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Por la causa de la Arquitectura | José Ramón Hernández Correa

José Ramón Hernández Correa
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Por la causa de la Arquitectura | José Ramón Hernández Correa

Iglesia de San Antonio, en Aranjuez (Madrid) | Fotografía: José Ramón Hernández Correa

Creo que hoy, más que nunca, es necesario recuperar el título de aquella serie de dieciséis artículos que escribió Frank Lloyd Wright desde marzo de 1908 hasta diciembre de 1928 en la revista The Architectural Record: “In The Cause of Architecture”.

En ellos habla de su forma de entender la Arquitectura, pero, por encima de eso, hace una declaración de amor hacia ella. La Arquitectura es espacio organizado y configurado para que en él suceda la vida. El arquitecto español Miguel Fisac decía que el espacio es aire humanizado. Y eso es la Arquitectura: Espacio. Espacio creado por el ser humano. A menudo ocurre en edificios.

En estos momentos todos los arquitectos, que ya hemos hecho por otra parte muchos ejercicios de autocrítica (y los que nos quedan), debemos hacer una declaración de amor parecida. No quiero hacer hoy una defensa corporativa de la profesión de arquitecto (que también podría, ¿por qué no? ¿No tengo derecho?). No quiero hablar de intrusismo. No. Quiero hablar de Arquitectura.

Creo que para amar la Arquitectura hay que intentar comprender varias cosas sutiles y resbaladizas, pero al mismo tiempo obvias: La principal, a mi juicio, es que Arquitectura es Espacio, y Espacio no es sinónimo de Volumen. Si alguien necesita que le explique eso vamos mal. Pensad por un momento en aquel cuarto de la casa de vuestros abuelos, en el que dormíais unos días, durante las vacaciones de Navidad. La casa sigue construida, pero hace ya muchos años que no pertenece a la familia. Por algún motivo casual os es dado visitarla de nuevo. Han quitado aquel papel pintado de girasoles verdes y amarillos y las paredes están pintadas de color crema. El espejo ya no está, y las cortinas de rayas han sido cambiadas por estores. No es la misma habitación ni es la misma casa. Lo veis todo ahora con nostalgia y con una triste felicidad remota… Pero el volumen es el mismo que antes. Y los puntos cartesianos x,y,z siguen estando donde estaban. (¿De qué narices estamos hablando? El DRAE da quince acepciones de la palabra “espacio”. Quince nada menos; y ninguna se refiere a lo que trato de expresar aquí).

Como corolario de todo eso, Arquitectura no es sinónimo de edificación ni de construcción. Es otra cosa. A menudo muy parecida, seguramente, pero otra cosa. Importan muchos detalles, muchas circunstancias, muchos temas, muchos elementos. Es experiencia vital, es sueño, es amor, es rabia. Es el escenario de nuestra vida.

Los arquitectos tenemos fama de ponernos estupendos en todo momento, pero yo (que no soy especialmente sensible) os puedo decir que en un delicioso viaje a Finlandia me impresionaron las obras de Alvar Aalto, que ya me sabía de memoria y que, como arquitecto habituado a interpretar planos y todo eso, me había reconstruido en mi mente y tal, y blablabla. ¡Una porra! Cuando visité el Ayuntamiento de Säynätsalo paseé por una galería que había visto mil veces en fotos, pero era otra cosa. La luz delicada del verano finés, el calorcito, el tacto de la madera y del ladrillo… y el olor. Olía a barniz, a café, a paz, a trabajo. No lo sé explicar. El espacio es inefable. ¿Me pongo cursi? Seguramente. Lo siento. Es que no lo sé comunicar. Tal vez nadie pueda. Tal vez radique ahí la rara magia de la Arquitectura.

La Arquitectura no es estructura+construcción+belleza. Si pensamos eso ya estamos disecando partes de un cadáver; ya se nos ha cortado la mahonesa.

La Arquitectura es todo eso integrado para configurar un Espacio. Y Espacio es “eso” donde estamos. Donde vivimos y odiamos las personas.

José Ramón Hernández Correa · Doctor Arquitecto
Toledo · enero 2013

La vida, instrucciones de uso | Jorge Rodríguez

Jorge Rodríguez Seoane
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La vida, instrucciones de uso | Jorge Rodríguez

“Abre bien los ojos, mira”.1

No es fortuita la manera en que Georges Perec empieza la que a posteriori se convirtió en obra cumbre de la literatura de la segunda mitad del siglo XX. Como tampoco es fortuita la estructura formal compleja que la contiene, relacionando la vida de casi 200 personajes que compartieron inmueble a través de un mapa recorrido por el movimiento del caballo de ajedrez. Ni mucho menos es fortuito su título,

“La vida: instrucciones de uso”.2

De hecho, puede resultar pretencioso e irresponsable sacar a la venta semejante manual. Y es que el oficio de vivir, que a todos nos ocupa, es una profesión harto exigente como para tratar de reducir su complejidad a unos pocos cientos de páginas. Sin embargo, como Perec, Julio Cortázar también se atrevió a redactar una serie de pequeños manuales de instrucciones para la vida cotidiana, sabedor de que hasta las tareas más nimias tienen su maestría. Desde llorar a entender pinturas famosas. Desde dar cuerda al reloj, a subir una escalera. Me parece especialmente atractivo este último, defecto profesional.

“Las escaleras se suben de frente, pues, hacia atrás o de lado resultan particularmente incómodas”.3

Nadie habrá dejado de observar que, con frecuencia, la diferencia entre un simple manual, y la literatura más brillante de nuestro siglo pueden compartir editorial, nombre y tema, pero no debemos confundirlas. No debemos confundirlas porque estaríamos desnaturalizando un oficio, que volviendo a Bolaño, no consiste en escribir bien, ni siquiera en escribir maravillosamente bien, sino que tiene algo de acróbata. De salto hacia lo desconocido. No debemos confundirlas. Aunque a veces sucede.

Y desde hace un tiempo, en el campo de la arquitectura, viene sucediendo. Llevamos ya un tiempo inmersos en una realidad convulsa, que ha empujado al conjunto de la profesión a hacer un ejercicio de autocrítica necesario. A nadie se le escapa que el arquitecto, como autor intelectual del objeto derivado de la conducta que nos ha traído a esta situación, tiene una responsabilidad que asumir. Y la asume. Pero tratar de abrir el campo a nuevos ejecutores no es solución, según mi opinión de auténtico inexperto en la materia del objeto construido.

Quizás sean el tema y tono del discurso que el colectivo de arquitectos ha entonado a modo de mea culpa lo que ha fallado. Tratar de evangelizar con que la arquitectura es algo más que construcción, cuando ésta tiende a cero, suena oportunista para el ajeno, y denigrante para el propio, que se enfrenta en cada proyecto no a un problema inerte de solución única y cartesiana, sino que trata de lidiar, entre otros,  con un material tremendamente complejo, la persona. Porque es un oficio que trasciende su sentido etimológico. Escapa de la techné (arte, técnica, oficio, saber hacer algo) sin renunciar, ni mucho menos, a ella.

Pero no todo consiste en escribir bien. No podemos despreciar los aspectos experimentales de la arquitectura, la investigación formal, los estudios sobre la vivienda; se trata de un oficio que no puede quedar anquilosado en lo que se suponen soluciones definitivas, anacrónicas (si no, pregunten ustedes por Précis des lecons d’architecture4), debe avanzar en paralelo con los cambios sociales, con la realidad cercana de la que se sirve. Y para ello, es necesario tener en el horizonte, aunque sea lejano, la idea de materializarse. Es inherente a la arquitectura. Es lo que hace a los proyectos verdaderamente experimentales.

Quizás, la solución se encuentre en recapacitar sobre la figura que a los arquitectos se nos ha reservado, o hemos asumido sin demasiada oposición,  muchas veces ejecutores de planes, normativas o encargos disparatados. Se ha alienado la profesión despojándola del factor diferencial con cualquier otro técnico, la capacidad de reflexión y generación intelectual más allá de la construcción de un objeto. De ahí las recientes confusiones, tan peligrosas no solo para la profesión, sino para todos.

Al fin y al cabo, somos nuestros recuerdos. Decidir dónde y cómo almacenarlos, no es baladí. Confiemos en quien ha decidido dedicarse a imaginar. Como diría un buen amigo, herederos de Vitruvio.5.

Jorge Rodríguez Seoane
Santander. Enero 2013

notas:

1. Comienzo de “La vida: instrucciones de uso” de Georges Perec. Cita del personaje Miguel Strogoff, de la novela “Miguel Strogoff: el correo del Zar”, de Julio Verne.
2. Perec, G: La vida: instrucciones de uso. Barcelona, Ed. Anagrama. 1992.
3. Cortázar, J: Historias de Cronopios y de famas. pp 25-26.  Madrid, Ed. Alfaguara. 1984.
4. Durand, J.N.L: Précis des lecons d’architecture.
5. A la conclusión de éste artículo, leo el escrito por Santiago de Molina Sobre la necesidad de arquitectura. Me apropio de este precioso calificativo.

Multifamiliar en Calle Roma. Teodoro Cron | Aldo G. Facho Dede

Aldo G. Facho Dede
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Multifamiliar en Calle Roma. Teodoro Cron | Aldo G. Facho Dede

Multifamiliar en Calle Roma. Teodoro Cron. Lima, Perú, 1950

Hace mucho que reviso este edificio. Cuando estudiante nos fue presentado como un proyecto moderna cuyo vínculo con el lugar estaba en la reinterpretación de las formas y tecnologías climáticas coloniales, resaltándolo como uno de los ejemplos en los que la arquitectura moderna local se nutrió de sus predecesores. Si nos quedamos con esa primera reflexión, producto de un análisis formal desde un abordaje posmoderno (estudié la carrera en los inicios de los noventa, siendo mis profesores en su mayoría formados en los finales de los setenta e inicios de los ochenta), podríamos no estar equivocados, pero estaríamos encasillando un proyecto en un estereotipo muy útil para luego pretender postular una arquitectura que intenta caracterizar la modernidad con rasgos locales. La reflexión que a continuación comparto busca analizarla fuera de esos estereotipos y buscar sus virtudes proyectuales desde una lectura moderna.

Siempre me llamó la atención como uno de los arquitectos modernos con un mayor nivel de reflexión en su obra sobre el lugar fue de origen suizo. Teodoro Cron perteneció a aquella generación de arquitectos europeos que luego de la guerra buscaron desarrollar su oficio en suelo americano. Por lo que tengo sabido nunca quiso relacionarse con la docencia ni tomar algún tipo de rol protagónico en la escena local, lo poco que sabemos de él es gracias a los proyectos que edificó en Lima y al estudio realizado por el Arquitecto Hugo Romero como tesis profesional. Especulando un poco, me pongo a pensar que quizás ese ser foráneo fue lo que le impulsó a revisar la arquitectura local en búsqueda de soluciones tecnológicas y estéticas que le ayudasen a conseguir insertarse en el mercado.

Multifamiliar en Calle Roma. Teodoro Cron. Lima, Perú, 1950

El edificio multifamiliar en calle Roma es un proyecto interesante y destacado en el conjunto de su obra. Las viviendas-estudio que propone se juegan más a amplios espacios donde lo social y lo íntimo coexisten en espacios fluidos y generosos. Manteniendo las distancias propias de la escala y lugar, toma la pauta de las viviendas de las Unidades de Habitación de Le Corbuisier, ubicando la zona de servicios anexa al ingreso e integrando espacialmente el estar-comedor con el dormitorio-estudio. Un gran ventanal sirve para iluminar la doble altura, protegido con una celosía de madera que muchos han interpretado como un guiño a la arquitectura virreinal limeña. La distribución es similar en ambos frentes, con la diferencia que los que dan a la calle suman un dormitorio y baño independiente que se ubica sobre los duplex que dan al frente interior.

En las plantas que he re-dibujado pueden analizar con más detalle la distribución, siempre con la salvedad que para ello me he valido de los dibujos publicados en la revista El Arquitecto Peruano y no de documentación relevada in-situ. La escalera de acceso es una interpretación personal de lo poco que pude descifrar de esos esquemas, si alguno de nuestros lectores tiene información más precisa le agradecería la compartiese.

Interior. Multifamiliar en Calle Roma. Teodoro Cron. Lima, Perú, 1950

Donde hay una interesante propuesta es en el manejo de los volúmenes del proyecto. Cron decide trabajar los duplex como cajas opacas que se soportan hacia el frente en unos pilares de ladrillo de forma trapezoidal invertida. Agudiza la pesadez y densidad de este volumen retrocediendo el de acceso y trabajándolo con una carpintería ligera y transparente. Utiliza unas pequeñas ventanas que acompañan los grandes vanos de celosía y dramatizan el espesor del muro. No hace distinción en la cubierta, eliminando cualquier gesto que evidencie la finalización del volumen. En este sentido me llama mucho la atención esa pureza geométrica a la que llegan muchos arquitectos de la generación de Cron en Lima, ayudados por lo benigno del clima, no tienen reparo en proponer edificios donde la lectura de la cubierta, como componente del edificio, desaparece y se pierde en la línea de cornisa. Motivado por Rubén Pesci escribí hace poco un capítulo para un libro que espero pronto salga a imprenta analizando esa particularidad de la arquitectura limeña.

Aldo G. Facho Dede · Arquitecto Autor del Blog Habitar: Ambiente+Arquitectura+Ciudad
Lima · enero 2013

Nota: Comparto además de las plantas, unas fotos tomadas en enero de 2009 y las que fueron publicadas en la edición de El Arquitecto Peruano de abril de 1950 (en blanco y negro).

[:es]Museo Ordos [MAD Architects][:gl]Museo Ordos [MAD Architects][:en]Ordos Museum [MAD Architects][:]

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[:es]Museo Ordos [MAD Architects][:gl]Museo Ordos [MAD Architects][:en]Ordos Museum [MAD Architects][:]

[:es]

Esta película viaja a un museo remoto en el interior de Mongolia, recientemente finalizado por arquitectos de Beijing MAD Architects. El reluciente museo está localizado en Ordos, donde convive con 100 villas privadas realizadas por diferentes arquitectos dentro del  masterplan creado por el artista Ai Weiwei en 2008.

http://vimeo.com/29309492[:gl]

Esta película viaxa a un museo remoto no interior de Mongolia, recientemente finalizado por arquitectos de Beijing MAD Architects. O reluciente museo está localizado en Ordos, onde convive con 100 vilas privadas realizadas por diferentes arquitectos dentro do masterplan creado polo artista Ai Weiwei en 2008.

[:en]

This movie tours a remote museum in Inner Mongolia, recently completed by Beijing architects MAD Architects. The polished metal-clad museum is located in Ordos, where 100 private villas by different architects were masterplanned by artist Ai Weiwei back in 2008.

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[:es]Ma Yansong | Entre la modernidad (global) y la tradición (local)[:gl]Ma Yansong | Entre a modernidad (global) e a tradición (local)[:en]Ma Yansong | Between the (global) modernity and the (local) tradition[:]

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[:es]Ma Yansong | Entre la modernidad (global) y la tradición (local)[:gl]Ma Yansong | Entre a modernidad (global) e a tradición (local)[:en]Ma Yansong | Between the (global) modernity and the (local) tradition[:]

[:es]

Ma Yansong | Entre la modernidad (global) y la tradición (local)
Ma Yansong | Entre la modernidad (global) y la tradición (local)

«La libertad y la independencia han tenido una gran influencia en mi trabajo. La idea de la arquitectura conviviendo con la naturaleza me fascina»  Ma Yansong

A finales de octubre inauguramos en el Museo ICO una nueva exposición temporal que esta vez, y retomando la senda de la arquitectura, tendrá como protagonista a uno de los arquitectos noveles más relevantes del panorama internacional: Ma Yansong.

Ma Yansong (Pekín, 1975) basa sus proyectos en las relaciones entre la naturaleza y el ser humano huyendo de los modelos usados hasta el momento. Desde su estudio en China, MAD Architects, se afirma que los edificios producidos en masa no tienen espíritu porque se han convertido en algo desechable. De ahí que su objetivo principal sea crear diseños atemporales

«que se muevan con la gente y les hagan sentir y pensar»

como podremos ver en los proyectos que se mostrarán en el Museo ICO.

En esta primera muestra individual que se presenta en España asistiremos a la búsqueda de una nueva identidad del territorio introduciendo la naturaleza en el contexto urbano y viceversa. Articulada en torno a una amplia selección de maquetas y proyectos, la exposición tiene como objetivo poner de manifiesto el valor de la nueva arquitectura china.

Ma Yansong pertenece a una nueva generación de arquitectos cuya manera de concebir los edificios ha cambiado. Entendidos ahora como «obras de arte públicas»,  conjugan los valores autóctonos del lugar en que se asientan junto con los aires de modernidad que los nuevos tiempos imponen. De esta manera proyectos como el Ordos Museum o el Sinosteel International Plaza ilustran de una manera clara la intención de esta nueva generación por sustituir los modelos arquitectónicos agotados.

Pero Ma Yansong no trabaja solo. Lo hace acompañado de medio centenar de arquitectos de distintas nacionalidades (sólo la mitad son originarios de China) agrupados en torno al estudio que él mismo fundó en Pekín en 2004: MAD Architects, que se ha configurado en los últimos años como uno de los estudios más reconocidos internacionalmente.

Así pues, gracias a la amplia selección de infografías, maquetas, planos y fotografías que expondremos en nuestras salas, seremos partícipes de ese universo natural que Ma Yansong ha creado.

Ma Yansong | Entre la modernidad (global) y la tradición (local).
Del 31 de octubre de 2012 al 3 de marzo de 2013.
En colaboración con Casa Asia.
Fundación ICO
Paseo del Prado, 4 Madrid [España]

[:gl]

«A libertade e a independencia tiverono unha gran influencia no meu traballo. A idea da arquitectura convivindo coa natureza  fasciname» Ma Yansong

A finais de outubro inauguramos no Museo ICO unha nova exposición temporal que esta vez, e retomando a senda da arquitectura, terá como protagonista a un dos arquitectos noveles máis relevantes do panorama internacional: Ma Yansong.

Ma Yansong (Pekín, 1975) basea os seus proxectos nas relacións entre a natureza e o ser humano fuxindo dos modelos usados ata o momento. Desde o seu estudo en Chinesa, MAD Architects, afírmase que os edificios producidos en masa non teñen espírito porque se converteron en algo desechable. Por iso é polo que o seu obxectivo principal sexa crear deseños atemporales «que se movan coa xente e fáganlles sentir e pensar» como poderemos ver nos proxectos que se mostrarán no Museo ICO.

Nesta primeira mostra individual que se presenta en España asistiremos á procura dunha nova identidade do territorio introducindo a natureza no contexto urbano e viceversa. Articulada en torno a unha ampla selección de maquetas e proxectos, a exposición ten como obxectivo poñer de manifesto o valor da nova arquitectura chinesa.

Ma Yansong pertence a unha nova xeración de arquitectos cuxa xeito de concibir os edificios cambiou. Entendidos agora como «obras de arte públicas», conxugan os valores autóctonos do lugar en que se asintan xunto cos aires de modernidad que os novos tempos impoñen. Deste xeito proxectos como o Ordos Museum ou o Sinosteel International Praza ilustran dun xeito claro a intención desta nova xeración por substituír os modelos arquitectónicos esgotados.

Pero Ma Yansong non traballa só. Faio acompañado de medio centenar de arquitectos de distintas nacionalidades (só a metade son orixinarios de Chinesa) agrupados en torno ao estudo que el mesmo fundou en Pekín en 2004: MAD Architects, que se configurou nos últimos anos como un dos estudos máis recoñecidos internacionalmente.

Así pois, grazas á ampla selección de infografías, maquetas, planos e fotografías que expoñeremos nas nosas salas, seremos partícipes dese universo natural que Ma Yansong creou.

Ma Yansong | Entre la modernidad (global) y la tradición (local).
Do 31 de outubro de 2012 o 3 de marzo de 2013.
En colaboración coa Casa Asia.
Fundación ICO
Paseo del Prado, 4 Madrid [España]

[:en]

«The freedom and the independence have had a great influence in my work. The idea of the architecture coexisting with the nature it fascinates me» Ma Yansong

To finals of October inaugurate in the Museum ICO a new temporary exhibition that this time, and restarting the senda of the architecture, will have like protagonist to one of the novel architects more notable of the international panorama: Ma Yansong.

Ma Yansong (Peking, 1975) bases his projects in the relations between the nature and the human being escaping of the models used until the moment. From his study in China, MAD Architects, affirms  that the buildings mass-produced do not have spirit because they have turned into something desechable. Of here that his main aim was to create designs atemporales «that move  with the people and do them feel and think» as we will be able to see in the projects that will show  in the ICO Museum.

In this first individual sample that presents  in Spain will assist to the research of a new identity of the territory entering the nature in the urban context and vice versa. Articulated around a wide selection of maquetas and projects, the exhibition has like aim put of self-evident the value of the new Chinese architecture.

Ma Yansong belongs to a new generation of architects whose way to conceive the buildings has changed. Understood now like «works of public art», conjugan the autochthonous values of the place in that they assent  together with the airs of modernity that the new times impose. Of this way projects like the Ordos Museum or the Sinosteel International Square illustrate of a clear way the intention of this new generation for substituting the architectural models exhausted.

But Ma Yansong does not work alone. It does it accompanied of half hundred of architects of distinct nationalities (only the half are originarios of China) grouped around the study that he same founded in Peking in 2004: MAD Architects, that has configured  in the last years like one of the most recognised studies internationally.

Like this then , thanks to the wide selection of infografías, maquetas, planes and photographies that will expose in our rooms, will be partícipes of this natural universe that Ma Yansong has created.

Ma Yansong | Between the modernity (global) and the tradition (local).
Of 31 October 2012 to 3 March 2013.
In collaboration with House Asia.
ICO Fundation
Paseo del Prado, 4 Madrid [Spain]

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OrdosOrdosOrdos

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<!--:es-->Ordos<!--:--><!--:gl-->Ordos<!--:--><!--:en-->Ordos<!--:-->

Construida para 1 millón de personas y actualmente habitado por solamente unos miles. Llamada la Dubai en el norte de China del norte, dotada con riqueza, con infraestructura pública y una localización cercana a recursos naturales vitales en una región con problemas de suministro de agua.

Ordos es un pueblo fantasma localizado en Mongolia Interior. Viendo el potencial de esta ciudad en términos de espacio decidimos organizar un viaje en patín y ser los primeros para patinar un lugar tan surrealista.

Dirigido, filmado y editado por: Charles Lanceplaine
Filmación adicional: Patrik Wallner y Tommy Zhao
Música: You Me by Hamacide + Chacha
Mezcla: Gaetan Lourmiere
Logo: jmartdesign.com
Skaters: Jay Meador, Gustav Nymans, Tommy Zhao, Alexander Hwang, James Capps, Elliott Zelinskas y Brian Dolle

Construída para 1 millón de persoas e actualmente habitado por soamente uns miles. Chamada a Dubai no norte de Chinesa do norte, dotada con riqueza, con infraestructura pública e unha localización próxima a recursos naturais vitais nunha rexión con problemas de fornezo de auga.

Ordos é un pobo pantasma localizada en Mongolia Interior. Vendo o potencial desta cidade en términos de espazo decidimos organizar unha viaxe en patín e ser os primeiros para patinar un lugar tan surrealista.

Dirixida, filmada e editada por: Charles Lanceplaine

Filmación adicional: Patrik Wallner y Tommy Zhao

Música: You Me by Hamacide + Chacha

Mezcla: Gaetan Lourmiere

Logo: jmartdesign.com

Skaters: Jay Meador, Gustav Nymans, Tommy Zhao, Alexander Hwang, James Capps, Elliott Zelinskas y Brian Dolle

Built for 1 million people and currently inhabited by just a few thousand. It’s been called the Dubai of northern China, showered with wealth, packed with public infrastructure and located near to precious natural resources in a region plagued by water-supply troubles.

Ordos is a ghost town located in Inner Mongolia. Seeing the potential of this city in terms of spots we decided to organize a skate trip and be the first ones to skate such a surreal place.

Directed, filmed & edited by: Charles Lanceplaine

Additional filming: Patrik Wallner & Tommy Zhao

Music: You Me by Hamacide + Chacha

Sound mix: Gaetan Lourmiere

Logo: jmartdesign.com

Skaters: Jay Meador, Gustav Nymans, Tommy Zhao, Alexander Hwang, James Capps, Elliott Zelinskas & Brian Dolle

Centro de Salud de A Barrela | Manuel Vázquez MuíñoCentro de Saude de A Barrela | Manuel Vázquez MuíñoA Barrela Health Center | Manuel Vázquez Muíño

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<!--:es-->Centro de Salud de A Barrela | Manuel Vázquez Muíño<!--:--><!--:gl-->Centro de Saude de A Barrela | Manuel Vázquez Muíño<!--:--><!--:en-->A Barrela Health Center | Manuel Vázquez Muíño<!--:-->

Centro de Salud como lugar de encuentro social, cubriendo carencias existentes del lugar. Edificio como generador de espacio urbano: retranqueándose de la calle se crea una plaza de acceso; separándose de una de las medianeras el edificio deja paso a un jardín trasero. El vestíbulo como elemento transparente que une ambos espacios.

Un prisma  rotundo de zinc apoyado sobre muros de hormigón que salen, entran, desaparecen, se mueven,… generando distintos espacios y ambientes, transparencias y sombras. Entrada a cubierto, fundamental en Galicia.

Planta baja para recepción, locales técnicos  y zona de pediatría, que se vuelca a un patio para que jueguen los niños. Planta alta para zona de personal y consultas de medicina general. Las esperas volcadas hacia la plaza delantera y hacia las vistas del valle. La celosía de aluminio microperforado y los árboles de la plaza como tamiz hacia las vistas y como protección solar.

Materiales, texturas, transparencias, colores, proporciones, olores, juntas,… como elementos del proyecto. La imaginación como recurso necesario y deseado.

Proyectar sin pretensiones, más allá de intentar resolver adecuadamente un programa a través de conceptos sencillos y espacios agradables, que no es poco.

Obra: Centro de Salud de A Barrela
Autor: Manuel Vázquez Muíño
Colaboradores: Roberto Regatos Gómez
Promotor: Sergas. Xunta de Galicia
Constructora: Construcciones Gómez Crespo
Año proyecto: 2006
Año construcción: 2007-2010
Emplazamiento: c/ Cea. A Barrela. Concello de Carballedo, Lugo, Galicia, España
Superficie: 1035m2
Fotografías: Héctor Santos-Díez | BISimages
+ vazquezmuino.com

Center of Health as place of social meeting, covering existing local lacks. Building like generator of urban space: retranqueándose of the street a square of access is created; separating of one of the dividing ones the building it opens way to a back garden. The foyer like transparent element that joins both spaces.

A round prism of zinc supported on walls of concrete that go out, they enter, disappear, move, … generating different spaces and environments, transparencies and shades. Entry to cutlery, fundamental in Galicia.

Ground floor for receipt, technical places and zone of pediatrics, which overturns to a court in order that the children play. High plant for zone of personnel and consultations of general medicine. The waits overturned towards the front square and towards the sights of the valley. The lattice of microperforated aluminium and the trees of the square like sieve towards the sights and as solar protection.

Materials, textures, transparencies, colors, proportions, smells, meetings, … as elements of the project. The imagination like necessary and wished resource.

To project without pretensions, beyond trying to solve adequately a program across simple concepts and agreeable spaces, which it is not small.

Work: A Barrela Health Center

Author: Manuel Vázquez Muíño

Collaborators: Roberto Regatos Gómez

Promoter: Sergas. Xunta de Galicia

Construction: Construcciones Gómez Crespo

Year project: 2006

Year construction: 2007-2010

Location: c/ Cea. A Barrela. Concello de Carballedo, Lugo, Galicia, Spain

Surface: 1035m2

Photography: Héctor Santos-Díez | BISimages

+ vazquezmuino.com

Centro de Saúde como lugar de encontro social, cubrindo carencias existentes do lugar. Edificio como xerador de espazo urbano: retranqueándose da rúa créase unha praza de acceso; separándose dunha das medianeras o edificio deixa paso a un xardín traseiro. O vestíbulo como elemento transparente que une ambos espazos.

Centro de Saúde como lugar de encontro social, cubrindo carencias existentes do lugar. Edificio como xerador de espazo urbano: retranqueándose da rúa créase unha praza de acceso; separándose dunha das medianeras o edificio deixa paso a un xardín traseiro. O vestíbulo como elemento transparente que une ambos espazos.

Un prisma rotundo de zinc apoiado sobre muros de hormigón que saen, entran, desaparecen, móvense,… xerando distintos espazos e ambientes, transparencias e sombras. Entrada a cuberto, fundamental en Galicia.

Planta baixa para recepción, locais técnicos e zona de pediatría, que se envorca a un patio para que xoguen os nenos. Planta alta para zona de persoal e consultas de medicina xeral. As esperas envorcadas cara á praza dianteira e cara ás vistas do val. A celosía de aluminio microperforado e as árbores da praza como tamiz cara ás vistas e como protección solar.

Materiais, texturas, transparencias, cores, proporcións, cheiros, xuntas,… como elementos do proxecto. A imaxinación como recurso necesario e desexado.

Proxectar sen pretensións, máis aló de intentar resolver adecuadamente un programa a través de conceptos sinxelos e espazos agradables, que non é pouco.

Obra: Centro de Saude de A Barrela

Autor: Manuel Vázquez Muíño

Colaboradores: Roberto Regatos Gómez

Promotor: Sergas. Xunta de Galicia

Constructora: Construcciones Gómez Crespo

Ano proxecto: 2006

Ano construcción: 2007-2010

Emplazamento: c/ Cea. A Barrela. Concello de Carballedo, Lugo, Galicia, España

Superficie: 1035m2

Fotografías: Héctor Santos-Díez | BISimages

+ vazquezmuino.com

Trilito | Antonio S. Río Vázquez

Antonio S. Río Vázquez
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Trilito | Antonio S. Río Vázquez

Imagen: Alcudia (Maqueta). Fotografía de Alberto Seijido

En el año 1949, Alejandro de la Sota proyectó un conjunto residencial en Galicia: una serie de alojamientos temporales que se apartaban de la idea tradicional de hotel, ubicando las viviendas para distintos tipos de familias dispersas sobre el territorio, mientras los servicios comunes se concentrarían en otro edificio aislado.

Entre los tipos residenciales propuestos figura uno con una organización muy sencilla: En torno a un espacio central —destinado a salón de estar y comedor— se sitúan simétricamente los dormitorios a un lado y la cocina y la zona destinada al servicio al opuesto. El núcleo se prolonga hacia el exterior subrayado por un pavimento pétreo y mediante una fina cubierta plana apoyada en los dos volúmenes pétreos laterales.

«El amor al Hueco y al Macizo influyó en la composición de los alzados de este hotel. Un muro con buena calidad es siempre un tema arquitectónico; gusta uno mucho de poder emplearlo»1, escribe Sota al lado de los dibujos cuando se publican en las páginas de la Revista Nacional de Arquitectura. La laja horizontal, apoyada sobre las dos piezas macizas recrea el ejemplo perfecto de trilito, una estructura que se puede observar en los numerosos dólmenes megalíticos repartidos por la geografía gallega.

Aunque el proyecto no llega a materializarse, permaneció latente en la mente de Sota: más de treinta años después le encargan otro conjunto residencial, esta vez en Mallorca, sobre el Mediterráneo. Allí aparece la tapia, la piscina, el mirador con emparrado… y una casa reconocible: nuevamente, a un lado dormitorios, al otro, cocina y dormitorio, en el medio, sólo el vacío.

Un espacio central destinado a estar, comedor, solárium… que vuelve a proyectarse hacia el exterior en una doble terraza, y se corona por un tercer elemento, enfatizando su condición de umbráculo, de pórtico, de trilito: «viviremos en toda la pequeña parcela que así hemos convertido en la más grande casa»2. La vida se desarrolla por encima y por debajo de la estructura funcional abierta. «Si el hombre se encierra en su propia casa consigue todo, pero pierde naturaleza. Busca entonces la manera de aprehenderla, si no toda, en parte»3.

Tampoco llega a construirse. El trilito habitable propuesto por Sota permanece como otra de sus múltiples indagaciones arquitectónicas. Un homenaje póstumo llega años después de la mano de Luis Moreno Mansilla y Emilio Tuñón Álvarez, cambiando el mar de fondo: de nuevo el Atlántico, sobre la costa gaditana4. Allí se levantan dos casas gemelas que miran hacia el océano. Apoyadas sobre una plataforma, las viviendas emplean un mismo esquema: «Dos grupos de estancias se articulan en torno a un amplio salón casi exterior que vincula el patio de acceso y la terraza»5, convirtiéndose en un buen corolario a la búsqueda iniciada por Sota.

Aunque no haya visto materializado el ansiado trilito, podemos rastrear su presencia en otros de sus proyectos, en las herencias y homenajes. Quizá pudo pensar lo mismo que su compañero de generación, el arquitecto danés Jørn Utzon, cuando aquel, pocos meses antes de morir, comentó que no había hecho nada más que lo que los antiguos griegos ya hicieran: «poner una viga sobre dos columnas»6.

antonio s. río vázquez . arquitecto
a coruña. diciembre de 2012

notas

1 SOTA, A. de la, «Hotel para una familia en Galicia», Revista Nacional de Arquitectura 101 (Mayo de 1950), 214
2 SOTA, A. de la, Alejandro de la Sota Arquitecto, (Madrid: Pronaos, 1997), 200
3 Ibíd.
4 Casas construidas para Luis, un amigo suyo y sus respectivas familias.
5 MORENO, L. y TUÑÓN, E., «Casas gemelas en Tarifa», El Croquis 161 (2012), 298
6 PRIP-BUUS, M., Jørn Utzon Logbook Vol. V: Additive Architecture, (Copenhague: Blondal, 2009), 310

Lo efímero, en la arquitectura y en la vida | Cristina García-Rosales

Cristina García-Rosales
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Lo efímero, en la arquitectura y en la vida | Cristina García-Rosales

Hablar de lo efímero es hablar de nuestra realidad actual. Si nos atenemos a su definición en el Diccionario de la Lengua Española, constatamos que efímero es:

1. Pasajero, de corta duración.
2. Que tiene la duración de un solo día.

Blogs

Por lo que fácilmente deducimos que las noticias que seguimos por Internet y en cualquier otro medio, son efímeras. Y que los mensajes que lanzamos en las redes sociales, también lo son. Los leemos, los intentamos asimilar muy rápidamente  (¿por qué todo ha de ser tan rápido?) y pasamos al siguiente. Sólo nos queda grabado aquello que nos impacta, lo que nos sorprende o emociona, lo que compartimos… Escribir (y leer) en un blog también se puede considerar efímero, a excepción de alguno posts que pueden ser leídos muchas veces, por el interés que pueden despertar.

En todo caso, y hablando de la arquitectura ¿se puede considerar efímera? Si la arquitectura es el “arte de proyectar y construir edificios”. Y un edificio es una  “construcción fija, hecha con materiales resistentes, para habitación humana o para otros usos”, pareciera que lo fijo y lo resistente debería de ser duradero, permanecer en el tiempo, envejecer bien y con dignidad, para albergar al ser humano que lo habita. Es decir, lo contrario a lo efímero. Así lo aprendimos en las Escuelas de Arquitectura. Así nos lo han enseñado nuestros maestros…

Arquitectura efímera, de  Jakob + MacFarlane | Fotografía: Fotografías realizadas por Nicolas Borel, las de día; 11h45, las de noche; y Jakob + MacFarlane, las de los detalles del pabellón | Fuente: diariodesign.com 

Pero por otra parte, actualmente, se está hablando mucho de “arquitectura efímera”. Y aunque ambos términos son contrapuestos, a mi entender, hay que estudiar con detenimiento la cuestión antes de lanzar arriesgadas conclusiones. La Wilkipedia lo deja bien claro: la arquitectura efímera es la diseñada habitualmente para celebraciones y fiestas de todo tipo, como escenografía o decorado para un acto concreto, que se desmonta después de efectuado éste. Es decir, es aquella que se utiliza para exposiciones, ferias, campamentos de emergencia y en todas aquellas situaciones en las que el desmontaje y la temporalidad son necesarios.

Es una pena invertir un dinero en algo efímero, por lo visto, desde una óptica económica. Pero en el momento actual, hay situaciones en que no queda otra que introducir este término como un adjetivo más al hecho arquitectónico. Lo efímero no permanece, pero puede agradar y divertir. Lo efímero no envejece, pero puede ayudar a concienciar  a la ciudadanía sobre la capacidad que tiene de poder participar en un proceso al que anteriormente no tenía cabida. Lo efímero también puede, por tanto, ser útil. Y bello.

Me refiero, por ejemplo, a los espacios públicos en la ciudad. Y concretamente, al centro de Madrid. Si en el distrito Centro no existen plazas y parques (y los que se contabilizan como zonas verdes, muchas veces son privados o plazas llamadas “duras”), el hecho de ocupar temporalmente o efímeramente un solar, para solaz y recreo de los habitantes de la zona, el espacio público que genera, ¿puede ser considerado como arquitectura? Claro que sí.

Plaza de la Cebada, Madrid | Zuloark

Y si en una manifestación colectiva, como fue el 15 M, si un arquitecto diseña un contenedor a base de palets de madera, con una imaginación a prueba de bomba  ¿puede  considerarse arquitectura? También, por supuesto. Sobre ello decía Perea:

“Las soluciones arquitectónicas no respondían a usos como ‘dormir’ o ‘comer’, sino a algo más primigenio: ‘reunirse’. El umbral de las relaciones humanas está en esa ceremonia, es el origen de la colectividad”.

Alberto Araico de Brito tiene 21 años, estudia segundo de Ciencias Ambientales y ha proyectado una de las construcciones más comentadas del momento: la bóveda de palés de la Puerta del Sol. Es el puesto de información del Movimiento 15-M | Fotografía: Bernardo Pérez | Fuente: Elpais.com

Y ¿qué decir de las situaciones de emergencia dónde se necesitan construcciones temporales para las personas que se quedan sin hogar hasta que se construyan otros más consistentes? Estos momentos duros, la arquitectura, no tiene necesariamente que ser hermosa, sino eficaz y proporcionar cobijo a aquellos que sufren de un momento crítico.

Campo y organización, Black Rock City for Burning Man 2005 |Autor: NASA | Fuente: wikipedia.org
Campo y organización, Black Rock City for Burning Man 2005 |Autor: NASA | Fuente: wikipedia.org

Pues bien, concluyo que lo efímero también está ligado a la buena arquitectura. Y que hay siempre que poner en tela de juicio las enseñanzas recibidas. Que lo útil es bello y que no siempre lo bello, es útil (ni falta que le hace).

Cristina García-Rosales. arquitecta
madrid. diciembre 2012

Tectónica 39 [Interiores: revestimientos]Tectónica 39 [Interiores: revestimentos]Tectónica 39 [Interiors: coatings]

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<!--:es-->Tectónica 39 [Interiores: revestimientos]<!--:--><!--:gl-->Tectónica 39 [Interiores: revestimentos]<!--:--><!--:en-->Tectónica 39 [Interiors: coatings]<!--:-->

El nuevo número monográfico de Tectónica está dedicado a la arquitectura interior, abordada desde un punto de vista constructivo. El contenido teórico de la monografía ha sido elaborado por el arquitecto Mariano Martín, profesor de Proyectos de Interiorismo en la Escuela de Diseño de Interiores de la UPM y profesor invitado en el Máster de Interiorismo de la ETSAM. El artículo analiza los sistemas constructivos en la arquitectura interior a través del estudio sus juntas, cuya disposición viene determinada tanto por las características de los materiales de revestimiento como por su puesta en obra.

La monografía se completa con el análisis constructivo de dos obras de rehabilitación que combinan materiales y acabados originales con revestimientos contemporáneos, pero que proponen un tratamiento de la junta muy distinto. La Cineteca Matadero Madrid, proyectada por el estudio Churtichaga+Quadra-Salcedo, se envuelve en una piel de tubos trenzados que conforman una densa trama de juntas abiertas sobre la fábrica original. Por su parte, la Casa Collage en Gerona, de Bosch Capdeferro, adhiere al paramento existente un nuevo estrato realizado con materiales tradicionales sin junta, como el mortero de cal, o con junta cerrada, como la baldosa hidráulica.

Fuera de la sección monográfica de interiores, se publica el análisis constructivo del Museo de las Peregrinaciones en Santiago de Compostela, obra del arquitecto Manuel Gallego. El edificio, anteriormente sede del Banco de España, resuelve una cuidada intervención en un espacio monumental protegido, insertando una estructura ligera tras la fachada del edificio existente, que dota al museo de nuevas salas expositivas. Los diáfanos espacios proyectados son iluminados cenitalmente desde la cubierta, en la que se practican estratégicas aberturas en busca de las mejores vistas de la catedral.

El Dossier de Productos de este número recoge los productos más innovadores desarrollados por la industria de la construcción. Al tratarse de la primera monografía de Tectónica dedicada a los revestimientos interiores, la presente edición del Dossier está formada íntegramente por sistemas y productos destinados a estas aplicaciones, prestando especial atención a los distintos materiales de acabado y a sus despieces.

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O novo número monográfico de Tectónica está dedicado á arquitectura interior, abordada desde un punto de vista constructivo. O contido teórico da monografía foi elaborado polo arquitecto Mariano Martín, profesor de Proxectos de Interiorismo na Escola de Deseño de Interiores da UPM e profesor invitado no Máster de Interiorismo da ETSAM. O artigo analiza os sistemas constructivos na arquitectura interior a través do estudo as súas xuntas, cuxa disposición vén determinada tanto polas características dos materiais de revestimiento como pola súa posta en obra.

A monografía complétase coa análise constructivo de dúas obras de rehabilitación que combinan materiais e acabados orixinais con revestimientos contemporáneos, pero que propoñen un tratamento da xunta moi distinto. A Cineteca Matadero Madrid, proxectada polo estudo Churtichaga+Quadra-Salcedo, envólvese nunha pel de tubos trenzados que conforman unha densa trama de xuntas abertas sobre a fábrica orixinal. Pola súa banda, a Casa Collage en Gerona, de Bosch Capdeferro, adhire ao paramento existente un novo estrato realizado con materiais tradicionais sen xunta, como o mortero de cal, ou con xunta pechada, como a baldosa hidráulica.

Fóra da sección monográfica de interiores, publícase a análise constructivo do Museo das Peregrinaciones en Santiago de Compostela, obra do arquitecto Manuel Galego. O edificio, anteriormente sé do Banco de España, resolve unha coidada intervención nun espazo monumental protexido, inserindo unha estrutura lixeira trala fachada do edificio existente, que dota ao museo de novas salas expositivas. Os diáfanos espazos proxectados son iluminados cenitalmente desde a cuberta, na que se practican estratéxicas aberturas en busca das mellores vistas da catedral.

O Dossier de Produtos deste número recolle os produtos máis innovadores desenvolvidos pola industria da construción. Ao tratarse da primeira monografía de Tectónica dedicada aos revestimientos interiores, a presente edición do Dossier está formada íntegramente por sistemas e produtos destinados a estas aplicacións, prestando especial atención aos distintos materiais de acabado e aos seus despieces.

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The new monographic number of Tectonica is dedicated to the interior architecture approached from a constructive point of view. The theoretical content of the monograph has been elaborated by the architect Mariano Martin, Interiorismo’s project teacher in the School of Design of Interiors of the UPM and teacher invited in the Máster de Interiorismo of the ETSAM. The article analyzes the constructive systems in the interior architecture across the study his meetings, which disposition comes determined both by the characteristics of the materials of coating and by his putting in work.

The monograph completes with the constructive analysis of two works of rehabilitation that they combine material and finished original with contemporary coatings, but that propose a very different treatment from the meeting. The Cineteca Matadero Madrid, projected by the study Churtichaga+Quadra-Salcedo, is wrapped in a skin of plaited pipes that shape a dense plot of meetings opened on the original factory. For your part, the House Collage in Gerona, of Bosch Capdeferro, adheres to the existing hanging a new stratum realized with traditional materials without meeting, as the mortar of lime, or with closed meeting, as the hydraulic tile.

Out of the monographic section of interiors, is published the constructive analysis of the Peregrinations Museum in Santiago de Compostela, work of the architect Manuel Gallego. The building, previously headquarters of the Bank of Spain, solves an elegant intervention in a monumental protected space, inserting a light structure after the front of the existing building, which provides to the museum of new explanatory rooms. The diaphanous projected spaces are illuminated cenitalmente from the cover, in which strategic openings practise themselves in search of better conference of the cathedral.

The Dossier of Products of this number gathers the most innovative products developed by the industry of the construction. On having treated itself about the first monograph of Tectonic dedicated to the interior coatings, the present edition of the Dossier is formed entirely by systems and products destined for these applications, paying particular attention to the different materials of ended and to his break-downs.

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El próximo 13 de diciembre a las 19:00 h, Ivorypress acogerá la presentación de Anonymization primera publicación del fotógrafo Robert Harding Pittman. En la mesa redonda de presentación del libro participarán Luis Felipe Alonso Teixidor, arquitecto, Premio Nacional de Urbanismo en 1985 y profesor en la Universidad Politécnica de Madrid, junto con Pedro Costa Morata, ingeniero, sociólogo, periodista y también profesor en la Universidad Politécnica de Madrid.

El trabajo fotográfico de Harding Pittman, recogido en este libro, formula una feroz crítica del modelo de expansión urbanística descontrolada. El fenómeno del urban sprawl, en ciudades como Los Ángeles, se caracteriza por enormes autopistas, aparcamientos inmensos, centros comerciales y urbanizaciones a gran escala y genera, como consecuencia, una profunda anomia urbana en sus habitantes. Según el autor, este tipo de proyectos urbanísticos anónimos, sin personalidad, se están extendiendo por la topografía mundial sin tener en cuenta el contexto local ni la sostenibilidad.

Anonymization está publicado por la editorial Kehrer y ha sido nominado para el German Photobook Award. Los textos incluidos en el libro están escritos por la comisaria Alison Nordström, el ecologista Bill McKibben, la arquitecta Galina Tachieva y la socióloga Anette Baldauf

Las imágenes de Harding Pittman, “muchas de ellas inquietántemente áridas, contrastan con el ansia que tenemos de lugares reales, texturas reales, hogares reales, comunidades reales”, según las describe Bill McKibben. “En muchos casos las imágenes son el rostro de la burbuja inmobiliaria, pero también de una burbuja mucho más profunda, por la manera en la que hemos estado reflexionando sobre el mundo”, señala el ecologista estadounidense.

Robert Harding Pittman creció entre Boston y Hamburgo. Realizó un máster en Ingeniería Medioambiental en la University of California de Berkeley, un área de interés que continúa presente en su trabajo. Asimismo, realizó un máster de Bellas Artes en fotografía, cine y vídeo en el California Institute of the Arts (CalArts). Su trabajo se centra en la interacción y las nuevas relaciones del ser humano con su entorno: la cultura, el medio ambiente y el paisaje. Anonymization es el resultado de 10 años de trabajo sobre este tema. Sus fotografías y documentales han sido profusamente premiados y se han proyectado en festivales de cine y exposiciones internacionales, además de formar parte de colecciones públicas y privadas.

Presentación: 13 de diciembre de 2012 a las 19:00 h
Lugar: Ivorypress Space c/ Comandante Zorita, 48 (Madrid)

El acto contará con la presencia de:
– Robert Harding Pittman, fotógrafo y artista audiovisual.
– Luis Felipe Alonso Teixidor, arquitecto y profesor de la UPM.
– Pedro Costa Morata, ingeniero, sociólogo, periodista y profesor de la UPM.

O proĺximo 13 de decembro ás 19:00 h, Ivorypress acogerá a presentación de Anonymization primeira publicación do fotógrafo Robert Harding Pittman. Na mesa redonda de presentación do libro participasén Luís Felipe Alonso Teixidor, arquitecto, Premio Nacional de Urbanismo en 1985 e profesor na Universidade Politécnica de Madrid, xunto con Pedro Costa Morata, enxeñeiro, sociólogo, xornalista e también profesor na Universidade Politécnica de Madrid.

O traballo fotográfico de Harding Pittman, recollido neste libro, formula unha feroz crítica do modelo de expansión urbanística descontrolada. O fenómeno do urban sprawl, en cidades como Os Ángeles, caracterízase por enormes autopistas, aparcamientos inmensos, centros comerciais e urbanizacións a gran escala e xera, como consecuencia, unha profunda anomia urbana nos seus habitantes. Según o autor, este tipo de proxectos urbanísticos anónimos, sen personalidade, se están estendendo pola topografía mundial sen ter en conta o contexto local nin a sostenibilidad.

Anonymization está publicado pola editorial Kehrer e foi nomeado para o German Photobook Award. Os textos incluídos no libro están escritos pola comisaria Alison Nordström, o ecologista Bill McKibben, a arquitecta Galina Tachieva e a socióloga Anette Baldauf

As imáxenes de Harding Pittman, “moitas delas inquedántemente áridas, contrastan co ansia que temos de lugares reais, texturas reais, fogares reais, comunidades reais”, según descríbeas Bill McKibben. “En moitos casos as imáxenes son o rostro da burbulla inmobiliaria, pero también dunha burbulla moito más profunda, polo xeito na que estivemos reflexionando sobre o mundo”, señá o ecologista estadounidense.

Robert Harding Pittman creció entre Boston e Hamburgo. Realizó un máster en Ingeniería Medioambiental na University of California de Berkeley, un área de interés que continúa presente no seu traballo. Así mesmo, realizó un máster de Belas Artes en fotografía, cine e vińdeo no California Institute of the Arts (CalArts). O seu traballo céntrase na interacción e as novas relacións do ser humano coa súa contorna: a cultura, o medio ambiente e a paisaxe. Anonymization é o resultado de 10 añvos de traballo sobre este tema. Os seus fotografías e documentales foron profusamente premiados e proxectáronse en festivales de cine e exposicións internacionais, además de formar parte de coleccións públicas e privadas.

Presentación: 13 de decembro de 2012 ás 19:00 h
Lugar: Ivorypress Space c/ Comandante Zorita, 48 (Madrid)

O acto contasé coa presenza de:
– Robert Harding Pittman, fotógrafo e artista audiovisual.
– Luís Felipe Alonso Teixidor, arquitecto e profesor da UPM.
– Pedro Costa Morata, enxeñeiro, sociólogo, xornalista e profesor da UPM.

The próximo 13 December to the 19:00 h, Ivorypress acogerá the presentación of Anonymization first publicación of the photógrafo Robert Harding Pittman. In the round table of presentación of the book participated́n Luis Felipe Alonso Teixidor, architect, National Prize of Urbanismo in 1985 and professor in the University Politécnica of Madrid, together with Pedro Coast Morata, engineer, partneŕlogo, journalist and también professor in the University Politécnica of Madrid.

The work fotográfico of Harding Pittman, collected in this book, formulates a fierce crítica of the model of expansión urbanística descontrolada. The fenómeno of the urban sprawl, in cities like The Tóngeles, characterises  by enormous motorways, immense parkings, shopping centres and urbanisations on a large scale and generates, like consequence, a deep anomia urban in his inhabitants. Según The author, this type of projects urbanísticos anuśnimos, without personality,  thiśn extending by the topografíto world-wide without taking into account the local context neither the sustainability.

Anonymization Thiś published by the publisher Kehrer and has been nominated for German Photobook Award. The included texts in the book thiśn written by the commissioner Alison Nordström, the environmentalist Bill McKibben, the architect Galina Tachieva and the partneŕloga Anette Baldauf

The imágenes of Harding Pittman, “many of them restlesśntemente tóridas, contrast with the anxiety that have of real places, real textures, real homes, real communities”, según describes them Bill McKibben. “In a lot of cases the imágenes are the face of the bubble real estate, but también of a bubble a lot más deep, by the way in which we have been reflexionando on the world”, señwing the American environmentalist.

Robert Harding Pittman creció between Boston and Hamburg. I realisé a máster in Ingenieríto Environmental in the University of California of Berkeley, a tórea of interés that continúto present in his work. Likewise, I realisé a máster of Fine arts in fotografíto, cinema and saẃdeo in the California Institute of the Arts (CalArts). His work centres  in the interacción and the new relations of the human being with his surroundings: the culture, the environment and the landscape. Anonymization Is the result of 10 añyou of work on this subject. His fotografíace and documentaries have been profusamente rewarded and have projected  in film festivals and international exhibitions, además to form part of collections públicas and private.

Presentation: 13 December 2012 to the 19:00 h
Place: Ivorypress Space c/ Commander Zorita, 48 (Madrid)

The act explained́ with the presence of:
– Robert Harding Pittman, photógrafo and audiovisual artist.
– Luis Felipe Alonso Teixidor, architect and professor of the UPM.
– Pedro Coast Morata, engineer, partneŕlogo, journalist and professor of the UPM.

EQUIciuDAD. La equidad como garante de la ciudad sostenibleEQUIciuDAD. A equidade como garante da cidade sostibleEQUIciuDAD. The equity like guarantor of the sustainable city

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<!--:es-->EQUIciuDAD. La equidad como garante de la ciudad sostenible<!--:--><!--:gl-->EQUIciuDAD. A equidade como garante da cidade sostible<!--:--><!--:en-->EQUIciuDAD. The equity like guarantor of the sustainable city<!--:-->

Este libro no solo es un objeto físico, una edición física que plasma un esfuerzo de investigación colectiva entorno a la Equidad como eje central de una arquitectura y urbanismo más sostenible. Cuenta además con aportaciones de destacados investigadores como Manu Fernández, Domenico di Siena, M-Etxea, VIC, Carlos Cámara, Eva Morales, Fermina Garrida, Iñaki Alonso, Manuel Borobio, etc..

EQUIciuDAD. La equidad como garante de la ciudad sostenible

En torno a 5 grandes ejes temáticos: 1. Ciudad y nuevas tecnologías; 2. Sostenibilidad; 3. Territorio y Paisaje; 4. Identidad y rehabilitación urbana; 5. Materiales y energía; se van desgranando cada una de las investigaciones hasta conformar una visión actual del panaroma de la investigación arquitectónica en España.

Pero este libro también es un herramienta que te permite mantenerte conectado con todo lo que sucede en el Congreso a través de la capa digital que incorpora. Una capa que mediante la Realidad Aumentada te permitirá ampliar conocimientos de la edición anterior, ver los videos del congreso o seguir en streaming las conversaciones que se producen en distintas redes sociales durante los días del congreso. Es por tanto una investigación dual dentro del novedoso mundo del libro dígital y el libro físico como un nuevo soporte para el conocimiento.

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Este libro non só é un obxecto físico, unha edición física que plasma un esforzo de investigación colectiva contorna á Equidad como eixe central dunha arquitectura e urbanismo máis sostenible. Conta ademais con achegas de destacados investigadores como Manu Fernández, Domenico dei Siena, M-Etxea, VIC, Carlos Cámara, Eva Morais, Fermina Garrida, Iñaki Alonso, Manuel Borobio, etc..

EQUIciuDAD. A equidade como garante da cidade sostible

En torno a 5 grandes eixes temáticos: 1. Cidade e novas tecnoloxías; 2. Sostenibilidad; 3. Territorio e Paisaxe; 4. Identidade e rehabilitación urbana; 5. Materiais e enerxía; vanse desgranando cada unha das investigacións ata conformar unha visión actual do panaroma da investigación arquitectónica en España.

Pero este libro tamén é un ferramenta que che permite manterche conectado con todo o que sucede no Congreso a través da capa digital que incorpora. Unha capa que mediante a Realidade Aumentada permitirache ampliar coñecementos da edición anterior, ver os videos do congreso ou seguir en streaming as conversacións que se producen en distintas redes sociais durante os días do congreso. É xa que logo unha investigación dual dentro do novedoso mundo do libro dígital e o libro físico como un novo soporte para o coñecemento.

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This book not only is a physical object, a physical edition that forms an effort of collective investigation I half-close to the Equity as backbone of an architecture and more sustainable urbanism. It possesses in addition contributions of out-standing investigators as Manu Fernandez, Domenico di Siena, M-Etxea, VIC, Carlos Cámara, Eva Morales, Fermina Garrida, Iñaki Alonso, Manuel Borobio, etc..

EQUIciuDAD. The equity like guarantor of the sustainable city

Concerning 5 big thematic axes: 1. City and new technologies; 2. Sustainability; 3. Territory and Landscape; 4. Identity and urban rehabilitation; 5. Materials and energy; each of the investigations are falling up to shaping a current vision of the panaroma of the architectural investigation in Spain.

But this book also is a herramienta that allows you to keep you connected with everything what happens in the Congress across the digital cap that it incorporates. A cap that by means of the Increased Reality will allow you to extend knowledge of the previous edition, to see the videoes of the congress or to follow in streaming the conversations that take place in different social networks during the days of the congress. It is therefore a dual investigation inside the new world of the book dígital and the physical book as a new support for the knowledge.

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Enseñanzas del pasado | Íñigo García Odiaga

Íñigo García Odiaga
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Enseñanzas del pasado | Íñigo García Odiaga

Museo de Arte Parrish en Long Island | Hezog & de Meuron

Situado en el lado norte de la carretera de Montauk, el último edificio de los arquitectos suizos Herzog y de Meuron, es una gran estructura horizontal ubicada discretamente en el paisaje. Para el visitante ocasional los dos nuevos edificios podrían pasar por sendos graneros o almacenes agrícolas que llevasen toda la vida perteneciendo a ese lugar.

En realidad estos nuevos edificios acogen la sede del Museo de Arte Parrish en Long Island.

La planta del edificio muestra dos alas paralelas unidas por un espacio de circulación central que recorre el lado largo del complejo. Esta disposición y la estudiada forma de situarlos en la parcela les permite aprovechar al máximo la luz natural de la orientación norte, la más interesante para iluminar salas de exposiciones ya que es constante y no produce deslumbramientos.

Herzog y de Meuron recuperan en este proyecto el arquetipo de la casa tradicional a dos aguas, para crear las dos estructuras que componen el edificio, una forma de operar que recuerda en cierta medida a la resolución de volúmenes apilados interpretada por estos mismos arquitectos para la galería muebles VitraHaus en Alemania.

Los arquitectos suizos defienden este diseño, precisamente a partir de esa tipología que ellos consideran aún hoy en día fundamental, ya que está abierta para ser reinterpretada en muchas funciones diferentes, lugares y culturas. Prácticamente cualquier niño dibuja ese icono de la casa tradicional cuando hace referencia al hogar, lo que Herzog y de Meuron valoran explicando que de forma simple, casi banal, se ha convertido esa imagen en algo muy concreto, preciso y fresco, pero también en algo reconocible como parte del lugar y del paisaje. De alguna manera podría pensarse que ese pictograma, esa representación arcaica de la casa tiene una relación innata y por lo tanto directa con el lugar y la naturaleza.

Las galerías y otras dependencias están dispuestas en dos filas paralelas bajo la protección de las dos grandes  cubiertas, cuya poca pendiente amplía esa sensación de horizontalidad perseguida por los arquitectos y que redunda en la imagen perseguida de paraguas protector.

Museo de Arte Parrish en Long Island | Hezog & de Meuron

Los poderosos aleros que rematan las cubiertas crean terrazas protegidas de la lluvia y del sol en todo el perímetro del edificio, incluyendo un amplio espacio de cafetería que además pretende ser usado para realizar eventos, talleres o actuaciones en el exterior.

Una de las características más especiales del nuevo diseño es precisamente este porche que genera una sombra que rodea todo el edificio y que se expande al llegar a ese amplio espacio exterior, ya que mediante este leve recurso de la arquitectura tradicional el edificio parece perder masa, aligerando su presencia en el horizonte.Interiormente la planta podría explicarse como un extrusión o  una traducción directa de la distribución funcional ideal. Un grupo de diez salas expositivas define el corazón del museo. El tamaño y la proporción de estas galerías puede ser fácilmente adaptado provocando múltiples combinaciones ya que las paredes de partición entre ellas son móviles, permitiendo reorganizar el núcleo del museo en función de las necesidades espaciales de las diferentes muestras.

Al este de la galería central se encuentra «la parte de atrás de la casa» donde se agrupan las funciones de administración, almacenes, y talleres, así como las zonas de carga y descarga. Al oeste en el área más próxima al acceso de público se encuentran las áreas dedicadas a los visitantes como el vestíbulo, la tienda, la cafetería o un espacio flexible y multifuncional.

Museo de Arte Parrish en Long Island | Hezog & de Meuron

La sencillez del sistema de construcción del edificio apoya también la idea de modelo tradicional adaptado a la contemporaneidad que el proyecto persigue. Una secuencia ordenada de correas y vigas definen el eje unificador del edificio. Su materialización es una expresión directa de los materiales de construcción lo que redunda en una imagen que habla de fácil montaje y métodos locales de construcción.

Las paredes exteriores se han realizado en hormigón armado y son además de la estructura portante principal del edificio, los elementos que definen la forma general del mismo. La gran escala de estas paredes elementales ha sido hábilmente controlado con la introducción de un banco corrido que recorre toda la base del muro como una base para sentarse y ver el paisaje circundante, bajo los aleros que antes hemos descrito.

Otro punto magistralmente resuelto es el de la posición del edificio en la parcela. Al igual que los templos griegos de la acrópolis de Atenas, el edificio se presenta en diagonal sobre el solar, lo que genera desde la llegada una imagen que cambia dramáticamente con el movimiento del sol, mientras presenta una imagen de postal del edificio, en la que por efecto de la perspectiva destacan sus extremas proporciones, recalcando de nuevo la simpleza del concepto que el edificio guarda.

El diseño paisajístico realizado por Reed Hilderbrand Asociados, evoca la herencia del East End. Y refuerza las características del lugar con un prado lleno de hierbas, gramíneas y flores silvestres autóctonas que suben por la leve ladera hacia un roble y los setos de hoja perenne que dibujan la frontera norte de la parcela.

Concebido como una obra única e integrada, la arquitectura y el paisaje ofrecen al público una experiencia unificada y coherente durante todo el año, que además parece llevar en el lugar toda una eternidad. Como si el edificio fuese un híbrido del pasado y del presente, sin duda se trata de un edificio que refleja las enseñanzas del pasado.

Museo de Arte Parrish en Long Island | Hezog & de Meuron

íñigo garcía odiaga. arquitecto
san sebastián. diciembre 2012

Texto para ZAZPIKA 12.12.30

[:es]Oscar Niemeyer · El Arquitecto del Siglo[:gl]Oscar Niemeyer · O Arquitecto do Século[:en]Oscar Niemeyer · The Architect of the Century[:]

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[:es]Oscar Niemeyer · El Arquitecto del Siglo[:gl]Oscar Niemeyer · O Arquitecto do Século[:en]Oscar Niemeyer · The Architect of the Century[:]

[:es]

El documental habla sobre la historia de Oscar Niemeyer, uno de los nombres principales en la arquitectura mundial, cuyo trazo principal es la liña curva.

Las recomendaciones de ingenieros, historiadores y personalidades brasileñas como Ferreira Gullar, Gilberto Gil e Chico Buarque. Mientras dibuja, nos recuerda su niñez en Río de Janeiro y su carreira profesional.

Producida por: TAL
Director: Marcelo Gomes[:gl]

O documental fala sobre a historia de Oscar Niemeyer, un dos nomes principais na arquitectura mundial, cuxo trazo principal é a liña curva. As recomendaciones de enxeñeiros, historiadores e personalidades brasileiras como Ferreira Gullar, Gilberto Gil e Chico Buarque. Mentres debuxa, recórdanos o seu niñez en Río de Janeiro e a súa carreira profesional.

http://youtu.be/cb98pnHhnt0

Producida por: TAL
Director: Marcelo Gomes

[:en]

The documentary tells the story of Oscar Niemeyer, one of the main names in world architecture, whose principal feature is the curved line. Testimonials of engineers, historians and Brazilian personalities like Ferreira Gullar, Gilberto Gil and Chico Buarque. While drawing, he remembers his childhood in Rio de Janeiro and his professional career.

http://youtu.be/cb98pnHhnt0

Produced by: TAL
Directed by: Marcelo Gomes

[:]

Fetsac 13 [convocatoria]Fetsac 13 [convocatoria]Fetsac 13 [summons]

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<!--:es-->Fetsac 13 [convocatoria]<!--:--><!--:gl-->Fetsac 13 [convocatoria]<!--:--><!--:en-->Fetsac 13 [summons]<!--:-->

La organizacón de Fetsac 13 arranca un año más, en su quinta edición, con la siempre presente intención de consolidarse como referente de las actividades culturales celebradas cada año en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de A Coruña (ETSAC). Por primera vez, queremos abrir un período de participación en la que tanto conferenciantes como tutores de talleres o actividades puedan presentarnos sus propuestas y formar parte del cartel Festac 13 La convocatoria va destinada a estudiantes o profesionales de cualquier disciplina que puedan aportar a los alumnos de la ETSAC una formación adicional a la que reciben cada día en la escuela. En resumen, y siguiendo con nuestros principios, la fetsac busca gente que ame lo que hace, y que además, quiera compartirlo con nosotros.

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A organizacón de Fetsac 13 arrinca un ano máis, na súa quinta edición, coa sempre presente intención de consolidarse como referente das actividades culturais celebradas cada ano na Escola Técnica Superior de Arquitectura da Coruña (ETSAC). Por primeira vez, queremos abrir un período de participación na que tanto conferenciantes como titores de talleres ou actividades poidan presentarnos as súas propostas e formar parte do cartel Festac 13 A convocatoria vai destinada a estudantes ou profesionais de calquera disciplina que poidan aportar aos alumnos da ETSAC unha formación adicional á que reciben cada día na escola. En resumo, e seguindo cos nosos principios, a fetsac busca xente que ame o que fai, e que ademais, queira compartilo connosco.

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Fetsac’s organizacón 13 starts one more year, in his fifth edition, with always present intention of being consolidated as modal of the cultural celebrated activities every year in the Technical Top School of Architecture of To Corunna (ETSAC). For the first time, we want to open a period of participation in that both lecturers and tutors of workshops or activities could present his offers and form a part of the cartel Festac 13 The summons it is destined to students or professionals of any discipline who could contribute to the pupils of the ETSAC an additional formation to which they receive every day in the school. In short, and continuing with our beginning, the fetsac there look people who loves what it does, and that in addition, it wants to share with us.

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Oscar Niemeyer. Un arquitecto comprometidoOscar Niemeyer. Un arquitecto comprometidoOscar Niemeyer. An architect engaged

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Oscar Niemeyer. Un arquitecto comprometido
El documental OSCAR NIEMEYER UN ARQUITECTO COMPROMETIDO habla del arquitecto más prolífico del siglo XX, uno de los creadores de Brasilia, nos explica su vida dedicada a la arquitectura en un siglo sacudido por las ideologías políticas y los movimientos artísticos. Es el testimonio de un artista que todavía cree en el ideal socialista; la historia de un hombre que ama a las mujeres; la aventura de una personalidad exigente que toda su vida ha batallado por su país, exiliado a Francia durante la dictadura militar brasileña.

Lucio Costa. Brasilia y La Utopía Moderna
El documental BRASILIA Y LA UTOPÍA MODERNA, premiado en el 31 Festival de Gramado de 2003, narra la historia del renombrado urbanista y arquitecto, así como su participación en la construcción de la arquitectura moderna de Brasil, mediante numerosas imágenes de archivo de los años treinta a los sesenta, incluyendo tomas en Super-8 de los viajes personales de Lucio Costa.

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Oscar Niemeyer. Un arquitecto comprometido

O documental OSCAR NIEMEYER UN ARQUITECTO COMPROMETIDO fala do arquitecto máis prolífico do século XX, un dos creadores de Brasilia, explícanos a súa vida dedicada á arquitectura nun século sacudido polas ideoloxías políticas e os movementos artísticos. É o testemuño dun artista que aínda cre no ideal socialista; a historia dun home que ama ás mulleres; a aventura dunha personalidade esixente que toda a súa vida ha batallado polo seu país, exiliado a Francia durante a ditadura militar brasileira.

Lucio Costa. Brasilia e A Utopía Moderna

O documental BRASILIA E A UTOPÍA MODERNA, premiado no 31 Festival de Gramado de 2003, narra a historia do renombrado urbanista e arquitecto, así como a súa participación na construción da arquitectura moderna de Brasil, mediante numerosas imaxes de arquivo dos anos trinta aos sesenta, incluíndo tomas en Super-8 das viaxes persoais de Lucio Costa.

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Oscar Niemeyer. An architect engaged

The documentary OSCAR NIEMEYER An ARCHITECT ENGAGED speech of the most prolific architect of the 20th century, one of the creators of Brasilia, explains us his life devoted to the architecture in a century shaken by the political ideologies and the artistic movements. It is the testimony of an artist that still believes in the socialist ideal; the history of a man that loves to the women; the adventure of a demanding personality that all his life has battled by his country, exiled to France during the Brazilian military dictatorship.

Lucio Costa. Brasilia and The Modern Utopia

The documentary BRASILIA And THE MODERN UTOPIA, rewarded in the 31 Festival of Gramado of 2003, narrates the history of the renowned urbanista and architect, as well as his participation in the construction of the modern architecture of Brazil, by means of numerous images of archive of the years thirty to the sixty, including takings in Super-8 of the personal trips of Lucio Costa.

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Un cuento de Navidad. Loos y el árbol de Navidad de Gabriela | Jorge Meijide

Jorge Meijide Tomás
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Un cuento de Navidad. Loos y el árbol de Navidad de Gabriela | Jorge Meijide

El árbol de Navidad de Gabriela, diciembre 2012
Un cuento de Navidad. Loos y el árbol de Navidad de Gabriela

Ya está aquí la Navidad. Ya han llegado los anuncios de perfumes, los de juguetes, las cenas, las reuniones familiares y demás desatinos y por supuesto, como no, los imprescindibles y omnipresentes árboles de Navidad. Esos delicados objetos arrancados de la naturaleza o copiados de ella, que pasan un par de semanas en nuestras salas de estar y que propician, al calor de su elección, elaboración y decoración, los primeros desacuerdos domésticos que éstas queridas fiestas se empeñan en propiciar. Esos queridos objetos que son el ejemplo vivo del exceso de complementos, como de cualquier buena arquitectura pastelera que se precie, o de la ausencia total de ellos, hasta dejarlos en pura espina, dignos de un ultraortodoxo minimalista.

El caso es que ha tocado ya hacer el árbol de éste año y en casa, como en cualquier  buena casa arquitectónica que se precie, habitada por una sana pareja de arquitectos (es un decir…), en la que se cuestiona, desde la elección del jabonero hasta la colocación de la mesa… el arbolito ha sido tema de un intenso taller de ideas, cuyas últimas e inapelables conclusiones han sido redactadas por la más pequeña de la casa y su madre, dejando todas mis, por supuesto, absurdas objeciones desestimadas. Mi perra Paca no me ayudó mucho…

El árbol, por si cabía alguna duda, ha sido diseñado y elaborado en el taller doméstico, o sea el salón, tabernáculo de la vida común doméstica; la opción de emplear alguno del jardín o bosque cercano, que después de su uso hubiera sido vuelto a poner en libertad, o sea, replantado, lo digo por si acaso alguien me pudiera mirar mal, queda totalmente descartada. ¡Claro que lo hacemos nosotros…! ¡Faltaría más! Si es que hay gente muy dispuesta.

El arduo trabajo de puesta en común, así como la prolija elaboración material del artilugio, que pasa por la elección del material adecuado, su manipulación y estabilidad, sus proporciones, medidas y consistencia necesarias, la cadena de montaje, las pruebas de resistencia, su colocación adecuada, su iluminación, etc. ha sido tenido en cuenta hasta en sus más mínimos detalles y llevado a cabo en su orden preciso; teniendo en cuenta que la mano de obra ha sido infantil y que han sido dos los directores de obra, la cosa ha ido bastante bien. Para prueba la foto.

Todo el proceso puede ser entendido como un mero ejercicio más de labor doméstica, de los que hay cientos a lo largo del año, hechos casi inconscientemente, mecánicamente; pero por algún insano motivo durante todo el tiempo, dándole al alicate, a las tijeras y al pegamento, no paraba de pensar en Loos (!) y en su noble defensa del arte del trabajo del hombre, de su esfuerzo y en la nobleza del material así extraído y manipulado. Puede parecer algo perverso, pero es que a veces la asociación de ideas nos conduce por caminos curiosos.

El caso es que, por pura deformación, me vino a la cabeza su artículo sobre el granito[1], ese que escribió en 1898, en el que ensalzaba el trabajo humano empleado para darle dignidad y valor; desde el esfuerzo por extraerlo de la montaña, hasta el preciso de su pulido y colocado, pasando por el transporte y, como no, del necesario para darle forma. Escribía Loos “Y, ante un muro de granito pulido, nuestro corazón experimentará un respetuoso estremecimiento. ¿Ante el material? No, ante el trabajo humano”.

La distancia entre el árbol de Navidad de Gabriela y el granito de Loos puede parecer grande, enorme, incluso desmesurada, pero el esfuerzo y el trabajo son equiparables en ambos casos, e igual de valorables, no es una cuestión de escala o de presupuesto, ni de importancia de lo hecho. No es tanto el resultado final, que deja mero agrado al ojo, como el esfuerzo realizado para llevarlo a cabo. Así lo valoro como padre, obviamente, pero también como arquitecto. Kahn también hablaba de ello cuando nos animaba a entender el trabajo de arquitectura como una ofrenda, de lo que creo haber hablado en alguna ocasión. Este árbol navideño casero me permite condensar y exponer ese trabajo, como lo condensa y expone el salero del que también hablaba Loos, la vivienda unifamiliar, el museo o el aeropuerto.

La arquitectura, como casi todo lo profundo, al igual que lo es el aire de Chillida, es cuestión de decantación, de la decantación que se lleva a cabo con el tiempo y el esfuerzo necesarios para ello. Esfuerzo y tiempo que no deben regalarse o minusvalorarse puesto que son nuestra ofrenda y llevan nuestro conocimiento y experiencia. Se equivocan quienes la tratan a la ligera o la relegan a una mera tarea funcional, no hay esfuerzo en ello, hay rutina, y con ella despreciamos los conocimientos adquiridos en el proceso de nuestra continua formación.

Pienso ahora en estas generaciones nuevas de arquitectos, recién salidos de las escuelas, o a punto de ello, abocados a una realidad incierta, con unos más que sobrados conocimientos, adquiridos tras años de esfuerzo y trabajo (que los hacen deseables por los estudios de arquitectura de medio mundo), y unos valores por redefinir, a los que les corresponde cuestionar lo heredado, no para derribarlo, pues si no estarían abocados a repetirlo, si no para continuar una tarea, el trabajo la arquitectura, en constante evolución.

El árbol de Gabriela se desmontará y de él solo quedarán las fotos y el recuerdo y la satisfacción de su invención y fabricación. El año que viene habrá otro, distinto de éste, porque también lo seremos nosotros y mejor, porque la experiencia es un grado…

Éste, como todo buen cuento, tiene mucho de metáfora y algo de moraleja y para quien lo quiera ver, hasta mensaje.

jorge meijide . arquitecto
a coruña. diciembre de 2012

Notas:

Los materiales de construcción. Adolf Loos, Escritos I 1897/1909, El Croquis editorial, 1993.

¿Zahas Hadides para qué? | José Ramón Hernández Correa

José Ramón Hernández Correa
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¿Zahas Hadides para qué? | José Ramón Hernández Correa

Asisto aburrido, cansado, hastiado, a otra nueva «genialidad» de Zaha Hadid, y me pregunto: «¿Por qué?» «¿Para qué?».

Zaha Hadid, como todos los arquitectos divinos, arquitectos-marca, arquitectos-estrella, ya no es una arquitecta. Ni siquiera es una persona. No es hombre ni mujer. Es un ente, una corporación. Su estudio se llama Zaha Hadid Architects. Son muchos arquitectos Zahas Hadides. O ninguno. Allí ya no hay arquitecto. No hay arquitectura.

Regeneración de Sitio Histórico en Belgrado | Cortesía de ZHA | Fuente: plataformaarquitectura.cl

Veo esta foto y me canso. No sé si son viviendas, oficinas, un hotel, un centro comercial… y me da lo mismo. Me da igual. Lo peor es que sospecho que a ella (o a ellos, o a ello) también le da igual. Ya le da igual todo.

Me aburro. Y me apeno. Hay trucos de photoshop que hacen esto con una foto, la espiralizan y la licúan, y parece que se está yendo por un desagüe. ¿Y? Creo que no es esta la función de la arquitectura. La arquitectura no es esta tontería, esta patochada zafia y sin ninguna gracia.

La forma es una de las armas más poderosas de la arquitectura, por supuesto, pero aqui veo un despliegue de armas que no tienen ninguna batalla que librar. Veo un desfile pomposo, no una batalla. Veo una procesión, no una victoria. En definitiva, son solo armas de fogueo.

Este tipo de obras pornográficas y groseras arramblan con todo. Todo está a su servicio. Ellas no están al servicio de nada ni de nadie. No sirven a nadie; no sirven para nada. ¿Que hay una antigua construcción en el entorno? Pues solo sirve si enmarca la obra de las Zahas Hadides. Si no es asi se tira. Importa un pito el lugar, la gente, las preexistencias, la historia del sitio… Todo. Solo importa la nueva obra vanidosa y autobombástica de las Zahas Hadides.

Regeneración de Sitio Histórico en Belgrado | Cortesía de ZHA | Fuente: plataformaarquitectura.cl

Hasta eso lo puedo entender: Hay obras tan maravillosas que crean una nueva realidad, y que son mejores que toda preexistencia, y que incluso hacen que la gente mejore. Muy bien. Hay obras señeras que marcan caminos y cambian incluso la historia. De acuerdo: Que todo se incline ante ellas. Gloria a ellas.

Pero es que esto es otra vez lo de siempre; más de lo mismo; pan con pan (por mucho que se empeñen en hacernos ver que es chocolate con chocolate).

Uno diría que el proceso es tan tonto como introducir variables más o menos aleatorias en un programa informático ad hoc que deforme el diseño original y que entregue un render distorsionado. (Ya puestos, daría igual que el ordenador sufriera un error fatal o un ataque de pánico y chafara y distorsionara todo el modelado. Nadie se daría cuenta, y se ejecutaría ese error informático).

El resultado es que ninguno de los Zaha Hadid Architects sabe cómo narices construir eso, y precisamente el único mérito de todo ello sería saberlo construir.

Por eso los ingenieros (benditos ingenieros) se sienten orgullosos de construir lo que parecía inconstruible. Tanto en el Pabellón Puente de Zaragoza como en el Centro Acuático de Londres, los ingenieros constructores -que han despotricado durante meses del endiosado y disparatado estudio de arquitectura- acaban orgullosos de haber podido construirlos, y terminan siendo los mayores apóstoles de ese estudio que no se dignó darles no ya unos planos de estructuras detallados, sino ni siquiera una apreciación de cuántos apoyos -y sobre qué- tenían aquellos monstruos.

Todos, sobre todo los ingenieros, acaban creyendo que ser un brillante arquitecto consiste en suministrar un diseño suficientemente retorcido. En cuanto a ellos, se limitan a digitalizar la geometría (lo que no es moco de pavo) y a confiar en que su programa informático -esta vez el de los ingenieros- triangule todo en tres dimensiones y mida cada barrita de cada triángulo. Con tetraedros irregulares se puede construir cualquier cosa.

Centro Acuático de Londres 2012, ZHA | Fotografía: Helene Binet | Fuente: plataformaarquitectura.cl

¿Qué mérito tiene eso? Muchos, pero ninguno arquitectónico. Unas máquinas poderosas que rompen en facetas triangulares cualquier superficie alabeada, y que calculan cremonas a lo bestia. Nada menos, vale, pero tampoco nada más.

Y miles y miles de barras metálicas, todas diferentes, provocando úlceras e insomnios a jefes de obra, encargados y capataces de grupo.

Al final aquello se construye, cueste lo que cueste, y los propios constructores están encantados, sin acabárselo de creer. Y las certificaciones tienen que ser de órdago. No me gustaría ser yo quien tuviera que revisarlas y aprobarlas. Para morirse. (Claro que también esto, esto sobre todo, les trae sin cuidado a las Zahas Hadides. Si se decuplica el gasto, que se decuplique. Y encima pasarán minuta de honorarios sobre ese décuplo).

Y todo esto, en definitiva, ¿para qué? Para el pasmo infantil de un público que ni sabe ni quiere apreciar la arquitectura, pero sí las megaconstruciones, las monstruosidades, el más difícil todavía, y el desafío de formas que se retuercen porque sí, por nada, porque yo lo valgo.

Y terminado un puente en Zaragoza se van a hacer un estadio a Londres, y luego una ópera a Zanzíbar y un rascacielos a Chiquitistán. Y siempre es lo mismo.
Me aburro, Zahas. Me aburro mucho.

José Ramón Hernández Correa · Doctor Arquitecto
Toledo · junio 2013

Nota.-

Que conste que no me quiero cebar de forma machista con una mujer. Este texto ha surgido a la vista de las imágenes que he colgado, que han resultado ser del estudio Zaha Hadid Architects, pero podrían haber sido de otros estudios. Hay muchas Zahas Hadides, y todas son parecidas: calatravas, fósteres, nouveles, gehrys, koolhaas, etc, etc. Todas ellas un día fueron personas reales y demostraron un talento excepcional. Todas ellas tienen obras notables, algunas magníficas. Pero la propia estructura del star system las obligó a diluirse en corporaciones abstractas, en entes intangibles, en fábricas de delicada y perfumada mierda que corrompe el mundo y nos denigra a todos.

Gordon Matta-Clark y la demolición del cubo blanco | Ángel Cerviño

Ángel Cerviño
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Gordon Matta-Clark y la demolición del cubo blanco | Ángel Cerviño
Dennis Oppenheim trabajando en su obra “Beebe Lake Ice Cut” (1969)
Dennis Oppenheim trabajando en su obra “Beebe Lake Ice Cut” (1969)

 

«¿Por qué colgar cosas sobre una pared cuando la propia pared constituye un medio tan estimulante? Es la rígida mentalidad que establece que los arquitectos instalan las paredes y los artistas las decoran, lo que más ofende mi sentido de ambas profesiones.»
(Gordon Matta-Clark)

Una buena parte de las obras minimalistas producidas desde finales de los años sesenta del pasado siglo podrían entenderse como una pormenorizada y obsesiva investigación del espacio expositivo, un diálogo (un forcejeo bien educado) con el “cubo blanco” del museo o la galería de arte. Apenas una década antes el pop-art había buscado sus referencias en las imágenes y los discursos de los medios de comunicación y en la reproductividad alucinada de los productos de consumo masivo; una práctica artística que abriría –de forma más evidente en el “concienciado” pop europeo- una vía de penetración para las cuestiones sociales y políticas del momento, implícitas en los mecanismos de comunicación y consumo: alienación, confusión interesada de información y propaganda, aceptación pasiva de patrones de clase o género, espectacularización de las situaciones de vida, “detournement” político de las imágenes publicitarias…

Gordon Matta-Clark trabajando en “Conical Interest” (1975)
Gordon Matta-Clark trabajando en “Conical Interest” (1975)

Con el advenimiento del minimalismo como poética dominante para la siguiente generación de artistas, la obra vive básicamente de su relación con el contenedor arquitectónico, su lógica compositiva resulta del ininterrumpido intercambio formal con el espacio construido del interior de la galería. En sus mejores momentos el arte minimalista se convierte en un análisis del sutil proceso mediante el cual

“los elementos arquitectónicos específicos y funcionales del interior de la galería prescriben el significado y determinan lecturas concretas para el arte definido dentro de su marco arquitectónico”.1

A partir del minimalismo la obra toma plena conciencia de la importancia del espacio físico en que está ubicada y comienza a producir su propio entorno. Desde los decimonónicos salones surrealistas, y las acumulaciones indiscriminadas de las vanguardias históricas, hasta la extrema asepsia expositiva contemporánea hay una distancia abismal que hemos salvado con un salto de apenas tres décadas. Precursor, también en esto como en tantas otras cosas, el constructivismo soviético prestó especial atención al espacio expositivo (“En 1926 comenzó mi obra más importante como artista: el diseño de exposiciones”2 El Lissitzsky), aunque posteriormente derivara, por razones obvias de propaganda política, en una dirección anti-moderna hacia planteamientos más vinculados con la decoración arquitectónica y el muralismo religioso. Duchamp, que parece llegar a los sitios siempre un poco antes que todos los demás, nos hizo tomar consciencia del techo de la sala de exposiciones instalando en él 1.200 sacos de carbón (Exposition Internationale du Surréalisme, 1938), …y del espacio interior de la galería, haciéndolo literalmente intransitable con 1.600 m. de cuerda tendidos desde todos los ángulos posibles hasta hacer casi imposible cualquier intento de aproximación a las obras expuestas (First Papers of Surealism, 1942).

Gordon Matta-Clark, “Garbage Wall for Fire Boy at the Brooklyn Bridge” (1971)
Ascensión y caída del cubo blanco

En el cubo blanco se cumple esa parte del proyecto artístico moderno que reclama para las obras de arte una existencia radicalmente separada, no contaminada por ninguna circunstancia ajena a ellas mismas, y las sitúa incluso fuera del tiempo y sus vicisitudes porque, de alguna manera, “pertenecen ya a la posteridad”3. Ventanas cerradas, luz cenital, suelo enmoquetado para amortiguar los sonidos de los pasos, solemnidad y recogimiento, comportamientos perfectamente codificados de los espectadores que determinan un espacio, físico y mental, bien próximo al ensimismamiento contemplativo propio de la unción religiosa. El triunfo del cubo blanco supone también el fin del marco como contenedor psicológico y la apertura de la obra al juego de perspectivas del espacio arquitectónico que la contiene.

“Entramos en una época en la que las obras de arte conciben la pared como una tierra de nadie en la que proyectar su concepto de ocupación territorial /…/ La pared se convirtió en una fuerza estética, empezó a modificar todo lo que se colocara sobre ella.”4

Ahora sabemos que la esterilización extrema que opera el cubo blanco no es más que una ceremonia de distracción, la ilusión que pretende ocultar un potente dispositivo de producción ideológica: la puesta en escena de la obra de arte. El espacio cerrado se convierte así en emblema del extrañamiento del artista con respecto a la sociedad (O´Doherty), falso limbo que disfraza de transparencia el turbio entramado especulativo del sistema artístico; escenificación de la posteridad asegurada (promesa de eternidad) como garantía financiera para la inversión del coleccionista. Acaso el mayor triunfo del minimalismo histórico haya sido el de enmudecer sus propias obras hasta que el estruendoso silencio de lo expuesto fuerce a hablar al espacio expositivo, obligar –acaso sin ser totalmente consciente de ello- al cubo blanco a desvelar parte de su programa ideológico.

En marzo de 1969, Robert Barry lleva a cabo una acción especialmente significativa: el día de la inauguración de su exposición cerró las puertas de la Galería Eugenia Butler de Los Ángeles, que permaneció cerrada durante las tres semanas que duró la muestra, de forma que ese espacio vacío, invisible desde el exterior, deshabitado, fuera del alcance de la mirada del espectador, fue la única obra de la exposición: una obra solo abarcable con el esfuerzo de la mente. Así estaban las cosas cuando Gordon Matta-Clark realiza sus primeras intervenciones artísticas.

Gordon Matta-Clark trabajando en “Bronx Floor” (1972)

Este es el territorio en el que el minimalismo despliega su singular catálogo de formas y procedimientos, y esas mismas categorías formales serán las que Gordon Matta-Clark trasladará –alterando monumentalmente la escala y radicalizando los procedimientos- a edificios abandonados y naves industriales de las áreas deprimidas de su entorno urbano, en forma similar a como los artistas del Earth-Art llevaron esas mismas estructuras geométricas a los escenarios naturales (baste recordar las líneas trazadas por Walter de María en el desierto de Mojave, las espirales lacustres de Robert Smithson, o los círculos de piedras de Richard Long). Y quizá no carezca de interés señalar aquí que uno de los primeros trabajos artísticos de Matta-Clark, recién terminados sus estudios de arquitectura en la Universidad de Cornell (Ithaca), fue colaborar como ayudante en la realización de la obra “Beebe Lake Ice Cut” (1969) de Dennis Oppenheim, donde muy probablemente ya se habría visto impelido a utilizar la motosierra o alguna herramienta similar para cortar las capas de hielo. La relación que en esas fechas establece con Dennis Oppenheim y Robert Smithson dejará sin duda una profunda huella en la futura trayectoria artística del joven arquitecto.

Gramática del desmontaje

A través de las desmesuradas fisuras y las figuras geométricas (escala Earth Art) que Gordon Matta-Clark abre, taladra y recorta en abandonados edificios del extrarradio, penetran en la obra gran variedad de conflictos sociales y todos sus contenidos simbólicos asociados: derechos de propiedad especulativos que cercenan cualquier posibilidad de uso y disfrute colectivo se cruzan, en la misma actuación, con la voluntad de abrir –en sentido literal- nuevas perspectivas visuales para vislumbrar la posibilidad de una distribución diferente del espacio o, lo que es lo mismo, de las condiciones de vida; de paso se desentierran conflictos personales (muy significativa la excavación en el suelo de la galería Yvon Lambert de Paris, en busca del hermano suicidado, “Descending Steps for Batan”, 1977) y colectivos, al tiempo que se socava la gramática arquitectónica, abriendo huecos, liberando vacío por sustracción, señalando intersticios que miran hacia propiedades inaccesibles, generando espacios fuera de lugar, activando deseos no regulados.

Gordon Matta-Clark, actuando en “Clock shower” (1973)

Se trata de abrir brechas, físicas y mentales, en las líneas de fuga del espacio urbano, dejar paso a una nueva luz, cuestionar las mirada instaurada por los modos dominantes de organización del entorno; excavar, redefinir el lugar, dejar al descubierto la estructura real y metafórica del edificio; el espacio construido como lugar donde se cruzan todos los conflictos, como parte indisociable del tejido urbano5. El edificio se convierte en escultura y la escultura resultante se contamina –se envenena- de urbanismo y de crítica política de las situaciones de vida cotidiana, se convierte en vigorosa metáfora del laberinto urbano, con su vistosa fachada y oscuros espacios privados, terrazas y sótanos, cubiertas y cimientos soterrados. Escultura que –en los casos más extremos- se desmaterializará hasta transformarse en puro proceso de búsqueda y documentación, como sucedió con la película de sus exploraciones del subsuelo de París (Sous-sols de Paris, 1977), realizada fotografiando y filmando las construcciones de esa ciudad invertida que se expande por las tramas del alcantarillado urbano.

“ /…/ tengo interés en una expedición al subsuelo: una búsqueda de los espacios olvidados y enterrados bajo la ciudad, bien como memoria histórica, bien como recordatorios supervivientes de proyectos y fantasías perdidos /…/ Aunque la idea original conllevaba posibles actos subversivos, ahora me interesa más buscar y descubrir. Esa actividad debería sacar el arte de la galería e introducirlo en las cloacas.6”

En ese mismo sentido, la experiencia de autogestión y trabajo con la colectividad que adquirió colaborando en Milán con un grupo cultural autónomo lo llevaría, ese mismo año, a la puesta en marcha, utilizando alguno de los muchos edificios abandonados del deprimido barrio de Lower East Side de Nueva York (Loisaida), del proyecto de centro social “A Resource Center and Environmental Youth Program for Loisaida”, un espacio comunal de reciclaje de residuos y actividad medioambiental, que pretendía ofrecer un marco de actividades sociales y formación profesional a los jóvenes del barrio.

Son este tipo de acciones y escenificaciones de conflictos los que alejan gradualmente a Gordon Matta-Clrak del estricto universo formal de sus compañeros minimalistas y, en ocasiones, lo llevan a una colisión frontal con los convencionales dispositivos de exposición y recepción establecidos por el sistema artístico, cuestionando, de paso, la noción de espectador. En 1976, habiendo sido invitado a participar en la exposición “Idea as Model” (La idea como modelo), organizada por el “Institute for Architecture and Urban Studies” de Nueva York, Gordon Matta-Clark se presentó la madrugada del día anterior a la inauguración con una carabina de aire comprimido, prestada por su amigo y mentor Dennis Oppenheim, con la que disparó desde el exterior contra todos los cristales de las ventanas del edificio destinado a albergar la exposición, luego pretendió colocar en cada marco de ventana la fotografía de una vivienda del Bronx quemada y arrasada por el vandalismo de sus propios moradores; horas antes de la apertura los miembros del Instituto, capitaneados por su director Peter Eisenman (que indignamente llegó a comparar la actuación del artista con la Kristalnacht de los nazis), decidieron eliminar la obra de la exposición, llamar a los cristaleros y reparar los desperfectos, completando de esta manera la obra (Window Blow-out, 1976) que el artista había comenzado.

Gordon Matta-Clark, “Window Blow-out” (1976)

Así una buena parte de sus obras más conocidas, como Day´s End (1975) la famosa intervención realizada en un almacén abandonado en el puerto de Nueva York, tuvieron un carácter de situación producida en tiempo real, muchas veces rondando la ocupación ilegal y los problemas policiales, y apenas sobreviven en formato documental; pasado el momento sólo quedaban en el lugar los vigilantes de seguridad y los empleados municipales desmontando la escena, o iniciando la demolición preventiva del edificio intervenido.

También investigará los aspectos más absurdos del sistema de propiedad del suelo, ocultos bajo la aparente racionalidad de la cuadrícula del plano (Reality Properties: Fake Estates, 1973), adquiriendo en subasta pública algunos lotes de terrenos en Queens y Staten Island, parcelas minúsculas de imposible acceso cuyos impuestos locales no habían sido pagados, espacios sobrantes que compró, al precio de 25 dólares cada uno, con la intención de poner en evidencia la fragilidad existencial de ciertas convenciones solo sustentadas en la mercantilización burocrática de la vida cotidiana: espacios que pueden ser poseídos pero nunca experimentados, en palabras del propio artista.

“Cuando compré estas propiedades en la subasta de Nueva York, la descripción que más me excitó fue la palabra “inaccesible”. Eran un grupo de 15 micro-parcelas sobrantes del plano de un arquitecto. Una o dos de las más significativas era una franja peatonal junto a una entrada de coches con una superficie de 0’09 m2. Las otras micro-parcelas eran bordillos de acera y alcantarillas. Básicamente, lo que quería hacer era designar espacios que no serían vistos y que, desde luego, nunca serían  ocupados.” 7

Excavar el suelo de una galería de arte, …cocinar fotografías, …cortar edificios, …alquilar y comprar terrenos invisibles, …disparar contra las ventanas de una sala de exposiciones, …asar un cochinillo en unos baldíos bajo un puente del río Hudson, …compactar escombros y basura, …filmar las construcciones subterráneas de las cloacas de París, …afeitarse y ducharse colgado de las agujas del reloj en lo alto de la Clock Tower de Nueva York, …diseñar espacios expositivos, …recortar fragmentos de viviendas y llevarlos a las salas de exposiciones, …ocupar edificios abandonados para pertrecharlos como centros sociales autogestionados, ésta es la clase de acciones que han convertido a Gordon Matta-Clark en una referencia ineludible para la historia del arte de las últimas décadas; un artista fallecido antes de cumplir los 35 años y que, en el cortísimo lapsus de tiempo de apenas 10 años de actividad, ha conseguido convertir su trabajo en un verdadero compendio de las prácticas artísticas contemporáneas, roturando un territorio extremadamente fértil del que se siguen extrayendo poderosas ideas, y procedimientos todavía válidos para abordar los retos del presente.

Ángel Cerviño
Vigo, noviembre, 2012

Notas:

[1] Dan Grahan, El arte con relación a la arquitectura. La arquitectura con relación al arte, Gustavo Gili, Barcelona 2009.
[2] Citado por Benjamin H. D. Buchloh, Formalismo e historicidad, Ediciones Akal, Barcelona 2004.
[3] Brian O´Doherty, Dentro del cubo blanco. La ideología del espacio expositivo, CENDEAC, Murcia 2011.
[4] Ibídem.
[5] Darío Corbeira, “Designar espacios. Crear complejidad”, en ¿Construir… o deconstruir?. Textos sobre Gordon Matta-Clark, VV AA, Universidad de Salamanca, 2000.
[6] Gordon Matta-Clark, entrevista en Arts Magazine, mayo 1976. Citado por Darío Corbeira, Op. cit.
[7] Gordon Matta-Clark, catálogo de la exposición, Centro IVAM Julio González, Valencia, 1993.

El mecanismo arquitectónico de Le Corbusier | Marcelo Gardinetti

Marcelo Gardinetti
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El mecanismo arquitectónico de Le Corbusier | Marcelo Gardinetti

“Abrid los ojos! Comemos en un pequeño restaurante de cocheros en el centro de Paris; al fondo están el bar y la cocina, un altillo corta en dos la altura del local, su parte anterior de a la calle. Un buen día se descubre esto y se ven las pruebas de que facilita todo un mecanismo arquitectónico que pueda corresponder a la organización de la vivienda humana” 1.

El período formativo de Le Corbusier transcurrió en una búsqueda casi obsesiva de elementos genéricos sobre los cuales desarrollar los conceptos de una nueva arquitectura. En su afán por captar a través del dibujo todo lo que observaba, dedico sus viajes de aprendizaje a la representación sistemática de edificios de la antigüedad, como un ejercicio que le permita rescatar para si, los principios de estructuración de la arquitectura clásica y forjar su ideal de valores.

Fundación Le Corbusier | Fotografías: ©Olivier Martin-Gambier/ © FLC – ADAGP

Cada apunte es un nuevo concepto, un carácter, la concepción de una nueva idea. Un ejemplo de lo que representan en su indagación arquitectónica, puede leerse en los escritos al borde de los dibujos realizados en la visita a la cartuja de Ema:

“celda de un hermano en la cartuja de Ema. Lo aplicaría admirablemente a las casas obreras, siendo el cuerpo de alojamiento completamente independiente” 2.

En su derrotero por los estudios donde trabajo, fue nutriendo de nuevos conocimientos esas experiencias: descubrió los secretos del hormigón en el estudio de Auguste Perret y concibió la mecanización como impulsor de una nueva cultura en el estudio de Peter Behrens, cultura que admiró al visitar la producción de las empresas en su viaje a Alemania.

Concluye entonces que la arquitectura de los primeros años del siglo XX no está a la altura de los avances técnicos logrados en la misma época y replica estos conocimientos, con la ayuda de Max Dubois, en el desarrollo del sistema Dom-ino, un diseño pensado para fabricar en serie, que sintetiza el orden que descubrió en la arquitectura clásica.

Este puede considerarse el punto de partida de un compendio de criterios rectores que aplica en la concepción de sus diseños, basados en la geometría como medio para expresar la pureza, las formas primarias que dan carácter universal a la arquitectura, la precisión y el orden matemático y la estandarización de los elementos de la construcción. Estos rígidos conceptos se amalgaman con los criterios plásticos derivados de su actividad pictórica, para resultar una combinación que hace de su arquitectura única e irrepetible.

En esos años sucede el hecho relatado en el texto al comienzo del artículo, producto de una conversación que mantenía con un grupo de colaboradores durante un almuerzo en un café de Paris. El relato sintetiza con cuanta facilidad la capacidad de observación de Le Corbusier se transformaba en el detonante de sus ideas.

Al examinar como el salón principal del bar estaba jerarquizado por su altura respecto de las actividades de servicio divididas por un entrepiso, Le Corbusier define esa diferencia como un “mecanismo arquitectónico” que perfectamente puede aplicarse a la vivienda. Concreta así otro criterio rector para su trabajo, un elemento genérico que “mecaniza” el espacio y lo transforma en un elemento serial, constitutivo del conjunto de elementos que dan forma a la arquitectura.

El mecanismo arquitectónico así definido, se convierte en una constante que utiliza sistemáticamente en el diseño de sus villas, a tal punto que podría considerarse como otra de las “certezas” no incluidas en los famosos “cinco puntos”. En la concepción del doble espacio como elemento articulador, Le Corbusier define las jerarquías espaciales de la vivienda del hombre.

La anécdota del café Parisino encabeza la presentación de la primera versión de la Casa Citrohän en el primer tomo de las Obras Completas, un hecho que transforma el mecanismo concebido en un manifiesto. En esta primera aplicación, el doble espacio es el alma de la casa Citrohän, articula la escala de la ciudad con la vivienda y genera una dinámica visual en la percepción del espacio interior, tanto en horizontal como en vertical, que no había sido utilizada en viviendas unifamiliares de esa escala hasta entonces.

A partir de esta obra, el mecanismo arquitectónico pasa a ser estructurante de sus diseños domésticos. Lo utiliza en forma transversal a la vivienda en las distintas variantes de las casas Citrohän, como espacio articulador longitudinal en el área social de la Villa Cook, para diferenciar un sector del área social en la Casa Curutchet, como articulador con el exterior en la Villa Stein, estratificado alternadamente en la villa Shodan, destacando lugares de trabajo en el atelier Ozenfant o en la Petite Maison d’Artistes a Boulogne, definiendo el espacio para exposiciones en la Maison La Roche,  o transformado en un elemento definitorio en la Unite d’Habitatión.

Esta concepción del espacio como elemento mecánico es propia de Le Corbusier y puede trasladarse a otros criterios que aplica en su obra, pero en todo caso, debe entenderse como parte de una exploración frenética para determinar las verdades de la arquitectura, investigación sobre la que siempre posó su mirada.

Esta exploración constante convierte en vanguardia a toda la obra de Le Corbusier. A diferencia de muchos de los maestros contemporáneos a él, Le Corbusier jamás cejo en la búsqueda de la universalidad de su arquitectura, renovando su repertorio formal, optimizando su concepción espacial, alterando la textura y el color en el uso de los materiales componentes, pero siempre tomando al hombre como el fin único de cualquier realización.

Cualquier dibujo o escrito de Le Corbusier es un aprendizaje, cualquier obra o proyecto realizado por él admite una relectura. Su trabajo siempre permite una nueva mirada, aun en el disenso. La obra de Le Corbusier es un manantial de concepciones espaciales, formales, de bases teóricas o intuitivas, que exige la articulación permanente entre ideas y conceptos, y despierta un flujo de percepciones arquitectónicas difícilmente equiparable a otros trabajos.

Marcelo Gardinetti, Arquitecto
La Plata, Argentina. diciembre 2012

Notas

1. Le Corbusier et Pierre Jeanneret: «Ouvre Complete, Tomo 1 1910-1929.»
2. Ch. E. Jeanneret, Le Voyage d’Orient, Paris, 1966

Perec | Jorge Gorostiza

Jorge Gorostiza
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Perec | Jorge Gorostiza

George Perec, Schwartz

No voy a descubrir aquí a Georges Perec y es muy difícil aportar algo nuevo a todo lo que se ha escrito sobre este autor fundamental. Este comentario surge porque acabo de leer Tentativa de agotamiento de un lugar parisino -ya sé que debería haberlo leído antes-que ha publicado en 2012 Gustavo Gili, una editorial que ha sido siempre una referencia en libros de arquitectura en español, aunque no se debe olvidar que el texto de Perec es muy arquitectónico. Supongo que ya sabrán  de qué trata, durante tres días seguidos de octubre de 1974, estuvo sentado en diversos lugares en la Plaza Saint-Sulpice de París y en varios momentos de cada día fue anotando lo que veía -o dijo que veía-, las palomas, las personas, los vehículos, los perros, las nubes, la luz… Para saber más recomiendo el estupendo artículo -como casi todos los suyos- de Enrique Vila-Matas sobre este texto de Perec.

Les confieso que, a pesar de haber estado en París bastantes veces, jamás estuve en esa plaza, por lo que no pude evitar la tentación de entrar en Google Maps y buscarla, decidí entonces recorrerla con la ayuda del Street View: Gran decepción, NO lo hagan, -al menos hoy, mañana es posible que haya cambiado-, porque la plaza está vallada y la mayoría de las fachadas de los edificios, así como de la iglesia están tapadas con andamios, lo único que se ve es parte de las plantas bajas y los coches circulando por las calzadas. Algo muy propio de estos tiempos cuando en nuestras ciudades y nuestra vida lo provisional triunfa sobre lo peremne.

Lo únco curioso de este recorrido sucede con la fachada del Ayuntamiento que cambia en tres fotos consecutivas, porque tiene tres cartelones diferentes de tres exposiciones celebradas en mayo, marzo y octubre de 2008, otro ejemplo de cómo el tiempo modifica al espacio, lo que quizás le hubiera gustado a Perec.

Como este es un blog sobre cine y arquitectura, se debe mencionar que en Tentativa de agotamiento de un lugar parisino hay varias referencias cinematográficas: Perec escribe que en la plaza de Saint-Sulpice hay un cine; por ella pasan la actriz y dramaturga Geneviève Serreau y un Michel Martens, con un paraguas color geranio, que puede ser el guionista Michel Martens; el autor ve a un policía que se parece al actor Michel Lonsdale y el 19 de octubre a las dos de la tarde escribe:

«Pasa Paul Virilio: va a ver al asqueroso Gatsby al Bonaparte»,

efectivamente, el cine antes mencionado era el Bonaparte, situado en el número 76 de la calle homónima, se inauguró en 1931, tenía 430 plazas y se cerró en 1987, transformándose primero en un estudio de televisión y hoy es una tienda, La Maison de la Chine; en cuanto «al asqueroso Gatsby», debe referirse a El gran Gatsby (The Great Gatsby, Jack Clayton, 1974), estrenada en Francia el 16 de octubre de ese año, y aunque es verdad que la película es bastante mala, no creo que tanto como «asquerosa», respecto a Virilio, tampoco voy a glosar al urbanista que tanto me interesó hace unos años, la unión de Virilio, Gatsby y el asco, según una nota de Maurici Pla -el traductor del libro que antes cité-, es una ironía sobre Virilio, pero eso quizás nunca lleguemos a saberlo con certeza.

Lo que si es cierto es que el texto de Perec, como todo lo que he leído de él, es completamente recomendable.

Jorge Gorostiza, arquitecto. Autor del blog Arquitectura+Cine+Ciudad
Santa Cruz de Tenerife, diciembre 2012

[:es]Pequeño gran Berlín[:gl]Pequeno gran Berlín[:en]Little Big Berlin[:]

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[:es]Pequeño gran Berlín[:gl]Pequeno gran Berlín[:en]Little Big Berlin[:]

[:es]http://vimeo.com/14014317

Dedico esta película a Berlín donde he vivido durante 19 años ahora. Mientras la arquitectura de Berlín es increíblemente hermosa, sólo sus habitantes hacen de Berlín la ciudad única que es. En cada esquina hay algo nuevo para descubrir. Y la mejor cosa que hacer es filmarlo.

Filmado con mi querida Sony HC9. Editada con Sony Vega Pro 9. El efecto minuatura llaman al cambio de inclinación, que proviene de una lente particular que fue usada para fotografiar la arquitectura. El efecto en miniatura es un subproducto de esto. También puede ser alcanzado por el postratamiento digital.

Música: “Hungarian Rhapsody No. 2” de Franz Liszt

[:gl]http://vimeo.com/14014317

Dedico esta película a Berlín onde vivín durante 19 anos agora. Mentres a arquitectura de Berlín é increíblemente fermosa, só os seus habitantes fan de Berlín a cidade única que é. En cada esquina hai algo novo para descubrir. E a mellor cousa que facer é filmarlo.

Dedico esta película a Berlín onde vivín durante 19 anos agora. Mentres a arquitectura de Berlín é increíblemente fermosa, só os seus habitantes fan de Berlín a cidade única que é. En cada esquina hai algo novo para descubrir. E a mellor cousa que facer é filmarlo.

Música: “Hungarian Rhapsody No. 2” de Franz Liszt

[:en]http://vimeo.com/14014317

I dedicate this film to Berlin where I have been living for 19 years now. While the architecture of Berlin is stunningly beautiful, only its inhabitants make Berlin the unique city that it is. In every corner there is something new to discover. And the best thing to do is to film it.

Filmed with my beloved Sony HC9. Edited with Sony Vegas Pro 9.The miniature effect is called tilt-shift, which originates from a particular lens that was used to photograph architecture. The miniature effect is a by-product of that. It can also be achieved by digital postprocessing.

Music: “Hungarian Rhapsody No. 2” by Franz Liszt

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[:es]Elisa Valero «Reciclaje de Barriadas» FETSAC’11[:gl]Elisa Valero «Reciclaxe de Barriadas» FETSAC’11[:en]Elisa Valero «Recycling slum» FETSAC’11[:]

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[:es]Elisa Valero «Reciclaje de Barriadas» FETSAC’11[:gl]Elisa Valero «Reciclaxe de Barriadas» FETSAC’11[:en]Elisa Valero «Recycling slum» FETSAC’11[:]

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III Edición del Festival de Arquitectura de la ETSAC FETSAC’11 bajo el lema [RE]. Ponencia de Elisa Valero sobre «Reciclaje de Barriadas»

Elisa Valero Ramos (Ciudad Real, 1971)

Arquitecta y profesora española, catedrática de proyectos arquitectónicos en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Granada. En el año 1997 establece su propio estudio en Granada,​ donde trabaja actualmente. Realizó sus estudios de arquitectura en la Universidad de Valladolid, donde se graduó en 1996 con Premio Extraordinario de Fin de carrera.

En 1996 se trasladó a México para impartir clase en la UNAM. En el año 2000 se doctoró en Arquitectura por la UGR; posteriormente fue becaria de la Academia de España en Roma en 2003. Desde 2012 es catedrática en el área de Proyectos Arquitectónicos.

Dirige el grupo de investigación RNM909 Vivienda Eficiente y Reciclaje Urbano;​ Otras líneas de investigación que desarrolla versan sobre la luz en la arquitectura y la arquitectura para niños, especialmente en hospitales pediátricos. Trabaja con la Fundación Aladina desde 2012.

Elisa Valero describe de esta forma su trabajo:

“En un momento cultural en que la densidad del ruido es enorme apuesto por la arquitectura que actúa en silencio, serenamente, sin llamar la atención. Me interesa la vivienda, el paisaje, la precisión, la economía de medios y de recursos expresivos. No me interesan las modas. Me interesa más la constancia que la genialidad, la coherencia que la composición artística, y entiendo la originalidad como el redescubrimiento del genuino sentido de las cosas. Me interesa la arquitectura enraizada en la tierra y en su propio tiempo. Acepto los condicionantes de la arquitectura como las reglas de un juego muy serio y divertido que procuro jugar con coherencia y rigor. Aunque hablar de servicio está poco de moda, entiendo que el trabajo del arquitecto es por antonomasia un servicio para hacer más amable la vida de las personas. Noble oficio que procura hacer un mundo más bello, más humano, una sociedad más justa. La arquitectura no es tarea para nostálgicos sino para rebeldes.”

[:gl]

III Edición do Festival de Arquitectura da ETSAC FETSAC’11 baixo o lema [RE]. Ponencia de Elisa Valero sobre «Reciclaxe de Barriadas»

[:en]

The IIIrd Edition of the Festival of Architecture of the ETSAC FETSAC ‘ 11 under the motto [RE]. Elisa Valero’s presentation on «Recycling slum»

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[:es]Semper. El estilo[:gl]Semper. O estilo[:en]Semper. The style[:]

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[:es]Semper. El estilo[:gl]Semper. O estilo[:en]Semper. The style[:]

[:es]

Ya está a la venta la edición para iPad de Semper: El estilo. Esta edición es legible con la aplicación gratuita iBooks, que incluye herramientas de navegación, búsqueda y anotación; el formato elegido para esta edición utiliza recursos no disponibles en otros formatos de libro electrónico que resultan particularmente ventajosos para este libro en particular. Desde la página del libro en iTunes (enlaces directos a las páginas de las distintas tiendas nacionales al pie de este artículo) puede descargarse una muestra gratuita que incluye el Prefacio y fragmentos de los capítulos 9 y 11.

La edición en papel, un libro de página tamaño A4 y lomo de 7,3 cm que incluye 184 páginas a color, entra a imprenta a principios de diciembre y pocas semanas después debería estar disponible en Amazon. Todavía hay detalles de la distribución y venta por terminar de definir, y esta página se irá actualizando al respecto, pero la intención (cuya concreción debería representar un desafío muy menor frente al que habrá resultado traducir, diseñar e imprimir este libro) es que quien haya adquirido previamente la edición para iPad pueda al encargar su libro impreso solicitar un descuento del 50% del valor del libro digital —con lo que el libro digital, entendido en ese caso como herramienta complementaria de la edición impresa, pasa a tener un costo similar al de una revista (sin comprar el libro impreso, se está accediendo con la versión electrónica al contenido de 1100 páginas por el valor de dos revistas). Debido al método de comercialización de la edición digital, no es posible por el momento implementar el esquema inverso de un descuento en la edición digital para quien haya comprado previamente la edición impresa, cuyo precio será unas 2,5 veces el de la digital.

[…]

+ info

[:en]

Already the edition is to the sale for iPad of Semper: The style. This edition is legible with the free application iBooks, which includes tools of navigation, search and annotation; the format chosen for this edition uses not available resources in other formats of electronic book that turn out to be particularly profitable for this book especially. From the page of the book in iTunes (direct links to the pages of the different national shops at the foot of this article) one can unload a free sample that includes the Preface and fragments of the chapters 9 and 11.

The edition paper, a book of page size A4 and loin of 7,3 cm that includes 184 pages to color, enters to press at the beginning of December and a few weeks later it should be available in Amazon. Still there are details of the distribution and sale for stopping defining, and this page will be getting up-to-date in the matter, but the intention (which concretion should represent a very minor challenge opposite to the one that will have proved to translate, to design and to stamp this book) is that the one who has acquired before the edition for iPad could on having entrusted his printed book to request a discount of 50 % of the value of the digital book – with what the digital book understood with this case as complementary tool of the printed edition, happens to have a cost similar to that of a magazine (without buying the printed book, one is acceding with the electronic version to the content of 1100 pages for the value of two magazines). Due to the method of commercialization of the digital edition, it is not possible for the present time to implement the inverse scheme of a discount in the digital edition for the one who has bought before the printed edition, which price will be approximately 2,5 times that of the foxglove.

[…]

+ info

[:gl]

Xa está á venda a edición para iPad de Semper: O estilo. Esta edición é legible coa aplicación gratuita iBooks, que inclúe ferramentas de navegación, procura e anotación; o formato elixido para esta edición utiliza recursos non dispoñibles noutros formatos de libro electrónico que resultan particularmente ventajosos para este libro en particular. Desde a páxina do libro en iTunes (enlaces directos ás páxinas das distintas tendas nacionais ao pé deste artigo) pode descargarse unha mostra gratuita que inclúe o Prefacio e fragmentos dos capítulos 9 e 11.

A edición en papel, un libro de páxina tamaño A4 e lombo de 7,3 cm que inclúe 184 páxinas a cor, entra a imprenta a principios de decembro e poucas semanas despois debería estar dispoñible en Amazon. Aínda hai detalles da distribución e venda por terminar de definir, e esta páxina irase actualizando respecto diso, pero a intención (cuxa concreción debería representar un desafío moi menor fronte ao que resultaría traducir, deseñar e imprimir este libro) é que quen adquira previamente a edición para iPad poida ao encargar o seu libro impreso solicitar un desconto do 50% do valor do libro digital —co que o libro digital, entendido nese caso como ferramenta complementaria da edición impresa, pasa a ter un costo similar ao dunha revista (sen comprar o libro impreso, estase accedendo coa versión electrónica ao contido de 1100 páxinas polo valor de dúas revistas). Debido ao método de comercialización da edición digital, non é posible polo momento implementar o esquema inverso dun desconto na edición digital para quen compre previamente a edición impresa, cuxo prezo será unhas 2,5 veces o da digital.

[…]

+ info

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Casa en Coirós | bals arquitectosCasa en Coirós | bals arquitectosHouse in Coirós | bals arquitectos

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<!--:es-->Casa en Coirós | bals arquitectos<!--:--><!--:gl-->Casa en Coirós | bals arquitectos<!--:--><!--:en-->House in Coirós | bals arquitectos<!--:-->

Esta casa nació con la voluntad de hacer arquitectura de calidad en un entorno dominado por lo que se vino a entender de manera popular como tipología tradicional de vivienda en Galicia (cubierta a dos aguas, construcciones adjetivas,…) trabajando a partir del impacto formal y emocional colectivo que surgió en torno la esta manera de «hacer» vivienda durante las últimas décadas.

Nos interesa el estudio de todo lo que contribuya a la frágil continuidad entre la situación actual y las arquitecturas anteriores, partiendo de que el objeto de nuestro oficiocambia muy lentamente en la sociedad y en el tiempo.

Pensamos que existen ciertos elementos que aún son válidos para posibilitar un camino alternativo la ese modelo generalizado, que son sensibles al construido, y que pueden ser aprovechados, a pesar de su humildade,para mejorar la situación de un paisaje rural muy pervertida.

Como resultado del proceso de la concentración parcelaria, la orden del espacio que nos encontramos tiene su base en la xeometría de la división del suelo. Las parcelas dibujan un tartán equilibrado y regular nos sus ritmos principales (pistas asfaltadas, trazadas todas iguales desde la exigencia del vehículo).

El soporte natural ya no produce sugerencias para la orientación y el movimiento próximo. Las nuevas referencias ahora pueden llegar sólo de la expresión propia de la actividad del hombre en forma de edificaciones, infraestruturas o murallas forestales. Si tuviéramos que describir ese paisaje, sería a través de esos «nuevos» elementos del paisaje (para nuestra generación ya tan viejos como nuestro recuerdo).

La identidad de la vivienda ya no viene dada por su posición dentro de un asentamiento, ahora se basará en su imagen inmediata, insertándose en ese paisaje y participando de sus elementos. Casa anónima, al final de un camino, ubicada en una parcela horizontal y anodina con la carretera nacional como horizonte.

Reducción conceptual de la vivienda en torno sus elementos esenciales:

Cubierta a dos aguas, blanca y abstracta como los paramentos que sustentan.

Basamento de piedra serrada, soporte sólido sobre el terreno.

Garaje conectado a la vivienda mediante el acceso protegido y abierto al patio.

El porche al sur, espacio entre la sala y la cocina que de la profundidad y amplitud de la planta.

Y por último el hogar, espacio vaciado donde se comprende la vivienda en su totalidad, y bisagra a partir de la que se organiza el programa privado de la vivienda.

Dentro de un campo de actuación muy limitado en todos los aspectos, hacemos con esta vivienda, un ejercicio de abstracción, que ejemplifique que un modelo de arquitectura de calidad y posible aunque sea bien diferente de la que heredamos (que poco o nada tiene que ver con la arquitectura popular gallega y mucho de procesos económicos).

Afortunadamente, y pese las reticencias iniciales de los clientes, ajenos por completo a las cuestiones arquitectónicas y apegados a la formalización de viviendas que describía con anterioridad, el resultado que obtuvimos fue satisfactorio para todas las partes fruto de un camino de transformación y trabajo conjunto.

Obra: Casa en Coirós
Autores: bals arquitectos(Belén Salgado + Antonio López)
Año: Septiembre 2010/Febrero 2012
Emplazamiento: Coirós de Arriba. Municipio de Coirós, A Coruña, Galicia, España
Superficie: Útil 256.50m2; Construida:293.20m2
Fotografía: Héctor Santos-Díez | BISimages
+ bals.es

This house was born with the will to do architecture of quality in some surroundings dominated by what came  to understand of popular way like traditional typology of house in Galicia (cover to two waters, constructions use adjectivally,…) Working from the formal and emotional impact community that arose in lathe the this way to «do» house during the last decades.

It interests us the study of all what contribute to the fragile continuity between the current situation and the previous architectures, splitting that the object of our oficiocambia very slowly in the society and in the time.

We think that they exist some elements that still are valid to make possible an alternative way the that model generalised, that are sensitive to the built, and that they can be taken advantage of, in spite of his humildade,to improve the situation of a rural landscape very perverted.

Like result of the process of the concentration parcelaria, the order of the space that find us has his base in the xeometría of the division of the floor. The plots draw a tartán balanced and regulate us his main rhythms (tracks asphalted, traced all equal from the exigencia of the vehicle).

The natural support no longer produces suggestions for the orientation and the next movement. The new references now can arrive only of the own expression of the activity of the man in shape of edificaciones, infraestruturas or forest walls. If we had to describe this landscape, would be through these «new» elements of the landscape (for our generation already so old as ours remember).

The identity of the house no longer comes given by his position inside a settlement, now will base  in his immediate image, inserting in this landscape and participating of his elements. Anonymous house, at the end of a way, situated in a horizontal plot and anodina with the national road like horizon.

Conceptual reduction of the house in lathe his essential elements:

Cover to two waters, white and abstract like the paramentos that sustentan.

Basamento Of stone sawed, solid support on the terrain.

Garage connected to the house by means of the access protected and open to the playground.

The porch south, space between the room and the kitchen that of the depth and amplitude of the plant.

And finally the home, space casting where comprises  the house in his whole, and bisagra from which organises  the private program of the house.

Inside a field of performance very limited in every aspect, do with this house, an exercise of abstraction, that exemplify that a model of architecture of quality and possible although it was very different of which inherit (that little or at all has to see with the Galician popular architecture and a lot of economic processes).

Fortunately, and it weigh the reticencias initial of the customers, extraneous completely to the architectural questions and become attached to the formalización of houses that described previously, the result that obtained was satisfactory for all split them fruit of a way of transformation and conjoint work.

Work: House in Coirós
Authors: bals arquitectos(Belén Salgado + Antonio López)
Year: September 2010/February 2012
Location: Coirós de Arriba. Municipio de Coirós. A Coruña, Galicia. Spain
Surface: Useful 256.50m2; Built:293.20m2
Photography: Héctor Santos-Díez | BISimages
+ bals.es

Esta casa naceu coa vontade de facer arquitectura de calidade nun contorno dominado polo que se veu entendendo de xeito popular como tipoloxía tradicional de vivenda en Galicia (cuberta a dúas augas, construcións adxectivas,…) traballando a partir do impacto formal e emocional colectivo que xurdiu en torno a este xeito de «facer» vivenda durante as últimas décadas.

Interésanos o estudo de todo o que contribúa á fráxil continuidade entre a situación actual e as arquitecturas anteriores, partindo de que o obxecto do noso oficio muda moi lentamente na sociedade e no tempo.

Pensamos que existen certos elementos que aínda son válidos para posibilitar un camiño alternativo a ese modelo xeneralizado, que son sensibles ao construído, e que poden ser aproveitados, a pesar da súa humildade, para mellorar a situación dunha paisaxe rural moi pervertida.

Como resultado do proceso da concentración parcelaria, a orde do espazo que nos atopamos ten a súa base na xeometría da división do chan. As parcelas debuxan un tartán equilibrado e regular nos seus ritmos principais (pistas asfaltadas, trazadas todas iguais dende a esixencia do vehículo).

O soporte natural xa non produce suxestións para a orientación e o movemento próximo. As novas referencias agora poden chegar só da expresión propia da actividade do home en forma de edificacións, infraestruturas ou murallas forestais. Se tivésemos que describir esa paisaxe, sería a través deses «novos» elementos da paisaxe (para a nosa xeración xa tan vellos coma o noso recordo).

A identidade da vivenda xa non ven dada pola súa posición dentro dun asentamento, agora basease na súa imaxe inmediata, insertándose nesa paisaxe e participando dos seus elementos.

Casa anónima, ao final dun camiño, ubicada nunha parcela horizontal e anodina coa estrada nacional coma horizonte.

Redución conceptual da vivenda en torno os seus elementos esenciais:

Cuberta a dúas augas, branca e abstracta coma os paramentos ca sustentan.

Basamento de pedra serrada, soporte sólido sobre o terreo.

Garaxe conectado a vivenda mediante o acceso protexido e aberto ao patio.

O porche ao sur, espazo entre a sala e a cociña que da profundidade e amplitude a planta.

E por último o fogar, espazo baleirado onde se comprende a vivenda na súa totalidade, e charnela a partir da que se organiza o programa privado da vivenda.

Dentro dun campo de actuación moi limitado en tódolos aspectos, facemos con esta vivenda, un exercicio de abstracción, que exemplifique que un modelo de arquitectura de calidade e posible aínda que sexa ben diferente da que herdamos (que pouco ou nada ten que ver coa arquitectura popular galega e moito de procesos económicos).

Afortunadamente, e pese as reticencias iniciais dos clientes, alleos por completo a cuestións arquitectónicas e apegados á formalización de vivendas que describíamos con anterioridade, o resultado que obtivemos foi satisfactorio para todas as partes froito dun camiño de transformación e traballo conxunto.

Obra: Casa en Coirós
Autores: bals arquitectos(Belén Salgado + Antonio López)
Ano: Septembro 2010/Febreiro 2012
Emprazamento: Coirós de Arriba. Municipio de Coiró, A Coruña, Galicia. Spain
Superficie: Útil 256.50m2;Construida:293.20m2
Fotografía: Héctor Santos-Díez | BISimages
+ bals.es

[:es]6 pisos con Clorindo · Clorindo Testa [:gl]6 pisos con Clorindo · Clorindo Testa [:en]6 flats with Clorindo · Clorindo Testa [:]

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[:es]6 pisos con Clorindo · Clorindo Testa [:gl]6 pisos con Clorindo · Clorindo Testa [:en]6 flats with Clorindo · Clorindo Testa [:]

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Clorindo Testa (1923), arquitecto nacido en Italia y radicado en Argentina. Uno de los representantes de la corriente brutalista en la década de 1960
Clorindo Testa (1923), arquitecto nacido en Italia y radicado en Argentina. Uno de los representantes de la corriente brutalista en la década de 1960

Clorindo Testa, la sabiduría de un grande que se divierte haciendo las cosas

Mucho se sabe de su obra y poco sobre él. Clorindo Testa, la sabiduría de un grande que se divierte haciendo las cosas.

Clorindo Testa, es uno de los arquitectos argentinos más reconocido a nivel internacional. Algunas de su obras: La Biblioteca Nacional, Banco de Londres Hospital Naval, Centro Cultural Recoleta. Premio:A rtes visuales KONEX 2012 entre otros.

Clorindo Testa (Nápoles, 10 de diciembre de 1923)

Es el arquitecto argentino más importante del siglo XX, evidenciado por la importancia de las obras, la originalidad absoluta de su diseño, la concrecion de sus obras siempre por concurso y competición con sus pares, además de ser un artista plástico de trayectoria lateral y permanente en la segunda mitad del siglo XX.

Se gradua en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Buenos Aires en 1948 y comienza en la época final del racionalismo argentino, siendo el mejor exponente a fines de los años cincuenta del movimiento brutalista mundial.

Realizó obras representativas de la arquitectura argentina como la Biblioteca Nacional de la República Argentina en Buenos Aires o el Banco de Londres en Buenos Aires, siendo este último banco uno de los ejemplos bancarios más importantes del mundo, por su carácter plástico e innovador, rompiendo con valores establecidos de la época. Hasta nuestros dias este Arquitecto sigue enfrentando cada proyecto con el mismo entusiasmo que en su juventud. Sin adherirse a modas, o estilos internacionales, crea siempre una arquitectura distinta, una arquitectura más humana, que nace de las consideraciones del contexto a intervenir influenciado por el color, las tensiones, las metáforas, y la plasticidad.

Testa fallece a la edad de 89 años en  Buenos Aires, Argentina.

[:gl]

Moito se sabe da súa obra e pouco sobre el. Clorindo Testa, a sabedoría dun grande que se divirte facendo as cousas. TESTA CLORINDO : un dos arquitectos arxentinos máis recoñecido a nivel internacional. Algunhas da súa obras: A Biblioteca Nacional, Banco de Londres Hospital Naval, Centro Cultural Recoleta. Premio:Artes visuales KONEX 2012 entre outros.

[:en]

A lot it knows  of his work and little on him. Clorindo Testa, the sabiduría of a big that amuses  doing the things. TESTA CLORINDO : One of the Argentinian architects more recognised to international level. Some of his works: The National Library, Bank of London Naval Hospital, Cultural Centre Recoleta. Prize:Visual arts KONEX 2012 amongst other.

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II Concurso PFC FYM-ItalcementiII Concurso PFC FYM-ItalcementiII FP Competition FYM-Italcementi

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<!--:es-->II Concurso PFC FYM-Italcementi<!--:--><!--:gl-->II Concurso PFC FYM-Italcementi<!--:--><!--:en-->II FP Competition FYM-Italcementi<!--:-->

La Escuela de Arquitectura de la Universidad de Navarra, junto con el Grupo FYM Italcementi, promueve este concurso internacional en el que se premia el proyecto fin de carrera (PFC) que, por su calidad, innovación, originalidad o creatividad, resalte la utilización del hormigón dentro de un proyecto arquitectónico.

Premios 2013

– Se concederá un premio al PFC que el jurado considere de mayor calidad que se haya servido del hormigón como componente importante de su diseño.
– El premio consiste en la concesión de una beca que cubra el coste de la matrícula en el Máster en Diseño Arquitectónico, que se imparte en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Navarra.
– El ganador deberá cumplir los requisitos de admisión en ese programa.
 – Plazo límite de presentación de candidaturas: antes del 26 de febrero de 2012.

+ info

A Escola de Arquitectura da Universidade de Navarra, xunto co Grupo FYM Italcementi, promueve este concurso internacional no que se premia o proxecto fin de carreira (PFC) que, pola súa calidade, innovación, originalidad ou creatividade, resalte a utilización do hormigón dentro dun proxecto arquitectónico.

Premios 2013

– Concederase un premio ao PFC que o xurado considere de maior calidade que se serviu do hormigón como compoñente importante do seu deseño.
– O premio consiste na concesión dunha beca que cubra o custo da matrícula no Máster en Deseño Arquitectónico, que se imparte na Escola de Arquitectura da Universidade de Navarra.
– O ganador deberá cumprir os requisitos de admisión nese programa.
– Prazo límite de presentación de candidaturas: antes do 26 de febreiro de 2012.

+ info

The School of Architecture of the University of Navarra, together with the Group FYM Italcementi, promotes this international contest in which it rewards  the project end of career (PFC) that, by his quality, innovation, originality or creativity, resalte the utilisation of the concrete inside an architectural project.

Prizes 2013
– It will concede  a prize to the PFC that the jury consider of greater quality that have served  of the concrete like important component of his design.
– The prize consists in the granting of a scholarship that cover the cost of the matrícula in the Máster in Architectural Design, that gives  in the School of Architecture of the University of Navarra.
– The winner will have to fulfil the requirements of admission in this program.
– Term limit of presentation of candidatures: before 26 February 2012.

+ info

Carlos Jiménez | Xentes, Espazos e Lugares, Proxecto TerraCarlos Jiménez | Xentes, Espazos e Lugares, Proxecto TerraCarlos Jiménez | Xentes, Espazos e Lugares, Proxecto Terra

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<!--:es-->Carlos Jiménez | Xentes, Espazos e Lugares, Proxecto Terra<!--:--><!--:gl-->Carlos Jiménez | Xentes, Espazos e Lugares, Proxecto Terra<!--:--><!--:en-->Carlos Jiménez | Xentes, Espazos e Lugares, Proxecto Terra<!--:-->

Video de la conferencia de Carlos Jiménez ‘A propósito de gentes, espacios y lugares’ celebrada el 13 de septiembre de 2012, en el Auditorio CaixaNova en Santiago de Compostela. Incluída dentro del ciclo Xentes, Espazos e Lugares del Proxecto Terra y organizada por el Colexio de Arquitectos de Galicia.

http://youtu.be/WrTdMlI6nEs

Video da Conferencia de Carlos Jiménez, ‘A propósito de gentes, espacios y lugares’, celebrada ou 13 de setembro de 2012, non Auditorio Caixanova en Santiago de Compostela. Incluída dentro do ciclo Xentes, Espazos e Lugares do Proxecto Terra e organizada polo Colexio de Arquitectos de Galicia.

Video of Carlos Jiménez’s conference, ‘Apropos people, spaces and places’ celebrated or 13 of setembro of 2012, not Audience CaixaNova in Santiago de Compostela. Incluída inside do cycle Xentes, Espazos and Places do Proxecto Terra and organized by Colexio de Arquitectos de Galicia.

Arquitectura, geometría y paisaje | CREUSeCARRASCO

Creus e Carrasco
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Arquitectura, geometría y paisaje | CREUSeCARRASCO

Proponemos interpretar el significado de la geometría y el paisaje a partir del tradicional debate entre lo sensible y lo racional en arquitectura, haciendo un planteamiento de equilibrio entre definiciones que, en su aparente contradicción, responden a fases de un recorrido cíclico, el que realizamos cuando proyectamos y construimos una obra.

La ARQUITECTURA construye un espacio que va a ser usado. Esa cuestión racional y necesaria sólo se comprueba cuando se experimenta y se vive.

Por eso, aunque el orden que propone responda a un comportamiento conocido, casi globalizado, su forma se interpreta con lo que sucede, con lo no aprendido. Así, adentrarse en la arquitectura supone ir paso a paso,  como lo hacen la luz y el aire.

La naturaleza, en su devenir cíclico y equilibrado, pone en tensión, a partir de la fuerza de gravedad (acción), la forma, dimensión y el peso de sus elementos. La respuesta (reacción), muestra, sin embargo, con precisión, su disposición ordenada en el paisaje. La arquitectura, se integra en el paisaje, reconociendo este equilibrio en la propia idea construida. La construcción representa ese orden. (Portiño / PortoDeNegros)

La GEOMETRÍA referencia ese movimiento, sintetizando el orden y haciendo visible la estructura formal de ese espacio y, por tanto, su capacidad para ser construido y reproducido. Como pauta, maneja y reconoce el hábito y la convención, la disciplina.

Las formas, en la naturaleza, son una respuesta directa a esa acción (fenómeno). En arquitectura, también de forma directa, a una estrategia de supervivencia (necesidad/trabajo/movimiento).(Carnota/PortoDeQuilmas)

Del PAISAJE solemos decir que es un espacio inventado, el enmarcado de una sugerencia. En él no importan tanto las formas que contiene como la visualización de la idea que revela. Una intuición que nos descubre una manera de ver el espacio sin un razonamiento previo.

Esta es una de las razones por la que los tiempos de variación y de ajuste en ambas son también diferentes. En arquitectura, a la intensidad y experiencia que requiere el conocimiento del medio (hábito), hay que añadir la necesidad de optimizar los recursos (intuición/invención). (RizónArmado / PoutadaPrefabricada)

La confrontación entre las formas de expresión de lo conocido y lo intuido nos conduce hacia la habitual asociación entre razón y geometría, y entre sugerencia y paisaje, todos ellos valores consustanciales a la arquitectura.

Sin embargo,

Esto es propio de la cultura rural que en una época no muy lejana integraba la cultura marinera. En Malpica, villa de tradición pesquera (primero ballenera y luego de bajura) venida a menos, ese origen en una tradición comprometida y enraizada en el territorio, ha incorporado directamente y sin apenas reflexión, el instinto de la libre economía y las formas construidas de la cultura urbana. El resultado, en su expresión más radical, introduce el concepto de ciudad como incisión y corte. Un paisaje de medianeras, algunas negando absolutamente al propio mar, conductos de saneamiento a la altura de la primera planta, tratamiento de los taludes con muros de contención y hormigón gunitado, embarcaciones sobre la acera, descuido y estrechez de de los accesos… (Malpica_Madianeras / EstadoPrevio)

El PAISAJE, como revelación que explica los modos de ver un espacio en el tiempo, se ha convertido en una forma contemporánea de conocimiento. Por eso, al indagar en un paisaje, también lo hacemos para descubrir su identidad.

Definición del límite de intervención reconociendo la fachada como elemento clave en el paisaje del puerto y la diferenciación entre el tratamiento pétreo y el de hormigón: continuo en las zonas de trabajo y prefabricado en los paseos y lugares de estancia. (Perspectiva)

Podemos entonces definirlo como un espacio trabajado e intervenido, con independencia del tipo de agentes que lo transforman o del grado de naturaleza o artificio que haya en él.

Prefabricados tipo empleados como solución constructiva según requerimientos de protección, resistencia y definición espacial de las zonas de paseo y de descanso.
Maqueta de las piezas tipo construida para la exposición del RIBA/ar.
Secciones generales por prefabricados tipo en diferentes tramos del paseo sobre el muro, explicando los detalles especiales cuando aparecen quiebros y voladizos. Cuando hay mucha altura, la protección se garantiza mediante la inclinación del borde a 60º. La barandilla además recupera hacia atrás la posición vertical de una persona, siempre separada unos 45 cm del borde final.
Destacar que una asociación de minusválidos de España nos ha sorprendido dándonos un premio por esta obra, pues dicen que el hecho de quebrar la superficie del suelo antes del borde sirve de gran protección. (Prefabricados)

Y ese orden, que proviene directamente del entendimiento de un ciclo ambiental o de una estrategia,  también lo podemos transformar en geometría.

Detalle del remate del forjado sobre el agua, para depósito de embarcaciones, con prefabricados especiales delimitando una zona de estancia con mobiliario orientado al sur que permite diferentes formas de comunicación. Hay tumbonas dobles que tienen mucho éxito. Detalle de los pilotes que soportan el forjado. (Forjado / Paseo / Descanso)

La GEOMETRÍA, puede responder a la traza de una acción, en apariencia sin forma definida, pero con la libertad de una herramienta que nos permite definir y transmitir la sugerencia.

Tramo de la cota intermedia. Arranque del paseo entre el puerto y la ciudad. La secuencia de cambios en el prefabricado, desde el borde libre, sin quiebro, simplemente apoyado, pasando por la protección al coger altura y el contrapeso-banco de los grandes vuelos como elementos de una plaza. (PaseoIntermedio)

Este nuevo paso, de lo sugerido a lo reglado, en arquitectura, nos revela que lo que en un principio desconocemos puede aportar más orden que lo que conocemos bien y, por tanto, que en la geometría existe paisaje y en la razón sugerencia.

La intención de llegar con el paseo hasta la Punta da Plancha, un saliente del puerto desde el que se ve el mar abierto. Un prefabricado con sus bordes extremos inclinados 45º que protegen el caminar a uno y otro lado. La protección frente al agua y los coches, dejando también pasos hacia escaleras existentes. (PuntaDaPlancha1)

La ARQUITECTURA también construye el espacio mediante la acción directa y no premeditada que surge de la experimentación.

La estrategia del proyecto y la obra pretende la creación de un orden (idea) construido a partir de un elemento que responde por igual (equilibrio) a las fuerzas y ritmos diferentes de lo natural y lo urbano.

CREUSeCARRASCO arquitectos
a coruña · noviembre 2012

Escrito de reflexión y ponencia BIAU Cádiz

CanchaCanchaCancha

veredes
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El pabellón de Chile a la 13. Muestra Internacional de Arquitectura de la Biennale di Venezia, invita a  reflexionar sobre suelo, en términos de recursos, patrimonio y paisaje, y la importancia de la visión disciplinar sobre su explotación y/o preservación, considerando variables mas allá de los factores económicos contingentes puros.

La palabra quechua CANCHA pre-colombino de origen incaico en uso vigente en toda Sur América, designa un territorio de juego que preserva la sacralidad, y define en su origen los lineamientos principales en la organización urbana, la medición y justa distribución de las cosechas y la comprensión de la existencia de espacios de uso colectivo que prioriza el orden social sobre el interés individual, y cuyos  conceptos asociados se presentan la segunda inflexión y el principal problema, ¿Cómo mostrar una reflexión disciplinar en torno a la arquitectura?

El Isolotto de l’Arsenale se construye entre 1170 y 1300 y protagoniza el canto XXI del Infierno de La Divina Comedia de Dante, y posteriormente se menciona por Galileo en su “Debido lezioni all’Accademia Fiorentina” alrededor de “La Figura, sito e Grandezza dell’Inferno di Dante”, ambos textos revisados más de 500 años después por el fallecido poeta argentino Godofredo Iommi, uno de los fundadores de la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica de Valparaíso. Chile en su texto “Una digresión acerca de Galileo” y en el que la sal nos vuelve al propio origen de la ciudad de Venecia, que fuera una explotación salina durante la época romana y posteriormente el lugar del control comercial de la Sal del Adriático, en una curiosa traslación cultural y política, reflejo inevitable de los movimientos temporales, económicos, políticos, sociales y por supuesto culturales.

Este espacio más allá del tiempo  se concibe como un chiaroscuro barroco de gran intensidad, donde todos los elementos son neutros salvo la luz de siete expositores cada uno dedicado a un arquitecto que dirigen su luz hacia un suelo de 12,9m3 de sal traída por barco desde el Salar de Tarapacá en Chile, sobre el cual las diferencias entre los siete arquitectos seleccionados no dejan de existir, sino que dejan de importar invitando a comprender la complejidad de un territorio prácticamente vacío, expresando los dos opuestos espaciales de la cancha en relación a nuestro territorio: la necesidad de acotar y cerrar en el desierto del norte, y abrir y despejar en nuestros bosques del sur.

El Atlas

La curaduría deriva del rol otorgado al naturalista francés Claude Gay, quien en 1830 realizara por encargo del  gobierno de Chile un primer levantamiento territorial, etnográfico, biológico y de recursos de la nueva república post colonial: ¿Hasta dónde llegaba Chile?¿Qué se podía encontrar en él? ¿Cómo se desenvolvían sus habitantes sobre el territorio?. Gay acometió la empresa reuniendo a diversos especialistas para una construcción colectiva de un primer Atlas (Pintoresco) de Chile, en flora, fauna, cartografía, historia e ilustración.

Siendo  representante de la deslocalización posibilitada por la tecnología (la mitad del equipo vive en Chile, la otra mitad en España, muchos colaboradores en distintos países y la obra se realiza en Italia), invitamos  a 7 arquitectos: Alejandro Aravena (Elemental), Pedro Alonso, Juan Pablo Corvalán (junto a Susuka y José Abasolo), Genaro Cuadros, Germán del Sol, Iván Ivelic y Rodrigo Tisi, como relatores e ilustradores de nuestro actual territorio, desde su propio lenguaje y enfoque, convocados a pensar, describir y ensayar el estado actual suelo de Chile desarrollando un material inédito para la Biennale, que  se complementó con un corto documental realizado por Cristóbal Palma, construyendo nuestra Cancha, esa que se coloniza, se reparte, se tranza y es parte de un todo que incluye al animal, el árbol y la persona tal como lo veían los antiguos Mapuches, los hombres del suelo que habitan el sur de Chile.

Créditos Pabellón de Chile:
Curadores y arquitectos del montaje: María Pilar Pinchart Saavedra (Pinchart Arquitectos) y Bernardo Valdés Echenique (Mapa Consultores).
Comisario: Cristóbal Molina Baeza (Consejo Nacional de la Cultura y las Artes).
Dirección de Arte: Isaac Gimeno Pujabet – Loreto Varela Morey.
Dirección de Arte en fase de concurso: Esteban Iglesias Francheteau (Mimético).
Fotografía y documentales: Cristóbal Palma Domínguez.
Escultura de Neón: Iván Navarro Carvacho – Pedro Pulido Anker.
Arquitecto y productor local: Luigi D’Oro.
Consultoría de iluminación: Interdesign (Chile).
Desarrolladores web: DID.
Colaboradores: Sofía Quiroga Fernández (Pinchart Architects), Mapa Consultores,  Alfonso Díaz Manríquez (Oficina de Asuntos Culturales, DIRAC), Santiago Elordi Mena y Ana de Pari (Embajada de Chile en Italia), María Aparicio Puentes, Mariana Sanfuentes Astaburuaga y Francisco Adriasola Caro (CNCA).
Traducciones: Ana María Sanhueza Jardel.
Media Partners: Plataforma Arquitectura, Edgar González.
Organizador: Consejo Nacional de la Cultura y las Artes.
Auspiciadores: Dirección de Asuntos Culturales (DIRAC) y ProChile del Ministerio de Relaciones Exteriores, Fundación Imagen de Chile, SPL (Sal Punta Lobos) e Interdesign.

O pabellón de Chile á 13. Mostra Internacional de Arquitectura da Biennale dei Venezia, invita a reflexionar sobre chan, en términos de recursos, patrimonio e paisaxe, e a importancia da visión disciplinar sobre a súa explotación e/ou preservación, considerando variables mais alá dos factores económicos contingentes puros.

A palabra quechua CANCHA pre-colombino de orixe incaico en uso vigente en toda Sur América, designa un territorio de xogo que preserva a sacralidad, e define na súa orixe os lineamientos principais na organización urbana, a medición e xusta distribución das colleitas e a comprensión da existencia de espazos de uso colectivo que prioriza a orde social sobre o interese individual, e cuxos conceptos asociados preséntanse a segunda inflexión e o principal problema, Como mostrar unha reflexión disciplinar en torno á arquitectura?

O Isolotto de l’Arsenale constrúese entre 1170 e 1300 e protagoniza o canto XXI do Inferno da Divina Comedia de Dante, e posteriormente menciónase por Galileo no seu “Debido lezioni all’Accademia Fiorentina” ao redor de “A Figura, sito e Grandezza dell’Inferno dei Dante”, ambos textos revisados máis de 500 anos despois polo falecido poeta arxentino Godofredo Iommi, un dos fundadores da Escola de Arquitectura da Universidade Católica de Valparaíso. Chile no seu texto “Unha digresión achega de Galileo” e no que o sal vólvenos á propia orixe da cidade de Venecia, que fose unha explotación salina durante a época romana e posteriormente o lugar do control comercial do Sal do Adriático, nunha curiosa traslación cultural e política, reflexo inevitable dos movementos temporais, económicos, políticos, sociais e por suposto culturais.

Este espazo máis aló do tempo concíbese como un chiaroscuro barroco de gran intensidade, onde todos os elementos son neutros salvo a luz de sete expositores cada un dedicado a un arquitecto que dirixen a súa luz cara a un chan de 12,9m3 de sal traído por barco desde o Salar de Tarapacá en Chile, sobre o cal as diferenzas entre os sete arquitectos seleccionados non deixan de existir, senón que deixan de importar invitando a comprender a complejidad dun territorio prácticamente baleiro, expresando os dous opostos espaciais da cancha en relación ao noso territorio: a necesidade de acoutar e pechar no deserto do norte, e abrir e despexar nos nosos bosques do sur.

O Atlas
A curaduría deriva do rol outorgado ao naturalista francés Claude Gay, quen en 1830 realizase por encargo do goberno de Chile un primeiro levantamiento territorial, etnográfico, biolóxico e de recursos da nova república post colonial: Ata onde chegaba Chile?Que se podía atopar nel? Como se desenvolvían os seus habitantes sobre o territorio?. Gay acometió a empresa reunindo a diversos especialistas para unha construción colectiva dun primeiro Atlas (Pintoresco) de Chile, en flora, fauna, cartografía, historia e ilustración.

Sendo representante da deslocalización posibilitada pola tecnoloxía (a metade do equipo vive en Chile, a outra metade en España, moitos colaboradores en distintos países e a obra realízase en Italia), invitamos a 7 arquitectos: Alejandro Aravena (Elemental), Pedro Alonso, Juan Pablo Corvalán (xunto a Susuka e José Abasolo), Genaro Cadros, Germán do Sol, Iván Ivelic e Rodrigo Tisi, como relatores e ilustradores do noso actual territorio, desde a súa propia linguaxe e enfoque, convocados a pensar, describir e ensaiar o estado actual chan de Chile desenvolvendo un material inédito para a Biennale, que se complementó cun curto documental realizado por Cristóbal Palma, construíndo a nosa Cancha, esa que se coloniza, repártese, se tranza e é parte dun todo que inclúe ao animal, a árbore e a persoa tal como víano os antigos Mapuches, os homes do chan que habitan o sur de Chile.

Créditos Pabellón de Chile:
Curadores e arquitectos da montaxe: María Alicerce Pinchart Saavedra (Pinchart Arquitectos) e Bernardo Valdés Echenique (Mapa Consultores).
Comisario: Cristóbal Molina Baeza (Consello Nacional da Cultura e as Artes).
Dirección de Arte: Isaac Gimeno Pujabet – Loreto Varela Morey.
Dirección de Arte en fase de concurso: Esteban Igrexas Francheteau (Mimético).
Fotografía e documentales: Cristóbal Palma Domínguez.
Escultura de Neón: Iván Navarro Carvacho – Pedro Pulido Anker.
Arquitecto e productor local: Luigi D’Ouro.
Consultoría de iluminación: Interdesign (Chile).
Desarrolladores web: DID.
Colaboradores: Sofía Quiroga Fernández (Pinchart Architects), Mapa Consultores, Alfonso Díaz Manríquez (Oficina de Asuntos Culturais, DIRAC), Santiago Elordi Mena e Ana de Pari (Embaixada de Chile en Italia), María Aparicio Pontes, Mariana Sanfuentes Astaburuaga e Francisco Adriasola Caro (CNCA).
Traducións: Ana María Sanhueza Jardel.
Media Partners: Plataforma Arquitectura, Edgar González.
Organizador: Consello Nacional da Cultura e as Artes.
Auspiciadores: Dirección de Asuntos Culturais (DIRAC) e ProChile do Ministerio de Relacións Exteriores, Fundación Imaxe de Chile, SPL (Sae Punta Lobos) e Interdesign.

The pavilion of Chile to the 13. International sample of Architecture of the Biennale gave Venezia, invites to reflexionar on floor, in terms of resources, heritage and landscape, and the importance of the vision discipline on his exploitation and/or preservation, considering variable but there of the economic factors pure contingents.

The word quechua FIELD pre-colombino of origin incaico into use valid in all South America, designates a territory of game that preserves the sacralidad, and defines in his origin the main contours in the urban organisation, the measurement and just distribution of the harvests and the understanding of the existence of spaces of collective use that prioritises the social order on the individual interest, and whose concepts associated present  the second inflection and the main problem, How show a reflection discipline around the architecture?

The Isolotto of l’Arsenale builds  between 1170 and 1300 and stars the singing XXI of the Hell of The Divine Comedy of Dante, and later mentions  by Galileo in his “Had to lezioni all’Accademia Fiorentina” around “The Figure, sito and Grandezza dell’Inferno gave Dante”, both revised texts more than 500 years afterwards by the died Argentinian poet Godofredo Iommi, one of the founders of the School of Architecture of the Catholic University of Valparaíso. Chile in his text “A digression about Galileo” and in which the salt goes back us to the own origin of the city of Venecia, that went an exploitation saltworks during the roman period and later the place of the commercial control of the Salt of the Adriatic, in a curious traslación cultural and political, unavoidable reflection of the temporary movements, economic, politicians, social and of course cultural.

This space further of the time conceives  like a chiaroscuro baroque of big intensity, where all the elements are neutral except the light of seven expositores each one devoted to an architect that direct his light to a floor of 12,9m3 of salt brought by ship from the Salar of Tarapacá in Chile, on which the differences between the seven architects selected do not leave to exist, but they leave to matter inviting to comprise the complexity of a practically empty territory, expressing the two opposite space of the field in relation to our territory: the need to limit and close in the north desert, and open and clear in our south forests.

The Atlas
The curaduría derives of the role awarded to the naturalistic French Claude Gay, the one who in 1830 realised by commission of the government of Chile a first territorial lifting, ethnographic, biological and of resources of the new republic post colonial: Until where it arrived Chile?What could find  in him? How they managed  his inhabitants on the territory?. Gay tackled the company gathering to diverse specialists for a collective construction of a first Atlas (Picturesque) of Chile, in flora, fauna, cartography, history and illustration.

Being representative of the deslocalización made possible by the technology (the half of the team lives in Chile, the another half in Spain, a lot of collaborators in distinct countries and the work realises  in Italy), invite to 7 architects: Alejandro Aravena (Elementary), Pedro Alonso, Juan Pablo Corvalán (beside Susuka and José Abasolo), Genaro Pictures, Germán of Sol, Iván Ivelic and Rodrigo Tisi, like relatores and ilustradores of our current territory, from his own language and approach, summoned to think, describe and test the current state floor of Chile developing an unpublished material for the Biennale, that complemented  with a short documentary realised by Cristóbal Palm, building our Field, that that colonises , delivers ,  tranza and is part of an all that includes to the animal, the tree and the person such as they saw it the ancient Mapuches, the men of the floor that inhabit the south of Chile.

Credits Pavilion of Chile:
Curadores and architects of the setting: María Pilar Pinchart Saavedra (Pinchart Architects) and Bernardo Valdés Echenique (Map Consultores).
Commissioner: Cristóbal Molina Baeza (National Council of the Culture and the Arts).
Direction of Art: Isaac Gimeno Pujabet – Loreto Varela Morey.
Direction of Art in phase of contest: Esteban Churches Francheteau (Mimético).
Photography and documentary: Cristóbal Palm Domínguez.
Sculpture of Neon: Iván Navarro Carvacho – Pedro Polishing Anker.
Architect and local producer: Luigi D’Gold.
Consulting of illumination: Interdesign (Chile).
Developers web: DID.
Collaborators: Sofía Quiroga Fernández (Pinchart Architects), Map Consultores, Alfonso Díaz Manríquez (Office of Cultural Subjects, DIRAC), Santiago Elordi Ore and Ana of Pari (Embassy of Chile in Italy), María Aparicio Bridges, Mariana Sanfuentes Astaburuaga and Francisco Adriasola Expensive (CNCA).
Translations: Ana María Sanhueza Jardel.
Average Partners: Platform Architecture, Edgar González.
Organiser: National Council of the Culture and the Arts.
Auspiciadores: Direction of Cultural Subjects (DIRAC) and ProChile of the Ministry of External Relations, Foundation Image of Chile, SPL (Go out Tip Wolves) and Interdesign.

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