El jueves día 2 de mayo a las 20:00h, en la planta baja de [NO IMPORTA] tendrá lugar la primera sesión del ciclo Eso dicen, el invitado será Jorge Meijide Tomás, de meijidedemarichalar arquitectos.
Eso dicen es un ciclo de sesiones-coloquio en el que participarán arquitectos gallegos pertenecientes a distintas generaciones con la intención de presentar un amplio espectro de enfoques de la disciplina: construcción, docencia, divulgación, investigación e hibridación con otros campos. En todos los casos, el telón de fondo será una reflexión acerca del papel del arquitecto en el momento actual y sus múltiples redefiniciones.
Cada sesión se dividirá en media hora de presentación del arquitecto invitado y otros treinta minutos de coloquio entre los asistentes y el ponente. Tanto la charla como la conversación posterior tendrán un carácter informal y distendido.
Jorge Meijide desarrolló sus estudios de arquitectura en la ETSAC y completó su formación en Madrid, donde realizó el máster de proyectos integrados de la Fundación Camuñas al tiempo que colaboraba con el estudio de Juan Navarro Baldeweg. Tras regresar a Coruña, se incorporó al estudio de Carlos Meijide Calvo, del que formó parte hasta 2001. Posteriormente trabajó en colaboración con Fernando Martínez y Patricia de Marichalar; con ella fundó en 2009 meijidedemarichalar-arquitectos, estudio en el que actualmente desempeña su actividad profesional. Desde 1997 compagina esta labor con la docencia en el departamento de proyectos arquitectónicos de la ETSAC. + meijidedemarichalar.com
ESO DICEN · Jorge Meijide Tomás Jueves 2 de mayo 20:00 – 21:00h
aforo limitado – entrada gratuita [NO IMPORTA] taller creativo
C/San Andrés 46 planta Baja
La Coruña [España]
Organiza:
Alberto Alonso Oro [veredes.es]
Maria Olmo Béjar + Borja López Cotelo [lasonceymedia.com]
Eso dicen es un ciclo de sesiones-coloquio en el que participarán arquitectos gallegos pertenecientes a distintas generaciones con la intención de presentar un amplio espectro de enfoques de la disciplina: construcción, docencia, divulgación, investigación e hibridación con otros campos. En todos los casos, el telón de fondo será una reflexión acerca del papel del arquitecto en el momento actual y sus múltiples redefiniciones.
Cada sesión se dividirá en media hora de presentación del arquitecto invitado y otros treinta minutos de coloquio entre los asistentes y el ponente. Tanto la charla como la conversación posterior tendrán un carácter informal y distendido.
El ciclo se celebrará el primer y tercer jueves de cada mes entre las 20:00h y las 21:00h en la planta baja del taller creativo No Importa (c/ San Andrés, 46) a partir de mayo de 2013.
Organiza:
Alberto Alonso Oro [veredes.es]
Maria Olmo Béjar + Borja López Cotelo [lasonceymedia.com]
Las unidades vecinales. La Corporación Nacional de Vivienda fue la que impulsó la creación de unidades vecinales para resolver el problema de la vivienda en nuestra ciudad. Se acordó la construcción de 7 unidades vecinales, cuatro en Lima y tres en el Callao. Se trataba de complejos habitacionales autónomos; por ello, contaban con mercado, posta médica, comisaría, centro cívico o local comunal, oficina de correos, escuelas primarias para niños y niñas, cine-teatro, cancha de fútbol, piscina y, lógicamente, una iglesia; además, tenían un sistema de circulación peatonal y vehicular propio. Recién, en 1955, se construyó la unidad vecinal de Mirones, diseñada por el arquitecto Santiago Agurto Calvo, sobre la avenida Colonial, ex carretera del Callao.
La adopción de la Unidad Vecinal, como modelo urbano autónomo, había sido recomendado por los Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna, y en Latinoamérica, la labor de difusión la cumpliría los Congresos Panamericanos, influyente en el caso peruano, el realizado en su sede en 1947. Gracias a la Corporación Nacional de la Vivienda, y los fondos económicos correspondientes, se dio inicio a la primera Unidad vecinal: la UV 3 (1950), en la Av. Colonial, que abriría paso a un grupo importante de conjuntos vecinales que abarcan hasta 1985.
El plan regulador de chimbote. El desarrollo de los recursos mineros del norte del Perú requería la creación de un puerto apropiado. Chimbote en esos momentos era una aldea de pescadores que disponía de un buen puerto natural en su bahía. Para ese entonces Chimbote tenía 4000 habitantes y estos pobladores vivían bajo un trazado desarrollado por Henry Meiggs, ingeniero norteamericano, en el año 1860, donde se encontraban las llamadas “chozas de barro” que eran las viviendas precarias de los pobladores.
Perspectiva del plan regulador de Chimbote
Se planteó un tipo de hábitat nuevo basado en el “tapiz urbano”, esto es, un compacto tejido de casas de una, dos y tres plantas con patios cerrados por muros. Estos patios suelen ser mayores que las propias viviendas, apropiados para que los habitantes conserven sus hábitos de vida al exterior. Los viales de servicio y calles de peatones se definen con los muros de escasa altura y prácticamente sin aberturas.
Se introdujo un nuevo tipo de vivienda urbana, estas casas basadas en las casas con patio de la arquitectura local eran nuevas versiones de la arquitectura mediterránea, cuyo origen se remonta a la antigüedad. Estas simples estructuras de ladrillo requerían menos sofisticación tecnológica y causaban menos alteración social que la ordenación en bloques, y eran mucho más factibles económicamente para viviendas de bajo coste. Como estaba previsto que los residentes de Chimbote procedieran de regiones rurales montañosas, se incluyo un espacio en las casas para guardar animales. Giedion aludió posteriormente a estas casas como “formas transitorias entre el pasado y el futuro”, pero en su propia presentación del proyecto, Wiener y Sert, subrayan la estrecha relación con las costumbres locales.
El “tapiz urbano” conformado por estas viviendas patio constituyo el primer ejemplo de una modalidad de hábitat de alta densidad y baja altura que resulta ideal para situaciones donde el suelo tiene un precio bajo y el clima es árido, es decir, donde los posibles espacios dejados entre los edificios no estarían cubiertos por un manto vegetal, sino por polvo y matorrales. Este plan de Chimbote se presentó al VII CIAM de 1949, celebrado en Bergamo, al que asistieron arquitectos jóvenes, de la tercera generación del movimiento moderno.
Las visitas de José Luis Sert al Perú para el desarrollo del Plan Regulador de Chimbote sirvió también para relacionarse con los proyectistas del «Plan Regulador de Lima», el cual sólo fue construido en lo que es hoy es el Centro Cívico, varios años después.
Desde 1950, en el Perú, la arquitectura moderna fue aceptada e ingresó a su periodo de consolidación. Con el desarrollo de los medios de comunicación se acortaron rápidamente las distancias, respecto a lo que se hacía en arquitectura a nivel mundial, llegando su auge hacia década de 1960.
Nota:
Ensayos Personales, 2012. Esta segunda parte forma parte de un texto que se expone el resultado de casi 10 años de estudios relacionados al desarrollo de la arquitectura moderna en el Perú. Es importante mencionar que para lograr completar este ensayo relacionado a la arquitectura moderna en el Perú se han utilizado estudios y opiniones de destacados profesionales. Al final se hace una breve reseña bibliográfica.
Fuentes Bibliográficas
1. Córdova, Adolfo “La Agrupación Espacio y la Arquitectura Peruana” – 2005.
2. blog.pucp.edu.pe
3. Ludeña, Wiley «Piqueras – Belaunde – La Agrupación Espacio: TRES BUENOS TIGRES. Vanguardia y Urbanismo en el Perú del Siglo XX». Editado por el CAP Regional Junín y Urbe ediciones – Huancayo 2004. Pag. 186.
4. José Bentín Diez Canseco Extracto de Libro: Enrique Seoane Ros, Una Búsqueda de raíces peruanas. Lima, 1989.
5. arqandina.com
Desde su primera edición la Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo, antes Bienal de Arquitectura Española, ha ido integrando un conjunto de actividades específicamente relacionadas con la Arquitectura, organizadas por las diversas instituciones colaboradoras, una exposición itinerante que recoge en cada una de sus ediciones aquellas obras que por sus cualidades han sido merecedoras de ser finalistas en la Bienal y los premios establecidos en cada una de sus categorías.
El Ministerio de Fomento, a través de la Dirección General de Arquitectura, Vivienda y Suelo, en colaboración con el Consejo Superior de los Colegios de Arquitectos de España (CSCAE) y la Fundación Caja de Arquitectos y la Unión de Agrupaciones de Arquitectos Urbanistas (UAAU), convoca la XII Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo correspondiente al bienio 2011-2012.
La XII edición de la BIENAL ESPAÑOLA -coordinada a partir de esta ocasión con la Bienal Iberoamericana de Arquitectura y Urbanismo – se concibe no solo como un evento sino como un proceso abierto durante los dos años correspondientes que abarca su plazo.
Esta edición de 1:100 está dedicada al trabajo que realiza el Instituto de Investigación en Diseño y Georreferenciación, IGEO, formado por docentes y alumnos, en el cual se desarrollan prototipos de vivienda sustentables.
En distintos eventos de arquitectura pudimos visitar los módulos construidos por IGEO y a lo largo de los años fuimos testigos de su constante evolución. En dichas ocasiones observábamos el ímpetu e interés de todos sus integrantes por difundir su investigación y cómo el público valoraba la iniciativa y se comprometía con la propuesta. En boca de todos aparecía la palabra “sustentabilidad”, un concepto que invita a la reflexión. Y no solamente en relación a la arquitectura… deberíamos buscar la sustentabilidad en lo social, lo económico, lo político y, por supuesto, en lo ecológico. El IGEO propone un camino en esa dirección, trabajar en conjunto con la población, las instituciones gubernamentales y no gubernamentales, lo que resulta en la formación de profesionales idóneos con compromiso social, tomando la práctica constructiva como una de sus principales premisas.
Este número nos invita a reflexionar y debatir sobre la necesidad de generar un cambio, nuevos métodos de pensamiento en el cual las variables contextuales, tecnológicas y climáticas interactúen logrando así la sustentabilidad en arquitectura.
Ideas con paisaje reúne en dos jornadas cinco conferencias sobre el proyecto paisajístico. Renato Bocchi, profesor de Teoría della Progettazione Architettonica en la Universitá Iuav di Venezia, estará acompañado de dos profesores de la ETSAC, Emma López Bahut y Jorge Rodriguez, y de un paisajista, José Crespí. Este seminario se ha concebido como parte de un programa que pretende aproximar a los estudiantes a aquellas áreas de creación y actividad arquitectónica, que hasta ahora no se consideraban centrales.
Ciclo de conferencias, Ideas con paisaje, en el Salón de actos de la Escuela de Arquitectura de A Coruña. El 26 y el 29 de abril en horario de mañana. Entrada libre hasta completar aforo.
Archigram: Arquitectura de culto. A Guide to Archigram 1961-74 es un pequeño libro (tamaño postal aunque con cerca de 500 páginas) que repasa de manera gráfica y concisa el trabajo de este influyente equipo de arquitectos británicos. El texto recupera una edición anterior de Dennis Crompton (Concerning Archigram) publicada por Academy Editions en 1994.
Quizás por sus dimensiones, el libro permite una lectura muy cercana del grafismo inconfundible de Archigram. Sin embargo la publicación no solo reproduce imágenes: se propone una visión cronológica de las propuestas en la que se incluyen varios textos de Peter Cook, David Greene, Warren Chalk, Dennis Crompton, Ron Herron y Mike Webb, muy útiles para comprender los debates que contextualizan su trabajo.
Al margen de consideraciones arquitectónicas más serias, para mucha gente hablar de Archigram es hablar de la cultura POP, de los Beatles, incluso de los Monty Python. Sin embargo yo siempre he creído que el fenómeno Archigram está más cerca de un concepto que quizás deba ser definido: la arquitectura de culto –más allá de la arquitectura “de autor”.
La Arquitectura Moderna se desarrolló en el Perú tardíamente, aproximadamente 20 años después de que se construyeran los primeros antecedentes europeos.
Para finales de la década de 1920 Le Corbusier había definido sus cinco puntos de la arquitectura moderna plasmados posteriormente en la Villa Savoye, y Mies van der Rohe ya había hecho lo propio demostrado las cualidades de una nueva arquitectura en el Pabellón Alemán para la Exposición Universal de Barcelona, en 1929. Sin embargo, en el Perú, se desarrollaba una arquitectura con estilos básicamente “neocoloniales” y “californianos” que permanecieron inamovibles hasta finales de la década de 1940.
Según historiadores, durante la década de 1930, el Perú logra una aproximación a esta modernidad – llamados por algunos “estilo internacional” – con algunas construcciones en la ciudad de Lima que correspondían a una tendencia a la que se le llamó “Estilo Buque”, estilo que se practicó de manera eventual, dejando en todo momento la supremacía del neocolonialismo existente.
Para mediados de la década de 1940 los arquitectos peruanos empiezan a vincularse con la arquitectura moderna. Las visitas de arquitectos como Richard Neutra, José Luís Sert y Walter Gropius en estos años sirvieron para sentar las bases del movimiento moderno en el Perú.
Dentro de las primeras manifestaciones modernas en proyectos de arquitectos peruanos llama la atención, por la fecha de su proyección, la modernidad con la que el Arquitecto Santiago Agurto presenta su tesis de grado publicada en 1945 por la revista “El Arquitecto Peruano”.
Fundada por el arquitecto Fernando Belaunde Terry en 1937, es la publicación más importante en temas arquitectónicos y urbanos en el Perú en el siglo XX. Bajo la dirección de Fernando Belaúnde (1937-1963), la revista publicó un total de 202 números. Hasta 1950, fue una publicación mensual; luego, apareció cada dos meses y, desde 1958, cada cuatro.
Los años que Belaúnde dirigió la publicación coinciden con la primera fase de las grandes migraciones internas, el hecho demográfico más importante de la historia de nuestro país (y de Lima), que modificó el patrón histórico de ocupación del territorio. El Perú, básicamente rural y serrano hasta el censo de 1940, pasó a ser un país urbano y costeño.
La planificación implica la noción de una autoridad que impone prioridades que se hallan por encima de los intereses económicos individuales y por encima también de las reglas del libre mercado.
El Arquitecto Peruano. Agosto, 1937
La revista abogó por la modificación de la norma liberal que había guiado al estado peruano desde los años de la “República Aristocrática”. La revista defendió la tesis de promover el desarrollo a través de un crecimiento hacia adentro; fue partidaria, por lo tanto, del proceso de “sustitución de importaciones” y contraria al modelo exclusivamente exportador. La revista EL Arquitecto Peruano llamaba a los empresarios a impulsar la inversión de capital para la ampliación del mercado interno. En este sentido, para el arquitecto Belaúnde había que producir en el Perú hierro, cemento, vidrio y madera, ya que un país sin industrias básicas no podía aspirar al desarrollo.
En las elecciones de 1945, en las que triunfó la opción reformista de Bustamante y Rivero, Belaúnde Terry salió elegido diputado por Lima. En esta primera responsabilidad política, el joven arquitecto impulsó, desde el Congreso, e inspirado en las ideas de su revista, cuatro importante leyes:
1. La propiedad horizontal del suelo.-De acuerdo a la ley vigente, solo podía haber un dueño por edificio, por lo que los departamentos solo podían alquilarse (por ello, había pocos en Lima). La nueva ley autorizaba al propietario de un departamento a inscribir su propiedad en forma independiente y compartir el suelo con los dueños de los otros departamentos de su edificio. Esta norma fue un mecanismo indispensable para estimular los edificios por departamentos en nuestra ciudad.
2. La constitución de la Oficina Nacional para la Planificación Urbana (ONPU).- Era la oficina del estado encargada de la formulación de los planes de desarrollo urbano de todas las ciudades del país, empezando por Lima; así, el estado se involucraba directamente en el desarrollo nacional. Esta institución fue el antecedente del Instituto Nacional de Planificación.
3. La creación de la Corporación Nacional de Vivienda (CNV).- Tenía como propósito la construcción de viviendas para los sectores medios y populares. La principal obra, en estos años, de la CNV fue el proyecto global de las unidades vecinales.
4. Los centros climáticos de invierno.- Bajo esta ley se construyó la colonia vacacional de Huampaní.
La reforma estudiantil de 1946
En 1946, tanto alumnos como profesores de la Escuela de Ingenieros se organizaron para llevar a cabo una reforma estudiantil que nivele la enseñanza arquitectónica en relación a la nueva arquitectura desarrollada en el ámbito internacional. El cambio en los estudios estuvo complementado con las visitas de distintos arquitectos extranjeros entre quienes se contó a Walter Gropius y Josep Lluís Sert en 1953. En 1955, con la transformación de la Escuela Nacional de Ingenieros en Universidad Nacional de Ingeniería, el Departamento de Arquitectura quedó convertido en Facultad. La construcción de la actual Facultad de Arquitectura tuvo inicio en 1951 gracias a la participación del Estado, la empresa privada, profesores y alumnos. El edificio fue uno de los primeros en ser construidos en el campus, su diseño arquitectónico fue realizado por el arquitecto italiano Mario Bianco y su ejecución gracias a un esmerado y destacable esfuerzo conjunto liderado por el arquitecto Fernando Belaúnde, en ese entonces jefe del Departamento.
En Mayo de 1947, un grupo de jóvenes estudiantes de arquitectura de la Escuela Nacional de Ingenieros, lideran a un grupo de intelectuales, arquitectos y artistas. Adoptan el nombre ESPACIO y, a la manera de las vanguardias europeas, lanzan un Manifiesto que marcará el inicio de sus actividades y de los cambios que propugnan.
Desde mediados de los años cuarenta, Lima vivía una vorágine modernizante auspiciada por la difusión de las imágenes de la modernidad, el fin de la segunda guerra mundial y por el optimista ambiente existente luego de la elección de José Luis Bustamante y Rivero como expresión de nuevos vientos en el país.
La radical transformación de la plaza de armas de Lima y los ensanches en las calles importantes de su centro histórico, testimoniaban el espíritu que animaba a los cambios promovidos, emulando lo ocurrido en otras metrópolis. Desde esa perspectiva, los paradigmas del cambio se mantenían marcadamente desactualizados.
El arte y la arquitectura transitaban los caminos signados por la pasiva mirada al pasado, aislados de los acontecimientos arquitectónicos prevalecientes en el mundo. Un mundo que salía de la segunda gran guerra y veía consolidar a Norteamérica como principal potencia. Un mundo que había vivido -décadas atrás-, el entusiasmo por la renovación total del arte y la arquitectura, y que pocos años después planteaba ya un cuestionamiento a las radicales formulaciones vanguardistas, vivía el inesperado viraje de los grandes maestros de la arquitectura y el surgimiento de propuestas abiertas, frescas e incluyentes.
En esta doble y contradictoria realidad, la de dos mundos paralelos y diacrónicos, se forma en el Perú una agrupación de intelectuales: artistas, estudiantes y profesionales, dispuestos a enfrentar a los defensores del adormecimiento de las manifestaciones culturales de nuestra sociedad. Reunidos en torno a la estimulante figura de Luis Miró Quesada, un grupo de jóvenes estudiantes de arquitectura de la Escuela Nacional de Ingenieros -la actual Universidad Nacional de Ingeniería-, surge hace medio siglo, la Agrupación ESPACIO, vehículo de las expectativas de algunos círculos de encuentro y discusión como manifestación específica de una sociedad preocupada por el presente y el futuro.
ESPACIO, se propone marcar distancias, señalando un derrotero; se plantea la tarea de repensar el arte del Perú y se enfrenta al dilema de combatir el origen de su propio estatus, revisando y cuestionando el desarrollo de nuestra cultura, entendiendo la misma de manera integral, como manifestación de un momento determinado, y de un hombre nuevo. Se constituye entonces en uno de los movimientos más importantes de nuestra modernidad y sin lugar a dudas, en el más conocido y trascendental en el mundo artístico. La arquitectura, asumiría en dicho proceso un decidido liderazgo.
Para cumplir su misión organizan conferencias, exposiciones y publicaciones. Editan la revista ESPACIO y publican una sección en el diario EL COMERCIO. Pero sobre todo producirán, harán arte. Rápidamente, la aceptación del arte moderno se hace patente en la década del cincuenta, al final de la cual, los más activos miembros de la Agrupación, han arribado al campo político, persuadidos seguramente de la necesidad de modernizar también el país. Transcurrido el tiempo, el Perú ha cambiado notoriamente. Lima y el país han crecido y se han transformado. El mundo en la era post-moderna, lejos de ser el mismo vuelve a mirar hacia sus más cercanos orígenes: los de la modernidad. Hace un alto y se formula una serie de inquietantes interrogantes: tradición, cambio, globalización, pasado, futuro, país, nación…….; tratando de contestarlas en esta oportunidad a través de las manifestaciones del arte, estimuladas y realizadas por la Agrupación ESPACIO.
Primeras obras y proyectos de arquitectura moderna en el Perú
Tesis de Grado. Santiago Agurto, 1945
El Arquitecto Peruano. Agosto, 1937
Club de Tiro en Arequipa, Cordova – Williams – Polar, 1946
Casa Wiracocha, Lima – 1948. Luis Miroquesada, arquitecto
Unidad Vecinal N° 3, Lima – 1949. Proyectistas: A. Dammert, C. Morales M., M. Valega, L. Dorich, E. Montagne, J. Benites, F. Belaúnde.
Edificio de departamentos en Calle Roma, Lima – 1950. Teodoro Cron, arquitecto.
Casa D´Onofrio, Lima – 1950. Córdova – Williams – Mario Bianco
Facultad de Arquitectura, Universidad de Lima – 1951. Mario Bianco, arquitecto
Nota:
Ensayos Personales, 2012.Esta primera parte forma parte de un texto que se expone el resultado de casi 10 años de estudios relacionados al desarrollo de la arquitectura moderna en el Perú. Es importante mencionar que para lograr completar este ensayo relacionado a la arquitectura moderna en el Perú se han utilizado estudios y opiniones de destacados profesionales. Al final se hace una breve reseña bibliográfica.
Fuentes Bibliográficas
1. Córdova, Adolfo “La Agrupación Espacio y la Arquitectura Peruana” – 2005.
2. blog.pucp.edu.pe
3. Ludeña, Wiley «Piqueras – Belaunde – La Agrupación Espacio: TRES BUENOS TIGRES. Vanguardia y Urbanismo en el Perú del Siglo XX». Editado por el CAP Regional Junín y Urbe ediciones – Huancayo 2004. Pag. 186.
4. José Bentín Diez Canseco Extracto de Libro: Enrique Seoane Ros, Una Búsqueda de raíces peruanas. Lima, 1989.
5. arqandina.com
«El boceto del mundo» es una exposición colectiva comisariada por Ángel Cerviño y Alberto González-Alegre, y coproducida por el MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo, el Auditorio de Galicia, y la Fundación Luis Seoane. Una apuesta por las muestras de producción propia que se hace extensible a los tres centros, como nueva experiencia de coproducción y trabajo en red. Una vez clausurada en el MARCO, la muestra viajará a las otras dos sedes, en Santiago de Compostela y A Coruña, respectivamente.
Din Matamoro | marcovigo.com
El título de la exposición se sirve de la ambigüedad y riqueza del término ‘boceto’, como proyecto o apunte previo a la ejecución de una obra, y también como imagen mental, como idea latente en la mente del artista y en su ámbito de trabajo. En una labor conjunta de investigación y diálogo con los artistas, los comisarios se han acercado a cada uno de los talleres y lugares de producción, para seleccionar o rescatar toda una serie de materiales que son parte esencial de la estructura de las obras, y que aportan nuevas lecturas y también nuevos interrogantes sobre su origen y significados.
Así, junto a obras en distintos soportes, la muestra se compone sobre todo de apuntes, bocetos, y piezas inacabadas. ‘EL BOCETO DEL MUNDO’ trae a las salas del Museo un conjunto de útiles y documentos —objetos, cuadernos de notas, esquemas, recortes de prensa, vídeos, fotografías, repertorios de imágenes, textos propios y ajenos, gestos y materiales encontrados…— que se sitúan en la base o, por así decir, en la zona de influencia de cada artista, de su quehacer y de su particular visión del mundo.
La selección abarca varias generaciones, desde artistas que iniciaron su trayectoria en los años ochenta, hasta los más jóvenes, nacidos a principios de esa misma década, o en la inmediatamente anterior, en los setenta. Autores que trabajan en los más variados ámbitos creativos, utilizando técnicas y materiales —dibujo, grabado, pintura, collage, escultura, fotografía, vídeo, instalación…— que en ocasiones funcionan como método de investigación, como soporte o material de apoyo para las obras.
Junto a un trabajo minucioso para la exhibición de las obras y materiales de pequeño formato, el montaje de la exposición saca partido de la peculiar distribución de los espacios en la planta baja del MARCO. Artistas y obras se agrupan en diálogo con los patios y galerías, incluyendo piezas adaptadas específicamente a la configuración de las salas. La exposición se completa con una muestra bibliográfica en la Biblioteca-Centro de documentación del Museo, con una selección de publicaciones y referencias web sobre los artistas participantes.
En palabras de los comisarios, “una propuesta que, en el aspecto visual y de montaje expositivo, investiga los intersticios que se abren entre el puro documentalismo y el environment o la instalación. Un montaje que pone en escena el estatus ambiguo del ‘boceto’: camina hacia la obra pero no es obra todavía… o quizá ya sí”.
‘EL BOCETO DEL MUNDO’ Marco Vigo 19 abril – 15 septiembre 2013 Exposición coproducida por MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo, Auditorio de Galicia (Santiago de Compostela), y Fundación Luis Seoane (A Coruña) Comisarios: Ángel Cerviño y Alberto González-Alegre + info
Retrato Le Corbusier con esquemas bioclimimáticos de la unité al fondo
En 1993, el prestigioso arquitecto y crítico finlandés Juhani Pallasmaa, formulaba una idea de refundación de la Arquitectura en base a una vuelta a los orígenes de la disciplina, apelando a la ecología como compañero de viaje de los futuros arquitectos:
“No puedo imaginar otra perspectiva deseable en el futuro que una forma de vida ecológica, en la que la arquitectura retornaría a la idea inicial del funcionalismo, derivado de la biología, y arraigaría nuevamente en su substrato cultural y regional. Esta arquitectura, que podría llamarse funcionalismo ecológico (…) implicaría una tarea paradójica hacerla contemporáneamente más primitiva y más refinada… La arquitectura ecológica significa que el edificio es más un proceso que un producto”.
En el actual momento de crisis, perdida ya la confianza de la sociedad en el colectivo de arquitectos, la identidad del licenciado en Arquitectura se ve menoscabada hasta hacerle dudar de la necesidad o demanda que el resto de la sociedad tiene de sus servicios profesionales. No es para menos, habiendo demostrado que tanto las altas esferas políticas han sobrepasado los límites imaginables de las fantasías faraónicas ayudados de su arquitecto de cámara más fiel que cumpliera sus inefables deseos y ambiciones de posteridad.
Sí, unos 4.700 años después, hemos asistido a la construcción de todo tipo de Saqqara (por citar el primer gran ejemplo de arquitectura faraónica), donde el propio faraón Djoser reclamaba al gran arquitecto Imhotep que su legado arquitectónico lograse alcanzar un lugar digno para su cuerpo momificado. Elige tú, querido lector, cualquiera de las recientes o futuras Saqqaras (llámense “Ciudad de las Artes y las Ciencias”, “Ciudad de la Cultura”, “Eurovegas”…), sustituye al faraón por un politiquillo con ínfulas de los de ahora, elige un starchitect, y … voilá, “Beguin the beguine”!!
Ejercer una sana crítica es oportuno y hasta necesario. Pero siempre he entendido que todo buen ejercicio crítico siempre posee dos cualidades básicas: una, un análisis profundo y riguroso del problema; y otra, un diagnóstico encaminado a abrir vías de exploración por donde otros (los atentos receptores del mensaje) transitarán más tarde a la búsqueda de nuevos horizontes. En este sentido, quería aprovechar este post para compartir contigo, amigo lector, esa preocupación por el desarrollo sostenible en lo que concierne al papel del arquitecto en el futuro inmediato en vías a la implementación de la Directiva 2010/31/UE hacia el objetivo del 20/20/20 para su puesta en marcha en 2020 en todos los edificios de nueva planta (o sea, pasado mañana), y en 2018 en los de la Administración Pública (mañana mismo, vaya).
Con motivo de la feria CONSTRUARQ 2013 que acaba de concluir, fui invitado a dar pronunciar una conferencia en la E.T.S.A. de Valladolid donde abordé este tema. Por una parte, mostrando la responsabilidad que, como arquitecto, tenemos en el “compromiso con nuestro planeta” (por decirlo de alguna manera), en tanto que agentes del proceso de edificación, como dice la L.O.E. Sí, querido lector, el arquitecto debería saber que “el 40% del consumo total de energía en la Unión Europea corresponde a los edificios” (no lo digo yo, lo dice el punto 3 del preámbulo de la citada directiva europea, casi ná). Está también en nuestras manos como profesionales ayudar a corregir ese calentamiento del planeta por la emisiones de gases nocivos, con pocas y sencillas decisiones.
En la conferencia, expuse el caso nada conocido de Le Corbusier, quien sufrió como nadie y en sus propias carnes la crítica a una arquitectura que estaba por encima del bien y del mal, sin considerar al usuario, ni al promotor, ni al medioambiente (los tres grandes pilares de lo que llamamos “desarrollo sostenible”). En su Citè de Refuge (1929-33), el maestro franco-suizo se topó con e que sería el gran fracaso de su carrera, no solo por las quejas de los habitantes recocidos de su presuntuoso edificio con muro cortina, sino por estar incluso sentado en el banquillo al ser llevado a pleito por las autoridades parisinas. Tras esta nefasta experiencia, sus proyectos encaminados a conseguir la caja isotérmica perfecta y universalmente válida en todo lugar, Le Corbusier cambia el rumbo de su praxis profesional con la introducción del brise-soleil, verdadero “sexto punto de la nueva arquitectura” que nunca se incorporó a su célebre manifiesto de los “cinc points” de 1927. Este nuevo cambio ponía en valor al ser humano, finalmente representado por el Modulor, quien iba a habitar los espacios de sus nuevos edificios envueltos en una piel profunda de parasoles orientados según el “epure du soleil” aplicado a cada emplazamiento geográfico concreto. E incluso, a partir de 1950, pondrá en marcha un sistema metodológico para su aplicación sistemática en sus proyectos con el “Grille Climatique”. Ausentes estos asuntos de todos los estudios sobre Le Corbusier, no es menos cierto que quizá hoy más que nunca convenga desempolvar esa historia nunca contada del gran maestro de la arquitectura del siglo XX para recibir, otra vez más, una lección de Arquitectura para los nuevos tiempos que nos esperan.
Sin embargo, no podemos conformarnos solo con admirar la obra legada por el maestro. Le Corbusier nos advirtió del mecanismo heliotécnico. Oíza nos dibujaba la arquitectura en paralelo a la respiración del cuerpo humano, e incluso al de nuestro sistema nervioso. Hoy tenemos a nuestro alcance otros medios informáticos que nos permiten una aproximación más científica y completa a los parámetros bioclimáticos que afectan al emplazamiento en el que un nuevo edificio se va a levantar. Si al principio de cualquier proyecto pasamos días con un largo briefing tomando notas de todo tipo y procedencia, deberíamos incorporar estos desde el principio, de manera que el resultado pudiera estar comprometido en términos de sostenibilidad sin perder un ápice de interés en lo que a la Arquitectura se refiere. Y, como advertía Oíza, podemos conseguir que la arquitectura se comporte como un organismo o ser vivo, aplicando protocolos de actuación a las centralitas que deberían gobernar los sistemas de acondicionamiento activo de cualquier edificio, por pequeño que éste sea. Una sencilla red de sensores, un sistema de control, y una monitorización de los procesos bastan para que ese ideal de eficiencia energética esté más cerca. Y controlando el desorden, su entropía al fin y al cabo, podremos quizá recuperar nosotros, los arquitectos, el respeto, la confianza y la autoestima perdidos en los últimos tiempos. Y quién sabe si lograr eso que Pallasmaa creía ver hace justo 20 años para el futuro, ese “funcionalismo ecológico“…
Sin estar de acuerdo con Luis Fernández Galiano al dudar de “si es sostenible la arquitectura sostenible”, tampoco es menos cierto que hoy nos encontramos con “Premios de Construcción Sostenible” (en Castilla y León, sin ir más lejos), donde arquitectos se disputan un galardón de dudoso mérito sin que la cualidad de la Arquitectura exhibida sea objeto de valoración alguna, al tratarse de certámenes que devalúan nuestro oficio de la Arquitectura a meras construcciones. Porque digámoslo claro: ahora asistimos a una nueva farsa, con el nuevo mercadeo de “sellos verdes” en el que las autoridades confían para recobrar sus aspiraciones político-mediáticas… Pero éso, amigo lector, es un tema del que hablaremos en otro post, a no mucho tardar…
Rodrigo Almonacid [r-arquitectura] · doctor arquitecto
valladolid. abril 2013
Nota:
Mientras tanto os ofrezco la posibilidad de ver mi presentación PWP que he colgado en Slideshare con la conferencia de la CONSTRUARQ 2013 acerca de todos estos asuntos.
“Asumiendo condescendientemente lo peor del gusto y valor de sus clientes, las grandes firmas de arquitectura están prolongando la vida de un tipo que no ha sido afectado por nuevas ideas o ambiciones desde la realización del World Trade Center en 1972. Tras haber convertido New York en una insufrible demostración de mediocridad arquitectónica, ahora siguen su misión en otro continente”
Rem Koolhaas [1]
El rascacielos se ha establecido como un objeto que entroniza imágenes de poder relativizando el objetivo de la arquitectura como modeladora la ciudad. Generador de espacios urbanos poco alentadores, estratificado en capas jerárquicas, sumido en una carrera por superarse en altura, representa una manera de construir que hace tiempo se muestra anacrónica.
El trabajo de Rem Koolhaas replica esta forma de concebir la arquitectura. La declaración del párrafo inicial es concluyente. Esa ponencia realizada antes de construir su primer edificio en altura es corroborada en la realización de uno de los diseños de arquitectura más interesantes de este siglo, el CCTV de Beijing. La Central de Televisión China compone una posición concreta sobre la materialización de edificios en altura que supera las carencias de sus antecesores.
Koolhaas evita participar de esa pugna infecunda por erigir el edificio más alto, declarando que siempre habrá alguien que hará otro mayor. Su objetivo se focaliza en construir una nueva imagen urbana en base a dos conceptos que le permiten suplir carencias típicas de los edificios en altura:
– Establecer un edificio que forme parte del espacio urbano en lugar de prevalecer en altura: “si únicamente se atiende la verticalidad, no se ofrece nada a la ciudad”.
– Proponer una idea de recorrido que permita distribuir el programa sobre todo el edificio, evitando la estratificación por pisos.
Koolhaas traza una volumetría que se establece a partir del vacío, propiciando la generación de un espacio urbano significativo. Esta decisión se apuntala en la definición de un programa que permite una fuerte relación entre trabajo y sociedad, situación a la que Koolhaas siempre estuvo atento.
El diseño propone una plataforma común con una plaza elevada a nivel de calle, de la que emergen dos torres. Ambas ascienden paralelas estrechándose a medida que se elevan. Este juego formal distorsiona el sentido de la perspectiva, que las muestra imponentes desde uno de los lados y estrechas y débiles desde el otro.
Las torres concluyen unidas en la parte superior por vigas perpendiculares entre sí, que recomponen la figura rectangular que cubre la plaza. El bucle propuesto da forma a una figura tridimensional que enmarca un nuevo espacio urbano a la vez que acentúa su espectacular imagen icónica.
La envolvente exterior evita mostrar divisiones entre pisos y modulaciones de ventanas, eliminando todo signo que evidencie la escala humana. De esta manera se dificulta obtener referencias sobre su tamaño a la distancia. Una red diagonal de acero a la vista muestra los refuerzos estructurales, red que se hace densa en los puntos donde los esfuerzos son más intensos.
El acceso principal se ubica en la base de una de las torres. En este punto el visitante se prepara para el recorrido interno por la totalidad del edificio. El circuito propuesto se inicia en una de las torres, establece un mirador en el puente en voladizo y concluye en descenso interactuando en las actividades de la otra.
El primer contacto con la actividad interna se establece en el museo aledaño al acceso. En el primer nivel, un amplio hall de distribución vincula con un teatro de 1.500 personas y las salas de cine digital. El visitante tiene la posibilidad de establecer circuitos entre los estudios de grabación y las áreas de producción para programas de tv. Una secuencia de salas de exposiciones y restaurantes permite disfrutar del mirador ubicado en el ángulo del puente. Tres ventanas redondas cortan el piso de la terraza y permiten vistas hacia el jardín ubicado en la plaza inferior. El descenso permite visualizar otra parte de los estudios, áreas de producción y grabación.
El recorrido no se establece únicamente como un paseo para el visitante, propone el entendimiento del proceso funcional que se lleva a cabo dentro del edificio.
El vacío enmarcado por la arquitectura varía según el punto de vista y la distancia de observación. El voladizo termina por definir la imagen escultórica del edificio. Compone un lugar dentro del espacio urbano que establece el punto de contacto entre la calle y el edificio.
Este icono del siglo XXI establece un punto de inflexión en el carácter de edificios urbanos de alta densidad. Hace posible la interacción con el espacio público desde una estructura integra y homogénea que no resigna imagen simbólica.
Con esta obra, OMA no reformula el rascacielos, delata su obsolescencia.
Marcelo Gardinetti . arquitecto
La Plata. abril 2013
Notas:
[1]Koolhaas, Rem. Content, 2004, Taschen, New York.
El apartamento Vessels es una completa renovación de vivienda en el centro histórico de Barcelona. A través de un diseño, bien estudiado, y una precisa ejecución, el arquitecto abre un espacio lleno de significado y en torno a la luz natural.
Al mismo tiempo expone y protege el tejido estructural histórico, no los ornamentos, sí la construcción que es la verdaderamente genuina e irrepetible.
Proporciona al espacio diseños hechos a medida y se introduce un sistema de iluminación de bajo consumo energético, las “Lighting Carpets”, que iluminan a la vez que zonifican los distintos usos de la vivienda.
La disposición de los espacios responde al deseo del cliente por un espacio abierto y unido que pueda beneficiarse de la luz natural desde primera hora de la mañana hasta última de la tarde. Por esta razón todas las particiones existentes fueron derribadas y las ventanas de la fachada lateral, se ampliaron. El único departamento cerrado construido desde cero, es el núcleo, el cual incluye la habitación de invitados y las áreas de servicio, dejando el resto del espacio diáfano.
Una secuencia ininterrumpida de usos, “The Communicating Vessels”, genera un espacio abierto que discurre sin estorbo desde de la zona de noche, vestidor y baño, hasta la cocina, biblioteca y sala de estar. No se puede percibir puerta alguna a lo largo de este espacio, a excepción de una que indica el umbral entre zona privada y pública, a la vez que permite un mayor ahorro energético durante la noche. Cada uso se indica mediante una “Lighting Carpet”, un personalizado y altamente eficaz sistema de iluminación.
Análogamente al uso de una alfombra tradicional, estas “alfombras de luz”, aportan calidez y delimitan ámbitos dentro de un espacio diáfano. Con esto se ha evitado el común baturrillo de luces y se ha conseguido mejor control de calidad y cantidad de luz. Cada estructura incorpora tres tipos de luz LED; una a techo para subrayar la construcción, propia de una época, una difusa abajo para proporcionar una base lumínica homogénea y estable, y la iluminación puntual para realzar elementos dentro de un espacio incluso en paredes, mas proporcionar la potencia necesaria en mesas de trabajo, zonas de lectura o cocina.
Los distintos ámbitos también se indican mediante piezas de mobiliario fijas, principalmente personalizadas, o acabados particulares que proporcionan atmosferas de contraste.
La biblioteca, con basamento en arco de punto, está en constante dialogo con el ecléctico teatro Coliseum, cuya monumental figura se filtra a través del ventanal. Mediante un vidrio, colocado en el basamento, se permite ver las esculturas del torreón del teatro, que de otro modo, no podrían ser observadas a simple vista desde el interior de la vivienda.
La profundidad y la oscuridad, envuelven la zona de baño, la esencial sensación de una roca. La galería de la habitación principal ha sido transformada en una verde zona de relajación, donde una tarima de madera incorpora una bañera rodeada de plantas, con un espejo y bañada por el sol del atardecer.
El edificio ofrece un rico pasado histórico, ya que ha sido reconstruido varias veces en su historia después de su colapso parcial por el bombardeo de 1938, durante la Guerra Civil española. Mirando de reconstruir su historia, se tomó la decisión de desprender todas y cada una de las capas de pared y techo con el fin de descubrir alguna evidencia de lo que apreciamos en algunas viejas fotografías. Se dejó vista la obra de una pared que describe perfectamente como era y como fue reconstruida.
Todas la instalaciones eléctricas, de comunicaciones o clima, han sido superpuestas a la estructura original sin dañarla, dejándola intacta tal y como se ha podido recuperar. La climatización se ha sectorizado para un máximo confort y ahorro energético. El optimizado sistema de iluminación ofrece un ahorro energético del 85% sobre uno convencional. Toda la madera es certificada. Manolito & Manolita, una firma local de diseño de mobiliario e iluminación se ha encargado de la elaboración de piezas únicas y personalizadas para esta vivienda.
obra: The Communicating Vessels
autor: Víctor González Martí / TC-Interiors
colaboradores: Pablo Martinez Díaz, Faidra Matziaraki, Daniel Orquin.
año: 2012
emplazamiento: Barcelona. España
fotografía: Oriol Tarragona+Vicente Ortega + tc-interiors.es
Hoy, día 17, el Ciclo de Arquitectura Bioclimática, da un segundo paso con la conferencia “Control del clima por medios constructivos”, a cargo de la profesora Mª Dolores García Lasanta. En ella nos acercará estrategias y proyectos para obtener espacios de confort con la ayuda de las herramientas constructivas actuales y sus equipos.
Pese a tratarse de dos décadas marcadas por conflictos bélicos –y sus consecuencias– entre 1937 y 1959 se produjeron algunos de los experimentos residenciales más destacados del siglo XX. Precisamente la oscuridad de esta época puede leerse como detonante de una reacción renovadora por parte de la esfera arquitectónica.
Experimentos con la vida misma. Arquitecturas domésticas radicales entre 1937 y 1959 | Francisco González de Canales
Así lo hace Francisco González de Canales en Experimentos con la vida misma (publicado también en inglés como Experiments with Life Itself). El libro analiza cinco experiencias unifamiliares de arquitectura doméstica que tienen en común una doble característica: por una parte se trata de propuestas radicales, en relación al contexto de modernidad inmediatamente anterior; por otra parte todos los experimentos fueron habitados por sus propios creadores.
El Curso de Diseño y Fabricación digital se centra en el empleo de diferentes aplicaciones de software para la realización de diseño digital, como es el modelado en tres dimensiones realizado con Rhinoceros o el uso de V-Ray o Grasshopper.
Los tres módulos están impartidos por los arquitectos Sergio Alonso del Campo y Diego García Cuevas, ambos instructores autorizados Rhinoceros, iniciándose el primer módulo, Curso de Modelado 3d con Rhinoceros y Fabricación Digital el día 22 de abril, y desarrollándose posteriormente a lo largo de los días 23, 24 y 29 de abril y el 6 de mayo. Este módulo en particular está dirigido a arquitectos y estudiantes de arquitectura, aunque puede ser igualmente adecuado para diferentes áreas del diseño industrial o interiorismo, y en él los asistentes aprenderán a modelar con Rhinoceros, así como a obtener imágenes a través del software y a poner en práctica diferentes sistemas para la creación de estructuras más complejas.
El segundo módulo, Curso de V-Ray para Rhino, tendrá lugar los días 7 y 8 de mayo y será impartido por Sergio Alonso del Campo. Este módulo se centrará en el popular plug-in para Rhino, empleado para trasladar las geometrías creadas con Rhino a formato fotográfico.
Por último, Diego García Cuevas conducirá el Curso de Diseño Paramétrico con Grasshopper los días 13 y 14 de mayo, un curso intensivo que pretende servir de introducción a la arquitectura avanzada paramétrica y generativa.
Fechas: 22, 23, 24, 29 de abril; 6, 7, 8, 13, 14 de mayo
Lugar: Salón de actos de la Fundación Luis Seoane
Dirección: Sergio Alonso del Campo, Diego García Cuevas
En el documental Visual Acoustics: The Modernism of Julius Shulman, dirigido por Eric Bricker, Shulman narra que los arquitectos viven y se recuerdan por las imágenes que fueron tomadas de sus obras y por la misma perenidad de sus ideas. Shulman afirmaba que la arquitectura afecta a todo el mundo y que cada parte de la vida de una persona está basada en una presencia arquitectónica…”Controlo las acústicas visuales de los edificios para congelar el tiempo y fotografiar su momento”. Así, Lovell Health House (1929), Von Sternberg Residence (1936), Mackey Apartments (1939) y Chuey House (1956) figuraron en la narrativa histórica de Los Ángeles, en el modernismo europeo traído por Richard Neutra a Estados Unidos y en el portafolio de Julius Shulman.
Tom Emerson estudió arquitectura en la Universidad de Bath, en el Royal College of Art y en la Universidad de Cambridge, donde posteriormente ejerció la enseñanza, así como profesor en Architectural Associatio y en 2010 en el Swiss Federal Institute of Technology in Zurich. Ha publicado artículos sobre arquitectura, literatura y arte. Ha ganado distintos premios como la medalla RIBA 2010 por la galería de arte Raven Row, situada al este de Londres o el New London Architecture Award 2011, por la aclamada South London Gallery.
La conferencia “Never Modern” versará sobre la influencia social en la planificación de la edificación de distintas zonas de una misma ciudad. A través de los trabajos del filósofo francés y antropólogo social Bruno Latour, se han forjado las bases del estudio 6a Architects, fundado en 2001 junto con Stephanie Macdonald. Emerson defiende que los alumnos necesitan más habilidades prácticas para su futura profesión, de que en 6a Architects se centran en proyectos vivos, que ayudan en la innovación y conocimiento. Debido a esta manera de ejecutar los proyectos, Este, se ha convertido en uno de los más importantes del Reino Unido.
«La arquitectura es fundamentalmente una obra de bricolaje surgida de entre los escombros de la historia y las comedias de la vida cotidiana (…)»
Tom Emerson
La conferencia se engloba dentro de los FOROS ESARQ 2013, que se realiza en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universitat Internacional de Catalunya, ESARQ-UIC. El acto, que será abierto al público, tendrá lugar a las 19:00 horas en el Aula Magna en el campus UIC.
Fecha: Martes, 16 de abril de 2013 Hora: 19.00 h Lugar: Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universitat Internacional de Catalunya (ESARQ-UIC). Aula Magna -C/ Immaculada, 22, 08017 Barcelona
Si bien nacido en Nápoles, Italia y llegado a la Argentina a los cinco años; Clorindo Testa era sobre todo un hombre de Buenos Aires. Un flaneur porteño. Arquitecto deslumbrante y artista genial fue producto de una ciudad culta y apasionada, de allí se nutrió y extrajo sus principales cualidades.
Clorindo Testa (1923), arquitecto nacido en Italia y radicado en Argentina. Uno de los representantes de la corriente brutalista en la década de 1960
Formado en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Buenos Aires, siempre prefirió el bajo perfil y que sus obras hablaran por él. Estudiante brillante descubrió tempranamente la modernidad en la arquitectura y adopto al maestro Le Corbusier como referente y modelo profesional a seguir.
Para Clorindo Testa pintura, escultura y arquitectura eran parte de un único universo creativo e intelectual, donde muchas veces es difícil determinar los límites entre lo uno y lo otro. Sus pinturas abstractas y sus expresivos dibujos de un tono a veces intimista, oscuro y severo contrastan con una arquitectura que siempre parece querer contagiar optimismo y alegría. Siento que esa dualidad vivía y tensionaba dentro de Testa.
Vuelve a Europa en 1949 con una beca de estudio para jóvenes graduados de la UBA y regresa a Buenos Aires tres años después asumido como arquitecto y artista plástico.
Por esos días expone sus cuadros en las galerías porteñas con inmediato suceso y a los 28 años gana, junto a otros colegas, su primer concurso de arquitectura. El racionalista edificio de 1951 para la Cámara Argentina de la Construcción sería el inicio de una larga y dilatada trayectoria profesional. Testa se convertiría en el arquitecto argentino que más premios en concursos de arquitectura ha logrado cosechar a lo largo de todo el siglo XX. Esto da cuenta de su enorme voluntad y calidad de trabajo, pero también de la empatía y el respaldo que sus expresivas e innovadoras propuestas han tenido en el resto de la comunidad arquitectónica argentina.
A diferencia de otros grandes arquitectos argentinos Testa no ha cosechado enconos o enemistades. Su obra, por compleja y vanguardista, puede resultar polémica pero es imposible encontrar colegas que hayan tenido algún pleito con él; y eso no es poco en un ambiente tan competitivo y narcisista como el de la arquitectura. La humildad, sencillez y generosidad siempre lo han distinguido como un verdadero y elegante caballero.
Cámara Argentina de la Construcción, 1951 | lc-architects.blogspot.com.es
Los primeros premios para las obras del Centro Cívico de la Provincia de La Pampa y la Biblioteca Nacional en Buenos Aires lo catapultan a la categoría de “form giver” y legitiman al monumentalismo brutalista como un territorio exploratorio posible para las condiciones económicas y tecnológicas de la argentina desarrollista de finales de la década del´50. El de La Pampa será un conjunto donde sobresale un imponente volumen prismático de 180 metros de largo en código Chandigarh, en el que prevalecen las cuidadas proporciones, sombras, llenos, vacíos y un gran ajuste plástico, revelando una sólida formación académica.
En la biblioteca un contundente “partido” libera el espacio público a nivel peatonal, concentra los depósitos de libros bajo tierra y hace crecer, mediante un monumental “árbol” de hormigón, las salas de lectura en un gesto orgánico de enorme potencia morfológica. También de esa época son el modelo urbanístico para el sector de Catalinas Norte y las intervenciones en los cementerios de la Chacarita y Flores, como producto de su trabajo en el área de urbanismo de la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires.
Biblioteca Nacional en Buenos Aires | rae.radionacional.com.ar
En 1964, con 40 años, Testa será convocado por el solvente y experimentado estudio SEPRA ha participar de un concurso privado para la nueva sede del Banco de Londres en plena City financiera porteña. El edificio resultante para la esquina de Reconquista y Bartolomé Mitre es en mi opinión la mejor obra de la arquitectura argentina del siglo XX y una de las mejores del mundo moderno. La combinación entre la solvencia profesional y rigurosidad constructiva del estudio de los arquitectos Sánchez Elia, Peralta Ramos y Agostini, junto a la vanguardista creatividad de Clorindo Testa produjo un resultado de gran particularidad y excepcional belleza.
Una propuesta innovadora de una modernidad ciertamente influenciada por el último Le Corbusier, pero dotada a la vez de una calidad contextual dentro del denso tejido tipológico del barrio antiguo de la ciudad que es destacable y donde siento que el alumno supera al maestro. La esquina es tratada como una plaza abriendo la trama de potentes pórticos de hormigón y dando entrada monumental, mediante este espacio de transición techado de colosal altura, a la caja interna y transparente que encierra las funciones del banco. Allí la organización espacial genera una experiencia dinámica y sugestiva de planos y bandejas suspendidos en el espacio. Testa rompe con la imagen de un banco tradicional y la moderniza de manera radical, pero al mismo tiempo produce una compleja lección de cómo hacer dialogar de manera amable y respetuosa fuertes gestos y formas arquitectónicas con la ciudad preexistente.
Vista de la columna y escalera caracol que funciona como eje alrededor del cual se articulan las plantas del edificio del Banco de Londres y América del Sur en la ciudad de Buenos Aires (hoy Banco Hipotecario). Arquitectos: Estudio SEPRA y Clorindo Testa (Asoc.).1966 | Fuente: Revista «Summa» n° 6/7. Diciembre de 1966, Buenos Aires | Autor Eduardo Colombo | wikimedia.org
Clorindo Testa fue un creador culto, multifacético, no dogmático, de un gran oficio y capacidad creativa. Sus obras de intervención en el antiquísimo conjunto colonial de los monjes recoletos, en los años ´70, dieron lugar a uno de los centros culturales públicos más dinámicos y queridos de la ciudad, haciendo popular en estas latitudes la idea de “reciclar” e instalando una toma de conciencia respecto del patrimonio arquitectónico y sus potencialidades.
Sus viviendas también serán motivo de experimentación y de búsqueda de una poética singularmente provocativa, desde los volúmenes coloridos e irregular geometría de las casas La Tumbona y CapoTesta en la costa argentina, hasta los edificios de vivienda colectiva como el logrado conjunto de la calle Castex 3335. Allí Testa trabaja la idea de balcones-patio para los departamentos y logra una inserción no traumática de la tipología en torre dentro del tejido compacto de la manzana porteña. Testa nos demuestra todo el tiempo que siempre primero es la ciudad, aun en una arquitectura de gestualidad formal tan potente como la suya.
Conjunto de Viviendas Castex 1975-1985 | arquitectura.com
Su paso por la docencia universitaria fue fugaz, tuvo una cátedra en la Universidad de Buenos Aires a finales de los años´50 pero al poco tiempo supo que eso no era para él; no encontró allí ese placer y concentración que solo le daban su estudio, su atelier y el diálogo ensimismado y lúdico con sus obras. Eso no obsto para que la propia UBA lo nombrara “Doctor Honoris-Causa” y unos años mas tarde, en 2006, la ciudad de Buenos Aires lo distinguiera como “ciudadano ilustre”.
Testa enseña por sus obras, haciendo más con menos, y eso en un país donde los recursos escasean es casi un compromiso ético y moral. Una forma de entender la profesión. Su minimalista y económica propuesta de 1987 para la sede del Instituto de Cooperación Iberoamericana-ICI en un estrecho y tortuoso sótano con una mínima entrada sobre la calle Florida en Buenos Aires es testimonio de esa forma de entender la arquitectura como servicio y oportunidad.
La arquitectura puede y debe hacer mejor la vida, parece decirnos. Su búsqueda alegre, pero nunca frívola, de la belleza lo ha llevado a experimentar formas, colores y texturas de gran expresividad pero sin descuidar ni hacer concesiones en la función y la utilidad propias de la mejor arquitectura. Sus obras tienen siempre muy presente la idea-fuerza de un “partido” claro y contundente, pero también invitan a un recorrido más intimo y fenomenológico por los detalles, los climas y los pequeños guiños que el creador nos va dejando a lo largo de esa rica promenade que nos propone transitar.
Clorindo Testa en su estudio | Fotografía: pruxo | wikimedia.org
Se ha ido un gran arquitecto y exitoso artista que desde su particular óptica ha creado una obra genial e irrepetible. Debe servir, de igual forma que él planteo su relación con Le Corbusier, como inspiración creativa y no como modelo a copiar. En ella permanentemente conviven la razón y la emoción. Testa a sabido tomar, con inteligencia y mesura, de Apolo y de Dionisio lo mejor que cada uno tenia para darle. Allí y en su amor a la ciudad reside el principal valor de su testamento.
Martin Marcos . Arquitecto y urbanista. Profesor Titular FADU UBA
buenos aires. abril 2013
cartografía de Movimientos durante el año 1950 de una mujer residente en el burgués XVIe arrondissement de París. COMBART DE LAUWE, Paul-Henry, Essais de sociologie, 1952-1964, Editions ouvrières, París, 1965. p. 50.
“Nos proponemos inventar nuevos escenarios en movimiento.(…)
La arquitectura es el modo más sencillo de articular el tiempo y el espacio, de modular la realidad, de hacer soñar. No se trata tan solo de articulaciones y modulaciones plásticas, expresiones de belleza pasajera, sino de una modulación influyente, que se inscribe en el eterno arco de los deseos y del progreso en el cumplimiento de los mismos.
La arquitectura del futuro será pues un medio de modificar las concepciones actuales del tiempo y del espacio. Será un medio de conocimiento y un medio de acción.
Los conjuntos arquitectónicos podrán ser modificados. Su aspecto cambiará en parte o totalmente según la voluntad de sus habitantes (…)
Ya hemos señalado la necesidad de construir situaciones como uno de los deseos básicos sobre los que será fundada la próxima civilización. Esta necesidad de creación absoluta ha estado siempre íntimamente asociada a la necesidad de jugar con la arquitectura, con el tiempo y con el espacio”. 1
Aunque sea difícil de creer, este texto fue escrito en 1953. Hoy, en el año 2013 podríamos asumirlo sin problemas, es radicalmente contemporáneo y todavía encontraría reparos académicos y teóricos al introducir descaradamente el vector tiempo en el corazón de lo arquitectónico. No hace tantos años que el concepto de flexibilidad, es decir la transformación del espacio físico de la arquitectura según las necesidades de sus habitantes a lo largo del tiempo, abrió la escena a nuevas estrategias proyectuales.
En octubre de ese año, la Internacional Letrista había asumido este informe sobre urbanismo de su autor Gilles Ivain, que constituyó un elemento decisivo en la nueva orientación seguida a partir de ese momento por la vanguardia experimental.2
La Internacional Situacionista fue fundada en 1957 por artistas y escritores que representaban a diferentes organizaciones de vanguardia. El germen de la IS se sitúa en la Internacional Letrista, el Movimiento internacional para una Bauhaus Imaginista y el Comité Psicogeográfico de Londres. Su influencia a lo largo de los últimos 50 años ha sido enorme y es especialmente relevante su papel conceptualmente avanzado a las convulsiones teóricas, retóricas y proyectuales de la década de los 60. El amplísimo abanico de reflexiones sobre arte, la espontaneidad, la ciudad y el espectáculo son decisivos en el germen de los movimientos contraculturales nacidos al otro lado del Atlántico y las revueltas del famoso mayo del 68.
Las críticas a la cultura consumista de la posguerra, al sofocante funcionalismo del urbanismo de posguerra y la lucidez como sus componentes radiografían un futuro que desde la perspectiva actual tiene un carácter prácticamente de revelación, contribuyen a generar el caldo de cultivo de la increíble explosión creativa de la década posterior, hasta hoy mismo.
Antes de la fundación oficial de la IS en Julio de 1957 la voz de estos sujetos de la subversión eran la circular Potlach (1954-1957) de la Internacional Letrista, la publicación surrealista belga Les Lèvres Nues (1954-1958), y la colección de ensayos Pour la forme: Èbauche d’une methodologie des arts (1958) de Asger Jorn.
Los principios fundamentales que en esencia se mantuvieron durante el periodo oficial de la Internacional Situacionista (1957-1972) hasta su autodisolución, e incluso más allá, ya de forma individual por algunos de sus componentes, formulan el apasionante rechazo de toda economía utilitaria, la comprensión de la ciudad como espacio de juego y autorrealización humana, y la fe en las posibilidades del espacio urbano para generar momentos de genuina participación democrática.
Para entender el punto de partida crítico de los miembros de la IS y más allá, el fondo del problema que activa de manera extraordinaria las reflexiones y propuestas de los futuros actores de los convulsos años 60, es especialmente relevante el plano publicado por Guy Ernest Debord en el articulo Théorie de la dérive3, donde de manera sintética y absolutamente reveladora Debord recoge el plano elaborado por M. Alibert y S. Antoine, colaboradores del sociólogo urbano Paul-Henry Combart de Lauwe en el que se muestra los movimientos durante el año 1950 de una mujer residente en el burgués XVIe arrondissement de París.4 (imagen que ilustra este post)
En el triángulo central del plano, el sujeto de estudio revela una lectura monotemática y homogeneizadora de su paisaje urbano compuesto por su propio domicilio en un vértice, las lecciones de piano en el otro y el lugar donde realiza los estudios en Ciencias Políticas. Para Debord describe este plano como un ejemplo de poesía moderna capaz de provocar reacciones emocionales agudas 5 si bien en este caso, la reacción emocional es de indignación por el hecho de que haya gente que viva de esta manera.
El plano ejemplifica la crisis a la que la sociedad está totalmente abocada. El espacio urbano se utiliza de manera racional, homogénea, incapaz de revertir en el sujeto una experiencia que vaya más allá de su cotidianeidad, condenado a una vida pequeño burguesa, a una totalización simple.
Esta lectura se inscribe en un posicionamiento crítico de mayor calado contra el capitalismo de masas, que surge del modelo del consumo de masas a partir de una demanda insaciable y conducida. Este consumo basado en deseos y no en necesidades condena al ciudadano a un ciclo cerrado de adquisición, consumo, rechazo, en una espiral sin fin.
Tan solo como apunte a la esencia del movimiento situacionista, Debord en la Sociedad del espectáculo,6 su libro más famoso, denuncia la mutación que el capitalismo hace del pensamiento por el espectáculo como sustrato ideológico de dominación. El espectáculo crea un presente perpetuo apoyado en el espejismo de la tecnología, en el que es posible la ocultación, el simulacro, la mentira. La ficción y la apariencia toman la delantera a la realidad.
Si bien es cierto que los niveles de desarrollo son dispares entre los diferentes países que durante los 60 y principios de los 70 van a ser zarandeados por estos movimientos, sí que es cierto que las bases sobre las que se asientan los acontecimientos de esa década están ya sólidamente arraigados.
Aún así, parece realmente extraordinario que tan pronto como este estado de la cuestión empieza a formalizarse, los Situacionistas, lúcidamente ya empiezan a contraproponer y actuar febrilmente, hasta convertirse en una referencia y una influencia a nivel mundial.
Su herencia es difícil de calcular, pero por otro lado es indudable. Durante los años 60, los textos Situacionistas se irán publicando en diferentes medios alternativos, su voz y sus propuestas se irán difundiendo en círculos especializados y de la mano de Debord, llegarán a Estados Unidos constituyéndose en términos históricos en un antecedente necesario para entender los convulsos años de las utopías.
Miquel Lacasta Codorniu. Doctor arquitecto
Barcelona, abril 2013
Notas 1 Ivain, Gilles, Teoría de la deriva y otros textos situacionistas sobre la ciudad, Actar y Museu Contemporani de Barcelona, 1996, pp. 14-16. Gilles Ivain, pseudónimo de Ivan Chtcheglov. Texto publicado en 1953 y posteriormente en Internationale Situationniste núm.1 en junio de 1958. 2 El texto completo original se confeccionó a partir de dos estados sucesivos del manuscrito, con ligeras diferencias de redacción, conservados en los archivos de la Internacional Letrista, y posteriormente pasaron a ser los documentos 103 y 108 de los archivos Situacionistas. Internationale Situationniste núm. 1 junio de 1958, pp.15 a 20. 3 Debord, Guy Ernest, “Théorie de la dérive”, Les Lèvres Nues num. 9, París, Noviembre 1956, pp. 6-13 traducido a una versión ligeramente distinta al inglés en Theory of the Derive, Situationist International Anthology. pp. 50-54. El contexto del concepto de psicogeografía y la teoría de la deriva situacionista es especialmente interesante en el ensayo de Thomas McDonough La deriva y el París situacionista publicado en el catálogo de la exposición Situacionistas, Editorial Actar y Museu d’Art Contemporani de Barcelona, Barcelona, 1996, pp. 54-65. 4 El plano que elaboraron aparece como ilustración 6 como Paris et l’agglomération parisienne1952 en CHOMBART DE LAUWE, Paul-Henry, Essais de sociologie, 1952-1964, Editions ouvrières, París, 1965. p. 50. 5 Op. Cit., DEBORD, 1956, p. 50. 6 DEBORD, Guy Ernest, La Sociedad del Espectáculo, Pre-Textos, Valencia, 2002.
Rafael Moneo ( Tudela, 1937 ) ofreció una conferencia de inauguración del curso 2010-11 en la ETSA La Salle. En ella presenta su libro “Apuntes sobre 21 obras”, el cual es una memoria panorámica de los principios que han guiado su obra. En él, describe una serie de proyectos destacados que ha realizado a lo largo de su vida profesional. Recuperamos un fragmento de la conferencia y recordamos también que están disponibles en la biblioteca de la escuela en formato vídeo las conferencias que se llevan a cabo en la ETSA La Salle.
El trabajo de Mitsuo Miura (Iwate, 1946), residente en España desde 1966, se ha distinguido por el uso de formas cercanas a la geometría, de colores muy definidos según los temas tratados, utilizando diversos métodos, técnicas y disciplinas y acercándose a lenguajes propios de movimientos de la segunda mitad del siglo XX como el minimalismo. Su obra tiende a hacer dialogar los materiales expuestos con el espacio que los alberga, al tiempo que suscita referencias casi imperceptibles a elementos de la naturaleza, estilizados y reducidos a sus expresiones mínimas.
Vista de la sala de la exposición. Memorias imaginadas, 2013 | museoreinasofia.es
En Memorias imaginadas, su intervención en el Palacio de Cristal, profundiza en dos de las inquietudes estéticas que articulan su vocabulario artístico: las formas geométricas y los colores puros. Para esta sede del Museo Reina Sofía, su propuesta parte de lo pictórico y se extiende hacia lo espacial a través de círculos de colores distribuidos por el suelo y suspendidos en la cubierta del palacio. Además, Miura incluye en este trabajo franjas de color situadas de manera intermitente en el zócalo del interior del edificio. Su modo de hacer se construye así como una memoria en la que se reactiva un espacio de lo posible, un área imaginaria de existencia incierta que solo puede ser completada mentalmente. La propia utilización de colores desvaídos remite a la representación de situaciones difusas.
La transparencia que caracteriza el espacio expositivo y la posibilidad de que la luz exterior incida sobre el color, hace que su percepción se modifique levemente según el momento horario y las condiciones climáticas. Un juego visual que no se dirige hacia lo monumental y lo explícito sino hacia lo sugerido y lo íntimo.
La columna aparece como un elemento clave dentro de su búsqueda de lo esencial y la reducción de lo formal hacia sus expresiones mínimas. Sirve como nexo arquitectónico milenario que posee una génesis relacionada con el esquematismo arbóreo. Este relato se complementa con los árboles del propio Parque del Retiro, que sirve como telón de fondo natural del paisaje plástico, abstracto y estilizado que elabora el artista japonés. El contexto exterior se convierte en parte sustancial del sentido que adquiere el trabajo artístico que realiza para el Palacio de Cristal.
Memorias imaginadas · Mitsuo Miura Fechas: 14 marzo – 2 septiembre, 2013 Lugar: Palacio de Cristal, Parque del Retiro + info
Las jornadas de construcción ecológica ecoARK celebran su sexta edición los días 11 y 12 de mayo de 2013 con la intención de que más empresas y profesionales del sector utilicen el evento como plataforma de divulgación e intercambio de experiencias y conocimientos, ofreciendo la posibilidad a los asistentes de conocer más de cerca los diferentes materiales y técnicas constructivas respetuosas con el medio ambiente que existen.
En esta sexta edición iniciaremos una vez más con la exposición de la propuesta ganadora del concurso de proyectos final de carrera ecoARK. A continuación contaremos con la presencia entre otros, de Toni Solanas, Arquitecto y presidente de la asociación AUS del COAC con una conferencia sobre la rehabilitación energética de edificios. El estudio Pich Aguilera nos hablará sobre la industrialización en proyectos de edificación y medio ambiente. Por otro lado, también se efectuarán diferentes talleres prácticos, como el de construcción con BTC de la mano de Eco-Arquitectura Xarxa Gabi Barbeta además de un taller de construcción con Balas de paja de la mano de Enric Garcia, un taller de sistemas fotovoltaicos autónomos por la Escola Agrària de Manresa y otro de revestimientos de barro dirigido por Juan Pedro Franco (Mas Franch).
Cabe destacar que tanto el equipo formado por ecoARK, una agrupación sin ánimo de lucro; como todos los ponentes y colaboradores que participan en las jornadas, lo hacen de forma altruista, con el único interés de la divulgación y concienciación social. Sosteniendo la firme convicción de que otra forma de construcción es, no solo posible, sino necesaria.
El coste de inscripción a estas Jornadas es de 30 euros, y opcional 12 euros menú de comida para el sábado. Podrán encontrar el formulario de inscripción en www.ecoark.net. El aforo es limitado.
Está extendida la idea de que todo el esfuerzo creativo de tres décadas se invirtió en solucionar el acuciante problema de la vivienda, que supuso el levantamiento de barrios enteros a base de edificios de nulo interés arquitectónico, grises y desangelados: un paisaje que en el extranjero se identificó con la uniformidad que creaba el comunismo.
A este periodo se le llamó Modernismo soviético y fue inaugurado por Jruschov en un discurso de diciembre de 1954. Representó, a su vez, una tímida apertura estética. No obstante, pese a su mala prensa, no todo lo que se construyó es olvidable. En la periferia soviética, por ejemplo, los arquitectos pudieron respirar un aire menos viciado, expresiones de los rasgos nacionales e influencias que se filtraban desde el otro lado del Telón de Acero.
Restaurante. Casa de vacaciones de los escritores de Armenia. Arquitecto: Gevorg Kochar. Instituto proyectante: Yerevanproekt. Fuente: Simona Rota | rusiahoy.com
El resultado refleja el cúmulo de identidades que representó la Unión Soviética e incluye casos sorprendentes y originales de edificios sin parangón que, en su mayoría, siguen siendo desconocidos.
La idiosincrasia de este periodo hermético fue el tema central de una exposición titulada Soviet Modernism, Unknown History producida por el Architekturzentrum de Viena. De ella hablamos con Vladímir Belogolovsky, arquitecto y comisario ruso afincado en Nueva York, fundador de Intercontinental Curatorial Project.
La obra de Manuel Ocaña es bastante particular, parte de una búsqueda dentro de su obra para no caer en lo que el llama el edificio estándar, si no que en lo que en la entrevista el llama “arquitectura”.
Un muy interesante documental sobre el Street Art. Exit Through the Gift Shop narra la amistad entre Banksy (probablemente el más famoso y talentoso artista urbano del mundo) y Thierry Guetta, un obsesivo francés que vive en LA, quien fascinado por el arte urbano pasó años filmando a Banksy, Space Invader, Shepard Fairey y otros artistas más.
La polémica comienza cuando Guetta, decide ser un artista, bajo el nombre de Mr. Brainwash, tomando una fama inusitada y ganando millones de dólares a partir del «Arte». Al final podemos hacernos muchas preguntas; nosotros sólo hacemos una: ¿por qué los museos siempre terminan en la tienda de regalos.
Se nos propone rehabilitar una pequeña construcción tradicional del rural gallego como sede de la fundación.
Actuamos con discreción; consolidamos muros, reponemos la cubierta de teja y ubicamos un aseo adaptado.
Saneamos y pintamos de blanco el interior, entablamos algunos paramentos y reponemos la carpintería de madera. Reutilizamos las vigas intermedias de madera como soporte de la nueva iluminación.
El pavimento de granito y los remates de acero negro barnizado completan la actuación.
El nuevo uso público nos impide mantener las dos alturas previas, al ser la inferior, dedicada a cuadras en el pasado, particularmente baja. Así, la zona de acceso adquiere una altura de cuatro metros, quizás más acorde con su función dotacional.
Sobre el aseo podemos ubicar la maquinaria de climatización y unificamos la chimenea de ventilación con el lucernario que lo ilumina. Las otras salas pierden altura en función de su adaptación al terreno.
Se mantiene el zaguán exterior, interesante en un clima lluvioso como el gallego, con el almacén anejo. La flexibilidad prevista en el resto del inmueble nos permite, con una sencilla intervención, favorecer el uso futuro como pequeño centro de dinamización rural: charlas, exposiciones, ocio, asesoramiento… .
Obra: Rehabilitación de inmueble para sede de la Fundación Rubido Romero
Autores: abalo alonso arquitectos [Elizabeth Abalo, Gonzalo Alonso]
Colaboradores: Berta Peleteiro, arquitecto.
Estructura: Carlos Bóveda, arquitecto.
Instalaciones: Inaec ingeniería.
Arquitecto técnico: Francisco González Varela
Fechas de redacción: Proyecto 2010, fin de obra 2012.
Promotor: Fundación Rubido Romero
Situación: Lugar de Padín. Negreira, A Coruña, España.
Presupuesto total: 245.888,00 €
Superficie construida: 117,28 m2
Empresa constructora: Construcciones Quintáns. Jefe de obra. Roberto Quintáns.
Mobiliario: Sutega. Mesa Balu Arte. Silla Ponte.
Iluminación: Lamp
Fotografía: Héctor Santos-Díez| BISimages + abaloalonso.es
«¡Rápido! Encended las estrellas antes de que se fundan los plomos»,
escribió Aldo van Eyck en el año 1959, en pleno debate sobre los caminos que debería tomar la arquitectura moderna. Un momento difícil, complejo y, al mismo tiempo atractivo, dónde los protagonistas manifestaban a través de su obra, acompañada de escritos, bocetos y reflexiones, las dudas e ilusiones sobre el futuro, y sobre su capacidad colectiva de cambiarlo.
Después de un tiempo de trabajo toca cerrar los libros, devolverlos a estanterías y bibliotecas. Retomar las lecturas pendientes y las descubiertas. Entre ellas, una cercana, me recuerda el inicio del viaje hasta donde acaba la tierra, para comprender allí
«que Galicia no es el fin de la tierra sino el centro del mar».
Idea que refuerza aquella tesis de Cunqueiro que definía Galicia como
«una tierra que tiene la cabeza donde termina el mundo conocido y que tiene los pies en el río del Olvido. Realmente no puede haber país más extraño, no puede haber país que esté más lejos, y que desde más lejos venga a entrar de un modo u otro en la gran historia de la humanidad».
Releyendo las páginas resulta relevante observar la presencia del mar en todo el trabajo. Y de una manera de navegar en su historia: entender el proceso desde el detalle, para liberarse de las visiones panorámicas previas y plantear un recorrido nuevo y razonado. Buscando que lo más cercano, lo más familiar, se convierta en lejano y distante —en universal— y lo remotamente lejano se vuelva próximo y accesible —en concreto—. Ir descubriendo esas estrellas que se fueron encendiendo, cuya luz, siendo remota, está tan próxima a la que ansiaba van Eyck.
antonio s. río vázquez . arquitecto
a coruña. abril 2013
Os acercamos el programa del anunciado Ciclo de Arquitectura Bioclimática que comienza el próximo miércoles 10 de Abril. Este ciclo se compone de cuatros con la siguiente estructura:
Miércoles 10 y 17 de Abril
La profesora Mª Dolores García Lasanta nos introducirá en los conceptos clave de la arquitectura bioclimática, en el diseño del paisaje para el control climático y el control del clima por medios constructivos.
Miércoles 8 de Mayo
La promotora y Vicepresidenta de la Plataforma Española de Passivhaus, Carmen Delgado, nos acercará su experiencia en el proceso completo de gestión, promoción, construcción y certificación energética de proyectos bioclimáticos, y aportar su valoración acerca de dos preguntas de actualidad, ¿Puede ser la arquitectura eficiente un nuevo camino profesional? y ¿Cómo y porqué promover una arquitectura más eficiente? Especialmente a través del ejemplo construido de la vivienda Entreencinas, la primera vivienda con Certificación Oficial Passivhaus de Asturias. (Conocer Casa Entreencinas)
Miércoles 15 de Mayo
El estudio de arquitectos HIVAS, nos presentarán el proyecto de la vivienda Villa Ana (Santiago de Compostela), una vivienda que desde el proyecto integra en todos los procesos de trabajo, la vocación de obtener las certificaciones energéticas PASSIVHAUS y BREEAM ES. ( Ver noticia )
Este ciclo forma parte de las actividades del Programa Cultural intemción 2013. Un programa promovido desde 2008 por la Librería Formatos y organizado por el estudio Trespes Arquitectos, y que tiene lugar en la calle Fernández Latorre nº5 de A Coruña. (Conocer librería-sala)
La iglesia de Pumarejo de Tera es obra del arquitecto Miguel Fisac, su construcción destapa una interesante historia que sirve de base a la presente investigación. Sin licencia ni empresa constructora, fueron los propios vecinos quienes coordinadamente se encargan de su construcción. Formando parte de la investigación Arquitectura enTera ha propuesto la experiencia para su catalogación como BIC (Bien de interés Cultural con categoría de Monumento).
Expediente que ha ratificado la Dirección General de Patrimonio Cultural de la Consejería de Cultura y Turismo de la Junta de Castilla y León en resolución de 7 de Julio de 2011 poniendo así fin a un trámite administrativo que reconoce sus valores tanto humanos como constructivos.
Este volumen celebra los 110 años de la Editorial Gustavo Gili. A través de la mirada de varios autores, seguimos su trayectoria a modo de miscelánea, recogiendo los acontecimientos y relaciones más significativos de esta centenaria casa, así como las publicaciones y colecciones más destacadas de su amplio y diverso catálogo. Lejos de ser una historia exhaustiva y lineal, compone una suma de fragmentos, un importante mosaico documental, en su mayor parte inédito, de las múltiples facetas de una editorial familiar independiente que, desde sus inicios, ha querido y ha sabido abrirse al mundo. Un recorrido de más de un siglo que constituye no solo un retrato de esta editorial sino también un reflejo de la historia del sector en España y América Latina en los siglos XX y XXI.
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