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Jornadas Modernidad y Contemporaneidad

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Los días 17 y 18 de diciembre organizamos las jornadas de arquitectura Modernidad y Contemporaneidad, que se celebrarán en el salón de actos de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidade da Coruña, de 9.30 a 15 horas, con el siguiente programa:

Lunes 17 de diciembre

FERNANDO AGRASAR QUIROGA (UDC. Grupo GICAP)
La modernidad del siglo XX en la Galicia del siglo XXI

JOSÉ RAMÓN ALONSO PEREIRA (UDC. Grupo IALA)
Modernidad y contemporaneidad: un debate abierto en la Europa del siglo XXI

XAVIER MONTEYS ROIG (UPC. Grupo Habitar)
Los problemas de la vivienda contemporánea

Martes 18 de diciembre

CARMEN ADAMS FERNÁNDEZ (UO. Hª del Arte)
Arte y resiliencia: paisajes del siglo XXI

JORGE TORRES CUECO (UPV. Grupo InPAr)
Mise au point: Le Corbusier y el proyecto moderno

ENRIQUE BLANCO LORENZO + PATRICIA SABÍN DÍAZ (UDC. Grupo IALA)
Las generaciones que definen nuestro tiempo

Se concederá un crédito de libre elección.

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La Cité Moderne (1922-1925)

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Grupo de casas ubicadas en la ciudad jardín Berchem Sainte Agathe en el distrito de Koekelberg de Bruselas, que muestra la influencia directa de los modernistas holandeses. Construido entre 1922 y 1925 por la Sociedad Cooperativa de vivienda social, la Cité Moderne incluye 275 unidades, cada una se orienta hacia el sol, para recibir la mayoría de la luz del día y cuenta con un jardín privado que podría ser cultivado, fueron diseñados para construcción de bajo costo con el uso del hormigón armado, una técnica experimental de la época.

El estilo de construcción de las casas y pequeñas casas de apartamentos fue estrictamente sin adornos, blanco con ribete de color, con ángulos rectos y techos planos, un ejemplo temprano del estilo modernista.

+ artículo publicado en modernistmo

Una cruz, un cruce | José Valladares

 

A la izquierda el maravilloso plano de Santiago de Compostela que realizó allá por el 1796 Juan López Freire, en aquellos años al parecer maestro de obras de la ciudad. Del mismo se ha destacado con frecuencia la atención con que la forma urbana está dibujada, y que reconocemos aún hoy en cualquier plano de Compostela: las calles y las plazas, los conjuntos claustrales de las órdenes monásticas, las iglesias y el caserío se dibujan con la misma precisión que el territorio que rodea a la ciudad. Así, las calles se van diluyendo en los caminos que penetran poco a poco en el territorio extramuros y lo edificado deja paulatino paso a cultivos, huertas y bosques, y todo ello es dibujado con el mismo detalle e interés que el recinto interior de la ciudad. Pareciera entonces que Santiago no pudiera ya allá por el final del siglo XVIII entenderse sin su campo, y este no tener razón de ser sin la ciudad a la que alimentaba.

Pero lo que trae hoy aquí ese plano y lo que lo pone en relación con la imagen que está a la derecha, no es la ciudad entera representada en él sino sólo un detalle, un fragmento del conjunto dibujado: en la parte central del plano aparece la gran cruz latina de la catedral- en ese momento ya plenamente barroca- y si nos fijamos con atención veremos que el espacio de esa cruz, el espacio interior de la catedral al fin y al cabo, se dibuja como una prolongación de los espacios exteriores que la rodean, de las calles y plazas que la circundan. El interior de la gran iglesia no es sino un espacio público cubierto, y más allá de su carácter sagrado se nos aparece como una continuación de los espacios abiertos de la ciudad, con su bullicio y su trajín. Un espacio para ser atravesado- una cruz, entonces un cruce- un espacio de refugio y de relación social también, un gran salón a cubierto de la intemperie, de la lluvia, el sol y el viento. Y ese espacio interior que Juan López Freire supo ver de esa manera tan bella, fue pintado así, de esa misma forma, unos 150 años antes, en un lugar alejado de Compostela, por un pintor que hoy nos parecería agitado por una extraña obsesión, obsesión que para Pieter Neefs “el mayor” no era seguramente nada más que su oficio: el pintar una y otra vez el interior de la catedral de Amberes, la ciudad donde había nacido y donde murió. Sus numerosos cuadros de interiores de la iglesia la retratan de noche y de día, en sus actos litúrgicos y en su vida cotidiana, en que el interior del templo recoge el tiempo de la ciudad toda, interior en que Pieter Neefs supo ver la oración y el recogimiento, pero también el deambular de la gente, la conversación y hasta el correr y el despulgarse de los perros y el juego de los niños, la misma vida que también intuyó Juan Freire en la gran iglesia de Santiago casi siglo y medio más tarde al dibujarla de esa manera en su plano.

José Valladares
santiago de compostela. noviembre 2012

nota:
Imagen izquierda: Juan López Freire_ Santiago de Compostela_Plano de 1796
Imagen derecha: Pieter Neefs «el mayor»_Interior catedral de Amberes_ca.1640_ V&A Museum_ Londres

Sizígia

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SIZÍGIA es la primera de una serie de cortometrajes realizadas en el ámbito del proyecto de investigación de la FAUP, “Ruptura Silenciosa. Intersecções entre a Arquitectura e o Cinema. Portugal 1960-74”.

Filmada en las Piscina das Marés (Álvaro Siza, 1959-65), SIZÍGIA procura usar las imágenes en movimiento, no sólo como un método de representación de la arquitectura, si no más como un proceso de investigación del espacio que explora sus cualidades narrativas y el sentido de lugar dado por el uso, los materiales, la luz y el sonido.

Jornadas Mujer y Arquitectura

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Las JORNADAS MUJER Y ARQUITECTURA: EXPERIENCIA DOCENTE, INVESTIGADORA Y PROFESIONAL se enmarcan en el contexto de un proyecto de investigación más amplio y su objetivo es fomentar el debate en torno al tema mujer y arquitectura desde la perspectiva del propio trabajo, se realice éste en campo del ejercicio libre, de la docencia, de la función pública, o en relación con otra actividad fuera de los cauces convencionales, pero no por ello con un contenido menos arquitectural. Se organizan dos jornadas consecutivas, en la primera de las cuales se aborda el tema desde un ámbito general, con la participación de Carmen Espegel y de Zaida Muxí, profesoras ambas de las ETS Arquitectura de Madrid y Barcelona, respectivamente. A Carmen Espegel se le ha propuesto como tema el de las pioneras, aquellas mujeres que han iniciado la senda de la arquitectura como dedicación profesional rompiendo roles social y profesionalmente predeterminados, mientras que a Zaida Muxí se le ha encomendado que nos hable de las primeras generaciones de las arquitectas catalanas en relación con un territorio y una identidad propia. Una mesa redonda vespertina en la que participarán las dos ponentes citadas así como diversas profesoras de la ETS Arquitectura de A Coruña cerrará esta primera jornada.

En la segunda jornada el tema se centra en la mujer y arquitectura en Galicia, desde la proximidad que proporciona una exposición con un formato de 5×18, cinco ponentes con dieciocho minutos de intervención para cada uno de ellos. Se desenvolverá esta sesión con la participación de profesionales de distintas generaciones y cuyo trabajo discurre en ámbitos diversos, bien como protagonistas en el caso de Chus Blanco, Cristina Ouzande, Lucía Ruiz o Sivia Blanco, bien como espectador y compañero en el caso de Ignacio Cerrada. La jornada finalizará con una mesa de trabajo y discusión en la sesión de tarde en la que participarán las ponentes, los investigadores integrantes del grupo MAGA y un número restringido de invitados.

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El presente como utopía | Jorge Gorostiza

El presente como utopía | Jorge Gorostiza
Nueva York en 1980 según Just Imagine (David Butler, 1930)

En una entrada de mi blog escribía sobre la nueva revista de cine y arquitectura Teatro Marittimo, creada y dirigida por David Rivera. En su primer número, dedicado a utopías construidas, publicaron un artículo mío titulado «El presente como utopía» y subtitulado «vista de la ciudad actual desde el pasado», sobre cómo en las películas de ciencia ficción se imaginaron las ciudades que en ese momento eran el futuro y ahora ya son nuestro pasado, desde la década de los cuarenta, hasta el entonces mítico comienzo del Siglo XXI. Películas como Just Imagine, estrenada en 1930 y en la que se imaginaron cómo iba a ser el Nueva York del año 1980, quizás por tratarse de un  buen y conocido ejemplo, David puso la fotografía que adjunto al principio del artículo.

Como ya he hecho en otras ocasiones, copio aquí sólo el principio de este artículo, porque la revista aún está en las librerías y se puede leer en papel, por eso hay que comprarla, entre otros motivos, para garantizar su subsistencia.

«La palabra utopía procede del griego y etimológicamente puede tener dos orígenes, uno significa «buen lugar» y el otro, «no lugar». Ambos se refieren a un sitio, en el primero se trataría de uno óptimo, pero en el segundo se descubre un grave problema, es un sitio que no existe. Un lugar, un espacio que casi siempre se encuentra edificado de forma parcial o es totalmente urbano, que ha sido descrito con palabras y representado gráficamente en muchas ocasiones, teniendo configuraciones arquitectónicas y urbanísticas muy diversas, pero que sólo ha podido recorrerse en movimiento gracias a la imagen cinematográfica, televisiva o de los videojuegos.

El propio cine puede considerarse como una utopía «un ningún lugar de la imaginación, donde el espacio es la dimensión crucial» (Darke 2007: 27), precisamente por la importancia de sus cualidades espaciales, incluso arquitectónicas, porque, como escribe Anne Hurault-Paupe:

«en el cine, la noción de utopía denomina un cierto tipo de relaciones entre lugares […] se puede considerar como el cine crea los «lugares de la nada» (en el caso de una película de ficción, el espectador, confinado en una sala oscura, está inmerso en un mundo ficticio -la diégesis- que se manifiesta por la imágenes en movimiento y los sonidos) […] Así, cuando el cine, en las salas oscuras, muestra las ficciones que tienen lugar en espacios calificados como no reales y cuyo significado es el sueño de un mundo ideal, está sumamente cargado de utopía» (Hurault-Paupe 2007: 50).

Teniendo en cuenta estas relaciones, antes de continuar, es necesario establecer dos premisas, la primera sobre el término distopía, una palabra que al parecer fue creada por Stuart Mill a finales del siglo XIX, casi al mismo que las utopías literarias se convertían en utopías negativas, recuérdese entre otras: Cuando el dormido despierte (Wells, 1899), El talón de hierro (London, 1908), Nosotros (Zamiatin, 1924), Un mundo feliz (Huxley, 1932) y 1984 (Orwell, 1949); como opina Danièle André

«la distopía corresponde a un deseo de la utopía, representa su pulsión de muerte: el objetivo último de la utopía es la distopía» (André 2005: 166);

por ello, al hablar del futuro de la ciudad en el Cine, ese que en realidad ahora ya es el pasado, no se distinguirá entre lugares utópicos y distópicos. La segunda premisa es el estricto objeto de estudio de este artículo: sólo aquellas películas visionarias, casi siempre pertenecientes al género de ciencia ficción, en cuyo argumento se indica exactamente el año cuando trascurre su argumento y, por supuesto, cuando éste sea anterior a 2011.

Los pacíficos 40

1940, Londres es una gran capital, como se ve cuando un autogiro despega desde el techo de un edificio e inicia el vuelo sobre el Támesis, donde se cruza con bastantes aeronaves, todas ellas propulsadas por hélices; mientras en las márgenes del río se han construido edificios, la mayoría con aeropuertos en sus azoteas, de estilos eclécticos, poco estilizados, sin demasiado atractivo arquitectónico y bastante más altos que la Torre del Reloj del Palacio de Westminster, que puede verse a los lejos, casi sepultada entre estas edificaciones.

Este Londres pertenece a High Treason (Maurice Elvey, 1929), cuyo cartel muestra una arquitectura aún más avanzada que las propias imágenes de la película y en el que aparece, además de un, al parecer inevitable, aeropuerto en lo alto de un edificio, un gran dirigible pasando por debajo de un viaducto sobre el que circulan ferrocarriles y se lee «1930′ VISION OF 1940».

La crítica del momento destacó todo este derroche de tecnología futurista «con viva imaginación y gran realización técnica [Maurice Elvey] ha producido imágenes de lo que el mundo podría ser en 1940 lo que, sin duda, atrae la atención. Son interesantes, incluso si uno no las considera convincentes. Pero, ¿Será Londres una ciudad robot en un tiempo tan corto como dentro de diez u once años? Puede haber un nuevo puente en Charing Cross, pensando que no es seguro; y puede haber incluso un túnel del Canal de la Mancha, lo que es aún más incierto. Los helicópteros pueden ser de uso común y los aviones pueden aterrizar y despegar de las cubiertas de edificios de muchos pisos haciendo sombra a la cúpula de San Pablo. Puede que no haya periódicos, que la radiodifusión haya suplantado al London Times y las revistas que son publicadas por Lord Rothemere y Lord Beaverbrook cada mañana y tarde en este año de gracia. Pero Maurice Elvey no convence a nadie que las imágenes que presenta tan admirablemente sea probable que prevalezcan en un espacio de tiempo tan corto como el de diez años a partir de ahora» (Marshall 1929). A pesar de la admiración por lo que se ve en la película, el crítico duda razonablemente sobre la posibilidad de su existencia y es cierto que en cuanto a la ciudad, afortunadamente no se ha podido ver salvo en las pantallas cinematográficas. Una admiración que ha continuada incluso años después, «destacan los rascacielos de estilo Tudor de cincuenta pisos» (Ackerman 1997: 179), cuando en realidad, basta contar las plantas de los que se ven, para comprobar que sólo tienen alrededor de veinte.

Es evidente que este aspecto de la producción era el más importante, así lo enfatiza el press-book de la película: «una historia como ésta ofrece oportunidades para efectos visuales y sonoros únicos, y la película nos muestra Londres en 1940, con el nuevo Puente de Charing Cross, calles de dos pisos, aeroplanos, aeronaves y helicópteros que ascienden y aterrizan en los techos de edificios en el corazón de la City; uso diario de la televisión, noticias difundidas simultáneamente en sonido e imagen, el Túnel del Canal en funcionamiento, el club nocturno del futuro con sus instrumentos mecánicos de música de jazz y damas esgrimistas cuando se convierte en cabaré; modas de 1940, con más pieles para las mujeres y camisas de suave seda y pantalones hasta la rodilla para los hombres; en definitiva, una época de maravillas científicas y sorpresas en el vestir» (Soister 2004: 99).No se debe dejar de mencionar otro Londres del futuro, esta vez sin fecha, pero antecedente del citado, el mostrado por el cortometraje de The Fugitive Futurist (Gaston Quiribet, 1924), donde a través de un aparato se pueden ver las olas rompiendo en pleno Trafalgar Square, el Strand lleno de carteles luminosos, un enorme dirigible atracando en la torre del Parlamento y, como explica un intertítulo, «Tower Bridge resolverá los problemas de tráfico» porque por debajo discurren unas vías ferroviarias, mientras por su parte superior circulan trenes elevados y «la ciencia revolucionará los métodos de edificación», como explica otro intertítulo y a continuación, tras mostrar cuánto tarda un obrero perezoso en colocar un ladrillo, se ve una pared de ladrillos levantándose sola sin intervención humana; lástima que al final se descubra que el aparato en realidad sólo contiene unos ladrillos y su inventor es reconducido al manicomio de dónde se ha fugado, por lo que todas las maravillas que ha visto el espectador son elucubraciones que les ha narrado un loco.

Volviendo al Londres de High Treason, hay gran tensión en las fronteras entre los Estados Atlánticos y los Estados Federados de Europa, la Liga Mundial de la Paz intenta evitar los conflictos, sin embargo, los esbirros de una empresa de armamento hacen estallar una bomba en un tren justo en el túnel del Canal de la Mancha, para provocar la conflagración; Europa moviliza a sus hombres y mujeres, las seguidoras de la Liga rodean a los bombarderos impidiendo que despeguen y cuando el Presidente de Europa está a punto de declarar la guerra, el líder de la Liga lo mata, evitando la hostilidades; pero no se puede impedir que éste sea condenado y ejecutado, convirtiéndose en un mártir por la Paz.A principios de los años cuarenta el hombre más poderoso del mundo, un dictador corrupto, sigue explotando la máquina que, cuando era minero hace veinte años, le dio un extraterrestre al que se encontró en la mina, esta máquina le permite crear energía ilimitada, dándose cuenta de sus terribles actos y antes de que su malvado hijo haga un mal uso de ella, decide destruirla, como puede comprobarse en Algol (Hans Werckmeister, 1920), todo ello en unos años cuarenta cuyos ambientes son abstractos con líneas quebradas y tonos contrastados propios del expresionismo, espacios que por su diseño atemporal, lo mismo sirven parta los años veinte cuando comienza la historia, como para el Mundo de dos décadas después.

En 1940, como cuenta Non Stop New York (Robert Stevenson, 1937), un avión a reacción trasatlántico unía Londres con Nueva York. La primera capital tuvo más suerte que Nueva York, porque en 1940 sufrió un ataque aéreo en el que las bombas destruyeron el Empire State Building, a causa de la Segunda Guerra Mundial, que enfrentó a EE. UU. con la Confederación de Estados Euroasiáticos, profetizada por Los hombres deben pelear (Men Must Fight; Edgar Selwyn, 1933). El Empire State era ya el símbolo de la metrópoli y por ello, como se verá más adelante, aparece y además es destruido, en múltiples películas. Tampoco tuvo suerte Everytown, un trasunto de Londres, ya que ese año comenzaron los bombardeos sobre la ciudad, El mundo futuro (Things to Come; William Cameron Menzies, 1936). Algunos desgraciadamente sí acertaron con sus predicciones. Moscú 1946, en Kosmicheskij reis, (Vasili Zhuravlyov, 1936) puede verse «una torre coronada por una figura con alas, que está sobre el edificio del Instituto para Viajes Interplanetarios, adosado a ese edificio hay un cuerpo edificado con una cúpula de la que parte una inmensa rampa de lanzamiento construida con perfiles metálicos, bajo ella, circulan vehículos por grandes avenidas, al fondo, tras lo que parece un vasto parque, se ve la ciudad y sobre ella, compitiendo con la torre que se acaba de mostrar, sobresale el Palacio de los Soviets de Boris Iofan, Vladimir Schuko y Vladimir Gelfreikth, que resultó ganador del famoso concurso de 1933» así como un «cohete sostenido por un complejo entramado metálico, dentro de un hangar construido con arcos parabólicos de hormigón, como los hangares para dirigibles que construyó Eugène Freyssinet en Orly en 1923″ (Gorostiza 2007: 23). La Segunda Guerra Mundial no ha dejado sus espantosas secuelas en este Moscú y gracias a la Paz que se vive, sus científicos pudieron incluso construir un cohete que los trasladó a otros planetas»…..

Hasta aquí el comienzo de mi artículo, como siempre en este blog, el que quiera terminar de leerlo tendrá que hacerlo sobre papel, comprando la muy recomendable revista Teatro Marittimo, por ejemplo en la librería madrileña 8 1/2.

Jorge Gorostiza, arquitecto. Autor del blog Arquitectura+Cine+Ciudad
Santa Cruz de Tenerife, noviembre 2011

El arpón y la ballena

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El jueves 22 de noviembre a las 20:00 horas se inaugura en la sala de exposiciones de la delegación de A Coruña del Colexio Oficial de Arquitectos la exposición «El arpón y la ballena», de Carlos Álvarez y Cristina Sánchez.

La exposición cuenta de tres partes:

1. Fotografías, que pertenecen al proyecto que da nombre a la exposición, «El arpón y la ballena», y es una selección de imágenes recopiladas de viajes por Estados Unidos, México y Europa.
2. Estructuras, construidas por Cristina expresamente para estas imágenes y esta sala. Trabajadas en hierro, llegan a los 250 cm de altura y juegan con la dimensionalidad de la imagen dentro del espacio.
3. Diaporama, que es el culmen de la instalación. Se trata de una especie de cortometraje, realizado con una selección más amplia de fotografías del mismo proyecto, que avanzan mientras una voz en off narra una historia.

Autores
Cristina Sánchez (A Coruña, 1985) arquitecta y fundadora de la marca Sansoeurs jewerly, ha trabajado en estudio de Sanaa en Tokio y ha sido galardona con varios concursos internacionales de arquitectura.
Carlos Álvarez (Madrid, 1981) inicio su carrera como fotógrafo a finales de los 90, cuando colaboraba con publicaciones como Vogue, Elle, El Pais… desde mediados de la década pasada ha gozado de exposiciones tanto individuales como colectivas en galerías y museos de ciudades como Madrid, París, Berlín o Barcelona.

El arpón y la ballena
Sala de exposiciones de la delegación de A Coruña
Federico Tapia 64, bajo
22 noviembre – 22 diciembre 2012

Casa en Redonda | CREUSeCARRASCO

Rehabilitación y renovación de una vivienda y sus construcciones auxiliares, situada en la parte alta de una amplia parcela con pendiente al mar. La intervención diversifica su mirada y genera umbrales y cruces entre espacios, haciendo explícita la relación entre lo que existe y aparece, valores tratados con la misma intensidad hacia una nueva permanencia.

El lugar que lo envuelve todo se llama Redonda. La construcción, solitaria, por la que habían pasado muchas manos, domina un gran espacio cultivado que, con pendiente suave, llega hasta el mar. Se trata de una casa que también es otra.

Deliberadamente antigua y nueva a la vez. Mantiene sus detalles, los muros de piedra que la envuelven y las construcciones anexas. Límites y trazas, posición y presencia en el espacio, no cambian. Pero la mirada es diferente, ampliada, abrazando con las paredes originales una nueva fachada al mar. Casa y casita de invitados lo hacen, reivindicando el horizonte y la puesta de sol sobre Cabo Fisterra.

Las habitaciones, espacios de doble memoria, contienen un modo de habitar entre planos contrapuestos en forma, dimensión y significado que remueven tiempo e historia hacia una nueva permanencia. En la planta terrea, nuevos recorridos y patios configuran un conjunto de espacios que, en su dejarse atravesar, rodear e influir por el ambiente exterior, cambian centralidad por apertura.

Las pequeñas intervenciones, abriendo huecos que conectan transversalmente espacios exteriores a uno y otro lado, crean recorridos nuevos que relacionan diferentes formas de estar y acceder en torno a la vivienda.

Como prótesis que se introduce en el volumen existente, la galería de mármol se prolonga lateralmente hacia el interior en las tres plantas, dando forma a los baños, el ascensor y una escalera concebida como grieta sinuosa, cuya talla precisa la convierten en un vacío pétreo e independiente de la casa.

Título: Casa en Redonda
Autores: Juan Creus y Covadonga Carrasco
Colaboradores: Bárbara Mesquita, Alexandre Antunes, Belén Salgado, Nuria Casais.
Promotor: H+M
Aparejador: Raquel Castro Vázquez
Constructora: J. Manuel Rodríguez
Estructura: Suárez y García
Fotógrafo: Xoan Piñon / CREUSeCARRASCO
Localización: Redonda
Fecha de proyecto: Octubre 2009
Fecha fin de obra: Febrero 2012
Superficie útil: 338 m2 superficie construida: 446 m2
+ creusecarrasco.es

Ciclo Passivhaus y Bioconstrucción 2012

La Plataforma de la edificación Passivhaus organizó en Octubre de 2011 el 1º Concurso Iberoamericano Passivhaus con el objetivo de analizar la situación actual de los edificios de consumo casi nulo en España e Iberoamérica y sacar conclusiones con respecto a la posibilidad de llegar al estándar marcado por la Directiva Europea (2010/31/UE) en el 2020. Los proyectos seleccionados en el concurso han sido elaborados bajo parámetros de eficiencia energética con un consumo casi nulo y la mayoría de ellos bajo el estándar Passivhaus, además de presentar otros criterios de sostenibilidad.

Los proyectos seleccionados pasaron a formar parte de una exposición itinerante que el PEP ofrece para su distribución por toda la península. Tuvieron una buena acogida en Asturias, Segovia, Madrid, Valladolid y Valencia.

Desde CASADOBE tenemos el interés de que este estándar energético se divulgue, por lo que solicitamos al PEP  el traslado de la exposición a nuestra comunidad. Además se realizará una exposición paralela sobre los principios básicos de Passivhaus y bioconstrucción, así como de trabajos realizados por el estudio.

Como complemento al ciclo se organizarán los días 1 y 22 de diciembre VISITAS GUIADAS a una CASA PASIVA en Portonovo que está en fase de obra. La entrada a las charlas y a la exposición es gratuita . El aforo es limitado así que para asegurarte el acceso deberás confirmar tu asistencia mediante correo o teléfono:  eventos(a)casadobe.es,    986 84 70 69.

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EQUIciuDAD 2012

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1. Presentación  del congreso

El Congreso EQUIciuDAD2012 es un evento organizado por el  Vicerrectorado del Campus de Gipuzkoa de la UPV/EHU y comisariado por la Asociación Sinergia Sostenible.Para esta segunda edición repetimos sede en el Centro de Datos Avanzados y Biblioteca del Campus de Gipuzkoa Carlos Santamaría.

Pero ¿qué es EQUIciuDAD2012? Este Congreso  ha sido ideado con el fin de dar a la EQUIDAD el lugar que le corresponde dentro del concepto de la ARQUITECTURA Y URBANISMO SOSTENIBLE. Para ello, se ha realizado una rigurosa selección de ponentes y participantes que están trabajando en esta línea.
El congreso combina tres formatos que, creemos, lo hacen claro, ágil y, sobre todo, muy rico en contenido. Por un lado, tenemos las ponencias principales, por otro están las salas de comunicaciones y debate y, por último, tendremos una sesión de diálogo y debate hibridada; es decir, habrá ponentes es vivo y otros en el entorno “online” pero, igualmente, en directo. Con todo ello, se pretende que el congreso tenga mucha interacción y que el público asistente participe de manera activa en las dos jornadas.

2. Objetivo del congreso

Desde la organización del congreso EQUIciuDAD2012,  estamos convencidas que la sostenibilidad, a día de hoy, se encuentra con dos escollos complicados que tiene que librar. Por un lado, el término ha sido usado de manera mediática, llamando sostenible a casi cualquier cosa, por lo que se ha vaciado de contenido y por otro lado, vemos que, en muchos casos, no se tiene una idea clara de lo que realmente significa la sostenibilidad.

Por ello, la intención del congreso es intentar  llenar de valor al concepto que representa la palabra sostenibilidad y, a su vez, aclarar lo que significa que la arquitectura y el urbanismo sean, realmente, sostenibles.

Para conseguirlo, se evita cualquier confusión entre lo que es la bioconstrucción y lo que es la  arquitectura bioclimática, lo que es  la arquitectura bioclimática y lo que es la arquitectura ecológica y, por último, lo que viene a ser  la arquitectura ecológica  y  la arquitectura sostenible. Con este fin, creemos que es fundamental entender el concepto de la sostenibilidad como si fuera un taburete que se apoya en tres patas: la equidad, la ecología y la economía. Es decir, las famosas 3-E. Así que, durante los dos días que dura el evento apostamos por la Equidad como eje conductor de las ponencias, diálogos y talleres. A su vez, el primero de los días se centra en los procesos de participación ciudadana, la parte inmaterial de la ciudad, y el segundo se enmarca en la escala de la ciudad y Nuevas Tecnologías.

3. RESUMEN DEL PROGRAMA

En esta ocasión el congreso se ha enfocado desde una perspectiva más científica y gran parte del mismo estará formado por salas de comunicación y debate. Aún así, también tendremos ponencias de apertura y clausura, de la mano de Santiago de Molina y Juan Freire. El broche final, estará a cargo de uno de los ponentes del año pasado, Miguel Ángel Díaz Camacho. También, tendremos agradables novedades como una edición especial de Think Commons con Domenico Di Siena @urbanohumano como maestro de ceremonias.

Acordaros que el plazo de inscripción con la tarifa reducida termina pronto y las plazas son limitadas.

 JUEVES 13 de diciembre

 08:30-09:30

Recepción de visitantes. Acreditaciones. Registro y entrega de documentación.
09:30-10:00

Inauguración del congreso:

Representante del Vicerrectorado del Campus de Gipuzkoa de la UPV/EHU + Sinergia Sostenible

10:00-11:30

Conferencia de apertura:

SANTIAGO DE MOLINA _ “Arquitectos, arquitectura y participación ciudadana”

11:30-12:00
PAUSA CAFÉ

12:00-14:00

SESIONES DE COMUNICACIONES Y DEBATES

PAUSA

16:00-17:30

SESIONES DE COMUNICACIONES Y DEBATES

17:30-18:00
PAUSA CAFÉ

18:00- 20:00

THINK COMMONS _ “La participación ciudadana en la nueva Era Digital”

Dirección: Domenico di Siena @urbanoumano

Participantes offline: Miguel Jeanicke de VIC + Carlos Camara

Participantes online: por definir

23:00- ¿?

EQUI-Fiesta moderada por Arkitiriteros

VIERNES 14 de diciembre

10:00-11:30

Mesa redonda

“La ciudad del ciudadano” _ MANU FERNANDEZ + ZULOARK + TODO POR LA PRAXIS

11:30-12:00
PAUSA CAFÉ

12:00-14:00

SESIONES DE COMUNICACIONES Y DEBATES

PAUSA

16:00-17:30

SESIONES DE COMUNICACIONES Y DEBATES

17:30-18:00
PAUSA CAFÉ

18:00- 19:30

Conferencia de clausura: JUAN FREIRE _ “Nuevas tecnologías para el empoderamiento ciudadano”

19:30- 20.00

Acto de clausura: MIGUEL ÁNGEL DÍAZ CAMACHO + SINERGIA SOSTENIBLE

20.00-20:30
Lunch

 PROGRAMA COMPLETO:

1. PROGRAMA  _  RESUMEN _   EQUICciuDAD 2012, aquí.

2. PROGRAMA _POR SALAS DE DEBATE _   EQUICciuDAD 2012, aquí.

3. PROGRAMA _ POR AUTORES Y TEMÁTICAS  _   EQUICciuDAD 2012,aquí.

4. Comisariado: Sinergia Sostenible

Sinergia Sostenible pone nombre al lugar de encuentro donde se fusionan las ganas de saber y de dar a conocer qué es la sostenibilidad, para buscar el mejor camino de llegar a ella. Este lugar está habitado por Amaya González, Lorenzo Barnó, Leire Garaikoetxea, Ana Enguita, Agnieszka Stepien, Conrado Muñoz y Uxua Domblás y quiere ser un punto de referencia para nuestra práctica como profesionales de la arquitectura y la sostenibilidad.

¿Qué hacemos?
Nuestra actividad se sustenta en tres pilares básicos:
1. La realización de talleres de arquitectura y sostenibilidad con los más pequeños.
2. La publicación (comunicación y difusión) de arquitectura y sostenibilidad.
3. Actividades que difundan la arquitectura sostenible, como pueden ser la realización de charlas o comisariado de eventos y congresos.

Filosofía de Sinergia Sostenible
Creemos que una de las labores más importantes que hoy en día tenemos los técnicos y arquitectos es la de emplear nuestras energías en diseñar los mecanismos que permitan lograr un hábitat en equilibrio con el planeta que lo sustenta, un hábitat sostenible que satisface las necesidades de las generaciones presentes sin comprometer el futuro de sus descendientes. A su vez, la sostenibilidad engloba también los elementos sociales y éticos; la entendemos como una actitud global que refleja el respeto por nuestro entorno y por los demás.

Precisamente es este respeto y conciencia de la que surge lo que entendemos sería la base de cualquier tipo de acción educativa. Por lo tanto, intentamos enfocar las actividades que desarrollamos desde la conciencia de las necesidades que tiene cada uno de los habitantes del planeta respecto al concepto de habitar.

Aquí, nos podemos remitir a la definición del hecho de habitar que nos proporciona el filósofo alemán Heidegger. Para él los conceptos de construir, habitar y pensar son inseparables.

Creemos que en este campo, como en otros, es muy importante crear una sinergia multidisciplinar en esa dirección, una multiplicación de las fuerzas.

EQUIciuDAD2012
Dónde: San Sebastián.
Cuando: Jueves 13 y viernes 14 de diciembre 2012
Organización: UPV/EHU
Comisarios: Sinergia Sostenible.
Web del congreso: http://equiciudad.es/
Correo de información: info@equiciudad.es
Redes sociales:
En Twitter: @Equiciduad
Hashtag     #EQUIciuDAD2012
En Facebook _  http://on.fb.me/tLwoWX

Manuel Borobio · La vida es un trazado en borrador [TEDxGalicia]

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Experto en planificación urbana y territorial, Manuel estuvo preparandose para hablar sobre el territorio como fuente de inspiración. Preparando esta sesión vivió un proceso interno el cuál le hizo finalmente cambiar su charla para compartir sus pensamientos sobre la vida y nuestras conexiones.

Sobre Manuel Borobio
Una vida de idas y venidas en los campos de acción más diversos pero siempre con relación a la ordenación del territorio. En el inicio  trabajo en Cooperación Internacional qué le llevó a Palestina donde entendia, que las ciudades podían ser, bonitas y al mismo tiempo una prisión. De esta última aventura ha trabajado en los proyectos relacionados con la investigación y desarrollo por una administración más transparente, ágil, lógica y creativa de nuestro territorio.

About TEDx
In the spirit of ideas worth spreading, TEDx is a program of local, self-organized events that bring people together to share a TED-like experience. At a TEDx event, TEDTalks video and live speakers combine to spark deep discussion and connection in a small group. These local, self-organized events are branded TEDx, where x = independently organized TED event. The TED Conference provides general guidance for the TEDx program, but individual TEDx events are self-organized.* (*Subject to certain rules and regulations).

¿El fin del pensamiento utópico? | Miquel Lacasta Codorniu

El famoso mapa de Tomás Moro de la utopía publicado en 1516

Si tuviéramos que enmarcar tres actitudes diferenciales en el desarrollo del pensamiento utópico en los años 60, una posible selección sería Constant, Superstudio y Koolhaas. Si New Babylon  de Constant, en sus diferentes manifestaciones llegó a las antinomias de la utopía y Superstudio agotó las energías de la utopía negativa, parece razonable afirmar que Exodus concluyó la trayectoria de la década de los 60. Exodus fue el punto culminante de esta trayectoria de utopías, y a su vez marcó un punto final. El resumen de poco más de una década, que concluye haciendo hincapié en la ambigüedad esencial de la arquitectura.

El resultado inmediato de lo anterior fue el abandono al llamamiento público a la utopía. La edad de las megaestructuras se acabó, el dominio de la postmodernidad comenzó a establecerse. Echando la vista atrás a este período, sin embargo, parece necesario volver a evaluar la condena silenciosa de la utopía. Tenemos que preguntarnos por las razones del desprecio colectivo al pensamiento utópico. Normalmente se argumenta que el pensamiento utópico es peligroso, porque la utopía tiende a convertirse en su contrario o debido a sus aspectos totalitarios. Sin embargo, no debemos aceptar este razonamiento en su valor nominal. Después de todo, es igualmente utópico pensar que nosotros mismos nos adiestramos en imaginar una arquitectura mejor que se corresponda con otro mundo mejor. Incluso si es perfectamente previsible que una alternativa no sea ideal, es crucial explorarla como una posible vía para la mejora de la calidad de vida colectiva. Eso es lo que los experimentos utópicos de los años 60 estaban estudiando, en toda su ingenuidad y crudeza. Si bien se hace difícil compartir su optimismo hoy día, deberíamos al menos considerar necesario el continuar la lucha que iniciaron originalmente sus deseos de utopía.

Aún asumiendo el fin de fiesta que supuso la crisis energética del año 1973 y que abriría las puertas a una devastadora marea de relativismo cínico, incapaz de echar un cabo al vibrante pensamiento utópico de los 60, vale reconsiderar ese periodo como el punto de inflexión entre un modelo de pensamiento lineal basado en lo local y un modelo basado en la lógica de un sistema mucho más complejo, de realidades superpuestas de ámbito global, reflejado en el uso de geometrías más y más complejas, más impuras, más interrelacionadas, que la socialización del ordenador acabará por hacer implosionar.

Podríamos decir que los principales actores de los convulsos años 60 cayeron en la cuenta que la magnitud de los problemas y por tanto la escala de las soluciones correrían paralelos al incesante incremento del vector complejidad. La prueba irrefutable de la toma de conciencia del principio del reinado de lo complejo fue la respuesta global de las construcciones utópicas. Mediante la utopía se intenta abarcar la complejidad planteada por una situación insostenible. Paradójicamente el pensamiento utópico solamente consigue echar más leña al fuego de lo complejo y como era de esperar, no consigue transformar el mundo de cabo a rabo… o quizás si…

En otras palabras, las utopías se pueden entender como manifiestos de la complejidad.

Lo utópico tiene el poder de transformar el modelo de pensamiento desde el mismo momento en que ha sido manifestado. Las utopías tienen la cualidad de generar un gap, un salto conceptual, un antes y un después. Quizás este sea el auténtico legado de los años 60, si bien, como es evidente, los problemas que empezaban a anunciarse en esa década, derechos para las minorías, conciencia ecológica, nacimiento de una nueva individualidad, responsabilidad social a todos los niveles, el nuevo modelo tecnológico, no fueron resueltos por las utopías, sí que es cierto que estas por el mero hecho de construirse, de pronunciarse, en definitiva de proyectarse, ya cambiaron radicalmente el status quo.

Si bien en los anteriores post se ha puesto la atención a tres proyectos y sobre todo a tres actitudes frente a lo utópico que enmarcan perfectamente el recorrido desde principios de los 60 hasta principios de los 70, la producción de utopías es fascinante tanto en número como en calidad conceptual de las propuestas. Como auténticas epifanías de temas aún hoy día encima de la mesa, las utopías de los 60 revelan todo un enjambre de reflexiones extraordinariamente pertinentes.

Desde los sueños ecológicos de Paolo Soleri y su Arcosanti, por cierto la única utopía construida que ha llegado a nuestros tiempos todavía activa y visitable en el desierto de Arizona,1 las utopías de movilidad urbana del Group Espace et d’architecture mobile GEAM de Yona Friedman, todos los textos y propuestas del Situacionismo con Constant y Debord a la cabeza, el extraordinariamente vibrante Metabolismo, aquí también construidas algunas de sus propuestas y reflexiones, las exuberantes construcciones de inspiración científica de Buckminster Fuller y Frei Otto, la Plug-in City de Archigram, el Pottery’s Thinkbelt de Cedric Price, la No Stop City de Archizoom, las Superestructuras de Paul Rudolph, Louis Kahn y Moshe Safdie, etc. revelan una reacción primero al fin de la modernidad establecida y un uso de geometrías cada vez más complejas como herramienta de trabajo para abordar la ambiciosa escala de sus propuestas y el desarrollo después de una febril actividad propagandística de sus ideas.

En términos contemporáneos, dada la situación actual y los inmensos retos a los que nos enfrentamos, una revisión desapasionada y rigurosa del pensamiento y la producción utópica de los 60 se echa en falta cada vez más.

No vamos a volver al pensamiento utópico en esencia, pero sí que es necesario poner de nuevo nuestras ambiciones al nivel de los retos que tenemos planteados. Si no es así, volveremos a perder nuestra capacidad de incidir en un mundo mejor.

Miquel Lacasta Codorniu Doctor arquitecto
Barcelona, noviembre 2012

Notas
1 La historia y la obra de Paolo Soleri es un ejemplo extraordinario de voluntad. Tuve la oportunidad de visitar Arcosanti en el verano del año 2000 y pasear por el sueño del arquitecto Italo-americano. La idea de Soleri es la de contruir ciudades de unos 6000 habitantes en plena armonía espiritual y natural con el medio. A esta idea la llamó Arcology. Para demostrar la validez de sus ideas desde 1970 la fundación constituida por Soleri se dedica a construir una de esas ciudades mediante donaciones, la venta de productos -son famosas las campanitas de fundición de bronce diseñadas por Soleri- y el trabajo voluntario de cientos de personas. Más información en WILSON, Marie, Arcosanti Archetype, Freedom Editions, Fountain Hills, 1999. También en arcosanti.org.

Dos viviendas en el casco antiguo de Vigo | Villacé y Cominges

Situadas dentro del ámbito del Casco Vello de Vigo, en la parte alta, la más degradada y pobre, marginal y a la vez central dentro de la ciudad actual. Las viviendas de tres plantas y espacio bajo cubierta forman esquina entre dos calles estrechas, Cruz Verde y Baixada a Príncipe, ahora II República, con escasa luz y fuerte pendiente, y rodeadas de edificios altos. Otros condicionantes son la necesidad de conservar las fachadas y la posibilidad de subir una planta más.

 

Se trata en principio de rehabilitar, pero las condiciones en que se encuentran las viviendas obligan a su vaciado, nos quedamos con los muros de fachada preexistentes y trasladamos su orden a la nueva planta que se suma y funde con las existentes.

En el interior se busca la luz y la intimidad, para ello planteamos la ubicación de las zonas de estar en la parte más alta de la casa donde se crea un espacio a doble altura con un gran lucernario.

El importante desnivel de la calle Cruz Verde, por donde se entra a las dos viviendas, se resuelve diferenciando el acceso rodado y el peatonal, realizándose siempre a distinto nivel, a partir de ahí y ya dentro de las casas se crea un recorrido por medio de tramos de escalera adosados a los muros medianeros que nos van entregando en las distintas zonas de las casas.

La fachada existente de piedra se trasdosa con un muro de hormigón. Este nuevo muro junto con los que recogen la escalera y las losas de techos y cubierta sostienen el edificio a la vez que recogen en su interior todas las instalaciones y quedan vistos al interior definiendo la envolvente interior de la casa. Este sistema multifuncional hace posible la limpieza y claridad del espacio interior que se buscaba.

En la fachada de piedra se encajan las nuevas ventanas de madera de cedro pintada, grandes paños que cierran los huecos preexistentes.

Entre la fachada de piedra y la nueva estructura de hormigón se crea una junta resuelta con la misma madera de la carpintería exterior. En ella se encuentra integrado un sistema de acondicionamiento lumínico a base de estores translúcidos y opacos.

Los suelos, también de madera, se extienden por todas las estancias de las viviendas, se busca unificar en lo posible todo el espacio a través del uso de los mismos materiales en todos los suelos, paredes y techos.

Las casas no son exactamente iguales, diferencias de programa y de posición respecto a la calle, una en esquina y otra entre medianeras, condicionan la respuesta. Sin embargo el concepto arquitectónico o la idea de partida es la misma en ambas: la búsqueda de la luz y la intimidad en una zona con un gran potencial pero por el momento todavía marginal en el centro de la ciudad.

Obra: Dos viviendas en el casco vello de vigo
Autores: Villacé y Cominges [José Villacé y Martín de Cominges Carvallo]
Situación: c/ Cruz Verde nº 1 y 3, Casco vello de Vigo, Pontevedra, Galicia, España
Estructura: Antonio Reboreda Martínez
Aparejador: Javier Pozo Fidalgo
Promotores: José Manuel Martínez-Sayanes López y Juan Núñez Gallego
Constructor: Construcciones Suso O Grande
Fotografías: Alfonso Alfonso Lubián [01,02,04,05,08 a 12] Xoán Piñón[03,06,07,13 a 16] cv1 [Cruz Verde n.1] cv3 [Cruz Verde n.3]
Fecha: 2002-2006

+ Premio
XIII premios COAG. Categoría de rehabilitación
Finalista III Premios Enor 2007

+ Publicación
III Premios Enor 2007

EAMES: The Architect and The Painter

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El equipo de marido y esposa de Charles and Ray Eames son considerados como los diseñadores más importantes de América. Quizás recordados mejor para sus muebles de  madera contrachapada de mediados de siglo y de fibra de vidrio, la Oficina Eames también creó una variedad impresionante de otros productos, tablillas de heridos para militares durante la segunda Guerra Mundial, para la fotografía, interiores, objetos multimedia, gráficos, juegos, películas y juguetes.

Pero sus vidas personales e influencia sobre acontecimientos significativos en la vida americana – del desarrollo de modernismo, a la subida de la era de la informática – menos extensamente han sido entendidas. Relatado por James Franco, Eames: El Arquitecto y el Pintor son la primera película dedicada a estos genios creativos y su trabajo.

ARQ81 · Espacios para la cultura

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Con Utopians and visionaries 1871-1981 y otras exposiciones como Poetry must be made by all! o la controversial Hon, Pontus Hultén, historiador de arte y curador nacido en Suecia en 1924, dejaba claro que para él el museo era, literalmente, ‘espacio disponible’ para las expresiones marginadas del teatro, la ópera, las ciencias o las artes en general: todo lo que no tuviese cabida en el circuito cultural establecido podía encontrar un lugar en el museo. Esa actitud anunciaba su futuro como director fundador del Centro Georges Pompidou en París, inaugurado en 1977 y tan cercano a las utopías de fines de los sesenta.

La misma mirada anima la reflexión que ARQ81 intenta estimular: si la cultura es el conjunto total de modos de vida, creencias y costumbres de un grupo o época, el espacio para la cultura debiera ser necesariamente un ámbito colectivo y de participación; una instancia de intercambio, juego y encuentro y, ante todo, un campo no resuelto, donde aún hay espacio disponible. La inmunidad a la norma legal y social de las animitas en Chile, la celebración de fiestas multitudinarias en las calles catalanas, el replanteo de la estructura de una biblioteca pública en Seattle y los proyectos de arte en las barriadas de Quito que este número presenta hablan, justamente, de ese espacio en blanco que levanta sus barreras y posibilita la construcción espontánea y colectiva de nuevas realidades.

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Revista 1:100 nº 40

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En esta edición nos complace compartir con ustedes la trayectoria de Juan Manuel Peláez, este joven arquitecto colombiano que con tan solo quince años de trayectoria ha logrado consolidar su obra por demás interesante y enriquecedora. En los quince años de intenso trabajo y reflexión, el arq. Peláez ideó y construyó obras de escalas y programas tan variados que van desde las casas Gris y Horas Claras o el Colegio Bureche, hasta la plaza Cisneros en Medellín e incluso su propuesta junto a Zaha Hadid para el Concurso del Centro Internacional de Convenciones de Bogotá.

Todas sus experiencias forman parte de su hacer, desde la música, los libros, sus amigos, sus viajes… Todo es influencia, disparadores frente a la hoja que no está en blanco, sino que está marcada con el sello de agua del encargo, del lugar y su tiempo, y de esta amalgama surgen las ideas que conforman el proyecto. No reniega de la tecnología ni se casa con ella. Cada obra es un proceso único, pensada a partir del material necesario y con la resolución técnica y tecnológica apropiada, justa. Nada está de más y nada está de menos. Todo pensado para generar espacios que atraviesen la vida de quienes los vivan y la enriquezcan.

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Sobre una obra Carlos Meijide Arquitecto | Luis Gil Pita

Sobre una obra Carlos Meijide Arquitecto | Luis Gil Pita Sobre una obra Carlos Meijide Arquitecto | Luis Gil Pita

Una tienda de campaña en Reinante y la casa de vacaciones de la familia Meijide en Barreiros

Tenía diez u once años cuando pasé mi primer verano en Galicia en 1979, el primero en el que también empecé a pensar en la arquitectura al margen de los recuerdos de las obras de ingeniería que había visto acompañando el entorno de trabajo de mi padre. Me explico, empecé, ese verano, a ver la arquitectura no en la intuitiva manera en que Aldo van Eyck nos indica que los niños descubren las cuestiones básicas de la arquitectura, antes de los cinco años, como juego exploratorio del arriba y abajo, del dentro y fuera, sino mirando algo más allá, con la vanidad que te da esa edad fronteriza en la que ya te dejan tener y manejar tu primera navaja, aunque realmente no corte.

A partir de ese primer verano, visitamos a nuestra familia que pasaban sus días de descanso en la costa de Lugo de una manera diversa y casi contrapuesta, pues mientras, una parte de mis tíos y primos hacían acampada en el antiguo camping de la dunas de Reinante, otra parte de la familia residían en algunos de los pequeños chalets de playa de la colonia de Barreiros, también inmediatos a la playa.

Esas dos formas, vamos a decir de estar, de pasar o localizarse temporalmente para el descanso, bien en un camping o bien en una casa de veraneo eran obviamente parecidas en el objetivo del propuesto descanso estival pero, en el fondo, muy diferentes en su forma de conseguirlo. Hoy, con la distancia y el tiempo de por medio, lo que me sigue interesando desde la arquitectura es lo mismo que me enriqueció y sorprendió como niño aquel verano y los sucesivos, viendo la diferencia, entre dos maneras de estar en el mundo, una más estática y otra más nómada. Muy especialmente, me sorprendió y sigue haciéndolo, la riqueza en sensaciones del aprendizaje del habitar frágil y fronterizo en una tienda de campaña o en una roulotte, dentro de un espacio colectivo de responsabilidades cívicas comunes y sencillas de un camping, que es una ciudad en miniatura. Aquellos días afloró en el niño ciudadano, no arquitecto, el sentimiento de lo básico a través de la habitación, en un espacio mínimo construido por una estructura ligera que mantenía los sentidos a flor de piel al borde de lo posible. Una arquitectura que está mucho antes de llegar a la imagen de la arquitectura, escuchando y sintiendo la naturaleza casi entrar en la casa circunstancial y al mismo tiempo ofreciendo una sensación de protección y de gran resistencia, que consiguen estas estructuras tan sencillas, frente a la adversa climatología y geografía inmediata exterior.

Todo esto era así en las visitas y estancias más o menos prolongadas en el camping, algo muy fácil de comprender para un niño, una arquitectura que todo lo resuelve con una técnica que casi parece un juego. Sin embargo, nada de esta alegría de lo fronterizo parecía suceder en los tiempos de estancia en las residencias “estables” en la colonia de chalecitos de Barreiros.

Aquella era otra forma de pasar las vacaciones en una pequeña y densa trama de pequeños chalets sin mayor interés arquitectónico pero que manteniendo una densidad en la agrupación se demostraba muy respetuosa con el territorio y geografía inmediata que años después dejó de existir… En estas otras visitas o estancias, no veía yo ninguna riqueza ni alegría mayor de la que me proveía el estar de acampada, ni en el todo, ni en la particularidad de ninguna de aquellas casas, con una única excepción. Esta excepción, sin embargo, está de alguna manera igualmente clavada en mis recuerdos tanto como el habitar enriquecedor en el camping, una pequeña casa con la cubierta de chapa dentro de aquella colonia al borde inmediato del mar.

Digamos que a los ojos de un niño aquella casa era diferente a las demás, y para mis compañeros de verano, otros niños que residían en el resto de casas vecinas, aquella era una casa algo extraña o rara vista según los tópicos del imaginario pequeño burgués de la época. Para mí, que ya había aprendido a escasos metros a habitar la arquitectura frágil pero real de la roulotte y las tiendas de campaña, por el contrario, aquella casa era de una gran proximidad tanto en la expresividad formal de su cubierta como en una intuida alegría del habitar que tenía que ver con esa declarada forma.

Desde aquel entonces no volví ni a Barreiros ni a Reinante hasta casi veinte años después, ya no existía el camping de las dunas de Reinante, (algo que no era del todo incompatible con el entorno y, sin embargo, a cambio sí existe una autovía que llega directamente a la playa de la catedrales un espacio al que no se debería acceder de esa forma o de casi ninguna que no fuera peatonalmente), tampoco existía ya el Barreiros que conocí, el paisaje y la geografía natural inmaculado y fronterizo a la costa, que quedó arrasado por una especulación voraz y una falta de control y responsabilidad pública por todos conocida. Sin embargo, sí seguía existiendo la pequeña y densa colonia original donde recordé que se encontraba emplazada aquella casa, ejemplo de que no es imposible construir con respeto y sentido común al borde de cualquier geografía natural.

Creo que la curiosidad me llevó a visitar aquella casa empujado por un recuerdo amable de la infancia, y de mi primer contacto con la arquitectura de lo nómada que ahora sé que está muy cerca de la arquitectura culta. Y allí estaba, casi perfecta, resistiendo no únicamente al paso del tiempo sino muy especialmente a la desnaturalización del espacio por la mano de la codicia de la construcción deshumanizada de aquellos años. Supe por entonces que aquella casa era el refugio de vacaciones del arquitecto Carlos Meijide (y su familia), y entonces comencé a entender de otra manera la casa que sin embargo ya conocía con la mirada del niño que antes referí.

No era muy diferente a lo imaginado, porque al contrario de las que la rodeaban esta casa nos dice sin entrar lo que es. Es una de las pocas casas que he conocido más tarde como arquitecto, de la que no necesito saber casi de su planta, sólo de la sección expresada en su cubierta, para conocer cual es su verdad. Los quiebros de esa cubierta que son la expresión de una sección que no sólo mira en horizontal, sino en diagonal y vertical, hablando de la razón del pensamiento profundo de la arquitectura con la misma alegría y sinceridad con la que un niño aprende arquitectura en una tienda de campaña sin saber todavía lo que es la arquitectura.

Quiebros que son expresión de la procura de ventilación, de iluminación, de respiro del breve y austero programa expresado en una sencilla y perfectamente articulada planta, dentro de una escasísima parcela. Esa alegría e inteligencia que transmite con su ausencia de pretensiones, dentro de su contemporaneidad, es la que hace de ella todavía hoy, cuarenta años más tarde, una arquitectura de gran intensidad y de riquísima lectura.

Sobre una obra Carlos Meijide Arquitecto | Luis Gil Pita Sobre una obra Carlos Meijide Arquitecto | Luis Gil Pita

Para definir y conocer otros aspectos de la casa, creo basta una breve descripción, técnica y de las sucesivas adaptaciones de la construcción al paso del tiempo, facilitada por el estudio Jorge Meijide-Patricia Marichalar custodios del archivo Carlos Meijide y prolongación natural de la categoría del oficio este gran profesional:

«La casa nunca sufrió modificaciones en su planta ni secciones desde su construcción (de mano de dos únicos albañiles que hicieron todo), pero si en su aspecto exterior, de inicio la cubierta, de chapa de acero plegada Lesaka, estaba pintada en color marrón «chocolate claro» y las contras exteriores de las ventanas en el color natural del pino tea simplemente barnizado .Mas tarde, en la época de las fotos de este reportaje fotográfico presente, en torno a los años ochenta (algo más de diez años desde el inicio de su construcción), la chapa de cubierta, deteriorada por el salitre en aleros y encuentros varios, se repara con fibra de vidrio y se pinta de gris naval oscuro. Las contras, después de años de lijados y barnizados, se pintan de rojo, esto sigue así hasta que en el año 2000 se decide cambiar la cubierta a cobre y eliminar el granulite, ya bastante descompuesto, de las fachadas.«

Carlos Meijide, malogrado en la juventud de su madurez, es un arquitecto cuya obra está por abordar y estudiar de manera científica. Un arquitecto que tiene mucho todavía que enseñarnos a través de muchos de sus proyectos y construcciones casi desconocidas.

Carlos Meijide fue un arquitecto de profundo oficio y cultura arquitectónica, compañero y maestro de varias generaciones de arquitectos, que sigue siendo capaz de emocionar con sus obras a los ciudadanos que las viven, como habitantes o ciudadanos, igual que a los niños de diez u once años…

Luis Gil Pita. arquitecto
santiago de compostela. noviembre de 2012

nota:
La planta, secciones, detalle de estructura de cubierta, axonometría y fotografías escaneadas son documentación gráfica original, sin redibujar del archivo actual de Mejide-Marichalar Arquitectos.

PechaKucha Night Ferrol Vol VII

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El próximo viernes 30 de noviembre a partir de las 22:20h se celebrará en el teatro Jofre la séptima edición de PechaKucha Night Ferrol. PechaKucha Night es un formato de presentación multidisciplinar surgido en Tokio en el año 2003. Se distingue por su formato 20 x 20, en el que cada ponente únicamente dispone de 20 imágenes y 20 segundos para comentar cada una de ellas, lo que se traduce en un total de6 minutos y 40 segundos de creatividad comprimida. El formato PechaKucha se ha celebrado en más de 572 ciudades de todo el mundo en las que profesionales creativos de múltiples disciplinas, estudiantes y empresarios han presentado sus ideas, trabajos y proyectos en un ámbito local con un alcance global.

Javier Moldes Fajardo [Artesanía]
Pedro García Espasandín [Gastronomía]
Carmelo Teijeiro Fernández [Artes Marciales]
Eloy Taboada [Fotografía]
Tomás Romero García [Música]
Óscar Faraldo [Empresa]
Antonio Pérez Cribeiro [Biología]
Israel Iglesias Pena [Medicina]
José Ramón Méndez [Diseño Industrial]
Radio Filispín [Comunicación]
Antonio Pernas [Arquitecura]
Antón Bruquetas y Paulo Alonso Lois [Periodismo]
Ángel Fernández [Oceanografía]

Reserva tus entradas a través de pechakucha@stgo.es, en el teléfono 881 258 026 o en la taquilla virtual del Jofre previo registro. (Butacas numeradas, entrada gratuita). Horario de recogida: de martes a viernes de 11.00 a 13.00 horas y de 18.00 a 20.00 horas en la taquilla del teatro Jofre de Ferrol.

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José Luis Oyon. Barrio y vida cotidiana: el ejemplo de los barrios populares de la Barcelona de entreguerras

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Barrio y vida cotidiana: el ejemplo de los barrios populares de la Barcelona de entreguerras. Ponencia de José Luis Oyon. Arquitecto y profesor de la Universitat Politècnica de Catalunya.

Entre sus libros cabe destacar: Atlas histórico de ciudades europeas; Barcelona, 1930: un atlas social; El cinturón rojinegro y La quiebra de la ciudad popular. Seminari iD Barrio | Barcelona, Creatividad social, acción colectiva y prácticas artísticas, 28 de Noviembre de 2009 en La Capell.

José Luis Oyón (Logroño 1953)

Es doctor en Arquitectura por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona. Es catedrático del Departamento de Urbanística y Ordenación del Territorio de la Universidad Politécnica de Cataluña, adscrito a la Escuela Técnica Superior de Arquitectura del Vallés.

Ha sido miembro del Comité de Arquitectura de la CNEAI (Comisión Nacional Evaluadora de la Actividad Investigadora) durante los años 2010 y 2011, y miembro del  consejo editorial de la revista Historia Urbana, y miembro internacional del consejo asesor editorial de la revista Urban History, de la Cambridge University Press.

En la actualidad es Coordinador de contendidos y organizador del Museu del Born de Barcelona, desde 2004 y miembro del comité asesor del proyecto museográfico del Centre de Cultura Industrial de Barcelona desde 2005.

Ha investigado, entre otros, temas de teoría de la ciudad, morfología urbana, urbanismo ecológico y movimientos sociales urbanos.

Walter Gropius entrevista de Emilio Garroni (1961)

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Con ocasión de la muestra «Bauhaus«, celebrada ante la galería Nacional de Arte moderna (GNAM) de Roma entre el 20 de noviembre y el 5 de diciembre 1961, el profesor.

Emilio Garroni, profesor de filosofía de la estética, entrevista a Walter Gropius que fue el director de la famosa escuela de diseño activa en Weimar en los años 20.

El pasaje es extraído de la transmisión RAI «Artes y Ciencias». En la película, muy interesante, se reconoce también el histórico de la arquitectura Bruno Zevi.

Emilio Garroni

Nació en Roma, el 14 de diciembre de 1925. Filosofo, semiólogo, historiador de estética y docente en la Facultad de Letras y Filosofía de la Universidad de Roma, fallecido el 6 de agosto de 2005 a la edad de 79 años. Ha sido distinguido por numerosas instituciones por su trayectoria académica y por sus importantes contribuciones a la semiótica contemporánea.

Una de las características fundamentales de sus escritos académicos y de sus lecciones eran la dosificación y la narración de los temas más arduos e imbricados en relatos de gran sensibilidad y belleza estética, aunque siempre conservando una radical profundidad y fidelidad a la complejidad de la materia y del problema planteado en cada exposición, oral o escrita.

Garroni fue un protagonista ineludible del debate filosófico sobre el arte durante la segunda mitad del siglo XX, testimonio de lo cual es su monumental obra: La crisis semántica de las artes, Semiótica y estética. La adversidad del lenguaje y el lenguaje cinematográfico, Arte y obras de arte. Ensayos sobre la estética y la crítica, Significado y paradoja, Cuentos morales. La proximidad y la lejanía y La estética y la epistemología, entre otras.

 

Centro de día para enfermos de Alzhéimer | Jose Jorge Santos+Angel Cid

Se trata de un centro de día urbano para enfermos de Alzheimer, un espacio en el que pasarán gran parte de su tiempo personas con graves problemas de memoria. Se pretende huir de un centro gueto, facilitándoles un entorno cálido, agradable, alegre, con fuertes referencias visuales y, sobre todo, con una relación amable con el exterior, tanto desde el punto de vista del usuario, como del transeúnte.

Así, exteriormente, se actúa sobre la fachada usando una doble piel de vidrio y madera. La madera constituye la piel más externa, una piel discontinua que presenta diferentes grados de permeabilidad tamizando la entrada de luz y la transparencia de las zonas que se abren a viales públicos.

En la fachada con frente a una pequeña plaza, de carácter casi privado, aparece únicamente una piel de vidrio de color que tamiza la luz en una escala de verdes, y que combina bandas traslúcidas y transparentes. Los espacios interiores, contiguos a esta fachada, se bañan así de color configurándose una pantalla de apariencia vegetal en un entorno urbano.

En el interior se separan la zona de administración y los espacios dedicados a los enfermos, donde una gran pieza central de color variable, donde se concentran los servicios comunes, genera un espacio deambulatorio, que permite un paseo continuo para los enfermos facilitándole referencias visuales de fácil identificación, y al que se abren las salas de actividades del centro.

Se actúa levemente sobre el espacio exterior modificando el banco jardinera existente y colocando otro nuevo, intentando acotar un espacio que, aunque de uso público, permita una cierta protección ante la calle y sobre todo ante el acceso de coches a la rampa del aparcamiento contiguo.

Se pretende hacer más cálido este espacio, humanizarlo para su uso por los enfermos, bien incorporándolo como fondo visual de los espacios interiores, bien como espacio de relación entre los enfermos y la gente de la calle.

obra: Centro de día para enfermos de Alzhéimer
autores: Angel Cid Carballo+Jose Jorge Santos Ogando
dirección de obra: Jose Jorge Santos Ogando
colaboradores: Jose Carlos Mera Rodriguez / Ledicia Fraga Domínguez / Paula Mª Casal Vázquez
constructora: Constructora Ediserpo SL
emplazamiento: Rúa Pedro Sarmiento de Gamboa 1, Pontevedra, España
promotor: Consellería de Traballo e Benestar. Xunta de Galicia
año: diciembre 2006 – diciembre 2011
fotografia: Héctor Santos-Díez | BISimages
+ santos-mera.com

Exposición virtual Docomomo Bélgica

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Una iniciativa de DOCOMOMO Bélgica con el apoyo financiero de las autoridades Flamencas

DOCOMOMO International lanzó hoy la exposición virtual docomomo (MoMove). El lanzamiento de la exposición tuvo lugar en Técnico – Universidad de Lisboa, durante la Semana Doctoral IST con la presencia de Ana Tostões, Presidenta Internacional de docomomo, Andrea Canziani, António Bandeirinha, Horacio Torrent, Miles Glendinning y Timo Tuomi.

El sitio web ofrece una selección de más de 3.000 edificios y sitios del Movimiento Moderno. Se trata de una base de datos única por su alcance geográfico y número de obras. Con el fin de aumentar la conciencia pública sobre la importancia de este patrimonio reciente y devaluado, esta exposición virtual es también una herramienta para promover su estudio, interpretación y protección.

Basado en un mapa mundial, el usuario puede buscar cualquier edificio o arquitecto, descubrir datos esenciales, filtrar información por palabras clave, encontrar galerías de imágenes y vídeos. Los edificios se pueden compartir en las principales redes sociales o comentar directamente. MoMove también funciona como una aplicación móvil (web), lo que facilita su uso mientras viaja y visita un recorrido propuesto dentro de un área cercana o tema de interés. Esperamos que disfrutes la experiencia.

La exposición virtual de docomomo estará siempre en constante transformación, contando contigo para mantenerla actualizada y precisa. Este es también el resultado de todos sus esfuerzos.

20 edificios de Madrid con más de 400 años de historia

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Idealista news te ofrece la oportunidad de realizar un recorrido por los edificios más antiguos de madrid que aún se conservan en pie. a través de este reportaje de fotos realizadas por el equipo de idealista, podrás conocer los 20 edificios históricos más singulares de la capital con fotos, mapas, historia y datos sobre su arquitectura obtenidos con la ayuda del colegio oficial de arquitectos de madrid. Un trabajo único realizado por el equipo de idealista que no te puedes perder.

+ artículo publicado en idealista news

90 años de la primera villa purista de Le Corbusier | Marcelo Gardinetti

Las reflexiones arquitectónicas expresadas por Le Corbusier en L’espirit Nouveau entre 1918 y 1922, artículos que mayoritariamente se transcribieron a las páginas de Vers une architecture editado un año después, fueron plasmados por primera vez como hecho palpable en la construcción de la Villa Besnus. La modesta vivienda de Vaucresson, sirvió a Le Corbusier como un laboratorio de ensayo para dar forma construida al lenguaje que desarrollará durante los próximos 10 años en sus villas domésticas y que lo catapultó entre los arquitectos de vanguardia de las primeras décadas del siglo XX.

La vivienda fue encomendada por George Besnus, impresionado por el vigor expresivo de la maqueta de la casa Citrohän, expuesta en el salón d’Automne de 1922. Besnus quería construir una pequeña Citrohän en su terreno, ubicado en las afueras de París, pero la gran diferencia de altura entre la calle y el interior y la forma irregular del terreno sugirieron a Le Corbusier otra idea.

Villa Besnus, Le Corbusier | Imágenes: ©FLC

La casa fue la oportunidad propicia para Le Corbusier de plasmar sus dibujos y maquetas en una obra concreta donde volcar todo el repertorio desarrollado hasta entonces. Lo hace sin omitir detalle, desplegando su capacidad para darle nuevos significados a elementos sustraídos de otra realidad, a partir de un compendio de criterios formales que lo acompañaran en la mayoría de sus obras tempranas.

Es en esta obra donde Le Corbusier esgrime por primera vez los elementos comunes de su obra purista, con el empleo de una cubierta plana para darle carácter cúbico al edificio, diseña aberturas basado en trazados reguladores que desarrolla a partir de su gusto por la geometría, utiliza un módulo proporcionado a la escala humana, construye las carpinterías con sencillos elementos utilizados habitualmente en edificios industriales, coloca las ventanas enrasadas al muro para acentuar la imagen de liviandad del volumen y da lugar a la planta libre, eliminando toda referencia decorativa en el edificio.

Este compilado de criterios resume todos los conceptos vertidos en esos años, y el resultado le estimula aún mas su interés por la arquitectura, que a partir de esta obra, pasara a ser su actividad primaria, sin abandonar jamás su pasión por la pintura.

Lamentablemente, años de intervenciones desaprensivas llevaron a la villa a un estado casi irreconocible, con el agregado de volúmenes en el frente y una modificación determinante en la cubierta. Sin embargo, el carácter plástico de la obra aún emerge tímidamente entre las agresiones constructivas, late subyacente entre los muros de la vivienda, que preserva en su espíritu dos componentes insustituibles: una voluntad y una idea.

“Nos hacen volver la espalda a un mero accidente, nos impulsan a sacrificar un detalle agradable, y nos obligan a buscar la unidad coherente. Debemos usar toda nuestra tierra al máximo y siempre dar cuenta de las dimensiones más amplias posibles. Se verá que en arquitectura que pueden participar en las especulaciones plásticas en la que – desde el punto de vista puramente plástico – nos puede hacer bien o mal.”

Le Corbusier ©FLC

Marcelo Gardinetti, Arquitecto
La Plata, Argentina. diciembre 2012

e n g a w a # 11

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Nos gustaría presentaros el nuevo número de la revista: engawa #11. Para este número hemos contado con la generosa colaboración del arquitecto y fotógrafo: Adrià Goula. Esperamos que sea de vuestro interés.

e n g a w a # 11 | fotografía: Adrià Goula

Envolventes · Rubén Páez
Pity the sorrow · Héctor Quintela
15 celosías de Manuel Valls · Pablo Twose
¡Fracasamos! · Pedro Hernández
There’s a white flag (behind the brick) · Mikel Motosierra
Imposible pero cierto · Pedro Puertas Herrera
Ventana iluminada por otra Ventana · François Guynot de Boismenu
Inaccesible · Ourania Chamilaki

Os invitamos a imprimir este número, y para ello os  ofrecemos dos alternativas, la auto-impresión  y print on demand La primera  involucra al lector, haciéndole partícipe del proceso artesanal de creación de la revista. La segunda ofrece el refugio  del objeto acabado. Os animamos a pasar las páginas. Por último os comentamos que la portada del siguiente número de engawa ya está online, esta vez contamos con la colaboración del director de cine e ilustrador Sergi Pérez que nos propone una ilustración como punto de partida de este juego que es engawa.  Si queréis colaborar: engawa 12

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Hemisferio | Antonio S. Río Vázquez

Main Concourse, Grand Central Terminal, NY; Library of Congress

Hemisferio

En uno de sus ensayos sobre la antigüedad clásica, Oddone Longo destaca la relación entre espacio de conquista y espacio arquitectónico en el Imperio Romano[1], una correspondencia que se puede observar de un modo representativo en la Domus Aurea, la fastuosa residencia del emperador Nerón que se extendía sobre cuatro de las siete colinas romanas.

Entre las curiosas realizaciones que albergaba el palacio imperial —denominadas adecuadamente Incredibilia Neronis—, destacaba la singular «máquina arquitectónica» que cubría una de las salas de banquete y que Cayo Suetonio describe en el capítulo XXXI de la biografía de Nerón:

En nada gastó tanto, sin embargo, como en sus construcciones; extendió su casa desde el palacio hasta las Esquilias, llamando al edificio que los unía Casa de Paso; destruida ésta por un incendio, hizo construir otra que se llamó Casa de Oro, de cuya extensión y magnificencia bastará decir que en el vestíbulo se veía una estatua colosal de Nerón de ciento veinte pies de altura; que estaba rodeada de pórticos de tres hileras de columnas y de mil pasos de longitud; que en ella había un lago imitando el mar, rodeado de edificios que simulaban una gran ciudad; que se veían asimismo explanadas, campos de trigo, viñedos y bosques poblados de gran número de rebaños y de fieras. El interior era dorado por todas partes y estaba adornado con pedrerías, nácar y perlas. El techo de los comedores estaba formado de tablillas de marfil movibles, por algunas aberturas de los cuales brotaban flores y perfumes. De estas salas, la más hermosa era circular, y giraba noche y día, imitando el movimiento de rotación del mundo.[2]

De todas las construcciones del emperador, la cúpula giratoria que simula el hemisferio celeste se convierte en la representación perfecta de la concepción espacial romana, que encuentra su paradigma en la gran cúpula del Panteón. Emergiendo de la tierra, su enorme hemisferio pétreo se contrapone al dinamismo de su antecedente doméstico. El carácter estático se enfatiza con la luz del óculo abierto en su cénit, único testigo del tiempo, como recordaba el historiador Dion Casio:

Agripa completó el edificio llamado Panteón. Este poseía dicho nombre como consecuencia de las imágenes que lo decoraban de muchos dioses, incluidos Marte y Venus pero, en mi opinión, el nombre viene dado porque su forma con cúpula era similar a la del cielo.[3]

El viajero que llegue de madrugada a la Grand Central Station de Nueva York  también se encontrará debajo de un gran mapa celeste representado en la bóveda del vestíbulo principal. Uno de los arquitectos, Whitney Warren, había previsto inicialmente que el techo de la estación permitiera la entrada de luz natural, pero problemas de tiempo y de presupuesto le obligaron a desechar esa idea. Fue entonces cuando el proyectista se vio obligado a diseñar una simulación a la manera de Nerón.

Para hacer realidad su proyecto contó con la colaboración del pintor francés Paul César Helleu, quién emuló el firmamento con sus constelaciones doradas sobre un manto azul cerúleo. Helleu dispuso 59 luminarias en el lugar de las principales estrellas de cada agrupación, conformando una nueva «máquina arquitectónica» por encima del movimiento aleatorio de los viajeros[4].

Como la sala de Nerón, el diseño de Helleu contenía varias incógnitas: Su pintura no representaba el cielo estadounidense, sino su conocido cielo del Mare Nostrum romano. Además, lo había dibujado invertido. Algunos intuyeron en esa representación un posible error a la hora de trasladar a la cubierta la información astrográfica. Otros, sencillamente, que Helleu no había concebido su obra para que la observaran los hombres, sino los dioses, como tantas creaciones cósmicas a lo largo de la historia.

antonio s. río vázquez . arquitecto
a coruña. noviembre de 2012

Notas:
[1] LONGO, O., El universo de los griegos. Actualidad y distancias, Acantilado, Barcelona, 2009, 395
[2] SUETONIO, C., Vida de los doce Césares, Espasa, Madrid, 2003, XXXI
[3] CASIO, D., Historia Romana, Gredos, Madrid, 2004, LIII
[4] La obra de Helleu fue recuperada en una restauración del año 1998. Había permanecido oculta durante casi sesenta años. En la restauración se colocaron LEDs de intensidades diferentes, logrando un parecido aún mayor con el firmamento real.

Conferencia AMID cero 9 en la ESARQ-UIC

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El estudio AMID Cero9 presentará su trabajo con estructuras y cubiertas de geometría compleja, como la que coronará el Palacio del Cerezo en Flor del Valle del Jerte (Extremadura), y explicará su aplicación en cubiertas de mercados al aire libre. El Palacio es un equipamiento en construcción en pleno valle del Jerte que ha sido definido por sus autores como “una ermita contemporánea que desafía las definiciones habituales de auditorio o palacio de congresos.” Su estructura está revestida por escamas planas compuestas por piezas cerámicas que se adaptan a la geometría inicial, basada en estructuras matemáticas complejas, con tamaños diferentes que dependen de la curvatura de la superficie. En el interior, esta misma estructura se replica formando una superficie teselada de rombos, triángulos y pentágonos que permite afinar la acústica de la sala.

García Grima y Díaz Moreno, socios fundadores de AMID Cero9, son profesores de proyectos arquitectónicos en la Universidad Europea de Madrid y Unit Masters de Diploma Unit 5 en la Architectural Association de Londres (aaschool.ac.uk), y Profesores de Proyectos en la ETSAM, UPM desde 1999 y profesores en Cornell University (Nueva York). Colaboran asiduamente con la revista El Croquis y otras muchas publicaciones. Han ganado más de una treintena de premios en concursos de arquitectura, entre otros, los primeros premios para el Palacio del Cerezo del Valle del Jerte, 2008, la sede de la Fundación Giner de los Ríos en Madrid, 2005, el centro de arte Intermediae-Prado en Madrid, 2006, las Viviendas Europan 6 en Jyväskylä, Finlandia, 2001 o el Primer Premio “Ópera Prima” al mejor edificio construido otorgado por el COAM por su edificio para Diagonal 80. Han participado en la 9ª, 8ª y 7ª Biennale di Venezia, entre otros certámenes.

La conferencia se enmarca dentro de la asignatura Proyectos I, que dirige el profesor Alberto T. Estévez, de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidad Internacional de Cataluña, ESARQ-UIC, dedicada este año a los mercados al aire libre.

Conferencia AMID cero 9 en la ESARQ-UIC
Fecha: Viernes, 9 de Noviembre de 2012
Hora: 12:00h
Lugar: Aula Alfa 302. ESARQ-UIC. C/ Immaculada, 22, 08017 Barcelona.

Urbanized

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Tras haber presentado Helvetica (2007) y Objectified (2009), Gary Hustwit lanza su tercer documental enfocado a temas de diseño urbano y arquitectura. Urbanized (2011) nos enfrenta con las ciudades. A través de entrevistas con arquitectos, urbanistas, diseñadores y habitantes de distintas urbes alrededor del mundo, el documental ilustra cómo ha sido el proceso de diseño de las ciudades y cómo su construcción y desarrollo se han visto afectados por convenciones sociales, crisis económicas, guerras, conflictos políticos, religiosos y desastres naturales.

El documental evidencia la complejidad e importancia de la planeación urbanística. Después de hacernos conscientes sobre aquello que influye en el diseño y proyección de las ciudades, Hustwit refiere las innegables consecuencias de la  migración urbana que ha tenido lugar en este último siglo. Actualmente, el 50% de la población mundial vive en ciudades, lo que ha causando un crecimiento sumamente acelerado de la población en las metrópolis. Esto relega a millones de personas en condiciones de espacio sumamente reducidas y sin acceso a los servicios más básicos. Ejemplos de estas condiciones de vida y hacinamiento sobran, pero Hustwit se preocupa por mostrar los casos en los que el buen uso del diseño ha integrado a toda una comunidad en la toma de decisiones para mejorar la calidad de vida de sus habitantes.

[…]

Gala Lutteroth

+ artículo publicado en arquine

I Jornadas Internacionales sobre la Frontera Hispano Portuguesa y sus Fortificaciones

Provocar la concepción y percepción integral del conjunto de fortificaciones de la frontera como sistema unitario entre España y Portugal. Entre los intervinientes se encuentran algunos que han desarrollado trayectorias ligadas al conjunto de la frontera y otros con especializaciones territoriales o puntuales en la misma. En este segundo caso se pretende mostrar esas experiencias como elementos de interés o extrapolables al conjunto del territorio.

Estas Jornadas están dirigidas a todos los agentes que participan en los procesos de planificación, gestión, conservación, recuperación, estudio o análisis del patrimonio constituido por la arquitectura militar de la frontera hispano portuguesa, especialmente sus fortificaciones, incluyendo Profesionales, Profesores así como Estudiantes de diferentes ramas del conocimiento con interés en estos aspectos:

• Políticos y Técnicos municipales de enclaves de la frontera hispano portuguesa con responsabilidad  en la gestión, conservación, planificación de usos o recuperación de las fortificaciones.
• Geógrafos con interés en estudios territoriales, planificación del territorio, análisis de usos del territorio o conformación de estructuras sociales, especialmente en la Raya hispano portuguesa.
• Historiadores con interés en el análisis de procesos de definición y construcción de la frontera entre España y Portugal, en todas sus vertientes.
• Expertos en Patrimonio con interés en el conocimiento de los elementos que integran la arquitectura militar de la frontera entre España y Portugal, la gestión del mismo y las intervenciones para su conservación.
• Arquitectos y otros profesionales de la arquitectura y urbanismo con interés en el conocimiento de modelos de gestión y planificación urbanística del patrimonio fortificado de la frontera hispano portuguesa así como en tendencias y buenas prácticas de intervenciones.
• Especialistas en Turismo y en la creación o gestión de productos culturales ligados al patrimonio histórico con interés en el desarrollo de iniciativas en las fortificaciones de la frontera hispano portuguesa.
• Otros profesionales, asociaciones y particulares interesados en el patrimonio fortificado de la frontera entre España y Portugal y en la visión integral de las acciones de su conservación, promoción y gestión.

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The Architecture of Writing: Wright, Women & Narrative

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Un documental producido por la Fundación de arquitectura Beverly Willis sobre las 100 mujeres que han trabajado en el estudio de Frank Lloyd Wright.