He estado buscando documentación para escribir un artículo sobre la arquitectónica y distópica serie noruega Arkitekten, que entre otros asuntos, plantea el problema actual, agravado en el futuro, de la escasez de viviendas en las grandes ciudades y el intento de resolverlo reduciendo la dimensión de las unidades residenciales.
Arkitekten
El espectáculo
La verdad es que me sorprendió los numerosos documentales y programas de televisión que encontré sobre este tipo de viviendas mínimas, en algún caso ínfimas, que en su mayoría pertenecían al género de la telerrealidad –este es el término que propone la extraordinaria Fundéu para realities–, que tiene más de tele que de realidad, y con títulos tan poco sugestivos como:
Pero no solo han producido programas empresas de televisión, sino también particulares han abierto canales de YouTube especializados en este tipo de casas, como los siguientes:
Tiny Home Tours (Chris Penn, Allison Shea, Laurén Ettinger, y Car Alfonso & Sagge Roddy, 2009 – 2023) EE. UU.
Como se puede comprobar, la eclosión de estos programas de televisión se produjo en 2014 y su emisión ha continuado hasta años recientes, siendo la empresa HGTV la que más número de ellos ha producido.
Obviamente no he visto todos los vídeos de YouTube, ni los episodios de todas las series, ni puedo –ni pienso– hacerlo, pero por lo que he comprobado, la mayoría de los edificios tienen muy poco interés desde el punto de vista arquitectónico, repitiendo formas y tipos de viviendas habituales, pero comprimiéndolas para reducir sus dimensiones. Respecto a sus fachadas, la mayoría de ellas resultan ridículas porque quieren imitar formas clásicas, coloniales o incluso góticas, consiguiendo pequeños, pretenciosos y ridículos pastiches.
El problema real
De acuerdo al International Residential Code (IRC) de 2018, Apéndice Q, una tiny house tiene como máximo 37 m². Desde hace unos años, las grandes ciudades se han llenado de pisos diminutos, la mayoría con menos superficie de la indicada por el IRC, incumpliendo con las ordenanzas municipales, pero que han de alquilar personas cuyos ingresos les impiden pagar los prohibitivos precios de pisos mayores.
Un análisis interesante sobre este problema, en este caso en Polonia, se desarrolla en el documental Vivir en microapartamentos, dirigido por Mike Pitt, este año, para la estupenda cadena arte, y en el que se muestran algunas viviendas de 14 m², lo que parece imposible sobre el papel, pero es real.
«a pesar de lo llamativos y mediáticos que pueden resultar, el fenómeno de los minipisos es muy residual, un anécdota en el total del parque de viviendas arrendadas en nuestro país. El problema de oferta en el que lleva instalado el mercado del alquiler en los últimos años no ha provocado que las viviendas minúsculas se hayan convertido en una parte significativa del mercado. Por el contrario, la práctica totalidad de los anuncios se refieren a viviendas de tamaños más grandes»,
los datos que maneja este portavoz parecen referirse solo a los del idealista.
Sin embargo, en el documento denominado «Censos de Población y Viviendas 2021. Resultados sobre Hogares y Viviendas», publicado el 30 de julio de 2023, por el Instituto Nacional de Estadística (INE), se calcula que hay 167.134 de estas viviendas en toda España, habiendo aumentado desde 2011, en 116.000, un 231%. Minipisos que, según este artículo, no existían, o nadie se atrevía a habitarlos, o son el resultado de la transformación de locales comerciales y la compartimentación de pisos grandes, todo ello para obtener el mayor rendimiento económico.
Todos estos ejemplos y otros muchos más, tan interesantes como los mencionados, demuestran que los buenos arquitectos son capaces de dar soluciones a muchos de los problemas que existen en la actualidad, pero no se debe olvidar que el poder no lo tienen los técnicos, sino quienes gobiernan este mundo, que suelen optar por conseguir rápidos beneficios económicos -muchas veces para ellos mismos– antes que beneficiar a quienes lo necesitan.
Jorge Gorostiza, arquitecto. Autor del blog Arquitectura+Cine+Ciudad Santa Cruz de Tenerife, julio 2023
Fuego y refugio. Bioconstrucciones nativas en Norteamérica | María Jesús Montero Burgos
La documentación recopilada por los exploradores que llegaron a Norteamérica a partir del siglo XV nos proporciona una oportunidad inigualable para viajar en el tiempo. Los testimonios, dibujos, planimetrías y grabados que reunieron nos acercan a los conocimientos que los nativos norteamericanos habían depurado durante siglos.
Estos conocimientos abarcaban todos los campos que podamos imaginar: medicina, botánica, química y, por supuesto, arquitectura. Nos acercaremos a estas comunidades a través del análisis de sus refugios y de las estrategias bioclimáticas pasivas que utilizaron para habitarlos.
Mediante sus viviendas de tierra, los mandan, los arikara y los hidatsa nos mostrarán cómo era posible vivir a orillas del río Missouri; los sioux, los cheyenne y los crow nos enseñarán cómo habitar un territorio tan complicado como las Grandes Planicies; por su parte, la comunidad de los chippewa, nos mostrará cómo gracias a la construcción de los wigwams, despedían el invierno y recibían la primavera, recolectando frutos y extrayendo el sirope de los arces más cercanos.
Invitamos al lector a realizar un pequeño viaje a este mundo, prácticamente ya extinguido.
María Jesús Montero Burgos
Licenciada en arquitectura superior en la Universidad CEU San Pablo, en cuya Facultad de Humanidades consiguió el doctorado en el año 2021. Su tesis, titulada «Demanda energética y evolución conceptual del refugio prehistórico a lo largo del proceso de sedentarización», se basó en el diálogo entre tres disciplinas: la botánica, la arqueología y la arquitectura. En ella se analizan los sistemas constructivos y las estrategias bioclimáticas utilizadas por los nativos norteamericanos en ocho de sus viviendas más significativas.
Su interés por la arquitectura popular nació a raíz de la lectura de los textos publicados por Paul Oliver, con cuyo discípulo, Marcel Vellinga, tuvo la oportunidad de realizar una estancia de investigación en la Universidad Oxford Brookes en el año 2017. Esa inquietud se fue concretando poco a poco, hasta orientar su formación y su carrera profesional hacia la eficiencia energética y las estrategias pasivas presentes en la arquitectura tradicional.
Renovarse manteniendo la esencia + Repensarse para seguir creciendo
Te presentamos a To Do: hub d’arquitectura que piensa que lo mejor siempre está por hacer.
El estudio parece nacer con la reforma y el espacio parece crearse para To Do, pero nada de esto es exactamente así.
Oficina propia | To Do hub d’arquitectura | Sección
Con más de 15 años ejerciendo en la zona, el estudio decide renovar su imagen, nombre y local, se repiensa para seguir creciendo. Para ello se traslada a Denia, capital de La Marina Alta y principal centro de acción de su trabajo.
El lugar escogido es una antigua vivienda tradicional situada en el centro de la ciudad, en estado ruinoso, que se restaura de forma integral para alojar el estudio de arquitectura en planta baja y mantiene el uso de vivienda en planta alta.
Tradición y modernidad se unen para generar el carácter principal de la reforma, teniendo como objetivo principal renovar el espacio manteniendo su esencia. Para ello, se ponen en valor los elementos tradicionales encontrados.
La fachada respeta la disposición original de huecos de la vivienda, transformando el gran portón de acceso a la casa en un escaparate, y mantiene la materialidad tradicional con las carpinterías y revestimiento de madera, con morteros tradicionales acabados en blanco y el uso de barandillas y remates de hierro que se modernizan con su diseño y acabado en blanco.
Oficina propia | To Do hub d’arquitectura | Planta
En el interior, se descubren de sus revestimientos para dejar a la vista y dar protagonismo a los pilares de ladrillo y la gran medianera de mampostería, a través de la cual se puede leer cómo se fue construyendo el edificio original con el paso del tiempo.
La pared de piedra acompaña durante todo el recorrido a través de los diferentes espacios, tanto en el interior como en el patio, buscando la conexión entre el exterior y el interior y la fluidez espacial.
También se recuperan las piedras originales que servían de rodadura para el paso de carros desde el portón de la calle hasta el corral, formando con ellas un camino exterior en el patio.
El patio es el original de la vivienda, que se situaba al fondo de la casa y estaba envuelto por los corrales. Con la reforma, el patio conforma el corazón del estudio, alrededor del cual se sitúan los diferentes espacios, para dar iluminación y conexión exterior a todas las estancias y aprovechando su biofilia. La distribución se resuelve en forma de espacios diáfanos y abiertos, dejando las salas que necesitan privacidad en el fondo y ordenando todos los espacios servidores en una gran franja a modo de caja.
Más allá de la preexistencia, los elementos nuevos se distinguen siguiendo una línea contemporánea y minimalista:
Se utilizan carpintería de aluminio blancas entre recercados de hierro para resolver su encuentro con los muros de piedra y diferenciarse de ellos, el suelo se resuelve mediante una solera de hormigón fratasado enfatizando la continuidad de los espacios, y se reviste la caja de servicio con un panelado de madera con las puertas ocultas, siguiendo el mismo lenguaje que la fachada e introduciendo calidez en el interior.
El mobiliario y la iluminación se disponen enfatizando estas líneas, jugando con elementos blancos en las zonas dónde hay mayor fluidez y elementos negros en las zonas de estancia y fondos de perspectiva.
Con todo, se busca la limpieza y orden del espacio, a la vez que creando un espacio de trabajo de carácter doméstico, conectado con el exterior, en el que la estancia sea tranquila, la acogida sea cálida, y que transmita calidad y elegancia.
To Do es un nuevo punto de partida de un camino que queremos construir contigo. Es una libreta en blanco porque todo está por escribirse.
X Concurso Cátedra Madera Onesta. Premio al mejor proyecto fin de carrera con empleo de madera
Premio al mejor proyecto fin de carrera con empleo de madera
La Escuela de Arquitectura de la Universidad de Navarra, junto con la Cátedra Madera, promueve este concurso internacional en el que se premia el Proyecto Fin de Carrera (PFC) que, por su calidad, innovación, originalidad o creatividad, resalte la utilización de madera y los aspectos de sostenibilidad dentro de un proyecto arquitectónico.
Premio
Se concederá un premio al PFC que el jurado considere de mayor calidad que se haya servido de la madera como componente importante de su diseño, y hayan tenido en cuenta aspectos de sostenibilidad.
El reconocimiento será entregado dentro de una ceremonia especial en Madrid el 24 de septiembre de 2024.
Participantes
Podrán participar aquellas personas que hayan presentado su PFC (o trabajo equivalente) en cualquier Escuela de Arquitectura reconocida oficialmente en el país de origen entre septiembre de 2020 y junio de 2024 y que hayan sido considerados aptos para la obtención del título.
Excepcionalmente se podrá presentar al concurso aquellos proyectos que estén aún pendientes de calificación siempre que adjunten una carta del tutor mostrando su conformidad.
Los proyectos serán presentados en español o inglés.
Inscripción
Para poder presentarse al concurso es necesaria la inscripción previa, que se realiza a través de la página web del concurso.
La inscripción es gratuita. Sólo se permite la inscripción a título individual.
La inscripción debe realizarse antes del 15 de agosto de 2024. La formalización de la inscripción supone la aceptación de las bases del concurso.
Documentación
Toda la documentación deberá presentarse bajo un lema compuesto por una combinación de seis caracteres de letras o números.
No debe figurar el nombre del participante ni el del país ni la escuela a los que pertenece.
Las entregas deben diseñarse en un máximo de tres paneles digitales de un tamaño A1 normalizado, en formato vertical.
Todos los paneles se subirán a través de la web de la Cátedra Madera Onesta en formato de documento PDF o imagen JPG, con un tamaño máximo de 10 megas, según las instrucciones contenidas en el mail recibido tras la inscripción.
En dichos paneles se incluirá:
Lema del proyecto.
Resumen del proyecto de 500 palabras aproximadamente.
Descripción de los rasgos que hacen del proyecto fin de carrera un proyecto sostenible.
Descripción de la implicación de la madera en el desarrollo del proyecto.
Los textos podrán escribirse en inglés o español.
Se admite la presentación de planos, fotografías, infografías y textos, así como cualquier otra técnica de representación que cada concursante estime oportuno.
El proyecto ganador deberá remitir posteriormente material gráfico de alta calidad para su empleo en publicaciones y material promocional.
Una selección de los proyectos presentados y el ganador será publicada en la web de la Cátedra Madera.
Entrega y plazo de presentación de propuesta
La documentación debe presentarse on-line antes de las 22:00 horas (hora central europea) del 1 de septiembre de 2024.
Trabajos presentados
La documentación relativa a los PFC presentados quedarán en el poder de la Escuela de Arquitectura y de la Cátedra Madera, que podrán hacer uso libre de ésta en sus publicaciones, elementos de comunicación o en las acciones de difusión que estimen oportunas.
Fallo del jurado
Un jurado compuesto por un profesor de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Navarra, un representante de la Cátedra Madera y un arquitecto de prestigio se reunirá durante el mes de septiembre de 2024 para analizar las propuestas presentadas y fallar el premio.
El premio podrá declararse desierto.
Se analizarán los siguientes criterios:
Madera como el material estructural principal.
Uso creativo e innovador de la madera en el diseño.
Respuesta adecuada a los criterios funcionales y arquitectónicos básicos.
Museo de León, Alzado de Alejandro de la Sota, 1984
Los ejercicios de intervención sobre el patrimonio fluctúan con frecuencia entre el conservacionismo radical (impulsado desde normativas sobreactuadas y en ocasiones absurdas) y por otro lado, aunque no menos evidente, el exhibicionismo dialéctico entre categorías simplificadas (la posición de contraste heredada desde un posmodernismo disimulado). Tampoco la legislación sobre Patrimonio ha hecho demasiado por resolver esta situación:
“más bien todo lo contrario, dada su condición refractaria a la pluralidad inherente a los edificios históricos (en sí mismos palimpsestos), y su muchas veces incongruente afán controlador”.1
En el proyecto para el Museo Provincial de León en la antigua sede del obispado, Alejandro de la Sota se encuentra con dos elementos protegidos: la fachada y el claustro.2 No respetará ninguno de los dos. En primer lugar combate la práctica infame, aunque inexplicablemente celebrada y extendida por doquier, de conservarla fachada, proponiendo la conservación de toda la crujía exterior para su uso administrativo.3 El claustro toscano interior
“casi en ruina”,4
cuya conservación habría supuesto más bien su recreación “ex novo”, es sustituido por una pieza metálica de nueva planta, una caja fuerte que acogerá las obras del museo. Entre ambas construcciones, un nuevo espacio público abierto al margen del horario museográfico, conecta la Catedral con el barrio Húmedo. La renovación del patrimonio supone siempre una oportunidad para la regeneración urbana. Si la norma no lo admite, tal vez la norma se equivoca.
La rehabilitación necesita, ahora más que nunca, de valores culturales.5 En lugar de ejercicios de simple restitución de la edificación, se deben establecer mecanismos que habiliten soluciones de verdadera regeneración, transformaciones serenas que eviten la ruptura o el sobresalto y configuren relaciones de analogía, tratando de encontrar una hibridación armoniosa entre el patrimonio, la ciudad y la contemporaneidad. Víctor López Cotelo habla de saber
“vivir con el pasado”,6
no desde una perspectiva conservacionista, sino desde una posición que equipara la ciudad y sus preexistencias con el lenguaje, que se transforma cuidadosamente desde un proceso de regeneración discreta de las palabras. Quizá el lugar posible entre la prudencia y la oportunidad, la reserva y el ingenio, la norma y su excepción, exista únicamente desde la discreción.
Miguel Ángel Díaz Camacho. Doctor Arquitecto
Madrid. Abril 2014
Autor de Parráfos de arquitectura #arquiParrafos
3 Sobre la fachada existente se creará una planta nueva, modificando la altura del edificio histórico con el conocido espacio para la cafetería y el mirador sobre la fachada sur de la catedral.
4 Alejandro de la Sota, Arquitectura nº252, 1985, pág. 56.
5Rehabilitar: Habilitar de nuevo o restituir a alguien o algo a su antiguo estado. Diccionario de la Lengua Española, RAE 2001.
“Ciudades que Inspiran” es una iniciativa conjunta entre la Red Latinoamericana de Urbanistas y el Comité de Lectura, desde donde visitaremos diversas ciudades del Perú y Latinoamérica a través de las miradas críticas de sus ciudadanas y ciudadanos, buscando destacar aquellos aspectos que les inspiran y apasionan.
En esta nueva temporada junto a Jessica Alvarez y Daniela Meneses, conversaremos para el primer episodio sobre cómo el problema de género se materializa en nuestra vida diaria, a partir del libro Ciudad Feminista de la académica canadiense Leslie Kern, publicado en el 2020, y cuáles serían los retos para incorporar la perspectiva de género en el diseño y la planificación de nuestras ciudades.
Jessica es arquitecta urbanista e investigadora asociada en la Pontificia Universidad Católica del Perú, con una maestría en Diseño Urbano para el Desarrollo por el University College of London. Con Jessica hemos trabajado en algunos proyectos, y ahora me está acompañando en esta temporada sobre Ciudades y Género.
Daniela es periodista especialista en género, y acaba de concluir la maestría de género en el London School of Economics. Tiene una maestría en Políticas Públicas por el University College of London. Ha estado a cargo de la sección de Opinión del diario El Comercio, y actualmente es la curadora de género del Comité de Lectura.
CIUDADES QUE INSPIRAN – T4.E2: CIUDADES Y VIOLENCIA
“Ciudades que Inspiran” es una iniciativa conjunta entre la Red Latinoamericana de Urbanistas y el Comité de Lectura, desde donde visitaremos diversas ciudades del Perú y Latinoamérica a través de las miradas críticas de sus ciudadanas y ciudadanos, buscando destacar aquellos aspectos que les inspiran y apasionan.
En el segundo episodio de la cuarta temporada del podcast, que venimos trabajando junto a Jessica Álvarez y Daniela Meneses, vamos a conversar con Jeannette Llaja sobre cómo el diseño de los espacios que habitamos puede contribuir a que se generen o reproduzcan situaciones de violencia de género.
Jeannette es abogada especializada en género. Actualmente se desempeña como secretaria técnica de la Comisión de Justicia de Género del Poder Judicial. Ha sido directora general de la Dirección General de Igualdad de Género y no Discriminación del Ministerio de la Mujer, y Directora del Centro de Estudios para la Defensa de los Derechos de la Mujer (DEMUS).
CIUDADES QUE INSPIRAN – T4.E3: CIUDADES Y DIVERSIDAD DE GÉNERO
Bandera gay, foto tomada el día del Orgullo Gay 2008, Madrid, España | Fuente: wikipedia.org
Ciudades que Inspiran” es una iniciativa conjunta entre la Red Latinoamericana de Urbanistas y el Comité de Lectura, desde donde visitaremos diversas ciudades del Perú y Latinoamérica a través de las miradas críticas de sus ciudadanas y ciudadanos, buscando destacar aquellos aspectos que les inspiran y apasionan.
En el tercer episodio de la cuarta temporada del podcast, que venimos trabajando junto a Jessica Alvarez y Daniela Meneses conversamos con Leyla Huerta sobre cómo es percibida la ciudad y sus espacios públicos por la comunidad trans y otros géneros.
Leyla es feminista y activista por los derechos de las mujeres trans. Fundadora y Directora de Féminas Perú. Estudió agronomía y administración de datos en investigación médica. Coordinadora de Proyectos de Investigación.
CIUDADES QUE INSPIRAN – T4.E4: LA PROBLEMÁTICA DE GÉNERO EN LA REGIÓN ANDINA
CIUDADES QUE INSPIRAN – T4.E4 LA PROBLEMÁTICA DE GÉNERO EN LA REGIÓN ANDINA
“Ciudades que Inspiran” es una iniciativa conjunta entre la Red Latinoamericana de Urbanistas y el Comité de Lectura, desde donde visitaremos diversas ciudades del Perú y Latinoamérica a través de las miradas críticas de sus ciudadanas y ciudadanos, buscando destacar aquellos aspectos que les inspiran y apasionan.
En el cuarto episodio de la cuarta temporada del podcast, que venimos trabajando junto a Jessica Alvarez y Daniela Meneses conversamos con Nora Cárdenas sobre la problemática de género en la región andina, en relación a las comunidades originarias o indígenas.
Nora Cárdenas es una académica cusqueña y sankeña. Trabaja en temas de cultura y género. Actualmente viene desarrollando su tesis doctoral sobre la métafora Uiwanakuy, que significa crianza mutua, como una categoría para hablar desde lo cotidiano de los cuidados, de la relación con el territorio, y para pensar en sistemas de gobierno.
CIUDADES QUE INSPIRAN – T4.E5: CIUDADES Y GÉNERO: FINAL DE TEMPORADA
“Ciudades que Inspiran” es una iniciativa conjunta entre la Red Latinoamericana de Urbanistas y el Comité de Lectura, desde donde visitaremos diversas ciudades del Perú y Latinoamérica a través de las miradas críticas de sus ciudadanas y ciudadanos, buscando destacar aquellos aspectos que les inspiran y apasionan.
En el episodio final de esta temporada de #CiudadesQueInspiran, Aldo Facho Dede y Jessica Alvarez reflexionan sobre ciudades y género a partir de lo conversado en los cuatro episodios anteriores.
Ciclo de Conversaciones ANIDAR Arquitectura y Niñez, 2021
El ciclo Conversaciones ANIDAR: Arquitectura y Niñez es un espacio de reflexión y conversación sobre el vínculo entre la infancia y la práctica de la arquitectura. En cada encuentro, el investigador en la materia Jorge Raedó, dialogará con diferentes especialistas y referentes en el ámbito provenientes de diversas partes del planeta.
Conversaciones ANIDAR sobre infancia, arquitectura/arte y educación con algunos de los mejores especialistas del mundo. La conversación, juego de construcción de mundos habitables. La infancia, mirada que nos interroga sin margen de error.
El objetivo de las charlas es aprender de la experiencia de grandes profesionales que abordan el campo de investigación y acción delimitado por la infancia, la arquitectura/arte y la educación desde distintos puntos de vista en contextos socioeconómicos y geográficos diversos. Cada infancia tiene necesidades específicas que los proyectos educativos o arquitectónicos tienen que satisface
Yolanda Corona es psicóloga con doctorado en Etnohistoria. Es profesora investigadora del Departamento de Educación y Comunicación de la Universidad Autónoma Metropolitana en México. Sus líneas de investigación se relacionan con los derechos de la infancia, especialmente el derecho a la participación y actualmente está colaborando en la consulta sobre el derecho de niñas, niños y jóvenes a un ambiente sano. Su investigación en los últimos 3 años tiene que ver con la participación y agencia de los adolescentes en el movimiento de justicia climática. Ha escrito una serie de libros y artículos sobre el tema de infancia, participación y derechos.
ITZIAR GONZÁLEZ VIRÓS | Barcelona, España
Arquitecta i Urbanista por la ETSAB (UPC). En 1996 abrió su estudio profesional en Barcelona, especializándose en decrecimiento urbano, optimización de vivienda pública, rehabilitación de centros históricos y edificaciones rurales. Ha sido regidora electa del Distrito de Ciutat Vella de Barcelona (2007-10). Desde octubre de 2012 participa activamente en los movimientos sociales, y es miembro fundadora del grupo promotor del «ParlaMent Ciutadà» y del «Observatori contra la corrupció». En 2017 ganó el concurso internacional para la transformación integral de la Rambla de Barcelona.
VIRGINIA NAVARRO | España
Virginia es arquitecta por la ETSA de Sevilla (2003) y Máster en Arquitectura y Patrimonio Histórico (2008) Virginia Navarro. Primer premio por su fin de carrera en la XXI Edición del Premio Dragados. Se formó en el estudio de Ricardo Alario, con quien comparte actualmente actividad profesional.
En 2011 fundó junto a Tibisay Cañas, Laura Organvídez, Ana Parejo y Sara Parrilla cuartocreciente arquitectura, una iniciativa creada con el objetivo de mejorar los tres espacios principales en los que se desarrolla la niñez (casa, escuela y ciudad) a través de la investigación, los talleres de arquitectura, la realización de proyectos y el diseño de objetos. Actualmente desarrolla una tesis sobre el espacio de juego exterior en la infancia, dirigida por Ángel Martínez García-Posada. Ha escrito y presentado diversas comunicaciones sobre el playground y el juego del niño en la ciudad.
ÁNGEL PÉREZ | Colombia
Economista Universidad Nacional de Colombia, Administrador público de la ESAP, especialista en finanzas y Magister en política pública con énfasis en educación y pobreza, Universidad de Michigan. Ha sido subdirector del ICFES, director de planeación del MEN y viceministro (E) de educación.
En Bogotá fue Subsecretario de educación y secretario encargado. Ahora es profesor de la facultad de educación de la Universidad Tecnológica de Bolívar, hace parte del equipo del Instituto Alberto Merani, como asesor de colegios oficiales de Bogotá. También ha sido reconocido por Bogotá para integrar la Misión de Educadores y Sabiduría Ciudadana. Además, colabora como columnista en temas educativos en varias revistas.
CHIQUI GONZÁLEZ y ANÍBAL DEL OLMO | Rosario y Buenos Aires (Argentina)
María de los Ángeles “Chiqui” González es abogada especialista en Derecho de Familia y Doctor Honoris Causa otorgado por la Universidad de Aberdeen (Escocia) por su aporte a la educación y los derechos humanos. En la actualidad es Asesora de Infancias en el Centro Cultural Kirchner de la Ciudad de Buenos Aires. Fue Secretaria de Cultura y Educación de la Municipalidad de Rosario y Ministra de Innovación y Cultura de la Provincia de Santa Fe año 2007/2019. Creadora del Tríptico de la Infancia de Rosario y Tríptico de la Imaginación de Santa Fe.
Aníbal Del Olmo es director en la Dirección General de Antropología Urbana, Secretaría de Desarrollo Urbano, Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Se desempeña en el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires desde hace 4 años, y es docente en el Posgrado de Diseño Urbano Antropológico de la Universidad de Buenos Aires. Tiene experiencia variada en el sector público y privado: desde la gestión de conflictos socio-ambientales hasta investigación aplicada y procesos participativos de co-creación. Trabaja para hacer una ciudad desde la gente. Docente en UBA, UCES y UP.
CECILIA GARAVAGLIA | Buenos Aires, Argentina
Desde 2014 hasta el día de hoy lleva adelante “Etra, infancia y arte moderno”, proyecto de educación de arte, arquitectura y diseño para niños y niñas. Hizo muchos talleres en museos, centros culturales, galerías de arte, festivales y en nuestro espacio. En el 2019 sacó su primer libro ¿Qué te imaginas?. Este año y debido a la pandemia lleva adelante “Coleccionables de emergencia”, proyecto solidario de venta de obra de arte para ayudar a los que menos tienen.
VERÓNICA FADER | Mendoza, Argentina
Egresada de la Universidad de Mendoza con el título de Arquitecta. Diplomada en Patrimonio Cultural Latinoamericano, Universidad Blas Pascal, Córdoba. Trabajó en investigación y extensión en el área de patrimonio industrial y urbano; infancia, educación y patrimonio. Ejerció la profesión independiente como socia en Merlo & Fader.
Fue parte de los equipos de proyectos del Plan de Renovación Urbana de la Ciudad entre 2016 y 2018 y jefa del Departamento de Arquitectura de la dirección de Obras Públicas de la Municipalidad de la Ciudad de Mendoza entre 2018 y 2019. Es Directora de Arquitectura e Ingeniería en el Ministerio de Planificación e Infraestructura Pública de la Provincia de Mendoza desde diciembre de 2019.
NATU JACINTO | Rosario, Argentina
Arquitecta egresada de la FAPyD UNR. Profesora Titular a cargo del Area Teoría y Técnica del Proyecto Arquitectónico. FAPyD UNR. Directora Académica de la Escuela Superior de Diseño de Rosario. ESD Especialista en Política y Gestión de la Educación Superior. CEI UNR Directora de Arquichiquis!. Dirige proyectos de Investigación y extensión universitaria.
DIANA MILSTEIN | Buenos Aires, Argentina
Dra. en Antropología Social. Investigadora del Programa de Antropología Social del Centro de Investigación Sociales dependiente del CONICET y del Instituto de Desarrollo Económico y Social (CIS-CONICET-IDES); co-fundadora y coordinadoral de la Red Internacional de Etnografía con Niños, Niñas y Jóvenes (RIENN).
GUILLERMO MARINI | Chile
Guillermo Marini es doctor en filosofía y educación, profesor en la Pontificia Universidad Católica de Chile. Se interesa por la experiencia sensorial en la escuela. Desde este interés se propone explorar un lenguaje común entre quienes construyen y habitan la escuela. Trabajos publicados.
ALEJANDRA CELEDÓN | Chile
Alejandra Celedón Förster es una arquitecta, investigadora y curadora chilena que vive y trabaja en Santiago. Actualmente dirige el Magister en Arquitectura de la Pontificia Universidad Católica de Chile e investiga sobre la infraestructura educativa a partir de la experiencia chilena entre 1968 y 1978.
MARA SÁNCHEZ LLORENS | España
Doctora arquitecta por la UPM por la tesis “Objetos y acciones colectivas de Lina Bo Bardi”. Profesora del Departamento de ideación gráfica de la Universidad Politécnica de Madrid y miembro del grupo de investigación Hypermedia. Experta latinoamericanista. Coopera con la AECID desde 1996. Colabora con la Fundación Juan March de Madrid como diseñadora y comisaria de exposiciones como Lina Bo Bardi. Tupí or not tupí. Brasil 1946-1992.
JULIA MORLACCI | Canadá
Julia vive en Vancouver, Canadá. Máster en Educación y Comunicación Ambiental de la Royal Roads University, enfocado en la investigación sobre “Educación del Ambiente Construido” (Built Environment Education -BEE-). Grado en Geografía Ambiental de la Universidad Simon Fraser, Diploma de Estudios Ambientales en Langara College. Ella ha realizado proyectos de educación ambiental y proyectos científicos en Canadá y Ecuador. En 2019 realizó cuatro talleres en Lima sobre planificación participativa, y en febrero de 2020 participó en la creación de un evento de placemaking entre Canadá y España.
FERNANDO HERNÁNDEZ-HERNÁNDEZ | España
Fernando Hernández-Hernández es profesor de Visualidades Contemporáneas y de Investigación basada en las Artes en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona. Es coordinador del doctorado en Artes y Educación y del Máster Artes Visuales y Educación: Un enfoque construccionista. Colabora con proyectos educativos -en escuelas y museos- que promuevan y faciliten que todos los estudiantes encuentren su lugar para aprender.
Actualmente coordina en España el proyecto europeo Micreate, Migrant Children and Communities in a Transforming Europe. Este proyecto explora, desde un enfoque centrado en la infancia, cómo los sistemas educativos responden a las necesidades de los jóvenes migrantes.
ÁNGEL B. COMERAS SERRANO | España
Doctor Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (UPM) y Máster en Investigación y Formación Avanzada en Arquitectura. Pertenece al grupo de investigación “Arquitecturas Open Source” y es profesor de Grado de Arquitectura de la Escuela de Arquitectura y Tecnología de la Universidad San Jorge de Zaragoza. Muchos de sus proyectos han estado fundamentados en un contenido social (discapacidad, accesibilidad, tercera edad, vivienda social) a través de su oficina CAB Despacho de Arquitectura.
Sin embargo, de manera muy profunda siempre ha estado especialmente vinculado a la discapacidad intelectual. En su tesis doctoral utilizó la percepción sensible de discapacidad intelectual como referencia para definir aspectos perceptivos básicos en la generación proyectual y desarrollar la arquitectura cognitiva para toda la sociedad sin ninguna exclusión, teniendo una especial coincidencia en el ámbito educativo.
ANA MOMBIEDRO | España
Ana empezó su andadura profesional en Helsinki, Finlandia. Allí trabajó diseñado espacios educativos mientras estudiaba en la Aalto Univeristy. Tras licenciarse en arquitectura, estudió neurociencia y percepción mientras trabajaba como docente en Nueva York. En la actualidad reside en Mallorca donde trabaja su investigación “Los impactos neuronales del espacio construido y su relación con el comportamiento humano”.
Ana, formadora de docentes y a arquitectos en el diseño de espacios de aprendizaje, cree que la tarea ética de la arquitectura es velar por la salud emocional, fisiológica y cognitiva de sus habitantes. Su principal interés radica en la NeuroArquitectura, ámbito en el que trabaja desde la teoría y la práctica.
ANGELA MILLION | Alemania
Es Profesora de Diseño Urbano y Desarrollo Urbano en la Universidad Técnica de Berlín. Ella empezó a trabajar con infancia y juventud en 2005 como co-fundadora de JAS Jugend Architektur Stadt e.V. Desde 2011 ha realizado actividades de divulgación con escuelas y grupos de jóvenes, y una investigación financiada sobre la educación del entorno construido y la participación de los jóvenes en el diseño espacial y la planificación urbana.
Su investigación colaborativa más reciente es SFB 1265 “Re-Figuración de espacios” que explora los “paisajes educativos”, el impacto y los resultados de la educación en arquitectura para infancia y cómo ha cambiado el conocimiento espacial de la infancia y juventud.
PEDRO AZARA | España
Pedro Azara es Dr. arquitecto, Profesor titular de estética en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona (UPC-ETSAB), Director del Departamento de Teoría e Historia de la UPC-ETSAB, miembro de la misión arqueológica de Qasr Shemanok (Erbil, Iraq). Algunas de sus publicaciones son: Castillos en el aire. Mito y arquitectura en Occidente(GG, 2005), “La reconstrucción del Edén. Mito y arquitectura en Oriente” (GG, Barcelona, 2010). Comisario del pabellón catalán de la Bienal de Arte de Venecia, 2019. Becado por la fundación Getty, Los Ángeles, 1998.
BEATRIZ GOULART | Brasil
Arquitecta-urbanista por la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de São Paulo, con maestría de la Facultad de Arquitectura de la Universidad Federal de Río de Janeiro, donde colabora con el Grupo Ambiente-Educación. Ha diseñado decenas de escuelas en el Brasil por medio de metodologías participativas y colaborativas.
Es integrante del Centro de Referencias en Educación Integral, y profesora y directora institucional de la “Fábrica – Escuela de Humanidades” de educación secundaria. Es miembro de la Escuela de la Ciudad, de educación superior, en São Paulo. Es autora de libros y artículos como “Centro SP-Un Aula”, “Territorios Educativos para la Educación Integral”, “El patio escolar como ter(rito)río de paso entre la escola y la ciudad”, entre otros.
JOSÉ LUIS LINAZA | España
Doctor en Psicología por la Universidad de Oxford, donde realizó su Tesis sobre la adquisición de las reglas de los juegos tradicionales por los niños, bajo la supervisión del Profesor J. Bruner. Catedrático de Psicología Evolutiva y de la Educación en la Universidad Autónoma de Madrid. Profesor visitante en la Universidad de California y en la Universidad de Harvard.
Entre sus principales líneas de investigación se encuentra el estudio de la interacción adulto-niño, los deportes y juegos en el desarrollo infantil, el juego en diferentes culturas y los procesos de socialización, marginación y exclusión social. Es miembro del Observatorio del Juego infantil y presidente de la Fundación Educación y Desarrollo.
JURJO TORRES SANTOMÉ | España
Catedrático de Universidad de Didáctica y Organización Escolar en la Universidad de A Coruña. Profesor visitante en numerosas universidades españolas, portuguesas, latinoamericanas y norteamericanas en las que imparte cursos, seminarios y conferencias. Sus líneas de investigación principales son: análisis sociopolíticos del currículum, políticas educativas, currículum integrado, currículum antidiscriminación, multiculturalismo, formación del profesorado.
Ángela estudió primero Artes y Humanidades y luego Arquitectura del Paisaje. Es cofundadora de Patio Vivo, organización sin fines de lucro, que busca que todos los niños, niñas y adolescentes de Chile, crezcan, jueguen y aprendan en contacto con la naturaleza. En esta línea han creado más de 80 Paisajes de aprendizaje.
Ángela ha sido reconocida dentro de los 100 Mujeres líderes 2020 en su país y es miembro del Consejo ejecutivo de International School Grounds Alliance (ISGA). Trabaja para que las ciudades sean más creativas, libres y alegres desde el contacto con la naturaleza.
MARIONA GENIS | España
Doctora arquitecta por la UPC y profesora del grado de diseño en Bau (Universidad de Vic). Miembro del grupo de investigación GREDITS (Diseño y transformación social) de la Universidad de Vic, en el que coordina la línea de investigación en pedagogía y diseño. Investiga sobre el espacio educativo en todas sus escalas y sobre métodos para restaurar los edificios históricos.
Colabora con el COAC en el despliegue de su programa educativo Arquiescola. En el ámbito profesional es socia del estudio Arquitectura Genís Planelles, que trabaja especialmente en proyectos vinculados al espacio educativo, la memoria histórica y los espacios saludables.
ADRIANA HERNÁNDEZ Y CHRISTIÁN DE LA TORRE | México
Adriana Hernández Sánchez es arquitecta (BUAP), Maestra en Diseño Arquitectónico (UNAM) y Doctora en Espacio Público y Regeneración Urbana Arte Teoría y Conservación del Patrimonio (Universitat de Barcelona). Línea de investigación: Espacio Público, Participación Ciudadana y Centro Histórico. Coordinadora de Re Genera Espacio.
Christian Enrique De La Torre Sánchez es arquitecto (BUAP), Maestro en Conservación del Patrimonio (BUAP) y Doctor en Procesos Territoriales (BUAP). Línea de investigación: Accesibilidad, Inclusión Social y Proyectos Educativos en el Espacio Público y el Patrimonio. Responsable de proyectos de patrimonio en Re Genera Espacio.
JULIO ROGERO | España
Julio Rogero, maestro jubilado. Ha desarrollado su actividad profesional en todas las etapas de la enseñanza no universitaria. Ha sido director del Centro de Profesores de Getafe durante cinco años y asesor en la Subdirección General de Formación Permanente del Profesorado. Es miembro activo en los Movimientos de Renovación Pedagógica de Madrid, en el Foro de Sevilla y en otros movimientos sociales. Escribe en diferentes revistas de educación.
MINA SAVA | Rumania
Mina Sava es arquitecta por la Universidad de Arquitectura y Urbanismo “Ion Mincu” de Bucarest, Rumanía. Es socia del estudio de arquitectura A Stil. Co-fundadora de la Orden de Arquitectos de Rumanía. Co-fundadora y presidente de la asociación De-a Arhitectura, el primer equipo rumano que promueve la educación de arquitectura y del entorno construido para infancia y juventud en escuelas. Es la representante de la Orden de Arquitectos de Rumanía ante el Programa Arquitectura & Infancia de la Unión Internacional de Arquitectos.
JUAN CARLOS MELO | Colombia
Artista Plástico de la Universidad Nacional de Colombia, Ha trabajado por 21 años en el ámbito de la educación en primera infancia y primaria como tallerista (arte y pedagogía), asesor pedagógico para la innovación educativa en varios proyectos educativos de orden privado y social, en los campos del arte como herramienta transdisciplinar dentro de los procesos pedagógicos, el diseño y organización de ambientes educativos, la documentación pedagógica, el diseño curricular y la formación del talento humano según su contexto que lo ha llevado a impartir seminarios y cursos de formación en algunos países de Latinoamérica.
Monográfico «Infancia, Arquitectura y Educación en los Países Catalanes» | España
Enric Prats
Doctor en Pedagogía. Profesor de Pedagogía Internacional y de Gestión Cultural en la Universidad de Barcelona (España). Coordinador editorial de la revista Temps d’Educació. Director de la colección Pedagogías UB, de Ediciones de la Universidad de Barcelona. Miembro de la coordinación del Programa de Mejora e Innovación en la Formación de Profesorado de Cataluña. Delegado del rector de la Universidad de Barcelona para la Comunicación Digital.
Jorge Raedó
Artista y profesor de arte/arquitectura para infancia. Ha trabajado con escuelas infantiles, colegios, universidades, museos, bienales y administraciones de los cinco continentes. Director de ANIDAR. Vive en Bogotá desde 2015. Osa Menor resume su trabajo con y para infancia.
Ricard Huerta
Catedrático de Educación Artística en la Universitat de València. Artista y docente, es director de EARI Educación Artística Revista de Investigación (www.revistaeari.org) y de Museari (www.museari.com). Coordinador del Grupo CREARI de Investigación en Pedagogías Culturales (GIUV2013-103).
Carme Cols y Pitu Fernández
Maestros de toda la vida en la escuela infantil y en primaria, actualmente jubilados. El año 2000 crearon el proyecto El Safareig -El Lavadero- (elnousafareig.org), un espacio de diálogo y comunicación sobre infancia y naturaleza. Y desde hace más de diez años, están acompañando, aprendiendo y compartiendo con escuelas e instituciones de varios países sobre lo que representan sus espacios, la pedagogía y la arquitectura, escenarios donde viven y conviven las comunidades educativas… especialmente en los patios escolares.
Rubèn Pineda
Arquitecto por la ETSAV (UPC), máster Proyectos XXI con Carlos Ferrater (OAB) y doctor en Artes i Educación (UB) con una tesis referida a la adquisición del volumen mediante el dibujo infantil y el trabajo con maquetas. Durante los últimos 10 años, su labor se ha centrado en investigar en Primaria, ejercer de profesor de Secundaria y Bachillerato en matemáticas, tecnología y dibujo, colaborar en algunos artículos en la encrucijada entre la arquitecura y la educación, así como realizar formaciones para educadores a diversos niveles.
Joan Vitòria i Codina
Arquitecto por la ETSAB-UPC y cofundador de El globus vermellen 2009. Ha trabajado para el Servei Educatiu d’Arquitectura del COAC (2005-2007) y para la Escola Sert del COAC (2007). Fue coimpulsor del festival Construyendo en la Sala, co-comisario de la exposición “Materia sensible. Jóvenes arquitectos catalanes”, profesor de Proyectos en la School of Architecture de la UIC (2007-2013), co-comisario del ciclo de conferencias Foros UIC (2007-2013) y coordinador de su Departamento de Cultura y Publicaciones (2009-2011).
Pablo Amor Méndez
Arquitecto especializado en Gestión del Territorio, Urbanismo, Infraestructuras y Medio Ambiente. En 2009 funda Arquitectives (www.arquitectives.com) junto a Cristina Llorente, organización a través de la cual trabajan en la divulgación y transformación de la arquitectura, los entornos urbanos y el paisaje, tanto desde el diseño como desde la formación.
Silvana Andrés
Cofunfadora de Arquilecturas, junto a la arquitecta Sonia Rayos. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia. Ha ejercido la docencia en educación secundaria durante quince años, y ha dado clases como profesora asociada en Bellas Artes. A través de sus clases tiene la oportunidad de trabajar por metodología proyectual y observa que la arquitectura y el arte son herramientas idóneas para trabajar las competencias que establece el currículum en educación infantil, primaria y secundaria.
PLÁCIDO GONZÁLEZ | China
Doctor arquitecto y urbanista. Catedrático de conservación del patrimonio en el College of Architecture and Urban Planning de Tongji University en Shanghai, China. Profesor Distinguido de las Universidades de Shanghai (Eastern Scholar, 东方学者), es Editor Ejecutivo de la revista Built Heritage y Vicepresidente de la Association of Critical Heritage Studies. Su investigación se centra en la conservación del patrimonio arquitectónico y urbano y en el estudio de la arquitectura moderna como patrimonio.
CECREA – «Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio – Gobierno de Chile» | Chile
Rosario Ateaga. Artista Visual y Directora del Cecrea Castro en la isla de Chiloé. Realiza proyectos curatoriales y de mediación. Ha participado de exposiciones, conversatorios, y una serie de acontecimientos artísticos. Entre sus intereses resaltar el trabajo experimental entorno a la niñez y la educación artística. Como artista e investigadora ha explorado territorios multidisciplinarios en torno a la creación y los nuevos medios, siempre desde el trabajo colaborativo y colectivo abordando las nuevas prácticas y lenguajes artísticos.
David Donoso. Arquitecto de la U. Chile, con estudios en Eficiencia Energética y Representación Digital de la Arquitectura. Profesionalmente siempre vinculado a la gestión de políticas públicas con enfoques participativos y territoriales, para el diseño y/o construcción de infraestructura social a escala barrial, viviendas sociales, espacios públicos, parques urbanos, entre otros. Desde el año 2018 a cargo de la Infraestructura de los Centros de Creación en el Ministerio de las Culturas, siendo una de las principales gestiones a la fecha la construcción de los centros de Creación de La Ligua, Valdivia, Castro y Vallenar.
Daniel Hermosilla. Sociólogo e investigador. Encargado Nacional del Programa Cecrea, ha coordinado proyectos artísticos y científicos siempre desde la gestión y propuesta de abordar problemáticas sociales y contemporáneas desde lo colectivo. Con estudios de filosofía, derechos de infancia y economía su orientación se inclina hacia la creatividad y el pensamiento crítico.
MARIANO FERNÁNDEZ ENGUITA | España
Catedrático de Sociología en la U. Complutense, donde coordinó el Doctorado en Educación y diseñó el proyecto hiperaula.ucm. Además promueve el Máster Avanzado en Investigación y Transformación Educativa UCM-ILE-OEI. Es ex director del INAP y autor de «Más escuela y menos aula. La innovación educativa en un cambio de época«. Conoce más en su web.
INKERI RUOKONEN | Finlandia
Inkeri Ruokonen es profesora de Educación Inicial -Early Childhood Education- en la Universidad de Turku (Finlandia), y Vicedecana en dicha universidad. Es Doctora en Educación (Universidad de Helsinki, 2005), Licenciada como Docente de Música (Universidad de Helsinki, 2010), Profesora de Música (Sibelius Academy, 1987).
Ha sido Directora del Programa de Máster en Ciencias de la Educación de la Universidad de Helsinki. Su investigación se centra en educación inicial, educación musical, formación del profesorado, pedagogía del arte, entornos de aprendizaje, talento precoz, educación intercultural y creatividad. Ha publicado varios artículos científicos y ha sido editora de revistas y libros académicos.
PAULO COSIN | España
Paulo Cosín Fernández es propietario y director de Ediciones Morata, especializada en educación, ciencias sociales y psicología. Su catálogo hace un esfuerzo continuo por las publicaciones más innovadoras, por el apoyo al profesorado con estrategias de colaboración y liderazgo en áreas relacionadas con la creatividad, resaltando la importancia del contexto en los ambientes de aprendizaje.
La labor de Paulo en la selección, revisión y edición de los textos lo mantiene en contacto directo con los principales especialistas del mundo de estas áreas.
FRANCISCO JAVIER CANDIOTI | Especial Argentina
Arquitecto por la Universidad Nacional del Litoral con la Tesis de Grado “De-Espacio, Escuela: Arquitectura Escolar para la enseñanza media pública en la Ciudad de Santa Fe». Profesional Especializado en Proyectos de Arquitectura Escolar por la Dirección de Infraestructura Escolar del Ministerio de Educación de la Nación. Actualmente se desempeña como como Jefe del Departamento de Arquitectura y Equipamiento de dicho organismo.
LAURA SINGER | Especial Argentina
Lic. en Ciencias de la Educación, Universidad de Buenos Aires. Profesora de Expresión Corporal, Especialización en Formación de Formadores. Participó de la “La escuela: un modelo para nuevos aprendizajes” en El Tríptico de la Infancia con Chiqui González y equipo, Rosario (única cohorte 2010, 2011).
Cursa actualmente el postgrado en Arquitectura para la Educación en la Universidad Nacional del Litoral, Santa Fe. Trabaja en el Ministerio de Educación del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.
MARGARITA TRLIN | Especial Argentina
Arquitecta por la Universidad Católica de Santa Fe. Mg en Desarrollo Sustentable por la Universidad Nacional de Lanús. Doctoranda en Arquitectura por la Universidad Nacional del Litoral, donde es Directora de la “Especialización en Proyecto, planificación y gestión de arquitectura para la educación” e investigadora en temáticas de arquitectura educativa.
Fue coordinadora del Programa Nacional 700 escuelas en el Ministerio de Educación de la Nación en 2005-2010. Cofundadora de RedSur Red interuniversitaria. Cotitular del Estudio de Arquitectura Cabrera Trlin arquitectos de la ciudad de Paraná Entre Ríos desde el año 1983.
MABEL MARRONE | Especial Argentina
Titiritera, docente y especialista en Educación por el Arte. Estudió en la Escuela de Titiriteros del Teatro San Martín de Buenos Aires. Luego ingresó al Elenco estable de dicho Teatro, donde fue intérprete durante 23 años. Es directora del grupo independiente de títeres y actores “El Candil”, produce espectáculos para niños y adultos.
Construyó su carrera docente en Educación por el Arte en el Instituto Vocacional de Arte Labardén (IVA) como profesora, vicedirectora de la Sede Parque Chacabuco y directora del IVA hasta su jubilación en 2018.
ALEJANDRO REBOSSIO | Especial Argentina
Periodista especializado en economía. Corresponsal del canal de TV alemán Deutsche Welle (DW) y columnista de elDiarioAR y Radio Con Vos, de Argentina. Trabajó en Ámbito Financiero, La Nación, El País (España) y Noticias. Coautor de los libros Estoy verde. Dólar una pasión argentina (Aguilar, 2013) y Vaca Muerta (Planeta, 2015).
CARME FENOLL | España
Carme Fenoll i Clarabuch es bibliotecaria. Entre 2012 y 2017 fue jefa del Servicio de Bibliotecas del Departamento de Cultura de la Generalitat de Cataluña. Es diplomada en Biblioteconomía y Documentación por la Universitat de Barcelona, licenciada en Documentación por la Universitat Oberta de Catalunya y máster en gestión cultural. A lo largo de su trayectoria ha puesto en marcha proyectos como Arteca (préstamo de obras de arte), Bibsons, Bibliowikis (colaboración con Wikipedia), 10×10 (encuentros de editores con los bibliotecarios), Bibliotecas con DO (vinos y libros), UPCArts (binomio cultura y tecnología).
Actualmente trabaja en la Universitat Politècnica de Catalunya como Directora del Área de Cultura y Comunidad atendiendo los Programas Cultural, Bibliotecas, Alumni y el Gabinete de Innovación Social entre otros. También forma parte de varios patronatos catalanes vinculados al mundo de la cultura, la educación y la equidad social.
FABIO GUTIÉRREZ | Colombia
Fabio Gutiérrez es arquitecto por la Universidad Nacional de Colombia, con Especialización en Pedagogía del Diseño en la misma universidad. Tiene la maestría en Arquitectura por la Universidad Jorge Tadeo Lozano. Fue docente del Taller de Diseño Arquitectónico de Colegio Cafam en Bogotá de 2007 a 2017. Es docente a tiempo completo de la Universidad Santo Tomás, sede Villavicencio, desde 2020.
ASOCIACIÓN PATIOS HABITABLES | España
Ana Ausín es arquitecta, diseñadora de objetos, paisajes, y espacios lúdicos. Su trabajo vincula la arquitectura con la naturaleza, la pedagogía, y el juego como motor de la creatividad. Actualmente vive y trabaja en Madrid.
Josep (Pitu) Fernández es maestro y pedagogo, actualmente jubilado. En el año 2000, junto con Carme Cols, su pareja pedagógica y en la vida real, crearon el proyecto El Safareig, un espacio de diálogo y comunicación sobre infancia y naturaleza. Han acompañado a cientos de escuelas considerando las muchas oportunidades que ofrecen los patios escolares como espacios de juego y aprendizaje.
Miguel Mayorga, Dr. Arquitecto, Profesor de urbanismo de la ETSAB-UPC en Barcelona. Es socio de Mayorga+Fontana y City Fov Urban Lab con la Dra Arquitecta María Pía Fontana, donde desarrollan proyectos sobre la integración, adaptación y transformación de patios, centros y entornos escolares y sobre estrategias urbanas para equipamientos educativos, por los que han recibido numerosos premios.
GEMMA CARBÓ | España
Directora del Museo de la Vida Rural de la Fundación Carulla. Es gestora cultural y doctora en ciencias de la educación en el ámbito de las políticas culturales y educativas. Interesada desde siempre en las conexiones entre el mundo de la cultura, la educación y el desarrollo sostenible. Su apuesta es por la cultura como centro de las políticas públicas y como herramienta de transformación social.
Estuvo al frente de la cátedra UNESCO de políticas culturales y cooperación de la Universitat de Girona entre 2013 y 2018. Hoy es docente en el ámbito de la pedagogía y la gestión cultural en esta y en otros universidades. Ha impulsado la creación de la asociación Conarte Internacional para las artes a la educación y es presidenta de la Fundación Interarts que trabaja en clave de cooperación cultural internacional.
Asociación Garaion: Julia López, Amaia Gabilondo, Alazne Goñi, Miren Beitia | España
Garaion Naturartea es una asociación con tres pilares fundamentales: Naturaleza, creatividad y patrimonio social. Desde el 2008 siguiendo un propio proyecto educativo que está en constante transformación ha trabajado desde la participación en la creación de espacios mediante elementos naturales: ramas, paja, barro, mimbre… Desde hace 6 años construimos zonas de juego verdes con mimbre vivo desde la participación con diferentes colectivos, e intentando buscar el protagonismo de cada participante.
El equipo de trabajo de Garaion son:
Julia Lopez Fernandez, licenciada en Bellas artes y en ciencias de información es la coordinadora de la gestión cultural y proyectos de land art que realizamos en Garaion Sorgingunea.
Amaia Gabilondo Jauregi licenciada en empresariales y especializada en mediación desde la perspectiva de género, es una de las creadoras del proyecto Garaion y su filosofía.
Alazne Goñi Muriel, técnica superior en Integración social y artesana profesional, es especializada en bioconstrucción, y cestería contemporánea.
Miren Beitia Arriola, licenciada en historia. Dinamizadora en creatividad y naturaleza y especializada en estructuras de mimbre vivo.
SINEFAC | Colombia
Gloria Patricia Zapata Restrepo es PhD en Psicología de la Música y Educación Musical de la Universidad de Roehampton, Londres. Es Magister en Psicopedagogía y Educadora Musical de la Universidad de Antioquia. Es UNESCO Chair en Artes, Educación y Cultura de Paz en convenio entre la Fundación Universitaria Juan N. Corpas y la Universidad Distrital. Actualmente se desempeña como disciplinar en el área de Educación Artística y Cultural del Ministerio de Educación Nacional en la Subdirección de Referentes y Evaluación de la Calidad del VEPBM. Sus trabajos académicos y de investigación han girado en torno a la articulación entre artes, educación, contexto cultural y construcción de paz.
Carlos Dueñas es Licenciado en Pedagogía Musical (UPN), Comunicador Social – Periodista (UJTL), Esp. Comunicación Educación (UC) y Mg. en Investigación en Problemas Sociales Contemporáneos (UC). Desempeño docente en áreas de las teorías de la comunicación, en enseñanza del canto y en el campo relacional Arte- Pedagogía. Cantante lírico con experiencia escénica en zarzuela. opereta y ópera. Actualmente es asesor de Educación Artística de la Dirección de Artes del Ministerio de Cultura de Colombia.
PEDRO BARRÁN | Uruguay
Pedro Barrán es Doctor arquitecto dedicado al proyecto e investigación de escuelas públicas. Su trabajo académico se centra en las interacciones entre las ideas educativas y las arquitectónicas. Es profesor adjunto de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo e investigador del Sistema Nacional de Investigadores.
Lleva más de 20 años proyectando escuelas primarias y varias de sus obras han sido premiadas. Actualmente trabaja como Arquitecto planificador del Área de Proyectos del Programa de Apoyo a la Escuela Pública Uruguaya.
GIANCARLO MAZZANTI | Colombia
Arquitecto egresado de la Universidad Javeriana de Colombia, con estudios de postgrado en diseño industrial y arquitectura en Florencia, Italia. Cuenta con experiencia académica como profesor invitado de cátedra en numerosas universidades colombianas, así como en universidades de prestigio mundial como Harvard, Columbia y Princeton; y es el primer arquitecto colombiano en tener sus obras en la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMa) y en el Centre Pompidou, en París.
Giancarlo cuenta con más de 25 años de trayectoria profesional y su estudio, El Equipo Mazzanti, que se encuentra ubicado en Bogotá, ha ganado notoriedad debido a su filosofía de diseño basada en módulos y sistemas, con la que se generan elementos flexibles capaces de crecer y adaptarse en el tiempo, buscando una arquitectura que está más cerca de la idea de estrategia que a una composición finita y cerrada.
PILAR BENEJAM | España
Nacida en Ciudadela, isla de Menorca, en 1937. Maestra, licenciada en Pedagogía, en Geografía y en Historia. Doctora en Pedagogía por la Universidad de Barcelona. Doctora Honoris Causa por la Universidad Rovira i Virgili de Tarragona. Doctora Honoris Causa por la Universidad de las Islas Baleares. Participó activamente en los Movimientos de Renovación Pedagógica de Rosa Sensat.
Maestra de Primaria y Secundaria durante 10 años. Profesora y catedrática de Universidad durante 33 años, centrándose en la formación del profesorado de todos los niveles educativos. Defiende la dignidad de la docencia y la necesidad de relacionar estrechamente la teoría y la práctica en la formación inicial y permanente del profesorado.
ANN GADZIKOWSKI | Estados Unidos
Ann Gadzikowski es autora y educadora apasionada por fomentar el pensamiento creativo y crítico en la infancia. Su libro más reciente es Jóvenes arquitectos en juego: actividades STEM para la Primera Infancia, publicado por Redleaf Press en 2020. Ann tiene más de veinticinco años de experiencia como profesora y directora de programas de Primera Infancia. Actualmente es Directora de Apredizaje Temprano en la Encyclopedia Britannica.
CLAUDIO DI GIRÓLAMO | Chile
Claudio di Girolamo, artista de origen italiano, llegó a Chile a los 19 años y desde entonces se ha transformado en un protagonista del quehacer artístico y cultural del país. Director, dramaturgo, escenógrafo, pintor, cineasta y asesor cultural fue jefe de la División de Cultura del Ministerio de Educación de Chile, desde donde impulsó cabildos culturales en todo el país, lo que dio origen a una institucionalidad cultural basada en la participación ciudadana.
Actualmente es asesor en el Departamento de Educación del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, y desde ese rol, participa activamente en la reflexión sobre la crisis de la escuela, y cómo la educación por el arte puede aportar a un modelo de escuela comunitaria, en la que niños, niñas y jóvenes son protagonistas de sus aprendizajes y decisiones.
MERCEDES BLASI | España
Mercedes Blasi Vélez es Licenciada en Filosofía y Ciencias de la Educación por la Universidad de Salamanca. Pedagoga de la Fundación Pública Local Granada Educa desde 1984. Colaboró con la Revista “In-fan-cia. Educar de 0 a 6 años” de la Asociación Rosa Sensat desde sus inicios, y ha sido su co-directora desde 2003 hasta 2016. Colaboró con distintos organismos públicos y Movimientos de Renovación Pedagógica en procesos de formación continua para profesionales que trabajan con infancia de 0 a 6 años.
MARÍA ELVIRA MADRIÑÁN | Colombia
Arquitecta de la Universidad de los Andes. Dentro de sus intereses temáticos están la botánica y el paisajismo. Trabajó por más de 30 años junto a su esposo el arquitecto Rogelio Salmona, y actualmente es Presidente de la Junta Directiva de su fundación.
Su trabajo data desde 1980, siendo arquitecta y diseñadora encargada del paisajismo de proyectos institucionales, educativos, recreativos y de vivienda colectiva y personal. Sus escritos han sido publicados en revistas nacionales e internacionales.
NICOLÁS DEL VALLE | Chile
Nicolás del Valle Orellana es especialista en educación transformativa y coordinador del programa de Cultura de la Oficina Regional de Educación para América Latina y el Caribe de la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura UNESCO. Licenciado en Ciencia Política, Magíster en Pensamiento Contemporáneo y Doctor en Filosofía.
Ha sido investigador visitante en el Instituto Ibero-Americano de la Fundación del Patrimonio Cultural Prusiano de Berlín (Alemania), profesor visitante en la Facultad de Artes y Ciencias Sociales de la University of New South Wales (Australia), Profesor invitado en el Centro de Investigación Artística (Argentina) e investigador visitante en el Instituto de Estudios Latinoamericanos de la Freie Universität Berlín (Alemania). Actualmente, sus líneas de interés versan sobre políticas públicas para el desarrollo sostenible y educación transformativa con énfasis en cultura, arte y patrimonio.
FRANCINA MARTÍ | España
Licenciada en Filología catalana y profesora de Educación Secundaria. Catedrática de lengua y literatura en institutos de secundaria, donde ha asumido responsabilidades en el equipo directivo. Ha trabajado como técnica docente en el Departamento de Enseñanza de la Generalitat de Cataluña, en el Servicio de Innovación y de Formación del profesorado.
Ha sido formadora del profesorado en varios programas de formación permanente, y ha participado en seminarios y congresos. Ha publicado varios libros y artículos, relacionados con su campo de investigación, que es la didáctica de la lengua y la lectura crítica en entornos digitales. En la actualidad es presidenta de la Asociación de Maestras Rosa Sensat.
Las características del solar así como los condicionantes urbanísticos, propios del casco antiguo donde se ubica, motivaron una reinterpretación de la casa tradicional entre medianeras, poniendo en valor la lógica constructiva y las prestaciones de los materiales tradicionales.
Casa MOLT | SaAS – Sabaté Associats + Oihana Cuesta + Manel Mérida | Sección
Las cubiertas inclinadas, la proporción vertical de los huecos así como la utilización de persianas alicantinas, mortero de cal y cerámica vidriada en el zócalo de fachada le otorgan a la casa un carácter capaz de integrarse y de dialogar con el lugar.
La casa, de dos plantas y sótano, se organiza a partir de tres crujías de muro cerámico de carga, de dimensiones óptimas para la estructura horizontal de madera. La disposición intercalada del patio interior, la caja de escalera y la caja del baño configuran la espacialidad de la planta baja como una secuencia de espacios intercalados y sin jerarquías, donde cada estancia tiene su propia identidad y función a la vez que se integran y conectan como un único espacio. La cocina abierta e inclusiva se sitúa en el espacio central, actuando como pieza distribuidora.
Esta disposición de los elementos estructurantes de la espacialidad potencia las diagonales visuales, que proporcionan una mayor sensación de amplitud, y permite que la luz que penetra por ambas fachadas se conecte en el centro.
En la planta primera, la ubicación de la escalera y el baño en los extremos de la crujía central configuran un espacio de doble altura en el centro de la planta que actúa como pieza distribuidora a la vez que permite un uso de estudio. Las dimensiones de las habitaciones, sin jerarquías de tamaño, ofrecen una flexibilidad de uso y distribución.
Obra: Casa MOLT
Arquitectos autores de la obra: SaAS – Sabaté Associats + Oihana Cuesta y Manel Mérida
Ubicación proyecto: Santa Coloma de Gramenet (Cataluña, España)
Año término construcción: 2024
Superficie construida: 20 m2)
Colaboradores: Construcción: L’Obrador Construcció Ètica S.L, Instalaciones: Climalectric, Carpínterias interiores: Daniel Urbina, Construalamo S.L, Carlota Lots, Construcciones y obras Pedrosa, S.L
Fotografía: Simón García | arqfoto + saas.cat
4ª Beca Lilly Reich para la igualdad en la arquitectura 2024
La Fundació Mies van der Rohe convoca la 4ª Beca Lilly Reichpara la igualdad en la arquitectura con la voluntad de generar investigación y debate sobre la arquitectura moderna y contemporánea con relación a conceptos que hoy son fundamentales como la identidad, la inclusión social y todas las vertientes de la sostenibilidad.
En 2018 refundación Mies van der Rohe instauró las Becas Lilly Reich para la igualdad en la arquitectura para reconocer el legado arquitectónico de Lilly Reich y con el objetivo de apoyar el estudio, la divulgación y la visibilización de aportaciones en la arquitectura que han quedado indebidamente relegadas u olvidadas.
Jurado
El jurado de esta edición está constituido por tres personas que, además de ser arquitectas, son expertas y activas en la investigación y difusión para fomentar la igualdad: Aaron Betsky, Ana Gilsanz Díaz y Laida Memba Ikuga.
Aaron Betsky
Arquitecto y crítico de arte, director actual del Cincinnati Art Museum, quien ya formó parte del jurado de la 3ª Beca Lilly Reich para la igualdad en la arquitectura, que escogió el proyecto Anna Bofill Levi. La arquitectura como contracanto (1977-1996).
Ana Gilsanz Díaz
Doctora arquitecta y docente investigadora en estudios de género y de mujeres en
la cultura arquitectónica. Fue una de las autoras que, junto con Mª Elia Gutiérrez Mozo, José Parra Martínez y Joaquín Arnau Amo, mereció la beca en su edición anterior.
Laida Memba Ikuga
Arquitecta e investigadora sobre la relación entre la arquitectura, el espacio vivido y la memoria, y también trabaja en procesos de decolonialidad.
Reglas y plazos
→ Pueden optar a la Beca Lilly Reich para la igualdad en la arquitectura las personas investigadoras que, de forma individual o en grupo, presenten una propuesta acorde con las bases de la convocatoria.
→ Las personas aspirantes pueden presentar sus propuestas hasta el 2 de septiembre de 2024
→ Más información en la web
Dejarse habitar por todo aquello que persigue al recuerdo, por todo aquello que nos da la mano cuando el vacío de lo que somos no vuelve a componer, por el espacio amplio – donde todo cabe- de nuestra conciencia, por ese lugar que creamos con nuestras limitaciones; por ese dejarse habitar hasta donde llega la mirada imaginada.
Por ese lugar confinado sin palabras, por ese espacio inconcluso, por esa imagen acompasada por ruidos que solo fungen como testigos en el silencio del papel.
Dejarse habitar por ese horizonte débil, poco nítido, ensayado muchas veces por los colonos al establecer sus dominios, por esa línea ausente que resuena con nuestro eco, por ese espesor que muchas veces es el espacio que revela nuestra infancia, nuestra escala, nuestra grandeza.
El otro día, a raíz de la entrada que escribí sobre la corrección de Carvajal a un proyecto de un alumno, alguien me comentó que Carvajal no tenía un cuerpo teórico coherente, y que se limitaba a hacer una crítica funcionalista, que es algo muy fácil, muy elemental y muy pobre, ya que consiste tan sólo en ir leyendo los planos.
(La verdad es que ese sistema ha sido el de casi todos los profesores que he conocido).
Esto me hizo pensar un par de cosas que quiero contar ahora.
En primer lugar, creo que la funcionalidad es obligatoria. La funcionalidad es una condición previa y sine qua non. Hay que satisfacerla siempre. Una vez que hemos constatado que está ahí y que cumple, podemos pasar a hablar de otras cosas.
De nada sirve hacer consideraciones plásticas, espaciales, estéticas, etc., si el edificio no funciona. Si no funciona no hay nada más que hacer.
Villa Savoye, segunda planta
Veamos por ejemplo una planta de una vivienda situada en Francia
Vemos varias cosas antifuncionales: La escalera hace el cambio de dirección con peldaños compensados muy incómodos, y eso que le sobra sitio para haber tenido una meseta amplia. Al desembarcar de ella tenemos un largo pasillo para ir a un dormitorio, allá al fondo, y otro pasillo para ir al dormitorio principal, también al fondo (y al que además se entra a través de un baño). Es decir: un pasillo por delante de la escalera y otro por detrás cuando cualquiera habría sabido aprovechar mejor la superficie útil haciendo uno solo. También hay un amplio espacio de distribución al lado de la escalera, al que abre la puerta del salón estorbando la salida a la terraza. (A quienes hemos hecho adosados de 5,50 m de fachada nos parece mentira que en un distribuidor tan grande se puedan estorbar las puertas). Vemos además un baño ciego cuando hay metros y metros de fachada por todas partes.
Etcétera. ¿Para qué seguir? Carvajal se habría puesto las botas corrigiendo este proyecto.
Casa Farnsworth
Veamos ahora una casa de campo en Estados Unidos
Con esta no vamos a perder el tiempo. Sólo diremos:
-¿Cariño, vas a quedarte hasta tarde viendo la tele?
-Hasta que termine el fútbol.
-Pues me voy a la cama a leer un rato.
Hace tiempo escribí que la arquitectura más funcionalista que conozco es la de las chabolas. ¿Me hace falta luz aquí? Pues abro una ventana ahí mismo. ¿Necesito sombra y resguardo aquí delante? Pues cubro. ¿Quiero poner una caldera? Pues le improviso un habitáculo. Voy atendiendo a cada necesidad según me va surgiendo, y voy solucionando cada problema funcional sin atender a nada más. El resultado es la obra perfectamente funcional: la chabola.
En ese sentido, la chabola es irreprochable. Pero queremos otra cosa.
¿Por qué nos gustan las dos casas cuyas plantas he puesto más arriba, si son antifuncionales?
Un famoso arquitecto dijo una vez que la casa era una máquina de habitar, pero él (afortunadamente) jamás hizo una máquina de habitar. Él hacía poéticos objetos plásticos y espaciales de habitar, que es lo que de verdad nos gusta, aunque también es lo que nos avergüenza reconocer y lo que somos incapaces de justificar.
Ese mismo arquitecto hablaba a menudo de seguir «la estética del ingeniero» porque era la estética de darle a cada objeto la forma que necesita, pero él era un artista plástico, y su estética era la de la plástica menos ingenieril, si entendemos ingenieril como sensato, lógico, funcional, económico… como él proponía.
La arquitectura es otra cosa, pero no sabemos qué. Decíamos que Carvajal hacía solo una lectura funcional del proyecto del alumno, pero hemos de reconocer que es la única lectura que se puede hacer con algo de objetividad y de rigor. Lo otro, la emoción…, la plástica…, la luz… no hay manera de valorarlo objetivamente.
Otro de los comentarios sobre la entrada anterior decía que Carvajal, después de hacer tan feroces críticas funcionalistas, reconocía la «emoción» y la valoraba mucho. ¿Pero cómo se valora la emoción? La lectura funcional es objetiva, la emocional no.
Y sin embargo es la que cuenta en definitiva.
Respecto a la funcionalidad antes he dicho que es obligatoria y que es previa a todo lo demás. No es cierto: todos renunciamos con gusto a lo funcional si se nos da algo mejor a cambio. Lo malo es que ese algo es muy difícil de evaluar y de medir.
Para ir de una habitación a otra, o de una aula a otra, o de una sala de reuniones a otra, lo más funcional es hacerlo por un distribuidor recto, horizontal, firme y bien iluminado.
¿Pero qué pasaría si, en vez de eso, tuviéramos que subir una escalera de caracol y bajar luego por una rampa, saltar, arrastrarnos, recorrer unos metros en completa oscuridad, agacharnos súbitamente para no darnos en la cabeza o cualquier otro disparate parecido?
Pues que tal vez podría ser muy divertido.
Yo he sido muy feliz (ya lo dije en otra ocasión) en la casa que peor funcionaba del mundo. Pero había otras cosas (y personas) que merecían la pena y que valían mil veces más que la más sensata distribución. La casa tenía un pasillo estúpido, largo, pésimamente diseñado. Cuánto he jugado y cuánto me he reído en ese pasillo.
Tengo un viejo recuerdo de niño viendo películas de aventuras: Robin Hood saltando desde lo alto de una escalera y descolgándose por una lámpara, castillos llenos de pasadizos secretos, prisioneros escapándose… Y tal vez vislumbré ahí mi primera vocación de arquitecto admirando cómo se organizaba y desorganizaba el castillo del Príncipe Juan, o cómo se accedía desde un acantilado a la gruta secreta que era el refugio de unos piratas, o cómo el pistolero que estaba descansando en el piso de encima del saloon se escapaba del sheriff saliendo por una ventana desde la que se accedía (milagro) a una escalera exterior.
Tal vez quise ser arquitecto para poder diseñar algún día alguna de aquellas absurdeces fantásticas.
Esa pulsión por los espacios mágicos y secretos justifica las dos casas que he mostrado antes, pero también los portales de algunos bloques de pisos de los extrarradios de las ciudades, y los pasillos, y las dobles alturas, y las esquinas, y las escaleras de caracol, y los balcones, y el color azul de la raya de un zócalo, y las viseras, y el empedrado, y las jardineras, y los zaguanes, y los rincones, y nuestra vida antifuncional y deseada.
José Ramón Hernández Correa · Doctor Arquitecto
Toledo · Octubre 2016
Cómo gestionar tu estudio de arquitectura (y no fracasar, arruinarte o, incluso, cerrar, en el intento) | José María Gutiérrez Noguera
No se puede realizar una arquitectura de calidad si nuestro estudio no está correctamente organizado; en caso contrario, nuestras energías se malgastarán en la mera supervivencia.
Hoy la actividad profesional de la arquitectura se ha complicado hasta la extenuación: además de proyectar, debemos gestionar permisos, cumplir normativas variopintas y cambiantes, contratar a colaboradores externos e internos, buscar encargos y presentar concursos, gestionar los recursos económicos para obtener beneficios, controlar y dirigir las obras y, por si fuera poco, atender una demanda de exigencia creciente por parte de nuestros clientes.
Este manual facilita las herramientas básicas para que un estudio, por pequeño que sea, se transforme en una empresa, consiga un verdadero control económico del trabajo y, en consecuencia, libere tiempo y recursos para una actividad de categoría superior… y quizá hasta mejore nuestra calidad de vida
(¡ojalá!).
Así lo ha demostrado José María Gutiérrez Noguera tras una experiencia de varias décadas gestionando una oficina de arquitectura de éxito probado, fruto de la cual son estas páginas.
Nada de lo expuesto de aquí es improvisado, de hecho, se trata de una serie de herramientas sencillas y útiles no sólo en la arquitectura, sino en cualquier despacho de diseño, ingeniería, consultoría y, en general, en cualquier actividad de servicios. Todas estas empresas deben proyectar los productos a vender, buscar clientes, gestionar su economía con rentabilidad, lidiar con un complejo marco normativo, y todo ello frente a una competencia feroz. Para todas ellas, este libro será uno de sus mejores aliados.
José María Gutiérrez Noguera
(Barcelona 1946) arquitecto por la ETSAB desde 1970. De 1970 a 1982 creó y cerró varios estudios de arquitectura con diversos arquitectos o ingenieros. En 1982 creó con Pere Riera Pañellas el despacho Riera, Gutiérrez i Associats que con el tiempo se transformó en RGA ARQUITECTOS SLP. En 2008 vende las acciones del estudio y en 2010 crea con sus hijos Daniel y Olga 080 ARQUITECTURA SLP.
Ha sido profesor de proyectos de la ETSAV de 1979 a 1983. De 1979 a 2001 fue director de los servicios técnicos de los ayuntamientos de El Masnou, Montgat y Caldes de Estrach. De 2006 a 2010 tesorero de los órganos centrales del COAC. Profesor de la Escola Sert.
Actualmente es secretario-tesorero de Arquitectes per l’Arquitectura. Autor de diversos proyectos de arquitectura entre los que destacan el cementerio de Malla, el Centro de Investigaciones del Mediterráneo (CMIMA) en Barcelona el edificio de FECSA, la Facultad de Ciencias Jurídicas en Tarragona, el paseo marítimo de S’Agaró, el Instituto de Nanociencia y Nanotecnología ICN2 en Cerdañola, la escuela Sa Forcanera en Blanes, diversos edificios de viviendas…
Entre los diversos premios destacan el Premio en la II Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo por el conjunto del polideportivo y escuela de Montgat, el premio Década por el edificio de FECSA de Barcelona, varios finalistas al FAD, varios premios Casablanca por edificios industriales, varios premios de Catalunya Construccions y el premio internacional Footbrige 2005 a la pasarela peatonal de Sant Pere de Terrassa.
El estudio de arquitectura español PRÁCTICA ha desarrollado un proyecto de regeneración y renaturalización de las riberas del río Somes a su paso por la ciudad de Cluj-Napoca (Rumanía), un recorrido de 15 km por condiciones urbanas diversas que comprenden el centro histórico, zonas industriales y barrios residenciales de los años 60, 70 y 80.
Regeneración y renaturalización de las riberas del río Somes | Práctica | Axométrica
La regeneración y activación ciudadana de los márgenes del Somes nace de un Concurso internacional abierto, convocado por el Ayuntamiento de la ciudad en el año 2017, y ha contado con financiación europea. El concurso fue ganado por el estudio de arquitectura español PRÁCTICA, formado por Jaime Daroca, José Mayoral y José Ramón Sierra, que ha coordinado un extenso grupo de colaboradores interdisciplinares e internacionales, con los que ha implementado la arquitectura, el paisajismo, la ingeniería y la urbanización de la infraestructura del curso del río.
Regeneración y renaturalización de las riberas del río Somes | Práctica | Diagramas
El proyecto entiende el río Somes como un corredor verde capaz de conectar otros espacios públicos cercanos gracias a la incorporación de una red de caminos, carriles bici y puentes peatonales. El curso del río adquiere grosor, dando lugar a un conjunto de nuevos espacios públicos: aparcamientos convertidos en plazas con vistas al río y orillas que incorporan playas y gradas. Se consigue así activar las riberas como verdaderos espacios para acceder al curso fluvial y contemplar y disfrutar su fauna y flora.
El proyecto recupera el carácter natural del entorno, expandiendo y modificando el borde delgado y duro preexistente en un entorno más suave y natural. La actuación fomenta la biodiversidad, la formación de microclimas, la absorción de CO2 y el control de especies invasoras.
El proyecto rediseña el río como un nuevo espacio social que funciona a distintas escalas y con diversos programas, una nueva infraestructura verde, un espacio de encuentro e intercambio entre las diversas comunidades que habitan la ciudad de Cluj-Napoca, de más de 300.000 habitantes.
Regeneración y renaturalización de las riberas del río Somes | Práctica | Puente
Regeneración y renaturalización de las riberas del río Somes | Práctica | Puente
Regeneración y renaturalización de las riberas del río Somes | Práctica | Puente
Regeneración y renaturalización de las riberas del río Somes | Práctica | Puente
El río Somes atraviesa la ciudad de Cluj-Napoca (Rumanía) a lo largo de 15 kilómetros, topándose con condiciones urbanas diversas: el centro histórico, zonas industriales y barrios de viviendas de los años 60 y 70. Durante la segunda mitad del siglo XX, sus ribas fueron modificadas con muros de hormigón, que establecieron una drástica diferencia de altura y limitaron la relación visual y física ciudad-río.
Regeneración y renaturalización de las riberas del río Somes | Práctica | Axometrica
Este proyecto nace de un Concurso internacional abierto convocado en el año 2017. Es un ejemplo de regeneración y renaturalización urbanas, que revaloriza el papel del Somes para la ciudad, así como el vínculo entre ambos. El río se concibe como un corredor verde que, a través de una red de caminos de movilidad sostenible, conecta múltiples espacios públicos y zonas verdes. A su vez, se diseña un sistema de terrazas naturales para renaturalizar el entorno, transformando el duro límite entre la ciudad y el río en una riba más ancha y permeable que permite la biodiversidad.
El río como conector verde y espacio público revalorizado
El proyecto entiende el Somes como un corredor verde capaz incluso de conectar con otros espacios verdes cercanos, que funcionaban de forma aislada (el Parque Central Simion Bărnuțiur o el Parque Cetățuia). Y ello gracias a la incorporación de una red de caminos peatonales y carriles bici.
Regeneración y renaturalización de las riberas del río Somes | Práctica | Diagramas
Regeneración y renaturalización de las riberas del río Somes | Práctica | Diagramas
Regeneración y renaturalización de las riberas del río Somes | Práctica | Diagramas
Regeneración y renaturalización de las riberas del río Somes | Práctica | Diagramas
Su curso adquiere grosor gracias a la activación de un conjunto de nuevos espacios públicos: aparcamientos convertidos en plazas con vistas al río y orillas que incorporan playas y gradas. Se consigue así activar las riberas como verdaderos espacios para contemplar, disfrutar y acceder al curso del río, su fauna y flora.
Regeneración y renaturalización de las riberas del río Somes | Práctica | Sección Zone
Renaturalización
Si bien era importante transformar el Somes en una espina conectora de espacios públicos, resultaba también imprescindible potenciar sus valores medioambientales y ecológicos. El proyecto recupera el carácter natural del entorno, expandiendo y modificando el borde delgado y duro preexistente en un entorno más suave y natural.
Ello se consigue gracias al ensanche de la sección fluvial, que sirve de soporte para un sistema de terrazas. Y permite convertir la orilla en un ecosistema más diverso, que recupera distintas especies de vegetación local, rocas, arena y biorrollos. Se fomenta la biodiversidad, la formación de microclimas, la absorción de CO2 y el control de especies invasoras.
Polo de atracción comunitaria y de colaboración interdisciplinar
El proyecto rediseña el río como un nuevo espacio social que funciona a distintas escalas y programas, un espacio de encuentro e intercambio entre las diversas comunidades que habitan la ciudad.
Regeneración y renaturalización de las riberas del río Somes | Práctica | Masterplan
La recuperación de los márgenes tiene múltiples beneficios, más allá de estratos sociales y fronteras físicas. Actúa como una nueva infraestructura participativa que aborda por igual el contexto local y el global. Propone un nuevo marco para el diálogo y la convivencia por medio de la arquitectura, y aúna los esfuerzos de un amplio equipo multidisciplinar (español y local) formado por profesionales de la arquitectura, paisajismo, ingeniería, urbanismo, así como organismos gubernamentales y la ciudadanía usuaria cotidiana del lugar.
Regeneración y renaturalización de las riberas del río Somes | Práctica | Axonometria
Regeneración y renaturalización de las riberas del río Somes | Práctica | Masterplan
Regeneración y renaturalización de las riberas del río Somes | Práctica | Masterplan
Regeneración y renaturalización de las riberas del río Somes | Práctica | Sección Zone
Regeneración y renaturalización de las riberas del río Somes | Práctica | Sección Zone
Obra: Regeneración y renaturalización de las riberas del río Somes a su paso por la ciudad de Cluj-Napoc
Autor: Práctica (Jaime Daroca, José Mayoral, José Ramón Sierra)
Equipo: Blanca Amorós, Raúl Brito, Cesia Campos, Amanda Castellano, Gonzalo Cortes, Santiago Estepa, Daniel García, Elisabetta Gravina, Ivan Iglesias, Andrea Navarro, Francisca Rocuant, Alonso Rosa, Costan Svinti, Sofía Valdivia, Banika Vijay, Beatriz Whithman
Arquitecto local: Planwerk
Ingeniería: Aqua Prociv Proiect, Costin si Vlad Birou de Proiectare y EuroBB Energy
Paisajismo: Landlab
Coordinador: Baseli Drum Consult
Constructor: ACI Cluj, Socot, Simacek y Nord Conforest
Superficie: 332.137m2
Presupuesto: PEM 25.700.768 €
Cliente: Ayuntamiento de Cluj-Napoca
Fotografía: Imagen Subliminal (Miguel de Guzmán + Rocío Romero), Sergiu Razvan y Ayuntamiento de Cluj-Napoca + studiopractica.com
ASEMAS opta con sus campañas de comunicación “Entre Arquitectos” y “Talento” al premio COAM Difusión 2024, un galardón que reconoce aquellos trabajos que contribuyen a la difusión de la cultura arquitectónica y que es otorgado por el Colegio de Arquitectos de Madrid.
La campaña de ASEMAS “Entre Arquitectos”
La campaña «Entre Arquitectos»resalta el potencial de los arquitectos españoles a través de cuidadas entrevistas a prestigiosos arquitectos y despachos de arquitectura, en las que se muestran distintos enfoques del desarrollo de la profesión desde una perspectiva cercana y singular. Estos videos han sido difundidos en diferentes plataformas, redes sociales y medios del sector.
La campaña de ASEMAS “Talento”
Por otro lado, la campaña«Talento»se centra en dar visibilidad semanalmente al trabajo de mujeres arquitectas y a los jóvenes arquitectos españoles, reconociendo su contribución diversa y plural a la arquitectura española. Esta iniciativa tiene como objetivo principal difundir el potencial que representan el presente y el futuro de nuestra arquitectura, desde diferentes rincones de nuestro país, dando difusión a excelentes trabajos que no tendrían suficiente visibilidad sin el respaldo de este tipo de campañas.
ASEMAS, la mutua de los arquitectos, en su afán por contribuir a la difusión de la cultura arquitectónica, ha desarrollado dos campañas de comunicación “Entre Arquitectos” y “Talento”, en formato vídeo y con amplia difusión en redes sociales y medios especializados, con las que concurre a los premios COAM 2024 que organiza el Colegio de Arquitectos de Madrid.
Con estas propuestas, ASEMAS reafirma su compromiso con la difusión del talento arquitectónico y el apoyo a los profesionales del sector.
Hoy tenemos el placer de entrevistar a Joaquín Esteban, Ingeniero de Desarrollo de Producto en Onduline España, una empresa multinacional del grupo Kingspan especializada en la impermeabilización y el aislamiento térmico de cubiertas inclinadas.
Joaquín Esteban es responsable de la innovación y el desarrollo de nuevos productos en España, así como de la gestión del cumplimiento normativo local. Con una destacada trayectoria en el sector, Joaquín aporta una combinación única de conocimientos técnicos y creatividad para llevar a cabo proyectos innovadores que responden a las necesidades del mercado y cumplen con las normativas vigentes.
Entrevista Joaquín Esteban, Product Development Engineer de Onduline España
Hola, Joaquín, comencemos por conocer cuáles son tus funciones en una empresa como Onduline
Buenos días, en mi caso como Ingeniero de desarrollo de producto y responsable de normativa y cumplimiento local las funciones principales serían las de participar en el diseño de productos, seleccionando materiales y realizando ensayos. También colaborar en la preparación de la documentación de productos y definir procesos y sistemas de trabajo.
Coordinar el desarrollo e industrialización de nuevos productos o modificaciones de los ya existentes junto con el director de fabricación, así como trabajar en estrecha colaboración con otros equipos, como comercial, marketing y control de calidad.
En cuanto a la parte de normativa y cumplimiento se trata de asegurar que los productos cumplan con las regulaciones y estándares aplicables, incluyendo aquí aspectos como seguridad, calidad y sostenibilidad.
Como responsable de innovación en Onduline, ¿Cuáles son los objetivos o retos más significativos a los que te enfrentas para desarrollar nuevos productos?
La innovación exitosa requiere creatividad, adaptabilidad y una estructura sólida para convertir ideas en conceptos valiosos y a la vez resolver las necesidades de los clientes a presente y futuro, por lo que para el desarrollo de nuevos productos has de poder equilibrar creatividad, calidad, coste general y cumplimiento normativo.
¿Qué factores priorizáis a la hora de desarrollar un nuevo producto o sistema para la construcción o rehabilitación de una cubierta inclinada?
Para poder desarrollar un nuevo sistema, has de buscar un enfoque integral, que considere tanto las necesidades del mercado como los aspectos técnicos y financieros.
El comprender las necesidades de mercado y, sobre todo, evaluar la futura demanda es crucial para la creación de un sistema o producto de cubierta, así como comprobar que todos los productos envueltos en el desarrollo cumplan con la normativa existente.
Entrevista Joaquín Esteban, Product Development Engineer de Onduline España
¿Cómo incorporáis la innovación y las tecnologías emergentes en el desarrollo de nuevos productos en Onduline?
En cuanto a incorporar las tecnologías emergentes, se están empezando a implementar aplicaciones y sistemas de cálculo basados en IA, lo que nos permite adelantarnos identificando oportunidades y reduciendo el riesgo de fracaso en el desarrollo de nuevos sistemas constructivos.
La sostenibilidad es un tema muy relevante hoy en día. ¿Qué piensas sobre los conceptos de sostenibilidad en el contexto del desarrollo de productos en Onduline?
Ciertamente, es un concepto crucial en el desarrollo de productos. La sostenibilidad implica armonizar tres pilares muy importantes, el medioambiental, el económico y el social y de esta manera lograr un desarrollo responsable y consciente, productos o sistemas con bajo impacto, que generen valor y que sean respetuosos son el Dorado a buscar.
¿Cuál es tu opinión sobre la prefabricación y la industrialización en la construcción y cómo estos conceptos influyen en vuestro enfoque de desarrollo de productos?
Ambos son conceptos clave en la construcción de hoy y del mañana, ya que la tendencia es a crecer en este tipo de soluciones, de ahí que se ofrezcan soluciones como sistemas constructivos completos, innovando en soluciones más rápidas y de fácil instalación en obra, consiguiendo de esta manera unos ahorros en tiempo de mano de obra, considerables.
Entrevista Joaquín Esteban, Product Development Engineer de Onduline España
¿Cuáles son las últimas novedades que habéis lanzado al mercado?
Como últimas novedades se encuentran dos sistemas constructivos nuevos, denominados sistema SIATE TOP y el sistema SIATE NEO, ambos basados en nuevos productos de aislamientos, gracias a las nuevas sinergias conseguidas al pasar a formar parte del grupo Kingspan, que nos ha ofrecido la posibilidad de implementar un importante catálogo de nuevos productos y desarrollar así estos dos nuevos sistemas constructivos.
El primero basado en PIR y el segundo basado en un EPS grafitado, consiguiendo en ambos una mejora en la transmitancia térmica considerable frente a los productos tradicionales. Y no debemos olvidar la gran garantía que ofrece al sistema la inclusión de nuestras placas Bajo Teja, que consiguen garantizar la impermeabilización de la cubierta inclinada.
¿Nos podrías presentar algún proyecto en el que se hayan instalado alguna de estas nuevas soluciones?
En este caso podemos utilizar, dentro de la cantidad de obras que se ejecutan o se han ejecutado con alguno de estos sistemas, el del Palacio de Justicia de Valencia, en el que se colocado el sistema SIATE TOP en cerca de 3.500 m2 de cubierta, incluyendo el sistema constructivo una barrera de vapor réflex Ondutiss, un panel de aislamiento de PIR UTR de 10 cm y la placa Onduline BT150 + DRS con la teja curva existente como solución completa de cubierta.
¿Cómo afecta el cumplimiento normativo a un fabricante como Onduline?
Cumplir con las normas garantiza que la empresa opere de manera ética y legal, además, ayuda a prevenir riesgos legales y financieros y contribuye a promover la transparencia y la confianza ya demostrada por una empresa como Onduline.
A modo de resumen, el cumplimiento normativo es una inversión en la calidad del servicio y la protección de la empresa.
Entrevista Joaquín Esteban, Product Development Engineer de Onduline España
¿Cómo ves la situación actual del sector de la edificación española? ¿Cuáles son tus expectativas a medio plazo y qué retos crees que se plantean para su crecimiento?
El sector enfrenta desafíos, pero también tiene oportunidades para crecer mediante la innovación y la adaptación a las necesidades cambiantes.
Cierto es que la escasez de mano de obra que se encuentran las empresas constructoras y rehabilitadoras no augura un gran crecimiento a medio o largo plazo debido a estas carencias y es por lo que la tendencia es, a mi entender, la industrialización de los sistemas constructivos y así conseguir que el trabajo a realizar sea más eficiente.
Respecto al futuro, ¿Puedes adelantarnos alguna novedad o aproximarnos qué hoja de ruta seguís desde Onduline para afrontar el futuro con éxito?
En cuanto a adelantar novedades, entiende que no podemos hablar ahora mismo de los nuevos o posibles desarrollos que se están llevando a cabo, pero sí puedo decir que se están realizando proyectos para adelantarnos a posibles cambios en materia de normativa.
Por último, ¿cuáles son los principales desafíos y oportunidades que encuentras en tu rol como ingeniero de desarrollo de productos?
He de decir que es un proceso emocionante y desafiante a la vez y que consigue generar una motivación especial en mí. Encontrar ideas innovadoras, evaluar la viabilidad de estas y posteriormente desarrollarlas son el principal desafío a desarrollar, pero, y siempre hay que decirlo, contamos con un equipo muy capacitado para conseguir llevar a buen puerto este nuevo rol, desde el departamento técnico a márketing pasando siempre por el departamento comercial y el industrial, son lo que nos permiten conseguir las metas que nos hemos propuesto desde Onduline.
En 2011 publiqué una entrada titulada «El primer anuncio» con este principio:
«Hace unos meses encontré en el anuario Motion Picture Studio Directory, editado en EE. UU. en 1921, el que podría ser el primer anuncio de un director artístico, y escribo «podría ser», porque es el primero que he encontrado, pero puede haber otros anteriores».
Este anuncio era publicidad de Albert Béla Viragh-Flower, un profesional sobre el que volví a escribir ese mismo año otra entrada, contando el estúpido accidente que provocó su fallecimiento, y después, ya en 2018, mencionando otro anuncio, esta vez de la película Empty Arms, cuyos espacios creó Viragh-Flower.
Volviendo al primer anuncio, tal como se indica en el título, efectivamente no es el primero.
Hace unos meses se ha digitalizado otro anuario, el Wid’s Year Book, de 1920, y en él se publicó el anuncio a toda página del propio Viragh-Flower, por lo que apareció un año antes del mencionado en 2011, el que había supuesto que podría ser el primero.
Pero además en este mismo anuario de 1920 aparece otro anuncio a toda página, con la imagen de cuerpo entero del orondo director artístico Charles Osborn Seessel, y también hay otros de media página cada uno y sin ilustraciones, de los siguientes escenógrafos cinematográficos: Francis E. Champury, Ben Carre, L. J. Vermilyea, Frank D. Ormston, Fred Gabourie, Charles H. Kyson -que además era arquitecto- y Milton Menasco. Debo confesar que sólo conocía al gran Ben Carré, que trabajó durante cuarenta años creando espacios espectaculares.
Por lo tanto, ni siquiera Viragh-Flower, que a sus treinta y tres años, ya había descubierto el poder de la auto publicidad, fue el primer director artístico que publicó un anuncio, aunque sí es verdad que el de 1920 es el más atractivo de todos los que aparecen en ese anuario, y el siguiente, uno de los primeros en que se pueden ver fotografías de espacios que el escenógrafo había creado para el cine.
Esta entrada podría acabar aquí, contradiciendo en parte a lo escrito en 2011 y sabiendo que Viragh-Flower no fue el primero, pero no se habría respondido a la pregunta, si otro escenógrafo había publicado su propia publicidad antes, por eso he tenido que seguir buscando en otras ediciones.
Un inciso, hay que tener en cuenta que entonces se seguía denominando «art director» al director de la película y «technical director» al director de fotografía, por lo que las búsquedas son complicadas.
Motion Picture News, vol. XIV (nº 16, 21 X 16, p. 192)
Efectivamente, en uno de los cuatro anuncios que hay en una página del Motion Picture Studio Directory, editado en 1916, aparece una fotografía de Robert A. Brunton con el texto:
«Art Director. Thomas H. Ince Studio».
Esta misma ilustración y su texto, se publicaron en ese anuario el año siguiente.
No son estos dos los únicos anuncios anteriores a 1920. En el Wid’s Year Book de 1918, aparece uno de media página de Harold Perceval, indicando que trabaja en las producciones de Thomas H. Ince -ese año Brunton ya era productor y trabajaba para Paralta Plays, Inc.- y mencionando dos películas Vivé la France! (1918) y False Faces(estrenada en 1919),en realidad el anunciante se llamaba G. Harold Percival, en dos años creó los espacios de 36 películas -un récord- y falleció a finales de 1918, pocos meses después de que se publicase su anuncio.
En ese mismo anuario, pero del año siguiente, 1919, se publica uno de media página con dos nombres, el director artístico Fred Shaeffer, junto con la productora Katherine MacDonald, añadiendo
«Varios años con Belasco. Revisen mis decorados en las producciones de la Srta. MacDonald».
Shaeffer fue gerente de varios cines, pero todavía no he encontrado que trabajase como director artístico, quizás quería comenzar a desempeñar esa labor y se estaba dando a conocer, gracias a la gran popularidad de la estrella MacDonald.
Por último, hay que decir que esta entrada es un ejemplo de problemas surgidos en las investigaciones y cómo hay que evitar a toda costa el uso de la palabra primero, si no se está completamente seguro -algo muy difícil- de que es cierta.
Jorge Gorostiza, Doctor arquitecto.
Santa Cruz de Tenerife, abril 2023
Aldo Rossi, hoy. Conversaciones ibéricas | Francisco González de Canales
El trabajo del maestro italiano Aldo Rossi influyó enormemente al desarrollo de la arquitectura del último tercio del siglo XX, especialmente, en la década de los años 70 y 80. Desterrado desde entonces de los principales debates en arquitectura, su trabajo parece haber recibido ahora un renovado interés por parte de nuevas generaciones de arquitectos.
El volumenAldo Rossi, hoy. Conversaciones y aproximaciones trata de condensar estas distintas visiones sobre el legado del arquitecto milanés desde los intereses de una generación de arquitectos que, pertenecientes a una de las regiones donde su obra tuvo mayor influencia, como es la ibérica, se formó al mismo tiempo en los años en los que su trabajo parecía ya olvidado. Se trata por tanto de una generación que, por un lado, no estuvo directamente expuesta ni a la influencia, ni a la magnética personalidad del arquitecto italiano, pero que, por otro, posee también la distancia histórica suficiente para que se pueda realizar una reevaluación efectiva de su legado.
Editado por Francisco González de Canales, catedrático de la Universidad de Sevilla, contribuyen a este volumen un conjunto de arquitectos y críticos que han participado ya de uno u otro modo en esta nueva puesta en valor de Rossi desde una perspectiva de presente, incluyendo a Marta Caldeira, Jacobo García-Germán, Carolina García-Estévez, Joaquim Moreno y Diogo Seixas Lopes.
Francisco González de Canales (ed.)
(Sevilla, 1976) estudió arquitectura en la ETSA Sevilla, la ETSA Barcelona y la Universidad de Harvard y trabajó para Foster + Partners y Rafael Moneo. Ha sido durante un largo periodo profesor en la Architectural Association de Londres (AA) y la Universidad de Sevilla, de la que es actualmente catedrático de Composición Arquitectónica.
Ha sido también codirector de la revista del Colegio de Arquitectos de Sevilla (2002-2006) y coordinador cultural (AACP) en la AA (2008-2012).
Después de visitar varias parcelas en la Sierra de Guadarrama, con Lucía y Pablo, buenos amigos y promotores del encargo, lo tuvimos claro al entrar en aquella parcela en Navacerrada.
Detrás de la puerta de la Casa V, encontramos una pequeña vivienda de mediados del siglo pasado, envuelta en un revoco a la tirolesa y protegida por una cubierta de tejas a dos aguas en muy mal estado.
Alrededor de la Casa V, una impresionante parcela con gran vegetación autóctona y riqueza arbórea donde dos pequeñas construcciones, una piscina y numerosos muros de mampostería de granito madrileño ordenaban con buen criterio los más de 1800 metros cuadrados y sus casi 15 metros de desnivel.
La propiedad nos dio la opción entre demoler y proyectar desde cero, o aprovechar parte de las construcciones existentes. Tras realizar unas calas y descubrir que bajo el revoco había una mampostería de granito de buen aspecto, decidimos conservar la antigua vivienda y aprovechar este volumen principal para albergar los usos públicos del programa.
Para la zona más privativa de la vivienda, proyectamos dos volúmenes de hormigón, que apoyaríamos en uno de los muros de granito existentes. Esta decisión nos permitía articular
volumétricamente la vivienda para reducir su impacto visual y poder adaptarnos con más facilidad a los elementos existentes en la parcela.
Con la pendiente hacia las mejores vistas, decidimos orientar la ampliación hacia el sureste, encuadrando el pantano de Navacerrada dentro de unas grandes cristaleras en los frentes volados de las cabañas. Con este gesto, conseguimos, gracias al reflejo de la vegetación, aligerar el conjunto y mimetizarnos con el entorno.
Casa V | G34 arquitectos | Planimetria
A la hora de decidir los acabados, queríamos diferenciar la vivienda original de la zona ampliada.
En esta última, los cubos se realizaron de hormigón entablillado con una cubierta ajardinada. En el volumen existente, una vez retirada la cubierta y descubierto el granito, la resolvimos con una cercha de madera apoyada en los grandes muros laterales. Esto nos permitía generar un gran porche, sin apoyo alguno que pudiera interrumpir las vistas. Para aumentar la sensación de ligereza, se utilizó un zinc de color grafito para rematarla.
Finalmente, para unir la vivienda original con la zona ampliada, utilizamos un espacio acristalado en la fachada norte, desde el que se realiza el acceso. Dejando los materiales desnudos, desde la entrada de la vivienda se perciben las diferentes zonas y actuaciones del conjunto. Con el granito existente a la derecha, y el hormigón entablillado en la zona de las habitaciones.
Confiamos en haber conseguido una actuación amable con el paisaje. Una actuación que permite a las personas que habitan la vivienda interactuar con la naturaleza que les rodea y ser conscientes desde cada una de las estancias, del entorno tan privilegiado que los acompaña.
Obra: Casa V
Autores: G34 arquitectos (Ignacio Marqués Martínez, Israel Belloso Garrido, Javier Mochales Soto y Carmen Hernández Sánchez)
Colaboradores: Javier Cortinas, Ismael Calatayud, Susana Gómez Gómez, Elena Barjola Esteban, Ana Arévalo Lobato
Año: 2019-2023
Emplazamiento: Navacerrada (Madrid, España)
Superficie Actuación: 275 m2
Fotografía: Imagen Subliminal (Miguel de Guzmán + Rocio Romero) + g34.es
La percepción del territorio rural de Galicia como un espacio construido persistentemente por la acción humana, se hace patente para cualquiera que lo haya mirado con algo de atención alguna vez. Esa construcción paulatina de lo natural -que se hace modélica en la materialidad de la arquitectura tradicional: en la unidad entre la casa y las labores agrícolas o en la concepción de los espacios de comunidad, los campos de fiesta o las carballeiras-, se convirtió en una expansión brutal y descontrolada en la segunda mitad del siglo XX.
La transformación de gran parte del territorio en una especie de ciudad jardín dispersa, continua y a gran escala, transcurre de forma paralela al abandono de la lógica tradicional casa-agro-aldea (hogar-trabajo-comunidad) sobre la que se estructuraba la forma de vida en la sociedad rural.
A esa nueva ocupación del campo, reconocida tantas veces en el llamado “feismo”, responde el planeamiento territorial con normas que la intentan restringir con una preocupación excesiva por el mantenimiento de las formas, apariencias y materiales mal llamados tradicionales y con una insistente regulación sobre el qué (se puede hacer) que no deja lugar a pensar sobre el cómo (hacerlo).
Para pensar sobre la globalidad de ese territorio social, y sobre aspectos del mismo que de los que ha de ocuparse la arquitectura como la escala, la actividad, el planeamiento, el paisaje, el espacio público, la movilidad, la energía, la casa, etc. surge este encuentro de “arquitectura y territorio rural”.
Lo hace además desde dentro de ese territorio, en la aldea de Callobre, en A Estrada, para conformarse como un lugar desde que emplazar año a año, durante el verano, en una idea también de fiesta y comunidad, a la reflexión, a la interpretación de todo ese mundo, abierto a quien tenga algo que decir y a quien tenga tiempo también para escuchar y ver lo que otros, dentro y fuera de Galicia, dentro y fuera de la arquitectura, puedan contarnos.
Lugar
verano 2024 arquitectura y resistencia
Lugar: Pousada 3, Callobre, A Estrada (Galicia, España)
19 de julio de 2024
Asistencia por invitación | contacto: josevalladares@rvr-arquitectos.es
Programa
Mañana, 12.30 h: conferencia 1 | João Mendes Ribeiro/ «O resgate do tempo»
Tarde, 17.00 h: conferencia 2 | Solano Benitez, Jopoi de Arquitectura/ «El lugar de la arquitectura».
Ponentes
Arquitectura y territorio rural 2024, Callobre | João Mendes Ribeiro
João Mendes Ribeiro. Coimbra, 1960.
Arquitecto por la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Porto (1986), donde enseñó entre 1989 e 1991. Doctorado en Arquitectura, especialidad Teoría e Historia, por la Universidad de Coimbra, en 2009. Profesor Asociado en el Departamento de Arquitectura de la Facultad de Ciencias y Tecnologia de la Universidad de Coimbra. En el mismo Departamento, entre 1991 y 1998, fue asistente del Profesor Arquitecto Fernando Távora.
Reconocido con diversos premios, a nivel nacional e internacional, entre los que destacan: Premio Diogo de Castilho 2003, 2007, 2011, 2017 e 2021; Premio FAD 2004 (categoría Interiorismo), 2016 (categoría Arquitectura) y 2022 (premio opinión, categoría Interiorismo); Gold Medal for Best Stage Design, 11th International Exhibition of Scenography and Theatre Architecture – Prague Quadrennial 2007; Premio Enor 2009, categoria Portugal (ex-aequo); Premio BIAU, Bienal Ibero-Americana de Arquitectura y Urbanismo 2012 y 2016; RIBA Award for International Excellence 2016; BigMat Award 2017, categoría Restoration; Premio Nacional de Rehabilitación Urbana 2017 e 2021, categoría Impacto Social; Premio Secil de Arquitectura 2020 (ex-aequo); Premio Nacional de Arquitectura en Madera – PNAM 2021; Premio João Almada 2022, categoría No Residencial; Dezeen Awards 2022, public vote, categoria Small Buildings.
Ha recibido varias distinciones, entre las que se destacan el Highly Commended AR Awards AR Emerging Architecture awards 2000 y las Menciones de Honor en los siguientes premios: Premio Nacional de Arquitectura en Madera – PNAM 2013; Premio IHRU 2015; Premio Nuno Teotónio Pereira 2017; Premio Internazionale di Restauro Architettonico Domus Restauro e Conservazione Fassa Bortolo 2021 y Premio Nacional de Rehabilitación Urbana 2021 y 2022.
Arquitectura y territorio rural 2024, Callobre | Solano Benitez
Solano Benitez. Asunción, 1963.
Arquitecto por la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional de Asunción en 1986. Desde entonces ha conformados distintos colectivos desde donde ha desarrollado su actividad profesional. En la actualidad ejerce la arquitectura desde la oficina Jopoi de Arquitectura.
Ha recibido numerosos premios y distinciones nacionales e internacionales, individual y colectivamente:
1999 Premio “Década 89/99”, Colegio de Arquitectos del Paraguay.
2000 Finalista del “2do. Premio Mies van de Rohe para América Latina”.
2008 Premio “BSI Swiss Architectural Award”, al arquitecto menor de 50 años con mayor aporte a la disciplina.
2011 “Arquitecto del Bicentenario” premio a la trayectoria otorgado por la Asociación Paraguaya de Arquitectos.
2012 HFAIA Honorary Fellow American Institute of Architects. USA.
2016 León de Oro de la Bienal de Venecia. Venecia Italia.
2021 Global Award for Sustainable Architecture. UNESCO, Paris Francia.
2021 DHC Doctorado por Honoris Causa de la Universidad Nacional de Asunción, Paraguay.
2023 Condecoración en grado de “Oficial de la Orden do Rio Branco”. Gobierno de Brasil.
2024 DHC Doctorado Honoris Causa de la Universidad Nacional de Rosario, Argentina.
2024 Medalla de Oro de la FCARM, Federación de Colegios de Arquitectos de México
Motel El Hidalgo, de Antonio Lamela | Fuente: nº 126 de la revista Informes de la construcción (diciembre 1960)
Siempre hay algo del drama que nos rodea en los hoteles, y más aún en los moteles. Ahuecar la almohada que otro ahuecó ayer; o pisar con pies descalzos y desprevenidos la ducha que antes ha sido pisada. Tal vez, hacer una llamada con un teléfono desde el que alguien llamó furtivamente a su amante, o desde el que cerró un negocio poco lícito la noche anterior. Los hoteles, y más aún los moteles, son un extraño archivo de sucesos que desearíamos conservar en la zona umbría.
En ese sentido, los hoteles -qué decir de los moteles-, representan lo opuesto a la arquitectura doméstica: si ésta surge para crear hogares donde no se conciben los secretos, y donde la vida sólo tiene el tacto tierno de las nubes de algodón, los hoteles aparecen para dar una apariencia de lo que no se es, o de lo que no se tiene, como el trampantojo de una vida decente.
En un hotel uno finge ser alguien respetable ante el recepcionista, y en el momento en que traspasa el umbral de la habitación, vuelve a ser quien era, ya sea un amante clandestino o ya sea un huésped que comercia con secretos ajenos y bienes ilícitos. En el umbral de los hoteles -más aún en el de los moteles-, hay más arquitectura que en todo Vitrubio, porque ese umbral tiene la capacidad de edificar personalidades, de construir coartadas y de demoler vidas.
Motel El Hidalgo, de Antonio Lamela | Fuente: nº 126 de la revista Informes de la construcción (diciembre 1960)
Es esta una perspectiva que nos ha llegado, sobre todo, de los moteles de carretera que hemos ido viendo en el cine norteamericano. Nadie necesitaría alojarse en un motel si no fuera porque oculta confidencias que no pueden ser desveladas, pensamos guiados por la narrativa cinematográfica. Así, tener un secreto es estar a mitad de camino entre el tormento y la confesión, sin saber muy bien a dónde ir, porque de ninguno se puede volver.
Del mismo modo, de esa situación intermedia entre dos lugares, surge el proyecto que se encarga a Antonio Lamela para construir un motel de carretera, que debía servir como alojamiento para el trayecto Madrid-Andalucía, por la N-IV. Con la misma premeditación que tienen las mentiras y los secretos, se fijó como punto intermedio de esa ruta el kilómetro 193 de la N-IV, en Valdepeñas, y se estableció allí el lugar donde construir un motel de carretera, quebrando la ruta en dos mitades, que se recorrerían a lo largo de dos días, reservando la noche intermedia entre ellos para reposar -y fingir lo que no se es- en ese motel.
Motel El Hidalgo, de Antonio Lamela | Fuente: nº 126 de la revista Informes de la construcción (diciembre 1960)
Su programa remite de manera irrefutable al modelo de motel difundido por la cultura americana. E incluso el entorno de Valdepeñas, mesetario y yermo, replica minuciosamente el paisaje árido de los desiertos americanos.1
Las fotografías de la época fueron hábilmente tomadas con coches recién salidos de las fábricas de Detroit, aparcados o circulando frente al motel, lo que aumenta el efecto ilusorio y quimérico. Todo ello contribuye a esa idea de trampantojo que hemos dicho que habita en todo hotel. El conjunto constaba de varias fases, de las cuales sólo llegó a ejecutarse la primera.
Así, el proyecto ocupa casi siete hectáreas,2 y se articula a través de un volumen central donde se encuentran la administración y las áreas comunes, complementado con el cuerpo que aloja las habitaciones, que se diseñan con una gran sencillez,3 una piscina de formas quebradas y la zona de aparcamientos. Esta última se compone de estructura metálica en combinación con muros de fábrica, y recubierta con paja de junco, mimetizándose con el entorno de la meseta.
Motel El Hidalgo, de Antonio Lamela | Fuente: nº 126 de la revista Informes de la construcción (diciembre 1960)
A su vez, el programa total comprendía 3 fases más: una segunda fase, compuesta por más módulos de habitaciones, y una tercera fase al lado opuesto del bloque central. Finalmente, se preveía, al otro lado de la carretera, una cuarta fase, donde los módulos de habitaciones se organizan en torno a una planta circular, con una sola altura y albergando dieciséis habitaciones; a éstas se accede desde el perímetro exterior de dicho círculo, con un vestíbulo que comunica con el dormitorio, y el aseo al fondo, abriendo a un patio central.
El motel habla el lenguaje del Movimiento Moderno, acentuando la proporción horizontal, que se ve reforzada por el diseño de las barandillas y las celosías de las ventanas. Para la definición estética se confía en la propia expresividad de los materiales,
procurando dejarlos en la mayor parte de los casos en su textura natural, tanto los metálicos como los elementos de carpintería o los paramentos de ladrillo. Sólo en algunos casos se cubrirán con una simple piel de pintura.4
Motel El Hidalgo, de Antonio Lamela | Fuente: nº 126 de la revista Informes de la construcción (diciembre 1960)
E idéntico criterio se sigue en la definición interior, con el mismo espíritu de sencillez y claridad, dejando multitud de paramentos de ladrillo visto, conjugados con la carpintería en madera. El resultado es un conjunto de espacios que podrían hacernos creer que estamos en una de las viviendas de Richard Neutra en Los Ángeles, como si en medio de La Mancha y a finales de la década de los años ’50 se hubieran enlazado unas coordenadas espacio-temporales, y así, creyendo viajar de Madrid a Jerez, uno parase a descansar durante la noche, y se encontrara, de forma taumatúrgica, en Palm Springs. Es la arquitectura de los viajeros fugaces.
La primera fase del motel se construye en 1959, cuando en España hay un manifiesto desacompasamiento cultural respecto de los países occidentales. Pero la arquitectura siempre encuentra la forma de relacionarse con el tiempo, de plegarlo y jugar con él, para adelantarse al propio tiempo de la sociedad en la que surge.
De este modo, ese mismo año se estrena Con la muerte en los talones (North by Northwest, Alfred Hitchcock), donde para la vivienda del antagonista -Philip Vandamm- se recurre a una arquitectura vanguardista a base de planos perpendiculares de piedra y ladrillo, en combinación con carpinterías de madera5,6,7 que recuerdan de manera patente a la arquitectura que propone Antonio Lamela en Valdepeñas. Una vez más, el motel queda emparentado con la cultura norteamericana, como un anacronismo en La Mancha de posguerra.
Motel El Hidalgo, de Antonio Lamela | Fuente: nº 126 de la revista Informes de la construcción (diciembre 1960)
Con todo, el esfuerzo de Antonio Lamela para dotar de carácter netamente cinematográfico al motel El Hidalgo, resultó baldío y se convirtió en un modelo que no llegó a implantarse con éxito en España. Todos desearíamos creer que eso dice algo de nosotros y de la candidez dócil de nuestros secretos.
Desgraciadamente, la causa no es lo doméstico e inofensivo de nuestros secretos, sino el aumento de la velocidad de los automóviles, que en pocos años permitió que la ruta Madrid-Andalucía pudiera realizarse en apenas unas horas, sin necesitar de un lugar donde pasar la noche y poder planear el programa del día siguiente. A menudo, la velocidad derriba barreras y arruina vidas.
Los viajeros siguen pasando por el motel El Hidalgo, pero ya nadie para en él, porque la urgencia es llegar a algún destino, sea cual sea éste. Y en ese camino acelerado, ante la falta de peregrinos, el motel tuvo que cerrar, dejando atrapado dentro de él los secretos de los viajeros que allí pasaban la noche, en el más bello acto poético que pueda darse, porque -ahora sí- todos aquellos secretos permanecerán silenciosos e inmutables, en el punto intermedio exacto entre el tormento y la confesión.
Notas:
1“Asimismo, es de notar que el paisaje presenta escasos atractivos próximos, siendo tan sólo interesantes los fondos montañosos de mediodía y levante. Con objeto de crear vistas inmediatas se construyen a poniente unas pantallas edificadas y de vegetación, representadas por los cinco bloques de dos alturas que sirven de fondo agradable. En otros puntos se completan estos cerramientos con aparcamientos de coches y plantaciones arbóreas”.
Lamela, Antonio. Informes de la Construcción, Vol. 13, nº 126. Diciembre 1960
3“Puesto que el programa planteado se refería específicamente a un “motel de pernoctación” y no a un motel de residencia o estancia, el proyecto se ha orientado a una significación marcadamente dirigida. Ha de pensarse que el cliente que ha de ocupar la habitación, viene en automóvil y pasará tan sólo unas horas de reposo, reanudando después su viaje. En consonancia con esta importante circunstancia se han proyectado las habitaciones, dependencias e incluso el mobiliario.
Por eso, en este caso, no tendría sentido una gran capacidad de armarios -ya que para una noche se utiliza lo preciso-, ni siquiera la creación de un auténtico vestidor independiente, ni tampoco la faceta de convertibilidad en los muebles, ya que estas piezas se utilizan única y exclusivamente como dormitorios.”
Lamela, Antonio. Informes de la Construcción, Vol. 13, nº 126. Diciembre 1960.
4 Ibídem.
5 “Al final, de North by Northwest, presentamos la guarida de James Mason, que es una casa de Frank Lloyd Wright reproducida en maqueta cuando se la ve desde lejos y parcialmente construida cuando Cary Grant se acerca y merodea a su alrededor.”
TRUFFAUT, François. El cine según Hitchcock. Alianza Editorial, Madrid, 1974, p. 241.
6“Su aspecto exterior es fruto de un trucaje de matte painting, y sus interiores y algunos detalles exteriores fueron construidos en estudio. Lo que no quita que el diseñador de producción, Robert F. Boyle, la ideara en unos bocetos que demuestran su gran comprensión del movimiento moderno. No es difícil, de hecho, percibir la influencia de Frank Lloyd Wright en general y su Casa de la Cascada en particular. Algunas fuentes afirman que Hitchcock, gran admirador de su obra, intentó contratar al propio Wright para que diseñara la Casa Vandamm, pero que sus elevados honorarios lo hicieron inviable. Lo que sí es bien sabido es que el cineasta británico renunció siquiera a intentar localizar una casa real donde filmar. En su mente había una imagen muy clara de cómo debía ser la mansión del villano, y viendo el resultado podemos entender por qué.”
7 “A finales de los 50 Frank Lloyd Wright era el centro de todas las miradas a nivel internacional. Cada una de sus obras marcaba un nuevo paso para la arquitectura moderna y su estilo era totalmente reconocible para el gran público. Por este motivo contar con sus servicios para la producción de la película fue imposible debido a la tarifa de Mr. Wright. Ni siquiera la Metro fue capaz de pagarlo. Por ese motivo el director decidió que se construiría una casa que se pareciese a la que el arquitecto hubiese diseñado. Y lo consiguieron.”
Mateos, Nina. (01 de noviembre de 2018).»‘Con la muerte en los talones’ de Hitchcock y el secreto de la mansión Vandamm». Revista Architectural Digest. (Recuperado el 14 de junio de 2024)
Paloma, Claude y Pablo Picasso jugando a la comba delante de ‘Bañistas de la playa de La Garoupe’ , Cannes, villa La Californie, 1957
En ocasiones el espacio de trabajo resulta de premisas bien definidas como la luz, el orden o la propia capacidad de producción. No es el caso del taller de pintura, cuyo esquema depende fundamentalmente de las conexiones entre el modo de hacer del propio pintor y su estilo de vida. En cualquier caso, parece que luz y espacio deben ser los dos ingredientes básicos para la creación, categorías cuidadosamente calculadas por el propio autor como marco y estímulo necesario para su propia creatividad.
Sin embargo ¿qué ocurre cuando la acción productiva supera el espacio y la luz, cuando el orden desaparece por completo, cuando la acción es de tal intensidad que puede producir el borrado de la arquitectura?1
En la imagen Picasso juega a la comba con sus hijos en un espacio inundado por su propia obra omnipresente. Habitar, jugar y trabajar se producen simultáneamente en el espacio doméstico, ya que Picasso evita la construcción de un estudio propio separado de la casa a la manera de Miró (Sert) o Tàpies (Coderch). Picasso trabaja en el comedor, en la terraza o en el baño: la casa será playground y taller, el lugar donde comer, dormir o recibir en bañador a visitas distinguidas. Sin embargo, esta imagen de tiempo detenido tomada en la “Villa California” (Cannes) en 1957, representa un corto periodo comprendido entre 1955 y 1961.
Picasso basa su producción y estilo de vida en un nomadismo cuyo origen tal vez pueda encontrarse, precisamente, en los procesos de saturación del espacio doméstico.
El malagueño convierte sus casas en talleres de producción continuada, sin medida y sobre cualquier soporte, acumulando lienzos y vasijas, dibujos y esculturas en un interesante ejercicio de borrado interior: desaparecen primero los muros, después las ventanas y suelos, hasta que su trabajo inunda el espacio interior y éste se reduce al límite de lo habitable. Después, la casa es abandonada y con ella toda la producción artística acumulada en el interior: Picasso se marcha tan solo con su bañador y con sus perros. Lo importante no es la luz, ni tampoco el espacio, ni tan siquiera su propia obra. Lo verdaderamente valioso será la acción, el momento de la producción, la excitación del trabajo creativo en esa atmósfera vacacional de sus palacios rurales en la Costa Azul. Acción y borrado:
“Todo acto de creación es en primer lugar un acto de destrucción”.2
Miguel Ángel Díaz Camacho. Doctor Arquitecto
Madrid. Abril 2014
Autor de Parráfos de arquitectura #arquiParrafos
Notas:
1 El uso de la palabra “borrado” hace referencia no a la desaparición, sino al momento de la creación que plantea nuevas posibilidades desde el re-aparecer: “Borrar es acto entre actos”. Ver Tesis de Uriel Seguí “Borrar: acción espaciadora”, ETSAM 2005.
2 Pablo Picasso. En 1961 abandona la “Villa California” (en la imagen) y toda su obra producida en el interior para instalarse primero en el Château de Vauvenargues, y después en Mougins hasta su muerte en 1973. Unos meses después se procede a la apertura de la villa: llevó más de tres años catalogar e inventariar el enorme tesoro que la casa guardaba; el Museo Picasso de París fue fundado específicamente para recoger la totalidad de sus fondos.
habitaTU. Guía para cruzar los límites de la normativa
A través del cruce de la normativa vigente, el proyecto habitaTU ha elaborado una guía que busca mejorar el diseño de espacios residenciales. Se trata de un documento que resulta de gran utilidad tanto para los agentes que promueven, gestionan, proyectan y construyen espacios para ser habitados por las personas, como para aquellos que crean productos y servicios destinados a estos entornos.
La guía busca que técnicos proyectistas, promotores y gestores tomen conciencia de las condiciones mínimas y óptimas que en un espacio deben requerirse para que sea considerado habitable. Para ello se ha cruzando el Decreto de Habitabilidad de Euskadi con otras normas que afectan directamente al diseño de los espacios que habitamos para desgranar el significado y el impacto de la palabra «habitabilidad» de la manera más amplia posible, teniendo en cuenta el ciclo completo de la vida de las personas.
Y es que la Guía para cruzar los límites de la normativa, creada por el proyecto habitaTU con ayuda del Programa Eraikal del Departamento de Planificación Territorial, Vivienda y Transporte del Gobierno Vasco, amplía la mirada sobre el significado de “habitar”, contribuyendo al desarrollo de estrategias y propuestas que abordan el diseño de espacios desde una aproximación amplia e innovadora.
Matxalen Acasuso Atutxa, arquitecta y coordinadora de este proyecto, destaca que esta guía
“sirve para manejar en un solo documento la normativa exigible en cuanto a habitabilidad y permite reflexionar sobre su alcance, sus carencias y su capacidad de inspiración en el proceso de diseño y promoción de espacios habitados”.
Para ello, el proyecto habitaTU ha puesto el foco en la normativa como herramienta que permite garantizar las mejores condiciones de habitabilidad y ahonda en sus áreas de mejora, carencias y fortalezas. En este sentido, esta Guía aspira a ser referente en la aplicación de la normativa que afecta al diseño de espacios habitados por todas las personas (viviendas, residencias y alojamientos hoteleros) y servir de “hoja de ruta” en proyectos de diseño de soluciones para dichos espacios.
Tal y como señala en el prólogo de esta publicación Teresa Táboas Veleiro, Vicepresidenta de la Región I de la Unión Internacional de Arquitectos (UIA),
“la guía busca enriquecer los espacios para vivir, al incorporar indicadores complementarios, como aspectos turísticos, sociológicos, sanitarios y geriátricos. Estos matices adicionales contribuyen a crear hogares donde las personas puedan disfrutar de la vida en su máximo potencial. En resumen, la guía promueve una aproximación amplia e innovadora al diseño de espacios, centrándose en el bienestar y la calidad de vida de las personas a lo largo de su ciclo de vida”.
Tres ejes de trabajo para generar espacios más habitables
En concreto, para la elaboración de este estudio se han identificado y analizado textos, principalmente normativos, que contienen referencias a exigencias en cuanto al diseño de espacios residenciales, estableciendo una selección de tres ejes de trabajo que en el contexto actual se han considerado prioritarios puesto que permiten invitar a generar espacios más y mejor habitables:
– Accesibilidad universal
– Dignidad y desarrollo vital de la persona
– Participación e intimidad
“Son tres ejes de reflexión que se han considerado relevantes por su alto impacto en la mejora de los espacios que habitamos. Actualmente, en Euskadi, la accesibilidad universal requiere de una normativa actualizada, y en cuanto a los otros dos ejes, se sugiere profundizar con una mirada centrada en la persona que permita innovar en el diseño y la promoción y gestión de viviendas, residencias y espacios hoteleros, teniendo a las personas en el centro”,
indica la coordinadora del proyecto habitaTU.
Accesibilidad universal
La regulación de los aspectos que tienen que ver con la accesibilidad tiene una amplia área de mejora especialmente en cuatro aspectos: recoger en profundidad las discapacidades sensorial, cognitiva, orgánica; abogar por que todos los espacios habitados sean aptos para todas las personas, implementar lenguaje inclusivo y velar por el cumplimiento de la normativa.
Y es que todos los espacios residenciales son más habitables si están preparados para que lo hagan todas las personas, tengan discapacidad o no. Así, esta guía invita a ser, actuar y regular de forma inclusiva, desterrando términos como viviendas “destinadas” a un colectivo determinado.
Desarrollo de las personas a lo largo de la vida
El proyecto habitaTU ha reflexionado sobre las necesidades y limitaciones de los espacios para las personas teniendo en cuenta el ciclo completo de la vida, partiendo de la premisa de que “qué y cómo” habitar cambia su significado a lo largo de toda una vida.
En este sentido, este trabajo invita a pensar, no solamente en la idea de un envejecimiento evolutivo desde que se nace, sino también en la idea de desarrollo evolutivo de los gustos, necesidades, deseos, relaciones, maneras de compartir, de todas las personas y todo lo que conlleva una vida dentro de un espacio que necesita ser flexible para acoplarse a un continuo cambio. La guía ofrece una propuesta real para que este desafío se convierta en una oportunidad en el diseño y planificación del futuro.
Participación e intimidad
La configuración de los espacios compartidos, los nuevos modos de habitar, el hecho de generar comunidades de cuidados y de apoyo y compatibilizarlo con la necesidad de intimidad y privacidad, son otros de los desafíos que se abordan en este documento. Y es que el gran reto que supone ya el cambio demográfico afecta directamente los espacios de cuidado, que moldean las formas afectivas, materiales y sociales de relacionarse, desde la escala más íntima del cuerpo hasta el yo público y son determinantes para la calidad de vida de las personas. El hecho de ser cuidado y cuidar transforma completamente la percepción y la valoración de los espacios.
La guía también recalca la necesidad de implementar mejoras en los edificios para combatir la soledad no deseada, creando espacios que se sientan accesibles a nivel individual y que al mismo tiempo fomenten las conexiones personales.
Mejorar la calidad más allá de los mínimos establecidos
Desde estos tres enfoques, y con el objetivo de abordar de manera práctica el reto planteado, esta guía desglosa en 10 capítulos las acciones que se producen cuando se habita y recoge en cada uno de ellos las exigencias básicas de la norma y las presenta junto a prestaciones que permiten mejorar la calidad más allá de los mínimos legalmente establecidos.
Además de esta decena de funcionalidades del habitar, también se analizan tres aspectos difícilmente vinculables a una única acción concreta del habitar al ser dimensiones transversales y complementarias a las anteriores: el disfrute del espacio exterior, las maneras de compartir espacio y usar estancias comunes y la habitabilidad de la vivienda a rasgos generales como una unidad que aglutina las anteriores.
“El hecho de ordenar y estructurar las exigencias de la normativa en base a las acciones que se producen a la hora de habitar permite identificar sus propias ‘incoherencias’ pues introduce una mirada mucho más abierta sobre el texto regulatorio, ya que compara, por ejemplo, superficies mínimas de los espacios en función de la tipología. Pero a la vez aporta inspiraciones, dado que de esta manera se puede aprender de regulaciones ‘hermanas’. Así, la parte de la norma sobre espacios compartidos en el sector turístico puede aportar ideas para espacios coliving o regulaciones en los espacios para los cuidados pueden inspirar para diseñar viviendas donde poder envejecer”,
apunta Matxalen Acasuso.
De este pormenorizado cruce de normativas se extraen conclusiones como que todos los espacios para asearse, a excepción de los de las viviendas adaptadas, son equiparables a la categoría de hotel apartamento de 1 y 2 estrellas; que solo la normativa sobre viviendas de acogida y del sector turístico contemplan la existencia de una cuna en los espacios para dormir; o que las personas mayores de 70 años pueden exigir los mismos derechos que se reconocen a las personas con minusvalía física.
Descarga
La Guía para cruzar los límites de la normativade habitaTU se completa con el apartado de «Aprendizajes», que incluye una serie de referencias a buenas prácticas, y con la extensa bibliografía.
Este documento está disponible para su consulta y descarga gratuita en este enlace:
Coordinado por Matxalen Acasuso Atutxa, Arquitecta por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Navarra y Decana del Colegio Oficial de Arquitectos Vasco-Navarro (2014-2020), el equipo del proyecto habitaTU está integrado por:
Eleonora Barone
Doctora en Arquitectura por la Universidad de Nápoles y Máster en International Project Management por ESCP Europe Business School. Es consultora experta en planificación estratégica e innovación intergeneracional.
Paz Martín Rodríguez
Arquitecta por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Navarra ETSAUN y Máster en Arquitectura por el Berlage Institute de Ámsterdam. Es codirectora de la oficina de arquitectura FÜNDC y directora de envejezANDO.
Carlota Cazalla Llantada
Graduada en Turismo por la Universidad de Deusto e investigadora en IN2destination desde 2017. Ha participado en proyectos como el Plan Territorial de Recursos Turísticos de Euskadi.
Nagore Uresandi Espinosa
Doctora en Competitividad Empresarial y Desarrollo Territorial por el Instituto Vasco de Competitividad Orkestra y directora y fundadora de la firma de investigación y consultoría en turismo IN2destination. Es consultora experta de la Organización Mundial del Turismo de Naciones Unidas y profesora de la Universidad de Deusto.
Y ha contado con la colaboración de los arquitectos Itziar Ruiz Zanguitu y Jesús Mª Baranda González, de Atelier80 Arquitectos.
El principal problema que presenta la parcela es que sólo dispone de una fachada estrecha en relación a la profundidad que tiene: unos 5 x 19 metros aproximadamente. Por otro lado, las diferentes alturas de los edificios colindantes hacían obligatorio el estudio minucioso del volumen resultante con el objetivo de lograr introducir la luz natural e intentar conseguir una ventilación natural a todas las dependencias principales de la vivienda.
Casa en Guardamar del Segura | Bernardo Cerrato | Plantas
Partiendo de un patio central como elemento clave que configura toda la casa y de la posición exacta del elemento de comunicación vertical, se consigue solucionar en gran medida el reto que nos encontrábamos: dotar a la vivienda de estancias amplias y confortables, hacer llegar la luz a las zonas que se ubican al final de la parcela y conseguir la privacidad necesaria a las piezas del programa que el cliente requería.
A nivel programático, se estratifica la planta por usos en función de las horas de luz natural que penetra en la vivienda y la intimidad requerida, dando como resultando una inversión del programa que comúnmente suele ir en cada altura: en planta primera se ubican los dormitorios y las estancias más privadas, y en la planta segunda la zona de día.
Casa en Guardamar del Segura | Bernardo Cerrato | Secciones
Siguiendo principios básicos de la termodinámica, logramos de manera pasiva beneficios en el comportamiento energético de la vivienda: nos apoyamos en este patio para usarlo como fuente de iluminación y radiación abriéndolo a sur, y de ventilación natural inducida creando un desplazamiento del aire al comunicar la fachada en planta baja, mediante un cerramiento permeable, con el patio interior abierto sólo en su cota más alta; y junto con el núcleo de comunicación vertical, a modo de chimenea, se genera el desplazamiento del aire por la diferencia de densidades de éste y la depresión que sucede.
Obra: Casa en Guardamar del Segura
Autor: Bernardo Cerrato
Arquitecto/a técnico: Francisco Javier Fructuoso Hernández
Año: julio 2020 / diciembre 2022
Superficie Construida: 295
Ubicación: 03140 Guardamar del Segura, Alicante
Fotografía: Milena Villalba + bernardocerrato.com
Créditos adicionales:
– Finalista. Premios de arquitectura de la Comunidad Valenciana 2023. Colegio de Arquitectos de la Comunidad Valenciana
– Muestra de Arquitectura Reciente en Alicante 2022-2023. Colegio Territorial de Arquitectos de Alicante
La nueva edición de BIAU se celebrará a inicios de diciembre de 2024 en Lima, un lugar excepcional para el intercambio acerca de las condiciones climáticas extremas y su impacto en el medio construido
El plazo para la presentación de candidaturas se cerrará en septiembre en cada una de las seis categorías y el fallo de los jurados se publicará de forma conjunta a finales de octubre de 2024
Bajo el lema CLIMAS: Acciones para vivir bien, esta XIII edición de la Bienal reflexiona e invita a tomar acción sobre la producción de futuros más sostenibles, justos y plurales a través de la arquitectura y el urbanismo
La Bienal Iberoamericana de Arquitectura y Urbanismo (BIAU) ha lanzado su convocatoria abierta y pública para la XIII edición, que se celebrará en Lima la primera semana de diciembre. Bajo el lema CLIMAS: Acciones para el buen vivir, esta llamada busca dar reconocimiento a los trabajos que desde la arquitectura, el urbanismo y disciplinas afines aportan soluciones alternativas e innovadoras en las formas de habitar y cuidar el planeta.
Las inscripciones quedan abiertas desde el primero de julio y se cerrarán en la primera semana de septiembre de 2024. A las categorías habituales de la Bienal —Obras, Trayectoria, Publicaciones, y Pedagogías— esta nueva edición le suma otras dos de nueva creación: Nuevas Reglas y Otras Coordenadas.
Convocada por el Ministerio de Vivienda y Agenda Urbana (MIVAU) a través de la Secretaría General de Agenda Urbana, Vivienda y Arquitectura en colaboración con el Consejo Superior de los Colegios de Arquitectos de España (CSCAE) y la Fundación Arquia, la XIII Bienal Iberoamericana de Arquitectura y Urbanismo (BIAU) se consolida bajo el lema general de las Bienales, ‘Somos la arquitectura que vivimos’ como una de las referencias fundamentales para conocer la situación actual y prospectiva de la arquitectura y el urbanismo en la comunidad iberoamericana.
La XIII edición de la BIAU bajo el lema CLIMAS: Acciones para el buen vivir busca ser un espacio donde se interpelen las prácticas contemporáneas de la arquitectura, el urbanismo y el territorio, buscando extender y difundir la capacidad de acción y el impacto de nuestra profesión ante las diversas crisis que afrontamos. Esto implica una revisión de los límites y las posibilidades del proyecto, enfocada en la búsqueda de nuevos sentidos, nuevos procesos y nuevas reglas de convivencia, de producción y de difusión del conocimiento.
La celebración en la capital peruana cuenta con el apoyo de la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP), el Colegio de Arquitectos del Perú (CAP), el Museo de Arte de Lima (MALI), el Lugar de la Memoria, la Tolerancia y la Inclusión Social (LUM), TEDxTukuy, la Universidad de Ingeniería y Tecnología (UTEC), el Centro Terwilliger de Innovación en Vivienda de Hábitat para la Humanidad, la Plataforma de Prácticas del Hábitat Urbano y Vivienda (UHPH), el Grupo de Investigación CONURB, la Comisión de Promoción del Perú para la Exportación y el Turismo (PROMPERÚ), el Programa para la Recuperación del Centro Histórico de Lima (PROLIMA) y otras plataformas culturales como Proyecto AMIL. Y con organizaciones como la Red de Ollas Comunes de Lima Metropolitana, la Junta Directiva Central de Cruz de Armatambo y la asociación “Mano a Mano” de mujeres constructoras. Con ello, el panorama de obras y publicaciones de Iberoamérica podrá presentarse en diversos lugares y formatos en la ciudad, incluyendo exposiciones, mesas de diálogo, talleres de producción, recorridos urbanos, y acciones en espacios públicos.
Asimismo, la edición está comisariada por un equipo de arquitectos de Perú y España con diversos perfiles: Elizabeth Añaños Vega, María Arquero de Alarcón, Emilio Ontiveros de la Fuente, Gary Leggett Cahuas, José Luis Villanueva Castañeda y Luis Rodríguez Rivero. En línea con los objetivos del concurso público de la Bienal de explorar estrategias de adaptación para habitar un planeta cada vez más dañado por la actividad del ser humano, el proyecto ha elegido como sede a Lima, un lugar excepcional para reflexionar sobre las condiciones climáticas extremas y su impacto en el medio construido.
Con plazos de inscripción y presentación adaptados a cada una de las categorías, la BIAU arranca el proceso para la presentación y selección de proyectos que formarán parte de esta XIII edición. Un jurado integrado por especialistas en cada categoría seleccionará los trabajos por su calidad y ajuste a los criterios de las bases. Los premios serán de carácter honorífico y se incluirán en la publicación de la bienal.
Categorías y plazos de inscripción:
>>Obras: Panorama de Obras de la XIII BIAU
Busca reconocer proyectos de arquitectura y urbanismo de diversas escalas que aborden los desafíos actuales de la sociedad, sirviendo como referencia de soluciones para la región. Se valorarán especialmente los proyectos que tengan un impacto positivo en el territorio mediante mejoras e innovaciones en infraestructuras, espacios públicos, integración y movilización social y sostenibilidad ambiental. Las propuestas deben dar respuesta a la situación de crisis, contribuyendo a un futuro más habitable que permita la convivencia en equidad.
Fecha límite de inscripción y envío de obras: 3 de septiembre de 2024.
Premio: formarán parte del Panorama Iberoamericano de Obras de Arquitectura y Urbanismo de la XIII Bienal, recibiendo un diploma acreditativo. Estarán incluidos en la publicación de la BIAU XIII y podrán formar parte de la exposición de la Bienal.
Deliberación fase 1 y 2: septiembre de 2024.
Resolución: octubre 2024
Jurado: la evaluación estará compuesta por el presidente de la BIAU, un representante de la CSCAE, un representante de ARQUIA, representantes del comisariado y un equipo de curadores y jurados. La primera fase será evaluada por un equipo de curadores distribuidos de forma equitativa entre 5 regiones iberoamericanas: David García Asenjo, Cristina Verissimo y Diogo Burnay para la región Norte; Sol Camacho, Alfonso Garduño y Michael Smith Masis, para la región Centro; Alejandro Celedón, Jean Pierre Crousse y Camilo Restrepo para la región Andes y Solano Benitez, Nicolás Campodónico y Loreto Lyon para la región Sur. La segunda fase será evaluada por un equipo de jurados compuestos por la coordinadora del Jurado, Almudena Ribot, Gines Garrido (España), Patricia Llosa (Perú) y Angelo Bucci (Brasil). La Secretaría Permanente de la BIAU (CSCAE) actuará como secretaria del Jurado, sin voto.
>>Trayectoria
Premio honorífico a la trayectoria profesional por importantes aportes en el campo de la arquitectura y el urbanismo iberoamericano, centrado en dar respuesta y compromiso a los retos que plantean las crisis y condiciones climáticas actuales.
Fecha límite de inscripción y envío de postulaciones: 6 de septiembre de 2024.
Premio: el Premio Iberoamericano de Arquitectura y Urbanismo consistirá en un diploma y un objeto conmemorativo que se entregará durante la celebración de un acto público convocado con este fin.
Deliberación: septiembre de 2024.
Resolución: octubre de 2024.
Evaluadores: la evaluación estará compuesta por el presidente de la BIAU, un representante de la CSCAE, un representante de ARQUIA, representantes del comisariado, y las miembras del jurado Almudena Ribot (España) y Sandra Barclay (Perú). La Secretaría Permanente de la BIAU (CSCAE) actuará como secretaria del Jurado, sin voto.
>>Publicaciones
Premiará a las publicaciones que en los últimos dos años hayan divulgado nuevos conocimientos en los campos de la arquitectura, el urbanismo y el territorio en relación a los retos medioambientales, socioeconómicos y políticos.
Fecha límite de inscripción y envío de publicaciones: 4 de septiembre de 2024.
Premio: los premios consistirán en un diploma, la inclusión de una reseña sobre dichos trabajos en la publicación de la BIAU XIII y podrán formar parte de la exposición de la bienal.
Deliberación: septiembre de 2024
Resolución: octubre de 2024
Evaluadores: la evaluación estará compuesta por el presidente de la BIAU, un representante de la CSCAE, un representante de ARQUIA, representantes del comisariado, la coordinadora de los jurados Almudena Ribot (España) y las jurados María Auxiliadora (España), Surella Segú (México) y Ana María Durán (Ecuador). La Secretaría Permanente de la BIAU (CSCAE) actuará como secretaria del Jurado, sin voto.
>>Pedagogías
Se invita la participación de equipos docentes de escuelas y facultades de arquitectura y se valorarán propuestas pedagógicas que sitúen a la ciudadanía como agente clave de los procesos de transformación del hábitat, las nuevas alianzas entre la academia, el sector público, el sector privado y la sociedad civil, y la capacidad de poner en discusión las fuerzas que han dado forma al hábitat contemporáneo.
Fecha límite de inscripción y envío de postulaciones: 5 de septiembre de 2024.
Premio: los premios consistirán en un diploma, la inclusión del curso en la publicación de la BIAU XII y en la exposición de la bienal.
Deliberación: septiembre de 2024
Resolución: octubre de 2024
Evaluadores: la evaluación estará compuesta por el presidente de la BIAU, un representante de la CSCAE, un representante de ARQUIA, representantes del comisariado, la coordinadora de los jurados Almudena Ribot (España) y los jurados Germán Valenzuela (Chile), Loreta Castro (México) y José Alfredo Ramírez (México). La Secretaría Permanente de la BIAU (CSCAE) actuará como secretaria del Jurado, sin voto.
>>Nuevas reglas
La categoría tiene como objetivo premiar nuevas formas de hacer, saber y convivir. Esta sección reconoce líneas de innovación y experimentación realizadas por arquitectos, profesionales de otras disciplinas, instituciones, asociaciones y organizaciones sociales, que expanden las alianzas entre arquitectos y urbanistas, y profesionales de otras disciplinas, instituciones, asociaciones y organizaciones sociales. Específicamente, la categoría se enfocará en cinco líneas temáticas: gestión, herramientas digitales, materiales y sistemas, comunidad y difusión.
Fecha límite de inscripción y envío de iniciativas: 6 de septiembre de 2024.
Premio: los premios consistirán en un diploma, la inclusión de una reseña en la publicación de la BIAU XIII y podrán formar parte de la exposición de la Bienal.
Deliberación: septiembre de 2024
Resolución: octubre de 2024
Evaluadores: La evaluación estará compuesta por el presidente de la BIAU, un representante de la CSCAE, un representante de ARQUIA, representantes del comisariado, miembros del comité consultivos, la coordinadora de los jurados Almudena Ribot (España) y los jurados Ana María León (Ecuador), Izaskun Chinchilla (España) y Manuel de Rivero (Perú). La Secretaría Permanente de la BIAU (CSCAE) actuará como secretaria del Jurado, sin voto.
>>Otras coordenadas
Tiene como objetivo ampliar el panorama de la práctica profesional de las arquitectas y arquitectos de Iberoamérica en un entorno global, reconociendo que los retos actuales del hábitat trascienden las fronteras territoriales.
Fecha límite de inscripción y envío de postulaciones: 6 de septiembre de 2024.
Premio: los premios consistirán en un diploma, la inclusión de una reseña de dichos trabajos en la publicación de la BIAU XIII y podrán formar parte de la exposición de la Bienal.
Deliberación: septiembre de 2024
Resolución: octubre de 2024
Evaluadores: la evaluación estará compuesta por el presidente de la BIAU, un representante de la CSCAE, un representante de ARQUIA, representantes del comisariado, miembros del comité consultivo, la coordinadora de los jurados Almudena Ribot (España) y los jurados Ana María Durán (Ecuador), Surella Segú (México) y María Auxiliadora Gálvez (España). La Secretaría Permanente de la BIAU (CSCAE) actuará como secretaria del Jurado, sin voto.
Sobre los comisarios
El equipo curatorial de esta edición está formado por el proyecto CLIMAS, integrado por:
Elizabeth Añaños (Perú)
Arquitecta, docente y gestora pública. Vicepresidenta de la Comisión Consultiva para el Desarrollo de la Infraestructura Nacional del Ministerio de Economía y Finanzas del Perú, Ex Viceministra de Vivienda y Urbanismo del Perú, impulsó la Política Nacional de Vivienda y Urbanismo y la Ley de Desarrollo Urbano Sostenible. Se desempeñó como Directora Ejecutiva del Programa Nacional de Infraestructura Educativa, diseñando estrategias para reducir la brecha educativa. Recibió el Premio Nacional de Arquitectura en el 2016.
María Arquero de Alarcón (España)
María Arquero de Alarcón es profesora titular de arquitectura y urbanismo en la Universidad de Míchigan, donde también ha sido directora de la maestría de diseño urbano. Aporta al equipo experiencia en proyectos colaborativos de investigación, divulgación popular y docencia en las Américas.
Gary Leggett (Perú)
Gary Leggett es arquitecto y fundador de la oficina Leggett & Cahuas, basada en Lima. Es profesor de la Facultad de Arquitectura de la Pontificia Universidad Católica del Perú, donde también ha sido subdirector del Centro de Investigación de la Arquitectura y la Ciudad (CIAC).
Emilio Ontiveros (España)
Emilio Ontiveros es arquitecto, máster en vivienda colectiva y en arquitectura del paisaje. Es profesor de urbanismo en las universidades de Alcalá y Rey Juan Carlos de Madrid. Ha impartido docencia en instituciones españolas, extranjeras y trabajado en arquitectura, paisaje y urbanismo. En la actualidad compagina la docencia universitaria con el ejercicio profesional.
Luis Rodríguez Rivero (Perú)
Profesor principal y Jefe del Departamento Académico de Arquitectura. Ha sido Director del Centro de Investigación de la Arquitectura y la Ciudad (CIAC). Consultor urbano en instituciones públicas y organismos multilaterales. Tiene publicaciones de teoría y crítica urbana y arquitectónica.
José Luis Villanueva (Perú)
Arquitecto, editor e investigador. Actual Director de Estudios de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo PUCP. Trabajó como Adjunct Associate Research Scholar por Columbia University y en Avery Drawings & Archives durante el 2019 y el 2021. En el 2016 recibió el premio nacional Hexágono de Oro del Colegio de Arquitectos del Perú. Obtuvo el grado de Arquitecto por la Pontificia Universidad Católica del Perú y es Master of Science in Critical, Curatorial, and Conceptual Practices in Architecture por Columbia University.
Ilustración del artista CyberPunk, Nivanh Chanthara, de la serie HongWrong. Sin duda, una visión distópica del Arte, la Vida y la Geometría
The geometry of art and life1 es un influyente libro en el arte y la arquitectura de la primera mitad del siglo XX. En él, el curioso príncipe rumano Matila Costiesco Ghyka explora lo que se podría llamar como las Matemáticas del Arte y de la Vida, usando simples fórmulas, como el teorema de Pitágoras y solamente requiriendo un limitado conocimiento de matemáticas. El libro busca las relaciones entre geometría, estética, naturaleza y cuerpo humano. En cierta medida el libro es un corolario de tres libros anteriores Esthétique des Proportions dans la Nature2de 1927, Le Nombre d’or3 de 1931 con prefacio de Paul Valéry y Essai sur le Rythme4 de 1938.
Como demostración de la influencia de la obra de Ghyka, alguien tan importante como Le Corbusier fue claramente influenciado por su trabajo. Si bien este se mostró inicialmente escéptico y negativo ante lo que consideraba la sustitución de la sensibilidad mística por la sección áurea, el investigador Roger Herz-Fischler investigó que anteriormente a 1927 Le Corbusier nunca había usado el número de oro.5 Esta situación cambió radicalmente tras la publicación sucesiva de los tres libros mencionados. Sin buscar una relación causa efecto tan primaria pues el origen de la fascinación de Le Corbusier por el número de oro tiene los orígenes en su educación musical por un lado, y por el interés en las estructuras geométricas y formas básicas que subyacen en los fenómenos naturales por otro, es evidente que antes de escribir el Modulor, Le Corbusier había leído a Ghika.
En cierto sentido The Geometry of art and life es un libro que hace el recorrido contrario a On Growth and Form de D’Arcy Thompson. Si en Thompson se llega a una cierta estructura teórica de la geometría y por tanto de la matemática subyacente en la realidad, a partir de la observación del mundo natural, en el libro de Ghyka se empieza por nociones básicas de matemáticas para llegar al capítulo seis. The Geometry of Life y acabar más adelante con un repaso histórico a los cánones de la proporción y a los sistemas de transmisión de símbolos desde Pitágoras hasta la edad media.
El objeto de la geometría
En el primer capítulo Proportion in Space and Time, se puede ya entender la metodología de Ghyka, de lo matemático a lo conceptual, al empezar a definir matemáticamente la idea de ratio y proporción, para pasar más adelante a una primera introducción a la formulación de la proporción áurea. Posteriormente describe la proliferación del concepto de proporción formulando la proporción aritmética, la proporción geométrica, la proporción armónica y finalmente describiendo las series de Fibonacci.
El final del capítulo es un primer posicionamiento del autor respecto al objetivo general de la geometría y la matemática.
En él aclara las nociones de ritmo, asociado a la poesía y la música como artes que trabajan en una dimensión temporal, y euritmia, más asociado a la noción de proporción en las artes del espacio, arquitectura, pintura y artes decorativas.
Sin embargo, como bien afirma,
the Greeks did not care for these distinctions.6
Para los griegos y especialmente para Platón, el concepto de ritmo era la idea dominante, no solamente en estética, sino en psicología y metafísica. El ritmo y el número eran la misma cosa. Todo está ordenado según el número podría ser la condensación de la doctrina pitagórica. Para Platón, que en la Estética de la Proporción desarrolló la pitagórica Estética del Número, escribió en Epinomis: And therefore there will be need of studies: the most important and first is of numbers in themselves.7
Para los griegos, de hecho, la arquitectura no era solamente música congelada sino música viva. Las nociones de periodicidad y proporción y la interacción entre ellas, pueden ser usadas como una sucesión en el tiempo y el espacio, creando asociaciones.
Al final del capítulo Ghyka desvela el objetivo del libro al comentar que si bien La Musique est au Temps ce que la Géomètrie est à l’Espace8 la idea es dejar de lado los números de la música y la poesía para elucidar como los griegos y los maestros constructores del gótico, aplicaron su conocimiento de la proporción y la simetría, y cómo y cuándo su Geometría del Arte se encontró con la Geometría de la Vida.
Miquel Lacasta Codorniu. Doctor arquitecto
Barcelona, Abril 2015
5 Herz-Fischler, Roger, “Le Corbusier’s ‘Regulating Lines’ for the Villa at Garches (1927) and Other Early Works”, Journal of the Society of ArchitecturalHistorians, núm. 43, Chicago, 1984, p. 53-59 y también en “The early relationship of Le Corbusier to the ‘golden number’, Environment and Planning B, volumen 6, Londres, 1979, pp. 95-103
6 Op. Cit.,Ghyka, 1977 (1946), p. 5. N del T.: Los griegos no tenían en cuenta esas distinciones.
La arquitectura puede ser sometida a acciones violentas que la modifiquen y la reconstruyan, generando nuevas relaciones con el medio y destruyendo la idea que la enmarcar como una imagen final acabada.
El acto (violento) sobre la arquitectura se constituye en un medio legítimo instantáneo para hacer frente a las imposiciones iniciales que marca el diseño.
Existen cinco modos (de mayor o menor violencia) de actuar frente al cuerpo de la construcción, organizados en función del distinto grado de conservación que ejerzan sobre la entidad original.
Así, los extremos van desde la completa protección del original hasta su total borrado y anulación, quedando tres acciones intermedias que construyen una arquitectura que deja de ser, pero continúa siendo. Entre la conservación y la desaparición.
Son acciones que tienen por objetivo la máxima conservación del cuerpo original, ante su paso del tiempo y deterioro. Tienden a ser delicadas, como curar a un enfermo. La conservación no solo mantiene materiales y estructuras, también los recuerdos y los usos. Que todo cambie continuamente para que todo siga igual.
Un cuerpo nuevo dentro del cuerpo originario de la arquitectura. Supone en esencia un extrañamiento. Un paisaje inesperado en el interior de la arquitectura que no debería estar allí. Las acciones dotan de nueva materialidad y espacialidad, así como también pueden modificar su uso original para adaptarlo a nuevas necesidades.
Una incisión, un corte, la apertura de un hueco, una eliminación de un muro, genera una relación con el medio nueva. No es un acto sin más, sino que provoca una serie de nuevas lecturas. Con estas acciones, las clásicas dicotomías “dentro-fuera”, “tú-yo” pueden ser pervertidas y redefinidas. Una acción violenta y directa, aparentemente sencilla, que cuestiona la condición cerrada de la arquitectura.
La arquitectura, desde el punto de vista tectónico, está hecha de materiales, que se modifican, ensamblan y manipulan para crearla. Puede ocurre que la arquitectura (como cuerpo) en este en un estado destrucción que no permita que se siga usando, pero ¿pueden algunos materiales se reutilizados y reensamblados para tener una segunda vida?
La imposición de una nueva dinámica económica, social, paisajista… puede negar la preexistencia anterior hasta el punto que sea vista como un aspecto negativo que debe ser borrado eliminado y destruido en su totalidad. Esta es, por tanto, la acción más violenta, ya que supone la desintegración total y el olvido completo de la presencia previa.
Landa Hernández Martínez · arquitecto
Ciudad de México. Marzo 2022
La polisemia de la palabra fuente ahonda sus raíces en la voz latina fons que significa manantial u origen. Su definición queda vinculada simultáneamente tanto a la existencia de un soporte constante como al fluir del agua cambiante que emana de él, siendo en esta última condición de liquidez donde bebe el quehacer investigador. La discusión de la naturaleza fluida de las fuentes de conocimiento es fundamental para entender los procesos de formación de los enunciados en relación con cualquier disciplina. En el caso de la arquitectura, su historia más tradicional se dedicó a transformar los monumentos del pasado en documentos, verbalizando todo aquello que su materialidad y composición eran capaces de transmitir tácitamente. Con los avances de la imprenta, los primeros documentos alfabéticos o alfanuméricos pasaron a estar acompañados de imágenes, y su copia mecánica masiva introdujo el cambio de paradigma que llevaría a uno de los personajes de la decimonónica novela de Víctor Hugo a pronosticar la muerte de la arquitectura.
Ciertamente, la herencia ilustrada había asentado las fuentes escritas tipográficas como puntos cardinales en la construcción del conocimiento desplazando las demás. En este sentido, Michel Foucault señaló cómo la historia moderna había convertido todos aquellos documentos en los nuevos monumentos y propuso la transformación metafórica de esta en una “arqueología del saber” que propiciase el encuentro crítico con aquel acervo documental monumentalizado. A partir de la segunda mitad del siglo XX, otras formas de aproximarse al pasado alentaron el cuestionamiento de esta hegemonía, y, a los cambios radicales introducidos por las temáticas y las metodologías de investigación posmodernas, se sumó la búsqueda de fuentes alternativas a las escritas, demostradas insuficientes para abordar las nuevas corrientes historiográficas y los estudios culturales interdisciplinares, como los de género. Este fenómeno, calificado por el historiador francés Jacques Le Goff como “la revolución documental”, permitió la consideración de la pintura, la imagen, la oralidad, etc. como fuentes con información fidedigna sobre cualquier objeto de análisis en cuestión, también la propia arquitectura.
Esta volubilidad de las fuentes, cuantitativa y cualitativa, siempre ha estado íntimamente relacionada con la complejidad del ecosistema mediático en el que surgen, ahora exacerbado por el impacto del giro digital de finales de siglo. Mario Carpo ha evidenciado magistralmente la influencia de los cambios de las tecnologías de la comunicación en el pensamiento arquitectónico occidental, y más recientemente ha puesto su énfasis en las consecuencias de lo que ha denominado el salto
“del alfabeto al algoritmo”.
Efectivamente, en el contexto actual, existe infinidad de fuentes de datos que ‘alimentan’ o ‘entrenan’ distintas inteligencias artificiales generativas para producir contenidos (textos, gráficos, imágenes, vídeos, etc.). No obstante, esta disparidad de fuentes, cuyo origen muchas veces es opacado, puede proporcionar datos desactualizados, erróneos e, incluso, portadores de sesgos y prejuicios que, inevitablemente, contaminan los resultados.
Si el conocimiento se deriva de la información y esta, a su vez, de los datos, hoy más que nunca resulta pertinente preguntarse acerca de las fuentes que han nutrido y/o nutren la lógica de este sintagma. Este nuevo número de VAD invita a reflexionar sobre el valor de dichas fuentes, la confiabilidad que nos brindan y la condición cambiante de sus soportes, pero también —no lo olvidemos— a pensar el modo en que todas ellas sostienen sus vínculos con la arquitectura, nuestra fuente primaria por excelencia, porque en tiempos de tanta incertidumbre resulta conveniente recordar lo obvio.
Normas de envío del Call for Papers. VAD 12. Las fuentes
Consulta el apartado ENVIOS para conocer el procedimiento a seguir para remitir la documentación.
Calendario
Apertura recepción de artículos: 4 de julio de 2024.
Fecha límite de recepción de artículos: 30 de septiembre de 2024.
Puedes consulta el calendario en el apartado AVISOS.
Un refugio sostenible en medio de las dunas de Oostduinkerke, en Bélgica
La casa original, parcialmente destruida durante la Segunda Guerra Mundial, se alza con una nueva narrativa arquitectónica en la que la mitad enterrada que sobrevivió, junto con los añadidos de madera posteriores, permanecen, y se transforman en un refugio que se integra perfectamente con el entorno de manera honesta y sutil.
Casa Dunas, preservando la historia de la casa original, se integra armoniosamente con el entorno natural como muestra ejemplar de diseño regenerativo.
Casa Dunas | OYO Architects | Estadio previo
El uso de materiales sostenibles y naturales, como la madera, mejora esa sensación de integración con la naturaleza, junto con la vegetación interior y el espejo de agua del jardín. El resultado es un ambiente cálido y sereno, que invita a la relajación y al disfrute del entorno.
Casa Dunas | OYO Architects | Secciones
La disposición de los espacios en la casa prioriza la calidad de vida de sus habitantes: el dosel en el jardín ofrece una terraza resguardada y acogedora, los dormitorios al estar ubicados en el nivel inferior brindan una gran privacidad y frescor durante el verano. La casa, enterrada en las dunas, proporciona toda la comodidad de dos pisos al mismo tiempo que se percibe como una construcción compacta y esencial.
La sostenibilidad es el centro del diseño de Casa Duna, por lo que OYO Architects se comprometió a abordar este desafío con soluciones innovadoras y respetuosas con el medio ambiente. Desde la instalación de una bomba de calor de agua subterránea, un sistema de caldera con paneles solares, hasta el uso de refrigeración geotérmica, garantizan el confort sin comprometer la eficiencia energética. Incluso la piscina se calienta de manera sostenible con la calefacción integrada en sus paredes y suelo. Gracias a estas tecnologías, la casa es un verdadero oasis en las dunas, donde el respeto por el medio ambiente y el confort van de la mano.
La combinación de espacios funcionales y acogedores con materiales naturales y soluciones sostenibles fomenta una sensación de hogar y refugio en Casa Dunas.
Con el deseo de lograr una estética sobria, en armonía con el paisaje, la nueva estructura de madera integra los restos de la construcción original y se convierte en la base para la regeneración de los elementos originales. En el interior se distingue el uso de una madera en tonos cálidos y naturales, mientras que los antiguos paneles en la fachada fueron sustituidos por elegantes tablones de madera teñidos, que se mimetizan con los colores del entorno natural.
Casa Duna representa el respeto por el entorno y la actitud regenerativa en el diseño arquitectónico, enfoque característico de OYO Architects, quienes han convertido una vivienda con historia en un refugio sostenible, funcional y acogedor.
El sentido original del archivo radica en el griego arkheîon, palabra que designaba la residencia de los arcontes quienes tenían el derecho de interpretar los documentos confiados en depósito desde su condición de dominio. No obstante, la arqueología del saber foucaultiana nos señaló en los inicios de la posmodernidad que los archivos dejaban de estar circunscritos a un espacio físico y asumían una condición abstracta de dispositivo transformador de enunciados y discursos. Además, aquellos cambios en el orden y las dinámicas del archivo se han visto acentuados por las nuevas tecnologías digitales, como apunta Wolfang Ernst, y han afectado a cómo se produce y se consume el conocimiento y, consecuentemente, reconfigurado sus estructuras de poder.
Entonces, ¿qué debemos conservar si asimilamos el archivo a un ‘depósito de significados’ tal y como lo enuncia Eric Ketelaar?
Emoción, expectativas e incertidumbre nos invaden al aproximarnos a los archivos de arquitectura deseando descubrir documentación original e inédita para nuestras investigaciones. Archivos, colecciones y repositorios han sido y son una fuente inagotable de exploración. Un espacio físico y/o digital (desmaterializado) de testimonios y de materiales diversos que en la arquitectura se conecta con la propia corporeidad de la obra la cual se convierte en documento. Los archivos permiten comprender el pasado desde múltiples perspectivas no solo arquitectónicas, urbanísticas o paisajísticas, sino culturales, sociales y económicas, como bien afirmaba Manuel Blanco en el Congreso Internacional de Archivos de Arquitectura de 2004. Pero, en especial, son una oportunidad de (re)pensar o gestionar (des)memorias que desafíen los relatos hegemónicos.
En este sentido, por ejemplo, Milka Bliznakov inició una labor pionera creando, en 1985, el International Archive of Women in Architecture (IAWA) donde se encuentran y preservan los registros de arquitectas tras percatarse de su escasa difusión y de su renuencia a promover sus logros. Se suman al anterior otros archivos más situados en el territorio, como pueden ser los casos del Archivo Nuestras Arquitectas (ANA), en Argentina, del Pioneering Women of American Architecture (PWoAA), en EE.UU., o de NAM, Navegando Arquitecturas de Mujer, en España, por citar solo algunos. Pero, también, aquellos centrados en autorías singulares custodiados, principalmente, en los despachos profesionales y, en determinados casos, en instituciones privadas y/o públicas. Posiblemente, lo no hallado en ellos, los vacíos, las omisiones, fomentan igualmente nuestra curiosidad y alientan nuevas investigaciones.
¿Qué se conserva, qué se desestima y por qué?
El comisario y crítico de arte Hans Ulrich Obrist afirma que crear un archivo es una forma de generar conocimiento e, inevitablemente, una forma de pensar el mundo. Esta convocatoria es una invitación a ello, a pensar cómo pueden ser reconstruidos, deconstruidos, apropiados o comisariados los archivos. A acercarnos a historias, testimonios, obras, legados y fondos que no han sido difundidos o interpretados y a hacerlo desde nuevas miradas feministas, activistas y disidentes. Un llamamiento a desvelar archivos que aborden el género y la otredad desde la crítica. Una ocasión de especular sobre ellos desde el cuestionamiento de ausencias en los relatos historiográficos, a investigar sobre arquitectas que han contribuido a dar forma nuestro entorno, de indagar en obras no canónicas que han transformado los contextos, de aproximarnos a procesos de trabajo o prácticas curatoriales en la arquitectura que no han interesado en determinados ámbitos.
Con este espíritu, este número busca preguntarse por archivos ausentes, silentes o invisibilizados, pero también por las políticas de archivo e, incluso, el papel de la comunicación de los archivos de arquitectura.
SUMARIO
Entrevista
– Entrevista a Manuel Blanco Lage. María-Elia Gutiérrez-Mozo
Prólogo
– Los archivos. Ana Gilsanz Díaz
Editorial
– Los [otros] archivos. Asunción Díaz García
Artículos de investigación
– Paisajes Españoles. El archivo de la imagen aérea de la transformación moderna. Iñaki Bergera | Rosa Martín Escartín
– Archivadas: Colección Nuestras Arquitectas, Sociedad Central de Arquitectos, Argentina. Inés Moisset | Carolina Quiroga | Rita Comando
– Nuevas pioneras de la arquitectura vasca. Veronica Benedet
– El hilo de la memoria: Belén Esparza o cómo tejer un archivo. Marta Muñoz Martín | Lucía Rojo Mancebo | Ángel Cordero Ampuero
– An imprint of water infrastructures: The public washhouses as spaces of everyday life and fragments of women’s work. Chloé Darmon
– The archive and its territories. Reading the London bomb damage photograph. Jane McArthur
– Archivos digitales y espacios queer: Tres genealogías extrañas. Carlos Pastor-García | José Parra-Martínez
Artículos de crítica
– Coyunturas: ¿Qué están pensando los arquitectos en Colombia? Catalina Patiño
– El jardín como un archivo vivo. Reflexiones, posibilidades y expectativas. Amelia Vilaplana de Miguel
– The Interconnected Network, a proposition. Paola Zellner Bassett
– El diseño arquitectónico como modelo ideal. Ángel Daniel Ramírez Herrera | Luis Armando Gálvez Ordaz
– Documentar Arquitectura de Arquitectas: Caso de estudio Un día | una arquitecta. Marianela Mora Valenciano
Reseñas
– Francisco Cabrero. El viaje a Italia. Iñaki Bergera (ed.). José de Coca Leicher
– Koolhaas (auto)editado. Del delirio a los elementos. Belén Butragueño. Berta Bardí-Milà | Daniel García-Escudero
– Derechos no humanos y otros ensayos acerca de la arquitectura del bosque. Paulo Tavares. María Ayara Mendo Pérez
– Greetings from the USA. Saludos desde España. Cristina Arribas y Juan José Lahuerta. Fernando Jiménez Parras
Carta respuesta de Le Corbusier con las instrucciones para el ensamblaje del dibujo
Con la edad, la muerte de amigos cercanos o lejanos, de personas con quienes hemos compartido fragmentos de vida, equivale a ir perdiendo la memoria. El asunto comienza a hacerse evidente con la historia familiar cercana, respecto a la cual parece haber muchas versiones distintas y ya se ausentaron los mayores que estaban siempre a la mano para aclaratorias.1
Respecto a lo más público, un buen día se hace evidente que cosas que uno da por sabidas, situaciones, consensos, ya no las puede discutir para evitar inexactitudes sino con un puñado de personas, con algunas de las cuales se ha perdido todo contacto. Y en un país cómo el nuestro con instituciones muy débiles y en un contexto en el que es usual inventar la historia sin que nadie proteste, se puede sentir la necesidad de relatar algunas experiencias ya que puede ser útil, para uno mismo y para los demás, dejar constancia de cómo fueron, sobre todo si uno participó en ellas con alguna intensidad.
Es lo que vengo haciendo desde hace algún tiempo aquí: comunicar pequeñas historias que en algunos casos pese a ser muy personales arrojan cierta luz sobre circunstancias que siendo parte de mi punto de vista, pueden disparar asociaciones útiles para un ámbito más amplio. Y en otros casos se trata de episodios que nacidos de algún arranque del momento, terminaron teniendo alguna significación, sobre todo desde la perspectiva actual.
Uno de esos episodios es el de la invitación que se le hizo a Le Corbusier para trabajar en Caracas,2 asunto en el que estuve involucrado de modo muy activo. Se hizo realidad a partir del entusiasmo que provocó en mí una carta sobre la cual he escrito en otras oportunidades.
El gouache pintado sobre los demás datos de la portada, delineados en lápiz. Se ven las letras para la inserción de los demás dibujos
Le Corbusier y otras incidencias
El hecho concreto es que mi interés por Le Corbusier y otras incidencias,3 me impulsaron a escribirle pidiéndole una contribución al número especial de la revista Punto editada por la Facultad y él había contestado enviando un dibujo para la portada, en carta fechada el 4 de Julio de 1963. La revista nunca se publicó y hoy tengo planes para ese dibujo que espero poder cumplir: lo muestro aquí, cincuenta años después.
Me parece evidente que ese documento revela el interés de Le Corbusier en señalar la dimensión ética de su esfuerzo de comunicación con los demás, como marco que es de una frase que puede ser vista como un proyecto de vida, como afirmación de la idea de que todo esfuerzo conduce a una totalidad y termina siendo comunión: todo llega al mar, palabras de su puño y letra superpuestas sobre la caligrafía de un viejo esquema del delta del río Ganges que trazó mientras lo sobrevolaba en uno de sus viajes a La India. A la una de la tarde del 13 de Noviembre de 1954: he aquí las riberas de La India, escribió entonces. Los trazos del dibujo básico los enriqueció con unas pinceladas de gouache azul, todo con instrucciones precisas para la impresión de la portada.
Para mí este dibujo ha sido siempre una llamada. Lo veo como un mensaje simbólico, poderoso, imperativo casi, acerca del destino de toda acción humana como contribución a un patrimonio común que nos trasciende y le da sentido a cada tarea. Eso, además del significado especial de que un hombre de la importancia de Le Corbusier, desdeñado y atacado pero a la vez halagado y reconocido, especialmente en esa etapa de su vida, hubiera decidido dedicarle un tiempo de reflexión y recogimiento a unos desconocidos. Gente de este lugar lejano y confuso, ajeno, representada casualmente por un casi adolescente solicitante de atención. Gente que acaso podía estimular en él su siempre presente papel de sembrador.4
Fotocopia del dibujo original de los «carnets de viaje» de Le Corbusier: el delta del Ganges, fecha y hora del dibujo
Mi experiencia crítica era mínima
Ese especial regalo y las implicaciones que del gesto podían esperarse, produjo distintos efectos. En mí por supuesto se renovó la intención de publicar pero surgieron problemas inesperados con el Director de la revista que motivaron mi alejamiento de ella. El camino hacia la publicación tendría que ser otro. Eso no me preocupó demasiado pero sí empecé a sentirme afectado al comprobar los pocos recursos que tenía a la mano para adelantar la tarea.
Mi experiencia crítica era mínima, aparte de que escribir sobre la obra de Le Corbusier aportando puntos de vista en cierto modo nuevos, nacidos en una generación más joven, era particularmente difícil pese a todo mi entusiasmo. Me sentía incapaz de intentar un ensayo sobre algún aspecto de su obra, de ir más allá de una descripción sobre lo que había leído y experimentado. Convoqué a una primera reunión (invitados: Jesús Tenreiro, Augusto Tobito, Magalie Ruz, Jorge Rigamonti, guardo de ella un guión) que me permitió explicar el ambicioso y difícil proyecto.
La frase de su puño y letra, que Le Corbusier quería destacar
Villanueva, a quien le enseñé el dibujo, me había prometido escribir algo y allí lo dije, Tobito fue discreto sin comprometerse, Jesús no asistió, Rigamonti prometió ampliar un buen trabajo que había hecho como estudiante y Magalie aportó ayuda moral aparte de que fue en su casa donde nos reunimos. Hoy no quedamos en este mundo sino ella y yo; y debo ser yo el que recuerdo más detalles, tan desalentado estaba al ver que me había propuesto una tarea problemática.
Tenía entonces que buscar otro camino y pensé entonces que la publicación podría ser el resultado de una visita del protagonista. Había condiciones especiales que tal vez permitirían invitar a Le Corbusier a trabajar aquí, idea que habían estimulado mis lecturas sobre sus experiencias latinoamericanas y particularmente acerca de sus tres visitas a Bogotá entre 1947 y 1951. Como mi esposa era Delia Picón Cento (1937-2008), madre de mis primeros cuatro hijos, hija de Mariano Picón Salas quien era Secretario de la Presidencia de la República a fines del período presidencial (1959-1964) de Rómulo Betancourt, había la posibilidad de conexiones que podían abrir una puerta.
El dibujo final para la portada, hecho hoy con Photoshop
Hablé con Don Mariano y se abrió una opción.5
Óscar Tenreiro Degwitz, arquitecto.
Venezuela, Junio 2013
1 Escribo esta nota el 25 de enero de 2023, mucho tiempo después de que se publicó la entrada que sigue y las dos que continúan (II y III). Hoy la frase Todo llega al Mar se refiere no sólo al mensaje que con ella quiso darnos Le Corbusier, tema central con sus derivaciones de las tres entradas, sino que la usé para identificar un libro que he insistido en llamar mi autobiografía arquitectónica, salido de imprenta en Abril de 2019, parte de cuyo texto incluí en mi Blog en 13 entradas fechadas entre el 4 de agosto y el 28 de octubre de 2018. Hago esta aclaratoria para evitarle confusiones al lector interesado. Sobre el libro (y la exposición que motivó) hablo de modo general en la entrada Digresiones (38) del 29 de julio de 2018 y de modo más detallado en las entradas tituladas Recomenzando (1) y (2) del 10 de febrero y 18 de mayo de 2019
2 En los años iniciales de la democracia post-Pérez Jiménez se generalizó en Venezuela la concesión de becas en dólares por parte del Estado para estudiar en el exterior, una primera manifestación de lo que pudiera llamarse el populismo «selectivo» de un petroestado en ciernes. Yo fui beneficiario de una de ellas, que me concedió el CDCIH de nuestra Universidad Central de Venezuela (UCV). Era de 325 dólares y me la concedieron porque había tenido un rendimiento aceptable como estudiante y porque nuestro decano en 1960, Julián Ferris (1921-2009), solidario siempre con el mundo estudiantil, me ayudó a obtenerla. La utilicé como parte importante de mis planes de vida que incluían estar un tiempo en Chile, donde hice una pasantía de un año en la Corporación de la Vivienda y colaboré con el Arq. Jaime Bendersky en su Taller de la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Chile; y otro en Francia donde pasé un segundo año, atendí a un Seminario organizado por el Ministerio de la Construcción, (conferencias sobre los planes de vivienda, prefabricación, visitas a obras en París y sus alrededores; Georges Candilis, Marcel Lods, Paul Chombart De Lauwe, Jacques Dreyfus, investigador del confort térmico en la arquitectura, fueron algunos de los conferencistas); y trabajé en la oficina de Guy Lagneau (1915-1996) (Lagneau, Weill y Dimitrijevic, arquitectos del Museo de Le Havre (1961), que hacían también trabajos en las ex-colonias francesas, correspondiéndome hacer unos estudios para la ciudad de Abidjan, Costa de Marfil. Regresé a Venezuela en Setiembre de 1962; había partido en Agosto de 1960.
En Chile me topé con la relativa inocuidad de las burocracias del Estado, que gerenciaban fondos muy limitados en tiempos en que la economía chilena era de una modestia y precariedad que contrastaba drásticamente con las ínfulas de la Venezuela optimista y sin embargo destinada a ser devorada por el populismo, de donde yo venía. La experiencia humana sin embargo del escaso año y medio que pasé allí tuvo una palabra muy fuerte en mi visión del mundo, por lo cual nunca dejaré de ver a Chile como una segunda patria, pese a que poco la reconozco con su barniz actual, al día y muy brillante.
3 En Francia mi tránsito fue de otro tipo. En lo humano, si hablamos de contactos personales, nos mantuvimos (estaba ya casado y con mi primer hijo) en un relativo aislamiento, aunque desde luego abrí mejor los ojos hacia Europa y particularmente hacia la cultura francesa. Coincidí allá con algunos compañeros de estudios, lo cual nos facilitaba las cosas, mientras iba conociendo el panorama arquitectónico de estos tiempos todavía tempranos de la recuperación europea de la posguerra. Panorama poco alentador por cierto, como he comentado otras veces; muy mediocre, dominado por el esfuerzo de re-equipamiento urbano y dominado específicamente por la frenética actividad exigida por los «grands ensembles», los grandes conjuntos de vivienda de los suburbios de las grandes ciudades francesas, que crecían con intensidad para lograr enjugar los impresionantes déficits que habían dejado en ese país las dos guerras, los rumbos de la economía y la controversia política. En ese espacio donde parecía no haber otra opción que tratar de «adornar» una arquitectura utilitaria y adocenada, con excentricidades de maquillaje a la manera de Émile Aillaud (1902-1988) que terminaron un par de décadas después en esa apoteosis del kitsch que fue el conjunto «Les Arènes de Picasso» del español-francés Manolo Nuñez Yanowsky, derivación de las andanzas ampliamente publicitadas de Ricardo Bofill; en ese escenario de mínimo interés, repito, descollaba como si se tratase de un discurso sin audiencia alguna la figura y la obra de Le Corbusier. Las experiencias de Marsella, Nantes-Rezé y sobre todo el corpus doctrinario corbusiano, contrastaban drásticamente con la visión tecnocrática y unidimensional que orientaba los programas oficiales, esquemáticas y pobrísimas reducciones de las propuestas urbanas que siempre defendió Le Corbusier.
4 No sólo para mí sino para los otros compañeros venezolanos que por esas fechas se encontraban en Francia, resultaba un asunto muy difícil de entender la casi nula repercusión que la obra y la enseñanza de Le Corbusier tenía en los medios arquitectónicos franceses. Darse cuenta de esto era ya la explicación de que por ejemplo el edificio sede de la Unesco (1953-58), en lugar de ser encomendado a Le Corbusier, hubiese sido encargado a un arquitecto de tan relativo interés como Bernard Zehrfuss (1911-1996), si bien en colaboración con Marcel Breuer y Pier Luigi Nervi, colaboración que podría ser el origen de las cosas rescatables en un edificio cuyo principal mérito es tener importantes obras de arte y estar bien construído. Beneficio que sin embargo los franceses le negaron siempre a Corbusier, quien dejó en París sólo la pequeña joya suiza del Pabellón de la Ciudad Universitaria; el del Brasil, ambos técnicamente bien equipados e iniciativas de gobiernos «extranjeros», o la Ciudad Refugio del Ejército de Salvación iniciativa privada de la Princesa de Singer-Polignac, heredera norteamericana de las máquinas de coser, notoria mecenas del arte y particularmente de la música, edificado en tiempos difíciles (1929-33) y castigado después durante mucho tiempo por el abandono.
Esa que pudiéramos llamar sorpresa para jóvenes arquitectos que nos habíamos durante nuestros estudios conectado de un modo u otro, tal vez no doctrinario (sesgo venezolano) pero sí en conocimiento de la dimensión de la obra y la importancia de sus tesis, vino a ser un acicate, un estímulo para acercarnos de modo más consciente a la obra de Le Corbusier.
5 A mi regreso a Venezuela, en Octubre de 1962, acepté el cargo que me ofreció Oscar Carpio, Decano en ese entonces, como profesor interino a Dedicación Exclusiva en la misma Facultad donde había hecho mis estudios. Allí estuve un tiempo, más de un año, afectado siempre por la sensación de que mi tiempo no tenía utilidad aparte de mi presencia en las tardes día por medio como ayudante en el Taller de Martín Vegas Pacheco (1926-2012). Las mañanas eran en general muertas, por lo cual, tal como comenté hace poco en este mismo espacio, decidí adentrarme en el trabajo y pensamiento de Le Corbusier. Haber estado en mis últimas semanas europeas en La Tourette había sido decisivo. Con el dinero que el Seminario francés asignaba a «material de estudio» había comprado las Obras Completas resumidas (1910-60) pero en la Biblioteca de la Facultad estaba la edición íntegra. Decidí entonces estudiarlas de modo ordenado y secuencial. Fui beneficiario entonces de lo que muchos años después me comentó Kenneth Frampton: esos volúmenes resumen todo el método, el programa de trabajo, de la Arquitectura Moderna. Todavía conservo algunas de las fichas que hice de esas lecturas, en las que anotaba lo más relevante. El caso es que, a medida que me sumergía en el estudio, mi interés por lo que leía, asociado a la maduración de esa especie de militancia espiritual que por el modo de exponer sus ideas y la pasión con la que lo hacía, solía suscitar Le Corbusier en quienes se interesaban en su obra, fue alimentando en mí el deseo de ir más allá de esa admiración pasiva.
Así nació el capítulo primero de su futura invitación a Venezuela.
Un buen día, escribí ante el escepticismo de los conocedores, una carta que podía parecer ingenua, inspirada en la confianza de que su destinatario entendería que la motivaba un deseo de apertura y sobre todo sinceridad. Tuvo respuesta generosa y su mensaje aún me conmueve. Mensaje que no envejece, dirigido a cada uno de nosotros.
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