineducado.

Se promovió, pues, la arquitectura historicista como «arquitectura española». Los arquitectos hubieron de desempolvar sus antiguos libros y manuales de principios de siglo, y tan sólo a uno, Luis Moya Blanco, no le tembló la mano al hacer clasicismo, jugando un papel comparable al de Lutyens en el Reino Unido de anteguerra, aunque más solitario aún.

La pesada broma no pasó de los años 40, salvo en el caso de Moya. Los jóvenes arquitectos franquistas convirtieron pronto la arquitectura moderna en la imagen del Estado y de la sociedad de la dictadura.

La arquitectura se usó así, por unos y por otros, al servicio de la ideología, sin que ésta pudiera verdaderamente contenerla. Fue, por parte de todos, un abuso con respecto a nuestro arte, que si había estado ya a lo largo de la historia al servicio del poder, como es lógico, nunca había sufrido, hasta el siglo XX, manipulaciones tan groseras y tan extraordinarias.

Antonio González-Capitel Martínez · Doctor arquitecto · catedrático en ETSAM
Madrid · febrero 2010

He gives shape to things to come | Jorge Gorostiza

Anuncio de International Projectionist, enero-diciembre 1950

Hace bastantes meses publiqué en este blog un anuncio de Kodak en el que se hablaba sobre el arquitecto y el cine. Ahora he encontrado otro, esta vez sobre el director artístico y su trabajo cinematográfico, en un número de la revista International Projectionist del año 1950. El texto es el siguiente:

«Él da forma a lo que vendrá…

SU habilidad para ver cada guión a través del ojo de la cámara… para pintar con pincel y lápiz los reflejos dramáticos de la historia… y, finalmente, transformar bocetos en escenarios de auténtico mérito.

Él es el director artístico de la pantalla, a la vez receptivo y responsable. No sólo debe ser sensible al ambiente de la historia… teniendo plenamente en cuenta, además, la personalidad de la estrella… pero también ha de ser consciente siempre de los aspectos prácticos de la producción cinematográfica, ser capaz de trabajar en estrecha colaboración con decenas de oficios con y sin el estudio.

Por encima de todo, el director artístico conoce la importancia de la reproducción fiel de los valores que crea… una misión que está muy contento de ver competentemente manejada por la famosa familia de películas cinematográficas Eastman.»

La verdad es que la fotografía de lo que parece ser un western con un actor parecido a Eli Wallach, no refleja la complejidad del trabajo que debe afrontar un escenógrafo cinematográfico; en cuanto al personaje del dibujo inferior, sentado en su tablero de dibujo y con un cigarrillo en la mano izquierda, podría ser cualquier diseñador o ilustrador, salvo porque está dibujando la escena que está en la fotografía, lo que no tiene sentido alguno, ya que debería estar ideando y luego representando los decorados que rodean a los personajes y no a éstos, aunque parece que tiene fijado el guión en el tablero. De todos modos siempre es interesante que se publicasen anuncios como éste, que informa y divulga el importantísimo trabajo de los directores artísticos, diseñadores de producción o como quieran autodenominarse los escenógrafos cinematográficos.

Jorge Gorostiza, arquitecto. Autor del blog Arquitectura+Cine+Ciudad
Santa Cruz de Tenerife, abril 2014

Mike Wallace entrevista: Frank Lloyd Wright

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Esta entrevista fue registrada en dos partes. Frank Lloyd Wright, uno de los mayores arquitectos del siglo XX, charla con Mike Wallace sobre la religión, la guerra, la eutanasia, el arte, críticos, su rascacielos, la juventud de América, el sexo, la moralidad, la política, la naturaleza, y la muerte.


La entrevista entera, realizada 9/1/1957, puede ser vista en:: hrc.utexas.edu

Influencias en el dibujo de Aldo Rossi: matando al padre | Borja López Cotelo

Influencias en el dibujo de Aldo Rossi: matando al padre | Borja López Cotelo
Bocetos de Aldo Rossi

A menudo el tiempo diluye la certeza. Aldo Rossi emergió en la segunda mitad del siglo XX como el hombre llamado a iluminar una generación a la sombra de la modernidad. Iconoclasta precoz en su propuesta revisionista del urbanismo contemporáneo, muchos creyeron ver en su teoría el camino a seguir en la definición de una nueva arquitectura. Sus postulados sobre el valor de lo heredado o la capacidad semiológica de la forma, su crítica al ‘funcionalismo ingenuo’ o su firme defensa de la especificidad de la disciplina, sedujeron a sus coetáneos con la misma intensidad que su obra construida lo condenó ante las nuevas generaciones.

Pero pocos dudan aún hoy de la capacidad de sugestión de sus dibujos. Sus edificios transmiten, en ocasiones, una apática distancia con respecto a quien los mira y, en otras, una casi infantil voluntad de comunicar las obsesiones de quien los ha concebido. Rossi nos legó el hieratismo del cementerio de San Cataldo y la ingenuidad formal del Teatro del Mondo.

Sus dibujos, sin embargo, son capaces de evocar visiones sustraídas de una realidad extraordinariamente densa. Dibujaba sus recuerdos y deseos, los inventariaba en catálogos de imágenes que llamaba ‘objetos de afecto’ 1 : chimeneas industriales, viviendas reducidas a esqueletos extraídas de su infancia padana, enormes frontones que había reconocido a lo largo de su vida en teatros o casetas de playa, pilares que sugerían construcciones palafíticas del Adriático. Todos  reaparecían de manera obsesiva en los cuadernos de Rossi mucho antes de materializarse en Gallaratese, Broni o Segrate.

Estos bocetos desnudan al arquitecto milanés y lo muestran como un hombre permeable a otras artes y otros tiempos. Hasta sus planos se filtra la influencia de Boullée, del mismo modo que sus dibujos revelan su fascinación por la pintura de De Chirico.

Influencias en el dibujo de Aldo Rossi: matando al padre | Borja López Cotelo
Bocetos de Aldo Rossi

Rossi nunca lo aceptó. El único vínculo que reconocía con Boullée era haber sido responsable de la traducción de sus obras2. Pero las secciones que presentó al concurso del Cementerio de Módena, realizadas en 1971, se empeñan en llevarle la contraria. Es difícil no ver en ellas la herencia de las arquitecturas que, dos siglos antes, había dibujado Boullée. Sólo así se entiende su indefinición constructiva, su rotundidad geométrica o la solidez de las sombras arrojadas.

Influencias en el dibujo de Aldo Rossi: matando al padre | Borja López Cotelo
Cenotafio de Étienne-Louis Boullée, s.XVIII | Cementerio de Módena, 1972. A. Rossi y G. Braghieri

La pintura siempre había fascinado a Aldo Rossi. En su ‘Autobiografía Científica’ señala ciertas obras de Angelo Morbelli o Antonello da Messina como inspiración de su arquitectura. Pero en esta relación de pintores, lo más llamativo es la omisión de quien parece haber tenido una influencia más determinante, Giorgio de Chirico.

Sus escenas en las que sombras alargadas y colores intensos sugieren un ocaso permanente, sus edificios basados en la repetición secuencial de ventanas y pilares, sus alteraciones de la perspectiva alejadas de la composición renacentista, parecen haber condicionado el modo de ver el mundo de Rossi y, en última instancia, su manera de hacer arquitectura. El vínculo se hace aún más evidente cuando el arquitecto milanés dibuja escenografías pobladas por maniquíes, seres inanimados entre el sujeto y el objeto que habían caracterizado la obra de Giorgio de Chirico. Sin embargo, Rossi parecía empeñado no sólo en matar al padre, sino en hacerlo sin dejar huellas.

Influencias en el dibujo de Aldo Rossi: matando al padre | Borja López Cotelo
Cuadros de G. de Chirico | Dibujos de Aldo Rossi

No se distingue en el dibujo del arquitecto italiano ningún parentesco con Le Corbusier, con su línea serrada heredera del cubismo. Tampoco con los extraordinarios dibujos de Louis Kahn o Alvar Aalto, ni con las precisas perspectivas de Mies van der Rohe. Su voluntad de alejamiento de la ortodoxia moderna parece haber comenzado con el dibujo. Quizá por eso, en sus años de estudiante en el Politécnico de Milán, el profesor Sabbioni le recomendó el abandono de la carrera3. Rossi no sólo decidió seguir, sino que siempre pareció añorar la torpeza de esos croquis inexactos:

‘…hoy intento recuperar aquella felicidad del dibujo confundido con la impericia y la estupidez…4.

Borja López Cotelo. Doctor arquitecto
A Coruña. febrero 2011

Notas:

1 Rossi, Aldo, ‘La Arquitectura Análoga’, en 2C num.2, 1975. pp. 8-11
2 Rossi, Aldo, Autobiografía Científica, p.24 (Ed. Gustavo Gili, 1981)
3 Rossi, Aldo, Autobiografía Científica, p.50 (Ed. Gustavo Gili, 1981)
4 Rossi, Aldo, Autobiografía Científica, p.50 (Ed. Gustavo Gili, 1981)

App del COA de Sevilla para acceder a los servicios de visado

Aplicación oficial (App) del Colegio Oficial de Arquitectos de Sevilla para acceder a los servicios de visado. Entre las características de la aplicación se encuentran:

– Acceder a los expedientes visados.

– Consulta de expedientes por estado.

– Consultar PDFs de paralizaciones técnicas.

– Consultar costes de visado.

– Recibir notificaciones del departamento de visado en tiempo real de los cambios de estado de los documentos.

Captura de pantalla de la App

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Shigeru Ban. Complete Works 1985-2010, Art Edition

El maestro de la innovación. Cada edificio jamás realizado por el renombrado maestro japonés. Limitada a 200 ejemplares numerados, entregados en un lujoso estuche con bisagras y cada uno firmado por el arquitecto, esta Edición de Arte presenta una portada especial personalizada hecha por Shigeru Ban, con una malla artesanal de madera pulida de samba africano (Triplochiton scleroxylon) inspirada en el diseño del techo del nuevo Centro Pompidou-Metz.

Shigeru Ban (n. Tokio, 1957) estudió en la SciArc de California y obtuvo su grado en la Escuela Cooper Union de Arquitectura en Nueva York. Establecido en Tokio y París, Ban desafía sistemáticamente las nociones aceptadas de arquitectura, diseñando una casa sin paredes o un espacio de exposición hecho de tubos de papel y contenedores. Esta monografía, reunida con la colaboración del arquitecto, recorre su trayectoria y presenta cada obra construida por Shigeru Ban, mostrando claramente por qué es uno de los arquitectos más innovadores e importantes del mundo. A diferencia de muchos de sus pares, Ban puede crear residencias excepcionales y aún encontrar tiempo para diseñar viviendas de emergencia para zonas catastróficas desde Kobe a Nueva Orleans. A menudo usando tubos de papel o cartón como elemento estructural, sus diseños dan un nuevo sentido al término «arquitecto de papel».

Sobre el autor:
Philip Jodidio (nacido en 1954) estudió historia del arte y economía en la Universidad de Harvard y fue editor jefe de la revista Connaissance des Arts durante más de veinte años. Entre sus publicaciones, encontramos la serie Architecture Now! de TASCHEN, así como las monografías sobre Tadao Ando, Norman Foster, Richard Meier, Jean Nouvel y Zaha Hadid. Es reconocido en todo el mundo como uno de los escritores de arquitectura más populares.

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Freepik: el buscador de recursos gráficos gratuitos

Freepik es un buscador de recursos gráficos gratuitos que ayuda a diseñadores gráficos y web a localizar imágenes de alta calidad, vectores, iconos, ilustraciones y PSD para sus proyectos creativos.

Se trata de una práctica herramienta que rastrea y localiza contenido gratuito en Internet y muestra todos los resultados de forma ordenada y unificada. Además cuenta con una gran cantidad de contenido propio, exclusivo y gratuito, diseñado por el equipo de Freepik y actualizado cada día.

Freepik hace que sea más fácil para usted encontrar los archivos que necesita sin tener que buscar manualmente docenas de sitios web.

¿Cómo funciona?

El robot de Freepik visita cientos de sitios web en busca de recursos gráficos libres, revisa el contenido de estos sitios y selecciona los recursos de calidad. Mientras tanto, los diseñadores de Freepik trabajan para crear increíbles diseños propio. Y después un algoritmo lo mezcla todo, determina el valor de los recursos y clasifica los resultados en base a determinados criterios de calidad y relevancia.

¿Por qué es gratis?

El trabajo duro en Freepik no lo hacen personas, sino que es el robot quien busca en Internet, manteniendo la base de datos actualizada en todo momento.

Además una vez que el usuario ha encontrado los archivos necesarios, se le redirige a la web donde está alojado el recursos, asegurándose así de que el creador también se beneficia.

El objetivo de Freepik es convertirse en una importante fuente de material gráfico gratuito y una herramienta imprescindible para diseñadores. Una vez que el usuario ha encontrado lo que necesita este es redirigido a la web que contiene el archivo original beneficiando así a los sitios proveedores donde se encuentran alojados los archivos.

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Abrimos nueva sección | Aparejo

aparejo
1. m. Preparación, disposición para algo.
2. m. Prevención de lo necesario para conseguir un fin.
3. m. Arreo necesario para montar o cargar las caballerías.
4. m. Conjunto de objetos necesarios para hacer ciertas cosas.
5. m. Sistema de poleas, compuesto de dos grupos, fijo el uno y móvil el otro. Una cuerda, afianzada por uno de sus extremos en la armazón de la primera polea fija, corre por las demás, y a su otro extremo actúa la potencia.
6. m. Arq. Forma o modo en que quedan colocados los materiales en una construcción. Aparejo poligonal.
7. m. Mar. Conjunto de palos, vergas, jarcias y velas de un buque. Aparejo de cruz, de cuchillo, de abanico.
8. m. Pint. Preparación de un lienzo o tabla por medio de la imprimación.
9. m. pl. Instrumentos y cosas necesarias para cualquier oficio o maniobra.
10. m. pl. Materiales que usan los doradores para aparejar.

El objetivo de esta nueva sección es presentar nuevos «aparejos» que pudiesen ser útiles para desarrollar y facilitar la labor del arquitecto. Para ello mostraremos un abanico amplio que abarcarán distintos campos en las que el arquitecto puede estar inmerso.

Exposición Archizines

ARCHIZINES celebra el resurgimiento de las revistas alternativas e independientes de arquitectura a nivel mundial. La exposición itinerante, curada por Elias Redstone en colaboración con Architectural Association, reúne 100 fanzines, revistas y boletines de más de 20 países que proveen una visión alternativa a la literatura arquitectónica establecida. Editado por arquitectos, artistas y estudiantes, estas publicaciones promueven nuevas plataformas para el comentario, la crítica y la investigación de los espacios en los que habitamos y practicamos la arquitectura. En ellas se logra hacer una importante, y mucha veces radical, adición al discurso arquitectónico además de demostrar el amor por la palabra impresa en medio de la era digital en la que nos encontramos.

La exposición muestra los ejemplares originales junto con entrevistas a sus realizadores en video. Se ha seleccionado un número para representar cada publicación, los cuales están disponibles para la consulta de los visitantes. El proyecto ARCHIZINES fue inicialmente presentado en línea para catalogar, celebrar y promover esta explosión de la actividad editorial. La página web y la exposición itinerante continúan evolucionando a medida que nuevas publicaciones se presentan o son descubiertas. Desde su lanzamiento en Londres en el 2011, el proyecto ha sido expuesto en Barcelona, Nueva York, Berlin, Tokyo, Osaka, en la bienal de Venecia (2013), entre otros.

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Centro Civico de San Pablo | Ameneiros Rey · HH arquitectos-Jacobo Fernández

Patio(s)+Centro Cívico

El ámbito se sitúa en la rúa Carballo, Polígono de San Pablo, Ferrol. Se trata de una actuación de viviendas sindicales realizadas a mediados del siglo pasado, de carácter unitario. Dentro de una cuadrícula ortogonal, que organiza el trazado de viales, se dispone una arquitectura de bloques sencillos. Existe un eje principal, que conecta el polígono con la carretera de Catabois y que a su vez comunica con Ferrol, trazándose el resto de viales siguiendo un esquema de espina de pez.

En esta cuadricula, en el eje principal, existe un espacio libre de referencia que da acceso a un espacio en el que se ubica la reserva de equipamiento del polígono. La parcela de esta dotación resulta de la supresión de uno de los bloques de edificación.

La parcela está definida por un rectángulo. En su lado sur está en contacto con el espacio libre antes mencionado. Al oeste da frente a un vial que actualmente está completando su urbanización, manteniendosu trazado para acceso rodado, mientras que en el este la urbanización indica un carácter más peatonal. Al norte la parcela linda con un camino de tierra, a una cota superior con respecto al resto.

La cota de parcela es superior a la de los viales que la rodean en tres de sus lados: sur, este y oeste, el encuentro se realiza mediante pequeños taludes. El camino del norte a una cota superior, quedando contenidas las tierras por el propio edificio del centro social.

El edificio que servía como centro social para el Polígono, se componía de dos edificaciones rectangulares, dispuestas en los extremos este y oeste, liberando un espacio central a modo de patio. Este patio está cubierto por una estructura metálica sencilla y una cubierta de fibrocemento, parcialmente translúcida.

En la edificación este se ubicaba la cafetería, cocina y biblioteca, mientras que en la edificación del oeste se disponían las aulas y enfermería, así como los aseos del centro. En el patio, un estrado y a sus lados dos campos de llave.

El aspecto general de las instalaciones era muy precario, construcción rudimentaria, con un aspecto que se asemeja más a un barracón que a un edificio público donde se desarrollan actividades sociales de manera intensa.

El nuevo centro aparece como un elemento cerrado, con vida interior. Fraccionando el programa en pequeños pabellones, articulados en torno a un gran espacio central, se rodean de un muro perimetral. Se busca una imagen de edificio compacto y austero, pero sin perder riqueza espacial o constructiva en el mismo.

De este modo, los pabellones generan patios de iluminación y ventilación, que fraccionando la pieza unitaria. Así, desde el acceso, una marquesina nos recoge para introducirnos en un claustro abierto, el cual, desde la entrada a la edificación, se convierte en un claustro cerrado que distribuye los distintos usos mediante una galería.

Se dispone el acceso al edificio desde el espacio libre, pero introduciendo una entrada en quiebro. Una vez en el interior el edificio se despliega desde la izquierda, siguiendo la marquesina que protege la cafetería, hasta la entrada propiamente dicha. Esta queda controlada, al mismo tiempo que lo son el patio y demás áreas del centro, por la oficina-despacho. En este punto el corredor abierto se convierte en cerrado. Las aulas quedan comunicadas por un corredor galería., con un patio que separa las aulas multiusos del aula principal o de reuniones. El programa se completa con la enfermería-dispensario, que queda ubicada en un área tranquila del edificio, dando su iluminación y ventilación a unos de los patios del edificio.

De manera complementaria se disponen una serie de almacenes para dar servicio a las actividades realizadas dentro del edificio. El principal se sitúa anexo al la cocina y cafetería, mientras que para las actividades del patio se dispone de un segundo almacén con acceso desde este. En el aula principal se habilita un pequeño local para este uso.

Las instalaciones se sitúan en una planta semisótano, aprovechando la diferencia de cota que presenta la urbanización hacia el este. El acceso se produce desde el exterior de la edificación, previéndose tan solo su entrada para realizar mantenimiento o almacenamiento no habitual. En el aula principal se dispone de un altillo de mantenimiento al que se accede por una escalera de caracol. Su acceso se reserva tan solo para el personal del edificio.

El patio queda circundado por la edificación y por el muro perimetral, matizado por una celosía de hormigón prefabricado. Esto mismo ocurre con los otros dos patios del edificio, que presentando un carácter mas doméstico y de función interna del edificio, también cuentan con este sistema de celosía.

La utilización del ladrillo como elemento protagonista en la construcción resalta el carácter de pieza domestica, de pequeño equipamiento. Se trata de mantener un carácter unitario, que se entiende como necesario para dar respuesta a un entorno duro, pero aquilatando esta imagen con un material de escala domestica.

La versatilidad de este material, combinado con piezas prefabricadas de hormigón de pequeña dimensión, permiten ir cualificando el perímetro del edificio. Ladrillo cara vsita, forjado mixto hormigon-madera, tableros de madera y terrazo. Cuando la construccion es el acabado.

obra: Centro Civico de San Pablo.
autor: Ameneiros Rey | HH arquitectos (Ismael Ameneiros y Santiago Rey), y Jacobo Fernandez Malde
colaborador: Daniel Dapena Gregorio
año: 2010-2012
emplazamiento: Catabois, Ferrol, Galicia, España
fotografías: Héctor Santos-Díez | BISimages
+ ameneirosrey.com

ara arquitectura – ara crítica · Enric Llorach

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Con esta sesión, se abre un paréntesis llamado ARA CRÍTICA, que tendrá lugar de junio a diciembre, para volver luego al formato habitual.

Si hasta el momento se han  invitado a 20 equipos de arquitectos que han explicado su manera de hacer y pensar la arquitectura, ahora se  hace una pausa para ver qué piensan seis arquitectos, críticos, divulgadores,… del panorama actual y, de alguna manera, del estado general de la cuestión.

Ciclo de conferencias ARA ARQUITECTURA – ARA CRÍTICA
Sesión 15 – Noviembre 2013: ENRIC LLORACH
Organizado por ArqinFAD y TRESPA – Trespa Design Centre Barcelona
Comiariado por Eugeni Bach

El horror cristalizado

Hamlet. Don Quijote. Fausto mueren al final de la representación.

También es desguazado el Pabellón de Alemania, al mismo tiempo escenario y actor de una representación, necesariamente, pieza a pieza.

Porque desde sus inicios, el proyecto moderno ha encontrado en la descomposición de la forma – del individuo, de los valores – un paradójico refugio, bien distinto a la fatalidad del destino clásico: sólo es capaz de permanecer aquello que se adelanta en busca de su propia dispersión. En su desaparición, disuelto en sus propios reflejos, el Pabellón deja y da lugar a la presencia de un clamoroso vacío, una ausencia llena de sentido, una arquitectura íntegra, que ha podido seguirse visitando en Barcelona en su propio emplazamiento, hasta haber sido substituida recientemente por un parque temático de apariencia miesiana.

“El trabajo de Barcelona fue un instante luminoso en mi vida”

Ludwig Mies van der Rohe. 1957.

El horror cristalizado. Imágenes del pabellón de Alemania de Mies van der Rohe
Josep Quetglas Riusech
Actar, Barcelona; 1º edición, 2001
Español
Encuadernación rústica
192 páginas
16,5 x 15,5 x 2 cm
fotos
ISBN 978-84-95273-52-9

Sorteo de 3 ejemplares de Small Architecture Now!

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Desde veredes, y gracias a la editorial Taschen, queremos agradecer a nuestros lectores su fidelidad con el sorteo de 3 ejemplares de Small Architecture Now!.

¿Cómo ganar un ejemplar?

Para participar en el sorteo simplemente tendréis que dejar un comentario al final del post, y los ganadores serán elegidos por sorteo entre todos los participantes.

El sorteo estará abierto desde el 1 de abril 2014 hasta el 21 de abril de 2014 a las 00.00 horas.

Small Architecture Now!
Ahorrar espacio. Grandes ideas para edificios pequeños. A lo largo de la historia, los arquitectos de mayor talento se han entretenido puntualmente con el reto de diseñar edificios pequeños, pero perfectamente construidos. En la actualidad, la escasez de presupuestos ha llevado a muchos arquitectos a concentrarse en la creación de edificios de dimensiones quizá diminutas, pero basados en ideas magníficas además de pioneras. Tanto en las urbes japonesas (donde escasean los grandes solares) como en la difusa frontera entre el arte y la arquitectura, los edificios pequeños ofrecen numerosas ventajas y obligan a sus creadores a hacer más con menos.

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The Architecture Gallery Opening Exhibition

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Se inaugura The Architecture Gallery, un concepto de galería dedicado a obras de arquitectos y artistas trabajando entorno a la arquitectura.Tiene como singularidad ser una galería solidaria : se asigna un 20% de los beneficios de cada obra vendida a proyectos de arquitectura social. Su otra singularidad reside en ser una galería itinerante, que viaja a diferentes ciudades para presentar las obras y los proyectos sociales.

Representa arquitectos, interioristas, diseñadores y artistas de diferentes nacionalidades, que crean piezas en formatos que van desde fotografía, ilustración y pintura al diseño de mobiliario pasando por piezas volumétricas.
La galería ofrece originales y series limitadas, en ocasiones editadas por la misma.

En esta primera presentación colectiva exponen 12 creadores, tanto nacionales como internacionales: Enric Miralles/EMBT (Barcelona), Raumlabor (Berlin), Santiago Cirugeda (Sevilla), Assemble Studio (Londres), Collectif etc (Marsella), Simona Rota (Madrid), Adría Goula (Barcelona), Pilar Líbano (Barcelona), Esther Planas (Londres), Anna Bach (Barcelona), Cadelasverdes (A Coruña) y Edouard Decam (Barcelona – Burdeos).

En esta ocasión, las ventas apoyarán el proyecto Comunidad Vivex*, una Asociación Civil iniciativa de S-AR (un taller colaborativo de arquitectura con base en Monterrey, México) cuyo objetivo es acercar la arquitectura y sus procesos de diseño, planeación y trabajo social a familias de escasos recursos, comunidades marginadas o proveer de infraestructura básica a instituciones que brindan apoyo social.

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La gestión de lo impredecible | Miguel Ángel Díaz Camacho

Revolution Montreal. Bikes and Lesbian Haircuts  | Fotografía: Meera Margaret Singh
Revolution Montreal. Bikes and Lesbian Haircuts  | Fotografía: Meera Margaret Singh

En ocasiones hemos argumentado sobre el “programa” como un elemento comprometedor del  proyecto de arquitectura. Los arquitectos hemos presumido de conocer, incluso mejor que los propios usuarios, aquello que ellos precisamente necesitan, haciendo de la “reinterpretación” del programa una de nuestras más valiosas aportaciones al encargo. Sin embargo, el tiempo nos suele arrebatar la razón y el uso que habitualmente vinculamos a un espacio a menudo es superado de alguna manera por las mareas de la vida.

¿No se desplegarán sobre cada proyecto múltiples configuraciones de uso generadas ante la diversidad y las necesidades cambiantes de los propios usuarios? ¿Se podría entonces proyectar lo impredecible? Veamos.

Sin duda, una de las cualidades fenomenológicas del entorno actual es su carácter impredecible. Hace pocos días una ola de frío polar sin precedentes paralizaba Estados Unidos hasta el punto de que algunos presos, felizmente fugados, regresaban voluntariamente a sus celdas de castigo: la naturaleza aún guarda secretos que la libertad desconoce. Cualquier análisis que realicemos sobre el mundo actual acabará arrojando una densa niebla sobre el futuro, y tal vez ésta sea una constante presente en cada momento de la historia del ser humano:

«Mientras la historia fluye, no es historia para nosotros. Nos lleva hacia un país desconocido, y rara vez podemos lograr un destello de lo que tenemos delante».1

Una mirada hacia el pasado nos enseña que la historia se construye como una secuencia ininterrumpida de sorpresas, una montaña rusa que nos lleva de la admiración al pasmo ante el discurrir ordinario de la cosas. Sin embargo, la gestión de lo impredecible puede constituir no solo una valiosa herramienta en el proyecto arquitectónico, sino una referencia imprescindible para la construcción de la ciudad adhocrática2.

Cuenta Kazuhiro Kojima cómo el Gobierno de China le propuso la idea de proyectar un edificio de oficinas para las Olimpiadas de Beijing (2008) cuyo uso posterior se definía como impredecible3. Esta situación, aceptada para las ceremonias deportivas globales y exposiciones universales varias, se puede extrapolar al conjunto de la producción arquitectónica. El caso de la vivienda resulta paradigmático, el hecho de habitar exprime las más recónditas variables de lo impredecible: crecimiento o desintegración familiar, rejuvenecimiento o envejecimiento, permanencia o itinerancia, fortuna o bancarrota4. El uso que hacemos de la arquitectura siempre es impredecible. Más aún el edificio público, financiado con el patrimonio común, que debe responder con la máxima eficacia y responsabilidad ante su destino incierto, ligado de manera indisoluble a la dinámica del cambio: ¿quién iba a decir a Don Antonio Palacios que su “Palacio de Comunicaciones de Madrid” (1919) iba a quedar obsoleto ante el declive del uso del correo postal? ¿Quién iba a pensar entonces que un alcalde, con una idea bastante “clara” de lo que significa la representación del Poder, iba a instalar allí la sede del Ayuntamiento de Madrid?

Alejandro de la Sota contaba con ironía cómo su proyecto para el Museo Provincial de León se instalaba sobre el antiguo edificio del Obispado, que se había mudado al imponente edificio histórico de Correos al mudarse éstos a su vez a su conocido “container” de chapa color León5. Como en un ejercicio de auténtico trilero, los programas cambiaban de vaso ante la mirada socarrona de Don Alejandro: la arquitectura como un baile desenfrenado en el que la única regla (no escrita) será el placentero, por aleatorio, intercambio de parejas. La idea viene de lejos y el mismísimo Frank Lloyd Wright en 1939 se atrevió a definir como inmutable esta apasionante condición “promiscua” de la arquitectura:

“La ley del cambio es una ley inmutable y es la única ley que no hemos tomado en cuenta. Hemos tratado de detener y contener las mareas de la vida. […]En el momento en que tenemos cualquier interés establecido o sentimental, creemos que debemos protegerlo, cuidarlo, defenderlo de los enemigos, reteniéndolo intacto. Nuestro pensamiento, nuestra filosofía, todo lo que tenemos, se resume en ‘tener y guardar’. Estoy seguro que les sorprendería ver lo efectivo que sería invertir el proceso” 6.

Miguel Ángel Díaz Camacho. Doctor Arquitecto
Madrid. enero 2014

Notas:
1 Friedrich A. Hayek, ‘Camino de servidumbre’, Alianza Editorial, Madrid, 2010.
2 Ver “Adhocracia” en el Glosario Abierto. Queda para un segundo post el análisis sobre la gestión de lo impredecible en el espacio público, cuestión trascendental abordada por Anatxu Zabalbeascoa en el artículo “La calle en venta” (20 de diciembre 2013)
3 Kazuhiro Kojima, “Nexus. Dirección fluida”, Revista 2G, nº43.
4 Recordamos aquí la anécdota de Cedric Price en la que, después de largas reuniones con un cliente para proyectar una vivienda para él y su familia, y después de conocer a fondo su dinámica y situación vital, tras largos meses de paréntesis para la reflexión se reunió de nuevo con su cliente y, para su sorpresa, en lugar de encontrar un proyecto de arquitectura, Price le recomendó abiertamente el divorcio: el mejor “programa” que pudo encontrar en este caso.
5 Alejandro de la Sota, Pronaos, Madrid, 1989.
6 Frank Lloyd Wright, Segunda velada de las conferencias en Londres, 1939, incluida en Frank Lloyd Wright, ‘El futuro de la arquitectura’, Poseidón, Barcelona, 2008.

Retratos a través de los ojos de un miope (III) | epR

El ave nocturna

Se han dicho muchas cosas de Alvar Aalto.

Que fue racionalista, que fue organicista, que luchó por la independencia de Finlandia en 1917.

Que le gustó el vino, la noche y las mujeres jóvenes.

Tal vez todas sean verdad.

Eso explicaría Viipuri, Paimio, la Mairea, Otaniemi, Säynätsalo, sus ojeras y sus dos matrimonios.

Siempre recuerdo aquella foto en la que Alvar hace un fuego en Muuratsalo, a pocos metros de la orilla helada del Päijänne. Me hace pensar que, de todos los maestros modernos, es el único con quien el gran Hemingway habría compartido mesa alguna noche.

Y entonces, al calor de un vodka carelio, dos hombres habrían intercambiado opiniones acerca de aquel suizo que decía ser francés y de aquel alemán tan estricto.

Retratos a través de los ojos de un miope (III) epR Alvar Aalto 1960
Alvar Aalto, 1960 | Fuente: wikipedia

El primo Ramón
Nantucket, primavera de 2014

Falamos de arquitectura · Jornadas sobre arquitectura

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La ETSAC organiza las jornadas FALAMOS DE ARQUITECTURA en las que nuestros invitados (gallegos, portugueses y brasileños) expondrán un trabajo reciente y participarán en una mesa redonda a la que estáis todos invitados. En estas jornadas se pondrá en evidencia la utilidad de nuestra lengua en un amplio contexto, el de la lusofonía.

Jornada 01: viernes 04.04.2014 a las 11:00h
Manolo Gallego y Alexandre Alves Costa

Jornada 02: viernes 25.04.2014 a las 11:00h
Alfonso Salgado y Silvana Rodrigues de Oliveira