«Elegimos estudiar Las Vegas y Levittown porque eran arquetipos del paisaje suburbano en expansión que rodea cualquier ciudad estadounidense. De cualquier manera, la intención era arrojar luz sobre lo cotidiano»
Aquello que está ahí, que forma parte de nuestra realidad común pero que la disciplina tiende a excluir como caso de estudio.
El ruido de fondo, lo que escapa de una primera mirada, pero que tiene potencial como para cuestionar los propios límites disciplinares.
¿A qué nos referimos exactamente? ¿Cuáles son esos elementos rechazados en un principio por la arquitectura académica?
Si es aquello que nos rodea en nuestro día a día y forma parte natural de nuestra cotidianidad, tiende a pasar desapercibido. Es tan propio que se mira de forma distraida.
¿Y cómo trabajarlos entonces? Quizá todo sea la mirada. La mirada que ejerzamos a la hora de observarlo. Una mirada, en cualquier caso, de extrañeza
La disciplina (de la arquitectura) ha dado casos numerosos de esas miradas: ha sabido volver a mirar a lo vernacular, al pop, a los carteles, a los aparcamientos o a los ascensores… elementos que, al ser incorporados a la alta cultura de la disciplina, permiten desarrollar nuevas cuestiones sobre sí misma.
El libro Lo ordinario, de Enrique Walker es uno de los mejores casos para entender ese término: es un recorrido (histórico) por el sentido de la palabra misma, al tiempo que se deteniene en una serie de casos-libros-estudios que, por su manera de mirar, han acabado por convertirse en paradigmáticos.
En Lo ordinarionos detenemos junto aDenise Scott-Brown y Robert Venturi por el strip de Las Vegas, y observamos cómo la dispersión urbana dificultaba las tradicionales de representación de la arquitectura (plantas, alzados, secciones) para comenzar a pensar en movimiento, desde el coche y a alta velocidad; la solución será el uso de la fotografía como medio de representación.
El ambiente festivo de la noche con luces brillantes en el desaparecido Luna Park ubicado en Coney Island, Nueva York
En Lo ordinario paseamos también por una (delirante) Nueva York, que Rem Koolhaasimagina como un manifiesto retroactivo, y descubrimos que un rascacielos es como un parque de atracciones: la negación del mundo para fundar un mundo (muchos mundos).
Estudio local en Tokio, Atelier Bow Wow
En Lo ordinario recorremos Tokio de la mano de un estudio local, Atelier Bow Wow, fascionado por espacios diseñados adhoc, sin mucha reflexión a priori, consecuencia de necesidades cambiantes y adaptaciones posibles, crando una multirud de espacios híbridos hiperconectados en la densa ciudad japonesa.
En todos estos casos, el viaje, sea lejos o a tu propia calle, representa una excusa para establecer otra mirada. Con ella llega el hallazgo y, de ahí, la teoría y su formulación proyectual.
Gravura, The Story of the Pool, 1977
Por que ese, parece, el propósito, volver a mirar para volver a proyectar: experimentar nuevas definiciones de la arquitectura que no habían sido atendidas de forma disciplinar.
No se trataría de irse lejos, sino de ver lo ordinario como extraordinario, replanteándose la cotidianidad a través de un ejercicio de mirada excentrica que cuestione todos los precedentes.
Made in tokyo by Atelier Bow Wow
Landa Hernández Martínez · arquitecto
Ciudad de México. Diciembre 2020
Este libro explora las infinitamente variadas experiencias de los niños a la hora de habitar la ciudad y el proceso por el cual su desbordante capacidad de inventar escenarios urbanos y vivencias en común ha ido siendo aplacada hasta llevar —en palabras de Manuel Delgado— al «acuartelamiento» de la infancia al que hoy asistimos.
El niño en la ciudad, publicado por primera vez en 1978, se convirtió rápidamente en un clásico. Este volumen incluye el prólogo y epílogo a la segunda edición, textos en los que Colin Ward actualiza su obra más celebrada y la presenta a una nueva generación de lectores.
Con mucha pena —pero respetando escrupulosamente el criterio del autor—, prescindimos aquí de las fotografías que ilustraban la primera edición de la obra.
Este libro cuenta con un prólogo de Manuel Delgado escrito para la ocasión.
Colin Ward (1924-2010)
Fue un destacado militante anarquista británico, además de un prolífico escritor y editor. Sus trabajos se encuadran en el ámbito de la arquitectura y la educación.
Estuvo muy influenciado por la corriente más fecunda del anarquismo, la inspirada por Reclus y Kropotkin; de hecho, dirigió Freedom, el periódico que el pensador ruso fundó en Londres. Explorador de los usos populares y extraoficiales del entorno, Ward vivió cincuenta años en ciudades, hasta que se retiró con su mujer Harriet a una casa de campo. Sus hijos mayores estudiaron en institutos de ciudades grandes, y los más jóvenes, en uno rural.
Los clientes son una pareja joven y con hijos que habitualmente recibe invitados en su casa. Necesitaban una casa con jardín y un amplio espacio cubierto conectado con la naturaleza donde poder acoger a un buen número de personas, cocinar mientras se entabla una conversación distendida u organizar una comida en grupo de manera cómoda. Asimismo, consideraban importante establecer un límite claro entre el ámbito de lo privado (temporalmente semipúblico) y el de lo íntimo.
Casa I | Jerez Arquitectos | Planimetria, axonometría
Los espacios se construyen mediante un sencillo sistema de muros y vigas de hormigón prefabricado de grandes dimensiones, más propio del mundo industrial que del doméstico. Dichos muros y vigas se desplazan, pliegan y apilan como un juego de LEGO según las necesidades de cada lugar.
Este proceso, que demandó una gran precisión durante el proyecto y la fabricación de las piezas, agilizó mucho el montaje posterior desde el punto de vista de la economía y los plazos, pues la estructura vertical se finalizó en apenas dos jornadas de trabajo. La casa de dimensiona a partir de un módulo cuadrado de 90x90cm que se hace parcialmente visible en el pavimento y da medida a los vacíos y los llenos.
Casa I | Jerez Arquitectos | Planimetria
La vivienda tiene una sola planta y un perímetro rectangular aparentemente rotundo, pero sus límites son mucho más difusos de lo que parece. El volumen, completamente de hormigón por fuera y blanco por dentro, se abre en sus cinco caras (fachadas+cubierta) para dotarse de luz natural y vistas en función de las necesidades.
Al norte se produce el acceso peatonal a través de un primer patio abierto en dos de sus laterales, dibujado por tres muros y dos vigas, y poblado por un olivo traído de Extremadura. Al sur, un gran hueco de 9 metros de longitud se abre al espacio principal del jardín y al frondoso arbolado de un antiguo cauce molinar, mientras se protege del sol con un porche que perfora su cubierta en un lateral para abrirse al cielo y dejar pasar la lluvia.
Al este se asoman las estancias más íntimas mediante dos huecos profundos, para aprovechar el primer sol de la mañana con cierta intimidad mientras se apropian del estrecho espacio ajardinado que separa la casa de su vecina. Y, al oeste, un gran hueco rectangular y sin profundidad, a modo de pantalla transparente, hace más amable el cotidiano acto de cocinar y permite ver el sol esconderse al final del día. El garaje, ubicado en el lateral noroeste, separa y protege al resto de la vivienda del frío y la carretera situada detrás.
El extenso espacio central se perfora en la cubierta mediante un pequeño patio cuadrado que, a modo de lucernario, ilumina el centro de la casa y da sentido a los diversos flujos cruzados de personas, vistas y luces.
A pesar de su reducido tamaño, este vacío ajardinado y abierto al cielo aporta su verdadera personalidad a la casa, haciéndola “siempre nunca diferente, pero nunca siempre igual” (citando a Chillida), y poblándola de una gran variedad de transparencias, reflejos y colores diversos según cada momento.
Casa I | Jerez Arquitectos | Croquis
Obra: Casa I
Autores: Jerez Arquitectos (Enrique Jerez Abajo, Rebeca Piedra Dueñas, José M. Méndez Primo)
Emplazamiento: Burgos, España
Colaboradores: Agustín de la Torre Gómez, Clara Alonso Martín
Aparejador: José Piedra, Rebeca de la Cal, Javier López
Año: 2021-24
Cliente: Privado. Promotor: Residencial Camino de Santiago
Superficie: 222 m2 construidos
Constructora: Residencial Camino de Santiago
Estructura: Viguetas Navarras, Viarpre
Carpintería: Carpintería Guada
Mobiliario y equipamiento: Richana
Fotografía: Iñaki Bergera + jerezarquitectos.com
El Centro de Estudios Superiores Universitarios de Galicia (CESUGA) impulsa, en colaboración con la Marca de Garantía Pino de Galicia, la III Premio de arquitectura en Madera Cesuga-Pino de Galicia, con el que se distinguirá a los mejores proyectos de arquitectura que utilicen la madera como material preferente para su ejecución y realizados en cualquier punto de la península ibérica.
III Premio de arquitectura en Madera Cesuga-Pino de Galicia 2025
Esta nueva edición convoca a aquellas actuaciones llevadas a cabo en España y Portugal en el período comprendido entre el 1 de mayo de 2024 y el 30 de abril de 2025. Su objetivo principal es poner en valor las posibilidades de la construcción con madera como recurso natural, renovable, reciclable y sostenible.
Categorías
El premio en el que sobre todo se valorarán la sensibilidad en el diseño de las propuestas, el rigor de su composición arquitectónica y la durabilidad establece cuatro categorías: obra nueva, rehabilitación o reforma, diseño de producto y pequeña escala (como mobiliario o innovación en el diseño de marca) y un galardón especial para aquellos proyectos realizados con madera local, bajo la marca de calidad Pino de Galicia.
Calendario
Las candidaturas deben presentarse de forma online antes de las 10:00 horas del 30 de abril de 2025, mediante el envío de un correo electrónico (premiospinodegalicia@cesuga.com), adjuntando la documentación a presentar.
La comunicación del fallo del jurado se dará a conocer el 23 de mayo de 2025.
Premios
La entrega de galardones, que no conllevan dotación económica, tendrá lugar en la en “O Encontro”, foro económico, político y social que desde 2021 organiza CESUGA y que se celebrará en el mes de julio en A Toxa (Pontevedra).
Se editará un libro conmemorativo, en el que figurarán todas las obras destacadas por los miembros del jurado, tanto las premiadas como aquellas que reciban una mención de honor.
Documentación a presentar
Según las bases del concurso, los participantes deben presentar una memoria, dos paneles resumen y un documento con datos técnicos, todos ellos en formato PDF.
En el caso de la memoria, formato A4, debe incluirse la siguiente información:
Memoria de arquitectura: extensión comprendida entre las 750- 800 palabras
Memoria de sostenibilidad: extensión comprendida entre las 750-800 palabras, donde se traten temas como aislamiento, marca de calidad, trazabilidad forestal, ventilación o consumo de energía
Memoria de la presencia de madera en la obra: extensión comprendida entre las 750-800 palabras
En el caso de los dos paneles resumen, en tamaño DIN A1, debe incluirse como mínimo la siguiente información:
Cinco fotografías del proyecto
Plano de situación y emplazamiento
Planos que definan suficientemente el proyecto
Sección constructiva, detallando memoria de materiales utilizados e incluyendo referencia explícita a marca y/o fabricante
En el caso del documento con datos técnicos, en tamaño DINA4, deben indicarse los siguientes datos:
Localización, promotor/a, constructor/a, autores del proyecto y dirección de obra, superficie, presupuesto, fecha de inicio y terminación. Para los participantes en la categoría premio especial Marca de calidad Pino de Galicia, referencia expresa a la empresa calificada. Se deberán especificar las características de la estructura en madera, cuando proceda, en memorias, detalles y en imágenes.
Ni las memorias ni los paneles incluirán los datos de sus autores, pero sí reflejarán la categoría a la que se presenta el proyecto en la parte superior derecha de cada panel A1. Tamaño máximo de los paneles 10Mb, y tamaño máximo de fotografías de 2Mb.
Podrán participar un máximo de dos obras por arquitecto o estudio en cada una de las cuatro categorías.
El plazo de presentación de toda esta documentación termina el 30 de abril de 2025 a las 10:00am.
Composición del jurado
PRESIDENTE
D. Venancio Salcines Cristal, Presidente de Pino de Galicia y Presidente del Consejo Rector de CESUGA.
VICEPRESIDENTA
Dª. Silvia Blanco Agüeira, directora del Grado de Arquitectura de CESUGA.
SECRETARIO
D. David Lorenzo Fouz, secretario de la marca de garantía Pino de Galicia.
VOCALES:
D.ª Anna Noguera Nieto, fundadora del estudio de arquitectura AAN.
D. Luis Gil Pita, arquitecto en Gil Pita-Nieto Peñamaría arquitectos.
D. Juanjo Otero y D.ª Cecilia Muiños, fundadores del estudio MOLArquitectura.
D.ª Cristina Ezcurra y D.ª Cristina Ouzande, fundadoras del estudio Ezcurra & Ouzande.
D. Alberto Alonso, director de veredes, arquitectura y divulgación.
El Jurado, una vez constituido, analizará la documentación de los trabajos presentados, efectuando una selección de aquellas obras que considere acreedoras de otorgar los premios en cada una de las categorías.
El jurado se reserva el derecho a clasificarlas de nuevo en alguna de las categorías.
Asimismo, el Jurado solicitará de los autores la ampliación de la documentación que estime pertinente para la adecuada comprensión de la obra, notificándolo al autor/autora.
Los premios no podrán declararse desiertos.
Para las deliberaciones del Jurado será necesaria la presencia de la mayoría absoluta de sus miembros, contando siempre con la asistencia de la vicepresidenta y del secretario.
Se consideran incompatibles para acceder a los premios los miembros del Jurado, así como sus socios profesionales, y familiares.
Se realizarán comunicados y notas de prensa de los proyectos galardonados, que además serán publicados entre los principales medios de comunicación especializados en Arquitectura (prensa, radio, televisión, audiovisuales…).
Secretaría técnica
Toda la correspondencia se mantendrá a través del correo habilitado, a través del cual se podrán realizar consultas hasta el 30 de abril de 2025, a las 10:00am:
CESUGA y PINO DE GALICIA tendrán la potestad de reproducir total o parcialmente las propuestas presentadas. Todo el material presentado en las diferentes categorías se podrá utilizar en exposiciones, muestras o en difusión en distintos medios de comunicación. La participación en este certamen implica la aceptación de estas bases. La decisión del jurado será inapelable y su veredicto se publicará en las webs Pino de Galicia y CESUGA una vez celebrada la entrega de premios.
Qué fácil resulta actualmente decir «somos sostenibles», «nuestros proyectos apuestan por la sostenibilidad» o «diseñamos una arquitectura que reduce el consumo de energía y la huella de carbono».
Qué poco tardamos en incluir la palabra sostenibilidad en nuestros catálogos, presentaciones, webs y mensajes en redes sociales y canales de comunicación.
Con que rapidez participamos en charlas de expertos, congresos o conferencias llevando por bandera nuestros supuestos proyectos sostenibles y nuestra supuesta preocupación medioambiental.
Estaría bien parar un segundo y preguntarnos,
¿es realmente sostenible la arquitectura que diseñamos o simplemente lo escribimos en webs, artículos y redes como un elemento de marketing y venta?
Para contestar a esta pregunta, siempre resulta necesario y recomendable escuchar y rescatar palabras cargadas de sentido común para poder evaluar, equilibrar y poner las cosas en su sitio cuando todo tiende al caos y la incoherencia.
Resulta muy estimulador escuchar al arquitecto Rafael de La HOZ decir que en muchas ocasiones, cada vez que defendemos y decimos eso de «somos sostenibles» hacemos el ridículo de manera estrepitosa.
Distrito C. Sede Central Telefónica, Arquitectos Rafael de la Hoz
El estudio liderado por el arquitecto cordobés ha demostrado tener una amplia experiencia en el diseño y construcción de grandes sedes corporativas, como por ejemplo la sedes de Repsol y Telefónica, ambas construidas en España.
Estas sedes se convierten en edificios en los que el arquitecto, además de resolver un complejo programa funcional, debe conseguir un resultado que transmita y represente los valores de la empresa.
¿Y qué marca o empresa no está en estos momentos interesada en proyectar una imagen sostenible y de preocupación por el medio ambiente?
Sin embargo, esa sensación de ridículo a la que alude Rafael de La-Hoz se hizo evidente cuando su equipo fue invitado a diseñar la nueva sede corporativa de Siemens en Múnich.
A pesar de que este edificio tenía una superficie menor que la sede de Telefónica en Madrid, solo requería 80 plazas de aparcamiento.
Por contraste, la sede de Telefónica en Madrid cuenta con 6.000 plazas de aparcamiento.
Como señala Rafael de La-Hoz:
«No hay arquitecto que pueda paliar las 6.000 plazas de Telefónica».
La sensación de ridículo e incoherencia ya se hace palpable y evidente cuando Telefónica decide presentarse a unos premios de sostenibilidad.
¿Cómo puede ser sostenible un edificio que promueve el desplazamiento de 10.000 coches todos los días?
La respuesta del arquitecto cordobés no tiene desperdicio:
Sostenibilidad y comunicación coherente
Es cierto que los arquitectos nos esforzamos en diseñar edificios con estrategias pasivas que reduzcan la carga térmica y, por ende, el consumo energético.
Sin embargo, ¿de qué sirve este esfuerzo si llenamos los edificios de aparcamientos que albergan miles de coches, cuyo impacto ambiental supera con creces la energía que supuestamente ahorramos?
Si algo podemos aprender de esta lección es que tenemos que luchar por buscar en todo momento la coherencia entre lo que somos y lo que comunicamos.
No tiene sentido proclamar la sostenibilidad mientras proyectamos edificios con 6.000 plazas de aparcamiento, maquillamos fachadas con pieles dobles o llenamos los proyectos de cubiertas verdes sin un compromiso real con el medio ambiente.
Dejemos de hacer el ridículo, seamos coherentes con nuestro compromiso medioambiental y su comunicación a la sociedad.
Una gorra de marino, un ojo tuerto y dos brazos hercúleos. Popeye no es solo uno de los personajes de ficción más universales y longevos, sino también una idea: es el hombre de mar reducido al arquetipo, el antihéroe convertido en superhéroe, el feo que se lleva a la chica.
Primera aparición de Popeye. Segar, 1929. Thimble Theater, The New York Evening Journal
Sin embargo, Popeye nació como personaje secundario de una tira cómica titulada TheThimble Theatre, que el legendario Elzie Crisler Segar publicaba desde 1919. Los protagonistas eran la espigada Olive Oil y su novio Ham Gravy, hasta que en 1929 apareció en escena un marinero tuerto (Pop-eye) que acabó por dejar a Gravy sin novia y dar nombre a la serie.
Rodeado de un elenco variopinto en el que se contaba un bebé (Sweet-pea) , una bruja (Alice The Goon), un villano forzudo (Bluto) y un glotón (Wimpy), el Popeye de Segar se publicó diariamente en prensa durante décadas. Más tarde, sin perder su cariz surrealista, absurdo y teatral, las andanzas del marino se trasladaron a la pantalla de cine en forma de cortometrajes animados. Su éxito en Estados Unidos fue tal que Popeye sobrevivió a su creador, fallecido en 1938.
Popeye cuando los barcos eran de madera y los hombres de hierro | epR
Segar dejó, no obstante, un rotundo testamento gráfico. Parco en trazos, el personaje de Popeye se reconoce en unas pocas líneas: una cara de ojos pequeños y quijada prominente, de nariz enredada y boca torcida; un cuerpo lastrado por dos descomunales antebrazos. Eso le ha permitido resistir el paso de las generaciones y la mano de diferentes autores (Tom Sims, Bud Sagendorf o Bobby London entre otros) sin perder las características elementales definidas por su padre intelectual.
Popeye cuando los barcos eran de madera y los hombres de hierro | epR
El retorcido sentido del humor de Segar le llevó a firmar a menudo sus obras dibujando un cigarro; jugaba así con la homofonía entre su apellido y la palabra cigar. Quizá eso alimentó la controversia sobre el verdadero origen de las hojas verdes que otorgaban a Popeye aquella fuerza sobrehumana.
El hormigón es, sin duda, el material constructivo más utilizado en el mundo. Su durabilidad, seguridad y versatilidad lo convierten en una elección clave para arquitectos e ingenieros en sus proyectos de edificación o de obra civil. Sin embargo, a lo largo del tiempo, su impacto ambiental, especialmente debido a las emisiones de CO2 generadas en la producción de cemento, ha sido una preocupación constante en el sector de la construcción.
Fabricación de hormigón
Sin embargo, la evolución de la industria y la fuerte apuesta en innovación de los fabricantes de este material han permitido que este “cuestionado” material esté experimentando una transformación significativa hacia la sostenibilidad. De esta forma, sigue ofreciendo sus innegables ventajas y prestaciones sobre otros materiales, pero minimizando su huella ambiental y profundizando en su circularidad.
El cemento, ingrediente fundamental del hormigón, es responsable del 8% de las emisiones globales de CO2. Sin embargo, la innovación en aditivos y técnicas de producción está logrando mitigar este impacto. Nuevas soluciones permiten reducir la cantidad de clínker en la mezcla, optimizar el uso de agua y mejorar la eficiencia de los procesos constructivos.
Esto no solo disminuye la huella de carbono, sino que también mejora la calidad y durabilidad del hormigón y, por tanto, de los proyectos de edificación y construcción en los que se emplea.
Aditivos al cemento
Economía circular en la construcción
Uno de los avances más relevantes en la sostenibilidad del hormigón es la adopción de principios de economía circular. En lugar de considerar el hormigón como un material de un solo uso, hoy se desarrollan técnicas para reutilizar y reciclar los residuos de construcción y demolición. Procesos como la molienda avanzada y la carbonatación permiten reincorporar estos residuos en nuevas mezclas, cerrando el ciclo de vida del material y reduciendo la extracción de materias primas.
Planta piloto ReCO2ver en Suiza
Empresas como Sika han asumido un papel clave en esta transformación. Su enfoque en la reducción de carbono, la eficiencia de recursos y el aumento de la productividad ha llevado al desarrollo de aditivos que optimizan el rendimiento del hormigón. Algunos de los beneficios tangibles de estos avances incluyen:
Reducción de emisiones: Gracias a nuevas formulaciones, se pueden evitar hasta 65 millones de toneladas de CO2 al año. Con productos de la gama Viscocrete® y SikaPlast® se consigue utilizar los nuevos cementos de baja huella de carbono alcanzando las mismas prestaciones, resistencias y trabajabilidad que con los cementos predecesores.
Ahorro de agua: Diseños optimizados permiten reducir el consumo de agua en 6.000 millones de litros anuales. Con productos de la gama Viscocrete® y ViscoFlow® se consiguen importantes reducciones de agua desde los hormigones preparados de planta, hasta el 40 y 50% de reducción de agua, por ejemplo, en hormigones de muy altas prestaciones.
Mayor durabilidad y resistencia: Aditivos como SikaControl® y SikaRapid® mejoran la longevidad y el rendimiento del material, beneficiando directamente a los diseños arquitectónicos y estructurales.
Mayor durabilidad y resistencia: Aditivos como SikaControl® y SikaRapid® mejoran la longevidad y el rendimiento del material, beneficiando directamente a los diseños arquitectónicos y estructurales.
Entrada y salida de materiales en el proceso ReCO2ver
El futuro del hormigón en la arquitectura
Los arquitectos tienen en el hormigón un material que no solo cumple con los estándares técnicos y estéticos, sino que también responde a las exigencias de sostenibilidad. La combinación de tecnología avanzada, economía circular y diseños eficientes está permitiendo que el hormigón deje atrás su imagen de material poco ecológico y se convierta en un aliado para la construcción del futuro.
Sika ha puesto en marcha recientemente la campaña «Circular Concrete», diseñada para destacar su compromiso con la sostenibilidad, la eficiencia y la durabilidad en el sector del hormigón. La iniciativa se apoya en un nuevo microsite interactivo que detalla cómo la empresa está transformando el futuro de este material a través de soluciones avanzadas y conocimiento especializado.
Texturas de hormigón en paredes
Esta campaña refuerza la estrategia de la compañía de poner en valor este potente material que ha quedado recogida en su Libro Blanco del Hormigón. Este documento es una guía detallada que explora las mejores prácticas y tecnologías para reducir la huella ambiental del hormigón. Aporta información técnica sobre aditivos innovadores, procesos de reciclaje y optimización de diseños de mezcla, ofreciendo a arquitectos, ingenieros y constructores herramientas clave para implementar soluciones más sostenibles en sus proyectos.
Además, recientemente, Sika también puso en marcha otra campaña para poner en valor las soluciones que alargan la vida de los edificios. “Dur(h)abilidad: la habilidad de durar”, está basada en el principio de que el futuro de las ciudades se construye con materiales que, como el hormigón, hacen que las infraestructuras duren y mantengan sus prestaciones desde el primer día.
Entre las obras de referencia en las que ha puesto su impronta de durabilidad Sika destacan el complejo residencial Torres Blancas, en Alicante; la Fundación Miró, en Barcelona; el puente de Toralla, en Vigo o las tribunas del Hipódromo de la Zarzuela, en Madrid.
Hormigón sostenible un aliado clave para la arquitectura del futuro
Todos estos esfuerzos promueven una visión más responsable del material, los arquitectos pueden sentirse seguros de que sus proyectos no solo serán duraderos y funcionales, sino también más respetuosos con el medioambiente. El hormigón del mañana ya está aquí, y es más sostenible que nunca.
En el desarrollo del proyecto de Ruzafa, el enfoque ha sido siempre el de preservar y poner en valor los elementos originales del inmueble, integrándolos con soluciones contemporáneas que aportan funcionalidad y modernidad sin alterar la esencia del lugar.
La decisión de recuperar el suelo, los techos y las puertas responde a una voluntad de respetar la identidad del edificio, utilizando estos elementos como un hilo conductor que conecta los diferentes espacios de manera coherente y natural.
La luz natural ha sido uno de los principales recursos para definir la atmósfera de la vivienda. Las ventanas originales, restauradas, permiten que la luz inunde los espacios, creando una sensación de amplitud y ligereza.
En las zonas menos expuestas a la luz exterior, el patio actúa como una fuente adicional de claridad, asegurando que incluso las áreas más internas se mantengan bien iluminadas a lo largo del día. Para complementar la luz natural, se ha optado por una iluminación indirecta que se integra en cornisas y molduras, generando un ambiente suave y acogedor que resalta las texturas y las formas sin crear contrastes bruscos.
La paleta cromática ha sido cuidadosamente seleccionada para no restar protagonismo a los elementos históricos. Los tonos neutros, combinados con la calidez de los materiales recuperados, como el suelo de madera original, generan un ambiente sereno y equilibrado, que permite que las texturas hablen por sí mismas.
Las estanterías y bancadas de obra se han diseñado con líneas simples y acabados que se integran perfectamente en las paredes, optimizando el espacio sin sobrecargarlo visualmente.
Uno de los elementos más significativos en términos de diseño es la bañera de obra, que ha sido realizada en el mismo material que el suelo para garantizar una continuidad visual y una sensación de fluidez. Este recurso permite que el baño se perciba como una extensión natural del resto de la vivienda, un espacio de relajación donde la forma y la función se equilibran de manera armoniosa.
El uso de la iluminación indirecta, tanto en el baño como en el resto de la vivienda, añade una dimensión adicional a la percepción del espacio, permitiendo que las sombras suaves resalten las texturas y las formas de manera discreta. De este modo, la luz se convierte en un elemento arquitectónico que contribuye a la cohesión del diseño y acentúa la relación entre los elementos contemporáneos y los históricos.
En conjunto, el proyecto ha sido concebido para respetar y potenciar el valor del edificio original, integrando soluciones contemporáneas de manera sutil y funcional. El resultado es una vivienda que mantiene su carácter histórico, pero que a la vez se adapta a las necesidades actuales, ofreciendo espacios luminosos, acogedores y coherentes, donde lo nuevo y lo antiguo se funden en una experiencia espacial unificada.
REBUILD 2025, la cumbre pionera de la construcción industrializada en España, volverá a IFEMA Madrid del 23 al 25 de abril bajo el lema “It’s time: industrialize for sustainability”. En un contexto de cambio de paradigma como el que experimenta la edificación actual, el evento busca consolidar la construcción industrializada como la respuesta a los desafíos actuales, tales como la falta de vivienda asequible, la necesidad de descarbonización y la incorporación de nuevas tecnologías.
REBUILD 2025 situará la industrialización como motor indispensable de la nueva edificación
En este contexto, representantes de las empresas líderes del sector, de las administraciones públicas y los principales stakeholders, se han reunido en el primer Consejo Asesor de REBUILD 2025, con el objetivo de sentar las bases del cambio al modelo industrializado y presentar las novedades de la nueva edición del evento.
La nueva edición, que tendrá lugar del 23 al 25 de abril en IFEMA, reunirá a toda la cadena de valor del sector para continuar impulsando una construcción más industrializada, digitalizada y sostenible
La cumbre, que plantea el reto de acelerar la transición sostenible y digital de la construcción, prevé batir récord de asistencia y ocupación de su área expositiva en la que será ya su octava edición.
Al respecto, David Martínez, presidente de REBUILD, ha destacado que
“REBUILD es el foro que sirve para poner en común todas las iniciativas relacionadas con la edificación en general. Pero este año, queremos incidir en el sector residencial debido a la enorme demanda de vivienda. Si seguimos con esta inercia, es un problema puede generar una fractura social y nuestro deber para abordar este reto es avanzar en la construcción industrializada, que es lo que impulsamos en REBUILD desde su primera edición”.
A su vez, Gema Travería, directora de REBUILD, ha subrayado que
“REBUILD es ya un evento reconocido por todo el sector de la edificación tras el gran éxito de sus anteriores ediciones, en tanto que supone el punto de encuentro ideal para generar transacciones y oportunidades de negocio. Con la campaña de este año vamos un paso más allá, hemos planteado un call to action, una llamada a todos los agentes implicados en la cadena de valor, porque el momento de la transformación del sector es ahora”.
REBUILD 2025 constituirá el escenario en el que se congregarán los líderes del sector para establecer y debatir las mejores prácticas, en aras de impulsar la nueva era que se está alzando en la construcción. Así, Madrid se convertirá en el epicentro de la edificación avanzada e industrializada, reuniendo a de más de 600 firmas expositoras y más de 25.000 profesionales para descubrir las últimas innovaciones en productos y tecnologías capaces de promover la descarbonización del parque edificado.
REBUILD 2025 definirá la hoja de ruta de la construcción industrializada
Durante la celebración de REBUILD tendrá lugar un año más el Congreso Nacional de Arquitectura Avanzada y Construcción 4.0, que se posiciona como el mayor espacio de conocimiento que se celebra en Europa para los profesionales de la edificación. En esta línea, los distintos escenarios del congreso albergarán diferentes foros dedicados a segmentos concretos de la industria, como vivienda, oficinas, hoteles, sociosanitario, retail o la administración pública; y agendas por perfil profesional, como el BIM Forum, el Foro de Instaladores, el Studio Interiors Summit, el Summit de Compras de promotoras o de Construcción en Madera.
REBUILD ha reunido a su Consejo Asesor, formado por los principales stakeholders, compañías líderes del sector y administraciones públicas, con el objetivo de sentar las bases de su octava edición
En este sentido, más de 700 ponentes de primer nivel presentarán las tendencias de edificación que emergerán en 2025 y expondrán diversos casos de éxito basados en metodologías y materiales disruptivos que ya están viendo su
aplicación en la actualidad.
Por su parte, Ignasi Pérez, director del Congreso Nacional de Arquitectura Avanzada y Construcción 4.0, ha apuntado que
“este año teníamos el reto de reinventar el congreso, aunque conservando siempre los tres ejes principales que caracterizan el evento: industrialización, sostenibilidad y digitalización. Además, en esta edición nos enfocaremos en dar respuesta a los principales retos que afectan al sector sobre el mercado inmobiliario, la tensión en los precios de la vivienda, las nuevas necesidades sociales, la financiación de los proyectos industrializados y la mejora de los espacios para la vida de las personas. Así mismo, mantendremos los foros específicos para cada área profesional”.
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Habitar hasta abolir la incertidumbre, hasta agotar los límites de nuestra desidia, hasta ver la quietud del agua que de madrugada intenta levantar la mirada para incorporarse a la secuencia del viento que le habla con ondas.
Habitar el espesor es ser cómplice de los límites del espacio y a su vez parte de ellos, es acortar las distancias entre lo que queremos ser y lo que aún no somos. Es no ser aun parte de la vida de ese límite, sino un expectante de ese anhelo.
Habitar el espesor es reconocer que nuestras costumbres se han adaptado a la naturaleza de nuestros actos, y que se han rendido al tiempo con la calma con la que las que el viento va repasando una a una las hojas secas que cubren lo verde del jardín.
Habitar el espesor es dejarse habitar por la vida, por la pátina que el viento hace de ella, por el moho que intenta revivir el mortero entre los ladrillos, por la niebla -amiga del rocío- que intenta ocultarnos tras los árboles, hasta que en un descuido hace aparecer la arquitectura que es quien finalmente nos acusa, es esa que intenta devorarnos hasta ser parte de ella, permaneciendo vivos en el espesor de su mirada, de su cuerpo, de su luz, de su vida.
La imagen se corresponde a la serie de fotografías Entropic Landscape Series
En términos contemporáneos solemos hablar de paisaje. Igualmente solemos hablar de lo urbano. Es más, en el imaginario colectivo entre urbanistas, paisajistas, geógrafos y arquitectos, solemos coincidir a la hora de hablar del paisaje urbano, como una espacio conceptual donde hacer confluir la entrega de la noción de paisaje y la noción de la urbanidad. Dicho así, en abstracto, encontraremos múltiples reflexiones y aún más proyectos, que encarnan la conjunción armónica entre estos ámbitos. La aparente contraposición entre el paisaje, lo natural, y lo urbano, lo cultural, queda resuelta en este híbrido feliz.
Sin embargo no es tan común hablar de paisajes periurbanos, o aún mejor, de paisajes entrópicos.
Si entendemos la entropía como una magnitud física que, mediante cálculo, permite determinar la parte de la energía que no puede utilizarse para producir trabajo, o en otras palabras, aquello que dejamos por improductivo en términos de equilibrio energético, veremos que de forma especialmente sangrante, aquello que llamamos lo periurbano, acaba constituyendo una receptáculo ideal para la localización de todo aquello que no sirve directamente a la configuración más o menos organizada de la ciudad.
Los límites difusos de lo urbano, es decir el espacio periurbano, que no tienen ni vocación ni capacidad para congregar las condiciones especificas de lo urbano, se convierten por defecto en catalizadores de todo aquello que no queremos en nuestras ciudades. Grandes infraestructuras de la movilidad, industrias al servicio de la creación y distribución energética, zonas logísticas de gran envergadura y poca inteligencia, y todas las formas posibles y necesarias de la ingeniería civil. Es decir, en el paisaje periurbano echan raíces los espacios difusos y de facto se convierten en el patio de atrás de lo urbano.
Gráficamente, los paisajes entrópicos así definidos vienen a ser el backyard de lo urbano, aquel espacio que de forma desordenada y poco planificada va acumulando todo tipo de edificaciones e infraestructuras indignas, impersonales, ruidosas o rechazables.
Esta manera de entender lo urbano y lo periurbano, tradicionalmente tiene su origen en una manera de entender el territorio como algo estático y difícilmente movible. Pero aún peor, esta manera de leer el territorio, poco abierta e insensible, ha condenado espacios naturales, paisajes, esta vez si, agrícolas o simplemente accidentes geográficos como son ríos, valles o montículos, al ostracismo urbano.
Ya sea por la innegablemente transformación dinámica de los límites entre lo urbano y lo otro, como por la conciencia extendida de que no podemos permitirnos más espacios de pura servidumbre urbana, el paisaje entrópico de los ámbitos periurbanos se están convirtiendo en lugar de reflexión y oportunidad contemporáneos.
Deberíamos, por tanto, explorar la posibilidad de elaborar propuestas urbanas y territoriales unitarias y con identidad propia encaminadas a coser y poner en valor las preexistencias y los espacios libres de este tipo de ámbitos singulares, asumiendo la complejidad y la estructura especifica de cada situación.
La razón es sencilla: la magnitud y el reto de la concentración urbana, un 70% de la población mundial en el 2050, acabará engullendo los entornos periurbanos. La mancha urbana, aún promoviendo la densidad y la compacidad, seguirá creciendo en las próximas décadas a gran velocidad. Lo que ayer era rural y se convirtió en periurbano, mañana será totalmente urbano. Por tanto, si no queremos generar futuros puntos negros en nuestras futuras manchas urbanas, es hora hoy de desentropizar estos paisajes imposibles.
Para ello solamente hace falta creer de una vez que el verde puede ser una infraestructura, que el paisaje puede ser productivo y que la solución fundamental es hacer compatible lo natural y lo cultural, es decir lo paisajístico y lo urbano. Hay que apostar de una vez por erradicar la incompatibilidad entre el urbanismo hard y el paisajismo soft, haciendo una ciudad sana y blanda, cercana y funcional, específica y abierta. Es decir una ciudad con espacios superpuestos que van de lo productivo a lo recreativo pasando por todas las variantes entre lo crudo y lo cocido.
Además, cabe mencionar que la complementariedad o interacción que surge entre las actividades productivas y especialmente las de servicio, dota los ámbitos periurbanos de una versatilidad, diversidad, accesibilidad y flexibilidad utilitaria que la ciudad tradicional ha ido perdiendo.
En el centro de la investigación contemporánea sobre la ciudad reinventada, planea la voluntad de construir un escenario capaz de convocar una escala de centralidad, más allá incluso del ámbito metropolitano. Evidentemente dar una oportunidad a un territorio entrópico y denso de conflictos, no puede realizarse desde una actitud apocada y vergonzosa. Todo lo contrario, hay una ambición bien entendida que consiste en rescatar aquellos territorios maltratados por el desarrollo urbano de las últimas décadas y dotarlos de una nueva dignidad.
El objetivo último de esta reflexión consiste en hacer compatible los sistemas naturales, las geografías productivas y las condiciones para la domesticidad. Para ello se deben corregir equilibrios y compatibilizar lo natural y lo urbano poniendo el foco en la capacidad productiva de una nueva centralidad.
Una centralidad contemporánea que no genera territorios vencedores ni espacios vencidos.
Miquel Lacasta Codorniu. Doctor arquitecto
Barcelona, Junio 2015
Los Premios ARQUITECTURA 2025 arrancan una nueva edición que potenciará los trabajos de Urbanismo
El certamen llega a su cuarta edición con novedades que potenciarán el reconocimiento de los trabajos de planeamiento y otros planes urbanos. El objetivo que se persigue con ello es ampliarlas posibilidades de participación para seguir mostrando y compartiendo con el conjunto de la sociedad los valores de la Arquitectura, el Urbanismo y otras formas de ejercer la profesión en el bienestar de las personas y la sostenibilidad del planeta.
Organizados por el Consejo Superior de los Colegios de Arquitectos de España (CSCAE), y con el patrocinio oficial de COMPAC®, los Premios ARQUITECTURA comprenden seis distinciones basadas en valores universales, sociales y culturales y tres reconocimientos especiales. Las seis distinciones a valores son:
Premio Compromiso, que distingue trabajos de divulgación y difusión arquitectónica, innovación y emprendimiento, así como otras formas de ejercer la profesión.
Premio Sostenibilidad y Salud, que reconoce obras que destaquen por valores universales relacionados con la minimización del impacto ambiental y que contribuyan a la mejora de la calidad de vida de las personas.
Premio Nueva Bauhaus, que aúna sostenibilidad e inclusión con valores culturales y artísticos.
Premio Hábitat, por la aplicación de valores básicos de la Arquitectura y el Urbanismo como la habitabilidad y la calidad espacial.
Premio Rehabilitación, que distingue valores asociados a la rehabilitación, renovación y regeneración urbana.
Premio Rehabilitación, que reconoce la expresión de valores profesionales y éticos
Los tres premios especiales son:
El Premio de Arquitectura Española y el Premio de Urbanismo Español, que reconocerán las mejores intervenciones arquitectónicas y urbanísticas. En estas categorías, no solo se distingue a los/as autores/as de la propuesta, sino también a sus promotores, Administraciones o entidades que las promueven. De esta forma, se quiere poner en valor su necesaria implicación en el proceso y su apuesta por una calidad que redunda en el bienestar de la ciudadanía.
El Premio a la Permanencia, destinado a reconocer aquellas propuestas que más destaquen tanto por su vigencia, habiendo incorporado valores intrínsecos de la Arquitectura y el Urbanismo, que las lleva a perdurar en el tiempo y a formar parte de la historia y la cultura que se transmitirán a las futuras generaciones. En el caso del Urbanismo se valorará especialmente la adecuada materialización del modelo y enfoque urbanos recogidos en su momento en los instrumentos de planeamiento aprobados, por lo que en esta edición se amplía el periodo de los trabajos urbanísticos candidatos. Las obras de Arquitectura deberán haber sido finalizadas entre el 1 de enero y el 31 de diciembre de 2004. En el caso de los trabajos de Urbanismo, podrán concurrir aquellos cuya aprobación definitiva esté comprendida entre 1 de enero del año 1995 y el 31 de diciembre de 2004.
En una rueda de prensa celebrada en la Fundación Alejandro de la Sota, entidad que, el año pasado, se alzó con el Premio Arquitecto “Lluís Comerón Graupera”, la presidenta del CSCAE, Marta Vall-llossera, ha destacado:
“Un año más, nos ilusiona presentar una nueva edición de los Premios ARQUITECTURA con la que queremos conectar los problemas y los desafíos que afrontamos en nuestros pueblos y ciudades, en materia de vivienda o con la actualización de nuestros barrios para hacer frente al cambio climático, con las soluciones que ofrece la Arquitectura. Porque, en la Arquitectura, está la respuesta a los retos actuales”.
La celebración de los Premios ARQUITECTURA cuenta, un año más, con el patrocinio oficial de COMPAC®. De esta forma, la compañía valenciana, especializada en la fabricación de superficies decorativas de alta calidad, refrenda su apuesta con la calidad arquitectónica y su compromiso para apoyar a los/as profesionales del sector y su capacidad para dar respuesta a los retos actuales a través del diseño, la innovación y la técnica. En este sentido, Paco Sanchis, CEO COMPAC®, ha valorado:
«Este año, el patrocinio de los Premios ARQUITECTURA adquiere un significado aún más especial, ya que celebramos nuestro 50º aniversario. Cinco décadas de dedicación, esfuerzo e innovación que queremos conmemorar junto con el CSCAE y todos los Colegios de Arquitectos de España. Seguiremos impulsando el talento emergente y consolidado, reafirmando nuestra vocación de crear espacios que enriquecen la vida de las personas».
Por su parte, el vicepresidente primero del CSCAE, Juan Antonio Ortiz, ha expuesto las principales novedades de los Premios ARQUITECTURA 2025 y ha animado a los/as profesionales de la Arquitectura de nuestro país a participar en esta nueva edición, recordando
“la importancia de dar a conocer los trabajos más destacados de cada cual y poder alcanzar el reconocimiento y la visibilidad que supone resultar seleccionado en la primera fase y finalista o premiado en la fase final, tanto entre los compañeros y compañeras de profesión como ante la sociedad, en su conjunto”.
La rueda de prensa también ha contado con la presencia de Luis Bernardo, miembro de Terrario Arquitectura, estudio que ganó el Premio de Urbanismo Español 2024 por Plan Director de Els Rajolars d’Oliva (Valencia). Bernardo ha comentado que
“los Premios ARQUITECTURA constatan que la profesión tiene herramientas para darnos un buen urbanismo, resiliente al cambio climático y que mejora la calidad de vida de las personas”,
y ha animado a arquitectos/as y urbanistas a participar en esta edición.
Presentación de propuestas y calendario
En los Premios ARQUITECTURA podrán participar obras y proyectos de edificación, planificación urbana y territorial, paisaje y espacio público, arquitecturas mínimas o efímeras, interiorismo y diseño de producto, así como trabajos de innovación, divulgación y diversificación profesional de la arquitectura, tanto en formato digital como físico, y aquellos que reflejen otras formas de ejercer la profesión, start ups, diseños editoriales y gráficos, comisariados, entre otras.
La convocatoria está abierta a los trabajos realizados en España y en el extranjero por arquitectas y arquitectos (y/o por equipos dirigidos por arquitectas y arquitectos) colegiados en España. Los trabajos que no requieran colegiación para su desarrollo deberán estar dirigidos por titulados y tituladas en Arquitectura. Además, no está limitado el número de propuestas que un autor o grupo de autores puede presentar a esta convocatoria.
Las obras y trabajos que concurran a los Premios ARQUITECTURA deberán haber sido finalizados entre el 1 de enero y el 31 de diciembre de 2024, ambos días incluidos, excepto en los presentados a la categoría de Premio a la Permanencia. En este caso, en Arquitectura deberán haber sido realizados entre el 1 de enero y el 31 de diciembre de 2004, ya que se reconoce a aquellas obras que cumplen veinte años y en Urbanismo, 1 de enero del año 1995 y el 31 de diciembre de 2004.
El plazo para presentar las propuestas terminará el miércoles, 17 de marzo de 2025, a las 23:59 horas. Tras una primera fase de selección realizada por los Colegios Oficiales de Arquitectos y los Consejos Autonómicos, en el mes de abril, se darán a conocer las propuestas SELECCIONADAS y, en mayo, se difundirán las obras FINALISTAS, elegidas por el Jurado.
El nombre de los/as ganadores/as de los Premios ARQUITECTURA se descubrirá, en julio, en el transcurso de una ceremonia de entrega en la que los/as premiados/as recibirán la escultura TOITS, fabricada en Obsidiana COMPAC®, el material ha alcanzado la certificación C2C Silver, que garantiza que los productos se desarrollan de manera segura tanto para las personas como el planeta.
Cuatro décadas reconociendo la calidad arquitectónica
Desde 1931, uno de los principales objetivos del CSCAE ha sido reconocer a aquellas personas, entidades u obras que hayan contribuido de forma significativa a la promoción de la arquitectura desde la reflexión, el buen hacer y la implicación social, ética y cultural. En este sentido, se ha consolidado como motor de promoción y difusión de la arquitectura española mediante distintas actividades y eventos. Distinciones como la Medalla de Oro de la Arquitectura, instituida formalmente en el año 1987, evidencian ese compromiso para impulsar el interés general por la arquitectura.
Precisamente para ampliar la difusión y el conocimiento social de los valores de la arquitectura y el urbanismo para mejorar la calidad de vida de las personas, en 2021, el CSCAE crea los Premios ARQUITECTURA. El actual formato ha permitido acercar más la Arquitectura a la sociedad, dando a conocer sus valores para mejorar la habitabilidad, garantizar el acceso a una vivienda digna, proyectar espacios públicos pensados para el bien común y preservar la singularidad cultural de los pueblos, la riqueza de sus respectivas historias y la conservación del planeta. Son esa riqueza y la diversidad de las distintas culturas y territorios las que dan lugar a un panorama arquitectónico nacional enormemente fértil y plural que se ve reflejado, cada año, en los Premios ARQUITECTURA.
Un siglo más tarde, y después de haber sido residencia de un antiguo alcalde, edificio de viviendas o albergue, el inmueble evoluciona como pequeño hotel histórico urbano. Se ubica en el borde de la Alameda, y su orientación es inmejorable, con la fachada este hacia el casco histórico y la oeste hacia el monte Pedroso.
Mantenemos tanto la estructura vertical de muros de carga de granito como los forjados horizontales de vigas, pontones y tabla de madera, con los ajustes y reparaciones necesarios. Para mejorar la accesibilidad se rebaja la cota de la planta baja y se instala un ascensor.
Funcionalmente, el esquema es relativamente clásico, con un pasillo central de distribución y tres habitaciones a cada lado, con la crujía de aseos en la zona intermedia en las plantas superiores. En la planta baja el esquema es similar, aunque la banda oeste se dedica a zonas comunes, directamente relacionada con el jardín.
Rehabilitación de hotel | abalo alonso arquitectos | Planimetria
Se restauran el portal de acceso y la escalera, recuperándose sus acabados originales. El pavimento de mármol del vestíbulo se prolonga en toda la planta baja y las baldosas hidráulicas previas se trasladan a las galerías de las plantas altas. Ésta parte del edificio, que se corresponde con la fachada oeste, era la que se encontraba más deteriorada y modificada a lo largo del tiempo, y donde nuestra intervención es más profunda.
Se sustituyen los ya mencionados pavimentos y se reviste la fachada con un entramado de madera pintada que incorpora aislamiento intermedio y unas nuevas ventanas, también de madera. Completa esta mejora energética la renovación de la cubierta.
Se renuevan, así mismo, todas las instalaciones, con la maquinaria integrada en el bajo cubierta y la distribución de conductos, registrable, por el pasillo central de cada planta.
Obra: Rehabilitación de hotel
Emplazamiento: Cruceiro do Gaio 7. Santiago de Compostela
Proyecto y dirección de obra: abalo alonso arquitectos. Elizabeth Abalo, Gonzalo Alonso
Colaboradores: Mecanismo Ingeniería Cálculo de estructuras, Gaia Enxeñería. Cálculo de instalaciones, Spotlux. Asesoría iluminación.
Arquitecta técnica: Begoña Martínez Ces
Promotor: Gestinvegapro
Jefe de obra: Manuel Baltasar
Construcción: Hermanos Iglesias
Industriales: Axiltec, instalaciones, Deraiz, carpintería de madera. Stacbond. Falso techo exterior. Segundo Rey, sanitarios. Flos, iluminación. Topcer. Cerámica.
Proyecto 2021. Fin de obra 2024
Superficie construida 500m2
Fotografía: Santos Diez / Bisimages + abaloalonso.es
El libro Freud sobre la arquitectura explica qué ofrece Sigmund Freud para comprender la creatividad y la experiencia de la arquitectura, con ejemplos que van desde el Movimiento Moderno hasta la actualidad.
Freud sobre la arquitectura | John Abell
Las observaciones de Freud sobre la mente humana y su influencia en la cultura y el comportamiento social han generado numerosos debates desde el siglo XIX. Sin embargo, lo que las ideas fundamentales de Freud ofrecen para comprender la creatividad y la experiencia de la arquitectura ha recibido muy poca atención directa. Esto se debe, en parte, a que Freud abrió la puerta a un lugar en el que la investigación convencional sobre arquitectura tiene poca fuerza: el inconsciente. Para complicar aún más las cosas, la obra de Freud es vasta y abrumadora. Freud sobre la arquitectura examina las ideas clave de Freud y cierra la brecha entre la arquitectura y la teoría psicoanalítica.
En el libro se destacan las ideas de Freud sobre los cambios fundamentales en la infancia, cambios que modelan la psique adulta. También se explica cómo y por qué las fases del desarrollo pueden influir en las preferencias e inquietudes arquitectónicas del adulto, la intuición espacial y las creencias sobre lo que es adecuado y correcto en el proyecto de arquitectura. Por ello, Freud sobre la arquitectura será de gran interés para estudiantes, profesionales e investigadores de disciplinas tales como la arquitectura, el psicoanálisis y la filosofía.
Es el séptimo libro de la colección Pensadores sobre la arquitectura (Editorial Reverté) dirigida por Ester Giménez. La colección plantea un acercamiento a los conceptos filosóficos de pensadores relevantes para el ámbito de la arquitectura con el objetivo de hacerlos más accesibles para todos aquellos lectores interesados en entender los cruces entre el contexto filosófico y arquitectónico. Cada libro de la colección introduce las claves para entender a un pensador concreto. Los autores de los ensayos son arquitectos y críticos de la arquitectura especialistas en cada uno de los pensadores tratados.
AUTOR, John Abell, Y TRADUCTORA, María Hernández Díaz
El autor John Abell doctor y profesor en la School of Design and Construction de la Washington State University. John Abell se ha especializado en proyectos de arquitectura contemporánea y en teoría crítica del urbanismo, principalmente en su relación con la experiencia estética, el oficio y las tecnologías de proyectos. Sus ámbitos de enseñanza e investigación incluyen: métodos de experimentación y modelado para el proyecto arquitectónico, innovación y optimización en el proyecto vinculado con las prácticas sociales y psicología del diseño.
La traductora de la obra al castellano, María Hernández Díaz, es diplomada en Estudios franceses por la Universidad d’Aix-Marseille III y graduada en Estudios clásicos (BA Hons) por la Open University del Reino Unido. Ha traducido para las editoriales Hermann Blume, Alianza y Reverté (en esta última: Niels Luning Prak, El lenguaje de la arquitectura: una aportación a la teoría arquitectónica, 2018; y Peg Rawes, Irigaray sobre la arquitectura, 2023); también traducer egularmente para el Journal of Traditional Building, Architecture and Urbanism. Entre los autores que ha traducido se encuentran: Manuel Castells, Partha Dasgupta, Tariq Alí, Gavin Hewitto Charles Taylor.
Estoy seguro de que su rotunda afirmación fue recibida con los brazos abiertos por todos aquellos asistentes que, como yo, estamos totalmente convencidos de la importancia de la planificación y el paisaje como herramienta ineludible para abordar o revertir muchos de los desafíos eco sociales del mundo en el que vivimos o al que nos dirigimos.
Además, sus palabras estuvieron acompañadas de hechos en forma de una genial presentación de su Masterplan para el recinto ferial de Canarias (INFECAR) en Las Palmas. Se trata de un proyecto que aborda de forma integral la renovación y actualización de un espacio muy heterogéneo y degradado y que persigue trascender sus propios límites y «exportar» energía, infraestructura verde e inclusión social a su entorno, lo que estoy seguro de que hizo reflexionar positivamente incluso a todos aquellos enfrascados en otro tipo de escalas de intervención más reducidas.
Plaza central comunitaria del Masterplan para el recinto ferial de Canarias (INFECAR) en Las Palmas @LPA Studio
Al fin y al cabo -pensé-, en la actualidad, ya casi nadie cuestiona la relevancia y necesidad de promover la sostenibilidad en los entornos urbanos y el inmenso potencial de nuestras ciudades, ¿no?
Pero para llegar a este punto de concienciación social y convencimiento más o menos global hemos tenido que transitar un largo recorrido, en el cual la rápida urbanización mundial y sus impactos negativos en las condiciones de vida de las personas han ido cobrando cada vez mayor relevancia.
Como claro ejemplo de ello podemos citar la evolución histórica de las Conferencias de las Naciones Unidas sobre Asentamientos Humanos (popularmente conocidas como Hábitat), las cuales, partiendo del reconocimiento del acceso a la vivienda como un derecho fundamental básico y la definición de lo que es una «vivienda digna» (Vancouver, 1976) han ido profundizando cada vez más en las causas del crecimiento urbano desmesurado (Estambul, 1996), identificando a la pobreza generalizada como principal obstáculo para su racionalización y expresando la urgente necesidad de mejoras en la seguridad jurídica y las condiciones ambientales.
Puede afirmarse que este proceso «evolutivo» culminó finalmente en la 3ª conferencia sobre asentamientos humanos Hábitat III (Quito, 2016), donde, de forma alineada con la Agenda 2030 para el Desarrollo Sostenible aprobada un año antes y sus correspondientes ODS, se adoptó la Nueva Agenda Urbana. Este documento nace del convencimiento de que todo lo verdaderamente relevante que está pasando y que seguirá pasando en el mundo sucede y sucederá cada vez más en las ciudades, por lo que ellas han de ser el centro de las políticas sociales, económicas y medioambientales que se adopten para impulsar el desarrollo sostenible.1
La realidad de las cifras confirma este particular, toda vez que, a pesar de que solo representan el 3% del total de la superficie terrestre, las ciudades son responsables de más del 70% del consumo energético mundial y generan aproximadamente la misma proporción de emisiones de carbono. Es evidente que este desequilibrio exige replantear con urgencia nuestra forma de habitar hacia modelos más resilientes y respetuosos con el medio ambiente e, indirectamente, supone reconocer que la sostenibilidad sólo puede ser realmente factible si se aplica (al menos) a escala urbana.
Llegados a este punto, son innumerables los beneficios metodológicos que conlleva el hecho de abordar la sostenibilidad desde esta condición, pero tal vez el más interesante a medio y largo plazo sea el relacionado con la concepción de la ciudad como un ente construido de forma colectiva. Esta sensación de constructo comunitario e identitario tiene el potencial suficiente para constituirse en el elemento nuclear y transformador necesario para, por fin, llevar la teoría a la práctica e interpela de forma simultánea a aspectos dimensionales y de gobernanza.
Por un lado, la escala urbanística -entendida desde su alcance geográfico- permite implementar una suficiente visión holística y transdisciplinar que busque la mayor conciliación posible entre los intereses cruzados de todos los actores relevantes y permite, al mismo tiempo, responder a los retos medioambientales, sociales y económicos cuya interrelación es diversa y, ciertamente, compleja.
Por otra parte, la participación ciudadana y la concienciación comunitaria emergen como pilares fundamentales en la construcción de una ciudad y, por extensión, en un mundo más sostenible. No se puede lograr solo desde las administraciones públicas o las empresas; la implicación activa de los ciudadanos es esencial para garantizar que las iniciativas tengan éxito y esto ha de hacerse desde las máximas garantías de transparencia y gobernanza efectiva. Empoderando a las comunidades en torno a los espacios y elementos que comparten, se promueve una cultura de sostenibilidad que puede amplificar sus efectos positivos a largo plazo. No se trata solo de una respuesta a los desafíos actuales, sino de una estrategia para garantizar un futuro más justo y próspero.
En un mundo cada vez más urbanizado, asegurar la sostenibilidad en las ciudades no es una opción, sino una necesidad. Solo a través de una planificación cuidadosa y una acción colectiva podremos crear espacios donde las futuras generaciones puedan prosperar en armonía con nuestro planeta.
Notas:
1 UN-Habitat (2016). Nueva Agenda Urbana. Declaración de Quito sobre Ciudades y Asentamientos Humanos Sostenibles para Todos (A/RES/71/256). New York, EE. UU.: United Nations.
Dibujo de la propuesta del Pabellón Langelinie de Jorn Utzon
Frente a las arquitecturas de gran dimensión en planta, cuyo centro generalmente es un gran vacío, las construcciones que persiguen la verticalidad recurren a un centro masivo y compacto. Si en unos es la luz estructural el reto a dominar, en los otros será el exceso de carga vertical el problema a resolver. Será el alma de estos edificios, su núcleo central, el que intentará absorber la desproporción de su carga y trasladarla al suelo.
Las estructuras arbóreas de la botánica, han resumido bien esta forma de enfrentarse a la gravedad, que templos como la pagoda china de Guilin, o la pagoda japonesa de Nara han reproducido imitando su verticalidad y su flexibilidad.
En 1953, Jørn Utzon participó en el concurso para la construcción de un pabellón en el área de Langelinie, con una propuesta que reinterpretaba en clave moderna esas arquitecturas de la tradición clásica oriental.
Sección por el núcleo central
El proyecto se resume en una pieza vertical de carácter escultórico, en el que las plantas se apilan unas sobre otras buscando ganar altura. El pabellón se materializa como una torre alta que consta de diez plantas, en la que cada forjado es un disco de diferente tamaño, dispuestos uno encima de otro y conectados por el núcleo central que alberga escaleras y ascensores. Un muro cortina de cristal resuelve la fachada ofreciendo una vista libre de 360 grados sobre el puerto, el mar, y la ciudad. Utzon estiró el programa del pabellón hacia la vertical, para que la torre subiese por encima de los techos de la ciudad de cinco pisos y de ese modo el nuevo edificio se relacionase con las maravillosas torres de Copenhague.
En el núcleo circular de la torre se agrupan los ascensores y montacargas, aseos y vestuarios, salidas de emergencia, patinillos de instalaciones, así como todos los elementos servidores. En todos los niveles alrededor de este núcleo se van acomodando los espacios principales del programa del concurso, siempre volcados al exterior, generosamente iluminados y ventilados.
Vista del interior sobre el atardecer de Copenhagen
La torre ocupa una superficie mínima en planta gracias a que únicamente su núcleo central ocupa realmente suelo. Esta solución le permite a Utzon situarla tan cerca del agua que los visitantes del restaurante estarían en contacto con la superficie del agua y las reflexiones de luz sobre ella. Del mismo modo, debido a la pequeña planta de la torre, un punto sobre el plano el camino de acceso se simplifica en una línea recta ideal que une ese punto con el centro de la ciudadela de Copenhague.
La propuesta de Utzon obtuvo el tercer premio y el proyecto ganador construido por Eva y Niels Koppel ocupa con su rotundidad, belleza y horizontalidad miesiana el solar desde 1958. La arquitectura siempre ofrece múltiples soluciones y en ocasiones solo puede soñarse con alguna de ellas.
Maqueta de la propuesta
Íñigo García Odiaga. Arquitecto
San Sebastián. Publicado originalmente 09.05.2017
La sala del Museo ICO se transforma sin intervención física. ‘Cómo suena un edificio’, de Pedro Torrijos, construye un paisaje sonoro inmersivo que convierte el sonido en arquitectura. La experiencia invita a repensar el espacio más allá de lo visual, explorando la materialidad del sonido y su capacidad para dar forma a la percepción del entorno.
Bienvenidos a un paseo sonoro por el edificio más icónico del barrio de Prosperidad de Madrid junto a Pedro Torrijos y Erik Harley, graduado en Bellas Artes, investigador y comunicador especializado en los excesos urbanísticos que hemos conocido en España.
Gracias a la compañía de un vecino que nos abre y enseña el edificio, desarrollamos el concepto de “pormishuevismo” con el que Erik denuncia la corrupción urbanística asociada a grandes proyectos en la que ha primado la espectacularidad sobre su función y necesidad real, y nos preguntamos si Torres Blancas, diseñado por Sáenz de Oíza en 1961, pertenece a esa categoría.
Hablamos de las luces y las sombras de una obra que es edificio protegido y no puede ser renovado sin los permisos pertinentes, con un garaje que recibe las filtraciones del agua del jardín que cubre su techo, con una entrada que luce unas protuberancias en su parte superior que recuerdan a encías sobre muelas y un suelo que resbala muchísimo en los días de lluvia, una maravillosa escalera de caracol con pasamanos recubiertos de sky color burdeos, una escalera principal y otra de servicio que se comunican cada siete pisos, multitud de detalles y adornos personalmente diseñados por Sáenz de Oiza como los ceniceros o las placas con los números de los pisos, y una planta 23 que en realidad es un único piso con vistas 360º a la ciudad de Madrid.
Un símbolo arquitectónico que rezuma una modernidad de los años 60 que ya ha quedado desfasada, una estética que algunos califican de “escultórica” y otros de “hortera”, y una idea de arquitectura que nos genera debate:
¿Es Torres Blancas una gran creación, o un caso de “pormishuevismo” como los que denuncia Erik Harley?
E21. Pueblos de colonización, la España que no se vació
El 18 de octubre de 1939, el Ministerio de Agricultura del régimen de Franco creó el Instituto Nacional de Colonización. Un organismo para acometer la reforma agraria, social y económica del medio rural, que retomaba y ampliaba un programa de la II República que nunca se llevó a cabo. El principal artefacto del INC fueron los pueblos de colonización: más de 300 pueblos construidos en nuevas zonas de regadío, normalmente a lo largo de las grandes cuencas fluviales del país. Durante más de tres décadas, durante prácticamente toda la dictadura franquista, decenas de miles de familias se trasladaron a estos pueblos creados desde cero. Les entregaron una casa y una parcela de cultivo y comenzaron una vida nueva.
Viajamos a uno de estos pueblos, Vegaviana (Cáceres) para conocer sus calles, sus casas y cómo es uno de esos pueblos de colonización. Iluminada Bermejo, una de las colonas que llegaron al pueblo en su fundación en 1954, nos habla de cómo fueron los orígenes del lugar, cómo se asentaron allí sus habitantes y cómo crearon comunidad en un lugar que les exigía mucho trabajo y les rodeaba de otras familias desconocidas hasta entonces. Juana Rivas, una de las vecinas más veteranas de Vegaviana, nos recita sus poemas que son historia y memoria del lugar. La de tantas familias que son fundamento de la exposición «Pueblos de colonización: Miradas a un paisaje inventado«, en el Museo ICO, comisariada por Ana Amado y Andrés Patiño, que se convirtieron en vecinos de Vegaviana para entender la realidad de un lugar así.
E22. Benedetta Taglieabue: Escuchar, aprender y proponer
Recibimos en la Fundación ICO a Benedetta Tagliabue, arquitecta italiana formada en Venecia y Nueva York y que ha desarrollado su carrera en Barcelona como cofundadora y directora del estudio Miralles Tagliabue EMBT.
Benedetta nos habla de las influencias que recibió en su etapa de formación y de cómo conocer a Enric Miralles cambió toda su perspectiva profesional y su forma de ver la arquitectura. La muerte inesperada de Miralles en el año 2000 supuso un reto personal y profesional para Tagliabue y su equipo, un proceso en el que profundizamos junto a ella en la conversación y en el que Rafael Moneo fue una figura inspiradora.
Junto a ella recorremos la concepción de algunas de sus mejores obras, como el Mercat de Santa Caterina en Barcelona y el uso de ciertos materiales como la madera; la construcción de viviendas en Ámsterdam, la Casa la Clota y el Centro Kālida Sant Pau y su peculiar utilización y disposición estética del ladrillo; el pabellón de España de la Exposición Universal de Shanghai y la búsqueda del impacto visual de la arquitectura efímera mediante la fabricación en mimbre; el reto de combinar pequeñas dimensiones y espacios abiertos al diseñar promociones de viviendas sociales; el desafío que afronta la arquitectura ante los cambios sociales, de modelo de familia y la necesidad de reutilizar materiales para ser más sostenibles; y la oportunidad de trabajar en China y la combinación del trabajo de arquitectura y el desarrollo urbanístico con nuevos conceptos de ciudad.
Y en el turno de preguntas del público hablamos sobre la adaptación del proceso creativo de los arquitectos a la evolución de las nuevas tecnologías, de la implicación de Benedetta en los proyectos de su estudio al compaginar la arquitectura y la administración y representación pública de su estudio, sus lugares y ciudades favoritas para vivir, de la homogeneización del aspecto de las ciudades debido a la globalización, sobre cómo explicar la arquitectura y los proyectos más ambiciosos a clientes y públicos no especializados en el sector, y de cómo su estudio aborda las necesidades de usuarios con diversidad funcional en sus proyectos más recientes.
E23. Cómo Suena la Parroquia de la Santísima Trinidad, con David García-Asenjo
Viajamos hasta Collado Villalba junto a David García-Asenjo, arquitecto, profesor de universidad, comunicador, uno de los mayores expertos sobre arquitectura religiosa en España, y autor del libro “Manifiesto arquitectónico paso a paso” donde habla de la arquitectura contemporánea a través de las iglesias.
Con él visitamos la Parroquia de la Santísima Trinidad, una obra de Ignacio Vicens y José Antonio Ramos, situada frente a la estación de tren de la localidad y que nos recibe con una pequeña plaza, un pequeño parque infantil y una pequeña fuente que separan sus fachadas de los edificios circundantes y del tránsito de vehículos. Un espacio de transición entre nuestro día a día cotidiano y el espacio de paz y espiritualidad que nos ofrece en su interior.
La Parroquia de la Santísima Trinidad llama la atención desde el exterior, por su diseño exterior y los símbolos religiosos que contiene bajo la apariencia de una obra arquitectónica totalmente contemporánea, y en su interior, con la disposición de espacios entre el templo principal, la capilla aledaña que puede unirse o separarse de la nave mayor, las dependencias comunitarias y parroquiales y las propias viviendas de los sacerdotes que allí residen. Todo ello salpicado de detalles como la iluminación natural a través de los grandes espacios acristalados en su techo, el gran tamaño del Cristo Resucitado frente a la discreción del Cristo Crucificado, y el llamativo retablo en pan de oro que preside la capilla.
Junto con David hablamos de la teatralidad de los diseños arquitectónicos de las Iglesias, del papel de la luz en los lugares de culto, de la interpretación de Vicens y Ramos de cómo entienden ellos el diseño de una iglesia lejos de todo tipo de dramatismos en su diseño, del uso de los espacios y la luz en un lugar tan llamativo como el que hoy visitamos, y de por qué la religiosa es una buena disciplina para analizar la arquitectura española contemporánea.
La exposición «Iwan Baan: Instantes en la arquitectura» del Museo ICO nos invita a viajar alrededor del planeta para conocer los edificios, entornos y realidades que el fotógrafo neerlandés Iwan Baan ha retratado a lo largo de su carrera.
Hoy, junto a Iwan Baan y Mea Hoffmann, comisaria de la exposición y responsable de su llegada desde el Vitra Design Museum, viajamos por todos los lugares que han pasado frente a la cámara de Iwan y conforman esta muestra. Nos detenemos en The Vessel, las escaleras a ninguna parte que representan la vacía espectacularidad de una ciudad como Nueva York. Viajamos a Beiking para visitar las obras de construcción de la sede de la CCTV y El Nido de Pájaro, el formidable Estadio Nacional construido para los Juegos Olímpicos de 2008. Visitamos Etiopía y sus sorprendentes iglesias de Lalibela, no construidas en la roca sino excavadas en ella hacia abajo, en el suelo. Y nos detenemos a conocer el Cementerio Norte de Manila, un lugar que acoge no sólo a los fallecidos sino a miles de personas vivas que residen en sus mausoleos familiares.
Iwan Baan es una persona que soñaba con la fotografía y con recorrer el mundo. Lleva décadas uniendo sus dos pasiones, y ahora nos regala sus creaciones en la exposición del Museo ICO que os invitamos a visitar.
E25. Chema Madoz: El objeto y la maravilla
Con motivo de la exposición “Iwan Baan: Instantes en la arquitectura”, recibimos a Chema Madoz, fotógrafo galardonado con el Premio Nacional de Fotografía y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. Este episodio fue grabado en el Museo ICO junto a todos los oyentes que han presenciado en vivo la conversación con Pedro Torrijos.
Junto con Chema reflexionamos sobre la condición de artista que tiene un fotógrafo, y sobre cómo contar historias y maravillar a través de obras sin título que retrata objetos cotidianos. Recorremos con él sus primeros pasos en su recorrido laboral hasta encontrar el hueco y la forma de expresar sus ideas a través de imágenes dentro las corrientes que existían en aquel momento en el mundo de la fotografía.
También conocemos una anécdota que relaciona a una ausencia de Joaquín Prat (padre) en una clase, y cómo rellenar ese tiempo vacío inspiró a Chema Madoz para buscar su identidad como creador. Sobre el momento que inspiró su fotografía del espejo y la escalera y el proceso de construcción de los objetos que aparecen en sus imágenes.
“Después de tantos años sigo disfrutando, sigo descubriendo, me sigo sorprendiendo a mí mismo”,
nos dice Chema. Una conversación inspiradora en el Museo ICO que nos acerca a la fotografía, al arte y al proceso creativo de una mente como la de Chema Madoz.
E26. Cómo Suena el Auditoria El Batel, con Marcos Ros
El puerto de Cartagena ha abierto al mar a una ciudad costera que irónicamente siempre ha vivido de espaldas a las aguas. Allí encontramos el Auditorio y Palacio de Congresos El Batel, un edificio diseñado por José Selgas y Lucía Cano que pretende ser unión entre la tierra y las aguas que lo delimitan a cada lado.
Pedro Torrijos recorre El Batel junto con Marcos Ros, arquitecto y eurodiputado, que nos cuenta la evolución histórica en la relación de Cartagena con el mar, y cómo la actuación en su puerto permitió a la población recuperar su relación cotidiana con el agua. Nos adentramos en la gran calle principal del edificio, conocida como su “playa”, que desciende suavemente desde la entrada hasta colocarnos por debajo de la cota de nivel del mar, donde nos espera la entrada del auditorio principal. Un auditorio que juega con la luz y los colores para recordarnos con sus reflejos que el agua nos rodea mientras nos sentamos en sus butacas. Recorremos el escenario del gran teatro y nos adentramos en los recovecos de un edificio que nos guía por sus interioridades invitando a conocer cada espacio.
Además, conocemos la iniciativa de la Nueva Bauhaus Europea, un movimiento impulsado por la Comisión Europea que busca cambiar el concepto de la economía de la arquitectura, buscando la eficiencia, la sostenibilidad y el impacto cero de los proyectos arquitectónicos desde su concepción hasta el final de la etapa de construcción. Un gran reto continental y un enorme cambio de mentalidad para los profesionales del sector que Marcos nos explica en este paso por una de las grandes joyas de Cartagena.
E27. José María García de Paredes: La atmósfera y la matemática
Celebramos el centenario del nacimiento de José María García de Paredes, arquitecto sevillano conocido por obras como el Auditorio Manuel de Falla de Granada, el Auditorio Nacional de Música de Madrid, o el Palau de la Música de Valencia. Cien años de historia que recoge la exposición «José María García de Paredes: Espacios de Encuentro» del Museo ICO.
Recorremos la exposición junto a Ángela García de Paredes, arquitecta, comisaria de la muestra, e hija de José María. Con ella recordamos la vocación frustrada de su padre como marino, que pronto fue sustituida por el interés por la arquitectura, a la que se unió su relación personal con la música gracias a su matrimonio con Isabel de Falla, sobrina y ahijada del compositor Manuel de Falla. Una ligazón entre los conceptos de música y arquitectura que se ve reflejada en los grandes auditorios diseñados por García de Paredes y el meticuloso cuidado que busca una la funcionalidad constructiva, estética y auditiva de cada elemento de sus edificios.
Además, repasamos un momento histórico en la Transición española como fue la llegada del Guernica de Picasso a nuestro país desde el Museo MOMA de Nueva York, un proceso discreto en el que José María García de Paredes recibió el encargo de diseñar la urna que debía proteger la obra de posibles ataques dentro del Casón del Buen Retiro de Madrid, y asegurar su correcta visibilidad para que todos los españoles pudieran contemplar idóneamente tan icónica obra.
E28. Cómo Suena el Rascainfiernos, con Antón García-Abril
En el barrio de Nueva España de Madrid se encuentra una de las viviendas más originales de la ciudad, cuya construcción arrancó en 1972 y que se ha convertido en un referente para arquitectos de todo el mundo: El “Rascainfiernos”, una construcción que fue vivienda de su creador, Fernando Higueras, y que ahora es sede de la fundación que lleva su nombre.
El Rascainfiernos es un edificio creado bajo superficie, que proyecta dos sótanos bajo un jardín cuyos árboles podemos ver desde abajo gracias a las claraboyas que dotan de abundante luz a este espacio subterráneo. Un lugar con una gran eficiencia energética, que no precisa ni calefacción en invierno ni de refrigeración en verano ya que se mantiene todo el año a una temporada que ronda los 20 grados. Una creación muy personal que fue vivienda, espacio de trabajo, cueva de reflexión y vivero de nuevas ideas.
Gracias a Lola Botía y la Fundación Fernando Higueras, recorremos este edificio junto al arquitecto Antón García-Abril, con quien Pedro Torrijos conversa sobre la relación de Higueras con la naturaleza y cómo sus ideas han servido de inspiración para las nuevas generaciones de arquitectos. Además, reflexionan sobre la necesidad de eficiencia energética de las futuras construcciones y recogen las enseñanzas que Fernando Higueras nos dejó con Rascainfiernos.
CEMUBE es un edificio multifuncional destinado a albergar actividades culturales de diversa índole. Su espacio central diáfano presenta gran versatilidad, puede adquirir diferentes configuraciones en función de cómo se articulen los elementos de su envolvente: un escenario extensible, una fachada practicable mediante puertas seccionales y otras dos permeables al flujo peatonal.
Se trata de una arquitectura capaz de graduar su carácter entre introvertido y extrovertido: cerrarse para realizar actividades que necesitan control total de iluminación y acústica, abrirse para crear una plaza cubierta que incorpora los espacios exteriores aledaños, u optar por soluciones intermedias. Además camerinos y escenario disfrutan de acceso y muelle de carga independientes, para permitir la preparación de nuevos montajes sin interferir en el uso simultáneo de la sala.
El edificio se implanta en un entorno urbano desestructurado, en un área de expansión del municipio todavía sin carácter definido. CEMUBE contribuye a definir una identidad para el lugar, aporta una imagen potente y, debido a su función, atrae población para participar en las actividades culturales.
CEMUBE. Equipamiento cultural multiusos | Salas Arquitectura + Diseño | Planimetria
Su arquitectura desarrolla dos estrategias de relación con el entorno: se abre hacia la zona urbana consolidada y genera un ritmo pautado de huecos hacia el exterior del municipio, para controlar la transición entre la escala doméstica de la calle y la territorial de su volumen, que destaca desde la distancia. Su planta se pega al límite sur del solar y genera un área de esponjamiento del espacio público en la zona más cercana al núcleo urbano, protegida del exceso de soleamiento en verano y de los vientos dominantes en invierno.
La forma interior y exterior del CEMUBE siguen lógicas diferentes. El interior se genera en función de la sonorización de la sala, para ello adquiere intencionadamente una geometría quebrada, revestida de materiales acústicos en paredes y techos, para distribuir el sonido con uniformidad. Mientras que el exterior se presenta como un prisma ordenado de paneles prefabricados de hormigón visto, perforado por huecos con carpinterías negras y zonas de instalaciones revestidas de lamas de aluminio. Sin embargo entre ambos existe una conexión material, el pavimento de hormigón ayuda a percibir continuidad cuando el edificio abre su fachada principal.
CEMUBE. Equipamiento cultural multiusos Salas Arquitectura + Diseño | Sección constructiva
El cortometraje rodado en el edificio «The After Party» es un viaje a la vez emocional, conceptual y experimental a través de la arquitectura y el recuerdo. El retrato de una localidad, de sus habitantes y de su relación con el entorno. Un ensayo sobre la memoria cinematográfica y sus formas, sobre los anhelos y fracasos de la creación que subyacen en nuestro afán por proyectarnos como individuos en la sociedad.
El proyecto nace de la estrecha colaboración entre el trabajo de arquitectura de Juan Carlos Salas y la obra cinematográfica de Alejandro Ramírez. Ambos han encontrado en el género del cine de arquitectura un lugar en donde volcar sus inquietudes. Es en este terreno en el que ambos apuestan por un discurso que desarrolla una mirada estética y conceptual en torno al paisaje, el retrato, los volúmenes, la luz, el tiempo, la observación y las emociones. Ambos aportan a través de nuestros lenguajes puntos de vista convergentes y compatibles, elaborando una pieza audiovisual que apela a la contemplación y a la reflexión.
Toldo verde: Postales de otro patrimonio | Pablo Arboleda y Kike Carbajal
En el contexto del desarrollismo franquista, un enorme número de viviendas fueron erigidas en las periferias de las principales ciudades de nuestro país. Densos tejidos urbanos, edificios tan homogéneos como anodinos, un paisaje identificativo de una España que, experimentando cambios, llega hasta nuestros días.
El arquitecto-investigador Pablo Arboleda nos presenta esta realidad imperfecta en clave patrimonial, donde el término “patrimonio” queda despojado de idealismo para erigirse en un espejo que invita a la sociedad a reconocerse tal como es. Paralelamente, el fotógrafo Kike Carbajal documenta un Madrid que podría ser muchas otras ciudades y desde cuyas entrañas emerge un imaginario común que eleva a la categoría de “postal” unas estampas extrañamente familiares.
La conjunción de ambos autores deriva en un rico ejercicio de introspección sobre las paradojas que encierran nuestras ciudades, basculando siempre entre la reivindicación y el cuestionamiento. Una observación pausada y paseada sobre lo que, por cercano, nunca hemos mirado. Un pasado presente cuya narrativa está necesitada de gestos que contribuyan a construir una imagen de España más amplia, honesta e inclusiva.
Pablo Arboleda (1985)
Investigador en el Instituto de Lengua, Literatura y Antropología del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (ILLA-CSIC). Arquitecto de formación, ha estudiado y trabajado en varias universidades de España, Francia, Canadá, Alemania y Escocia. Su principal línea de investigación aborda las llamadas “ruinas modernas”, espacios abandonados en contextos de desindustrialización y crisis, y en los que un pasado convulso converge con una suerte de fascinación estética en el presente. En esta estela, Toldo verde supone su primer libro y su primera incursión explícita a la periferia urbana entendida como realidad cultural y patrimonial.
Kike Carbajal (1976)
Fotógrafo afincado en Madrid cuyo trabajo ha basculado entre grandes editoriales, prensa nacional, revistas, comunicación corporativa y publicidad. Su pasión por el género documental y la antropología visual le ha llevado a realizar multitud de proyectos para fundaciones en Europa y África, colaborar en iniciativas audiovisuales y exposiciones, e investigar así un amplio abanico de temáticas que abarcan desde lo más cotidiano a lo más devastador. Somos la calle (Popurrit, 2017) fue su primer libro, una exploración en clave de street photography sobre los habitantes de la capital; Toldo verde es igual, pero al contrario.
Mi hijo Diego, usuario cotidiano de los trenes de cercanías de Madrid, me dijo:
-Papá, a la entrada de Atocha hay una pintada buenísima. Dice: «La culpa de todo es de Le Corbusier«.
-¿De verdad? ¿Así, sin más? ¡Qué bueno! ¡Quiero foto!
-No me ha dado tiempo. Ha sido un momento. Un día de estos te la hago.
Es, como veis, una pintada muy pulcra y discreta. Nada de estridencias. Da la sensación de ser una queja sentida, resignada y muy cívica (dentro de lo que es hacer pintadas en la propiedad y el espacio públicos, que supongo que también entraña en sí mismo algún tipo de civismo).
Ni que decir tiene que me faltó tiempo para colgar la imagen en Facebook y en X (Twitter).
El éxito ha superado cualquier previsión. Me ha desbordado.
En X (Twitter), en un solo día, esta foto ha sido «favoriteada» más de mil novecientas veces, ha sido retuiteada más de mil trescientas y ha tenido cuarenta y un comentarios. Y sigue:
No hacen más que llegarme notificaciones.
Los comentarios han sido, en general, de lo más divertido. La verdad es que la pintada es buenísima y se presta a ello. Y la gente que comenta es muy ingeniosa.
Pero, como suele pasar, siempre hay más haters que lovers, y entre los primeros, tras los divertidos, sutiles y complejos, vienen los más simples y directos, hasta que uno, por fin, ha hecho un comentario con solo dos palabras: «HIJO PUTA». (Supongo que dedicadas a Le Corbusier, aunque también podrían ir destinadas al autor de la pintada o a mí. Esto nunca se sabe).
Creo que merece la pena decir un par de cosas. (Siempre merece la pena decir un par de cosas sobre el tema que sea).
Todo apunta a que el autor de la pintada padece alguno de los barrios del extrarradio de Madrid, y soporta diariamente el follón de los transportes públicos, con varios transbordos, con el tiempo justo, con líos de todo tipo. Vive en uno de esos barrios que siguen un modelo propugnado y propiciado por Le Corbusier (entre muchos otros) que prometía espacio, sol, ventilación, vegetación y que en realidad han quedado en algo mucho menos atractivo, y donde además hay un complejo y problemático tejido social, una patente falta de servicios públicos, etcétera. (Aunque también hay que decir que en las últimas décadas todo eso ha mejorado bastante. Es verdad).
Hay que decir que Le Corbusier fue un talento plástico de primera, uno de los grandes genios de la humanidad. Pero también hay que reconocer que no tenía ni la formación ni el conocimiento suficientes como para hacer propuestas urbanísticas serias. Tenía brillantes intuiciones, y las sabía exponer con elocuencia. Y era un gran publicista de estas ideas, por lo que consiguió que le hicieran algunos encargos gigantescos y disparatados.
Los edificios de Le Corbusier: sol, ventilación, vegetación, vistas, planta baja liberada… Y la ciudad configurada por una trama de estos edificios higiénicos y felices y por una zonificación férrea.
Le Corbusier, como también les pasa a muchos políticos, proponía soluciones muy simples para problemas muy complejos. Ese tipo de cosas gusta mucho. No hay más que ver cómo triunfa el populismo y la demagogia. Es muy fácil dar una solución genialoide para resolver de un plumazo el paro, la inmigración, las guerras, el comercio, los precios, las zonas verdes, los espacios de relación social, los transportes públicos o lo que sea. Muy fácil. Una buena campaña publicitaria hace que la gente se crea esos esquemas tan sencillos y elocuentes y el pisto está servido. El follón y la zorrera que se forman pueden ser irreversibles y tener efectos dramáticos.
Vale. De acuerdo: LA CULPA DE TODO ES DE LE CORBUSIER
Le Corbusier ha sido desenmascarado. Ya era hora. Bueno: ¿y entonces qué proponemos ahora?
Hace un par de domingos EL PAÍS SEMANAL publicó una entrevista con Ricardo Bofill (el que faltaba), en la que decía:
«Le Corbusier no me gusta. Su teoría urbanística es de mala persona. En Francia soy un crítico reconocido de su obra».
Ya se ve. (Iba a poner imágenes de cosas neoclásicas y neobarrocas de Bofill, pero para qué). «Mala persona». Nada menos que «mala persona». Cágate, lorito.
De acuerdo en que el urbanismo de Le Corbusier fracasó (como no podía ser de otra manera), pero todos los que conozco han fracasado. Sencillamente porque es un problema irresoluble, porque es un asunto demasiado complejo, y cuando se intenta mejorar un aspecto se estropea otro.
El urbanismo actual de mera normativa, de meros estándares de a tantos metros cuadrados de zona verde por metro cuadrado construido o por habitante, y de tantos metros cuadrados mínimos de parcela dotacional, de cesiones, etc., no llega ni a urbanismo. No es nada. Es una «cuenta de la vieja». Ni tiene modelo de ciudad ni se atreve más que a sectorizar y que cada uno haga lo que le salga. Vaya mierda. (¿Y la culpa es de Le Corbusier? Pobrecillo).
De acuerdo, repudiemos a Le Corbusier y a todo lo que ha venido tras él y volvamos a las bellas ciudades de antaño, a esas que tanto le gustan al Príncipe de Gales, a esas ciudades como el Madrid del «agua va» que nos pinta Galdós o el encantador Londres de Dickens.
Por si no lo sabéis, el entrañable grito de «agua va» -donde agua es un eufemismo por excrementos- era porque las hacinadas viviendas no tenían retrete -en las corralas más modernas había uno al fondo del corredor, compartido por todas las viviendas de la planta, pero en otras ni eso-, y cuando el orinal se llenaba su contenido se arrojaba por la ventana. El amable grito de «agua va» era todo un detalle admonitorio, pero las más de las veces era simultáneo al vaciamiento, por lo que el peatón que pasara por allí quedaba bien servido.
Ante esto, un grupo de arquitectos modernos (sí: malas personas, hijos de puta) hablaron de soleamiento, de espacios libres, de zonas verdes, de ventilación, de saneamiento, de higiene… Unos malditos cabrones que tienen la culpa de todo, hasta de lo que se ha hecho adulterando sus ideas, sin seguirlas de verdad y sin corregir nada.
De todo. La culpa de todo.
José Ramón Hernández Correa · Doctor Arquitecto
Toledo · Febrero 2017
Los profesionales que estudiaron en esos centros y trabajaron en el cine están recogidos en mi libro Directores artísticos del cine español, pero evidentemente no están los que solo se matricularon y no acabaron o lo hicieron, pero nunca aparecieron en los títulos de crédito de alguna película.
Esta lista comprende ciento dieciséis personas, las cincuenta y ocho que se titularon en Decoración y las otras cincuenta y ocho que ingresaron pero no llegaron a obtener el título. Del total tengo datos de la mitad, veinticuatro trabajaron en el cine y ya aparecían en el libro antes citado, y he obtenido información sobre los treinta y cuatro restantes.
Revisándola he encontrado catorce arquitectos que iniciaron sus estudios, de ellos nueve no la finalizaron y cinco se titularon. Antes de continuar hay que mencionar al reconocido arquitecto Luis Martínez Feduchi, relacionado con la escuela de cine, aunque no por ser alumno, sino profesor de la especialidad de Decoración del IIEC, durante dos cursos.
En 1948 -un año después de la fundación del IIEC (Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas)-, ingresaron los dos primeros arquitectos: Ignacio Gárate Rojas (1922) y Antonio Quesada Quesada (1906 – 1975), el primero fue después especialista en restauración de edificaciones, y el segundo trabajó en la Dirección General de Regiones Devastadas.
En 1949 entraron Francisco Carbajosa Iznaola, que trabajó en el Instituto Nacional de Urbanización del Ministerio de la Vivienda y Manuel de la Peña Suárez (1922-2008), quien desarrolló casi toda su carrera en Las Palmas de Gran Canaria, construyendo una serie de edificios notables, y obtuvo el título de arquitecto dos años después de haber ingresado en el IIEC.
En 1962 la escuela cambia su nombre pasando a denominarse EOC (Escuela Oficial de Cinematografía). Seis años después, ingresaron las dos primeras arquitectas; Emilia Checa Morán, que trabajó en Madrid, y la chilena Glenda Kapstein Lomboy (1939-2008), que vivió en esa ciudad entre 1967 y 1979, teniendo una larga y reconocida carrera profesional en su país. Respecto a las alumnas de la especialidad de decoración, se debe mencionar que en la primera promoción se matriculó Enriqueta Ruiz del Rey y la primera que se tituló fue María del Perpetuo Socoro Mambrilla Suárez que también pertenecía a esa promoción de 1947, ninguna de ellas apareció en los títulos de crédito de alguna película española.
En 1969 ingresó Luis Antonio Gutiérrez Cabrero, el primer arquitecto que redactó en España una tesis doctoral sobre las relaciones entre cine y arquitectura, un extraordinario profesor durante muchos años en la Escuela de Arquitectura de la UPM y un investigador -e instigador- fundamental en la historia de los estudios sobre cine y arquitectura en el mundo hispano. Por último, en 1970 ingresó José Luis Martín Clavo especialista, entre otros temas, en edificios destinados a bibliotecas.
Ninguno de todos los antes mencionados finalizó sus estudios en la escuela de cine. El primero que sí acabó fue Rafael García Diéguez, que ingresó en 1953, obtuvo el título de arquitecto en 1964 y ese año abrió un estudio profesional, compaginando esa actividad con la docencia, llegando a ser Catedrático Emérito Honorario en la Universidad de Sevilla.
En 1960 ingresó José Antonio Nombela Serrano, arquitecto especializado, entre otras tipologías, en parques de atracciones acuáticas. Tres años después, Jorge Disdier Antoñanzas (1943) arquitecto, pintor, escritor y director de documentales para televisión.
En 1966 ingresó Juan Carlos Martín de Vidales, que ha compaginado su actividad arquitectónica con la pintura; y por último en 1970, Fernando Colomo, que intentó matricularse en la EOC, pero no tenía aun los veintiún años exigidos para hacerlo, por lo que eligió Arquitectura y siendo todavía estudiante de esa carrera, quiso ingresar en la especialidad de Dirección, pero no pudo y lo hizo en Decoración. Según me contó Félix Murcia, Colomo fue el último alumno de la escuela, que se mantuvo abierta hasta que obtuvo el título.
Como se decía antes, solo se titularon cinco arquitectos y ninguno de ellos -salvo el último en una práctica de la EOC y un largometraje-, trabajó como director artístico cinematográfico.
Cubierta del libro editado por la ATC con datos de sus asociados, alumnos de IIEC – EOC, Madrid 1982
Además de arquitectos hubo otros profesionales afines que ingresaron en la escuela, entre ellos un aparejador, un delineante, cuatro interioristas, así como dos diseñadores de muebles: Luis Moreno de Cala y Jesús de la Sota Martínez -hermano del gran arquitecto Alejandro de la Sota-, ambos con una fructífera carrera.
Por último hay que mencionar a quienes tuvieron otras profesiones que no parecen muy afines a la escenografía, como un político, un profesor de inglés y dos personas relacionadas con los cuerpos de seguridad del Estado, una ingresó en la Academia Especial de la Policía Armada y la otra en la Escuela General de Policía, no se ha encontrado información de que acabaran sus estudios en esas escuelas y si así fuera, su trabajo pudo consistir en infiltrarse en la EOC como «sociales» -como entonces se denominaba a ese tipo de policías-, lo que sí es cierto, es que se titularon como directores artísticos, aunque no aparecieron en los créditos de alguna película.
Ya puedes participar en el II Premio de Arquitectura Reto Kömmerling
Kömmerling, fabricantes de sistemas de ventanas, en colaboración con GBCe y Zero City, han lanzado la II Edición del Premio de Arquitectura Reto Kömmerling. Tras el éxito de la primera convocatoria, en esta ocasión la marca quiere premiar a aquellos estudios de arquitectura que han desarrollado métodos de trabajo que promueven la sostenibilidad y la innovación en los proyectos, así como su proceso de aplicación.
Desde el pasado 7 de noviembre y hasta el próximo 21 de marzo de 2025, los estudios de arquitectura que lo deseen podrán inscribirse en el II Premio de Arquitectura Reto Kömmerling. Manteniendo las líneas de su primera edición, la marca de sistemas de ventanas mantiene su aspecto diferenciador en el que no se busca premiar un proyecto, sino galardonar las buenas prácticas en los estudios de arquitectura, siendo la sostenibilidad y la innovación ejes clave a la hora de otorgar los premios.
Una de las principales novedades de esta segunda convocatoria es que el premio cuenta con dos categorías diferenciadas: Vivienda Unifamiliar y Vivienda Colectiva, con tres premios por cada categoría.
II Premio Arquitectura Reto Kömmerling
Mecánica y premios
El II Premio de Arquitectura Reto Kömmerling consta de dos fases y va dirigido a arquitectos o estudios de arquitectura profesionales de cualquier nacionalidad. La consulta íntegra de las bases, así como la documentación a preparar e inscripción, pueden realizarse a través de la web del Reto Kömmerling.
Una vez finalizado el periodo de inscripción, el premio cuenta con una primera fase en la que GBCe ejercerá de secretaría técnica y, junto a Zero City, preseleccionarán a tres finalistas por cada una de las dos categorías (vivienda unifamiliar y colectiva), que pasarán a la segunda y última fase.
En cuanto a los premios, tal y como adelantábamos más arriba, Kömmerling ha definido tres premios por cada una de las dos categorías, repartidos de la siguiente forma:
Kömmerling busca arquitectos que pongan en práctica estrategias de trabajo con las que lograr proyectos más sostenibles. En el fallo del premio se analizará cómo se afronta la sostenibilidad en el diseño arquitectónico y de qué forma la innovación y el uso de nuevas tecnologías está presente en los métodos de trabajo.
Un jurado formado por profesionales del sector
La deliberación del II Premio de Arquitectura Reto Kömmerling recae en un jurado compuesto por cinco profesionales del sector de la arquitectura, formados en diferentes campos y especialidades. Un grupo heterogéneo de profesionales con experiencia tanto en el ámbito académico como en la ejecución de proyectos y el desarrollo de nuevas metodologías.
Los integrantes del jurado son: José Sanz Gorordo, director de la oficina de Madrid de Batlle i Roig y ganador del I Premio de Arquitectura Reto Kömmerling; Ismael Martínez, fundador de Zero City; Bruno Sauer, CEO en GBCe; Susana Moreno, directora Máster Universitario en Edificación Eficiente y Rehabilitación Energética y Medioambiental; y Daniel Monfort, Gerente del CSCAE.
II Premio Reto KÖMMERLING
Reto KÖMMERLING, más allá de un premio
En la actualidad Reto Kömmerling es un proyecto de la marca de sistemas de ventanas que abarca a un equipo de arquitectos para impulsar la formación y divulgación de la sostenibilidad en la arquitectura, pero sus orígenes se remontan al Concurso de Arquitectura Reto Kömmerling. En 2016 la marca lanzó este concurso para la construcción de sus nuevas oficinas, buscando un proyecto que aunase diseño y sostenibilidad a un precio de ejecución viable. El resultado fue el Edificio Zero, actuales oficinas de Kömmerling, un proyecto de Elena Vilches y David Moreno, arquitectos de Enmedio Estudio y ganadores del certamen.
Tras el éxito del concurso, el Reto Kömmerling pasó a ser una iniciativa con la que promover otro tipo de arquitectura, más responsable y en la que el diseño trabaje a favor de la sostenibilidad, el ahorro, el confort y la salubridad.
La nueva Base de Emergencias para albergar los Helicópteros de Transporte Sanitario, Protección Civil y Gestión Forestal del Gobierno de Aragón ubicada en el Parque industrial Aeronáutico de Villanueva de Gállego es un edificio híbrido tanto por la escala de sus piezas y uso así como por la solución constructiva y el entorno en el cual se sitúa.
Emplazada en Aeródromo de Villanueva de Gállego, a 20 km de Zaragoza, próxima tanto a uno de los Centros de Datos de Amazon en Aragón como al Campo de Maniobras del Ejercito de Tierra en S. Gregorio, sus referentes edificados inmediatos son los hangares de las pequeñas avionetas ultraligeras del aeródromo y el inmueble prefabricado de alta seguridad del gigante informático. Son estos las únicas construcciones existentes actualmente en un parque industrial que se espera de rápida expansión.
Sita anexa a la pista de aterrizaje y delimitada en una parcela aislada que actúa de linde entre la zona aire-tierra del complejo el programa de la base se define en tres áreas diferenciadas: Hangar para dos helicópteros, Garajes para los vehículos de Protección Civil e Incendios Forestales y Zona de Vida intermedia compuesta de oficinas y dormitorios. Esta atiende tanto a la estacionalidad de las necesidades del personal de Incendios forestales (cuya presencia se ciñe a los meses de verano) como a la estancia continua anual y 24 horas del de Protección Civil. Además se prevé que en la base se instale el coordinador del aeródromo lo cual añade la necesidad de poseer un puesto de control visual de la pista.
Base de Emergencias para albergar los Helicópteros de Transporte Sanitario, Protección Civil y Gestión Forestal del Gobierno de Aragón | Planimetría
Ante la ausencia de vecindad la base se proyecta como una edificación autorreferente en la que más allá de resolver los usos programados procura generar hábitats adecuados a la escala de los usuarios. El esquema este – oeste, Hangar – Zona de Vida – Garajes, se jalona de patios interiores hacia los cuales se vuelcan las estancias domésticas y oficinas. Estas se organizan por su proximidad ejecutiva a la pista de aterrizaje o el alejamiento de ella con la consecuente mejora acústica.
Constructivamente se ha proyectado una misma envolvente en fachada y cubierta confiando en que la continuidad del panel de Europerfil dote de unidad a espacios tan antagónicos como un hangar de helicópteros y un dormitorio unipersonal.
Base de Emergencias para albergar los Helicópteros de Transporte Sanitario, Protección Civil y Gestión Forestal del Gobierno de Aragón | Santiago Carroquino Larraz – Marta Quintilla Castán | Construcción
Esta solución ejecutada en seco, que tiene una puesta en obra acorde con el entorno aeronáutico, permite que su envés interior se adapte mediante tabiquería también en seco a los usos de cada zona, surgiendo la carpintería de eucalipto en aquellas estancias en las que la calidez es demandada por la escala humana.
La envolvente si bien es continua permite su inmaterialidad cuando las necesidades de ventilación o visión lo demandan. Acorde a la concreción del volumen la iluminación de las estancias se resuelve con tersas superficies de policarbonato en la envolvente de las naves y aperturas que necesitan de jambas, alfeizar y dintel en el caso de la zona de vida.
Como guiño a las obras de escuelas infantiles del estudio en las cuales se determinaba la altura 1,20 m como límite del espacio de juego de los niños, se establece la altura 2,40 m dentro de la cual se desarrolla el ámbito humano.
Obra: Base de emergencias para helicópteros de protección civil e incendios forestales del Gobierno de Aragón
Autores: Santiago Carroquino Larraz (Proyecto y D.O.), Marta Quintilla Castán (Proyecto)
Ubicación proyecto: Aeródromo de Villanueva de Gállego (Zaragoza)
Año término construcción: 2024
Superficie construida: 1.720,56 m2 (Sup Urbanizada 2.500 m2)
Dirección de Ejecución: Andrés Moreno Hernández
Proyecto y Dirección de Instalaciones: Roberto Martínez Valdovinos
Constructora: Contratas VILOR S.L.
Promotora: Dirección General de Interior y Emergencias del Gobierno de Aragón
Marcas / Productos: EUROPERFIL, Montajes Batista S.L., itesal, Carpintería PEMICAR S.L.
Fotografía: Simón García | arqfoto + carroquinoarquitectos.com
La edificación se encuentra en un momento clave en el que se está redefiniendo su futuro. El impacto de la inflación, la falta de vivienda asequible, la necesidad de cumplir con los objetivos climáticos establecidos para 2030, la escasez de talento o la incidencia de las tecnologías exponenciales son solo algunos de los factores que están provocando que el sector viva una transformación, la cual se materializa a partir de cambios estructurales en su modelo. Así, a raíz del momento actual, la construcción está virando del concepto tradicional al industrializado, con el que se da respuesta a los desafíos existentes.
REBUILD 2025 revelará las oportunidades de la industrialización en un momento crucial para el futuro de la construcción
La octava edición de la cumbre tendrá lugar del 23 al 25 de abril en IFEMA Madrid y reunirá a más de 25.000 profesionales que buscan su solución industrializada, sostenible o digital
En este contexto decisivo, llega REBUILD 2025, la cumbre que ha promovido la construcción industrializada en España desde su primera edición, y que lo hará una vez más del 23 al 25 de abril en IFEMA Madrid. Bajo el eslogan “It’s time: industrialize for sustainability”, el encuentro quiere poner en valor el instante determinante en el que nos encontramos para la industrialización a fin de que devenga una opción real con la que impulsar el parque residencial dedicado a jóvenes y familias, la eficiencia, la digitalización o la incorporación de nuevos perfiles profesionales en la edificación.
A ello, se le suma la cercanía al año 2030, en el que en el marco del Pacto Verde Europeo, se tienen que reducir las emisiones de CO2 un 55%, de modo que el nuevo modelo constructivo debe de contribuir significativamente a lograr este propósito.
Gema Traveria, directora de REBUILD, destaca que
“la octava edición del evento es la oportunidad idónea para que la edificación se ajuste a las condiciones y demanda vigentes, y pueda sortear los retos que se presentan y que surgirán en los cursos venideros. Si nos fijamos en el mercado, vemos que no podemos seguir erigiendo edificios tal y como lo llevamos haciendo desde hace miles de años, por lo que se necesita un cambio de paradigma, que pasa por la industrialización, con miras a ofrecer más viviendas y edificios, a través de plazos más cortos, a la vez que se reducen los gastos operativos, se estimula la descarbonización, se mejoran las condiciones laborales de los trabajadores de la industria y se fomenta la incorporación de soluciones digitales gracias a la automatización”.
La gran cita de la industrialización reunirá a más de 25.000 profesionales, que descubrirán, de la mano de más de 600 firmas expositoras, las últimas innovaciones en materia de iluminación, para interiores, cocina, baños, cerramientos, suelos y superficies, fachadas, eficiencia energética o consumo casi nulo, climatización, domótica, soluciones digitales y BIM o sistemas constructivos industrializados en 2D o 3D, entre otras.
REBUILD 2025 revelará las oportunidades de la industrialización en un momento crucial para el futuro de la construcción
Líderes y casos de éxito convergen en los escenarios de REBUILD
Con la organización de REBUILD 2025 también tendrá lugar una nueva edición del Congreso de Arquitectura Avanzada y Construcción 4.0, el mayor foro de conocimiento y tendencias de la industria que cuenta con un programa único de conferencias, y que citará a más de 700 expertos internacionales. Los ponentes, que son líderes en su área operativa o de negocio, subirán a los escenarios del foro para compartir sus casos de éxito con los que inspirar al resto de asistentes y avanzar las tendencias de edificación que emergerán o se consolidarán en 2025. Al respecto, se hará hincapié en las proyecciones de la industrialización en todo tipo de inmuebles, en el potencial de la rehabilitación, en el auge de la madera y los materiales biodegradables, en las capacidades de la circularidad, en la legislación de BIM o en los resultados de la IA en la construcción, entre muchos otros asuntos.
El Congreso de Arquitectura Avanzada y Construcción 4.0 contará con una nueva edición en la que se examinará el modelo ‘off site’ a fin de contribuir al incremento de vivienda asequible, la descarbonización, la automatización y la incorporación de talento joven en la edificación
Igualmente, el congreso seguirá proporcionando foros dedicados a segmentos concretos de la industria, como vivienda, oficinas, hoteles, sociosanitario, retail o la administración pública; y agendas por perfil profesional, como el REBUILD BIM Forum, el Foro de Instaladores, el Studio Interiors Summit, el Summit de Compras, de Ingenierías o de Construcción en Madera.
Actividades paralelas
Además de la zona expositiva y congresual, en el marco de REBUILD 2025 se celebrarán distintas actividades paralelas, ya afianzadas, con miras a promover la creación de contactos con los que erigir futuros proyectos transformadores. Algunas de ellas son los Advanced Architecture Awards 2025, galardones que reconocen aquellos proyectos que están liderando la transformación del ámbito constructivo; el Leadership Summit, una comida entre empresarios del sector y administraciones para facilitar las relaciones; la ‘Gran Mañana de la Industrialización’, con la organización del ‘Challenge de Industrialización’, y su Workshop, a fin de establecer una plataforma abierta de alto nivel con directivos del segmento; o el Construction Tech Startup Forum, donde se da visibilidad a las empresas tecnológicas emergentes que disponen de una propuesta de valor viable y escalable para la edificación.
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Proyectos: Gimnasio Maravillas (Madrid) y Nave Centro Logístico Mayoral (Málaga) Arquitectos: Alejandro de la Sota y System Arquitectura Fotografías: José Hevia y Fernando Alda
Cada nuevo encargo o proyecto, incluso aquellos que a simple vista parecen simples o sencillos, representa una oportunidad para que los arquitectos adopten una cierta actitud de atrevimiento y valentía respecto al mismo.
Esta actitud a la hora de abordar los proyectos puede verse materializada de formas muy diversas en el resultado final: diseños o configuraciones que optimizan de forma creativa el espacio disponible, soluciones técnicas innovadores que aceleran los tiempos de ejecución y reducen costos, diseños arquitectónicos que resultan atractivos a la venta o propuestas estéticas que incrementan el valor del proyecto, mejorando la reputación de la empresa.
Esta forma de abordar los proyectos, fundamentada en el inconformismo, la ambición y la inteligencia, permite superar el propio encargo, dando y ofreciendo al cliente más de lo que espera. Y esto, siempre suele ser una buena estrategia.
Este servicio “adicional” convierte a la figura del arquitecto en alguien más que una persona que diseña y acompaña al cliente en la ejecución de un edificio.
El arquitecto se convierte en un estratega que, rompiendo los límites tradicionales de la práctica profesional, es capaz de añadir valor tangible, transformando cada proyecto en una herramienta de éxito para el cliente o la empresa.
De la Sota y edificios “slogan”
Cuando Alejandro de la Sota recibe el encargo del Gimnasio Maravillas, el proyecto aparentemente resultaba simple: un gimnasio en una parcela de Madrid.
Según el propio arquitecto, el proyecto resultó ser
«muy positivo desde el punto de vista económico y de aprovechamiento del solar».
Otro caso destacado de cómo la estrategia puede servir a una empresa para posicionarse a través de su imagen y arquitectura es el de la nueva Nave del Centro Logístico de Mayoral en Málaga, fantásticamente diseñada por la empresa SYSTEM Arquitectura.
Lo que inicialmente podría haber sido una nave más dentro del campus logístico de Mayoral en Intelhorce (Málaga), los arquitectos lo convierten en una oportunidad para diseñar un producto de alto valor para la empresa textil.
El edificio se convierte en un “slogan”. Una estrategia que consigue que la arquitectura trascienda sus límites para convertirse en un elemento de marketing más de la empresa.
El promotor aumenta su reputación y notoriedad a través de un edificio que representa los valores de su marca.
El diseño trasciende su función logística para convertirse en un «slogan» arquitectónico que refuerza la imagen de marca de Mayoral. La empresa promueve su reputación mediante un edificio que, como un producto de marketing, transmite sus valores corporativos y destaca en el entorno industrial.
Son dos ejemplos de cómo encargos inicialmente sencillos, se convierten, gracias a la actitud valiente y estratégica de sus arquitectos, en proyectos de un gran valor extraordinario.
Soluciones que no solo generan rentabilidad, sino que también posicionan a la arquitectura como un activo valioso al servicio del cliente.
Y ahí radica el gran aprendizaje que se pueden obtener de estos y otros proyectos.
Cada nuevo encargo es una oportunidad única para convertir algo ordinario en un proyecto significativo que supere todas las expectativas.
O como diría el propio Alejandro (parafraseando al gran arquitecto Victor d’Ors), cada proyecto es una oportunidad única para dar liebre por gato.
La exposición “Dimitris Pikionis. Una topografía estética”, que tendrá lugar en la Sala Minerva del Círculo de Bellas Artes de Madrid del 14 de febrero al 27 de abril de 2025, rinde homenaje a una de las figuras más destacadas de la cultura griega del siglo XX. Dimitris Pikionis (1887-1968) fue un creador multifacético que integró en su obra la tradición helénica con las abstracciones de la modernidad. Arquitecto, pintor y editor de la revista To Trito Mati (“El Tercer Ojo”), Pikionis acercó las vanguardias europeas a Grecia mientras exploraba una síntesis cultural entre Occidente, Oriente y Bizancio.
La muestra, comisariada por Juan Miguel Hernández León y Covadonga Blasco Veganzones, presenta el proceso creativo de Pikionis a través de seis obras arquitectónicas emblemáticas. Entre imágenes, dibujos y planos, se entretejen las palabras del propio autor, que guían al visitante a través de reflexiones y notas autobiográficas. En el centro de la sala, su proyecto más importante, el tratamiento paisajístico de los accesos a la Acrópolis de Atenas, destaca como un ejemplo paradigmático de lo que él denominaba una “topografía estética”: un diálogo entre el paisaje y la memoria cultural.
En esta entrevista, los comisarios profundizan en los aspectos clave de la exposición, los retos de la curaduría y la relevancia contemporánea de la obra de Pikionis, ofreciendo una visión enriquecedora de su legado arquitectónico y artístico.
¿Qué los motivó a proponer una exposición sobre Dimitris Pikionis en este momento? ¿Cómo creen que esta exposición dialoga con el público actual, tanto en Grecia como en España?
La obra de Dimitris Pikionis es apreciada por los especialistas, pero poco conocida por el gran público y, en todo caso, referida al tratamiento paisajístico de los accesos a la Acrópolis. Cuando comenzamos a formalizar el discurso expositivo, pensamos que era importante dar a conocer la complejidad de su figura, como artista y arquitecto y, sobre todo, como pensador que quiso conciliar la identidad helénica con la modernidad artística.
En Grecia parece que el caso es distinto; existe un cierto conocimiento popular pero, al mismo tiempo, un olvido por parte de las nuevas generaciones de arquitectos, tal como explica su hija pequeña, Agni Pikioni, en la entrevista que le realizamos en Atenas hace unos meses con motivo de la exposición.
Dimitris Pikionis vivió y trabajó en un cruce cultural entre Oriente, Occidente y Bizancio. ¿Cómo se refleja esta síntesis en sus obras arquitectónicas y en su visión del paisaje?
Pikionis consolidó su trayectoria inicial como arquitecto, precisamente, en los años en los que el estilo internacional se presentó como solución a la necesidad de construir de forma rápida y eficaz bajo los postulados del racionalismo. Pikionis se replantea constantemente su pertenencia cultural. Duda. Incluso llega a rechazar la Escuela primaria en Licabeto una vez terminada, una obra construida en el lenguaje moderno en los años treinta. Pero él mismo explica en sus escritos que, realmente, Oriente y Bizancio son las culturas que le revelan que el lenguaje abstracto se encuentra en la naturaleza. Como él mismo escribe en sus Notas autobiográficas,
“si tuviera que decir si soy occidental u oriental, me considero oriental”.
Pikionis fue consciente de que la forma de su arquitectura era consecuencia de la síntesis armónica de todas las influencias Orientales y Occidentales. Como lo describe Kenneth Frampton, Pikionis era “griego y anti-griego”, al mismo tiempo.
El vínculo de Pikionis con las vanguardias europeas, como Cézanne, Klee o De Chirico, resulta evidente en su obra. ¿Cómo creen que estos referentes influyeron en su manera de reinterpretar la tradición helénica?
La verdadera pasión de Pikionis era la pintura. Su inquietud por la poesía, el dibujo, la literatura…su curiosidad innata por el arte se volcará en la arquitectura a través de la sensibilidad pictórica. Los pavimentos de la Acrópolis, las composiciones de los alzados en algunas de sus viviendas, bien podrían ser un cuadro de Paul Klee. La abstracción pictórica de las vanguardias forma parte de su arquitectura de manera natural, sin necesidad de que exista una mímesis forzada. Su mayor reto fue, realmente, conseguir la conjunción entre tradición y modernidad.
El concepto de “topografía estética” parece clave para entender la obra de Pikionis. ¿Cómo lo abordan en la exposición? ¿Qué desafíos enfrentaron al transmitirlo al público?
Pikionis crea sus obras, su arquitectura, en un diálogo profundo con el paisaje, con la topografía y la naturaleza. Esta presencia, diluida en las formas de su obra, la entendemos como el núcleo central de la exposición. Su obra es la búsqueda de una belleza que tiene su raíz en el lugar en el que se inserta. Por ello, hemos decidido titular la exposición como “Una topografía estética”.
El tratamiento paisajístico de los accesos a la Acrópolis es quizá su obra más emblemática. ¿Cómo han planteado su representación en la exposición y qué aspectos creen que serán más impactantes para los visitantes?
Relacionado con la pregunta anterior, el “enraizamiento” de la arquitectura a la topografía, nos parecía fundamental que se entendiera desde el pensamiento esencial de Pikionis: la piedra que es, en sí misma, paisaje. El lógico protagonismo que tiene esta obra la convierte, asimismo, en el elemento central de la exposición, y quisimos reflejar físicamente estas dos condiciones, tanto la centralidad, como la materialidad genuina del lugar. Es por ello por lo que, para la comprensión de la intervención paisajística en los alrededores de la Acrópolis y el monte Filopapos, se presenta una gran maqueta construida mediante dieciocho “metopas” de escayola. En ella se visualiza la totalidad de la intervención (mucho mayor de lo que habitualmente se considera) y cómo el trazado de los caminos se adapta a la topografía del lugar. De igual manera que, para atender a la sensación de deambular por los caminos, se enfrentan dos proyecciones realizas en cámara subjetiva que muestran la subida a los dos caminos principales que conforman el proyecto.
El uso de las propias palabras y reflexiones de Pikionis en la exposición es muy llamativo. ¿Qué criterios siguieron para seleccionar estos textos y cómo complementan los materiales gráficos y visuales?
Para el relato que guía la exposición, hemos querido que los textos de Pikionis sean el hilo conductor de las imágenes y planos de las obras que se exhiben, no con la intención de que las expliquen de manera directa, sino que se confrontan en una relación dialéctica.
La colaboración entre el Museo Benaki, el Instituto Cervantes de Atenas y el Istituto Italiano di Cultura di Madrid destaca por su alcance internacional. ¿Cómo ha influido esta cooperación en el desarrollo de la exposición y qué aporta cada institución al proyecto?
En el museo Benaki está el Archivo Pikionis, con cuyos fondos hemos trabajado, gracias al convenio de colaboración que se realizó entre el Círculo de Bellas Artes y el Benaki, que nos ha brindado su ayuda con la que estamos en deuda de agradecimiento. Al igual que con el Instituto Cervantes de Atenas, cuya directora, Pilar Tena, ha sido nuestra anfitriona en el lugar. También el Instituto Italiano de Cultura se ha sumado para facilitar la presencia de los profesore Francesco Dal Co y Alberto Ferlenga en el ciclo de conferencias que tendrá lugar a lo largo de la exposición.
Pikionis hablaba del “alma del paisaje” y de la relación mística entre la naturaleza y la arquitectura. ¿Creen que esta sensibilidad sigue vigente en la arquitectura contemporánea? En sus textos, Pikionis reflexiona sobre cómo las leyes universales de la naturaleza y el arte convergen. ¿Qué papel juega esta filosofía en la exposición y cómo esperan que inspire a los visitantes?
La mejor arquitectura contemporánea atiende a su relación con el lugar y con el paisaje. De hecho, el reciente concepto patrimonial de “paisaje urbano” responde a la comprensión de que la arquitectura, la edificación, tiene el deber de dialogar con las preexistencias.
Con los textos teóricos de Pikionis y las conferencias que se impartirán se hará una publicación que pensamos como aportación al debate teórico contemporáneo, así como al conocimiento popular de éste importante pensador, artista y arquitecto.
Si Dimitris Pikionis pudiera visitar esta exposición, ¿qué aspectos creen que le sorprenderían o emocionaría encontrar? Finalmente, ¿qué esperan que los visitantes se lleven de esta muestra? ¿Qué mensaje creen que su obra puede aportar a nuestra visión del mundo actual?
En la exposición, en su relato, estamos seguros que Dimitris Pikionis apreciaría el reconocimiento y la admiración con la que hemos trabajado, con el deseo de superar el olvido de lo que aportó a la cultura contemporánea. Esperamos, y deseamos, también, recuperar una “mirada sensible” de la sociedad para que comprenda que la arquitectura no es una mercancía, sino una cultura sobre cómo habitar el mundo.
Muchísimas gracias a tanto a los comisarios, Covadonga Blasco y Juan Miguel Hernández León, como a Sofía García, directora de Comunicación del Círculo de Bellas Artes por atendernos. Disfruten de esta magnífica exposición
Casa Europa presenta una exposición sobre Dimitris Pikionis (1887-1968), una figura central para la cultura griega del siglo XX que estuvo en contacto con la pintura moderna europea a través de sus estudios en pintura y escultura en Múnich y, posteriormente, en París, y que introdujo las vanguardias en Grecia a partir de la creación de la revista To Trito Mati (ElTercer Ojo), una publicación fundamental en los años 30 para la teoría estética y las prácticas artísticas
‘Dimitris Pikionis. Una topografía estética’, que se inaugura el próximo 13 de febrero, profundiza en la vida y obra del arquitecto griego que fusionó la modernidad con la tradición a través del estudio del proceso creativo de seis de sus obras arquitectónicas más reconocidas y que revelan la visión única del paisaje como obra de arte.
Comisariada por Juan Miguel Hernández León y Covadonga Blasco, la muestra está protagonizada por el tratamiento paisajístico de Pikionis sobre los accesos a la Acrópolis de Atenas, repletos de referencias pictóricas en sus pavimentos y cuyas obras terminaron, tras un proceso de construcción largo y complejo, en 1958. Entre las imágenes, dibujos y planos del arquitecto se intercalan las propias palabras del autor a través de sus pensamientos, reflexiones, y notas autobiográficas.
La muestra, realizada en colaboración con el Museo Benaki de Atenas, el Instituto Cervantes de Atenas y el Istituto Italiano di Cultura di Madrid, es una producción propia del Círculo de Bellas Artes que parte de una investigación sobre los proyectos y textos de Dimitris Pikionis. La exposición exhibe una entrevista inédita a Agni Pikioni, hija del arquitecto, y una gran maqueta topográfica que enseña, por primera vez, la intervención completa del proyecto de rehabilitación de los accesos a la Acrópolis.
En el marco de ‘Sueño y Deseo’, la exposición forma parte de la línea de programación de esta temporada dedicada al surrealismo con exposiciones como las de Max Ernst y Dalí o la celebración del centenario del escritor Franz Kafka.
Amigo del pintor Giorgio De Chirico, Dimitris Pikionis estudió pintura y escultura en Múnich y, posteriormente, en París –donde entró en contacto con la pintura moderna, en especial con la obra de Cézanne y la de Paul Klee, así como con la escultura de Rodin–. Retornado a su Grecia natal, reencontró su vocación arquitectónica sin abandonar la pintura.
Aunque contemporáneo de Le Corbusier y Mies van der Rohe, su arquitectura procuró integrar la tradición con la abstracción moderna. La obra de Dimitris Pikionis sintetiza en su forma el deseo de atender a la condición de la cultura identitaria helénica, la cual entendía como una conciliación entre Occidente, Oriente y Bizancio.
Dimitris Pikionis. Una topografía estética.
14/02/2025 – 27/04/2025
Comisariado: Juan Miguel Hernández León – Covadonga Blasco
Círculo de Bellas Artes
Alcalá, 42
28014 Madrid
El proyecto resuelve con sencillez una situación muy habitual en la periferia de nuestras ciudades, con el fin de convertirse en una solución repetible por su calidad espacial, facilidad constructiva, eficiencia energética y economía de medios.
La parcela, rectangular y plana, apenas mide 275m2. Estas reducidas dimensiones, unidas a los retranqueos exigidos por la normativa, limitaban las posibilidades de movimiento. Se decidió parear la casa hacia el norte, donde se ubicaron en una única planta el garaje y las instalaciones. Esto permitió disponer de más jardín al sur, abrir la planta baja hacia el sur, el este y el oeste, y liberar la planta segunda abriendo huecos en sus cuatro orientaciones.
La planta inferior se concibe como un zócalo de ladrillo de hormigón, fabricado a apenas 10 kilómetros del lugar. Sobre dicho zócalo emerge, compacta y revestida en mortero de cal blanco, la planta primera.
Casa E1 | Jerez Arquitectos | Planimetría
Las perforaciones de las fachadas son grandes para abrirse con generosidad al pequeño jardín y captar mucha luz. Tomando como referencia las viviendas tradicionales pasiegas del norte de la provincia, los huecos de ambas plantas se desarrollan al tresbolillo. Esta relación diagonal también se produce en planta, con el fin de conseguir una sensación de mayor amplitud.
El ladrillo de hormigón modula con precisión la posición de los huecos, formaliza los laterales de los mismos mediante unas piezas especiales con sección en U y construye una celosía que permite ventilar la instalación de aerotermia. Las carpinterías exteriores son de aluminio anodizado en su color natural.
La planta baja se organiza mediante una pieza central que contiene el baño y los muebles altos de la cocina, lo que libera el resto de la vivienda. Los escapes visuales diagonales introducen la naturaleza en la casa, aumentando su amplitud. Una ligera escalera, construida con elementos industriales de acero pintado en blanco, actúa como el único elemento singular con vocación vertical y conecta las dos plantas.
Obra: Casa E1
Autores: Jerez Arquitectos (Enrique Jerez Abajo, Rebeca Piedra Dueñas, José M. Méndez Primo)
Emplazamiento: Burgos, España
Colaboradores: Agustín de la Torre Gómez, Clara Alonso Martín
Aparejador: José Piedra, Rebeca de la Cal, Javier López
Año: 2021-24
Cliente: Privado. Promotor: Residencial Camino de Santiago
Superficie: 183 m2 construidos
Constructora: Residencial Camino de Santiago
Estructura: Rubiera
Carpintería: Carpintería Guada
Ladrillos: Barruca
Mobiliario y equipamiento: Richana
Fotografía: Iñaki Bergera + jerezarquitectos.com
Aino y Alvar Aalto: una biografía visual que redefine el diseño del siglo XX
Esta obra única nos sumerge en la vida y el legado de Aino y Alvar Aalto, pioneros del diseño moderno y fundadores de Artek. Más que una simple biografía, el libro se convierte en una ventana íntima a la creación de algunos de los objetos y edificios más emblemáticos del siglo XX, fruto de una colaboración que marcó profundamente la arquitectura y el diseño.
Narrado desde una perspectiva cercana y familiar por su nieto, este libro reúne cartas, documentos, dibujos y fotografías inéditas que revelan las historias personales de los Aalto, desde Finlandia hasta sus viajes internacionales. A través de este archivo cuidadosamente seleccionado, emerge un retrato vívido y conmovedor de su vida en común, que se extiende hasta la prematura partida de Aino en 1949.
Primera en su tipo, esta monografía celebra la obra de Aino y Alvar como un verdadero esfuerzo compartido, destacando su influencia como pareja en la cultura del diseño. Con un estilo cálido y accesible, el autor logra entrelazar lo íntimo y lo profesional, ofreciendo una mirada nueva y profundamente humana a estas figuras clave del diseño del siglo pasado. Un testimonio imprescindible para quienes desean entender no solo su impacto en la historia del diseño, sino también el vínculo personal que dio forma a su visión creativa.
Heikki Aalto-Alanen
Es nieto de los arquitectos Aino y Alvar Aalto. Anteriormente, ha ocupado el cargo de vicepresidente de la Fundación Alvar Aalto, ha sido miembro del Consejo de Administración de Artek, miembro del Consejo de la Academia Alvar Aalto y ha desempeñado otros roles dedicados a preservar la obra artística y el legado de Aino y Alvar Aalto. Es abogado de profesión y ha trabajado en el ámbito financiero.
En 1973, Mario Botta recibió el encargo de diseñar la Casa Bianchi en Riva San Vitale, una ciudad cuya historia se remonta a la época romana. Además de restos arqueológicos y monumentos emblemáticos, la zona se caracteriza por la presencia de los Roccoli, estructuras de caza de aves que suelen ser construcciones en forma de torre, Estas estructuras solían estar ubicadas en zonas estratégicas, como colinas o crestas, eran utilizados para cazar aves en grandes cantidades durante sus rutas migratorias. En la actualidad, muchas de estas edificaciones han sido protegidas como patrimonio cultural y natural.
El terreno donde se debía construir la casa está ubicado en la base del Monte San Giorgio, en una parcela de 850 metros cuadrados cubierta de árboles antiguos, con una empinada pendiente que desciende hacia el lago Lugano. Teniendo en cuenta estas condiciones, Mario Botta propone un volumen vertical aislado, cuya forma remite a los Roccoli de la región.
La Casa Bianchi es una torre cuadrada de diez metros de lado y trece de altura. La rigurosidad de su planta y la verticalidad de sus aristas limpias convierten la edificación en un hito dentro de la densa vegetación que la rodea. Al adoptar esta tipología, Botta busca intervenir en el terreno únicamente en la medida necesaria. La reinterpretación de la arquitectura de los Roccoli permite proteger las especies arbóreas existentes en el lote, integrando la casa armónicamente con el paisaje montañoso circundante.
La casa se presenta como un volumen de envolvente abierta, diseñado para garantizar el asoleamiento y la ventilación cruzada. La estructura está construida con bloques de hormigón, mientras que, en el interior, las paredes están pintadas de blanco, creando un contraste con la textura rústica de los bloques expuestos en el exterior.
Cada lado de la torre incorpora una abertura diferente que enmarca una vista específica. Las fachadas norte y oeste, orientadas hacia el lago, cuentan con las aperturas más amplias para capturar la totalidad del paisaje. En contraste, las fachadas sur y este presentan aberturas más reducidas, diseñadas para proteger el interior del frío proveniente de las laderas.
El acceso a la casa se ubica en la parte más elevada de la parcela. Se realiza a través de una pasarela metálica roja de 18 metros de longitud, que conecta la calle con la entrada principal. Esta pasarela enfatiza la separación entre la casa y el terreno, mientras su tránsito genera una sensación de inmersión en el paisaje circundante.
La organización interna de la casa se desarrolla en torno a una escalera central que conecta todos los niveles. Este elemento, ligeramente desplazado del centro geométrico de la planta, actúa como un eje funcional que organiza los espacios interiores. La disposición permite dividir eficientemente el interior: al noroeste se encuentran los espacios más pequeños destinados a servicios, mientras que al sureste se ubican los espacios más amplios, acompañados de terrazas que aprovechan la mejor orientación y las vistas privilegiadas.
El puente penetra en la quinta planta de la casa, donde se ubican un estudio y una terraza, atravesando un espacio de cuádruple altura para convertirse en un balcón con vistas panorámicas al entorno.
El recorrido interior, organizado en espiral descendente, ofrece una sucesión de vistas dinámicas y cambiantes hacia el paisaje montañoso y el lago. Botta diseña espacios con alturas variables, estableciendo diversas conexiones espaciales dentro del volumen. Esta estrategia no solo maximiza las vistas, sino que también garantiza que la luz natural penetre en todos los ambientes sin comprometer la privacidad de la familia.
El cuarto nivel alberga el dormitorio principal, que cuenta con un balcón con vistas al lago. Este nivel incluye un espacio de triple altura sobre la sala de estar, lo que genera una amplitud visual tanto hacia el interior como hacia el entorno. En el pasillo de acceso, también se encuentra una abertura en triple altura que conecta espacialmente con el comedor.
En el tercer nivel se encuentran los dormitorios de los hijos y un estudio, con un vacío en doble altura sobre el comedor y otro sobre la sala de estar. Esta disposición permite una conexión visual con las áreas comunes de la vivienda, fomentando la interacción familiar.
El segundo nivel alberga las áreas sociales, que se abren a una terraza semicubierta, donde un vacío vertical atraviesa toda la altura de la casa, creando una conexión directa con el entorno natural.
A nivel del terreno, se encuentran una bodega, un lavadero y un pórtico abierto directamente al jardín. Las zonas de servicio de cada piso están agrupadas verticalmente en el ángulo opuesto al vacío central.
La disposición de los espacios interiores, organizados en torno al punto focal, permite una interacción visual fluida entre las distintas áreas. Una serie de cuadrantes vacíos genera secuencias escalonadas de balcones interiores, creando una sensación de amplitud y luminosidad. La elección de una esquina libre en los cuatro niveles, con vistas al lago, proporciona un espacio privilegiado para disfrutar del paisaje y establece una conexión directa con la naturaleza.
En la Casa Bianchi, Mario Botta centra el diseño en la relación entre la resolución volumétrica y el paisaje, abordando la vivienda con un enfoque de orden y unidad. La elección de una forma geométrica pura y el uso de materiales pétreos en la estructura confieren a la casa un carácter de fortaleza y resguardo, evocando una monumentalidad que remite a la arquitectura vernácula local.
La obra de Botta resalta la dualidad entre la cáscara arquitectónica, monumental y controladora del paisaje, y el contenido funcional, que es práctico y sencillo. El volumen exterior, de formas puras, actúa como un medio para gestionar la relación con el entorno natural, mientras que el interior de la casa recupera una dimensión doméstica centrada en la funcionalidad.
El enfoque arquitectónico hace un uso deliberado de la geometría para equilibrar la funcionalidad con la estética, creando espacios prácticos y, a la vez, destacando su compromiso con la integración de la arquitectura en el entorno natural, especialmente en lo que respecta a la resolución volumétrica y su relación con el paisaje. Botta enfatiza la reducción de la masa cúbica mediante aberturas de diferentes formas y tamaños, las cuales delimitan las vistas interiores y generan una tensión inherente entre la unidad del cuerpo arquitectónico y su distribución interna.
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