Relojero | Fotografía: José Ramón Hernández Correa
Hay un viejo chiste en el que uno va a una relojería con un reloj que no funciona. El relojero lo abre, lo examina, le pega un enérgico soplido y se lo devuelve a su dueño, ya funcionando.
-Son cinco pesetas –le dice. (Es un viejo chiste). -¿Cinco pesetas? ¿Por un soplido? -No. El soplido es gratis. Las cinco pesetas son por saber dónde soplar.
Bueno, pues ahora nos pasa eso a todos nosotros, y, en general, a todo aquél que ejerza una profesión que consista en tener unos conocimientos y en saber aplicarlos a un problema concreto: Los clientes sólo están dispuestos a pagar el soplido, y no el conocimiento que se necesita para saber dónde y cómo soplar. Porque, en realidad, el conocimiento importa poco.
Estamos en una sociedad de servicios, que, básicamente, se reduce a una sociedad de sopladores. Uno no cualificado sopla con fuerza en todas partes y acaba por arreglar el reloj. Sale mucho más barato que llamar a alguien que sepa soplar, porque el desperdicio de soplidos en falso se compensa con el bajísimo precio de cada uno.
Todo esto es sólo en el caso de que la avería del reloj se arreglase soplando. Si es algo de mayor gravedad se tira el reloj y se compra otro, que sale más barato que contratar a un súper genio que ya sepa incluso más que la técnica del soplo. Los grandes creadores están en otro sitio, en una burbuja de cristal, creando los relojes que vamos a usar todos. Y aquí, en nuestro pedestre entorno, sólo hacen falta sopladores de categoría media-baja. Con eso vamos que chutamos.
Por otra parte, los arquitectos siempre hemos intentado regalar arquitectura. Siempre hemos hecho diseños más allá de lo que nos había pedido el cliente, y, por la causa de la arquitectura, hemos empleado horas y horas que no sólo no cobrábamos, sino cuyo fruto mostrábamos al cliente con la vana ilusión de convencerle, para que nos permitiera llevarlo a cabo con más trabajo, pero también con más ilusión, y siempre con mucha más dificultad de la que suponía la resolución más típica y consabida del encargo.
El maestro Alejandro de la Sota dijo que el arquitecto siempre da liebre por gato. Incluso cuando el cliente quiere gato, el verdadero trabajo del arquitecto no es ya el de producir liebre, sino el de convencer a su cliente de que sabe mejor que el gato y de que le va a salir por el mismo precio o incluso más barata.
Pero, si esta operación siempre ha entrañado dificultad, ahora se torna imposible. Todo el mundo quiere gato.
Incluso cuando se dice despectivamente que este país nuestro está llamado a ser un país de camareros, no nos referimos a los camareros que saben su oficio, que seducen, que sirven discreta y sabiamente y que asesoran con la elegancia de un cónsul. No. Nos referimos a camareros de comida rápida que meten apresuradamente el condumio en cajitas de cartulina plastificada y tiran la cocacola a chorro sobre un vaso de plástico lleno de cubitos de hielo de máquina. Por un sueldo de vergüenza y con una nula cualificación profesional. (Y si la tienen han de esconderla y disimularla. El que sepa algo más que eso, ya lo puede ir olvidando).
Esta sociedad nos arrolla ahora con su pretensión de comer gato, con la de que lo matemos a soplidos y con la de que no los cobremos. Y encima lo llamarán gastronomía.
José Ramón Hernández Correa · Doctor Arquitecto
Toledo · abril 2013
Recolectores Urbanos.Proporciona herramientas a los investigadores que permiten dar mayor rendimiento y mejora la calidad de su investigación. Sus productos están pensados para mejorar la transferencia de conocimiento de los investigadores a la sociedad.
‘Investigando cómo investigar. Tecnologías digitales al servicio de la investigación’ Sobre cómo gestionar, cómo generar y gestionar los recursos que todos manejamos hoy día desde una perspectiva abierta al uso compartido (open source), y también sobre la importancia de la identidad digitales de los estudiantes como herramienta para construir un perfil profesional durante la formación.
n’UNDO. Surge como una actitud, una manera de hacer re-arquitectura, interviniendo en el territorio y la ciudad desde la No Construcción, la Minimización, la Reutilización y el Desmantelamiento. Su práctica contempla el desarrollo de planes urbanos n’UNDO, la organización de concursos, la elaboración de informes técnicos y colaboraciones con diferentes organizaciones y colectivos.
‘Concurrencias: vacío, resta y silencio’.
Sobre la intervención en la ciudad y el territorio mediante procesos basados en la resta, cuyas acciones pretenden desvelar lo innecesario, lo redundante y lo banal del entorno construido bajo argumentos impertinentes de crecimiento, colmatación y falsas necesidades, con el fin de soñar la nada, recuperar silencio y vacío como matrices de infinitas formas y estados en potencia, como plenitud de energía y oportunidad.
‘Fichero de Impertinencias’
Actividad de recopilación de localizaciones cuya no construcción, minimización, reutilización y demantelamiento contribuirían a la mejora del entorno.
Lucía García (Maya Kapousky). Licenciada en bellas artes, trabaja como fotógrafa, diseñadora, directora artística, ilustradora y diseñadora web para diferentes empresas, publicaciones y diseñadores de moda como Hebe Magazine, Domohomo arquitectos, Dxi Magazine, Anormalmag, Papa issue, Small Gang jackets, etc.
‘Proyectos: hazlos mal y ¡no los termines!’
De la importancia de la experiencia obtenida del proceso creativo y no tanto del resultado final, en un mundo obsesionado con llegar a la entrega.
Jose Miguel de Prada Poole. Premio Nacional de Arquitectura en 1975, ha sido catedrático del departamento de Proyectos Arquitectónicos de la ETSAM. Es pionero en la investigación acerca de estructuras neumáticas en España, materia en torno a la cuál se centra el grueso de su obra. Su arquitectura está impregnada de ecología, ciencias naturales e ingeniería experimental. Su leitmotiv ha sido “no dejar marcas que condicionen el futuro y far libertad para el cambio”. Esta idea se ha manifestado en todos sus proyectos, como la ‘Instant City’, una ciudad instantánea como respuesta al boom turístico.
“De la ciudad Frente al Paisaje a la Ciudad Paisaje” Sobre la investigación más proyectual dedicada a buscar modelos generales sobre la organización y localización de las futuras ciudades de bajo, o casi nulo, impacto ambiental.
V Festival de Arquitectura ETSAC lunes 8 de abril – 11:00 h. Salón de Actos ETSAC. + info
DPR Barcelona. Editorial independiente con sede en Barcelona, centrada en temas de arquitectura y ciudad. A través del desarrollo de publicaciones experimentales como libros híbridos, formatos digitales expandidos y mobile-books, buscan activamente trasgredir las formas tradicionales de edición y distribución acercándonos a lo que probablemente sean los títulos de arquitectura en el futuro.
“ADN Basura”
Se conoce como ADN basura a las secuencias del genoma que no codifica como proteínas. Sin embargo recientes avances en genetica sugieren que su papel es fundamental en el genoma de cada organismo [aunque sus funciones no han sido identificadas]. De manera análoga existen en arquitectura prácticas profesionales que no pueden codificarse dentro de un marco conceptual convencional y por ello quedan fuera de los canales de difusión y crítica arquitectónica. Nuevos territorios y formas de trabajo que constituyen nuestro terreno de exploración como editorial y como agentes dentro de una red de prácticas en cambio constante. En FetSac13 explicaremos cómo nos movemos dentro de esta terra incógnita.
El tercer número de la revista de arte y arquitectura POINTEs, editada en Madrid. Los contenidos parten de las arquitecturas del agua, visión del agua como condicionante en todos los aspectos del proyecto arquitectónico.
La gasolinera como laboratorio de experimentación y mejora arquitectónica, la tipografía Akzidenz Grotesk, la reflexión sobre la superación del discípulo sobre el maestro, la escuela de fotografía de Düsseldorf, el contexto de Roma, la obra del genial ingeniero Vladímir Shújov y mas reflexiones sobre la proporción, la trama, el color y la arquitectura y el arte en general.
Revista Pointes [n03]
POINTES 3
Las arquitecturas del agua: Lisboa
La escuela de Düsseldorf
La gasolinera como arquitectura
Coreografías urbanas
El equilibrio horizontal y Jacobsen
Trama y color
La muerte del Maestro
Bolonia
Akzidenz Grotesk
Vladímir Shújov
Bajo, junto, sobre los monumentos de Roma
¿Qué no es la arquitectura?
La proporción y el pie veneciano
«Toda construcción auténtica, toda creación humana es una interacción de funciones y no una diferenciación de dominios»
José María de Labra
La galería madrileña José de la Mano, en su interés por desvelar la obra desconocida de autores del siglo pasado, ha realizado un segundo proyecto expositivo sobre José María de Labra con el sugerente título de Laboratorio de Formas[1]. Como se indica en el catálogo, la idea de «laboratorio» evoca a Oteiza y a su personal experimentación con tizas, pero también nos vincula a otro laboratorio, el de Formas de Galicia, concebido en el exilio de la mano de Luis Seoane e Isaac Díaz Pardo tomando la integración de las artes como una de sus premisas fundamentales.
Labra en su estudio. Fotografía publicada en ABC el 7 de mayo de 1971
La obra José María de Labra Suazo (A Coruña, 1925 – Palma de Mallorca, 1994) se encuadra perfectamente dentro de los ideales de aquel laboratorio. Además de su exploración en el mundo de la pintura y la escultura abstracta, enseguida traslada su investigación a la configuración del espacio religioso, participando en el diseño de las vidrieras del Colegio Apostólico de los Padres Dominicos en Valladolid (1952) o de la iglesia de San Pedro Mártir en Alcobendas (1955), ambas proyectadas por Miguel Fisac.
Su primera exposición importante, la celebrada en 1955 en el Ateneo de Madrid, cuenta con un catálogo prologado por Fisac. En él, el arquitecto escribe: «esta exposición no es su obra, es una serie de estudios, de ejercicios para hacer dedos, como dicen los pianistas». Y añade: «Un concierto completo ya lo ha dado Labra en varias ocasiones —yo soy testigo de mayor excepción—; otros los está comenzando a ejecutar. No son cuadros, ni siquiera pinturas murales. ¡Triste concepto de lo que es la fusión de las artes tienen los que creen que una auténtica cooperación plástica es pegar, más o menos acertadamente. a una arquitectura, estatuas y pinturas en las paredes!».
En efecto, los ejercicios de Labra son tanteos, ensayos, primicias que avanzan la idea de obra total anhelada en el sueño de la recuperación moderna. Las maquetas de celosías de madera construidas en su laboratorio se convierten en elementos de articulación y desvelo del espacio en obras como el pabellón español en la Feria Mundial de Nueva York (1964) o la sede de la Sociedad Recreativa Hípica en A Coruña (1967).
Los lígneos tamices de luz propuestos por Labra se incorporan con naturalidad en fachadas e interiores aportando expresividad y dinamismo a la construcción. En ocasiones llega a ensayar con partes móviles, haciendo de la plástica moderna objeto esencial y variable en la definición del ambiente.
En el ecuador del siglo pasado, creadores como Labra, Oteiza, Manuel Molezún, Díaz Pardo o Jesús de la Sota —a quién la galería dedicó también un magnífico proyecto reivindicativo—, además de otros nombres por desvelar, hicieron de la recuperación moderna el escenario perfecto para reivindicar la integración de las artes y, de su obra, la mejor demostración de esta idea.
antonio s. río vázquez . arquitecto
a coruña. abril 2013
Notas:
[1] Un primer proyecto, bajo el título de Labra: Fuerza y forma. Un mundo objetual abstracto se llevó a cabo en noviembre de 2010.
Casa Matos, Córdova&Williams, San Isidro – Lima, Perú 1961.
La casa Matos es un encargo de particular interés dentro de los proyectos de vivienda desarrollados por la sociedad Córdova – Williams. Se ubica en el tiempo entre los edificios para la Fuerza Aérea del Perú en Piura y Chiclayo (1959) y la sede en el Callao de la Escuela Naval del Perú (1962); ambos premiados por la crítica nacional de entonces. Los clientes son José Matos Mar y Rosalía Ávalos de Matos, amigos de ambos y miembro de la ya disuelta Agrupación Espacio.
La parcela donde se proyectaría el encargo era relativamente pequeña, 12,5 x 24 ml, entre medianeras, ubicada en el distrito de San Isidro, con frente a la calle Blas Cerdeña. La casa participa de la urbanidad de modo especial, si bien no se ubica en el retiro mínimo pautado buscando tomar un frente urbano, se refugia en el interior del predio y se comunica a través del verde y de un discreto muro y portón.
La casa está diseñada en base a una modulación adecuada a las dimensiones del terreno que se respeta en ambas plantas y a partir de la cual se organizan los muros y las carpinterías. Esto lo descubrí en el proceso de redibujo de la casa y estudio de proporciones, y luego fue confirmado por el arquitecto Córdova quien lo asumió como el proceso natural de diseño.
DISTRIBUCIÓN
Esta casa, abierta a sus patios e integrada entre sus espacios, reconoce los dos mundos que coexisten en el primer piso: la zona social y estudio, entendida espacialmente como una, y la zona de comer y de servicio. La jerarquía de la sala se percibe gracias al desnivel que la separa del estudio y que le permite a éste mirar al jardín por encima de la primera. Unas ligeras puertas corredizas inspiradas en la arquitectura tradicional japonesa separan visualmente los ambientes cuando es necesario, siendo la escalera de madera la que se encarga de hacerlo físicamente.
Entendiendo los tabiques como elementos ligeros, móviles, vemos entonces como el volumen generado por el baño de visitas y el depósito de servicio es el único elemento corpóreo, orientado en paralelo a las medianeras y hábilmente aprovechado para separar la zona de servicio del escritorio. El muro estructural sobre el que se apoya este volumen se prolonga en sus dos extremos acompañado por estantes, siempre debajo del cálido manto de la madera.
En la zona de dormitorios (segundo piso), se proyectan los tabiques que separan los ambientes del distribuidor como ligeros, haciendo énfasis en la masa del techo, piso y muro posterior de cierre, en contraposición de la abertura total de la cara frontal, que permite proyectar el dormitorio principal a la terraza.
Noto, en la modulación de las plantas y cerramientos y en el manejo de los volúmenes y planos, una posible influencia de Mies Van der Rohe que fue confirmada por el arquitecto Córdova. Si bien no recuerda haber tenido su obra como referente específico en éste proyecto reconoce la admiración que tenían al maestro y en especial al Pabellón Alemán de Barcelona (1929) al que visitaron durante su paso por esas tierras.
FACHADAS
La fachada frontal como ya la hemos ido relatando, está compuesta por dos franjas horizontales de color blanco de considerable corporeidad, y por una combinación de tabiques opacos y carpintería de madera de color oscuro. Las franjas blancas se adelantan al plano de la carpintería formando la terraza del primer piso y techando el balcón del segundo, teniendo mayor longitud y grosor la primera. Los muros laterales acusan su llegada levantándose para recibirlas con un gesto que nos hace recordar la arquitectura precolombina. Al respecto Córdova comenta que necesitaban resolver el paso del muro bajo que delimitaba el jardín al muro alto que contenía a la casa, la solución “funcionalista” hubiese sido levantar el muro recto donde corresponde; en esta casa optan por hacer un gesto hacia la arquitectura precolombina limeña, que estaba en esos años en una etapa de redescubrimiento y revisión a partir de la reconstrucción de “Puruchuco” por el Dr. Jiménez Borja, animado además por el trabajo arqueológico de Williams y el interés de Córdova.
Vemos en esta etapa de la sociedad Córdova-Williams la búsqueda de un matiz local para la arquitectura Moderna a la que estaban adscriptos. Ya Luis Miro Quesada había profundizado sobre este tema en su libro “Espacio en el Tiempo” afirmando que:
“Más si las exigencias climatológicas han originado una serie de dispositivos protectores que en su racionalismo determinan originales formas arquitectónicas, es esa misma racional adecuación a las diversas modalidades climáticas y la reutilización tecnificada de elementos tradicionales, las que determinan que la arquitectura moderna no se anule en una gris uniformidad internacional, sino que florezca en la diversidad atrayente y novedosa de lo nacional.” 1
En el proyecto para la Fuerza Área del Perú Córdova y Williams trabajan bajo estas pautas buscando minimizar los efectos del clima sobre los departamentos. Para ello utilizan un gran paño de celosías que da a un espacio semi-abierto en la orientación más expuesta para generar una barrera de aire que ayude al control térmico.
En la casa Matos esta búsqueda se manifiesta en ese gesto, que algunos críticos podrían llamar “manierista” y otros acusar de traición a la línea de pensamiento. Sin querer profundizar más en el tema yo lo interpreto como la necesidad de manifestar lo local como un gesto dentro de una arquitectura concebida desde lo universal.
Aldo G. Facho Dede · Arquitecto Autor del Blog Habitar: Ambiente+Arquitectura+Ciudad
Lima · agosto 2012
Notas: 1 Luis Miró Quesada Garland – “Espacio en el Tiempo – La Arquitectura Moderna como Fenómeno Cultural”. Compañía de Impresiones y Publicidad, Azangaro 1005 – Lima, Perú Febrero de 1945. Cáp. VII – Pág. 74.
Fredy Masad. Dedica su práctica a la crítica y análisis sobre la arquitectura contemporánea. Desde el estudio ¿btbW/Architecture ejercen actualmente como críticos de los suplementos culturales de ABC y La Vanguardia, colaborando asimismo con diferentes medios internacionales especializados en arquitectura y diseño.
“Del ícono a la performance. Variantes de la arquitectura del espectáculo” Si de la mano de los arquitectos-estrella, la arquitectura derivó en una obscena forma de espectáculo que hizo del edificio una forma de fetiche hoy, frente a los embates de la crisis y la zozobra ideológica de la política, la arquitectura ha escogido la performance como el medio a través del que recuperar su credibilidad.
Así, del ícono excesivo hemos pasado a impostados idearios de lo social: del efecto Guggenheim a ‘Ikea Disobedients’. Esta conferencia quiere analizar cómo el concepto de arquitectura-espectáculo no ha desaparecido sino que se transforma bajo nuevas estéticas y retóricas.
V Festival de Arquitectura ETSAC ConferenciaFredy Massad martes 9 – 11:00 h WEB: http://www.btbwarchitecture.com/ FB: ¿btbW/Architecture Twitter: @fredymassad
ARKITIRITEROS es un colectivo de jóvenes formados en bellas artes, arquitectura o diseño, de diferentes puntos de la península y cuya producción se centra en la realización de exposiciones, actividades y crítica a través de la red.
‘Edificios Preokupados”. El taller tendrá como protagonista las ruinas contemporáneas que a modo de esqueletos ha dejado en todas las ciudades el estallido de la burbuja inmobiliaria. ¿Qué pasará con ellas dentro de 10 años? ¿Se derribarán uno a uno todos los esqueletos? Se trabajará sobre la opción del reciclaje de los mismos como oportunidad para dar soporte a necesidades de los vecinos del barrio.
PRESENTACION: lunes 8 de abril 13:00 h.
Salón de Actos ETSAC
DESARROLLO: lunes 8, martes 9 y miércoles 10 de abril, 16:30 h.
Aulas 3ª Planta.
Esteban Salcedo (NK arquitectura) y Jose M. López Ujaque (Colectivo MEVA), nos presentan el taller: “Ladrones analógicos en un mundo digital”. El mundo digital es el mundo de copiar y pegar. Estamos muy familiarizados con los atajos de teclado CTRL+C, CTRL+X, CTRL+V porque esas son las herramientas del arquitecto contemporáneo, aunque nos esforcemos continuamente en ocultarlas y denostarlas. Somos ladrones, robamos. El taller incide en nuestra formación no como poetas, sino como arquitectos ladrones de lo contemporáneo, resampleando a través de otro ámbito también cada vez más olvidado y dejado de lado: el mundo analógico. Cortaremos (cut-up), plegaremos (fold-in) y sustraeremos (erase).
PRESENTACION: lunes 8 de abril 13:00 h.
Salón de Actos ETSAC
DESARROLLO: lunes 8, martes 9 y miércoles 10 de abril, 16:30 h.
Aulas 3ª Planta.
La intervención se produce en una manzana de la parte alta del Casco Velllo de Vigo. Zona ésta muy degradada, por los conflictos sociales y la migración de sus vecinos abandonando las edificaciones.
Se respetó la morfología del parcelario, Se ha recurrido a una distribución de viviendas contemporáneas, versátiles…en la que se favorecen así las perspectivas transversales y la ventilación cruzada.
Previo a la intervención
Las edificaciones se encontraban en estado ruinoso, demolidas total o parcialmente. Los muros han estado sometidas a la intemperie durante años, las medianeras se encontraban totalmente disgregados y habían perdido su capacidad portante.
Ante la imposibilidad de su rehabilitación, se han demolido y sustituido por muros portantes de hormigón y termoarcilla. Construyéndose con la misma geometría que los originales y respetando la morfología del parcelario.
Solución Propuesta
Se ha recurrido a una distribución de viviendas contemporáneas, versátiles y cubriendo los exigentes requisitos exigidos por las normas de habitabilidad de viviendas en Galicia.
Se respetó la morfología del parcelario, de modo que se pueda percibir espacialmente el parcelario original, ya que cada parcela se corresponde con un espacio de la nueva distribución.
Se mantuvieron los muros portantes libres, sin adosarles ningún tipo de tabiquerías o elementos que distorsionasen su percepción. Favorecemos así las perspectivas transversales y la ventilación cruzada.
Se recurre constructivamente a la tipología de muros de carga y forjados de madera.
La intervención, se centra en la rehabilitación de las edificaciones conservadas, así como en la reedificación de las que ya no existen.
En las edificaciones a conservar:
Se pretende con ésta rehabilitación poner en valor los elementos salientables de la arquitectura del Casco Vello: Aleros de madera, ventanas a haces exteriores, restauración de barandillas y de chimeneas…
En las construcciones a reedificar:
Se respetan los valores de la arquitectura del casco vello: la morfología de las parcelas, la disposición de los muros de carga, la volumetría, la proporción de los huecos macizos en las fachadas así como los materiales: granito de fachadas, carpinterías exteriores y estructura de madera.
Siempre se reinterpreta de un modo contemporáneo:
– Las nuevas medianeras reproducen la morfología original del parcelario, pero se construyen con muros de hormigón en planta baja o termoarcilla en plantas superiores.
– La fachada se construye con bloques de granito de grandes dimensiones colocados en vertical, definiendo cada uno de ellos el macizo entre los vanos.
– La estructura horizontal se construye en madera, pero con un forjado macizo machihembrado de madera laminada, que mejora cualitativamente las prestaciones acústicas y de resistencia al fuego frente a uno tradicional.
Tipología
Se optimizan los recorridos verticales, resolvemos con un único núcleo de escaleras el acceso a las viviendas. Se accede a través de una fisura en la fachada a rúa S. Sebastián, desde la que distribuimos las viviendas subiendo o bajando una planta.
La edificación en Rúa Ferrería 11 se rehabilita en una sola vivienda, con acceso por la Rúa Ferrería y por el patio interior.
Los núcleos húmedos aparecen como cajas cerradas que organizan a su alrededor las estancias, dormitorios, vestidores… que permiten aislarlas o agruparlas con grandes puertas correderas a modo de tabiques. Potenciando así diversas maneras de utilizar el espacio en función del momento del día o de la evolución en el tiempo de las necesidades de los usuarios.
Entendemos así que las viviendas resultantes, son abiertas, diáfanas, luminosas y con espacios resultantes muy versátiles, viviendas que se pueden adaptar a los distintos usuarios finales o a la evolución de sus necesidades en el tiempo. La construcción devuelve la escala a las calles y al tejido circundante y es respetuosa con el medio en el que se asienta.
Obra: Rehabilitación de 7 edificaciones para 9 viviendas y local comercial
Localización: Rúa Ferrería 11,13,17,19 y S. Sebastian 1,3,5,7 Vigo, Galicia, España
Arquitectos: Perfecto Cendón Domínguez y Javier Vázquez Fernández
Año: 2011-2012
Arquitecto Técnico: Alejandro Martínez García
Estructuras e Instalaciones: Antonio Reboreda Martínez
Constructora: DICONSA S.A.
Fotografía: Manuel G Vicente
Presupuesto: 1.080.962 € + cendon-vazquez.com
Alè Produccions, Oberon Cinematogràfica, La Perifèrica Produccions, IFFI Productions y Televisión Española, en colaboración con la Fundació Joan Miró de Barcelona y con el apoyo de Televisió de Catalunya, os invitan a la presentación del documental:
José Luis Sert / Un sueño nómada
José Luis Sert fue el primer arquitecto español de fama internacional. Apóstol del racionalismo en España y Decano de la Facultad de Arquitectura de Harvard durante casi dos décadas, Sert fue también un hombre lleno de contradicciones. Miembro de una conocida familia aristocrática y destacado militante republicano, Sert tuvo el atrevimiento de ser un arquitecto de vanguardia en un país donde gobernaba el conservadurismo estético más absoluto. Fue católico y libertario. Fue también, como todos los exiliados, un vitalista de espíritu triste, un artesano del sentido común al que le tocó vivir en un mundo extremo. Viajó, emigró, huyó. Se refugió donde pudo: París, La Habana, Nueva York y finalmente Boston. Sert abrió puertas, cultivó amistades y representó a España durante décadas en los círculos más selectos de la arquitectura contemporánea.
«Mi vida está dividida en capítulos que llevan nombres de ciudades: Barcelona, París, Nueva York y Boston; una vida nómada con demasiados cambios, pero sin ningún momento aburrido»
J. L. Sert.
Jueves 4 de abril a las 7:00 pm. Auditorio de la Fundació Joan Miró. Parc de Montjuïc s/n. 08038 Barcelona.
Dirección y guión de Pablo Bujosa Rodríguez
Producción ejecutiva: Antonio Chavarrías, Cesc Mulet i Mihalis Gripiotis.
Documentación y coordinación del evento: Maria Charneco Llanos
Duración: 72’
Cambridge, Barcelona, Nova York y Palma de Mallorca
Evento gratuito y abierto al público.
Proyección del documental con presencia del director Pablo Bujosa Rodríguez.
El próximo viernes 12 de abril a partir de las 23 horas se celebrará en el Playa Club (Andenes de Riazor s/n) la septima edición de Pecha Kucha Night Coruña. Las puertas se abrirán a las 22:30 horas, y la entrada será gratuita. El acceso será libre hasta completar aforo.
Una época de crisis es una buena época para el reciclaje. Reciclaje material y reciclaje de ideas. Momentos donde marcar un punto de inflexión definitivo con lo anterior y colocar lo que tenemos en las condiciones adecuadas para encarar un nuevo ciclo de vida.
MÁRGENES ARQUITECTURA surge con la idea de tratar no sólo asuntos relacionados directamente con la arquitectura, sino con la intención de echar un vistazo por los bordes, por las materias transversales que cruzan la disciplina arquitectónica. Puntos en común que se entrelazan con literatura, música, moda, artes plásticas, ciencia…
Además, MÁRGENES ARQUITECTURA quiere contar con la mirada de aquellos que aún están en los márgenes de la profesión. Por eso queremos mostrar ejemplos de arquitectura dibujada, la de los proyectos de escuela y los proyectos de fin de carrera. Arquitectura que nunca se construirá, que normalmente permanece en la sombra pero que contiene el germen de la arquitectura futura y la frescura de lo que aún no ha sido pensado para su verdadera realización.
MÁRGENES ARQUITECTURA se estructura en tres partes. La primera está dedicada a proyectos que explican el tema que da título al número, en este caso, RECICLAJE URBANO. La segunda, ARQUITECTURA DIBUJADA, recoge aportaciones de alumnos de PFC y último curso de diversas Escuelas de Arquitectura de España. Por último, la revista se cierra con CONTENIDOS MARGINALES, donde el tema central de número se entrelaza con disciplinas relacionadas de una forma u otra con la arquitectura, mediante secciones fijas de entrevistas, noticias y reseñas.
Para nosotros, aparte de un momento de reciclaje de nuestras propias ideas acerca de la revista de arquitectura que nos gustaría hacer y leer, es un momento de especial ilusión y energía. Si MÁRGENES ARQUITECTURA quisiera transmitir algún mensaje, tal vez sería este: actuar en tiempos de crisis, conscientemente pero sin miedo. Comenzar a reciclar los antiguos modos de afrontar la profesión (y la vida), reutilizando de forma diferente estos pedazos para encarar un nuevo ciclo.
Poco después de visionar por tercera o cuarta vez “12 Angry Men”, entendí que John Ford tenía razón. No había más que ver caminar a Henry Fonda para entender lo que era el cine. Me retiré a mi Innisfree, de la cual ni siquiera soy nativo. Ahora, asentado y humilde conocedor de aquello que me rodea, me dispongo a compartirlo.
Cartografía del Palermo Ottocentesco
El objeto de estudio no varía, es siempre esta terrible amalgama de culturas, colores y pavimentos que ve como poco a poco, y sin prisa ninguna, el tiempo, que todo lo cambia, se cierne sobre sí. Se mantiene como Pinito del Oro en una línea peligrosa entre el encanto y la inmundicia. La actitud tranquila de sus vecinos ante el estado de lo que en su momento fue la ciudad más rica en millas, hace que esta mantenga su esencia intacta, me gusta imaginarme estas calles en Alemania o Austria. Con un cartel de “No se apoye, recién pintado”. Esta urbe, que conjuga las mayores concentraciones de arte sacro por metro cuadrado de Europa con los placeres más profanos y carnales habidos y por haber, se ha dejado conquistar por quién mostrase un mínimo interés por ella; entendieron mucho antes que el resto, que los que se decían reyes, no acudían a ellos si no para vaciar sus graneros y saciar sus apetencias. Este lugar, esta parroquia, solo quería recibir una muestra de cariño, aunque viniese acompañada de conquista y cambio de bandera. Esta pequeña mancha gris en el mapa triangulado, vio morir al Estado. Y no se la ve preocupada. Está claro que la invariante es ella, da igual donde estemos, porque no cambia, cambiamos el lugar desde el cual nos acomodamos a admirarla; analizarla es una labor tediosa nada conveniente para las tardes de primavera.
Cartografía de la Cueva del Higuerón
El primer paso para entender la ciudad lo di desde la gran escala; el tablero de dibujo y el plano desbrozaron las primeras impresiones, me ayudaron a abarcar un territorio enorme sin más ayuda que un botellín de agua. El transporte público muere a las puertas de este pequeño territorio comanche. Clasifica en grandes zonas; juega a las familias, cada clase social, en su quartiere; parece una ciudad pausada, tranquila. Que se rige según unas líneas maestras que ordenan lo que sucede a su alrededor. El cruce de estas vías define el marco en el que, poco a poco y de forma coherente, los habitantes en sano consenso con los arquitectos de la zona, ocuparán con sus viviendas. Es tan transparente, que incluso podemos ver parte de su pasado. Si afinamos la vista, podemos incluso reconocer la marca del Imperio, la forma de águila en la distribución de entradas a la muralla, la marca del senado en cada bastión. Qué decir del cruce de cardo y decumano, suena obsceno por obvio. Se reconocen con facilidad todos los estratos, se identifican fácilmente los barrios, exalta el sentimiento de pertenencia a éstos. Incluso algún atrevido, podría reconocer la evolución del crecimiento y las zonas de expansión. Podríamos llegar a trazar un plan urbanístico. Que porno suena eso de trazar un plan.
Como acotar un croissant. Enric Miralles
Regresando a nuestra óptica, la que se levanta a 1.83 y sufre de cefalea cuando sopla el viento sur, la ciudad cambia. La incidencia del sol se vuelve asfixiante en las grandes avenidas, es mucho más agradable caminar por las estrechas calles de la ciudad antigua. Los grandes quartieres de perímetros ordenados y fachadas nobles que se presentan altivos a los ojos del turista, se encuentran troquelados sin piedad por estrechos y retorcidos vicolì que recuerdan la inseguridad de antaño. No tanto la de Coppola y sus galanes con sombrero custodiando puestos de fruta, si no la de Lampedusa, la de quien se encontró el bosque por talar y decidió plagar la ciudad de ratoneras. Viendo la ciudad con los pies cansados y con sed por el sirocco asfixiante, podemos trazar un plano totalmente distinto. Escuché a Juan Creus hablar de cómo había cartografiado un viaje en coche, como las distancias se acortaban, los acontecimientos se sucedían de forma casi violenta. Me pareció una experiencia atractiva. Un plano que se pliega sobre sí mismo una y otra vez, que busca la pendiente natural hacia la que dirigirse con el mínimo esfuerzo. En ese plano, ni mi primo el curioso se cuestionaría por qué el puerto está donde está, muy a pesar de los paseantes. Sería una suerte de trazas sin leyenda. Un dibujo preciso, muy grande y con olor a stigghiola. Y a sambuca. Representa la ciudad que se hizo a sí misma en función de sus contingencias. La que no sufrió la anorexia del siglo XX, la que sigue celebrando el nacimiento de una nueva vida en el vecindario con un pompón celeste. La que concentra toda la tensión de una fachada en la puerta. El barroco, del que crece en los bordes, como el moho. Esa ciudad solo es apreciable a golpe de zapatilla, por mucha herramienta que incorporemos al estudio a distancia, no podremos captarla. Parece que siempre se cierne sobre mi discurso la pesada sombra del tiempo, de la calma. Lo encuentro fundamental no solo cuando practicamos la arquitectura; lectura, cine, cocina. Precisan de unos tiempos naturales que debemos respetar y disfrutar; tratar de acelerar el proceso solo rebajará la calidad del producto a conseguir. Y en las ciudades pasa igual, hay lugares que se hicieron con prisa, y se padecen.
Colección de fotografías de Letizia Battaglia
No podemos tratar de eliminar ninguna de las facetas cuando queremos jugar al urbanismo. Puede resultar tedioso o cansino, pero las dos son necesarias. No podemos desnaturalizar el plano, arrancarle el factor humano como si nada y pretender tener ciudades. No. Así, solo engendraremos colmenas, almacenes más o menos ordenados. Alternemos ambas distancias, ambas intensidades. Aparecerán nuevos lugares sin quererlo; con suerte, puede que afloren nuestras líneas de Nazca. O simplemente nos demos cuenta de que todos esos callejones que se abren paso a cabezazos y de aspecto tan aleatorio, varían su forma al compás de la necesidad, que es como surgen la mayoría de los fenómenos. Que subyace una estructura a veces inapreciable pero que se rige a la herramienta más valiosa del urbanismo, el sentido común. Seremos conscientes de las oportunidades perdidas de la ciudad, y de los desastres tremendamente bien aprovechados. Descubriremos la ciudad que quiso y pudo, y dejó de querer. La matrioska que esconde una ciudad dentro de otra en progresión infinita. La que entre el caos y alborote de una flota automovilística digna de una megalópolis asiática, es capaz de disfrutar de las obras inconclusas de siglos pasados, y tiene la paciencia suficiente para dejar que los árboles crezcan. Una ciudad de intangibles.
La exposición, resultado de varios años de trabajo en colaboración con el Zentrum Paul Klee de Berna, se apoya en el que quizá sea uno de los proyectos de investigación sobre el artista más relevante de las últimas décadas: la reciente edición crítica del así llamado «legado pedagógico» de Klee. La muestra permite articular una selección de 137 obras entre pinturas, acuarelas y dibujos, realizados entre 1899 y 1940, con casi un centenar de manuscritos seleccionados entre las notas de las clases de Klee en la Bauhaus, que representan cada uno de los 24 capítulos que componen los textos de Klee.
Paul Klee en su taller en Weimar en 1925
Cuenta, además, con objetos y documentos que van desde fotografías de época hasta los herbarios del artista, pasando por sus lecturas, las fuentes documentales de sus reflexiones, sus escritos, sus cuadernos de dibujo y sus publicaciones, un variado material que contextualiza adecuadamente su vida y su trabajo en la Bauhaus de Weimar y Dessau y ayuda a poner de manifiesto las influencias mutuas entre su teoría y su práctica artística a lo largo de toda su vida.
Con el nombre de «legado pedagógico» de Klee se conoce hasta hoy un conjunto de textos tan heteróclito como fascinante: casi 4.000 páginas manuscritas de Klee en las que éste recogió sus reflexiones e investigaciones teórico-prácticas –plagadas de llamativos diagramas, esquemas, tablas, escalas de color, construcciones y dibujos¬– en torno a la forma pictórica, sus regularidades, sus normas y su génesis; a la geometría, el plano y el volumen; al movimiento, las estructuras de la naturaleza y las de los artificios, las configuraciones plásticas, el ritmo o el color. Se trata, en definitiva, de un conjunto de reflexiones sobre la vida de las formas sin el que no pueden entenderse de manera concluyente ni la teoría del arte ni el propio hacer artístico de Klee, dos ámbitos que –como es obvio en el caso del artista–, se hacen eco mutuamente.
Sin embargo, y pesar de la significación y de la importancia de esos escritos, hasta ahora apenas dos exposiciones se habían apoyado explícitamente en ellos para plantear un discurso visual que se ocupara de las relaciones entre la obra y la enseñanza de Klee; sin duda a causa, al menos en parte, de que todo ese riquísimo material, tan rico en sugerencias como difícil de interpretar, se encontraba en un estado poco practicable para la interpretación y el análisis.
[…]
Paul Klee: maestro de la Bauhaus
22 de marzo 2013 – 30 de junio 2013
Fundación Juan March
Madrid, España + info
Lupo es una herramienta didáctica desarrollada por un grupo de profesionales interesados en la educación. El equipo que forma Sistema Lupo es heterogéneo y siempre está abierto a nuevas colaboraciones.
Lupo surge ligado a una patente ideada por el arquitecto Fermín Blanco, es un sistema de construcción basado en un set de siete piezas proporcionales entre si que permiten infinidad de aparejos. En función del material y de la escala, lupo adopta unas características u otras.
¿Cuál ha sido tu formación y tu trayectoria profesional previa a Sistema Lupo?
Siempre me ha interesado la construcción, cuando terminas la carrera de arquitectura, tienes un vacío en el estómago, una sensación de vértigo para hacer frente a un proyecto de “verdad”. Yo al menos así lo he experimentado y hablando con otros compañeros y ahora con los alumnos de fin de carrera que terminan sus estudios me trasmiten la misma sensación.
Mi primera experiencia profesional fue excelente, porque tuve la posibilidad de ser guiado por un maestro. Entré en el estudio de Manolo Gallego sin haber padecido una sola obra y me encontré compartiendo horas y horas de trabajo con un profesional que me transmitía todas o al menos parte de sus dudas… Eso para mi era una experiencia sorprendente, yo estaba lleno de dudas pero ¿ Cómo aquel hombre con su trayectoria y sus conocimientos podía tener tantas dudas ante un proyecto? Acompañé a Manolo durante tres inolvidables años, aprendiendo a dudar en una fase formativa continua que hoy llamaríamos Master, supongo.
Al tiempo realicé mis cursos de tercer ciclo e inicié mi tesis doctoral, durante esos años asistí en persona a la defensa de la cátedra de Manolo dónde se trataron temas, algunos de los cuales yo aun no alcanzaba a entender, creo que aun me faltan unos cientos de libros por leer para poder interpretar alguna parte teórica de ese documento. Durante esos años aprendí mucho sobre el material, el proceso, la construcción…, todas esas cosas que ahora trato de explicar en mis clases de construcción. Pero sobre todo me ayudó a entender que la formación y la duda es algo que nos acompañará a lo largo de toda nuestra trayectoria personal y profesional. Y también y no menos importante que existen muchas maneras de desarrollar la profesión pero sólo algunas son éticas.
En el año 2006 abrí las puertas de mi propio estudio profesional, me rodeé de gente buena y profesional y comencé a hacer asistencias técnicas a diferentes organismos y empresas, organicé exposiciones, terminé mi tesis doctoral y comencé a impartir conferencias y cursos en diferentes universidades, museos y colegios profesionales. Entre medias patenté el sistema Lupo como herramienta didáctica para hacer lo que realmente me gusta que es aprender enseñando.
¿Te planteaste en algún momento, presente, pasado o futuro, buscar trabajo en el extranjero?
Como me estoy refiriendo a momentos concatenados en el tiempo donde realmente no nos marcábamos objetivos sino que hacíamos y hacíamos… Y unos proyectos nos llevaban a otros. Realmente sólo hacíamos incursiones profesionales en el extranjero cuando los proyectos lo requerían pero no pensando en establecer la empresa fuera.
Creo que gran parte de mi generación se enriqueció sobre manera con las visitas al extranjero a través de las becas de estudio o intercambio. Gran parte de mis compañeros abrían nuevos destinos en un momento en que desde Europa se potenciaba el intercambio. Considero que esa parte de la política europeísta fue un acierto. En mi caso me llevó a estar un año en Lisboa y también a participar en proyectos educativos con entidades italianas. En la actualidad la visión panorámica de un mundo sin fronteras además de parecer un anuncio publicitario es una realidad tan evidente que nadie puede plantearse un futuro sin mirar al exterior. Nosotros en la actualidad tenemos una serie de proyectos didácticos en colaboración con diferentes entidades y empresas extranjeras como Arup Londres, American Hardwood Export Council, o el Museo Federico Silva de México.
¿Qué te llevó a poner en marcha este proyecto?
Como alguno de mis proyectos, por cierto a los que más cariño les tengo, lo hice sin mediar encargo. A partir de unos trabajos que estábamos desarrollando para museos, principalmente conferencias y exposiciones.
Nos encargaron talleres infantiles que explicaran los temas que se trataban en las exposiciones, en ese momento eran temas de postesado, construcción de puentes y grandes estructuras. Comenzamos haciendo esos talleres con cajas de marisco y a partir de ahí vimos que necesitábamos un material de gran formato como las cajas pero que fuese proporcional en las tres dimensiones, como un bloque de construcción. Definimos unas geometrías y piezas básicas y posteriormente fabricamos en el mismo material (poliestireno PS) diferentes versiones hasta llegar a la que más nos satisfacía por calidades, posibilidades y también el modo de unir las piezas.
Como nos imaginamos que todo ésto estaría inventado, decidimos desarrollar una marca para protegernos, por miedo a que una multinacional juguetera pudiera denunciarnos por usar una patente ya existente. Sin embrago el proceso determinó que la idea es original y finalmente se concedió la Patente propia del sistema lupo. (ES 200902060)
Desde entonces el primer Super lupo ha dado lugar a diferentes productos cambiando el material y la escala pero manteniendo el carácter experimental y didáctico. Timber lupo, Lupo Plot, Lupo DIY, Lupo Digital…La información sobre cada versión puede verse en la web del sistema.
El último de ellos Lupo Plot, incluye el color, y una fabricación a través de impresoras 3D y bioplásticos de última generación tipo PLA dentro de esa intención de trabajar con todo tipo de materiales y técnicas. Cada vez que generamos un producto asumimos pequeñas variaciones en la forma de encajar las piezas o en los cantos para adaptar la forma a las posibilidades de fabricación. Las tolerancias no son las mismas cuando se trabaja con tableros encolados y fresas con control numérico a PS con resistencias de corte o a cabezales de plástico. También variamos en función de la escala del producto las diferencias entre el Ecolupo ( juguete pequeño de escala doméstica) y el Timber lupo (encolando madera para la gran escala) así lo demuestran.
Entre medias diferentes talleres nos ayudan a seguir creciendo con el sistema, investigando en los materiales de un modo didáctico, sin duda el proceso es el protagonista en esta historia.
¿Te encontraste con muchas dificultades en su puesta en marcha?
Lupo surge como un proyecto de apoyo a otros proyectos didácticos por eso nunca se planteó como un proyecto donde la rentabilidad fuera lo fundamental sin embargo se autogestiona económicamente. Los esfuerzos para sacar el primer producto fueron enormes en tiempo y dedicación y también en la relación con las empresas que nos permitieron hacer innumerables pruebas.
Realizamos alianzas de todo tipo con empresas, laboratorios, universidades, ingenierías… para seguir dando pasos sin tener que aportar cantidades excesivas de dinero. Siempre teníamos la impresión que estábamos haciendo algo I+D pero lo cierto es que nunca recibimos ayudas en ese sentido, ni tampoco vinculamos la investigación a una universidad en el sentido estricto de “proyecto de investigación universitario” aunque evidentemente estamos investigando y también estamos motivando la relación investigación-empresa que tanto se ha puesto de moda.
Tenemos claro donde está el conocimiento y también dónde están las máquinas y que si no hay rentabilidad económica o al menos posibilidad de haberla, no podemos molestar a las empresas. No hacemos patentes para engordar el currículo como se hace en muchas universidades. El objetivo es crear productos útiles, explotar las patentes. Fomentar esa transmisión del conocimiento desde los centros de investigación. Allí donde existe conocimiento y máquinas hay una posibilidad de crear un nuevo lupo.
¿Estás contento con los objetivos alcanzados?
Como lupo es un proyecto abierto el sistema sigue en desarrollo y no tengo la sensación de haber alcanzado objetivo alguno. Es cierto que hay momentos muy gratificantes que pueden considerarse mini objetivos pero los únicos objetivos son los didácticos que se plantean al inicio de cada taller, y esos no siempre se alcanzan.
El equipo didáctico marca esos objetivos a partir de los retos que plasmamos en los planos, los objetivos se cumplen o no y por supuesto no siempre están ligados a finalizar la construcción o a que ésta se mantenga en pie una vez terminada la sesión. Generalmente los objetivos están en el proceso a partir de los procesos participativos, no olvidemos que lupo es una herramienta para el trabajo en grupo.
¿Crees que los arquitectos en España deberíamos abrir nuevas vías de trabajo para salir de la casilla más “tradicional” de proyectar dada la actual situación de la construcción en nuestro país?
Bueno eso es evidente, en primer lugar un arquitecto recién titulado es un titulado superior, o lo que es lo mismo es alguien que ha demostrado a la administración unas capacidades y aptitudes para la obtención de un nivel de educación superior. Eso dicho así de un tirón no asegura ni siquiera que sepa hacer un buen proyecto pero dice otras cosas de quien lo posee. Nuestra formación en las Escuelas de Arquitectura es muy transversal como sabemos y eso nos capacita para muchas labores, pero también debería servirnos para interactuar con acierto con el resto de profesionales. La visión tradicional del arquitecto-constructor está en crisis pero se pueden construir muchas cosas con la lógica arquitectónica sin ser las construcciones tradicionales.
¿Qué opinas de los que se han ido a trabajar al extranjero?
El perfil es fundamentalmente de gente joven altamente cualificada que ve posibilidades que aquí no se ofrecen, ante esa situación yo creo que nadie puede acusar a la juventud de no estar haciendo lo correcto cuando deciden irse. Seguramente yo acabe haciendo lo mismo…
Entrevista realizada por Ana Barreiro Blanco y Alberto Alonso Oro. Agradecer a Fermín, tanto su ayuda como su predisposición mostrada con este pequeño espacio.
La exposición comienza con los ejemplares más antiguos que corresponden a artistas del siglo XVI y que desarrollaron su actividad en Castilla, como Alonso Berruguete. Asimismo, esta primera sección explora la repercusión que tuvo para el dibujo español la participación de artistas extranjeros, principalmente italianos, en la decoración del Monasterio de El Escorial. Tal es el caso de Pellegrino Tibaldi del que se incluye uno de los dibujos con arquitectura más sobresalientes del siglo XVI, el Estudio para la decoración de la Biblioteca del Escorial.
Continúa con la obra de algunos de los pintores más importantes del siglo XVII que trabajaban en distintas regiones del país, las cuales actuaban como ‘centros’ artísticos independientes. Así, Vicente Carducho, Alonso Cano y Francisco Rizi lo hacían en Madrid; Francisco Pacheco, Murillo y Zurbarán, en Sevilla; Juan Ribalta en Valencia o José de Ribera, en Nápoles. Todos ellos fueron representantes del florecimiento del dibujo durante el Siglo de Oro y produjeron ejemplos excepcionales como El enano Miguelito de Rizi, San Miguel Arcángel de Murillo, Curación milagrosa de un santo atribuido a Ribalta o Ticio (o Prometeo) de Ribera.
Al llegar al siglo XVIII, la exposición incluye obras clave de Luis Paret como Baile de máscaras en el Teatro del Príncipe; de José Camarón, Mujer oriental bajo un toldo; y otros maestros del periodo, que demostraron el considerable aumento del uso del dibujo en respuesta a las tendencias e influencias internacionales.
La muestra finaliza con la obra de Francisco de Goya, que cambiaría para siempre el panorama del arte español al ayudar a convertir España en una fuerza artística dominante. A través de sus dibujos exploró lo fantástico, las creencias y las conductas humanas. Ocho dibujos del maestro aragonés –correspondientes a toda su carrera y nunca vistos en conjunto en España-, entre ellos el magnífico Arthur Wellesley, primer duque de Wellington, ponen de manifiesto la incomparable versatilidad de sus recursos gráficos y la variedad de los temas que captaron su atención.
El trazo español en el British Museum. Dibujos del Renacimiento a Goya
20 marzo – 16 junio 2013
Comisario: Mark P. McDonald, Conservador del Gabinete de Dibujos y Grabados del British Museum + info
Hace tiempo que viajar dejó de ser una experiencia para convertirse en un negocio.
El turismo es parte de un sistema que convierte una cultura en producto, un país en marca.
Y, por supuesto, las leyes del mercado exigen que todo sea cómodo e inmediato.
Sin embargo, las ruinas, como las ciudades, no son restaurantes de comida rápida ni parques temáticos de nuestro pasado; son lugares donde, si nos paramos, podemos palpar la piel del tiempo.
Hábitat Social es una cooperativa gallega integrada por un grupo heterogéneo de profesionales, esencialmente de los terrenos de la arquitectura, el urbanismo y las ciencias sociales, con la intención de investigar e intervenir en la compleja realidad que habitamos.
En Hábitat Social, apostamos por conjugar el compromiso personal con el profesional para procurar, desde la autogestión y la autonomía laboral, una sociedad más justa basada en el desarrollo comunitario equilibrado.
De esta manera, nos centramos en la construcción social del hábitat, con el objeto de mejorar las relaciones entre las personas y de estas con el medio, natural o construido. Lo hacemos trabajando con la materia física y con las dinámicas humanas, participando activamente en los procesos, coordinando a las agentes implicadas y potenciando el protagonismo de las personas.
¿Cuál ha sido vuestra formación y trayectoria profesional previa a Hábitat Social?
La formación y trayectoria profesional de las personas que participamos en la cooperativa es bastante heterogénea y la mayoría de las veces autodidacta. Nuestra relación como colectivo informal, comienza en grupos de trabajo voluntario dentro de iniciativas críticas y de denuncia, bajo la red de derechos sociales (www.rede.blogaliza.org) o en diversos centros sociales de la ciudad de A Coruña.
¿Os planteáis en algún momento, presente, pasado o futuro, buscar trabajo en el extranjero?
Para nosotros el ámbito de acción no es algo casual. Actuamos donde pensamos que podemos realizar un análisis complejo de la realidad para proponer actuaciones que le den respuesta. En este sentido, nos resulta más sencillo actuar en nuestro entorno por familiaridad. También hemos trabajado en otros contextos, pero siempre después de una intensa fase de acercamiento y estudio.
Por otro lado nos interesa trabajar en el país por compromiso con el mismo. Creemos que es importante que iniciativas de índole crítica reviertan en el mismo, aunque en el contexto socioeconómico que vivimos no sea especialmente facil ponerlas en práctica.
¿Qué os llevó a poner en marcha este proyecto?
Perseguimos dar soporte a intereses y búsquedas en las que estábamos inmersos y que alejaban de aquello que la academia nos había enseñado como la correcta profesión de la arquitectura.
Temas como el mapeo crítico, la participación ciudadana o procesos de lucha contra la especulación fueron los detonantes de nuestro trabajo común, que se va enriqueciendo con otras temáticas a medida que pasa el tiempo, últimamente la construcción natural, o el apoyo en procesos de emancipación a través del hábitat.
Por otro lado, la búsqueda de una fórmula legal ajustada a nuestro funcionamiento asambleario horizontal respetando nuestra visión empresarial basada en el valor del trabajo como bien de uso y no de cambio, empujándonos a activar la fórmula cooperativa como herramienta de trabajo comunitario.
¿Os encontrasteis con muchas dificultades en su puesta en marcha?
Somos conscientes de que muchas de nuestras inquietudes no tienen una demanda mayoritariamente en nuestra sociedad y esto nos obliga a hacer un esfuerzo en el que tienen que ver con la difusión y la pedagogía. Es por eso que gran parte de lo que hacemos tiene que ver con procesos de comunicación y talleres de formación. En cualquier caso, creemos que este defecto de demanda está relacionado (como en muchos otros ámbitos) con la raquítica oferta y la carencia de una conciencia crítica generalizada, aunque confiamos en que el agotamiento del modelo social, económico y ambiental en el que existimos, propiciará que surjan otras manera de habitar más respetuosas con la tierra y las personas.
¿Estáis satisfechos con los objetivos alcanzados?
Aunque nuestra iniciativa empresarial no tiene suficiente trayectoria como para hacer balance, hemos comenzado a recibir diferentes contactos en respuesta a las iniciativas que hemos promovido; vemos crecer una demanda que busca otras maneras de habitar, de construir, o de relacionarse con el medio.
¿Creéis que los arquitectos en España deberíamos abrir nuevas vías de trabajo para salir de la casilla más “tradicional” de proyectar dada la actual situación de la construcción en nuestro país?
Por supuesto, y no desde una óptica del interés corporativo si no por compromiso profesional y por recuperar la función de servicio público de la profesión. Es cuestión de supervivencia para el colectivo el hecho de tener una verdadera utilidad social; no hay más que pensar en el trayecto que nos llevó hasta la imagen de hoy en día tenemos entre la sociedad.
¿Qué opináis de los que se han ido a trabajar al extranjero?
La desbandada de gente que está sufriendo el país nos da pena; principalmente si hablamos de gente crítica capaz de transformar la realidad en positivo. En cualquier caso entendemos que el contexto actual es más complejo, y la precariedad incómoda.
Entrevista realizada por Ana Barreiro Blanco y Alberto Alonso Oro. Agradecer al equipo de Habitat Social, tanto su ayuda como su predisposición mostrada con este pequeño espacio.
El edificio responde a una iniciativa pionera de la Xunta de Galicia para combinar usos residenciales y asistenciales en un único complejo: un Centro de Día con jardín en la planta baja y 32 viviendas en régimen de alquiler para jóvenes y mayores.
Durante la redacción del proyecto entraron en vigor las “Normas del Hábitat Gallego”, que introdujeron estándares dimensionales superiores a los del anterior decreto de habitabilidad, de 1992, así como la obligación de incorporar un local comunitario en el edificio, un sistema de recogida y tratamiento de aguas grises y pluviales para su posterior reutilización en el edificio y otras medidas que posterioremente fueron eliminadas.
Se trata del único edificio de viviendas de protección pública en Galicia que incluye un equipamiento asistencial y cumple los elevados estándares de dicha normativa de habitabilidad.
La normativa urbanística municipal, que obligaba a que los cuerpos volados -imprescindibles para conseguir encajar el programa- fuesen totalmente acristalados también influyó decisivamente en el diseño. Se reinterpreta la galería convencional, evitando la imagen característica de grandes volúmenes verticales de vidrio, singularizando cada unidad mediante el retranqueo de los bordes de forjado, y la vibración cromática que proporciona la combinación de estores de tres colores y dos grados de transparencia, opacos en dormitorios y translúcidos en las salas.
La existencia de una servidumbre de paso que obligaba a proyectar una salida para el aparcamiento de la Guardia Civil, al que se accede desde el interior del patio de manzana, supuso una restricción adicional de diseño, que condicionó el proyecto del aparcamiento subterráneo, la posición de la rampa y la topografía del jardín.
Para minimizar la superficie de circulación en las plantas de vivienda y conseguir una planta baja lo más amplia, libre y fluida posible, el edificio se resuelve con un único núcleo de comunicación vertical situado en la fachada norte e iluminado por un cerramiento de policarbonato translúcido.
Se unifican los criterios de diseño de todas las viviendas, de 1 y 2 dormitorios. En ambos casos, se libera la fachada, dando lugar a vistas cruzadas entre estancias y a una mayor sensación de amplitud.
Un único hueco de generosas dimensiones, ahora retrasado -ventanal-, ahora sobresaliente -galería-, resuelve todas las exigencias. Cada vivienda cuenta con, al menos, un hueco de cada tipo.
Para lograr un comportamiento energético óptimo, se elige un sistema constructivo de fachada que permite una envolvente térmica continua. Las placas de poliestireno expandido se colocan por el exterior, aprovechando al máximo la inercia térmica de la fábrica de ladrillo, y se revisten con un mortero especial armado con fibra de vidrio y dotado de una imprimación que mejora su comportamiento y durabilidad .
Se explotan al máximo las posibilidades de los nuevos elementos planteados por la normativa de habitabilidad vigente en aquel momento; así, los patios tendal privativos son a la vez linternas interiores de policarbonato translúcido que dignifican las zonas comunes y permiten la ventilación cruzada de las viviendas.
Se cuida especialmente el diseño del Centro de Día para conseguir que sea vivido como un equipamiento con entidad propia y no como un simple bajo habilitado para una función. La fachada se formaliza como un basamento de pizarra con grandes ventanales, que contrasta con las blancas fachadas de las viviendas.
La distribución, en la que las piezas principales -gimnasio y sala polivalente- son pasantes de una fachada a otra, potencia las visuales largas y la transparencia calle-jardín. Todas las estancias disfrutan de luz natural. Al ser una planta profunda, se provoca un salto entre las dos estructuras -cubierta del Centro de Día y primer forjado de viviendas- que permite iluminar la zona intermedia.
Para conseguir incrementar la relación entre el programa residencial y el asistencial se proyecta un amplio zaguán cubierto que permite el acceso al Centro de Día, al portal de las viviendas y a la sala polivalente.
El ajustado PEM, 57.000 € en viviendas de 2 dormitorios y 46.000 € en las de 1 dormitorio -incluida parte proporcional de zonas comunes, garajes y trasteros-, contempla, por exigencia de la Xunta, unos niveles de confort -calefacción por suelo radiante y ventilación mecánica con recuperación de calor- que superan ampliamente la normativa de habitabilidad.
El Centro de Día, pese a contar con un PEM de sólo 280.000 €, incluye además en su programa el ajardinamiento del patio, una cocina industrial, una instalación de climatización y elementos de tabiquería móvil para permitir un uso flexible del espacio.
Desde las primeras lineas del proyecto la máxima pretensión fue la de conseguir una solución arquitectónica de calidad que garantizase viviendas dignas de bajo coste, poniendo el acento en lujos asequibles como la luz natural y el espacio. La obra, pese a proyectarse en unos plazos muy ajustados, se ejecutó sin necesidad de recurrir a un proyecto modificado que supusiese un aumento de presupuesto.
Obra: 32 alojamientos piloto para jovenes y mayores y centro de dia
Autores: Yago Lenguas Bugallal, Iago López Álvarez
Colaboradores: Leyre Vitoria Rubio, Bárbara Pregnolato
Promotor: Instituto Galego de Vivenda e Solo. Xunta de Galicia
Constructor: Radio Record Montajes SL
P.E.M.: 1869530,68
Año: 2008-2011
Emplazamiento: Allariz, Orense, Galicia, España
Fotografía: Óscar Companioni + iagolopez.com + yagolenguas.com
Los arquitectos Ivo Barão y Peter Hutter participan en los FOROS ESARQ 2013 con la conferencia titulada “Un libro y cinco proyectos”, en la que reflexionarán acerca de la influencia que el entorno de trabajo, la estrategia y la metodología ejercen sobre los proyectos de una joven oficina de arquitectura.
Barão-Hutter muestran una selección personal de su obra: Un libro y cinco proyectos arquitectónicos. A través de esta selección podrá verse cómo el ambiente, la estrategia y la metodología de trabajo pasan a ser tan importantes como los propios proyectos. En su ponencia responderán a preguntas como: ¿Cómo un estudio joven entiende y define su práctica de la arquitectura después de concluir universidad? «o, ¿Qué tipo de circunstancias y retos influyen en su trabajo diario?
Ivo Barão, nacido en 1986 en el sur de Portugal, estudió arquitectura en la FAUP en Porto y trabajó en Gigon/Guyer en Zúrich. Peter Hutter, nacido en 1984 en Suiza, estudió arquitectura en la ETH de Zúrich. Antes de fundar su propia oficina junto con Ivo Barão, trabajó en la oficina de Peter Zumthor.
Barão-Hutter Atelier es un despacho de arquitectura y objetos con sede en Zúrich. Desde 2010 Ivo Barão y Peter Hutter están trabajando juntos en un espacio que fue anteriormente una carnicería y que hoy se ha convertido en un estudio colectivo y multidisciplinar. Actualmente comparten este espacio con fotógrafos.
La oficina colabora con diversos artesanos y especialistas, tales como cocineros, directores de escena y jardineros. Debido a esta forma particular de trabajo Barão-Hutter ha adquirido un enfoque muy sensible a las diferentes tareas. Sus proyectos guardan siempre estrecha relación con los contextos urbanos o los paisajes circundantes. Toman en cuenta los colores típicos, sonidos, luz del día, topografías, zonas de construcción, la vegetación, los materiales, sombras y elementos arquitectónicos antiguos.
Fecha: Martes, 2 de abril de 2013
Hora: 18.00 h
Lugar: Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universitat Internacional de Catalunya (ESARQ-UIC). Aula Magna -C/ Immaculada, 22, 08017 Barcelona
Se abre la convocatoria para presentar proyectos al festival internacional de arquitectura eme3. Eme 3 se consolida como foro para descubrir, entender y compartir nuevas formas de arquitectura y urbanismo fuertemente vinculadas a las realidades de la sociedad actual. El festival reúne anualmente a los nuevos productores de arquitecturas emergentes, ofrece espacios de experimentación y debate y expone propuestas de vanguardia.
La 8ª edición del festival eme3 se celebrará en la Fabra i Coats de Barcelona del 27 al 30 de junio, bajo el lema “TOPIAS”, utopías realizables. Eme3 convoca a arquitectos, urbanistas, diseñadores y artistas a presentar proyectos innovadores, poco convencionales, que escapen a las tendencias comunes en la construcción y la planificación urbana.
Eme 3 pone sobre la mesa de juego algunos ámbitos de reflexión (nuevos usos del espacio público, la vivienda en situaciones de crisis, el espacio de trabajo en evolución) y dos comodines: los espacios vacíos de la fabrica de creación Fabra i Coats, y el barrio de Sant Andreu donde está situada. Gracias al mecenazgo de la Fundación Jesús Serra, los mejores proyectos serán premiados, documentados en el catálogo de eme3 2013 y expuestos al público durante un mes.
Calendario :
18 de marzo: apertura de la llamada a proyectos
19 de abril: cierre de la llamada a proyectos
26 de abril: confirmación de los seleccionados
26 de junio: inauguración del festival
Segundo número de POINTES donde se entra a valorar la actuación de Phillip Johnson en la Plaza de Castilla de Madrid, la diferencia entre la obra cinematográfica del pasado con la actualidad y su evolución, un paseo por Nueva York cercano al Teatro Apolo, una reflexión sobre la obra de Egon Schiele y un estudio sobre la puerta como límite.
Por último, en el momento de la publicación existía una gran atención al estado del artista chino Ai Weiwei, también desgranado en este número junto a la música clásica de Alexander Scriabin, compositor ruso.
Revista Pointes [n02]
POINTES 2
Reflexiones sobre la Plaza de Castilla (I)
En Harlem
Nosferatu y otras experiencias
Egon Schiele: La cara B
La luz en el sonido: Alexander Scriabin
Ai Weiwei y la represión china
La Puerta
Jaume Prat; arquitecto, twitero lenguaraz, apasionado de la cocina y el rock; se presto para una conversar un rato antes de su conferencia en la ETSA La Salle del 12 de marzo de 2013.
Jaume Prat (Barcelona, 1975)
Arquitecto por la ETSAB, compagina la escritura en su blog ‘Arquitectura, entre otras soluciones‘ con la práctica profesional en el estudio mmjarquitectes. Conferenciante y profesor ocasional, es también coeditor de la colección de eBooks de Scalae, donde también es autor de uno de los volúmenes de la colección.
A menudo observamos edificios que muestran un gran deseo por conquistar la verticalidad. Es inmediato pensar en la idea proporción, un concepto que desliga la altura real de un objeto o de un edificio de sus deseos de verticalidad. Una planta reducida, frente a una fuerte componente en el eje Z garantiza la formalización de una torre aunque su altura no sea muy elevada.
Paisaje de retranqueos en Manhattan | wikipedia.org
Pero también podría pensarse en otro mecanismo para conquistar la vertical, el de acumular o si se prefiere el de apilar. Colocar un objeto sobre otro y otro más encima, en un ejercicio constante de crecer hacia arriba. Es una ley que no tiene relación con lo horizontal, crecer en altura es su único objetivo. Es una ley simple pero poderosa, gobernada secretamente por la necesidad de conseguir el equilibrio. Al montar una pieza sobre la anterior hay que equilibrar el conjunto, y para ello hay que mantener el eje de gravedad del conjunto dentro de la base inferior, para no acabar con todas las piezas en el suelo.
Mantener esta premisa es la garantía de conquistar el cielo, y las arquitecturas que de ella surgen, amontonan piezas que se apoyan unas en otras para lograr la vertical.
Arquitecturas de la antigüedad como las pirámides escalonadas de Zoser o los zigurats Mayas, son ejemplos radicales de ésta estructura formal. Estructura que también empleó Brueghel para dar forma a su representación de la torre de Babel que alcanzaba las nubes, ya que como demuestra Brancusi en su columna infinita para alcanzar el cielo únicamente hay que ir apilando otra pieza sobre la anterior.
Igualmente los rascacielos de los años treinta que aspiraban a conquistar las alturas en Nueva York o Chicago utilizaron ésta simple norma formal para generar cientos de edificios como los construidos por Raymond Hood, Ralph Thomas Walker o Ely Jacques Kahn. El edificio del 120 de Wall Street o el del 1400 de Broadway, ambos obras de Kahn, son un buen reflejo de este manejo de la altura que como bien explica Rem Koolhaas en Delirious New York, obedece además a un problema urbano.
El 1400 de Broadway | wikipedia.org
Cuando en 1915 se finalizó la construcción del Equitable Building en Manhattan, se constató que su sombra privaba de luz natural a cuatro manzanas de la cuadricula de la isla, y la ciudad respondió a este problema con la aprobación de la ordenanza 1916 Zoning Resolution. Una normativa que regulaba la altura obligando a constantes retranqueos, que originan ese lenguaje de plantas amontonadas o apiladas y que muchos han calificado como Wedding Cake Style, (estilo de tarta nupcial); y es que al fin y al cabo la lógica del mecanismo formal de apilar dicta normas similares para una tarta o para un rascacielos. La aplicación de una normativa que no obliga a unas dimensiones, sino que implica leyes formales, junto con la obligatoriedad impuesta por los promotores de agotar el aprovechamiento de los solares, generaron un amplio abanico de soluciones, que construyen el paisaje urbano de Manhattan. Un paisaje de edificios diversos, de alturas cambiantes y perfiles aterrazados que pese a la diversidad, presentan una genética formal similar debido a la ordenanza municipal, lo que otorga al conjunto una cierta unidad.
Resulta llamativo comprobar como arquitectos contemporáneos como SANAA han asumido esta ley creativa para desarrollar edificios en Manhattan. La volumetría del Nuevo Museo de Arte Contemporáneo, inaugurado en 2007, obedece a la estructura formal de un apilamiento. El edificio se asemeja a una pila de cajas, de contenedores de arte, que a diferencia de los rascacielos clásicos centrados, investigan los límites del equilibrio, sobrevolandose y desalineandose unas respecto a otras, rompiendo así la continuidad del eje central, tensionando el conjunto. Podría interpretarse que a pesar de no tener que cumplir la ordenanza 1916 Zoning Resolution, SANAA pretendía reinterpretar la clave formal que caracteriza los grandes edificios de la ciudad de los rascacielos. No es un edificio excesivamente alto, y lo es menos aún en una ciudad como Nueva York, pero por contra las leyes que definen su forma lo convierten en una torre. En una torre de cajas apiladas que vibran por su deseo de conquistar la vertical.
Íñigo García Odiaga . arquitecto
San Sebastián. marzo 2013
Con la intención de acercar un poco de luz a un objeto de estudio tan complejo y multidimensiona como el de La Casa Particular, este libro se plantea como un ejercicio de reflexión que intenta integrar a partir de un entramado teórico distintos puntos de vista desde las cuales puede ser abordado el tema. Frente a la extensión y complejidad del tema, no se ha pretendido encerrar la idea de casa en una única visión totalizadora, muy por el contrario, se ha intentado describirla problematizando siempre desde una dimensión provisional por medio de cortes transversales y en cierta medida arbitrarios. De esta manera cada capítulo determina ya desde su título la posición desde donde será observado, y más allá de la estructura clásica, donde las partes se deben a un todo jerárquico, cada sección se manifiesta como una unidad autónoma. El resultado es una yuxtaposición de episodios, donde cada uno adquiere la forma o estructura más acorde con su contenido.
El sentido final podría encontrarse en la persona de cada lector.
El libro se estructura en nueve capítulos:
1. La casa como sustento teórico: En una primera aproximación se apela a la historia como fuente de significados relacionando la noción de vivienda con el concepto de arquitectura y el papel relevante que esta asociación conceptual tuvo en la teoría arquitectónica de occidente.
2. La casa como pensamiento: Si la esencia de la vivienda reside en el mismo hecho de ser habitada, se especula aquí alrededor del concepto de habitar tomando como eje el pensamiento de Heiddegger.
3. La casa como espacio de las prácticas sociales: La perspectiva de Bourdieu fue la base para este tercer apartado, de su discurso pueden extraerse claves para la descripción del fenómeno en el contexto de las prácticas sociales.
4. La casa como sede de la institución familia: El siguiente punto de vista fue el de la familia entendida como una institución cuya sede es la casa.
5. La casa como mito: En esta instancia se tratan de develar una serie de prejuicios en torno a la vivienda, que como “mitos” o estructuras de escaso argumento racional condicionan al diseño y la localización de la vivienda.
6. La casa como espacio poético: En este momento se intenta describir a la casa a partir de la pura emocionalidad del lenguaje de los poetas para de esa manera poder nutrirnos de otros sistemas expresivos dotados de un poder significativo y comunicativo capaz de ampliar nuestros horizontes en el conocimiento
7. La casa como arquetipo: En este apartado se plantea una mirada de los paradigmas de la arquitectura incluyendo la voz de quienes alguna vez las habitaron.
8. La casa como expresión popular: Aquí se describen aquellos procesos asistemáticos con que se consolidan los barrios populares y que revelan de manera concreta la capacidad de respuesta de los residentes ante una oferta habitacional inadecuada.
9. La casa como producto: Se ensaya una reflexión acerca de que si la actividad de la construcción puede o no llamarse industria y si sus procesos de producción y comercialización no debieran adaptarse a maneras más acordes a la dinámica de nuestros tiempos.
Glasraum, Werkbund Austellung: Die Wohnung, Stuttgart, Mies van der Rohe con Lilly Reich, 1927
Transparencias
En 1927 Mies van der Rohe y Lilly Reich realizan para la Werkbund Austellung celebrada en Stuttgart entre julio y septiembre bajo el nombre de Die Wohnung, la Glasraum. Ambos habían ya realizado un mes antes en Berlín el onírico, laberíntico y sedoso Café Samt&Seide para la exposición Die Mode der Dame. Estos stands inauguran una colaboración entre ambos, tanto profesional como personal, que mostrarán las capacidades y productos de una resurgida industria alemana a lo largo de mas de ochenta exposiciones y de paso ayudarán a Mies a elaborar su propio lenguaje arquitectónico. La colaboración terminará con el traslado de Mies a los Estados Unidos en 1938, pero su arquitectura quedará definitivamente marcada por esos 11 años.
El Café Samt&Seide, era un espacio de 300 metros cuadrados, ambiguo e inaprensible, más o menos contenido entre grandes telones colgantes de terciopelo y seda de diferentes colores, transparencia y alturas. Las fotos que nos llegan no reflejan ni el color ni las transparencias, pero con poco esfuerzo podemos adivinar la suntuosidad y fragilidad con que esos tan ligeros límites contenían los elegantes espacios llenos de sillas y mesas de tubo de acero y cuero negro en los que se sentaban gentes que vivían aún en viviendas del siglo anterior. En la gran nave la altura de los corredores perimetrales permite ver desde arriba la totalidad del trazado del café y apreciar su laberíntica disposición sin dirección ni centro, abierta. Una nueva visión del espacio que se expande físicamente más allá de sus textiles límites. Espacio de paso y estancia a la vez.
En la Glasraum de Stuttgart, en sus escasos 100 metros cuadrados ubicados al final de una serie de pabellones de exposiciones, Mies y Reich deben elaborar un interior en el que, a diferencia de Berlín, hay límites definidos aunque, al igual que aquel, será espacio de paso, atravesable. Será otra vez espacio de entrada y salida, de estancia efímera.
La habitación de cristal recrea un interior, que debemos suponer doméstico por el titulo de la exposición en la que se ubica, a base de mamparas de vidrio con carpinterías de acero inoxidable en distintas modulaciones, colocadas entre un suelo de linóleo en dos tonos y un falso techo de lona blanca tensada, plano, continuo y luminoso, de altura constante. El espacio forma un recorrido en espiral de una sola dirección. Los paneles de vidrio son transparentes o traslúcidos y crean, o más bien re-crean, un espacio de uso ambiguo; la única de las cuatro estancias aparentemente habitables, un remedo de sala de estar con butacas y una mesa, está definida por un cambio en la tonalidad de suelo y delimitada por unos pequeños postes y cuerdas que imposibilitan su acceso, solo es contemplativa. Los escasos muebles presentes: las butacas con su mesita, una solitaria mesa de comedor sin sillas en la siguiente sala o una estantería llena de libros en la última estancia, una biblioteca, también sin asientos, conforman una idea de escena doméstica. No hay aseo ni cocina, pero si dos patios, inaccesibles pero visibles: vegetación en uno y una escultura de un torso sobre un pedestal en el otro, que muestran la única representación de un espacio exterior. Más que un uso de vivienda, la casa modelo anticipa nuevos espacios, mejor dicho, nuevos modos de percibir el nuevo espacio que anuncia esa nueva objetividad.
El expresivo cartel de la exposición de Stuttgart muestra la fotografía de un interior, clásica, pesada y decimonónicamente decorado, tachado con una gran equis roja y con la pregunta wie wohnen? escrita también en rojo sobre ella. La vivienda se convertía en tema fundamental para los movimientos de vanguardia y la transformación que los modos de vida desde principios del siglo XX la hacían necesaria. “La vivienda de nuestro tiempo aún no existe. Sin embargo la transformación del modo de vida exige su realización” diría Mies como director de la última etapa de la Bauhaus, en el programa de la Deutsche Bau-Ausstellung de Berlin de 1931. De una Bauhaus que sería cerrada por la Gestapo dos años más tarde. Efectivamente los tiempos estaban cambiando y no solo en la arquitectura.
La Glasraum era un espacio representativo de si mismo, un escenario limpio y vacío, dispuesto a acoger una acción que será, como en el teatro, efímera y de duración acotada. Las fotos la muestran, a diferencia del Café, siempre solitaria, sin visitantes ni habitantes. Es la idea de una vivienda. La Glasraum anticipa ya un camino que Mies desarrollará en el Pabellón de Barcelona, en la casa Tugendhat o en las americanas casas Resor o Farnsworth.
Para el Pabellón “representativo” de Barcelona, Mies heredará los fundamentos de esa arquitectura expositiva y mostrará, apoyado en su efímero y puntual uso (sólo va a servir como escenario para la inauguración), la verdad de una arquitectura densa de significados que trasciende el funcionalismo de la máquina de habitar. El Pabellón, como la Glasraum, son experimentos arquitectónicos en los que Mies construye realidades y ficciones de reflejos y texturas. Espacios reales y espacios reflejados conviven con recorridos y estancias de uso inquieto. Son ambos espacios en el límite de la asepsia, o del autismo, presentándose casi ajenos al habitante-visitante si no fuera porque aquel necesita la activación de éste. El entramado de reflejos y transparencias, que trasciende el espacio estático herededado del XIX, lo es en tanto que el observador, y eventual y efímero habitante en ambos casos, lo pone en marcha a través de los mecanismos de su percepción.
Del Café Mies extrae la textura y los pliegues de los grandes paños colgantes, que recrea con mármol y alfombras en el Pabellón, en la Tugendhat o en la Resor; y de la habitación de cristal aprende al alemán a conjugar la transparencia del vidrio con su reflejo. Transparencia y reflejo que lejos de unificar exterior con interior, expandiendo éste con aquel, lo que hacen es contener y separar nítidamente uno del otro.
Terciopelo y seda o vidrio y mármol son elementos de un juego que en Mies trascienden su mero uso y disposición arquitectónica para convertirse en metáforas de una verdad arquitectónica definida. Todos ellos juegan con la luz, con su transparencia y su reflejo. Es bien sabido que hay quien dice que la luz es la verdad y que la verdad es buena. Seamos pues buenos.
jorge meijide . arquitecto
a coruña. marzo de 2013
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