Dibujo de la propuesta del Pabellón Langelinie de Jorn Utzon
Frente a las arquitecturas de gran dimensión en planta, cuyo centro generalmente es un gran vacío, las construcciones que persiguen la verticalidad recurren a un centro masivo y compacto. Si en unos es la luz estructural el reto a dominar, en los otros será el exceso de carga vertical el problema a resolver. Será el alma de estos edificios, su núcleo central, el que intentará absorber la desproporción de su carga y trasladarla al suelo.
Las estructuras arbóreas de la botánica, han resumido bien esta forma de enfrentarse a la gravedad, que templos como la pagoda china de Guilin, o la pagoda japonesa de Nara han reproducido imitando su verticalidad y su flexibilidad.
En 1953, Jørn Utzon participó en el concurso para la construcción de un pabellón en el área de Langelinie, con una propuesta que reinterpretaba en clave moderna esas arquitecturas de la tradición clásica oriental.
Sección por el núcleo central
El proyecto se resume en una pieza vertical de carácter escultórico, en el que las plantas se apilan unas sobre otras buscando ganar altura. El pabellón se materializa como una torre alta que consta de diez plantas, en la que cada forjado es un disco de diferente tamaño, dispuestos uno encima de otro y conectados por el núcleo central que alberga escaleras y ascensores. Un muro cortina de cristal resuelve la fachada ofreciendo una vista libre de 360 grados sobre el puerto, el mar, y la ciudad. Utzon estiró el programa del pabellón hacia la vertical, para que la torre subiese por encima de los techos de la ciudad de cinco pisos y de ese modo el nuevo edificio se relacionase con las maravillosas torres de Copenhague.
En el núcleo circular de la torre se agrupan los ascensores y montacargas, aseos y vestuarios, salidas de emergencia, patinillos de instalaciones, así como todos los elementos servidores. En todos los niveles alrededor de este núcleo se van acomodando los espacios principales del programa del concurso, siempre volcados al exterior, generosamente iluminados y ventilados.
Vista del interior sobre el atardecer de Copenhagen
La torre ocupa una superficie mínima en planta gracias a que únicamente su núcleo central ocupa realmente suelo. Esta solución le permite a Utzon situarla tan cerca del agua que los visitantes del restaurante estarían en contacto con la superficie del agua y las reflexiones de luz sobre ella. Del mismo modo, debido a la pequeña planta de la torre, un punto sobre el plano el camino de acceso se simplifica en una línea recta ideal que une ese punto con el centro de la ciudadela de Copenhague.
La propuesta de Utzon obtuvo el tercer premio y el proyecto ganador construido por Eva y Niels Koppel ocupa con su rotundidad, belleza y horizontalidad miesiana el solar desde 1958. La arquitectura siempre ofrece múltiples soluciones y en ocasiones solo puede soñarse con alguna de ellas.
Maqueta de la propuesta
Íñigo García Odiaga. Arquitecto
San Sebastián. Publicado originalmente 09.05.2017
La sala del Museo ICO se transforma sin intervención física. ‘Cómo suena un edificio’, de Pedro Torrijos, construye un paisaje sonoro inmersivo que convierte el sonido en arquitectura. La experiencia invita a repensar el espacio más allá de lo visual, explorando la materialidad del sonido y su capacidad para dar forma a la percepción del entorno.
Bienvenidos a un paseo sonoro por el edificio más icónico del barrio de Prosperidad de Madrid junto a Pedro Torrijos y Erik Harley, graduado en Bellas Artes, investigador y comunicador especializado en los excesos urbanísticos que hemos conocido en España.
Gracias a la compañía de un vecino que nos abre y enseña el edificio, desarrollamos el concepto de “pormishuevismo” con el que Erik denuncia la corrupción urbanística asociada a grandes proyectos en la que ha primado la espectacularidad sobre su función y necesidad real, y nos preguntamos si Torres Blancas, diseñado por Sáenz de Oíza en 1961, pertenece a esa categoría.
Hablamos de las luces y las sombras de una obra que es edificio protegido y no puede ser renovado sin los permisos pertinentes, con un garaje que recibe las filtraciones del agua del jardín que cubre su techo, con una entrada que luce unas protuberancias en su parte superior que recuerdan a encías sobre muelas y un suelo que resbala muchísimo en los días de lluvia, una maravillosa escalera de caracol con pasamanos recubiertos de sky color burdeos, una escalera principal y otra de servicio que se comunican cada siete pisos, multitud de detalles y adornos personalmente diseñados por Sáenz de Oiza como los ceniceros o las placas con los números de los pisos, y una planta 23 que en realidad es un único piso con vistas 360º a la ciudad de Madrid.
Un símbolo arquitectónico que rezuma una modernidad de los años 60 que ya ha quedado desfasada, una estética que algunos califican de “escultórica” y otros de “hortera”, y una idea de arquitectura que nos genera debate:
¿Es Torres Blancas una gran creación, o un caso de “pormishuevismo” como los que denuncia Erik Harley?
E21. Pueblos de colonización, la España que no se vació
El 18 de octubre de 1939, el Ministerio de Agricultura del régimen de Franco creó el Instituto Nacional de Colonización. Un organismo para acometer la reforma agraria, social y económica del medio rural, que retomaba y ampliaba un programa de la II República que nunca se llevó a cabo. El principal artefacto del INC fueron los pueblos de colonización: más de 300 pueblos construidos en nuevas zonas de regadío, normalmente a lo largo de las grandes cuencas fluviales del país. Durante más de tres décadas, durante prácticamente toda la dictadura franquista, decenas de miles de familias se trasladaron a estos pueblos creados desde cero. Les entregaron una casa y una parcela de cultivo y comenzaron una vida nueva.
Viajamos a uno de estos pueblos, Vegaviana (Cáceres) para conocer sus calles, sus casas y cómo es uno de esos pueblos de colonización. Iluminada Bermejo, una de las colonas que llegaron al pueblo en su fundación en 1954, nos habla de cómo fueron los orígenes del lugar, cómo se asentaron allí sus habitantes y cómo crearon comunidad en un lugar que les exigía mucho trabajo y les rodeaba de otras familias desconocidas hasta entonces. Juana Rivas, una de las vecinas más veteranas de Vegaviana, nos recita sus poemas que son historia y memoria del lugar. La de tantas familias que son fundamento de la exposición «Pueblos de colonización: Miradas a un paisaje inventado«, en el Museo ICO, comisariada por Ana Amado y Andrés Patiño, que se convirtieron en vecinos de Vegaviana para entender la realidad de un lugar así.
E22. Benedetta Taglieabue: Escuchar, aprender y proponer
Recibimos en la Fundación ICO a Benedetta Tagliabue, arquitecta italiana formada en Venecia y Nueva York y que ha desarrollado su carrera en Barcelona como cofundadora y directora del estudio Miralles Tagliabue EMBT.
Benedetta nos habla de las influencias que recibió en su etapa de formación y de cómo conocer a Enric Miralles cambió toda su perspectiva profesional y su forma de ver la arquitectura. La muerte inesperada de Miralles en el año 2000 supuso un reto personal y profesional para Tagliabue y su equipo, un proceso en el que profundizamos junto a ella en la conversación y en el que Rafael Moneo fue una figura inspiradora.
Junto a ella recorremos la concepción de algunas de sus mejores obras, como el Mercat de Santa Caterina en Barcelona y el uso de ciertos materiales como la madera; la construcción de viviendas en Ámsterdam, la Casa la Clota y el Centro Kālida Sant Pau y su peculiar utilización y disposición estética del ladrillo; el pabellón de España de la Exposición Universal de Shanghai y la búsqueda del impacto visual de la arquitectura efímera mediante la fabricación en mimbre; el reto de combinar pequeñas dimensiones y espacios abiertos al diseñar promociones de viviendas sociales; el desafío que afronta la arquitectura ante los cambios sociales, de modelo de familia y la necesidad de reutilizar materiales para ser más sostenibles; y la oportunidad de trabajar en China y la combinación del trabajo de arquitectura y el desarrollo urbanístico con nuevos conceptos de ciudad.
Y en el turno de preguntas del público hablamos sobre la adaptación del proceso creativo de los arquitectos a la evolución de las nuevas tecnologías, de la implicación de Benedetta en los proyectos de su estudio al compaginar la arquitectura y la administración y representación pública de su estudio, sus lugares y ciudades favoritas para vivir, de la homogeneización del aspecto de las ciudades debido a la globalización, sobre cómo explicar la arquitectura y los proyectos más ambiciosos a clientes y públicos no especializados en el sector, y de cómo su estudio aborda las necesidades de usuarios con diversidad funcional en sus proyectos más recientes.
E23. Cómo Suena la Parroquia de la Santísima Trinidad, con David García-Asenjo
Viajamos hasta Collado Villalba junto a David García-Asenjo, arquitecto, profesor de universidad, comunicador, uno de los mayores expertos sobre arquitectura religiosa en España, y autor del libro “Manifiesto arquitectónico paso a paso” donde habla de la arquitectura contemporánea a través de las iglesias.
Con él visitamos la Parroquia de la Santísima Trinidad, una obra de Ignacio Vicens y José Antonio Ramos, situada frente a la estación de tren de la localidad y que nos recibe con una pequeña plaza, un pequeño parque infantil y una pequeña fuente que separan sus fachadas de los edificios circundantes y del tránsito de vehículos. Un espacio de transición entre nuestro día a día cotidiano y el espacio de paz y espiritualidad que nos ofrece en su interior.
La Parroquia de la Santísima Trinidad llama la atención desde el exterior, por su diseño exterior y los símbolos religiosos que contiene bajo la apariencia de una obra arquitectónica totalmente contemporánea, y en su interior, con la disposición de espacios entre el templo principal, la capilla aledaña que puede unirse o separarse de la nave mayor, las dependencias comunitarias y parroquiales y las propias viviendas de los sacerdotes que allí residen. Todo ello salpicado de detalles como la iluminación natural a través de los grandes espacios acristalados en su techo, el gran tamaño del Cristo Resucitado frente a la discreción del Cristo Crucificado, y el llamativo retablo en pan de oro que preside la capilla.
Junto con David hablamos de la teatralidad de los diseños arquitectónicos de las Iglesias, del papel de la luz en los lugares de culto, de la interpretación de Vicens y Ramos de cómo entienden ellos el diseño de una iglesia lejos de todo tipo de dramatismos en su diseño, del uso de los espacios y la luz en un lugar tan llamativo como el que hoy visitamos, y de por qué la religiosa es una buena disciplina para analizar la arquitectura española contemporánea.
La exposición «Iwan Baan: Instantes en la arquitectura» del Museo ICO nos invita a viajar alrededor del planeta para conocer los edificios, entornos y realidades que el fotógrafo neerlandés Iwan Baan ha retratado a lo largo de su carrera.
Hoy, junto a Iwan Baan y Mea Hoffmann, comisaria de la exposición y responsable de su llegada desde el Vitra Design Museum, viajamos por todos los lugares que han pasado frente a la cámara de Iwan y conforman esta muestra. Nos detenemos en The Vessel, las escaleras a ninguna parte que representan la vacía espectacularidad de una ciudad como Nueva York. Viajamos a Beiking para visitar las obras de construcción de la sede de la CCTV y El Nido de Pájaro, el formidable Estadio Nacional construido para los Juegos Olímpicos de 2008. Visitamos Etiopía y sus sorprendentes iglesias de Lalibela, no construidas en la roca sino excavadas en ella hacia abajo, en el suelo. Y nos detenemos a conocer el Cementerio Norte de Manila, un lugar que acoge no sólo a los fallecidos sino a miles de personas vivas que residen en sus mausoleos familiares.
Iwan Baan es una persona que soñaba con la fotografía y con recorrer el mundo. Lleva décadas uniendo sus dos pasiones, y ahora nos regala sus creaciones en la exposición del Museo ICO que os invitamos a visitar.
E25. Chema Madoz: El objeto y la maravilla
Con motivo de la exposición “Iwan Baan: Instantes en la arquitectura”, recibimos a Chema Madoz, fotógrafo galardonado con el Premio Nacional de Fotografía y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. Este episodio fue grabado en el Museo ICO junto a todos los oyentes que han presenciado en vivo la conversación con Pedro Torrijos.
Junto con Chema reflexionamos sobre la condición de artista que tiene un fotógrafo, y sobre cómo contar historias y maravillar a través de obras sin título que retrata objetos cotidianos. Recorremos con él sus primeros pasos en su recorrido laboral hasta encontrar el hueco y la forma de expresar sus ideas a través de imágenes dentro las corrientes que existían en aquel momento en el mundo de la fotografía.
También conocemos una anécdota que relaciona a una ausencia de Joaquín Prat (padre) en una clase, y cómo rellenar ese tiempo vacío inspiró a Chema Madoz para buscar su identidad como creador. Sobre el momento que inspiró su fotografía del espejo y la escalera y el proceso de construcción de los objetos que aparecen en sus imágenes.
“Después de tantos años sigo disfrutando, sigo descubriendo, me sigo sorprendiendo a mí mismo”,
nos dice Chema. Una conversación inspiradora en el Museo ICO que nos acerca a la fotografía, al arte y al proceso creativo de una mente como la de Chema Madoz.
E26. Cómo Suena el Auditoria El Batel, con Marcos Ros
El puerto de Cartagena ha abierto al mar a una ciudad costera que irónicamente siempre ha vivido de espaldas a las aguas. Allí encontramos el Auditorio y Palacio de Congresos El Batel, un edificio diseñado por José Selgas y Lucía Cano que pretende ser unión entre la tierra y las aguas que lo delimitan a cada lado.
Pedro Torrijos recorre El Batel junto con Marcos Ros, arquitecto y eurodiputado, que nos cuenta la evolución histórica en la relación de Cartagena con el mar, y cómo la actuación en su puerto permitió a la población recuperar su relación cotidiana con el agua. Nos adentramos en la gran calle principal del edificio, conocida como su “playa”, que desciende suavemente desde la entrada hasta colocarnos por debajo de la cota de nivel del mar, donde nos espera la entrada del auditorio principal. Un auditorio que juega con la luz y los colores para recordarnos con sus reflejos que el agua nos rodea mientras nos sentamos en sus butacas. Recorremos el escenario del gran teatro y nos adentramos en los recovecos de un edificio que nos guía por sus interioridades invitando a conocer cada espacio.
Además, conocemos la iniciativa de la Nueva Bauhaus Europea, un movimiento impulsado por la Comisión Europea que busca cambiar el concepto de la economía de la arquitectura, buscando la eficiencia, la sostenibilidad y el impacto cero de los proyectos arquitectónicos desde su concepción hasta el final de la etapa de construcción. Un gran reto continental y un enorme cambio de mentalidad para los profesionales del sector que Marcos nos explica en este paso por una de las grandes joyas de Cartagena.
E27. José María García de Paredes: La atmósfera y la matemática
Celebramos el centenario del nacimiento de José María García de Paredes, arquitecto sevillano conocido por obras como el Auditorio Manuel de Falla de Granada, el Auditorio Nacional de Música de Madrid, o el Palau de la Música de Valencia. Cien años de historia que recoge la exposición «José María García de Paredes: Espacios de Encuentro» del Museo ICO.
Recorremos la exposición junto a Ángela García de Paredes, arquitecta, comisaria de la muestra, e hija de José María. Con ella recordamos la vocación frustrada de su padre como marino, que pronto fue sustituida por el interés por la arquitectura, a la que se unió su relación personal con la música gracias a su matrimonio con Isabel de Falla, sobrina y ahijada del compositor Manuel de Falla. Una ligazón entre los conceptos de música y arquitectura que se ve reflejada en los grandes auditorios diseñados por García de Paredes y el meticuloso cuidado que busca una la funcionalidad constructiva, estética y auditiva de cada elemento de sus edificios.
Además, repasamos un momento histórico en la Transición española como fue la llegada del Guernica de Picasso a nuestro país desde el Museo MOMA de Nueva York, un proceso discreto en el que José María García de Paredes recibió el encargo de diseñar la urna que debía proteger la obra de posibles ataques dentro del Casón del Buen Retiro de Madrid, y asegurar su correcta visibilidad para que todos los españoles pudieran contemplar idóneamente tan icónica obra.
E28. Cómo Suena el Rascainfiernos, con Antón García-Abril
En el barrio de Nueva España de Madrid se encuentra una de las viviendas más originales de la ciudad, cuya construcción arrancó en 1972 y que se ha convertido en un referente para arquitectos de todo el mundo: El “Rascainfiernos”, una construcción que fue vivienda de su creador, Fernando Higueras, y que ahora es sede de la fundación que lleva su nombre.
El Rascainfiernos es un edificio creado bajo superficie, que proyecta dos sótanos bajo un jardín cuyos árboles podemos ver desde abajo gracias a las claraboyas que dotan de abundante luz a este espacio subterráneo. Un lugar con una gran eficiencia energética, que no precisa ni calefacción en invierno ni de refrigeración en verano ya que se mantiene todo el año a una temporada que ronda los 20 grados. Una creación muy personal que fue vivienda, espacio de trabajo, cueva de reflexión y vivero de nuevas ideas.
Gracias a Lola Botía y la Fundación Fernando Higueras, recorremos este edificio junto al arquitecto Antón García-Abril, con quien Pedro Torrijos conversa sobre la relación de Higueras con la naturaleza y cómo sus ideas han servido de inspiración para las nuevas generaciones de arquitectos. Además, reflexionan sobre la necesidad de eficiencia energética de las futuras construcciones y recogen las enseñanzas que Fernando Higueras nos dejó con Rascainfiernos.
CEMUBE es un edificio multifuncional destinado a albergar actividades culturales de diversa índole. Su espacio central diáfano presenta gran versatilidad, puede adquirir diferentes configuraciones en función de cómo se articulen los elementos de su envolvente: un escenario extensible, una fachada practicable mediante puertas seccionales y otras dos permeables al flujo peatonal.
Se trata de una arquitectura capaz de graduar su carácter entre introvertido y extrovertido: cerrarse para realizar actividades que necesitan control total de iluminación y acústica, abrirse para crear una plaza cubierta que incorpora los espacios exteriores aledaños, u optar por soluciones intermedias. Además camerinos y escenario disfrutan de acceso y muelle de carga independientes, para permitir la preparación de nuevos montajes sin interferir en el uso simultáneo de la sala.
El edificio se implanta en un entorno urbano desestructurado, en un área de expansión del municipio todavía sin carácter definido. CEMUBE contribuye a definir una identidad para el lugar, aporta una imagen potente y, debido a su función, atrae población para participar en las actividades culturales.
CEMUBE. Equipamiento cultural multiusos | Salas Arquitectura + Diseño | Planimetria
Su arquitectura desarrolla dos estrategias de relación con el entorno: se abre hacia la zona urbana consolidada y genera un ritmo pautado de huecos hacia el exterior del municipio, para controlar la transición entre la escala doméstica de la calle y la territorial de su volumen, que destaca desde la distancia. Su planta se pega al límite sur del solar y genera un área de esponjamiento del espacio público en la zona más cercana al núcleo urbano, protegida del exceso de soleamiento en verano y de los vientos dominantes en invierno.
La forma interior y exterior del CEMUBE siguen lógicas diferentes. El interior se genera en función de la sonorización de la sala, para ello adquiere intencionadamente una geometría quebrada, revestida de materiales acústicos en paredes y techos, para distribuir el sonido con uniformidad. Mientras que el exterior se presenta como un prisma ordenado de paneles prefabricados de hormigón visto, perforado por huecos con carpinterías negras y zonas de instalaciones revestidas de lamas de aluminio. Sin embargo entre ambos existe una conexión material, el pavimento de hormigón ayuda a percibir continuidad cuando el edificio abre su fachada principal.
CEMUBE. Equipamiento cultural multiusos Salas Arquitectura + Diseño | Sección constructiva
El cortometraje rodado en el edificio «The After Party» es un viaje a la vez emocional, conceptual y experimental a través de la arquitectura y el recuerdo. El retrato de una localidad, de sus habitantes y de su relación con el entorno. Un ensayo sobre la memoria cinematográfica y sus formas, sobre los anhelos y fracasos de la creación que subyacen en nuestro afán por proyectarnos como individuos en la sociedad.
El proyecto nace de la estrecha colaboración entre el trabajo de arquitectura de Juan Carlos Salas y la obra cinematográfica de Alejandro Ramírez. Ambos han encontrado en el género del cine de arquitectura un lugar en donde volcar sus inquietudes. Es en este terreno en el que ambos apuestan por un discurso que desarrolla una mirada estética y conceptual en torno al paisaje, el retrato, los volúmenes, la luz, el tiempo, la observación y las emociones. Ambos aportan a través de nuestros lenguajes puntos de vista convergentes y compatibles, elaborando una pieza audiovisual que apela a la contemplación y a la reflexión.
Toldo verde: Postales de otro patrimonio | Pablo Arboleda y Kike Carbajal
En el contexto del desarrollismo franquista, un enorme número de viviendas fueron erigidas en las periferias de las principales ciudades de nuestro país. Densos tejidos urbanos, edificios tan homogéneos como anodinos, un paisaje identificativo de una España que, experimentando cambios, llega hasta nuestros días.
El arquitecto-investigador Pablo Arboleda nos presenta esta realidad imperfecta en clave patrimonial, donde el término “patrimonio” queda despojado de idealismo para erigirse en un espejo que invita a la sociedad a reconocerse tal como es. Paralelamente, el fotógrafo Kike Carbajal documenta un Madrid que podría ser muchas otras ciudades y desde cuyas entrañas emerge un imaginario común que eleva a la categoría de “postal” unas estampas extrañamente familiares.
La conjunción de ambos autores deriva en un rico ejercicio de introspección sobre las paradojas que encierran nuestras ciudades, basculando siempre entre la reivindicación y el cuestionamiento. Una observación pausada y paseada sobre lo que, por cercano, nunca hemos mirado. Un pasado presente cuya narrativa está necesitada de gestos que contribuyan a construir una imagen de España más amplia, honesta e inclusiva.
Pablo Arboleda (1985)
Investigador en el Instituto de Lengua, Literatura y Antropología del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (ILLA-CSIC). Arquitecto de formación, ha estudiado y trabajado en varias universidades de España, Francia, Canadá, Alemania y Escocia. Su principal línea de investigación aborda las llamadas “ruinas modernas”, espacios abandonados en contextos de desindustrialización y crisis, y en los que un pasado convulso converge con una suerte de fascinación estética en el presente. En esta estela, Toldo verde supone su primer libro y su primera incursión explícita a la periferia urbana entendida como realidad cultural y patrimonial.
Kike Carbajal (1976)
Fotógrafo afincado en Madrid cuyo trabajo ha basculado entre grandes editoriales, prensa nacional, revistas, comunicación corporativa y publicidad. Su pasión por el género documental y la antropología visual le ha llevado a realizar multitud de proyectos para fundaciones en Europa y África, colaborar en iniciativas audiovisuales y exposiciones, e investigar así un amplio abanico de temáticas que abarcan desde lo más cotidiano a lo más devastador. Somos la calle (Popurrit, 2017) fue su primer libro, una exploración en clave de street photography sobre los habitantes de la capital; Toldo verde es igual, pero al contrario.
Mi hijo Diego, usuario cotidiano de los trenes de cercanías de Madrid, me dijo:
-Papá, a la entrada de Atocha hay una pintada buenísima. Dice: «La culpa de todo es de Le Corbusier«.
-¿De verdad? ¿Así, sin más? ¡Qué bueno! ¡Quiero foto!
-No me ha dado tiempo. Ha sido un momento. Un día de estos te la hago.
Es, como veis, una pintada muy pulcra y discreta. Nada de estridencias. Da la sensación de ser una queja sentida, resignada y muy cívica (dentro de lo que es hacer pintadas en la propiedad y el espacio públicos, que supongo que también entraña en sí mismo algún tipo de civismo).
Ni que decir tiene que me faltó tiempo para colgar la imagen en Facebook y en X (Twitter).
El éxito ha superado cualquier previsión. Me ha desbordado.
En X (Twitter), en un solo día, esta foto ha sido «favoriteada» más de mil novecientas veces, ha sido retuiteada más de mil trescientas y ha tenido cuarenta y un comentarios. Y sigue:
No hacen más que llegarme notificaciones.
Los comentarios han sido, en general, de lo más divertido. La verdad es que la pintada es buenísima y se presta a ello. Y la gente que comenta es muy ingeniosa.
Pero, como suele pasar, siempre hay más haters que lovers, y entre los primeros, tras los divertidos, sutiles y complejos, vienen los más simples y directos, hasta que uno, por fin, ha hecho un comentario con solo dos palabras: «HIJO PUTA». (Supongo que dedicadas a Le Corbusier, aunque también podrían ir destinadas al autor de la pintada o a mí. Esto nunca se sabe).
Creo que merece la pena decir un par de cosas. (Siempre merece la pena decir un par de cosas sobre el tema que sea).
Todo apunta a que el autor de la pintada padece alguno de los barrios del extrarradio de Madrid, y soporta diariamente el follón de los transportes públicos, con varios transbordos, con el tiempo justo, con líos de todo tipo. Vive en uno de esos barrios que siguen un modelo propugnado y propiciado por Le Corbusier (entre muchos otros) que prometía espacio, sol, ventilación, vegetación y que en realidad han quedado en algo mucho menos atractivo, y donde además hay un complejo y problemático tejido social, una patente falta de servicios públicos, etcétera. (Aunque también hay que decir que en las últimas décadas todo eso ha mejorado bastante. Es verdad).
Hay que decir que Le Corbusier fue un talento plástico de primera, uno de los grandes genios de la humanidad. Pero también hay que reconocer que no tenía ni la formación ni el conocimiento suficientes como para hacer propuestas urbanísticas serias. Tenía brillantes intuiciones, y las sabía exponer con elocuencia. Y era un gran publicista de estas ideas, por lo que consiguió que le hicieran algunos encargos gigantescos y disparatados.
Los edificios de Le Corbusier: sol, ventilación, vegetación, vistas, planta baja liberada… Y la ciudad configurada por una trama de estos edificios higiénicos y felices y por una zonificación férrea.
Le Corbusier, como también les pasa a muchos políticos, proponía soluciones muy simples para problemas muy complejos. Ese tipo de cosas gusta mucho. No hay más que ver cómo triunfa el populismo y la demagogia. Es muy fácil dar una solución genialoide para resolver de un plumazo el paro, la inmigración, las guerras, el comercio, los precios, las zonas verdes, los espacios de relación social, los transportes públicos o lo que sea. Muy fácil. Una buena campaña publicitaria hace que la gente se crea esos esquemas tan sencillos y elocuentes y el pisto está servido. El follón y la zorrera que se forman pueden ser irreversibles y tener efectos dramáticos.
Vale. De acuerdo: LA CULPA DE TODO ES DE LE CORBUSIER
Le Corbusier ha sido desenmascarado. Ya era hora. Bueno: ¿y entonces qué proponemos ahora?
Hace un par de domingos EL PAÍS SEMANAL publicó una entrevista con Ricardo Bofill (el que faltaba), en la que decía:
«Le Corbusier no me gusta. Su teoría urbanística es de mala persona. En Francia soy un crítico reconocido de su obra».
Ya se ve. (Iba a poner imágenes de cosas neoclásicas y neobarrocas de Bofill, pero para qué). «Mala persona». Nada menos que «mala persona». Cágate, lorito.
De acuerdo en que el urbanismo de Le Corbusier fracasó (como no podía ser de otra manera), pero todos los que conozco han fracasado. Sencillamente porque es un problema irresoluble, porque es un asunto demasiado complejo, y cuando se intenta mejorar un aspecto se estropea otro.
El urbanismo actual de mera normativa, de meros estándares de a tantos metros cuadrados de zona verde por metro cuadrado construido o por habitante, y de tantos metros cuadrados mínimos de parcela dotacional, de cesiones, etc., no llega ni a urbanismo. No es nada. Es una «cuenta de la vieja». Ni tiene modelo de ciudad ni se atreve más que a sectorizar y que cada uno haga lo que le salga. Vaya mierda. (¿Y la culpa es de Le Corbusier? Pobrecillo).
De acuerdo, repudiemos a Le Corbusier y a todo lo que ha venido tras él y volvamos a las bellas ciudades de antaño, a esas que tanto le gustan al Príncipe de Gales, a esas ciudades como el Madrid del «agua va» que nos pinta Galdós o el encantador Londres de Dickens.
Por si no lo sabéis, el entrañable grito de «agua va» -donde agua es un eufemismo por excrementos- era porque las hacinadas viviendas no tenían retrete -en las corralas más modernas había uno al fondo del corredor, compartido por todas las viviendas de la planta, pero en otras ni eso-, y cuando el orinal se llenaba su contenido se arrojaba por la ventana. El amable grito de «agua va» era todo un detalle admonitorio, pero las más de las veces era simultáneo al vaciamiento, por lo que el peatón que pasara por allí quedaba bien servido.
Ante esto, un grupo de arquitectos modernos (sí: malas personas, hijos de puta) hablaron de soleamiento, de espacios libres, de zonas verdes, de ventilación, de saneamiento, de higiene… Unos malditos cabrones que tienen la culpa de todo, hasta de lo que se ha hecho adulterando sus ideas, sin seguirlas de verdad y sin corregir nada.
De todo. La culpa de todo.
José Ramón Hernández Correa · Doctor Arquitecto
Toledo · Febrero 2017
Los profesionales que estudiaron en esos centros y trabajaron en el cine están recogidos en mi libro Directores artísticos del cine español, pero evidentemente no están los que solo se matricularon y no acabaron o lo hicieron, pero nunca aparecieron en los títulos de crédito de alguna película.
Esta lista comprende ciento dieciséis personas, las cincuenta y ocho que se titularon en Decoración y las otras cincuenta y ocho que ingresaron pero no llegaron a obtener el título. Del total tengo datos de la mitad, veinticuatro trabajaron en el cine y ya aparecían en el libro antes citado, y he obtenido información sobre los treinta y cuatro restantes.
Revisándola he encontrado catorce arquitectos que iniciaron sus estudios, de ellos nueve no la finalizaron y cinco se titularon. Antes de continuar hay que mencionar al reconocido arquitecto Luis Martínez Feduchi, relacionado con la escuela de cine, aunque no por ser alumno, sino profesor de la especialidad de Decoración del IIEC, durante dos cursos.
En 1948 -un año después de la fundación del IIEC (Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas)-, ingresaron los dos primeros arquitectos: Ignacio Gárate Rojas (1922) y Antonio Quesada Quesada (1906 – 1975), el primero fue después especialista en restauración de edificaciones, y el segundo trabajó en la Dirección General de Regiones Devastadas.
En 1949 entraron Francisco Carbajosa Iznaola, que trabajó en el Instituto Nacional de Urbanización del Ministerio de la Vivienda y Manuel de la Peña Suárez (1922-2008), quien desarrolló casi toda su carrera en Las Palmas de Gran Canaria, construyendo una serie de edificios notables, y obtuvo el título de arquitecto dos años después de haber ingresado en el IIEC.
En 1962 la escuela cambia su nombre pasando a denominarse EOC (Escuela Oficial de Cinematografía). Seis años después, ingresaron las dos primeras arquitectas; Emilia Checa Morán, que trabajó en Madrid, y la chilena Glenda Kapstein Lomboy (1939-2008), que vivió en esa ciudad entre 1967 y 1979, teniendo una larga y reconocida carrera profesional en su país. Respecto a las alumnas de la especialidad de decoración, se debe mencionar que en la primera promoción se matriculó Enriqueta Ruiz del Rey y la primera que se tituló fue María del Perpetuo Socoro Mambrilla Suárez que también pertenecía a esa promoción de 1947, ninguna de ellas apareció en los títulos de crédito de alguna película española.
En 1969 ingresó Luis Antonio Gutiérrez Cabrero, el primer arquitecto que redactó en España una tesis doctoral sobre las relaciones entre cine y arquitectura, un extraordinario profesor durante muchos años en la Escuela de Arquitectura de la UPM y un investigador -e instigador- fundamental en la historia de los estudios sobre cine y arquitectura en el mundo hispano. Por último, en 1970 ingresó José Luis Martín Clavo especialista, entre otros temas, en edificios destinados a bibliotecas.
Ninguno de todos los antes mencionados finalizó sus estudios en la escuela de cine. El primero que sí acabó fue Rafael García Diéguez, que ingresó en 1953, obtuvo el título de arquitecto en 1964 y ese año abrió un estudio profesional, compaginando esa actividad con la docencia, llegando a ser Catedrático Emérito Honorario en la Universidad de Sevilla.
En 1960 ingresó José Antonio Nombela Serrano, arquitecto especializado, entre otras tipologías, en parques de atracciones acuáticas. Tres años después, Jorge Disdier Antoñanzas (1943) arquitecto, pintor, escritor y director de documentales para televisión.
En 1966 ingresó Juan Carlos Martín de Vidales, que ha compaginado su actividad arquitectónica con la pintura; y por último en 1970, Fernando Colomo, que intentó matricularse en la EOC, pero no tenía aun los veintiún años exigidos para hacerlo, por lo que eligió Arquitectura y siendo todavía estudiante de esa carrera, quiso ingresar en la especialidad de Dirección, pero no pudo y lo hizo en Decoración. Según me contó Félix Murcia, Colomo fue el último alumno de la escuela, que se mantuvo abierta hasta que obtuvo el título.
Como se decía antes, solo se titularon cinco arquitectos y ninguno de ellos -salvo el último en una práctica de la EOC y un largometraje-, trabajó como director artístico cinematográfico.
Cubierta del libro editado por la ATC con datos de sus asociados, alumnos de IIEC – EOC, Madrid 1982
Además de arquitectos hubo otros profesionales afines que ingresaron en la escuela, entre ellos un aparejador, un delineante, cuatro interioristas, así como dos diseñadores de muebles: Luis Moreno de Cala y Jesús de la Sota Martínez -hermano del gran arquitecto Alejandro de la Sota-, ambos con una fructífera carrera.
Por último hay que mencionar a quienes tuvieron otras profesiones que no parecen muy afines a la escenografía, como un político, un profesor de inglés y dos personas relacionadas con los cuerpos de seguridad del Estado, una ingresó en la Academia Especial de la Policía Armada y la otra en la Escuela General de Policía, no se ha encontrado información de que acabaran sus estudios en esas escuelas y si así fuera, su trabajo pudo consistir en infiltrarse en la EOC como «sociales» -como entonces se denominaba a ese tipo de policías-, lo que sí es cierto, es que se titularon como directores artísticos, aunque no aparecieron en los créditos de alguna película.
Ya puedes participar en el II Premio de Arquitectura Reto Kömmerling
Kömmerling, fabricantes de sistemas de ventanas, en colaboración con GBCe y Zero City, han lanzado la II Edición del Premio de Arquitectura Reto Kömmerling. Tras el éxito de la primera convocatoria, en esta ocasión la marca quiere premiar a aquellos estudios de arquitectura que han desarrollado métodos de trabajo que promueven la sostenibilidad y la innovación en los proyectos, así como su proceso de aplicación.
Desde el pasado 7 de noviembre y hasta el próximo 21 de marzo de 2025, los estudios de arquitectura que lo deseen podrán inscribirse en el II Premio de Arquitectura Reto Kömmerling. Manteniendo las líneas de su primera edición, la marca de sistemas de ventanas mantiene su aspecto diferenciador en el que no se busca premiar un proyecto, sino galardonar las buenas prácticas en los estudios de arquitectura, siendo la sostenibilidad y la innovación ejes clave a la hora de otorgar los premios.
Una de las principales novedades de esta segunda convocatoria es que el premio cuenta con dos categorías diferenciadas: Vivienda Unifamiliar y Vivienda Colectiva, con tres premios por cada categoría.
II Premio Arquitectura Reto Kömmerling
Mecánica y premios
El II Premio de Arquitectura Reto Kömmerling consta de dos fases y va dirigido a arquitectos o estudios de arquitectura profesionales de cualquier nacionalidad. La consulta íntegra de las bases, así como la documentación a preparar e inscripción, pueden realizarse a través de la web del Reto Kömmerling.
Una vez finalizado el periodo de inscripción, el premio cuenta con una primera fase en la que GBCe ejercerá de secretaría técnica y, junto a Zero City, preseleccionarán a tres finalistas por cada una de las dos categorías (vivienda unifamiliar y colectiva), que pasarán a la segunda y última fase.
En cuanto a los premios, tal y como adelantábamos más arriba, Kömmerling ha definido tres premios por cada una de las dos categorías, repartidos de la siguiente forma:
Kömmerling busca arquitectos que pongan en práctica estrategias de trabajo con las que lograr proyectos más sostenibles. En el fallo del premio se analizará cómo se afronta la sostenibilidad en el diseño arquitectónico y de qué forma la innovación y el uso de nuevas tecnologías está presente en los métodos de trabajo.
Un jurado formado por profesionales del sector
La deliberación del II Premio de Arquitectura Reto Kömmerling recae en un jurado compuesto por cinco profesionales del sector de la arquitectura, formados en diferentes campos y especialidades. Un grupo heterogéneo de profesionales con experiencia tanto en el ámbito académico como en la ejecución de proyectos y el desarrollo de nuevas metodologías.
Los integrantes del jurado son: José Sanz Gorordo, director de la oficina de Madrid de Batlle i Roig y ganador del I Premio de Arquitectura Reto Kömmerling; Ismael Martínez, fundador de Zero City; Bruno Sauer, CEO en GBCe; Susana Moreno, directora Máster Universitario en Edificación Eficiente y Rehabilitación Energética y Medioambiental; y Daniel Monfort, Gerente del CSCAE.
II Premio Reto KÖMMERLING
Reto KÖMMERLING, más allá de un premio
En la actualidad Reto Kömmerling es un proyecto de la marca de sistemas de ventanas que abarca a un equipo de arquitectos para impulsar la formación y divulgación de la sostenibilidad en la arquitectura, pero sus orígenes se remontan al Concurso de Arquitectura Reto Kömmerling. En 2016 la marca lanzó este concurso para la construcción de sus nuevas oficinas, buscando un proyecto que aunase diseño y sostenibilidad a un precio de ejecución viable. El resultado fue el Edificio Zero, actuales oficinas de Kömmerling, un proyecto de Elena Vilches y David Moreno, arquitectos de Enmedio Estudio y ganadores del certamen.
Tras el éxito del concurso, el Reto Kömmerling pasó a ser una iniciativa con la que promover otro tipo de arquitectura, más responsable y en la que el diseño trabaje a favor de la sostenibilidad, el ahorro, el confort y la salubridad.
La nueva Base de Emergencias para albergar los Helicópteros de Transporte Sanitario, Protección Civil y Gestión Forestal del Gobierno de Aragón ubicada en el Parque industrial Aeronáutico de Villanueva de Gállego es un edificio híbrido tanto por la escala de sus piezas y uso así como por la solución constructiva y el entorno en el cual se sitúa.
Emplazada en Aeródromo de Villanueva de Gállego, a 20 km de Zaragoza, próxima tanto a uno de los Centros de Datos de Amazon en Aragón como al Campo de Maniobras del Ejercito de Tierra en S. Gregorio, sus referentes edificados inmediatos son los hangares de las pequeñas avionetas ultraligeras del aeródromo y el inmueble prefabricado de alta seguridad del gigante informático. Son estos las únicas construcciones existentes actualmente en un parque industrial que se espera de rápida expansión.
Sita anexa a la pista de aterrizaje y delimitada en una parcela aislada que actúa de linde entre la zona aire-tierra del complejo el programa de la base se define en tres áreas diferenciadas: Hangar para dos helicópteros, Garajes para los vehículos de Protección Civil e Incendios Forestales y Zona de Vida intermedia compuesta de oficinas y dormitorios. Esta atiende tanto a la estacionalidad de las necesidades del personal de Incendios forestales (cuya presencia se ciñe a los meses de verano) como a la estancia continua anual y 24 horas del de Protección Civil. Además se prevé que en la base se instale el coordinador del aeródromo lo cual añade la necesidad de poseer un puesto de control visual de la pista.
Base de Emergencias para albergar los Helicópteros de Transporte Sanitario, Protección Civil y Gestión Forestal del Gobierno de Aragón | Planimetría
Ante la ausencia de vecindad la base se proyecta como una edificación autorreferente en la que más allá de resolver los usos programados procura generar hábitats adecuados a la escala de los usuarios. El esquema este – oeste, Hangar – Zona de Vida – Garajes, se jalona de patios interiores hacia los cuales se vuelcan las estancias domésticas y oficinas. Estas se organizan por su proximidad ejecutiva a la pista de aterrizaje o el alejamiento de ella con la consecuente mejora acústica.
Constructivamente se ha proyectado una misma envolvente en fachada y cubierta confiando en que la continuidad del panel de Europerfil dote de unidad a espacios tan antagónicos como un hangar de helicópteros y un dormitorio unipersonal.
Base de Emergencias para albergar los Helicópteros de Transporte Sanitario, Protección Civil y Gestión Forestal del Gobierno de Aragón | Santiago Carroquino Larraz – Marta Quintilla Castán | Construcción
Esta solución ejecutada en seco, que tiene una puesta en obra acorde con el entorno aeronáutico, permite que su envés interior se adapte mediante tabiquería también en seco a los usos de cada zona, surgiendo la carpintería de eucalipto en aquellas estancias en las que la calidez es demandada por la escala humana.
La envolvente si bien es continua permite su inmaterialidad cuando las necesidades de ventilación o visión lo demandan. Acorde a la concreción del volumen la iluminación de las estancias se resuelve con tersas superficies de policarbonato en la envolvente de las naves y aperturas que necesitan de jambas, alfeizar y dintel en el caso de la zona de vida.
Como guiño a las obras de escuelas infantiles del estudio en las cuales se determinaba la altura 1,20 m como límite del espacio de juego de los niños, se establece la altura 2,40 m dentro de la cual se desarrolla el ámbito humano.
Obra: Base de emergencias para helicópteros de protección civil e incendios forestales del Gobierno de Aragón
Autores: Santiago Carroquino Larraz (Proyecto y D.O.), Marta Quintilla Castán (Proyecto)
Ubicación proyecto: Aeródromo de Villanueva de Gállego (Zaragoza)
Año término construcción: 2024
Superficie construida: 1.720,56 m2 (Sup Urbanizada 2.500 m2)
Dirección de Ejecución: Andrés Moreno Hernández
Proyecto y Dirección de Instalaciones: Roberto Martínez Valdovinos
Constructora: Contratas VILOR S.L.
Promotora: Dirección General de Interior y Emergencias del Gobierno de Aragón
Marcas / Productos: EUROPERFIL, Montajes Batista S.L., itesal, Carpintería PEMICAR S.L.
Fotografía: Simón García | arqfoto + carroquinoarquitectos.com
La edificación se encuentra en un momento clave en el que se está redefiniendo su futuro. El impacto de la inflación, la falta de vivienda asequible, la necesidad de cumplir con los objetivos climáticos establecidos para 2030, la escasez de talento o la incidencia de las tecnologías exponenciales son solo algunos de los factores que están provocando que el sector viva una transformación, la cual se materializa a partir de cambios estructurales en su modelo. Así, a raíz del momento actual, la construcción está virando del concepto tradicional al industrializado, con el que se da respuesta a los desafíos existentes.
REBUILD 2025 revelará las oportunidades de la industrialización en un momento crucial para el futuro de la construcción
La octava edición de la cumbre tendrá lugar del 23 al 25 de abril en IFEMA Madrid y reunirá a más de 25.000 profesionales que buscan su solución industrializada, sostenible o digital
En este contexto decisivo, llega REBUILD 2025, la cumbre que ha promovido la construcción industrializada en España desde su primera edición, y que lo hará una vez más del 23 al 25 de abril en IFEMA Madrid. Bajo el eslogan “It’s time: industrialize for sustainability”, el encuentro quiere poner en valor el instante determinante en el que nos encontramos para la industrialización a fin de que devenga una opción real con la que impulsar el parque residencial dedicado a jóvenes y familias, la eficiencia, la digitalización o la incorporación de nuevos perfiles profesionales en la edificación.
A ello, se le suma la cercanía al año 2030, en el que en el marco del Pacto Verde Europeo, se tienen que reducir las emisiones de CO2 un 55%, de modo que el nuevo modelo constructivo debe de contribuir significativamente a lograr este propósito.
Gema Traveria, directora de REBUILD, destaca que
“la octava edición del evento es la oportunidad idónea para que la edificación se ajuste a las condiciones y demanda vigentes, y pueda sortear los retos que se presentan y que surgirán en los cursos venideros. Si nos fijamos en el mercado, vemos que no podemos seguir erigiendo edificios tal y como lo llevamos haciendo desde hace miles de años, por lo que se necesita un cambio de paradigma, que pasa por la industrialización, con miras a ofrecer más viviendas y edificios, a través de plazos más cortos, a la vez que se reducen los gastos operativos, se estimula la descarbonización, se mejoran las condiciones laborales de los trabajadores de la industria y se fomenta la incorporación de soluciones digitales gracias a la automatización”.
La gran cita de la industrialización reunirá a más de 25.000 profesionales, que descubrirán, de la mano de más de 600 firmas expositoras, las últimas innovaciones en materia de iluminación, para interiores, cocina, baños, cerramientos, suelos y superficies, fachadas, eficiencia energética o consumo casi nulo, climatización, domótica, soluciones digitales y BIM o sistemas constructivos industrializados en 2D o 3D, entre otras.
REBUILD 2025 revelará las oportunidades de la industrialización en un momento crucial para el futuro de la construcción
Líderes y casos de éxito convergen en los escenarios de REBUILD
Con la organización de REBUILD 2025 también tendrá lugar una nueva edición del Congreso de Arquitectura Avanzada y Construcción 4.0, el mayor foro de conocimiento y tendencias de la industria que cuenta con un programa único de conferencias, y que citará a más de 700 expertos internacionales. Los ponentes, que son líderes en su área operativa o de negocio, subirán a los escenarios del foro para compartir sus casos de éxito con los que inspirar al resto de asistentes y avanzar las tendencias de edificación que emergerán o se consolidarán en 2025. Al respecto, se hará hincapié en las proyecciones de la industrialización en todo tipo de inmuebles, en el potencial de la rehabilitación, en el auge de la madera y los materiales biodegradables, en las capacidades de la circularidad, en la legislación de BIM o en los resultados de la IA en la construcción, entre muchos otros asuntos.
El Congreso de Arquitectura Avanzada y Construcción 4.0 contará con una nueva edición en la que se examinará el modelo ‘off site’ a fin de contribuir al incremento de vivienda asequible, la descarbonización, la automatización y la incorporación de talento joven en la edificación
Igualmente, el congreso seguirá proporcionando foros dedicados a segmentos concretos de la industria, como vivienda, oficinas, hoteles, sociosanitario, retail o la administración pública; y agendas por perfil profesional, como el REBUILD BIM Forum, el Foro de Instaladores, el Studio Interiors Summit, el Summit de Compras, de Ingenierías o de Construcción en Madera.
Actividades paralelas
Además de la zona expositiva y congresual, en el marco de REBUILD 2025 se celebrarán distintas actividades paralelas, ya afianzadas, con miras a promover la creación de contactos con los que erigir futuros proyectos transformadores. Algunas de ellas son los Advanced Architecture Awards 2025, galardones que reconocen aquellos proyectos que están liderando la transformación del ámbito constructivo; el Leadership Summit, una comida entre empresarios del sector y administraciones para facilitar las relaciones; la ‘Gran Mañana de la Industrialización’, con la organización del ‘Challenge de Industrialización’, y su Workshop, a fin de establecer una plataforma abierta de alto nivel con directivos del segmento; o el Construction Tech Startup Forum, donde se da visibilidad a las empresas tecnológicas emergentes que disponen de una propuesta de valor viable y escalable para la edificación.
¿Quieres asistir?
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Proyectos: Gimnasio Maravillas (Madrid) y Nave Centro Logístico Mayoral (Málaga) Arquitectos: Alejandro de la Sota y System Arquitectura Fotografías: José Hevia y Fernando Alda
Cada nuevo encargo o proyecto, incluso aquellos que a simple vista parecen simples o sencillos, representa una oportunidad para que los arquitectos adopten una cierta actitud de atrevimiento y valentía respecto al mismo.
Esta actitud a la hora de abordar los proyectos puede verse materializada de formas muy diversas en el resultado final: diseños o configuraciones que optimizan de forma creativa el espacio disponible, soluciones técnicas innovadores que aceleran los tiempos de ejecución y reducen costos, diseños arquitectónicos que resultan atractivos a la venta o propuestas estéticas que incrementan el valor del proyecto, mejorando la reputación de la empresa.
Esta forma de abordar los proyectos, fundamentada en el inconformismo, la ambición y la inteligencia, permite superar el propio encargo, dando y ofreciendo al cliente más de lo que espera. Y esto, siempre suele ser una buena estrategia.
Este servicio “adicional” convierte a la figura del arquitecto en alguien más que una persona que diseña y acompaña al cliente en la ejecución de un edificio.
El arquitecto se convierte en un estratega que, rompiendo los límites tradicionales de la práctica profesional, es capaz de añadir valor tangible, transformando cada proyecto en una herramienta de éxito para el cliente o la empresa.
De la Sota y edificios “slogan”
Cuando Alejandro de la Sota recibe el encargo del Gimnasio Maravillas, el proyecto aparentemente resultaba simple: un gimnasio en una parcela de Madrid.
Según el propio arquitecto, el proyecto resultó ser
«muy positivo desde el punto de vista económico y de aprovechamiento del solar».
Otro caso destacado de cómo la estrategia puede servir a una empresa para posicionarse a través de su imagen y arquitectura es el de la nueva Nave del Centro Logístico de Mayoral en Málaga, fantásticamente diseñada por la empresa SYSTEM Arquitectura.
Lo que inicialmente podría haber sido una nave más dentro del campus logístico de Mayoral en Intelhorce (Málaga), los arquitectos lo convierten en una oportunidad para diseñar un producto de alto valor para la empresa textil.
El edificio se convierte en un “slogan”. Una estrategia que consigue que la arquitectura trascienda sus límites para convertirse en un elemento de marketing más de la empresa.
El promotor aumenta su reputación y notoriedad a través de un edificio que representa los valores de su marca.
El diseño trasciende su función logística para convertirse en un «slogan» arquitectónico que refuerza la imagen de marca de Mayoral. La empresa promueve su reputación mediante un edificio que, como un producto de marketing, transmite sus valores corporativos y destaca en el entorno industrial.
Son dos ejemplos de cómo encargos inicialmente sencillos, se convierten, gracias a la actitud valiente y estratégica de sus arquitectos, en proyectos de un gran valor extraordinario.
Soluciones que no solo generan rentabilidad, sino que también posicionan a la arquitectura como un activo valioso al servicio del cliente.
Y ahí radica el gran aprendizaje que se pueden obtener de estos y otros proyectos.
Cada nuevo encargo es una oportunidad única para convertir algo ordinario en un proyecto significativo que supere todas las expectativas.
O como diría el propio Alejandro (parafraseando al gran arquitecto Victor d’Ors), cada proyecto es una oportunidad única para dar liebre por gato.
La exposición “Dimitris Pikionis. Una topografía estética”, que tendrá lugar en la Sala Minerva del Círculo de Bellas Artes de Madrid del 14 de febrero al 27 de abril de 2025, rinde homenaje a una de las figuras más destacadas de la cultura griega del siglo XX. Dimitris Pikionis (1887-1968) fue un creador multifacético que integró en su obra la tradición helénica con las abstracciones de la modernidad. Arquitecto, pintor y editor de la revista To Trito Mati (“El Tercer Ojo”), Pikionis acercó las vanguardias europeas a Grecia mientras exploraba una síntesis cultural entre Occidente, Oriente y Bizancio.
La muestra, comisariada por Juan Miguel Hernández León y Covadonga Blasco Veganzones, presenta el proceso creativo de Pikionis a través de seis obras arquitectónicas emblemáticas. Entre imágenes, dibujos y planos, se entretejen las palabras del propio autor, que guían al visitante a través de reflexiones y notas autobiográficas. En el centro de la sala, su proyecto más importante, el tratamiento paisajístico de los accesos a la Acrópolis de Atenas, destaca como un ejemplo paradigmático de lo que él denominaba una “topografía estética”: un diálogo entre el paisaje y la memoria cultural.
En esta entrevista, los comisarios profundizan en los aspectos clave de la exposición, los retos de la curaduría y la relevancia contemporánea de la obra de Pikionis, ofreciendo una visión enriquecedora de su legado arquitectónico y artístico.
¿Qué los motivó a proponer una exposición sobre Dimitris Pikionis en este momento? ¿Cómo creen que esta exposición dialoga con el público actual, tanto en Grecia como en España?
La obra de Dimitris Pikionis es apreciada por los especialistas, pero poco conocida por el gran público y, en todo caso, referida al tratamiento paisajístico de los accesos a la Acrópolis. Cuando comenzamos a formalizar el discurso expositivo, pensamos que era importante dar a conocer la complejidad de su figura, como artista y arquitecto y, sobre todo, como pensador que quiso conciliar la identidad helénica con la modernidad artística.
En Grecia parece que el caso es distinto; existe un cierto conocimiento popular pero, al mismo tiempo, un olvido por parte de las nuevas generaciones de arquitectos, tal como explica su hija pequeña, Agni Pikioni, en la entrevista que le realizamos en Atenas hace unos meses con motivo de la exposición.
Dimitris Pikionis vivió y trabajó en un cruce cultural entre Oriente, Occidente y Bizancio. ¿Cómo se refleja esta síntesis en sus obras arquitectónicas y en su visión del paisaje?
Pikionis consolidó su trayectoria inicial como arquitecto, precisamente, en los años en los que el estilo internacional se presentó como solución a la necesidad de construir de forma rápida y eficaz bajo los postulados del racionalismo. Pikionis se replantea constantemente su pertenencia cultural. Duda. Incluso llega a rechazar la Escuela primaria en Licabeto una vez terminada, una obra construida en el lenguaje moderno en los años treinta. Pero él mismo explica en sus escritos que, realmente, Oriente y Bizancio son las culturas que le revelan que el lenguaje abstracto se encuentra en la naturaleza. Como él mismo escribe en sus Notas autobiográficas,
“si tuviera que decir si soy occidental u oriental, me considero oriental”.
Pikionis fue consciente de que la forma de su arquitectura era consecuencia de la síntesis armónica de todas las influencias Orientales y Occidentales. Como lo describe Kenneth Frampton, Pikionis era “griego y anti-griego”, al mismo tiempo.
El vínculo de Pikionis con las vanguardias europeas, como Cézanne, Klee o De Chirico, resulta evidente en su obra. ¿Cómo creen que estos referentes influyeron en su manera de reinterpretar la tradición helénica?
La verdadera pasión de Pikionis era la pintura. Su inquietud por la poesía, el dibujo, la literatura…su curiosidad innata por el arte se volcará en la arquitectura a través de la sensibilidad pictórica. Los pavimentos de la Acrópolis, las composiciones de los alzados en algunas de sus viviendas, bien podrían ser un cuadro de Paul Klee. La abstracción pictórica de las vanguardias forma parte de su arquitectura de manera natural, sin necesidad de que exista una mímesis forzada. Su mayor reto fue, realmente, conseguir la conjunción entre tradición y modernidad.
El concepto de “topografía estética” parece clave para entender la obra de Pikionis. ¿Cómo lo abordan en la exposición? ¿Qué desafíos enfrentaron al transmitirlo al público?
Pikionis crea sus obras, su arquitectura, en un diálogo profundo con el paisaje, con la topografía y la naturaleza. Esta presencia, diluida en las formas de su obra, la entendemos como el núcleo central de la exposición. Su obra es la búsqueda de una belleza que tiene su raíz en el lugar en el que se inserta. Por ello, hemos decidido titular la exposición como “Una topografía estética”.
El tratamiento paisajístico de los accesos a la Acrópolis es quizá su obra más emblemática. ¿Cómo han planteado su representación en la exposición y qué aspectos creen que serán más impactantes para los visitantes?
Relacionado con la pregunta anterior, el “enraizamiento” de la arquitectura a la topografía, nos parecía fundamental que se entendiera desde el pensamiento esencial de Pikionis: la piedra que es, en sí misma, paisaje. El lógico protagonismo que tiene esta obra la convierte, asimismo, en el elemento central de la exposición, y quisimos reflejar físicamente estas dos condiciones, tanto la centralidad, como la materialidad genuina del lugar. Es por ello por lo que, para la comprensión de la intervención paisajística en los alrededores de la Acrópolis y el monte Filopapos, se presenta una gran maqueta construida mediante dieciocho “metopas” de escayola. En ella se visualiza la totalidad de la intervención (mucho mayor de lo que habitualmente se considera) y cómo el trazado de los caminos se adapta a la topografía del lugar. De igual manera que, para atender a la sensación de deambular por los caminos, se enfrentan dos proyecciones realizas en cámara subjetiva que muestran la subida a los dos caminos principales que conforman el proyecto.
El uso de las propias palabras y reflexiones de Pikionis en la exposición es muy llamativo. ¿Qué criterios siguieron para seleccionar estos textos y cómo complementan los materiales gráficos y visuales?
Para el relato que guía la exposición, hemos querido que los textos de Pikionis sean el hilo conductor de las imágenes y planos de las obras que se exhiben, no con la intención de que las expliquen de manera directa, sino que se confrontan en una relación dialéctica.
La colaboración entre el Museo Benaki, el Instituto Cervantes de Atenas y el Istituto Italiano di Cultura di Madrid destaca por su alcance internacional. ¿Cómo ha influido esta cooperación en el desarrollo de la exposición y qué aporta cada institución al proyecto?
En el museo Benaki está el Archivo Pikionis, con cuyos fondos hemos trabajado, gracias al convenio de colaboración que se realizó entre el Círculo de Bellas Artes y el Benaki, que nos ha brindado su ayuda con la que estamos en deuda de agradecimiento. Al igual que con el Instituto Cervantes de Atenas, cuya directora, Pilar Tena, ha sido nuestra anfitriona en el lugar. También el Instituto Italiano de Cultura se ha sumado para facilitar la presencia de los profesore Francesco Dal Co y Alberto Ferlenga en el ciclo de conferencias que tendrá lugar a lo largo de la exposición.
Pikionis hablaba del “alma del paisaje” y de la relación mística entre la naturaleza y la arquitectura. ¿Creen que esta sensibilidad sigue vigente en la arquitectura contemporánea? En sus textos, Pikionis reflexiona sobre cómo las leyes universales de la naturaleza y el arte convergen. ¿Qué papel juega esta filosofía en la exposición y cómo esperan que inspire a los visitantes?
La mejor arquitectura contemporánea atiende a su relación con el lugar y con el paisaje. De hecho, el reciente concepto patrimonial de “paisaje urbano” responde a la comprensión de que la arquitectura, la edificación, tiene el deber de dialogar con las preexistencias.
Con los textos teóricos de Pikionis y las conferencias que se impartirán se hará una publicación que pensamos como aportación al debate teórico contemporáneo, así como al conocimiento popular de éste importante pensador, artista y arquitecto.
Si Dimitris Pikionis pudiera visitar esta exposición, ¿qué aspectos creen que le sorprenderían o emocionaría encontrar? Finalmente, ¿qué esperan que los visitantes se lleven de esta muestra? ¿Qué mensaje creen que su obra puede aportar a nuestra visión del mundo actual?
En la exposición, en su relato, estamos seguros que Dimitris Pikionis apreciaría el reconocimiento y la admiración con la que hemos trabajado, con el deseo de superar el olvido de lo que aportó a la cultura contemporánea. Esperamos, y deseamos, también, recuperar una “mirada sensible” de la sociedad para que comprenda que la arquitectura no es una mercancía, sino una cultura sobre cómo habitar el mundo.
Muchísimas gracias a tanto a los comisarios, Covadonga Blasco y Juan Miguel Hernández León, como a Sofía García, directora de Comunicación del Círculo de Bellas Artes por atendernos. Disfruten de esta magnífica exposición
Casa Europa presenta una exposición sobre Dimitris Pikionis (1887-1968), una figura central para la cultura griega del siglo XX que estuvo en contacto con la pintura moderna europea a través de sus estudios en pintura y escultura en Múnich y, posteriormente, en París, y que introdujo las vanguardias en Grecia a partir de la creación de la revista To Trito Mati (ElTercer Ojo), una publicación fundamental en los años 30 para la teoría estética y las prácticas artísticas
‘Dimitris Pikionis. Una topografía estética’, que se inaugura el próximo 13 de febrero, profundiza en la vida y obra del arquitecto griego que fusionó la modernidad con la tradición a través del estudio del proceso creativo de seis de sus obras arquitectónicas más reconocidas y que revelan la visión única del paisaje como obra de arte.
Comisariada por Juan Miguel Hernández León y Covadonga Blasco, la muestra está protagonizada por el tratamiento paisajístico de Pikionis sobre los accesos a la Acrópolis de Atenas, repletos de referencias pictóricas en sus pavimentos y cuyas obras terminaron, tras un proceso de construcción largo y complejo, en 1958. Entre las imágenes, dibujos y planos del arquitecto se intercalan las propias palabras del autor a través de sus pensamientos, reflexiones, y notas autobiográficas.
La muestra, realizada en colaboración con el Museo Benaki de Atenas, el Instituto Cervantes de Atenas y el Istituto Italiano di Cultura di Madrid, es una producción propia del Círculo de Bellas Artes que parte de una investigación sobre los proyectos y textos de Dimitris Pikionis. La exposición exhibe una entrevista inédita a Agni Pikioni, hija del arquitecto, y una gran maqueta topográfica que enseña, por primera vez, la intervención completa del proyecto de rehabilitación de los accesos a la Acrópolis.
En el marco de ‘Sueño y Deseo’, la exposición forma parte de la línea de programación de esta temporada dedicada al surrealismo con exposiciones como las de Max Ernst y Dalí o la celebración del centenario del escritor Franz Kafka.
Amigo del pintor Giorgio De Chirico, Dimitris Pikionis estudió pintura y escultura en Múnich y, posteriormente, en París –donde entró en contacto con la pintura moderna, en especial con la obra de Cézanne y la de Paul Klee, así como con la escultura de Rodin–. Retornado a su Grecia natal, reencontró su vocación arquitectónica sin abandonar la pintura.
Aunque contemporáneo de Le Corbusier y Mies van der Rohe, su arquitectura procuró integrar la tradición con la abstracción moderna. La obra de Dimitris Pikionis sintetiza en su forma el deseo de atender a la condición de la cultura identitaria helénica, la cual entendía como una conciliación entre Occidente, Oriente y Bizancio.
Dimitris Pikionis. Una topografía estética.
14/02/2025 – 27/04/2025
Comisariado: Juan Miguel Hernández León – Covadonga Blasco
Círculo de Bellas Artes
Alcalá, 42
28014 Madrid
El proyecto resuelve con sencillez una situación muy habitual en la periferia de nuestras ciudades, con el fin de convertirse en una solución repetible por su calidad espacial, facilidad constructiva, eficiencia energética y economía de medios.
La parcela, rectangular y plana, apenas mide 275m2. Estas reducidas dimensiones, unidas a los retranqueos exigidos por la normativa, limitaban las posibilidades de movimiento. Se decidió parear la casa hacia el norte, donde se ubicaron en una única planta el garaje y las instalaciones. Esto permitió disponer de más jardín al sur, abrir la planta baja hacia el sur, el este y el oeste, y liberar la planta segunda abriendo huecos en sus cuatro orientaciones.
La planta inferior se concibe como un zócalo de ladrillo de hormigón, fabricado a apenas 10 kilómetros del lugar. Sobre dicho zócalo emerge, compacta y revestida en mortero de cal blanco, la planta primera.
Casa E1 | Jerez Arquitectos | Planimetría
Las perforaciones de las fachadas son grandes para abrirse con generosidad al pequeño jardín y captar mucha luz. Tomando como referencia las viviendas tradicionales pasiegas del norte de la provincia, los huecos de ambas plantas se desarrollan al tresbolillo. Esta relación diagonal también se produce en planta, con el fin de conseguir una sensación de mayor amplitud.
El ladrillo de hormigón modula con precisión la posición de los huecos, formaliza los laterales de los mismos mediante unas piezas especiales con sección en U y construye una celosía que permite ventilar la instalación de aerotermia. Las carpinterías exteriores son de aluminio anodizado en su color natural.
La planta baja se organiza mediante una pieza central que contiene el baño y los muebles altos de la cocina, lo que libera el resto de la vivienda. Los escapes visuales diagonales introducen la naturaleza en la casa, aumentando su amplitud. Una ligera escalera, construida con elementos industriales de acero pintado en blanco, actúa como el único elemento singular con vocación vertical y conecta las dos plantas.
Obra: Casa E1
Autores: Jerez Arquitectos (Enrique Jerez Abajo, Rebeca Piedra Dueñas, José M. Méndez Primo)
Emplazamiento: Burgos, España
Colaboradores: Agustín de la Torre Gómez, Clara Alonso Martín
Aparejador: José Piedra, Rebeca de la Cal, Javier López
Año: 2021-24
Cliente: Privado. Promotor: Residencial Camino de Santiago
Superficie: 183 m2 construidos
Constructora: Residencial Camino de Santiago
Estructura: Rubiera
Carpintería: Carpintería Guada
Ladrillos: Barruca
Mobiliario y equipamiento: Richana
Fotografía: Iñaki Bergera + jerezarquitectos.com
Aino y Alvar Aalto: una biografía visual que redefine el diseño del siglo XX
Esta obra única nos sumerge en la vida y el legado de Aino y Alvar Aalto, pioneros del diseño moderno y fundadores de Artek. Más que una simple biografía, el libro se convierte en una ventana íntima a la creación de algunos de los objetos y edificios más emblemáticos del siglo XX, fruto de una colaboración que marcó profundamente la arquitectura y el diseño.
Narrado desde una perspectiva cercana y familiar por su nieto, este libro reúne cartas, documentos, dibujos y fotografías inéditas que revelan las historias personales de los Aalto, desde Finlandia hasta sus viajes internacionales. A través de este archivo cuidadosamente seleccionado, emerge un retrato vívido y conmovedor de su vida en común, que se extiende hasta la prematura partida de Aino en 1949.
Primera en su tipo, esta monografía celebra la obra de Aino y Alvar como un verdadero esfuerzo compartido, destacando su influencia como pareja en la cultura del diseño. Con un estilo cálido y accesible, el autor logra entrelazar lo íntimo y lo profesional, ofreciendo una mirada nueva y profundamente humana a estas figuras clave del diseño del siglo pasado. Un testimonio imprescindible para quienes desean entender no solo su impacto en la historia del diseño, sino también el vínculo personal que dio forma a su visión creativa.
Heikki Aalto-Alanen
Es nieto de los arquitectos Aino y Alvar Aalto. Anteriormente, ha ocupado el cargo de vicepresidente de la Fundación Alvar Aalto, ha sido miembro del Consejo de Administración de Artek, miembro del Consejo de la Academia Alvar Aalto y ha desempeñado otros roles dedicados a preservar la obra artística y el legado de Aino y Alvar Aalto. Es abogado de profesión y ha trabajado en el ámbito financiero.
En 1973, Mario Botta recibió el encargo de diseñar la Casa Bianchi en Riva San Vitale, una ciudad cuya historia se remonta a la época romana. Además de restos arqueológicos y monumentos emblemáticos, la zona se caracteriza por la presencia de los Roccoli, estructuras de caza de aves que suelen ser construcciones en forma de torre, Estas estructuras solían estar ubicadas en zonas estratégicas, como colinas o crestas, eran utilizados para cazar aves en grandes cantidades durante sus rutas migratorias. En la actualidad, muchas de estas edificaciones han sido protegidas como patrimonio cultural y natural.
El terreno donde se debía construir la casa está ubicado en la base del Monte San Giorgio, en una parcela de 850 metros cuadrados cubierta de árboles antiguos, con una empinada pendiente que desciende hacia el lago Lugano. Teniendo en cuenta estas condiciones, Mario Botta propone un volumen vertical aislado, cuya forma remite a los Roccoli de la región.
La Casa Bianchi es una torre cuadrada de diez metros de lado y trece de altura. La rigurosidad de su planta y la verticalidad de sus aristas limpias convierten la edificación en un hito dentro de la densa vegetación que la rodea. Al adoptar esta tipología, Botta busca intervenir en el terreno únicamente en la medida necesaria. La reinterpretación de la arquitectura de los Roccoli permite proteger las especies arbóreas existentes en el lote, integrando la casa armónicamente con el paisaje montañoso circundante.
La casa se presenta como un volumen de envolvente abierta, diseñado para garantizar el asoleamiento y la ventilación cruzada. La estructura está construida con bloques de hormigón, mientras que, en el interior, las paredes están pintadas de blanco, creando un contraste con la textura rústica de los bloques expuestos en el exterior.
Cada lado de la torre incorpora una abertura diferente que enmarca una vista específica. Las fachadas norte y oeste, orientadas hacia el lago, cuentan con las aperturas más amplias para capturar la totalidad del paisaje. En contraste, las fachadas sur y este presentan aberturas más reducidas, diseñadas para proteger el interior del frío proveniente de las laderas.
El acceso a la casa se ubica en la parte más elevada de la parcela. Se realiza a través de una pasarela metálica roja de 18 metros de longitud, que conecta la calle con la entrada principal. Esta pasarela enfatiza la separación entre la casa y el terreno, mientras su tránsito genera una sensación de inmersión en el paisaje circundante.
La organización interna de la casa se desarrolla en torno a una escalera central que conecta todos los niveles. Este elemento, ligeramente desplazado del centro geométrico de la planta, actúa como un eje funcional que organiza los espacios interiores. La disposición permite dividir eficientemente el interior: al noroeste se encuentran los espacios más pequeños destinados a servicios, mientras que al sureste se ubican los espacios más amplios, acompañados de terrazas que aprovechan la mejor orientación y las vistas privilegiadas.
El puente penetra en la quinta planta de la casa, donde se ubican un estudio y una terraza, atravesando un espacio de cuádruple altura para convertirse en un balcón con vistas panorámicas al entorno.
El recorrido interior, organizado en espiral descendente, ofrece una sucesión de vistas dinámicas y cambiantes hacia el paisaje montañoso y el lago. Botta diseña espacios con alturas variables, estableciendo diversas conexiones espaciales dentro del volumen. Esta estrategia no solo maximiza las vistas, sino que también garantiza que la luz natural penetre en todos los ambientes sin comprometer la privacidad de la familia.
El cuarto nivel alberga el dormitorio principal, que cuenta con un balcón con vistas al lago. Este nivel incluye un espacio de triple altura sobre la sala de estar, lo que genera una amplitud visual tanto hacia el interior como hacia el entorno. En el pasillo de acceso, también se encuentra una abertura en triple altura que conecta espacialmente con el comedor.
En el tercer nivel se encuentran los dormitorios de los hijos y un estudio, con un vacío en doble altura sobre el comedor y otro sobre la sala de estar. Esta disposición permite una conexión visual con las áreas comunes de la vivienda, fomentando la interacción familiar.
El segundo nivel alberga las áreas sociales, que se abren a una terraza semicubierta, donde un vacío vertical atraviesa toda la altura de la casa, creando una conexión directa con el entorno natural.
A nivel del terreno, se encuentran una bodega, un lavadero y un pórtico abierto directamente al jardín. Las zonas de servicio de cada piso están agrupadas verticalmente en el ángulo opuesto al vacío central.
La disposición de los espacios interiores, organizados en torno al punto focal, permite una interacción visual fluida entre las distintas áreas. Una serie de cuadrantes vacíos genera secuencias escalonadas de balcones interiores, creando una sensación de amplitud y luminosidad. La elección de una esquina libre en los cuatro niveles, con vistas al lago, proporciona un espacio privilegiado para disfrutar del paisaje y establece una conexión directa con la naturaleza.
En la Casa Bianchi, Mario Botta centra el diseño en la relación entre la resolución volumétrica y el paisaje, abordando la vivienda con un enfoque de orden y unidad. La elección de una forma geométrica pura y el uso de materiales pétreos en la estructura confieren a la casa un carácter de fortaleza y resguardo, evocando una monumentalidad que remite a la arquitectura vernácula local.
La obra de Botta resalta la dualidad entre la cáscara arquitectónica, monumental y controladora del paisaje, y el contenido funcional, que es práctico y sencillo. El volumen exterior, de formas puras, actúa como un medio para gestionar la relación con el entorno natural, mientras que el interior de la casa recupera una dimensión doméstica centrada en la funcionalidad.
El enfoque arquitectónico hace un uso deliberado de la geometría para equilibrar la funcionalidad con la estética, creando espacios prácticos y, a la vez, destacando su compromiso con la integración de la arquitectura en el entorno natural, especialmente en lo que respecta a la resolución volumétrica y su relación con el paisaje. Botta enfatiza la reducción de la masa cúbica mediante aberturas de diferentes formas y tamaños, las cuales delimitan las vistas interiores y generan una tensión inherente entre la unidad del cuerpo arquitectónico y su distribución interna.
Entrevista realizada por Luis Alberto Monge (LM), director académico de arquitectura de la Universidad Latina de Costa Rica, al arquitecto Carlos Jiménez(CJ),1 en junio de 2024, con motivo de su participación como conferencista principal en la XVII Bienal Internacional de Arquitectura 2024: Arquitectura Circular de Costa Rica.
Hay en algunas de sus obras lo que yo interpreto como la puesta en práctica de una estrategia proyectual que parte desde las preexistencias, por ejemplo en el convento Won, para mí es muy evidente que cada elemento relevante del lote se integra al diseño, en especial los árboles, y es aún más evidente en su casa en que además de integrar los elementos del terreno, da la sensación de que cada vez que se interviene se integran los elementos existentes de construcciones pasadas, de allí que me gustaría preguntarle: ¿cómo definiría su proceso de diseño?
Mi proceso de diseño empieza con observaciones intuitivas del terreno y un análisis general de su entorno y circunstancias. Después de escuchar cuidadosamente lo que el cliente nos presenta en su programa inicial, trato de imaginar una u otra solución óptima a través de dibujos casi espontáneos. A veces este proceso se convierte en una búsqueda intensa de varios días, otras veces aparece como un inesperado descubrimiento.
En el caso del Centro Budista Won lo que me cautivó de inmediato fue la fuerza y belleza de los árboles que existían en el lugar. Intuitivamente sentí que estos magníficos robles ya delineaban un volumen muy especial que había que revelar a través de una arquitectura específica. El entorno discordante del terreno me condujo hacia una forma compacta y elemental, y hacia un deseo a establecer un refugio alejado del bullicio alrededor. También la esencia de esta fe budista influyó mi proceso de diseño, pues encaja y acierta con mi propia filosofía de la vida.
En relación con el proceso de diseño de mi casa y estudio, yo lo defino como un complejo viaje de viajes en el tiempo. Por más de cuatro décadas he podido construir muchas arquitecturas dentro de sus formas simples. Creo que la complejidad más exquisita existe en las formas simples, rinden más porque te dan más libertad y agilidad en el tiempo. En este conjunto de pequeños edificios que forman mi casa estudio he logrado realizar una arquitectura muy personal, integrando y reflejando las vicisitudes y cambios que han marcado mi vida.
Usted le da un gran valor a la memoria del lugar, hay una constante en muchos de sus proyectos, las estrategias como las de preexistencias que comentaba antes, por ejemplo, los proyectos en Marfa que además intentan preservar la esencia del pueblo, me lleva a preguntarle: ¿por qué considera tan importante este rescate o destaque de la memoria en tiempos de la rapidez, de lo efímero, de lo pasajero, de lo instantáneo?
Sí es verdad. Creo que cada lugar posee una extensa memoria que la arquitectura siempre trata de continuar y al mismo tiempo suministrar nuevas memorias. En mi opinión una buena arquitectura nutre y cultiva un interminable jardín de memorias. Lo que más me impresiona e interesa de la arquitectura es cómo esta va tejiendo a través de momentos, a veces visibles o a veces sutiles, relaciones con el pasado, el presente y el futuro. Por esta razón me preocupa que la obra dure en el tiempo, en cómo esta se construye, tratar de construir buenos huesos como escuché a alguien decir una vez.
La arquitectura genera innumerables momentos efímeros que nos aportan una cierta felicidad y bienestar, y por eso hay que construirla bien para que dure más. Nuestro actual y batallador mercado está obsesionado en construir cada vez con menos calidad para sacar más ganancia. Esto produce una arquitectura de la rapidez, pasajera y devota solo a un presente vacuo. La memoria se puede entender como un material que aporta otro tipo de inversión cuyo valor esencial es el tiempo.
Quisiera aprovechar esta discusión sobre la memoria, o tal vez más bien acerca de lo memorable, para conversar sobre algo que siempre he querido preguntarle: ¿cómo valora su paso como jurado del prestigioso premio Pritzker, periodo en el que fueron reconocidos arquitectos de la talla de Jørn Utzon, Glenn Murcutt, Peter Zumthor, Richard Rogers o Paulo Mendes da Rocha?, ¿cuál era su norte o su enfoque para proponer la discusión sobre algunos arquitectos o más bien, a su juicio, ¿qué debía ser considerado en la selección del ganador?
Mi etapa de jurado del Pritzker no fue solo memorable, sino de gran aprendizaje. Fueron once años de viajes inolvidables a muchas partes del mundo, visitando un extenso catálogo de arquitecturas y ciudades, conociendo un impresionante desfile de arquitectos y personajes. Mi aportación en el jurado se basaba en promover un enfoque ecuménico de la arquitectura, libre de tendencias o ideologías particulares.
Mi prioridad y criterio fueron siempre la calidad de la arquitectura y su arquitecto o arquitecta, su aporte a la disciplina, su beneficio individual o colectivo, su belleza, su elocuencia, entre otros valores. Habrá alguien o algunos que pensarán que han sucedido equívocos a través de la trayectoria del premio. Por lo que concierne a mi etapa, me siento muy orgulloso y satisfecho con las elecciones que junto a mis colegas realizamos.
Finalmente, no me imagino ninguna relación entre los cafetales de Costa Rica y las súper autopistas de la ciudad de Houston, pero su vida y sus vivencias fueron creando vínculos entre ambos mundos, casi como si todo estuviera construido dentro de un realismo mágico,2 hay una historia de vida muy bien articulada, por eso me gustaría preguntarle: ¿si ese recuerdo del campo y los cafetales de su infancia son el contrapeso para equilibrar su arquitectura y alejarla de la frivolidad y mercantilismo?
En otra ocasión te comenté que siempre es difícil regresar al lugar donde uno nació, pero más difícil es dejarlo del todo. Viví en Costa Rica mis primeros quince años y estas vivencias me marcaron para el resto de mi vida. Todo lo que soy lo sentí y aprendí primero en este pequeño paraíso, donde su acertado refrán de “pura vida” me contagió con su fuerza telúrica y poética. Cómo olvidar sus bosques de lluvia plateada, sus animales inverosímiles, sus playas intrépidas frente a la vastedad del mar, tantas y tantas otras cosas que me impactaron desde que yo recuerdo.
Pienso que la arquitectura es una de las grandes experiencias humanas que nos permite vivir día a día bajo su arco de generosidad, belleza y memoria.
Desafortunadamente, hoy se produce mucha arquitectura que el mercado promueve, explota y manipula, exprimiendo cualquier calidad de vida a cambio de un producto que se usa y consume, se compra y vende, se saca provecho a la cantidad a costo de la calidad, y al final de cuentas tiene poco valor lo realizado. No me refiero a que hay que perseguir una arquitectura de A mayúscula, o una arquitectura de gran costo, todo lo contrario. Siento que entre más modesta y bien construida sea una arquitectura es mejor, y mejor inversión para ganarle tiempo al tiempo y eso lo aprendí en Costa Rica.
Con esta reflexión termina esta corta entrevista, corta porque hablar con Carlos Jiménez es realmente un placer y nunca alcanza el tiempo para conversar sobre todo lo que uno desearía, su hablar pausado, meditado y calmado es el reflejo de la sabiduría que le han dado los años y la experiencia, pero también es la voz del maestro, del profesor hablando, cada pequeña conversación es una clase de la que se aprende casi sin percatarse.
Notas:
1 Carlos Jiménez nació en San José, Costa Rica, en 1959 y se trasladó a Estados Unidos en los setenta. Es profesor de grado y de posgrado, inició su carrera docente en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Rice como crítico invitado en 1987 y desde 1997 es Profesor Titular. Es el arquitecto principal en Carlos Jiménez Studio, una firma de arquitectura en Houston fundada en 1983, internacionalmente reconocida y ganadora de premios. Jiménez también fue jurado de los afamados premios Pritzker de arquitectura durante diez años (2001-2011).
2 El realismo mágico es un movimiento literario y pictórico que surge a principio del siglo XX, como parte de las vanguardias y se define por su preocupación estilística y el interés de mostrar lo irreal o extraño como algo cotidiano y común. De este modo, es una narración basada en la observación de la realidad, donde tienen cabida singularidades y extrañezas dentro de la normalidad.
El término patrimonio se asocia por lo general a bienes materiales con valor crematístico, pero aquí en este número de la revista VAD veredes, arquitectura y divulgación nos ocuparemos de ese otro patrimonio que es un valor colectivo, algo que pertenece a todas las personas por igual y que puede ser material, pero también inmaterial o intangible: es nuestra herencia cultural, la que se ha ido gestando a lo largo del tiempo y la que, conscientes o no de ello, estamos creando día a día y será transmitido a las generaciones venideras.
Esta reflexión nos lleva a preguntarnos: ¿qué es realmente el patrimonio?
Nos referimos a un concepto que tradicionalmente ha estado asociado a la monumentalidad o a la belleza. Catedrales, castillos, palacios, monumentos para ser observados y admirados, casi siempre desde la distancia. Pero el patrimonio va más allá. En la actualidad ese concepto decimonónico ha quedado obsoleto. Ahora somos conscientes de que al hablar de patrimonio estamos hablando de legado cultural, y poco a poco se han ido integrando en el imaginario patrimonial otros elementos que no se habían contemplado con anterioridad, e incluso habían sido denostados, como el patrimonio industrial, el patrimonio inmaterial o los paisajes culturales. Todos ellos son también patrimonio. Ya no es, o no debería ser, algo distante, sino próximo e integrado en la vida cotidiana.
Pero no sólo ha cambiado con el tiempo el propio concepto de patrimonio, sino la forma de entenderlo y atenderlo. Hay certezas, como la necesidad de conocer, estudiar, investigar, que va más allá de la mera exhibición vacía de contenidos para la contemplación por un público estático; o el papel que juega la sociedad y la necesidad de la participación ciudadana en la toma de decisiones. Pero también hay muchas preguntas:
¿tiene fronteras el patrimonio? ¿es suficiente y/o adecuada la educación patrimonial? ¿es la antigüedad un valor per se? ¿cómo convive el patrimonio construido con las nuevas arquitecturas en un mismo espacio?
En un momento de incertidumbre, en que aún no conocemos que nos depararán los efectos de la globalización o de los avances tecnológicos, se impone un cambio de paradigma, establecer de partida unas certezas básicas que permitan ir abordando las incidencias a medida que se van presentando.
Quizá una de esas certezas resida en la lectura diacrónica del patrimonio, resultado de dos premisas indisociables: Espacio y Tiempo, única forma de entenderlo para su adecuada comprensión y su justa valoración.
Sin necesidad de esperar que pase mucho más tiempo, hoy ya se está consolidando una idea de utilidad asociada a rentabilidad económica que también concierne al patrimonio. Pues bien, cuando esta nueva suerte de utilitarismo mal entendido extiende sus tentáculos (si no tiene valor material, si no es útil, no sirve para nada), parece apropiado reivindicar con N. Ordine la utilidad de lo inútil:
«Porque es fácil hacerse cargo de la eficacia de un utensilio mientras que resulta cada vez más difícil entender para qué pueden servir la música, la literatura o el arte».1
La guardería Petit Mamut de Sant Vicenç dels Horts es una escuela de una línea educativa con capacidad para 41 alumnos. Situada en uno de los ejes principales del casco antiguo, la calle Barcelona, la llegada a la escuela se hace por calles pacificadas, hecho que potencia la movilidad sostenible.
Guardería Petit Mamut | AMB Cristian Saez | Emplazamiento
La entrada principal del edificio por la calle Josep Duran se realiza a través de un porche que da acceso al patio. De esta manera se consigue un recorrido seguro y protegido para los niños en las entradas y salidas de la escuela.
Siguiendo las directrices urbanísticas de la parcela, el proyecto se compone de dos edificaciones diferenciadas, de planta baja y planta primera, con una superficie construida de 460m2 y un patio de 420m2. El edificio principal dispone de tres aulas (una por edad), un espacio de cocina, un espacio multiusos, una sala polivalente, los servicios y los espacios de administración y dirección, así como una sala multisensorial. Esta última se concibe como un espacio diseñado para niños con discapacidad que pueden interactuar con el medio mediante la estimulación de los sentidos. El edificio secundario está formado por el porche de entrada y el espacio de almacén principal en planta primera.
Guardería Petit Mamut | AMB Cristian Saez | Axonometría
Se trata de un equipamiento construido con paneles contralaminados de madera (CLT), sistema que permite reducir la huella de carbono respecto a los sistemas convencionales, y por el hecho de estar cada día más industrializado, permite mejorar la calidad de la construcción y reducir los plazos de ejecución del edificio. El hecho de conformarse mayoritariamente de madera hace que el edificio mejore las calidades hápticas (temperatura, textura, olor y rendimiento hidrotermal).
El edificio presenta unas transmitancias muy inferiores a la media de los edificios con calificación energética A, hecho que se traduce en un bajo consumo de energía anual. Genera energía renovable a través de placas fotovoltaicas y presenta sistemas de regulación pasivos, como sistemas de ventilación cruzada y luz natural en todos los espacios. Se incorpora sistema de control por domótica para monitorizar los consumos, así como sistema de iluminación circadiana que replica los tonos y la intensidad de la luz natural acompasada con el ritmo biológico de los niños.
Guardería Petit Mamut | AMB Cristian Saez | Plantas y sección
Las aulas se disponen en relación directa con el patio con la intención de favorecer los momentos de interacción al aire libre. Justo delante de las aulas se sitúa un espacio de porche con elementos de vegetación caduca y toldos no permanentes que permiten ofrecer protección solar según las necesidades de la época del año.
Para conseguir que el patio sea un espacio agradable y tranquilo, se han tratado las medianeras de los edificios vecinos, alguna de las cuales, se han convertido en muros vegetales.
La fachada que da a la calle Barcelona incorpora un acceso secundario donde se ha rehabilitado y recolocado el arco original de piedra roja – características de Sant Vicenç- que tenía Ca la Manela, la vivienda que había en el solar donde se ha construido la escuela.
Guardería Petit Mamut | AMB Cristian Saez | Planimetria
Obra: Guardería Petit Mamut
Autores: AMB Cristina Sáez
Ubicación proyecto: Calle Barcelona, 25, 08620 Sant Vicenç dels Horts (Cataluña, España)
Año término construcción: 2023
Superficie construida: 460m2
Construcciónn: Constructora y Rehabilitadora Secla,S.A.
Cálculo Estructural: Campanyà i Vinyeta Serveis d’arquitectura SLP
Equipo de Diseño: AMB Cristina Sáez, arquitecta directora
AMB Marta Iglesias, arquitecta técnica
AMB Marta Juanola, arquitecta técnica
AMB Laia Ginés, arquitecta
AMB Anna Nadeu, arquitecta
AMB Gisela Traby, ingeniera mecánica
AMB Jordi Bardolet, ingeniero agroambiental y del paisaje
Campanyà i Vinyeta Serveis d’arquitectura SLP, Carles Campanyà (Estructura)
Eletresjota, Jaume Pastor (Instalaciones)
Fotografía: Simón García | arqfoto + amb.cat
Utopías urbanísticas. 44 paseos por las colonias de Madrid. Pedro Zuazua Gil | David Expósito
Un paseo por la cara más tranquila de una capital vertiginosa
Utopías urbanísticas. 44 paseos por las colonias de Madrid elabora un recorrido por estos emblemáticos proyectos urbanísticos a cargo del periodista Pedro Zuazua, acompañado por las imágenes del fotógrafo David Expósito.
«Las colonias de vivienda unifamiliar constituyen un episodio singular en la historia urbana de Madrid. Su nacimiento, crisis y transformación representan una lección viva de las promesas y frustraciones del doloroso tránsito urbanístico del Madrid moderno a la metrópolis contemporánea».
Pedro Zuazua ha visitado las emblemáticas colonias de Madrid para comprender mejor su historia, su contexto y su tejido social. Esta obra recoge las crónicas que escribió acerca de los vecinos, relatos y edificios que dan sentido a estos rincones de la capital, acompañadas por las imágenes del fotógrafo David Expósito.
Una tarde de sábado de 2020, Pedro Zuazua se subió a su bicicleta y empezó a recorrer las colonias históricas de Madrid. A través de conversaciones con vecinos, arquitectos, historiadores o antiguos alcaldes, fue tejiendo un mapa con la historia y las historias de estos singulares emplazamientos urbanísticos que resisten al paso del tiempo en la ciudad.
El resultado es un conjunto de crónicas de aires costumbristas, en los que el paisanaje se funde con el legado arquitectónico de una época que ya no existe más allá de los límites que marcan estas pequeñas utopías construidas para hacer mejor la vida de sus habitantes.
«Al elegir las colonias como objeto de este libro de reportajes periodísticos, Pedro Zuazua ha sabido descubrir y entender su potencial. Lo que empezó como una intuición ha cobrado con el tiempo las dimensiones de una verdadera investigación social».
Pedro Zuazua Gil (1981)
Es filólogo reconvertido al periodismo. Ha trabajado en la Fundación Princesa de Asturias y en el Centro Niemeyer y en 2010 se incorporó a El País como director de comunicación. Es autor de dos libros sobre uno de los temas más importantes de entre los menos importantes: los gatos.
David Expósito (1994)
Es fotógrafo y redactor de El País. Está interesado en el periodismo local y en las historias concretas y cercanas.
Mi intención era cerrar esta serie con el dibujo que Le Corbusier nos recomendó publicar, pero por ahora me lo impide un problemita que me planteó la Fundación Le Corbusier. En efecto, como nunca pude comprar el libro, y no pudiendo conseguirlo a través de amigos o en mi Universidad (biblioteca) por estar cerrada gracias a la revolución, me vino la idea de recurrir a la Fundación Le Corbusier para que fuese uno de sus documentalistas, Arnaud Dercelles, a quien conozco y fue de mucha ayuda en ocasión anterior, para que me lo facilitara.
Hablé con una dama, también documentalista, quien me lo envió, pero poniéndome la condición de pagar derechos de autor. He debido entonces escribir a mi amigo una larga carta explicando la ausencia total de interés comercial en el asunto y diciéndole entre otras cosas que el propio Corbusier había autorizado la publicación en su momento. Aún no he recibido contestación y por respeto a una institución que cumple una función necesaria, hablo hoy de otra dimensión del legado corbusiano, la que nos muestra su arquitectura. A propósito de la exposición (y sus secuelas) sobre «La Iglesia de Firminy, el último proyecto de Le Corbusier», que presentamos en Caracas, en la Facultad de Arquitectura UCV , en Noviembre de 1983. Me he referido a ella muchas veces.
II
Se había montado en los Estados Unidos una exposición sobre el mismo tema. Uno de sus patrocinantes era José Oubrerie, del grupo de colaboradores de 35, Rue de Sèvres, el estudio de Le Corbusier, a quien contactamos con resultados muy positivos. Su última tarea fue la de hacer los dibujos del primer Anteproyecto, documentos por demás hermosos; y de haber sido junto al arquitecto chileno Guillermo Julián de la Fuente (1931-2008) quienes desarrollaron los planos del Proyecto que fue construido finalmente e inaugurado en 2006 luego de estar la construcción detenida durante 25 años. Así que fue madurando la idea de hacer algo similar aquí porque ese proyecto desde que se conoció en los primeros sesenta había despertado nuestro interés y podía ser además una buena experiencia docente.
En la Iglesia de Saint Pierre de Firminy se realiza un concepto del templo católico muy particular, original puede decirse. El lugar de los fieles se desarrolla en dos niveles de modo continuo, es decir, sin separación, ya que el piso asciende progresivamente desde el acceso en dirección al altar pasando por debajo de la parte superior de unas gradas que arrancan en los bordes del altar, el presbiterio. Y lo singular no termina allí, sorprendió en su tiempo la idea de cubrir todo el ámbito con una piel de concreto perimetral que asciende hasta muy alto rematando en un plano inclinado con aberturas para la entrada de luz natural.
La tensión vertical domina y se va revelando progresivamente (un típico paseo arquitectónico a lo Le Corbusier) hasta mostrarse imponente cuando se llega cerca del altar. El volumen se asemeja a un cono pero está formado en realidad por una combinación de cuatro planos inclinados trapezoidales, uno de ellos vertical, que ascienden unidos por secciones de cono en cada una de las esquinas de la planta cuadrada. Es un desarrollo geométrico que no resulta aparente y que hubo de sernos explicado (la exposición fue montada enteramente por nuestros estudiantes), por el mismo José Oubrerie, quien en Francia recibió a Ranier Sarache y María Elena Torrealba, en ese tiempo recién graduados y colaboradores docentes, quienes viajaron con el fin de recibir la información y visitar lo que entonces eran los primeros muros de la iglesia en la ciudad de Firminy, al Sur de Francia.
III
Oubrerie visitó dos veces Caracas, invitado por nosotros. Lo acompañó en su segunda visita con motivo de la inauguración, Claudius Petit, ex-Ministro de la Reconstrucción de Francia, antiguo miembro de la Resistencia a los nazis, un personaje extremadamente importante en la experiencia profesional de Le Corbusier, instrumental en la construcción de la Unité de Marsella, la de Firminy, el Centro de Juventud de esa misma ciudad y la iglesia, que no pudo ver terminada pues murió en 1989 seis años después de su visita a Caracas. A él le hemos dedicado comentarios aquí en varias oportunidades. Nos dejó en su conferencia frases memorables, entre ellas una que he repetido muchas veces:
«toda voluntad política se manifiesta en el dominio de lo construido».
Noción importante, fundamental en una realidad como la nuestra.
Los preparativos de la exposición se hicieron en nuestro Taller de la Facultad de Arquitectura, y la participación estudiantil fue realmente entusiasta. Se construyó una enorme maqueta en escala 1:20 y se hicieron extraordinarios dibujos (plantas, cortes, fachadas) en la misma escala, que sirvieron de base para unos afiches, acompañados de texto, de los que aún guardo ejemplares.
He podido después visitar Firminy realizada. Me he preguntado si la mano del maestro no habría intervenido para ajustar algunas cosas que sería largo comentar aquí. Pero lo que me interesa destacar es que la historia de esta obra afirma radicalmente cuan esencial para nuestra disciplina es la construcción del la arquitectura. Vivir un edificio sustituye todas las palabras que sobre sus enseñanzas se pronuncien. Se hace evidente la máxima de Wittgenstein acerca de que lo que se muestra no es posible decirlo. Firminy construido derrota y suprime al Firminy explicado. Tocar con el dedo regresa a nosotros como frase que remite a la esencia de lo que aspiramos hacer.
Y nos preguntamos si esta experiencia hubiera podido realizarse si las exigencias de la burocracia se hubiesen impuesto como límite o requisito. La respuesta es no. Así de simple.
Óscar Tenreiro Degwitz, arquitecto.
Venezuela, Julio 2013
Notas:
1 Mucho tiempo atrás, 1965, me llegaba la noticia, me parece que a través de mi hermano Jesús, de que en una librería de Caracas (que no recuerdo bien si era Cruz del Sur o La France, ya desaparecidas) vendían una publicación hecha por una Escuela de Arquitectura norteamericana sobre trabajos recientes de Corbusier, Kahn, Aalto y Soleri que valía la pena. Apenas pude me acerqué y la compré, porque no era costosa, mérito especial que no tienen ahora las publicaciones de arquitectura. Se trataba de una cajita negra de cartón que contenía cuatro cuadernillos cada uno dedicado a un arquitecto. Creo que Jesús se interesaba más en el que se dedicó a Kahn, pero a mí me atraía especialmente el de Corbusier y Firminy.
Otras veces he hablado de estos cuadernillos publicados por la School of Design North Carolina State of the University of North Carolina at Raleigh. Eran muy sencillos y además excelentes y el de Corbu-Firminy venía además con un desplegado impreso a color con los espléndidos (y a la vez modestos) dibujos del primer Anteproyecto de la iglesia de Saint Pierre. En una de las primeras páginas estaba el texto que traduje la semana pasada acerca del «nacimiento» de una idea de arquitectura y luego una serie de fotos en blanco y negro de la maqueta en proceso de ejecución, maqueta maravillosamente rústica pero muy expresiva, además de reproducciones de los croquis con explicaciones escritas de Le Corbusier.
Una publicación así, de la cual aún hoy, casi medio siglo después, quien esto escribe y cualquier otra persona que se adentrara en los mensajes que contiene, puede enriquecer su espíritu y alimentar su capacidad de reflexión, no sería en absoluto posible en la actualidad. Para comenzar, el mismo Le Corbusier se interesó en el proyecto editorial y aportó de una manera sencilla y directa todos los comentarios escritos de su puño y letra, tal como había hecho un poco antes cuando nos envió la tan comentada carta con «todo llega al mar». Y lo hizo, según entiendo, sin pedir nada a cambio sino interesándose en su mensaje, en su necesidad de comunicarse con otros y especialmente con los más jóvenes. Y en segundo lugar, la impresión es sencilla, nada parecido a esos pomposos volúmenes llenos de maravillosas fotografías con que nos abruma la industria editorial dedicada a la arquitectura.
Y la razón de todo esto es bastante simple: los países centrales, que es donde tienen su sede los intereses editoriales, han tendido a olvidar los contenidos pedagógicos y culturales de lo que hacen y producen para unos niveles económicos que está muy alejados de lo que es habitual en las sociedades nuestras, mucho más limitadas, con menos recursos sobrantes. Sus referencias son las del mundo de la opulencia.
2 Pero hablaba del mensaje contenido en la cajita negra.
Ahora con motivo de estos comentarios he estado releyendo las notas de Le Corbusier acompañando los rápidos dibujos contenidos en el librito. Es probable que ya, hace cincuenta años, los haya leído, pero me siento como si lo hiciera por primera vez. Porque es precisamente el tiempo transcurrido es el que me da el alimento necesario para entenderlas mejor, para ir hacia su sentido más profundo. La maduración nutrida por el tiempo y lo que éste lleva consigo: prueba y falla, selección de instrumentos, recursos de la memoria, obstáculos que impiden o que han sido rebasados, esfuerzo, dolores ocasionales, fracasos y algunos aciertos; en fin la suma de todo lo vivido en el esfuerzo de acercarse a la arquitectura, es lo que me ayuda. Y mi impresión la resumen las mismas palabras de Le Corbusier destacadas en un panel del vestíbulo de los espacios culturales que se encuentran en los niveles inferiores de Saint Pierre de Firminy:
«Pienso que si se le otorga alguna significación a mi obra de arquitecto, es a esta labor secreta a la que debe atribuírsele un valor profundo».
3 Las notas, las descripciones, los dibujos, pueden ya contrastarse con la realidad construida. Hay sin embargo, siempre dudas respecto a todo proyecto que se construye después de la muerte del arquitecto. En las Obras Completas se publicó el Anteproyecto en el volumen 1955-65, que mostraba una proporción muy distinta a la realizada para la cáscara de la cubierta como puede verse en los dibujos de la «caja negra»; y luego en el volumen Últimas Obras se publicaron apenas dos fotografías de la maqueta, las mismas del volumen anterior, ya con las proporciones cambiadas (menor altura) sin que aparezcan cortes o fachadas que permitan relacionar las dimensiones nuevas con las de la maqueta. Esas dudas acompañaron siempre a José Oubrerie en su larga etapa como promotor de la terminación del edificio. Tuve una buena conversación con él aquí en Caracas sobre el tema, durante la cual se extendió en la explicación de los distintos ajustes que el Anteproyecto sufrió, entre ellos el de la geometría que permitió definir la cáscara. Muestro al final unos esquemas de una lámina que conservo conmigo y fue garrapateada por José a lo largo de la conversación.
Confieso que me convenció su explicación y sobre todo lo que percibí como total sinceridad sobre la fidelidad del proyecto definitivo respecto a las intenciones de Le Corbusier. Durante mi visita a lo construido sólo tuve dudas respecto a la iluminación natural.
Antes de entrar, el colaborador de Oubreríe en la obra, Romain Chazalon, quien nos acompañó hasta la entrada (que ese día estaba restringida) me advirtió: «es muy oscura», y en efecto lo es. Oscuridad contrarrestada de modo que suscita muchas preguntas por una luz fluorescente ubicada debajo de los bancos que rodean el presbiterio. Esa luz confieso que me molestó y ha sido para mí objeto de diversas conjeturas; pero ahora, al revisar los dibujos incluidos en la publicación de North Carolina, que incluyo al final, veo que en efecto, ya en el Anteproyecto, Le Corbusier había previsto un tipo de luz artificial en el perímetro del presbiterio, justo frente a esos bancos, los cuales para ese momento dejaban también pasar luz natural por debajo de ellos. En ese dibujo, destinado a definir precisamente el detalle de esa iluminación perimetral, Le Corbusier escribió las siguientes notas: arriba a la derecha «a/ combinación luz solar y luz eléctrica alrededor de la iglesia (interior)»; abajo a la izquierda «pequeñas láminas de vidrio redondas» y más abajo «para los tubos luminosos»; a la derecha: «piso de la iglesia», «lámina de vidrio fundido de dos cm. de espesor»; y abajo: «tubos luminiscentes». Arriba del banco dice «banco» y escribió las dimensiones. Le Corbusier quería pues la combinación de luz natural y artificial, pero queda la duda de si al eliminar la luz natural bajo los bancos y sustituirla por la de los lucernarios por encima de ellos (ver los dibujos de Oubrerie) no debía reformularse la presencia de la luz artificial.
4 Uno no puede sino agradecer, en virtud del sentido más profundo del legado corbusiano, que Firminy se haya construido. Pese a las dudas puntuales que, al menos en mi caso requerirían una nueva visita, el poder ver la arquitectura realizada es un paso decisivo, es la prueba final, necesaria y suficiente para toda propuesta arquitectónica. Es posible entonces remontarse a la validez de las ideas iniciales de Tremblay, en la década de los veinte, así como se muestra con toda claridad para quien quiera observar atentamente, cómo la constante investigación de Le Corbusier en el campo de las formas a través de su trabajo de pintor y escultor termina alimentando sus decisiones como arquitecto. Basta observar la planta de la iglesia, las formas sinuosas de las gradas, la tensión entre los distintos elementos (altar, púlpito, la silla del Arzobispo, las gradas, el banco perimetral) para recordar su trabajo plástico. Tal como digo en la nota de hoy, puede tocarse con el dedo lo que quiso trasmitirnos. Se materializó en muros, colores, trayectos, proporciones. Se muestra.
Fotografía fija del vídeo An Engine of Many Senses (2013) de Bill Seaman y Todd Berreth inspirado entre otras referencias cibernéticas en Gordon Pask y la idea de Analogue Computer / Maverick Machine. Más información en athanasius.trinity.duke.edu
El texto de Gordon Pask1The Architectural Relevance of Cybernetics es de aquellos textos que desde la perspectiva actual, tocan hueso y aclaran la evolución de la arquitectura, más allá de lo estrictamente digital. El autor nos revela dos ideas fundamentales. Por un lado habla de la idea de la arquitectura como un sistema en constante evolución.
«Los sistemas, sobre todo las ciudades, crecen, se desarrollan y por lo general, evolucionan. Una consecuencia práctica inmediata del punto de vista evolucionista es que, para su crecimiento sea saludable, los proyectos arquitectónicos deben incorporar normas para la evolución. En otras palabras, un arquitecto responsable debe preocuparse por las propiedades evolutivas».2
Si miramos para atrás, ¿no tiene esta idea algo, o mejor dicho, mucho que ver con la concepción eisenmaniana de una teoría abierta de la arquitectura, a la que hemos hecho referencia aquí en otros posts?
Un principio de complejidad compartido por ambos autores: ¿no es precisamente la imposibilidad de encerrar en un rígido cuerpo teórico y práctico todo el conocimiento relacionado con la arquitectura?
Si la arquitectura se entiende como un elemento en evolución, ¿cuál es el papel del arquitecto?
Para Pask y para Eisenman la tarea de un arquitecto es incorporar normas para la evolución, es decir, diseñar una estrategia evolutiva y aplicarse tácticamente en las consecuencias de esa estrategia. Pask no habla de diseñar, Eisenman no habla de diseñar, ambos hablan de controlar un proceso.
Y si miramos hacia adelante, ¿no resulta familiar la idea de procesos evolutivos con toda la investigación basada en procesos que se está desarrollando en la arquitectura en los últimos años?
Por otro lado Pask remite directamente a Venturi, a sabiendas o no, cuando afirma que
«Al utilizar símbolos visuales, verbales o táctiles, el hombre dialoga con su entorno, que comprende sistemas de información, y también naturalmente, los edificios que le rodean».3
Es especialmente interesante que Pask vincule la condición simbólica de la arquitectura de la misma manera que lo hace Venturi. Pero Pask va más allá y destaca como máxima expresión de lo simbólico a Antoni Gaudí y especialmente el Parc Güell, «que a nivel simbólico es una de las estructuras más cibernéticas que existen».4
Entender la obra de Gaudí como un sistema de información destinado a satisfacer funcionalmente las necesidades simbólicas e informativas del individuo establece un vínculo interesante entre Venturi, Gaudí.
Y es que detrás de las reflexiones generales de Pask, lo que late es un convencimiento de que la cibernética no solamente constituye y proporciona «un metalenguaje para la discusión crítica»,5 sino que más allá de ser descriptiva, proponiendo una taxonomía de edificios y métodos, y de ser prescriptiva, guiando y liderando un proceso a través de la confección de planos por ejemplo, la arquitectura cibernética es productiva, es decir tiene la capacidad para realizar predicciones.
En palabras de Pask, la evidencia de que la arquitectura puede avanzar el futuro se hace evidente cuando afirma que por ejemplo,
«El desarrollo urbano puede moldearse como un sistema autoorganizado. Es interesante como aquí volvemos a Jane Jacobs, como una afirmación formal de ideas evolucionistas en arquitectura, y es posible predecir en estos términos hasta que límite será caótico u ordenado el crecimiento de una ciudad».6
Teniendo en cuenta que el texto de Pask está escrito en 1969, me parece relevante volver a la carga con la idea de que la arquitectura ha evolucionado de forma excepcional, basada en una componente y demanda social, vistos los movimiento contraculturales de esa época, y por tanto no deja de poner en evidencia todas las ideas reduccionistas que afirman que la arquitectura contemporánea no es más que el subproducto de la aparición del ordenador y del desarrollo de diferentes softwares asociados a la potencia de cálculo..
En otras palabras, sería mucho mejor definir la arquitectura de hoy no tanto como una arquitectura paramétrica, sino como una arquitectura sociométrica. Eso significa entender la arquitectura no tanto como la sucesión más o menos compleja de parámetros, sino como la interacción constante y dinámica de comportamientos sociales.
No cabe duda que la revolución digital ha sido determinante para la manera que tenemos hoy de entender nuestra sociedad. La ha transformado hasta niveles de complejidad inauditos. Sin embargo, me parece igualmente determinante remarcar que la revolución digital tienen un origen en una revolución social precedente. La revolución social de los años 60.
Miquel Lacasta Codorniu. Doctor arquitecto
Barcelona, Junio 2015
Notas:
1 PASK, Gordon, «The Architectural relevance of cybernetics»,Architectural Design nº6 vol. 7, Nueva York 1969. Y también en La significación arquitectónica de la cibernética en La digitalización toma el mando, editado por Lluís Ortega, colección Compendios de Arquitectura Contemporánea dirigida por Iñaki Ábalos, Gustavo Gili, Barcelona, 2009
El 2024 ha sido un año récord para la Fundació Mies van der Rohe, con cerca de 108.000 visitantes al Pabellón, a las actividades culturales que ha acogido y a las intervenciones que lo han transformado. También ha contado con más de 140.000 visitantes en sus exposiciones alrededor del mundo y la satisfacción de haber recibido el Premio ADI Cultura a la Trayectoria y el Premio ArtsLibris Banco Sabadell por el libro Inviting Life. Tras este año tan destacado, la Fundació Mies van der Rohe presenta para 2025 un programa ambicioso y diverso con impacto local e internacional, que contará con colaboraciones de instituciones afines, artistas y arquitectos, quienes aportarán su valor para expandir el interés y el conocimiento sobre la arquitectura a nivel global.
La exposición del Premio de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea / Premios Mies van der Rohe 2024, actualmente en Viena, continuará su recorrido en Praga y Breslavia. Además, se ha lanzado la convocatoria del EUmies Awards Young Talent 2025, que invita a las escuelas de arquitectura, paisajismo y urbanismo a proponer los mejores proyectos de fin de carrera, los cuales se presentarán en el contexto de la Biennale Architettura 2025.
El Pabellón Mies van der Rohe se transformará con las intervenciones de Xevi Bayona, Anne Glassner y Marit Wolters, así como Regina Saura y Rita Roqueta. También acogerá una propuesta de la Galería Il·lacions, donde diez creadoras contemporáneas se inspiran en el legado de precursoras del mundo del diseño.
Gracias a la Beca Lilly Reich para la Igualdad en la Arquitectura, podremos aprender de Anna Bofill con una exposición y una charla inaugural que tendrán lugar en la ETSAB. Conoceremos de primera mano la propuesta de las ganadoras de la última edición de la beca, y verá la luz una nueva publicación en la que Laura Martínez de Guereñu desvela nuevo conocimiento sobre el trabajo de Lilly Reich en 1929, en Barcelona.
El nuevo programa 2025
El nuevo programa se complementará con la presentación de publicaciones, piezas de danza, conciertos y jornadas de puertas abiertas. A continuación, se detallan las actividades previstas para 2025:
El año ha comenzado con la exposición de los EUmies Awards 2024 en Viena y el lanzamiento de los EUmies Awards Young Talent 2025, que convocan a escuelas de arquitectura, paisaje y urbanismo de Europa, así como a escuelas de los países invitados, que este año son del Sudeste Asiático y Oceanía. El proceso culminará con una exposición, un debate y la entrega de premios en Venecia durante la Biennale Architettura 2025. El jurado seleccionará los mejores proyectos de fin de carrera, permitiéndonos descubrir cómo las nuevas generaciones de arquitectos trabajan para enfrentar los desafíos más urgentes. Paralelamente, la exposición de los EUmies Awards 2024 continuará su itinerancia en Praga y Breslavia, dando a conocer la mejor arquitectura contemporánea europea.
El archivo de los Premios Mies van der Rohe permitirá presentar una exposición sobre arquitectura catalana “Transformant Catalunya, Empowering Europe. EUmies Awards 1988-2025” en el Espai Catalunya Europa, en Bruselas. Los EUmies Awards se enriquecerán con la colaboración de la Thomas Jefferson Foundation Medal in Architecture, una iniciativa que permitirá presentar la obra ganadora de los EUmies Awards 2024, el Pabellón de estudio de la TU Braunschweig, en la Universidad de Virginia, así como acoger una conferencia de Andrew Freear, de Rural Studio, galardonado en 2023 con el premio de la Thomas Jefferson Foundation, en el Pabellón Mies van der Rohe.
Beca Lilly Reich para la Igualdad en la Arquitectura
En el ámbito de la investigación, la Beca Lilly Reich para la Igualdad en la Arquitectura se consolida como una iniciativa clave de la Fundació Mies van der Rohe para visibilizar figuras históricamente relegadas en el ámbito arquitectónico. Este año se presentará la propuesta ganadora de la cuarta edición: “Transnational Narratives: A Documentary Celebrating South Asian Women in Architecture”, desarrollada por Igea Troiani, Mamuna Iqbal y Paula Roush. Además, se presentará la muestra “Una cambra pròpia” de la Galería Il·lacions, que reivindica el papel de la mujer en la historia del diseño. En esta exposición diez diseñadoras contemporáneas presentarán piezas únicas inspiradas en pioneras del diseño como Anni Albers, Aino Aalto y Charlotte Perriand, entre otras.
La Fundació también contará con la exposición “Anna Bofill Levi. La arquitectura como contracanto (1977-1996)” y la charla inaugural de la arquitecta en la ETSAB, además de la publicación “Lilly Reich in Barcelona” de Laura Martínez de Guereñu. Ambas propuestas surgen a partir de los resultados de convocatorias pasadas de la beca.
Pavelló de Música, 2023
Intervenciones artísticas
Durante 2025, el programa de intervenciones artísticas seguirá siendo un eje fundamental, generando nuevas perspectivas en torno a la arquitectura a partir del espacio único del Pabellón Mies van der Rohe. Este año acogerá “La padrina i les pertinences de la domesticitat” una propuesta de Xevi Bayona; “Lost Limits” de Anne Glassner y Marit Wolters, en el marco del Barcelona Gallery Weekend, y «Diàlegs amb la Natura» de Regina Saura y Rita Roqueta, coincidiendo con la Biennal del Paisatge.
Entre las actividades se incluye también la pieza de danza «La Caída o el gran altre: el mur d’ònix daurat” de LA LLAVE SAL, que amplía la exposición “Arte en piedra” de La Pedrera. Este evento será la oportunidad para descubrir por primera vez el remanente del ónix en bruto que en 1986 se utilizó para la reconstrucción del pabellón y que se ha conservado hasta la actualidad. LA LLAVE SAL es un proyecto de creación escénica contemporánea liderado por la bailarina y artista Maria Carbonell y la productora Júlia Vernet. Su trabajo explora la lentitud y la temporalidad del movimiento, así como la dramaturgia del cuerpo, ofreciendo una perspectiva innovadora en la danza contemporánea.
Presentaciones de publicaciones destacadas
La programación también incluirá presentaciones de publicaciones destacadas a lo largo del año, como “Mies in his own words” de Vittorio Pizzigoni y Michelangelo Sabatino, y “The Edith Farnsworth House” de Michelangelo Sabatino, acompañadas de una conversación entre los autores y Laura Martínez de Guereñu. Además, se reeditará “Survival by Design” de Richard Neutra, presentado por Raymond Neutra. El ciclo concluirá con una publicación sobre la trayectoria de la Fundació Mies van der Rohe desde sus inicios.
Una vez más, la Fundació participará en la feria internacional del libro de artista ArtsLibris en Barcelona y, por primera vez, en Madrid, mostrando tanto sus ediciones más recientes como las anteriores.
En el marco de los EUmies Awards y las Semanas de Arquitectura, tendrá lugar la cuarta edición de la conferencia Architecture & the Media en el Pabellón Mies van der Rohe. Este evento busca promover el intercambio de experiencias y conocimientos sobre el papel de los medios de comunicación en la difusión de la arquitectura, especialmente en el contexto de grandes eventos como la Capital Mundial de la Arquitectura en Barcelona en 2026. Además, la Fundació continuará con el comisariado de los premios Construmat y Living Places.
Una pantalla de cine al aire libre
Con la llegada del verano, vuelve el esperado ciclo Pantalla Pavelló, que transforma el muro de travertino del Pabellón en una pantalla de cine al aire libre para disfrutar de películas y debates sobre el papel de la arquitectura en el cine. Este enfoque también estará presente en las películas seleccionadas para el ciclo “Per Amor a les Arts” de la Filmoteca de Cataluña: “Helsinki forever” y “Tall: the American Skyscraper and Louis Sullivan”.
En colaboración con la Fundación Goethe, el Pabellón Mies van der Rohe seguirá acogiendo conciertos que inviten a la inspiración a través de la música en este espacio único. También continuará ofreciendo jornadas de puertas abiertas el primer domingo de cada mes y en días festivos locales, una actividad que, en los últimos años, ha contado con una excelente acogida ciudadana y representa el 25% del total de visitantes. El pabellón será parte de eventos abiertos a la ciudad como “Viu Montjuïc: El parc de la cultura”, la Nit dels Museus y 48H Open House Barcelona, consolidándose como un espacio central en la vida cultural de la ciudad.
Digitalización
Por último, pero no menos importante, la Fundació Mies van der Rohe continuará trabajando en la digitalización de su archivo, colección, fondo documental y biblioteca, con el objetivo de fomentar el conocimiento de la arquitectura. El programa de actividades 2025 reafirma el compromiso de la Fundació de aportar conocimiento arquitectónico a nivel internacional, consolidando al mismo tiempo el Pabellón como una plataforma cultural que los ciudadanos sientan como propia y parte esencial de la identidad de Barcelona.
En uno de los Poblados Dirigidos de Madrid, desarrollados entre 1956-1966, se encuentra la Casa Feliz. Más específicamente, Fuencarral C fue proyectado por José Luis Romany como una combinación tipológica residencial que incluía unifamiliares en hilera y bloques lineales. Con la llegada de una nueva familia en 2023, que consta de dos adultas, dos recién nacidas y una coneja, la Casa toma un nuevo rumbo para adaptarse a las necesidades contemporáneas de un barrio que lucha por encontrar la paz en medio del cercano nudo de circulaciones en el que está ubicado al Norte de Madrid.
Vivienda unifamiliar en Poblado de Fuencarral C | Estado original vivienda | Atlas de los Poblados Dirigidos de Madrid, Ediciones Asimétricas
Vivienda unifamiliar en Poblado de Fuencarral C | Estado original vivienda | Atlas de los Poblados Dirigidos de Madrid, Ediciones Asimétricas
Casa Feliz | Conjuntos Empáticos | Plantas
Casa Feliz | Conjuntos Empáticos | Casa Feliz | Axonometría
La Casa había sido alterada cuando la familia la adquirió. El patio había modificado su perímetro en forma de U para convertirlo en un trastero. Su fachada inferior se había movido y ya no guardaba el soportal que antaño la caracterizaba. Las contraventanas correderas se habían sustituido por un gran toldo y el paramento de ladrillo visto había sido ocultado por tirolesa blanca. Sus anteriores usuarios habían vivido mucho aquella casa y, en consecuencia, la realidad se había alejado de lo proyectado un día.
La rehabilitación de esta vivienda se centra en 6 estrategias. La intención principal es recuperar el espíritu original de la edificación, así como adaptarse a las necesidades contemporáneas de sus nuevas habitantes y los recuerdos materiales que las acompañan.
La Casa se prepara para una segunda vida que acogerá a un grupo de seres vivos que requieren de una serie de objetos materiales que son indispensables para el desarrollo de sus dinámicas diarias.
Casa Feliz | Conjuntos Empáticos | Estructura metálica
Las estrategias planteadas
· Eliminación de añadidos volumétricos y recuperación de la característica fachada de ladrillo visto, así como de sus celosías.
· Inserción de dos pórticos estructurales, uno como núcleo de comunicaciones y otro como ampliación de la estancia común principal.
· Actualización de instalaciones mediante aerotermia.
· Apertura total de la fachada occidental para la generación de un salón de verano, así como la conexión intermitente de las habitaciones ubicadas encima del mismo.
· Aprovechamiento de la volumetría a dos aguas.
· Colores vivos (naranja y verde) y materiales naturales (cerámicos, madera y metal) para una mejor conexión con el entorno.
Casa Feliz | Conjuntos Empáticos | Axonometría explotada
Diferentes etapas
Esta casa acogerá diferentes etapas de la vida de una familia, que irán mutando en torno a sus pequeñas recién nacidas. Una gran habitación albergará sueños y juegos para las gemelas, pero se dividirá en dos cuando ellas decidan descansar por separado.
Una cocina con espacio para comer en trona, que evolucionará a una cocina+estudio para poder leer en compañía de las mamás mientras cocinan. Una sala de estar que se protege con una gran celosía en verano, para abrirse de lado a lado cuando el exterior y el interior necesiten estar conectados.
Los pájaros suenan desde el sofá, las hojas se proyectan en la pared de la habitación y unas rendijas de sol se cuelan entre risas y tropiezos de los primeros pasos. Una casa para ser habitada. Una casa en la que generar recuerdos. Una casa para crecer y reír.
Obra: Casa Feliz
Autoras: Conjuntos Empáticos (Sálvora Feliz + Tomás Pineda + Marta Benito + Laura G Caballero)
Colaboradores: Emilio Prado, Gabriel Millán, Cristina Pardo y Alexandra Escalante
Estructuras: Mecanismo Ingeniería
Fotografia: Estudio Balloon (Javier de Paz) + conjuntosempaticos.com
5º Fórum de Construcción con Madera del 14 y 15 de mayo de 2025 en el Palacio de Congresos de Pamplona (Navarra, España)
El calentamiento global y el cambio climático son una realidad. En nuestro país, las lluvias torrenciales son un 12% más intensas y el doble de probables ahora, en comparación con el clima preindustrial, advierte el último análisis del World Weather Attribution, grupo de expertos de referencia a nivel mundial en cambio climático. Según el Dictamen del Comité Económico y Social Europeo sobre la ‘Construcción en madera para reducir el CO2 en el sector de la construcción’, la construcción con este material puede evitar hasta un 40% de emisiones de CO2 en comparación con el hormigón.
Por eso, en esta quinta edición, el Fórum Internacional de Construcción con Maderaregresa con el objetivo, no solamente de concienciar y explorar las oportunidades y posibilidades de la madera como una alternativa sostenible para la construcción, sino también como punto de encuentro entre empresas, instituciones y profesionales, con ponencias, proyectos de referencia internacional y una zona de exposición para empresas del sector.
Conferencia edición 2024 Fórum Internacional Construcción con Madera
Las novedades de la 5ª edición
Cinco bloques estructuran el programa de la edición 2025 durante el 14 y 15 de mayo en el Palacio de Congresos de Pamplona; donde se abordarán temas como:
‘¿Tenemos suficiente madera para construir?’,
‘La madera y la ciudad sostenible: proyectar y construir con madera’,
entre otros.
Uno de los puntos destacados de esta edición, será la densificación urbana y la rehabilitación energética, ya que se trata de una herramienta importante en la lucha contra el cambio climático. En este sentido, el congreso contará con profesionales destacados que expondrán proyectos actuales que demuestran el importante papel que puede jugar la madera en la regeneración de los centros urbanos.
Por su parte, el bloque ‘Nuevos horizontes para la construcción con madera’abordará proyectos innovadores recientes, como la ‘Biblioteca de los Mil Soles de Madrid’, ubicada en el barrio de Villaverde, con una superficie total de más de 2.500 metros cuadrados, obra del arquitecto Miguel Ángel Díaz Camacho. Una construcción que integra soluciones de máximo compromiso ambiental como la ventilación e iluminación naturales, la utilización de estructuras de madera, el uso de energías renovables como la solar fotovoltaica y la geotermia y la integración paisajística con el espacio público. Bajo el mismo bloque, el Fórum dará a conocer el Proyecto Oceanika, diseñado por los estudios Bakpak Architects y EOVASTUDIO. El arquitecto Juan José Baena contará el proyecto, con más de 15.000 metros cuadrados para coliving, 180 apartamentos y zonas comunes que incluirán piscina y gimnasio. Un complejo que se convertirá en la mayor construcción de madera de nuestro país, que además procede de bosques gestionados de manera sostenible y certificada por el PEFC y el FSC.
Biblioteca de los Miles Soles de Madrid, de Miguel Ángel Díaz Camacho
Inscripciones abiertas en la web oficial
Las inscripciones ya se pueden adquirir a través de la web con diferentes modalidades: entrada premium, con acceso completo a la programación de los dos días del Fórum, incluida la zona de exposición, la cena de gala para ‘networking’, almuerzo de despedida y libro de ponencias posterior al evento; entrada standard (no incluye cena de gala), entrada para uno de los dos días del Fórum, descuento para estudiantes, o, si no puedes asistir pero no quieres perderte las novedades destacadas de la edición, existe la opción de adquirir el libro de ponencias.
USA NUESTRO CÓDIGO DESCUENTE: FORUMMADERA15
Gestiona ya tu inscripción para el 5º Fórum Internacional de Construcción de Madera a través de la página web. Una oportunidad para quienes buscan liderar el cambio en la construcción y conocer las nuevas posibilidades que ofrece la construcción con madera en España, Europa y el resto del mundo.
Teatro situado en la cubierta de la Unité de Marsella, Le Corbusier, archivos del autor, 2019
Servir al habitar, ser útil al habitar y al habitarse, eso es lo que hacemos; primero somos, después nos reconocemos, luego creamos, y finalmente servimos al habitar (como seres útiles).
Nos mesuramos, nos abordamos, nos contenemos, para luego diluirnos y ser parte indisoluble del hecho habitable. El espacio nos recibe, nos reconoce, nos adopta, deja que nos adaptemos, nos envuelve, nos engulle, y luego nos va dejando ir poco a poco, nos permite dejar huellas de nuestra hechura en él, y sólo es capaz de dejarnos ir hasta haber sentido que nuestra alma se ha amalgamado ante sus designios. Aquellas huellas, aquellas marcas que dejamos “cuando usamos” cada día van dando cuenta de nuestros actos, de lo que somos, de cómo nos hemos construido, de lo que hemos sido, y de lo que aún nos falta por “ser”; también de lo que contamos cuando ya nos hemos ido; y como los recodos cuentan sin aliento nuestra vida, aquellos que aun escriben historias impregnadas sobre los materiales: testigos de nuestra vida que hemos ido dejando por doquier, como nuestros hábitos y costumbres que sobre las señas de nuestros movimientos y sobre la vida yacen desgastadas.
Servir al habitar es justificarse de algún modo ante la vida, es ser amo y esclavo de nuestros ritos, de nuestra rutina, de nuestros olvidos, de nuestros recuerdos: es ser parte de ese espacio, sin que nos hayamos percatado de que aquello nos hacía falta para habitar.
Gracias a José Luis Castro de Paz he descubierto la extraordinaria revista Volvoreta, editada por la Fundación Wenceslao Fernández Flórez, que se publica desde 2017 y en diciembre del año pasado apareció su último número por ahora: el siete. El anterior está dedicado a El hombre que se quiso matar, una novela corta publicada por ese escritor en 1929, que fue adaptada al cine en dos películas con ese mismo título dirigidas por Rafael Gil en 1942 y 1970, y ha servido como inspiración para las obras de teatro, Mañana me mato de Pedro Pérez Fernández y Las maletas del más allá de Félix Ros, estrenadas en 1935 y 1952.
Este número de la revista que, como todos los que he visto, es magnífico reúne una serie de artículos sobre la obra original y todas sus adaptaciones, así como unos anexos con la novela, los guiones de ambas películas, las dos comedias y un DVD con la primera de las cintas.
El protagonista de la novela y de la primera película, Federico Solá, es arquitecto y ya escribí sobre él en La imagen supuesta: Arquitectos en el cine, pero ahora, después de los años y con más elementos de juicio, es interesante volver sobre él para saber cómo se ha reflejado la profesión en la literatura, el teatro y el cine.
Almanaque de La Novela de Hoy, n.º 397 Madrid, 1930, donde se reditó la novela corta El hombre que se quiso matar.
1929
Empezando por el principio, por el texto de Fernández Flórez, se describe la vida de su personaje como «una eslabonada serie de fracasos y de amarguras, de luchas económicas y de derrotas sentimentales», hasta que se ve «animado de un verdadero entusiasmo por el cemento», incluso publicando «frecuentes artículos en las revistas profesionales, cantando al hormigón»; gracias a estos conocimientos confía obtener un puesto en la fábrica de cementos «El Castor» pero, aunque se lo habían prometido miembros del Consejo de Administración, la plaza se la dan «al yerno del ingeniero-director», que nunca ha estado en la fábrica.
A pesar de estos angustiosos precedentes, Federico acepta dar una conferencia en el Círculo Científico y Recreativo:
«La verdad es que nadie podría decir, después de examinar una por una a las sesenta y cuatro personas que había en la sala, qué interés misterioso, qué afán de martirio o qué necesidad de cultura les llevaba a asistir a una conferencia que se había anunciado así, bien claramente, en todos los diarios: «El hormigón armado y las construcciones modernas». Federico Solá, como cualquiera en aquel caso, podía estar seguro de hacer las afirmaciones más arriesgadas acerca de la utilidad del hormigón o calumniarlo villanamente, sin encontrar a un solo contradictor en todo el concurso».
En la conferencia, sin embargo, nadie se aburre porque su verdadero tema es el anuncio del próximo suicidio del conferenciante. A partir de ese momento, se hace famoso y cambia la actitud de sus conciudadanos.
Cerca del día en que va a matar, decide ir a visitar a Evaristo Argüelles «cacique barrigudo amo de la provincia» e «Ilustre por manejar unos cuantos municipios, por haber conseguido una plaza de senador vitalicio», para comunicarle que ha decidido llevárselo con él, matándolo antes de suicidarse, «para no irse sólo». Evidentemente Argüelles no está de acuerdo con esta idea, por lo que hace todo lo posible para que Federico desista, cuando este le confiesa que es arquitecto, el cacique exclama:
«¡Pero por Dios! ¡Magnífica cosa! ¿Y está desesperado? Un arquitecto no se mata nunca, joven; un arquitecto construye casas, construye palacios, gana dinero, lucha…»
Desgraciadamente Solá sólo ha tenido ocasión de edificar un garaje y además se hundió. Argüelles insiste en animarle y para ello le expone que «el arquitecto provincial está próximo a jubilarse. Ha robado tanto, que ya le aburre. Precisamente estaba yo preocupadísimo buscando alguna persona competente a la que hacer nombrar en su puesto. ¿Quiere usted ser esa persona? Buen sueldo y… abundantes negocios», para rematar su argumentación le asegura que el arquitecto se hizo rico en cinco años. Federico acepta y Argüelles dice:
«En la Diputación provincial mando yo; mi palabra es ya el nombramiento».
Es interesante lo que un inteligente y caustico humorista, como Fernández Flórez, opinaba sobre los arquitectos a finales de la Dictadura de Primo de Rivera, una profesión elegida posiblemente por las analogías entre el cemento con la vida gris y plomiza del personaje.
Ante todo, al protagonista no le interesan las tareas propias de un arquitecto, hacer proyectos o construir edificaciones, sino sólo estudiar el hormigón, siendo su única ambición trabajar en una fábrica, pero fracasa porque se queda parado, una circunstancia muy extraña en una época en que, por haber pocos profesionales, casi todos tenían trabajo y además eran considerados -normalmente por ellos mismos- como una casta privilegiada. El otro arquitecto que se nombra, pero no se muestra, es el municipal, tan corrupto como el cacique e involucrado en negocios turbios que le han enriquecido en poco tiempo.
La salvación del mediocre Federico no está relacionada con su admirado hormigón, sino que, gracias a las influencias políticas de un indeseable, puede conseguir un puesto codiciado, convirtiéndose en un deshonesto funcionario público.
Como puede comprobarse, el aparente final feliz ideado por Fernández Flórez en realidad es una ácida crítica de la sociedad española de aquellos años, que podría aplicarse también a los posteriores.
El arquitecto que se quiso matar
1942
En la primera adaptación cinematográfica, Federico Solá (Antonio Casal) trabaja en la fábrica de cemento El Castor y no consigue un puesto que le había prometido su Consejo de Administración, dándoselo al yerno del «ingeniero director»; él mismo afirma que es: «el único hombre que ha tenido la humorada de dedicar su vida por entero al estudio del cemento armado. Donde ha surgido la oportunidad y también donde no ha surgido, he cantado sus bondades» y concluye:
«¡He cimentado mi existencia en el hormigón, porque es lo que creía más seguro, y ahora veo derribarse mis ilusiones por la competencia de un cretino cualquiera!».
Va a impartir una conferencia en el Círculo Recreativo titulada «El cemento armado y las construcciones modernas», sustituyendo el término hormigón de la novela, por cemento, aunque no suele hablarse de «cemento armado», sino de hormigón armado, relacionándolo con la fábrica donde trabajaba. En ese acto anuncia que va a suicidarse y al día siguiente en el diario local aparece su fotografía con un pie en el que lo califican como «eminente arquitecto».
Tras varias peripecias, Federico se enamora de la hija del «director de la sociedad de edificaciones», el señor Argüelles, y va a visitarlo a su despacho, diciéndole que su desgracia «ha consistido en la falta de un amor y la falta de un empleo en el que poder desarrollar mis conocimientos adquiridos después de muchos años de estudios. Yo soy arquitecto…», Argüelles le responde: «Compañero» y le da la mano, pero Solá añade: «Compañero, si… de carrera, pero no de fortuna. Usted ha triunfado y en cambio a mi… el fracaso de la vida me ha llevado al suicidio. Pero antes de morir quiero vivir o hacerme la ilusión de que vivo de verdad», por eso quiere un amor y un trabajo: «una colocación».
Argüelles señalando al plano
Entonces le cuenta a Argüelles que antes de suicidarse va a matarlo para que le acompañe y empieza a alabarlo, lo llama «culto arquitecto» y éste le responde: «¿Culto?… ¿Ha dicho culto?… ¿Culto yo?… ¡Vamos, hombre, vamos!», según se indica en el guion: «en este momento comienza a marchar hacia la pared, donde hay unas fotografías de edificios y planos de construcciones»; en la película solo hay un plano con la planta de un edificio en un atril sobre un pedestal que parece un ornamento religioso y un cuadro en la pared con una foto de un edificio. Arguelles dice: «Siento que no estén aquí mis ayudantes» y señalando: «Ellos son lo que hacen estos planos» e indicando el cuadro:
«Ellos los que dirigen estas edificaciones. Yo no sé una palabra de nada… Yo no soy aquí más que una figura decorativa… De Arquitectura solo sé… que soy arquitecto…»
Solá le dice que es un hombre modesto y Argüelles le contesta: «¡Que disparate! Soy la personificación del orgullo y además un pinta, señor ¡Lo que se dice un pinta! Con tres amiguitas y una oficina en la que apenas se trabaja, porque nos pasamos la mayor parte del tiempo jugando al tute, o divirtiéndonos con una mecanógrafa que…» y añade «me paso el día con las piernas encima de la mesa, masticando puros, y escupiendo sobre los muebles». Finalmente le da el empleo a Federico.
Evidentemente Argüelles está quitándose méritos y hablando mal sí mismo, para que Federico elija a otra persona que lo acompañe, pero no es extraño que en aquella época hubiera estudios de arquitectura en los que los aparejadores e incluso los delineantes, fueran quienes desarrollaban los proyectos, limitándose el arquitecto a firmarlos y después cobrar los honorarios.
Comparando esta película con la novela de Fernández Flórez, Argüelles ya no es un cacique, ni un político, sino un arquitecto y el puesto que obtiene Federico no es el de funcionario corrupto, sino de empleado en una empresa privada.
En la comedia teatral Las maletas del más allá, antes citada, escrita por Félix Ros, recogiendo varios textos de Fernández Flórez y estrenada en 1952, su protagonista llamado Alberto Boluda, también es arquitecto y su tercer acto, sucede en el despacho del cacique local, Don Práxedes, el padre de Paula de quien se ha enamorado Alberto, donde se desarrolla una conversación entre los arquitectos, que se parece mucho al diálogo entre Federico y Argüelles de la novela corta.
Parecería extraño que en la España franquista de principios de los años cincuenta, una obra teatral hiciera una crítica tan corrosiva contra las autoridades, aunque fueran caciquiles, pero hay que tener en cuenta que la acción de esta comedia se desarrolla en Iberina –un país ficticio inventado por Fernández Flórez- y «al comenzar “los felices 20”».
El arquitecto que se quiso matar
Federico ya no es arquitecto
El protagonista de la obra de teatro antes mencionada, Mañana me mato, escrita por Pedro Pérez Fernández y estrenada en 1935, no es arquitecto, sino millonario y ni siquiera se llama Federico, sino Luis.
En la segunda versión cinematográfica, también dirigida por Rafael Gil, pero en 1970, Federico Solá (Tony Leblanc) es profesor de bachillerato de la asignatura de latín en un colegio en Segovia, donde le tratan con desprecio tanto los profesores como los alumnos, su novia le abandona, malvive en una pensión y decide suicidarse. También amenaza a Argüelles con llevárselo con él, el prohombre decidirá entonces darle la mano de su hija y un trabajo en su empresa. Nadie es ya arquitecto.
Recuérdese que los sesenta y primeros setenta fueron los años del boom de la construcción en España y por eso sería absurdo que hubiese un arquitecto en la indigencia.
Como escribí en La imagen supuesta: Arquitectos en el cine:
«El hombre que se quiso matar es un buen ejemplo de cómo una misma historia, aun manteniendo el argumento casi igual, va variando según lo hace el momento histórico».
Por último, aprovecho para recomendar la extraordinaria revista Volvoreta, a todos los estudiosos y aficionados al cine y la literatura, a los que seguro no les defraudarán sus estupendos artículos, la copiosa documentación aportada y su cuidada edición.
El ciclo «Kilos, Hercios & Megabytes» explora cómo la arquitectura dialoga con nuevas formas de comunicación, narrativas y espacios culturales. Tres ciclos, múltiples perspectivas, un objetivo: repensar cómo contamos y vivimos nuestra disciplina.
PRIMER CICLO
Comisarios:
David García-Asenjo Llana. Doctor arquitecto, profesor de la Universidad Rey Juan Carlos
José María Echarte Ramos. Doctor Arquitecto, profesor de la Universidad Rey Juan Carlos
Sesión 1: MEDIA JAM
De forma progresiva desde mitad de los años 2010 nuevas formas de comunicación van sustituyendo progresivamente a las tradicionales que se mantienen, en algunos casos, reformuladas o que se combinan con las primeras para producir un producto nuevo, un híbrido transmedia, mucho más complejo que el original.
Así, los canales de televisión tradicionales se ven a la vez que se comenta, en directo, en X (Twitter); los nuevos formatos de narración que son los podcasts nos permiten elegir las historias que queremos escuchar; se cuenta la arquitectura a través de Youtube o Twitch; o se viralizan contenidos en forma de hilos de X (Twitter) en los que se cuentan de forma amena historias sobre edificios o ciudades.
Una nueva generación de comunicadores ha sabido leer el auge de estos medios del siglo XXI y su capacidad de absorción y adaptación, para mezclar entretenimiento, educación, investigación, información y cultura sin anaqueles cerrados.
¿Puede la experiencia de estos profesionales servirnos como herramienta para contar nuestra disciplina? ¿Cómo se habla de arquitectura en X (Twitter)? ¿Es posible retransmitir los premios COAM por Twitch? ¿Puede servir este modo de comunicación para facilitar el conocimiento de la arquitectura por parte de la sociedad, uno de los objetivos de la Ley de Calidad de la Arquitectura? ¿Cómo se encuentran estos nuevos modos con los más resistentes al cambio, al papel y a la academia? ¿Es posible leer una tesis en un hilo de X (Twitter)? ¿Tiene que ser este uno de los aspectos que se tenga en cuenta a la hora de plantear las actividades que lleve a cabo la Casa de la Arquitectura?
Estás sesiones tienen por objeto intentar responder a estas preguntas y hacerlo de forma práctica, retransmitiendo, tuiteando, grabando un directo mientras hablamos de algo que nos gusta: la arquitectura y las historias y personas que la habitan.
Participan:
· Anatxu Zabalbeascoa / Historiadora del arte, Periodista. Escritora. Autora del podcast «La gran D» en PODIUM PODCAST
· Arturo Franco Díaz / Presentador de “Jardines con Historia” en TVE, Profesor de la ETSAM, crítico y editor, Doctor arquitecto por la UPM
· Luis Lope de Toledo / Arquitecto por la UPM, comunicador, director del canal “Lope de Toledo #la arquitectura es sexy” en Youtube y de “LopeDeToledo” en Twitch
· Ana Ribera/ Editora jefa de PRISA AUDIO para los PODCAST del grupo PRISA
Sesión 2: ESPACIOS POROSOS
El mundo académico es, por lo general, poco poroso. La relación con la sociedad, a la que por su naturaleza sirve es, en ocasiones, complicada. En el caso particular de nuestra disciplina, esto produce que investigaciones relevantes, bien desarrolladas y valiosas, no tengan la trascendencia que deberían o que, incluso, no lleguen a nuestro propio colectivo.
La Academia, no obstante, no deja de aprender y de transformase porque, de nuevo, esta es su naturaleza.
¿Puede un podcast sobre monjas, alquimia y anhelos del sensorio barroco resultar interesante más allá de la investigación académica en la que se origina? ¿Pueden la investigación y la narración, de las que hablamos en la primera sesión de este ciclo, expandirse desde el papel a las ondas y de ahí a lo digital? ¿Pueden hacerse accesibles, entretenidas, divertidas incluso, sin perder un ápice de su profundidad y su rigor?
Las Hijas de Felipe, Ana Garriga y Carmen Urbita, han demostrado que se puede y que la experiencia transmedia, desde la narración y el deseo de comunicación, resulta una herramienta poderosa para que, de repente, descubramos nuestro interés por las reliquias, por el boom del ladrillo barroco y, tal vez también por la arquitectura.
Participa:
· LAS HIJAS DE FELIPE. Ana Garriga (Salamanca, 1989) y Carmen Urbita (Madrid, 1989) se conocieron en Providence (Rhode Island) en 2016 cuando empezaron un doctorado en la Universidad de Brown. Juntas son Las hijas de Felipe, nombre con el que en 2020 empezaron a grabar un podcast sobre rincones olvidados del barroco, siempre guiadas por la premisa de que «todo lo que te esté pasando a ti ahora, ya le pasó a alguien en los siglos XVI y XVII”. Ana Garriga se doctoró en 2017 en la Universidad Autónoma de Madrid. Carmen Urbita tiene un máster en literatura comparada por la Universidad de Oxford y ahora escribe su tesis sobre los cruces entre escritura, arquitectura y prácticas mecánicas en la construcción de El Escorial.
· Alba Carballal. Arquitecta por la ETSAM, becada por la Fundación Antonio Gala, novelista, investigadora doctoral. Autora de Tres maneras de inducir un coma (Seix Barral, 2019).
Sesión 3: EL PODCAST AMERICANO
A lo largo del último siglo la divulgación arquitectónica se ha transmitido a través de las ondas. La radio servía para acercar la cultura y la arquitectura a los ciudadanos y algunas de estas emisiones fueron publicadas en libros que ahora son de cabecera para entender la disciplina.
La aparición del formato podcast ha democratizado la creación de contenido y ha permitido que investigadoras, divulgadoras y amateurs, que no disponían de acceso a los medios de comunicación tradicionales, contaran con las herramientas adecuadas para difundir su trabajo. A través de las redes sociales se han generado comunidades interesadas en muy diversos temas, entre ellos la arquitectura. En una época en la que la radio y la televisión tenían una fuerte influencia en la sociedad, sus retransmisiones divulgativas llegaban a un amplio sector de la población. Ahora este prestigio está unido a la figura del comunicador, que puede prescindir de un gran medio para hacer que su contenido sea relevante.
La aproximación a la disciplina que se articula desde estas iniciativas es más diversa y colaborativa, y posibilita a sus autoras un acompañamiento en el proceso de trabajo; consiguen así, en compañía, llegar a oyentes interesados en contenidos arquitectónicos.
· Carmen Figueiras y Jaume Prat se han unido a través de las redes para crear el podcast El punto gordo. Un proyecto en el que las arquitecturas periféricas (tanto geográficas como tipológicas) encuentran su hueco.
· Pedro Torrijos ha generado una comunidad interesada de sus Territorios Improbables alrededor de sus brasas en X (Twitter), que se han trasladado al podcast, a la radio y al papel.
· Alba Carballal investiga y divulga sobre arquitectura al tiempo que crea contenidos audiovisuales y literarios. Nos acompañarán en esta sesión para explicar los mecanismos internos de su trabajo.
SEGUNDO CICLO
Comisarios:
David García-Asenjo Llana. Doctor arquitecto, profesor de la Universidad Rey Juan Carlos
José María Echarte Ramos. Doctor Arquitecto, profesor de la Universidad Rey Juan Carlos
Sesión 1: ENEMIGOS ÍNTIMOS
¿Pueden un ingeniero, un historiador y un arquitecto ser amigos? ¿Necesitamos de la mediación de una periodista para poder entendernos? Más allá de esta pequeña digresión, la universalidad de la disciplina y de muchos de los aspectos que la integran (técnicos, humanistas, artísticos, etc.) hacen que se cruce en campos de conocimiento con estas otras profesiones, con las que trabajamos y hablamos, con las que muchas veces nos relacionamos en la distancia y con los que une probablemente más de lo que nos separa.
¿Cómo nos ven desde este exterior cercano? ¿Cómo desarrollan su labor de comunicación, desde lo profesional o desde el interés amateur y científico cuando el objeto a comunicar es la arquitectura o, incluso, los arquitectos y arquitectas? ¿Por qué no confiamos en los profesionales de los medios para que nos ayuden a mostrar nuestras virtudes?
En esta primera sesión nos acompañarán Raquel Martos, Miguel Ángel Cajigal, (El Barroquista) y Carlos Polimón Olabarrieta (The General, en Twitter / X) en un dialogo sobre cómo nos ven y cómo nos cuentan, nuestros más íntimos enemigos.
Participan:
· Raquel Martos (@raquelmartos). Periodista, guionista y escritora. Es presentadora de “El Condensador de Fluzo”, programa de divulgación histórica de La 2 (RTVE) y reportera en el magazine cultural “Ahora o Nunca” (LA 1 RTVE). Colabora en “Julia en la Onda” (ONDA CERO) y creadora del podcast “Ladrones con arte” (PODIMO). Es autora de las novelas “Los sabores Perdidos” (EDICIONES B), “No pasa nada y si pasa, se le saluda” y “Los besos no se gastan” (ESPASA).
· Miguel Ángel Cajigal (@elBarroquista). Historiador del arte y la arquitectura, comisario de exposiciones y divulgador cultural. Es miembro del Consejo Internacional de Monumentos y Sitios (ICOMOS) y del Consejo Internacional de Museos (ICOM). Colabora con diferentes universidades e instituciones como especialista en patrimonio y comunicación cultural. En 2022 recibió el premio EDE como Mejor Educador Digital de España en la categoría de Historia. Participa en el programa “Galicia por diante”, de Radio Galega, en “Julia en la Onda”, de Onda Cero, y en “El condensador de Fluzo”, de TVE.
· Carlos Polimón Olabarrieta (@thegeneral). Ingeniero de Caminos especialista en construcción y restauración de estructuras. Presidente de la comisión de ingeniería y sociedad de la Asociación de Ingeniería Estructural y miembro del Comité Asesor de la Fundación Juanelo Turriano para el fomento del estudio de la historia de la ingeniería y la ciencia. Divulgador de la ingeniería con el objetivo de que llegue a cualquier persona, para ello usa métodos como el juego o las exposiciones transversales con disciplinas como el cómic
Sesión 2: ESTUDIO(S) DE ESTADIO(S)
“No hay nada menos vacío que un estadio vacío. No hay nada menos mudo que las gradas sin nadie”.
Esta cita de Eduardo Galeano nos sirve para entender que la arquitectura de los estadios está vinculada a la memoria de generaciones. Estos recintos tienen una conexión directa con la emoción no solo de los que los habitan cotidianamente sino de los que los visitan de forma puntual.
Vivimos unos tiempos en los que los estadios han dejado de ser solo el lugar donde se juega al fútbol y llenan sus entrañas de hormigón de actividades para generar un negocio rentable. Pero, sin el juego y nuestra emoción al vivir los partidos, estarían vacíos y quedarían mudos.
En esta segunda sesión de KHM_2 queremos recuperar las primeras sensaciones al visitar un estadio y trataremos de analizar hasta qué punto las nuevas arquitecturas tienen que garantizarnos esa conexión con la memoria de los que las habitaron previamente. Para hacerlo aprovecharemos esos estadios y sus estudios y sobre ellos tres miradas, las de Miguel, Carlos y Pach, que nos llegan desde el exterior. Libres, rigurosas y divertidas. Y apasionadas.
· SABER Y EMPATAR. El canal que te regala conocimiento futbolístico absurdo. Conversaciones en torno al balón y sus aledaños junto a Miguel Gutiérrez, Antonio Pacheco ‘Pach’ y Carlos Marañón. Futbol vintage e ídolos de ayer y de hoy, jugadores bigotudos, cromos, camisetas absurdas, equipos desastrosos, fichajes decepcionantes. Balompié sin complejos, de los Mundiales al Infrafútbol, junto a un invitado conocido o que merece mucho la pena conocer. El origen de esta aventura es el libro Saber y Empatar. Compendio de conocimiento absurdo sobre fútbol (a día de hoy)(Editorial Córner, 2020), escrito por Gutiérrez y Pacheco, y prologado por Marañón, con ilustraciones de Lawerta. Desde 2021 el programa, semanal, se emite en YouTube y las principales plataformas de Podcast.
Participa:
· Miguel Gutiérrez (Madrid, 1977) es periodista, siempre con el «presunto» delante. Comenzó trabajando en prensa sectorial y económica —él tampoco se lo explica— antes de ocuparse del deporte en ADN y, sobre todo, Sportyou, diario del que fue redactor jefe durante doce años. En 2004 creó La Libreta de Van Gaal (@lalibreta), marca personal con la que ha colaborado en Onda Cero, Yahoo Deportes, El Confidencial y, en la actualidad, Radio Marca y Jot Down Sport. Ha publicado los libros Frases de fútbol(2011), Parecía un buen fichaje (2013) y Saber y empatar (2020), todos ellos en Córner. Desde 2019 trabaja en comunicación corporativa e institucional, pero eso ya es mucho menos interesante.
· Antonio Pacheco. Cuando Pach (Madrid, 1969) tenía cinco años dibujó un bosque con los árboles pintados de rojo. Su profesora pensó que era un genio. Resultó que era daltónico, así que tuvo que volcar su creatividad en la escritura. Aún con estas limitaciones de serie, es uno de los creativos publicitarios españoles más premiados a nivel internacional, ha dirigido agencias como Proximity, McCann o Manifiesto, y ha realizado campañas para marcas como Coca-Cola, Ikea, Mercedes-Benz o, sobre todo, Real Madrid. El mundo de la publicidad es muy generoso.
También es profesor de creatividad en la Universidad Carlos III de Madrid y en la Barcelona School of Creativity, pero lo que de verdad le apasiona es escribir sobre el universo del absurdo que rodea a sus deportes favoritos: fútbol y baloncesto. Y como el absurdo es infinito, ya le ha dado para publicar tres libros: La Pitipedia (Coìrner, 2019, con Piti Hurtado), Zidanes y Cargoles (Coìrner, 2022, con Tomaìs Guasch), y Saber y Empatar(Córner, 2020, con Miguel Gutiérrez), germen del programa/podcast en el que, a día de hoy, deliran en las ondas junto con Carlos Marañón.
· Carlos Marañón. Director de Cinemanía desde 2008, periodista, crítico cinematográfico y escritor, Carlos Marañón nació en Barcelona en 1974. Licenciado en Derecho por la Universitat de Barcelona y en Periodismo por la Universidad de Navarra, es perico de nacimiento y exfutbolista de la cantera del RCD Espanyol. Hijo, sobrino y nieto de futbolistas, es miembro del programa Saber y Empatar en YouTube, y columnista de AS desde 2008. Colaborador de la Cadena SER en temas de cine y de fútbol (La ventana y Carrusel deportivo), es contertulio en los programas televisivos de José Luis Garci (Cine en blanco y negro, Classics) y comentarista en Movistar+ de los Oscar, LaLiga y la Copa del Rey.
Rejas, esquinas y rincones, alcobas, balcones, quicios, mancebías, veredas. Espacios. Lugares de lo popular, de la vida. Todos, de una forma u otra, conforman un paisaje no por imaginario menos tangible y construido: el de los escenarios de las pasiones humanas que la copla, casi como ningún otro género musical o literario, ha sabido relatar.
Estos espacios se integran en el subconsciente colectivo, forman parte de nuestra educación emocional: la copla es, en palabras de Lidia García, “[…] el alivio de faena para la gente que ha tenido que doblar el lomo” y así, empleada como elemento de resistencia y como testigo de las vidas de sus autores y del pueblo, ha sido también registro de la existencia de espacios próximos, espacios dentro de otros (de viviendas, de cafés, de habitaciones). Lugares liminales en los que se daban usos ocultos, prohibidos, alternativos, de los que la copla es catalogo y memoria.
A través de la recuperación que Lidia García hace del género, de su investigación y, sobre todo, de la forma en la que une lo popular con lo académico y de cómo lo cuenta y, acompañada por la escritora y arquitecta Alba Carballal, trataremos de entender mejor ese uso, real y revelado u oculto y hackeado, de los espacios que muchas veces proyectamos sin vivir.
Participan:
· Lidia García García @thequeercañibot (Montealegre del Castillo, 1989) es investigadora y divulgadora. Doctora en Historia del Arte por la Universidad de Murcia con una tesis sobre copla y prácticas camp.
Graduada en Humanidades por la Universidad de Alicante, fue premio extraordinario de fin de carrera y obtuvo una mención a la excelencia académica de la Generalitat Valenciana. También ha sido primer premio nacional en el XV Certamen de Introducción a la Investigación Científica del Ministerio de Educación. Ha participado en congresos internacionales –en la Universidad de Cambridge y en la Southern Denmark, entre otras- con comunicaciones sobre arte contemporáneo y cultura popular y ha publicado artículos sobre esta temática tanto en revistas científicas como en medios generalistas.
Colabora en los programas Mañana más de Radio Nacional de España, en La Ventana de La Ser y es autora del podcast ¡Ay, campaneras! y del libro del mismo título.
· Alba Carballal Gandoy @ilostmyglasses (Lugo, 1992) es arquitecta por la ETSAM, escritora y guionista e investigadora doctoral. Su primera novela, Tres maneras de inducir un coma (Seix Barral, 2019), mejor opera prima del año para El Cultural, la situó como una de las voces jóvenes más originales del panorama literario español. Junto al ilustrador Lorenzo Sangiò publicó el álbum infantilTu hogar en cualquier sitio (Editorial Flamboyant, 2021). Le seguiría su segunda novela, Bailaréis sobre mi tumba (Seix Barral, 2023), que recorre la historia reciente de Galicia con el chapapote como telón de fondo. Ha sido columnista del grupo Vocento y guionista en programas y series como Late Motiv, Locomundo, Manolito Gafotas y Días mejores.
TERCER CICLO
Comisarios:
David García-Asenjo Llana. Doctor arquitecto, profesor de la Universidad Rey Juan Carlos
José María Echarte Ramos. Doctor Arquitecto, profesor de la Universidad Rey Juan Carlos
Sesión 1: PAPEL OFFSET
Los invitados a esta primera sesión del ciclo, que cumple su tercera edición, conversarán sobre la siempre compleja relación entre lo escrito y una forma de producción, la artística y también la arquitectónica, que dependen de manera extrema de lo visual y lo tangible.
De las dificultades para conservar la palabra escrita como medio de comunicación y de atraer al lector / espectador hacía historias que van más allá de la narrativa convencional. La desaparición de dos obras de Richard Serra, en el caso de Tallón, como excusa para una profunda reflexión sobre la validez del arte moderno en Obra maestra o, en el caso de Otero, la vida del protagonista de su novela Simón, como forma de trasladarnos, con precisión fotográfica a un tiempo y unos lugares a los que parece que no dejamos de volver.
Participan:
· Juan Tallón @xoantallon (Ourense, 1975) es licenciado en Filosofía por la Universidad de Santiago. Toda su vida profesional, sin embargo, se ha desarrollado en el ámbito del periodismo. Ha colaborado en El País, El Progreso, El Periódico de Cataluña o la Cadena Ser, entre otros. Es autor de novelas como Rewind, Obra maestra y, más recientemente, El mejor del mundo. En el género de la no ficción escribió títulos como Libros peligrosos, Manual de fútbol y Mientras haya bares.
· Miqui Otero @miquiotero (Barcelona, 1980) debutó con Hilo musical (2010), ganadora del Nuevo Talento FNAC. Dos años más tarde llegó La cápsula del tiempo (2012), libro del año según Rockdelux. Ha escrito regularmente en medios como El País y el suplemento Cultura/s de La Vanguardia, y actualmente es columnista para El Periódico. También da clases de periodismo y literatura en la Universidad Autónoma de Barcelona. Con Rayos (2016), celebrada como la nueva «gran novela de Barcelona», se estableció como una de las voces más destacadas de la escena literaria española. Simón (2020) le confirmó el favor de público y crítica. Ganó el Premio Ojo Crítico y ha sido traducida a varios idiomas. Orquesta (Alfaguara, 2023) es su última novela.
Sesión 2: PAPEL GLOSSY
Los arquitectos y las arquitectas contamos cosas y lo hacemos gráficamente, visualmente. Calcamos. Copiamos. Redibujamos. Repetimos. Encuadramos.
El material con el que trabajamos es similar al de los dibujantes de comic, los historietistas; quizá sea más libre para Darío o quizá en realidad no tanto porque cada disciplina se somete a sus propias normas, a sus propios reglamentos y ataduras.
Alba construye mundos escritos, a través de los que sus personajes se mueven, respiran, habitan. Darío los dibuja, explica el mundo con un trazo. Quizá ambos sean la combinación perfecta de texto e imagen y sobre eso van a contarnos algo.
· Darío Adanti (Buenos Aires, Argentina, 1971) es un historietista, ilustrador y animador argentino, afincado en Madrid. Considerado uno de los autores más renovadores de la historieta cómica en España, también hace ilustración en revistas y periódicos (El País de las Tentaciones, La Vanguardia, Más Libros o Nosotros somos los muertos) o libros, como Vida Mostrenca de Jordi Costa. Junto con Barbara Perdiguera (también ilustradora), ha realizado varios cortos de animación como Vacaláctica, Elvis Christ, Minas de cobre o La hora de Hombre Cacto, entre otros. Ha sido guionista de Space Ghost Coast to Coast y Adult Swim España. Es, junto a Edu Galán, uno de los fundadores de la revista Mongolia, donde escribe y dibuja, y colaborador de la revista El Jueves. Su último libro, El Peronismo explicado a los españoles publicado por Athenaica, promete
“Una aproximación al más inquietante misterio de la América austral”.
· Alba Carballal (Lugo, 1992) es escritora, editora y arquitecta. Ha sido redactora en la revista Arquitectura Viva, guionista en los programas ‘Late Motiv’ y ‘Locomundo‘ y en las series ‘Días mejores’, ‘Física o Química: Nueva Generación’ y ‘Yo, adicto’, recién galardonada con dos premios a mejor serie del año en el Festival Serielizados. También ha sido columnista en los periódicos regionales del grupo Vocento. Codirigió, junto a Darío Adanti, el podcast ‘El milenarismo’. Hoy en día trabaja como guionista en varios proyectos audiovisuales y es editora y fundadora del sello editorial Plasson e Bartleboom, nacido para reivindicar la literatura a fuego lento. Con respecto a su trayectoria literaria, en 2016 obtuvo una beca de residencia artística en la Fundación Antonio Gala para Jóvenes Creadores de Córdoba, durante la que desarrolló su primera novela, Tres maneras de inducir un coma (Seix Barral, 2019), que resultó finalista del XV Premio Dulce Chacón de Narrativa Española y fue escogida como mejor ópera prima del año en El Cultural. En 2021 publicó el álbum infantil Tu hogar en cualquier sitio (Flamboyant), traducido al catalán, al chino simplificado, al coreano y al árabe. Bailaréis sobre mi tumba(Seix Barral, 2023) es su segunda novela. Gracias a una beca Leonardo de la Fundación BBVA está desarrollando la tercera.
Sesión 3: PAPEL CUCHÉ
Quizá la revista que publica reportajes sobre viviendas —ese icono de la arquitectura de la modernidad— y que más personas ven no esté en la sección de arquitectura de una escuela, sino en el kiosco cerca de nuestras casas. En la mesa de la sala de espera del médico. Confundida y en muchas ocasiones injustamente despreciada bajo el término ‘popular’, la información que proporcionan medios a los que se tiende a situar en escalas menores es relevante cuando se entiende de una forma transversal. Cuando se mira más allá del objeto concreto y se analiza su pertenencia a un ecosistema más complejo y, por emplear libremente el término que caracterizó a algunas de estas publicaciones, más espumoso en lo que tiene, en ocasiones, de impensable y, sin embargo, posible.
Existe, no podemos negarlo, una relación de nuestra disciplina con la representación teatralizada de la que las casas que las llamadas revistas del corazón enseñaban (y enseñan) son un ejemplo perfecto. Como vehículo de algo más que lo espacial, que incluye lo político, lo sociológico y lo económico, estas viviendas de papel cuché han producido deseos aspiracionales y tendencias de las que solo en épocas recientes hemos empezado a ser conscientes, quizá porque nuestro acercamiento es otro, ni mejor ni peor, distinto.
De la misma forma, nuestra percepción de lo urbano es a veces distante y basta un texto como el de Ángeles Caballero, nuestra invitada, sobre los nombres de los bares de Madrid, para que empecemos a entender que, más allá de la moda y de las normativas, las plantas bajas de nuestras ciudades son el escenario de una batalla encarnizada entre poderosas fuerzas económicas a las que, quizá, sea lo urbano (como urbanidad) lo único que no les importa.
En resumen, quizá discutiendo sobre lo popular (que ni es lo poco valioso ni es lo banal), a través de una conversación entre Ángeles y Macarena de la Vega, doctora arquitecta y profesora de Composición, aprendamos a usar otros ojos para mirar y seamos capaces de vernos y ver nuestro trabajo con otra óptica que nos enriquezca.
Participan:
· Ángeles Caballero. Es Licenciada en Periodismo por la Universidad San Pablo CEU, tiene un Máster en Periodismo Económico por la Universidad Complutense y un posgrado en Dirección de Empresas del Sector del Lujo por el IE Business School.
Colabora actualmente en El País, donde realiza crónica política, social y entrevistas, y en la Cadena Ser, en los programas Hoy por hoy y Hora 25. Participa en programas de La Sexta como Al Rojo vivo. Es autora del libro Los parques de atracciones también cierran, de la editorial Arpa.
Anteriormente se dedicó a la prensa económica, en cabeceras como ABC, Actualidad Económica, diario Qué! y elEconomista y compaginó su tarea como directora de Nuevo Negocio de la agencia de comunicación Trescom con la fundación de la revista digital Ctxt. Ha colaborado en el diario El Confidencial, la revista Vanity Fair y el programa ‘Más de uno’, de Onda Cero.
· Macarena de la Vega de León. Es Profesora Ayudante Doctora en el Departamento de Composición Arquitectónica de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid y investigadora honoraria de la Universidad de Queensland. Es arquitecta por la Universidad Politécnica de Madrid y doctora por la University of Canberra, Australia.
Ha sido investigadora postdoctoral en la Universidad de Queensland y la Universidad de Melbourne, y además de en estas ha dado clase en Kent State University en Ohio, EEUU, y en IE University en Madrid. Es miembro del Editorial Board de la Society of Architectural Historians, Australia and New Zealand (SAHANZ) desde 2022 y del Contingent Faculty Committee de la Society of Architectural Historians (SAH) desde 2023.
Junto al núcleo urbano de La Font d’En Carròs, encontramos en la parte más alta de la villa los restos de un conjunto defensivo conocido como muralla y baluarte del Portal Roig, aunque popularmente conocido como “El Rafalí”, datado entre los siglos XIV y XVI, que permitía la defensa del frente este y sureste de la villa y de sus caminos.
Su naturaleza defensiva, su enclave estratégico y la riqueza de las técnicas constructivas hacen que sea uno de los bienes de mayor arraigo etnológico del municipio, históricamente relacionado con dos de las familias más importantes de la época: els Carròs y els Centelles.
Con el paso del tiempo, fue disminuyendo la necesidad defensiva de la población, lo que ocasionó un cambio radical del conjunto, pasando de acoger una función defensiva y militar a integrarse en el núcleo urbano, reaprovechando parte de las estructuras para adosar construcciones residenciales, así como para abancalar la topografía y permitir el cultivo. En la actualidad, alberga un uso de jardín botánico y parque arqueológico.
Restauración y puesta en valor del conjunto defensivo amurallado del “Portal Roig i El Rafalí | el fabricante de espheras | Planimetría
De planta poligonal, el recinto conserva 150 m. de estructuras murarias, que se caracterizan por el empleo de una técnica propia en este tipo de construcciones como es la tapia.
En una primera fase de intervención, se han ejecutado las tareas de consolidación y recomposición volumétrica, de aquellas fábricas que presentaban mayor grado de deterioro, para frenar su proceso de degradación, bajo unas premisas de mínima intervención y de la utilización de técnicas y materiales compatibles con los restos originales.
Obra: Restauración y puesta en valor del conjunto defensivo amurallado del “Portal Roig i El Rafalí”
Autor: el fabricante de espheras, coop. v.
Año: 2018 – 2020
Superficie Construida: 427 m2
Ubicación: La Font d’En Carrós, València
Cliente: Ajuntament de La Font d’En Carròs
Arquitecto/a técnico: el fabricante de espheras, coop. v.
Fotografía: Milena Villalba + elfabricantedeespheras.com
V Concurso Internacional InstaFASota. Alejandro de la Sota: Tramas
¿Cómo interpretas el concepto de «trama» en la obra de Alejandro de la Sota?
Y, lo más importante, ¿Cómo lo representarías gráficamente?
Esta es la propuesta que hacemos desde la Fundación para la quinta edición del Concurso Internacional InstaFASota que tendrá lugar en Instagram.
Continuando con el éxito de participación de las ediciones anteriores, el objetivo será diseñar una imagen elaborada, de creación o interpretación libre y que, basándose en cualquiera de las obras construidas o los proyectos de Alejandro de la Sota, plasme el tema del concurso. La técnica sigue siendo libre, pudiendo elegir entre fotografía, dibujo, fotomontaje o collage.
Los únicos requisitos para participar son publicar la creación en Instagram, incluyendo:
– Lema o título de la obra.
– Los hashtags: @fundacionasota, #InstaFASota5, @saintgobain_es y @thermochip.
Las tres propuestas ganadoras recibirán un certificado acreditativo y su obra se incluirá en un catálogo y una exposición itinerante que recorrerá las escuelas de arquitectura que participen. También se repartirán premios en metálico, además de monografías de obras de Alejandro de la Sota y una reproducción con número de serie de un croquis o dibujo de AdlS para el ganador. En esta edición también se sorteará un premio entre todos los participantes del concurso y unos accésits que el jurado se reserva de otorgar en función del nivel de las propuestas presentadas.
La fecha límite de entrega será el 10 de febrero de 2025 a las 23:59 hora peninsular española.
Edificio Polivalente en Montecarlo, 1969. Fernando Higueras
Conocer las estrategias que utilizan otras empresas para ganar concursos de arquitectura nos ayuda a mejorar y aprender como profesionales.
Analizar cómo comunicar una propuesta, cómo presentar la idea de manera persuasiva o cómo vender un proyecto, nos permite ampliar nuestro conocimiento y sumar inteligencia creativa con la que abordar futuros encargos.
Hay propuestas que ganan concursos porque plantean llegar donde nadie había pensado llegar, otras en cambio, consiguen alzarse frente a sus competidores porque deciden desobedecer las propias bases del concurso.
¿Se puede ganar un concurso internacional de arquitectura incumpliendo sus bases? O mejor aún, ¿se puede ganar un concurso internacional de arquitectura no construyendo dónde proponen las bases?
Por paradójico que pueda sonar, la realidad nos demuestra que son muchos los arquitectos y empresas que han conseguido ganar concursos de arquitectura con soluciones y proyectos que ponen en cuestión las bases del mismo y plantean soluciones alternativas a las inicialmente planteadas.
No nos engañemos, también hay muchos casos en los que no se gana por muy excelente que sea la propuesta. Que se lo digan a Fernando Higueras en el concurso para un edificio polivalente en Montecarlo donde su propuesta fue descartada como primer premio por sobrepasar los límites de la parcela.
Basar un modelo de negocio dependiente 100% de los concursos de arquitectura es una decisión muy arriesgada. Como decía el arquitecto Jordi Badia en la red social X, esta opción para obtener trabajo se ha convertido
Pero si a la ya difícil decisión de presentarse a un concurso, le sumamos que tu propuesta no cumple los requisitos establecidos en los pliegos, no nos queda otra opción que definir esta actitud como empresarialmente suicida.
Sin embargo, esta radical y arriesgada estrategia demuestra por parte de los arquitectos una gran convicción profesional por dar la mejor respuesta posible a un problema concreto. Un ejemplo de esta actitud lo encontramos en el concurso ganado por n’UNDO en Kalmar (Suecia).
n’UNDO es una red de profesionales vinculados a la arquitectura, el urbanismo y otras disciplinas como la sociología o la historia, que plantea una visión que desafía el paradigma tradicional de la construcción, proponiendo intervenciones basadas en los principios de «no hacer», «deshacer» y «rehacer».
¿Con qué objetivo?
Intervenir de manera más ética, sostenible y consciente en el territorio y en los entornos construidos.
Volviendo al concurso, el proyecto en Kalmar planteaba la construcción de 1800 viviendas en una zona natural de esta ciudad. Un humedal que en invierno se encuentra completamente helado y que, en verano, se inunda creando un entorno natural privilegiado.
La respuesta ganadora al concurso fue la siguiente:
Con esta estrategia n`UNDO consiguió que la ciudad sueca modificara su Master Plan construyendo las viviendas en otras zonas aún por consolidar y más respetuosas con el entorno natural. Además, demostraron que económicamente este cambio era mucho más rentable que el inicialmente planteado.
Hay ocasiones en las que, como arquitectos, desobedecer es necesario. Lo interesante es que esa “desobediencia” sea vista por el cliente/jurado como realmente necesaria.
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