lunes, enero 19, 2026
spot_imgspot_img
Inicio Blog Página 6

Entrevista a Enrique Rovira-Beleta, reinvención del espacio público con propósito inclusivo

La arquitectura, como disciplina social, estética y técnica, enfrenta hoy uno de sus mayores retos: garantizar entornos accesibles, habitables y compartidos por todos. En este contexto, la figura de Enrique Rovira-Beleta emerge como un referente imprescindible. Con más de cuarenta años de experiencia dedicados a la accesibilidad universal, su trayectoria ha sido determinante en la incorporación de criterios inclusivos en el diseño arquitectónico y urbano contemporáneo.

Entrevista a Enrique Rovira-Beleta, reinvención del espacio público con propósito inclusivo
Entrevista a Enrique Rovira-Beleta, reinvención del espacio público con propósito inclusivo

Arquitecto de formación y parapléjico desde 1982, Rovira-Beleta transformó una experiencia personal en una misión profesional. Su trabajo desde la Administración Pública, la docencia y su propio estudio ha influido en la redacción de normativas clave, en la formación de generaciones de arquitectos y en la asesoría de proyectos de gran escala como los Juegos Olímpicos de Barcelona ’92, la Expo Zaragoza 2008 o la accesibilidad en la Alhambra. Su concepto de «accesibilidad desapercibida» propone una integración sutil, eficaz y estéticamente coherente de soluciones accesibles, desafiando la idea de que accesibilidad es sinónimo de imposición o renuncia formal.

Esta entrevista nos invita a reflexionar sobre el potencial creativo de una arquitectura que pone en el centro la diversidad de cuerpos, capacidades y necesidades. Dialogamos con Rovira-Beleta sobre actitud, normativas, pedagogía, tecnología y sobre el valor añadido que la accesibilidad aporta al diseño arquitectónico, no como obligación normativa, sino como oportunidad de innovación, equidad y belleza compartida.

Su carrera está marcada por un compromiso inquebrantable con la accesibilidad universal. ¿Qué fue lo que despertó en usted esa sensibilidad hacia el diseño centrado en las personas y lo llevó a convertirse en un referente en este campo?

Desde mis primeros años como estudiante de Arquitectura, la ausencia de normativa y soluciones accesibles era evidente. Al enfrentarme personalmente a la discapacidad —soy parapléjico y usuario de silla de ruedas como consecuencia de un virus realizando el servicio militar en 1982—, descubrí que ni la legislación ni el diseño prestaban atención real a las necesidades de las personas con movilidad reducida. Esta carencia me impulsó a especializarme, primero como usuario y luego desde mi trabajo en la Generalitat de Catalunya, para garantizar que cada espacio fuera accesible y acogedor para todos.

Es fundador de Rovira-Beleta Accesibilidad y creador del concepto de “accesibilidad desapercibida”. ¿Cómo definiría esta filosofía y por qué cree que es esencial incorporarla en el diseño actual, más allá de un mero cumplimiento normativo?

La accesibilidad desapercibida significa integrar criterios de accesibilidad —vista, oído, tacto, olfato— sin alterar el diseño original. En mi estudio Rovira‑Beleta Accesibilidad asesoramos a arquitectos y diseñadores para que cada elemento accesible pase desapercibido y sea absolutamente normal. De este modo, todos los usuarios pueden utilizar el espacio con total autonomía, sin que signifique un sobrecoste ni un cambio radical en la estética.

Ha afirmado que “la accesibilidad es una cuestión de actitud y ha de ser desapercibida”. ¿Qué consejos o ejemplos daría para que los arquitectos adopten esa actitud inclusiva en sus proyectos, pensando en las personas y no solo en las reglas?

Piensen en sus propias familias: padres, abuelos, niños. Todos merecen independencia. Algo tan sencillo como diferenciar colores y texturas en suelos, manetas y paredes facilita enormemente la orientación, sobre todo para personas con dificultades visuales o cognitivas. Adoptar esta actitud no es solo cumplir la normativa, sino mejorar la calidad de vida de todas las personas sin renunciar al diseño.

Durante su trayectoria asesoró proyectos emblemáticos como los Juegos Olímpicos de Barcelona ’92, la Expo Zaragoza 2008 o la accesibilidad de la Alhambra. ¿Puede compartir algún reto humano o anécdota de esas experiencias y qué le enseñó sobre el impacto de diseñar pensando en todos?

En Barcelona ’92, cuando entré a trabajar como Responsable del Área de Supresión de Barreras Arquitectónicas en Enero de 1990, comprobé que la División de Paralímpicos del Comité Organizador -COOB’92, estaba situada en el primer piso con acceso solo por escaleras. Nos obligó a cambiar el planteamiento de inmediato. En Expo Zaragoza trabajamos con arquitectura efímera y creamos rampas mecánicas integradas en los pabellones, adaptando colores y señales de cada país. Y en la Alhambra, aprendí que la accesibilidad en patrimonio no requiere tocar una piedra: comenzamos por la web, taquillas y baños no protegidos, y así convencimos a patrimonio de que era posible mejorar sin dañar el conjunto.

Entrevista Enrique Rovira-Beleta, reinvención del espacio público con propósito inclusivo
Entrevista Enrique Rovira-Beleta, reinvención del espacio público con propósito inclusivo
En ocasiones ha ilustrado que cuando un espacio es accesible para una silla de ruedas, en realidad mejora la circulación para todos. ¿Cómo cree que ese enfoque en las personas con movilidad reducida aporta valor al diseño y enriquece la experiencia de los usuarios en general?

Si un espacio permite el paso de una persona en silla de ruedas que tiene unas dimensiones de 1,20m de largo x 70cm de ancho, mejora la circulación para cualquier persona, con o sin movilidad reducida, carritos o familias con niños. Incorporar la medida estándar de la silla es, para mí, un pilar de la arquitectura del siglo XXI: sin necesidad de ampliar espacios, se gana en comodidad y seguridad para todos.

Estudios recientes indican que los ciudadanos consideran la accesibilidad un criterio de calidad y estarían dispuestos a pagar más por ella. ¿Cómo convencería a clientes o compañeros de que la accesibilidad es un valor de diseño y no solo un costo adicional, y qué mensaje motivador les ofrecería para cambiar esa mentalidad?

Recurro al ejemplo de la vivienda: imaginen invitar a una persona en silla de ruedas a su casa. Con pequeñas adaptaciones —rampa suave, pasillos de 90 cm—, hacemos hogares vitales para toda la vida y con mayor valor comercial. La accesibilidad aporta comodidad y seguridad a todos, y generalmente sin coste adicional.

Como profesor en la School of Architecture de la Universitat Internacional de Catalunya-UIC Barcelona, de la asignatura «Accesibilidad», obligatoria en sus estudios de grado, única en España, y director del Posgrado en Accesibilidad y Diseño para Todos, online telemático ¿cómo ve la evolución de la formación en accesibilidad para arquitectos, y qué cree que debería enseñarse para formar profesionales con vocación inclusiva?

Desde 2009, la UIC Barcelona incluye accesibilidad como asignatura obligatoria. Dirijo el posgrado de Diseño para Todos desde 2010, y formo profesionales de habla hispana que luego asesoran a gobiernos. Sin embargo, la mayoría de universidades no obligan esta materia. Urge ampliar la formación desde el grado y en colegios profesionales, pues todos, tarde o temprano, necesitamos un entorno inclusivo.

Ha dicho que aplicando la accesibilidad “estamos mejorando la calidad de vida de todos los ciudadanos, tengan o no discapacidades”. ¿Cómo considera que su trabajo ha transformado la vida de esos usuarios “invisibles” y de qué manera puede inspirar a otros a diseñar pensando en ellos?

Mi labor… los pasos de peatones disponen de rampa-vado que ocupa toda su amplitud, que todo el mundo utiliza sin distinción. Esa normalización del diseño accesible demuestra que todos salen beneficiados y más ahora con el envejecimiento de la población y el auge de vehículos personalizados para desplazarse: bicicletas, patinetes scooters, … Otra situación que todos vivimos recientemente fue «el apagón en España «, donde los ciudadanos descubren que con la falta de energía eléctrica los aparatos electrodomésticos, electrónicos, ordenadores, ascensores y un largo etcétera dejaron de funcionar y para volver a su casa en pisos elevados, muchos tuvieron que subir muchas escaleras y los que no caminamos, nos tuvieron que subir a pulso con la silla de ruedas por las escaleras con la ayuda y la buena actitud de vecinos y conocidos. Otra demostración de que la sociedad responde cuando las máquinas no funcionan. Pero es posible que a partir de ahora se incorporen baterías o generadores en los ascensores de viviendas, para así poderlos utilizar aunque la luz se haya ido durante unas horas y de esta manera hacer que estos inconvenientes que sufrimos muchos, no existan.

La accesibilidad a menudo solo necesita “introducir algunos pequeños cambios para hacer que un producto resulte mucho más flexible y utilizable”. ¿Podría compartir un ejemplo concreto donde una solución accesible sencilla haya mejorado significativamente la usabilidad y la estética de un proyecto?

Un cambio tan simple como invertir el sentido de apertura de una puerta de baño —hacia afuera o corredera— duplica el espacio interior y facilita todas las maniobras. Un detalle mínimo que, una vez implementado, pasa completamente desapercibido.

¿Qué le motiva cada día a seguir innovando en accesibilidad y qué mensaje inspirador le daría a la próxima generación de arquitectos para repensar este enfoque como una oportunidad creativa?

Como arquitecto, me inspira mejorar la calidad de vida de todas las personas con mi trabajo. Con diseños accesibles y especialmente ahora con el envejecimiento poblacional, la sociedad valora cada vez más la accesibilidad física, sensorial y cognitiva. Invito a los arquitectos y a todos los profesionales que trabajan con espacios, elementos, servicios y productos que utilizamos a diario a incorporar colores, olores, texturas y sonidos en sus proyectos y diseños, pues la accesibilidad es y debe ser un reto creativo y un acto de respeto de los derechos a la máxima autonomía de toda la población. Según se incorporen estos requerimientos sin coste extra ni impacto en su diseño, evitando soluciones diferentes, y en todo caso admitiendo ajustes razonables incluso con el apoyo de ayudas técnicas y nuevas tecnologías/aplicaciones para conseguir la personalización de lo estándar, para personas con limitaciones muy severas.

Pabellón Horizonte | Eletres Studio

Pabellón Horizonte Eletres Studio + Carrera de Arquitectura UCSG 4 ©-Eletres-Studio
Pabellón Horizonte | Eletres Studio + Carrera de Arquitectura UCSG © Eletres Studio

En lo más alto de la ciudad, un ave se posa después de un largo vuelo; entre lomas y rocas, busca observar con asombro a la gran ciudad… Un pabellón que invita a la contemplación y al descubrimiento desde el interior de su estructura, enmarcando vistas y espacios únicos que solo desde una gran altura se podrían apreciar.

Pabellón Horizonte Eletres Studio + Carrera de Arquitectura UCSG 31
Pabellón Horizonte | Eletres Studio + Carrera de Arquitectura UCSG | Croquis

Un lugar para la pausa y el deleite del paisaje urbano, un elemento de carácter único formal en donde se fusionan la luz, estructura y geometría:

“Un espacio temporal para la memoria prolongada”.

Territorio ideal

Ubicado en la Ciudad de Guayaquil, el pabellón actúa como un observatorio experimental de la ciudad, su emplazamiento en la parte más elevada del campus de la Universidad Católica de Santiago de Guayaquil a más de 70 m.s.n.m, lo posiciona en un espacio privilegiado.

La naturaleza topográfica de este lugar ofrece características de aislamiento y serenidad plena, evocando un deseo de conexión profunda con el entorno, los elementos circundantes como la vegetación árida y las rocas, amplían la sensación para la meditación. El resultado de esta suma de elementos es un espacio con vistas únicas hacia la ciudad, una obra cuyo manifiesto constructivo y formal evoca habitar el aire: unirse al horizonte.

Pabellón Horizonte Eletres Studio + Carrera de Arquitectura UCSG 6 ©-Emily-Chérrez
Pabellón Horizonte | Eletres Studio + Carrera de Arquitectura UCSG © Emily Chérrez
Habitar la catenaria

La catenaria es una forma geométrica de carácter libre, difícil de expresar y matemáticamente compleja en su descripción. Pabellón Horizonte se describe como una catenaria que se sujeta en el vacío cuya geometría inversa y compresión en el centro genera una abertura, derivando en 2 espacios paralelos habitables que forman el recorrido para los visitantes.

Pabellón Horizonte Eletres Studio + Carrera de Arquitectura UCSG 32
Pabellón Horizonte | Eletres Studio + Carrera de Arquitectura UCSG | Axonometría

El pabellón resalta su condición geométrica de liviandad, buscando habitar la concavidad y los espacios inferiores que la definen. Es un umbral simbólico que se extiende al horizonte, un artefacto que alza vuelo entre lomas, ciudad y río.

Límites Estructurales

El pabellón de 4.5 metros de alto, se organiza por sistemas de anclajes enterrados y se construye principalmente con tubos metálicos circulares de gran sección sumados a una cobertura liviana translúcida de estructura abierta cuya geometría está basada en una catenaria.

Pabellón Horizonte Eletres Studio + Carrera de Arquitectura UCSG 12 ©-Emily-Chérrez
Pabellón Horizonte | Eletres Studio + Carrera de Arquitectura UCSG © Emily Chérrez

El pabellón presenta como configuración general un diseño modular compuesto de diez unidades de soporte en forma de M, sujetas a los anclajes en el suelo y a ángulos metálicos en lo más alto para unir las aristas y sujetar la cobertura, para asegurar la integridad del pabellón se utiliza un perfil circular que lo recorre horizontalmente, sujetando la totalidad de los elementos.

Pabellón Horizonte Eletres Studio + Carrera de Arquitectura UCSG 8 ©-Emily-Chérrez
Pabellón Horizonte | Eletres Studio + Carrera de Arquitectura UCSG © Emily Chérrez
Procesos duales

El proyecto comenzó su materialización en la ciudad de Huancayo, con una estructura de trabajos colaborativos descentralizados entre Perú y Ecuador, Los procesos empezaron con el diseño conceptual y modular del pabellón, posteriormente con las pruebas de módulos en escala 1:1 y culminando con la réplica del montaje en un terreno similar al del futuro emplazamiento.

Pabellón Horizonte Eletres Studio + Carrera de Arquitectura UCSG 29
Pabellón Horizonte | Eletres Studio + Carrera de Arquitectura UCSG | Proceso

El proyecto se desarrolló por un sistema de montaje dual, teniendo elementos ensamblados y construidos con anterioridad, como las uniones para las aristas y anclajes, elementos que posteriormente fueron llevados al lugar del emplazamiento acortando los tiempos de montaje en el lugar. In situ se adquirieron los elementos verticales metálicos con las medidas previamente probadas.

Obra: Pabellón Horizonte
Autores: Eletres Studio
Año: Diciembre 2024
Superficie construida (m2): 34
Emplazamiento: Guayaquil, Ecuador
Arquitecto(s) a cargo: Luis Albino Reyes + Danerix Cardenas + Jorge Ordoñez
Fotografía: Eletres Studio
Créditos dibujos e Ilustraciones: Luis Albino Reyes, Danerix Cardenas
+ eletresstudio.com

Scaenae. El trazado del teatro en la ciudad clásica

0
Scaenae. El trazado del teatro en la ciudad clásica
Scaenae. El trazado del teatro en la ciudad clásica

Durante años, Javier Vellés enfocó su investigación en el teatro clásico pues, para él, el teatro es el crisol de la historia. Al constatar la íntima relación entre cronología y geografía, se embarcó en una larga travesía que le llevó a recorrer los teatros griegos en primer lugar, luego los teatros de Asia Menor, los de Sicilia más tarde y, por último, los de la Italia peninsular, Hispania, Galia y el norte de África. En sus viajes por el Mediterráneo visitando teatros y ruinas, Vellés nos recuerda la importancia que en ellos siempre tiene el lugar y cuánto la geometría, el número, la forma, el estilo y los materiales los caracterizan.

Dibujó pacientemente el paisaje, las plantas, las secciones, los perfiles, las molduras, los escalones… midiendo, registrando, documentando, restituyendo, hipotetizando cuando los datos faltaban. Sus dibujos son minuciosos, precisos, sintéticos, tienen el rigor científico de los arquitectos de la Ilustración. Pero, a pesar de la voluntad de objetividad que tienen, hay siempre en ellos una condición autógrafa que viene a dar razón de cómo siente la arquitectura. Así, Javier Vellés rinde homenaje a lo que llamamos arquitectura, que se manifiesta en su esplendor en todos y cada uno de los teatros que visita.

Este libro tiene mucho de autobiografía, de autorretrato, de memorias de un arquitecto que ha viajado por el mundo para verificar sus ideas. Y la distancia que media entre un texto académico y este libro tan personal es lo que le da un valor singular.

Javier Vellés Montoya (Bilbao, 1943)

Estudia en la Escuela de Arquitectura de Madrid, titulándose en 1971. En 2012 obtuvo el título de doctor por la Universidad de Castilla-La Mancha con la tesis El trazado del teatro en la ciudad clásica. Trabajó durante varios años en el estudio de Francisco Javier Sáenz de Oíza. Desde 1972 ha impartido docencia de Proyectos, Dibujo y Restauración en las Escuelas de Arquitectura de Madrid, Toledo, Universidad Europea de Madrid y Miami. Su trabajo se ha exhibido en las exposiciones Europalia 85 (Bruselas, 1985), Contemporary Spanish Architecture (Nueva York, Los Ángeles, Chicago, 1986-1987) y la II Bienal de Arquitectura Española 1991-1992.

Su obra Umbráculo (Cercedilla, 1976-79) se incluyó en la exposición 100 años, 100 interiores, que representó a la arquitectura española en la Bienal de Venecia 2014. Entre sus obras también hay que destacar la restauración de la Capilla de San Isidro (Premio del Ayuntamiento de Madrid en 1990 y Medalla de Europa Nostra en 1991), el Palacio de Ferias y Exposiciones de Jerez de la Frontera (Premio Nacional del Ladrillo 1991) y la restauración de los recintos fortificados de Melilla (Diploma Europa Nostra en 1999). Es autor también del imprescindible Oíza (Puente Editores, 2018), un estudio profundo sobre la vida y obra del gran maestro, Francisco Javier Sáenz de Oíza.

Riken Yamamoto, premio Pritzker 2024 | Luis Alberto Monge Calvo

Riken Yamamoto, premio Pritzker 2024 Luis Alberto Monge Calvo 1 Fotografía por Tom Welsh
Retrato de Riken Yamamoto © Fotografía por Tom Welsh
Entre la sorpresa y la consolidación

Como ya es costumbre desde 1979, para este 2024 la Fundación Hyatt realizó la divulgación del ganador del premio Pritzker, considerado el galardón internacional de más prestigio para la arquitectura. Sin embargo, lo que sí parece haber sido una sorpresa para la gran mayoría fue que el galardonado de este año sea el arquitecto japonés Riken Yamamoto (1945), noveno ganador de esa nacionalidad. A pesar de contar con una extensa obra, parece que nadie anticipó ese movimiento del jurado. La ceremonia de entrega del Premio Pritzker 2024 se realizó el 16 de mayo en el Art Institute de Chicago.

Riken Yamamoto, premio Pritzker 2024 Luis Alberto Monge Calvo 2 Fotografía de Tomio Ohashi.
Yamakawa Villa © Fotografía de Tomio Ohashi

Yamamoto, de 78 años, dueño de una destacada carrera principalmente en Japón, nació en Pekín; no obstante, al poco tiempo de finalizar la Segunda Guerra Mundial, se trasladó con su familia a la ciudad de Yokohama, lugar donde continúa residiendo hasta hoy, ahí fundó su estudio Riken Yamamoto & Field Shop en 1973. Su padre, ingeniero de profesión, murió cuando él tenía solo cinco años, al inicio el joven Riken trató de emular la carrera de su progenitor, pero finalmente optó por la arquitectura.

Riken Yamamoto, premio Pritzker 2024 Luis Alberto Monge Calvo 3-Iwadeyama-Junior-High-School-1
Iwadeyama Junior High School © Fotografía de Mitsumasa Fujitsuka

Realizó sus estudios universitarios en el Departamento de Arquitectura de la Facultad de Ciencia y Tecnología de la Universidad de Nihon. Finalizó en 1968 y posteriormente estudió una Maestría en Arquitectura en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de las Artes de Tokio.

Riken Yamamoto, premio Pritzker 2024 Luis Alberto Monge Calvo 4-Fussa-City-Hall-2
Fussa City Hall © Fotografía de Sergio Pirrone 

Durante los primeros años de su carrera destaca que, gracias a su interés de comprender comunidades, culturas y civilizaciones, viajó a través de países y continentes con su mentor, Hiroshi Hará.1 En 1972 condujo por la costa del mar Mediterráneo, donde visitó Francia, España, Marruecos, Argelia, Túnez, Italia, Grecia y Turquía. Dos años después viajó desde Los Ángeles a México, y luego visitó Guatemala, Costa Rica, Colombia y Perú. Años después repetiría la experiencia en Irak, India y Nepal.

Riken Yamamoto, premio Pritzker 2024 Luis Alberto Monge Calvo 5 Hotakubo-Housing-4
Hotakubo Housing © Fotografía de Tomio Ohashi

Yamamoto es actualmente profesor visitante en la Universidad de Kanagawa (Yokohama). Anteriormente fue profesor en la Universidad de las Artes de Tokio (2022-2024); en la Escuela de Graduados en Ingeniería de la Universidad de Nihon (Tokio 2011-2013); en la Universidad Nacional de Yokohama, en la Escuela de Graduados en Arquitectura (2007-2011); en la Universidad Kogakuin, Departamento de Arquitectura (Tokio 2002-2007); y se desempeñó como presidente de la Universidad de Arte y Diseño Nagoya Zokei (Nagoya 2018-2022).

Riken Yamamoto, premio Pritzker 2024 Luis Alberto Monge Calvo 6 Koyasu-Elementary-School-3
Koyasu Elementary School © Courtesy of Riken Yamamoto & Field Shop

Fue nombrado Académico de la Academia Internacional de Arquitectura (2013) y ha recibido numerosas distinciones a lo largo de su carrera, entre ellas el Premio del Instituto Japonés de Arquitectos para el Museo de Arte de Yokosuka (2010), el Premio de Edificios Públicos (2004 y 2006), el Good Design Gold Award (2004 y 2005), el Premio del Instituto de Arquitectura de Japón (1988 y 2002), el Premio de la Academia de las Artes de Japón (2001) y el Premio de Arte Mainichi (1998).

Riken Yamamoto, premio Pritzker 2024 Luis Alberto Monge Calvo Saitama Prefectural University © Cortesía de Riken Yamamoto & Field Shop Saitama-Prefectural-University-2
Saitama Prefectural University © Cortesía de Riken Yamamoto & Field Shop

Yamamoto posee una carrera extensa, rigurosa y ante todo coherente, caracterizada por una práctica tanto local como global, marcada a su vez por una arquitectura directa, modesta, honesta, precisa y principalmente pertinente. Su obra abarca cinco décadas y sus proyectos, que van desde residencias privadas hasta viviendas públicas, desde escuelas primarias hasta edificios universitarios, desde instituciones hasta espacios cívicos y planificación urbana, se han distribuido por Japón, China, Corea del Sur y Suiza, entre estas destacan:

  • Villa Yamakawa
  • Vivienda pública Hotakubo
  • Edificio residencial Shinonome en Tokio
  • Universidad de la Prefectura de Saitama
  • Universidad del Futuro Hakodate
  • Universidad Zokei en Nagoya
  • Escuela primaria Koyasu en Yokohama
  • Museo de Arte de Yokosuka
  • Ayuntamiento de Fussa
  • Vivienda colectiva Pangyo en Seúl, Corea del Sur
  • Biblioteca de Tianjin en China
  • Complejo mixto Jian Wai SOHO en Pekín
  • The Circle en el aeropuerto suizo de Zúrich

Para el jurado, conformado entre otros por los arquitectos Alejandro Aravena, Barry Bergdoll, Kazuyo Sejima y Wang Shu, Yamamoto es un defensor social y con su obra genera paralelismos entre lo privado y lo público. Por medio de esto inspira una armonía social que promueve la diversidad de las identidades económicas, políticas, infraestructurales y de los sistemas de vivienda colectiva. Para ellos Yamamoto está profundamente comprometido con la defensa de la vida comunitaria.

Riken Yamamoto, premio Pritzker 2024 Luis Alberto Monge Calvo 7-Saitama-Prefectural-University-4
Saitama Prefectural University © Cortesía de Riken Yamamoto & Field Shop

En ese sentido, el ganador piensa que la comunidad se define como una

“sensación de compartir un espacio”.

Además, considera que:

«El enfoque arquitectónico actual enfatiza la privacidad, negando la necesidad de relaciones sociales. Sin embargo, aún podemos honrar la libertad de cada individuo mientras vivimos juntos en un espacio arquitectónico como una república, fomentando la armonía entre culturas y fases de la vida».

Riken Yamamoto, premio Pritzker 2024 Luis Alberto Monge Calvo Nagoya-Zokei-University-1
Nagoya Zokei University © Fotografía por Shinkenchiku Sha

El jurado afirma que Yamamoto construye comunidad al deconstruir las nociones tradicionales de libertad y privacidad, al tiempo que rechaza condiciones ya tan consolidadas que han reducido la vivienda a una mercancía sin relación con los vecinos. En cambio, con su trabajo une culturas, historias y ciudadanos multigeneracionales, con sensibilidad, adaptando la influencia internacional y la arquitectura moderna a las necesidades del futuro, con lo cual permite que la vida prospere.

Para Tom Pritzker, presidente de la Fundación Hyatt,

“Yamamoto desarrolla un nuevo lenguaje arquitectónico que no solo crea espacios para que vivan las familias, sino que crea comunidades para que las familias vivan juntas”.

Luego amplía:

“Sus obras están siempre conectadas con la sociedad, cultivando una generosidad de espíritu y honrando el momento humano”.

Riken Yamamoto, premio Pritzker 2024 Luis Alberto Monge Calvo Gazebo, la vivienda de Yamamoto, diseñada en 1986, cuyas terrazas están pensadas para fomentar la interacción con los vecinos. (Tomio Ohashi)
Gazebo, la vivienda de Yamamoto, diseñada en 1986, cuyas terrazas están pensadas para fomentar la interacción con los vecinos © Fotografía por Tomio Ohashi

Yamamoto es un correcto profesional y sus obras son buenas, pero muy pocas llaman la atención. De primera mano, la selección del Pritzker parece más salida de motivaciones personales que disciplinares, pues el acta del jurado está cargada de razones que no son arquitectónicas, más parecen ideológicas o políticas que en apariencia buscan sustentar su propia agenda.

Es cuando menos curioso que el jurado insiste en hacer énfasis en el trabajo del profesional en vivienda colectiva, y es probablemente lo menos interesante de su práctica, paralelamente, se enfatiza en tal vez lo más flojo de su producción, apartando conscientemente la mirada de otras obras más destacadas.

Riken Yamamoto, premio Pritzker 2024 Luis Alberto Monge Calvo 9-THE-CIRCLE-1
THE CIRCLE en el aeropuerto de Zúrich © Fotografía por Flughafen Zürich AG

En este punto, cabe preguntarse si hay una visión ética de la arquitectura promovida por el jurado, o será acaso por el presidente del jurado Alejandro Aravena. En concordancia con esto, también cabe cuestionarse si de parte del jurado hay realmente convicción o es una pretensión de una responsabilidad social presente en la obra de Yamamoto. La insistencia en usar el término comunidad en los documentos del jurado, que como ya se ha mencionado hace referencia a una pequeña parte de la obra del ganador, genera estas y otras dudas sobre la selección.

Riken Yamamoto, premio Pritzker 2024 Luis Alberto Monge Calvo © Fotografía por CODAN-1
Shinonome Canal © Fotografía por CODAN

El Pritzker tiene muchas “manchas” en su historia, como promover modas superfluas, casi no premiar a arquitectas, impulsar carreras efímeras o poco relevantes, premiar la carrera de fabricantes de íconos hasta no hace poco y recientemente impulsar falsos héroes populistas. No obstante, Yamamoto no parece otra de estas “manchas”, no es ningún oportunista o recién llegado, por el contrario, es poseedor de una reconocida y competente trayectoria, tal parece que el premio llega justo en el momento de la merecida consagración, al menos esa es la apuesta hecha por el jurado que tocará juzgar dentro de unos años si fue o no acertada.

Está claro que la obra de Yamamoto no devalúa el premio, sin embargo, tampoco parece agregar un brillo particular. Incluso, antes del premio, se podía aludir a una falta de contenido o encanto que realmente no emocionaba a casi nadie; de hecho, prácticamente no existen monografías o revistas especializadas que se arriesguen a mostrar su trabajo, al menos fuera de Japón. Sin embargo, no sería la primera vez que el Pritzker pide prestar atención a una obra silenciosa, valiosa y ejemplar que se hace al margen de los reflectores; la de Yamamoto es una obra que merece ser vista con más detenimiento.

Notas:

Texto realizado a partir de Eunice. (2024). The Pritzker Architecture Prize Media Kit. Hyatt Foundation.

1 Hiroshi Hara (1936). Arquitecto y teórico en arquitectura japonés, con un doctorado en ingeniería, fue profesor en la Universidad de Tokio hasta 1997 y desde entonces es profesor emérito. Sus principales obras incluyen: Umeda Sky Building en Osaka, la Estación de Kioto, el Yamato International Building en Tokio y el Domo de Sapporo en Hokkaidō.

Materiales nobles | Miguel Ángel Díaz Camacho

Materiales nobles  Miguel Ángel Díaz Camacho Nave para Ferias y Exposiciones_LV_Paris Nord Villepinte
Nave para Ferias y Exposiciones_LV_Paris Nord Villepinte

El 10 de enero de 2013, un grupo de profesores y alumnos visitamos por primera vez el Fair & Exhibition Hall de Lacaton & Vassal en Paris Nord Villepinte. La nave forma parte del recinto ferial Villepinte situado al norte de la ciudad junto al aeropuerto Paris-Charles de Gaulle. El carácter del lugar nos resulta extrañamente familiar: oficinas en alquiler en forma de edificios de cristal oscuro y columnas revestidas de acero inoxidable; arquitectura «comercial» de grandes logos corporativos y puertas giratorias; arquitectura «singular» en viveros de empresas y centros de ocio y restauración; y por supuesto un Ikea. En medio de todo este ruido, discreta desde el silencio cómplice de los nubarrones, la lluvia y la espesura gris del aire húmedo, apareció como un Palacio, al fin, la Nave 7.

La propuesta de planta rectangular (189x78m) presenta estructura metálica ligera (a pesar de las grandes luces propias del uso expositivo), y cerramiento de vidrio, chapa y doble policarbonato superior, configurando un invernadero perimetral. Esta galería libera un espacio cubierto exterior en planta baja, refugio de cajas y cajones de madera con ruedas, cofres espartanos que contienen sin embargo las maravillas que han de formar la siguiente exposición. El invernadero cuenta con plantas procedentes de todo el mundo que aportan color y además

«son parte del concepto bioclimático del edificio, jugando un papel de espacio de amortiguación entre el aire exterior e interior».1

El espacio expositivo aparece como un gran vacío inundado de luz natural. La sencillez de la solución, su ligereza, «la arquitectura que no tiene» en términos compositivos, materiales o formales, se precipitaba como una provocación:

¿seríamos cualquiera de nosotros capaces de abordar un encargo como este, un Ifema para París, desde este grado luminoso de privación?

«Pensar el proyecto desde la economía lleva a hacer posible su desmesura, su desbordamiento; conduce a hacer posible la libertad, lo extraordinario, y eso es lo que nos emociona» […] La economía se convierte en la herramienta ideal para desdibujar los límites materiales y para el montaje de situaciones de proyecto».

La emoción de la economía en arquitectura. Como si la nobleza real de los materiales no radicara nunca más en su precio, su rareza, su durabilidad o su voluptuosa hermosura. La nave 7 nos enseña que finalmente el espacio, la luz y el aire perfumado y pre-climatizado a través de la galería vegetal, son los nuevos/viejos materiales de la arquitectura. Querida Anne:

¿existen hoy los materiales nobles?

Miguel Ángel Díaz Camacho. Doctor Arquitecto
Madrid. Septiembre 2014
Autor de Parráfos de arquitectura #arquiParrafos

Notas:

1 Lacaton & Vassal, memoria del proyecto, traducción MADC.

2 Alejandro de la Sota se refiere en numerosas ocasiones al Gimnasio Maravillas con esta especie de falta de añoranza sobre «la arquitectura que no tiene», subrayando el ejercicio de cubierta habitable, el proyecto de una estructura sencilla proyectada en colaboración con un ingeniero. Ver Sota, Alejandro de la, Escritos, Conversaciones, Conferencias, Barcelona, Gustavo Gili, 2002; «Conferencia», Barcelona, 1980, pág. 179.

3 Lacaton & Vassal, «La libertad estructural, condición del milagro«, revista 2G, nº60, pág. 173.

La buena profesión (2025)

1
La buena profesión (2025)
La buena profesión (2025)

En este podcast del COAM, con producción de Germinarq y dirección y presentación de Carlos J. Irisarri, se busca explorar el estado actual de la profesión, abrir líneas de propuestas y conectar la realidad de la arquitectura con la nueva generación de arquitectos.

Aquí encontrarás una serie de episodios temáticos alrededor de invitados excepcionales y con el apoyo de universidades comprometidas con el futuro de sus egresados: las escuelas de arquitectura de las universidades de Alcalá de Henares, Francisco de Vitoria, de Navarra, Nebrija y Rey Juan Carlos.

Episodio 7: Romper el hielo 

Abrimos nuestra segunda temporada abordando algo tancomplicado como el arranque profesional. Un recién titulado siempre lo ha tenido difícil para incorporarse a la profesión, pero las razones han sido diferentes para cada generación. Para identificar las de hoy tenemos a Berta Gámez, joven arquitecta que en poco tiempo acumula ya una buena experiencia en diversas formas del ejercicio y en distintas áreas de trabajo. Además, su trabajo en el pasado como delegada de alumnos le aporta un punto de vista global que nos será especialmente útil.

Ojo al final del espacio, que hoy tenemos programa doble:tras nuestra charla, llega el episodio 1 del serial “Valentina en apuros”. Nunca una dirección de obra ha sido fácil, pero la verdad es que en esta profesión no dejamos de sorprendernos…

Episodio 8: Por amor al arte

¿Estamos asistiendo a la lenta agonía de los concursos de arquitectura? Nos acompaña Enrique Parra, docente y arquitecto de calidad, que desde su estudio Parra Arquitectos se presenta a unos cuantos concursos al año, e incluso consigue ganar alguno de ellos. Conoce por tanto la situación desde la base, sin grandilocuencias, pero además desde un espíritu optimista.

¿Sigue siendo un buen modo de conseguir trabajo, o al menos de arrancar un estudio? ¿Porqué existe tanta problemática si las soluciones son-aparentemente- sencillas?

Veamos qué sale de aquí.

Y no te vayas al terminar la charla, que te espera el episodio 2 de “Valentina en apuros”, el serial de moda en arquitectura. ¿Podrá el COAM ayudar a nuestra heroína… o sus aventuras no hay quien las resuelva?

Episodio 9: El presente aún eterno

Traemos hoy al programa a Alejandro García Hermida, docente, arquitecto e investigador, que realiza una enorme labor desde varias instituciones para potenciar lo tradicional y lo vernáculo en nuestra profesión. La defensa de una escala humana, de entornos urbanos coherentes, mantener oficios y técnicas constructivas en extinción, no es ya sólo una cuestión cultural, sino que es algo perfectamente alineado con la actual sensibilidad en cuanto a medio ambiente y sostenibilidad.

¿Por qué entonces sigue siendo algo marginal, y a lo que los organismos oficiales de la arquitectura, los que deberían potenciarlo, le dan la espalda?

Después, el serial que estás esperando con impaciencia: episodio 3 de “Valentina en apuros”. Nuestros esforzados protagonistas arman jaleo en la sección de licencias del Ayuntamiento. No podía ser de otra manera.

Episodio 10: La vida exterior

Esta vez traspasamos fronteras, pero de verdad, y miramosa la profesión fuera de España. ¿Es ya la arquitectura una actividad global? ¿Cómo es la vida del arquitecto que emigra y se plantea su carrera profesional en ámbitos muy diferentes? ¿Cómo beneficiarnos de la experiencia de los compañeros del mundo exterior? Nos ayuda en esta exploración Gonzalo Basulto, arquitecto de variadas experiencias internacionales y que actualmente ejerce en un gran estudio francés, y que también colabora con el COAM en impulsar su red internacional de arquitectos.

A continuación, alcanzamos el episodio 4 de tu serial favorito, “Valentina en apuros”. Ni el COAM ni el Ayuntamiento han podido ayudarla, así que no le queda más remedio que poner en marcha su Plan B… porque siempre hay que tener un Plan B.

Episodio 11: Enemigos o aliados

No nos da miedo abordar asuntos espinosos, así que estavez miramos al arquitecto municipal, un rol sobre el que seguramente tengamos una percepción más bien equivocada. Nos lo va a desvelar Juan Antonio Agudo, arquitecto que trabaja duro desde su plaza en un Ayuntamiento, pero también es experto en paisajismo y tiene un bagaje profesional nada despreciable. Es el invitado perfecto para mirar a ambos lados de la barrera, e incluso, para entender que esa barrera no debería existir. Quizá el proceso de obtención de licencia, por ejemplo, debería verse como una ayuda y no como una traba.

A su fin, tienes el episodio 5 de “Valentina en apuros”. Ya en la recta final de tu serial favorito, nuestra querida arquitecta sigue atrapada en un mundo hostil, ¡y de qué manera!

Episodio 12: En la trastienda 

Igual que en la temporada anterior, cerramos esta serie conversando con una invitada excepcional: María Fernández, comunicadora desde redes sociales y editora en Ediciones Asimétricas, y que investiga el trabajo de prácticas profesionales diversas. Con ella vamos a hablar de diferentes modos de entender nuestro trabajo, de frustraciones y fracasos, de éxitos y alicientes, de psicología profesional, de estética y de ética…

¡En menudo charco nos metemos para acabar la temporada!

Y hoy tenemos el episodio 6 y último de “Valentina en apuros”, el serial de arquitectura que más te gusta. Por fin se resolverá el misterio del cadáver de la zapata A6… ¿o quizá no?

 

Rehabilitación y museografía del Museo Nacional de Artes Escénicas | Donaire Milans Arquitectos

Rehabilitación y museografía del Museo Nacional de Artes Escénicas Donaire Milans Arquitectos 3 Montse Zamorano
Rehabilitación y museografía del Museo Nacional de Artes Escénicas | Donaire Milans Arquitectos © Montse Zamorano
Proyecto de Rehabilitación del Palacio de los Maestres

La intervención en el Museo Nacional del Teatro de Almagro, futuro Museo Nacional de Artes Escénicas, ha sido un ejercicio de precisión y respeto por la historia; un diálogo sutil entre pasado y presente que busca potenciar la esencia del edificio con mínimos recursos y un impacto máximo.

Ubicado en el antiguo Palacio de los Maestres de Calatrava, el museo, cargado de memoria, requería una actualización que mejorara su funcionalidad sin perder su identidad y permitiera ampliar su capacidad expositiva.

Rehabilitación y museografía del Museo Nacional de Artes Escénicas | Donaire Milans Arquitectos |
Estado previo

La rehabilitación ha reinterpretado los espacios existentes desde una mirada contemporánea, redefiniendo el acceso y el sistema de circulaciones para hacerlos más intuitivos, abiertos y accesibles. Se han eliminado elementos que limitaban la fluidez del recorrido, permitiendo que la luz natural —que envuelve el cubo central de piedra a través de aperturas cenitales— recupere su protagonismo y atraviese con mayor libertad cada estancia.

Rehabilitación y museografía del Museo Nacional de Artes Escénicas Donaire Milans Arquitectos 7 Montse Zamorano
Rehabilitación y museografía del Museo Nacional de Artes Escénicas | Donaire Milans Arquitectos © Montse Zamorano

La supresión de las antiguas escaleras, reubicadas en el núcleo principal de comunicaciones, ha transformado la percepción espacial, amplificando verticalmente el conjunto, dotándolo de una mayor ligereza y reforzando la conexión visual entre niveles.

Proyecto Museográfico de la colección permanente

El proyecto museográfico, concebido en paralelo a la intervención arquitectónica, se ha adaptado con sensibilidad a los espacios existentes, aprovechando cada modificación para enriquecer la experiencia del visitante.

Rehabilitación y museografía del Museo Nacional de Artes Escénicas Donaire Milans Arquitectos 2 AXONOMETRÍAS-ESTADO-REFORMANDO
Rehabilitación y museografía del Museo Nacional de Artes Escénicas | Donaire Milans Arquitectos | Axonometrías de estado reformado

La nueva distribución de vitrinas y obra genera un amplio espectro de miradas cruzadas, permitiendo que el espectador recorra un museo lleno de experiencias visuales dinámicas, con conexiones a distintas alturas y entre ámbitos diversos. De este modo, arquitectura y museografía se entrelazan en un juego de perspectivas y reflejos que complementa y da sentido a la intervención arquitectónica.

Rehabilitación y museografía del Museo Nacional de Artes Escénicas Donaire Milans Arquitectos 16 Montse Zamorano
Rehabilitación y museografía del Museo Nacional de Artes Escénicas | Donaire Milans Arquitectos © Montse Zamorano

Uno de los elementos más representativos de esta nueva relación entre arquitectura y narrativa expositiva es la gran pantalla LED instalada frente al graderío incorporado en la intervención, concebido específicamente para acoger al visitante al inicio del recorrido. En este dispositivo audiovisual se proyecta la historia reciente de las artes escénicas en España, estableciendo un puente entre la memoria viva de la colección y los lenguajes tecnológicos contemporáneos.

Rehabilitación y museografía del Museo Nacional de Artes Escénicas Donaire Milans Arquitectos mu2 Montse Zamorano
Rehabilitación y museografía del Museo Nacional de Artes Escénicas | Donaire Milans Arquitectos © Montse Zamorano

Mediante decisiones precisas y un ejercicio de mínimos, se ha actualizado la imagen del museo, dotándolo de una atmósfera más luminosa y serena: un marco neutro donde la valiosa colección del museo, cuidadosamente seleccionada por el comisario Ángel Martínez Roger, y la nueva gráfica de Inés Atienza, adquieren pleno protagonismo. El uso de materiales nobles y soluciones constructivas respetuosas con el edificio original ha garantizado la sostenibilidad de la intervención, minimizando su impacto y permitiendo futuras actualizaciones de la propuesta museográfica.

El resultado es un museo más abierto, accesible e inspirador; un espacio renovado que invita a ser recorrido y descubierto, donde las artes escénicas no solo se narran, sino que se escenifican a través del espacio, la luz y la tecnología.

Obra: Rehabilitación y museografía del Museo Nacional de Artes Escénicas
Autor: Donaire Milans Arquitectos (Jesús Donaire, María Milans del Bosch)
Colaboradores: Carlos Pérez, Marta Esteban-Infantes
Arquitecto Técnico: José Manuel Fernández
Empresa constructora: COVESA Proyectos y Servicios S.L.
Comisario de la exposición permanente: Ángel M. Roger
Diseñadora gráfica (museografía + catálogo): Inés Atienza
Empresa museografía: AVANZIA APLICACIONES S.L. + HDFABER
Instituto Nacional de las Artes escénicas y de la Música (INAEM)
Ministerio de Cultura
Emplazamiento: Museo Nacional de las Artes Escénicas (Almagro, Ciudad Real)
Arquitectura y museografía: Donaire Milans Arquitectos (DMA)
Fotografías (obra + museografía): Montse Zamorano
+ donairemilans.com

Medio siglo sin paradigma

0
Medio siglo sin paradigma. Conversaciones sobre cultura arquitectónica contemporánea
Medio siglo sin paradigma. Conversaciones sobre cultura arquitectónica contemporánea
Medio siglo sin paradigma. Conversaciones sobre cultura arquitectónica contemporánea

Según el relato histórico aceptado, el advenimiento de la arquitectura «postmoderna» en torno a 1970 marcó el fin del Movimiento Moderno e inauguró un cambio de paradigma, una transformación que acabó dando lugar a la arquitectura del mundo contemporáneo. Pero, si fue así,

¿cuál es la naturaleza del paradigma que engloba la producción arquitectónica actual, si es que en efecto existe semejante modelo de referencia?

El presente libro trata de responder a esta pregunta a través de once entrevistas protagonizadas por algunas de las figuras más significativas de la teoría, la historiografía y el pensamiento arquitectónico de los últimos cincuenta años, desde la crítica de arquitectura al urbanismo, desde la investigación histórica a la protección del patrimonio, desde la agitación cultural al patronazgo y la influencia política, siempre con el telón de fondo de los desarrollos sociales más recientes.

A lo largo de intensas y polémicas conversaciones el análisis de la situación arquitectónica se adentra en asuntos capitales como la crisis del Movimiento Moderno a lo largo de la década de 1970, la «restauración» parcial de la ortodoxia funcionalista en la década de 1980, la consolidación del modelo del «arquitecto-estrella» en torno al año 2000 o la transformación de las ideas dominantes acerca de cómo deberían ser las ciudades en las que vivimos, temas que se hallan siempre cerca de las preocupaciones del arquitecto actual y en relación con los cuales es difícil no tomar un partido apasionado.

Alejandro García Hermida y David Rivera en conversación con Léon Krier, Wessel de Jonge, David Watkin, Hans Stimmann, Charles Jencks, Paul Goldberger, Vittorio Magnago Lampugnani, Jan Gehl, Maurice Culot, Juhani Pallasmaa y Manolis Korres.

Alejandro García Hermida

Es Director Ejecutivo de la Fundación Culturas Constructivas Tradicionales y Doctor Arquitecto por la ETSAM de la UPM, donde es Profesor Asociado. Ha dedicado su actividad profesional al fomento, el estudio, la conservación y la continuación del urbanismo, la arquitectura y la construcción tradicionales no sólo como patrimonio cultural, sino también como referentes para la práctica contemporánea. Ha sido Visiting Scholar en la Universidad de Notre Dame, e impulsor de otras entidades como Terrachidia o INTBAU España y de proyectos como la Red de Maestros de la Construcción Tradicional, el Journal of Traditional Building, Architecture and Urbanism, los Premios Richard Driehaus de las Artes de la Construcción o el Premio Rafael Manzano de Nueva Arquitectura Tradicional.

David Rivera

Es historiador de la arquitectura, profesor de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid. Sus publicaciones giran en torno al estudio de cultural de la arquitectura y se centran especialmente en los campos del patrimonio arquitectónico del siglo XX y el estudio de la imagen de la arquitectura a través de las artes visuales. Es autor de los libros Dios está en los detalles. La restauración de la arquitectura del Movimiento Moderno y La otra arquitectura moderna. Expresionistas, metafísicos y clasicistas, 1910-1950.

Dios bendiga a Rem Koolhaas | Javier García Librero

Es cierto, el oficio de la arquitectura es exigente, necesita mucha dedicación y, además, conseguir clientes no es una tarea para nada sencilla.

Si a esto le sumamos que eres un estudio joven que está empezando y que no puede demostrar una trayectoria y unos casos de éxito concretos, la tarea se complica aún más.

Vender arquitectura es difícil, pero para nada es algo imposible.

Vender arquitectura requiere una estrategia empresarial clara, unos objetivos perfectamente definidos y una visión a largo plazo que te permita avanzar en la dirección correcta.

A partir de ese momento, la labor comercial es clave y dentro de sus funciones la comunicación es uno de sus pilares fundamentales.

Comunicar nos permite alcanzar nuevas audiencias, aumentar la visibilidad de nuestra marca y expresar al mundo nuestro valor como profesionales.

Uno de los objetivos de la comunicación de cualquier estudio de arquitectura será atraer la atención de futuros clientes y, aunque parezca contradictorio, la de otros profesionales del sector.

Y es que una empresa de arquitectura independientemente de su tamaño y facturación tiene la posibilidad de establecer una relación profesional con otras empresas del sector hasta el punto de convertirlas en sus propios clientes.

Existen grandes estudios o empresas que necesitan el apoyo de otros arquitectos y equipos para poder ofrecerles servicios transversales, presentarse a concursos o realizar trabajos puntuales que su actual estructura empresarial y equipo humano no tiene la capacidad de absorber.

Batlle i Roig es un claro ejemplo de esto

Batlle i Roig es una oficina multidisciplinar ubicada en Barcelona donde se combina la práctica del Planeamiento, el Paisajismo y la Arquitectura.

Además, este estudio ha sido reconocido con numerosos premios y distinciones como la medalla del CSCAE (Consejo Superior de Colegios de Arquitectura de España) siendo la primera vez que se otorga a un estudio de arquitectura al completo y no a una figura a título personal.

Dentro de la rama de paisajismo Batlle i Roig se encarga de diseñar los proyectos paisajísticos y los parkings de uno de los estudios de arquitectura más importantes a nivel internacional: OMA (liderado por Rem Koolhaas).

Así lo cuenta Joan Roig, socio fundador de Batlle y Roig:

Viendo el ejemplo de Batlle i Roig, podemos confirmar que trabajar y tener como clientes otras firmas internacionales de arquitectura también es una opción incluso para grandes empresas de servicios de arquitectura y diseño.

¿Cómo se consigue este tipo de clientes?

Apostando por una organización empresarial basada en especializaciones y diseñando una estrategia de comunicación que dé visibilidad a la actividad y personas de la empresa.

Una vez más empresa y comunicación arquitectónica como base para alcanzar los objetivos estratégicos de un equipo.

Dios bendiga a Rem Koolhaas | Javier García Librero f. Parque de exposiciones en Toulouse (MEETT) © Simon Gabillard
Parque de exposiciones en Toulouse (MEETT) © Simon Gabillard

Memorial a los judíos asesinados en Europa (III) | Íñigo García Odiaga

Memorial a los judíos asesinados en Europa (III) Íñigo García Odiaga memorial-judios-berlin-eisenman-serra
Dibujo de Peter Eisenman que refleja la topografía de bloques

Después de múltiples discusiones, el proyecto presentado por Peter Eisenman y Richard Serra fue elegido como el ganador de una segunda competencia. Su diseño proponía una enorme escultura abierta compuesta por alrededor de cinco mil cubos de hormigón, repartidos en un área aproximada de veinte mil metros cuadrados.

Memorial a los judíos asesinados en Europa (II) | Íñigo García Odiaga

Memorial a los judíos asesinados en Europa (III) Íñigo García Odiaga onetonprop-house-of-card-serra
One Ton Prop, obra de Richard Serra

A pesar de que Serra abandonaría el proyecto justo antes de la concreción final del mismo, la obra difícilmente podría entenderse sin el trabajo previo del escultor, o sin la escala y el carácter monumental de sus piezas de los años 70. Utilizando acero trabajado en caliente, en esa década, creará esculturas interiores y exteriores de grandes dimensiones, cuyo tamaño y sencillez les confiere una presencia abrumadora. One-Ton Prop, compuesta por cuatro planchas de sostenidas verticalmente por su propio peso apoyadas unas contra otras, como un castillo de naipes, es un buen ejemplo. Los conceptos de equilibrio, escala, peso y altura serán una constante a lo largo de su carrera artística.

La escala, el peso y la altura de la instalación titulada “La materia del tiempo” son monumentales. La pieza más ligera pesa 44 toneladas y la más pesada alcanza las 276. Todas tienen más de cuatro metros de alto y unos cinco centímetros de grosor. A pesar de sus enormes dimensiones, Serra no las fija al suelo, sino que consigue que se mantengan en equilibrio llevando el conjunto a una tensión extrema.

Memorial a los judíos asesinados en Europa (III) Íñigo García Odiaga serra1
La obra “la materia del tiempo” durante su construcción

Además Serra colocará las piezas de modo que el espectador se mueva a través de ellas y del espacio que las rodea de forma que se maximice el impacto visual y su presencia física, otorgando todo el protagonismo de la obra a la relación entre el objeto arquitectónico y el habitante, al igual que sucederá años más tarde en su propuesta para el Memorial de los judíos asesinados en Europa.

En la descripción del proyecto realizada por Eisenman y Richard Serra se ve reflejada la relación perseguida con el observador:

“Nuestro Monumento está en el contexto de lo inimaginable, de lo banal. El esbozo sugiere que un sistema supuestamente racional y ordenado pierde la conexión con la razón humana cuando pierde sus medidas y su proporción respecto al objetivo intencionado. […] Nuestro proyecto manifiesta la inestabilidad inherente a un sistema, en este caso a un rasero racional y su disolución a través del tiempo. […] Con ello se crea un lugar de la pérdida y de la devoción, que es recuerdo”.

Sobre una superficie de 19.000 m², el diseño del Memorial se estructura a partir de una retícula rígida compuesta de 2.711 cubos de hormigón de 95cm de ancho por 238cm de largo. Espaciados a 95cm entre sí, los bloques solamente permiten el paseo individual, solitario a través de la retícula.

Memorial a los judíos asesinados en Europa (III) Íñigo García Odiaga 4f17cc1dd51c4288b9edd8173611c027
Uno de los extremos del memorial, que parece diluirse en la topografía

Tanto la repetición de sus elementos, como las dimensiones de las piezas, como las generales del proyecto apuestan por un sistema supuestamente racional y ordenado que crece de forma monumental perdiendo así contacto con la escala humana. Entonces, la obra comienza a revelar las perturbaciones innatas que encierra, su potencial para el caos, la desorientación y la soledad en todos los sistemas de orden aparente. Las alturas de los bloques varían de 0,2 a 4,7 metros entre dos retículas onduladas, una la propia topografía del suelo y otra la del plano superior del campo de pilares de hormigón. La forma en la que interactúan estos dos sistemas, describe una zona de inestabilidad, de tensión en la que el visitante debe sumergirse.

Memorial a los judíos asesinados en Europa (III) Íñigo García Odiaga dsc_0765
Pasillo entre los bloques

Se produce de este modo una distorsión entre la retícula ortogonal, y la topografía del suelo y el plano superior de las estelas, que ayuda a la sensación de transitar, de caminar en el interior del monumento y en cierto modo en el interior del tiempo. Esta diferencia en el monumento produce un lugar de perdida y contemplación, elementos propios de la memoria. La salida y la entrada al memorial no existen de forma determina, todos los angostos pasillos son entradas y salidas, la experiencia no posee un tiempo ni una forma precisa, depende del devenir de cada uno. Al igual que ocurre con la memoria, el reconocimiento o el perdón nada queda delimitado, excepto la soledad impuesta por un sistema arquitectónico que delimita permite una experiencia individual a cada visitante.

Íñigo García Odiaga. Arquitecto
San Sebastián. Publicado originalmente 23.07.2017

P.D. Este texto pertenece a una trilogía, en la que se trata la construcción del Memorial a los judíos asesinados de Europa en Berlín, a través de tres actos

La buena profesión (2024)

0
La buena profesión (2024)
La buena profesión (2024)

En este podcast del COAM, con producción de Germinarq y dirección y presentación de Carlos J. Irisarri, se busca explorar el estado actual de la profesión, abrir líneas de propuestas y conectar la realidad de la arquitectura con la nueva generación de arquitectos.

Aquí encontrarás una serie de episodios temáticos alrededor de invitados excepcionales y con el apoyo de universidades comprometidas con el futuro de sus egresados: las escuelas de arquitectura de las universidades de Alcalá de Henares, Francisco de Vitoria, de Navarra, Nebrija y Rey Juan Carlos.

Episodio 1: Docencia contra Profesión

Empezamos por el principio, la formación del arquitecto. ¿Cuántos problemas de la profesión se originan en sus años de estudiante, de qué manera se podrían evitar?

Contamos como invitada con Raquel Martínez Gutiérrez, docente a la que ha tocado diseñar y aprobar unos cuantos planes de estudio. También nos acompañan Carmen Bistuer, Berta Gámez y Javier Madero.

Episodio 2: El cliente tras la arquitectura

Esta vez miramos la profesión a través del espejo. ¿Cómo nos ve el cliente, en qué le estamos fallando, qué debemos modificar para garantizar el mejor servicio?

Hemos invitado a Juan Velayos, consultor inmobiliario con una larga experiencia encargando proyectos de arquitectura. Y también participan Jimena Cuesta, Aroa González-Cobos, Santiago Rosón e Isabel María Trujillo.

Nos apoya en este episodio de forma impecable la Universidad Nebrija, empeñada en estar siempre en la avanzadilla de la tecnología y la vanguardia del ejercicio profesional.

Episodio 3: Norma y creación

En este episodio nos toca revisar la situación normativa en que trabajamos, el posible exceso de disposiciones, su pertinencia y el modo de incorporarlas para un mejor resultado.

Nos acompaña Iñaki Ábalos, experto en tecnología de la arquitectura, por resumir de algún modo una trayectoria excepcional y de sobra conocida. Para debatir, han venido Ana del Castillo, Raquel Obrador, Jorge Puente, Félix Quirós y Llerena Sánchez. Y nos ofrecen otros puntos de vista Enrique Castaño, Rafael Hernández y Fernando Landecho.

Para esta ocasión hemos contado con la inestimable colaboración de la Universidad Rey Juan Carlos, especialmente preocupada por acercar a sus alumnos a la realidad profesional.

Episodio 4: Vocación de servicio público

Vamos a explorar el mundo paralelo de la Administración, marco en el que se inserta la profesión privada, pero también generador de actividad no demasiado conocida. Nos asiste como cicerone Marta Callejón, arquitecta de la Hacienda Pública, que realiza una enorme labor de difusión y docencia, entre otras muchas cosas.

Para acompañarnos han venido Juan Álvarez, Carmen Bistuer, María Dolores Infantes y Ángel Pedrós. En este episodio nos ha asistido la Universidad de Navarra, decana de las universidades privadas, y educadora de perfección y trascendencia en el trabajo de sus alumnos.

En este episodio nos toca revisar la situación normativa en que trabajamos, el posible exceso de disposiciones, su pertinencia y el modo de incorporarlas para un mejor resultado.

Episodio 5: Sentido colegial

No podemos obviar la situación de los Colegios, camino de su centenario. ¿Son vigentes los fines con los que se crearon, han adaptado su servicio a una sociedad diferente?

Nos acompaña Román San Emeterio, miembro de la junta del colegio cántabro y muy acostumbrado a armonizar los intereses individuales con los colectivos.

Contamos con las opiniones de Cristina Álvarez, Daniel Álvaro, Ariadna Carracedo, Clara Helbing y Laura Mañueco. Y repiten asistencia Enrique Castaño Perea y Fernando Landecho.

La Universidad de Alcalá de Henares, única por su campus histórico y la variedad de su formación, ha colaborado con gran empeño en la producción de este episodio.

Episodio 6: El profesional en sociedad 

Nada de lo tratado en esta serie tiene utilidad si la sociedad no nos la reconoce, porque sólo desde el servicio se justifica la existencia de una profesión. Esto es lo que tratamos hoy.

En un curioso giro del destino, Carlos J. Irisarri, docente y editor en deontología, se convierte en invitado y abandona su habitual papel de presentador; por ello, esta labor la asume aquí de forma impecable María Fernández, comunicadora y editora.

Nos acompañan en este episodio Blanca Chelton, Laura Quintero, Álvaro Sandoval y Micaela Ybarra. Y ha colaborado con eficacia la Universidad Francisco de Vitoria, que persigue una completa formación de arte y técnica, pero también busca la vocación de servicio en sus alumnos.

 

La Barbacoa Comunal | h3o architects

La Barbacoa Comunal h3o architects Before-intervention_Photo-by-Martin-Sunjic
La Barbacoa Comunal | h3o architects | Estado previo © Martin Sunjic

La Barbacoa Comunal, un proyecto de renovación urbana y de paisaje en el área industrial de Castell d’Aro (Cataluña, España), corazón de la Costa Brava. La intervención de 1700m2 ha convertido un antiguo aparcamiento en una plaza con identidad propia, marcada por el color y espíritu comunitario, destinada tanto a los vecinos como a los caminantes y ciclistas que transitan la zona del Baix Empordà.

La Barbacoa Comunal h3o architects references
La Barbacoa Comunal | h3o architects | Referencias

Concebida originalmente como parque de acceso a la Vía Verde del Carrilet—una popular ruta de senderismo—con el tiempo acabó siendo utilizado como aparcamiento con una barbacoa municipal semi-oculta, donde en ocasiones puntuales los vecinos devolvían vida a este rincón olvidado a través de comidas comunitarias. Esta actividad espontánea y convivial influyó profundamente en el diseño de h3o architects.

La Barbacoa Comunal h3o architects © Fernando-Mari
La Barbacoa Comunal | h3o architects © Fernando Mari

“La comida colectiva ha sido siempre un pilar central en la generación de identidad comunitaria y en la cohesión social en nuestra cultura mediterránea. Cenas callejeras durante la fiesta mayor, ‘calçotadas’ de amigos en el frío de febrero, barbacoas domingueras o soplar las velas de un pastel con los compañeros de clase en un parque son ejemplos de generación comunitaria alrededor de la comida”, destacan Adrià Orriols,
Joan Gener y Miquel Ruiz de h3o architects.

La Barbacoa Comunal h3o architects © Jose Hevia
La Barbacoa Comunal | h3o architects © Jose Hevia

La principal inspiración que ha guiado al estudio ha sido, así, entender la comida colectiva como un elemento socializador y revitalizador de los espacios públicos. A través de tres ideas clave—una barbacoa escultórica, una gran mesa zigzagueante con capacidad para 50 personas y una renaturalización del entorno—el proyecto rescata y potencia este lugar simbólico para el vecindario.

La Barbacoa Comunal h3o architects Axonometria
La Barbacoa Comunal | h3o architects | Axonometria

La renovación convierte la barbacoa original en el icono del espacio, confiriendo un carácter propio y distintivo a toda la plaza. Restaurada y visualmente realzada, la parrilla ha sido revestida con baldosas azules y detalles cerámicos que aportan tonalidades y referencias mediterráneas al conjunto.

La Barbacoa Comunal h3o architects 10 Jose-Hevia
La Barbacoa Comunal | h3o architects © Jose Hevia

Destacan además dos nuevos elementos: una pérgola-pamela de trazado orgánico que brinda sombra a quienes cocinan, coronada por una chimenea que hace de la barbacoa un punto de referencia visible desde la distancia.

Otro elemento destacado de la intervención es la larga mesa zigzagueante que serpentea y se entrelaza entre los árboles. Diseñada por el propio estudio para acoger hasta 50 comensales, esta mesa favorece la socialización y la comida colectiva en un ambiente relajado. Además, ofrece flexibilidad y accesibilidad a través de espacios vacíos que permiten adaptarse a diferentes situaciones y necesidades.

La Barbacoa Comunal h3o architects 2 Jose-Hevia
La Barbacoa Comunal | h3o architects © Jose Hevia

La renovación, más allá de mejorar un lugar de encuentro, pretende también aportar de manera positiva al entorno a través de un proceso de renaturalización. Por ello, se ha dado una dimensión paisajística a la plaza mediante la preservación de algunos de los árboles existentes, así como la plantación de vegetación autóctona: especies que potencian la nidificación de aves, y plantas crasas y florales que fomentan la polinización.

La inserción de rocas de diversos formatos aporta robustez y tridimensionalidad a la geometría del espacio, mientras los colores vibrantes y luminosos de la barbacoa contrastan con los tonos terrosos y verdes de las rocas y la vegetación.

El campo de asfalto que cubría el aparcamiento ha sido transformado en un divertido juego de formas quebradas con texturas y tonalidades diversas. Mediante un proceso de rotura, se ha retirado gran parte de la losa de asfalto original, dejando dos caminos que invitan a recorrer la plaza: uno entre la vegetación y otro que conecta la calle principal con la barbacoa, integrando la plaza con su entorno de una forma natural.

La Barbacoa Comunal | h3o architects © Jose Hevia

Además, al reemplazar gran parte del asfalto por vegetación, se reduce el efecto “isla de calor” y mejora la permeabilidad del suelo, consiguiendo así un espacio más fresco y acogedor.

La Barbacoa Comunal | h3o architects | Planta

La Barbacoa Comunal trasciende la mera función de un espacio urbano al reimaginar el concepto de comunidad a través de la gastronomía y la arquitectura. Al incorporar elementos de diseño que fomentan la interacción social y la conexión con la naturaleza, el proyecto de h3o architects busca despertar una nueva percepción del entorno compartido.

Así, la plaza se convierte en un escenario donde la vitalidad y el vínculo social se entrelazan, convirtiendo cada encuentro en una celebración de la vida colectiva.

Obra: La Barbacoa Comunal
Autores: h3o architects
Ubicación: Castell d’Aro (Cataluña, España)
Año: 2021-2023
Cliente: Ajuntament de Castell-Platja d’Aro
Equipo de Diseño / Colaboradores: Marcel Heras Toledo, Ramon Illan Toledo, Paula Widomska
Superficie: 1738,9 m²
Consultores:
– Jefe de Obra: h3o architects
– Medición de Presupuestos: Carolina Valero
– Ingeniería Estructural: Ofici Arquitectura
– Presupuesto: h3o architects / Carolina Valero
– Paisajismo: h3o architects / Mercè Lorente
– Consultores Ambientales: Natura Montfred
– Consultores de Iluminación: Viabizzuno
Fotografía: José HeviaLluís Tudela | Fernando Mari
+ h3o.es/es/

Hacia la ecomorfología

Hacia la ecomorfología Anna Bofill Levi
Hacia la ecomorfología | Anna Bofill Leviediciones

Hacia la ecomorfología es un trabajo pensado y escrito entre 1971 y 1973, con el propósito de ser un ensayo sobre una manera de pensar y un método de proyectar la arquitectura, la ciudad y el entorno habitado a partir de mi experiencia en el proceso creativo del Taller de Arquitectura

un equipo multicisciplinar desde el que, en aquel momento, ya habíamos proyectado obras como el Barrio Gaudí en Reus, la Ciudad en el Espacio, Walden 7 y La Petite Cathédrale, propuestas de lo que hoy se entiende por arquitectura modular.

Se propone la ecomorfología como la disciplina que estudia la forma del entorno construido en todos sus niveles escalares recalcando específicamente las interrelaciones entre los seres humanos y las formas de los entornos habitados. Un concepto construido por la necesidad de tratar la totalidad de la forma del entorno en el que vivimos y su dependencia del medio, es decir su subordinación, lo que también comporta su fragilidad. La forma física del entorno habitado es la protagonista y su desarrollo en el espacio de tres dimensiones se formaliza por sistemas generativos capaces de crear muchos tipos de estructuras arquitectónicas y urbanas de un modo automático. Hoy en día se puede desarrollar con inteligencia artificial, pero en aquel momento no existían los ordenadores y las formas se generaban en maquetas o dibujos.

Este libro es, por tanto, el desarrollo de una manera de entender el entorno habitado con la intención de ofrecer los valores necesarios y deseados por la ciudadanía y obtener la mejor habitabilidad posible dentro de una sociedad y una cultura libre y democrática.

Anna Bofill Levi (Barcelona, 1944)

Es doctora arquitecta y compositora. Ha escrito y trabajado tanto en música como en arquitectura y urbanismo, actividad que ha desarrollado primero en el Taller de Arquitectura (1964-1980) y posteriormente en su estudio propio. Desde 1971, con el trabajo Méthodes mathématiques dans l’architecture (OCD, París) y su tesis doctoral «Contribución al estudio de la generación de formas arquitectónicas y urbanas» (1975), hasta su libro Los sonidos del silencio. Aproximación a la historia de la creación musical de las mujeres (2015), su producción ha sido incesante y ha alcanzado todos los campos de su quehacer con especial dedicación a la reflexión sobre la perspectiva de género en el urbanismo. Fue también profesora de Proyectos en ETSA Vallés (1975-79) y es profesora y conferenciante en Europa, USA, Canadá y América Latina. Es autora de más de 140 obras musicales.

La imposibilidad de una arquitectura normal | Miquel Lacasta

una página del catálogo Super Normal, Sensations of the Ordinary.
Una página del catálogo Super Normal, Sensations of the Ordinary.

Vivimos saturados de imágenes extraordinarias o mejor dicho de imágenes que codifican lo extraordinario. Estas se cuelan en nuestra cotidianeidad constantemente. Mientras nuestras vidas se desenvuelven con normalidad, lo extraordinario es un reclamo que por extensivo, contante y habitual, paradójicamente, se acaba convirtiendo en algo normal.

Instalada esa paradoja entre cualquier ciudadano medio urbanita de cualquier democracia occidental y por extensión, cualquier país con un cierto nivel de desarrollo, lo extraordinario se ha vuelto normal. Por tanto, ¿qué es lo normal? ¿Es lo extraordinario? O acaso, ¿no hay una cierta poética de la normalidad, en aquello que socialmente asumimos con normal? ¿Es normal que la normalidad no exista?

Estas preguntas agazapadas en nuestra sociedad dislocada y en muchos sentidos absurda, son claves para entender nuestra arquitectura.

Como Daniel Kiss introduce en Normal Architecture,1

«Mientras el discurso contemporáneo de la arquitectura parece estar intrínsecamente ligado a lo extraordinario, sea esto algo ligado a lo tecnológico, lo social, lo financiero o de cualquier otro tipo, es todavía crucial que los profesionales exploren, entiendan e influyan en los procesos orgánicos de la normalidad en la arquitectura. En tanto que este fenómeno es el responsable de la calidad dominante de nuestro entorno construido, no podemos dejar de intervenir en la manera como se materializa el reino de la media y lo ordinario».

Hay una manera evidente de entender lo normal. A saber, aquello no especialmente significado, y que sin pena ni gloria pasa totalmente como aceptado por la sociedad. Es aquello en lo que no reparamos, no prestamos atención, no es ni tan siquiera mínimamente llamativo, y no provoca en nosotros ningún tipo toque de atención particular. La extraordinaria dificultad de codificar de forma adecuada lo normal proviene de la formación del sujeto que categoriza como normal aquello que juzga. Una obra de arte puede parecer extraordinaria a ojos de alguien poco formado en la historia del arte, y completamente vulgar a manos de un experto.

Algo muy parecido nos ocurre cuando juzgamos ciertas arquitectura

Cuando vemos como ciertos analfabetos funcionales prefieren a golpe de cheque quedar fascinados por los chalets de A-cero, mientras que para prácticamente cualquier arquitecto decente, esa arquitectura es la sublimación de la vulgaridad, llegamos a comprender la dificultad inherente del concepto de normalidad.

Hay además otras normalidades que provienen de un uso ordinario y habitual de buenos diseños. En Super Normal,2 el catálogo de la exposición de la Triennale di Milano del 2007, Naoto Fukasawa escribe,

«Super Normal no es una teoría. Yo creo que consiste en volver a comprender algo que uno ya sabía. Re-aprender aquello que naturalmente pensabas que era bueno de un objeto. Es cierto que el diseño es mejorar algo que ya existe, pero también existe el peligro de que objetos que ya eran buenos acaben cambiando. Se espera del diseño que proponga algo nuevo o bello o especial. Cuando miramos a las cosas que nos rodean con esta prefiguración en la cabeza, por contraste, esos objetos “no diseñados” son percibidos como algo normal o incluso feo.

Super normal concierne a esas cosas que pasamos por alto cuando estamos demasiado focalizados en el diseño. Creo que Super Normal es la forma inevitable que resulta del uso prolongado de un objeto. El diseño refina poco a poco esta existencia normalizada y lo introduce en nuestras vidas hoy. Esto excede de la normalidad y se transforma en Super Normal. En definitiva, Super Normal indica nuestra comprensión de lo bueno de la normalidad».

En estas reflexiones sobre lo Super Normal, parece inevitable que el uso cotidiano dota de supernormalidad a un objeto bien diseñado. Pero ¿es eso realmente así? Es decir, ¿se puede llegar a diseñar algo con el objetivo de que se convierta de inmediato en Supernormal?

Entre lo socialmente aceptado y lo bien diseñado pero falto de condición de novedad o de aspectos flash, lo normal en arquitectura tiene un lugar difícil de acogida.

En una reflexión anterior ya me refería a un lugar común con la idea de lo normal y que linda con este, lo ordinario.

En 1997, Deborah Berke, profesora de Yale publica el texto Thoughts on the Everyday dentro del libro Architecture of the Everyday,3 editado por Steven Harris y ella misma. El texto es un alegato contra la influencia de los media en la arquitectura, la usurpación de la publicidad diaria en nuestras vidas y por extensión, la emergencia de arquitectos/marca y de edificios firmados por ellos. Básicamente desarrolla un posicionamiento contra lo que poco después llamaríamos los start-architects.

Como contraposición a estos productos arquitectónicos de perfil publicitario, Berke advoca por una arquitectura del día a día, implicada en las realidades telúricas de la disciplina, es decir, un planteo de la arquitectura basada en sus ocupantes, por la vía de considerar principalmente el programa y la materialidad. Una vuelta a las esencias, por así decirlo.

Pero repito, ¿es eso posible? ¿se puede llegar a diseñar teniendo lo ordinario, lo cotidiano y lo, en definitiva, normal como objetivo último?

Yo creo sinceramente que eso es imposible. Y es imposible simplemente porque nadie va a asumir su propia normalidad. Vivimos en un espacio social donde, sea cierto o no, nos sentimos únicos y extraordinarios. Evidentemente, eso no quiere decir que nuestra vida sea perfecta, e incluso podemos convenir que alguien se sienta extraordinario dentro de la negatividad. Alguien puede afirmar que vive un momento, o una vida, extraordinariamente mala. Sea como fuere, nadie puede ni identificar lo normal, en tanto que es un aspecto muy subjetivo, ni en caso de que se pueda llegar a un acuerdo en relación a un concepto tan difuso, nadie va a asumirlo como positivo.

Hacemos arquitectura que pretende ser extraordinaria. Debemos hacerlo así. Es nuestro deber ético. Ahora bien, eso no quiere decir, ni de lejos, que esa arquitectura deba tener unas formas exageradas, o unos materiales fuera de lo común, o incluso un programa alocado.

Creo profundamente en la posibilidad de hacer una arquitectura extraordinariamente ordinaria, pero no creo en la normalidad como objetivo. Creo que debemos intentar que la arquitectura y la ciudad que diseñamos mejore en muchos aspectos nuestra realidad diaria, y eso debe ser producto de mucha inteligencia por metro cuadrado y seguramente pocas veleidades formales sin contenido. Y si eso lo entendemos así, el resultado es necesariamente extraordinario.

Ahora bien, creo también y precisamente por lo expuesto, que la arquitectura normal es imposible.

Miquel Lacasta Codorniu. Doctor arquitecto
Barcelona, Septiembre 2015

Notas:

1 Kiss, Daniel, «Normal Architecture», en Iconoclasatia, News from a Post-Iconic World, Ed. Florian Sauter y Josep Lluís Mateo, ETH Zurich, Zurich, 2009

2 Fukasawa, Naoto y Morrison, Jasper, Super Normal, Sensations of the Ordinary, Lars Müller Publishers, Zurich, 2007.

3 Berke, Deborah, Thoughts on the Everyday, del libro Architecture of the Everyday, Steve Harris, Deborah Beker ed., Princeton Architectural Press, Nueva York, 1997

Memorial a los judíos asesinados en Europa (II) | Íñigo García Odiaga

Memorial a los judíos asesinados en Europa (II) Íñigo García christine-jacob-marks-memorial-berlin-holocaust
Maqueta de la propuesta desarrollada por Christine Jacob-Marks

El concurso realizado en 1994 para la construcción de un Memorial a los judíos asesinados de Europa, en la ciudad de Berlín, se cerró otorgando el primer premio al grupo encabezado por el escultor Christine Jacob-Marks. El proyecto jamás fue construido. El monumento consistía en una gran losa de hormigón de cien metros de largo, ligeramente inclinada, levantada hacia el este, con los nombre de las victimas asesinadas inscritas en ella. Un jurado compuesto por una treintena representantes de la sociedad y diez expertos fue el responsable de tomar la difícil decisión.

Memorial a los judíos asesinados en Europa (I) | Íñigo García Odiaga

Una enorme lápida, una piedra sepulcral de hormigón en masa de siete metros de canto representaría el debido homenaje a las víctimas. La gigantesca estela obra de Jacob-Marks tenía que inclinarse, sobresaliendo uno de sus extremos cerca de once metros en el aire sobre el extremo sureste del terreno, ocupando la totalidad del área conmemorativa de 20.000 metros cuadrados.

Memorial a los judíos asesinados en Europa (II) Íñigo García Odiaga christine-jacob-marks-memorial-berlin-holocaust-2-sketch
Vista de la propuesta, boceto

18 grandes rocas traídas de Masada, la mítica fortaleza símbolo de la resistencia judía, asediada por las tropas del Imperio Romano y que condujo finalmente a sus defensores a realizar un suicidio colectivo al advertir que la derrota era inminente. Los menhires traídos de Israel estarían esparcidos por la superficie grabada con los nombres de 4,5 millones de nombres de judíos asesinados, resumiendo de algún modo el dolor y sacrificio del pueblo judío a lo largo de su historia.

El día de la inauguración de la obra únicamente 100.000 nombres aparecerían grabados sobre la masa de hormigón. Los nombres del resto de los millones de asesinados en el holocausto, se irían sumando gracias a las donaciones del pueblo alemán y grabados durante los años siguientes, en una especie de “compra” del perdón, como si de ese esfuerzo monetario surgiese una especie de indulgencia a modo de bula medieval. En cierto modo esta cuestión económica suponía la necesaria participación de los ciudadanos en el monumento, pero en lugar de mantener una memoria viva, casi docente, como lo hacía la propuesta Bus Stop presentada por Renata Stih y Frieder Schnock, supone el enfrentamiento constante con el pasado y la asunción de la responsabilidad del pueblo alemán por lo ocurrido.

Memorial a los judíos asesinados en Europa (II) Íñigo García Odiaga masada-judios-imperio-romano
Vista de la colina de Masada, en la imagen aérea puede apreciarse la rampa artificial construida por los romanos para asaltar las murallas de la ciudadela

Las recomendaciones del jurado obtuvieron por este y otros motivos la oposición del entonces Canciller Helmut Kohl y su gobierno, lo que obligó a una revisión de la decisión. Después de varias discusiones, el proyecto presentado por Peter Eisenman y Richard Serra fue elegido como el ganador del concurso y su diseño de una enorme escultura abierta compuesta por alrededor de cinco mil cubos construye ahora el monumento a los judíos de Europa asesinados.

Íñigo García Odiaga. Arquitecto
San Sebastián. Publicado originalmente 26.06.2017

Memorial a los judíos asesinados en Europa (III) | Íñigo García Odiaga

P.D. Este texto pertenece a una trilogía, en la que se trata la construcción del Memorial a los judíos asesinados de Europa en Berlín, a través de tres actos

Alegría arquitectónica

Alegría arquitectónica - Jaime Bartolomé
Alegría arquitectónica (o cómo emocionar diseñando edificios para la sociedad contemporánea)
Alegría arquitectónica (o cómo emocionar diseñando edificios para la sociedad contemporánea)

Este libro investiga los mecanismos mediante los cuales la arquitectura produce sentimientos e ideas positivas en las personas y especula sobre cómo operar explícitamente con ellos para intensificar tales experiencias.

Partiendo de la teoría de los afectos de Spinoza y apoyados en la ciencia contemporánea, vamos a desarrollar una idea:

“la alegría arquitectónica”.

Esta idea ofrece una nueva comprensión geométrica y material de la arquitectura basada en las relaciones emocionales que se establecen con el cuerpo humano, sus órganos y patrones de acción y percepción. Estas relaciones arquitectónicas se han clasificado como biomecánicas, termodinámicas, aéreas, lumínicas, bioempaticas y táctiles. A lo largo del libro desvelaremos sus mecanismos de interacción, su geometría y los recursos materiales y biológicos en los que se basan.

La intensificación de estas relaciones emocionales se ha probado mediante 12 ideas de diseño que incluyen, entre otras, definiciones innovadoras del suelo arquitectónico, la geometría y materialidad de las envolventes y sus aperturas al exterior, un enfoque ampliado de los sistemas de climatización, fontanería y mobiliario, estrategias de iluminación y criterios para incluir la vegetación de forma consustancial a la arquitectura.

Este libro ofrece un marco creativo para diseñar emociones positivas y significativas a través de la arquitectura.

Jaime Bartolomé

Es arquitecto por la Universidad Politécnica de Madrid y doctor por la Bartlett School of Architecture de Londres. Es profesor de Proyectos Arquitectónicos en la Universidad Antonio de Nebrija y dirige desde 2007 la oficina GilBartolome Architects junto a Pablo Gil, donde desarrollan proyectos residenciales, culturales y de transporte. Su trabajo ha recibido numerosos premios y ha sido publicado y divulgado internacionalmente.

Casa X | Bojaus Arquitectura

bojaus-arquitectura-house-x-luis-asin-03
Casa X | Bojaus Arquitectura © Luis Asín

La Casa X surge del conflicto entre un bello paraje y la voluntad de habitarlo. El conflicto se afronta con la decidida voluntad de construir un nuevo elemento “del” paisaje, no “en” el paisaje. Como las antiguas fortalezas o las casas de Monsanto en Portugal, la casa aspira a integrarse de la forma más radical posible con el entorno que la acoge.

El berrocal en el que se asienta la casa se caracteriza por una suave topografía y por la imponente presencia de un roble centenario rodeado de encinas y carrascas que crecen entre grandes bolos graníticos.

Casa X Bojaus Arquitectura 10 planimetría
Casa X | Bojaus Arquitectura | Planimetría

Entre todos estos elementos pétreos y vegetales y aprendiendo de la casa Ugalde de Coderch, la casa consigue encontrar su sitio con una planta en forma de X que acomoda el programa en el accidentado paisaje, al tiempo que encuadra las vistas de dichos accidentes desde su interior.

bojaus-arquitectura-house-x-luis-asin-09
Casa X | Bojaus Arquitectura © Luis Asín

Construida íntegramente en hormigón fabricado en la propia obra con los áridos del lugar, se propone la permanencia y la vida útil de la propia casa como alternativas a una sostenibilidad frecuentemente sintetizada en imágenes inmediatas.

Los muros de 50 cm de espesor se construyen artesanalmente mediante tongadas de 60 cm de altura que integran el aislamiento entre la hoja interior y la exterior.

bojaus-arquitectura-house-x-luis-asin-15
Casa X | Bojaus Arquitectura © Luis Asín

El resultado es un muro de grandes sillares aislados que quedan vistos dentro y fuera de la casa. Frente a una media de 50 años de vida útil, se construye una casa que dure generaciones, una casa arraigada profundamente en el paisaje como los bolos graníticos y los árboles que la rodean.

Obra: Casa X
Autor: Bojaus Arquitectura (Ignacio Senra Fernández-Miranda, Elisa Sequeros Monzón)
Equipo de diseño: Jorge Gabaldón, Javier Luque
Situación del proyecto: Valdemorillo (España)
Año: 2022 – 2024
Área construida: 220 m²
Metros construidos: 190 m²
Tamaño del terreno: 2000 m²
Ingeniería: Bernabeu Ingenieros
Aparejador y gestor de proyecto: Ignacio Buzzanca Casasús
Fotografía: Luis Asín
+ bojaus.com

La vivienda social y asequible

Joan Clos, exalcalde de Barcelona y ex director ejecutivo de ONU-Hábitat, aborda en La vivienda social y asequible uno de los mayores desafíos políticos, sociales y económicos de nuestro tiempo: garantizar el acceso a una vivienda digna y adecuada como derecho constitucional.

La vivienda social y asequible - Joan Clos
La vivienda social y asequible – Joan Clos

A través de una reflexión propia y una visión amplia del panorama, el libro analiza la evolución histórica de la política pública de acceso a la vivienda en España, desde los modelos desarrollistas de mediados del siglo XX hasta las dramáticas consecuencias de la crisis inmobiliaria de 2008.

El autor desentraña los éxitos y fracasos del anterior modelo de vivienda protegida, el impacto de la llamada «liberalización del suelo» y las indefiniciones competenciales y financieras entre los distintos niveles de la administración. Clos propone soluciones innovadoras, centradas principalmente en el diseño de las ciudades y el ordenamiento urbanístico como herramienta para combatir la escasez de oferta de vivienda social y asequible.

Esta obra constituye una llamada a la acción de lo público para garantizar el acceso efectivo a una vivienda digna para quienes el mercado inmobiliario no ofrece solución. La vivienda social y asequible es una lectura para urbanistas, responsables políticos, académicos y cualquier persona comprometida con un modelo de ciudad que sitúe la vivienda digna al alcance de todos.

Joan Clos

Fue subsecretario general de Naciones Unidas y director ejecutivo del Programa de Naciones Unidas para los Asentamientos Humanos (ONU-Hábitat) entre 2010 y 2017, la agencia de Naciones Unidas responsable de la promoción de ciudades sostenibles, resilientes y prósperas. Durante su mandato, lideró la elaboración de la Nueva Agenda Urbana y fue nombrado secretario general de la Conferencia de las Naciones Unidas sobre la Vivienda y el Desarrollo Urbano Sostenible – Hábitat III. Nacido en Barcelona (Parets del Vallès), es un médico con una distinguida carrera en el servicio público y la diplomacia. Se graduó en Medicina por la Universidad Autónoma de Barcelona. Posteriormente se especializó en Salud Pública y Epidemiología en la Universidad de Edimburgo.

Fue elegido dos veces alcalde de Barcelona, desde 1997 hasta 2006, después de haber sido concejal de la ciudad entre 1983 y 1987, año en que se hizo cargo de la reforma urbanística del centro histórico de Barcelona. En 1991 fue nombrado teniente de alcalde de finanzas y presupuesto, jugando un papel clave en la preparación de los Juegos Olímpicos de Barcelona en 1992. A nivel internacional, en 1998, Joan Clos fue elegido presidente de Metrópolis, la asociación mundial que reúne a los gobiernos de las grandes ciudades. Dos años más tarde, fue elegido presidente de la Asociación Mundial para la Coordinación de las Ciudades y Autoridades Locales (WACLAC). Entre el 2000 y el 2007 fue presidente del Comité Asesor de Autoridades Locales de las Naciones Unidas (UNACLA). En 2004 fue vicepresidente de Ciudades y Gobiernos Locales Unidos (CGLU). Durante el periodo 1997-2003 fue miembro del Comité de las Regiones y miembro del Comité Político del Consejo de Municipios y Regiones Europeas (CEMR).

Antes de unirse a Naciones Unidas, entre 2006 y 2008, Joan Clos fue ministro de Industria, Turismo y Comercio de España. Entre 2008 y 2010 fue embajador de España en Turquía y Azerbaiyán. En su época de alcalde, Joan Clos recibió varios premios, incluyendo la medalla de oro del Royal Institute of British Architects en 1999 por la transformación urbana de Barcelona. En 2002, recibió el Premio de Honor de ONU-Hábitat por la promoción de la cooperación global entre las autoridades locales y Naciones Unidas y, en 2016, la medalla Jane Jacobs de la Fundación Rockefeller en reconocimiento a su liderazgo en el impulso de la Nueva Agenda Urbana.

Las mejores ideas si quieres tener un estilo moderno en tu cocina

0

Si estás pensando en renovar tu cocina y darle un aire moderno, hay muchos aspectos que puedes tener en cuenta para lograr un espacio funcional, estético y en línea con las últimas tendencias. La cocina ha dejado de ser un lugar exclusivamente práctico para convertirse en uno de los espacios más importantes de la casa.

A continuación, te presentamos las mejores ideas adaptadas a un estilo moderno y lleno de personalidad. Estas tendencias puedes implementarlas en tu hogar gracias a los profesionales de Yelarsan, con una gran experiencia en diseños de cocinas totalmente personalizados.

Las mejores ideas si quieres tener un estilo moderno en tu cocina
Las mejores ideas si quieres tener un estilo moderno en tu cocina 2025

Últimas tendencias en cocina

Diseño abierto y minimalista

Una de las grandes tendencias es la cocina abierta, conectada al salón o al comedor. Este tipo de distribución favorece la convivencia, multiplica la luz natural y da una sensación de mayor amplitud. El estilo minimalista, con muebles de líneas rectas, frentes lisos sin tiradores y electrodomésticos integrados, refuerza esta estética limpia y ordenada.

Los colores neutros como blanco, gris o negro siguen siendo protagonistas, aunque también puedes introducir toques de color con algún mueble, la encimera o los accesorios.

Materiales naturales

Aunque el estilo moderno suele asociarse a lo industrial y a lo sobrio, con una apariencia fría e impersonal, cada vez se busca más el equilibrio con materiales naturales. La madera, el mármol, el granito o el bambú aportan calidez y textura. Puedes incluirlos en encimeras, frentes de armarios, suelos o elementos decorativos.

Iluminación funcional y decorativa

Una cocina moderna necesita una iluminación bien pensada. La luz general debe ser suficiente, pero también conviene reforzarla con puntos de luz focalizados en zonas de trabajo como la encimera o la isla. Las tiras LED bajo los muebles altos son prácticas y discretas.

Para dar un toque decorativo, las lámparas colgantes sobre la isla o el office son una gran elección. Elige diseños que encajen con el estilo general: industriales, escandinavos, vintage o minimalistas.

Almacenamiento inteligente

El orden es clave en una cocina moderna. Para lograrlo, necesitas soluciones de almacenaje bien diseñadas. Los muebles a medida que llegan hasta el techo, los sistemas de organización interior y los módulos extraíbles son grandes aliados.

Las islas de cocina también permiten ganar espacio de almacenaje, al tiempo que sirven como superficie de trabajo o comedor informal. Si el espacio lo permite, no dudes en incorporar una.

Electrodomésticos integrados y tecnología

La tecnología ha llegado con fuerza a las cocinas modernas. Los electrodomésticos integrados, como hornos, microondas o frigoríficos panelados, contribuyen a mantener una imagen uniforme.

Personaliza con estilo

Una cocina moderna no tiene por qué ser impersonal. Puedes introducir tu estilo mediante elementos decorativos: cuadros, plantas, jarrones o textiles. También puedes jugar con contrastes de color o materiales para romper la uniformidad y aportar dinamismo.

En definitiva,  las tendencias actuales en cocinas modernas combinan funcionalidad, estética y tecnología. Con las ideas que te ofrecemos podrás crear un espacio actual, cómodo y adaptado a tu estilo de vida. Al aplicar estas claves conseguirás que tu cocina se convierta en el corazón de tu hogar.

Memorial a los judíos asesinados en Europa (I) | Íñigo García Odiaga

Memorial a los judíos asesinados enPlano de situación de la propuesta de Stih & Schnock en el solar del concurso de Berlín, 1994
Plano de situación de la propuesta de Stih & Schnock en el solar del concurso de Berlín, 1994

Bus Stop fue la propuesta presentada por Renata Stih y Frieder Schnock al concurso para el Memorial a los judíos asesinados de Europa, en 1994. El proyecto no pretendía la construcción de un monumento, o de una pieza simbólica, sino que creaba la posibilidad de activar la memoria mediante la acción. En lugar de un monumento, abrieron una calle en diagonal cruzando la parcela y colocaron una parada de autobús en el solar. Desde allí, autobuses rojos llevarían a los visitantes a los escenarios reales del holocausto, a los campos de la muerte, a lugares como Auschwitz, Treblinka o Sobibor. El destino y la inscripción “Memorial a los judíos asesinados de Europa” aparecería rotulado en los autobuses.

Esta intervención clasificada dentro de la escultura social, hubiese logrado gran cantidad de objetivos relativos a lo que un memorial debe representar en relación a su presencia en la ciudad, el mantenimiento del recuerdo y el homenaje debido a las víctimas.

Por un lado, su presencia física, prácticamente nula en el lugar, hubiese provocado que el solar permaneciese vacío, estéril, en una de las zonas inmobiliariamente más deseadas de la capital berlinesa, por lo que desde lo urbano representaría un grito callado frente al desarrollo cotidiano de la ciudad.

Memorial a los judíos asesinados en Europa (I) Íñigo García Odiaga Fotomontaje del autobús recorriendo el centro de la ciudad
Fotomontaje del autobús recorriendo el centro de la ciudad

Por otro lado, la acción era la esencia de la intervención Stih y Schnock. Los viajes de los autobuses mantendría viva la información sobre lo ocurrido, la organización del sistema nazi, los campamentos y el holocausto, utilizando mapas, publicaciones y un sistema informático interactivo, toda la información disponible estaría disponible para aquellos que se involucrasen en la experiencia. Cada ciudadano se haría consciente del pasado, asumiendo una responsabilidad personal y construyendo desde lo individual una memoria colectiva.

Bus Stop, eliminaría la necesidad de construir un elemento monumental para conmemorar a las víctimas, precisamente porque todo el país y muchas partes de Europa están llenos de lugares e historias que no deben olvidarse. Una visita a un antiguo campo de concentración crearía la suficiente inquietud como para que aquellos hechos quedasen grabados en la memoria. De algún modo los restos físicos, construidos del holocausto se configuran como el mejor legado del horror y como pruebas de la existencia de un genocidio innegable.

Finalmente únicamente cabría preguntarse dónde reside el debido homenaje a las víctimas. Tal y como Stih y Schnock argumentaron la visita a los lugares históricos, llena de detalles, matices, imágenes y encuentros inesperados convertirían el recuerdo en una experiencia formativa. La experiencia no sería un simple viaje de un día, ya que el camino de regreso sin duda duraría para toda la vida, y ese es precisamente el homenaje que este memorial no construido proponía. Tal vez demasiado radical, duro o cruento como para ganar el concurso de 1994.

Íñigo García Odiaga. Arquitecto
San Sebastián. Publicado originalmente 18.04.2017

P.D. Este texto pertenece a una trilogía, en la que se trata la construcción del Memorial a los judíos asesinados de Europa en Berlín, a través de tres actos

Memorial a los judíos asesinados en Europa (II) | Íñigo García Odiaga

Capital Reform

exposición Capital Reform 2025
Exposición «Capital Reform» en COAM 2025

Desde el 21 de abril al 20 de junio, la sede del Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid acoge la exposición Capital Reform. Diseñada y comisariada por Alejandro Caraballo, Carlos Rebolo (crac | taller de arquitectura), Nicolás Martín y Carlos Mombiela, Capital Reform muestra el trabajo de una generación de arquitectos y arquitectas madrileños que ha sabido hacer de la necesidad virtud y que, mediante la optimización de superficies reducidas, la actualización de tipologías domésticas convencionales y la experimentación material y estética, está reconfigurando los espacios de la vida diaria.

Cartografía de la reforma doméstica madrileña

La muestra recoge una selección de imágenes tomadas por reconocidos fotógrafos y fotógrafas con las que los estudios colaboran de forma habitual y que han tenido una alta repercusión en diferentes medios. Estas fotografías se encuentran en diálogo con otras tomadas de forma espontánea durante el proceso de obra y con una extensa mesa común en la que todos los seleccionados vuelcan los elementos fundamentales de su proceso creativo.

Para los arquitectos jóvenes seleccionados la reforma doméstica se presenta como una gran oportunidad para que, desde lo cotidiano y el trato cercano con el usuario, el arquitecto dé respuesta a la aspiración colectiva de mejorar las condiciones habitacionales.

Estudios seleccionados en la muestra:

ba-rro, BURR, cumuloLimbo studio, EstudioReciente, gon architects, HANGHAR, Studio Pachón-Paredes, Pia Mendaro, Plutarco, Yeyé Estudio.

Fotógrafos en la muestra

Alberto Amores, Luis Asín, Luis Díaz Díaz, Hiperfocal, Javier de Paz García, Sergio Pradana, Asier Rua, Germán Saiz, Maru Serrano.

Casa en Les Rotes | Selba García-Clark – Daniel Carratalá Climent

Casa en Les Rotes Selba García-Clark – Daniel Carratalá Climent 01 Milena Villalba
Casa en Les Rotes | Selba García-Clark – Daniel Carratalá Climent © Milena Villalba

La vivienda se encuentra situada en la zona costera del Parque Natural de Les Rotes (Dénia), a unos 100 metros del mar mediterráneo.

Casa en Les Rotes Selba García-Clark – Daniel Carratalá Climent 2 orientación y visuales
Casa en Les Rotes | Selba García-Clark – Daniel Carratalá Climent | Orientación y visuales

Partíamos de la idea de que fuera una construcción suave, continua e integrada en el paisaje, con pocas aristas y con vegetación abundante tanto en el exterior como en el interior.

Para ello, respetamos la mayor parte de los árboles preexistentes en la parcela y empleamos un volumen de dos plantas que se asoma con curiosidad para contemplar el mar mediterráneo entre las casas vecinas. Asimismo, consideramos el impacto de la vivienda en el Parque Natural consiguiendo una equilibrada integración visual con su entorno.

Casa en Les Rotes Selba García-Clark – Daniel Carratalá Climent 1 diagramas de flujos
Casa en Les Rotes | Selba García-Clark – Daniel Carratalá Climent | Diagramas de flujos

La envolvente de la casa se maximiza para el intercambio de calor con el exterior, buscando siempre la orientación sur y las vistas panorámicas al este. La planta noble se encuentra elevada en la primera planta y. como en un barco, accedemos al resto de las estancias en la planta inferior, a través de una escalera orgánica que brota del estanque interior.

Casa en Les Rotes Selba García-Clark – Daniel Carratalá Climent 16 Milena Villalba
Casa en Les Rotes | Selba García-Clark – Daniel Carratalá Climent © Milena Villalba

Se ha dado vital importancia a las circulaciones interiores y exteriores de los habitantes, las cuales conectan de manera fluida las formas volumétricas con el jardín exterior. También se ha hecho especial hincapié en la captación/protección de calor a través de la fachada sur, en las ventilaciones cruzadas que se enhebran por el interior de la vivienda y en la creación de una ventilación vertical entre ambas plantas gracias a una chimenea térmica (lucernario) potenciada por la lámina de agua del estanque inferior.

Todo ello contribuye exitosamente a crear un ambiente interior muy agradable tanto en invierno como en verano, minimizando el uso de calefacción y aire acondicionado.

Casa en Les Rotes Selba García-Clark – Daniel Carratalá Climent 19 Milena Villalba
Casa en Les Rotes | Selba García-Clark – Daniel Carratalá Climent © Milena Villalba

Es un proyecto de diseño biofílico en el que además de plantas, se han empleado materiales naturales, como el corcho negro para el aislamiento, madera de roble, piedra de origen local y acabados saludables sin emisiones de compuestos orgánicos volátiles ni formaldehído.

Casa en Les Rotes Selba García-Clark – Daniel Carratalá Climent 9 planiemtria
Casa en Les Rotes | Selba García-Clark – Daniel Carratalá Climent | Planimetria

Las aguas residuales se reutilizan mediante una depuradora de oxidación total y se recoge el agua de lluvia a través de las gárgolas de las cubiertas, almacenándose en un aljibe subterráneo para su aprovechamiento en el jardín.

Casa en Les Rotes | Selba García-Clark – Daniel Carratalá Climent © Milena Villalba

Además, se ha creado un piscina natural depurada a través de un lecho de gravas y plantas acuáticas que contribuye a incrementar la biodiversidad del entorno.

Obra: Casa en Les Rotes
Autores: Selba García-Clark y Daniel Carratalá Climent
Paisajista: Selba García-Clark
Año: Enero de 2021-Mayo de 2023
Superficie Construida: 301 m2
Ubicación: Dénia, Comunitat Valenciana, España
Cliente: Mariano y Carmen
Arquitecto técnico: Emilio Molina Guillem
Colaboradores: Raül Climent ,Jorge Juan, Federico Zorrilla.
Estructura: Óscar Perosanz
Ingeniería piscina natural: ARAGrup
Herrero: Federico Cuello
Constructor: Mariano García Algarra
Fotografía: Milena Villalba 
+ danielcarratala.com

Arquitecturas de la red

Arquitecturas de la red - Lluis Juan Liñán
Arquitecturas de la red | Lluis Juan Liñán

Esta es una arqueología reciente de la comunicación de arquitectura en internet. Desde los primeros sitios web lanzados por arquitectos hasta la explosión de plataformas como ArchDaily o PinterestArquitecturas de la red recoge los formatos de difusión que han sido arrastrados por la World Wide Web en su asalto y captura de la información arquitectónica, así como las lógicas editoriales y creativas que alimentan la reproducción de la arquitectura en la actualidad.

Lluis Juan Liñán 

Arquitecto por la ETSA de Valencia (2011), Doctor Arquitecto por la ETSA de Madrid (2022) y parte de rellam. En la actualidad, es profesor asociado en la ETSA de Madrid y Guest Lecturer en la Umeå University School of Architecture. Ha sido Visiting PhD en el MIT (2020), profesor asociado en la Universidad de Alcalá (2023-2024), docente en el Master en Proyectos Arquitectónicos Avanzados de la ETSAM (2017-2020) y Wortham Fellow en la Rice University School of Architecture (2015-2017). Antes de fundar rellam junto a Andrea Gimeno y Xevi Lluch, Lluis se formó en las oficinas de Manuel Portaceli y en Mansilla + Tuñón. Su práctica ha sido expuesta dos ediciones de la Bienal de Arquitectura de Venecia, seleccionada en la XV BEAU, reconocida en varias ediciones de los premios FAD y Arquia Próxima y premiada con el Bauwelt Preis de 2019. Su trabajo puede consultarse en rellam.org.

Árboles para la ciudad | Aldo G. Facho Dede

Árboles para la ciudad Aldo G. Facho Dede Avenida Jose Pardo Autor Francisco Anzola
Avenida Jose Pardo (Perú) © Francisco Anzola

“La importancia de las áreas verdes y los árboles en la salud”.

Los espacios públicos son la esencia de la ciudad. Están conformados por una diversidad de espacios abiertos como son las calles, avenidas, plazas, parques, playas, entre otros. Gran parte de los derechos fundamentales que reconoce la Constitución Política del Perú están asociados a ellos, como el libre tránsito, la libertad de reunión pacífica, al disfrute del tiempo libre, y a gozar de un ambiente equilibrado y adecuado para el desarrollo de la vida.

Es por ello que en el 2021 se aprobó la Ley de Gestión y Protección de los Espacios Públicos (Ley N° 31199), donde se refuerza que su finalidad es para el disfrute colectivo, por lo que no se podrá prohibir el desarrollo de actividades de ocio o recreativas en ellos.

“Los espacios públicos son la esencia de la ciudad. Están conformados por una diversidad de espacios abiertos como son las calles, avenidas, plazas, parques, playas, entre otros. Gran parte de los derechos fundamentales que reconoce la Constitución Política del Perú están asociados a ellos, como el libre tránsito, la libertad de reunión pacífica, al disfrute del tiempo libre, y a gozar de un ambiente equilibrado y adecuado para el desarrollo de la vida”.

El valor de los espacios públicos se mide en salud y sostenibilidad. El urbanismo contemporáneo tiene como origen las epidemias del siglo XIX, razón por la cual hace énfasis en la adecuada iluminación y ventilación de las edificaciones, la amplitud y arborización de las vías, y la adecuada distribución de los parques. La pandemia del Covid-19 nos permitió destacar esos aspectos. Instituciones como la Organización Mundial de la Salud (OMS) han reforzado la importancia de los parques y los árboles en la salud pública y en la mitigación de los efectos del cambio climático.

Una investigación del Servicio Forestal de Estados Unidos (2020), concluyó que, si se alcanzaba una cobertura arbórea del 30% en los espacios públicos de la ciudad de Filadelfia, podrían evitarse 403 muertes prematuras y generar un ahorro en salud de alrededor de 4mil millones de dólares. Por otra parte, una reciente publicación del diario “La Nación” (Argentina) demuestra cómo los árboles y la adecuada ventilación de las vías ayudan a reducir la temperatura del suelo hasta en un 50% en la ciudad de Buenos Aires.

“Una investigación del Servicio Forestal de Estados Unidos (2020), concluyó que, si se alcanzaba una cobertura arbórea del 30% en los espacios públicos de la ciudad de Filadelfia, podrían evitarse 403 muertes prematuras y generar un ahorro en salud de alrededor de 4mil millones de dólares. Por otra parte, una reciente publicación del diario “La Nación” (Argentina) demuestra cómo los árboles y la adecuada ventilación de las vías ayudan a reducir la temperatura del suelo hasta en un 50% en la ciudad de Buenos Aires”.

Lamentablemente, las principales ciudades del Perú están a la zaga del continente con respecto a la superficie de espacios públicos, áreas verdes, y cantidad de árboles que tienen por habitante. Ante esto, nuestros alcaldes lejos de preocuparse por incrementarlos se esfuerzan por recortarlos, restringir su uso y convertirlos en cemento.

Son de público conocimiento los reclamos de vecinos en distritos como Miraflores por la restricción al uso de los espacios públicos, situación que como ya hemos visto es ilegal. Asimismo, se reciben a menudo denuncias sobre proyectos que, bajo el argumento de la modernización, plantean la tala de árboles. Un ejemplo es lo que viene sucediendo en la ciudad de Piura, donde se pretenden sacrificar 21 algarrobos para construir un circuito de las aguas como el de Lima (El Comercio). Esto es sumamente preocupante en una ciudad en la que por estos días la sensación térmica bordea los 40° C y la radiación ultravioleta es extremadamente alta (SENAMHI). Situaciones similares se ven en Trujillo y Chiclayo.

“Lamentablemente, las principales ciudades del Perú están a la zaga del continente con respecto a la superficie de espacios públicos, áreas verdes, y cantidad de árboles que tienen por habitante. (…) Son de público conocimiento los reclamos de vecinos en distritos como Miraflores por la restricción al uso de los espacios públicos, situación que como ya hemos visto es ilegal”.

“Un ejemplo es lo que viene sucediendo en la ciudad de Piura, donde se pretenden sacrificar 21 algarrobos para construir un circuito de las aguas como el de Lima. (…) Esto es sumamente preocupante en una ciudad en la que por estos días la sensación térmica bordea los 40° C y la radiación ultravioleta es extremadamente alta”.

¿Podemos hacer algo para revertir esta situación?

Sin duda que sí. En primer lugar, debemos conocer nuestros derechos y reclamar con firmeza que se respeten. En segundo lugar, tenemos que exigir a nuestros alcaldes que las obras que promuevan estén enmarcadas en los planes urbanos, y que cuenten con estudios técnicos y ambientales que las respalden. En tercer lugar, debemos proteger los árboles existentes y plantar nuevos en nuestros espacios públicos, empezando por las calles. Y, en cuarto lugar, debemos promover la creación de nuevos parques y espacios arbolados, así como la recuperación de aquellos que se hayan convertido en cemento.

En nuestras ciudades, contamos con importantes espacios naturales que podrían incrementar su aporte ecosistémico si los protegemos y convertimos en grandes parques zonales. Por ejemplo, el Plan de Desarrollo Metropolitano de Lima al 2040 propone la arborización y creación de parques lineales en las fajas marginales de los ríos Lurín, Rímac y Chillón, y la integración de la Costa Verde en un gran parque zonal, entre otros ambiciosos proyectos. Asimismo, el Ministerio del Ambiente viene promoviendo la forestación de 2 mil hectáreas de las laderas del distrito de Ancón mediante el proyecto “Franja Verde” de la Ciudad Bicentenario.

“¿Podemos hacer algo para revertir esta situación? Sin duda que sí. (…) debemos conocer nuestros derechos y reclamar con firmeza que se respeten. (…) tenemos que exigir a nuestros alcaldes que las obras que promuevan estén enmarcadas en los planes urbanos, y que cuenten con estudios técnicos y ambientales que las respalden. (…) debemos proteger los árboles existentes y plantar nuevos en nuestros espacios públicos, empezando por las calles. (…) En nuestras ciudades, contamos con importantes espacios naturales que podrían incrementar su aporte ecosistémico si los protegemos y convertimos en grandes parques zonales.”

Como vemos, convertir nuestras ciudades en espacios saludables y sostenibles no es un sueño inalcanzable, es una obligación y una decisión ciudadana y política. Empecemos ahora.

Mesas ordenadas | José Ramón Hernández Correa

La idea de escribir esta entrada nació con un tuit de David García-Asenjo en el que citaba un artículo de Juan Tallón«Instrucciones para ordenar la mesa». David es un lector infatigable, culto e inteligente, y si él cita, glosa o refiere un artículo  te lo tienes que leer.

Así son las cosas, así que me lo leí inmediatamente (Hacedlo también vosotros). Al momento saqué con el móvil una foto a mi mesa según estaba, y la mandé como respuesta al tuit de David y al artículo.

Esto desencadenó más respuestas de más amigos, y así, espontáneamente, nos fuimos retratando.

Mesas ordenadas José Ramón Hernández Correa Mesa JR
Mesa de José Ramón Hernández Correa
Mi mesa

He trabajado durante veinte años con mi socio Tomás Saura. Durante ese tiempo me ha dado muchos motivos de envidia. Uno de ellos era su mesa siempre ordenada. Podríamos tener muchísimo trabajo, muchas llamadas apremiantes, muchos faxes, cartas, lo que fuera. Él tenía cada cosa en una carpeta, en un archivador, en un cajón. Todo en su sitio. A veces, mientras trabajaba, tenía la mesa inundada de papeles, pero cada uno de ellos cumplía una función exacta y estaba donde tenía que estar, y al terminar la jornada era guardado y clasificado en su correspondiente carpeta, convenientemente etiquetada, y la mesa quedaba limpia y libre para el día siguiente.

Yo no puedo. Mi mesa ya me expulsa a mí. Busco un rincón despejado para escribir allí, encogido, una nota. Como Juan Tallón, me digo a mí mismo que no es tan difícil guardar cada cosa en su sitio, pero, también como él, veo cosas que no lo tienen, y, lo que es peor, cosas que pueden tener dos o tres sitios válidos porque pertenecen simultáneamente a dos o tres órdenes o familias.

Por otra parte, me da miedo tirar cosas. Ese folleto de un material de cubierta: No tengo intención de usar ese material, pero no lo tiro. Esa carta medio rara que te llega, esa tarjeta de un comercial de fontanería, esa notificación, esa invitación a un acto, esa lo que sea.

¿Dónde guardarla?

En ningún sitio. Su sitio es la papelera, pero ya. Pues no. La dejo sobre la mesa vagando y vegetando y al cabo de meses y meses ya se ha pasado la fecha, la efectividad, la oportunidad, lo que sea, y la tiro por fin, cosa que debería haber hecho el primer día. Me digo y me repito que si un papel me es útil debe tener su sitio para ser guardado y ordenado, y si no lo es debe ir a la papelera, pero no lo hago.

(Por cierto, ¿alguna vez habéis revuelto la papelera buscando ese papel que tirasteis el otro día y que ahora necesitáis? Yo sí. Soy un desastre).

Otra cosa que pienso es que si yo trabajara en una empresa, si yo tuviera un jefe, sería más cuidadoso con el aspecto de mi mesa. Supongo que no me atrevería a ser censurado por mi jefe ni por mis compañeros. Pero trabajo solo, a mi bola, y creo que eso ayuda también a tener la mesa así. En este caso el desorden tiene también algo de capricho. Pero cuidado con el capricho: Es como no afeitarse un día para trabajar (¿qué más da?, por un día no pasa nada): Acaba uno trabajando otro día en zapatillas de estar por casa, y otro día en chándal, y otro día en pijama. Esto del desorden mesero es como el alcoholismo: Uno reconoce en ciertos momentos que se está pasando, que está siendo superado y no puede controlarlo, pero en el fondo no cree que sea un problema grave, no se da cuenta, se va abandonando y naufraga. Uno se agarra una borrachera de desorden y se olvida de los problemas que le abruman.

En medio del caos, uno está rodeado de amigos: Un medallón, unos sellos, una lupa, unas fotos, una figurita de Astérix, un viejo llavero… Cosas que te acompañan y te alegran, pero que, aún más, te abruman, te descentran y te fastidian. Y todo ello a la vez.

No sé muy bien por qué (o sí, pero para qué andar dando explicaciones tontas) en el follón de mi mesa había un montón coronado por el Corto Maltés en Siberia. Debajo, no se ve en la foto, había un número del Jot Down, un libro de órdenes, un bloc, varias carpetas que no eran de ahí, etcétera. Al fondo, detrás de los botes de lápices y bolis (tantos botes y cuando necesito un rotulador no lo hay) tengo la novela Oblomoff, en una vieja edición de 1931, y debajo de ella Si te dicen que caí. Entre los botes de bolis y las novelas hay un medallón de bronce en el que sale el Palacio de Cristal de la Casa de Campo de Madrid, en una rara vista curvada en ojo de pez. A su lado, una tarjeta de la residencia de ancianos de mi pueblo.

Y para qué seguir.

Mesa de David García-Asenjo
Mesas ordenadas José Ramón Hernández Correa Mesa-David-1
Mesa de David García-Asenjo

A mi foto reaccionó David poniendo dos de su mesa según estaba en ese momento. Por un lado libros y papeles amontonados (y un aparato eléctrico que no identifico) y por otro unos apuntes de un ratón (diría que sí, que es un ratón) sobre un libro ilustrado. También veo herramientas y más cosas.

Mesas ordenadas José Ramón Hernández Correa Mesa-David-2
Mesa de David García-Asenjo
Mesa de Carlos Santamarina Macho
Mesas ordenadas José Ramón Hernández Correa Mesa-CSant-1
Mesa de Carlos Santamarina Macho

Carlos Santamarina se descolgó con cinco fotografías impactantes, e incluso inquietantes. Cachivaches electrónicos, libros, papeles… lo normal. Pero en la tercera foto hay

¡una pistola!

Mesas ordenadas José Ramón Hernández Correa Mesa-CSant-2
Mesa de Carlos Santamarina Macho

Magnífico recurso -pienso- para recibir a un cliente.

Mesas ordenadas José Ramón Hernández Correa Mesa-CSant-3
Mesa de Carlos Santamarina Macho

– He pensado que su casa quedaría muy bien con la cubierta plana -jugando con la pistola, haciéndola voltear sobre el dedo índice, acariciando el gatillo.

– Sí… (glups)… Claro… Por supuesto.

– En cuanto a los honorarios, me parece que los que le digo son muy razonables.

– Uf… Más que razonables… Me han parecido incluso baratos.

(Luego nos confesó que es una pistola de juguete con la que se entretiene tirando a una diana. Cosas de los creadores talentosos).

Mesas ordenadas José Ramón Hernández Correa Mesa-CSant-4
Mesa de Carlos Santamarina Macho

Y en la quinta foto, que es un recorte ampliado de la primera, nos muestra una botellita de agua con forma de calavera y un muñeco de Men in Black. (¿O es de Reservoir Dogs?).

Mesas ordenadas José Ramón Hernández Correa Mesa-CSant-5
Mesa de Carlos Santamarina Macho

Sobre ser desordenados se nos junta ser mitómanos, críos inmaduros, frikis, locazas y saltimbanquis impenitentes.

Mesas ordenadas José Ramón Hernández Correa Mesa-Agua-1
Mesa de AGUA Architects
AGUA Architects (no sé si Aguilera o Guerrero) se sumaron a la impúdica exhibición de mesa, y también lo hizo Alberto Alonso. En sus casos veo un desorden controlado, e, incluso, si me permitís la palabra, fértil.
Mesas ordenadas José Ramón Hernández Correa Mesa-AlbertoAlonso-1
Mesa de Alberto Alonso Oro

A mí el desorden me agobia, me incomoda. No estoy a gusto conmigo mismo, pero no soy capaz de ponerle solución. No puedo sobreponerme. Cuando, finalmente, algún día me pongo a ordenar la mesa y la dejo despejadita y limpia, me siento muy feliz y me propongo que no volverá a ser pasto de la entropía.

«Cada día -me digo- antes de cerrar recogeré la mesa. Cada cosa a su sitio. Es perder un par de minutos diarios para mantener el orden. Es fácil».

Pero no puedo. Poco a poco (o, mejor dicho, mucho a mucho) la mesa se vuelve a poblar de seres extraños y en seguida vuelve a estar intratable.

Y yo, que ahora mismo debería estar ordenándola y limpiándola, empleo ese precioso tiempo en escribir esto en el blog.

José Ramón Hernández Correa · Doctor Arquitecto
Toledo · Marzo 2017

A David García-Asenjo, a Carlos Santamarina, A AGUA arquitectos y a Alberto Alonso, por su colaboración y por sus mesas.

PD.- Si os apetece podéis mandarme fotos de vuestra mesa -pero sin trampas: una foto inmediata con el móvil a la mesa tal como esté ahora mismo- a arquitectamoslocos@gmail.com, y yo las pondré aquí debajo, a modo de addenda.
Addenda: Fotos de mesas de algunos lectores de este blog

22-03-2017: Mariano Rodea, de Casa Blanca – Oficina de Arquitectura, México, manda primero una foto de la mesa de Einstein tal como quedó el día de su muerte. Así lo dejó todo. Así quedó su mesa. La verdad es que me reconforta bastante.

Y a continuación manda foto de la suya. No está mal.

22-03-2017.- Susana Rodríguez Carballido dice que esta es una imagen atípica de su mesa, y que suele amontonar papeles según el tema que esté desarrollando, y luego los recoge y/o los reapila y reamontona. O sea: orden. También dice que esa novela está ahí inopinadamente. Grandísima novela. Y mucho orden.

22-03-2017.- Antonio Navarro Blaya dice que suele mantener el desorden en la columna de la derecha hasta que se desborda y lo invade todo, y asegura que su mesa suele estar muy desordenada pero es que justo la ha ordenado hace poco. Sí, ya, ya. La típica excusa del hombre educado y correcto que quiere hacerse pasar por desastroso para que le admitan en el grupo y no la tomen con él. Ya, ya.

29-03-2017.- Cristina Barrón me manda esta foto de su mesa y me dice:

«Esta es la mía en este momento, espero que no sea la más desastrosa».

¿Estás de broma? Al contrario: Es asquerosamente pulquérrima.

30-03-2017.- Fer (@fjparras) Manda la foto de su mesa. Muy interesante, sobre todo lo que se intuye allá, al fondo. En primer plano esa base para cortar y esos restos de cortes.

Con un poco de suerte no se recoge en el momento y cuando hay que tomar alguna nota ante el ordenador se busca este rinconcito de primerísimo plano. Y así hasta que no se vea un centímetro cuadrado de tablero. Bien; va muy bien. Ánimo.

09-04-2017.- Tomás Saura, por alusiones, me manda foto de su mesa. ¿No tenía yo razón? ¿No es para tenerle mucha admiración y mucha envidia? Todo tan ordenado y tan pulcro. (Nótese cómo en una de las dos pantallas sale este blog: Estaba leyendo esta entrada y ha hecho la foto).

Hormigón. Arma de construcción masiva

Hormigón. Arma de construcción masiva Anselm Jappe
Hormigón. Arma de construcción masiva | Anselm Jappe

El hormigón encarna la lógica capitalista. Es el lado concreto de la abstracción mercantil. Como ella, anula todas las diferencias y es más o menos siempre lo mismo. Producido de forma industrial y en cantidades astronómicas, con consecuencias ecológicas y sanitarias desastrosas, ha extendido su dominio por el mundo entero, asesinando las arquitecturas tradicionales y homogeneizando todos los lugares con su presencia.

Monotonía del material, monotonía de las construcciones que se edifican en serie conforme a algunos modelos básicos de duración muy limitada, tal como establece el reinado de la obsolescencia programada. Al transformar definitivamente la edificación en mercancía, este material contribuye a crear un mundo en el que ya no nos encontramos a nosotros mismos.

Por eso había que rastrear su historia; recordar los designios de sus numerosos paladines —de todas las tendencias ideológicas— y las reservas de sus pocos detractores; denunciar las catástrofes que provoca en tantos ámbitos; poner de manifiesto el papel que ha desempeñado en la pérdida de ciertas destrezas y en el declive de la artesanía; y en último término, demostrar cómo dicho material se inscribe en la lógica del valor y del trabajo abstracto. Esta implacable crítica del hormigón, ilustrada con abundantes ejemplos, es también —y quizá sobre todo— la crítica de la arquitectura moderna y del urbanismo contemporáneo.

[…] Hay otro aspecto del hormigón armado que no ha sido tenido en cuenta más que accidentalmente por sus comentaristas, incluidos los más críticos. Podemos explicarlo mediante un juego de palabras que funciona en inglés, en español americano y en portugués, pero por desgracia no en francés ni en otras lenguas. Hormigón se traduce por concrete en inglés y por concreto en portugués y en ciertas variantes del español. Como ya vimos en el segundo capítulo, la palabra concrete remite etimológicamente a lo que es «sólido», «compacto». Y como ya sabemos, la pareja concreto-abstracto desempeña un papel protagonista en el pensamiento filosófico occidental.

Pues bien, podemos afirmar que el hormigón constituye uno de los lados concretos de la abstracción mercantil producida por el valor que, a su vez, es una creación del trabajo abstracto. No se trata de una broma basada en un juego de palabras. Para ser más precisos, la sociedad capitalista se basa en la abstracción, en una abstracción muy particular: el trabajo abstracto que crea el valor. Esta abstracción se expresa de forma especialmente concreta y visible en dos materiales: el hormigón y los materiales plásticos. […]

Anselm Jappe

Exponente de la crítica del valor, Anselm Jappe (Bonn, 1962) es autor de títulos como Sous le soleil noir du capital y Un complot permanent contre le monde entier. Essais sur Guy Debord (ambos de próxima aparición en esta casa) o Les Habits neufs de l’empirez, con Robert Kurz.

En Pepitas ha publicado Crédito a muerte. La descomposición del capitalismo y sus críticos (2011), Las aventuras de la mercancía (2016) y La sociedad autófaga (2019); junto a Robert Kurz y Claus-Peter Ortlieb, El absurdo mercado de los hombres sin cualidades. Ensayos sobre el fetichismo de la mercancía (2009 y 2014) y Hormigón (2021), además de una introducción al texto de Karl Marx El fetichismo de la mercancía y su secreto.

Wintercircus | OYO Architects

Wintercircus OYO Architects © Farah Lieten 1
Wintercircus | OYO Architects © Farah Lieten

El edificio, que fue primero un circo y más tarde un garaje, se reinventa como un dinámico hub tecnológico y cultural, con el propósito de ser un catalizador para la ciudad un proyecto de interiorismo de 4,830m2 que otorga una nueva vida a un monumental edificio histórico en Gante, Bélgica.

Wintercircus OYO Architects © Farah Lieten 2
Wintercircus | OYO Architects © Farah Lieten

Este gigante de 125 años, que fue en sus inicios un circo y más tarde un garaje, se transforma ahora en un vibrante hub tecnológico y cultural que extiende la vida del edificio y asegura un futuro sostenible tanto para el campus como para la ciudad.

Wintercircus OYO Architects © Farah Lieten 5
Wintercircus | OYO Architects © Farah Lieten

Ubicado en el corazón de Gante, este edificio de 1885 ha pasado por varias transformaciones, la última en 2015, en la que se preservó su robusta estructura original. A partir de esta base, OYO ha renovado los interiores de Wintercircus para alinearse con el encargo de TENT, un consorcio del sector tecnológico que buscaba convertir el edificio en un catalizador para la comunidad, la economía y el empleo de la ciudad.

Wintercircus OYO Architects Planimetria
Wintercircus | OYO Architects | Planimetria

“La magia del Wintercircus reside en la oportunidad que brinda para favorecer la innovación, inspirada por las interacciones espontáneas y el intercambio de ideas entre emprendedores, investigadores, estudiantes, creativos digitales y el público en general”.

Wintercircus OYO Architects © Farah Lieten 8
Wintercircus | OYO Architects © Farah Lieten

El equipo de arquitectos ha acondicionado el interior de más de treinta espacios de trabajo para start-ups tecnológicas, una gran sala polivalente, dos espacios para exposiciones y conferencias, y dos zonas gastronómicas.

Wintercircus | OYO Architects © Farah Lieten

Así, mediante el uso de colores y texturas de evocaciones circenses, esta intervención ofrece espacios para recibir a todo tipo de colectivos motivados por la curiosidad y el espíritu emprendedor.

Wintercircus OYO Architects © Farah Lieten 13
Wintercircus | OYO Architects © Farah Lieten

“Para nosotros era importante acercar el edificio a la escala humana, utilizando materiales cálidos que lo hicieran acogedor y accesible”.

Wintercircus OYO Architects © Farah Lieten 9
Wintercircus | OYO Architects © Farah Lieten

En el corazón del campus se encuentra La Arena, un espacio polivalente diseñado para celebrar todo tipo de eventos, desde presentaciones hasta instalaciones artísticas. Con su intervención, OYO ha resaltado las cualidades industriales y monumentales del lugar, dando prioridad a su adaptabilidad. Además, destaca una instalación de luces de neón suspendida en el “cielo” del espacio.

Wintercircus OYO Architects Sección publica-forum
Wintercircus | OYO Architects | Sección pública por el forum

Alrededor de La Arena se despliega el Start-ups Campus, alojando a más de treinta start-ups tecnológicas distribuidas en varios niveles del edificio. Lejos de una oficina convencional, OYO ha ideado espacios de trabajo acogedores con luz natural y materiales cálidos, con amplios escritorios que fomentan la colaboración entre equipos y pequeñas empresas.

Wintercircus OYO Architects © Karen Van der Biest 1
Wintercircus | OYO Architects © Karen Van der Biest

Desde salas de reuniones, hasta cubículos y áreas de descanso, las oficinas cuentan con grandes ventanales y una paleta de verdes, amarillos y rojos que contrastan con las texturas de las maderas y los ladrillos. La mayor parte del mobiliario se ha fabricado a partir de materiales reciclados o de segunda mano, o bien ha sido cuidadosamente seleccionado por OYO.

Wintercircus OYO Architects © Karen Van der Biest 4
Wintercircus | OYO Architects © Karen Van der Biest

OYO Architects transforma un monumental edificio histórico en un vibrante centro de innovación y creatividad en Gante.

Wintercircus OYO Architects © Karen Van der Biest 2
Wintercircus | OYO Architects © Karen Van der Biest

En el primer piso se encuentra el Auditorio Wintercircus, con vistas a La Arena, el espacio destaca por estar rodeado de paredes de vidrio. El estudio lo ha concebido como el lugar ideal para conferencias y presentaciones, con capacidad para más de cien personas.

Wintercircus OYO Architects © Karen Van der Biest 6
Wintercircus | OYO Architects © Karen Van der Biest

Mientras tanto, en la planta baja, Expo se presenta como un espacio amplio, versátil y altamente adaptable, diseñado para albergar una amplia gama de actividades, desde exposiciones artísticas hasta clases de gimnasia.

Wintercircus OYO Architects © Karen Van der Biest 8
Wintercircus | OYO Architects © Karen Van der Biest

El equipo de arquitectos también ha diseñado dos espacios gastronómicos: el restaurante de sushi de la primera planta y la cafetería central en La Arena. Este último, llamado Bar Bougie y situado en las antiguas graserías del garaje, destaca por su diseño urbano y contemporáneo. Combinando madera y una cálida iluminación, con el acero verde y concreto de la estructura, logra un equilibrio entre modernidad y calidez.

Wintercircus OYO Architects © Karen Van der Biest 10
Wintercircus | OYO Architects © Karen Van der Biest

Fiel a la visión de Wintercircus como hub tecnológico sostenible, OYO impulsa la innovación y la economía circular a través de su intervención. Por ello, el estudio ha empleado robótica en los procesos de construcción y ha recuperado desechos electrónicos y antiguos elementos urbanos para dar forma al nuevo mobiliario.

Wintercircus OYO Architects © Karen Van der Biest 12
Wintercircus | OYO Architects © Karen Van der Biest

Así, la propuesta final del espacio se vuelve “ecléctica”, fusionando elementos contemporáneos e históricos en un edificio que abraza su pasado.

Con esta intervención, OYO implementa principios de arquitectura circular que extienden la vida útil del edificio, alineándose con el objetivo de sostenibilidad del proyecto.

Wintercircus OYO Architects © Karen Van der Biest 13
Wintercircus | OYO Architects © Karen Van der Biest

El proyecto de OYO Architects revitaliza este edificio histórico y celebra la interacción dinámica entre pasado y presente, donde el patrimonio arquitectónico y el diseño contemporáneo se entrelazan en perfecta armonía.

Wintercircus OYO Architects © Karen Van der Biest 14
Wintercircus | OYO Architects © Karen Van der Biest

Wintercircus se convierte en un espacio integral, con una diversidad de ocupantes, visitantes y programas que unen innovación y cultura bajo un mismo techo, aportando un nuevo impulso a la vida cultural y creativa de Gante.

Obra: Wintercircus
Autores: OYO Architects (Nigel Jooren, Eddy Soete, Veroniek Vanhaecke, Lies Willaert y Ferran Massip)
Superficie: 4,830m2 que
Emplazamiento: Gante, Bélgica
Fotografía: Farah Lieten | Karen Van der Biest
+ oyo.eu

Tejas Verea y el COAG premiarán las cubiertas más sostenibles con teja cerámica

0
Tejas Verea y el COAG premiarán las cubiertas más sostenibles con teja cerámica
Tejas Verea y el COAG premiarán las cubiertas más sostenibles con teja cerámica 2025

Tejas Verea convoca la segunda edición de los Premios Internacionales de Arquitectura Cubiertas Tejas Verea, en colaboración con el Colegio Oficial de Arquitectos de Galicia (COAG), con el objetivo de distinguir obras o soluciones más eficientes y sostenibles en cubiertas realizadas con tejas cerámicas Verea. Luciano González Alfaya, decano del COAG y Luis Verea, director general de Tejas Verea presentaron las bases de esta segunda convocatoria en las instalaciones de Tejas Verea en Mesía (A Coruña).

El certamen está dirigido a profesionales de la arquitectura y diseño y distinguirá obras finalizadas entre enero de 2021 y diciembre de 2024 con cubierta inclinada de teja cerámica. Se valorará positivamente aquellas que hayan sido instaladas utilizando el sistema de instalación Verea System ®(DIT 622p/22).

Podrán presentar candidatura los profesionales, arquitectos superiores, técnicos colegiados o diseñadores que desarrollen su actividad por cuenta propia, en empresas privadas o en instituciones públicas tanto en España como en el extranjero, así como las sociedades profesionales de arquitectura o arquitectura técnica.

Las cubiertas eficientes y los usos innovadores de las tejas cerámicas en proyectos de señaléctica y diseño protagonizan la segunda edición de estos premios.

Tejas Verea y el COAG premiarán las cubiertas más sostenibles con teja cerámica
Tejas Verea y el COAG premiarán las cubiertas más sostenibles con teja cerámica 2025
Obra nueva o rehabilitación

En cuanto a las obras, podrán participar las de nueva planta de uso público o privado y reformas o rehabilitaciones en espacios públicos urbanos. El certamen cuenta con dos categorías, cada una dotada con un premio de tres mil euros: Gama Eternal, para obras con teja cerámica de esta gama de productos Verea, y Gama Clásica, para obras realizadas con las tejas clásicas de Verea.

Como novedad en esta edición, además de obras arquitectónicas, se valorará con una mención especial los proyectos con nuevos usos de las tejas cerámicas Verea en trabajos de señaléctica, revestimientos verticales, diseño interior y/o exterior.

El plazo límite para la inscripción y presentación de la documentación es el viernes 11 de septiembre de 2025. Para realizar la inscripción o consultar las bases del Premio, se ha habilitado un apartado específico en la web de Tejas Verea.

Podrán participar obras de nueva planta y reformas o rehabilitaciones en espacios públicos urbanos, finalizadas entre enero de 2021 y diciembre de 2024.

Sistema Passive House

Tejas Verea fue el primer fabricante de teja cerámica con un sistema de instalación homologado en España, el Verea System®, que incrementa la durabilidad de las tejas y las prestaciones del tejado. Desde 2025, cuenta con la certificación Passive House por cumplir con los más altos requerimientos de ahorro energético, lo que permite una fácil implementación en construcciones que quieran cumplir los exigentes estándares de eficiencia energética que establece el Passive House Institute.

INSCRIPCIÓN

La teoría del olvido | Javier García Librero

La teoría del olvido Javier García Librero arquitecto Manuel Cervantes
Antiguo Colegio de San Ildefonso, recorrido para medios por de las exposiciones SOM: Arte + Ingeniería + Arquitectura la exhibición reúne 41 reproducciones a escala de construcciones emblemáticas y 38 piezas entre fotografías, bocetos, renders y libretas del despacho de arquitectos SOM fundado en 1936 en Chicago y Praxis. Manuel Cervantes Estudio, integrada por 48 maquetas, 55 libretas y nueve piezas de apoyo. Participaron: Edward Guerra, representante de SOM en América Latina; Manuel Cervantes, arquitecto expositor; Miquel Adrià, director de Arquine, y Eduardo Vázquez Martín, coordinador ejecutivo del Antiguo Colegio de San Ildefonso.
Fotografía: Tania Victoria / Secretaría de Cultura de la Ciudad de México

Existe una teoría que sostiene que, para que un arquitecto conecte realmente con sus clientes, debe hacer un ejercicio consciente de alejamiento —una especie de olvido temporal— de sus conocimientos arquitectónicos adquiridos.

Se trata de olvidar, por un momento, a esos grandes arquitectos que solo nosotros conocemos, esos detalles imposibles que solo nosotros somos capaces de percibir, esas atmósferas exquisitas que solo nosotros identificamos y esas citas de libros que solo nosotros hemos leído.

Olvidar nuestro mundo arquitectónico para poder construir, desde cero, una comunicación más humana y cercana, basada en los intereses, experiencias y sueños de las personas a las que estamos ofreciendo un servicio.

Porque lo cierto es que muchas veces olvidamos que nuestros clientes no tienen las mismas referencias que nosotros, no leen lo que leemos, no tienen una formación como la nuestra, y tampoco ven la arquitectura con los mismos ojos.

Y esta distancia provoca que, sin darnos cuenta, nuestra forma de comunicar levante barreras en lugar de construir puentes. Nos hace hablar en un lenguaje que no conecta, que no involucra, que no escucha.

Todo ello provocando además que nuestro valor como profesionales muchas veces no sea comprendido por quienes más deberían entenderlo.

En ese sentido, la teoría del olvido es maravillosa.

Y lo es porque nos invita a dejar de lado —aunque sea temporalmente— ese bagaje y discurso técnico tan nuestro para comenzar a conectar, entender y escuchar de forma genuina a nuestros clientes.

Esta teoría nos invita a olvidar para recordar que a las personas no les interesa lo más mínimo el tecnicismo o la teoría arquitectónica, sino encontrar a un profesional que los escuche, que entienda sus necesidades y que empatice con su forma de vivir y entender la vida.

La primera vez que entendí la utilidad de “La Teoría del Olvido” fue escuchando al arquitecto Manuel Cervantes.

Al iniciar un proyecto o más bien, una relación con un cliente, el arquitecto mexicano tiene muy claro cómo ser eficiente y efectivo a la hora de comunicar y conectar con él o ella.

Suele pedir a sus clientes fotos de recuerdos familiares, momentos con amigos, comidas, paseos por el campo o celebraciones.

Imágenes que hablen de ellos, de sus historias, de cómo viven.

Manuel utiliza este material en sus presentaciones con los clientes y es ahí cuando el arquitecto siente que realmente conecta con ellos. Las defensas bajan, la conversación se relaja y se abre un espacio de diálogo natural, sin tecnicismos, sin jerga, sin barreras.

Hablar desde los recuerdos permite que el proyecto comience a construirse desde lo más humano. Desde las experiencias vividas.

Estas imágenes personales, aparentemente simples, generan un impacto mucho mayor que cualquier referencia arquitectónica que el arquitecto pueda exponer e imponer. Porque conectan con lo que realmente importa a las personas, y desde ahí, es posible construir relaciones más humanas y significativas que finalmente se materializan en un mejor proyecto.

Me atrevo a decir que Manuel Cervantes es consciente de que usando esta “Teoría del Olvido” no trata de renunciar al conocimiento arquitectónico y técnico que ha adquirido, sino que sabe perfectamente en qué momento ponerlo en pausa para poder conectar con las personas a través de una comunicación inteligente.

Hacer uso de la teoría del olvido puede ser muy beneficioso para nosotros los arquitectos.
¿La utilizamos?

Cuando el diseño excluye, un desafío en la era de la inclusión | Héctor J. Nava Fuenmayor

Cuando el diseño excluye, un desafío en la era de la inclusión Héctor J. Nava Fuenmayor
Arquitectura hostil

Hablar de la “arquitectura hostil” no es una novedad, es algo presente desde mediados del siglo XX, como respuesta a problemas urbanos vinculados con la gestión del espacio público y el control social. Sin embargo, en la actualidad, estamos presenciando un preocupante resurgimiento de estas prácticas, precisamente en una era que se proclama abanderada de la inclusión. Esta contradicción fundamental plantea una profunda reflexión en mí, y me hace pensar como un arquitecto que se forma para buscar respuesta a las necesidades espaciales en función (históricamente para no decir únicamente) del usuario, haya desarrollado “estrategias” a nombre de la arquitectura, precisamente para evitar o excluir a determinados grupos sociales / usuario, sea cual sea este.

La “arquitectura” hostil, se puede definir, como la incorporación de ciertos elementos a edificios y espacios públicos con la intención de excluir a determinados colectivos de la posibilidad de transitar, permanecer o hacer uso de ese espacio.1 Esto constituye una respuesta “arquitectónica/urbana”, donde el espacio deja de ser un lugar común y se convierte en el mejor de los casos en un territorio de privilegio, siendo diseñado con el único fin de excluir o negar el espacio a quien así ha determinado quien devenga el poder (político/económico), bajo la justificación del “orden” y la “seguridad”.

Cuando el diseño excluye, un desafío en la era de la inclusión Héctor J. Nava Fuenmayor Semi-Esferas-en-vereda-Av
Semi Esferas en vereda Av. Vitacura, Costanera Center

Por otra parte, Frente a esta tendencia excluyente, debemos recordar la naturaleza esencial del espacio público, aquel que está compuesto por las calles, plazas y parques de una ciudad, todo aquello que no es propiedad privada y se hace fundamental en el desarrollo de la vida urbana.2 Es ese lugar donde interactuamos, donde puede haber diversidad social y encontrarse en un mismo rol, el de ciudadanos, con los mismos derechos, igualdad de condiciones, independientemente de origen, posición socioeconómica o religión, por nombrar posibles “diferencias”.

Y es comprensible que la exclusión va dirigida a grupos particulares, que buscan “apropiarse” del lugar y que estas acciones pudieran sin ninguna duda, vulnerar los derechos de otros ciudadanos quien quiere también disfrutar del lugar, y en estos casos suele imponerse el “derecho de las mayorías”, sin embargo, el remedio no puede ser peor que la enfermedad, ya que al imponer estás estrategias (porque cuesta llamarlo arquitectura) no solo restringen el derecho de las personas a quienes va directamente la prohibición, sino que igualmente atenta contra el derecho de todos a recorrer y habitar libremente el espacio público.

Cuando el diseño excluye, un desafío en la era de la inclusión Héctor J. Nava Fuenmayor “Rediseño”-de-jardines-en-vereda-Av
“Rediseño” de jardines en vereda Av. Toro Mazotte, RM, Chile

Un ejemplo puntual de estas prácticas es proponer áreas con un diseño de iluminación inadecuado, y con ello poder disuadir la permanencia, ya que generan la sensación de inseguridad de forma indiscriminada, entonces, ante un diseño de estas características, me pregunto ¿será que la sensación de inseguridad solo la sienten los grupos excluidos?

“La calidad del entorno urbano puede medirse observando hasta qué punto invita a las personas a caminar, a quedarse, a sentarse, a encontrarse, a hablar, a mirar y, en general, a participar en actividades comunes en los espacios públicos”.

JAN GEHL3

Conviene distinguir, sin embargo, entre la hostilidad como estrategia excluyente y la creación intencionada de determinadas experiencias con un propósito fenomenológico, como parte de un concepto arquitectónico más amplio y argumentado, algo puntual a sentir como parte de un recorrido, de una experiencia, como, por ejemplo, el Museo Judío de Berlín, de Daniel Libeskind,4 donde se destaca una cierta “hostilidad” controlada, que permite vivir una experiencia sensorial y emocional en el visitante a través de la arquitectura, con el fin de generar una reflexión sobre la historia del holocausto.

En este sentido, la utilización conceptual de elementos «incómodos» con propósitos narrativos y experienciales difiere diametralmente de la arquitectura hostil conocida, cuyo único objetivo es la exclusión de determinados grupos sociales del espacio público.

Cuando el diseño excluye, un desafío en la era de la inclusión Héctor J. Nava Fuenmayor Museo Judío de Berlín. (2001). Daniel Libeskind.
Museo Judío de Berlín. (2001). Daniel Libeskind
Contradicción contemporánea: inclusión Vs exclusión

No es secreto para nadie que estamos en una era, donde la inclusión ha ganado mucho protagonismo, y en el campo de la arquitectura, la más significativa sería la accesibilidad universal, y me resulta contradictorio el auge de ambas prácticas, quiero decir con esto que no se puede tener una discusión sobre avanzar en tener ciudades más accesibles para incluir a grupos de personas y por otro lado generar espacios para excluir a otros colectivos; ¿puede una ciudad llamarse inclusiva cuando tenga estrategias hostiles para disuadir a personas?

Cuando diseñas con estrategias intencionadas de exclusión, no solo limitas a grupos marginados, sino que le despoja a la ciudad ese carácter de lugar común para todos y empobrece la experiencia colectiva del espacio público y en el peor de los casos, llegando a niveles extremos de ocasionar accidentes fatales, como por ejemplo la muerte de una persona en Uruguay producto de caer sobre estos elementos disuasivos.5

Por lo tanto, la reflexión está en ver cómo podemos generar propuestas más inclusivas que desafíen el facilismo de la exclusión y esa “mala” arquitectura, y no estoy juzgando el diseño per se, me refiero a mala en la medida que actúa como villana dentro de la narrativa urbana. La arquitectura debe resolver problemas de funcionalidad, estética y ética, en función del usuario con el fin de generar una experiencia más equitativa con mayor interacción.

Reidentificar el concepto de “orden” con todos incluidos, porque no creo que se asocie la palabra orden con que todos sean iguales y mucho menos con exclusión, sino, estar más asociado al equilibrio y la armonía, un orden que permita a todos los individuos ocupar el espacio de manera cómoda y respetuosa, aspirando a superar esa polémica narrativa entre seguridad y accesibilidad, produciendo soluciones creativas que promuevan la equidad espacial y la inclusión.

Notas:

1 Feldman, Heather & Jeremic, Vladan & Lockton, Dan & Abbas, Yasmine & Paté, Gilles & Harvey, Adam & Savic, Selena & Savicic, Gordan & Morace, Francesco & Rothstein, Adam. (2013). Unpleasant Design.

2 Aramburu Otazu, M. (2008). Usos y significados del espacio público. ACE: Arquitectura, Ciudad y Entorno.

3 Gehl, J. (2013). La humanización del espacio urbano: La vida social entre los edificios.

4 Proyecto Museo Judío de Berlín. (2001). Daniel Libeskind.
«Fue creado un año antes de que el Muro de Berlín cayera, se basó en tres ideas: es imposible entender la historia de Berlín sin comprender las enormes contribuciones hechas por sus ciudadanos judíos; el significado del Holocausto debe integrarse en la conciencia y la memoria de la ciudad de Berlín; y, finalmente, para su futuro la Ciudad de Berlín y el país de Alemania deben reconocer lo borrado de la vida judía en su historia». Fuente: + libeskind.com

5 Radio Carve. (2022). Un joven de 30 años falleció luego de tropezar y caer sobre el escalón de un edificio ubicado en Héctor Gutiérrez Ruiz y Durazno y golpearse sobre un pincho que había en la fachada de la propiedad. El hombre finalmente murió tras permanecer varios días internado en CTI. Fuente: radiocarve.uy