El musarqourense presenta el vídeo con la reconstrucción en 3D «Evolución histórica del edificio del Museo Provincial de Ourense». Este film refleja los resultados de las excavaciones e investigaciones que durante años fueron llevadas a cabo en el inmueble.
El edificio conocido como Pazos, Torres y Corral del obispo es uno de los escasos ejemplos de arquitectura románica civil conservada al que se le fueron añadiendo soportes representativos de cada tiempo histórico.
“Fenómenos concretos en territorios difusos” son unas jornadas divulgativas sobre investigación urbana que se desarrollarán el jueves 30 y el viernes 31 de mayo de 2013 en el salón de actos de la ETSA de A Coruña.
El objetivo de las jornadas es dar conocer una serie de prácticas investigadoras que, desde diversas formas de ruptura con la estabilidad de los dualismos clásicos como teoría-práctica, objetivismo-subjetivismo o academia-sociedad, se han acercado a la cuestión urbana de una forma tan ilusionante como plenamente científica.
No se trata por lo tanto de investigaciones abordadas desde el instrumental y las metodologías más vinculadas a las prácticas urbanísticas como la planificación territorial o el proyecto urbano (y que en la actualidad giran en torno al optimismo despertado por la generalización del uso de los SIG, y el pesimismo derivado de la deslegitimación profesional post-burbuja inmobiliaria), sino de búsquedas inmersas en las propias derivas personales de cada uno de los invitados (César Losada, Maurici Pla, Xoán Mosquera y Álvaro Domingues) a través de campos y conceptos como la filosofía, el lenguaje, el activismo o lo ordinario.
En un momento en el que alrededor del urbanismo, la geografía o la cartografía se reúnen numerosas disciplinas y agentes sociales interrogándose por su incapacidad para comprender las dinámicas delfilos territorio actual, estas jornadas tratarán de incentivar el interés por la investigación urbana como medio de análisis de las formas de vida contemporáneas, a través de sus correlatos espaciales, y como lanzadera de propuestas materializables en discursos, procesos o cosas urbanas no limitadas exclusivamente a las lógicas del capital.
Chicago tiene grandes edificios y es el lugar de nacimiento del rascacielos. Al Boardman traslada sus pensamientos en la creación de un corto sobre solamente cinco edificios de esta ciudad.
Creación y animación: Al Boardman
Música: Vimeo Music «Prelude No. 3» by Chris Zabriskie
Diseño de sonido: Noted in its absence!
Al Boardman es un reconocido diseñador y animador británico especializado en motion graphics y animación. Ha trabajado en una variedad de proyectos para clientes de renombre mundial, incluidos Google, Apple, The New York Times, The Guardian, y muchas otras marcas prominentes. Su estilo distintivo se caracteriza por su uso creativo de formas geométricas, colores vibrantes y animaciones fluidas.
Además de su trabajo comercial, Al Boardman también es conocido por compartir su conocimiento y experiencia a través de conferencias, talleres y en línea a través de plataformas como Vimeo y su propio sitio web. Es un contribuyente activo a la comunidad de diseño y animación, inspirando a otros con su creatividad y habilidades técnicas.
El próximo jueves 6 de junio tendrá lugar la segunda jornada del ciclo Eso dicen; en esta ocasión, el invitado será trespes arquitectos. La sesión se dividirá en media hora de presentación del arquitecto y otros treinta minutos de coloquio informal con el público.
Eso dicen es un ciclo de sesiones-coloquio que se celebra el primer y tercer jueves de cada mes entre las 20:00h y las 21:00h en la planta baja del Taller Creativo No Importa (calle San Andrés, 46); en él participan arquitectos gallegos pertenecientes a distintas generaciones con la intención de presentar un amplio espectro de enfoques de la disciplina, siempre con una reflexión acerca del papel del arquitecto en el momento actual como telón de fondo.
Trespes Arquitectos es un equipo formado por Carlos Mosquera del Palacio, Alberte Pérez Rodríguez y Enrique Iglesias Lima. Entiende el oficio de arquitecto de manera transversal, desde lo estrictamente profesional hasta la divulgación cultural. Su trabajo fue objeto de reconocimento siendo premiados en la categoria de arquitectura efímera de los premios A+, finalistas en los V Premios ENOR y seleccionados en los premios ARQUIA/Próxima 2010. Coordinan desde 2008 el programa de difusión y divulgación cultural INTEMCIOM de la librería Formatos de A Coruña.
+ trespesarquitectos.com
ESO DICEN · trespes arquitectos
Jueves 2 de junio 20:00 – 21:00h
aforo limitado – entrada gratuita
[NO IMPORTA] taller creativo
C/San Andrés 46 planta Baja
La Coruña [España]
Organiza:
Alberto Alonso Oro [veredes.es]
Maria Olmo Béjar + Borja López Cotelo [lasonceymedia.com]
![Interiores externos [II] | Íñigo García Odiaga](https://veredes.es/blog/wp-content/uploads/2013/05/La-casa-Moriyama-SANAA-2005-Tokio-openbuildings.com_.jpg "Interiores externos [II] | Íñigo García Odiaga")
La casa Moriyama se sitúa en un barrio central de Tokio, un barrio residencial que mantiene un cierto grado de tranquilidad respecto de otros distritos más bulliciosos de la ciudad. El paisaje urbano está constituido por una gran acumulación de viviendas unifamiliares de baja densidad, que generan una estructura urbana que podríamos calificar de tradicional. En medio de este panorama urbano destacan de manera especial una colección de prismas abstractos que parecen establecer sus propias reglas dentro de una parcela alargada que da a dos calles.
El contraste con los edificios colindantes es radical, los ornamentos, remates o texturas de las arquitecturas tradicionales del barrio han desaparecido aquí por completo. En un primer vistazo podría pensarse que los diez prismas blancos, de alturas y dimensiones diversas han sido colocados de forma azarosa, guiados por unas reglas aleatorias, casi como si se tratase más de conjunto escultórico o un monumento que de una vivienda. Sin embargo el estudio de las relaciones entre los huecos y puertas de los diferentes volúmenes, aportan pistas sobre las leyes que relacionan las diferentes piezas, ya que unen algunas o separan otras, generando subconjuntos dentro del grupo inicial.
Y es que la casa Moriyama es en realidad un complejo de viviendas que comprende una concentración de varias viviendas mínimas repartidas en el aleatorio paisaje de los diez prismas blancos. Algunas de esas viviendas son de una sola planta, algunas de dos pisos, otras tienen tres plantas, y algunas tienen un sótano. Algún día todas estas piezas, todas estas estancias o si se prefiere todos estos locales serán usados únicamente por la familia Moriyama, pero en la actualidad muchas de esas unidades se encuentran alquiladas a diversos usuarios. Por lo tanto la propia casa es una pequeña comunidad, un pequeño barrio dentro del barrio en el que se ubica. Cada una de estas mini casas se expande en el jardín exterior, un espacio común pero minuciosamente pautado para que cada porción del terreno sirva a un único habitante concreto. Toda la parcela se convierte así en un jardín comunitario, en un espacio exterior que en cierto modo es esencial para el funcionamiento de esa pequeña colectividad que conforma la casa Moriyama.
Pero sin lugar a dudas lo que más llama la atención de este espacio es su total continuidad con la calle, ni setos, ni vallas separan el lote de la parcela de las calles colindantes. Lo individual, la vida privada de los residentes no se mezcla únicamente con los otros residentes de la Moriyama, sino sin interrupción con la ciudad entera.
Si el espacio interior es el espacio de la vida privada, y la calle representa el espacio de lo público, en esta casa los límites entre estos mundos se muestran borrosos, difusos. De alguna manera ese mundo borroso se traslada incluso al modo de nombrar las cosas. La casa Moriyama es una casa, una vivienda unifamiliar, pero funciona como una agrupación de viviendas unifamiliares, por lo tanto podría constituir por sí sola un pequeño barrio. Un barrio en el que el pequeño jardín, no sería un huerto privado, sino más bien un espacio público, es decir una calle o una plaza de la colectividad.
Es mediante este proceso de multiplicación de escala en el que una unidad contiene al mismo tiempo la superior, por el que se desdibujan los límites entre la casa, el barrio y la propia ciudad. Una idea que remite directamente a la hipótesis enunciada hace años por Aldo Van Eyck:
«Árbol es hoja y hoja es árbol. Casa es ciudad y ciudad es casa. Una ciudad no es una ciudad a no ser que sea también una enorme casa, una casa es una casa sólo si es también una ciudad diminuta.»
Íñigo García Odiaga . arquitecto
San Sebastián. mayo 2013
El próximo 30 de mayo Dionisio González inaugurará su primera exposición en Ivorypress Space, bajo el título Le Corbusier: The Last Project. En esta muestra, que forma parte del Festival Off PHotoEspaña, el reconocido fotógrafo reflexiona sobre la utopía, la supervivencia y la destrucción a partir de veinte proyectos que el arquitecto Le Corbusier no llegó a realizar.
“Esta exposición pretende mostrar una labor de restitución de vestigios omitidos”, explica González. Es, por tanto, una labor de archivo “basada en procesar el objeto, para que el olvido no lo corrompa y se interprete en su escala y en su dimensión”. El artista ha seleccionado edificios que nunca llegaron a levantarse, como el Palacio del Gobernador en Chandigarh (India), la Villa Paul Prado en Buenos Aires (Argentina) o el Museo del Crecimiento Ilimitado (Argelia), para restituirlos y, a la vez, para destruirlos.
El fotógrafo hace explotar los proyectos frustrados del maestro de la arquitectura moderna siguiendo la idea del filósofo Heidegger de que “todo proyecto no construido es una ruina”. La no ejecución se convierte, aquí, “en una destrucción silenciosa y silenciada, en una explosión que, en este caso, implosiona”.
Con esta serie, que podrá verse en Ivorypress Space hasta el 13 de julio, el artista aborda también el concepto del espacio, “un lugar-ninguna parte que nos remite al propio estado de la utopía que, en sí misma, se significa como ningún lugar, ninguna parte”, señala González.
La muestra también incluye varias obras de la serie Dauphin Island, realizada recientemente por el artista e inspirada en la isla del mismo nombre, perteneciente al estado de Alabama (EE.UU.). “Mi interés por Dauphin Island procede del estudio de arquitecturas acuáticas y palafíticas que tienen su origen en el Neolítico”, explica González. Se trata de una isla en el Golfo de México que ha sufrido numerosas catástrofes naturales y para la que el artista ha imaginado “proyectos propositivos que configuran nuevas estructuras habitativas en los vacíos de percepción de aquellos espacios previamente devastados”.
Dionisio González (Gijón, 1965) es profesor titular en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla. A lo largo de su trayectoria artística ha recibido diversos reconocimientos como el Premio Pilar Juncosa y Sotheby’s de la Fundació Pilar i Joan Miró o el Premio Europeo de Fotografía Arendt Award en 2013. Ha expuesto en diversas instituciones y museos como el Museum of Contemporary Photography de Chicago, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid (MNCARS), el Museu de Arte de São Paulo o el Museum of Contemporary Art de Toronto. Su obra se encuentra representada en destacadas colecciones como la ING Art Collection de ámsterdam, la del Centre National d’Art et de Culture Georges-Pompidou de París o la Margulies Collection at The Warehouse, en Miami.
Inauguración oficial con presencia del artista: 30 de mayo de 2013 a las 19:30 h
Exposición: Del 30 de mayo al 13 de julio de 2013
Horario: De lunes a viernes de 10:00 a 14:00 h y de 16:30 a 20:00 h. Sábados de 11:00 a 14:00 h
Lugar: Ivorypress – C/ Comandante Zorita 48 (Madrid)
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Este texto es la primera parte de una comparación entre dos casas que a los ojos de la mentalidad occidental tienen al mismo tiempo algo de incomprensible y algo de enigma atrayente. Dos casas construidas con una diferencia de treinta años que resuelven una tipología similar, que podríamos denominar de «unifamiliar urbana», ambas en ciudades de Japón y por tanto deudoras del contexto urbano y cultural de aquel país.
En 1976 Tadao Ando finalizó la construcción de la Azuma House en el denso barrio de Sumiyoshi de su ciudad natal Osaka. Un opaco prisma de hormigón ocupa la totalidad del solar. Dentro de la rigurosa retícula de cicatrices dejadas en el hormigón por berenjenos, pasadores y tableros de encofrado, se recorta centrada una estrecha puerta, únicamente dibujada por la sombra que se genera en el interior. En sentido estricto no existe la puerta, únicamente un umbral que parece conectar la calle con otro mundo.
Construida entre medianeras, ésta austera fachada es la única relación de la casa con la calle y por extensión con la ciudad. El interior se divide en tres partes iguales: dos volúmenes cerrados de dos plantas y un patio sobre el que se vuelcan los anteriores. En la planta baja se ubican una sala y una cocina, separadas por el patio, mientras que en la planta superior se sitúan los dormitorios que tiene la casa. El espacio central es la única fuente de luz natural de todas las estancias de la vivienda.
Toda la casa se organiza en relación a este patio descubierto ineludible. Patio insalvable en la vida cotidiana, ya que en este espacio central se encuentra la escalera y la pasarela que permite acceder y cruzar de una estancia a otra en el piso superior. El patio resuelve los elementos de distribución verticales y horizontales de la casa, lugares que en nuestros esquemas mentales son espacios irrenunciablemente interiores. En cambio en la Azuma House estos espacios que hay que cruzarlos bajo la lluvia o sintiendo el frío de la noche mientras se transita de la cocina al dormitorio, del salón al aseo, o de la habitación de los niños al espacio de los padres. A diferencia de los patios o claustros occidentales en el que los tránsitos se realizan a cubierto, este espacio impone su tiranía al obligar a los habitantes de la casa a moverse en la intemperie.
Desde una visión funcionalistas europea resulta incomprensible esta distribución. Si la casa es un ámbito de protección, un lugar en el que el hombre se cobija de las agresiones de la naturaleza, la Azuma House reinterpreta éste pensamiento y cobija al hombre protegiéndolo de la selva de la ciudad, obligándolo a convivir con los ciclos naturales.
El patio de la casa es un espacio exterior, un espacio en el que la lluvia, el sol, el frío, el día o la noche se hacen presentes según los dictados de la naturaleza, pero por contra es un espacio interior, un dominio privado cortocircuitado por completo del contexto urbano. Es este espacio por lo tanto, un espacio ambiguo, un interior dominado por las condiciones del exterior.
Para resumir esta casa habría que explicar este edificio mediante las condiciones de este patio y relatando la relación de la casa con la ciudad. El centro de la casa, su núcleo interior, es un vacío exterior, en el que los habitantes de la casa se relacionan directamente con la naturaleza y con el cielo, pero no con el exterior que supone la ciudad de Osaka.
Pero tal vez, aunque de forma involuntaria, la mejor definición de la Azuma House la elaboró Peter Zumthor cuando en su texto Atmósferas se remitía a la idea de tensión entre interior y exterior y afirmaba:
«Encuentro increíble que con la arquitectura arranquemos un trozo del globo terráqueo y construyamos con él una pequeña caja. De repente, nos encontramos con un dentro y un afuera. Estar dentro, estar fuera.»
Íñigo García Odiaga . arquitecto
San Sebastián. mayo 2013
Participarán 45 proyectos de 17 nacionalidades en los diferentes formatos del Festival. Se debatirá y reflexionará sobre la recuperación de espacios en desuso en el recinto de Fabra i Coats de Barcelona y en cómo todo aquello que hasta ahora era impensable en arquitectura, urbanismo y diseño, empieza a ser una praxis en evolución para y con la sociedad.
Barcelona, 22 de mayo de 2013.- Del 27 al 30 de junio, la Fabra i Coats – Fàbrica de Creació de Barcelona y el Districte de Sant Andreu acogerá la octava edición del festival de arquitectura Eme3 cuyo objetivo es descubrir, entender y compartir nuevas formas de arquitectura y urbanismo vinculadas a las realidades de las sociedades actuales, a través de la reflexión y los intercambios entre los profesionales que participan y el público asistente.
“Topias, utopias becoming real”, el paso de las utopías a la realidad, será el eje temático central de la edición de este año, analizando ámbitos como: los nuevos usos del espacio público (la autogestión, el empoderamiento y los procesos colaborativos); la vivienda en situaciones de crisis; y el espacio de trabajo en evolución, con ejemplos como el co-working como nuevo modelo de espacio.
La elección del recinto Fabra i Coats se enmarca en esta misma reflexión, ya que son varias naves y espacios exteriores, muchos de ellos actualmente en desuso. Con Eme3 se favorecerá también su dinamización cultural, no únicamente durante los días del festival, sino durante todo el mes de julio en que la exposición seguirá abierta y se realizarán actividades abiertas propuestas por vecinos y asociaciones como espectáculos de danza, conciertos, talleres, video proyecciones, etc.
El festival acogerá la exposición Share-it y la sección build-it con intervenciones y workshops, debates y talks dinámicos en torno a la arquitectura y la sociedad con la participación de reconocidos profesionales del ámbito de la arquitectura y el arte.
El colectivo internacional MAP13 salió seleccionado de la llamada a proyectos en la categoría Build-it, con su proyecto BRICK-TOPIA. Éste, consiste en la construcción de estructuras abovedadas de ladrillo en el patio exterior del recinto de la antigua fábrica Fabra i Coats, empleando el tradicional sistema constructivo de la bóveda tabicada (o volta de maó de pla) junto a nuevas herramientas digitales de optimización estructural a través de la geometría. Esta intervención confiere a la plaza nuevas formas y texturas que configuran el espacio enseñándonos los accesos y los diversos ambientes para realizar las diferentes actividades tanto bajo la bóveda como en los espacios creados en su entorno.
La sección Share-it, reunirá las propuestas seleccionadas tras la convocatoria internacional de proyectos sobre nuevas formas de arquitectura y urbanismo. Paralelamente, se llevarán a cabo acciones con un marcado componente de intervención social que utilizarán como escenario principal el espacio público de Barcelona, especialmente de Fabra i Coats. Se trata de acciones que se desarrollarán antes, durante y después del festival con el fin de acercar al público nuevas formas de crear arquitectura y urbanismo a través de la participación ciudadana.
Presentados innovadores proyectos internacionales
La sección Share-it mostrará 45 proyectos de 17 países diferentes. Algunos de ellos se han seleccionado de la llamada internacional a proyectos, mientras que otros son invitados por el propio festival con el objetivo de dar visibilidad a equipos menos reconocidos junto con otros ya consolidados.
Entre ellos, destaca el proyecto de ZUS (Holanda), que se podrá ver en la sesión inaugural del Festival. “Yo hago Rotterdam” es una iniciativa de financiación colectiva en la creación de las ciudades, un nuevo modelo en el que los ciudadanos, a través de una web y otras aplicaciones digitales, proponen desarrollos privados a pequeña escala, no burocráticos y de bajo presupuesto. Se presenta como una alternativa al urbanismo a gran escala y el primer ejemplo es un puente de peatones que reconectará el distrito central de Rotterdam con el Hofbogen, devolviendo la calidad urbanística al barrio.
También estará presente Assemble Studio (UK), que desarrolla exitosos proyectos de espacios públicos en contextos urbanos complicados, ayudando a la conexión entre el público y el usuario final del espacio, con su uso real; el proyecto fotográfico “Instant Village” (Rumania) de Simona Rota, que muestra el sinsentido muchas veces de la planificación territorial, la improvisación que a veces crean situaciones de urbanismo precario; o Impossible Living (Italia), que presentará su proyecto de reactivaciones urbanas en que a través del crowdsourcing los propios ciudadanos proponen a través de la web edificios abandonados a los que se les puede dar nuevos usos.
De España también estarán presentes en esta sección otros proyectos.“Spanish Dream”, del equipo Cadelasverdes, es un proyecto que propone una reflexión crítica sobre la crisis económica y sus consecuencias, centrado en cómo la burbuja inmobiliaria y la especulación bancaria conllevaron un país lleno de obras sin acabar. “Spanish Dream” se acerca al problema desde un punto de vista emocional, recreando escenas familiares en obras sin rematar, con escenas cotidianas en espacios que no lo son. Otro caso es “Estonoesunsolar” del estudio Gravalosdimonte, que propone crear nuevos espacios contemporáneos en los solares abandonados pero contando con las necesidades reclamadas por asociaciones y vecinos y dando respuesta a problemáticas concretas.
Eme3 también acogerá algunas intervenciones como Kopf Kino (Alemania) de ON/OFF, en el que a través de un objeto diseñado, un carrito de la compra con un proyector que se va moviendo por la ciudad ante transeúntes curiosos que empiezan a ver el poder del objeto y espontáneamente actúan recíprocamente con él.
Sobre Eme3
Cuando Eme3 arrancó en 1999, su idea era convertirse en un espacio en el que arquitectos, urbanistas y creativos de diferentes disciplinas pudieran encontrarse y mostrar sus proyectos: trabajos innovadores, poco convencionales y que de alguna manera se escapaban de las tendencias mayoritarias en la construcción y la planificación urbana.
Hoy, 14 años después de la primera edición, Eme3 ya se ha posicionado como una plataforma de oportunidad para la expresión y presentación de propuestas e ideas arquitectónicas. Un espacio de exposición, debate y experimentación que actúa como foro de interacción y lanzadera de propuestas que conjugan la arquitectura, el arte y el diseño. Eme3 genera ideas que se materializan en diferentes formatos: instalaciones, proyectos urbanos, talleres, conferencias, debates y proyecciones audiovisuales y se desarrolla en varias localizaciones a través de su programación continua eme3_on y su cita anual de referencia, festival Eme3, que en sus siete ediciones ha recibido un total de 70.000 visitantes.
Conferencia de Anabel Varona y Carlos Arruti, Mauhaus ‘MAUSHAUS, arquitectura para todos’ celebrada el 21 de septiembre de 2012, en la Fundación Barrié en A Coruña. Incluida dentro del ciclo Xentes, Espacios y Lugares del Proxecto Terra y organizada por el olexio de Arquitectos de Galicia.
Ya tenemos el número 2 de la revista Aproximacions! Pronto la empezaran a distribuir gratuitamente por escuelas de arquitectura, colegios profesionales y librerías de toda Cataluña. Pero, de momento, ya la podéis encontrar digitalmente aquí:
La arquitectura, la ciencia y Charles Jencks
El paradigma de la complejidad aplicado en la arquitectura y su expresión en el binomio conceptual geometría y complejidad surge durante la década de los 60, contrariamente a la posición de Charles Jencks que lo sitúa a finales del siglo XX y principios del XXI.
El recorrido de este binomio arranca en un momento histórico de grandes convulsiones de la mano de autores que lúcidamente entienden el paso cambiado con el que a partir de ese momento la sociedad va a evolucionar y desarrollan un trabajo práctico, pero sobre todo teórico, que instaura una nueva manera de pensar y construir la arquitectura.
Jencks sin embargo se apoya fundamentalmente para sostener sus ideas en las ciencias de la complejidad y el carácter tradicionalmente mimético con la naturaleza que la arquitectura ha desarrollado y que ahora es de aplicación al conjunto de teorías circunscritas a esa denominación. Sin duda el éxito de ciertas arquitecturas que toman prestados algunos conceptos de las ciencias de la complejidad es bien conocido. También es bien conocido el papel del software y la socialización del ordenador de sobremesa para la aceleración de ciertas ideas y conceptos relacionados con las ciencias de la complejidad y aplicados a los proyectos de arquitectura a partir de la década de los 90 hasta hoy.
Todo ello no condiciona el hecho de que realmente la idea de complejidad y su cristalización geométrica sea una manera de pensar propia de los años 60 y no de la década de los 90. En todo caso la irrupción de las ciencias de la complejidad podría equilibrar la balanza a favor de Jencks y en contra de la posición que se defiende aquí.
Pero ¿qué son las ciencias de la complejidad, sino un conjunto de teorías interdependientes descubiertas, formuladas y aplicadas por científicos diferentes en años diferentes?
Ciertamente las ciencias de la complejidad tratan en todo caso de las interacciones entre diversas teorías científicas que provienen de la unión fructífera de la física, la química, la sociología, las matemáticas, etc., pero el dato relevante es que estas teorías curiosamente fueron formuladas en la década de los 60 y parte de la década de los 70.
Estas teorías surgen en paralelo a los hechos ocurridos en esa época, donde la lógica de la simplicidad dejó de ser funcional y precisó de herramientas que permitieran pensar de una manera no lineal y dar cuenta de las paradojas en el modo de experimentar la realidad con que la sociedad se enfrentaba en los convulsos años 60.
Tanto en la arquitectura como en la ciencia, esos años supusieron no solamente un replanteo general de muchos principios operativos, sino un sustrato nutritivo para el pensamiento creativo de primer orden. No hace falta decir que también en el arte, en el pensamiento y en otras tantas disciplinas, fueron años de auténtica efervescencia que acabaron provocando un clima de constante excitación neuronal.
No es de extrañar por tanto, que la reformulación de la teoría del caos se anunciara en 1963, que la teoría de la autoorganización y la cibernética en 1961, que la termodinámica del no-equilibrio se formulara en 1965, que la hipótesis Gaia lo hiciera en 1972, que la teoría de los hiperciclos catalíticos lo fuera en 1967 y más tarde en 1979, que la teoría de la autopoiesis lo fuera en 1973, que la teoría de los fractales y la autosemejanza se reformulara en 1977, que la teoría de las catástrofes lo hiciera en 1967 y la lógica borrosa se formulara en 1965. Un paquete temporal de poco más de una década que ejemplifica una autentica evolución en la ciencia en muy pocos años.
Es indudable que la socialización del ordenador de sobremesa y los avances en software CAD permitió a finales de los 80 y principios de los 90 cristalizar en edificios concretos toda una serie de soluciones complejas en arquitectura, pero es igualmente indudable que la construcción del paradigma de la complejidad cristalizó mucho antes que lo que Jencks quiere hacernos creer1 y que la arquitectura contemporánea y las investigaciones más avanzadas actuales beben directamente de las fuentes contraculturales de esa década prodigiosa donde al mundo se le dio la vuelta como a un calcetín.
Me gustaría matizar por eso, que geometría y complejidad o geometrías complejas o cualquier otra forma del lenguaje que sobre esta idea aparezca en este blog, tiene indudablemente el marco de referencia de la contemporaneidad. Las ideas que van surgiendo aquí, se enmarcan en la arquitectura desde el hoy, o lo que podría llamarse prácticas proyectuales contemporáneas, y es desde el hoy que pretende buscar el origen de la concepción geometría y complejidad como un todo en uno, como hermanos siameses indisociables, y no como la denominada arquitectura paramétrica, tan en boga hasta hace poco, que en el mejor de los casos ha hecho un uso, y en realidad un abuso, de principios pseudonaturalistas para justificar ciertas veleidades formales. Me refiero concretamente para clarificar posiciones, que la exuberancia de ciertas arquitecturas todavía hoy en práctica, responden más a una fascinación por la herramienta, y también hay que decirlo, a una moda, que a una reflexión profunda del link fundamental que tiene la arquitectura con el comportamiento de la naturaleza.
El campo de las reflexiones esbozadas aquí, es sin duda la arquitectura relacionada con la ciencia, más específicamente lo que Felix Guattari se refiere por ciencias duras en un artículo titulado Las tres ecologías: la termodinámica, la topología, la teoría de la información, la teoría de los sistemas, la lingüística, etc.2
También, ciertas ideas y conceptos que van desfilando por aquí, tienen un punto de anclaje en lo que Charles Jencks llama en sus textos como las ciencias de la complejidad en The new paradigm in Architecture. The Language of Post-Modernism3 y en el texto, The Architecture of the Jumping Universe: A Polemic: How Complexity Science is Changing Architecture and Culture.4
De hecho los dos textos de Jencks delimitan solamente una parte del campo de este blog. Algunos de los textos publicados aquí relacionan arquitectura y ciencias de la complejidad pautando una referencia temporal que se demuestra como imprecisa en Jencks, y por tanto inducen a un nuevo marco temporal de referencia. En otras palabras, la relación entre arquitectura y ciencias de la complejidad no surge como reflexión tardo-postmodernista, sino que amanece como una amalgama efervescente en los años 60 y entrados los 70 del siglo pasado.
Sin duda Charles Jencks ha sido uno de los críticos más influyentes de la segunda mitad del siglo XX en arquitectura, especialmente desde principios de los 70 hasta bien entrados los 90, pero aquí sus textos funcionan como una especie de guión inverso, es decir, sus escritos los utilizo para desandar sobre sus pasos y resituar en el tiempo algunas ideas que pretenden demostrar que el nuevo paradigma en arquitectura basado en el desarrollo de geometrías complejas surge como cuerpo de conocimiento en la década de los 60, concretamente entre 1960 y 1973.
Es más, la idea geometría compleja es tan solo la puerta acceso a una idea de ámbito mayor. En realidad la auténtica imbricación entre complejidad y geometría es la constatación de la evidencia de que toda arquitectura y por extensión toda ciudad tiene todavía mucho que aprender de los modelos de comportamiento del mundo natural.
Creo firmemente que eso es en esencia ecología urbana y que ese es el camino que apuntaban las ideas y los conceptos nacidos en los años 60 y que deberíamos seguir investigando hoy.
Miquel Lacasta Codorniu. Doctor arquitecto
Barcelona, abril 2013
Notas
1 Es interesante el apartado en el que Grillo crítica la postura oportunista de Jencks en la tesis doctoral GRILLO, Carlos D., La Arquitectura y la Naturaleza Compleja: Arquitectura, Ciencia y Mimesis a finales del Siglo XX, UPC Departament de Composició Arquitectònica, tesis doctoral dirigida por Dra. Marta Llorente, Barcelona 2005
2 Guattari, Felix, The Three Ecologies, Revista New Formations, núm 8, Verano, 1989, Londres, p. 131 (originalmente Les Tríos Écologies editado en francés por Gelilée 1989).
3 Jencks, Charles, The new paradigm in Architecture. The Language of Post-Modernism, Yale University Press, New Haven y Londres, 2002.
4 Jencks, Charles, The Architecture of the Jumping Universe: A Polemic: How Complexity Science is Changing Architecture and Culture, John Wiley and Sons, West Sussex, 1995.
Investigación planteada como parte práctica y complementaria de la tesis doctoral: Los “huesos” de Fisac; la búsqueda de la pieza ideal. La tesis analiza los inventos patentados del arquitecto Miguel Fisac.
Un análisis exhaustivo de estas patentes permite descubrir la evolución de la obra y del pensamiento del maestro manchego que termina por condensarse en su última patente, un sistema aun vigente y que el arquitecto bautiza como “arquitectura vertida”.
Fisac fallece en 2006 sin ver la aplicación práctica de su ultimo invento. Este hecho servirá de base al presente trabajo que tiene por objetivo desarrollar esta patente en el campo de la vivienda unifamiliar de bajo coste.
Se plantea un caso práctico real que servirá como campo de pruebas para analizar las posibilidades y limitaciones del sistema.
La metodología y conclusiones permiten ver en conjunto, la evolución del pensamiento de Miguel Fisac y al tiempo establecer un recorrido por la tradición constructiva española más reciente y su estrecha relación con la realidad actual.
Obra: GZ 10 · Prototipo de vivienda unifamiliar
Autor: Fermín G. Blanco
Localización: Gronzo, A Coruña, España
Dirección de obra: Luis Miguel Fernández López, Javier López da Vila
Fabricación de paneles: Posteléctrica Fabricación
Montaje: Marcos Carreira
Carpintería de Alumino: Quintaplast
Seguimiento documental: Alex del Río -fotografía- David Plaza y Sonia Otero -edición- Eduardo Estévez -operador- Edilberto Viéito -diseño gráfico-
Fotos final de obra: Héctor Santos-Díez | BISimages + Estudio Fermín Blanco
+ ferminblanco.com
Esta casa, soporte de una verdad filosofica construida, queda más allá de la naturaleza y la ciudad. Es un ente que trata de reflejar la verdad, y esa limpieza y objetividad es su contenido interior. La Neue Sachlichkeit queda inagurada a la vez que la casa, y Hartlaub y Grosz encontraron en el Tractatus uno de sus soportes intelectuales. La casa, con esta forma de objetividad, se acerca a los dos extremos de lo personal en Wittgenstein midiendo, buscando que hay de todas y de cada persona en cada parte de la ciudad: las ideas que vagan hasta encontrar una mente fértil, los conceptos antes platónicos, lo universal y lo particular en la filosofía de Ludwig Wittgenstein.
Elcasc (certamen de activación socio-cultural) es un evento académico-institucional que se desarrollará en el centro histórico de Villena durante 10 días con la realización de pequeñas actuaciones arquitectónicas, artísticas, sociales… de bajo coste por equipos multidisciplinares formados por 200 estudiantes y recién titulados de todas partes del mundo y dirigidos por jóvenes profesionales con reconocida experiencia en cada uno de los ámbitos que se desarrollarán.
Su desarrollo consistirá en 12 talleres y un seminario teórico que estudiará las posibles formas de reactivar un centro histórico a través de diferentes disciplinas como la arquitectura, el diseño, el arte, el urbanismo, la rehabilitación, la sociología, la economía, la ingeniería o la comunicación audiovisual. Además ofrecerá distintas actividades para conocer la ciudad y su entorno y así comprender mejor la evolución y la situación actual del centro histórico.
La obra de Frank Gehry es deliberadamente singular. Se declara a favor de la representación de un ambiente confuso y disgregado que refleja su propia visión de la ciudad. Sus edificios refrendan esos caracteres mediante el montaje de elementos disimiles, fragmentados, decorativos, ajenos a cualquier orden establecido. Se vale de ambigüedades visuales, colores y texturas para componer el objet trouvé que identifica su particular lenguaje. Esta idea de arquitectura se cristaliza textualmente en su reciente trabajo para el Museo de la Biodiversidad de Panamá.
Gehry plantea esta obra alejada de cualquier referencia. Sobre un terreno irregular monta una estructura de planos agrupados, irregulares y coloridos que representa la espontaneidad de las fuerzas naturales. Pero además pone en evidencia el objetivo de quienes formalizaron el encargo, que buscaron captar la atención de los turistas erigiendo un objeto atípico, llamativo y polémico. Para este menester, la obra de Gehry es exacta.
El museo es un objeto indeterminado. Por fuera, visto desde cualquier ángulo, el edificio plantea una incertidumbre concluyente. Un sendero introduce al visitante desde la calle hasta un sitio que formula una clara ambigüedad para acceder al edificio: ingresar por debajo de los apilamientos coloridos al patio de planta baja o a través de una escalera a la circulación del primer nivel. Otros accesos sin jerarquía se encuentran en varias partes del perímetro. Dos rampas opuestas atraviesan el atrio central uniendo la bahía con el canal.
En el interior, el museo se focaliza a partir de un espacio central de planta cuadrada establecido como una plaza pública que vincula espacialmente los dos niveles. Cuatro columnas de hormigón elevan la cubierta a 30 metros del suelo, estableciendo la jerarquía de la plaza por sobre el resto de las salas. Una serie de estructuras etéreas solidarias construye la base de sostén de los planos de colores desordenados que completan la cubierta.
El patio central establece el inicio del paseo. Este espacio de intercambio se constituye en una de las de las pocas formas geométricas definidas. Sobre su extensión se distribuyen 16 columnas que muestran las relaciones entre la actividad humana y los escenarios naturales de Panamá. Confluyen radialmente en él ocho galerías que se constituyen en acuerdo con el contenido que alojan, aunque desentendiendo este criterio varias salas repiten el carácter caótico del exterior.
La forma radial del museo obliga al visitante a pasar por el patio para ingresar a cada sala. La más cercana al acceso, la Sala de la Biodiversidad está dominada por un plano transparente que permite visualizar desde la calle la actividad interior. La rampa de la vida muestra la abundancia y variedad de vida de la tierra. El Panamarama es un espacio de proyección de tres alturas. Construyendo el puente exhibe rocas de 14 metros de altura que representan las fuerzas de la tierra que formaron el istmo. Océanos divididos muestra en dos acuarios semicilíndricos la evolución de las especies después de producirse la división del mar. La Sala de la interdependencia exhibe las formas de competencia de los seres vivos. Por último, Panamá es el museo muestra las relaciones entre la biodiversidad de Panamá y el mundo.
Panamá estaba constituido por un grupo de islas que hace tres millones de años se unieron producto de los procesos volcánicos para establecer la geografía actual. El museo de la biodiversidad representa este proceso.
Las características formuladas por el trabajo de Gehry establecen una atmosfera de incertidumbre innecesaria. Las formas instituidas en el exterior cristalizan una imagen escultórica cuya única finalidad asequible resulta acrecentar la confusión del ambiente urbano. La variedad de tensiones y ambigüedades visuales que se producen en el interior del museo dificultan la atención sobre los elementos expuestos, exégesis de una informalidad que solo se justifica en la obsesión de imponer una condición particular a la obra.
A modo de conclusión, las características narradas respecto al Museo de la Biodiversidad de Frank Gehry nos permiten inferir que para esta obra la denominación de arquitectura resulta sólo una catacresis.
Marcelo Gardinetti . arquitecto
La Plata. mayo 2013
«Algún día conseguiremos concienciar a la sociedad de que hacer las cosas por uno mismo, trabajar con las manos y creer en nuestras capacidades nos hace más libres y sobretodo más felices»
Lucía Ruiz de Aguirre Rodríguez
¿Cuál ha sido tu formación y tu trayectoria profesional previa a este proyecto?
Estudié arquitectura en la ETSAC, trabajé durante años en el ámbito del urbanismo, y posteriormente co-fundé 7i arquitectura dedicándome a la planificación, gestión de estudio y al ámbito proyectual, pero esta vez dentro del ámbito de la edificación.
¿Te planteaste en algún momento, presente, pasado o futuro, buscar trabajo en el extranjero?
Me lo planteo cada día, pero por circunstancias personales en este momento lo veo inviable.
¿Qué te llevó a poner en marcha Peka´s World?
Peka’s World surgió casi de manera casual. Ante la falta de trabajo dentro del ámbito de la arquitectura y teniendo en cuenta que el diseño en general me apasiona, me fui empapando de “moda”.
¿Te encontraste con muchas dificultades en su puesta en marcha?
Peka’s World ha sido una experiencia muy dura y a la vez muy gratificante.
Ponerlo en marcha fue complicado, pero lo realmente difícil fue mantenerlo, porque una empresa de moda no sólo vive del diseño, la gestión es muy muy complicada.
¿Estás contenta con los objetivos alcanzados?
Sinceramente, lo estuve, pero en la actualidad Peka’s World es un proyecto parado.
Para sacarlo adelante en estos momentos sería necesaria una inversión enorme que no poseo y unas miras a muy largo plazo, ya que la moda de “precio medio” es la que más está sufriendo la crisis.
¿Crees que los arquitectos en España deberíamos seguir abriendo nuevas vías de trabajo para salir de la casilla más “tradicional” de proyectar dada la actual situación de la construcción en nuestro país?
Creo que no sólo deberíamos, sino que no cabe otra opción. Obviamente la arquitectura como tal en este momento no es viable. Hay muchas formas de arquitectura, la moda para mí lo es, y cada uno debe buscar que forma de arquitectura cree más conveniente en este momento para salir adelante.
¿Qué opinas de los que se han ido a trabajar al extranjero?
Me parece estupendo. Hay que buscar salidas profesionales, y si para ello hay que emigrar, ¡pues se emigra! Además por mi experiencia propia, vivir en el extranjero hace que la visión que uno tiene del mundo, de la profesión y de la vida sean muy distintas a las que tenemos en este país y eso enriquece.
Lucia Ruíz de Aguirre · Peka´s World | Como molo
Mayo 2013
Entrevista realizada por Ana Barreiro Blanco y Alberto Alonso Oro. Agradecer a Lucia, tanto su ayuda como su predisposición mostrada con este pequeño espacio.
Este taller sobre revestimentos constituye el segundo de una serie de cursos específicos que estamos activando desde Hábitat Social, y que van orientados a la recuperación y difusión de técnicas naturales tradicionales (paja, adobe, cubiertas vegetales, etc.). Se trata de sistemas experimentados con una larga trayectoria (no siempre local) que en las últimas décadas fueron desplazados por otros industriales, más suponen una opción de futuro cara una edificación sostenible.
En el caso de este taller ahondaremos en el conocimiento de los revestimentos de barro y de las pinturas naturales, (silicatos, resinas vegetales, etc.), materias todas ellas de origen local, renovables, con interesantes cualidades, que exigen poca transformación, y que por distintos intereses e inercias no ocupan el lugar que merecen dentro de las técnicas habituales. Bien en interiores o exteriores, en obra nueva o rehabilitación, en aplicación por profesionales o por autoconstrutores, estos revestimentos son una clara alternativa a cementos, yesos, resinas sintéticas, etc.
Dirigido a profesionales del sector de la construcción (técnicos, estudiantes, obreros) y autoconstrutores, el taller está abierto al público en general, ya que no se requiere experiencia previa. Se estructurará en dos módulos que se pueden cursar conjunta o independentemente: uno primero centrado en revocos de barro que incluye también un acercamiento a la cal, y otro posterior dedicado a las pinturas naturales. En ambos se combina la teoría y la práctica, y se aporta material didáctico.
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Cada lunes, Clara Nubiola recibe unas coordenadas por parte de Bside books. Un punto de salida desde el que empezar a caminar y deambular generando una boligrafía de Barcelona con 0,25 mm de tinta. Cada miercoles Clara camina y dibuja. Sin ruta. Sin objetivos concretos.
LA GUÍA DE LAS RUTAS INCIERTAS es un libro imprevisible.
Cada semana Clara envía la ruta ilustrada en una libreta que Bside Books va guardando cuidadosamente.
Una vez acabadas las diez rutas, Bside Books tendrá la libertad absoluta para diseñar y editar el libro.
LA GUÍA DE LAS RUTAS INCIERTAS surge de un interés común, tanto de Bside Books como de Clara Nubiola, de conocer la ciudad bajo otro prisma, de registrarla huyendo de tópicos turísticos, de conocerla más intimamente, de registrar centros y periferias, de observar el trayecto y las distintas percepciones de ciudad. En Bside Books tenemos estos temas como ideario y Clara Nubiola los comparte y los aporta magistralmente en este proyecto.
Podéis adquirir la publicación digital en:
+ ubicuostudio.com
+ bsidebooks.bigcartel.com
![La adecuación de la arquitectura moderna al Perú [II] | Fernando Freire Forga](https://veredes.es/blog/wp-content/uploads/2013/04/Casa-patio-Chimbote.jpg "La adecuación de la arquitectura moderna al Perú [II] | Fernando Freire Forga")
La adecuación de la arquitectura moderna al Perú [I] | Fernando Freire Forga
Las costumbres locales. Las costumbres y tradiciones peruanas en todo momento se verán reflejadas en la proyección de edificaciones modernas. Costumbres que muestran una realidad nacional, una manera de vivir particular y distinta a los lugares donde se gestó esta arquitectura moderna, lo que permitirá dotar, a los proyectos modernos desarrollados en el Perú, de una identidad local inminente.
El arquitecto español José Luís Sert y su socio Paúl Lester Wiener en el proyecto para el Plan Regulador de Chimbote hacia 1948, luego de varios estudios, desarrollan una serie de propuestas arquitectónicas y urbanas modernas que se adecuaban a las costumbres locales que encontraron en Chimbote. Estas costumbres lleva a los proyectistas a proponer un tipo de hábitat nuevo basado en el “tapiz urbano”, esto es, un compacto tejido de casas de una, dos y tres plantas con patios cerrados por muros. Estos patios suelen ser mayores que las propias viviendas, apropiados para que los habitantes conserven sus hábitos de vida al exterior. Los viales de servicio y calles de peatones se definen con los muros de escasa altura y prácticamente sin aberturas.
Se introdujo un nuevo tipo de vivienda urbana, eran casas basadas en las casas con patio de la arquitectura local, cuyo origen se remonta a la antigüedad. Estas simples estructuras de ladrillo requerían menos sofisticación tecnológica y causaban menos alteración social que la ordenación en bloques, y más factibles para viviendas de bajo costo. Como estaba previsto que los residentes de Chimbote procedieran de regiones rurales montañosas, se incluyo un espacio en las casas para guardar animales. Giedion aludió posteriormente a estas casas como “formas transitorias entre el pasado y el futuro”, pero en su propia presentación del proyecto, Wiener y Sert, subrayan la estrecha relación con las costumbres locales.
En el Perú, gracias a sus costumbres que demandan necesidades arquitectónicas específicas, se ha desarrollado una arquitectura moderna con características tipológicas y funcionales propias de una determinada sociedad y lugar. Como factor importante de esta identidad en la arquitectura nacional –y quizás la más importante dentro del movimiento moderno, ya que se da por motivos de función y no de forma- es la distribución de las viviendas modernas desarrolladas a nivel nacional, la cual muestra espacios destinados al personal de servicio; aquellos espacios que pudieron ser excluidos en las viviendas modernas del primer mundo.
El área de servidumbre, a diferencia de los países desarrollados, es hasta la fecha un requerimiento indispensable para la proyección de viviendas en el Perú. Dentro de las clases media y alta de la sociedad peruana la existencia de personal de servicio en las viviendas es un hecho cotidiano que ha generado una particularidad arquitectónica de nuestro medio. Hecho que demuestra una realidad económica nacional, donde la mano de obra sigue siendo muy barata, permitiendo el acceso a tener personal de servicio dentro de las viviendas, generando de esta manera soluciones funcionales propias de la arquitectura local.
Finalmente, el auge arquitectónico moderno se observa en el primer gobierno del Presidente Fernando Belaúnde Terry 1963 – 1968, el cual fue interrumpido por el golpe militar en el año 1968.
Con Juan Velasco Alvarado como presidente del Perú, las principales obras arquitectónicas cambiaron de rubro, pasando de la vivienda al edificio institucional. Se proyectaron y construyeron ministerios, observándose el uso de concreto caravista perteneciente a la etapa llamada “Brutalista”.
Fernando Freire Forga · Doctor Arquitecto
Lima · mayo 2013 · Autor del Blog La Forma Moderna en Latinoamérica
Nota:
Ensayos Personales, 2012. Esta segunda parte forma parte de un texto que se expone el resultado de casi 10 años de estudios relacionados al desarrollo de la arquitectura moderna en el Perú. Es importante mencionar que para lograr completar este ensayo relacionado a la arquitectura moderna en el Perú se han utilizado estudios y opiniones de destacados profesionales. Al final se hace una breve reseña bibliográfica.
Fuentes Bibliográficas
1. Córdova, Adolfo “La Agrupación Espacio y la Arquitectura Peruana” – 2005.
2. blog.pucp.edu.pe
3. Ludeña, Wiley «Piqueras – Belaunde – La Agrupación Espacio: TRES BUENOS TIGRES. Vanguardia y Urbanismo en el Perú del Siglo XX». Editado por el CAP Regional Junín y Urbe ediciones – Huancayo 2004. Pag. 186.
4. José Bentín Diez Canseco Extracto de Libro: Enrique Seoane Ros, Una Búsqueda de raíces peruanas. Lima, 1989.
5. arqandina.com
Para un individuo nómada, la guerra es un escenario familiar pues contiene muchos materiales vitales. Durante una guerra se suspenden las reglas de convivencia que la sociedad civil se ha dado a sí misma y se adoptan otras normas ajenas que, de repente, dirigen toda la frenética actividad del momento bélico. El campo de batalla es un espacio definido pero móvil, de extensión y posición inciertas, las reglas no son visibles ni reconocibles, y la supervivencia se convierte en el único objetivo.
Afortunadamente no conozco la guerra por experiencia propia (ni siquiera hice la “mili”). Aunque sea poco conocido, el arquitecto tampoco ha sido a tales circunstancias, e incluso hemos tomado un papel activo aprovechando nuestra formación técnica. Baste recordar aquí a eminencias como Vitruvio o Leonardo, como arquitectos-ingenieros-militares.
En el pasado siglo XX hay historias realmente interesantes como la de Buckminster Fuller con su refugio de emergencia bélico DDU (“Dymaxion Deployment Unit”) encargado por el ejército norteamericano en 1942 y luego paradójicamente exhibida en los jardines del MoMA cual obra de arte. Y, más recientemente, alguna solución más trivial como la propuesta de “Virtual House” de Alejandro Zaera para la ANY Corporation en 1997, un intento de trasladar el capítulo “Tratado de Nomadología: la máquina de guerra” del Mil Plateaux de Deleuze y Guattari al campo teórico de la Arquitectura. De todos esos magníficos episodios he querido rescatar uno que ocupó la mente de Mies van der Rohe en plena época prebélica.
En 1935 Mies van der Rohe, perseguido por el nazismo (aunque a veces el maestro alemán intentase flirtear con él por mera supervivencia antes de su exilio), realiza unos estudios de mobiliario para unas sillas partiendo de sus experiencias precedentes de Barcelona y Brno entre 1928 y 1930. Junto a unos bocetos suyos, aparece un recorte de prensa de la época recogido por Mies: en él vemos a un militar en actitud vigilante del espacio aéreo, cómodamente echado en una extrañan tumbona. Esta ha perdido su habitual estado sedentario en una oficina del III Reich por uno mucho más activo, propio de tiempos de guerra.
La tumbona ya no posee su apoyo estable y su apariencia doméstica que todos conocemos sino que, desnuda de toda esa indumentaria, se revela dramáticamente útil sin perder apenas comodidad. Un punto de apoyo central modo de pivote permite al guardia divisar el vuelo de bombarderos en cualquier trayectoria, sin perjuicio para su ergonomía.
Mies, quizá después de haber pensado en diseñar otra silla más (por cierto, cada cual más aburguesada), cambia de estrategia al reflexionar sobre esta foto y opta por trabajar a partir de este modelo de tumbona, seguramente atraído por la ruptura de los convencionalismos. La modernidad de su proyecto reside en la estrategia de pensamiento y el método de trabajo. Así leemos notas en alemán junto a los bocetos de tumbonas donde escribe cosas como “posible también en posición adaptable” / “montada en el suelo sobre un pie” / “pero móvil” / “metal ligero prensado, cromado”. Notas que serían casi mandamientos de una eventual Teoría Nómada de la Arquitectura: adaptabilidad, sencillez de montaje, movilidad, ligereza… Por cierto que el redactor del pie de foto fue terriblemente certero al describirla como
“Der Liegestuhl wird Kriegsgerät”,
o sea,
“la tumbona se convierte en material de guerra”.
Nunca sabremos cómo podría haberse desarrollado industrialmente la tumbona de Mies, apenas deducible de sus pocos bocetos acerca de la cuestión. Lo que sí sabemos es que, incluso en situaciones tan adversas como los períodos de crisis que entonces y ahora vivimos, el arquitecto es capaz de seguir soñando con “desaforados gigantes” (parafraseando a Cervantes), de ver nuevas posibilidades allá donde otros no ven más que molinos de viento. Fuller convirtió silos de grano de la época del New Deal en sus domésticas DDU; y Mies soñaba con otra nueva y exquisita pieza de mobiliario a partir de una máquina de guerra. No caigamos en el desánimo generalizado y banalicemos nuestras capacidades. Los arquitectos tenemos una formación tan amplia que seguiremos proyectando el futuro incluso sin tener encargos.
¿Qué otra cosa si no sabemos hacer mejor que nadie?
Rodrigo Almonacid [r-arquitectura] · doctor arquitecto
valladolid. mayo 2013
Nota:
Imágenes cedidas por A.James Speyer para el Catálogo de la exposición del M.O.P.U. celebrada en Madrid en 1987: Mies van der Rohe: Su Arquitectura y Sus Discípulos
Se inaugura en la Fundación Barrié de Vigo la exposición que conmemora el 150 aniversario de la publicación de ‘Cantares gallegos’ en la imprenta de Juan Copañel en la calle Real de Vigo. Fue el 17 de mayo de 1863, una fecha que fue elegida además para celebrar el Día de las Letras por su importancia cultural e histórica, dado que esta obra abre el proceso que se dio en llamar Resurgimento de la literatura y de la cultura gallega. La exposición, titulada, ‘En el principio fue el verso. Rosalía de Castro’ está comisariada por el diseñador e investigador Xosé Barro.
La publicación de ‘Cantares gallegos’ fue el suceso que marcó para siempre jamás, según Anxo Faena, “el inicio de un proyecto de dignidad, de un camino compartido, de una esperanza de avance para nuestro pueblo que nos fue modelando y nos trajo hasta aquí”. “Ese hecho no fue una guerra ni una descubrimiento sino un libro” publicado en Vigo y cuya autora, Rosalía de Castro, se convertiría en nuestra poeta nacional, afirmó Faena.
En esta muestra se explica el contexto en el que se publica ‘Cantar’, los círculos democráticos y progresistas de Vigo alrededor del periódico ‘La Oliva’ y los protagonistas del hito: Juan Compañel (editor), los hermanos Alejandro y Eduardo Chao (ideólogos y políticos), José Ramón Fernández (mecenas), Manuel Murguía (el líder intelectual) y Rosalía de Castro (la autora excepcional).
La muestra mezcla la exposición de documentos singulares, fotografías, objetos, muebles, obras de arte y montajes audiovisuales, para conseguir que la muestra interese por igual a un público erudito y popular. Ocupa las dos salas del edificio y se vertebra en ocho espacios temáticos:
1. La Rosa y la Oliva. Pensar Galicia en la ciudad de Vigo: Rosalía, Murguía y los amigos de Vigo.
2. Del folclore a la literatura nacional. En los cantares populares están nuestros clásicos.
3. El primer canto: Cantares gallegos.
4. Vigo, capital editorial. De Compañel al siglo XXI.
5. Una factoría cultural. La familia De Castro-Murguía.
6. Los padres del país. Rosalía y Murguía conforman el país que somos.
7. Rosalía, mujer intelectual gallega. Voces e imágenes en una proyección audiovisual alrededor del histórico retrato de Rosalía por Modesto Brocos.
8. Mujer bandera. Hitos, documentos y objetos de un proceso de mitificación.
Actividades paralelas
En paralelo a la exposición, la Fundación Barrié programará un completo programa educativo, gratuito para el público, compuesto por visitas guiadas, campamentos de verano para niños, y talleres didácticos para familias y para grupos. Las reservas podrán efectuarse en el teléfono 986 110 220. Los dossieres didácticos podrán consultarse en www.fundacionbarrie.org.
A exposición está organizada por la Fundación Rosalía de Castro, la Real Academia Galega, la Fundación Barrié y la Universidad de Vigo; y cuenta con el patrocinio de la Junta de Galicia y el Ayuntamiento de Vigo, y con la colaboración del Consorcio de la Zona Franca de Vigo.
150 aniversario de Cantares Gallegos
Con esta exposición continúan los actos y celebraciones del 150 aniversario de la publicación de Cantar Gallegos. La Fundación Rosalía, la RAG y la Universidad de Vigo, contando con el apoyo del Gobierno gallego y de otras entidades, está a celebrar esta efeméride con diversas actividades (exposiciones, ciclos de conferencias, conciertos, publicaciones, eventos a pie de calle, etc.) a realizar en toda Galicia, y con la pretensión de que tengan réplica en varios lugares del mundo. También muchas otras instituciones, como la AELG o el Consejo de la Cultura Gallega, además de múltiples asociaciones y ayuntamientos, celebran múltiples actos en memoria de los 150 años de Cantares Gallegos.
Reinauguración de la Casa de Rosalía
Más allá de las actividades, en diciembre contamos con reinaugurar la Casa de Rosalía. Ahora incluso ya están acabadas las obras de avance de las condiciones de conservación y accesibilidad, realizadas con fondos FEDER a través de la Xunta de Galicia, y en breve atacaremos la renovación del proyecto museológico y museográfico.
+ info
Conferencia de Patricia di Monte, Ignacio Grávalos «Esto no es un solar» celebrada el 20 de septiembre, a las 20:00 h, y que tuvo lugar en el salón de actos de la Galería Sargadelos de Ferrol. Incluida dentro del ciclo Xentes, Espazos e Lugares del Proxecto Terra y organizada por el Colexio de Arquitectos de Galicia.
El taller de verano Ciudad, dibujo y café con hielo propone una reflexión crítica acerca de las posibilidades del dibujo a mano alzada como herramienta de análisis y proyecto a escala urbana.
A lo largo de tres días (26, 27 y 28 de junio) los arquitectos Toni Gironés, Juan Creus, Concepción García (Pescadería 20), Carlos Pita y Borja López Cotelo ofrecerán cinco ponencias en torno al dibujo y la ciudad. Simultáneamente se desarrollará un ejercicio práctico centrado en el barrio coruñés de la Pescadería; el boceto será la única herramienta utilizada tanto en el análisis como en el desarrollo de las propuestas.
Junto con las actividades académicas se llevarán a cabo otras más informales que contribuyan al intercambio de ideas entre ponentes y alumnos; así, tras la finalización de cada jornada se compartirá un café con hielo mientras se debate de manera distendida acerca de lo expuesto en las ponencias y ejercicios.
Una vez concluido el curso, los resultados serán recogidos en una publicación digital de descarga gratuita. Asimismo se llevarán a cabo dos exposiciones de los trabajos realizados, en la ETSAC y en la planta baja de No Importa (c/ San Andrés n.46) respectivamente. Ambas estarán abiertas al público con la intención de establecer un diálogo con los habitantes de la ciudad sobre la que se trabaja.
Calendario
Sesión 1. Mañana del miércoles 26 de junio de 2013
10:00h-10:30h Presentación del curso
10:30h-11:30h Ponencia de Borja López Cotelo: La perfecta imitación
11:30h-14:00h Presentación del área de estudio y primeros bocetos
Sesión 2. Tarde del miércoles 26 de junio de 2013
16:00h-17.00h Ponencia de Juan Creus: Cartografías del paisaje
17:00h-20:00h Visita al área de estudio y realización de secuencias urbanas
Sesión 3. Mañana del jueves 27 de junio de 2013
10:00h-11:00h Ponencia de Concepción García (Pescadería 20) y Carlos Pita: La ciudad: miradas tangentes
11:00h-14:00h Realización de esbozos interpretativos del área de estudio
Sesión 4. Tarde del jueves 27 de junio de 2013
16:00h-17:00h Ponencia de Borja López Cotelo: La ciudad imaginada
17:00h-20:00h Realización de cartografías subjetivas y esbozos propositivos
Sesión 5. Mañana del viernes 28 de junio de 2013
10:00h-11:00h Ponencia de Toni Gironés: Dibujo y lugar
11:00h-14:00h Propuesta para el área de estudio
Sesión 6. Tarde del jueves 28 de junio de 2013
16:00h-20:00h Puesta en común de los trabajos desarrollados
Ponentes
Concepción García (Pescadería 20), arquitecta
Toni Gironés, arquitecto
Carlos Pita Abad, arquitecto
Juan Creus, doctor arquitecto
Borja López Cotelo, doctor arquitecto
Lugar:
COAG – Delegación A Coruña (c/Federico Tapia, n. 64)
Modalidades del curso:
Curso completo: incluye ponencias y taller
Curso parcial: incluye solo ponencias
Créditos:
1,5 créditos de libre elección (curso completo)
Cuotas:
Curso completo: 50 euros
Curso parcial: 20 euros
Plazas:
Máximo 50 plazas
*La celebración del curso está supeditada a la confirmación de un número mínimo de 15 plazas cubiertas antes de la finalización del plazo de matrícula establecido.
Plazo de inscripción:
Hasta el 24 de junio de 2013
*La aceptación de solicitudes se realizará por riguroso orden de recepción
Descargar documentación:
Programa
Formulario de inscripción
Contacto:
tallerdeverano@veredes.es
Coordinadores
Maria Olmo Béjar, arquitecta
Alberto Alonso Oro, arquitecto
Borja López Cotelo, doctor arquitecto
Colaboran:
Escuela Técnica Superior de Arquitectura de A Coruña
Universidad de A Coruña
Delegación de A Coruña del Colexio de Arquitectos de Galicia
Fundación Caja de Arquitectos
El edificio ocupa el final de un largo bloque, con fachadas a este y oeste, previsto en el desarrollo urbanístico del Bosque de los Desamparados.
La fuerte pendiente de la futura calle, de más de una planta y media en nuestro solar, la obligatoriedad de soportal y la necesidad de ubicar un pequeño centro de día en planta baja condicionan la propuesta.
La compleja interpretación de la normativa urbanística por parte de los servicios técnicos municipales hace el resto. El presupuesto, como suele ocurrir en estos casos, exiguo.
Los accesos tanto al centro de día como a las viviendas se ubican aproximadamente en el medio de la fachada, de tal forma que legalmente conseguimos que toda la planta baja sea habitable salvo espacios auxiliares que tendrían la consideración de sótano. Resulta evidente señalar que un centro de día de estas dimensiones no funcionaría con desniveles o diferentes plantas. En la parte más baja se sitúa el acceso al garaje para minimizar el recorrido de la rampa. Se desarrolla en dos sótanos.
En las plantas superiores un pasillo central distribuye las viviendas a ambos lados. Las situadas en los extremos se componen de una sala comedor cocina separada del dormitorio por el vestíbulo de acceso y el baño. En el resto se agrupan baño y cocina en el cuerpo central, con independencia de que esta última se pudiese llegar a incorporar a la sala. A las viviendas situadas junto al núcleo de comunicaciones se les añade un dormitorio en el espacio posterior a éste.
La normativa urbanística permite viviendas independientes en el volumen comprendido en la envolvente inclinada de cubierta. En este caso, el juego se produce al tener el edificio consideración de baja más tres en una zona y baja más tres y bajocubierta en otra. La presencia del soportal y la coronación señalada provoca la aparición tanto en la primera planta como en la última de una serie de espacios susceptibles de ser aprovechados, en un edificio como éste, como zonas comunes de estancia, juegos, lavandería… En el exterior dicha presencia se significa tanto en el remate escalonado, acompañado del juego de chimeneas, como de la resolución formal aplicada al soportal.
Obra: 31 viviendas para jóvenes y mayores y centro de día
Situación: Villagarcía de Arosa, Pontevedra, España.
Fechas de redacción: Concurso 2007, proyecto 2007, fin de obra 2010.
Autores del proyecto: abalo alonso arquitectos. Elizabeth Abalo, Gonzalo Alonso
Arquitecto técnico: Francisco González Varela.
Colaboradores: Carlos Bóveda, Francisco J. Vazquez. Arquitecto.
Estructura: Inaec ingeniería, Jacobo Valido.
Instalaciones: Inaec ingeniería, Federico Valido.
Promotor: Instituto Galego de Vivenda e Solo. Xunta de Galicia
Empresa Constructora: Indeza. Jefe de obra: Luis Paz.
Fotografía: Héctor Santos-Díez | BISimages
+ abaloalonso.es
Reconocimientos
Premio Gran de Area 2011. Vigo
Actualmente los jóvenes arquitectos y arquitectas estamos luchando por iniciar y continuar nuestra actividad profesional en una situación de enorme dificultad económica y profesional. Si eres de los que trabajan cada día para vencer esta situación, de los que proponen nuevas ideas, de los que buscan alternativas… En definitiva, si quieres compartir con nosotros tu punto de vista de cómo ves el futuro de la profesión de arquitecto, participa en esta encuesta y asiste al debate “Ruina y reconstrucción del oficio del arquitecto” el próximo 16 de mayo a las 19:30h en el Colegio Oficial de Arquitectos de Córdoba.
En los últimos años, la actividad constructora se ha desplomado en España hasta mínimos nunca antes conocidos, arruinando la demanda de trabajo de nuestra profesión. El panorama se complica por la saturación de la oferta de arquitectos, por la pérdida de campos profesionales que vienen siendo ocupados por otros técnicos, y por la amenaza de la futura Ley de Servicios Profesionales, que podría afectar de forma importante a nuestro trabajo.
En esta situación, es fundamental que reflexionemos sobre nuestro modelo tradicional de ejercicio profesional para poder superar la crisis ¿sigue siendo válido, o debemos adaptarlo para afrontar con éxito los retos de una realidad que ha cambiado radicalmente? ¿Qué nuevas ocupaciones van a sostener la actividad de los nuevos arquitectos? ¿Como recuperar campos de trabajo perdidos? ¿Producen las escuelas de arquitectura el tipo de profesional que demanda hoy la sociedad? ¿Qué iniciativas podemos adoptar ante la futura Ley de Servicios Profesionales? En resumen, ¿Cómo debemos reconstruir nuestro oficio para encarar el futuro con confianza?
La mesa de tertulia está compuesta por compañeros de tres generaciones profesionales, LUIS GIMÉNEZ SOLDEVILLA, RAFAEL SUÁREZ MEDINA y ANTONIO LARA MORCILLO, y será moderada por Joaquín Gómez de Hita.
Conferencia de Jacques Gubler titulada «Jean Tschumi» en el Centro Gallego de Arte Contemporánea (CGAC), Santiago de Compostela, 2 de agosto de 2012, dentro del ciclo «Jornadas Arquitectura y Crítica 2012» organizadas por la Fundación Compostela Arquitectura, una iniciativa que intenta acercar a la ciudadanía la opinión y la visión de críticos internacionales en unas conferencias planteadas como foro de debate. Con la colaboración del Ayuntamiento de Santiago, la Universidad de Santiago, el Colegio de Arquitectos de Galicia y el CGAC.
La comida se ha convertido en los últimos años en un tema muy popular, tratado de manera particular desde diferentes ámbitos: la gastronomía, la dietética, la ecología o incluso la política. Sorprende que todavía hoy sean escasos los estudios que ponen en relación la comida con la arquitectura, especialmente con la configuración de nuestros hogares.
Una de las revisiones más recientes del tema ha sido la que ha llevado a cabo Elizabeh C. Cromley en su libro “The Food Axis: cooking, eating and the architecture of American houses”, publicado por la Universidad de Virginia. En él Cromley, profesora de historia de la arquitectura en Northeastern University, repasa de manera cronológica la evolución de la vivienda en América desde los primeros asentamientos de los colonos europeos.
No se trata de una mirada extensa, sino de un enfoque preciso sobre una función del hogar que Cromley ha definido como The Food Axis (el “eje de la comida”): “utilizo el concepto ‘food axis’ para explorar el modo en que las viviendas evolucionan por el desplazamiento histórico de los usos asociados con la ‘cocina’ o el ‘comedor’”.
[…]
David H. Falagán
The Food Axis: cooking, eating and the architecture of American houses
Elizabeth Collins Cromley
University of Virginia Press, 2010
+ artículo publicado en arquilecturas
Galarq entrevista a Pedro de Llano, arquitecto por la universidad de Madrid en el año 1976. Dedicó buena parte de su vida profesional a la investigación de la arquitectura popular gallega, sobre la que escribió varias obras. Por lo que, actualmente, es considerado un gran referente de este tipo de arquitectura. Además, es profesor en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de A Coruña.
En esta entrevista, el profesor ofrece su visión sobre la arquitectura popular, sus características constructivas, su situación actual en Galicia y su influencia en la arquitectura contemporánea.
El próximo jueves 16 de mayo tendrá lugar la segunda jornada del ciclo Eso dicen; en esta ocasión, el invitado será Pablo Gallego Picard. La sesión se dividirá en media hora de presentación del arquitecto y otros treinta minutos de coloquio informal con el público.
Eso dicen es un ciclo de sesiones-coloquio que se celebra el primer y tercer jueves de cada mes entre las 20:00h y las 21:00h en la planta baja del Taller Creativo No Importa (calle San Andrés, 46); en él participan arquitectos gallegos pertenecientes a distintas generaciones con la intención de presentar un amplio espectro de enfoques de la disciplina, siempre con una reflexión acerca del papel del arquitecto en el momento actual como telón de fondo.
Pablo Gallego Picard estudió en las escuelas de arquitectura de Coruña y Madrid antes de completar su formación en la Columbia University. Colaboró con los estudios Ábalos&Herreros, David Chipperfield Architects y Stan Allen Architects, y EmilioTuñon y Luis Moreno Mansilla.
Posteriormente comenzó a desarrollar proyectos de arquitectura y urbanismo en su propio estudio, obteniendo diferentes reconocimientos; destacan los primeros premios en el EUROPAN 8 en Coimbra (Portugal) y en el concurso para el Centro Neanderthal en Piloña (Asturias). Ha compaginado esta labor con la docencia en el Departamento de Proyectos y Urbanismo de la ETSAC y con la dirección (entre 2000 y 2010) de la publicación o-monografías del Colegio Oficial de Arquitectos de Galicia.
ESO DICEN · Pablo Gallego Picard
Jueves 16 de mayo 20:00 – 21:00h
aforo limitado – entrada gratuita
[NO IMPORTA] taller creativo
C/San Andrés 46 planta Baja
La Coruña [España]
Organiza:
Alberto Alonso Oro [veredes.es]
Maria Olmo Béjar + Borja López Cotelo [lasonceymedia.com]
![La adecuación de la arquitectura moderna al Perú [I] | Fernando Freire Forga](https://veredes.es/blog/wp-content/uploads/2013/04/Edificio-de-Seguros-El-Sol-1958.jpg "La adecuación de la arquitectura moderna al Perú [I] | Fernando Freire Forga")
La búsqueda de la identidad. El desarrollo de la arquitectura en el Perú desde la época colonial hasta nuestros días está ligado primordialmente a la evolución arquitectónica de países con tradiciones y costumbres ajenas a la realidad peruana, por lo que los arquitectos locales, en todo momento, han tratado de darle a esta arquitectura adoptada alguna caracterización que permita identificarla como peruana. Para inicios del siglo XX se generaron corrientes “neoperuanas” e “indigenistas” con la finalidad de rescatar elementos precolombinos que trasciendan por encima de la nueva arquitectura. Sin embargo, por diversas razones, es que esta corriente neoperuana no obtuvo la acogida necesaria para su desarrollo, prevaleciendo lo neocolonial como estilo que lideró hasta iniciada la década de 1940.
Para los arquitectos peruanos, el ingreso de la arquitectura moderna significó una evolución lograda en países desarrollados y luego trasladada a nuestro país. La universalidad, como uno de los principios del movimiento moderno, no será completamente entendido por los arquitectos locales, y es por ello que se ven un sin número de intentos en la búsqueda de aspectos formales que le proporcione a la arquitectura moderna –producida en el Perú- la identidad anhelada.
Esta búsqueda de una identidad nacional en la arquitectura moderna y contemporánea es hasta la fecha una de las preocupaciones que mantiene ocupados a muchos de los arquitectos peruanos. El hecho de darle una identidad peruana a la arquitectura será motivo de estudio y práctica por parte de arquitectos como Enrique Seoane, Héctor Velarde, José García Bryce, entre otros.
“Nuestro caso, parecido al de México, pero sin la voluntad expresa de ser rebeldes hacia lo tradicional hispano, y diferente al de Brasil, porque allá todo era virgen mientras que aquí había un mundo arquitectónico ya hecho cuando vino el Europeo, es un caso del mayor interés en América, “y es que hay tierras tan abonadas por viejas culturas, razas milenarias y siglos de historia, que todo lo que se plante en ellas, por intenso y novedoso que sea, tendrá siempre un brote de forma original y de alma propia”.
Héctor Velarde, Extracto de la conferencia ofrecida el 21 de Diciembre de 1957, En la sociedad de arquitectos del Perú
Uno de los primeros intentos por lograr esta identidad propia del Perú se puede ver en los trabajo desarrollados por el arquitecto Enrique Seoane Ros, quien colocó a manera de decoración frisos abstractos con figuras zoomorfas que evocaban la arquitectura desarrollada por la cultura Chimú. El Edificio Wilson proyectado por Seoane Ros en 1946 nos da un acercamiento a los primeros intentos de plasmar una identidad peruana en la arquitectura. Estas reminiscencias también las podemos observar en el edificio del Ministerio de Educación el cual Proyectó para 1951.
El arquitecto Walter Gropius en una conferencia dirigida a arquitectos peruanos, se refirió a este intento de buscar una identidad de la siguiente manera:
…“Busquen la autentica expresión regional, pero sin apoyarse en viejos emblemas y detalles superficiales”…
Walter Gropius
Sin llegar a utilizar una decoración o detalles superficiales como manifestó Walter Gropius, el arquitecto Teodoro Cron logrará plasmar en sus proyectos una serie de composiciones que evocan al pasado arquitectónico peruano. El manejo de la luz en el uso de celosías de madera en las ventanas y la composición de la fachada del Edificio de Departamentos en la calle Roma será una puesta en escena interesante de lo que podría ser una arquitectura moderna con carácter nacional, causando una gran expectativa en la sociedad limeña hacia la década de 1950. Otro proyecto del mismo arquitecto, donde la tradición local se reflejará en el uso del patio como elemento de distribución, es la casa del señor Jean Schaer en San Isidro, en 1958. Sin embargo la influencia que generaron las obras de Teodoro Cron en sus seguidores no llegó a ser plasmada con la misma calidad.
El arquitecto José García Bryce también desarrolló una serie de proyectos en los que demuestra gran destreza para abstraer reminiscencias históricas peruanas, como en el proyecto que publicó la revista El Arquitecto Peruano en 1962 con el título “Una Casa con Inspiración Limeña”, donde se proponía el uso del adobe como material constructivo logrando mantener una “formalidad moderna”.
Fernando Freire Forga · Doctor Arquitecto
Lima · mayo 2013 · Autor del Blog La Forma Moderna en Latinoamérica
Nota:
Ensayos Personales, 2012. Esta primera parte forma parte de un texto que se expone el resultado de casi 10 años de estudios relacionados al desarrollo de la arquitectura moderna en el Perú. Es importante mencionar que para lograr completar este ensayo relacionado a la arquitectura moderna en el Perú se han utilizado estudios y opiniones de destacados profesionales. Al final se hace una breve reseña bibliográfica.
La adecuación de la arquitectura moderna al Perú [II] | Fernando Freire Forga
Fuentes Bibliográficas
1. Córdova, Adolfo “La Agrupación Espacio y la Arquitectura Peruana” – 2005.
2. blog.pucp.edu.pe
3. Ludeña, Wiley «Piqueras – Belaunde – La Agrupación Espacio: TRES BUENOS TIGRES. Vanguardia y Urbanismo en el Perú del Siglo XX». Editado por el CAP Regional Junín y Urbe ediciones – Huancayo 2004. Pag. 186.
4. José Bentín Diez Canseco Extracto de Libro: Enrique Seoane Ros, Una Búsqueda de raíces peruanas. Lima, 1989.
5. arqandina.com
