Dieciséis artistas exponen su visión en torno a la memoria y la ruina en el Liceo de Noia (Galicia, España). La exposición “Memoria intermitente. Conversas dende a ruina”, organizada por un grupo multidisciplinar de 16 artistas formados en distintas disciplinas como las bellas artes, la arquitectura o el cine, permanecerá abierta en el Liceo de Noia desde el 7 al 31 de Marzo.
Se trata de un proyecto que propone a través de distintas expresiones artísticas como la pintura, la fotografía, la escultura, la instalación o la videocreación, la posibilidad de tejer un discurso a partir de las diferentes visiones desde las que se enfocan la memoria y la ruina como conceptos en los que convergen inquietudes estéticas comunes.
La expresión del tiempo como materia, el registro de la precaria permanencia de los lugares, la huella de los oficios perdidos, la mutación de la identidad o la condición efímera de nuestra existencia, guían el camino que los artistas Ana Germade, Begoña Paz, Cillas Rodríguez, Diego Germade, Elia Núñez, Cipriano Chas, Itziar Ezquieta, Jose Navas, María Covadonga Barreiro, Martín Rivas, Óscar Cabana, Rosa Neutro, Roi Alonso, Silvia García, Susana Bermejo y Xisela Franco, nos animan a transitar.
Conferencia del artista Rubén Ramos Balsa dentro de las jornadas de Arquitectura y Territorio rural celebradas en Callobre (A Estrada) el viernes 26 de Julio de 2013, organizadas por rvr arquitectos.
«Del grafito al grafeno: la estética de la invisibilidad, los metamateriales y la arquitectura macros».
Rubén Ramos Balsa (Santiago de Compostela, 1978)
Rubén Ramos Balsa es licenciado en Bellas Artes por la Facultad de Pontevedra en la Especialidad de Escultura en el año 2001. Realiza estudios de doctorado entre los años 2001 y 2003 en la Universidad de Vigo y en la Universidad Politécnica de Valencia. Como formación complementaria asiste a cursos impartidos por el cineasta José Luís Guerín y por artistas como Marina Abramovic, Joan Fontcuberta, Esther Ferrer, entre otros.
Su trabajo desde un primer momento es reconocido y respaldado por diferentes instituciones públicas y así disfruta de la Beca Valdearte (O Barco de Valdeorras); de la Beca Sócrates-Erasmus en la Kuopio Academy of Desing and Crafts de Finlandia; Beca para estudios de Tercer Ciclo de la Xunta de Galicia; Beca para Proyectos del INJUVE (Comunidad de Madrid), o la Beca de Postgrado de la Fundación Barrié de la Maza, entre otras.
Obtuvo el III Premio Auditorio de Galicia de Artes Plásticas de Santiago de Compostela, 1º Premio en el Concurso de Fotografía Purificación García de Madrid, 2º premio en el II Certamen Internacional de Artes Plásticas Diputación de Ourense, etc.. Expone individualmente en LOOP 04 (Barcelona); en la Galería Fúcares-Almagro; en la Galería Mario Sequeira de Braga; en el Centro Torrente Ballester de Ferrol; en el Artificial-Image show room de Berlín, y en la Kuopio Academy of Desing and Crafts de Kuopio (Finlandia). De las exposiciones colectivas más recientes hay que destacar su participación, junto al cineasta José Luis Guerín y el fotógrafo Manuel Vilariño, en el Pabellón español de la Bienal de Venecia del año 2007.
El fotógrafo Frédéric Chaubin revela 90 edificios situados en catorce ex repúblicas soviéticas que expresan lo que podría ser considerada la cuarta edad de la arquitectura soviética. Las construcciones descubren un inesperado renacimiento de la imaginación, un florecimiento desconocido que tuvo lugar desde 1970 hasta 1990. Al contrario que en los años 1920 y 1930, aquí no emergieron una «escuela» ni una tendencia principal. Estos edificios representan un impulso caótico provocado por un sistema en decadencia. Su diversidad anuncia el final de la Unión Soviética.
Aprovechando el colapso de la estructura monolítica, los agujeros de la red en expansión, los arquitectos fueron mucho más allá de la modernidad, regresando a las raíces o innovando con libertad. Algunos audaces completaron proyectos que hubieran soñado los constructivistas (Sanatorio Druzhba, Yalta); otros expresaron su imaginación de una manera expresionista (Palacio nupcial, Tiflis). Un campamento de verano, inspirado por bocetos de un prototipo de base lunar, reclama su influencia suprematista (Campo de rehabilitación juvenil Promethee, Bogatyr). Después llega el despliegue de la arquitectura parlante en los últimos años de la URSS: un crematorio adornado con llamas de concreto (Crematorio, Kiev), un instituto tecnológico con un platillo volador estrellado en su techo (Instituto de investigación científica, Kiev), un centro político que te mira como un Gran Hermano (Casa de los Sóviets, Kaliningrado). Este mosaico de estilos testimonia todos los sueños ideológicos del período, desde la obsesión con el cosmos hasta el renacimiento de la identidad y también resume la geografía de la URSS al mostrar cómo las influencias locales dieron sus giros exóticos antes de llevar el país a su final.
Cosmic Communist Constructions Photographed de Frédéric Chaubin ha sido elegido el mejor libro del año 2010 sobre arquitectura en el Festival Internacional del Libro de Arte y del Cine de Perpiñán, Francia (Festival International du Livre d’Art & du Film Perpignan).
Sobre el fotógrafo:
Frédéric Chaubinnació en Phnom Penh en 1959. Durante los últimos quince años ha sido redactor en jefe de la revista francesa de estilo de vida Citizen K. Desde 2000 ha expuesto con regularidad sus trabajos fotográficos, que combinan arquitectura y viajes. La investigación de la colección sobre la URSS fue llevada a cabo de 2003 a 2010 con un proceso intuitivo.
Tapa dura: 312 páginas Editor: Taschen (1 de mayo de 2012) Colección: Fotografia Idioma: Italiano, Español, Portugués
El próximo día 12 de Marzo a las 19:45 Horas se inaugura la Exposición DOS CASAS de Carlos Quintáns en la Librería Formatos da Coruña. Con este acto comienza la nueva edición del programa cultural intemcion.
Exposición DOS CASAS de Carlos Quintáns
Fecha: 12.03 – 15.04. 2014
Lugar: Fernández Latorre 5. A Coruña. Galicia. España
Hora: A partir das 19:45h
Museo de Arte se sitúa en la ciudad de Ordos, 2011 | MAD Architects
Los arquitectos sentimos atracción por la arquitectura sin, o lo que es lo mismo, por la arquitectura que se ha desprendido de una de sus partes. Al igual que en otro tipo de productos esa suerte de proyecto sin, se convierte en un procedimiento light, pero que mantiene todo el sabor. Muchos son los textos o las exposiciones que recogen por ejemplo edificaciones espontáneas, generadas por pura necesidad y sin ninguna pretensión estilística, que suelen recogerse bajo un título unificador de arquitectura sin arquitectos.
Algo parecido sucede con las construcciones derivadas del mundo industrial o de las infraestructuras, cuya inmediatez para resolver el problema de la forma más sencilla, económica y ecológicamente posible, genera fascinación en la arquitectura. Sin lugar a dudas se debe a la envidia lógica atisbada al comprobar que esos planteamientos que se han visto desprovistos del corsé de la disciplina arquitectónica ofrecen por contra una solución inteligente, contundente y en algunos casos emocionante.
En el año 2004 Federico Soriano escribía un ensayo que recogía un peculiar visión sobre el trabajo de la arquitectura. Titulado Sin Tesis, el ensayo recoge seis negaciones, seis actitudes capaces de desprenderse de diferentes capas de la disciplina arquitectónica. Los diferentes capítulos recorren arquitecturas sin escala, sin peso, sin detalle, sin gesto, sin planta o sin forma.
Uno de los edificios que se ha convertido en paradigma de los edificios sin forma es el recientemente inaugurado Museo de Arte Contemporáneo de Ordos.
Museo de Arte se sitúa en la ciudad de Ordos, 2011 | MAD Architects
Diseñado por la oficina china MAD Architects el Museo de Arte se sitúa en la ciudad de Ordos, una nueva ciudad proyectada en las llanuras de Mongolia y cuyo plan maestro fue diseñado por el artista Ai Wei Wei, y busca ser un punto de encuentro para una comunidad que trabaja por el mantenimiento de sus tradiciones locales dentro de un nuevo contexto urbano.
Impulsado por la economía en auge de China, el Gobierno Municipal de Ordos estaba decidido a crear una nueva ciudad, a decenas de kilómetros de la ciudad actual, en un sitio que hasta hace poco no era más que el desierto de Gobi. El plan maestro de Ai Wei se basó en la imagen simbólica de un sol que se levanta en la pradera, una metáfora del resurgir de la región. La traducción formal de esta idea se resume en un plan radial que parte de una plaza central en la que se sitúa el nuevo museo, como pieza arquitectónica maestra y ejemplo de ese pretendido resurgir.
Museo de Arte se sitúa en la ciudad de Ordos, 2011 | MAD Architects
El proyecto fue encargado a MAD Architects cuando la ciudad aún era una ensoñación. En medio de la controversia alrededor de la ciudad planeada, se volvió evidente que el museo de Ordos debía navegar ante las contradicciones que emergen cuando la cultura local se encuentra con las visiones de una ciudad futura aún sin concretar.
El Presidente Mao dijo una vez, cuenta la memoria del proyecto, que únicamente de una hoja limpia de papel en blanco puede extraerse una imagen más nueva y más hermosa. Es precisamente ahí donde surgen los problemas para la definición formal del nuevo museo. En una tabula rasa, donde el futuro depara una gran incertidumbre, es muy peligroso diseñar un edificio para el centro de la ciudad, allí donde la trama urbana todavía no existe, donde las referencias y el espacio urbano no existen y a duras penas se sabe como donde está el «delante» y el «detrás».
El diseño del museo fue concebido como una reacción a este no plan de la ciudad. Toma la forma de un elemento compacto de la naturaleza, irregular e informe, en contraste con la estricta geometría del plan director. La estructura está envuelta por piezas de metal pulido para que los reflejos y los brillos del caparazón del museo ayuden a disolver su forma en el entorno previsto. Esta concha genera un gran espacio interior formando un nuevo espacio público para la futura ciudad bajo una cubierta protectora, donde protegerse del clima del desierto del Gobi donde se ubica la ciudad.
Inspirada en el proyecto de ciencia ficción de Buckminster Fuller para cubrir la isla de Manhattan, MAD concibió una concha futurista para proteger el legado cultural e histórico de la región y protegerse de la indeterminación de la nueva ciudad. Encapsulado por una fachada sinuosa, el museo se encuentra localizado sobre una colina con muy poca altura pero la suficiente para destacar en la inmensa llanura que lo rodea. Un hito al fin y al cabo en el desierto y ahora uno de los lugares favoritos de reunión para los niños y las familias de Ordos.
El atrio, con un diseño irregular, es el espacio principal del museo. Un gran ventanal circular sirve para que la luz natural entre al interior del museo, logrando que no sea necesario utilizar iluminación artificial durante el día. El interior está dividido en varias salas de exposiciones, que se definen por las continuas paredes curvilíneas, todas se abren al gran hall convertido en espacio público que atraviesa el edificio.
El ambiente luminoso, tranquilo y fluido de este nuevo espacio ofrece de nuevo a los visitantes un espacio que habla al igual que la imagen exterior del edificio de la ausencia de forma, ausencia de reglas geométricas claras y ausencia de jerarquías. Pero por contra es imposible no pensar en referencias de la naturaleza, cactus, anémonas, hongos u otras estructuras vegetales que resumen las imágenes de lo orgánico.
La arquitectura puede renunciar a muchas de sus pretensiones, a muchos de sus condicionantes, pero incluso en la idea de la no forma, ya existe inevitablemente, la idea previa de lo orgánico, de lo fluido, de lo continuo o ilimitado. La forma de lo informe.
íñigo garcía odiaga . arquitecto
san sebastián. diciembre 2011
Vayamos ahora a conocer a otra arquitecta y a otro tipo de arquitectura, dentro la misma época. A la “casa al borde del mar” o “E.1027«, y a la irlandesa Eileen Gray que la construyó entre 1926 y 1929, siendo su obra más importante.
A la casa la llamaron la E.1027, pretendiendo ser el anagrama de las iniciales de ella y de su pareja, Jean Badovicci. (E por la e de la inicial de Eileen, 10 era el nº de la letra J de la inicial de Jean, 2, el nº de de la letra B = Badovicci, y 7 el de la letra G = Gray).
Esta vivienda se encuentra en el Cap Ferrat, en plena Costa Azul francesa. Gray la diseñó como una vivienda informal, pensada para la vida y desde el interior de la vida, articulando sus espacios alrededor de una habitación-estudio principal con otras dependencias de invitados, cada una con su propio cuarto de baño y terraza.
Una casa que pretende relacionarse con el mar, que se abre a la luz y a las magníficas vistas por el día a través de grandes ventanales de suelo a techo; y que se cierra sobre si misma por la noche, resguardándose de los vientos, por medio de mamparas corridas o a través de un complicado sistema de cortinas metálicas, y que es capaz también de protegerse de la excesiva luz mediterránea por medio de lamas verticales ajustables.
E.1027
La vivienda está planeada con exquisito cuidado y detalle, de tal forma que, aunque todo parezca casual, nada se ha dejado al azar. Porque lo que Gray plantea no es un simple uso, sino un uso que dignifique, un uso espiritual. Este uso espiritual se puede contemplar en la gran libertad en la elección de recorridos entre interior y exterior o en la exquisita iluminación y ventilación natural de las distintas piezas, así como en su minucioso diseño.
Así el mosquitero en el dormitorio, que se transforma en un objeto escultórico, el cabecero integrado que contiene un reloj de mesilla que gira 45 grados para hacerse visible desde la cama o el espejo circular que permite afeitarse con precisión la nuca.
La búsqueda de
“un arte que sea la prolongación de la vida”
sería la guía de Eileen Gray.
“Debemos construir para la gente de tal manera que puedan encontrar en la arquitectura, la alegría y la realización completa de sus potencialidades”,
escribió en la revista más importante del momento, L’ Architecture Vivante.
Cristina García-Rosales. Arquitecta
Madrid. Marzo 2014
Hagamos un salto en la historia y de 1900 vayamos a 1920-30, a los llamados felices años 20. Aunque se asuma que estos años pertenecieron a la mujer, sólo les correspondieron en determinados clichés: como el de mujer “garcon” fumándose un cigarrillo, o tras el volante de un automóvil. En cualquier caso, fue el inicio de una revolución teórica y práctica, de la que hoy continuamos aprendiendo.
Charlotte Perriand
Cuando en 1927 la joven Charlotte Perriand de 24 años, entró en el estudio del Arquitecto Le Corbusier en busca de trabajo, éste le contestó textualmente:
“Desgraciadamente, Madame, en este taller no bordamos cojines».
Pero al ver sus diseños de tubo cromado, cambió de opinión, la contrató, y durante 10 años crearon en conjunto las piezas más emblemáticas del mobiliario moderno, como la famosa “chaise longue”, conocida como la LC 4, todo un icono de la era racionalista, y que muy pocos saben que fue concebida por Charlotte Perriand. Diseñada, según sus palabras, desde una perspectiva integral del ser humano, teniendo en cuenta a la vez parámetros fisiológicos, funcionales, circulatorios o formales.
“Queríamos además hacer un mobiliario accesible a todos, editado en serie y económico”,
decía Charlotte. Con el tiempo su sueño no se cumplió y hoy en día estos muebles se venden en tiendas elitistas, siendo un lujo reservado para ciertas minorías refinadas.
Chaise Longue LC4.
Charlotte Perriand colaboró con Le Corbusier en numerosos proyectos de arquitectura, diseñando los equipamientos para diferentes villas como la Savoya, y trabajó con él en la definición de la “cellule minimum” (1929). Diseñó también el primer prototipo de cocina para la Unidad de Habitación de Marsella e incluso elaboró una teoría de la importancia de las mujeres en la creación. Estaba impresionada en como la mujeres habían sabido evolucionar en cuanto a su vestimenta, desde los trajes encorsetados e incómodos de finales de siglo XIX, a una nueva forma de vestir más natural y confortable.
“El corazón, el empuje, el espíritu de inventiva con que las mujeres han revolucionado su indumentaria, es un milagro de los tiempos modernos”
decía Charlote.
Pero el punto álgido de su carrera, donde confluyen todas sus exploraciones previas sobre arquitectura prefabricación, estandarización, célula mínima, industrialización y materiales, llegó con el proyecto del complejo invernal de Les Arcs en la Savoya francesa. Entre 1967 y 1982, Perriand proyectó y construyó (en esta ocasión sin Le Corbusier) las tres estaciones de esquí de Les Arcs, situadas a 1600, 1800 y 2000 metros de altitud, donde había que alojar a 18.000 personas. La idea motriz era trabajar con la agrupación de células mínimas.
En el interior de estos apartamentos, Perriand utilizó tres tipos de bloques húmedos (lavabo-ducha, lavabo-bañera-inodoro y cocina) estandarizados y pre-equipados. El bloque de baño completo estaba construido de poliéster y unía la bañera, el lavabo, el inodoro, el suelo y las paredes en una especie de cáscara, donde las instalaciones se resolvían desde el exterior, y eran accesibles desde cada apartamento.
La meta que Perriand se propuso a lo largo de su carrera se resume en el título de la exposición retrospectiva realizada en 1985 en el Musée des Arts Décoratifs de París: Un Arte de vivir. Sus obras nos descubren
“el espectáculo de todo lo que existe en el ser humano, en su espíritu y en su carácter”.
Con más de noventa años, hasta hace poco aún continuaba trabajando con su equipo en el taller de Rue Las Cases de París. Murió en 1999.
Cristina García-Rosales. Arquitecta
Madrid. Marzo 2014
ACERCA DE… Libros que llegarán muy lejos. Cuando compartes un libro, estás compartiendo mucho más que papel y tinta. Compartes una historia, el regalo más maravilloso que un niño puede recibir. Leer es una experiencia inolvidable. Sin embargo, muchos niños de nuestro entorno no tienen acceso a ellos.
«Libros que llegarán muy lejos» es una iniciativa que nace con el propósito de dar la oportunidad a todos los niños de disfrutar de la lectura.
«Libros que llegarán muy lejos» es una nueva manera de compartir y donar libros directamente a quien los necesita.
¿Cómo participar?
1. Compra un libro de BAT PAT en una librería colaboradora con esta acción. No olvides recoger tu sobre.
2. Disfruta con la lectura y cuando lo acabes…
3. Llévalo a la oficina de Correos más cercana.
4. En unos días el libro llegará a un niño de la Fundación Soñar Despierto.
Ahora, tú puedes ayudar a difundir el gran regalo que es leer.
El barrio de La Pescadería (su cercanía al Puerto, que inicia su imparable auge en los siglos XI-XIII, lo convertía en el lugar de residencia elegido por toda la gente relacionada de algún modo con el mar -baste citar como curiosidad que el hoy Cantón Grande era popularmente denominado, hasta mediados del s. XIX, Cantón da sardiña).
Este amplio barrio tenía sus límites en la muralla que iba de Puerta Real a Puerta de Aires, y, por el otro lado, en otra muralla que discurría a lo largo de lo que hoy es la calle de Juana de Vega (en su exterior un foso comunicaba las aguas del Orzán y las del Puerto).
La arquitectura de Miralles tiene un trasfondo inequívoco: medir a la disciplina con el devenir. Por ello, no es de extrañar que la reflexión sobre el tiempo sea el hilo conductor de su trabajo. Tiempo implícito y provocador cuando Blanchot anunciaba que, en el recuerdo, se liberaba el pasado. Así Miralles, al pedirle un estudiante que le aclare qué entiende por tiempo, responde:
«[…] entiendo el tiempo físico que se obtiene en un lugar determinado…Cuando empiezas a trabajar la primera pregunta a hacerse es ¿cuál es la naturaleza del momento en el que empiezas? Eso no implica continuidad con el pasado. Si crees que el pasado es un aspecto del futuro, entonces te sorprenderías de lo que puedes hacer».
Enric miralles 1972-2000 | Fundación Arquia
Esta presencia del tiempo en la actividad del arquitecto que Miralles desarrolla tiene un final previsible:
«Un proyecto no cierra diálogos: siempre deja cosas inacabadas, porque es imposible resolverlas y porque así es mejor. El diálogo puede resumirse en el próximo proyecto recuperando finales perdidos, trabajando con ellos en el tiempo. La duración del proyecto se traspasa de uno a otro, con relaciones invisibles y razones secretas que continúan existiendo.»
Miralles quiso representar ese devenir en sus proyectos y lo enunció sin ambigüedades:
«En el Parlamento de Edimburgo estamos interesados en mantener esta especie de temblor.»
Cristina Nieto y Luis Gil, arquitectos en Santiago de Compostela
Hoy nos acercamos al nº17 de la Calle Juan Castro Mosquera en A Coruña, a visitar a Cristina Nieto y Luis Gil, unos buenos amigos, para charlar sobre el proyecto UnDo ReDo, una de sus múltiples iniciativas en las que están inmersos.
Desde que estudiaban la carrera de arquitectura en la ETSA de Coruña, Cristina y Luis siempre mostraron un especial interés por el mobiliario, y en especial por la sillas. Como a todo buen apasionado, les ha llevado a coleccionarlas y para ello recorren mercadillos, anticuarios o simplemente las encuentran en las obras que realizan.
«UnDo ReDo es un lugar de encuentro y reflexión sobre los muebles, muy especialmente las sillas, dentro y alrededor de la arquitectura. Encuentro, rehabilitación, interpretación y cuidado de los muebles según la filosofía de trabajo de la desaparecida artista Louise Bourgeois I do, I undo, I redo.«
A esta forma de ver y entender el mobiliario se les unieron la matemática María Arizcun y el artesano con alma de artista Juan Aradas. Como consecuencia de esta unión, en agosto 2011 inauguran la tienda-taller-galería UnDo ReDo.
UnDo ReDo dispone de un selección continua de muebles que llegan a la galería, como al hospital de cosas de alguno de los personajes literarios de Paul Auster, aunque para ser reparados primeramente se estudian y se revisan críticamente para responder a las necesidades de estas pequeñas arquitecturas.
«Los muebles siempre han acompañado a la arquitectura, son la arquitectura dentro de la arquitectura, y muy en especial la mesa y la silla. Una arquitectura menor a la manera del escritorio de San Jerónimo, representado en el cuadro de Antonello de Messina, que se introduce dentro de otra previa, para volver a crear un lugar y una función menor, pero claramente definida, en el universo mayor de la arquitectura. Un fractal que juega con las escalas y con nuestro oficio para que adaptemos el trabajo y la reflexión del arquitecto desde la ciudad a la casa, a la manera de Aldo van Eyck, y aún más hacia dentro, de cara a lo doméstico.
Sillas y mesas, acento interior que reestructura un mundo más próximo a la escala del cuerpo humano, y de los usos más naturales a su ser, comer, trabajar, charlar. Los que presentamos en UnDo ReDo son producto de la labor de estudio y recogida durante años, modelos clásicos, originales, e interpretaciones de calidad acreditada. Modelos que nos han servido como reflexión previa para la creación de algunos propios en nuestras obras. Todos ellos también se han salvado, limpiado, corregido y rehabilitado con el ansia de reutilizar, de no malgastar y de seguir aprendiendo de grandes modelos que resisten estoicamente la, en muchas ocasiones, banal e innecesaria producción que la sociedad de consumo que habitamos propone.»
Con estas palabras Cristina, María, Juan y Luis muestran su pasión por estas pequeñas arquitecturas que forman parte de nuestra vida cotidiana.
Proyecto UnDo ReDo | Fotografía: Adrián Ferreiro
¿Cuál ha sido vuestra formación y trayectoria profesional previa a UnDo ReDo?
La formación de los promotores iniciales del proyecto, Cristina y Luis, es la de la arquitectura, a la que se sumaron la experiencia en gestión de empresa de María Arizcun, matemática y del trabajo de rehabilitación y de los oficios de Juan Aradas. En el caso de Cristina y mío (Luis) proyecto UnDo ReDo comenzó y sigue en paralelo a nuestro trabajo como arquitectos, como un lugar más abstracto y libre de las obligaciones y los tiempos formales de la arquitectura. Iniciamos nuestra carrera como arquitectos asistentes de Manuel Gallego antes de constituir nuestra propia oficina.
¿Qué os llevó a abriros camino en el diseño y restauración de mobiliario?
Tanto el valor de su diseño como la visión de los muebles, no como una parte de la arquitectura sino, como una especie de pequeña arquitectura dentro de la arquitectura. Unos elementos aparentemente menores, en especial los asientos, capaces de caracterizar los espacios y de ser medio de apropiación del mismo por sus habitantes para expresarlo de manera individual. Al mismo tiempo y fuera del valor intrínseco del diseño de los muebles nos interesó su rehabilitación y arreglo, como acción crítica al disparate actual de la sociedad de consumo. Una sociedad neoliberal que produce no sólo los nuevos elementos que necesita, a favor de los que estamos, sino los que no necesitan y que empobrecen ecológicamente e intelectualmente nuestro paisaje ambiental y social.
Estos dos parámetros, el mueble como arquitectura y cultura y la toma de conciencia sobre el consumo innecesario e inflacionado, son los que soportan nuestro proyecto más allá de la necesaria perspectiva económica.
Juan Aradas trabajando | Fotografía: Adrián Ferreiro
¿Os encontrasteis con muchas dificultades en su puesta en marcha?
Cualquier propuesta, ya sea económica o vital, conlleva dificultades, las hemos tenido, las tenemos. Sin embargo, son precisamente estas dificultades las que te garantizan paradójicamente la supervivencia de la propuesta. En este sentido nosotros siempre hemos afrontado cada uno de nuestros proyectos, tanto los que tienen que ver con la arquitectura como los de proyecto UnDo ReDo, con una perspectiva amateur, nos explicamos. Amateur en el sentido original de la palabra de amadores de lo que haces, no en un sentido ingenuo sino en una dirección vocacional y gusto por lo que te enamora. Así estás cargado de la mejor vacuna para soportar los embates, los pequeños y los grandes.
¿Consideráis que estudiar Arquitectura ha sido un pasaporte fundamental para haber llegado a vuestro trabajo actual?
Estudiar arquitectura es un buen entrenamiento porque te acostumbras a tropezar contigo mismo y con los demás, pero desde la vocación hacia lo que crees que debes hacer en tu vida profesional no hay nada que nos diferencie especialmente de alguien que quiere hacer un buen pan o atender bien a sus conciudadanos en un mostrador o una ventanilla. Lo importante es ser un profesional, valorar el trabajo bien hecho. Si acaso te hace más fuerte el hecho de saber que en arquitectura para llevar tus proyectos hacia delante tienes que saber conjugar todas las personas de un verbo y todos los tiempos de ese verbo para verte en el lugar de los demás y en el ahora, el antes y el después.
Estudiar Arquitectura te aporta cuando aprendes a tener una mirada holística sobre tu entorno y una actitud analítica, crítica e interpretativa para transformarlo.
Conjunto de sillas | Fotografía: Adrián Ferreiro
¿Estáis contentos con los objetivos alcanzados?
Muy contentos, porque los objetivos más allá de los económicos- absolutamente necesarios para sobrevivir- llegan a otros campos, el de las relaciones con otros proyectos, con otras personas que son clientes, del barrio y de otros países, que se enlazan y apoyan el proyecto de muy diversas maneras. Existe una grosera y contemporánea manía de valorar el trabajo únicamente por su éxito económico, cuando en la bolsa de pago se encuentran otros muchos parámetros como el tiempo demorado y profundizado, la relación manual e intelectual con los productos que ofreces y el contagio de tus ideas a los demás y viceversa.
¿Animarías a otros arquitectos a seguir vuestros pasos? ¿Qué pasos consideráis que deberían dar? ¿Cómo completar sus estudios? ¿Qué otros consejos les darías?
Animamos a cualquier arquitecto joven o mayor a hacer lo que cree que debe hacer, a buscar el hueco de lo que le gusta desarrollar, porque además es muy probable que ahí sea un muy buen competidor y la vocación, que antes citábamos, le haga resistir los tropiezos y que en poco tiempo sea autosuficiente.
Selección de sillas
¿Creéis que los arquitectos en España deberíamos seguir abriendo nuevas vías de trabajo para salir de la casilla más «tradicional» de proyectar dada la actual situación de la construcción en nuestro país?
Creemos que ese ya es de partida un falso mito, el del arquitecto proyectista de arquitectura. Los estudiantes de arquitectura y los arquitectos deberíamos saber que estudiar arquitectura es convertirse en saltador de vallas y que a lo largo de la historia reciente del s. XX gran número de arquitectos aportaron su especial cultura y formación a campos tan diversos como el cine y el mundo audiovisual en general, la política, el diseño en sus muy diversos campos y otras muchas áreas que necesitan de la praxis organizada de la arquitectura para mejorar en otros campos.
¿Qué opináis de los que se han ido a trabajar al extranjero?
Nosotros también participamos de esa búsqueda hace unos años, en Holanda, en Portugal, extraordinarias experiencias profesionales y vitales. El extranjero forma parte de las vallas con las que hemos de trabajar, tropezar y saltar, pero no son mejores ni peores obstáculos los de fuera que los que se encuentran en el extranjero interior…. es decir aquí. Lo único que nos desagrada es cuando el éxodo es obligado porque no nos mejora como sociedad.
Cristina Nieto – Luis Gil · Mobiliario y restauración | proyecto UnDo ReDo
Marzo 2014
Entrevista realizada por Ana Barreiro Blanco y Alberto Alonso Oro. Agradecer a Cristina, María, Juan y Luis por su tiempo y ayuda con este pequeño espacio.
Hace poco más de cien años, como por accidente, y gracias a Picasso, la pintura dejó de ser pintura gracias a la inclusión de materias inesperadas sobre un lienzo. Como corresponde a la insignificancia o a la modestia de un arte que apenas trabaja con lo nuevo, dicho centenario ha pasado prácticamente desapercibido. Y sin embargo explicar el arte contemporáneo o la arquitectura sin hablar de collage resulta no sólo estrafalario, sino difícil.
La sorprendente historia del collage en arquitectura ha existido a lo largo de toda la historia sin explicación teórica: la vieja materia de obras existentes siempre fue empleada como la sustancia más económica y disponible para comenzar nuevas fábricas. Sin embargo esa actitud del collage ha estado presente también en la modernidad aunque por motivos bien diferentes. Los casos de Le Corbusier, Alvar Aalto, Scharoun, Jean Prouvé o incluso Rem Koolhaas ponen de manifiesto que no se trata de una técnica inusual, sino tan sólo de una herramienta secreta y, en ocasiones, inconfesable.
El collage ha sido comprendido como un mecanismo de utilidad sorprendentemente generalizado y práctico para los maestros de la arquitectura. A fin de cuentas, quizás la modernidad tal vez no fue tan revolucionaria como se contó. O tal vez al revés, la verdadera revolución moderna fue ser consciente de esa potencialidad encubierta del collage en arquitectura.
Se plantean los vestuarios como tres módulos exentos, articulados entorno a un espacio abierto pero cubierto. La propuesta enlaza los vestuarios con el talud lateral del campo de fútbol, formalizando un graderío que regulariza y da uso a este talud, creando un acceso directo a vestuarios y aseos generales.
De este modo se crea un primer nivel donde se sitúan, a modo de semisótano, los espacios de almacenamiento de material e instalaciones de la edificación. Se crea una zona de paso de acceso a estos cuartos, a la escalera de los vestuarios y crea un primer nivel de grada, a modo de arranque del graderío restante.
En el nivel superior se disponen los tres módulos que albergan el programa principal. Dos de ellos, que recogen los vestuarios de jugadores, son idénticos con la única diferencia de estar en una posición girada, uno con respecto al otro. Cajas compactas de hormigón armado estructural, donde los vanos que deja la estructura se completan con una fachada trasventilada de madera autóctona.
El módulo que recoge el vestuario de árbitros y los aseos públicos completa el conjunto, articulando el espacio de acceso superior, el espacio cubierto de relación y la bajada al graderío y campo de fútbol. Se concibe como una caja de madera.
Desde este nivel se dispone un nuevo tramo de escalera, sustentada entre pantallas de hormigón visto, que da acceso a la parte de la cubierta de los vestuarios. De este modo se completa la propuesta del proyecto que, arrancando a pie de campo, se inserta en el talud existente configurando una grada que da acceso a la edificación que queda formalizada como un elemento de remate y mirador, al mismo tiempo que resuelve el programa planteado inicialmente.
obra: vestuarios y campo de futbol
autor: Ameneiros Rey | HH arquitectos (Ismael Ameneiros y Santiago Rey), y Jacobo Fernandez, Blanca Carballal
año: 2010-2011
colaborador: Daniel Dapena Gregorio
emplazamiento: Vilalba, Lugo, Galicia, España
fotografías: Héctor Santos-Díez | BISimages + ameneirosrey.com
Conferencia del arquitecto Alfonso Salgado dentro de las jornadas de Arquitectura y Territorio rural celebradas en Callobre (A Estrada) el viernes 26 de Julio de 2013 organizadas por rvr arquitectos.
Tres proyectos:
Pedrachán Unha meniña almorza mentres mira como a londra se mergulla. Está na casa da súa avoa…
La Pedrachán parece, a primera vista, en una situación incómoda, periférica…, pero es una falsa impresión. Esta condición, literalmente orillada y de espaldas al núcleo, ofrece, si prestamos la debida atención, evidentes ventajas y mínimos inconvenientes. Más allá de estos últimos, se trata de una condición singular que es necesario respetar y aun fortalecer, pues hay en ella una cierta atmósfera que reconforta y sosiega, como de lugar mágico y fuera del tiempo…
Raxoi
El análisis riguroso de los sucesivos planos históricos del ámbito proporciona las claves del proyecto. En la esquina este de la plaza, un pequeño ámbito circular permanece como testigo mudo de los sucesivos cambios…
Chainza
El barrio de La Chainza, al otro lado del Puente de Noia, tiene larga historia. Punteado desde antiguo sobre la traza del Camiño Real, fue de toda la vida lugar de paso obligado desde el extramuros de Noia. La nueva carretera en cierto modo lo orilló: y, como un meandro desgajado de las rutas de tránsito, la Chainza fue empujada de pronto contra el borde marítimo, y se vio constreñida y aislada, pero esto la salvó…
Pues la Chainza, a pesar de su escasa actividad, conserva a día de hoy la escala adecuada, la que le es propia y le da sentido; su estado de decaimiento es reversible, y su situación y carácter, presentes en todo el ámbito, la hacen merecedora de mejor condición, es decir, merecedora de ser algo más que un “atajo para listos”…
Desde el pasado 14 de febrero se puede visitar la retrospectiva sobre Ernesto Neto, uno de los escultores más sobresalientes de Brasil, que se desarrolla en un total de nueve salas delGuggenheim de Bilbao.
El cuerpo que cae, 2006
Durante este recorrido por la trayectoria del artista, que comienza el en atrio del museo con la pieza El cuerpo que cae y finaliza en sala 208, con la pieza La vida es un cuerpo del que formamos parte, el visitante experimenta e interactúa sensorialmente con el universo que recreado por Ernesto Neto que induce e introduce al espectador en diversas experiencias.
La muestra recoge los temas más representativos del artista, el pensamiento, el cuerpo, la interacción con la naturaleza y la cultura popular brasileña.
El artista «construye» las piezas, pero éstas por si mismas adquieren un estatus de lugar, tienen una personalidad, un espíritu, un carácter, en definitiva poseen Genius Loci. Estas piezas o lugares son espacios para la relación no sólo del propio visitante con el objeto, si no entre los propios visitantes. Son espacios para sentarse a reflexionar, en palabras del autor «quiero que las personas piensen con otras partes del cuerpo, con el corazón, con la inteligencia«.
«Mi trabajo quiere crear una conexión continua entre el cuerpo y el paisaje. Nosotros mismos en nuestro interior somos un bosque compuesto por tres billones de células, que a su vez conviven con bacterias necesarias para que nuestro organismo funcione.»
Preservar, cualificar y ampliar ese carácter es el objetivo último en la obra artística que se sale del territorio interior y que se enfrenta a la naturaleza y el paisaje exterior.
Es por tanto un viaje por el laberinto sensorial de uno de los artistas más comprometido con sus raíces que invita a reflexionar al espectador.
Copulonia (2013), Labioides (Lipzoids, 2013) y Reunión de ovoides (The Ovaloid’s Meeting, 1998).
Ernesto Neto es uno de los artistas más destacados de Brasil. Sus sugerentes esculturas son como hábitats. Al adentrarnos en ellas, nos sumergimos en un mundo sensorial. Desde que en 1995 comenzara a exhibir sus esculturas en el circuito artístico internacional, su arte ha formado parte de las principales exposiciones en galerías y museos de todo el mundo.
Ernesto Neto: el cuerpo que me lleva 14 de febrero -18 de mayo 2014 GUGGENHEIM BILBAO
Exposición de Bernard Plossu. En esta muestra el creador francés presenta dos series de fotografías y una película en Super 8. s París: Cartes de Visite, una serie de 22 imágenes inéditas de Plossu . Coincidiendo que todas las obras de sus viajes a México han sido publicadas recientemente en el libro que lleva como título ¡VÁMONOS!, se ha realizado una selección de dichas obras. En una de las salas se proyectará la película “El viaje méxicano”.
Exposición del artista Bernard Plossu
Galería Vilaseco Hauser
6 de Febrero al 4 de Abril de 2014
Padre Feijoó, 1 15004 – A Coruña vilasecohauser.com
La noche del 20 de junio de 1976 caía una lluvia fina sobre Belgrado. Antonín paseó su figura enjuta por los cuarenta metros que separan el centro del campo del punto de penalti, colocó el balón y retrocedió para tomar carrerilla. Levantó la cabeza. Ante él, ese rostro huesudo y feroz de Sepp Maier; tal vez entonces se acordó de Zdeněk Hruška, aquel compañero del Bohemians con el que había ensayado el lanzamiento una y otra vez. Cuando inició la carrera hacia el balón, Antonín Panenka sabía que abandonaría para siempre el anonimato: sería admirado por toda Europa o sería objeto de sus burlas.
Panenka transformando el penalti en la final de la Eurocopa de 1976
En 1957, Jørn Utzon estaba a punto de cumplir cuarenta años. Había recorrido medio mundo visitando arquitecturas orientales y mesoamericanas, había formado parte del PAGON -sector noruego de los CIAM- e incluso había ganado algún concurso1. Pero era consciente de que todo debía cambiar, y el concurso internacional para la construcción de la Ópera de Sídney2 era la ocasión para hacerlo.
Allí, Utzon decidió inventar algo incierto que lo sacase de esa marginalidad que había acompañado a sus grandes maestros de la Kunstakademiet: Kaare Klint, Steen Eiler Rasmussen e incluso, en menor medida, a Kay Fisker. Dibujó entonces un hermoso haz de curvas sobre el espigón de Bennelong Point y atravesó el umbral.
Boceto inicial de Utzon para Sídney, c. 1957, publicado originalmente en el Red Book
Todo el mundo sabe el final de la historia. Utzon ganó el primer premio (gracias, en gran medida, a la obstinación de Eero Saarinen) y empezaron los problemas. Porque eso que el danés había dibujado no podía ser construido, ni siquiera por Ove Arup:
‘El diseño de Utzon […] consistió en cuatro pares de cáscaras triangulares sustentadas en un punto del triángulo; las dos cáscaras simétricas de cada par se inclinaban una hacia otra, como un par de manos o abanicos. El arco gótico que se formaba entre los dos soportes de cada par no seguía la línea de empuje, por lo que se producían momentos de peso muerto. Si contamos con que las cáscaras estaban fijadas a los soportes veremos que, justo cuando se necesita una fuerza máxima, la anchura de la cáscara se ve reducida al mínimo. Y lo que es más, cada par de cáscaras no está equilibrado longitudinalmente, sino que transmite su fuerza al par siguiente […]
Este es uno de esos casos frecuentes en que la mejor forma arquitectónica no coincide con la forma estructural más apropiada. Si hubiéramos sabido a tiempo dónde nos estábamos metiendo, es posible que hubiésemos desistido’,3
escribió el ingeniero sueco.
El dibujo con el que Utzon había seducido al jurado era gestual, tenía un inefable vigor expresivo; había dibujado un deseo, tal vez un sueño, no la solución a esa entelequia. Y el danés -subraya Frampton- no fue el primero en proceder de este modo:
‘La ópera de Sídney demuestra hasta qué punto no es necesario que coincidan un concepto tectónico y una obra estructuralmente racional; una disfunción que recuerda a la crítica que hiciera Damisch a Viollet-le-Duc, en el sentido de que siempre existe algún salto insalvable entre los medios constructivos y el resultado arquitectónico’.4
Boceto de Utzon para las cubiertas de Sídney, c. 1958, publicado en el Red Book. Boceto de Utzon para las cubiertas de Sídney, en el que se distinguen las nervaduras, c. 1958, publicado en el Red Book.
Cuatro años después de haber ganado el concurso, cuando todo parecía perdido, Utzon demostró la dimensión de su talento, y fue entonces cuando se mostró como un coloso. Tal vez el último que la arquitectura ha dado hasta hoy. Imaginó una solución extremadamente sencilla desde el punto de vista constructivo; paradójicamente, todo estaba ahí, en una geometría pura, en la esfera:
‘En el caso de la Ópera de Sídney todo puede dibujarse sobre una esfera, como si fuera una naranja conformada por no sé cuántos gajos, por piezas similares que se subdividen e incluso se prefabrican. Ésta es la idea’.5
La solución estaba mucho más cerca de donde todos los demás habían buscado.
Maqueta de la solución geométrica final para las cubiertas, c. 1960, publicado originalmente en el número 14 de la revista Zodiac Desarrollo de la solución geométrica para las cubiertas, c. 1960, publicado en el número 14 de la revista Zodiac (1962).
La solución propuesta por Utzon permitió la construcción de la cúpula en la bahía de Sídney con un número reducido de piezas prefabricadas de hormigón. Ésa era la forma de pensar del danés: incluso el dibujo inicial escondía el germen de un concepto tectónico. A lo largo del proceso de concreción del edificio surgieron nuevas dificultades que pusieron a prueba su ingenio y la paciencia del estado Nueva Gales del Sur6. Así, arquitecto y cliente se fueron distanciando irremisiblemente: cuando, en 1973, fue culminada la construcción de la ópera, Utzon se había desvinculado del proyecto y había decidido no volver a pisar Australia.
Utzon con la maqueta de los falsos techos acústicos propuestos para Sídney, publicado en el número 14 de la revista Zodiac (1962). Nunca fueron construidos.
Fue gol. Sepp Maier se dejó caer hacia su izquierda y, desde el suelo, pudo ver cómo el balón entraba manso, casi ingrávido durante unos segundos, por el centro de la portería. Checoslovaquia se convertía así, por primera vez, en campeón de Europa; y Panenka en un mito.
A veces imagino a Utzon en su estudio de Hellebaek, a miles de kilómetros de Sídney, repitiendo una y otra vez las maquetas de la ópera, observándolas mientras recuerda los astilleros de Ålborg en los que había pasado su infancia. Entonces me viene a la mente Antonín Panenka, con su melena oscura y sus patillas de hacha, puliendo el lanzamiento día tras día al finalizar el entrenamiento. Apostándose chocolatinas con su compañero Hruška.
Al fin y al cabo, pienso, la parábola que describió el balón pateado en la final de Belgrado no fue muy diferente a la curva dibujada por Utzon diecinueve años antes. Esos dos hombres, uno mientras cogía su lápiz para garabatear un papel, el otro mientras caminaba hacia los once metros, sabían que su vida -y quizá la historia de sus respectivas disciplinas- no volvería a ser igual. El final era incierto, el fracaso era posible. Pero ambos sabían que no había vuelta atrás.
Borja López Cotelo. Doctor arquitecto
A Coruña. mayo 2013
Notas:
1 En 1953, Utzon ganó el concurso de viviendas económicas Skånska hustiper en el sur de Suecia. El proyecto no fue construido, pero dio origen a los celebrados conjuntos de Elsinor (1956) -las denominadas casas Kingo– o Fredensborg (1959) en Dinamarca, y de Lund (1957) y Bjuv (1956) en Suecia. En todos ellos, Utzon indagó en las posibilidades de la agregación de la tipología de casa-patio. 2 El concurso fue convocado en diciembre de 1955 por el estado de Nueva Gales del Sur, y a él se presentaron 233 propuestas. Entre los arquitectos participantes se encontraban Alison y Peter Smithson o el australiano Harry Seidler. Ver FERRER FORÉS, J.: Jørn Utzon. Obras y Proyectos (Ed. Gustavo Gili, 2008) p. 148 3 Ove Arup, en un texto recogido en FRAMPTON, K.: Estudios sobre cultura tectónica (Ed. Akal Arquitectura, 1999), p.266 4Ibid., p.262 5 Utzon en PUENTE, M.: Conversaciones con Jørn Utzon (Ed. Gustavo Gili, 2010), p.26 6 Especialmente llamativas son las dificultades surgidas durante el proceso de definición de los falsos techos acústicos; de nuevo, Utzon ideó una solución basada en una geometría elemental, en este caso la del cilindro. Pero su propuesta nunca fue construida. Ver WESTON, R.: Utzon (Ed. Bløndal, 2008), p. 168
Camarón de la Isla. Festival de Arte Flamenco de Mont de Marsan. Jean-Luis Duzert, 1990.
‘Al principio fue el verbo’
Evangelio según San Juan
Arranca con éste versículo corto y preciso el último relato canónico de la vida, obra y milagros de Jesús de Nazaret. Continúa ‘y el verbo estaba con Dios. Y el verbo era Dios’. Apenas tres líneas que resumen el contenido de todo el Evangelio.
Dice Solano Benítez al hilo de su proyecto ‘4 vigas’1, precioso homenaje a la figura de su padre, que está en la repetición la base de lo sagrado. Así, dice, es sagrado el fútbol, o las milanesas en casa de su madre los Domingos. Así sacralizan los quejíos de Morente o el pulso de guitarra del concierto de Aranjuez. Qué grande el Paco de Lucía.
Dando por válida esta afirmación, la cual comparto, podemos entender la importancia de la palabra, del logos, en la religión. Vehículo transmisor de conocimiento y sentir, que en su repetición ha colaborado en la difusión y calado de un mensaje que constituye la mayor obra del hombre.
Es la palabra fundamental en el entendimiento pleno de la arquitectura como un arte que trasciende los hechos construidos. Un arte que tiene como objeto los hechos del hombre, y que por lo tanto busca su felicidad, entendiendo ésta como el estado libre de peligros que celebra Epicuro. El bienestar, asunto capital, encuentra satisfacción en el campo de los sentimientos, en lo metafísico. No es solo cuestión de aislantes, ni de metros cuadrados. Necesitamos algo más, algo que nos impulse a ocupar un lugar, algo que dote de sentido y emoción a la ejecución precisa de nuestro oficio.
Así, la pérdida de atención a la palabra, y con ésta al discurso, no significa sino la pérdida del sentido de la arquitectura, quedando ésta reducida a la construcción. El entendimiento de la arquitectura como ese arte que trata de unificar cantidad de estímulos de toda índole en pos de facilitar la vida del hombre, en cuanto a su cobijo, tiene en el conocimiento de la historia un valor fundamental. Podríamos matizar, tiene en la tradición, esa ‘experiencia social acumulada que ilumina el presente desde un distanciamiento inmóvil’2, un valor fundamental.
Esa experiencia acumulada, ese conocimiento, es lo único que podemos heredar. El trasfondo de la arquitectura. Poco más es necesario, las herramientas justas. Geometría, gravedad y (des)mesura.
Quizás influida por una tendencia reciente, que busca la inmediatez y el conocimiento acumulativo, sin atención a lo superficial de éste, la arquitectura ha dado un giro hacia un mundo peligroso. Y triste. Un mundo en que lo ‘poético’ es malo. Un mundo en el que se ha dejado de jugar, de festejar. Mundo de casas de exposición, sin olor. Un mundo en que se castiga un proyecto ‘por ser demasiado romántico’3. Amigos, nos hemos equivocado. Nuestras ciudades nos piden auxilio, la esquizofrenia que ha manejado su crecimiento nos ha hecho olvidar por completo los principios en que se basaban. Nos hemos perdido en construir mucho y rápido, en el frenesí, en los CV, en cumplir plazos, normativas, certificados y códigos, y nos hemos olvidado del hombre, elemento único y fundamental de cualquier arte, que no celebra sino la vida, gracia y obra de éstos. De nosotros.
Quienes lo estudian en profundidad, dicen que el texto que tenía Le Corbusier en su mesa al fallecer venía a decir ‘nada es transmisible salvo el pensamiento’. Reflexionemos si no estamos equivocados, si no estamos sino desterrando aquello que trascenderá nuestra propia persona y pasará a formar parte de nuestra figura, que ni empieza con nuestro nacimiento, ni termina con nuestra muerte4.
Recuperemos la palabra como parte del proyecto de arquitectura y con ella volverá esa crítica que tanto echa en falta la profesión, volverá el proceso.
Y con suerte, volverán los proyectos románticos.
Jorge Rodríguez Seoane
Mayo 2014. Coruña
Notas: 1Precioso proyecto el de Solano. Mágico. 2 Francisco Alonso de Santos define así la tradición en la conferencia Bau-Kunst-Bau pronunciada el 31 de Mayo de 1991 en el Politécnico de Milán, dentro de los actos de la Triennale di Milano. Seminario coordinado por Cino Zucchi. 3 En Septiembre de 1991 el proyecto presentado al concurso ‘Venice Gateway’ por Francisco Alonso de Santos quedaba descartado por su excesivo romanticismo. Formaba parte del jurado Rafael Moneo. 4 Parafraseando a Francisco Alonso en su texto de homenaje a Alejandro de la Sota ‘Dies Irae. Alejandro de la Sota en legítima defensa’ La frase textual dice ‘La infancia, la juventud y la vejez en cada uno de los seres humanos no son sino situaciones secundarias en comparación con su “figura”, la cual ni comienza con su nacimiento, ni termina con su muerte”.
Bilbao acoge del 5 al 8 de marzo el Forum d’Avignon, el prestigioso foro de debate sobre cultura en Europa. Un encuentro internacional en el que profesionales del arte, la arquitectura, la política o el emprendimiento analizarán distintos aspectos de ‘La ciudad como ecosistema cultural’.
En el Forum d’Avignon Bilbao se mostrará cómo la cultura ayuda a impulsar el desarrollo económico y el bienestar general de la ciudadanía, incrementa el grado de innovación y creatividad y resulta decisiva a la hora de afrontar un atractivo y una competencia globales.
Ya puedes encontrar más información sobre los ponentes confirmados aquí.
5 de marzo: RAW (Research Action Workshops)
RAW es un entorno de reflexión, de precalentamiento y ensayo de ideas previo al Forum d’Avignon Bilbao. Quiere abordar, desde una perspectiva transversal, ideas y experiencias de proximidad mediante debates que afectan a lo artístico y lo cultural en nuestros contextos contemporáneos.
Es una jornada de trabajo para compartir experiencias donde participan los agentes culturales locales. Es un catalizador de ideas, de pulsiones y de tensiones dirigido a artistas y agentes de cultura. Los grupos de trabajo girarán en torno a las experiencias y prácticas de hibridación artística; de los errores al aprendizaje y sobre las nuevas comunidades en la práctica artística y social.
La ciudad es un ecosistema cultural. Pero, ¿qué compone un ecosistema cultural? Agentes públicos y privados, instituciones, espacios, prácticas, ciudadanos, visitantes… En nuestros “ecosistemas culturales” occidentales, la dicotomía entre público y privado ha venido siendo uno de los vectores que definían la acción cultural. Hoy, tras el ensayo de modelos desde lo privado y lo público, parece que las relaciones entre ambos sectores tienden a la colaboración. Queremos analizar el estado de esas relaciones a partir de experiencias concretas.
Bilbao es un ecosistema cultural en el que, todos los días, se producen encuentros y enriquecedoras dinámicas para ciudadanos y visitantes. Desde su extraordinaria transformación económica y urbana el nombre de la ciudad comenzó a asociarse a conceptos como excelencia, actividad económica, conocimiento, arte, tecnología, diseño o creatividad.
La cultura ayuda a impulsar el desarrollo económico y el bienestar general del ciudadano; incrementa el grado de innovación y creatividad, y resulta decisiva a la hora de afrontar un atractivo y una competencia globales.
Con este objetivo, la edición 2014 del Forum d’Avignon Bilbao pretende explorar el potencial de las ciudades como ecosistemas de cultura.
Era el hombre de las frases cortas. Menos es más, Dios está en los detalles.
Prusiano, recto, tenaz.
Sus casas de ladrillo y su Pabellón Alemán no fueron suficientes para salvarlo de la fiera que devastaba Alemania. Tampoco le bastó emigrar con su Bauhaus itinerante de Weimar a Dessau y de ahí a Berlín.
Rendido, Van der Rohe cruzó la Mar Océana y encontró un país de acero y cristal.
Farnsworth, Seagram, Lake Shore Drive.
Cerró el círculo legando a Berlín un edificio americano. Van der Rohe había ganado la guerra.
Ludwig Mies van der Rohe, 1934 | Hugo Erfurth | Fuente: wikipedia
Estudio sobre la obra arquitectónica de Óscar Niemeyer desde el punto de vista del análisis de la expresión gráfica.
El ejercicio comparativo entre los diseños gráficos del arquitecto y su obra construida se apoya sobre una rica documentación, en su mayor parte original, que consiste tanto en bosquejos gráficos como en fotografías.
El libro está estructurado en cuatro capítulos, dedicados respectivamente a los recursos gráfico-narrativos, la importancia del lugar, la forma y función y el espacio arquitectónico.
La arquitectura de Óscar Niemeyer a partir de sus dibujos
Conferencia de Javier Fernández Muñoz. Arquitecto, OCHiR Ayuntamiento de Santiago de Compostela dentro de las jornadas de Arquitectura y Territorio rural celebradas en Callobre (A Estrada) el viernes 26 de Julio de 2013.
«Aunque la charla se centra en la descripción de los planteamientos previos y las secuelas posteriores a una ambiciosa operación de reurbanización de la Ciudad Histórica de Santiago de Compostela, ejecutada durante los años 2008-2011, a la que me he referido en alguna ocasión como “O aire da Cidade” (Premio Nacional de Arquitectura 2010), en realidad la utilizo también como excusa para comentar las diversas vicisitudes que el proceso urbanizador sufre en su lento navegar, y muchas veces naufragar, en el seno de la administración, revelando una vez más como la acción política es una contingencia que, tristemente, debemos tener tan en cuenta en el proceso arquitectónico como a la acción de la gravedad o a las inclemencias meteorológicas. El tiempo de la política no es de la misma substancia que el de la arquitectura, sólo coinciden en el nombre…»
El próximo jueves 6 de marzo tendrá lugar una nueva sesión de la sesión coloquio de arquitectura, Eso dicen. En esta ocasión, el invitado será Proyecto UnDo ReDo. La sesión se dividirá en media hora de presentación del arquitecto y otros treinta minutos de coloquio informal con el público.
Eso dicen es un ciclo de sesiones-coloquio que se celebra el primer y tercer jueves de cada mes entre las 20:00h y las 21:00h en la planta baja del Taller Creativo No Importa (calle San Andrés, 46); en él participan arquitectos gallegos pertenecientes a distintas generaciones con la intención de presentar un amplio espectro de enfoques de la disciplina, siempre con una reflexión acerca del papel del arquitecto en el momento actual como telón de fondo.
Proyecto UnDo ReDo. UnDo ReDo es un lugar de encuentro y reflexión sobre los muebles, muy especialmente las sillas, dentro y alrededor de la arquitectura. Encuentro, rehabilitación, interpretación y cuidado de los muebles según la filosofía de trabajo de la desaparecida artista Louise Bourgeois I do, I undo, I redo. + undoredo17.wordpress.com
ESO DICEN · Proyecto UnDo ReDo Jueves 6 de marzo 20:00 – 21:00h
aforo limitado – entrada gratuita [NO IMPORTA] taller creativo
C/San Andrés 46 planta Baja
A Coruña [España]
Organiza:
Alberto Alonso Oro [veredes.es]
Maria Olmo Béjar + Borja López Cotelo [lasonceymedia.com]
Se ha abierto la convocatoria para el Premio de Paisaje Rosa Barba, patrocinado por la Fundació Banc Sabadell y en el marco de la 8ª Bienal Internacional de Paisaje, que se celebrará en Barcelona del 25 al 27 de Septiembre de 2014 bajo el lema ‘Un Paisaje para ti’.
Con la ampliación de ámbito territorial de la Bienal y del Premio, ahora internacionales, se abre una nueva convocatoria para la presentación de proyectos de paisaje y planeamiento creados en todo el mundo entre 2009 y 2014. El Jurado internacional, presidido por Michel van Gessel, paisajista y profesor de Berkeley (Universidad de California), otorgará un único premio, que no se declarará desierto bajo ninguna circunstancia. El premio, con una dotación económica de 15.000 €, se entregará durante la celebración de la Bienal.
El plazo de presentación de la documentación finaliza el 11 de Abril de 2014. Para participar hay que rellenar el formulario de inscripción.
La casa V consiste en la rehabilitación, adaptación y la ampliación de una vivienda de vacaciones existente, realizada a principio de los ’60. La familia que habita la casa lleva más de cuarenta años pasando las vacaciones en ella y, en esos años, el número de miembros de la familia ha ido creciendo pero la casa ha permanecido igual sin poder cumplir las necesidades actuales y a medio plazo.
La intención del proyecto es la de realizar una casa para una familia completa. Un lugar en donde puedan disfrutar de sus vacaciones tres generaciones de la misma familia simultáneamente.
Para conseguir este propósito, las dos generaciones más jóvenes habitarán la ampliación, que consiste en un ala lateral articulada con la antigua edificación en su arista noreste y cuya cubierta sirve de jardín privado a la vivienda actual como respuesta paisajística a la topografía existente.
La vivienda original alberga ahora las estancias de interacción social y familiar, y también los dormitorios de la primera generación. Cada miembro de la familia podrá tener su independencia pero formando parte de un conjunto único.
Un muro multicapa definido por un único detalle constructivo, que sirve tanto de estructura como de abrigo térmico y medioambiental, serpentea para abrazar los distintos acontecimientos que suceden en la casa. Los espacios se definen al disponerse la materia en el espacio tiempo, y ésta se adapta topológicamente a lo que sucede en su interior. La nueva vivienda se formaliza por el discurrir continuo de en un envoltorio neutro – sin aristas, sin color, sin textura – en donde la vida, la acción, es la protagonista.
ESTRATEGIAS AMBIENTALES.
Adoptando la “exergía” como una combinación de estrategias (exergía = energía útil) entre las necesidades de uso de energía y soluciones arquitectónicas específicas, minimizando los costes de mantenimiento y optimización de rendimiento exergético del edificio. El aislamiento térmico está situado en el exterior de la cáscara externa, adherido al muro de hormigón que proporciona la inercia térmica de masa en el interior.
En el caso del sistema de cubierta ajardinada intensiva, que no sólo integra el edificio en el ecosistema existente, también añade al edificio un importante aislamiento adicional, tanto térmico como acústico, a la inercia térmica proporcionada por el hormigón de la losa. El edificio incorpora un sistema de calentamiento natural del interior a partir de la disposición de las ventanas, como reinterpretación de las galerías de vidrio de la arquitectura vernácula de La Coruña.
Al variar la posición de apertura debido al serpenteo del muro, se recibe un mayor número de horas de incidencia solar, permitiendo el calentamiento natural por efecto invernadero, que en esta situación geográfica, La Coruña, es de gran sostenibilidad energética. En la estación de verano este efecto genera el movimiento del aire por diferencia de presión y ventilación cruzada. La casa también dispone de tubos de vacío en cuanto a sistema solar, lo que reduce considerablemente el uso de combustibles convencionales.
Aunque originalmente el proyecto contaba con un generador eólico adicional para generar energía eléctrica adicional, se pudo prescindir de éste por el conjunto de soluciones pasivas aplicadas.
Obra: Casa V. Rehabilitación y Ampliación de La Rabadeira
Cliente: privado
Tipo de Encargo: Anteproyecto, Proyecto Básico, de Ejecución y Dirección de Obra.
Tipología: Vivienda unifamiliar.
Superficie: Rehabilitación: 300 m2 Ampliación: 450 m2
Localización: Oleiros, La Coruña, España.
Fecha: Anteproyecto: Diciembre de 2006. Proyecto Básico y de Ejecución: Abril de 2008. Construcción: Octubre 2009 – Marzo 2013.
Autores: Ignacio Peydro Duclos + Isabel Collado Baíllo. (Dosis de Arquitectura)
Colaboradores: Pilar González Ariza. Fernando Alonso Tuero. Borja Comendeiro. Valentina Micucci. Federica Fiacchini. Rubén Guerrero. Adrián Jabonero. Jonathan Renier.
Consultores: Jorge Conde. IDEEE Madrid.(Estructura) Rafael Úrculo y Carlos Úrculo. (Instalaciones) Raúl Pichel. (Aparejador y Seguridad y Salud) DOMO U+A. (Mediciones y Presupuesto)
Constructora: Desarrolla
Fotografía: Héctor Santos-Díez | BISimages + dosis.es
Con esta mención, The Royal Institute of British Architects (RIBA) reconoce la trayectoria profesional de Hortet y el trabajo realizado al frente de la Fundación Mies van der Rohe entre 1989 y 2012.
Lluís Hortet, exdirector de la Fundación Mies van der Rohe, recibirá mañana el RIBA Honorary Fellowship (The Royal Institute of British Architects). Se trata de una mención honorífica vitalicia que se concede anualmente a personas que han hecho una contribución especial y remarcable al mundo de la arquitectura desde alguna de sus vertientes (empresa, instituciones, educación, arte, etc).
La ceremonia de entrega de los premios se celebrará en Londres y a partir de ese momento Lluís Hortet podrá utilizar las letras Int RIBA tras su nombre.
Lluís Hortet fue director de la Fundació Mies van der Rohe desde 1989 hasta 2012. Entre 1983 y 1986 fue secretario técnico de Urbanismo del Ayuntamiento de Barcelona y entre 1987 y 1988, director de museos de la misma entidad. Junto con Ignasi de Solà-Morales y Xavier Rubert de Ventós creó los prestigiosos premios Mies van der Rohe de Arquitectura Europea que buscan crear un debate y recoger documentación sobre las obras de arquitectura contemporáneas.
Además de Hortet, también recibirán esta mención Clive Carr (Presidente de RIBA Enterprises); Professor Francesco Dal Co, historiador de la arquiectura (Italia); Roger Grafe, director, cineasta y criminólogo (Estados Unidos); Sir Richard Leese, político británico; Irena Murray, comisaria, historiadora de la arquitectura (República Checa), Nick Pearce, director Institute for Public Policy Research; Lady Susie Sainsbury, vicepresidenta de la Royal Shakespeare Company y vicepresidenta de la Academia Real de Música; y el fotógrafo Thomas Struth.
El comité que ha seleccionado a los galardonados con el RIBA Honorary Fellowship está compuesto por el presidente de RIBA, Stephen Hodder, por los arquitectos Sir David Chipperfield, Louisa Hutton y Eric Parry, y el filósofo y estudioso Frederic Migayrou.
Conferencia del arquitecto Francisco Alonso de Santos dentro de las jornadas de Arquitectura y Territorio rural celebradas en Callobre (A Estrada) el viernes 26 de Julio de 2013 organizadas por rvr arquitectos.
Francisco Alonso de Santos, arquitecto, profesor de la Escuela Superior de Arquitectura de Madrid y de la Pontificia Universidad de Salamanca, comparte su labor docente con la creación arquitectónica y la investigación experimental vinculada al proyecto de unificación de las ciencias y los oficios de la construcción.
«El reto era hacer de los actos humanos monumento”.
Una conversación clave sobre el emblemático local de Jorge Juan 55 con su autor, Francisco Alonso
“A primera hora de la mañana, como de costumbre, una joven, supuestamente una escort, o quizá, más de acuerdo con Truman Capote, una geisha de Nueva York, baja de un taxi para detenerse frente al 727 de la Quinta Avenida, entre las calles 49 y 60; es la torre modernista déco de siete plantas que construyó Walter Cross en los años 40, saca un vaso de café y un cruasán de una pequeña bolsa de papel; su coprotagonista en esta escena inmortal es el escaparate de la firma de joyería Tiffany & Co. Se trata del único lugar del mundo que la calma cuando se siente abrumada emocionalmente y donde nada malo puede suceder».
Con una elegante y sofisticada Audrey Hepburn en la mítica escena que abre la película de 1961 Breakfast at Tiffany’s (Desayuno con diamantes en España), hoy seleccionada por la Biblioteca del Congreso de EE.UU en el Registro Nacional del Cine como monumento nacional, cultural, histórico y estéticamente memorable, como recuerda Francisco (Paco) Alonso al comenzar a desvelarnos el origen y la gesta de uno de los tesoros mejor guardados de Madrid: la zapatería que ocupa el número 55 de la calle Jorge Juan, en el barrio de Salamanca.
El arquitecto, esquivo a las entrevistas y los focos, nos ha concedido una entrevista en exclusiva en la que nos habla con pasión –y desde la Sala de Fondos y Legados de la Biblioteca del Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid (COAM)– de una obra que por sí sola bastaría para consagrar a su autor. Y es que resulta inevitable no girar la cabeza –dos excavadas aberturas destacan enmarcadas por colosales mármoles, negro de Calatorao, Travertino rojo de Almería y Ónix verde de Irán– al pasar por delante de esta maravilla del entramado urbano de la capital. Un encargo que le hiciera el empresario del calzado Manuel Losada a mediados de los años 80 y que acaba de ser vendida, tristemente, a un gran grupo inmobiliario que ha alterado sin reparo su integridad original, a pesar de su reconocimiento patrimonial.
Hay escritos que conducen al lector –no importa ahora si por “calles de dirección única” o por “sendas perdidas”- y lo acompañan a lo largo de un recorrido en desarrollo bien expuesto: es el lector quien parece transitar por ellos –a sus anchas o por argonautas, tampoco importa. Pero también hay escritos que son como cuartos de baño en casa ajena, donde el lector no puede poner la vista sobre nada que no le remita inmediatamente a la inquietante presencia del otro –el autor, el propietario-, de quien es la toalla, el jabón, el peine y, sobretodo, el espejo: todo el texto es un espejo donde el autor se hace admirar, a través de sus fetiches. Loos pudiera haber dicho que se trata de escritos tatuados, o que hay quienes se tatúan, no en las nalgas, sino en los escritos.
Es escrito –que va contra la idea del vacío o del silencio como esencia del arte moderno, y que se detiene especialmente alrededor de los años Sesenta y el minimalismo- no quiere parecerse ni a un camino ni a un espejo, sino a un delta, pantanoso, ancho y embarrado. Quizás haya varios brazos paralelos –o sólo uno principal-, quizás se comuniquen todos entre sí, repitiendo sus movimientos, quizás las corrientes se enreden, haya reflujos, se estanque el agua en alguna parte. Quizás en pocos minutos –por una súbita lluvia kilómetros arriba, por una marea- pueda cambiar todo su paisaje. Pero el material siempre es el mismo: agua, barro y una vegetación baja, espesa, indeterminada.
Autor: Josep Quetglas ISBN: 84-8191-252-2 Nº de edición: 1ª, 2ª imp. Encuadernación: Rústica Formato: 21×17 cm Páginas: 208
La casa Farnsworth | Fotografía: Jonathan Rieke | Fuente: flikcr
Las acepciones de la palabra silencio permiten establecer una multiplicidad de imágenes alegóricas que pueden aplicarse indistintamente a diferentes contextos. Entendida como ausencia de ruido, permite interpretar un perfil de reflexión introvertido. En el hecho arquitectónico, una intervención silenciosa puede resultar aquella que no interfiere con las características naturales del sitio donde se inserta.
En este sentido, la inclusión de la casa Farnsworth en el predio frondoso que bordea el rio Fox compone una operación que sugiere la lectura de un retrato sigiloso. Las formas de su arquitectura construyen la simbiosis poética necesaria para insertar al hombre en el paisaje. Una simbiosis que trasciende su propia facultad en la complementación de formas, texturas y tonalidades estructuradas bajo una poética que se enaltece en las métricas de transparencias y opacidades establecidas.
De esta forma, la relación entre lingüística y sitio se desarrolla mediante un relato arquitectónico que niega la privacidad tanto como su propia materialidad.
La omisión de caminos para llegar a la casa es uno de los más contundentes gestos de silencio que emplea Mies para no interferir en el sitio. En su enclave, los planos horizontales que construyen el espacio levitan como líneas trazadas en el horizonte. El plano inferior se instala a la altura de los ojos para acentuar esa percepción flotable. El superior se aloja no muy lejos del ángulo de visión, para evitar el rumor brusco de la mirada.
La casa Farnsworth | Fotografía: Jonathan Rieke | Fuente: flikcr
Este juego compositivo termina por componer una operación de absoluto sentido clásico: un podio, un espacio horizontal dominante y la secuencia rítmica de los elementos de soporte. Sin embargo, el gesto de desplazamiento aplicado al podio construye un perfil que semeja figuras de pinturas abstractas de las primeras décadas del siglo 20 y permite diluir los rasgos de clasicismo antes mencionados.
Las columnas delatan una exactitud rigurosa. Esta regularidad resulta revelada por la aplicación de elementos bajo el estímulo de la técnica. Su ubicación, alejada de los ángulos de intersección de los planos transparentes, permite desmaterializar los ángulos del volumen.
Para acentuar esa percepción, el perímetro transparente no resulta interrumpido por ningún elemento. El plano de vidrio continuo expresa su negación a la materialidad del volumen y la continuidad visual solo es impedida por el cuerpo de servicios.
Consecuencia de su propia cualidad, la fachada difumina las fronteras habituales. Esta condición puede atribuirse un doble oxímoron: el interior afuera, el exterior adentro. Una concepción abstracta, ratificada por la aplicación de colores neutros, que pasan desapercibidos en el contexto en que se inserta.
Soslayando toda acción mimética, la casa Farnsworth diluye su carácter abstracto en la naturaleza. Sus formas revelan un carácter sintético y ratifican de manera concreta la máxima de su autor.
Su figura templada y decisiva, enlazada entre las especies arbóreas que habitan el sitio, discurre un mensaje subliminal: cuando la arquitectura fecunda una infiltración silenciosa entre elementos de la naturaleza, la ordenación del sitio alcanza su mayor belleza.
La casa Farnsworth | Fotografía: Jonathan Rieke | Fuente: flikcr
Mies conocía ese secreto.
Marcelo Gardinetti. Arquitecto
La Plata. Febrero de 2014
María Arana (arquitecta) y Gorka Rodríguez (Licenciado en Ciencias Sociales y de la Comunicación y productor cultural) forman Zaramari, estudio afincado Bilbao. Zaramari es
“una productora de ideas que trabaja por la transformación colaborativa del entorno urbano a partir de la creatividad y la implicación ciudadana”.
Los temas que abordan van desde la pedagogía urbana hasta proyectos de comunicación y creatividad aplicada, pasando por el ámbito de la consultoría, gestión y producción cultural, y es en este campo donde surge BAT.
BAT. Espacios híbridos para la innovación urbana | Zaramari
BAT es un proyecto cultural que pretende explorar las posibilidades de aprendizajes múltiples que ofrece la ciudad para la formación de una ciudadanía participe en la transformación de su entorno. Se tratan de aprendizajes basados en la observación, el contacto y la investigación de la realidad urbana, con el objetivo de propiciar reflexiones e iniciativas que contribuyan al desarrollo de ciudades más habitables.
A través de las actividades de su programación (workshops, conferencias, debates, cine-forum…) promueve una participación activa y espacios de comunicación y creación que transcurren simultáneamente en el entorno físico y en la red, abriendo la posibilidad de poner en relación a ciudadanos, arquitectos, urbanistas, diseñadores, agentes del desarrollo comunitario y activadores urbanos para cruzar ideas y miradas con el objetivo de buscar de forma conjunta herramientas y proyectos que traten de contribuir a la (re)construcción de territorios más habitables.
Algunas preguntas sobre las que se construye BAT:
“¿De qué forma se puede contribuir desde la arquitectura a una sociedad más justa y libre?
¿Cómo podemos ciudadanos, urbanistas y arquitectos colaborar en la planificación y (re)construcción de espacios para la convivencia?
¿Puede diseñarse y construirse la ciudad con la lógica de la creatividad compartida?
¿Qué papel puede jugar el arte en este tipo de procesos?
¿Cómo podemos actuar desde lo hiperlocal en el desarrollo urbano?”
Sobre todas estas preguntas y muchas otras cuestiones ha tratado BAT. Sobre la necesidad de generar lugares donde reflexionar y producir de forma colaborativa y colectiva para tratar de encontrar alternativas, planificando y (re)construyendo espacios para la convivencia.
BAT. Espacios híbridos para la innovación urbana | Zaramari
¿Cuál ha sido vuestra formación y trayectoria profesional previa a BAT?
Desde la profesión de la arquitectura hemos trabajado durante más de 10 años en diversos estudios de arquitectura tradicional que abarcaban proyectos desde vivienda colectiva a la ordenación urbana y planes urbanísticos. Desde nuestras otras profesiones, hemos realizado programas de educación en valores a través del cine, la producción audiovisual y el desarrollo de proyectos educativos que utilizaban el arte y la cultura como disciplinas formativas. Zaramari nace en el 2009 con el interés de generar proyectos culturales que utilizaban la creatividad y las prácticas artísticas como medio para sensibilizar sobre la ecología urbana desde la participación social. Hay tres proyectos previos al BAT que fueron el inicio de un cambio en nuestro trabajo y que muestran el interés sobre la construcción participativa y sostenible de las ciudades:
El primero fue la ideación y el diseño de participación de IMAGINATU BILBAO, un proyecto de construcción colectiva realizado para Alhóndiga Bilbao. Una invitación a todos los visitantes a la exposición TRANSFORMACIONES a dejar sus recuerdos, sus ideas y sus deseos de ciudad, de forma que esas aportaciones construyeron un espacio emocional en la sala de exposiciones. Una instalación que te invitaba a detenerse para compartir la lectura de los deseos de los vecinos y vecinas, antes de continuar su camino a través de una metrópoli plagada de evocaciones de pasado, de vivencias de presente y de sueños de futuro.
Creactivos fue un reto planteado por la agencia de desarrollo local de Busturialdea para favorecer procesos de hibridación entre diferentes empresas, instituciones y organizaciones para promover proyectos de colaboración en el sector de la construcción en la zona. Creactivos implementó dinámicas de participación creativa en la Asociación IREKUR ( Asociación para el desarrollo de la construcción responsable en bustutrialdea) que favorecieron el trabajo colaborativo y facilitaron la interconexión y conocimiento sectorial.
Para acabar Hondakin fué la antesala de BAT, un programa cultural que comisariamos para AlhóndigaBilbao, donde se planteaba (re)buscar entre los escombros de un modelo de crecimiento urbanístico insostenible para proponer un intercambio de experiencias y miradas que usan la práctica arquitectónica como instrumento cultural de investigación, experimentación, interacción y cambio.
¿Qué os llevó a abriros camino en un proyecto cultural de estas características?
Nuestro propio interés en investigar y compartir las prácticas basados en la creación compartida entre arquitectos, diseñadores, artistas y personas interesadas en la transformación colaborativa de las ciudades. Nos interesa visibilizar y promover la emergencia de nuevos talentos y prácticas creativas que hibridan entre la producción cultural, la representación artística, la arquitectura y el urbanismo, entendidos como herramientas para la (re)construcción colaborativa del territorio. Necesitamos generar lugares donde reflexionar y producir de forma colaborativa y colectiva para tratar de favorecer espacios para la el desarrollo de una cultura urbana emergente.
La ciudad produce cruces y mezclas entre disciplinas, conocimientos y culturas que pueden posibilitar la generación de nuevas ideas y posibilidades digitales y reales de la ciudad que pueden resultar de gran utilidad para fortalecer los procesos de innovación urbana y la generación de oportunidades asociadas al despliegue de la creatividad y las actividades de la nueva economía urbana . Además de esta mezcla entre lo digital y lo físico la ciudad también produce cruces y mezclas entre disciplinas, conocimientos y culturas que pueden posibilitar la generación de nuevas ideas y posibilidades.
El actual escenario de crisis ha dejado en las ciudades espacios vacíos, edificios a medio construir, infraestructuras prorrogadas. Estamos en un momento en transformación en la relación entre espacios y usos, entre lugares y redes. De transformación también en la forma en que la creatividad resultante de procesos colaborativos puede incidir en la forma de hacer arte público en la ciudad desde las personas. En un momento que posibilita ensayar metodologías cooperativas que transfieran conocimientos o habilidades, a la vez que comparten maneras diversas de hacer y pensar sobre el lugar.
La ciudad contemporánea no puede ya entenderse sin la tecnología y las prácticas digitales que genera. Ni la gestión urbana, ni la producción/consumo cultural pueden permanecer al margen de estos cambios sociales. Las plataformas digitales constituyen espacios adecuados para crear y compartir información y conocimiento al tiempo que se generan los procesos relacionales necesarios para movilizar ese conocimiento de un modo colectivo a través de las redes sociales. Un elemento importante de esta dinámica es su capacidad de generar procesos de aprendizaje.Un proceso inclusivo en el que la creatividad urbana contribuye a mejorar la ciudad vivida por todos los vecinos. Una innovación que, en este caso se basa en la acción colaborativa y el uso de la tecnología para generar redes sociales activas que trasladan acciones que suceden en el espacio analógico al espacio digital y viceversa. Una generación de espacios híbridos, puntos de encuentro entre los planos digitales y reales de la ciudad que pueden resultar de gran utilidad para fortalecer los procesos de innovación urbana.
BAT. Espacios híbridos para la innovación urbana | Zaramari
¿Os encontrasteis con muchas dificultades en su puesta en marcha?
La mayor complejidad de este tipo de programas es el proceso de búsqueda de apoyos institucionales públicos y privados para poder llevarlos a cabo. Poco a poco y debido a una intensa labor que desarrollamos durante muchos meses, cada vez son más las instituciones que reconocen la importancia y el retorno de este tipo de programas culturales y nos trasladan su intención de apoyar BAT. Llevamos realizadas dos ediciones y este tipo de programas se consolidan con el tiempo. Cuantas más ediciones podamos promover, entendemos que más fácilmente podemos conseguir apoyos para llevarlos a cabo.
¿Consideráis que estudiar Arquitectura ha sido un pasaporte fundamental para haber llegado a vuestro trabajo actual?
Reconocemos que la arquitectura y el urbanismo son dos de nuestra inquietudes además de la profesión de uno de los miembros de zaramari. El interés por conocer las relaciones que pueden surgir entre la arquitectura, la ciudad y otras disciplinas culturales ha sido para nosotros el motor para desarrollar nuestro ámbito de trabajo.
Imaginar los nuevos escenarios que ofrece la ciudad para la cultura a través de intervenciones artísticas y usos culturales del espacio público ha fomentado este interés por trabajar en la producción cultural que combina la creatividad y el espacio social incidiendo en la articulación entre cultura-sociedad-territorio.
¿Estáis contentos con los objetivos alcanzados?
Durante las dos ediciones pasadas, el nivel de participación ha sido alto. Hemos conseguido que la Universidad Publica Vasca abale los aprendizajes que generamos en estos encuentros y ofrezca créditos universitarios por la asistencia. Una forma de reconocer la importancia de estas prácticas que desde la educación no reglada tienen su reconocimieto social y académico. El nivel de implicación y retorno de las personas y asociaciones que participan es fundamental para nosotros y de momento la experiencia sido positiva para todas.
¿Animarías a otros arquitectos a seguir vuestros pasos? ¿Qué pasos consideráis que deberían dar? ¿Cómo completar sus estudios? ¿Qué otros consejos les darías?
Animaría a los arquitectos a pensar cuál es su ámbito de interés dentro de la práctica arquitectónica y a investigar el servicio que pueden ofrecer desde lo que les interesa de la arquitectura. Para nosotros lo importante es poder convertir nuestros intereses culturales relacionados con la arquitectura y las ciudades en nuestra profesión.
¿Crees que los arquitectos en España deberíamos abrir nuevas vías de trabajo para salir de la casilla más «tradicional» de proyectar dada la actual situación de la construcción en nuestro país?
En nuestra opinión cada uno debe hacer lo que más le motive. Para nosotros sería importante mantener la parte tradicional de la arquitectura, entendida como un ejercicio artesanal y sensato donde la construcción se cuide y sea responsable atendiendo a las necesidades territoriales, económicas y sociales. Para ello no solamente es necesario replantear nuestra profesión sino muchas de las profesiones que orbital en el sector de la construcción desde varias décadas. Creemos que es necesario (re)contruir el terrritorio desde otra sensibilidad y para ello vemos necesario buscar nuevas relaciones y vías de trabajo aporten valor a esa nueva forma de incidir en el territorio que no unicamente debe abordarse desde la practica tradicional.
¿Qué opináis de los que se han ido a trabajar al extranjero?
Creemos que muchos de los arquitectos han emigrado por falta de una oportunidad laboral, dejando aquí la familia y los amigos. En muchas ocasiones creo que ha sido una decisión muy dura y de mucho coraje. Por otro lado entendemos que en otras ocasiones, sacar la cabeza y salir fuera puede ofrecernos la posibilidad de encontrarnos con otras formas de hacer que pueden ayudarnos a encontrar nuevas oportunidades profesionales dentro de las nuevas tendencias urbanas que se reconocen dentro de la innovación social y ciudadana. Salir no siempre es un drama. Lo interesante sería compartir esas experiencias y conocimientos adquiridos con las personas que nos hemos quedado aquí para favorecer un intercambio de conocimiento.
BAT. Espacios híbridos para la innovación urbana | Zaramari
María Arana y Gorka Rodríguez · proyecto cultural | BAT
Febrero 2014
Entrevista realizada por Ana Barreiro Blanco y Alberto Alonso Oro. Agradecer a María y Gorka su tiempo y predisposición con este espacio.
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