Ya está a la venta la edición para iPad de Semper: El estilo. Esta edición es legible con la aplicación gratuita iBooks, que incluye herramientas de navegación, búsqueda y anotación; el formato elegido para esta edición utiliza recursos no disponibles en otros formatos de libro electrónico que resultan particularmente ventajosos para este libro en particular. Desde la página del libro en iTunes (enlaces directos a las páginas de las distintas tiendas nacionales al pie de este artículo) puede descargarse una muestra gratuita que incluye el Prefacio y fragmentos de los capítulos 9 y 11.
La edición en papel, un libro de página tamaño A4 y lomo de 7,3 cm que incluye 184 páginas a color, entra a imprenta a principios de diciembre y pocas semanas después debería estar disponible en Amazon. Todavía hay detalles de la distribución y venta por terminar de definir, y esta página se irá actualizando al respecto, pero la intención (cuya concreción debería representar un desafío muy menor frente al que habrá resultado traducir, diseñar e imprimir este libro) es que quien haya adquirido previamente la edición para iPad pueda al encargar su libro impreso solicitar un descuento del 50% del valor del libro digital —con lo que el libro digital, entendido en ese caso como herramienta complementaria de la edición impresa, pasa a tener un costo similar al de una revista (sin comprar el libro impreso, se está accediendo con la versión electrónica al contenido de 1100 páginas por el valor de dos revistas). Debido al método de comercialización de la edición digital, no es posible por el momento implementar el esquema inverso de un descuento en la edición digital para quien haya comprado previamente la edición impresa, cuyo precio será unas 2,5 veces el de la digital.
Esta casa nació con la voluntad de hacer arquitectura de calidad en un entorno dominado por lo que se vino a entender de manera popular como tipología tradicional de vivienda en Galicia (cubierta a dos aguas, construcciones adjetivas,…) trabajando a partir del impacto formal y emocional colectivo que surgió en torno la esta manera de «hacer» vivienda durante las últimas décadas.
Nos interesa el estudio de todo lo que contribuya a la frágil continuidad entre la situación actual y las arquitecturas anteriores, partiendo de que el objeto de nuestro oficiocambia muy lentamente en la sociedad y en el tiempo.
Pensamos que existen ciertos elementos que aún son válidos para posibilitar un camino alternativo la ese modelo generalizado, que son sensibles al construido, y que pueden ser aprovechados, a pesar de su humildade,para mejorar la situación de un paisaje rural muy pervertida.
Como resultado del proceso de la concentración parcelaria, la orden del espacio que nos encontramos tiene su base en la xeometría de la división del suelo. Las parcelas dibujan un tartán equilibrado y regular nos sus ritmos principales (pistas asfaltadas, trazadas todas iguales desde la exigencia del vehículo).
El soporte natural ya no produce sugerencias para la orientación y el movimiento próximo. Las nuevas referencias ahora pueden llegar sólo de la expresión propia de la actividad del hombre en forma de edificaciones, infraestruturas o murallas forestales. Si tuviéramos que describir ese paisaje, sería a través de esos «nuevos» elementos del paisaje (para nuestra generación ya tan viejos como nuestro recuerdo).
La identidad de la vivienda ya no viene dada por su posición dentro de un asentamiento, ahora se basará en su imagen inmediata, insertándose en ese paisaje y participando de sus elementos. Casa anónima, al final de un camino, ubicada en una parcela horizontal y anodina con la carretera nacional como horizonte.
Reducción conceptual de la vivienda en torno sus elementos esenciales:
Cubierta a dos aguas, blanca y abstracta como los paramentos que sustentan.
Basamento de piedra serrada, soporte sólido sobre el terreno.
Garaje conectado a la vivienda mediante el acceso protegido y abierto al patio.
El porche al sur, espacio entre la sala y la cocina que de la profundidad y amplitud de la planta.
Y por último el hogar, espacio vaciado donde se comprende la vivienda en su totalidad, y bisagra a partir de la que se organiza el programa privado de la vivienda.
Dentro de un campo de actuación muy limitado en todos los aspectos, hacemos con esta vivienda, un ejercicio de abstracción, que ejemplifique que un modelo de arquitectura de calidad y posible aunque sea bien diferente de la que heredamos (que poco o nada tiene que ver con la arquitectura popular gallega y mucho de procesos económicos).
Afortunadamente, y pese las reticencias iniciales de los clientes, ajenos por completo a las cuestiones arquitectónicas y apegados a la formalización de viviendas que describía con anterioridad, el resultado que obtuvimos fue satisfactorio para todas las partes fruto de un camino de transformación y trabajo conjunto.
Obra: Casa en Coirós
Autores: bals arquitectos(Belén Salgado + Antonio López)
Año: Septiembre 2010/Febrero 2012
Emplazamiento: Coirós de Arriba. Municipio de Coirós, A Coruña, Galicia, España
Superficie: Útil 256.50m2; Construida:293.20m2
Fotografía: Héctor Santos-Díez| BISimages + bals.es
Clorindo Testa (1923), arquitecto nacido en Italia y radicado en Argentina. Uno de los representantes de la corriente brutalista en la década de 1960
Clorindo Testa, la sabiduría de un grande que se divierte haciendo las cosas
Mucho se sabe de su obra y poco sobre él. Clorindo Testa, la sabiduría de un grande que se divierte haciendo las cosas.
Clorindo Testa, es uno de los arquitectos argentinos más reconocido a nivel internacional. Algunas de su obras: La Biblioteca Nacional, Banco de Londres Hospital Naval, Centro Cultural Recoleta. Premio:A rtes visuales KONEX 2012 entre otros.
Es el arquitecto argentino más importante del siglo XX, evidenciado por la importancia de las obras, la originalidad absoluta de su diseño, la concrecion de sus obras siempre por concurso y competición con sus pares, además de ser un artista plástico de trayectoria lateral y permanente en la segunda mitad del siglo XX.
Se gradua en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Buenos Aires en 1948 y comienza en la época final del racionalismo argentino, siendo el mejor exponente a fines de los años cincuenta del movimiento brutalista mundial.
Realizó obras representativas de la arquitectura argentina como la Biblioteca Nacional de la República Argentina en Buenos Aires o el Banco de Londres en Buenos Aires, siendo este último banco uno de los ejemplos bancarios más importantes del mundo, por su carácter plástico e innovador, rompiendo con valores establecidos de la época. Hasta nuestros dias este Arquitecto sigue enfrentando cada proyecto con el mismo entusiasmo que en su juventud. Sin adherirse a modas, o estilos internacionales, crea siempre una arquitectura distinta, una arquitectura más humana, que nace de las consideraciones del contexto a intervenir influenciado por el color, las tensiones, las metáforas, y la plasticidad.
Testa fallece a la edad de 89 años en Buenos Aires, Argentina.
La Escuela de Arquitectura de la Universidad de Navarra, junto con el Grupo FYM Italcementi, promueve este concurso internacional en el que se premia el proyecto fin de carrera (PFC) que, por su calidad, innovación, originalidad o creatividad, resalte la utilización del hormigón dentro de un proyecto arquitectónico.
Premios 2013
– Se concederá un premio al PFC que el jurado considere de mayor calidad que se haya servido del hormigón como componente importante de su diseño.
– El premio consiste en la concesión de una beca que cubra el coste de la matrícula en el Máster en Diseño Arquitectónico, que se imparte en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Navarra.
– El ganador deberá cumplir los requisitos de admisión en ese programa. – Plazo límite de presentación de candidaturas: antes del 26 de febrero de 2012.
Video de la conferencia de Carlos Jiménez ‘A propósito de gentes, espacios y lugares’ celebrada el 13 de septiembre de 2012, en el Auditorio CaixaNova en Santiago de Compostela. Incluída dentro del ciclo Xentes, Espazos e Lugares del Proxecto Terra y organizada por el Colexio de Arquitectos de Galicia.
Proponemos interpretar el significado de la geometría y el paisaje a partir del tradicional debate entre lo sensible y lo racional en arquitectura, haciendo un planteamiento de equilibrio entre definiciones que, en su aparente contradicción, responden a fases de un recorrido cíclico, el que realizamos cuando proyectamos y construimos una obra.
La ARQUITECTURA construye un espacio que va a ser usado. Esa cuestión racional y necesaria sólo se comprueba cuando se experimenta y se vive.
Por eso, aunque el orden que propone responda a un comportamiento conocido, casi globalizado, su forma se interpreta con lo que sucede, con lo no aprendido. Así, adentrarse en la arquitectura supone ir paso a paso, como lo hacen la luz y el aire.
La naturaleza, en su devenir cíclico y equilibrado, pone en tensión, a partir de la fuerza de gravedad (acción), la forma, dimensión y el peso de sus elementos. La respuesta (reacción), muestra, sin embargo, con precisión, su disposición ordenada en el paisaje. La arquitectura, se integra en el paisaje, reconociendo este equilibrio en la propia idea construida. La construcción representa ese orden. (Portiño / PortoDeNegros)
La GEOMETRÍA referencia ese movimiento, sintetizando el orden y haciendo visible la estructura formal de ese espacio y, por tanto, su capacidad para ser construido y reproducido. Como pauta, maneja y reconoce el hábito y la convención, la disciplina.
Las formas, en la naturaleza, son una respuesta directa a esa acción (fenómeno). En arquitectura, también de forma directa, a una estrategia de supervivencia (necesidad/trabajo/movimiento).(Carnota/PortoDeQuilmas)
Del PAISAJE solemos decir que es un espacio inventado, el enmarcado de una sugerencia. En él no importan tanto las formas que contiene como la visualización de la idea que revela. Una intuición que nos descubre una manera de ver el espacio sin un razonamiento previo.
Esta es una de las razones por la que los tiempos de variación y de ajuste en ambas son también diferentes. En arquitectura, a la intensidad y experiencia que requiere el conocimiento del medio (hábito), hay que añadir la necesidad de optimizar los recursos (intuición/invención). (RizónArmado / PoutadaPrefabricada)
La confrontación entre las formas de expresión de lo conocido y lo intuido nos conduce hacia la habitual asociación entre razón y geometría, y entre sugerencia y paisaje, todos ellos valores consustanciales a la arquitectura.
Sin embargo,
Esto es propio de la cultura rural que en una época no muy lejana integraba la cultura marinera. En Malpica, villa de tradición pesquera (primero ballenera y luego de bajura) venida a menos, ese origen en una tradición comprometida y enraizada en el territorio, ha incorporado directamente y sin apenas reflexión, el instinto de la libre economía y las formas construidas de la cultura urbana. El resultado, en su expresión más radical, introduce el concepto de ciudad como incisión y corte. Un paisaje de medianeras, algunas negando absolutamente al propio mar, conductos de saneamiento a la altura de la primera planta, tratamiento de los taludes con muros de contención y hormigón gunitado, embarcaciones sobre la acera, descuido y estrechez de de los accesos… (Malpica_Madianeras / EstadoPrevio)
El PAISAJE, como revelación que explica los modos de ver un espacio en el tiempo, se ha convertido en una forma contemporánea de conocimiento. Por eso, al indagar en un paisaje, también lo hacemos para descubrir su identidad.
Definición del límite de intervención reconociendo la fachada como elemento clave en el paisaje del puerto y la diferenciación entre el tratamiento pétreo y el de hormigón: continuo en las zonas de trabajo y prefabricado en los paseos y lugares de estancia. (Perspectiva)
Podemos entonces definirlo como un espacio trabajado e intervenido, con independencia del tipo de agentes que lo transforman o del grado de naturaleza o artificio que haya en él.
Prefabricados tipo empleados como solución constructiva según requerimientos de protección, resistencia y definición espacial de las zonas de paseo y de descanso. Maqueta de las piezas tipo construida para la exposición del RIBA/ar. Secciones generales por prefabricados tipo en diferentes tramos del paseo sobre el muro, explicando los detalles especiales cuando aparecen quiebros y voladizos. Cuando hay mucha altura, la protección se garantiza mediante la inclinación del borde a 60º. La barandilla además recupera hacia atrás la posición vertical de una persona, siempre separada unos 45 cm del borde final. Destacar que una asociación de minusválidos de España nos ha sorprendido dándonos un premio por esta obra, pues dicen que el hecho de quebrar la superficie del suelo antes del borde sirve de gran protección. (Prefabricados)
Y ese orden, que proviene directamente del entendimiento de un ciclo ambiental o de una estrategia, también lo podemos transformar en geometría.
Detalle del remate del forjado sobre el agua, para depósito de embarcaciones, con prefabricados especiales delimitando una zona de estancia con mobiliario orientado al sur que permite diferentes formas de comunicación. Hay tumbonas dobles que tienen mucho éxito. Detalle de los pilotes que soportan el forjado. (Forjado / Paseo / Descanso)
La GEOMETRÍA, puede responder a la traza de una acción, en apariencia sin forma definida, pero con la libertad de una herramienta que nos permite definir y transmitir la sugerencia.
Tramo de la cota intermedia. Arranque del paseo entre el puerto y la ciudad. La secuencia de cambios en el prefabricado, desde el borde libre, sin quiebro, simplemente apoyado, pasando por la protección al coger altura y el contrapeso-banco de los grandes vuelos como elementos de una plaza. (PaseoIntermedio)
Este nuevo paso, de lo sugerido a lo reglado, en arquitectura, nos revela que lo que en un principio desconocemos puede aportar más orden que lo que conocemos bien y, por tanto, que en la geometría existe paisaje y en la razón sugerencia.
La intención de llegar con el paseo hasta la Punta da Plancha, un saliente del puerto desde el que se ve el mar abierto. Un prefabricado con sus bordes extremos inclinados 45º que protegen el caminar a uno y otro lado. La protección frente al agua y los coches, dejando también pasos hacia escaleras existentes. (PuntaDaPlancha1)
La ARQUITECTURA también construye el espacio mediante la acción directa y no premeditada que surge de la experimentación.
La estrategia del proyecto y la obra pretende la creación de un orden (idea) construido a partir de un elemento que responde por igual (equilibrio) a las fuerzas y ritmos diferentes de lo natural y lo urbano.
CREUSeCARRASCO arquitectos
a coruña · noviembre 2012
El pabellón de Chile a la 13. Muestra Internacional de Arquitectura de la Biennale di Venezia, invita a reflexionar sobre suelo, en términos de recursos, patrimonio y paisaje, y la importancia de la visión disciplinar sobre su explotación y/o preservación, considerando variables mas allá de los factores económicos contingentes puros.
La palabra quechua CANCHA pre-colombino de origen incaico en uso vigente en toda Sur América, designa un territorio de juego que preserva la sacralidad, y define en su origen los lineamientos principales en la organización urbana, la medición y justa distribución de las cosechas y la comprensión de la existencia de espacios de uso colectivo que prioriza el orden social sobre el interés individual, y cuyos conceptos asociados se presentan la segunda inflexión y el principal problema, ¿Cómo mostrar una reflexión disciplinar en torno a la arquitectura?
El Isolotto de l’Arsenale se construye entre 1170 y 1300 y protagoniza el canto XXI del Infierno de La Divina Comedia de Dante, y posteriormente se menciona por Galileo en su “Debido lezioni all’Accademia Fiorentina” alrededor de “La Figura, sito e Grandezza dell’Inferno di Dante”, ambos textos revisados más de 500 años después por el fallecido poeta argentino Godofredo Iommi, uno de los fundadores de la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica de Valparaíso. Chile en su texto “Una digresión acerca de Galileo” y en el que la sal nos vuelve al propio origen de la ciudad de Venecia, que fuera una explotación salina durante la época romana y posteriormente el lugar del control comercial de la Sal del Adriático, en una curiosa traslación cultural y política, reflejo inevitable de los movimientos temporales, económicos, políticos, sociales y por supuesto culturales.
Este espacio más allá del tiempo se concibe como un chiaroscuro barroco de gran intensidad, donde todos los elementos son neutros salvo la luz de siete expositores cada uno dedicado a un arquitecto que dirigen su luz hacia un suelo de 12,9m3 de sal traída por barco desde el Salar de Tarapacá en Chile, sobre el cual las diferencias entre los siete arquitectos seleccionados no dejan de existir, sino que dejan de importar invitando a comprender la complejidad de un territorio prácticamente vacío, expresando los dos opuestos espaciales de la cancha en relación a nuestro territorio: la necesidad de acotar y cerrar en el desierto del norte, y abrir y despejar en nuestros bosques del sur.
El Atlas
La curaduría deriva del rol otorgado al naturalista francés Claude Gay, quien en 1830 realizara por encargo del gobierno de Chile un primer levantamiento territorial, etnográfico, biológico y de recursos de la nueva república post colonial: ¿Hasta dónde llegaba Chile?¿Qué se podía encontrar en él? ¿Cómo se desenvolvían sus habitantes sobre el territorio?. Gay acometió la empresa reuniendo a diversos especialistas para una construcción colectiva de un primer Atlas (Pintoresco) de Chile, en flora, fauna, cartografía, historia e ilustración.
Siendo representante de la deslocalización posibilitada por la tecnología (la mitad del equipo vive en Chile, la otra mitad en España, muchos colaboradores en distintos países y la obra se realiza en Italia), invitamos a 7 arquitectos: Alejandro Aravena (Elemental), Pedro Alonso, Juan Pablo Corvalán (junto a Susuka y José Abasolo), Genaro Cuadros, Germán del Sol, Iván Ivelic y Rodrigo Tisi, como relatores e ilustradores de nuestro actual territorio, desde su propio lenguaje y enfoque, convocados a pensar, describir y ensayar el estado actual suelo de Chile desarrollando un material inédito para la Biennale, que se complementó con un corto documental realizado por Cristóbal Palma, construyendo nuestra Cancha, esa que se coloniza, se reparte, se tranza y es parte de un todo que incluye al animal, el árbol y la persona tal como lo veían los antiguos Mapuches, los hombres del suelo que habitan el sur de Chile.
Créditos Pabellón de Chile:
Curadores y arquitectos del montaje: María Pilar Pinchart Saavedra (Pinchart Arquitectos) y Bernardo Valdés Echenique (Mapa Consultores).
Comisario: Cristóbal Molina Baeza (Consejo Nacional de la Cultura y las Artes).
Dirección de Arte: Isaac Gimeno Pujabet – Loreto Varela Morey.
Dirección de Arte en fase de concurso: Esteban Iglesias Francheteau (Mimético).
Fotografía y documentales: Cristóbal Palma Domínguez.
Escultura de Neón: Iván Navarro Carvacho – Pedro Pulido Anker.
Arquitecto y productor local: Luigi D’Oro.
Consultoría de iluminación: Interdesign (Chile).
Desarrolladores web: DID.
Colaboradores: Sofía Quiroga Fernández (Pinchart Architects), Mapa Consultores, Alfonso Díaz Manríquez (Oficina de Asuntos Culturales, DIRAC), Santiago Elordi Mena y Ana de Pari (Embajada de Chile en Italia), María Aparicio Puentes, Mariana Sanfuentes Astaburuaga y Francisco Adriasola Caro (CNCA).
Traducciones: Ana María Sanhueza Jardel.
Media Partners: Plataforma Arquitectura, Edgar González.
Organizador: Consejo Nacional de la Cultura y las Artes.
Auspiciadores: Dirección de Asuntos Culturales (DIRAC) y ProChile del Ministerio de Relaciones Exteriores, Fundación Imagen de Chile, SPL (Sal Punta Lobos) e Interdesign.
(Aviso spoiler: este post contiene información acerca del final de la película que sirve de título al mismo. Si lo lees será bajo tu responsabilidad. Tu verás lo que haces.)
El Planeta de los Simios
Todavía recuerdo la primera vez que vi el final de «El Planeta de los Simios», era sábado por la tarde y me estaba comiendo un bocadillo de pan con chocolate. Charlton Heston -aliasTaylor Ojos Claros– a caballo se tropieza con los restos de lo que en su día fue «La Estatua de la Libertad» y descubre que en realidad no ha llegado a otro planeta sino que ha viajado cientos de años en el tiempo para ver dos cosas:
1º que los seres humanos somos unos bestias que hemos destruido nuestra propia civilización a base de bombazos nucleares.
2º que el mono (todavía peludo) es el nuevo ser superior.
El Planeta de los Simios
«El Planeta de los Simios» es, además de una buenísima película de ciencia ficción, una aguda reflexión sobre el antropocentrismo y la tendencia autodestructiva de la naturaleza humana, que tiende una y otra vez a cometer los mismos errores, a pesar de conocer y poder prever con anterioridad sus terribles resultados.
Aprender de los errores es, según los antropólogos que estudian la evolución de la inteligencia, una virtud que caracteriza a casi todos los organismos del reino animal en su proceso de adaptación al medio que los rodea, pero que curiosamente tiende a desaparecer cuando el supuesto protagonista de dicho proceso es precisamente ese individuo -en teoría- culmen de la evolución animal y especie superior donde las haya, también conocido como ser humano.
Si en «El Planeta de los Simios» Charlton Heston descubría que los de su especie son unos descerebrados que acabaron con ellos mismos a base de pelotazos nucleares, hoy el ocaso de nuestra civilización amenaza con llegar de una forma mucho menos espectacular pero igual de ridícula gracias a esas 2 características tan esenciales y definitorias de nuestra naturaleza humana:
1ºUna Innata Capacidad para Liarla, cualidad que en pleno siglo XXI viene de la mano de:
– la degradación y contaminación ambiental;
– la sobreexplotación y la pésima gestión de los recursos;
– la terciarización de la economía y pérdida de tejido productivo en los países desarrollados a favor de la deslocalización industrial a países del llamado tercer mundo, donde las condiciones laborales son peores, la mano de obra más barata y la legislación a cumplir por parte de las empresas, mucho más flexible.
2ºUna Asombrosa Habilidad para Diluir Responsabilidades, olvidando así que el primer paso para no cometer otra vez el mismo error, es el reconocerlo.
El Planeta de los Simios
En esta misma línea -la de reconocer los errores y asumir las presuntas responsabilidades-podíamos leer la semana pasada en El País un artículo en el que, analizando el tema del despilfarro económico debido al boom inmobiliario, el debate se centraba en analizar que parte de responsabilidad recae sobre esos señores (ingenieros y arquitectos) que con su trabajo, perfilan y definen el mundo tal y como lo vemos.
Si hiciésemos una lectura simplificada del problema, podríamos decir que efectivamente nuestra realidad social, económica y territorial se articula a través de decisiones técnico-políticas que se materializan a su vez a través de determinados proyectos, siempre y a la postre, firmados por el técnico redactor de turno.
Y así, centrándonos en el tema de la arquitectura y siguiendo esta lógica aplastante podríamos decir que hay museos vacios porque hay arquitectos que firman proyectos para museos desconociendo si existe programa o no para los mismos; hay piscinas municipales desiertas porque hay arquitectos que firman proyectos para piscinas desconociendo en número real de posibles usuarios; o incluso hay cementerios sin muertos porque aunque para morirse siempre hay voluntarios, a veces el arquitecto perdido en divagaciones formales y compositivas, se “olvida” de comprobar la viabilidad legal de lo que tiene entre las manos.
Vemos así que en un momento en que la figura del arquitecto está tan denostada por parte de la sociedad, es fácil señalar a este colectivo como parte responsable de los grandes males que nos acechan, cuando la realidad, es en sí mucho más compleja.
Los arquitectos son unos señores que en la mayoría de los casos, reciben encargos y su posición es sumamente complicada,tratando de mantener siempre el equilibrio entre el ejercicio de la responsabilidad que se les supone, y la necesidad de un trabajo que les dé de comer.
El Planeta de los Simios
Por eso, ante la actual y aparente incompetencia de nuestros políticos, responsables últimos de las decisiones que conforman nuestra realidad social y territorial y pensando en aquello de asumir los propios errores, podríamos preguntarnos:
¿Hasta dónde llega entonces la responsabilidad del arquitecto?
¿Deben los arquitectos manifestar un cierto nivel de compromiso social allá donde los políticos se olvidan de hacerlo?
¿O deben simplemente adaptarse a las exigencias establecidas por el cliente, aunque este se llame Carlos Fabra y quiera hacer un aeropuerto donde no vuelan ni las gaviotas?
¿Existe esperanza para los de nuestra especie o estamos destinados -como los humanos de «The Planet of the Apes»– a acabar corriendo semidesnudos por los bosques al servicio de una nueva especie dominante?
El Planeta de los Simios
Entender la arquitectura como una disciplina al servicio del ciudadano en particular y de la sociedad en general es una idea defendida por casi todos los arquitectos que conozco (aunque reconozcámoslo, hay también arquitectos de corte mediático que salen a media tarde en programas de tipo tropical y sabrosón a quien directamente se la pela) y sin embargo, la opinión acerca del nivel de compromiso que estos deben alcanzar, es tan diversa como contradictoria.
Pensemos por ejemplo en Alejandro Aravena, un conocido arquitecto chileno que se ha hecho famoso a través de su empresa ELEMENTAL, dedicada a la construcción de viviendas e infraestructuras para las clases menos pudientes de su país; pues bien, lo que para unos es una arquitectura de la austeridad con unos objetivos sociales, para otros y cito textualmente “es limosna arquitectónica” al servicio de un sistema que fomenta las desigualdades sociales y económicas.
Existen por supuesto posiciones intermedias y hay arquitectos que defienden una postura más ambigua, hablan de falta de responsabilidad del arquitecto con la sociedad ante la ignorancia total de los políticos y sostienen que son estos los responsables últimos de la misma, centrando la crítica en malos proyectos, edificios icónicos y presupuestos desorbitados.
Más allá de la polémica, el caso es que ahora que desayunamos todos los días con noticias de edificios que tienen que permanecer cerrados por que son inviables económicamente y teniendo en cuenta que de las responsabilidades de los políticos no pienso ni hablar porque solo de pensarlo me entra urticaria, tengo que confesaros que mi intención original con todo este discurso pseudoapocalítico de sobremesa de domingo era introducir lo que pretendía ser el tema principal del post de hoy: una reflexión acerca de la implicación de la figura del arquitecto en la construcción de esta sociedad de crisis pero tomando como ejemplo el caso concreto de lo que será el nuevo edifico para la futura estación del AVE de la ciudad de Vigo y cuyas obras –tal y como os mostrábamos en el anterior post– generan en la actualidad una gran expectación entre los jubilados de la ciudad.
Futura estación del AVE de la ciudad de Vigo | Fotografía: Sra. Farnsworth
El proyecto de Vialia Vigo Urzáiz -firmado por el arquitecto norteamericano Tom Mayne- contempla la construcción de un tremendo edificio de 5 plantas que incluyendo 29.000 m2 de zona comercial, una planta para 1.300 plazas de aparcamiento, y una gran terraza-mirador de 18.000 m2 ubicada en su cubierta, coloniza un inmenso vacío urbano situado en el centro de la ciudad al servicio de un modelo de desarrollo socioeconómico basado en una terciarización de la actividad productiva que apuesta por el sector servicios como motor indiscutible de la economía.
Vialia Vigo Urzáiz de Tom Mayne
El problema es que hoy el motor amenaza con calarse y el futuro del edificio se revela peligrosamente incierto ya que los elevados costes de mantenimiento y la poca previsión de beneficios ha obligado a las empresas que optaban a la gestión y explotación de la zona comercial a replantear su participación en el proyecto, dejando así en el aire la financiación privada que hacía viable la ejecución del nuevo edificio.
Vialia Vigo Urzáiz de Tom Mayne
El caso es que, si al final el proyecto no consigue salir adelante y acaba convertiéndose en otro coladero gigante de fondos públicos ¿sería lógico considerar al arquitecto como parte responsable de dicho coladero por el hecho de colaborar en el desarrollo de un proyecto que “suponemos” debe ir acompañado de un plan de viabilidad previo en el que se justifica y avala la necesidad y el éxito del mismo?
¿Es obligación de Mayne cuestionar la viabilidad de un plan en el que analizando todos los componentes del mercado, haciendo una previsión de gastos y calculando los posibles ingresos, se haya definido el proyecto de la nueva estación como un elemento clave, necesario y estratégico para el futuro de la ciudad de Vigo?
¿O podríamos simplemente limitar la responsabilidad técnica de los arquitectos que trabajan para la administración pública al trabajo de definir un edificio, que dando respuesta a las necesidades espaciales y funcionales requeridas por ésta, cumpla también con las previsiones anuales de gastos por mantenimiento del mismo?
¿Y si éste es insostenible?
¿Debería añadirse un nuevo Documento Básico al Código Técnico de la Edificación que titulado a modo de CTE DB-Ojo a lo que te cuesta: Seguridad en caso de Político con Toda la Pinta de Liarla obligase al arquitecto de turno a relacionar los m2 del -por ejemplo- Museo del Chorizo Picante de Villa Rodrigo de Arriba con el consumo económico que supondría tener iluminadas las longanizas los 365 días del año, evidenciando así que el único museo del embutido que pueden permitirse los de Villa Rodrigo es la tienda de Teresita la charcutera?
El Planeta de los Simios
Y sobre todo y ya para concluir, si a partir de ahora esto fuese así, si los arquitectos nos viésemos obligados a integrar los criterios económicos como una parte más -y no una consecuencia- del proceso creativo que acompaña a la redacción de todo proyecto, ¿estaríamos con ello aprendiendo de los errores previamente cometidos, tendiendo lazos hacia las necesidades reales de la sociedad que nos da de comer y demostrando que más allá de lo mal que pinta el futuro (de nuestra profesión), éste no sólo existe sino que además es imprescindible para no acabar todos como Charlton, desquiciados y en taparrabos?
David Bestué recupera en este libro un formato totalmente desacreditado en la actualidad, el de las “Historias Nacionales de Arquitectura”. Su texto imita el tono didáctico de esta literatura, con sus etapas bien definidas y su desarrollo lineal. Sin embargo, usa este lenguaje de forma irónica al subvertir los lugares comunes de la historiografía, creando un recorrido poco ortodoxo, recuperando ideas olvidadas y revisando algunos tópicos que se repiten incansablemente en los manuales.
Es un trabajo que busca entender como se ha dibujado el paisaje que nos rodea. Una lectura fresca y muy personal de nuestra historia reciente, puntuada con fotografías, collages, y artilugios creados para explicar las razones de la forma.
La Comisión de Cultura de la Delegación de Vigo del Colexio Oficial de Arquitectos de Galicia les invita a la sexta conferencia del ciclo Un Tras Outro que se inauguró el mes de enero con BMJ arquitectos. A lo largo de estos meses hemos contado también con la presencia de Franco+Pintos, Ansede+Quintáns, Manuel Cuquejo, Alfonso Penela y Manuel G. Vicente.
La conferencia tendrá lugar en la Sala de Juntas de la sede del Colexio Oficial de Arquitectos de Galicia en Dr. Cadaval 5, el próximo jueves 29 de noviembre a las 20.00 horas y correrá a cargo de Luis Sirvent, al que introducirá Manuel G. Vicente, y contará con título de “Yo y mis circuntancias”.
Los días 17 y 18 de diciembre organizamos las jornadas de arquitectura Modernidad y Contemporaneidad, que se celebrarán en el salón de actos de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidade da Coruña, de 9.30 a 15 horas, con el siguiente programa:
Lunes 17 de diciembre
FERNANDO AGRASAR QUIROGA (UDC. Grupo GICAP) La modernidad del siglo XX en la Galicia del siglo XXI
JOSÉ RAMÓN ALONSO PEREIRA (UDC. Grupo IALA) Modernidad y contemporaneidad: un debate abierto en la Europa del siglo XXI
XAVIER MONTEYS ROIG (UPC. Grupo Habitar) Los problemas de la vivienda contemporánea
Martes 18 de diciembre
CARMEN ADAMS FERNÁNDEZ (UO. Hª del Arte) Arte y resiliencia: paisajes del siglo XXI
JORGE TORRES CUECO (UPV. Grupo InPAr) Mise au point: Le Corbusier y el proyecto moderno
ENRIQUE BLANCO LORENZO + PATRICIA SABÍN DÍAZ (UDC. Grupo IALA) Las generaciones que definen nuestro tiempo
Grupo de casas ubicadas en la ciudad jardín Berchem Sainte Agathe en el distrito de Koekelberg de Bruselas, que muestra la influencia directa de los modernistas holandeses. Construido entre 1922 y 1925 por la Sociedad Cooperativa de vivienda social, la Cité Moderne incluye 275 unidades, cada una se orienta hacia el sol, para recibir la mayoría de la luz del día y cuenta con un jardín privado que podría ser cultivado, fueron diseñados para construcción de bajo costo con el uso del hormigón armado, una técnica experimental de la época.
El estilo de construcción de las casas y pequeñas casas de apartamentos fue estrictamente sin adornos, blanco con ribete de color, con ángulos rectos y techos planos, un ejemplo temprano del estilo modernista.
A la izquierda el maravilloso plano de Santiago de Compostela que realizó allá por el 1796 Juan López Freire, en aquellos años al parecer maestro de obras de la ciudad. Del mismo se ha destacado con frecuencia la atención con que la forma urbana está dibujada, y que reconocemos aún hoy en cualquier plano de Compostela: las calles y las plazas, los conjuntos claustrales de las órdenes monásticas, las iglesias y el caserío se dibujan con la misma precisión que el territorio que rodea a la ciudad. Así, las calles se van diluyendo en los caminos que penetran poco a poco en el territorio extramuros y lo edificado deja paulatino paso a cultivos, huertas y bosques, y todo ello es dibujado con el mismo detalle e interés que el recinto interior de la ciudad. Pareciera entonces que Santiago no pudiera ya allá por el final del siglo XVIII entenderse sin su campo, y este no tener razón de ser sin la ciudad a la que alimentaba.
Pero lo que trae hoy aquí ese plano y lo que lo pone en relación con la imagen que está a la derecha, no es la ciudad entera representada en él sino sólo un detalle, un fragmento del conjunto dibujado: en la parte central del plano aparece la gran cruz latina de la catedral- en ese momento ya plenamente barroca- y si nos fijamos con atención veremos que el espacio de esa cruz, el espacio interior de la catedral al fin y al cabo, se dibuja como una prolongación de los espacios exteriores que la rodean, de las calles y plazas que la circundan. El interior de la gran iglesia no es sino un espacio público cubierto, y más allá de su carácter sagrado se nos aparece como una continuación de los espacios abiertos de la ciudad, con su bullicio y su trajín. Un espacio para ser atravesado- una cruz, entonces un cruce- un espacio de refugio y de relación social también, un gran salón a cubierto de la intemperie, de la lluvia, el sol y el viento. Y ese espacio interior que Juan López Freire supo ver de esa manera tan bella, fue pintado así, de esa misma forma, unos 150 años antes, en un lugar alejado de Compostela, por un pintor que hoy nos parecería agitado por una extraña obsesión, obsesión que para Pieter Neefs “el mayor” no era seguramente nada más que su oficio: el pintar una y otra vez el interior de la catedral de Amberes, la ciudad donde había nacido y donde murió. Sus numerosos cuadros de interiores de la iglesia la retratan de noche y de día, en sus actos litúrgicos y en su vida cotidiana, en que el interior del templo recoge el tiempo de la ciudad toda, interior en que Pieter Neefs supo ver la oración y el recogimiento, pero también el deambular de la gente, la conversación y hasta el correr y el despulgarse de los perros y el juego de los niños, la misma vida que también intuyó Juan Freire en la gran iglesia de Santiago casi siglo y medio más tarde al dibujarla de esa manera en su plano.
José Valladares
santiago de compostela. noviembre 2012
nota: Imagen izquierda: Juan López Freire_ Santiago de Compostela_Plano de 1796 Imagen derecha: Pieter Neefs «el mayor»_Interior catedral de Amberes_ca.1640_ V&A Museum_ Londres
Filmada en las Piscina das Marés (Álvaro Siza, 1959-65), SIZÍGIA procura usar las imágenes en movimiento, no sólo como un método de representación de la arquitectura, si no más como un proceso de investigación del espacio que explora sus cualidades narrativas y el sentido de lugar dado por el uso, los materiales, la luz y el sonido.
Las JORNADAS MUJER Y ARQUITECTURA: EXPERIENCIA DOCENTE, INVESTIGADORA Y PROFESIONAL se enmarcan en el contexto de un proyecto de investigación más amplio y su objetivo es fomentar el debate en torno al tema mujer y arquitectura desde la perspectiva del propio trabajo, se realice éste en campo del ejercicio libre, de la docencia, de la función pública, o en relación con otra actividad fuera de los cauces convencionales, pero no por ello con un contenido menos arquitectural. Se organizan dos jornadas consecutivas, en la primera de las cuales se aborda el tema desde un ámbito general, con la participación de Carmen Espegel y de Zaida Muxí, profesoras ambas de las ETS Arquitectura de Madrid y Barcelona, respectivamente. A Carmen Espegel se le ha propuesto como tema el de las pioneras, aquellas mujeres que han iniciado la senda de la arquitectura como dedicación profesional rompiendo roles social y profesionalmente predeterminados, mientras que a Zaida Muxí se le ha encomendado que nos hable de las primeras generaciones de las arquitectas catalanas en relación con un territorio y una identidad propia. Una mesa redonda vespertina en la que participarán las dos ponentes citadas así como diversas profesoras de la ETS Arquitectura de A Coruña cerrará esta primera jornada.
En la segunda jornada el tema se centra en la mujer y arquitectura en Galicia, desde la proximidad que proporciona una exposición con un formato de 5×18, cinco ponentes con dieciocho minutos de intervención para cada uno de ellos. Se desenvolverá esta sesión con la participación de profesionales de distintas generaciones y cuyo trabajo discurre en ámbitos diversos, bien como protagonistas en el caso de Chus Blanco, Cristina Ouzande, Lucía Ruiz o Sivia Blanco, bien como espectador y compañero en el caso de Ignacio Cerrada. La jornada finalizará con una mesa de trabajo y discusión en la sesión de tarde en la que participarán las ponentes, los investigadores integrantes del grupo MAGA y un número restringido de invitados.
Nueva York en 1980 según Just Imagine (David Butler, 1930)
En una entrada de mi blog escribía sobre la nueva revista de cine y arquitectura Teatro Marittimo, creada y dirigida por David Rivera. En su primer número, dedicado a utopías construidas, publicaron un artículo mío titulado «El presente como utopía» y subtitulado «vista de la ciudad actual desde el pasado», sobre cómo en las películas de ciencia ficción se imaginaron las ciudades que en ese momento eran el futuro y ahora ya son nuestro pasado, desde la década de los cuarenta, hasta el entonces mítico comienzo del Siglo XXI. Películas como Just Imagine, estrenada en 1930 y en la que se imaginaron cómo iba a ser el Nueva York del año 1980, quizás por tratarse de un buen y conocido ejemplo, David puso la fotografía que adjunto al principio del artículo.
Como ya he hecho en otras ocasiones, copio aquí sólo el principio de este artículo, porque la revista aún está en las librerías y se puede leer en papel, por eso hay que comprarla, entre otros motivos, para garantizar su subsistencia.
«La palabra utopía procede del griego y etimológicamente puede tener dos orígenes, uno significa «buen lugar» y el otro, «no lugar». Ambos se refieren a un sitio, en el primero se trataría de uno óptimo, pero en el segundo se descubre un grave problema, es un sitio que no existe. Un lugar, un espacio que casi siempre se encuentra edificado de forma parcial o es totalmente urbano, que ha sido descrito con palabras y representado gráficamente en muchas ocasiones, teniendo configuraciones arquitectónicas y urbanísticas muy diversas, pero que sólo ha podido recorrerse en movimiento gracias a la imagen cinematográfica, televisiva o de los videojuegos.
El propio cine puede considerarse como una utopía «un ningún lugar de la imaginación, donde el espacio es la dimensión crucial» (Darke 2007: 27), precisamente por la importancia de sus cualidades espaciales, incluso arquitectónicas, porque, como escribe Anne Hurault-Paupe:
«en el cine, la noción de utopía denomina un cierto tipo de relaciones entre lugares […] se puede considerar como el cine crea los «lugares de la nada» (en el caso de una película de ficción, el espectador, confinado en una sala oscura, está inmerso en un mundo ficticio -la diégesis- que se manifiesta por la imágenes en movimiento y los sonidos) […] Así, cuando el cine, en las salas oscuras, muestra las ficciones que tienen lugar en espacios calificados como no reales y cuyo significado es el sueño de un mundo ideal, está sumamente cargado de utopía» (Hurault-Paupe 2007: 50).
Teniendo en cuenta estas relaciones, antes de continuar, es necesario establecer dos premisas, la primera sobre el término distopía, una palabra que al parecer fue creada por Stuart Mill a finales del siglo XIX, casi al mismo que las utopías literarias se convertían en utopías negativas, recuérdese entre otras: Cuando el dormido despierte (Wells, 1899), El talón de hierro (London, 1908), Nosotros (Zamiatin, 1924), Un mundo feliz (Huxley, 1932) y 1984 (Orwell, 1949); como opina Danièle André
«la distopía corresponde a un deseo de la utopía, representa su pulsión de muerte: el objetivo último de la utopía es la distopía» (André 2005: 166);
por ello, al hablar del futuro de la ciudad en el Cine, ese que en realidad ahora ya es el pasado, no se distinguirá entre lugares utópicos y distópicos. La segunda premisa es el estricto objeto de estudio de este artículo: sólo aquellas películas visionarias, casi siempre pertenecientes al género de ciencia ficción, en cuyo argumento se indica exactamente el año cuando trascurre su argumento y, por supuesto, cuando éste sea anterior a 2011.
Los pacíficos 40
1940, Londres es una gran capital, como se ve cuando un autogiro despega desde el techo de un edificio e inicia el vuelo sobre el Támesis, donde se cruza con bastantes aeronaves, todas ellas propulsadas por hélices; mientras en las márgenes del río se han construido edificios, la mayoría con aeropuertos en sus azoteas, de estilos eclécticos, poco estilizados, sin demasiado atractivo arquitectónico y bastante más altos que la Torre del Reloj del Palacio de Westminster, que puede verse a los lejos, casi sepultada entre estas edificaciones.
Este Londres pertenece a High Treason (Maurice Elvey, 1929), cuyo cartel muestra una arquitectura aún más avanzada que las propias imágenes de la película y en el que aparece, además de un, al parecer inevitable, aeropuerto en lo alto de un edificio, un gran dirigible pasando por debajo de un viaducto sobre el que circulan ferrocarriles y se lee «1930′ VISION OF 1940».
La crítica del momento destacó todo este derroche de tecnología futurista «con viva imaginación y gran realización técnica [Maurice Elvey] ha producido imágenes de lo que el mundo podría ser en 1940 lo que, sin duda, atrae la atención. Son interesantes, incluso si uno no las considera convincentes. Pero, ¿Será Londres una ciudad robot en un tiempo tan corto como dentro de diez u once años? Puede haber un nuevo puente en Charing Cross, pensando que no es seguro; y puede haber incluso un túnel del Canal de la Mancha, lo que es aún más incierto. Los helicópteros pueden ser de uso común y los aviones pueden aterrizar y despegar de las cubiertas de edificios de muchos pisos haciendo sombra a la cúpula de San Pablo. Puede que no haya periódicos, que la radiodifusión haya suplantado al London Times y las revistas que son publicadas por Lord Rothemere y Lord Beaverbrook cada mañana y tarde en este año de gracia. Pero Maurice Elvey no convence a nadie que las imágenes que presenta tan admirablemente sea probable que prevalezcan en un espacio de tiempo tan corto como el de diez años a partir de ahora» (Marshall 1929). A pesar de la admiración por lo que se ve en la película, el crítico duda razonablemente sobre la posibilidad de su existencia y es cierto que en cuanto a la ciudad, afortunadamente no se ha podido ver salvo en las pantallas cinematográficas. Una admiración que ha continuada incluso años después, «destacan los rascacielos de estilo Tudor de cincuenta pisos» (Ackerman 1997: 179), cuando en realidad, basta contar las plantas de los que se ven, para comprobar que sólo tienen alrededor de veinte.
Es evidente que este aspecto de la producción era el más importante, así lo enfatiza el press-book de la película: «una historia como ésta ofrece oportunidades para efectos visuales y sonoros únicos, y la película nos muestra Londres en 1940, con el nuevo Puente de Charing Cross, calles de dos pisos, aeroplanos, aeronaves y helicópteros que ascienden y aterrizan en los techos de edificios en el corazón de la City; uso diario de la televisión, noticias difundidas simultáneamente en sonido e imagen, el Túnel del Canal en funcionamiento, el club nocturno del futuro con sus instrumentos mecánicos de música de jazz y damas esgrimistas cuando se convierte en cabaré; modas de 1940, con más pieles para las mujeres y camisas de suave seda y pantalones hasta la rodilla para los hombres; en definitiva, una época de maravillas científicas y sorpresas en el vestir» (Soister 2004: 99).No se debe dejar de mencionar otro Londres del futuro, esta vez sin fecha, pero antecedente del citado, el mostrado por el cortometraje de The Fugitive Futurist (Gaston Quiribet, 1924), donde a través de un aparato se pueden ver las olas rompiendo en pleno Trafalgar Square, el Strand lleno de carteles luminosos, un enorme dirigible atracando en la torre del Parlamento y, como explica un intertítulo, «Tower Bridge resolverá los problemas de tráfico» porque por debajo discurren unas vías ferroviarias, mientras por su parte superior circulan trenes elevados y «la ciencia revolucionará los métodos de edificación», como explica otro intertítulo y a continuación, tras mostrar cuánto tarda un obrero perezoso en colocar un ladrillo, se ve una pared de ladrillos levantándose sola sin intervención humana; lástima que al final se descubra que el aparato en realidad sólo contiene unos ladrillos y su inventor es reconducido al manicomio de dónde se ha fugado, por lo que todas las maravillas que ha visto el espectador son elucubraciones que les ha narrado un loco.
Volviendo al Londres de High Treason, hay gran tensión en las fronteras entre los Estados Atlánticos y los Estados Federados de Europa, la Liga Mundial de la Paz intenta evitar los conflictos, sin embargo, los esbirros de una empresa de armamento hacen estallar una bomba en un tren justo en el túnel del Canal de la Mancha, para provocar la conflagración; Europa moviliza a sus hombres y mujeres, las seguidoras de la Liga rodean a los bombarderos impidiendo que despeguen y cuando el Presidente de Europa está a punto de declarar la guerra, el líder de la Liga lo mata, evitando la hostilidades; pero no se puede impedir que éste sea condenado y ejecutado, convirtiéndose en un mártir por la Paz.A principios de los años cuarenta el hombre más poderoso del mundo, un dictador corrupto, sigue explotando la máquina que, cuando era minero hace veinte años, le dio un extraterrestre al que se encontró en la mina, esta máquina le permite crear energía ilimitada, dándose cuenta de sus terribles actos y antes de que su malvado hijo haga un mal uso de ella, decide destruirla, como puede comprobarse en Algol (Hans Werckmeister, 1920), todo ello en unos años cuarenta cuyos ambientes son abstractos con líneas quebradas y tonos contrastados propios del expresionismo, espacios que por su diseño atemporal, lo mismo sirven parta los años veinte cuando comienza la historia, como para el Mundo de dos décadas después.
En 1940, como cuenta Non Stop New York (Robert Stevenson, 1937), un avión a reacción trasatlántico unía Londres con Nueva York. La primera capital tuvo más suerte que Nueva York, porque en 1940 sufrió un ataque aéreo en el que las bombas destruyeron el Empire State Building, a causa de la Segunda Guerra Mundial, que enfrentó a EE. UU. con la Confederación de Estados Euroasiáticos, profetizada por Los hombres deben pelear (Men Must Fight; Edgar Selwyn, 1933). El Empire State era ya el símbolo de la metrópoli y por ello, como se verá más adelante, aparece y además es destruido, en múltiples películas. Tampoco tuvo suerte Everytown, un trasunto de Londres, ya que ese año comenzaron los bombardeos sobre la ciudad, El mundo futuro (Things to Come; William Cameron Menzies, 1936). Algunos desgraciadamente sí acertaron con sus predicciones. Moscú 1946, en Kosmicheskij reis, (Vasili Zhuravlyov, 1936) puede verse «una torre coronada por una figura con alas, que está sobre el edificio del Instituto para Viajes Interplanetarios, adosado a ese edificio hay un cuerpo edificado con una cúpula de la que parte una inmensa rampa de lanzamiento construida con perfiles metálicos, bajo ella, circulan vehículos por grandes avenidas, al fondo, tras lo que parece un vasto parque, se ve la ciudad y sobre ella, compitiendo con la torre que se acaba de mostrar, sobresale el Palacio de los Soviets de Boris Iofan, Vladimir Schuko y Vladimir Gelfreikth, que resultó ganador del famoso concurso de 1933» así como un «cohete sostenido por un complejo entramado metálico, dentro de un hangar construido con arcos parabólicos de hormigón, como los hangares para dirigibles que construyó Eugène Freyssinet en Orly en 1923″ (Gorostiza 2007: 23). La Segunda Guerra Mundial no ha dejado sus espantosas secuelas en este Moscú y gracias a la Paz que se vive, sus científicos pudieron incluso construir un cohete que los trasladó a otros planetas»…..
Hasta aquí el comienzo de mi artículo, como siempre en este blog, el que quiera terminar de leerlo tendrá que hacerlo sobre papel, comprando la muy recomendable revista Teatro Marittimo, por ejemplo en la librería madrileña 8 1/2.
Jorge Gorostiza, arquitecto. Autor del blog Arquitectura+Cine+Ciudad
Santa Cruz de Tenerife, noviembre 2011
El jueves 22 de noviembre a las 20:00 horas se inaugura en la sala de exposiciones de la delegación de A Coruña del Colexio Oficial de Arquitectos la exposición «El arpón y la ballena», de Carlos Álvarez y Cristina Sánchez.
La exposición cuenta de tres partes:
1. Fotografías, que pertenecen al proyecto que da nombre a la exposición, «El arpón y la ballena», y es una selección de imágenes recopiladas de viajes por Estados Unidos, México y Europa.
2. Estructuras, construidas por Cristina expresamente para estas imágenes y esta sala. Trabajadas en hierro, llegan a los 250 cm de altura y juegan con la dimensionalidad de la imagen dentro del espacio.
3. Diaporama, que es el culmen de la instalación. Se trata de una especie de cortometraje, realizado con una selección más amplia de fotografías del mismo proyecto, que avanzan mientras una voz en off narra una historia.
Autores
Cristina Sánchez (A Coruña, 1985) arquitecta y fundadora de la marca Sansoeurs jewerly, ha trabajado en estudio de Sanaa en Tokio y ha sido galardona con varios concursos internacionales de arquitectura.
Carlos Álvarez (Madrid, 1981) inicio su carrera como fotógrafo a finales de los 90, cuando colaboraba con publicaciones como Vogue, Elle, El Pais… desde mediados de la década pasada ha gozado de exposiciones tanto individuales como colectivas en galerías y museos de ciudades como Madrid, París, Berlín o Barcelona.
El arpón y la ballena Sala de exposiciones de la delegación de A Coruña Federico Tapia 64, bajo 22 noviembre – 22 diciembre 2012
Rehabilitación y renovación de una vivienda y sus construcciones auxiliares, situada en la parte alta de una amplia parcela con pendiente al mar. La intervención diversifica su mirada y genera umbrales y cruces entre espacios, haciendo explícita la relación entre lo que existe y aparece, valores tratados con la misma intensidad hacia una nueva permanencia.
El lugar que lo envuelve todo se llama Redonda. La construcción, solitaria, por la que habían pasado muchas manos, domina un gran espacio cultivado que, con pendiente suave, llega hasta el mar. Se trata de una casa que también es otra.
Deliberadamente antigua y nueva a la vez. Mantiene sus detalles, los muros de piedra que la envuelven y las construcciones anexas. Límites y trazas, posición y presencia en el espacio, no cambian. Pero la mirada es diferente, ampliada, abrazando con las paredes originales una nueva fachada al mar. Casa y casita de invitados lo hacen, reivindicando el horizonte y la puesta de sol sobre Cabo Fisterra.
Las habitaciones, espacios de doble memoria, contienen un modo de habitar entre planos contrapuestos en forma, dimensión y significado que remueven tiempo e historia hacia una nueva permanencia. En la planta terrea, nuevos recorridos y patios configuran un conjunto de espacios que, en su dejarse atravesar, rodear e influir por el ambiente exterior, cambian centralidad por apertura.
Las pequeñas intervenciones, abriendo huecos que conectan transversalmente espacios exteriores a uno y otro lado, crean recorridos nuevos que relacionan diferentes formas de estar y acceder en torno a la vivienda.
Como prótesis que se introduce en el volumen existente, la galería de mármol se prolonga lateralmente hacia el interior en las tres plantas, dando forma a los baños, el ascensor y una escalera concebida como grieta sinuosa, cuya talla precisa la convierten en un vacío pétreo e independiente de la casa.
Título: Casa en Redonda
Autores: Juan Creus y Covadonga Carrasco
Colaboradores: Bárbara Mesquita, Alexandre Antunes, Belén Salgado, Nuria Casais.
Promotor: H+M
Aparejador: Raquel Castro Vázquez
Constructora: J. Manuel Rodríguez
Estructura: Suárez y García
Fotógrafo: Xoan Piñon / CREUSeCARRASCO
Localización: Redonda
Fecha de proyecto: Octubre 2009
Fecha fin de obra: Febrero 2012
Superficie útil: 338 m2 superficie construida: 446 m2 + creusecarrasco.es
La Plataforma de la edificación Passivhaus organizó en Octubre de 2011 el 1º Concurso Iberoamericano Passivhaus con el objetivo de analizar la situación actual de los edificios de consumo casi nulo en España e Iberoamérica y sacar conclusiones con respecto a la posibilidad de llegar al estándar marcado por la Directiva Europea (2010/31/UE) en el 2020. Los proyectos seleccionados en el concurso han sido elaborados bajo parámetros de eficiencia energética con un consumo casi nulo y la mayoría de ellos bajo el estándar Passivhaus, además de presentar otros criterios de sostenibilidad.
Los proyectos seleccionados pasaron a formar parte de una exposición itinerante que el PEP ofrece para su distribución por toda la península. Tuvieron una buena acogida en Asturias, Segovia, Madrid, Valladolid y Valencia.
Desde CASADOBE tenemos el interés de que este estándar energético se divulgue, por lo que solicitamos al PEP el traslado de la exposición a nuestra comunidad. Además se realizará una exposición paralela sobre los principios básicos de Passivhaus y bioconstrucción, así como de trabajos realizados por el estudio.
Como complemento al ciclo se organizarán los días 1 y 22 de diciembre VISITAS GUIADAS a una CASA PASIVA en Portonovo que está en fase de obra. La entrada a las charlas y a la exposición es gratuita . El aforo es limitado así que para asegurarte el acceso deberás confirmar tu asistencia mediante correo o teléfono: eventos(a)casadobe.es, 986 84 70 69.
El Congreso EQUIciuDAD2012 es un evento organizado por el Vicerrectorado del Campus de Gipuzkoa de la UPV/EHU y comisariado por la Asociación Sinergia Sostenible.Para esta segunda edición repetimos sede en el Centro de Datos Avanzados y Biblioteca del Campus de Gipuzkoa Carlos Santamaría.
Pero ¿qué es EQUIciuDAD2012? Este Congreso ha sido ideado con el fin de dar a la EQUIDAD el lugar que le corresponde dentro del concepto de la ARQUITECTURA Y URBANISMO SOSTENIBLE. Para ello, se ha realizado una rigurosa selección de ponentes y participantes que están trabajando en esta línea.
El congreso combina tres formatos que, creemos, lo hacen claro, ágil y, sobre todo, muy rico en contenido. Por un lado, tenemos las ponencias principales, por otro están las salas de comunicaciones y debate y, por último, tendremos una sesión de diálogo y debate hibridada; es decir, habrá ponentes es vivo y otros en el entorno “online” pero, igualmente, en directo. Con todo ello, se pretende que el congreso tenga mucha interacción y que el público asistente participe de manera activa en las dos jornadas.
2. Objetivo del congreso
Desde la organización del congreso EQUIciuDAD2012, estamos convencidas que la sostenibilidad, a día de hoy, se encuentra con dos escollos complicados que tiene que librar. Por un lado, el término ha sido usado de manera mediática, llamando sostenible a casi cualquier cosa, por lo que se ha vaciado de contenido y por otro lado, vemos que, en muchos casos, no se tiene una idea clara de lo que realmente significa la sostenibilidad.
Por ello, la intención del congreso es intentar llenar de valor al concepto que representa la palabra sostenibilidad y, a su vez, aclarar lo que significa que la arquitectura y el urbanismo sean, realmente, sostenibles.
Para conseguirlo, se evita cualquier confusión entre lo que es la bioconstrucción y lo que es la arquitectura bioclimática, lo que es la arquitectura bioclimática y lo que es la arquitectura ecológica y, por último, lo que viene a ser la arquitectura ecológica y la arquitectura sostenible. Con este fin, creemos que es fundamental entender el concepto de la sostenibilidad como si fuera un taburete que se apoya en tres patas: la equidad, la ecología y la economía. Es decir, las famosas 3-E. Así que, durante los dos días que dura el evento apostamos por la Equidad como eje conductor de las ponencias, diálogos y talleres. A su vez, el primero de los días se centra en los procesos de participación ciudadana, la parte inmaterial de la ciudad, y el segundo se enmarca en la escala de la ciudad y Nuevas Tecnologías.
3. RESUMEN DEL PROGRAMA
En esta ocasión el congreso se ha enfocado desde una perspectiva más científica y gran parte del mismo estará formado por salas de comunicación y debate. Aún así, también tendremos ponencias de apertura y clausura, de la mano de Santiago de Molina y Juan Freire. El broche final, estará a cargo de uno de los ponentes del año pasado, Miguel Ángel Díaz Camacho. También, tendremos agradables novedades como una edición especial de Think Commons con Domenico Di Siena @urbanohumano como maestro de ceremonias.
Acordaros que el plazo de inscripción con la tarifa reducida termina pronto y las plazas son limitadas.
JUEVES 13 de diciembre
08:30-09:30
Recepción de visitantes. Acreditaciones. Registro y entrega de documentación. 09:30-10:00
Inauguración del congreso:
Representante del Vicerrectorado del Campus de Gipuzkoa de la UPV/EHU + Sinergia Sostenible
10:00-11:30
Conferencia de apertura:
SANTIAGO DE MOLINA _ “Arquitectos, arquitectura y participación ciudadana”
11:30-12:00
PAUSA CAFÉ
12:00-14:00
SESIONES DE COMUNICACIONES Y DEBATES
PAUSA
16:00-17:30
SESIONES DE COMUNICACIONES Y DEBATES
17:30-18:00
PAUSA CAFÉ
18:00- 20:00
THINK COMMONS _ “La participación ciudadana en la nueva Era Digital”
2. PROGRAMA _POR SALAS DE DEBATE _ EQUICciuDAD 2012, aquí.
3. PROGRAMA _ POR AUTORES Y TEMÁTICAS _ EQUICciuDAD 2012,aquí.
4. Comisariado: Sinergia Sostenible
Sinergia Sostenible pone nombre al lugar de encuentro donde se fusionan las ganas de saber y de dar a conocer qué es la sostenibilidad, para buscar el mejor camino de llegar a ella. Este lugar está habitado por Amaya González, Lorenzo Barnó, Leire Garaikoetxea, Ana Enguita, Agnieszka Stepien, Conrado Muñoz y Uxua Domblás y quiere ser un punto de referencia para nuestra práctica como profesionales de la arquitectura y la sostenibilidad.
¿Qué hacemos? Nuestra actividad se sustenta en tres pilares básicos:
1. La realización de talleres de arquitectura y sostenibilidad con los más pequeños.
2. La publicación (comunicación y difusión) de arquitectura y sostenibilidad.
3. Actividades que difundan la arquitectura sostenible, como pueden ser la realización de charlas o comisariado de eventos y congresos.
Filosofía de Sinergia Sostenible Creemos que una de las labores más importantes que hoy en día tenemos los técnicos y arquitectos es la de emplear nuestras energías en diseñar los mecanismos que permitan lograr un hábitat en equilibrio con el planeta que lo sustenta, un hábitat sostenible que satisface las necesidades de las generaciones presentes sin comprometer el futuro de sus descendientes. A su vez, la sostenibilidad engloba también los elementos sociales y éticos; la entendemos como una actitud global que refleja el respeto por nuestro entorno y por los demás.
Precisamente es este respeto y conciencia de la que surge lo que entendemos sería la base de cualquier tipo de acción educativa. Por lo tanto, intentamos enfocar las actividades que desarrollamos desde la conciencia de las necesidades que tiene cada uno de los habitantes del planeta respecto al concepto de habitar.
Aquí, nos podemos remitir a la definición del hecho de habitar que nos proporciona el filósofo alemán Heidegger. Para él los conceptos de construir, habitar y pensar son inseparables.
Creemos que en este campo, como en otros, es muy importante crear una sinergia multidisciplinar en esa dirección, una multiplicación de las fuerzas.
EQUIciuDAD2012
Dónde: San Sebastián.
Cuando: Jueves 13 y viernes 14 de diciembre 2012
Organización: UPV/EHU
Comisarios: Sinergia Sostenible.
Web del congreso: http://equiciudad.es/
Correo de información: info@equiciudad.es
Redes sociales:
En Twitter: @Equiciduad
Hashtag #EQUIciuDAD2012
En Facebook _ http://on.fb.me/tLwoWX
Experto en planificación urbana y territorial, Manuel estuvo preparandose para hablar sobre el territorio como fuente de inspiración. Preparando esta sesión vivió un proceso interno el cuál le hizo finalmente cambiar su charla para compartir sus pensamientos sobre la vida y nuestras conexiones.
Sobre Manuel Borobio
Una vida de idas y venidas en los campos de acción más diversos pero siempre con relación a la ordenación del territorio. En el inicio trabajo en Cooperación Internacional qué le llevó a Palestina donde entendia, que las ciudades podían ser, bonitas y al mismo tiempo una prisión. De esta última aventura ha trabajado en los proyectos relacionados con la investigación y desarrollo por una administración más transparente, ágil, lógica y creativa de nuestro territorio.
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In the spirit of ideas worth spreading, TEDx is a program of local, self-organized events that bring people together to share a TED-like experience. At a TEDx event, TEDTalks video and live speakers combine to spark deep discussion and connection in a small group. These local, self-organized events are branded TEDx, where x = independently organized TED event. The TED Conference provides general guidance for the TEDx program, but individual TEDx events are self-organized.* (*Subject to certain rules and regulations).
El famoso mapa de Tomás Moro de la utopía publicado en 1516
Si tuviéramos que enmarcar tres actitudes diferenciales en el desarrollo del pensamiento utópico en los años 60, una posible selección sería Constant, Superstudio y Koolhaas. Si New Babylon de Constant, en sus diferentes manifestaciones llegó a las antinomias de la utopía y Superstudio agotó las energías de la utopía negativa, parece razonable afirmar que Exodus concluyó la trayectoria de la década de los 60. Exodus fue el punto culminante de esta trayectoria de utopías, y a su vez marcó un punto final. El resumen de poco más de una década, que concluye haciendo hincapié en la ambigüedad esencial de la arquitectura.
El resultado inmediato de lo anterior fue el abandono al llamamiento público a la utopía. La edad de las megaestructuras se acabó, el dominio de la postmodernidad comenzó a establecerse. Echando la vista atrás a este período, sin embargo, parece necesario volver a evaluar la condena silenciosa de la utopía. Tenemos que preguntarnos por las razones del desprecio colectivo al pensamiento utópico. Normalmente se argumenta que el pensamiento utópico es peligroso, porque la utopía tiende a convertirse en su contrario o debido a sus aspectos totalitarios. Sin embargo, no debemos aceptar este razonamiento en su valor nominal. Después de todo, es igualmente utópico pensar que nosotros mismos nos adiestramos en imaginar una arquitectura mejor que se corresponda con otro mundo mejor. Incluso si es perfectamente previsible que una alternativa no sea ideal, es crucial explorarla como una posible vía para la mejora de la calidad de vida colectiva. Eso es lo que los experimentos utópicos de los años 60 estaban estudiando, en toda su ingenuidad y crudeza. Si bien se hace difícil compartir su optimismo hoy día, deberíamos al menos considerar necesario el continuar la lucha que iniciaron originalmente sus deseos de utopía.
Aún asumiendo el fin de fiesta que supuso la crisis energética del año 1973 y que abriría las puertas a una devastadora marea de relativismo cínico, incapaz de echar un cabo al vibrante pensamiento utópico de los 60, vale reconsiderar ese periodo como el punto de inflexión entre un modelo de pensamiento lineal basado en lo local y un modelo basado en la lógica de un sistema mucho más complejo, de realidades superpuestas de ámbito global, reflejado en el uso de geometrías más y más complejas, más impuras, más interrelacionadas, que la socialización del ordenador acabará por hacer implosionar.
Podríamos decir que los principales actores de los convulsos años 60 cayeron en la cuenta que la magnitud de los problemas y por tanto la escala de las soluciones correrían paralelos al incesante incremento del vector complejidad. La prueba irrefutable de la toma de conciencia del principio del reinado de lo complejo fue la respuesta global de las construcciones utópicas. Mediante la utopía se intenta abarcar la complejidad planteada por una situación insostenible. Paradójicamente el pensamiento utópico solamente consigue echar más leña al fuego de lo complejo y como era de esperar, no consigue transformar el mundo de cabo a rabo… o quizás si…
En otras palabras, las utopías se pueden entender como manifiestos de la complejidad.
Lo utópico tiene el poder de transformar el modelo de pensamiento desde el mismo momento en que ha sido manifestado. Las utopías tienen la cualidad de generar un gap, un salto conceptual, un antes y un después. Quizás este sea el auténtico legado de los años 60, si bien, como es evidente, los problemas que empezaban a anunciarse en esa década, derechos para las minorías, conciencia ecológica, nacimiento de una nueva individualidad, responsabilidad social a todos los niveles, el nuevo modelo tecnológico, no fueron resueltos por las utopías, sí que es cierto que estas por el mero hecho de construirse, de pronunciarse, en definitiva de proyectarse, ya cambiaron radicalmente el status quo.
Si bien en los anteriores post se ha puesto la atención a tres proyectos y sobre todo a tres actitudes frente a lo utópico que enmarcan perfectamente el recorrido desde principios de los 60 hasta principios de los 70, la producción de utopías es fascinante tanto en número como en calidad conceptual de las propuestas. Como auténticas epifanías de temas aún hoy día encima de la mesa, las utopías de los 60 revelan todo un enjambre de reflexiones extraordinariamente pertinentes.
Desde los sueños ecológicos de Paolo Soleri y su Arcosanti, por cierto la única utopía construida que ha llegado a nuestros tiempos todavía activa y visitable en el desierto de Arizona,1 las utopías de movilidad urbana del Group Espace et d’architecture mobile GEAM de Yona Friedman, todos los textos y propuestas del Situacionismo con Constant y Debord a la cabeza, el extraordinariamente vibrante Metabolismo, aquí también construidas algunas de sus propuestas y reflexiones, las exuberantes construcciones de inspiración científica de Buckminster Fuller y Frei Otto, la Plug-in City de Archigram, el Pottery’s Thinkbelt de Cedric Price, la No Stop City de Archizoom, las Superestructuras de Paul Rudolph, Louis Kahn y Moshe Safdie, etc. revelan una reacción primero al fin de la modernidad establecida y un uso de geometrías cada vez más complejas como herramienta de trabajo para abordar la ambiciosa escala de sus propuestas y el desarrollo después de una febril actividad propagandística de sus ideas.
En términos contemporáneos, dada la situación actual y los inmensos retos a los que nos enfrentamos, una revisión desapasionada y rigurosa del pensamiento y la producción utópica de los 60 se echa en falta cada vez más.
No vamos a volver al pensamiento utópico en esencia, pero sí que es necesario poner de nuevo nuestras ambiciones al nivel de los retos que tenemos planteados. Si no es así, volveremos a perder nuestra capacidad de incidir en un mundo mejor.
Miquel Lacasta Codorniu Doctor arquitecto
Barcelona, noviembre 2012
Notas 1 La historia y la obra de Paolo Soleri es un ejemplo extraordinario de voluntad. Tuve la oportunidad de visitar Arcosanti en el verano del año 2000 y pasear por el sueño del arquitecto Italo-americano. La idea de Soleri es la de contruir ciudades de unos 6000 habitantes en plena armonía espiritual y natural con el medio. A esta idea la llamó Arcology. Para demostrar la validez de sus ideas desde 1970 la fundación constituida por Soleri se dedica a construir una de esas ciudades mediante donaciones, la venta de productos -son famosas las campanitas de fundición de bronce diseñadas por Soleri- y el trabajo voluntario de cientos de personas. Más información en WILSON, Marie, Arcosanti Archetype, Freedom Editions, Fountain Hills, 1999. También en arcosanti.org.
Situadas dentro del ámbito del Casco Vello de Vigo, en la parte alta, la más degradada y pobre, marginal y a la vez central dentro de la ciudad actual. Las viviendas de tres plantas y espacio bajo cubierta forman esquina entre dos calles estrechas, Cruz Verde y Baixada a Príncipe, ahora II República, con escasa luz y fuerte pendiente, y rodeadas de edificios altos. Otros condicionantes son la necesidad de conservar las fachadas y la posibilidad de subir una planta más.
Se trata en principio de rehabilitar, pero las condiciones en que se encuentran las viviendas obligan a su vaciado, nos quedamos con los muros de fachada preexistentes y trasladamos su orden a la nueva planta que se suma y funde con las existentes.
En el interior se busca la luz y la intimidad, para ello planteamos la ubicación de las zonas de estar en la parte más alta de la casa donde se crea un espacio a doble altura con un gran lucernario.
El importante desnivel de la calle Cruz Verde, por donde se entra a las dos viviendas, se resuelve diferenciando el acceso rodado y el peatonal, realizándose siempre a distinto nivel, a partir de ahí y ya dentro de las casas se crea un recorrido por medio de tramos de escalera adosados a los muros medianeros que nos van entregando en las distintas zonas de las casas.
La fachada existente de piedra se trasdosa con un muro de hormigón. Este nuevo muro junto con los que recogen la escalera y las losas de techos y cubierta sostienen el edificio a la vez que recogen en su interior todas las instalaciones y quedan vistos al interior definiendo la envolvente interior de la casa. Este sistema multifuncional hace posible la limpieza y claridad del espacio interior que se buscaba.
En la fachada de piedra se encajan las nuevas ventanas de madera de cedro pintada, grandes paños que cierran los huecos preexistentes.
Entre la fachada de piedra y la nueva estructura de hormigón se crea una junta resuelta con la misma madera de la carpintería exterior. En ella se encuentra integrado un sistema de acondicionamiento lumínico a base de estores translúcidos y opacos.
Los suelos, también de madera, se extienden por todas las estancias de las viviendas, se busca unificar en lo posible todo el espacio a través del uso de los mismos materiales en todos los suelos, paredes y techos.
Las casas no son exactamente iguales, diferencias de programa y de posición respecto a la calle, una en esquina y otra entre medianeras, condicionan la respuesta. Sin embargo el concepto arquitectónico o la idea de partida es la misma en ambas: la búsqueda de la luz y la intimidad en una zona con un gran potencial pero por el momento todavía marginal en el centro de la ciudad.
Obra: Dos viviendas en el casco vello de vigo
Autores: Villacé y Cominges [José Villacé y Martín de Cominges Carvallo]
Situación: c/ Cruz Verde nº 1 y 3, Casco vello de Vigo, Pontevedra, Galicia, España
Estructura: Antonio Reboreda Martínez
Aparejador: Javier Pozo Fidalgo
Promotores: José Manuel Martínez-Sayanes López y Juan Núñez Gallego
Constructor: Construcciones Suso O Grande
Fotografías: Alfonso Alfonso Lubián [01,02,04,05,08 a 12] Xoán Piñón[03,06,07,13 a 16] cv1 [Cruz Verde n.1] cv3 [Cruz Verde n.3]
Fecha: 2002-2006
+ Premio
XIII premios COAG. Categoría de rehabilitación
Finalista III Premios Enor 2007
El equipo de marido y esposa de Charles and Ray Eames son considerados como los diseñadores más importantes de América. Quizás recordados mejor para sus muebles de madera contrachapada de mediados de siglo y de fibra de vidrio, la Oficina Eames también creó una variedad impresionante de otros productos, tablillas de heridos para militares durante la segunda Guerra Mundial, para la fotografía, interiores, objetos multimedia, gráficos, juegos, películas y juguetes.
Pero sus vidas personales e influencia sobre acontecimientos significativos en la vida americana – del desarrollo de modernismo, a la subida de la era de la informática – menos extensamente han sido entendidas. Relatado por James Franco, Eames: El Arquitecto y el Pintor son la primera película dedicada a estos genios creativos y su trabajo.
Con Utopians and visionaries 1871-1981 y otras exposiciones como Poetry must be made by all! o la controversial Hon, Pontus Hultén, historiador de arte y curador nacido en Suecia en 1924, dejaba claro que para él el museo era, literalmente, ‘espacio disponible’ para las expresiones marginadas del teatro, la ópera, las ciencias o las artes en general: todo lo que no tuviese cabida en el circuito cultural establecido podía encontrar un lugar en el museo. Esa actitud anunciaba su futuro como director fundador del Centro Georges Pompidou en París, inaugurado en 1977 y tan cercano a las utopías de fines de los sesenta.
La misma mirada anima la reflexión que ARQ81 intenta estimular: si la cultura es el conjunto total de modos de vida, creencias y costumbres de un grupo o época, el espacio para la cultura debiera ser necesariamente un ámbito colectivo y de participación; una instancia de intercambio, juego y encuentro y, ante todo, un campo no resuelto, donde aún hay espacio disponible. La inmunidad a la norma legal y social de las animitas en Chile, la celebración de fiestas multitudinarias en las calles catalanas, el replanteo de la estructura de una biblioteca pública en Seattle y los proyectos de arte en las barriadas de Quito que este número presenta hablan, justamente, de ese espacio en blanco que levanta sus barreras y posibilita la construcción espontánea y colectiva de nuevas realidades.
En esta edición nos complace compartir con ustedes la trayectoria de Juan Manuel Peláez, este joven arquitecto colombiano que con tan solo quince años de trayectoria ha logrado consolidar su obra por demás interesante y enriquecedora. En los quince años de intenso trabajo y reflexión, el arq. Peláez ideó y construyó obras de escalas y programas tan variados que van desde las casas Gris y Horas Claras o el Colegio Bureche, hasta la plaza Cisneros en Medellín e incluso su propuesta junto a Zaha Hadid para el Concurso del Centro Internacional de Convenciones de Bogotá.
Todas sus experiencias forman parte de su hacer, desde la música, los libros, sus amigos, sus viajes… Todo es influencia, disparadores frente a la hoja que no está en blanco, sino que está marcada con el sello de agua del encargo, del lugar y su tiempo, y de esta amalgama surgen las ideas que conforman el proyecto. No reniega de la tecnología ni se casa con ella. Cada obra es un proceso único, pensada a partir del material necesario y con la resolución técnica y tecnológica apropiada, justa. Nada está de más y nada está de menos. Todo pensado para generar espacios que atraviesen la vida de quienes los vivan y la enriquezcan.
Una tienda de campaña en Reinante y la casa de vacaciones de la familia Meijide en Barreiros
Tenía diez u once años cuando pasé mi primer verano en Galicia en 1979, el primero en el que también empecé a pensar en la arquitectura al margen de los recuerdos de las obras de ingeniería que había visto acompañando el entorno de trabajo de mi padre. Me explico, empecé, ese verano, a ver la arquitectura no en la intuitiva manera en que Aldo van Eyck nos indica que los niños descubren las cuestiones básicas de la arquitectura, antes de los cinco años, como juego exploratorio del arriba y abajo, del dentro y fuera, sino mirando algo más allá, con la vanidad que te da esa edad fronteriza en la que ya te dejan tener y manejar tu primera navaja, aunque realmente no corte.
A partir de ese primer verano, visitamos a nuestra familia que pasaban sus días de descanso en la costa de Lugo de una manera diversa y casi contrapuesta, pues mientras, una parte de mis tíos y primos hacían acampada en el antiguo camping de la dunas de Reinante, otra parte de la familia residían en algunos de los pequeños chalets de playa de la colonia de Barreiros, también inmediatos a la playa.
Esas dos formas, vamos a decir de estar, de pasar o localizarse temporalmente para el descanso, bien en un camping o bien en una casa de veraneo eran obviamente parecidas en el objetivo del propuesto descanso estival pero, en el fondo, muy diferentes en su forma de conseguirlo. Hoy, con la distancia y el tiempo de por medio, lo que me sigue interesando desde la arquitectura es lo mismo que me enriqueció y sorprendió como niño aquel verano y los sucesivos, viendo la diferencia, entre dos maneras de estar en el mundo, una más estática y otra más nómada. Muy especialmente, me sorprendió y sigue haciéndolo, la riqueza en sensaciones del aprendizaje del habitar frágil y fronterizo en una tienda de campaña o en una roulotte, dentro de un espacio colectivo de responsabilidades cívicas comunes y sencillas de un camping, que es una ciudad en miniatura. Aquellos días afloró en el niño ciudadano, no arquitecto, el sentimiento de lo básico a través de la habitación, en un espacio mínimo construido por una estructura ligera que mantenía los sentidos a flor de piel al borde de lo posible. Una arquitectura que está mucho antes de llegar a la imagen de la arquitectura, escuchando y sintiendo la naturaleza casi entrar en la casa circunstancial y al mismo tiempo ofreciendo una sensación de protección y de gran resistencia, que consiguen estas estructuras tan sencillas, frente a la adversa climatología y geografía inmediata exterior.
Todo esto era así en las visitas y estancias más o menos prolongadas en el camping, algo muy fácil de comprender para un niño, una arquitectura que todo lo resuelve con una técnica que casi parece un juego. Sin embargo, nada de esta alegría de lo fronterizo parecía suceder en los tiempos de estancia en las residencias “estables” en la colonia de chalecitos de Barreiros.
Aquella era otra forma de pasar las vacaciones en una pequeña y densa trama de pequeños chalets sin mayor interés arquitectónico pero que manteniendo una densidad en la agrupación se demostraba muy respetuosa con el territorio y geografía inmediata que años después dejó de existir… En estas otras visitas o estancias, no veía yo ninguna riqueza ni alegría mayor de la que me proveía el estar de acampada, ni en el todo, ni en la particularidad de ninguna de aquellas casas, con una única excepción. Esta excepción, sin embargo, está de alguna manera igualmente clavada en mis recuerdos tanto como el habitar enriquecedor en el camping, una pequeña casa con la cubierta de chapa dentro de aquella colonia al borde inmediato del mar.
Digamos que a los ojos de un niño aquella casa era diferente a las demás, y para mis compañeros de verano, otros niños que residían en el resto de casas vecinas, aquella era una casa algo extraña o rara vista según los tópicos del imaginario pequeño burgués de la época. Para mí, que ya había aprendido a escasos metros a habitar la arquitectura frágil pero real de la roulotte y las tiendas de campaña, por el contrario, aquella casa era de una gran proximidad tanto en la expresividad formal de su cubierta como en una intuida alegría del habitar que tenía que ver con esa declarada forma.
Desde aquel entonces no volví ni a Barreiros ni a Reinante hasta casi veinte años después, ya no existía el camping de las dunas de Reinante, (algo que no era del todo incompatible con el entorno y, sin embargo, a cambio sí existe una autovía que llega directamente a la playa de la catedrales un espacio al que no se debería acceder de esa forma o de casi ninguna que no fuera peatonalmente), tampoco existía ya el Barreiros que conocí, el paisaje y la geografía natural inmaculado y fronterizo a la costa, que quedó arrasado por una especulación voraz y una falta de control y responsabilidad pública por todos conocida. Sin embargo, sí seguía existiendo la pequeña y densa colonia original donde recordé que se encontraba emplazada aquella casa, ejemplo de que no es imposible construir con respeto y sentido común al borde de cualquier geografía natural.
Creo que la curiosidad me llevó a visitar aquella casa empujado por un recuerdo amable de la infancia, y de mi primer contacto con la arquitectura de lo nómada que ahora sé que está muy cerca de la arquitectura culta. Y allí estaba, casi perfecta, resistiendo no únicamente al paso del tiempo sino muy especialmente a la desnaturalización del espacio por la mano de la codicia de la construcción deshumanizada de aquellos años. Supe por entonces que aquella casa era el refugio de vacaciones del arquitecto Carlos Meijide (y su familia), y entonces comencé a entender de otra manera la casa que sin embargo ya conocía con la mirada del niño que antes referí.
No era muy diferente a lo imaginado, porque al contrario de las que la rodeaban esta casa nos dice sin entrar lo que es. Es una de las pocas casas que he conocido más tarde como arquitecto, de la que no necesito saber casi de su planta, sólo de la sección expresada en su cubierta, para conocer cual es su verdad. Los quiebros de esa cubierta que son la expresión de una sección que no sólo mira en horizontal, sino en diagonal y vertical, hablando de la razón del pensamiento profundo de la arquitectura con la misma alegría y sinceridad con la que un niño aprende arquitectura en una tienda de campaña sin saber todavía lo que es la arquitectura.
Quiebros que son expresión de la procura de ventilación, de iluminación, de respiro del breve y austero programa expresado en una sencilla y perfectamente articulada planta, dentro de una escasísima parcela. Esa alegría e inteligencia que transmite con su ausencia de pretensiones, dentro de su contemporaneidad, es la que hace de ella todavía hoy, cuarenta años más tarde, una arquitectura de gran intensidad y de riquísima lectura.
Para definir y conocer otros aspectos de la casa, creo basta una breve descripción, técnica y de las sucesivas adaptaciones de la construcción al paso del tiempo, facilitada por el estudio Jorge Meijide-Patricia Marichalar custodios del archivo Carlos Meijide y prolongación natural de la categoría del oficio este gran profesional:
«La casa nunca sufrió modificaciones en su planta ni secciones desde su construcción (de mano de dos únicos albañiles que hicieron todo), pero si en su aspecto exterior, de inicio la cubierta, de chapa de acero plegada Lesaka, estaba pintada en color marrón «chocolate claro» y las contras exteriores de las ventanas en el color natural del pino tea simplemente barnizado .Mas tarde, en la época de las fotos de este reportaje fotográfico presente, en torno a los años ochenta (algo más de diez años desde el inicio de su construcción), la chapa de cubierta, deteriorada por el salitre en aleros y encuentros varios, se repara con fibra de vidrio y se pinta de gris naval oscuro. Las contras, después de años de lijados y barnizados, se pintan de rojo, esto sigue así hasta que en el año 2000 se decide cambiar la cubierta a cobre y eliminar el granulite, ya bastante descompuesto, de las fachadas.«
Carlos Meijide, malogrado en la juventud de su madurez, es un arquitecto cuya obra está por abordar y estudiar de manera científica. Un arquitecto que tiene mucho todavía que enseñarnos a través de muchos de sus proyectos y construcciones casi desconocidas.
Carlos Meijide fue un arquitecto de profundo oficio y cultura arquitectónica, compañero y maestro de varias generaciones de arquitectos, que sigue siendo capaz de emocionar con sus obras a los ciudadanos que las viven, como habitantes o ciudadanos, igual que a los niños de diez u once años…
Luis Gil Pita. arquitecto
santiago de compostela. noviembre de 2012
nota: La planta, secciones, detalle de estructura de cubierta, axonometría y fotografías escaneadas son documentación gráfica original, sin redibujar del archivo actual de Mejide-Marichalar Arquitectos.
El próximo viernes 30 de noviembrea partir de las 22:20h se celebrará en el teatro Jofre la séptima edición de PechaKucha Night Ferrol.PechaKucha Night es un formato de presentación multidisciplinar surgido en Tokio en el año 2003. Se distingue por su formato 20 x 20, en el que cada ponente únicamente dispone de 20 imágenes y 20 segundos para comentar cada una de ellas, lo que se traduce en un total de6 minutos y 40 segundos de creatividad comprimida. El formato PechaKucha se ha celebrado en más de 572 ciudades de todo el mundo en las que profesionales creativos de múltiples disciplinas, estudiantes y empresarios han presentado sus ideas, trabajos y proyectos en un ámbito local con un alcance global.
Javier Moldes Fajardo [Artesanía]
Pedro García Espasandín [Gastronomía]
Carmelo Teijeiro Fernández [Artes Marciales]
Eloy Taboada [Fotografía]
Tomás Romero García [Música]
Óscar Faraldo [Empresa]
Antonio Pérez Cribeiro [Biología]
Israel Iglesias Pena [Medicina]
José Ramón Méndez [Diseño Industrial]
Radio Filispín [Comunicación]
Antonio Pernas [Arquitecura]
Antón Bruquetas y Paulo Alonso Lois [Periodismo]
Ángel Fernández [Oceanografía]
Reserva tus entradas a través de pechakucha@stgo.es, en el teléfono 881 258 026 o en la taquilla virtual del Jofre previo registro. (Butacas numeradas, entrada gratuita). Horario de recogida: de martes a viernes de 11.00 a 13.00 horas y de 18.00 a 20.00 horas en la taquilla del teatro Jofre de Ferrol.
Barrio y vida cotidiana: el ejemplo de los barrios populares de la Barcelona de entreguerras. Ponencia de José Luis Oyon. Arquitecto y profesor de la Universitat Politècnica de Catalunya.
Entre sus libros cabe destacar: Atlas histórico de ciudades europeas; Barcelona, 1930: un atlas social; El cinturón rojinegro y La quiebra de la ciudad popular. Seminari iD Barrio | Barcelona, Creatividad social, acción colectiva y prácticas artísticas, 28 de Noviembre de 2009 en La Capell.
José Luis Oyón (Logroño 1953)
Es doctor en Arquitectura por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona. Es catedrático del Departamento de Urbanística y Ordenación del Territorio de la Universidad Politécnica de Cataluña, adscrito a la Escuela Técnica Superior de Arquitectura del Vallés.
Ha sido miembro del Comité de Arquitectura de la CNEAI (Comisión Nacional Evaluadora de la Actividad Investigadora) durante los años 2010 y 2011, y miembro del consejo editorial de la revista Historia Urbana, y miembro internacional del consejo asesor editorial de la revista Urban History, de la Cambridge University Press.
En la actualidad es Coordinador de contendidos y organizador del Museu del Born de Barcelona, desde 2004 y miembro del comité asesor del proyecto museográfico del Centre de Cultura Industrial de Barcelona desde 2005.
Ha investigado, entre otros, temas de teoría de la ciudad, morfología urbana, urbanismo ecológico y movimientos sociales urbanos.
Con ocasión de la muestra «Bauhaus«, celebrada ante la galería Nacional de Arte moderna (GNAM) de Roma entre el 20 de noviembre y el 5 de diciembre 1961, el profesor.
Emilio Garroni, profesor de filosofía de la estética, entrevista a Walter Gropius que fue el director de la famosa escuela de diseño activa en Weimar en los años 20.
El pasaje es extraído de la transmisión RAI «Artes y Ciencias». En la película, muy interesante, se reconoce también el histórico de la arquitectura Bruno Zevi.
Emilio Garroni
Nació en Roma, el 14 de diciembre de 1925. Filosofo, semiólogo, historiador de estética y docente en la Facultad de Letras y Filosofía de la Universidad de Roma, fallecido el 6 de agosto de 2005 a la edad de 79 años. Ha sido distinguido por numerosas instituciones por su trayectoria académica y por sus importantes contribuciones a la semiótica contemporánea.
Una de las características fundamentales de sus escritos académicos y de sus lecciones eran la dosificación y la narración de los temas más arduos e imbricados en relatos de gran sensibilidad y belleza estética, aunque siempre conservando una radical profundidad y fidelidad a la complejidad de la materia y del problema planteado en cada exposición, oral o escrita.
Garroni fue un protagonista ineludible del debate filosófico sobre el arte durante la segunda mitad del siglo XX, testimonio de lo cual es su monumental obra: La crisis semántica de las artes, Semiótica y estética. La adversidad del lenguaje y el lenguaje cinematográfico, Arte y obras de arte. Ensayos sobre la estética y la crítica, Significado y paradoja, Cuentos morales. La proximidad y la lejanía y La estética y la epistemología, entre otras.
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![Manuel Borobio · La vida es un trazado en borrador [TEDxGalicia]](https://veredes.es/blog/wp-content/uploads/2012/11/05.jpg "Manuel Borobio · La vida es un trazado en borrador [TEDxGalicia]")
