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Los muros hablaron · Anna MalagridaOs muros ¨falaron · Anna MalagridaThe Walls Spoke · Anna Malagrida

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<!--:es-->Los muros hablaron · Anna Malagrida<!--:--><!--:gl-->Os muros ¨falaron · Anna Malagrida<!--:--><!--:en-->The Walls Spoke · Anna Malagrida<!--:-->

Anna Malagrida muestra fotografías de su proyecto Los muros hablaron (The Walls Spoke), en el que documenta los movimientos de protesta social, como los movimientos 15M y de ‘indignados’, que se han producido en España desde mayo de 2011. Punto de inicio de este proyecto son los blogs de internet que mostraban los lugares de Barcelona o Madrid donde las manifestaciones se llevaban a cabo. Como primera parte del proyecto, la artista tomó notas de los textos que fueron escritos en las paredes de las calles de esas ciudades. En una segunda parte, Malagrida trató de encontrar los lugares reales siguiendo las notas de su diario, pero esos textos, en la mayoría de casos, ya habían desaparecido. Las fotografías de zócalos donde estuvieron estos textos fueron tomadas de edificios representativos de Madrid y Barcelona, en los que sólo quedan visibles pequeñas huellas de los textos que fueron pintados durante las protestas.

Anna Malagrida, Banco de Espana, Plaça Catalunya, Barcelona 2013

Figge von Rosen. Berlín. Hasta el 10 de agosto de 2013.

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Anna Malagrida mostra fotografías do seu proxecto Os muros falaron (The Walls Spoke), no que documenta os movementos de protesta social, como os movementos 15M e de ‘indignados’, que se produciron en España desde maio de 2011. Punto de inicio deste proxecto son os blogs de internet que mostraban os lugares de Barcelona ou Madrid onde as manifestacións levábanse a cabo. Como primeira parte do proxecto, a artista tomou notas dos textos que foron escritos nas paredes das rúas desas cidades. Nunha segunda parte, Malagrida tratou de atopar os lugares reais seguindo as notas do seu diario, pero eses textos, na maioría de casos, xa desapareceran. As fotografías de zócalos onde estiveron estes textos foron tomadas de edificios representativos de Madrid e Barcelona, nos que só quedan visibles pequenas pegadas dos textos que foron pintados durante as protestas.

Anna Malagrida, Banco de Espana, Plaça Catalunya, Barcelona 2013

Figge von Rosen. Berlín. Ata o 10 de agosto de 2013.

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Anna Malagrida shows photographies of his project The walls they spoke (The Walls Spoke), in which it documents the movements of social protest, as the movements 15M and of ‘infuriated’, that have taken place in Spain from May, 2011. Point of beginning of this project they are the Internet blogs that were showing the places of Barcelona or Madrid where the manifestations were removing to end. As the first part of the project, the artist took notes of the texts that were written in the walls of the streets of these cities. In the second part, Malagrida tried to find the royal places following the notes of his diary, but these texts, in the majority of cases, already they had disappeared. The photographies of socles where these texts were were taken of representative buildings of Madrid and Barcelona, in which only there stay visible small fingerprints of the texts that were painted during the protests.

Anna Malagrida, Banco de Espana, Plaça Catalunya, Barcelona 2013

Figge von Rosen. Berlin. Until August 10, 2013.

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XII Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo · Premiados

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XII Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo · Premiados

Desde su primera edición la Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo, ha ido integrando un conjunto de actividades específicamente relacionadas con la Arquitectura, organizadas por las diversas instituciones colaboradoras, una exposición itinerante que recoge en cada una de sus ediciones aquellas obras que por sus cualidades han sido merecedoras de ser finalistas en la Bienal y los premios establecidos en cada una de sus categorías.

El Ministerio de Fomento, a través de la Dirección General de Arquitectura, Vivienda y Suelo, en colaboración con el Consejo Superior de los Colegios de Arquitectos de España (CSCAE) y la Fundación Caja de Arquitectos y la Unión de Agrupaciones de Arquitectos Urbanistas (UAAU), convocó a principios de 201 3 la XII Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo correspondiente al bienio 2011-2012, bajo la dirección de los arquitectos Fuensanta Nieto y Enrique Sobejano.

Los días 9 y 10 de mayo de 2013 tuvieron lugar en Madrid las reuniones del Jurado de la XII Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo. El Jurado estuvo compuesto por Javier Martín, Subdirector General de Arquitectura en representación de la Directora General de Arquitectura, Vivienda y Suelo del Ministerio de Fomento, Alfonso Toribio, Decano del Colegio de Arquitectos de Asturias en representación del Presidente del CSCAE, Carlos Gómez Agustí, en representación del Presidente de la Fundación Caja de Arquitectos Fuensanta Nieto y Enrique Sobejano, Directores de la XII BIENAL ESPAÑOLA, Andrés Jaque, Arquitecto, fundador de la Oficina de Innovación Política, Sebastià Jornet, Arquitecto, profesor de urbanismo en la ETSAB y miembro del equipo Jornet-Llop-Pastor ganador del Premio de Urbanismo de la XI Bienal, Sol Madridejos, Arquitecta, socia fundadora de Sancho-Madridejos Architecture Office (S-MAO), Profesora de Proyectos de la Universidad Europea UEM, Madrid, Rafael Aranda, Arquitecto, socio fundador de RCR Arquitectes, Olot, por acuerdo del Comité Ejecutivo en sustitución de Carmen Pigem, Matthias Sauerbruch, Arquitecto, socio fundador del estudio Sauerbruch Hutton, Profesor de la Universität der Künste (UdK), Berlín, y Wilfried Wang, Arquitecto y Critico de Arquitectura, Socio fundador Hoidn Wang Partners, Profesor de la University of Texas at Austin (USA).

En esta edición se recibieron 583 obras de arquitectura realizadas en el bienio 2011-2012. En la primera sesión de las reuniones del Jurado, 164 fueron consideradas como SELECCIONADAS. Finalmente el Jurado acordó conceder 15 PREMIOS y señalar 27 FINALISTAS.

 

Tim Ingold y la construcción del medioTim Ingold e a construcción do medioTim Ingold and the construction of the way

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<!--:es-->Tim Ingold y la construcción del medio<!--:--><!--:gl-->Tim Ingold e a construcción do medio<!--:--><!--:en-->Tim Ingold and the construction of the way<!--:-->

Más antropología espacial, esta vez de la mano del inefable y siempre interesante Tim Ingold. Muchas veces me he tropezado con sus esencialismos y sus peligrosos aires heideggerianos, pero una y otra vez vuelvo a sus textos como quien regresa a las raíces que quieren reconocerse… Aquí en una ponencia en la Escuela de Arquitectura de Portland State University, de nuevo sobre la conexión de la arquitectura vernacular y los modos de asentamiento con el medio y las concepciones más amplias del mundo.

http://vimeo.com/64849738

More spatial anthropology, this time of the hand of the indescribable one and always interesting Tim Ingold. Often I me have stumbled over his esencialismos and his dangerous airs heideggerianos, but again and again I return to his texts like who it returns to the roots that want to be recognized … Here in a presentation in the School of Portland State’s Architecture University, again on the connection of the architecture vernacular and the manners of accession with the way and the most wide conceptions of the world.

Máis antropología espacial, esta vez da man do inefable e sempre interesante Tim Ingold. Moitas veces tropeceime coas súas esencialismos e os seus perigosos aires heideggerianos, pero unha e outra vez volvo aos seus textos como quen regresa ás raíces que queren recoñecerse… Aquí nun relatorio na Escola de Arquitectura de Portland State University, de novo sobre a conexión da arquitectura vernacular e os modos de asentamiento co medio e as concepcións máis amplas do mundo.

BCQ Baena CasamorBCQ Baena CasamorBCQ Baena Casamor

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<!--:es-->BCQ Baena Casamor<!--:--><!--:gl-->BCQ Baena Casamor<!--:--><!--:en-->BCQ Baena Casamor<!--:-->

Exposición de la obra de BCQ Baena Casamor bajo el título “Architektonische Landschaften” ”significativos paisajes arquitectónicos ”. Este tema no sólo es una indicación de la estrecha relación entre la arquitectura como objeto y los edificios terminados que rodean el espacio libre (o viceversa). La exposición presenta una cuidada selección de conjuntos de dos fotos por proyecto  que se complementa con una declaración concisa, que las articula.

Architektur Galerie Berlin. Karl-Marx-Allee 96. Berlín. Desde el 5 de julio al 17 de agosto de 2013

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Exposición da obra de BCQ Baena Casamor baixo o título “Architektonische Landschaften” ”significativas paisaxes arquitectónicos ”. Este tema non só é unha indicación da estreita relación entre a arquitectura como obxecto e os edificios terminados que rodean o espazo libre (ou viceversa). A exposición presenta unha coidada selección de conxuntos de dúas fotos por proxecto que se complementa cunha declaración concisa, que as articula.

Architektur Galerie Berlin. Karl-Marx-Allee 96. Berlín. Desde o 5 de xullo ao 17 de agosto de 2013

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Exhibition of BCQ’s work Baena Casamor under the title «Architektonische Landschaften» » significant architectural landscapes «. This topic not only is an indication of the narrow relation between the architecture as object and the finished buildings that surround the free space (or vice versa). The exhibition presents an elegant selection of sets of two photos for project that complements itself with a concise declaration, which articulates them.

Architektur Galerie Berlin. Karl-Marx-Allee 96. Berlin. From July 5 to August 17, 2013

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Sin tiempo concreto. La lonja de Lira. Manuel Gallego Jorreto | Luis Gil Pita – Cristina Nieto Peñamaría

Luis Gil Pita
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Sin tiempo concreto. La lonja de Lira. Manuel Gallego Jorreto | Luis Gil Pita – Cristina Nieto Peñamaría

“Los ritmos, los objetos y los acontecimientos existen; pero el tiempo y el espacio son triunfantes invenciones del hombre. Cada individuo crea de nuevo el pasado, el presente y el futuro desde un presente que San Agustín dice que es un presente hecho de cosas pasadas, de cosas presentes y de cosas futuras…”

¿De qué tiempo es este lugar?
Kevin Lynch.

Lonja de Lira. A Coruña, 2007-2010. Manuel Gallego Jorreto | Fotografía: Mónica Balado

Deberíamos comenzar pidiendo disculpas a “la Cimbra y el Arco” de Carles Martí por abordar el acercamiento a esta obra de arquitectura, la Lonja de Lira de Manuel Gallego Jorreto, con palabras, en tanto que estas líneas lo son sobre intensa arquitectura pero no son arquitectura, son sólo eso palabras… Sucinta reflexión la que presentamos sobre una obra que parece, solo aparentemente, ser una obra secundaria porque no se deja ver en su pudor, no sólo frente a las obras de arquitectura de otros autores que le son contemporáneas, sino a otras arquitecturas del propio Manuel Gallego (algo, si cabe, todavía más difícil dentro de la conocida y humilde coherencia de su larga trayectoria).

No obstante, por diferentes motivos, esta construcción enlaza con ese tipo de proyecto en la biografía de sus autores, que siendo obras en apariencia menores y escondidas, se convierten más tarde en excelsos  referentes de una trayectoria vital, pues son y responden a la praxis tranquila y pausada de un autor y de un tiempo propio demorado que las hace crecer abstraídas. Este tipo de proyectos que proponen y nacen vocacionados hacia un silencio consciente y pudoroso, son edificios Bartleby[1] de sus propios autores y de la sociedad que los envuelve que, a cambio de este anonimato, no sólo nos enseñan a pensar y se convierten en motor de aprendizaje para otros proyectos, para otros arquitectos sino que además están ahí para terminar de dar sentido y estructura profunda al corpus de una vida profesional. Son obras que se parecen a las notas a pie de página de  un texto, líneas escondidas que no hace falta seguir si no se quiere, pero que son el soporte del cuerpo teórico del texto principal que se lee. La lonja de Lira de Manuel Gallego es una de estas raras obras, que no quiere aparecer, pero que es, sin duda, uno de los picos más altos de su arquitectura y de la arquitectura nacional de estos últimos  diez años.

Lonja de Lira. A Coruña, 2007-2010. Manuel Gallego Jorreto | Fotografía Mónica Balado

De la lonja de Lira nos interesa, muy principalmente, lo que es el casi nada de ese edificio sin forma y que, sin embargo, es casi todo, el material principal con el que nos parece está hecho, al contrario de la mayoría de arquitectura contemporánea con la que convivimos, el tiempo y su alteración. Nos explicamos, hay algo más profundo en este edificio silencioso, que nos deja aprender y emocionarnos pero que no suele aparecer en la mayoría de construcciones que se visitan como arquitectura, y que es la sensación de estar ante una obra original. Original en varios sentidos, uno de ellos en la perspectiva de lo primitivo, de lo ancestral conectado a lo básico que es localizarse y ser. Un localizarse, en este caso, poco frecuente pues el edificio funciona perfectamente allí mismo, en su relación con el mar inmediato, el puerto, una obviedad, y también lo hace en la percepción equilibrada de su  implantación en el horizonte geográfico  más abierto y lejano, el océano.

Lonja de Lira. A Coruña, 2007-2010. Manuel Gallego Jorreto | Fotografía Mónica Balado

Original también, porque la obra por ese pudor referido, parece querer ser únicamente relatada a través de la descripción simple de la acción constructiva, como un invento, poco o nada más: siete pórticos paralelos y en voladizo de casi 18m hincados en el suelo del puerto. Ese hincar estos siete pilares de soporte para unas vigas en ménsula es una acción muy por encima de la arquitectura, pues termina por convertirse en un acierto casi antropológico de comportamiento constructivo que pone, metafóricamente hablando, a esta obra a la altura de la más sencilla acción del protagonista de Urga en el film de Mihalkov, cuando en medio de la estepa, para dar sentido y medida a un dominio inabarcable que es la amplitud de la nada, clava su pértiga (urga) con el fin de expresar de forma extremadamente básica un territorio propio y único, no franqueable. A nuestro modo de ver, la acción constructiva de este edificio hace lo mismo, no una sino  siete veces, con sus siete pórticos repetidos en el horizonte del también inabarcable océano pegado a Lira y al Monte Pindo.

Lonja de Lira. A Coruña, 2007-2010. Manuel Gallego Jorreto. Fotografía Mónica Balado

Después de estas dos premisas originales, implantación y acción constructiva, tal vez nada más, como suele acontecer con la gran arquitectura, pues el programa podría ser el actual o cualquier otro necesario, y podría no haber sido terminado el edificio, y podrá no ser necesario su uso en cien años, si es ruina, y seguiría teniendo un profundo sentido arquitectónico. En este sentido y no por azar hemos escogido, para ilustrar estas breves palabras, las fotografías de proceso constructivo de la aparejadora de Manuel Gallego, en esta y en otras muchas obras, Mónica Balado, sino porque delatan la desimportancia de ver terminados los edificios que son verdaderos proyectos de arquitectura, originales como venimos diciendo. La lonja de Lira cumple hoy su programa y objetivo primero perfectamente, pero lo que hace de ella algo para nosotros tan importante es que podría cumplir, por su primitivismo y sutileza al mismo tiempo, cualquier otro uso futuro que se le pidiese, incluso el de “no  querer ser” bartlebyano, el de convertirse en la referida ruina que ya no necesita de la Utilitas o la Venustas para explicarse y poder engañar al tiempo…

Finalizamos pensando que muy pocos percursos vitales en arquitectura son capaces de equilibrar la sabiduría de proyectos de madurez, con la energía de los de comienzo de una carrera, Manuel Gallego demuestra esa difícil posibilidad encontrando la misma justificación propositiva y fresca en esta obra “secundaria” de Lira  que se engancha directamente a la potencia y elementarismo arquitectónico de algunas de sus primeras obras, como la casa del Pintor Ortiz, como el refugio de Corrubedo… como el saber ser y estar, antes y después del tiempo.

Luis Gil+Cristina Nieto. arquitectos
santiago de compostela. junio 2012

Nota:

1 De reparto, secundarios o bartlebys, como la Lonja de Lira de Manuel Gallego, también nos han parecido siempre el Gementee Museum de H. P.  Berlage, la nave Paustian Furniture de Utzon o la Iglesia Pastoor van Ars Church de Loosduinen de A. Van Eyck, edificios que seducen y se meten en uno tranquilamente para no salir jamás.

[:es]Utopías domésticas. La casa del Futuro de Alison y Peter Smithson[:gl]Utopías domésticas. A casa do Futuro de Alison e Peter Smithson [:en]Domestic Utopias. The house of the Future of Alison and Peter Smithson[:]

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[:es]Utopías domésticas. La casa del Futuro de Alison y Peter Smithson[:gl]Utopías domésticas. A casa do Futuro de Alison e Peter Smithson [:en]Domestic Utopias. The house of the Future of Alison and Peter Smithson[:]

[:es]

Arquitectura, paisaje, arte, diseño y cine se entrelazan en este libro que va de lo particular a lo universal, provocando una actitud reflexiva sobre el concepto de casa del futuro en la arquitectura contemporánea.

Los primeros capítulos van desentrañando paulatinamente el pensamiento de juventud de Alison y Peter Smithson a través de sus primeras obras perecederas y soñadoras. Su casa del Futuro, pieza central de la investigación, permite ser estudiada a partir de distintos puntos de vista: desde la intención de los autores, desde lo que mostraron en la exposición y desde lo que la vivienda puede sugerir.

Utopías domésticas. La casa del Futuro de Alison y Peter Smithson
Utopías domésticas. La casa del Futuro de Alison y Peter Smithson

De carácter efímero y vocación utópica, esta obra muestra el rostro más optimista y alegre de sus autores, a la vez que abre vías para nuevas utopías domésticas. A pesar de su corta vida, la vivienda fue planeada por los Smithson como un proyecto más amplio con el que analizar diferentes aspectos del habitar. En el resultado concurren poéticamete sueños de la casa pasados, presentes y futuros, que mantienen siempre al habitante en el centro de la utopía, sus anhelos, recuerdos y necesidades.

A través de la casa del Futuro de los Smithson, el libro propone un sugerente viaje que culmina en un carrusel de utopías, algunas próximas a la ciencia ficción, que contribuyen a esclarecer las intenciones del singular proyecto de la pareja británica. El análisis de estas optimistas propuestas nos permite también seguir soñando con un futuro posible, aunque todavía lejano.

Nieves Fernández Villalobos

(Salamanca, 1975) es arquitecta por la ETSA de Valladolid (2001) y doctora por la misma universidad (2007) con la tesis doctoral que ahora se publica: «La casa del Futuro. Utopías domésticas de Alison y Peter Smithson«, Premio Extraordinario de Doctorado. Es profesora del área de Composición Arquitectónica del Departamento de Teoría de la Arquitectura y Proyectos Arquitectónicos desde 2003.

 [:gl]

Arquitectura, paisaxe, arte, deseño e cine entrelázanse neste libro que vai do particular ao universal, provocando unha actitude reflexiva sobre o concepto de casa do futuro na arquitectura contemporánea.

Os primeiros capítulos van desentrañando paulatinamente o pensamento de mocidade de Alison e Peter Smithson a través das súas primeiras obras perecederas e soñadoras. A súa casa do Futuro, peza central da investigación, permite ser estudada a partir de distintos puntos de vista: desde a intención dos autores, desde o que mostraron na exposición e desde o que a vivenda pode suxerir.

De carácter efémero e vocación utópica, esta obra mostra o rostro máis optimista e alegre dos seus autores, á vez que abre vías para novas utopías domésticas. Malia a súa curta vida, a vivenda foi planeada polos Smithson como un proxecto máis amplo co que analizar diferentes aspectos do habitar. No resultado concorren poéticamete soños da casa pasados, presentes e futuros, que manteñen sempre ao habitante no centro da utopía, os seus anhelos, recordos e necesidades.

A través da casa do Futuro dos Smithson, o libro propón un sugerente viaxe que culmina nun carrusel de utopías, algunhas próximas á ciencia ficción, que contribúen a esclarecer as intencións do singular proxecto da parella británica. A análise destas optimistas propostas permítenos tamén seguir soñando cun futuro posible, aínda que aínda afastado.

A súa autora, Neves Fernández Villalobos (Salamanca, 1975) é arquitecta pola ETSA de Valladolid (2001) e doutora pola mesma universidade (2007) coa tese doctoral que agora se publica: «A casa do Futuro. Utopías domésticas de Alison e Peter Smithson», Premio Extraordinario de Doctorado. É profesora do área de Composición Arquitectónica do Departamento de Teoría da Arquitectura e Proxectos Arquitectónicos desde 2003.

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[:en]

Architecture, landscape, art, design and cinema interlace in this book that goes from the particular thing to the universal thing, provoking a reflexive attitude on the concept of house of the future in the contemporary architecture.

The first chapters are uncovering gradually the thought of youth of Alison and Peter Smithson across his first perishable and dreamy works. His house of the Future, central piece of the investigation, allows to be studied from different points of view: from the intention of the authors, from what they showed in the exhibition and from what the housing can suggest.

Of ephemeral character and Utopian vocation, this one works sample the most optimistic and happy face of his authors, simultaneously that opens routes for new domestic Utopias. In spite of his short life, the housing was planned by the Smithson as a more wide project with which to analyze different aspects of to live. In the result there meet poéticamete dreams of the house spent, present and future, that support always the inhabitant in the center of the Utopia, his longings, recollections and needs.

Across the house of the Future of the Smithson, the book proposes a sugerente travel that it culminates in a carrousel of Utopias, some close to the science fiction, which there help to clarify the intentions of the singular project of the British pair. The analysis of these proposed optimists allows us to continue dreaming also of a possible future, though still distant.

His authoress, Nieves Fernandez Villalobos (Salamanca, 1975) is arquitecta for the ETSA of Valladolid (2001) and confers a doctor’s degree for the same university (2007) with the doctoral thesis that now publishes: «The house of the Future. Domestic Utopias of Alison and Peter Smithson», Extraordinary Prize of Doctorate. She is a teacher of the area of Architectural Composition of the Department of Theory of the Architecture and Architectural Projects from 2003.

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Asplund… y el tapiz de Göteborg | Rodrigo Almonacid

Rodrigo Almonacid Canseco
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Asplund… y el tapiz de Göteborg | Rodrigo Almonacid
Asplund… y el tapiz de Göteborg | Rodrigo Almonacid Boceto de los tapices del Ayuntamiento de Göteborg, 1936-37
Boceto de los tapices del Ayuntamiento de Göteborg, 1936-37

Al terminar el proyecto para la ampliación del Ayuntamiento de Göteborg (Suecia, 1935-37), E. G. Asplund firmó su trabajo. No era solo cuestión de firmar los planos, no. Firmó literalmente su obra. Hacerlo hoy nos podría parecer un ejercicio de auto-bombo, pero creo que hacerlo tal y como lo hizo el maestro de la Modernidad sueca no lo es en absoluto. Es un acto de gratitud, acaso de satisfacción personal, pero siempre un ejercicio de Arquitectura, de ésos por los que se distingue la intervención de un brillante arquitecto como lo fue él.

Entre sus bocetos para el equipamiento interior de los nuevos juzgados anexos al antiguo Rådhus se encuentra éste de la imagen que nos muestra una colección de iniciales diseminadas por un espacio recuadrado, el futuro tapiz. La fecha ocupa la esquina superior izquierda señalando el tiempo, esa coordenada fija que discreta pero solemnemente está por encima de cualquier otro signo.

La habitual tríada de agentes de toda obra (promotor, constructor y arquitecto) son la excusa que permite a su arquitecto-diseñador resolver la disposición correcta de las mayúsculas, agrupándolas en torno a tres símbolos: un mazo distintivo del juez; una plomada y una paleta por el albañil; y un compás y una plantilla de curvas, herramientas características del arquitecto.

Asplund… y el tapiz de Göteborg | Rodrigo Almonacid Tapiz de los juzgados del Ayuntamiento de Göteborg, 1937
Tapiz de los juzgados del Ayuntamiento de Göteborg, 1937

Hay ligeros cambios entre la versión proyectada del tapiz y la finalmente tejida en 1937; la más significativa resulta los atributos del arquitecto, que definitivamente serían reemplazado por un ojo atento, en alusión a la función de dirección facultativa de las obras. No deja de sorprenderme que, pese a la notoriedad internacional del arquitecto, las iniciales de Asplund son menos relevantes que las de cualquiera de los jueces, e incluso a la par del contratista principal de las obras O.E. (Olle Engkvist) o del jefe de obra G.S. (Gerdt Stendahl).

El ego del notable arquitecto que, no lo olvidemos, había sido el responsable de presentar en los países nórdicos los avances del funcionalismo europeo en la Exposición Internacional de Estocolmo en 1930, no había crecido por encima de sus obras, rasgo por el cual me parece siempre digno de admirar, y de lo que muchos starchitects hoy deberían tomar nota.

Cobran todo el sentido aquellas palabras suyas en las que apelaba a la humildad del arquitecto diciendo que:

“Un edificio de viviendas no tiene que verse. Para un arquitecto que proyecta edificios de viviendas, la mejor manera de demostrar su capacidad artística es subordinándose discretamente. Para él ha de ser más importante analizar los edificios que rodean el solar que buscar bonitas imágenes en libros de grabados y fotografías.” 1

Tengo claro que en nuestro ejercicio profesional y en nuestras Escuelas de Arquitectura deberíamos reflexionar, y mucho, acerca de estas sensatas palabras del maestro sueco. Quizá así la sociedad empezaría reconocer el papel del arquitecto como el más cualificado intérprete del lugar a la hora de intervenir en él.  Como el mismo Asplund escribía en el citado texto,

“Se olvida que es más importante seguir el estilo del lugar que el estilo del tiempo”,

al respecto de la necesidad de discreción y corrección que precisa todo proyecto de arquitectura contemplado en un contexto más amplio como un escenario urbano o un entorno natural. Y, nosotros, autores de las obras, seguramente nos sentiríamos tan satisfechos de la labor que nos ocupa que, como Asplund, acabaríamos firmando orgullosos nuestras propias obras, en lugar de esconder/renegar de su autoría, como tantas veces ocurre para desgracia y frustración del arquitecto.

¡¡¡ Hagamos tapices, hagamos ARQUITECTURA !!!

Rodrigo Almonacid [r-arquitectura] · doctor arquitecto
valladolid. junio 2013

Notas:

1 Cfr. ASPLUND, E.G.: “Peligros arquitectónicos actuales para Estocolmo: los edificios de apartamentos”. Teknisk Tidskrift A, 1916. (Traducido en: Erik Gunnar Asplund. Escritos 1906/1940. El Croquis Editorial, El Escorial, 2002).

Imágenes tomadas de:

– LÓPEZ-PELÁEZ, José Manuel: La arquitectura de Gunnar Asplund. Fundación Caja de Arquitectos. Colección “Arquíthesis” nº 11. 2002 (boceto del tapiz, 1935-36).
– VV.AA.:  Asplund. Ed. Gustavo Gili. Barcelona, 2ª edición, 1997 (foto tapiz colgado en una sala de vistas de los juzgados)

[:es]Rem Koolhaas y la arquitectura moderna (P2)[:gl]Rem Koolhaas e a arquitectura moderna (P2)[:en]Rem Koolhaas and the modern architecture (P2)[:]

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[:es]Rem Koolhaas y la arquitectura moderna (P2)[:gl]Rem Koolhaas e a arquitectura moderna (P2)[:en]Rem Koolhaas and the modern architecture (P2)[:]

[:es]https://youtu.be/HIxIHFn6i94

Este documental se divide en dos episodios. Se hace un recorrido por la vida profesional de Rem Koolhaas, aproximando al espectador a algunas de sus obras e ideas principales.

Rem Koolhaas

Es un arquitecto neerlandés reconocido a nivel mundial por su influencia en la arquitectura contemporánea. Nació el 17 de noviembre de 1944 en Rotterdam, Países Bajos. Es el fundador de la firma de arquitectura Office for Metropolitan Architecture (OMA), establecida en 1975 en Londres, y ha sido profesor en varias instituciones académicas de renombre, incluida la Universidad de Harvard.

Koolhaas es conocido por su enfoque innovador y su capacidad para desafiar las convenciones arquitectónicas establecidas. Algunos de sus proyectos más destacados incluyen la Biblioteca Pública de Seattle, el Centro de Convenciones de China en Hangzhou y la Terminal de Cruceros de Copenhague. Además de su trabajo arquitectónico, Koolhaas también ha incursionado en el campo de la teoría arquitectónica y la escritura, con libros influyentes como «Delirious New York» y «S, M, L, XL«.

Su enfoque en la reinterpretación de la arquitectura urbana y su capacidad para fusionar lo teórico con lo práctico han hecho de Rem Koolhaas una figura influyente en el mundo de la arquitectura contemporánea.

[:gl]https://youtu.be/HIxIHFn6i94

Este documental divídese en dous episodios. Faise un percorrido pola vida profesional de Rem Koolhaas, aproximando ao espectador a algunhas das súas obras e ideas principais.

[:en]https://youtu.be/HIxIHFn6i94

This documentary divides in two episodes. A tour is done by the professional life of Rem Koolhaas, bringing the spectator near to some of his works and principal ideas.

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Stool Makes HistoryStool Makes HistoryStool Makes History

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<!--:es-->Stool Makes History<!--:--><!--:gl-->Stool Makes History<!--:--><!--:en-->Stool Makes History<!--:-->

Este año, estamos celebrando el 80 aniversario del diseño clásico de Alvar Aalto, stool 60. El punto culminante del aniversario es la exposición “Stool Makes History” producida por el Museo Alvar Aalto. La exposición incluye una revisión de la historia de los taburetes stool, con imágenes, dibujos y objetos. La exposición también arrojará algo de luz sobre el complejo proceso de fabricación y presenta alguna de las copias comerciales.

Stool 60. Fotografía: Ilmari Kostiainen, Artek Collection | Alvar Aalto Museum | aaltopress.wordpress.com

Alvar Aalto Museum Gallery. Alvar Aallon katu 7. Jyväskylä. Hasta el 8 de septiembre de 2013.

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Este ano, estamos celebrando o 80 aniversario do deseño clásico de Alvar Aalto, stool 60. O punto culminante do aniversario é a exposición “Stool Makes History” producida polo Museo Alvar Aalto. A exposición inclúe unha revisión da historia dos taburetes stool, con imaxes, debuxos e obxectos. A exposición tamén arroxará algo de luz sobre o complexo proceso de fabricación e presenta algunha das copias comerciais.

Stool 60. Fotografía: Ilmari Kostiainen, Artek Collection | Alvar Aalto Museum | aaltopress.wordpress.com

Alvar Aalto Museum Gallery. Alvar Aallon katu 7. Jyväskylä. Ata o 8 de setembro de 2013.

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This year, we are celebrating 80 anniversary of Alvar Aalto’s classic design, stool 60. The culminating point of the anniversary is the exhibition “Stool Makes History” produced by the Museum Alvar Aalto. The exhibition includes a review of the history of the stools stool, with images, drawings and objects. The exhibition also will throw something of light on the complex manufacturing process and he presents someone of the commercial copies.

Stool 60. Photo: Ilmari Kostiainen, Artek Collection | Alvar Aalto Museum | aaltopress.wordpress.com

Alvar Aalto Museum Gallery. Alvar Aallon katu 7. Jyväskylä. Until September 8, 2013.

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El oficio de los signos | Marcelo Gardinetti

Marcelo Gardinetti
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El oficio de los signos | Marcelo Gardinetti

En el decir de Immanuel Kant, la arquitectura se concreta como un arte de las formas, un conocimiento previamente concebido de un objeto que si bien debe responder a una utilidad, como hecho artístico no está regido por un fin determinado y por lo tanto, su forma no tiene su principio en la naturaleza sino en un fin arbitrario. Esa arbitrariedad considerada como un elemento de valor per se, establece el punto basal en la narración arquitectónica de John Hejduk. Un relato fundado en ejercicios pictóricos-morfológicos cimentados en la deformación de las formas cúbicas, la incorporación del muro como elemento de diseño y en infinitas expediciones al carácter plástico de la obra de Le Corbusier.

Wall House 2, John Hejduk | Fotografía: Liao Yusheng

En ese argumento, el cubo desnaturalizado y el plano terminan por componer los signos principales de su arquitectura, un escenario donde la Wall House 2 concierta el manifiesto de esas concepciones. Diseñada en 1973 por encargo del paisajista Arthur Edward Bye, el proyecto se establece en la confrontación de dos ejes en los que el muro participa como elemento ordenador: un eje horizontal donde el muro actúa como elemento conector y otro en sentido vertical donde el muro actúa como barrera. Esta disposición de planos consolida la intención de aislar el programa en espacios autónomos, donde el muro se define como un elemento simbólico, no estructural, que propicia una tensión dinámica. Pero además representa el tiempo en el momento de paso, un paso fugaz arrogado por Hejduk en la delgadez del tabique.

Frente a la irrupción de los volúmenes, el protagonismo del plano promueve el criterio de unidad. Las entidades que en apariencia emergen del muro como cuerpos en voladizo instalan una iconografía en la que cada volumen adopta un signo propio, en correspondencia con una función particular. Esta autonomía se exalta en la separación entre piso y techo de cada volumen y se ratifica en la irrupción de elementos transparentes entre el muro y los volúmenes.

Wall House 2, John Hejduk |Fotografía: Liao Yusheng

En planta, el muro desdobla las actividades. En uno de sus lados dispone las funciones principales: dormitorio, comedor y sala de estar. En el otro, las funciones de servicio: escaleras y baños. En vertical el programa también se fragmenta: el primer nivel aloja el dormitorio, el segundo el comedor y el tercero la sala de estar. En el otro extremo, el estudio se vincula al resto del programa por un largo corredor que termina en la escalera de acceso.

El interior no permite una contemplación estática, la intención dinámica del proyecto obliga a salir de un espacio para ingresar al otro, una segmentación que contrasta con la interacción de espacios promovida por el movimiento moderno.

Wall House 2, John Hejduk |Fotografía: Liao Yusheng

La diferenciación cromática establecida en el exterior asevera la individualidad de los elementos. La elección de los colores constituye una analogía a la paleta que utilizó Le Corbusier en la Maison La Roche. Hejduk era partidario de trabajar con colores puros empleados a la manera de los neoplasticistas, pero a partir de vivenciar los colores en La Roche los acerco al gris para hacerlos más suaves. Rojo, azul, amarillo, verde y violeta, así atenuados, corresponden a un volumen y a una función específica. El muro de color gris representa la neutralidad.

Hejduk remite los colores empleados por Le Corbusier en la Maison La Roche a la obra de Jean Auguste Ingres y particularmente a su pintura “Louise de Broglie, Contesse d’Haussonville” de 1845.

Wall House 2, John Hejduk, 1973

La casa estaba destinada a construirse sobre un terreno en las afueras de Connecticut, pero una sumatoria de inconvenientes motivó al propietario a desistir de la obra. En el año 2001, meses después de la muerte de Hejduk, un proyecto empresario propició su construcción en la ciudad de Groningen, Países Bajos.

La Wall House 2 es una obra ambigua y contradictoria, de funcionalidad compleja, que puede valorarse con idéntica certeza como una experiencia de vanguardia arquitectónica o como un ejercicio pictórico tridimensional. Hejduk establece un organismo que expone las partes despojadas de su piel. Un consumado de ideas representadas en el oficio de los signos.

Marcelo Gardinetti . arquitecto
La Plata. junio 2013

Premio Eme3 Fundación Jesús SerraPremio Eme3 Fundación Jesús SerraEme3 Jesús Serra Fundation Award

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<!--:es-->Premio Eme3 Fundación Jesús Serra<!--:--><!--:gl-->Premio Eme3 Fundación Jesús Serra<!--:--><!--:en-->Eme3 Jesús Serra Fundation Award<!--:-->

El próximo viernes 28 de junio se dará a conocer el ganador del Premio Eme3 Fundación Jesús Serra, un galardón que premia el mejor proyecto entre los 40 participantes nacionales e internacionales de la 8ª edición del festival arquitectura Eme3 que acoge el recinto Fabra i Coats del 27 al 30 de junio.

Como cada edición desde 1999, el comité científico de Eme3 formado por profesionales del ámbito de la arquitectura, la filosofía, el diseño y el arte, así como un representante de la fundación, han sido los encargados de escoger el proyecto que más representa la temática de esta edición, “Topias, utopias becoming real”, y sus ámbitos: nuevos usos del espacio público, la vivienda en situaciones de crisis y el espacio de trabajo en evolución.

Eme3 festival de arquitectura

Durante 4 días, el festival reúne a creadores de diferentes proyectos de arquitectura y urbanismo, nacionales e internacionales, que proponen nuevas formas de trabajo y una manera diferente de entender la realidad, reflexionando sobre la recuperación de espacios en desuso.

El festival se convierte en un laboratorio de experimentación donde es posible descubrir otras formas de hacer arquitectura y que fomenta el intercambio entre todos los participantes y el público asistente a través de la exposición Share-it y la sección Build-it con intervenciones y workshops, debates y talks dinámicos en torno a la arquitectura y la sociedad con la participación de reconocidos profesionales del ámbito de la arquitectura y el arte.

Las actividades del festival se alargarán durante todo el mes de julio, con la exposición y actividades abiertas propuestas por vecinos y asociaciones como espectáculos de danza, conciertos, talleres, y video proyecciones, entre otros, para dinamizar el espacio Fabra i Coats.

El Festival Eme3 es un espacio en el que arquitectos, urbanistas y creativos de diferentes disciplinas pueden encontrarse y mostrar sus proyectos: trabajos innovadores, poco convencionales y que de alguna manera se escapan de las tendencias mayoritarias en la construcción y la planificación urbana. Actualmente ya es un espacio de exposición, debate y experimentación que actúa como foro de interacción y lanzadera de propuestas que conjugan la arquitectura, el arte y el diseño. En sus ediciones anteriores Eme3 ha recibido un total de 70.000 visitantes.

Día: Viernes 28 de junio de 2013
Hora: 19 h
Lugar: Fabra i Coats, c/Sant Adrià, 20 (Barcelona)
Asisten: Javier Planas, director Eme3 y  Laura Halpern, directora de la Fundación Jesús Serra

+ eme3.org

O vindeiro venres 28 de xuño darase a coñecer o ganador do Premio Eme3 Fundación Jesús Serra, un galardón que premia o mellor proxecto entre os 40 participantes nacionais e internacionais da 8ª edición do festival arquitectura Eme3 que acolle o recinto Fabra i Coats do 27 ao 30 de xuño.

Como cada edición desde 1999, o comité científico de Eme3 formado por profesionais do ámbito da arquitectura, a filosofía, o deseño e a arte, así como un representante da fundación, foron os encargados de escoller o proxecto que máis representa a temática desta edición, “Topias, utopias becoming real”, e os seus ámbitos: novos usos do espazo público, a vivenda en situacións de crises e o espazo de traballo en evolución.

Eme3 festival de arquitectura

Durante 4 días, o festival reúne a creadores de diferentes proxectos de arquitectura e urbanismo, nacionais e internacionais, que propoñen novas formas de traballo e un xeito diferente de entender a realidade, reflexionando sobre a recuperación de espazos en desuso.

O festival convértese nun laboratorio de experimentación onde é posible descubrir outras formas de facer arquitectura e que fomenta o intercambio entre todos os participantes e o público asistente a través da exposición Share-it e a sección Build-it con intervencións e workshops, debates e talks dinámicos en torno á arquitectura e a sociedade coa participación de recoñecidos profesionais do ámbito da arquitectura e a arte.

As actividades do festival alargaranse durante todo o mes de xullo, coa exposición e actividades abertas propostas por veciños e asociacións como espectáculos de danza, concertos, talleres, e video proxeccións, entre outros, para dinamizar o espazo Fabra i Coats.

O Festival Eme3 é un espazo no que arquitectos, urbanistas e creativos de diferentes disciplinas poden atoparse e mostrar os seus proxectos: traballos innovadores, pouco convencionais e que dalgún xeito escápanse das tendencias maioritarias na construción e a planificación urbana. Actualmente xa é un espazo de exposición, debate e experimentación que actúa como foro de interacción e lanzadera de propostas que conxugan a arquitectura, a arte e o deseño. Nas súas edicións anteriores Eme3 recibiu un total de 70.000 visitantes.

Día: Venres 28 de xuño de 2013
Hora: 19 h
Lugar: Fabra i Coats, c/Sant Adrià, 20 (Barcelona)
Asisten: Javier Planas, director Eme3 e Laura Halpern, directora da Fundación Jesús Serra

+ eme3.org

Next Friday 28 June it will give  to know the winner of the Prize Eme3 Foundation Jesús Serra, a galardón that rewards the best project between the 40 national participants and international of the 8ª edition of the festival architecture Eme3 that receives the enclosure Fabra i Coats of the 27 to 30 June.

As each edition from 1999, the scientific committee of Eme3 formed by professionals of the field of the architecture, the philosophy, the design and the art, as well as a representative of the foundation, have been the attendants to choose the project that more represents the thematic of this edition, “Topias, utopias becoming real”, and his fields: new uses of the public space, the house in situations of crisis and the space of work in evolution.

Eme3 festival of architecture

During 4 days, the festival gathers to creators of different projects of architecture and urbanismo, national and international, that propose new forms of work and a different way to understand the reality, reflexionando on the recovery of spaces into disuse.

The festival turns into a laboratory of experimentation where is possible to discover other forms to do architecture and that boosts the exchange between all the participants and the public assistant through the exhibition Share-it and the section Build-it with interventions and workshops, debates and talks dynamic around the architecture and the society with the participation of recognised professionals of the field of the architecture and the art.

The activities of the festival will lengthen  during all the month of July, with the exhibition and open activities proposals by neighbours and associations like shows of dance, concerts, workshops, and video projections, amongst other, for dinamizar the space Fabra i Coats.

The Festival Eme3 is a space in which architects, urbanistas and creative of different disciplines can find and show his projects: innovative works, little conventional and that somehow escape  of the majority tendencies in the construction and the urban planning. At present already it is a space of exhibition, debate and experimentation that acts like forum of interaction and lanzadera of proposals that conjugan the architecture, the art and the design. In his previous editions Eme3 has received a total of 70.000 visitors.

Day: Friday 28 June 2013
Hour: 19 h
Place: Fabra i Coats, c/Sant Adrià, 20 (Barcelona)
Assist: Javier Flat, director Eme3 and Laura Halpern, director of the Foundation Jesús Serra

+ eme3.org

100 Edificios sostenibles comtemporáneos

Alberto Alonso Oro
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100 Edificios sostenibles comtemporáneos

«… el verde nunca ha sido visto mejor.«

– Zitty, Berlin

La prestigiosa editorial alemana Taschen y el historiador estadounidense Philip Jodidio se unen de nuevo para presentar el libro 100 Edificios sostenibles comtemporáneos. En esta ocasión se trata de un volumen doble que recoge arquitecturas respetuosas con el medio ambiente seleccionadas de la colección Architecture Now! y otras inéditas.

Las obras seleccionadas muestran diferentes generaciones de arquitectos, unos ya consagrados y otros con una prometodoras trayectoria, localizadas en Estados Unidos, Latinoamérica, Asía, Australia y Europa. Todas las edificaciones tienen en un punto en común, consumir la menor energía posible, unas veces alcanzada mediante técnicas tradicionales y otras veces fruto de modernas tecnologías.

100 Edificios sostenibles comtemporáneos
100 Edificios sostenibles comtemporáneos

Los edificios más interesantes de nuestros días son casi sin excepción obras respetuosas con el medio ambiente, sostenibles y concebidas para consumir la menor energía posible. El hecho de que la arquitectura sea una de las principales fuentes de gases invernadero hace que esta tendencia resulte más importante si cabe. En este libro se han reunido los mejores ejemplos de proyectos «verdes» de la serie Architecture Now!, así como otros muchos proyectos inéditos hasta ahora. En sus páginas, arquitectos tan conocidos como Frank Gehry y Norman Foster se codean con jóvenes creadores procedentes de Latinoamérica, Estados Unidos, Europa y Asia. No se trata de un libro técnico, y su contenido tampoco se circunscribe a una categoría predefinida.

Ser «verde» significa ser consciente de las responsabilidades inherentes a la construcción y empleo de un edificio moderno, y son muchas las formas en las que esta creciente toma de conciencia puede manifestarse. Algunas soluciones, que por lo general reciben el nombre de «pasivas», son tan antiguas como la historia misma de la arquitectura, mientras que otras son fruto de la más moderna tecnología. Uno y otro enfoque, junto con muchos otros, forman parte de esta excelente colección de 100 de los edificios ecoeficientes más interesantes erigidos recientemente.

Philip Jodidio (nacido en 1954)

Estudió historia del arte y economía en la Universidad de Harvard y fue editor jefe de la revista Connaissance des Arts durante más de veinte años. Entre sus publicaciones, encontramos la serie Architecture Now! de TASCHEN, así como las monografías sobre Tadao Ando, Norman Foster, Richard Meier, Jean Nouvel y Zaha Hadid. Es reconocido en todo el mundo como uno de los escritores de arquitectura más populares.

¿Cuándo habrá arquitectura? José Manuel Aizpúrua & Joaquín Labayen¿Cando haberá arquitectura? José Manuel Aizpurua & Joaquín LabayenWhen there will be architecture? Jose Manuel Aizpurua and Joaquín Labayen

veredes
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<!--:es-->¿Cuándo habrá arquitectura? José Manuel Aizpúrua & Joaquín Labayen<!--:--><!--:gl-->¿Cando haberá arquitectura? José Manuel Aizpurua & Joaquín Labayen<!--:--><!--:en-->When there will be architecture? Jose Manuel Aizpurua and Joaquín Labayen<!--:-->

El Museo Oteiza presenta la exposición “¿Cuándo habrá arquitectura? José Manuel Aizpurua & Joaquín Labayen”, una muestra  formada por más de 150 objetos, fotografías, dibujos, planos, documentación y maquetas de algunos de los proyectos más significados realizados por estos dos autores, arquitectos emblemáticos del movimiento racionalista europeo de las primeras décadas del siglo XX.

Muchos de los proyectos arquitectónicos realizados por estos dos autores no se llegaron a construir, pero el Club Náutico de San Sebastián (1929), constituye un hito en la historia de la arquitectura del siglo XX.  Esta muestra,  comisariada por José Ángel Medina y Santos Bregaña y producida por Koldo Mitxelena Kulturunea,  y que ahora se expone en el Museo Oteiza  gracias a la colaboración de la Delegación de Navarra del Colegio de Arquitectos Vasco Navarro, con quien el Museo Oteiza ha suscrito un convenio de colaboración y la Mancomunidad Comarca de Pamplona, propone un recorridos por numerosos planos originales, dibujos e imágenes de los proyectos más significativos de los autores, e incluye las maquetas de 6 proyectos no construidos entre 1927 y 1935, en los que colaboraron con otros autores como Lagarde, Aguinaga o Sánchez Arcas.

De este modo, la exposición propone un recorrido a través de un conjunto de piezas que expresan una manera más científica y racional de concebir la arquitectura, que, tras el célebre congreso del CIAM de 1929, permitió construir viviendas más baratas y de mayor dignidad que las construidas hasta entonces con la sencilla aplicación de la máxima de la eficiencia científica y una estrecha colaboración con el mundo de la industria.

En ese contexto, José Manuel Aizpurua redactó en 1930 el manifiesto ¿Cuándo habrá arquitectura?, que da título a esta exposición, en el que concatena una serie de denuncias sobre el panorama constructivo de la  época, que suponen todo un manifiesto de las cuestiones que la nueva arquitectura debe solucionar. Desde la primeras palabras del texto –“La arquitectura en España no existe; no hay arquitectos, hay pasteleros”– el donostiarra arremete con rotundidad contra todas aquellas actitudes que él considera perjudiciales para la arquitectura. El argumento más presente tiene que ver con esta idea del arquitecto “pastelero” más preocupado por la composición de sus edificios que por la verdadero espíritu de servicio que debe ocupar al trabajo del arquitecto al tiempo que reclama al “Arquitecto – Arquitecto”. Asimismo, existen una serie de afirmaciones a propósito del servicio y la educación de las “masas” como “la nueva arquitectura es de las masas y viene a ellas para redimirlas”, que remiten a la actualidad e influencia del pensamiento de Ortega y Gasset

Por otro lado, varios elementos vinculan las vidas de Oteiza y de los arquitectos Labayen (1900-1995) y Aizpurua (1902-1936) : su origen guipuzcoano, su interés por los nuevos lenguajes estéticos de inicios del siglo XX, y la convivencia en San Sebastián en los años previos a la Guerra Civil española. Pero Oteiza siempre recordó que sus primeras referencias sobre el arte de vanguardia las conoció a través de las revistas y publicaciones que estos arquitectos manejaban en su estudio de la capital guipuzcoana, que le permitió profundizar en su intuición artística y cultivar su mirada. Así  lo relata en su artículo Recuerdo y olvido de José Manuel Aizpurua, publicado en el número monográfico que la revista  Nueva Forma dedicó al arquitecto en 1969, en el que Oteiza recuerda que “allí vi por primera vez un Cahiers d’Art y abrí los ojos a lo que pasaba en París”. Esta muestra, pretende ser el reencuentro de los protagonistas de esta historia 78 años después.

¿Cuándo habrá arquitectura? José Manuel Aizpurua & Joaquín Labayen
Una producción de Koldo Mitxelena Kulturunea adaptada por el Museo Oteiza.
Con la colaboración de la Delegación de Navarra del Colegio de Arquitectos Vasco Navarro y la Mancomunidad Comarca de Pamplona
Del 13 de junio al 6 de octubre de 2013
Comisariado y diseño expositivo: José Ángel Medina y Santos Bregaña

+ info

O Museo Oteiza presenta a exposición “Cando haberá arquitectura? José Manuel Aizpurua & Joaquín Labayen”, unha mostra formada por máis de 150 obxectos, fotografías, debuxos, planos, documentación e maquetas dalgúns dos proxectos máis significados realizados por estes dous autores, arquitectos emblemáticos do movemento racionalista europeo das primeiras décadas do século XX.

Moitos dos proxectos arquitectónicos realizados por estes dous autores non se chegaron a construír, pero o Club Náutico de San Sebastián (1929), constitúe un fito na historia da arquitectura do século XX. Esta mostra, comisariada por José Anxo Medina e Santos Bregaña e producida por Koldo Mitxelena Kulturunea, e que agora se expón no Museo Oteiza grazas á colaboración da Delegación de Navarra do Colexio de Arquitectos Vasco Navarro, con quen o Museo Oteiza subscribiu un convenio de colaboración e a Mancomunidad Comarca de Pamplona, propón un percorridos por numerosos planos orixinais, debuxos e imaxes dos proxectos máis significativos dos autores, e inclúe as maquetas de 6 proxectos non construídos entre 1927 e 1935, nos que colaboraron con outros autores como Lagarde, Aguinaga ou Sánchez Arcas.

Deste xeito, a exposición propón un percorrido a través dun conxunto de pezas que expresan un xeito máis científico e racional de concibir a arquitectura, que, tralo soado congreso do CIAM de 1929, permitiu construír vivendas máis baratas e de maior dignidade que as construídas ata entón coa sinxela aplicación da máxima da eficiencia científica e unha estreita colaboración co mundo da industria.

Nese contexto, José Manuel Aizpurua redactou en 1930 o manifesto Cando haberá arquitectura?, que dá título a esta exposición, no que concatena unha serie de denuncias sobre o panorama constructivo da época, que supoñen todo un manifesto das cuestións que a nova arquitectura debe solucionar. Desde a primeiras palabras do texto –“A arquitectura en España non existe; non hai arquitectos, hai pasteleros”– o donostiarra arremete con rotundidad contra todas aquelas actitudes que el considera perjudiciales para a arquitectura. O argumento máis presente ten que ver con esta idea do arquitecto “pastelero” máis preocupado pola composición dos seus edificios que pola verdadeiro espírito de servizo que debe ocupar ao traballo do arquitecto á vez que reclama ao “Arquitecto – Arquitecto”. Así mesmo, existen unha serie de afirmacións á mantenta do servizo e a educación das “masas” como “a nova arquitectura é das masas e vén a elas para redimirlas”, que remiten á actualidade e influencia do pensamento de Ortega e Gasset.

Doutra banda, varios elementos vinculan as vidas de Oteiza e dos arquitectos Labayen (1900-1995) e Aizpurua (1902-1936) : a súa orixe guipuzcoano, o seu interese polas novas linguaxes estéticas de inicios do século XX, e a convivencia en San Sebastián nos anos previos á Guerra Civil española. Pero Oteiza sempre recordou que as súas primeiras referencias sobre a arte de vanguardia coñeceunas a través das revistas e publicacións que estes arquitectos manexaban no seu estudo da capital guipuzcoana, que lle permitiu profundar na súa intuición artística e cultivar a súa mirada. Así o relata no seu artigo Recordo e esquecemento de José Manuel Aizpurua, publicado no número monográfico que a revista Nova Forma dedicou ao arquitecto en 1969, no que Oteiza recorda que “alí vin por primeira vez un Cahiers d’Art e abrín os ollos ao que pasaba en Parides”. Esta mostra, pretende ser o reencontro dos protagonistas desta historia 78 anos despois.

¿Cando haberá arquitectura? José Manuel Aizpurua & Joaquín Labayen
Unha produción de Koldo Mitxelena Kulturunea adaptada polo Museo Oteiza.
Coa colaboración da Delegación de Navarra do Colexio de Arquitectos Vasco Navarro e a Mancomunidad Comarca de Pamplona
Do 13 de xuño ao 6 de outubro de 2013
Comisariado e deseño expositivo: José Anxo Medina e Santos Bregaña

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The Museum Oteiza presents the exhibition “When there will be architecture? José Manuel Aizpurua & Joaquín Labayen”, a sample formed by more than 150 objects, photographies, drawings, planes, documentation and maquetas of some of the most meant projects realised by these two authors, emblematic architects of the movement racionalista European of the first decades of the 20th century.

Many of the architectural projects realised by these two authors did not arrive  to build, but the Nautical Club of San Sebastián (1929), constitutes a milestone in the history of the architecture of the 20th century. This sample, curated by José Ángel Medina and Santos Bregaña and produced by Koldo Mitxelena Kulturunea, and that now exposes  in the Museum Oteiza thanks to the collaboration of the Delegation of Navarra of the School of Basque Architects Navarro, with the one who the Museum Oteiza has subscribed an agreement of collaboration and the Mancomunidad Region of Pamplona, proposes some routes by numerous original planes, drawings and images of the most significant projects of the authors, and includes the maquetas of 6 no built projects between 1927 and 1935, in which they collaborated with other authors like Lagarde, Aguinaga or Sánchez Arks.

In this way, the exhibition proposes a route through a group of pieces that express a more scientific way and rational to conceive the architecture, that, after the famous congress of the CIAM of 1929, allowed to build houses cheaper and of greater dignity that the built until then with the simple application of the maximum of the scientific efficiency and a narrow collaboration with the world of the industry.

In this context, José Manuel Aizpurua drafted in 1930 the self-evident When there will be architecture?, that gives title to this exhibition, in which it concatenates a series of complaints on the constructive panorama of the period, that suppose all a self-evident of the questions that the new architecture has to solve. From the first words of the text –“The architecture in Spain does not exist; there are not architects, there is pasteleros”– the donostiarra rushes forward with rotundity against all those attitudes that he considers hurtful for the architecture. The most present argument has to see with this idea of the architect “pastelero” more concerned by the composition of his buildings that by the true spirit of service that has to occupy to the work of the architect to the time that demands to the “Architect – Architect”. Likewise, they exist a series of affirmations apropos the service and the education of the “masses” like “the new architecture is of the masses and comes to them to redeem them”, that remit to the actuality and influence of the thought of Ortega and Gasset.

On the other hand, several elements link the lives of Oteiza and of the architects Labayen (1900-1995) and Aizpurua (1902-1936) : his Gipuzkoan origin, his interest by the new aesthetic languages of starts of the 20th century, and the convivencia in San Sebastián in the previous years to the Spanish Civil War. But Oteiza always remembered that his first references on the art of avant-garde knew them through the magazines and publications that these architects handled in his study of the Gipuzkoan capital, that allowed him deepen in his artistic intuition and cultivate his look. Like this it relates it in his article Remember and forget of José Manuel Aizpurua, published in the monographic number that the New magazine Form devoted to the architect in 1969, in which Oteiza remembers that “there I saw for the first time a Cahiers d’Art and opened the eyes to what happened in Paris”. This sample, pretend to be the reunion of the protagonists of this history 78 years afterwards.

When there will be architecture? José Manuel Aizpurua & Joaquín Labayen
A production of Koldo Mitxelena Kulturunea adapted by the Museum Oteiza.
With the collaboration of the Delegation of Navarra of the School of Basque Architects Navarro and the Mancomunidad Region of Pamplona
Of 13 June to 6 October 2013
Curated and design expositive: José Ángel Medina and Santos Bregaña

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Oblique Drawing. A History of Anti-perspectiveOblique Drawing. A History of Anti-perspectiveOblique Drawing. A History of Anti-perspective

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Es fácil que muchos de los que lean estas líneas asocien el concepto de perspectiva a la lectura que de ella hizo Erwin Panofsky en el mítico La perspectiva como forma simbólica. Durante años, los estudios de representación visual han estado dominados por las interpretaciones de Panofsky. No es mala señal que Massimo Scolari rescate en Oblique Drawing una visión mucho más amplia que discuta la jerarquía de la perspectiva central en la historia.

Empezando por Panofsky y sus famosas “conferencias” del Instituto Warburg, podemos recuperar una idea fundamental: en la definición de la perspectiva de cada época tiene más importancia la concepción del mundo que la propia percepción visual.

Esta premisa, llevada a cualquier tipo de representación visual, es compartida por Scolari, quien considera las imágenes no solo como una forma de arte, sino como una forma de pensamiento. Al igual que Panofsky, el acercamiento de Scolari a la representación visual y conceptual es un acercamiento a las manifestaciones filosóficas e ideológicas de cada cultura.

[…]

David H. Falagán

+ artículo publicado en arquilectura


É fácil que moitos dos que lean estas liñas asocien o concepto de perspectiva á lectura que dela fixo Erwin Panofsky no mítico A perspectiva como forma simbólica. Durante anos, os estudos de representación visual estiveron dominados polas interpretacións de Panofsky. Non é malo sinal que Massimo Scolari rescate en Oblique Drawing unha visión moito máis ampla que discuta a xerarquía da perspectiva central na historia.

Empezando por Panofsky e as súas famosas “conferencias” do Instituto Warburg, podemos recuperar unha idea fundamental: na definición da perspectiva de cada época ten máis importancia a concepción do mundo que a propia percepción visual.

Esta premisa, levada a calquera tipo de representación visual, é compartida por Scolari, quen considera as imaxes non só como unha forma de arte, senón como unha forma de pensamento. Do mesmo xeito que Panofsky, o achegamento de Scolari á representación visual e conceptual é un achegamento ás manifestacións filosóficas e ideolóxicas de cada cultura.

[…]

David H. Falagán

+ artigo publicado en arquilectura

It is easy that many of that read these lines associate the concept of perspective with the reading that of her Erwin Panofsky did in the mythical one The perspective as symbolic form. For years, the studies of visual representation have been dominated by Panofsky’s interpretations. It is not a bad sign that Massimo Scolari rescues in Oblique Drawing a vision much more wide that it discusses the hierarchy of the central perspective in the history.

Beginning for Panofsky and his famous “conferences” of the Institute Warburg, we can recover a fundamental idea: in the definition of the perspective of every epoch more importance has the conception of the world that the own visual perception.

This premise led to any type of visual representation, is shared by Scolari, who considers the images to be not alone as a form of art, but as a form of thought. As Panofsky, Scolari’s approximation to the visual and conceptual representation is an approximation to the philosophical and ideological manifestations of every culture.

[…]

David H. Falagán

+ article is published in arquilectura

La otra realidad | trespes.arquitectosA outra realidade | trespes.arquitectosAnother reality | trespes.arquitectos

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<!--:es-->La otra realidad | trespes.arquitectos<!--:--><!--:gl-->A outra realidade | trespes.arquitectos<!--:--><!--:en-->Another reality | trespes.arquitectos<!--:-->

“Un pequeño mueble de 2.10 de diámetro contiene un escenario, un baúl, una Mesa y dos tallos que se expanden o se comprimen en función de las necesidades del guión y conforman la escenografía de La OTRA REALIDAD”

Recibimos el encargo para realizar la escenografía del espectáculo “La Otra Realidad”; un recorrido mágico a través de la ciencia, la historia y del humor ideado en el laboratorio de Martín Camina.

En las primera reuniones, se nos comenta que el espectáculo es un recorrido en el tiempo, con la ciencia como hilo conductor, con mucha presencia de las artes plásticas y la música como fondo... – todo cosido con la aguja del ilusionismo.-

Los condicionantes de partida impuestos por el ilusionista y por el director teatral, Marcos Orsi, pasaban por el versatilidad de la escenografía para adaptarse a la trama, además de dar cobijo a los distintos actos en la misma.

1. Un pequeño escenario elevado en el que se situará la música, la artista Marta Quintana.

2. Un baul que además de recoger los diferentes instrumentos que se habían empleado en la representación sirva para el transporte de la obra así como darle distintos sentidos dentro de la obra teatral.

3. Mesa y tallos en los que se harían los juegos de magia.

Estos elementos deberían dar respuesta a los diferentes necesidades:

1. Los componentes de la escenografía tenían que ser móviles y flexibles, y permitir con pocas piezas llenar escenarios de muy diversos tamaños.

2. Debían de ser facilmente transportables pues las actuaciones podrían realizarse en distintos lugares de la geografía española.

3. Todas las piezas debían ser lo suficientemente neutras para adaptarse a las distintas épocas por las que transcurre la acción.

Nuestro objetivo es que la pieza a proyectar tenga relación con el guión y la teatralidad de la obra, y que forme parte activa del espectáculo.

La respuesta son tres piezas que permitan la fusión en un elemento sólo procurando la centralidad de la escena, o que las partes se dilaten y se contraen, de forma que se adapten plenamente a la escenografía, y que llenen o liberen el espacio según las necesidades del momento de la obra en el que nos encontremos.

El resultado del trabajo después de escuchar a los distintos agentes de la obra de teatro, dan como resultado el Círculo Mágico, una pieza cilíndrica “troquelada” por un Trisquel que lo divide en tres partes: música, artes plásticas y ciencia. De este modo la música se alberga en un pequeño escenario del que surge una escalera. Las artes plásticas se recogen en un baúl, reflejadas en las formas de su tampa. La ciencia mostrara en la obra con unos mecanismos eléctricos que sirven como interruptores del hilo conductor de la obra teatral. La mesa y los tallos son el nexo de unión de la trama con el ilusionismo.

En definitiva el Círculo Mágico cumple con todos los requirimentos escenográficos (movilidad y versatilidad), y funcional (fácil transporte y almacenamiento), pero en el resultado final de la obra, felizmente observamos que logramos el objetivo de formar parte activa de la teatralidad, dándole sentido en su configuración a Magia como nexo de unión.

Obra: La otra realidad
Autores: trespes.arquitectos [Carlos Mosquera, Alberte Pérez, Enrique Iglesias]
Colaboradores: Martín Camiña (Ilusionista), A.C.E. 5 Ambientación (Construcción Escenográfica), Felipe Trillo (Diseño Gráfico)
Fotografías: Jacobo Remuñán, trespes.arquitectos (Construcción)
Año: 2009-2010
+ www.trespesarquitectos.com

http://youtu.be/R1Yjcmw2eww

“A small furniture of 2.10 of diameter contains a scene, a trunk, a Table and two stems that expand or control themselves depending on the needs of the script and shape the scenery of ANOTHER REALITY”

We receive the order to realize the scenery of the spectacle “Another Reality”; a magic tour across the science, the history and the humor designed in Martin Camina’s laboratory.

In the first meetings, comments us  that the show is a route in the time, with the science like conductive thread, with a lot of presence of the plastic arts and the music like bottom… – All sewed with the needle of the ilusionism.-

The conditionings of game imposed by the illusionist and by the theatrical director, Marcos Orsi, went through the versatilidad of the scenography to adapt  to the plot, in addition to giving receive to the distinct acts in the same.

1. A small high stage in which it will situate  the music, the artist Marta Quintana.

2. A trunkthat in addition to collecting the different instruments that had employed  in the representation serve for the transport of the work as well as give him distinct senses inside the theatrical work.

3. Table and tallos in which they would do  the games of magic.

These elements would have to give answer to the different needs:

1. The components of the scenography had to be mobile and flexible, and allow with few pieces fill stages of very diverse sizes.

2. They owed to be facilmente transportables as the performances could realise in distinct places of the Spanish geography.

3. All the pieces had to be the sufficiently neutral to adapt  to the distinct periods by which passes the action.

Our aim is that the piece to project have relation with the script and the teatralidad of the work, and that form active part of the show.

The answer are three pieces that allow the fusion in an element only procuring the centralidad of the scene, or that the parts dilate  and contract , so that they adapt  fully to the scenography, and that fill or free the space according to the needs of the moment of the work in which we find us.

The result of the work after listening to the distinct agents of the play, give like result the Magic Circle, a cylindrical piece “coined” by a Trisquel that divides it in three parts: music, plastic arts and science. In this way the music houses  in a small stage of the that arises some stairs. The plastic arts collect  in a baúl, reflected in the forms of his tampa. The science showed in the work with some electrical mechanisms that serve like switches of the conductive thread of the theatrical work. The table and the tallos are the link of union of the plot with the ilusionismo.

In definite the Magic Circle fulfils with all the requirimentos scenographical (mobility and versatilidad), and functional (easy transport and storage), but in the final result of the work, felizmente observe that we attain the aim to form active part of the teatralidad, giving him felt in his configuration to Magic like link of union.

Work: The another reality

Authors: trespes.arquitectos [Carlos Mosquera, Alberte Pérez, Enrique Iglesias]

Collaborators: Martín Camiña (Illusionist),A.C.E. 5 Ambientación (Scenographical Construction), Felipe Trillo (Graphic Design)

Photography: Jacobo Remuñán, trespes.arquitectos (Construction)

Year: 2009-2010

+ www.trespesarquitectos.com

“Un pequeno moble de 2.10 de diámetro contén un escenario, un baúl, unha Mesa e dous tallos que se expanden ou se comprimen segundo as necesidades do guión e conforman a escenografía de A OUTRA REALIDADE”

Recibimos o encargo para realizar a escenografía do espectáculo “A Outra Realidade”; un percorrido máxico a través da ciencia, a historia e do humor ideado no laboratorio de Martín Camiña.

Nas primeira reunións, comentásenos que o espectáculo é un percorrido no tempo, coa ciencia como fío condutor, con moita presenza das artes plásticas e a música como fondo… – todo cosido coa agulla do ilusionismo.-

Os condicionantes de partida impostos polo ilusionista e polo director teatral, Marcos Orsi, pasaban polo versatilidade da escenografía para adaptarse a trama, ademais de dar acubillo ós distintos actos na mesma.

1. Un pequeno escenario elevado no que se situará a música, a artista Marta Quintana.

2. Un baúl que ademais de recoller os diferentes instrumentos que se empregaran na representación sirva para o transporte da obra así como darlle distintos sentidos dentro da obra teatral.

3. Mesa e tallos nos que se farían os xogos de maxia.

Estes  elementos deberían dar resposta aos diferentes necesidades:

1. Os compoñentes da escenografía tiñan que ser móbiles e flexibles, e permitir con poucas pezas encher escenarios de moi diversos tamaños.

2. Debían de ser facilmente transportables pois as actuacións poderían realizarse en distintos lugares da xeografía española.

3. Tódalas pezas debían ser o suficientemente neutras para adaptarse as distintas épocas polas que transcorre a acción.

O noso obxectivo é que a peza a proxectar teña relación co guión e a teatralidade da obra, e forme parte activa do espectáculo.

A resposta son tres pezas que permitan a fusión nun elemento só procurando a centralidade da escena, ou que as partes se dilaten e se contraen, de xeito que se adapten plenamente a escenografía, e que enchan ou liberen o espazo segundo às necesidades do momento da obra no que nos atopemos.

O resultado do traballo despois de escoitar aos distintos axentes da obra de teatro, dan como resultado o Círculo Máxico, unha peza cilíndrica “troquelada” por un Trisquel que o divide en tres partes: música, artes plásticas e ciencia. Deste xeito a música albérgase nun pequeno escenario do que xurde unha escaleira. As artes plásticas recóllense nun baúl, reflexadas nas formas da súa tampa. A ciencia mostrase na obra cuns mecanismos eléctricos que serven como interruptores do fío condutor da obra teatral. A mesa e os tallos son o nexo de unión da trama co ilusionismo.

En definitiva o Círculo Máxico cumpre con todos os requirimentos escenográficos (mobilidade e versatilidade), e funcional (fácil transporte e almacenamento), pero no resultado final da obra, felizmente observamos que logramos o obxectivo de formar parte activa da teatralidade, dándolle sentido na súa configuración a Maxia como nexo de unión.

Obra: A outra realidade

Autores: trespes.arquitectos [Carlos Mosquera, Alberte Pérez, Enrique Iglesias]

Colaboradores: Martín Camiña (Ilusionista),A.C.E. 5 Ambientación  (Construción Escenográfica), Felipe Trillo (Deseño Gráfico)

Fotografías: Jacobo Remuñán, trespes.arquitectos (Construción)

Ano: 2009-2010

+ www.trespesarquitectos.com

[:es]Rem Koolhaas y la arquitectura moderna (P1)[:gl]Rem Koolhaas e a arquitectura moderna (P1)[:en]Rem Koolhaas and the modern architecture (P1)[:]

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[:es]Rem Koolhaas y la arquitectura moderna (P1)[:gl]Rem Koolhaas e a arquitectura moderna (P1)[:en]Rem Koolhaas and the modern architecture (P1)[:]

[:es]https://youtu.be/UhB_E-Ela5M

Este documental se divide en dos episodios. Se hace un recorrido por la vida profesional de Rem Koolhaas, aproximando al espectador a algunas de sus obras e ideas principales.

[:gl]https://youtu.be/UhB_E-Ela5M

Este documental divídese en dous episodios. Faise un percorrido pola vida profesional de Rem Koolhaas, aproximando ao espectador a algunhas das súas obras e ideas principais.

[:en]https://youtu.be/UhB_E-Ela5M

This documentary divides in two episodes. A tour is done by the professional life of Rem Koolhaas, bringing the spectator near to some of his works and principal ideas.

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Manolo Laguillo. Razón y ciudadManolo Laguillo. Razón e cidadeManolo Laguillo. Reason and city

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<!--:es-->Manolo Laguillo. Razón y ciudad<!--:--><!--:gl-->Manolo Laguillo. Razón e cidade<!--:--><!--:en-->Manolo Laguillo. Reason and city<!--:-->

Razón y ciudad constituye la primera revisión exhaustiva e íntegra de la trayectoria de Manolo Laguillo (Madrid, 1953), desde sus primeras fotografías, hechas durante la segunda mitad de los setenta, hasta una selección de trabajos recientes, donde se muestran las principales líneas de investigación desarrolladas por el fotógrafo en la actualidad.

Passeig de Sant Joan junto al Arc de Triomf, 1980 ©Manolo Laguillo/Visual VEGAP

Dentro de este itinerario que abarca más de treinta y cinco años, la ciudad de Barcelona atesora una singular relevancia, aunque también son recogidas otras series muy significativas, como por ejemplo el reportaje sobre las afueras de Madrid, las fotografías de Berlín después de la caída del Muro o, finalmente, el conjunto de documentos acerca de las inundaciones que asolaron Bilbao a principios de los ochenta.

Además de estos bloques vinculados a ciudades específicas, conviene destacar la importancia de Laguillo en la construcción de un modelo de representación arquitectónica que se aleja de los códigos simplemente descriptivos, así como sus diversas aproximaciones a los procesos de turistificación de la costa mediterránea española.

El título del proyecto, Razón y ciudad, intenta señalar la importancia del documento metropolitano en la obra del fotógrafo y, al mismo tiempo, pretende aludir a una característica común en las urbes retratadas por Laguillo: todas ellas manifiestan el reverso de las sucesivas planificaciones, las consecuencias de una racionalidad no siempre proporcionada.

Manolo Laguillo. Razón y ciudad
Del 21 de junio al 15 de septiembre de 2013

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Razón e cidade constitúe a primeira revisión exhaustiva e íntegra da traxectoria de Manolo Laguillo (Madrid, 1953), desde as súas primeiras fotografías, feitas durante a segunda metade dos setenta, ata unha selección de traballos recentes, onde se mostran as principais liñas de investigación desenvolvidas polo fotógrafo na actualidade.

Passeig de Sant Joan xunto o Arc de Triomf, 1980 ©Manolo Laguillo/Visual VEGAP

Dentro deste itinerario que abarca máis de trinta e cinco anos, a cidade de Barcelona atesoura unha singular relevancia, aínda que tamén son recollidas outras series moi significativas, por exemplo a reportaxe sobre as afueras de Madrid, as fotografías de Berlín logo da caída do Muro ou, finalmente, o conxunto de documentos achega das inundacións que abordelaron Bilbao a principios dos oitenta.

Ademais destes bloques vinculados a cidades específicas, convén destacar a importancia de Laguillo na construción dun modelo de representación arquitectónica que se afasta dos códigos simplemente descriptivos, así como as súas diversas aproximaciones aos procesos de turistificación da costa mediterránea española.

O título do proxecto, Razón e cidade, intenta sinalar a importancia do documento metropolitano na obra do fotógrafo e, ao mesmo tempo, pretende aludir a unha característica común nas urbes retratadas por Laguillo: todas elas manifestan o reverso das sucesivas planificaciones, as consecuencias dunha racionalidad non sempre proporcionada.

Manolo Laguillo. Razón y ciudad

Do 21 dexuño o 15 de setembro de 2013

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Reason and city constitutes the first exhaustive and complete review of Manolo Laguillo’s path (Madrid, 1953), from his first photographies done during the second half of the seventies, up to a selection of recent works, where there appear the principal lines of investigation developed by the photographer at present.

Passeig de Sant Joan together with Arc de Triomf, 1980 ©Manolo Laguillo/Visual VEGAP

Inside this itinerary that it includes more than thirty five years, the city of Barcelona hoards a singular relevancy, though also other very significant series are gathered, as for example the article on the suburbs of Madrid, the photographies of Berlin after the fall of the Wall or, finally, the set of documents it brings over of the floods that destroyed Bilbao at the beginning of the eighties.

Besides these blocks linked to specific cities, it suits to emphasize the importance of Laguillo in the construction of a model of architectural representation who moves away from the simply descriptive codes, as well as his diverse approximations to the processes of turistificación from the Mediterranean Spanish coast.

The title of the project, Reason and city, it tries to indicate the importance of the metropolitan document in the work of the photographer and, at the same time, it tries to allude to a common characteristic in the cities portrayed by Laguillo: all of them demonstrate the back of the successive plannings, the consequences of a rationality not always proportionate.

Manolo Laguillo. Reason and city

Of June 21 to September 15, 2013

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#OPENmadrid: Arquitectura abierta para la ciudad #OPENmadrid: Arquitectura aberta para a cidade#OPENmadrid: Architecture opened for the city

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<!--:es-->#OPENmadrid: Arquitectura abierta para la ciudad <!--:--><!--:gl-->#OPENmadrid: Arquitectura aberta para a cidade<!--:--><!--:en-->#OPENmadrid: Architecture opened for the city<!--:-->

#OPENmadrid es un evento organizado por Medialab-Prado, Urbano Humano Agency y la Universidad Rey Juan Carlos (Grado en Fundamentos de la Arquitectura); que tendrá lugar los días 24, 25 y 26 de junio en Medialab-Prado. Colaboran Observatorio de la Cibersociedad y el colectivo Carpe Via.

Coordinado por Domenico di Siena (Urbano Humano Agency) y Raquel Martínez (URJC), #OPENmadrid pretende abrir un espacio de encuentro y reflexión sobre las nuevas prácticas de arquitectura en la ciudad bajo la óptica de la cultura libre y las prácticas colaborativas. Estas jornadas se enmarcan dentro del programa Think Cities.

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#OPENmadrid é un evento organizado por Medialab-Prado, Urbano Humano Agency e a Universidade Rei Juan Carlos (Grado en Fundamentos da Arquitectura); que terá lugar os días 24, 25 e 26 de xuño en Medialab-Prado. Colaboran Observatorio da Cibersociedad e o colectivo Carpe Via.

Coordinado por Domenico dei Siena (Urbano Humano Agency) e Raquel Martínez (URJC), #OPENmadrid pretende abrir un espazo de encontro e reflexión sobre as novas prácticas de arquitectura na cidade baixo a óptica da cultura libre e as prácticas colaborativas. Estas xornadas enmárcanse dentro do programa Think Cities.

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#OPENmadrid is an event organized by Medialab-meadow, Urbano Humano Agency and the University King Juan Carlos (Degree in Foundations of the Architecture); that will take place on the 24th, June 25 and 26 in Medialab-meadow. They collaborate Observatory of the Cybercompany and the collective Hornbeam Route.

Coordinated by Domenico I gave Siena (Urbano Humano Agency) and Raquel Martínez (URJC), #OPENmadrid tries to open a space of meeting and reflection on the new practices of architecture in the city under the optics of the free culture and the collaborative practices. These days place inside the Think Cities program.

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[:es]Decrecer para crecer. Caminando hacia el Decrecimiento[:gl]Decrecer para crecer. Caminando hacia o Decrecemento[:en]To decrease to grow. Walking towards the Decrease[:]

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[:es]Decrecer para crecer. Caminando hacia el Decrecimiento[:gl]Decrecer para crecer. Caminando hacia o Decrecemento[:en]To decrease to grow. Walking towards the Decrease[:]

[:es]

¿Qué le está pasando al sistema actual? ¿Qué es el Decrecimiento? ¿Cuáles son sus orígenes? ¿Qué relación establece con otros movimientos? ¿Que plantea?

Estas son algunas de las preguntas que intenta responder este libro, intenta dar a conocer algunas de las motivaciones y relaciones más o menos directas que establece el movimiento llamado decrecimiento con otras expresiones de descontento con el sistema actual. A la vez que pone de manifiesto la crisis y problemas generados por el modelo existente, plantea la posibilidad de una alternativa, aun por construir y por aplicar en los distintos aspectos que compone nuestra sociedad.

Este libro no pretende más que ser esa introducción a un movimiento que aun está construyendo su discurso en muchos campos. Precisamente por esa necesidad de aplicar a cada campo lo que el decrecimiento propugna, libros como este se hacen imprescindibles para dar el primer paso en el conocimiento y comprensión de la esencia del movimiento.

Se ha realizado una investigación sobre los lazos y vinculaciones con movimientos más antiguos, además se pone en relación la aparición de estos movimientos con momentos de crisis sociales o económicas, con aspectos demográficos, socioeconómicos o culturales. Se hace además un recorrido por libros, películas, encuentros internacionales y toda clase de elementos que se puedan relacionar para dotar a esta amalgama de iniciativas de un sentido común. Se analiza el origen concreto del movimiento en las tesis de Georgescu Roegen, y en el llamado “Informe Meadows” para el Club de Roma.

Por último se recoge lo que están exponiendo hoy en día potentes representantes de esta alternativa al sistema como Carlos Taibo o Serge Latouche, o las propias aplicaciones y construcciones sociales que distintos colectivos en distintos lugares están aportando en pos de la puesta en marcha de alternativas factibles al modelo actual.

El lector que se acerque a este libro podrá ser partícipe de la reflexión, la investigación y la síntesis llevada a cabo por el autor sobre estos temas.

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[:gl]

¿Que lle está pasando ao sistema actual? ¿Que é o Decrecimiento? ¿Cales son as súas orixes? ¿Que relación establece con outros movementos? ¿Que suscita?

Estas son algunhas das preguntas que intenta responder este libro, intenta dar a coñecer algunhas das motivaciones e relacións máis ou menos directas que establece o movemento chamado decrecimiento con outras expresións de descontento co sistema actual. Á vez que pon de manifesto a crise e problemas xerados polo modelo existente, suscita a posibilidade dunha alternativa, aínda por construír e por aplicar nos distintos aspectos que compón a nosa sociedade.

Este libro non pretende máis que ser esa introdución a un movemento que aínda está construíndo o seu discurso en moitos campos. Precisamente por esa necesidade de aplicar a cada campo o que o decrecimiento propugna, libros como este fanse imprescindibles para dar o primeiro paso no coñecemento e comprensión da esencia do movemento.

Realizouse unha investigación sobre os lazos e vinculaciones con movementos máis antigos, ademais ponse en relación a aparición destes movementos con momentos de crises sociais ou económicas, con aspectos demográficos, socioeconómicos ou culturais. Faise ademais un percorrido por libros, películas, encontros internacionais e toda clase de elementos que se poidan relacionar para dotar a esta amalgama de iniciativas dun sentido común. Analízase a orixe concreta do movemento nas teses de Georgescu Roegen, e no chamado “Informe Meadows” para o Club de Roma.

Para rematar recóllese o que están expoñendo hoxe en día potentes representantes desta alternativa ao sistema como Carlos Taibo ou Serge Latouche, ou as propias aplicacións e construcións sociais que distintos colectivos en distintos lugares están aportando en pos da posta en marcha de alternativas factibles ao modelo actual.

O lector que se achegue a este libro poderá ser partícipe da reflexión, a investigación e a síntese levada a cabo polo autor sobre estes temas.

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[:en]

What is going on to him to the current system? What is the Decrease? Which are his origins? What relation does it establish with other movements? That it raises?

These are some of the questions that this book tries to answer, it tries to announce some of the motivations and more or less direct relations that there establishes the movement called decrease with other expressions of dissatisfaction with the current system. Simultaneously that reveals the crisis and problems generated by the existing model, raises the possibility of an alternative, even for constructing and for applying in the different aspects that our company composes.

This book does not claim any more that to be this introduction to a movement that even is constructing his speech in many fields. Precisely for this need to apply to every field what the decrease supports, books like this one become indispensable to give the first step in the knowledge and comprehension of the essence of the movement.

An investigation has been realized on the bows and entails by more ancient movements, in addition it puts in relation on the appearance of these movements with moments of social or economic crises, with demographic, socioeconomic or cultural aspects. A tour is done in addition by books, movies, international meetings and all kinds of elements that could relate to provide to this amalgam of initiatives of a common sense. The concrete origin of the movement is analyzed in Georgescu Roegen’s theses, and in so called  “Report Meadows” for the Club of Rome.

Finally there is gathered what there are exposing nowadays powerful representatives of this alternative to the system as Carlos Taibo or Serge Latouche, or the own applications and constructions social that different groups in different places are contributing in pursuit of the putting in march of feasible alternatives to the current model.

The reader who approaches this book will be able to be a participant of the reflection, the investigation and the synthesis carried out by the author on these topics.

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Arquitectos para el s. XXI (II) | epR

el primo Ramón
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Arquitectos para el s. XXI (II) | epR

[:es]Arquitectos para el s. XXI (I) | epR[:gl]Arquitectos para o s. XXI (I) | epR[:en]Architects for s. XXI (I) | epR[:]

Creíamos difícil que las cosas empeorasen, pero nos equivocábamos.

A la crisis global se le ha unido en España un nuevo marco legal que, tarde o temprano, convertirá al arquitecto en una figura prescindible para hacer arquitectura.

Nos queda el consuelo de pensar que Chesterton habría encontrado hilarante esta paradoja, o de recordar las palabras de Steinberg cuando aseguraba que estudiar arquitectura es un maravilloso entrenamiento para cualquier cosa… menos para la arquitectura.

Tal vez este sea el último argumento para que los estudiantes de arquitectura no se extingan en los próximos años.

Arquitectos para el s. XXI (II) epR
Arquitectos para el s. XXI (II) | epR

El primo Ramón
Pasadena, California, verano de 2013

Arquitectos para el s. XXI (III) | epR

¿Estudiar Arquitectura? | José Ramón Hernández Correa

José Ramón Hernández Correa
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¿Estudiar Arquitectura? | José Ramón Hernández Correa

Creo que a estas alturas los lectores de este blog ya sabréis que el Gobierno de España prepara una ley (la de Servicios Profesionales, o LSP) que, entre otras cosas, permitirá a los ingenieros el ejercicio de la arquitectura.

(Acabamos de enterarnos de que aplazan su aprobación: Prolongan nuestra agonía).

El borrador de esa ley quiere hacer patente que no existe distinción entre edificación, construcción y arquitectura, y razona que si un ingeniero sabe hacer una nave tiene que saber hacer una casa.

Surge entonces una duda inmediata: Si un ingeniero va a poder hacer lo suyo y además lo del arquitecto, mientras que un arquitecto seguirá sin poder hacer lo del ingeniero, ¿para qué estudiar Arquitectura?

¿Estudiar Arquitectura? | José Ramón Hernández Correa
ETSAM | wikipedia.org

Se me ocurren muchas líneas de comentarios, pero todas ellas han sido mucho mejor desarrolladas por elocuentes compañeros. Así que tiro por otro sitio.

Tengo dos hijos, y ninguno de ellos está ni remotamente interesado en ser arquitecto. Pero, si les hubiera atraído la arquitectura, ¿qué les podría decir?, ¿cómo les aconsejaría? Uf, qué difícil.

El sentido común dice que estudiar arquitectura es inútil, es una auténtica pérdida de tiempo.

Pero recuerdo mi ya lejana carrera (la terminé en 1985) y me vienen a la mente unas cuantas imágenes, ideas y recuerdos deslavazados:

a) Fullaondo contándonos su viaje a Finlandia con Moneo, para visitar a Alvar Aalto. Le llevaron una caja de 12 botellas de Rioja. Se las bebieron de una sentada entre los tres. (O entre los cuatro. Aalto le servía vino al fantasma de su esposa fallecida hacía poco, que tenía su silla, su plato, sus cubiertos, etc).

b) Oíza subiéndose las gafas a la frente y contándonos por qué una casa tenía que ser caótica mientras que el Aeropuerto de Barajas tenía que ser ordenado, y representando su carrera con maletas y su suegra corriendo detrás de él.

c) Aroca contándonos que El Increíble Hombre Menguante no debería de tener miedo de la araña, puesto que la sección de sus piernas sólo había disminuido al cuadrado, mientras que su peso había disminuido al cubo, por lo que tenía una gran capacidad para saltar y escapar por las escaleras.

d) José María Rodríguez Ortiz, catedrático de Mecánica del Suelo, ingeniero de caminos, dolido porque su hijo había elegido estudiar arquitectura. Hombre de muy fino y mordaz humor y de una socarronería estupenda. Recuerdo que viendo en su clase unas diapositivas de un replanteo de zapatas en un terreno embarrado me entraron las mayores ganas de construir, de rebozarme en el barro, que he tenido en mi vida. Fue un momento epifánico. Años después he hecho muchos replanteos en barro, en polvo seco, en terragueros diversos, y no es tan apasionante.

e) Julián, el del bar, y sus sándwiches de escabeche (y naturalmente, sus pinchos de tortilla).

f) El juego de la peseta, en las mesas del mencionado bar, y el juego de la pocha, en alguna clase vacía de arriba.

g) Mi amigo Emilio García Alonso, y tantas discusiones. Una (mítica entre nosotros) sobre cuál iba a ser nuestro futuro. Yo lo veía muy fácil: Poner un rótulo en el portal de mi casa (la de mis padres) y empezar a recibir encargos. (Curiosamente fue así, pero sin rótulo).

h) Discusiones en el bar, con Emilio, Paco, Iván, etc, sobre la planta de la Casa Farnsworth. «Yo ahí no podría vivir». «Todo el mundo necesita intimidad». Etc.

i) Carvajal corrigiendo en público un proyecto de un alumno. (Me pareció muy cruel la paliza que le pegó, y que su profesor, que había propuesto el trabajo como digno de corrección magistral, no le echara una mano). También fue fantástico cómo desmenuzó la función de la casa y la ubicación del garaje respecto a la puerta principal.

j) Corrales y Molezún en el Johnny, explicando el Pabellón de Bruselas. «Y se nos ocurrió que la pieza resolvía la estructura, la cubierta y el desagüe al mismo tiempo. ¿Cómo es que se nos ocurrió esto, Ramón?» «¡Y yo qué sé!» (Risas de Molezún y de todo el público). «Creo que íbamos en el tren y dejaste el paraguas en el asiento». Y de nuevo, muchos años después, Corrales solo (Molezún estaba ya enfermo) nos lo volvió a explicar en la Escuela, con unas enormes diapositivas.

Corrales y Molezum, arquitectura

k) Un profesor de Elementos de Composición (era la asignatura que servía de introducción a Proyectos, y se me dio muy mal la primera vez) preguntándome qué tal iba en las teóricas (muy bien) y proponiéndome que dejara la carrera y cursara alguna ingeniería. Me recuerdo llorando en casa a mis veintipocos años.

l) Leon Krier (el mentor arquitectónico del Príncipe Carlos de Inglaterra) vino a Madrid y dijo que Alvar Aalto y Carlo Scarpa eran arquitectos mediocres. ¡La que se armó!

m) En la cátedra de Carvajal pusieron como ejercicio hacerle una casa a Cela, y vino Cela a explicar cómo la quería. Imposible asistir a su conferencia. Cientos y cientos de personas apretujándose.

n) El puesto de libros de Cristina, abajo, al pie de la escalera, ahí en medio, al paso.

ñ) Hablar de Le Corbusier y de Frank Lloyd Wright por los codos, hasta con mi novia, que estudiaba Medicina. Pasiones encontradas.

o) Moneo sujetándose la frente como si le doliera mucho la cabeza, y hablando del Éxtasis de Santa Teresa, de Bernini, con verdadero esfuerzo.

p) Oíza (otra vez) hablando de la cubertería danesa que se compró, y que no funcionaba (porque pretendía comer comida española con ella).

q) Gallinas sueltas en clase de Análisis de Formas, cagándose por todas partes, y los profesores diciéndonos que no las dibujáramos a ellas, sino a su espíritu. (Esto de «pintar el espíritu de la gallina» se ha dicho mucho en la escuela como si fuera una leyenda, pero yo certifico que es rigurosamente cierto). Pintar el miedo, pintar un concierto de rock. No entender nada.

r) Mi amigo Carlos González Tausz y yo, aburridos en la clase de Análisis. «¿Qué hacemos?» «¿Nos pegamos en el campo de rugby?» «Vale». Bajamos al campo, me dio un empujón y me tiró al suelo. Me dio la risa. Se echó sobre mí y nos dio más risa. «¿Te vale?» «Sí. Me rindo». (Qué bien dibujaba. Qué cabrón).

s) No tener dinero en una carrera cara. Calcar los árboles, coches, etc, de letraset para no gastarlos.

t) Ir al SIMO a echar la tarde como un idiota porque Rotring te regalaba un tubo de cartón y Roca una plantilla de aparatos sanitarios. No llegar a tiempo de la plantilla. Agotadas.

u) Adorar Blade Runner porque sale una casa de Frank Lloyd Wright.

v) Adorar la canción de Simón (con acento en la o) y Garfúnkel (con acento en la u) «So long, Frank Lloyd Wright». Buscar como una especie de trascendencia en cada cosa. Ser bobo. Ser completamente imbécil.

w) Mi primer día en la escuela, subir a las aulas de dibujo y soportar un discurso terrible de Helena Higlesias (yo es que siempre le pongo muchas haches) diciéndonos que había ya demasiados arquitectos, y que reconsideráramos nuestro error mientras estuviéramos a tiempo. (No sé qué pensará ahora).

x) Horas y horas, tardes y tardes, noches y noches dibujando en el tablero. Menuda vista tenía yo entonces. La radio puesta todo el día y toda la noche (Antena 3 Radio: Supergarcía en la hora cero, Polvo de estrellas, Gomaespuma). Fumando y fumando. El cenicero deslizándose peligrosamente sobre el tablero inclinado. El pelo calentándose en el flexo.

y) Quedarme sin tabaco a las dos de la madrugada. Fumarme las colillas. Quedarme sin colillas. Salir a la calle a las cuatro. No encontrar otra cosa que una sala de fiestas / puticlub. Comprar una cajetilla de ducados. Saber que todo era un error.

z) Sufrir intensamente y disfrutar aún más intensamente. (Y eso que, no sé por qué extraña chiripa, jamás me tocó hacer una maqueta).

Se me acabó el alfabeto. Vale. Me han ido saliendo de corrido, sin orden ni concierto, y si hubiera más letras seguiría contando batallitas. Pero, en definitiva, ¿qué le decimos a nuestros hijos? (O a nuestros hermanos: Este blog tiene lectores de una insultante juventud).

Pues volvemos al principio: Si somos sensatos, y ellos también lo son, les debemos aconsejar que escojan una ingeniería. Las carreras de ingeniería son duras, pero compensan con una formación muy seria y muy solvente, que sirve para hacer de todo.

Creo que es lo que debería cursar una persona inteligente, lógica, sensata, razonable, perseverante y decidida. Es una gran elección.

Sólo le recomendaría arquitectura a una auténtica cabra. A una puta cabra loca y disparatada. A un ser que buscara una loca e ilógica trascendencia en las cosas más anodinas. A una persona encendida, feroz, hambrienta. A un insensato. A alguien que, contra todo consejo, contra toda tendencia económica, contra todo imperativo legal, necesitara ser arquitecto, y muriese por dibujar rayos en el aire y pisar barro en una zanja, y quisiera casar dos cosas tan incasables.

(¿Por qué será que, a pesar de todo, las notas de Selectividad exigidas por las escuelas de arquitectura siguen siendo altísimas?).

Yo le recomendaría estudiar arquitectura a alguien que no necesitara que se lo recomendase, a alguien a quien ya todo le importara un bledo, a alguien que hubiera saltado al vacío y no tuviera miedo de los posibles fallos de su precario paracaídas. A alguien que, mientras cayera a plomo, gritara que había merecido la pena.

A alguien a quien no quisiese demasiado (no soportaría verlo estrellarse. Se me desgarraría el corazón). A alguien, en definitiva, a quien pudiera admirar con toda mi alma.

José Ramón Hernández Correa · Doctor Arquitecto
Toledo · junio 2013

Anecdótica y «ligera aproximación» a Andrew Geller | Fernando Freire Forga

Fernando Freire Forga
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Anecdótica y «ligera aproximación» a Andrew Geller | Fernando Freire Forga

Regresando al individualismo y las apreciaciones personales, lo que he aprendido en la praxis es que hay “gusto para todo” y los clientes no saben de arquitectura y no tienen por qué saber: ellos no estudiaron la carrera. La responsabilidad está en el arquitecto que se deja llevar por temas comerciales y que finalmente sucumben en un producto arquitectónico que desmerece a la profesión. En mi caso, lo experimentado es un ejemplo anecdótico y no representan una realidad universal, pero podrían servir como una simple analogía en “escala minúscula”.

Casa de Playa proyectada por el arquitecto estadounidense Andrew Michael Geller | laformamodernaenlatinoamerica.blogspot.com.es

Por ejemplo, alguna vez me pidieron proyectar una vivienda unifamiliar en una de las playas de la costa norte del Perú, donde se disfruta de un clima templado todo el año, con temperaturas entre los 16 y 32 grados centígrados. El cliente me indicó, sin opción a otra alternativa, que quería una casa con material noble (sistema aporticado de concreto armado) con techos inclinados y con un “dulce” estilo similar a las viviendas que adornan los Alpes Suizos. Con pendientes en los techos muy pronunciadas (a la espera de una implacable nevada, suponía yo…). Además quería una chimenea, para que le de calidad de hogar a su sala, la cual no requería de ducto de humo, pues nunca la iba a prender (es que aquí hace calor todo el año, me indicó). Y para que quiere un techo inclinado si nunca habrá nieve? Pregunté y me respondió al instante: que es lo que siempre había soñado y por qué simplemente le gustaba, añadiendo que también quería un gran pino en el jardín de ingreso, el cual debería ser más alto que los techos de la vivienda (lo tenía todo friamente calculado). Adicionalmente, me indicó que quería que contemple en el diseño temas de rusticidad y generar espacios cálidos (claro, si hay mucho frío en los Alpes, ¡nada como un espacio cálido! Pensaba en silencio).

Entendí que el cliente no requería un producto que satisfaga sus necesidades de vivienda, el cliente quería un producto arquitectónico que complazca sus necesidades psicológicas  y ello “estaba fuera de mi jurisdicción”. Generándose una disyuntiva: Si proyectaba aquello que solicitaba el cliente, el que terminaría en una terapia intensiva con un psicólogo sería yo.

Lamentablemente no logré convencer al cliente de buscar otra solución arquitectónica y opté por no seguir con el encargo.

Boceto interior de la Casa de Playa, Andrew Michael Geller | laformamodernaenlatinoamerica.blogspot.com.es

Con este ejemplo pretendo demostrar que a pesar de querer lograr una proyección coherente y lógica, existen ocasiones que nos vemos obligados a tomar decisiones drásticas para evitar una mala praxis. Lamentablemente hay profesionales que por temas comerciales se prestan a este tipo de requerimientos y ello genera como consecuencia la existencia de futuros clientes que sin un conocimiento adecuado, soliciten proyectos irracionales que desmerecen la praxis de nuestra profesión y ridiculizan nuestras ciudades.

Finalmente y para concluir este artículo, creo que pudieron existir otras posibilidades, en las que podría haber logrado un mejor manejo en la negociación con el cliente (aunque fue muy difícil cambiarle alguna idea previamente concebida). Quizás si hubiera propuesto el uso de madera como una alternativa, hubiese logrado una ligera aproximación a las Casas de Playa proyectadas por el arquitecto estadounidense Andrew Michael Geller a mediados del siglo pasado. (Recomiendo revisar su obra).

Casa de Playa, Andrew Michael Geller | laformamodernaenlatinoamerica.blogspot.com.es

Fernando Freire Forga · Doctor Arquitecto
Lima · junio 2013 · Autor del Blog La Forma Moderna en Latinoamérica

FADfest · El mejor diseño del añoFADfest · O millor deseño do anoFADfest · The best design of the year

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<!--:es-->FADfest · El mejor diseño del año<!--:--><!--:gl-->FADfest · O millor deseño do ano<!--:--><!--:en-->FADfest · The best design of the year<!--:-->

El próximo martes 25 de junio se presentará en rueda de prensa la tercera edición del FADfest, el Festival de Todo el Diseño, un gran evento organizado por el FAD (Fomento de las Artes y del Diseño) en el marco del Barcelona Design Festival. Durante la rueda de prensa se presentará también la muestra «El mejor diseño del año», con más de 500 piezas finalistas de los premios del FAD en las diferentes disciplinas del diseño, una exposición imprescindible para entender qué está pasando en el mundo del diseño hoy.

En la rueda de prensa intervendrán Miquel Espinet, presidente del FAD (Fomento de las Artes y del Diseño) y Pau Herrera, presidente del BCD Barcelona Centro de Diseño. Los presidentes de las diferentes asociaciones del FAD explicarán las secciones de la exposición in situ: Viviana Narotzky, premios Delta de diseño industrial; Helena Rosa, premios Laus de diseño gráfico y comunicación visual, Silvia Farriol, Premios FAD de Arquitectura e Interiorismo; Magda Polo, premios ArtFAD de arte y artesanía, y Chu Uroz, premios MODAFAD.

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O vindeiro martes 25 de xuño presentarase en roda de prensa a terceira edición do FADfest, o Festival de todo o Deseño, un gran evento organizado polo FAD (Fomento das Artes e do Deseño) no marco do Barcelona Design Festival. Durante a roda de prensa presentarase tamén a mostra «O mellor deseño do ano», con máis de 500 pezas finalistas dos premios do FAD nas diferentes disciplinas do deseño, unha exposición imprescindible para entender que está pasando no mundo do deseño hoxe.

Na roda de prensa intervirán Miquel Espinet, presidente do FAD (Fomento das Artes e do Deseño) e Pau Herrera, presidente do BCD Barcelona Centro de Deseño. Os presidentes das diferentes asociacións do FAD explicarán as seccións da exposición in situ: Viviana Narotzky, premios Delta de deseño industrial; Helena Rosa, premios Laus de deseño gráfico e comunicación visual, Silvia Farriol, Premios FAD de Arquitectura e Interiorismo; Magda Polo, premios ArtFAD de arte e artesanía, e Chu Uroz, premios MODAFAD.

+ info

Next Tuesday, the 25th of June Design Festival will present in press conference the third edition of the FADfest, the Festival of the Whole Design, a great event organized by the FAD (Promotion of the Arts and of the Design) in the frame of the Barcelona. During the press conference one will present also the sample » The best design of the year «, with more than 500 pieces finalists of the prizes of the FAD in the different disciplines of the design, an indispensable exhibition to understand what is happening in the world of the design today.

In the press conference there will intervene Miquel Espinet, president of the FAD (Promotion of the Arts and of the Design) and Pau Herrera, president of the BCD Barcelona Center of Design. The presidents of the different associations of the FAD will explain the sections of the exhibition in situ: Viviana Narotzky, prizes Delta of industrial design; Helena Rosa, prizes Laus of graphical design and visual communication, Silvia Farriol, Prizes FAD of Architecture and Interiorismo; Magda Polo, prizes ArtFAD of art and crafts, and Chu Uroz, prizes MODAFAD.

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VOGADORS, Jeune architecture Catalane et BaleàreVOGADORS, Jeune architecture Catalane et BaleàreVOGADORS, Jeune architecture Catalane et Baleàre

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<!--:es-->VOGADORS, Jeune architecture Catalane et Baleàre<!--:--><!--:gl-->VOGADORS, Jeune architecture Catalane et Baleàre<!--:--><!--:en-->VOGADORS, Jeune architecture Catalane et Baleàre<!--:-->

Inauguración de la exposición sobre arquitectura catalana en el CMAV (Centre Méridional de l’Architecture et de la Ville) de Toulouse el 20 de junio.

Jordi Badia, fundador del estudio de arquitectura BAAS y profesor de la Escuela de Arquitectura de Barcelona (ETSAB), reconocido con premios como el Ciudad de Barcelona por el Museo Can Framis, presenta las exposiciones “VOGADORS, Jeune architecture Catalane et Baleàre” (como co-comisario de la misma junto con Felix Arranz).

La exposición llega a Toulouse después de la invitación de l’AERA para dar una conferencia en el 2011 y la colaboración con la ENSA (Université Toulouse-Le Mirail, France) estos dos últimos años participando en clases y conferencias sobre la obra propia.

En la sala principal del centro se muestra una adaptación de la exposición que se presentó en la pasada edición de la Bienal de Arquitectura de Venecia: VOGADORS, Architectural Rowers, una muestra promovida por el IRL (Institut Ramon Llull), el COAC y el COAIB y de la que Jordi Badia es co-comisario junto con Félix Arranz. Esta muestra presenta la obra de 9 jóvenes despachos de arquitectura que trabajan en una nueva arquitectura que trata de entender los cambios de la sociedad contemporánea, enlazando a la vez con toda una tradición de la arquitectura catalana.

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Inauguración da exposición sobre arquitectura catalá no CMAV (Centre Méridional de l’Architecture et da Ville) de Toulouse o 20 de xuño.

Jordi Badia, fundador do estudo de arquitectura BAAS e profesor da Escola de Arquitectura de Barcelona (ETSAB), recoñecido con premios como o Cidade de Barcelona polo Museo Can Framis, presenta as exposicións “VOGADORS, Jeune architecture Catalane et Baleàre” (como co-comisario da mesma xunto con Felix Arranz).

A exposición chega a Toulouse logo da invitación de l’AERA para dar unha conferencia no 2011 e a colaboración coa ENSA (Université Toulouse-Le Mirail, France) estes dous últimos anos participando en clases e conferencias sobre a obra propia.

Na sala principal do centro móstrase unha adaptación da exposición que se presentou na pasada edición da Bienal de Arquitectura de Venecia: VOGADORS, Architectural Rowers, unha mostra promovida polo IRL (Institut Ramon Llull), o COAC e o COAIB e da que Jordi Badia é co-comisario xunto con Félix Arranz. Esta mostra presenta a obra de 9 novos despachos de arquitectura que traballan nunha nova arquitectura que trata de entender os cambios da sociedade contemporánea, enlazando á vez con toda unha tradición da arquitectura catalá.

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Inauguration of the exhibition on Catalan architecture in the CMAV (Centre Méridional de l’Architecture et of the Ville) of Toulouse on June 20.

Jordi Badia, founder of the study of architecture BAAS and teacher of the School of Architecture of Barcelona (ETSAB), recognized with prizes like the Ciudad of Barcelona for the Museum Khan Framis, presents the exhibitions » VOGADORS, Jeune architecture Catalane et Baleàre » (as co-commissioner of the same one together with Felix Arranz).

The exhibition comes to Toulouse after l’AERA’s invitation to give a conference in 2011 and the collaboration with the ENSA (Université Toulouse – Le Mirail, France) these last two years taking part in classes and conferences on the own work.

In the principal room of the center there appears an adjustment of the exhibition that one presented in the past edition of the Biennial show of Architecture of Venice: VOGADORS, Architectural Rowers, a sample promoted by the IRL (Institut Ramon Llull), the COAC and the COAIB and of that Jordi Badia is a co-commissioner together with Félix Arranz. This sample presents the work of 9 young offices of architecture that are employed at a new architecture that tries to understand the changes of the contemporary company, connecting simultaneously with the whole tradition of the Catalan architecture.

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Wood Architecture Now! (Vol.02)

Alberto Alonso Oro
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Wood Architecture Now! (Vol.02)

«Madera de moda… indudablemente uno de los materiales más elegantes de los edificios modernos»

–Vogue, París

Philip Jodidio y la editorial Taschen, editan el volumen número 2 de la serie Wood Architecture Now!. Este número pone de manifiesto que la madera adquiere un mayor protagonismo como material predominante en la arquitectura contemporánea. En este volumen se encuentran desde pequeñas arquitecturas hasta grandes complejos que albergan usos variados.

Wood Architecture Now! (Vol.02)
Wood Architecture Now! (Vol.02)

Cuando los primeros hombres osaron abandonar las cuevas en las que se resguardaban, a buen seguro construyeron estructuras de madera en las que guarecerse. De este modo, el recurso arquitectónico renovable por excelencia es también el más antiguo y al mismo tiempo el más moderno de los materiales. Gracias al diseño computerizado y a las nuevas técnicas de fabricación, hoy resulta posible cortar y tallar la madera en formas antes inimaginables. Entre quienes han contribuido a la confección del presente libro se cuentan eminencias tan innovadoras como el catedrático alemán Achim Menges, que nos acerca al modo de crear estructuras complejas, casi vivas, a partir de la madera. Otros, como los jóvenes arquitectos de WMR (afincados en Santiago de Chile), nos demuestran que es posible construir una espectacular cabaña de madera de dos plantas con vistas al pacífico por tan solo 25.000 €. Comprobaremos también que es posible cubrir y renovar toda una sección del centro histórico de Sevilla con un innovador toldo de madera recubierto de poliuretano (Metropol Parasol, obra de Jürgen Mayer H.).

Pero así como puede resultar sencilla y evocadora, la madera puede integrarse en estructuras tan sofisticadas como el pabellón de los renos salvajes de Snohetta, de paredes de madera torneada. Económica, ecológica y fundamentalmente cálida, la arquitectura en madera no puede ser más contemporánea.

Philip Jodidio (nacido en 1954)

Estudió historia del arte y economía en la Universidad de Harvard y fue editor jefe de la revista Connaissance des Arts durante más de veinte años. Entre sus publicaciones, encontramos la serie Architecture Now! de TASCHEN, así como las monografías sobre Tadao Ando, Norman Foster, Richard Meier, Jean Nouvel y Zaha Hadid. Es reconocido en todo el mundo como uno de los escritores de arquitectura más populares.

Centro de Salud de Oroso | Manuel Vázquez MuíñoCentro de Saude de Oroso | Manuel Vázquez MuíñoOroso Health Center | Manuel Vázquez Muíño

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<!--:es-->Centro de Salud de Oroso | Manuel Vázquez Muíño<!--:--><!--:gl-->Centro de Saude de Oroso | Manuel Vázquez Muíño<!--:--><!--:en-->Oroso Health Center | Manuel Vázquez Muíño<!--:-->

Edificio de planta rectangular de medidas 60×34 m, con patios interiores de diversos tamaños y características. Patios con vegetación que permiten crear ambientes interiores agradables y una buena ventilación natural en período estival.

Acceso cubierto al edificio a través del patio mayor, dispuesto a modo de claustro en torno a las esperas de las consultas generales. El resto de patios, más pequeños, con un carácter distinto.

Zonas públicas en planta baja, facilitando el movimiento de los usuarios, y pequeño volumen en planta alta para zonas de uso restringido a personal del centro. Consultas con lucernarios, que además de una buena iluminación natural permiten disponer de ventilación cruzada.

Funcionalidad y comodidad como aspectos irrenunciables de cualquier arquitectura: obviedad que a veces parece que olvidamos.

Obra:  Centro de Salud de Oroso
Arquitecto (proyecto y dirección obra): Manuel Vázquez Muíño
Colaborador: Roberto Regatos Gómez
Estructura: Ismael Ameneiros Rodríguez
Instalaciones: Miguel Ces Pérez
Arquitecto técnico:  Manuel López Lamas
Promotor: Sergas. Xunta de Galicia
Empresa Constructora: OHL
Fecha proyecto: 2008
Fecha obra: 2009-2011
Situación:  Sigüeiro. Ayuntamiento de Oroso. (Coruña).
Presupuesto Ejecución Material:  1.322.610 €
Superficie construida: 1.636 m2
Fotografías: Manuel Vázquez Muíño  |  Héctor Santos-Díez | BISimages
+ vazquezmuino.com

Building of rectangular plant of measures 60×34 m, with interior courts of diverse sizes and characteristics. Courts with vegetation that there allow to create interior agreeable environments and a good natural ventilation in summer period.

Access covered to the building across the major court, arranged like cloister concerning the waits of the general consultations. The rest of courts, smaller, with a different character.

Public zones in ground floor, facilitating the movement of the users, and small volume in high plant for zones of use restricted to personnel of the center. You consult with lucernarios, that besides a good natural lighting allow to have crossed ventilation.

Functionality and comfort like those cannot be waived aspects of any architecture: obviedad that sometimes seems that we forget.

Work: Centre of Health of Oroso

Architect (project and direction acts): Manuel Vázquez Muíño

Collaborator: Roberto Regatos Gómez

Structures: Ismael Ameneiros Rodríguez

Installations: Miguel Ces Pérez

Technical Architect: Manuel López Lick

Promoter: Sergas. Xunta de Galicia

Company Constructor: OHL

Dates project: 2008

Date acts: 2009-2011

Situation: Sigüeiro. City council of Oroso. (Coruña).

Presupposed Material Execution: 1.322.610 €

Surface built: 1.636 m2

Photographies: Manuel Vázquez Muíño | Héctor Santos-Díez | BISimages

+ vazquezmuino.com

Edificio de planta rectangular de medidas 60×34 m, con patios interiores de diversos tamaños e características. Patios con vegetación que permiten crear ambientes interiores agradables e unha boa ventilación natural en período estival.

Acceso cuberto ao edificio a través do patio maior, disposto a modo de claustro en torno ás esperas das consultas xerais. O resto de patios, máis pequenos, cun carácter distinto.

Zonas públicas en planta baixa, facilitando o movemento dos usuarios, e pequeno volume en planta alta para zonas de uso restrinxido a persoal do centro. Consultas con lucernarios, que ademais dunha boa iluminación natural permiten dispoñer de ventilación cruzada.

Funcionalidad e comodidade como aspectos irrenunciables de calquera arquitectura: obviedad que ás veces parece que esquecemos.

Obra: Centro de Saude de Oroso

Arquitecto (proxecto e dirección obra): Manuel Vázquez Muíño

Colaborador: Roberto Regatos Gómez

Estructura: Ismael Ameneiros Rodríguez

Instalacións: Miguel Ces Pérez

Arquitecto técnico: Manuel López Lamas

Promotor: Sergas. Xunta de Galicia

Empresa Constructora: OHL

Data proxecto: 2008

Data obra: 2009-2011

Situación: Sigüeiro. Concello de Oroso. (Coruña).

Presuposto Execución Material: 1.322.610 €

Superficie construida: 1.636 m2

Fotografías: Manuel Vázquez Muíño | Héctor Santos-Díez | BISimages

+ vazquezmuino.com

Vides PersistantsVides PersistantsVides Persistants

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<!--:es-->Vides Persistants<!--:--><!--:gl-->Vides Persistants<!--:--><!--:en-->Vides Persistants<!--:-->

Inauguración de la exposición sobre arquitectura catalana en el CMAV (Centre Méridional de l’Architecture et de la Ville) de Toulouse el 20 de junio. Jordi Badia presenta “VIDES PERSISTANTS” una muestra que repasa la trayectoria del estudio BAAS arquitectura a través de la gestión de los espacios vacíos, silencios elocuentes entorno a los cuales la arquitectura construye la ciudad. Reflejados en obras y proyectos que plantean la existencia y la función del vacío en la arquitectura como valor para preservar la vida y la forma de las ciudades.

Can Framis, BAAS

La exposición llega a Toulouse después de la invitación de l’AERA para dar una conferencia en el 2011 y la colaboración con la ENSA (Université Toulouse-Le Mirail, France) estos dos últimos años participando en clases y conferencias sobre la obra propia.

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Inauguración da exposición sobre arquitectura catalá no CMAV (Centre Méridional de l’Architecture et da Ville) de Toulouse o 20 de xuño. Jordi Badia presenta “VIDES PERSISTANTS” unha mostra que repasa a traxectoria do estudo BAAS arquitectura a través da xestión dos espazos baleiros, silencios elocuentes contorna aos cales a arquitectura constrúe a cidade. Reflectidos en obras e proxectos que suscitan a existencia e a función do baleiro na arquitectura como valor para preservar a vida e a forma das cidades.

Can Framis, BAAS

A exposición chega a Toulouse logo da invitación de l’AERA para dar unha conferencia no 2011 e a colaboración coa ENSA (Université Toulouse-Le Mirail, France) estes dous últimos anos participando en clases e conferencias sobre a obra propia.

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Inauguration of the exhibition on Catalan architecture in the CMAV (Centre Méridional de l’Architecture et of the Ville) of Toulouse on June 20. Jordi Badia presents «Vides Persistants» a sample that there revises the path of the study BAAS architecture across the management of the empty spaces, eloquent silences I half-close which the architecture constructs the city. Reflected in works and projects that raise the existence and the function of the emptiness in the architecture as value to preserve the life and the form of the cities.

Can Framis, BAAS

The exhibition comes to Toulouse after l’AERA’s invitation to give a conference in 2011 and the collaboration with the ENSA (Université Toulouse – Le Mirail, France) these last two years taking part in classes and conferences on the own work.

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UnDo ReDo

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UnDo ReDo

[:es]http://youtu.be/OhyLzhI_P5Y

UnDo ReDo es un lugar de encuentro y reflexión sobre los muebles, muy especialmente las sillas, dentro y alrededor de  la arquitectura. Encuentro, rehabilitación, interpretación y cuidado de los muebles según la filosofía de trabajo de la desaparecida artista Louise Bourgeois I do, I undo, I redo.

Los muebles siempre han acompañado a la arquitectura, son la arquitectura dentro de la arquitectura, y muy en especial la mesa y la silla. Una arquitectura menor a la manera del escritorio de San Jerónimo, representado en el cuadro de Antonello de Messina, que se introduce dentro de otra previa, para volver a crear un lugar y una función menor, pero claramente definida, en el universo mayor de la arquitectura. Un fractal que juega con las escalas y con nuestro oficio para que adaptemos el trabajo y la reflexión del arquitecto desde la ciudad a la casa, a la manera de Aldo van Eyck, y aún más hacia dentro, de cara a lo doméstico.

Sillas y mesas, acento interior que reestructura un mundo más próximo a la escala del cuerpo humano, y de los usos más naturales a su ser, comer, trabajar, charlar. Los que presentamos en UnDo ReDo son producto de la labor de estudio y recogida durante  años, modelos clásicos, originales,  e interpretaciones de calidad acreditada. Modelos que nos han servido como reflexión previa para la creación de algunos propios en nuestras obras. Todos ellos también se han salvado, limpiado, corregido y rehabilitado con el ansia de reutilizar, de no malgastar y de seguir aprendiendo de grandes modelos que resisten estoicamente la, en muchas ocasiones, banal e innecesaria producción que la sociedad de consumo que habitamos propone.

La muestra  que UnDo ReDo da a conocer será una selección continua de  muebles que llegan a la galería, como al hospital de cosas de alguno de los personajes literarios de Paul Auster, para releer la acción creativa de diseñadores y arquitectos de un pasado inmediato, y revisar críticamente cuáles son nuestras necesidades actuales en relación a esta pequeña gran parte de la arquitectura que son los muebles y que tanto nos interesa ahora compartir con vosotros.

[:gl]http://youtu.be/OhyLzhI_P5Y

UnDo ReDo é un lugar de encontro e reflexión sobre os mobles, moi especialmente as cadeiras, dentro e ao redor da arquitectura. Encontro, rehabilitación, interpretación e coidado dos mobles segundo a filosofía de traballo da desaparecida artista Louise Bourgeois I do, I undo, I redo.

Os mobles sempre acompañaron á arquitectura, son a arquitectura dentro da arquitectura, e moi en especial a mesa e a cadeira. Unha arquitectura menor ao xeito do escritorio de San Jerónimo, representado no cadro de Antonello de Messina, que se introduce dentro doutra previa, para volver crear un lugar e unha función menor, pero claramente definida, no universo maior da arquitectura. Un fractal que xoga coas escalas e co noso oficio para que adaptemos o traballo e a reflexión do arquitecto desde a cidade á casa, ao xeito de Aldo van Eyck, e aínda máis cara a dentro, de face ao doméstico.

Cadeiras e mesas, acento interior que reestrutura un mundo máis próximo á escala do corpo humano, e dos usos máis naturais ao seu ser, comer, traballar, charlar. Os que presentamos en UnDo ReDo son produto do labor de estudo e recolleita durante anos, modelos clásicos, orixinais, e interpretacións de calidade acreditada. Modelos que nos serviron como reflexión previa para a creación dalgúns propios nas nosas obras. Todos eles tamén se salvaron, limpado, corrixido e rehabilitado co ansia de reutilizar, de non malgastar e de seguir aprendendo de grandes modelos que resisten estoicamente a, en moitas ocasións, banal e innecesaria produción que a sociedade de consumo que habitamos propón.

A mostra que UnDo ReDo dá a coñecer será unha selección continua de mobles que chegan á galería, como ao hospital de cousas dalgún dos personaxes literarios de Paul Auster, para reler a acción creativa de diseñadores e arquitectos dun pasado inmediato, e revisar críticamente cales son as nosas necesidades actuais en relación a esta pequena gran parte da arquitectura que son os mobles e que tanto nos interesa agora compartir convosco.

[:en]http://youtu.be/OhyLzhI_P5Y

UnDo ReDo is a place of meeting and reflection on the furniture, very specially the chairs, inside and about the architecture. Meeting, rehabilitation, interpretation and care of the furniture according to the philosophy of work of the missing person artist Louise Bourgeois I do, I undo, I redo.

The furniture always have accompanied to the architecture, are the architecture inside the architecture, and very especially the table and the chair. A minor architecture like San Jerónimo’s office, represented in Antonello de Messina’s picture, which interferes inside previous other one, to return to create a place and a minor, but clearly definite function, in the major universe of the architecture. A fractal that plays with the scales and with our trade in order that we adapt the work and the reflection of the architect from the city to the house, like Aldo van Eyck, and furthermore inside, with a view to the domestic thing.

Chairs and tables, interior accent that restructures a world more close to the scale of the human body, and of the most natural uses to his being, to eat, to work, to chat. Those that we present in UnDo ReDo are a product of the labor of study and gathered for years, classic, original models, and interpretations of accredited quality. Models who have used us as previous reflection for the creation as own some in our works. All of them also have saved, cleaned, corrected and rehabilitated with the longing for re-using, for not wasting and for continuing learning of big models who resist stoically it, in many occasions, banal and unnecessary production that the society of consumption that we live proposes.

The sample that UnDo ReDo gives to knowing will be a constant selection of furniture that come to the gallery, since to the hospital of things of someone of the literary prominent figures of Paul Auster, to reread the creative action of designers and architects of an immediate past, and check critically which are our current needs in relation to this small great part of the architecture that they are the furniture and that so much we are interested in sharing now with you.

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Premios Arquitectura Plus 2013Premios Arquitectura Plus 2013Arquitectura Plus Award 2013

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<!--:es-->Premios Arquitectura Plus 2013<!--:--><!--:gl-->Premios Arquitectura Plus 2013<!--:--><!--:en-->Arquitectura Plus Award 2013<!--:-->

Terradas Arquitectes, Abalo Alonso Arquitectos, Ferrer Forés Arquitectos, Sol89, Ramon Esteve, Ruisanchez Arquitectes, Ripoll Tizón Arquitectos y H arquitectes + dataAE han sido los ganadores en las diferentes categorías de este certamen organizado por Grupo Vía en el Top City del Hotel Princesa Sofía de Barcelona.

La IV edición de los Premios Arquitectura Plus, organizados por Grupo Vía, celebró ayer en el Top City del Hotel Princesa Sofía de Barcelona la ceremonia de votación final, entrega de galardones y fiesta de la arquitectura española. En el transcurso de la gala los más de 150 profesionales asistentes a la ceremonia eligieron el proyecto ganador en cada una de las ocho categorías. Esta selección de premiados participativa, sigue la estela del formato realizado con gran éxito en las dos últimas ediciones.

Esta cuarta edición, que ha contado con la colaboración de Otis y Panel Omega Zeta, ha vuelto a ser un éxito de participación con 107 proyectos presentados a las diferentes categorías por los 62 estudios de arquitectura participantes. El jurado seleccionó tres finalistas por modalidad, así como otorgó el Premio A+ a la mejor trayectoria profesional a la arquitecto Carme Pinós y el Premio A+ al Estudio Joven de Arquitectura más Prometedor al despacho H arquitectes.

El jurado ha estado compuesto por Fredy Massad, arquitecto y periodista ¿btbW/Architecture; Jose G. Osorio, director de Vía Construcción y A+; Marc Chalamanch, arquitecto Archikubik; Oscar Guayabero, curador, periodista y editor; y Mariona Benain, arquitecta y presidenta de AJAC.

La convocatoria de la IV edición de los Premios Arquitectura Plus ha estado abierta hasta el 9 de mayo de 2013 a los profesionales de la arquitectura, que hayan ejecutado el proyecto con posterioridad al 1 de enero de 2011. Pudiendo presentarse de forma individual o en equipo, quedando limitada la presentación a un solo proyecto por categoría por solicitante con un máximo de tres categorías. Estos galardones son una plataforma organizada por Grupo Vía para dar a conocer el talento y la creatividad de los arquitectos españoles.

GANADORES POR CATEGORÍAS

Premio A+ al mejor proyecto de Arquitectura Cultural o Deportiva: Terradas Arquitectes por la Rehabilitación de las Drassanes Reales de Barcelona

Los finalistas fueron:

– Soldevila Soldevila Soldevila Architects. Polideportivo en Cabrils, Maresme (Barcelona)

– Junquera Arquitectos. Rehabilitación del Hipódromo de la Zarzuela (Madrid)

Premio A+ al mejor proyecto de Arquitectura de Edificios para la Educación: Abalo Alonso Arquitectos por la Escuela infantil en el Campus Universitario de Ourense

 Los finalistas fueron:

– BB Arquitectes. CEIP Sant Roc en Olot (Girona)

– Pereda Pérez Arquitectos. Escuela infantil en Pamplona (Navarra)

Premio A+ al mejor proyecto de Arquitectura Efímera:

El jurado ha decidido declarar desierta la candidatura, si bien ha destacado con una Mención de Honor el trabajo realizado por Luz Paz, Ana Amado y Marta Marcos con el proyecto Spanish Dream y su pertinente reflexión autocrítica sobre las consecuencias de la crisis y los esqueletos que ha dejado la arquitectura en el camino.

Premio A+ al mejor proyecto de Arquitectura de Espacios Públicos e Infraestructuras: Ferrer Forés Arquitectos por los Espacios urbanos en Can Ribas, La Soledat (Palma de Mallorca)

 Los finalistas fueron:

–  Grupo Aranea. El Valle Trenzado. Ordenación y revitalización del cauce del río Vinalopó a su paso por Elche (Alicante)

–  Bru Lacomba Setoain. 10 estaciones de peaje y marquesinas en la AP-7 Sur de Cataluña.

Premio A+ al mejor proyecto de Arquitectura Hotelera o Restauración:  Sol89 por la Escuela de Hotelería en el antiguo Matadero de Medina-Sidonia (Cádiz)

Los finalistas fueron:

– Moral Arquitectura. Restaurante-bodega “El Castillo” en Moratinos (Palencia)

– Estudio Nômada. A Cantina en la Ciudad de la Cultura de Santiago de Compostela (A Coruña)

 Premio A+ al mejor proyecto de Arquitectura Sanitaria: Ramon Esteve por CEAM Sant Rafael en Ontinyent (Valencia)

Los finalistas fueron:

– Sol 89. Área de Restauración en el Hospital Universitario Virgen de la Macarena (Sevilla)

– Berta Barrio + Sergi Godia. Reforma y ampliación del CAP Bages de Manresa (Barcelona)

– Vaillo & Irigaray + Galar. Centro de Investigación Biomédica del Hospital de Navarra

Premio A+ al mejor proyecto de Arquitectura de Edificios para el Trabajo: Ruisanchez Arquitectes por Parc de Bombers de Montjuic (Barcelona)

Los finalistas fueron:

– Pich Architects + Puigdemasa Arquitectes + Pamias Ingeniería Centro experimental de producción audiovisual Magical Media (Lleida)

– IMB Arquitectos. Nueva sede de oficinas municipales en Bilbao

Premio A+ al mejor proyecto de Arquitectura de Vivienda de Promoción Pública o Privada: Ripoll Tizón Arquitectos por Viviendas sociales en Sa Pobla, Mallorca.

Los finalistas fueron:

– Grupo Aranea. Casa Lude en Cehegín (Murcia)

–  H Arquitectes. Casa 712 en Gualba (Barcelona)

– Bru Lacomba Setoain. 127 viviendas en El Raval (Barcelona)

Premio A+ al mejor proyecto de Arquitectura Sostenible: H Arquitectes + dataAE por 57 viviendas universitarias en el Campus de la ETSAV en Sant Cugat del Vallès (Barcelona)

Los finalistas fueron:

– Serrano + Baquero. 33 vidrios desplazados

– IMB Arquitectos. Nueva sede de Naturgás en Bilbao

PREMIOS EXTRAORDINARIOS

– Premio A+ Extraordinario a la Trayectoria Profesional: Carme Pinós

– Premio A+ Extraordinario al Estudio Joven de Arquitectura más Prometedor: H arquitectes.

Terradas Arquitectes, Abalo Alonso Arquitectos, Ferrer Forés Arquitectos, Sol89, Ramon Esteve, Ruisanchez Arquitectes, Ripoll Tizón Arquitectos e H arquitectes + dataAE foron os ganadores nas diferentes categorías deste certamen organizado por Grupo Vía no Top City do Hotel Princesa Sofía de Barcelona.

A IV edición dos Premios Arquitectura Plus, organizados por Grupo Vía, celebrou onte no Top City do Hotel Princesa Sofía de Barcelona a cerimonia de votación final, entrega de galardones e festa da arquitectura española. No transcurso da gala os máis de 150 profesionais asistentes á cerimonia elixiron o proxecto ganador en cada unha das oito categorías. Esta selección de premiados participativa, segue o ronsel do formato realizado con gran éxito nas dúas últimas edicións.

Esta cuarta edición, que contou coa colaboración de Otis e Panel Omega Zeta, volveu a ser un éxito de participación con 107 proxectos presentados ás diferentes categorías polos 62 estudos de arquitectura participantes. O xurado seleccionou tres finalistas por modalidade, así como outorgou o Premio A+ á mellor traxectoria profesional á arquitecto Carme Pinós e o Premio A+ ao Estudo Novo de Arquitectura máis Prometedor ao despacho H arquitectes.

O xurado estivo composto por Fredy Massad, arquitecto e xornalista btbW/Architecture; Jose G. Osorio, director de Vía Construción e A+; Marc Chalamanch, arquitecto Archikubik; Oscar Guayabero, curador, xornalista e editor; e Mariona Benain, arquitecta e presidenta de AJAC.

A convocatoria da IV edición dos Premios Arquitectura Plus estivo aberta ata o 9 de maio de 2013 aos profesionais da arquitectura, que executen o proxecto con posterioridad ao 1 de xaneiro de 2011. Podendo presentarse de forma individual ou en equipo, quedando limitada a presentación a un só proxecto por categoría por solicitante cun máximo de tres categorías. Estes galardones son unha plataforma organizada por Grupo Vía para dar a coñecer o talento e a creatividade dos arquitectos españois.

GANADORES POR CATEGORÍAS
Premio A+ ao mellor proxecto de Arquitectura Cultural ou Deportiva: Terradas Arquitectes pola Rehabilitación das Drassanes Reais de Barcelona

Os finalistas foron:
– Soldevila Soldevila Soldevila Architects. Polideportivo en Cabrils, Maresme (Barcelona)
– Junquera Arquitectos. Rehabilitación do Hipódromo da Zarzuela (Madrid)

Premio A+ ao mellor proxecto de Arquitectura de Edificios para a Educación: Abalo Alonso Arquitectos pola Escola infantil no Campus Universitario de Ourense

Os finalistas foron:
– BB Arquitectes. CEIP Sant Roc en Olot (Girona)
– Pereda Pérez Arquitectos. Escola infantil en Pamplona (Navarra)

Premio A+ ao mellor proxecto de Arquitectura Efémera:

O xurado decidiu declarar deserta a candidatura, aínda que destacou cunha Mención de Honor o traballo realizado por Luz Paz, Ana Amado e Marta Marcos co proxecto Spanish Dream e o seu pertinente reflexión autocrítica sobre as consecuencias da crise e os esqueletos que deixou a arquitectura no camiño.

Premio A+ ao mellor proxecto de Arquitectura de Espazos Públicos e Infraestructuras: Ferrer Forés Arquitectos polos Espazos urbanos en Can Ribas, A Soledat (Palma de Mallorca)

Os finalistas foron:
– Grupo Aranea. O Val Trenzado. Ordenación e revitalización da canle do río Vinalopó ao seu paso por Elche (Alacante)
– Bru Lacomba Setoain. 10 estacións de peaje e marquesinas na AP-7 Sur de Cataluña.

Premio A+ ao mellor proxecto de Arquitectura Hotelera ou Restauración: Sol89 pola Escola de Hotelería no antigo Matadero de Medina-Sidonia (Cádiz)

Os finalistas foron:
– Moral Arquitectura. Restaurante-bodega “O Castelo” en Moratinos (Palencia)
– Estudo Nômada. A Cantina na Cidade da Cultura de Santiago de Compostela (A Coruña)

Premio A+ ao mellor proxecto de Arquitectura Sanitaria: Ramon Esteve por CEAM Sant Rafael en Ontinyent (Valencia)

Os finalistas foron:
– Sol 89. Área de Restauración no Hospital Universitario Virxe da Macarena (Sevilla)
– Berta Barrio + Sergi Godia. Reforma e ampliación do CAP Bages de Manresa (Barcelona)
– Vaillo & Irigaray + Galar. Centro de Investigación Biomédica do Hospital de Navarra

Premio A+ ao mellor proxecto de Arquitectura de Edificios para o Traballo: Ruisanchez Arquitectes por Parc de Bombers de Montjuic (Barcelona)

Os finalistas foron:
– Pich Architects + Puigdemasa Arquitectes + Pamias Ingeniería Centro experimental de produción audiovisual Magical Media (Lleida)
– IMB Arquitectos. Nova sé de oficinas municipais en Bilbao

Premio A+ ao mellor proxecto de Arquitectura de Vivenda de Promoción Pública ou Privada: Ripoll Tizón Arquitectos por Vivendas sociais en Sa Pobla, Mallorca.

Os finalistas foron:
– Grupo Aranea. Casa Lude en Cehegín (Murcia)
– H Arquitectes. Casa 712 en Gualba (Barcelona)
– Bru Lacomba Setoain. 127 vivendas no Raval (Barcelona)

Premio A+ ao mellor proxecto de Arquitectura Sostenible: H Arquitectes + dataAE por 57 vivendas universitarias no Campus da ETSAV en Sant Cugat do Vallès (Barcelona)

Os finalistas foron:
– Serrano + Baquero. 33 vidros desprazados
– IMB Arquitectos. Nova sé de Naturgás en Bilbao

PREMIOS EXTRAORDINARIOS
– Premio A+ Extraordinario á Traxectoria Profesional: Carme Pinós
– Premio A+ Extraordinario ao Estudo Novo de Arquitectura máis Prometedor: H arquitectes.

Terradas Arquitectes, Abalo Alonso Architects, Ferrer Forés Architects, Sol89, Ramon Esteve, Ruisanchez Arquitectes, Ripoll Tizón Architects and H arquitectes + dataAE have been the winners in the different categories of this contest organised by Group Road in the Top City of the Hotel Princess Sofia of Barcelona.

The IV edition of the Prizes Architecture Plus, organised by Group Via, celebrated yesterday in the Top City of the Hotel Princess Sofia of Barcelona the ceremony of final vote, delivery of award and party of the Spanish architecture. In the transcurso of the gala the more than 150 professional assistants to the ceremony chose the winning project in each one of the eight categories. This selection of rewarded participatory, follows the trail of the format realised with big success in the two last editions.

This fourth edition, that has had the collaboration of Otis and Signpost Omega Zeta, has gone back to be a success of participation with 107 projects presented to the different categories by the 62 studies of architecture participants. The jury selected three finalists by modality, as well as it awarded the Prize To+ to the best professional path to the architect Carme Pinós and the Prize To+ to the Young Study of Architecture more Promising to the dispatch H arquitectes.

The jury has been composed by Fredy Massad, architect and journalist btbW/Architecture; Jose G. Osorio, director of Road Construction and To+; Marc Chalamanch, architect Archikubik; Oscar Guayabero, curador, journalist and editor; and Mariona Benain, architect and president of AJAC.

The announcement of the IV edition of the Prizes Architecture Plus has been opened until 9 May 2013 to the professionals of the architecture, that have executed the project subsequently to 1 January 2011. Being able to present of individual form or in team, remaining limited the presentation to an alone project by category by applicant with a maximum of three categories. These award are a platform organised by Group Road to give to know the talent and the creativity of the Spanish architects.

WINNERS BY CATEGORIES

Prize To+ to the best project of Cultural or Sportive Architecture: Terradas Arquitectes by the Rehabilitation of the Drassanes Real of Barcelona

The finalists were:
– Soldevila Soldevila Soldevila Architects. Polideportivo In Cabrils, Maresme (Barcelona)
– Junquera Architects. Rehabilitation of the Hippodrome of the Zarzuela (Madrid)

Prize To+ to the best project of Architecture of Buildings for the Education: Abalo Alonso Architects by the childish School in the University Campus of Ourense

The finalists were:
– BB Arquitectes. CEIP Sant Roc In Olot (Girona)
– Pereda Pérez Architects. Childish school in Pamplona (Navarra)

Prize To+ to the best project of Ephemeral Architecture:

The jury has decided to declare empty the candidature, although it has stood out with a Quotation of Honour the work realised by Luz Paz, Ana Loved and Marta Marcos with the project Spanish Dream and his pertinent reflection self-criticism on the consequences of the crisis and the skeletons that has left the architecture on the way.

Prize To+ to the best project of Architecture of Public Spaces and Infrastructures: Ferrer Forés Architects by the urban Spaces in Can Ribas, The Soledat (Palma de Mallorca)

The finalists were:
– Group Aranea. The Braided Valley. Ordenación And revitalisation of the course of the river Vinalopó to his go through Elche (Alicante)
– Bru Lacomba Setoain. 10 stations of toll and roofs in the AP-7 South of Catalonia.

Prize To+ to the best project of Architecture Hotelera or Restoration: Sol89 by the School of Hotelería in the ancient Slaughterhouse of Medina-Sidonia (Cádiz)

The finalists were:
– Moral Architecture. Restaurant-cellar “The Castle” in Moratinos (Palencia)
– Study Nômada. To Cantina in the City of the Culture of Santiago de Compostela (A Coruña)
Prize To+ to the best project of Sanitary Architecture: Ramon Esteve by CEAM Sant Rafael in Ontinyent (Valencia)

The finalists were:
– Sol 89. Area of Restoration in the Virgin University Hospital of Macarena (Seville)
– Berta Neighbourhood + Sergi Godia. Reform and extension of the CAP Bages of Manresa (Barcelona)
– Vaillo & Irigaray + Galar. Centre of Investigation Biomédica of the Hospital of Navarra

Prize To+ to the best project of Architecture of Buildings for the Work: Ruisanchez Arquitectes by Parc of Bombers of Montjuïc (Barcelona)

The finalists were:
– Pich Architects + Puigdemasa Arquitectes + Pamias Engineering Centre experimental of audiovisual production Magical Half (Lleida)
– IMB Architects. New headquarters of municipal offices in Bilbao

Prize To+ to the best project of Architecture of House of Public or Private Promotion: Ripoll Tizón Architects by social Houses in Sa Pobla, Mallorca.

The finalists were:
– Group Aranea. House Lude in Cehegín (Murcia)
– H Arquitectes. It marries 712 in Gualba (Barcelona)
– Bru Lacomba Setoain. 127 houses in The Raval (Barcelona)

Prize To+ to the best project of Sustainable Architecture: H Arquitectes + dataAE by 57 university houses in the Campus of the ETSAV in Sant Cugat of the Vallès (Barcelona)

The finalists were:
– Serrano + Baquero. 33 glasses displaced
– IMB Architects. New headquarters of Naturgás in Bilbao

EXTRAORDINARY PRIZES
– Prize To+ Extraordinary to the Professional Path: Carme Pinós
– Prize To+ Extraordinary to the Young Study of Architecture more Promising: H arquitectes.

[:es]»Al borde de la crítica», jornadas de Teoría y Crítica de la Arquitectura[:gl]»Ao bordo da crítica», xornadas de Teoría e Crítica da Arquitectura[:en]»At the edge of the critique», days of Theory and Critique of the Architecture[:]

veredes
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[:es]»Al borde de la crítica», jornadas de Teoría y Crítica de la Arquitectura[:gl]»Ao bordo da crítica», xornadas de Teoría e Crítica da Arquitectura[:en]»At the edge of the critique», days of Theory and Critique of the Architecture[:]

[:es]http://vimeo.com/68319549

Sesión 1: Nuevos habitantes. Nuevas miradas audiovisuales
El factor que ha marcado el final del siglo XX y el comienzo del XXI es, seguramente, la globalización efectiva del planeta. De todos los nuevos modos de hacer, la información más valorada es la audiovisual, un mecanismo globalizador y con posibilidades críticas comprendido por la mayoría de las culturas y cuya vía más importante de transmisión es youtube La emergencia de los nuevos modos de hacer de la contemporaneidad nos abre un abanico casi infinito de posibilidades para la documentación y la crítica arquitectónica, al que la nueva mirada de la sociedad no sólo acompaña sino que demanda.

Nuria Álvarez Lombardero, Edgar González, Norberto López Amado, Ramiro Losada, José Tono Martínez y José J. Yuste

Sesión 2: Manifiestos ausentes
“…todos los historiadores del arte de orientación tradicional, padece una tendencia a valorar exageradamente el efecto de los libros y las teorías en la creación real del arte y la arquitectura…”
(Sybil Moholy-Nagy sobre Reyner Banham)

Pedro Pablo Arroyo, Beatriz Colomina, Milla Hernández Pezzi, Nacho Martín, Andrés Perea y Beatriz Villanueva,

Sesión 3: Silencio y crítica
“…fue sin duda muy influyente en la formación de dos, si no tres, generaciones de arquitectos, historiadores y críticos, por lo que todos se sintieron inclinados a hacer realidad sus profecías. Y al menos una de las razones de que resultarse tan influyente fue que sus generalizaciones históricas parecían ciertas en su época, y en muchos casos todavía suenan bien…”
(Reyner Banham sobre Nikolaus Pevsner)

Francisco J. Casas, Francisco González de Canales, Miguel Lasso de la Vega, Fredy Massad, Néstor Montenegro y Anatxu Zabalbeascoa

 [:gl]http://vimeo.com/68319549

Sesión 1: Novos habitantes. Novas miradas audiovisuales
O factor que marcou o final do século XX e o comezo do XXI é, seguramente, a globalización efectiva do planeta. De todos os novos modos de facer, a información máis valorada é a audiovisual, un mecanismo globalizador e con posibilidades críticas comprendido pola maioría das culturas e cuxa vía máis importante de transmisión é youtube A urxencia dos novos modos de facer da contemporaneidad ábrenos un abanico case infinito de posibilidades para a documentación e a crítica arquitectónica, ao que a nova mirada da sociedade non só acompaña senón que demanda.

Nuria Álvarez Lombardero, Edgar González, Norberto López Amado, Ramiro Losada, José Tono Martínez e José J. Yuste

Sesión 2: Manifestos ausentes
“…todos os historiadores da arte de orientación tradicional, padece unha tendencia a valorar exageradamente o efecto dos libros e as teorías na creación real da arte e a arquitectura…”
(Sybil Moholy-Nagy sobre Reyner Banham)

Pedro Pablo Arroyo, Beatriz Colomina, Milla Hernández Pezzi, Nacho Martín, Andrés Perea e Beatriz Villanueva,

Sesión 3: Silencio e crítica
“…foi sen dúbida moi influyente na formación de dúas, si non tres, xeracións de arquitectos, historiadores e críticos, polo que todos sentíronse inclinados a facer realidade as súas profecías. E polo menos una das razóns de que resultarse tan influyente foi que as súas generalizaciones históricas parecían certas na súa época, e en moitos casos aínda soan ben…”
(Reyner Banham sobre Nikolaus Pevsner)

Francisco J. Casas, Francisco González de Canales, Miguel Lasso de la Vega, Fredy Massad, Néstor Montenegro e Anatxu Zabalbeascoa

 [:en]http://vimeo.com/68319549

Session 1: New inhabitants. New audiovisual looks
The factor that has marked the end of the 20th century and the beginning of the XXI is, surely, the effective globalisation of the planet. Of all the new ways to do, the most valued information is the audiovisual, a mechanism globalizador and with critical possibilities comprised by the majority of the cultures and whose road more important of transmission is youtube The emergency of the new ways to do of the contemporaneidad opens us a fan almost infinite of possibilities for the documentation and the architectural criticism, to the that the new look of the society no only accompanies but demand.

Nuria Álvarez Lombardero, Edgar González, Norberto López Amado, Ramiro Losada, José Tono Martínez and José J. Yuste

Session 2: Self-evident absent
“…All the historians of the art of traditional orientation, suffers a tendency to value exageradamente the effect of the books and the theories in the real creation of the art and the architecture…”
(Sybil Moholy-Nagy On Reyner Banham)

Pedro Pablo Arroyo, Beatriz Colomina, Milla Hernández Pezzi, Nacho Martín, Andrés Perea and Beatriz Villanueva,

Session 3: Silence and critical
“…It was definitely very influential in the training of two, if no three, generations of architects, historians and critics, by what all felt  bent to do reality his profecías. And at least one of the reasons that result so influential was that his historical generalisations seemed some in his period, and in a lot of cases still sound well…”
(Reyner Banham On Nikolaus Pevsner)

Francisco J. Casas, Francisco González de Canales, Miguel Lasso de la Vega, Fredy Massad, Néstor Montenegro and Anatxu Zabalbeascoa

http://vimeo.com/68319549[:]

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