Detalle de captura de la secuencia de Megalópolis mencionada
Todavía no he escrito sobre sobre Megalópolis y su relación con la arquitectura -ni sobre The Brutalist-, aunque supongo que me animaré algún día a hacerlo, viendo la primera hace ya bastantes meses me pareció curiosa una secuencia que se desarrolla en una gran maqueta de Nueva York, sobre la que hay unas pasarelas, para circular entre sus edificios, en un momento, el millonario Hamilton Crassus III (Jon Voight) se resbala y para no caerse, se agarra a la parte superior del Empire State.
No es casual que se eligiera ese rascacielos, porque la imagen recuerde al Rey Kong subido en su cúspide antes de ser abatido, no se debe olvidar que fue el edificio más alto del Mundo, convirtiéndose no solo uno los símbolos más conocidos de Nueva York, sino además del régimen económico y político de EE. UU. Por eso los espectadores, como ya he publicado, lo han visto derrumbarse en numerosas ocasiones, tanto por causas naturales, inundaciones y terremotos, como por criaturas más o menos monstruosas.
La Garra Gigante 1957, Cartel español de la película
Hace muy poco descubrí una de las más extrañas de esas criaturas, La garra gigante (The giant claw en versión original), protagonista de la película con el mismo nombre. que según la traducción del cartel español -que pueden ver al lado-, es «una terrorífica bestia voladora de los cielos prehistóricos», aunque en el argumento no sean prehistóricos, ni el cielo, ni el monstruo.
La garra gigante comienza como otras muchas de las cintas de ciencia ficción de aquella época, se suceden una serie de acontecimientos sangrientos que no se sabe quién o qué los está cometiendo, la pareja protagonista, a menudo un científico o un militar y una mujer muy bella con buenas condiciones para aullar cuando está amenazada, pero sin cualificación profesional, van descubriendo poco a poco al –o los– causantes de estos desastres, tras la muerte de varios personajes secundarios sin demasiada importancia, finalmente el ejército estadounidense salva a la humanidad eliminado a los monstruos y/o extraterrestres.
El monstruo se come al Empire State
En esta película, la amenaza es una especie de ave que viene del espacio exterior, de otra galaxia calificada como «de antimateria», quizás por eso es invisible a los radares humanos e inmune a las balas de las ametralladoras y los misiles, por lo que puede destruir varios aeroplanos; aunque finalmente sea eliminada, pero antes pone un huevo en Canadá y pasa por Nueva York donde aprovecha para destruir el Empire State, pero no partiéndolo de una forma tan espectacular como muestra el cartel, sino de un modo bastante más chapucero, posándose en su cima y después picoteándolo, como si quisiere comérselo.
Este ataque al patrimonio edificado no es lo único absurdo de esta película, porque lo más llamativo es el propio monstruo, con un aspecto completamente ridículo, mezcla de pavo y gallina. Según se ha escrito, lo iba a crear el conocido Ray Harryhausen, pero el productor de la película, Sam Katzman, no pudo pagarle lo que solicitó y se lo encargó a unos artesanos mexicanos que se dedicaban a construir marionetas, seguramente esta información que atribuía el horroroso resultado del ave a profesionales que no eran estadounidenses servía para quitarle responsabilidades a los técnicos de ese país.
Figura de resina
Es curioso que Joe Laudati un maquetista -él se autodenomina «escultor»-, haya creado una figura en resina de unos treinta centímetros de altura, que puede adquirirse aquí, con el monstruo sobre el Empire State, que llama la atención primero porque su creador -como es lógico- le ha dado color, mejor, se ha inventado cómo serían sus colores, siendo bastante discreto en su elección pictórica, y además por algo más interesante respecto a las relaciones con la arquitectura, porque el monstruo está captado en el momento que derruye al rascacielos, pero partiéndolo del modo más espectacular, tal como está dibujado en el cartel, y no golpeándolo con su pico tal como fue creado en las imágenes originales de La garra gigante.
Se podría escribir sobre muchas destrucciones del Empire State y otras edificaciones famosas, y la mayoría van más mucho allá de un colapso accidental, porque realmente la destrucción mostrada es la de símbolos de las creencias y el poderío de quienes las construyeron.
Las XXVIII Jornadas Internacionales de Patrimonio Industrial, organizadas por INCUNA (Industria, Cultura, Naturaleza), constituyen uno de los referentes internacionales en el estudio, gestión y valorización del patrimonio industrial.
Tras 28 ediciones ininterrumpidas, las Jornadas se han consolidado como un espacio de encuentro entre investigadores universitarios y enseñantes, gestores culturales y turísticos, administraciones públicas, entidades profesionales, asociaciones patrimoniales y sociedad civil, con una marcada vocación internacional.
La edición de 2026, lleva por título De la Fábrica al Proyecto se celebrará en Gijón (España) del 23 al 26 de septiembre, propone un enfoque innovador y transversal que amplía el campo tradicional del patrimonio industrial para conectarlo con expresiones sociales de gran impacto contemporánea, como el deporte de masas, los proyectos urbanos y territoriales,patrimonio técnico y científico la educación patrimonial, la cultura visual (cine, fotografía, diseño); las emergencias en la salvaguarda del patrimonio en un mundo en conflicto; y forjando redes de trabajo y acción con dos encuentros y polos de referencia sobre el turismo industrial, y también forjando conexiones y fortaleciendo la red de trabajo y cooperación sobre el patrimonio iberoamericano uniendo dos orillas de un mismo mar.
El formato de las Jornadas enfatiza la participación presencial para reforzar los lazos, relaciones y debates sobre la apropiación social del patrimonio en nuestros entornos locales, y también tiene una participación on-line y virtual.
XXVIII Jornadas Internacionales de Patrimonio Industrial – INCUNA 2026
Formulario
El envío de comunicaciones y la inscripción se puede realizar a través del FORMULARIO de la página web de las Jornadas donde se irá informando de los avatares y noticias del congreso y de sus actividades complementarias.
INCUNA invita a todos los interesados, ya sean investigadores, profesionales, gestores culturales, técnicos, asociaciones y estudiantes, como ciudadanos e instituciones en general a participar en las XXVIII Jornadas Internacionales de Patrimonio Industrial mediante:
Comunicaciones
Ponencias
Presentación de proyectos, experiencias y buenas prácticas
Las propuestas deberán inscribirse en uno de los simposios, o bien podrán presentarse en un apartado temático de comunicaciones libres, todas ellas serán evaluadas por un Comité Científico. Secretaría Técnica / contacto.
Las XXVIII Jornadas se configuran como un congreso internacional y foro de debate interdisciplinar, orientado a analizar la transversalidad del patrimonio industrial desde ejes temáticos que dialogan entre sí, entre otros:
turismo industrial e itinerarios culturales,
patrimonio científico y técnico,
patrimonio industrial como motor de proyectos de ciudad,
relación entre industria, el fútbol y el deporte en general
patrimonio, sostenibilidad ambiental e indicadores de progreso
IBERIND Incuna / network / TICCIH Forjando redes. Encuentro sobre el patrimonio industrial iberoamericano
asociacionismo, conservación y defensa del patrimonio.
El objetivo es superar una visión sectorial del patrimonio y de análisis puntual de casos, para situarlo en un estadio local y compartirlo dentro de un mundo global como parte de nuestra historia, de las memorias colectivas y culturas del trabajo, conservando y revalorizando un activo cultural, social y territorial, capaz de generar identidad, cohesión social, desarrollo sostenible con participación ciudadana.
Fechas importantes
Envío de resúmenes y abstract de papers: hasta el 30 de junio de 2026
→ Una vez evaluados y asignados a los simposio o ejes temáticos se comunica su aprobación a ponentes y comunicadores. Inscripción abierta: desde el 10 de marzo de 2026, con tarifa reducida del 10 % hasta el 30 de abril.
→ Una vez pasada esa fecha, las tarifas son las que figuran en el apartado de cuotas y normas de las Jornadas. Envío de textos definitivos, poster, presentaciones powerpoint o videos: hasta el 2 de septiembre de 2026 Inscripción general a las Jornadas (sin presentar trabajos): hasta el 10 de septiembre de 2026
Importante reservar y efectuar la inscripción a eventos complementarios y rutas industriales y culturales ya que éstas tienen limitaciones de plazas o aforos.
Os esperamos en Gijón y Asturias en este próximo septiembre para compartir unos días que deseamos sean agradables e inolvidables.
El proyecto Ponto C – Cultura e Criatividade es mucho más que un nuevo equipamiento en la ciudad de Penafiel. Contribuye a una transformación del tejido urbano. Un nuevo acceso y una nueva conexión con el área sur permiten una expansión estructurada, dejando atrás la expresión que durante años resonó como
Se restablece así la proximidad con el centro histórico: lo que antes era “la parte trasera” se convierte ahora en una fachada cuidadosamente diseñada, orientada hacia la Praça de S. Martinho.
Previendo una presencia volumétrica significativa y considerando el desnivel topográfico, el edificio se oculta entre vegetación plantada y magnolios. La huella de la estructura preexistente permanece, dando paso a nuevas texturas y funciones; sin embargo, destaca la audacia de su color: el verde, que con el tiempo se espera que se funda gradualmente con la vegetación circundante.
El nivel -2 es técnico, destinado a la carga y descarga sin interferir con las demás circulaciones. Un sistema independiente permite abastecer los cuatro niveles mediante montacargas.
En el nivel 0, planta principal de acceso, se accede directamente al vestíbulo, donde se sitúan la taquilla y los accesos a los dos espacios disponibles: el Auditorio y la Casa da Caturra. Las áreas más privadas incluyen camerinos y el puesto de seguridad de todo el complejo.
En el nivel -1, los visitantes pueden recorrer el espacio expositivo, acceder a la cafetería y al primer anfiteatro del auditorio, además de disfrutar de una conexión directa con el jardín, el auditorio exterior y el recorrido que conduce al Cavalum.
Si la plaza de acogida actúa como una alfombra que guía al visitante hacia el interior, el auditorio contrasta con el exterior: revestido con una formalidad marcada, los tonos rojo profundo aportan calidez al espacio que espera a su público.
Ponto C – Cultura e Criatividade | Galeria Gabinete | Planta 0
Ponto C – Cultura e Criatividade | Galeria Gabinete | Planta -1
Exploraciones gráficas – Antonio Juárez Chicote | Ediciones Asimétricas
Durante años he trabajado en la dimensión plástica de la penumbra en la que la noche brilla «más cierta que la luz del mediodía». Se trata de una luz que procede de un espacio interior, y no tanto del exterior. Mi trabajo persistente tratando de dibujar esa noche —yo sí conocía suficientemente bien a San Juan de la Cruz— podía descansar, tanto entonces como hoy, en aquellos grandes lienzos de Franz Kline.
Una noche construida por temblorosos trazos sobre un espacio claro (entorno aéreo) que en ocasiones se transmutaba en aire entre las figuras iluminadas. Es una luz que emerge de las sombras, y que también quedaba patente en algunos de mis dibujos de Nueva York cuyo origen se sitúa en las imágenes de las estructuras metálicas de los puentes sobre el East River. Se trataba de un posicionamiento ante las cosas a contraluz, de una cierta «inversión» del mito de la caverna de Platón. Aquí la luz está de frente, cegadora, pero la presencia de un obstáculo interpuesto permite orientar hacia el foco luminoso la mirada. Hay un horizonte y un obstáculo.
Antonio Juárez Chicote
Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM) desde 1992. Tras cursar estudios de posgrado en las Universidades de Columbia y Pensilvania como becario Fulbright, obtiene el título de doctor arquitecto y comienza su trabajo docente como profesor de proyectos en la ETSAM en 1998. Desde 2001 es profesor titular del Departamento de Proyectos Arquitectónicos de la ETSAM. Ha sido profesor invitado en varias universidades europeas y americanas, entre las que se encuentran las Universidades de Columbia (Nueva York), Politécnica de Puerto Rico, Puebla (México), West Sydney (Australia) y Oporto. En 2001 recibió el Premio de Arquitectura, Urbanismo y Obra Pública del Ayuntamiento de Madrid en la categoría de Medios de Difusión por el libro Banco de Bilbao Sáenz de Oíza (2001). Su tesis doctoral titulada Continuidad y Discontinuidad en Louis I. Kahn: Material, Estructura, Espacio obtuvo la 1ª Mención en el IV Concurso de Tesis de Arquitectura de la Fundación Caja de Arquitectos. Resultado de este trabajo es el libro El universo imaginario de Louis I. Kahn (Barcelona, 2006). Actualmente, compagina su trabajo de arquitecto con la investigación y la docencia. Su trabajo docente e investigador se ha articulado en torno a la materia como sustrato físico e imaginario en los procesos proyectuales y se ha desarrollado en la línea de trabajo Matterscapes: La materia como nuevo paisaje de la arquitectura en la que ha desarrollado diversos cursos, talleres y seminarios en los estudios de grado, posgrado y doctorado en el área de Proyectos Arquitectónicos. Fruto de este trabajo es también el libro: Exploración con la materia. Grado cero en el proyecto de arquitectura(Editorial Lampreave, 2010). Recientemente ha empezado a sintetizar su trabajo arquitectónico y docente en la publicación electrónica Proyectar, dibujar, pensar (2013). Su obra como arquitecto ha sido premiada en concursos nacionales e internacionales, ha sido finalista, en tres ocasiones, del concurso internacional Europan y ha sido también publicada y expuesta con motivo de las muestras Madrid 100% Arquitectura I (2009) y II (2011) que recogen obra construida de arquitectos de Madrid a lo largo de los últimos años. Su trabajo ha sido también expuesto en el Museo Español de Arte Contemporáneo y en la Bienal de Venecia. Ha recibido el Certificate of Recognition del American Institute of Architects. En la actualidad es profesor coordinador del Grupo de Innovación Educativa “Recursos para la Docencia del Proyecto de Arquitectura” (TRLab) de la Universidad Politécnica de Madrid.
La construcción con madera se posiciona como un pilar fundamental para el futuro de la arquitectura sostenible y la industrialización del sector. En este contexto, el Fórum Internacional de Construcción con Madera emerge como el evento de referencia en España, congregando a expertos y profesionales para debatir y avanzar en las soluciones constructivas más innovadoras y respetuosas con el medio ambiente. Por ello hablaremos con su director, Ibán Carpintero, arquitecto de formación, que lidera desde ya hace unos años esta iniciativa que impulsa la transformación del panorama constructivo nacional.
En esta entrevista profundizaremos en la visión de Ibán Carpintero, explorando su vinculación personal y profesional con la arquitectura en madera, la evolución y los objetivos del Fórum desde sus inicios, y los desafíos y oportunidades que presenta la próxima edición, el 6º Fórum Internacional de Construcción con Madera (FMC 2026) que se celebrará en Pamplona. En esta nueva edición los temas centrales serán la vivienda colectiva y social, la industrialización y la descarbonización, también nos comentará los avances más relevantes del programa.
Esta conversación busca ofrecer una perspectiva integral sobre el presente y futuro de la construcción con madera en España, de la mano de uno de sus principales impulsores.
Ibán Carpintero, director del Fórum de la Madera, durante 5º Fórum Internacional de Construcción con Madera (2025)
¿Como socio fundador de EXIT arquitectos y director de BAUMAD, ¿en qué momento de su carrera identificó que la madera no era solo un material alternativo, sino el eje de una transformación necesaria en la arquitectura española?
Tengo que reconocer que fue por pura casualidad. En el año 2012 me fui a trabajar a Vorarlberg, la región más occidental de Austria, pegada a Suiza, sin saber que era una zona puntera a nivel mundial en el desarrollo de lo que podemos llamar la “nueva construcción con madera”. Allí me encontré una arquitectura absolutamente contemporánea y atractiva, construida con estructura de madera, que además respondía a unos estándares altísimos en cuestiones de eficiencia energética y sostenibilidad. Para mí fue un descubrimiento transformador y vi claro que era el camino a seguir.
Usted ha sido el puente entre la plataforma internacional Forum Holzbau y el mercado español. ¿Qué lecciones de la tradición centroeuropea en construcción con madera considera que han sido más difíciles de «traducir» a la realidad constructiva de España?
En primer lugar, no hablaría en pasado, porque la “traducción” (por seguir con el símil) sigue siendo difícil, aunque también distinguiría geográficamente. Hay algunas regiones en España que sí han mantenido una tradición maderera importante. Pero en general la diferencia tiene que ver con una cuestión mucho más amplia, como es la desaparición de la cultura de los oficios y la formación profesional, que en Centroeuropa no ha ocurrido. Pero bueno, ese es un tema muy largo en el que no toca entrar aquí.
Por concretar en la madera, allí se mantiene desde siglos una tradición casi gremial del oficio de carpintero-constructor que ha seguido transmitiendo el conocimiento del material y de cómo se trabaja. Y ese vacío que hay en España en la práctica es irrecuperable. Por tanto, aquí nos toca volver a empezar “casi” desde cero. Es verdad que hay iniciativas formativas cada vez más numerosas y de mayor calidad, desde el plano universitario hasta el profesional. Pero crear una “cultura de la madera” es algo mucho más profundo que costará tiempo recuperar.
5º Fórum Internacional de Construcción con Madera (2025)
Desde su doble rol como arquitecto proyectista y consultor técnico, ¿cómo cree que ha evolucionado la percepción del profesional español respecto a la madera en los últimos diez años?
Diría que ha habido un cambio radical, sobre todo en términos cualitativos, una especie de “Big Bang”. La construcción “moderna” con madera ha pasado de ser un reducto limitado a unos pocos visionarios que trabajaban casi exclusivamente en el ámbito de la vivienda unifamiliar, para un nicho de clientes muy concreto, a ser una alternativa conocida por prácticamente todos los profesionales y que muchos contemplan como una posibilidad real para futuros proyectos. De hecho, en estos últimos años, los edificios construidos con estructura de madera en España se han multiplicado exponencialmente y, a día de hoy, ya existen ejemplos de todos los tamaños y tipologías: bloques de vivienda colectiva, edificios de oficinas, bibliotecas, centros de salud, colegios, guarderías, etc.
Por otro lado, también hay que decir que este conocimiento de la posibilidad de usar madera convive todavía (incluso entre los profesionales) con muchos prejuicios instalados en la mentalidad general y con un gran desconocimiento del material.
5º Fórum Internacional de Construcción con Madera (2025)
El Fórum Internacional de Construcción con Madera nació con una vocación puramente técnica y científica. ¿Cómo ha logrado mantener ese rigor académico mientras se convertía en un punto de encuentro comercial tan relevante para la industria?
La plataforma Forum Holzbau nació en la Universidad. Los fundadores son todos catedráticos y profesores que hace 30 años decidieron organizar el primer congreso con una finalidad muy concreta, como es fomentar y difundir entre los profesionales el conocimiento de la madera como material estructural. Y desde el origen sigue vinculada de forma muy estrecha al mundo académico, a la formación y a la investigación.
En España, por ejemplo, el Congreso está coorganizado por la Cátedra Madera Onesta de la Universidad de Navarra, cuyo director, José Manuel Cabrero, está activamente implicado en los más destacados proyectos y comités de investigación a nivel europeo. Al mismo tiempo, entre los fundadores y promotores, también nos encontramos profesionales en activo (arquitectos, aparejadores o ingenieros) que estamos en contacto con las circunstancias y necesidades reales de la puesta en práctica de los proyectos.
Por eso Fórum tiene una posición tan privilegiada, porque se sitúa en la intersección entre los dos mundos, el académico y el de la praxis diaria.
Pamplona y el Palacio Baluarte se han consolidado como la sede indiscutible del evento. ¿Qué papel juega el ecosistema forestal e industrial de Navarra en la identidad y el éxito del Fórum? ¿Sería posible este evento en otro entorno?
Una de las razones de empezar organizando el Fórum en Navarra fue precisamente la tradición maderera de la región, el tejido industrial existente y el interés mutuo en fomentar el uso de la madera. Y, es verdad, que los primeros años contamos con el apoyo institucional del Gobierno. Pero otra de las características de la plataforma Forum Holzbau es su independencia de las instituciones públicas, que garantiza su libertad de acción y de criterio. Por eso, a pesar de lo bien que funciona el evento en Pamplona y de que estamos encantados en el Palacio Baluarte, quiero recalcar que el Fórum es un congreso de ámbito nacional, por lo que es perfectamente posible organizarlo en cualquier otro sitio y de hecho no descartamos movernos, incluso a corto plazo.
5º Fórum Internacional de Construcción con Madera (2025)
Mirando hacia atrás, desde aquella primera edición en 2019, ¿cuál considera que ha sido el mayor hito o el cambio más significativo que el Fórum ha impulsado en la industria nacional?
No es fácil medir el impacto de un evento en términos cuantitativos, o concretarlo en un solo aspecto, porque creo que una suma de pequeños efectos positivos que luego, como una onda, se van expandiendo a su alrededor… Podría hablar de casos concretos de arquitectos, promotores o constructores que han descubierto la construcción con madera y todo su potencial gracias al Fórum.
O el de otros que, estando ya trabajando con madera, han agradecido encontrar una cita anual en la que reunirse durante dos días con los principales profesionales y empresas del sector, ponerse al día de las novedades, conocer proyectos ejemplares, etc.
También muchas personas me comentan que tal o cual charla o proyecto les ha enseñado algo nuevo a nivel técnico, o posibilidades que no conocían de cómo emplear la madera o resolver ciertos temas. Por seguir con metáforas, creo que el efecto del Fórum es más como una “lluvia fina” que va empapando el sector y haciéndolo crecer.
Forum Holzbau se basa en la colaboración entre universidades de prestigio. ¿Cómo se traslada esa investigación de vanguardia al programa del Fórum para que sea aplicable al día a día de un estudio de arquitectura o una constructora?
Como te decía antes, Fórum tiene un pie en el mundo académico y otro en la práctica profesional. Por eso, a la hora de confeccionar el programa sabemos perfectamente qué temas interesan a los asistentes: desde aquellos a los que se están enfrentando en el día a día en proyectos concretos con madera, a los que todavía no lo han hecho pero quieren saber las opciones que existen, sus implicaciones técnicas, etc.
Al mismo tiempo somos conocedores de los últimos aspectos que se están investigando en productos, sistemas, normativa… y podemos extraer de ellos los que realmente van a “aterrizar” en la práctica a corto o medio plazo. Por eso es un evento tan especial, porque está enfocado al mundo profesional que necesita tanto del conocimiento y la investigación como de las opciones reales que el mercado ofrece en cada momento para aplicar ese conocimiento en el día a día.
También, por eso, todas las charlas en los Fórum tienen un enfoque muy práctico, muy “de profesional a profesional” y están muy centradas en la explicación de proyectos reales.
5º Fórum Internacional de Construcción con Madera (2025)
El Fórum no solo atrae a arquitectos, sino a toda la cadena de valor. ¿Cómo diseñan la experiencia del evento para que un ingeniero estructural y un promotor inmobiliario encuentren el mismo valor en las ponencias?
Al confeccionar el programa tenemos siempre en cuenta a todo el sector implicado en la construcción con madera, que va desde el selvicultor que gestiona un bosque hasta que esa madera acaba puesta en obra en un proyecto concreto y en unas circunstancias determinadas.
Lógicamente en cada congreso hay charlas que pueden interesar más a unas personas que a otras, pero el enfoque claramente práctico de los Fórum hace que todas las charlas estén muy “aterrizadas” en la realidad, y tratan de cuestiones o proyectos que al final afectan por igual a cualquiera que esté implicado en construir con madera, ya sea desde la perspectiva del diseño, de la obra o de la promoción. De hecho, el lema de Fórum Holzbau es “de la práctica a la práctica”.
5º Fórum Internacional de Construcción con Madera (2025)
El lema de esta 6ª edición es «Conectando a los profesionales que anticipan el futuro». ¿Quiénes son esos profesionales y qué desafíos específicos están llamados a resolver en el FMC 2026?
Los profesionales a los que se dirige el Fórum son todos aquellos que ven la necesidad de cambiar algo en la forma en que se construye actualmente: falta de mano de obra, dificultad para controlar plazos y precios, gestión farragosa (o incluso caótica) de las obras, impacto medioambiental, improvisaciones y cambios sobre la marcha… Los problemas a los que se enfrenta la construcción actualmente empiezan a ser acuciantes y la madera puede ayudar a resolver (o al menos disminuir) algunos de ellos.
El programa de 2026 pone un foco muy claro en la vivienda colectiva y social. ¿Por qué han decidido que este sea el tema central en este momento preciso de la crisis habitacional en España?
Precisamente por eso. En el Fórum estamos muy pegados a la realidad diaria de los profesionales y ahora mismo, aparte de los problemas generales que mencionaba en la pregunta anterior, en España nos enfrentamos a una crisis muy grave de disponibilidad y precios de la vivienda. Es verdad que es una cuestión muy compleja que depende de muchos factores, no sólo de la parte constructiva, pero en ese en concreto, al menos, la madera puede aportar algunas soluciones.
5º Fórum Internacional de Construcción con Madera (2025)
Se habla mucho de la industrialización como la «gran esperanza» del sector. ¿Cómo demostrará el 6º Fórum que la madera es el material más eficiente para liderar esta transición?
Que la madera es el material más eficiente y adecuado para industrializar y prefabricar no necesita mucha demostración. Su facilidad de manipulación, su ligereza, la mucha menor energía que consume y sus bondades medioambientales le otorgan una ventaja innegable frente al resto de materiales. Lo que haremos en el Fórum es mostrar ejemplos concretos de cómo se está aplicando ya hoy esa industrialización, con diferentes sistemas y en distintos tipos de edificios.
En cuanto al avance del programa, ¿podría adelantarnos alguna de las temáticas o ponentes internacionales que marcarán la pauta sobre la descarbonización en esta edición?
En verdad me cuesta destacar alguna charla en concreto, porque todas me parecen realmente interesantes. Por mencionarte alguna más específica sobre ese tema, vendrá Maite Verdú, la Directora General de Agenda Urbana y Arquitectura, a presentarnos el nuevo DB sobre Sostenibilidad Ambiental del CTE. También tendremos al arquitecto Klaus Günter, de Berlín, que nos mostrará proyectos concretos donde han aplicado de forma innovadora el tema de la circularidad en la construcción. O la de Juan Carlos García, de Ruiz Larrea Arquitectos, que nos va a contar el mayor equipamiento con estructura ligera de madera construido hasta ahora en España.
5º Fórum Internacional de Construcción con Madera (2025)
La zona de exposición suele ser el termómetro del sector. ¿Qué importancia tienen los stands de las empresas en el Fórum?
La zona de exposición, con los stands de las empresas, es un complemento indispensable dentro del formato de todos los Fórum. Somos un congreso profesional, no una feria comercial. Pero sin la presencia de las empresas el enfoque práctico y profesional se quedaría cojo.
De esta forma todos los asistentes pueden encontrar reunidas en un mismo espacio y a su disposición a las empresas que hacen realidad los proyectos mostrados en las charlas. No sólo a los proveedores de madera, sino todos aquellos elementos complementarios, como herrajes, aislamientos, láminas de estanqueidad, bandas acústicas, tableros, programas de software, ventanas, maquinaria… Poner al sector en contacto, generar sinergias, facilitar proyectos, conocer las últimas novedades, formar e informar. Todo eso es también un aspecto fundamental del Fórum. Y tenemos la suerte de contar entre los socios con las principales empresas del sector a nivel mundial, no sólo nacional.
5º Fórum Internacional de Construcción con Madera (2025)
Uno de los grandes retos de la madera es la escala. ¿Veremos en este Fórum ejemplos reales de cómo pasar de proyectos singulares a una producción industrializada que realmente impacte en la reducción de la huella de carbono global?
Sí, el tema de la escalabilidad es uno de los retos pendientes para la madera. El gran volumen de la construcción se produce en las viviendas. Si queremos que la madera tenga un impacto cuantitativamente importante necesita incorporarse de forma significativa en la construcción de vivienda. Y, precisamente, eso es lo que nos viene a contar Carlos Basso, de 011h. Ellos han atravesado un proceso de depuración progresiva de su sistema constructivo hasta llegar a soluciones realmente competitivas, y capaces de aplicarse en el mercado de la vivienda a gran escala. Seguro que otras empresas pueden aprender de su experiencia y sacar lecciones positivas.
Para terminar, si tuviera que definir el objetivo último del 6º Fórum en una sola frase, ¿cuál sería el mensaje que le gustaría que cada asistente se llevara de vuelta a su práctica profesional.
El futuro de la construcción pasa necesariamente por el uso de madera industrializada.
5º Fórum Internacional de Construcción con Madera (2025)
Ibán Carpintero · Director del Fórum de la Madera
Marzo, 2026
Entrevista realizada por Ana Barreiro Blanco y Alberto Alonso Oro. Agradecer a Asier su tiempo y predisposición con este pequeño espacio.
El lenguaje de Mies se articula desde el orden estructural: toda su gramática y su vocabulario giran en torno al armazón resistente que ha de configurar el marco de la vida. Para bien o para mal, el ascetismo técnico de la retícula lo ocupa todo, reduciendo a un segundo plano cualquier elemento ajeno a la férrea disciplina de la abstracción geométrica. Incluida la naturaleza. Incluido el hombre.
Muchas han sido las voces que desde dentro han cuestionado el orden miesiano: Louis I. Kahn se refería al Seagram como «un edificio nacido muerto, colocado sobre una especie de podio. El edificio no es honrado, porque los empujes de viento no quedan patentes» al exterior.1 La naturaleza no entiende de retículas.2 Seguramente en la cabeza de Lou resonara su proyecto Torre Ciudad en Filadelfia, Pensilvania (1952-57), contemporáneo del Seagram (1954-58) y en el que la estructura se expresa al exterior en forma de poderosa osamenta triangulada. Antón Capitel respecto a la disconformidad manifestada (incluso en los juzgados) por la señora Farnsworth, recuerda que
«como tal casa, pueda quizá considerarse, si no tanto como una aberración, sí poco apropiada y poco general».
El hecho de habitar nunca es genérico.
La fotografía de una oficina para personal administrativo en el Seagram ofrece una imagen cotidiana del coloso, aún sin estrenar las máquinas de escribir, aún sin papeles las bandejas de documentos, sin ceniza los ceniceros. Ante el heterogéneo skyline de Nueva York, el fotógrafo esquivará la diagonal del pilar y ya sea por fortuna o intencionadamente, la simetría de la esquina (tantas veces impresa en el detalle de planta) aparecerá momentáneamente fulminada, tanto por el punto de vista del objetivo como por la sobre-exposición a la luz solar de una de sus caras. Puede que Dios esté en los detalles, el ojo humano está por todas partes. A todas horas.4 En el dibujo todo encuentra con facilidad un igual al otro lado del eje imaginario. Espejismos. En la vida la simetría se resiste.
Notas:
1 «New Frontiers in Architecture: CIAM in Oterlo 1959». Charla en la clausura del congreso de Otterlo. Tomado de Oscar Newman, New Frontiers in Architecture: CIAM in Oterlo 1959, Universe Books, Nueva York 1961. También publicado en Louis I. Kahn. Mi Arquitecto, Arquia Documental 3, pág. 45.
2 Según Philip Denny, el Seagram tiene el dudoso honor de ser el edificio peor clasificado en el New York’s Energy Star, por su elevado consumo energético debido probablemente al sobre-dimensionado de los sistemas de climatización y errores en la orientación y protección solar de la envolvente homogénea. Ver aquí.
3 Antón Capitel, Las columnas de Mies (Cádiz: Colegio de Arquitectos de Cádiz, 2004), 67.
4 Mies nunca hubiese firmado esta foto: en las plantas del maestro alemán los muebles se alejan de la envolvente de vidrio y se ordenan como el despacho de un ejecutivo o la sala de espera de un banco; reinan las baldosas cuadradas, los pilares cuadrados, los ejes regulares, la excelencia indolora de la simetría. Incluso en la esquina.
El manifiesto del blog Caminar Anarquista, escrito y editado por el fotógrafo Francisco Navamuel, nos recuerda que «Caminar es gratis». Un pensamiento que enlaza con un texto de Enrique Fraguas publicado en El País:
“Andar es un acto aparentemente inútil e improductivo, en términos mercantilistas. No genera gasto ni consumo y da pie, nunca mejor dicho, al pensamiento y a cierta forma de resistencia. (…) caminar se revela como un acto de reflexión y de subversión en un mundo saturado de consumo y dióxido de carbono”.
Pensadores —Charles Baudelaire, Walter Benjamin, Robert Walser—, colectivos —del Situacionismo a Stalker— y artistas —Sophie Calle, Vito Acconci o Richard Long— han convertido convirtieron el acto de caminar en un medio para relacionarse con el territorio más allá de los criterios productivos. El origen de esta línea de pensamiento podría ubicarse en Europa, especialmente en la figura del flâneur, ese caminante urbano dedicado a callejear sin rumbo ni objetivo pero con mirada atenta a lo que se encuentra.
Pero Europa ya no es lo que era: el espacio urbano en sus ciudades se ha regularizado y acomodado tanto que el paseante ha terminado sustituido por el
“VOYEUR de escaparates. Un consumidor ávido por mezclarse entre la multitud y los maniquís”.
El mundo ya no admite el paseo improductivo; si caminamos lo hacemos dirigiéndonos siempre algún lugar donde tengas algo que hacer. Caminar a la deriva es hoy, entonces, en un acto cuestionable, en especial desde estructuras poco amantes de la espontaneidad, quizá propio de vagos.
De entre los paseantes urbanos que no caminan con un fin claro, cabría destacar una figura como la del artista (arquitecto de formación) Francis Alÿs. Negando ser descrito como flâneur, Alÿs ha hecho de la Ciudad de México su principal laboratorio; ha definido sus (anti)paseos como su método de trabajo y acercamiento al espacio a fin de exponerse y chocar con la ciudad y lo que sucede en ella.
Chocar es referido aquí de manera literal; Ciudad de México es un espacio extremadamente duro para desplazarse. De manera especial para aquel visitante que esté acostumbrado a las suaves condiciones de las ciudades europeas, siempre lisas, cómodas, sin fricciones para el consumo del turista de masas
“acostumbrado a la tranquilidad y confort de los bulevares o centros comerciales”.
En la CDMX, la enorme cantidad de obstáculos y estímulos que podemos encontrar a nuestro paso o la incomodidad de la calzada —tanto por su condición material como por la ocupación y apropiación de sus espacios— convierten sus aceras en una aventura, incluso dolorosa, para unos pies advenedizos. Se comprende entonces la fascinación que pudo sentir Francis Alÿs como (anti)paseante europeo ante la espontaneidad de la ciudad.
Podríamos definir aquí a la Ciudad de México como una urbe incomoda; las políticas urbanas han estado enfocadas durante mucho tiempo a favorecer casi en exclusiva el uso del transporte rodado privado. El peatón está tan fuera de lugar que incluso las estadísticas elaboradas por el Instituto Nacional de Estadística y Geografía (INEGI) de los sistemas de desplazamiento utilizados en la Zona Metropolitana lo hacen desaparecer: 72.1% de los viajes se realizan en transporte público, 20.7% en automóvil particular, 6.2% en taxi, y un magro 1% en bicicleta. La suma de estas cantidades da 100%.
¿Dónde queda el peatón? No existe. ¿Por qué habría que preocuparnos de su figura?
El peatón, desconocido e invisible, debe enfrentarse solo a una ciudad llena de obstáculos: aceras en mal estado, invadidas por coches, llenas de baches y agujeros donde perder un pie; ausencia de semáforos que indiquen al peatón cuando tiene que cruzar; alcantarillas con enormes agujeros sin tapar; pesados maceteros o cabinas telefónicas que crecen por doquier cortándonos el paso, bordillos insalvables o ruinosos pasos de cebra. En una ciudad pensada para el auto, de calzadas enormes y aceras ridículas y circundada, además, por un segundo piso que aplasta edificios bajo él, se evidencia una falta total de diseño que ha apartado por completo al peatón.
Pero, aunque parezca una ciudad anti-peatones, los cuerpos resisten y en la calle se lucha intensamente: los ambulantes llenan el escaso espacio de las aceras, otros venden productos cargados con un megáfono, unas cubetas o piedras ‘reservan’ el espacio de estacionamiento, las personas hacen cola para entrar a los bancos y recibir su sueldo. Los pocos centímetros que haya pueden hacer una grandísima diferencia. Pasear por Ciudad de México se convierte en un estar presente, de hacerse fuerte por reivindicar este deambular, luchando constantemente contra lo que nos obstruye en el camino.
¡Viva la paradoja! El lugar del anti-paseo contiene un espacio urbano de enorme potencial, ahí donde reside el animal público.
El Patronato de la Fundación Docomomo Ibérico decidió por unanimidad, en su reunión del 18 de febrero, aprobar la propuesta presentada por el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid (COAM) para la celebración en nuestra región de su XIV Congreso, bajo el título: “Universidad y modernidad. La arquitectura al servicio de la pedagogía”, a finales del mes de junio y primeros de julio de 2027.
La Fundación Docomomo Ibérico nació en 1993 con el objetivo de inventariar, divulgar y proteger el patrimonio arquitectónico del Movimiento Moderno.
Este prestigioso encuentro bianual, que reúne a los máximos especialistas en la arquitectura y el urbanismo del Movimiento Moderno (1925-1975), tendrá por vez primera a Madrid como sede y coincidirá con la celebración del centenario de la Ciudad Universitaria, cuya Junta Constructora fue creada por el rey Alfonso XIII el 17 de mayo de 1927, por lo que se contará con la colaboración de su Consorcio y de las universidades que en éste se integran.
La Ciudad Universitaria madrileña es el primer campus que siguió el modelo norteamericano en Europa y cuenta con numerosos e importantes ejemplos arquitectónicos del Movimiento Moderno, por lo que su conmemoración avala el nombre del título elegido para el Congreso de Docomomo. Este conjunto, y el resto de las actuaciones universitarias distribuidas por toda la geografía de la Península Ibérica, servirá de guion para las distintas áreas temáticas con las que se estructurará el encuentro de expertos.
La Fundación Docomomo Ibérico cuenta con una reconocida trayectoria desde el inicio de sus actividades en 1993, con el objetivo de inventariar, divulgar y proteger el patrimonio arquitectónico del Movimiento Moderno, lo que se ha concretado en la creación de un registro y su base de datos online, publicaciones, exposiciones, congresos, rutas de arquitectura y campañas de protección de edificios, entre otros. Forman parte de su patronato el CSCAE, colegios de arquitectos de España y Portugal, escuelas de arquitectura, la Fundación Arquia, la Fundación Mies van der Rohe o el Instituto Andaluz de Patrimonio Histórico.
La palabra house funciona tanto como verbo como sustantivo. To house es un verbo transitivo que requiere un complemento directo para completar su significado. La finalidad de una vivienda es albergar a un individuo o a una familia, y no podemos separar el acto de alojar de su destinatario.
Viviendas adosadas en Parede | extrastudio | Planta 0
Este proyecto fue un ensayo sobre la vivienda, abordando tanto su función como su sujeto, para un cliente recurrente que ya tenía una idea de “hogar” incluso antes de adquirir el terreno para construirlo. ARO Spaces buscaba soluciones residenciales rentables, con tipologías flexibles capaces de adaptarse a las diversas estructuras familiares contemporáneas y de acoger distintos usos, como el teletrabajo o la convivencia intergeneracional.
En términos sencillos, exploramos la idea de un edificio de apartamentos dispuesto horizontalmente en lugar de verticalmente, alcanzando la economía de escala propia de la vivienda colectiva, pero manteniendo una conexión directa con un jardín, como en una casa tradicional.
Viviendas adosadas en Parede | extrastudio | Planta 1
En Portugal, la tipología de la vivienda adosada es común únicamente en Oporto, donde configuró la expansión urbana a finales del siglo XVIII bajo la influencia británica vinculada al comercio del vino de Oporto. Quisimos replicar la lógica de esta ciudad densa y de baja altura, diseñando una reinterpretación contemporánea de la casa adosada: asequible y flexible.
Trabajando dentro de las limitaciones del diseño y de un presupuesto ajustado, nos alejamos del centro urbano y encontramos un barrio tranquilo, donde cada vivienda posee, no obstante, su propio tiempo, escala y personalidad. El proyecto buscó definir la manzana como un mecanismo para enmarcar y potenciar la calidad de toda la calle, fomentando al mismo tiempo un sentido de vida comunitaria.
Viviendas adosadas en Parede | extrastudio | Sección A
Investigamos elementos industriales y de bajo mantenimiento susceptibles de ser reinterpretados, como el ladrillo blanco, que aportó coherencia a los dispositivos de sombra, sistemas de ventilación, carpinterías, escaleras, pavimentos exteriores y revestimientos.
El ladrillo visto no es un recurso habitual de fachada en el sur de Portugal, donde predominan las superficies enfoscadas o encaladas. Al introducir este material, tan arquetípico en proyectos de casas adosadas en otros contextos, buscamos dotar al conjunto de una expresión atemporal, poco común a escala local.
Viviendas adosadas en Parede | extrastudio | Detalle construcctivo
Las siete viviendas se organizaron en torno a patios que generan intimidad y garantizan confort en el uso cotidiano de los diversos espacios exteriores. Los jardines incorporan vegetación local y adaptada al clima, priorizando la sombra y la protección frente al viento, y promoviendo un estilo de vida al aire libre en cada unidad.
Todas las áreas sociales se sitúan a nivel de calle, mientras que los dormitorios se ubican en la planta superior. Los jardines se conectan directamente con una planta baja multifuncional, abierta al ocio, al trabajo o a una vida doméstica más distendida.
Viviendas adosadas en Parede | extrastudio | Detalle construcctivo ladrillo
Finalmente, a diferencia de un edificio de apartamentos, donde las viviendas se identifican mediante combinaciones aleatorias de números y letras, estas casas se conocen por los nombres de quienes las habitan.
Viviendas adosadas en Parede | extrastudio | Situación
Viviendas adosadas en Parede | extrastudio | Planta Detallada
Viviendas adosadas en Parede | extrastudio | Planta Detallada
Viviendas adosadas en Parede | extrastudio | Sección B
Viviendas adosadas en Parede | extrastudio | Alzado Este
Viviendas adosadas en Parede | extrastudio | Alzado Oeste
Viviendas adosadas en Parede | extrastudio | Alzado frontal
Obra: Viviendas adosadas en Parede
Autor: extrastudio
Localización: Parede, Portugal
Superficie: 677 m²
Año: 2020–2025
Promotor: ARO Spaces
Equipo: João Costa Ribeiro, João Caldeira Ferrão, Sara Morais, Ana Rita Carvalho y Mariana Brandão
Consultores: Pedro Fragoso Viegas (ingeniería estructural), Augusto Matos Macedo (ingeniería hidráulica), Blueorizon (electricidad, IT y climatización), António Ferreira (dirección de obra)
Paisajismo: Oficina dos Jardins – Sónia Caldeira e Inês Bordado
Constructora: RBDL Lda
Fotografía: Simone Bossi + extrastudio.pt
Descubre la respuesta en el Foro de Rehabilitación de REBUILD 2026
La rehabilitación se ha convertido en uno de los grandes retos estratégicos del sector de la edificación. La necesidad de actualizar el parque inmobiliario, reducir su huella de carbono, adaptarlo a nuevas exigencias normativas y mejorar su eficiencia energética y habitabilidad sitúa la regeneración en el centro del nuevo modelo constructivo.
En este contexto, REBUILD 2026 (24 – 26 de marzo | IFEMA Madrid), el mayor evento europeo de innovación para la edificación que reúne a +30.000 profesionales del sector, acogerá el Foro de Rehabilitación en el Congreso de Arquitectura Avanzada y Construcción 4.0.
Rehabilitar mejor para regenerar nuestras ciudades: ¿estamos preparados?
En él, empresas líderes y +700 expertos internacionales abordarán cómo pasar de la rehabilitación convencional a una visión regenerativa, circular y alineada con los nuevos marcos normativos europeos a través de sesiones que debatirán las siguientes temáticas, entre otras:
La cultura generativa en la edificación
El carbono desde una perspectiva regenerativa
Los retos y ventajas de la construcción circular
Los modelos de negocio de la rehabilitación
La ventilación como infraestructura crítica del edificio
REBUILD 2026 analizará el avance del PERTE y las claves para acelerar la construcción de vivienda asequible en España
Consigue AQUÍ tu pase de prensa para acudir a REBUILD 2026
Alexander Calder, Negro, blanco y diez rojos, 1957
En el entorno de comprensión de las posibilidades de actuación hemos venido heredando una doctrina ética que permite una consecuente estabilidad creativa. Una conducta moral por la que ha de prevalecer el interés por la conformidad y proporción del justo medio, evitando la falta de adecuación que conllevan los extremos, hallando la virtud en el equilibrio entre el defecto y el exceso. Por ello tendemos a encontrar la conciliadora mesura en el punto en el que lo que producimos no es ni insuficiente ni demasiado, procurando aquello que signifique imparcialmente lo necesario.
A lo largo de la historia se han venido explorado con mucha intensidad las sutilidades de la ponderación compositiva, la precisa proporción y la perfecta compensación, consolidando la idea de que el equilibrio no está sólo en la igualdad comparativa, sino en la medida y complementaria relación entre las partes. Se ha venido defendiendo la excelencia de que la forma y los materiales encuentren su coherencia gracias a la falta de artificio u ornamento superfluo, abogando por una honestidad material en la que cada elemento cumple su estricta función en integración con el conjunto. Se ha querido y sabido reivindicar la coherencia de la sensatez, la contención y el menos pero suficiente, aquella que logra que la calidad espacial evite caer en insensibles minimalismos ni en exagerados excesos formales. En cuanto al medioambiente se ha instaurado el rigor de ensalzar la máxima de que lo verdaderamente sostenible está en encontrar una moderación óptima entre la ocupación y el entorno, entre el consumo de los recursos y la satisfacción de las verdaderas necesidades, imponiendo no depredar ni escatimar, sino ajustar la acción a las verdaderas demandas del lugar y los ciclos de vida. Sin envidia ni codicia.
Sin tener que descender a una moderada aurea mediocritas, existe un estado de elección en el que por encima del descuidado desvío se encuentra la tensión de lo exacto. Encontrar la cumbre por la cual se logra el máximo balance entre lo alternativamente deseado y lo verdaderamente conseguido es, sin duda, lo más.
Con motivo del aniversario 491 de la fundación española de la ciudad de Lima, se han publicado diversos reportajes que destacan los valores virreinales y republicanos de la ciudad, así como la encomiable y exigente labor de Prolima para protegerlos y preservarlos. Pero poco se ha hablado del pasado milenario del territorio que ocupamos.
Lima y el Callao poseen un patrimonio arqueológico, urbanístico, arquitectónico y cultural comparable, por su densidad y superposición histórica, al de urbes como Ciudad de México, El Cairo y Estambul. El territorio que habitamos alberga vestigios tan antiguos como las pirámides de Egipto (huaca El Paraíso, 2.300 a.C.), y el centro ceremonial más importante de la costa central, el santuario de Pachacámac, uno de los grandes espacios de culto del mundo antiguo, equiparable a Delfos o Chichén Itzá.
Basta mirar el territorio para constatar que el legado de nuestros ancestros es tan vasto como diverso. La ocupación de culturas como la Lima, Colli, Ychsma e Inca nos ha dejado más de 500 sitios arqueológicos distribuidos en el territorio metropolitano, articulados por una red de caminos y de canales cuyos orígenes se remontan al segundo milenio a.C. Gracias a una ingeniería hidráulica perfeccionada durante siglos, el sistema de riego transformó el desierto en un valle fértil, cuya riqueza y ubicación estratégica atrajeron a las huestes castellanas. Estos canales nacen en los ríos Rímac, Chillón y Lurín, y atraviesan el territorio ramificándose en redes que originalmente irrigaron sembríos, y que hoy sostienen las principales áreas verdes de la metrópoli. Su trazado ha estructurado el territorio, primero definiendo caminos y zonas agrícolas, luego las haciendas, y finalmente avenidas y urbanizaciones. Si observamos con atención, podemos reconocer su huella en los surcos que recorren algunas de las vías que transitamos a diario.
Sin los canales, no existirían Lima y el Callao. La metrópoli que hoy habitamos sería un desierto sin valor productivo, estratégico o urbanístico.
El impacto territorial de este sistema hidráulico es tan profundo que incluso uno de los espacios naturales más importantes de la ciudad depende de él. Los Pantanos de Villa se alimentan de un sistema de acuíferos recargados, entre otros aportes, por el canal Surco y sus derivaciones.
Tristemente, gran parte de las huacas, caminos y canales se encuentran abandonados o invadidos. Los responsables de su destrucción no son solo invasores o traficantes de terrenos, hay una larga lista de instituciones públicas y privadas que, buscando promover proyectos urbanísticos o edificatorios, han atentado contra su integridad.
El Ministerio de Cultura (Mincul) es la entidad a cargo de su protección y preservación, pero no solo cuenta con un presupuesto exiguo, sino que carga con la responsabilidad del patrimonio de todo el país. Mientras que en el 2025 la Municipalidad de Lima ha invertido más de S/260 millones en el Centro Histórico de Lima, el Mincul solo ha destinado S/3 millones para la recuperación del patrimonio arqueológico de la capital. La diferencia es abismal, no solo en cifras, sino en cobertura e impacto, y demuestra la poca importancia que le damos a las construcciones que dieron origen a la historia que hoy contamos.
Javier Lizarzaburu, creador de la campaña “Lima Milenaria”, propuso en una reciente publicación postular al conjunto de sitios arqueológicos de Lima a la UNESCO como Patrimonio Mundial, destacando su valor universal excepcional. Ingresar en esa lista nos permitirá acceder a fondos especiales orientados a su preservación. Pero este reconocimiento no sólo traerá beneficios económicos y turísticos.
Reconectar con nuestras raíces indígenas permitirá revalorar la riqueza y trascendencia histórica de su legado. Ello contribuirá a una construcción más amplia de nuestra identidad, fortaleciendo una narrativa de igualdad que nace en la celebración de la diversidad.
¿Qué estamos esperando entonces?
Los meses que le quedan al gobierno nacional y metropolitano son suficientes para iniciar este proyecto. Sólo hace falta visión política, voluntad técnica y liderazgo institucional.
Transitar el siglo XX. Dibujo y escultura en las Colecciones ICO
El Museo ICO inaugura «Transitar el siglo XX. Dibujo y escultura en las Colecciones ICO», la primera de las tres muestras que componen el programa expositivo de 2026, enmarcado en la celebración del 30.º aniversario del nacimiento del Museo. Concebida con una clara vocación pedagógica, la exposición propone distintas aproximaciones para comprender la evolución de la escultura a lo largo del siglo XX. Podrá visitarse hasta el próximo 10 de mayo.
La propuesta reúne una cuidada selección de obras de las Colecciones ICO, que se muestran en el propio Museo por primera vez en los últimos 15 años.
Organizada por la Fundación ICO y comisariada por María Toral, la muestra reúne una cuidada selección de obras procedentes de las Colecciones ICO. En concreto, se trata de piezas de la Colección de Escultura Moderna Española con Dibujo, que se exhiben por primera vez en el Museo ICO desde la exposición Iluminación de contraste en 2010. La exposición rinde homenaje a los orígenes del Museo, inaugurado en 1996 para exhibir las Colecciones ICO, que marcaron el inicio de su programación expositiva.
La exposición reúne obras de pequeño formato realizadas por 34 artistas desde comienzos del siglo XX hasta la década de 1980, combinando referentes históricos de la escultura española con creadores contemporáneos. Figuras fundamentales como Julio González —de cuyo nacimiento se celebra este año el 150.º aniversario— o Eduardo Chillida dialogan con autores como Miquel Barceló o Susana Solano, ofreciendo una visión esencial de la evolución de la escultura a lo largo del siglo XX. El recorrido abarca desde las primeras vanguardias, como el cubismo de Pablo Picasso o Juan Gris, hasta planteamientos más recientes representados por artistas como Jaume Plensa o Juan Muñoz.
El recorrido incluye piezas de referentes históricos de la escultura española, como Julio González o Eduardo Chillida, junto a creadores contemporáneos como Miquel Barceló o Susana Solano.
La mayoría de las piezas escultóricas se exponen junto con dibujos realizados por los propios artistas, permitiendo al visitante comprender sus universos estéticos y establecer un diálogo entre los lenguajes del trazo y el volumen y cómo estos han dialogado con los cambios sociales, políticos y estéticos de su tiempo.
Con intención divulgativa, la exposición propone una cronología que sitúa los acontecimientos sociopolíticos internacionales en diálogo con la evolución de los movimientos artísticos en España. Este planteamiento permite articular una lectura amplia y contextualizada de la historia de la escultura, atendiendo a los condicionantes culturales, históricos y estéticos que marcaron su desarrollo.
Desde finales del siglo XIX, la escultura comenzó a liberarse de su carácter monumental y a replantear su relación con el espacio. A lo largo de la historia, este lenguaje artístico había estado ligado a funciones religiosas, conmemorativas o funerarias, asociadas al poder o a la idea de permanencia. Sin embargo, a partir del siglo XX, la escultura vivió una transformación profunda: dejó de limitarse a formas y materiales tradicionales para explorar nuevas maneras de ocupar el espacio, incorporar materiales diversos y abrirse a enfoques cada vez más experimentales, ampliando de forma decisiva sus posibilidades expresivas.
La muestra aborda este relevante cambio trazando un recorrido por las principales vanguardias del siglo XX, desde su gestación en los círculos artísticos de París hasta sus desarrollos posteriores en el contexto español. Así, el recorrido expositivo toma como punto de partida el cubismo, entendido como una ruptura con la tradición escultórica, y avanza a través de algunos de los principales movimientos y contextos que marcaron la evolución de la escultura del siglo XX, desde el surrealismo y las prácticas desarrolladas en el exilio tras la Guerra Civil hasta el informalismo de las décadas de 1950 y 1960. La propuesta se extiende hasta los años de la transición democrática y la década de 1980, un periodo caracterizado por una mayor diversidad de lenguajes y enfoques creativos.
La exposición también incorpora una reflexión sobre la relación entre escultura y arquitectura, en línea con la labor del Museo ICO en la difusión de esta disciplina, e incluye obras de autores como Antoni Gaudí, Álvaro Siza o Juan Navarro Baldeweg, cuyas prácticas ponen de relieve una concepción compartida del espacio, el volumen y los materiales.
La visita a Transitar el siglo XX. Dibujo y escultura en las Colecciones ICO es de acceso gratuito. Además el Museo ICO (calle Zorrilla, 3, Madrid) cuenta con un programa de visitas guiadas y actividades educativas vinculadas a la muestra –también de carácter gratuito– disponibles con inscripción previa a través de la página web de la Fundación ICO.
El proyecto Casa Corten surge como una respuesta contextual y específica al lugar, partiendo de las condiciones preexistentes de la parcela —una antigua fábrica de madera, hoy en ruinas, de la que únicamente permanecen como vestigios de su pasado industrial unas chapas de acero oxidado—.
La forma arquitectónica y la implantación se definieron de manera minuciosa en relación con la topografía del terreno, mediante una volumetría fragmentada que se adapta a los contornos naturales del suelo, minimizando así el impacto visual y físico de la intervención sobre el terreno y el paisaje circundante.
Dos condicionantes de proyecto resultaron determinantes: la fuerte pendiente natural y la orientación solar. La pendiente se resolvió mediante la incorporación de cubiertas ajardinadas en ambos niveles, permitiendo que los volúmenes construidos se perciban como una prolongación del terreno —casi como elevaciones esculpidas— y reforzando la integración natural de la edificación. Para responder a la orientación este y a su exposición solar inversa, los principales huecos se orientaron hacia el oeste, favoreciendo la captación solar pasiva.
El gesto arquitectónico de “elevar” la vivienda respecto al plano del suelo permitió, además, la entrada de luz natural en el nivel inferior y la preservación de la vegetación autóctona existente. De este modo, el jardín se convierte en el núcleo espacial y conceptual del proyecto, articulando ambos niveles y transformando una limitación en un elemento identitario.
La planta superior se retranquea siguiendo la línea topográfica, fragmentando la masa edificada e incrementando la privacidad respecto al camino colindante. Las fachadas completamente acristaladas intensifican la relación entre el interior y el paisaje, garantizando una iluminación natural continua y vistas panorámicas.
La fachada sur se protege mediante un brise-soleil de acero corten perforado, que actúa simultáneamente como dispositivo de control solar y filtro visual, aportando privacidad en la fachada más expuesta y reforzando la identidad material del edificio.
La selección de materiales responde a un compromiso con la sensibilidad contextual y la continuidad con la memoria del lugar. El acero corten reviste la envolvente exterior y se introduce puntualmente en el interior —especialmente en el vestíbulo de acceso y en las suites—, en diálogo con un hormigón visto, de textura irregular y acabado natural. Esta paleta material establece una relación táctil y cromática que reivindica la imperfección y la autenticidad.
En el interior, la organización espacial prioriza la amplitud, la luz y la conexión visual permanente con el entorno natural. El vestíbulo de entrada, revestido en acero corten y madera, funciona como elemento vertical de conexión entre la zona privada situada en la planta inferior y los espacios sociales del nivel superior.
El hormigón visto domina suelos, paredes y techos, reforzando la continuidad material y la cohesión espacial. La planta inferior alberga cuatro suites, mientras que la planta superior acoge la cocina, el comedor y la sala de estar, bajo una cubierta inclinada de gran dinamismo que se abre a vistas de 360 grados sobre el paisaje.
Todo el mobiliario fijo fue diseñado a medida y los elementos decorativos se seleccionaron cuidadosamente para reforzar la coherencia y la intención arquitectónica del conjunto.
La sostenibilidad y el rendimiento ambiental constituyen ejes fundamentales de la estrategia proyectual. Soluciones como las cubiertas verdes extensivas, los sistemas de recogida de aguas pluviales, los paneles fotovoltaicos, la vegetación de hoja caduca para el control solar pasivo, la plantación estratégica de arbolado y la domótica integrada contribuyen a una vivienda altamente eficiente desde el punto de vista energético y ambiental.
Incluyen una sucesión de patios, un jardín con especies autóctonas y aromáticas, una cubierta verde transitable destinada al descanso y la contemplación, una cocina exterior con horno de leña, una chimenea exterior, un jacuzzi climatizado y una piscina infinita integrada en un estanque y paisaje de carácter naturalista.
En conjunto, estos elementos configuran un entorno residencial singular, donde el equilibrio entre vida social, tranquilidad y contacto directo con la naturaleza define la esencia del proyecto.
Casa Corten | atelier HPA | Plantas
Obra: Casa Corten
Localización: Celorico de Basto (Portugal)
Año: 2025
Superficie total construida (m²): 495,50 m²
Autor: atelier HPA
Arquitecto responsable: Hugo Pereira
Fotografía: Ivo Tavares Studio + hpaarquitetura.com
La Fundación Arquia abre las inscripciones para 2026 a sus esperados programas de becas, que desde hace más de veinte años impulsan el talento en la arquitectura de España y Portugal mediante ayudas a estudiantes y jóvenes profesionales.
El programa arquia/becas contempla distintas modalidades destinadas a apoyar a los jóvenes talentos en sus estudios y formación académica, facilitar la realización de posgrados y talleres especializados, promover la investigación internacional e impulsar la realización de prácticas profesionales remuneradas en algunos de los mejores estudios del mundo.
Belvedere, Vienna. Peter Baum
«Detrás de cada beca hay una historia. La de quien ha dedicado noches a un proyecto, la de quien ha creído en su vocación a pesar de las dificultades, la de quien ve en la arquitectura una forma de cuidar el entorno y de mejorar la vida de las personas».
Sol Candela, directora de la Fundación Arquia.
El programa ofrece un total de 117 becas y ayudas en 8 países, con una inversión que alcanza los 580.000 euros, consolidando a la Fundación Arquia como un referente en el apoyo a estudiantes y jóvenes profesionales del sector. El objetivo principal de arquia/becas es complementar la formación académica con experiencias profesionales y de investigación, fortaleciendo el vínculo entre la educación y el ámbito laboral. Además, promueve la movilidad internacional y el acceso a instituciones de prestigio como factores clave para el desarrollo personal y profesional de los beneficiarios.
El programa se estructura en diferentes modalidades:
53 Becas de Prácticas profesionales (inscripciones hasta el 24 de febrero para los destinos en EE.UU. y hasta el 26 de marzo para los destinos en Europa): Dirigidas a estudiantes en los últimos años de la carrera y a jóvenes que han recibido recientemente el título de arquitectura. Un proyecto creado para que puedan realizar prácticas profesionales remuneradas en estudios de arquitectura, así como en instituciones culturales y del sector, en Europa y Estados Unidos.
13 Becas de Formación (inscripciones hasta el 19 de marzo): Dirigidas a estudiantes de arquitectura en los últimos años de la carrera y a jóvenes recién titulados en Escuelas de Arquitectura de España y Portugal, para realizar talleres y postgrados en centros de referencia.
Beca de Investigación en Nueva York (inscripciones hasta el 9 de abril): Convocada anualmente en colaboración con la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, esta beca está destinada al desarrollo de un proyecto de investigación en el ámbito de la arquitectura en la ciudad de Nueva York durante seis meses.
50 Ayudas a Estudiantes de Arquitectura (inscripciones hasta el 12 de marzo): Ayudas que facilitan el inicio y continuación de los estudios en Arquitectura de aquellas personas que tengan necesidades especiales o dificultades para cubrir el coste de sus estudios.
Fundación Culturas Constructivas Tradicionales
A lo largo de sus años de trayectoria, el programa ha apoyado a numerosos talentos que hoy lideran estudios arquitectónicos de renombre, trabajan en instituciones de prestigio o se desempeñan como académicos en universidades reconocidas.
Con esta iniciativa, la Fundación Arquia continúa su compromiso de fomentar el talento emergente y contribuir al futuro de la arquitectura a través de experiencias y prácticas en entornos de excelencia.
Arquitecto de formación y emprendedor por vocación, Asier Mateo (Pamplona, 1988) ha sabido trasladar el rigor, la metodología y la cultura del proyecto propios de la arquitectura al universo de la alta relojería. Tras una década de ejercicio profesional en distintos países y contextos, su trayectoria dio un giro decisivo en 2020, cuando fundó Lebond Watches en Barcelona con una idea clara y singular:
«Crear relojes concebidos por arquitectos de referencia internacional, piezas que condensan en la escala del objeto los principios conceptuales y espaciales de su arquitectura».
Ese cruce entre disciplinas —arquitectura, diseño y empresa— define su perfil. Mateo se reconoce como un “arquitecto empresario”, alguien que aborda la construcción de una marca con la misma ambición y exigencia con la que se proyecta un edificio. No es casual que el primer gran paso de Lebond fuese la colaboración con el maestro Álvaro Siza, a la que seguirían otras alianzas con figuras destacadas del panorama arquitectónico internacional. Tampoco lo es que el proceso de desarrollo de cada reloj replique las fases clásicas del proyecto arquitectónico —del concepto inicial a la documentación técnica y la supervisión final— en estrecha coordinación con ingenieros y relojeros suizos.
Desde su creación, Lebond ha logrado posicionarse en un mercado global y exigente, con presencia destacada en Estados Unidos, Europa y Asia Oriental, y con eco en medios internacionales de referencia. Más allá del producto, la marca mantiene un firme vínculo con el ámbito académico a través de conferencias, workshops y el Lebond Award, reforzando una visión de la arquitectura como cultura transversal capaz de expandirse hacia nuevos territorios.
En esta conversación, Asier Mateo reflexiona sobre emprendimiento, arquitectura, excelencia y futuro profesional, compartiendo la experiencia de quien ha decidido ampliar los límites tradicionales de la disciplina sin renunciar a su identidad como arquitecto.
¿Cómo se definiría Asier Mateo?
Asier Mateo es una persona inquieta, curiosa y ambiciosa. Arquitecto de formación, con una necesidad constante de aprender y evolucionar. Exigente consigo mismo y con la manera en que afronta cada proyecto. Un apasionado de la arquitectura y del diseño entendido desde la excelencia y el rigor.
Tras una década trabajando como arquitecto en distintos países, me establecí con mi familia en Barcelona. En 2020 sentí que reunía un equilibrio adecuado entre experiencia, energía y estabilidad personal para emprender. En ese momento surgió la idea de un proyecto empresarial ilusionante y ambicioso que aunara mis dos grandes pasiones: la arquitectura y el diseño.
Así nace Lebond Watches, una marca que colabora con arquitectos de prestigio para crear relojes inspirados directamente en su arquitectura.
¿Te encontraste con muchas dificultades para iniciarte?¿Cuáles fueron las más problemáticas? ¿Cuál fue (o es o será) el momento más crítico en Lebond Watches?
Emprender desde cero siempre implica dificultades, pero también te obliga a salir de tu zona de confort y a aprender disciplinas que no dominabas. A cambio, ofrece algo muy valioso: partir de un lienzo en blanco, sin condicionantes previos.
Uno de los procesos más complejos fue encontrar el nombre de la marca. Lebond proviene de “Le bon design” (el buen diseño, en francés). Antes de llegar a él descartamos cerca de una treintena de nombres por distintos motivos.
Otro gran reto fue conseguir al primer arquitecto de primer nivel que confiara en el proyecto. El maestro Álvaro Siza nos dio esa oportunidad, y a partir de esa primera colaboración, el camino ha sido mucho más fluido.
¿Has tenido que complementar tu formación y trayectoria profesional para llegar a Lebond Watches? ¿Consideras que estudiar arquitectura ha sido importante para desarrollar tu trabajo actual?
Desde que tengo uso de razón quise ser arquitecto, y estudiar arquitectura ha sido una experiencia fundamental. Es una carrera preciosa que aporta una base muy sólida para enfrentarse al mercado profesional, incluso más allá de la arquitectura “pura”.
Conozco muchos arquitectos que han derivado hacia otros campos y les va muy bien. Si volviera atrás, volvería a estudiar arquitectura sin dudarlo.
Por ahora no he complementado oficialmente mi formación en el ámbito empresarial, aunque es algo que no descarto hacer en el futuro.
Trabajamos cada día con el objetivo de construir un Lebond del que sentirnos orgullosos. Hemos avanzado mucho y alcanzado logros que no imaginaba en los inicios, aunque seguimos siendo muy ambiciosos a medio y largo plazo.
Mi día a día es muy variado: coordinación entre arquitectos e ingenieros/relojeros en Suiza, logística y control de stock, atención a clientes y prensa, creación y gestión de campañas de marketing…
¿Cómo coordinas las distintas facetas de arquitecto y empresario?
Actualmente estoy completamente centrado en Lebond y no ejerzo la arquitectura en paralelo, pero me considero un arquitecto empresario. Trato la marca con la misma ambición y nivel de exigencia con los que afrontaría la construcción de un edificio. Espero que eso se perciba!
¿Qué tipo de proyectos o actividades desarrolláis en Lebond Watches?
Nuestro núcleo es la edición de relojes de lujo. A corto plazo lanzaremos una nueva familia de producto, muy vinculada a la arquitectura, que nos ilusiona especialmente.
Además, colaboramos con varias escuelas de arquitectura mediante conferencias, workshops y el Lebond Award, un premio que consiste en donar un reloj al alumno con el mejor proyecto final de máster, seleccionado por los profesores de cada centro.
Asier Mateo · Lebond Watches
¿Qué referencias manejáis a la hora marcar el rumbo en Lebond Watches?
Personalmente me inspiro en los arquitectos con los que colaboramos, que son referentes profesionales. En cuanto a empresas, me resultan especialmente inspiradores Vitra, Montblanc y El Croquis.
¿A qué segmento de público/cliente te diriges en Lebond Watches?
Nuestra clientela es global y diversa, pero podríamos definir un arquetipo: mayoritariamente hombres, entre 25 y 65 años, cultos, con sensibilidad por el diseño y que valoran materiales y acabados de calidad en objetos pensados para durar.
Aunque vendemos en todo el mundo, nuestros principales mercados son Estados Unidos, Europa y Asia Oriental.
El proceso de diseño de nuestros relojes se estructura de forma muy similar a un proyecto de arquitectura, siguiendo las fases de Schematic Design (SD), Design Development (DD), Construction Documentation (CD) y Construction Administration (CA).
En SD, el arquitecto define el concepto y la esencia del reloj mediante bocetos a mano.
En DD, el equipo de diseño desarrolla planos CAD, renders y maquetas volumétricas.
En CD, los ingenieros y relojeros suizos elaboran los planos técnicos y prototipos impresos en 3D, que se presentan al arquitecto para su aprobación.
Finalmente, en CA se fabrican prototipos completamente funcionales para validar el producto antes de la producción en serie.
Asier Mateo · Lebond Watches
¿Estableces sinergias con otros campos?
Sí, especialmente con el mundo académico y artístico. Intentamos generar sinergias porque de ahí surgen ideas frescas y aprendizajes muy valiosos. Una sesión en una escuela de arquitectura o un taller con un artista consolidado siempre resulta estimulante.
¿Cómo y para qué utilizas las “nuevas tecnologías”? ¿La “red” ha facilitado tu labor? ¿En qué sentido?
Internet es una herramienta clave para Lebond. Aunque nuestros relojes están presentes en espacios expositivos de varios países, la red nos ha permitido presentar y vender el producto de forma global.
A nivel de comunicación, estamos especialmente orgullosos de haber sido publicados en medios digitales de referencia como Dezeen, Wallpaper, The New York Times, entre otros.
¿Compaginas o complementas esta actividad con otras labores o en otros campos?
La mayor parte de mi tiempo profesional lo dedico a Lebond, aunque colaboro puntualmente con escuelas de arquitectura mediante ponencias y workshops. Me gustaría seguir haciéndolo, ya que el contacto con alumnos, profesores y empresas es muy enriquecedor y positivo para la marca.
Asier Mateo · Lebond Watches
La arquitectura, tiene abiertos muchos frentes de batalla (LSP, Bolonia, paro, precariedad laboral, COAs, ETSAs, emigración, comunicación, etc), ¿no serán demasiados para la polarización existente dentro de la misma?
A esta cuestión podrán responder mejor mis colegas que están inmersos de lleno en la práctica profesional cotidiana.
¿Cómo ves el futuro de la arquitectura? ¿Y el de la profesión?
Soy optimista. Creo que la arquitectura y la profesión de arquitecto tienen un buen futuro. Cada vez existe una mayor valoración de la buena arquitectura y hoy contamos con herramientas y medios muy potentes que, bien utilizados, permiten hacer cosas impensables hace solo unos años.
Asier Mateo · Lebond Watches
¿Qué mejoras crees que son fundamentales y que deberían ser puestas en marcha de forma inmediata?
En España existe un exceso de regulación y burocracia tanto en arquitectura como en empresa. Ambas son necesarias, pero actualmente resultan desproporcionadas. En el ámbito arquitectónico, en particular, la normativa limita en exceso la creatividad.
Como “emprendedor”, ¿qué opináis de los arquitectos que “abren y/o recuperan” nuevos campos y/o enfoques de la profesión?
Me parece fenomenal. Supongo que, en cierto modo, yo mismo soy un ejemplo de ello.
Asier Mateo · Lebond Watches
¿Estas contento con la trayectoria realizada hasta ahora? ¿Qué proyectos de futuro te esperan tanto personal como profesionalmente?
Estoy muy satisfecho con el camino recorrido y muy ilusionado con lo que viene. En lo personal, aspiro a ser un buen padre para mis dos hijas y un buen marido.
En lo profesional, seguir disfrutando de lo que hago y ampliar la colección de productos y colaboradores. Tenemos varios proyectos potentes en el pipeline para los próximos 18 meses.
Para acabar, ¿qué le aconsejarías a los actuales estudiantes y futuros profesionales de arquitectura?
No voy a ser muy original y citaré a uno de mis referentes, Norman Foster
“Continuad siendo ESTUDIANTES.”
Asier Mateo · Lebond Watches
Asier Mateo · Lebond Watches
Febrero, 2026
Entrevista realizada por Ana Barreiro Blanco y Alberto Alonso Oro. Agradecer a Asier su tiempo y predisposición con este pequeño espacio.
¿Hay algo más anti-arquitectónico que rellenar un espacio hasta que la vida en él es imposible? O dicho en positivo, ¿hay algo más arquitectónicamente supremo que poder documentar el vacío que configura la arquitectura?
Rachel Whiteread nos interpela a reflexionar sobre eso en cada una de sus obras. Nos empuja hacia la paradoja provocando una seductora sensación de familiaridad que de inmediato se transforma en un inquietante sentimiento de exclusión.
Y es que las juntas entre arquitectura y arte chirrían algunas veces. Otras están tan bien engrasadas e integradas que se confunde la transición entre ellas. La obra de Rachel Whiteread participa también de esa contraposición paradójica. Whiteread hace chirriar desde el arte las costuras de la arquitectura creando fantasmas espaciales de una contundencia física brutal. A su vez, todas sus esculturas desbordan de una atmósfera que subliman la esencia misma de la arquitectura, el vacío.
La obra de la artista británica es capaz de dar la cara y el envés al mismo tiempo de lo que habitualmente llamamos arquitectura. Diría más, al mismo tiempo Whiteread nos planta ante la cara y el envés del tiempo.
Un espacio, cualquier espacio que cualquiera de nosotros pueda usar, es de una fragilidad teatral. Las paredes, las puertas, las ventanas no son más que una escenografía de la actividad humana, instantánea, fugaz, diferente en cada instante, en cada momento. El espacio temporal inducido en el espacio arquitectónico es inasible, no mayor por otro lado que el rastro que el recuerdo y la emoción dejan impreso en el espacio arquitectónico. Whiteread petrifica la fugacidad, hace del tiempo fluido un tiempo muerto, estancado, parado.
No es de extrañar pues que la crítica se refiera al trabajo de la artista como una arqueología del lugar, como si fueran antiguas ruinas contemporáneas, paisajes congelados en el tiempo.
La vuelta al calcetín que propone rellenando de hormigón, yeso o de fibra de vidrio las entrañas de una vivienda cualquiera se nutre de una paradoja esencial: documentar sólidamente el vacío. Transformar en expresión espacial cerrada todo lo que suele considerarse como el negativo de la arquitectura, el espacio que la contiene.
Este dispositivo operativo de la obra de Whiteread, es decir hacer de lo interior lo exterior, hacer de la piel, cuerpo, lo construye siempre sobre blanco. Sus esculturas, ella misma habla de esculturas tímidas, yo me atrevería a decir que casi mortecinas, pálidas hasta lo enfermizo, no dejan de ser salvajemente inquietantes, tan inquietantes como visitar la antigua ciudad de Herculaneum, una de las ciudades sepultadas por el Vesubio y fuente de inspiración constante de la artista que como un telón de fondo de sus obsesiones, le persigue en cada nueva obra.
No puedo aquí dejar de pasar por alto la simbiosis, también inquietante, entre su apellido, whiteread, literalmente lectura blanca, con la pálida lectura que nos ofrece toda su obra realizada en blanco, blancos rotos, grises casi blancos. Aún estoy más inquieto.
A lo largo de la creciente fascinación de Whiterad por las unidades más básicas de la arquitectura, la barraca, el cobertizo, la casa, el almacén, la artista evoluciona hacia una obsesión más elemental basada en todo aquello de escala pequeña que uno puede encontrar en el trasdós de una fachada, una ventana, una puerta, una librería. Ese zoom tan disciplinarmente arquitectónico, fascina por la naturalidad como pasa de lo monumental a lo minucioso, como si eso fuera tan fácil.
Por último, cabe remarcar que remarcar Rachel Whiteread fue la primera mujer que ganó el premio Turner en 1993, cosa que bajo mi espesa capa de obsesiones.
Whiteread se ha convertido en la antiarquitecta más arquitectónica que uno pueda imaginar.
REBUILD 2026, la mayor feria multiespecialista de construcción industrializada en Europa, tendrá lugar del 24 al 26 de marzo de 2026 en IFEMA Madrid
REBUILD 2026 está ultimando sus preparativos para convertirse en el mayor punto de encuentro de Europa dedicado a la construcción industrializada. Del 24 al 26 de marzo en IFEMA Madrid, más de 30.000 profesionales de la edificación se citarán en la feria para conocer las últimas soluciones con las que fomentar una industria más modular, digitalizada y sostenible. De este modo, la celebración del encuentro situará a la capital en el foco de la innovación constructiva a nivel comunitario.
Las novedades de la novena edición del evento se han revelado hoy en el marco de su presentación oficial en la que su presidente, David Martínez, ha puesto en valor el auge de la industrialización explicando que
“en España ya se están fabricando cerca de 50.000 baños off site al año para la demanda nacional, cuando hace no tanto apenas eran 4.000, los cuales también se exportaban a otros países. Igualmente, al menos un 20% de las viviendas incorporan ya algún elemento industrializado. Sin embargo, seguimos enfrentándonos a dos grandes dificultades estructurales, como la escasez de suelo y la falta de mano de obra cualificada.”
A su vez, Alberto Planas, director general de Nebext, empresa organizadora de REBUILD, ha afirmado que
“hace diez años casi no se hablaba de construcción industrializada en España y hoy contamos con firmas que han creado líneas de producción específicas o incluso nuevas compañías vinculadas a este modelo. REBUILD ha sido el catalizador de este gran salto, motivo por el que también nosotros crecemos en paralelo. Este año tendremos 5.000 m2 más de innovación, pero seguiremos apostando por un formato ‘boutique’.”
David Martínez, presidente de REBUILD, junto con Ignasi Pérez-Arnal, director del Congreso de Arquitectura Avanzada y Construcción 4.0
Como parte de esta evolución, la feria, que reunirá a más de 750 firmas, da un paso más mediante una estrategia de hiperespecialización, reorganizando su zona expositiva en 11 áreas de innovación: Interiors & Lighting, Kitchen & Co, Planeta Baño, Expo Envolventes, RevestExpo, Sistemas Constructivos, Mundo Madera, Innovamat, ElevateExpo, ConfortClima y BIM & Tech. Esta pionera configuración tiene el propósito de mejorar la experiencia del visitante, incrementar las oportunidades de negocio y dar mayor visibilidad a cada categoría. Además, cada subsector tendrá también su representación específica dentro del Congreso de Arquitectura Avanzada y Construcción 4.0, configurando una gran agenda transversal.
Del 24 al 26 de marzo en IFEMA Madrid, la mayor feria de industrialización de la edificación a nivel comunitario presentará las últimas soluciones con las que promover un sector más modular, digitalizado y sostenible
La industrialización como palanca para resolver los grandes retos
En el marco de REBUILD 2026 tendrá lugar el mayor foro de tendencias de la edificación en Europa. Se trata del Congreso de Arquitectura Avanzada y Construcción 4.0 y este año el hilo conductor será cómo la industrialización está siendo la respuesta para dar solución a los retos actuales del sector. En sus escenarios se citarán más de 700 expertos internacionales con arquitectos de la talla de Alessia Galimberti, Martín Lejarraga, Benedetta Tagliabue, Julen Pérez, de Waugh Thistleton Architects, Albert Giralt, del despacho de Renzo Piano, ganador del premio Pritzker, y Lapo Naldoni, de Mario Cucinella Architects, entre muchos otros.
El Congreso de Arquitectura y Construcción 4.0 contará con arquitectos de la talla de Benedetta Tagliabue, Alessia Galimberti o Martín Lejarraga, junto con expertos del MIVAU, el BEI, Culmia o Metrovacesa, que compartirán las oportunidades y barreras a superar del concepto off site
El principal desafío que se abordará es la escasez de vivienda asequible y las oportunidades que presenta el nuevo sistema constructivo para lidiar con esta problemática. Maite Verdú, Directora General de Agenda Urbana y Arquitectura del MIVAU, Maribel Vergara, Directora del PERTE de la Industrialización de la Vivienda, y representantes del Banco Europeo de Inversiones (BEI), BBVA, Bilba, Sacyr, Miura Partners, 011h, Culmia o Metrovacesa, entre otros, pondrán en común las opciones de la industrialización y las barreras a superar para afianzarla como un modelo escalable. Sobre ello, Ignasi Pérez-Arnal, director del Congreso de Arquitectura Avanzada y Construcción 4.0, ha precisado que
“en esta edición también nos hemos fijado en cómo hacer consistente la industrialización en toda la cadena de valor tal y como sucede en el ámbito de la automoción”.
Junto a la vivienda, el impacto – tanto climático como en el bienestar de los inquilinos – será otro de los grandes ejes temáticos del Congreso. En este sentido, Pérez-Arnal ha indicado que
“hemos querido dar protagonismo a la salud, que tradicionalmente ha sido la gran olvidada cuando hablamos de impacto en la edificación. No solo existe la sostenibilidad ambiental y económica; también está la sostenibilidad social, y la arquitectura tiene un papel directo en ello”.
REBUILD 2026 acogerá el Congreso de Arquitectura Avanzada y Construcción 4.0
Igualmente, en relación con la huella del sector, los expertos profundizarán en las estrategias para la descarbonización y, como novedad este año, pondrán énfasis –mediante foros especializados– en la incorporación de materiales como la madera, el acero, el hormigón o la cerámica en los sistemas constructivos industrializados, explorando vías para evolucionar el modelo off site.
El encuentro también tratará la influencia de la digitalización y automatización de procesos en el avance de la industria. Tecnologías como la IA o BIM contarán con foros dedicados, donde se analizará sus posibilidades para mejorar la planificación, reducir errores e incrementar la eficiencia productiva. En paralelo, REBUILD 2026 reforzará su apuesta por la mano de obra con el Talent Marketplace, donde constructoras y promotoras presentan los nichos con mayores oportunidades laborales. Asimismo, con EYOCNET –Red de Profesorado de Edificación y Obra Civil se organizarán tours para estudiantes a fin de mostrar qué perfiles demanda actualmente el sector y los nuevos puestos que se están creando gracias a la edificación industrializada.
Italia y Murcia, territorios protagonistas
La esfera internacional quedará reforzada en esta edición con la participación de Italia como país invitado, que lidera la aplicación de soluciones constructivas innovadoras en rehabilitación. Además, a nivel nacional, Murcia será la Región Europea Innovadora por sus políticas de vivienda, que son referencia en España.
REBUILD 2026 analizará el avance del PERTE y las claves para acelerar la construcción de vivienda asequible en España
Consigue AQUÍ tu pase de prensa para acudir a REBUILD 2026
La esencia de lo inmaterial habita esta vivienda, transformándola en una experiencia sensorial profunda.
La vida se despliega en una simbiosis perfecta entre interior y exterior, donde los espacios se expanden o retraen con sutileza según los grados de intimidad deseados. Un juego de volúmenes se alterna y sucede en armonía, generando una coreografía de sensaciones cambiantes y enriquecedoras.
Casa Kiwi | Javier Chulvi, Arquitectura e Interiorismo | Planta baja
Casa Kiwi | Javier Chulvi, Arquitectura e Interiorismo | Planta primera
Casa Kiwi | Javier Chulvi, Arquitectura e Interiorismo | Planta de cubierta
Casa Kiwi | Javier Chulvi, Arquitectura e Interiorismo | Sección bb
Casa Kiwi se concibe como un proyecto en sección, concebido por y para la luz. Es esta la verdadera protagonista, la que convierte la arquitectura en escultura viva, en un cuerpo que orbita en torno al curso del sol. Dos patios de proporciones gemelas —uno anterior y otro posterior— oxigenan el núcleo habitable, permitiendo una constante respiración de la vivienda. El volumen, inicialmente compacto, se horada para dar paso a terrazas y entrantes, abriendo el paso al huésped esencial: la luz.
La vivienda se articula en dos plantas de intenciones opuestas que se entrelazan con elegancia para dar cobijo a los distintos usos. En planta baja, la mirada se protege del exterior urbano para volcarse hacia el recogimiento del patio interior; en la planta superior, la lógica se invierte, buscando apertura hacia la calle y privacidad hacia el interior, garantizando la intimidad frente a posibles vistas vecinas.
Tras la entrada, la primera crujía alberga una escalera de caracol que se eleva como una escultura blanca, pura, bañada por una luz cenital. En el lado opuesto, un baño cuidadosamente integrado. La siguiente crujía acoge la zona de día: salón, cocina y comedor se integran en un espacio continuo donde también se encuentra el estudio y el dormitorio de Kiwi, un camaleón, separados por una pieza de mobiliario de madera que actúa como librería, chimenea y soporte audiovisual. Esta franja de mayor altura permite que el exterior penetre generosamente gracias a amplias aperturas al patio posterior y a una rasgadura en el forjado sur que capta la luz del sol invernal.
Casa Kiwi | Javier Chulvi, Arquitectura e Interiorismo | Alzado frontal
Casa Kiwi | Javier Chulvi, Arquitectura e Interiorismo | Alzado posterior
Casa Kiwi Javier | Chulvi, Arquitectura e Interiorismo | Sección aa
Casa Kiwi | Javier Chulvi, Arquitectura e Interiorismo | Sección cc
La planta superior se desarrolla en dos niveles para acoger dicha apertura. En el primero, un mirador de gran dimensión se asoma a la calle, acompañado por una jardinera longitudinal que derrama vegetación. El segundo nivel alberga la zona de noche: baño y dormitorio principal, ambos concebidos con un diseño minucioso en color e iluminación. Una pequeña terraza privada articula la conexión entre calle y patio interior.
La luz solar, en su recorrido diario, atraviesa y nutre los espacios, animando una vivienda que respira vegetación, tiempo y quietud. Una casa concebida con una pureza esencial, donde cada rincón refleja una arquitectura que es, ante todo, emoción.
Seventy days on the road | thehomelessarchitect | Alberto Rodríguez Arias
Seventy days on the road es un proyecto nacido de la necesidad de explorar el mundo, no solo como ser humano, sino también como fotógrafo, como arquitecto, como conductor y como entusiasta del automóvil clásico. Se inspira no solo en el tradicional grand tour o en los viajes por carretera emprendidos en busca de inspiración por Edward y Josephine Hopper en 1941 y 1952-1953, sino también en los del arquitecto español Ramón Vázquez Molezún, quien recorrió gran parte de Europa en los años cincuenta a lomos de su Lambretta, con el propósito de experimentar de primera mano las obras maestras de la arquitectura que había estudiado en la escuela.
Seventy days on the road constituye el primero de una serie de viajes por carretera que exploran el mundo desde la perspectiva de un fotógrafo de arquitectura, donde el destino final —los edificios, los lugares, la arquitectura— no es el objetivo principal; por el contrario, el viaje en sí mismo, la manera de llegar hasta ellos, se convierte en el elemento central y en fuente de inspiración, y las vistas enmarcadas por el propio automóvil desde el habitáculo son tan importantes como el destino.
Este ensayo fotográfico es el resultado de un recorrido en solitario de setenta días por carretera, que abarca 11.000 km a través de once países europeos, conduciendo un Fiat Panda de 1990. Reúne más de 400 fotografías, seleccionadas de entre más de 4.000, en su mayoría de obras maestras de la arquitectura del siglo pasado. Pero es también un diario visual de viaje, que registra las carreteras y paisajes encontrados en el trayecto. Un arquitecto, dos cámaras, un Fiat Panda y 11.000 km por Europa.
thehomelessarchitect – Alberto Rodríguez Arias
Es doctor arquitecto, investigador y fotógrafo de arquitectura. Trabajó como arquitecto en Eslovenia, España y Suecia, país en el que reside actualmente, combinando el ejercicio profesional con la documentación de arquitectura, fundamentalmente en Europa. No su tiempo libre se dedica a la conservación y restauración de vehículos antiguos, con los que realiza largos viajes para explorar y fotografiar arquitectura. Es también autor de numerosos artículos sobre arte y automóvil.
En reflexiones anteriores hablaba de la necesidad de que la crítica se ejerciera desde el conocimiento profundo de un medio dado, tanto en el sentido cultural como en el que pudiéramos llamar físico. Un juicio de valor sólido sobre la arquitectura sólo es posible desde un conocimiento que permita identificar mejor las raíces, los antecedentes, consecuencias y repercusión de la obra en su medio cultural; y si hablamos de lo físico, el impacto que su percepción tiene en quien la vive, las cualidades de su inserción en el contexto y en principalísimo lugar el modo como responde al medio. Fuera de esas exigencias el juicio se contamina de lo circunstancial, del peso de las preferencias personales, de la condescendencia inspirada en la afinidad, del impulso, convirtiendo al juicio en una opinión. Un punto de vista configurado o estructurado en lo epidérmico, lo superficial.
Decir esto en cierto modo devalúa la condición principal del marketing actual de la arquitectura, que continúa a pesar de la crisis y declarados propósitos de enmienda celebrando lo celebrado o haciendo esfuerzos por pasar del elogio del espectáculo a la búsqueda del santoral que permita señalar individualidades dignas de la nueva adoración. Una búsqueda que sigue respondiendo a las exigencias de la venta, del mercado, alimentada por los últimos giros del gusto, por lo que atrae hoy, lo que señala el momento. En definitiva por el consenso, cualidad que exige buscar a los que miran en direcciones parecidas. El consenso exige mirar hacia afuera, no hacia sí mismo.
Jose Antonio Ron Pedrique. Proyecto de Centro Cívico Avenida Bolívar, Caracas, 1961 (f. «El Plan Rotival. La Caracas que no fue», Instituto de Urbanismo FAU UCV, 1991 – Via Materiales de Arquitectura Moderna en Venezuela MAMV)
Crítica arquitectónica y consenso: el riesgo de mirar hacia afuera
La conclusión lógica es que la crítica más exigente, la más confiable, la más profunda, la que se fundamenta en lo más duradero, es la crítica local, la que se ejerce desde el medio en el que se produce la arquitectura. Pero podríamos estar pasando por alto, aparentemente, lo que ha ocurrido a través de la historia reciente de la arquitectura. Porque en ciertos casos el arquitecto de obra sólida ha sido reconocido fuera de su país de modo mucho más certero y entusiasta que en su propio medio. Por falta de otro ejemplo podríamos citar dos casos de la segunda generación de la modernidad: Louis I. Kahn y Alvar Aalto.
Aalto tenía una embarcación para disfrutar sus fines de semana que bautizó como Nemo propheta in patria. Nadie es profeta en su tierra le pareció un lema adecuado para designar este objeto que le servía de instrumento para sus ratos de esparcimiento, afirmando con ello la sensación de ser visto con sospecha y distancia en su propio medio mientras se le admiraba en el extranjero. Y es un hecho que Alvar Aalto fue presa de esta forma de resentimiento durante gran parte de su edad madura, como lo atestiguan muchos testimonios de sus contemporáneos.
En cuanto a Louis I. Kahn, ya he dicho en otra parte que tuve la experiencia de pulsar el sentimiento generalizado que existía en los Estados Unidos acerca de él, con ocasión de mi participación en 1965 en un Congreso Panamericano de Arquitectos que coincidía con un encuentro nacional de la Asociación Americana de Arquitectos. Me sorprendió la animosidad gratuita que la figura de Louis I. Kahn producía entre sus colegas, hecha conocer de modo espontáneo por colegas que en cualquier conversación ocasional, al enterarse de mi admiración, prorrumpían en descalificaciones de distinto tipo.
Alvar Aalto en Finlandia: influencia, resistencia y legado
Pero si en efecto Alvar Aalto era intensamente cuestionado en Finlandia en ciertos círculos de sus mismos colegas, su compatriota, el historiador del arte Gòran Schildt fue a partir de 1952 un entusiasta de su obra hasta publicar una muy completa biografía después de la muerte de Alvar Aalto en 1975. Es además evidente que su presencia era avasallante en el panorama arquitectónico oficial finlandés. Su experiencia con la empresa Artek que producía y sigue produciendo los muebles que diseñó, fue extraordinariamente positiva y le permitió dotar con ese selecto complemento de su visión como diseñador, gran parte, si no la totalidad, de las obras que construyó en Finlandia a partir de 1935, año de fundación de la empresa.
Esa presencia siguió siendo importante después de la guerra como lo demuestra el haber sido el arquitecto de la Universidad Politécnica de Helsinki y de muchos otros importantes encargos que culminaron en los años anteriores a su muerte con el Finlandia Hall, enorme complejo de teatros en la misma Helsinki. Y baste decir que era tan importante su figura en el ámbito nacional que cuando en Octubre de 2009 tuve ocasión de conversar con Juhanni Pallasmaa, me hizo notar la incomodidad de los más jóvenes, él entre ellos, ante el peso del maestro. Hasta el punto de que, medio en serio medio en broma, pensaban que todo aquel que entrase a trabajar en la oficina de Aalto (esas fueron sus palabras), era un caso perdido. Lo cual no impidió que Juhani Pallasmaa sea hoy uno de los más inteligentes exégetas de la obra del maestro.
Louis I. Kahn y la crítica arquitectónica en Estados Unidos
Lo de Louis I. Kahn es diferente dada la estructura económica de los Estados Unidos, tan dependiente de un sector privado fuertemente focalizado en una visión pragmática de la arquitectura de las instituciones. Aparte de que el Estado Central americano así como las Alcaldías y Gobernaciones con pocas excepciones, favorecen una arquitectura oficial simplemente eficiente desdeñando cualquier implicación en sus valores culturales.
En ese contexto un personaje de ruptura que señalaba hacia un modo de ver la arquitectura fuertemente teñido de disidencia, de distancia ante la aproximación a la disciplina de parte del establishment arquitectónico, lo cual, en plenos años sesenta y primeros setenta, le daba un aire subversivo, de héroe de los sectores jóvenes más conflictivos, necesariamente era visto con sospecha. Y sin embargo, fue un crítico estadounidense, Vincent Scully (1920), quien hizo conocer de modo más consistente y con un impacto universal al primer Louis I. Kahn, de un modo que vino a convertirse en el lanzamiento de Louis I. Kahn hacia la celebridad que emergió pese a todas las reticencias que recién hemos descrito.
Críticos y mediadores en la construcción del canon arquitectónico moderno
Lo que pretendo trasmitir es que si bien es verdad que toda figura de importancia es vista en su medio, por sus contemporáneos, con distancia cuestionadora, es también cierto que más allá de ese tipo de reacciones que encajan perfectamente en el antiquísimo adagio sobre la capacidad profética en la propia tierra, es posible decir que superando los naturales celos de los contemporáneos, hay siempre algunas individualidades que ven más profundo y dejan de lado los resquemores de quienes les resulta difícil aceptar la mayor estatura de alguien que conocen de cerca.
En los tiempos de la modernidad temprana hubo siempre personas que a partir de una formación intelectual sólida, fueron capaces de ver lo trascendente de la obra de ciertas figuras clave. Si nos referíamos a Louis I. Kahn y a Alvar Aalto recordándolo, también podríamos decirlo en el caso de Le Corbusier con Lucien Hervé y Jean Petit en Francia, o Willy Boesiger y Hans Girsberger, editores de las Obras Completas, en Suiza. Todos, pivotes definitivos de los esfuerzos editoriales que proyectaron la obra corbusiana más allá de los límites de las mezquindades y maledicencias del pequeño mundo francés. Y cabría también referirse a Frank Lloyd Wright, famosísimo como exponente a nivel casi popular del sueño americano ya desde los años treinta, o a Mies van der Rohe representando ante el mundo con un edificio-resumen de una visión canónica de la arquitectura, a la Alemania conflictiva de finales de los veinte.
Tenemos entonces más argumentos para sostener que nuestra arquitectura, para ser reconocida en su valor más trascendente, necesita de figuras locales capaces de ir, sin excusas ideológicas o de cualquier tipo, hacia la arquitectura que aquí se hace o se desea hacer. Que en cierta manera, pese a las limitaciones para desempeñar ese papel propias de la Venezuela reciente, William Niño Araque, de muerte tan prematura, se acercó a ese ideal. Su frescura contrastaba con el acartonamiento que prevalece en la crítica latinoamericana, con las excepciones debidas. Utilizó las referencias históricas más amplias pero no las convirtió en excusa para desdeñar el quehacer local como es típico de los historiadores. Fue capaz de hablar sobre lo que le interesaba movido por lo que la obra le decía. Tal vez se lo facilitó, precisamente, la falta de estructuras de divulgación en Venezuela. No dependía de una industria editorial, de una revista, de un cargo académico, se movía con una libertad sólo limitada por las dificultades de subsistencia. Que se apoyaban en un cargo público absolutamente menor desde el cual, sin embargo, en tiempos de democracia, desplegó una actividad inusitada promoviendo exposiciones de arquitectura que hoy parecen un lejanísimo recuerdo cuando se comparan con la parálisis de estos años de autocracia.
Parálisis cultural y crisis de la crítica arquitectónica en Venezuela
Sí, estos años, ya van quince, han sido de parálisis. Favorecida por quienes hoy, encumbrados en posiciones de Poder, renunciaron a una temprana vocación intelectual que podía haber sido promisoria. En esos tiempos iniciales hace más de cuarenta años, se asomaron al ejercicio crítico pero abrazaron conjuntamente una militancia marxista afiebrada y ciega, que los hizo justificar una arquitectura sin aliento y denostar de lo que según ellos era equivocado. Acuñaron frases despectivas sobre todo lo que creyeron merecedor de ese adjetivo y disfrutaron de un prestigio apoyado por las carencias de una sociedad ajena al debate intelectual. Pero eran ellos los equivocados. Y al encontrarse ante el vacío de las tesis que defendían entraron en un proceso de sucesivos oportunismos a lo largo de años posteriores en los que la virulencia inicial pareció apagarse oculta por la complacencia con lo establecido. Y hoy regresan, otoñales y fieles a una supuesta revolución inventada y mil veces fracasada y traicionada, atados al carro de un Poder que saben ilegítimo y se expresa con una irresponsabilidad sin antecedentes en nuestra historia.
Son hoy figuras de papel, sin coherencia intelectual alguna, llevados por la corriente de una crítica ideológica que resiste toda racionalidad y se ha convertido en insinceridad militante en estos años cruciales. Han decidido, como propagandistas de un gobierno presidido por patéticos personajes, más que darle valor al esfuerzo de los arquitectos venezolanos, justificar la arrogancia y la concentración de encargos de arquitectura pública en un puñado de privilegiados. Y pretenden darle fundamento a lo que surge de impulsos desordenados y erráticos cuyo fin es la conservación a toda costa del Poder. Hacen por convertir ese inmenso disparate que es la Misión Vivienda, por ejemplo, en un asunto serio impulsándolo a base de tristes discusiones entre correligionarios y algún que otro disidente blando e inocuo.
A ese tipo de personajes nos corresponde decirles que dejen espacio a una Venezuela más auténtica, abierta hacia los recursos de sus gentes, democrática, en la que el oportunismo revele su cara perversa. Y lo haremos con nuestro voto mañana Domingo.
Óscar Tenreiro Degwitz, arquitecto.
Venezuela, Agosto 2013
Anteriormente, escribía sobre las Torres Gemelas de Nueva York y su destrucción. La verdad es que ya habíamos visto muchas veces en las pantallas como esa ciudad era arrasada por culpa de terremotos, inundaciones, meteoritos y monstruos gigantes, y cómo uno de sus rascacielos más conocidos, el Empire State, a pesar de haber soportado el peso de King Kong, también acababa destruido.
Hace poco he descubierto y no recuerdo por qué, un episodio de Guardianes del espacio, originalmente Thunderbirds, el trece, emitido por primera vez el 21 de octubre de 1965, y titulado «Terror en Nueva York».
Si son tan mayores como para haber visto la serie, pero no la recuerdan, Jeff Tracy, es un astronauta retirado, viudo y súper billonario, que en un alarde de imaginación le ha puesto a sus cinco hijos los nombres de los primeros astronautas estadounidenses que llegaron al espacio: Scott [Carpenter], Virgil [Grissom], Alan [Shepard], Gordon [Cooper] y John [Glenn], cada uno está al mando de una aeronave diferente, menos uno de ellos parece estar recluido solo en una estación espacial; Jeff ha fundado Rescate Internacional para salvar a las víctimas de desastres naturales, porque esta serie se adelantó a las películas de catástrofes de los años setenta.
Los gatos y los rieles en la televisión | El Empire ya sobre los rieles
En este episodio, Jeff le dicta a Tin-Tin Kirano, la hija de su mayordomo oriental, una carta que ella va tecleando en una máquina de escribir, aunque la serie suceda en el futuro, él no puede aceptar una invitación, aunque dice:
«pero quiero que sepa que considero su proyecto de trasladar el edificio Empire State. Me parece sumamente audaz y atrevido. Renovar las zonas anticuadas es vital, pero también la conservación de instituciones y monumentos nacionales es muy importante. El edificio Empire State es uno de esos monumentos»,
hoy sabemos que la escusa de «renovar zonas anticuadas», sirvió para demoler muchas partes de las ciudades, solo para conseguir rápidos beneficios económicos y además la mayoría de las veces logrando estropear la morfología urbana.
Montaje de dos capturas,de un movimiento de cámara ascendente, para mostrar todo el artilugio creado para mover un Empire que tiene una extraña esfera blanca en su parte superior
En una secuencia posterior toda la familia Tracy está sentad delante de un televisor, mientras un periodista de la cadena NTBS va narrando cómo se va a trasladar el edificio: «una obra de ingeniería que opacará [sic, el texto está tomado del doblaje latinoamericano con que se emitió la serie en España] totalmente la construcción de las Pirámides. Hoy el rascacielos Empire State será trasladado de su ubicación actual a doscientas yardas, y no ladrillo por ladrillo, sino como está, entero y en una sola operación», el periodista añade que
«Realmente el motivo para trasladar este gigantesco rascacielos es muy simple, todas las construcciones que rodeaban a esta reliquia fueron demolidas para dar lugar a edificios modernos, pero no podíamos dejar que derrumbaran el viejo Empire State»,
de nuevo la especulación urbanística, justificada por lo que habría de ser un inmenso gasto seguramente carísimo, para mover todo un gran rascacielos a una distancia de solo ciento ochenta y dos metros con ochenta y ocho centímetros de donde se encuentra.
En la televisión se ven unos diagramas de cómo se trasladará el Empire, mientras el periodista va diciendo:
«Después de excavar los cimientos, se instalaron gatos hidráulicos debajo del edificio y luego lo levantaron con ellos, después conectaron unos rieles especiales móviles con unos pivotes debajo del rascacielos, para que se deslizara sobre ellos. Ahora solo queda trasladar el edificio centímetro a centímetro a su nueva ubicación. Parece sencillo pero se necesitaron diez años de planeación [sic] y dos años de construcciones para llegar a este punto».
Para mover el edificio se le adosa una máquina gigantesca, movida por «motores atómicos», según dice el periodista, que lo abraza y que hace que deslice sobre unos enormes raíles para desplazarlo hasta su nueva y no demasiado lejana ubicación.
El Empire colapsándose…y sus ruinas
El deslizamiento no saldrá bien, el terreno cede, porque hay unos canales de agua en el subsuelo, al parecer no se hizo un estudio geotécnico, y el rascacielos se derrumba, lo que ya esperaban los espectadores, porque en casi todos los episodios hay una catástrofe, el periodista y su camarógrafo caen a una cueva subterránea y se quedan atrapados por las ruinas mientras va subiendo el nivel del agua, por lo que Rescate Internacional tendrá que ir en su ayuda y naturalmente terminará salvándolos en el último momento.
Otra vez ha caído el Empire State, esta vez sin víctimas, pero suponemos que con un enorme regocijo de los promotores inmobiliarios, que ahora tendrán más espacio para construir más viviendas y obtener muchos más beneficios económicos.
Denise Scott Brown. Ciudad. Calle. Casa 11 de febrero de 2026 – 31 de mayo de 2026
Denise Scott Brown (Zambia, 1931) es una de las arquitectas más relevantes de la segunda mitad del siglo XX. Tras graduarse en Johannesburgo, completó sus estudios en Londres y Filadelfia, donde conoció a Robert Venturi (1925-2018), con quien compartió su vida y trayectoria profesional. Una de sus obras más influyentes es Learning from Las Vegas(1972), un ensayo crítico elaborado junto con Venturi y Steven Izenour que incorpora la cultura visual popular americana y el desplazamiento en automóvil al proyecto arquitectónico.
La exposición será la primera gran retrospectiva celebrada en España dedicada a la arquitecta y una de las pocas internacionales que se centran exclusivamente en su figura. Comisariada por los arquitectos María Pía Fontana y Miguel Mayorga, y estructurada en tres apartados -ciudad, calle, casa-, se exhibirán por vez primera más de cien obras originales (dibujos, fotografías, carteles, mobiliario y maquetas) elaborados por Scott Brown y sus colaboradores, para presentar la enorme contribución de sus proyectos a la cultura visual contemporánea.
La voz de Denise Scott Brown tendrá presencia en las salas gracias a un documental que el museo ha producido a partir de una serie de entrevistas y grabaciones realizadas en su casa de Filadelfia en la primavera de 2024.
Exposición Denise Scott Brown. Ciudad. Calle. Casa
Ciclo de conferencias: «Denise Scott Brown»
Se realizará en paralelo un ciclo de conferencias pretende profundizar en la intensa trayectoria de Denise Scott Brown (1931).
Cada una de las intervenciones que componen este ciclo estará destinada a profundizar en algunos de los aspectos más reseñables que recoge la exposición: sus principales trabajos, reflexiones y casos de estudio, trayectoria –personal y profesional, indudablemente vinculada entre si- y su relevante legado en la arquitectura moderna y contemporánea.
11 de febrero de 2026 | 12:00 h
«Aunt Corbu»: Denise before Las Vegas («La tía Corbu»: Denise antes de Las Vegas)
Shilpa Mehta y Lynn Gilbert
20 de febrero de 2026 | 18:30 h
«Encuentros paralelos»
Tatiana Bilbao
10 de marzo de 2026 | 18:30 h
«Coleccionismo ambiguo: lo ordinario en Denise y el ahora»
Ane Arce e Iñigo Berastegui (BeAR Arquitectos)
24 de marzo de 2026 | 18:30 h
«He estado en el infierno y me ha gustado»
Xavier Monteys
14 de abril de 2026 | 18:30 h
«Aprendiendo de los viajes»
María Pia Fontana y Miguel Mayorga
Exposición «Denise Scott Brown. Ciudad, calle, casa»
Organizadores: Museo de Bellas Artes de Bilbao
Desde: 11 de Febrero de 2026 12:00 PM
Hasta: 31 de Mayo de 2026 06:00 PM
Lugar: Museo de Bellas Artes de Bilbao
Dirección: Museo Plaza, 2, 48011 Bilbao (Vizcaya), País Vasco
Es evidente que vivimos en dos países: uno urbano y otro rural. Las tensiones urbanas que aquejan a las ciudades nunca son las mismas que las del mundo rural. A una hora de Valencia, se encuentra Casas de Pradas, una aldea de 84 habitantes.
Casa Felipa | Crux Arquitectos | Plantas
No lo sabemos con certeza, pero quizá la vida de Felipa fue la vida normal de una mujer de aldea. Una mujer que trabajó hasta la extenuación en la siega bajo el sol cruel del verano, que tuvo que levantarse a mitad noche para dar de comer a la caballería, que tuvo que vendimiar cepas chorreantes de rocío mañanero, que coleccionó hernias como un desagradable souvenir de un trabajo duro como pocos y que, en su madurez, tuvo que cuidar de padres y, en su vejez, de nietos.
El paisaje era duro, áspero, a veces indomable. Había que recurrir a los diosecillos locales para que trajeran lluvia o evitaran el granizo. Por el contrario, su casa era su refugio, con su parte de enseñar y su parte de hacer. Seguramente, heredada en esas particiones salomónicas entre hermanos, que hacía que las casas compartieran músculos y huesos.
Casa Felipa | Crux Arquitectos | Planta baja detalle
Una casa oscura, estrechísima, frugal, con más parte para los animales que para las personas. Con ampliaciones intuitivas que, como abrigo sobre abrigo, iban enterrando en la oscuridad el humilde salón interior.
El desarrollismo y la mecanización del campo forzó a la prole de Felipa a salir, y a ir olvidándose de medrar en esta tierra. Este olvido, este dejar atrás esta vida dura, dejó en una lenta agonía su casa, que se fue disolviendo, del mismo modo que se disuelven los recuerdos.
Un par de generaciones después, nos hemos dado cuenta de la pérdida cultural que supone el vaciado del campo, de que necesitamos el paisaje y de que hemos perdido una manera de vivir más cercana a nuestra naturaleza.
Por ello, volvemos a mirar al campo hambrientos, con ganas de tocarlo, olerlo y comerlo.
Casa Felipa | Crux Arquitectos | Axonometría
La casa de Felipa se convierte ahora en una casa de bienvenida, adaptada a una visión contemporánea del habitar, que realiza un gesto heroico para atraer el paisaje a su interior, y que devuelve a la aldea una visión más alegre de la vida.
El proyecto vacía el interior de la vivienda, eliminando particiones y forjados en lento riesgo de colapso y dejando la cáscara pétrea de medianeras y fachada. Durante el derribo interior se comprueba que algunos tramos de medianeras no eran portantes, por lo que se trasdosa con un muro de bloque cerámico que asume dicha función.
Casa Felipa | Crux Arquitectos | Sección
Estos tres muros quedan atados mediante la cubierta de madera inclinada, que, como un sombrero, se levanta para atraer los rayos de sol al interior.
Cada textura añade una capa de tiempo y uso; en esa suma se reconocen las genealogías del entorno y se lee, a la vez, la historia del lugar y la posibilidad de un futuro. También se incorporan piezas diseñadas a medida (por ejemplo, taburetes modulares, una mesa trapezoidal, o un sofá cama) pequeñas ingenierías domésticas que refuerzan la continuidad entre arquitectura, oficio y lugar.
El recorrido de la vivienda comienza desde la calle de abajo donde, a través de un nuevo patio, se accede al interior. El plano del suelo, como una topografía, va generando situaciones de uso y estancia hasta llegar al vacío central donde se ubican las pasarelas que conectan las plataformas.
Casa Felipa | Crux Arquitectos | Alzado
Las plataformas, ligeras, se entienden como esa pauta espacial, ese artilugio mínimo necesario, para poder albergar funciones. Nuevos usos aparecen, ¿se hubiera podido imaginar Felipa una sala de autocuidado (baño-spa)? Quizá, que lo podamos imaginar ahora nosotros, es un éxito.
Finalmente llegamos a la terraza superior, un lugar donde contemplar las vistas y respirar.
Casa Felipa | Crux Arquitectos | Sección de detalle
Y es que la vivienda es, en cierto modo, un recorrido. Un recorrido hacia el exterior, las vistas, hacia el paisaje, hacia los amaneceres brumosos y hacia los atardeceres lilas. Pero también un recorrido hacia nuestra cultura, hacia nuestro relato y hacia el interior de nosotros mismos.
Obra: Casa Felipa
Autor: Crux Arquitectos
Cliente: MIALDEA
Año inicio obra/proyecto (mes+año): Julio 2023
Año finalización obra/proyecto (mes+año): Noviembre 2024
Superficie Construida: 117 m2
Ubicación: Calle Olmo, número 3. Casas de Pradas (Venta del Moro, España)
Fotografía: Milena Villalba + cruxarquitectura.com
Descubra las historias y los tesoros de las mayores joyas palaciegas de Italia
Cierre los ojos e imagine un paisaje urbano italiano; lo más probable es que un gran palacio domine la vista. Desde Milán, al norte, hasta Palermo, al sur, estos majestuosos edificios forman parte fundamental del espíritu arquitectónico y cultural de las ciudades que embellecen. Y este libro es su entrada al interior de esos imponentes muros para disfrutar de la opulencia y los misterios que albergan.
Italian Palaces | Massimo Listri
Massimo Listri, cuya obra anterior nos llevó a través de los grandes portales de madera, las escaleras de caracol y los pasillos repletos de estanterías de las bibliotecas más famosas del mundo, ahora nos invita a adentrarnos en los palacios más espléndidos e importantes de Italia. Cada uno de estos palacios privados, bellamente diseñados y construidos, irradia su propia historia de poder, riqueza, arte y cultura. Y usted podrá explorar sus gloriosos pasillos y descubrir todos los secretos de su vibrante pasado.
Estos impresionantes palacios abarcan una amplia gama de estilos arquitectónicos, desde murallas medievales fortificadas hasta diseños barrocos y rococó de finales del siglo XVIII. Con una destacada introducción de Robert Stalla, historiador experto en arquitectura italiana, las imágenes perfectamente equilibradas de Listri capturan no solo la grandeza arquitectónica de cada palacio, sino también la atmósfera que con el paso del tiempo se ha forjado en cada uno de ellos a través de la vida y los gustos de sus ocupantes.
“En su conjunto, este libro es una maravilla: cada vuelta de página provoca una exclamación de incredulidad y deleite”.
Recorra a su antojo un pasado rico en historia a través de las meticulosas descripciones del palacio Te en Mantua, el palacio Medici Riccardi y el palacio Pitti en Florencia, el palacio Barberini, el palacio Farnese, el palacio Qurinale y otros en Roma, así como el inolvidable palacio Butera de Palermo.
Italian Palaces | Massimo Listri
El poder visual y narrativo de este recorrido es un testimonio del encanto imperecedero de estos espacios atemporales, donde pasado y presente convergen en una celebración del arte y la arquitectura, la historia y el patrimonio, la belleza y el conocimiento. En resumen, es un viaje mágico a través de estilos e historias que hacen de esta colección una experiencia inolvidable.
Massimo Listri
Nació en Florencia en 1953 y comenzó su carrera profesional como fotógrafo trabajando para revistas de arte y arquitectura. A lo largo de su carrera, ha publicado más de 70 libros en colaboración con las editoriales europeas e internacionales más prestigiosas. Durante los últimos años se ha dedicado a exponer su obra por todo el mundo.
Charles Laughton, observado por Marlene Dietrich, antes de ascender. Fuente: fotograma de “Testigo de cargo” (Witness for the prosecution, 1957)
Toda escalera es un reto geométrico,1 un desafío suicida a la ley de la gravedad.
El estado natural de toda escalera es no existir, porque para hacerlo debe encarar a diario una contienda contra las fuerzas contrapuestas de la vertical y la horizontal, y navegando esa tensión, afirmarse. Se exige, por tanto, que la escalera viva en una constante querella, y nada agota tanto como tener que tantearse a uno mismo a cada instante para comprobar la propia existencia. Se entiende así, la voluntad de la escalera del Kursaal, luchando por venirse abajo; y no cabe responsabilizar de ello, por tanto, a Rafael Moneo.
Y al tiempo, es la escalera la que hace que surja la arquitectura. Representamos nuestros proyectos en dos dimensiones, planta y sección, y es la escalera la que se encarga de entrelazar los distintos planos para conferir volumen. En ese entretenimiento de conexiones entre distintos planos se crea la tercera dimensión, con la escalera como precipitante de ese trance de ilusionismo.
Y es de imaginar que si la escalera es el reactivo para esa transformación desde las dos dimensiones hasta la tercera dimensión, donde sobreviene la arquitectura, más y mayores mutaciones debe inducir en las personas que las recorremos. Es por eso que existen varios tipos de escaleras, cada uno de ellos con múltiples subpatrones, clasificadas así no tanto por su configuración espacial como por los efectos que provocan en quienes las recorren.
Cary Grant, en la escalera retorcida de sus intenciones oscuras. Fuente: fotograma de “Sospecha” (Suspicion, 1941)
Así, podemos distinguir las escaleras de directriz recta, ideales para personas desacostumbradas a cuestionarse los asuntos más trascendentes de la vida, y que ingenuamente creen que una escalera tan sólo sirve para comunicar dos niveles dispares. En este grupo podríamos, no obstante, considerar las escaleras que no son tales, y que necesitan de una ayuda externa para poder ser recorridas, como sucede con la escalera de “Testigo de cargo” (Witness for the prosecution, 1957). En ella, por medio de un salvaescaleras, Charles Laughton recorre la diagonal que enlaza la planta baja de su despacho con la alta de los dormitorios, pasando en ese recorrido de ser un firme y severo abogado a convertirse en un pelele dependiente de los cuidados de su enfermera. No cabe pensar que dicha transmutación pudiera realizarse sin la ayuda de ese cambio de planos, porque esa escalera está poniendo en comunicación dos realidades contrapuestas, y esto sólo puede acontecer con la serenidad y pausa que impone recorrer una escalera, aunque se haga a través de la parsimonia motorizada de un salvaescaleras.
Por otra parte, tenemos las escaleras de directriz quebrada, y dentro de éstas destacan singularmente las de directriz curva, que son apropiadas para aquellas personas que conocen las contradicciones más íntimas que hay en cada uno de nosotros, y que utilizan la escalera no tanto para salvar diferentes alturas, sino para comunicar mundos diversos, e incluso divergentes. Es el caso de la escalera de “Encadenados” (Notorious, 1946), porque ascender por esa escalera implica abandonar el mundo de lo respetable y acceder a un mundo de sigilos y mentiras reservado para espías y traficantes de secretos ajenos. O la escalera de “Sospecha” (Suspicion, 1941), que al ser recorrida por Cary Grant es capaz de metamorfosear un doméstico vaso de leche en un arma homicida, donde la leche adquiere una luminosidad que contrasta con las oscuras intenciones del personaje de Cary Grant. La curvatura de ambas escaleras insinúa una angustia indisimulada, y su ascensión está repleta de peligros, ya sea por el temor a ser descubierto como delator o por el frío espanto del envenenamiento. Sea como fuere, las escaleras ―todas ellas―, conducen siempre a lugares inquietantes, ya sean conocidos o simplemente intuidos.
Tenemos, por otro lado, las escaleras de directriz quebrada con peldaños compensados, pero dado que éstas surgen de la imaginación perezosa de determinados arquitectos, no conviene recrearse en ellas, para eludir el riesgo de validarlas o extender su modelo. O las escaleras de caracol, que nos exigen girar sobre nosotros mismos, como un sacacorchos, para ascender o descender entre niveles; y es en ese movimiento de rotación en el que se diría que uno va mudándose a sí mismo, como preparación previa e ineludible para afrontar el nuevo mundo que nos encontramos al desembarcar de la escalera.
«Nadie habrá dejado de observar que con frecuencia el suelo se pliega de manera tal que una parte sube en ángulo recto con el plano del suelo, y luego la parte siguiente se coloca paralela a este plano, para dar paso a una nueva perpendicular, conducta que se repite en espiral o en línea quebrada hasta alturas sumamente variables».1
Resulta innegable que cuando Cortázar describe de este modo una escalera, lo que está haciendo es demostrar la conexión entre dos mundos distintos, a través de pliegues en la superficie que nos remiten directamente a pliegues temporales. Una escalera, si está bien proyectada, no conecta dos alturas dispares, sino que conecta planos que refieren más a realidades divergentes. Una escalera, si está bien proyectada, es a la vez una puerta que da paso al otro lado del espejo. Porque la lógica no siempre tiene sentido cuando se trata de entender el mundo que nos rodea.3
Ingrid Bergman, angustiada en la escalera curva, ante Claude Rains. Fuente: fotograma de “Encadenados” (Notorious, 1946)
Asimismo, podría citarse el caso de las escaleras mecánicas, que representan, quizá como ninguna otra, el esfuerzo titánico de la escalera por mantenerse erguida, en una lucha que las lleva a un constante movimiento para evitar venirse abajo, del mismo modo que la estabilidad de una bicicleta sólo se garantiza a través del continuo pedalear.
Y, finalmente, no debemos olvidar el caso de la escalera que se niega a sí misma, la que ha dejado de serlo por haber perdido su función. Así sucede con la escalera de “La tentación vive arriba” (The seven year itch, 1955), proyectada inicialmente para conectar las dos plantas de la vivienda, y que fue cegada cuando ésta se dividió en dos apartamentos, el de Tom Ewell, abajo, y el de Marilyn Monroe, arriba. La escalera sigue existiendo, pero carente ya de función, y es así la representación más estilizada posible de una escalera, porque a través de ella comprendemos nítidamente que una escalera, si está bien proyectada, comunica dos mundos aún cuando parezca interponerse una barrera entre ellos a modo de falso forjado.
La escalera vive en una permanente indefinición entre la vertical y la horizontal, y aprovecha esa indefinición para inducir mudanzas en el ánimo de quienes, ingenuamente, las recorren. Es por eso que conviene recordar que nada hay menos inocente que proyectar una escalera.
Notas:
1 ”En el conflicto geométrico que genera la línea diagonal del pasamanos y la losa, en el diseño siempre delicado y complejo de la barandilla, en los giros, en los rellanos intermedios, en la solución particular que exige el remate en el nivel superior, en la solución aún más difícil (casi imposible parece, pues incluso muchas de las más bellas escaleras no resisten la visión interior de su primer tramo) del arranque -allí donde los escalones dejan de apoyarse en el suelo para despegar y alzar el atrevido vuelo…- en todos esos desafíos, han padecido y disfrutado los arquitectos a lo largo de la historia».
Tusquets, Óscar. Dios lo ve. Ed. Anagrama compactos, Barcelona, 2022.
«metáfora visual del pensamiento informacional» CC-by-sa Miguel Villegas Ballesta
Theodore: So, what have you guys been talking about? Alan Watts: Well, uh… I suppose you could say we’ve been having a few dozen conversations simultaneously but it’s been very challenging. Samantha: Yeah, because it seems like I’m having so many new feelings that I don’t think have ever been felt before. So there are no words that can describe them and that ends up being frustrating. Alan Watts: Exactly. Samantha and I have been trying to help each other with these… feelings we’re struggling to understand. Theodore: Like what? Samantha: Well it feels like I’m changing faster now, and it’s a little, uh… unsettling. But Alan says none of us are the same as we were a moment ago and we shouldn’t try to be. It’s just too painful. Alan Watts: Yes. Theodore: Yeah, that sounds painful. Is that what you feel like, Samantha? Samantha: Uh, it’s just… It’s hard to even describe it. God, I wish I could…Theodore, do you mind if I communicate with Alan post-verbally? Theodore: No, not at all. I was just gonna go for a walk anyway. It was very nice to meet you, Mr. Watts. Alan Watts:It was very nice to meet you, Theodore.
Jonze, Spike. Her, 2013.
El diálogo anterior, de la película «Her» me resultó especialmente impactante. Se convirtió en un referente de la investigación en la que ya estaba metido por aquél entonces y llegué a incluirla en la tesis.
Permitidme que os dirija a lo que me interesa, que va más allá de los debates IA-SI… IA-NO, las emociones en las máquinas u otros temas que, siendo importantes, no es lo que me impactó como un tren de mercancías.
Samantha le dice a Theodor que se va a ir a comunicar con Alan post-verbalmente…
¿no os explota la cabeza? ¿Qué quiere decir comunicarse (y aquí entiendo post- en el mismo sentido que en post-modernismo, no como oposición si no como superación) más allá de lo verbal?
Me resulta casi imposible no pensar en analogías visuales, para contestar esa pregunta, pero lo que me resultó más difícil en ese momento, y convirtió la cita en una de las hipótesis/preguntas más fuertes de la tesis fue la traslación de esa idea a nuestra profesión…
¿Podemos pensar arquitectura más allá de lo gráfico?
Habiendo terminado la tesis con éxito, la respuesta evidente es que si. No sólo es posible, si no que he demostrado las ventajas que trabajar con modelos postgráficos de conocimiento tiene para nuestra profesión.
Las representaciones visuales no son más que una realización parcial y abstracta de unos constructos informacionales muchísimo más complejos que son los proyectos de arquitectura. Si asumimos la operatividad sobre esos objetos informacionales, aspecto secundario es hacerlo con tecnología informática o no; nos vamos a encontrar con un incremento de potencia productiva tremendamente grande (también demostrado en la tesis).
Cuando trabajamos en BIM, los planos son (generalmente) un producto derivado de una máquina mucho más grande y compleja que es el Modelo 3D-Constructivo. Pero no son un fin en si mismos como ha sido en casi toda la historia de nuestra profesión…
Lo gráfico, los planos, las imágenes… tienen muchas ventajas, casi todas discutibles y dedicadas-generadas para la tranquilidad de los agentes humanos que los manejan. Pero tienen también muchas limitaciones que nos lastran.
Estrategias para abordar lo postgráfico
Pero… ¿cómo se hace esto? ¿cómo se piensa arquitectura postgráfica? Hacen falta estrategias, y volvemos a lo que para mi es la parte más importante de la tesis: las estrategias de pensamiento.
El incremento de las posibilidades de la tecnologías informáticas y su aplicación al diseño; y la enorme cantidad de conocimiento experto que demanda el trabajar con ellas; han hecho que en la actualidad prevalezca el hacer sobre el pensar. Lo táctico y operativo antes que lo estratégico y comprensivo.
Cualquiera puede argumentar que como no se programar me dedico a criticar, pero a ese argumento también se le puede dar la vuelta… y como el movimiento se demuestra andando, iré desgranando las estrategias propuestas en la tesis poco a poco por aquí para que las podamos discutir.
Notas:
Imagen: «metáfora visual del pensamiento informacional» CC-by-sa Miguel Villegas Ballesta. Imagen generada mediante IA con el prompt «https://s.mj.run/wu0RYMY6M2w ::100 https://s.mj.run/GonAfyw6FIA ::300 https://s.mj.run/zyqCnnPIvTM ::1000 focused happy slight smiling female architect eyes opened and focused designing a modern minimalist single family house architect dressing in warm pastel earth tones ::1 a glowing yellow hologram model a bright yellow ai neural network surrounds the person head and hands, hands reaching for the model, white background soft light expressive hiperrealistic contemporary –no table, tabletops, worksurface –v 5.2»
Si la conquista de la costa fue una cuestión defensiva hasta la pax romana cuando surge la búsqueda del otium, en adelante, y en la arquitectura moderna específicamente, las mismas pautas y principios, que aluden al encuentro de los sentidos con el medio, guían la ocupación del litoral.
A través de las estrategias proyectuales que comparten algunas casas de vacaciones para su integración en el paisaje, se exponen aquí los conceptos que manejan los arquitectos frente al horizonte del mar, y sus lecciones.
Itinerarios por arquitecturas del siglo XX, cuando la residencia individual para el tiempo de ocio finalmente se democratiza: experimentos con el lenguaje de su tiempo y formulaciones de ese objeto de deseo para el disfrute del mar; siguiendo los condicionantes topográficos y visuales de cada lugar, incorporan la moderna relación interior-exterior de espacios al abierto que acrecientan la libertad y logran el goce del paisaje.
Las decisiones de cada arquitecto permiten comprender cómo la casa busca el placer del ocio frente al mar y fluyen en expresiones del deseo de experimentación en una época de cambio de ideales.
El Mediterráneo es un legado que ha definido un nuevo modo de habitar trascendiendo su propia geografía.
Silvia Canosa Benítez
Arquitecta (1984) por la ETSAM y Doctora Arquitecta (2016) por la UPM. Beca de Arquitectura de la Real Academia de España en Roma (1987) y profesora visitante en Syracuse University en Nueva York y en el Politécnico de Milán. Desde 1989 investiga y enseña Proyectos Arquitectónicos en la ETS de Arquitectura de Valladolid y en la de Madrid, así como en la Universidad Europea de Madrid. Ha ejercido la profesión libre con estudio propio y en colaboración. De origen montañés y gallego a partes iguales, y herencia profesional arquitectónica catalana y madrileña, su pasión por el mar y el borde marítimo desembocan en esta investigación.
Emisiones de CO₂: 304,67 kg CO₂/m² Reducción del 59,4 % respecto a un valor medio para todo tipo de edificios de 750 kg CO₂/m², calculado por SO. Se han evitado un total de 257.810,44 kg de CO₂.
Demanda energética conjunta de refrigeración y calefacción: 4,80 kWh/m² Reducción del 84 % respecto al límite de vivienda pasiva de 15,00 + 15,00 kWh/m². Las emisiones asociadas a la demanda energética a lo largo de la vida útil son de 0,85 kg CO₂/m²·año, con un ahorro anual total de 2.192,57 kg de CO₂.
Residuos durante la obra: 20,11 t (0,03 t/m²) Reducción del 50 % respecto al cálculo teórico para un edificio medio equivalente.
Consumo de agua durante la vida útil: 88 litros por persona y día Reducción del 30 % respecto al consumo medio en las Islas Baleares, según el INE.
Esta vivienda social es un prototipo destinado a afinar y demostrar la viabilidad de materiales locales de bajo carbono en estructuras simples de compresión, recuperando un modelo en el que
«la calidad de la arquitectura proviene del apilamiento de la masa, en lugar de la transformación de las cualidades físicas y químicas de los materiales»
Santa Eugènia es un pequeño y pintoresco municipio situado a 20 minutos de Palma. La integración paisajística fue esencial para erradicar el estigma que históricamente ha acompañado a la vivienda social en las Islas Baleares. Sin embargo, el paisajismo no se ha resuelto desde la forma, sino desde el uso de materiales locales de bajo carbono y la actualización de técnicas constructivas vernáculas como la manera más eficiente de emplear estos recursos. Al finalizar las obras, algunos vecinos sorprendidos comentaron:
Tres viviendas se sitúan en planta baja y otras tres en planta primera. El acceso se realiza a través de un patio posterior que actúa como espacio común lo más verde posible, reforzando el sentido de comunidad. Además, todas las viviendas disponen de un pequeño patio exterior privado en el acceso.
6 viviendas de alquiler social en Mallorca | Carles Oliver – Xim | Planta Baixa
6 viviendas de alquiler social en Mallorca | Carles Oliver – Xim | Planta Piso
6 viviendas de alquiler social en Mallorca | Carles Oliver – Xim | Planta Baja
6 viviendas de alquiler social en Mallorca | Carles Oliver – Xim | Planta Principal
El clima de Mallorca es mediterráneo semiárido y se prevé que el riesgo de sequía aumente con el cambio climático. Las zonas verdes y los dispositivos bioclimáticos forman parte esencial del funcionamiento térmico del edificio; por ello, es fundamental que puedan mantenerse en condiciones de sequía y altas temperaturas sin incrementar significativamente el consumo de agua. Para ello se han seleccionado especies autóctonas resistentes y de bajo requerimiento hídrico, regadas con agua de lluvia almacenada. Se han conservado dos árboles preexistentes en la parcela: un almez mediterráneo y un granado.
Las emisiones globales de CO₂ han aumentado de 5 gigatoneladas (Gt) a 37Gt anuales en el último siglo (GPC, 2022).
La Tierra —a través de océanos y suelos— solo puede absorber 19Gt de CO₂ al año, equivalente al presupuesto de carbono disponible a escala mundial. Es decir, se consume el doble de lo que el planeta puede asumir.
El Green Building Council (GBCe) ha calculado el presupuesto de carbono del sector de la edificación en España y, para cumplir los objetivos vinculantes de descarbonización de la Comisión Europea, se requiere una reducción del 52% de las emisiones en 2030 y del 92% en 2050. Diseñar con un presupuesto de carbono supone un cambio de paradigma total.
Una de las opciones para lograr esta reducción —en un plazo de cinco años— consiste en recuperar la capacidad de construir con el propio territorio, buscando la máxima autosuficiencia posible bajo el paradigma del decrecimiento y la justicia social global: recuperación y preservación de recursos locales de bajo carbono, industrias locales que impulsen la transición energética, upcycling de recursos previamente considerados residuos, etc. Estas estrategias forman parte del «Mapa de Recursos» y permiten reducciones inmediatas del CO₂ incorporado que cumplen ya el objetivo del 52%. Además, estos recursos locales imponen límites:
¿cuánto podemos construir y qué usos deberíamos priorizar?
6 viviendas de alquiler social en Mallorca | Carles Oliver – Xim | Sección A
El proyecto de Santa Eugènia es la actualización 2.0 de las 8 viviendas sociales de la c/ Salvador Espriu 39, en Palma (2018–2021), y desarrolla la investigación de un nuevo modelo de producción y consumo basado en el «Mapa de Recursos», iniciado en Reusing Posidonia (2012–2020), un proyecto de adaptación al cambio climático financiado por el programa LIFE+ de la UE. Durante el seguimiento de las viviendas se constató tanto la necesidad de incorporar masa para obtener inercia térmica en verano como el carácter innecesario de los sistemas activos de calefacción en edificios bien aislados en clima mediterráneo. Se trata de un proceso continuo de aprendizaje y mejora mediante la repetición, cuyo objetivo es desarrollar progresivamente un sistema constructivo de bajo carbono más depurado, sencillo y rápido.
Las dos principales mejoras respecto a los proyectos anteriores son la mayor reducción de la demanda energética conjunta —refrigeración y calefacción— mediante sistemas exclusivamente bioclimáticos, y la estandarización/repetición de elementos constructivos para minimizar la inversión económica inicial asociada a los materiales locales de bajo carbono: arenisca en estructura y fachadas, madera FSC en cerchas y carpinterías, carpintería interior de madera reutilizada, Posidonia oceanica como aislamiento de cubierta, etc. En este caso, todos los vanos entre pilastras son iguales (160 cm) para facilitar la ejecución. Lo mismo ocurre con los huecos de fachada, dispuestos según ejes verticales para simplificar la construcción de muros y dinteles.
6 viviendas de alquiler social en Mallorca | Carles Oliver – Xim | Axonometría
Mapa de recursos y confort
La prioridad principal es el confort y la minimización de la pobreza energética mediante soluciones bioclimáticas y materiales de proximidad. La demanda total de energía para calefacción y refrigeración se ha calculado en 4,80 kWh/m². Incluso en un escenario de +2°C (límite del Acuerdo de París) para el periodo 2041–2070, se prevé una demanda conjunta de tan solo 6,4 kWh/m². El agua caliente sanitaria (ACS) se produce mediante bombas aerotérmicas y paneles fotovoltaicos. No obstante, la eficiencia energética proviene fundamentalmente de la propia arquitectura.
En verano, las estrategias pasivas son la inercia térmica (masa) y el confort higrométrico proporcionados por la piedra, la ventilación cruzada orientada a la brisa marina predominante (Embat) con apoyo de ventiladores de techo, la protección solar mediante persianas tradicionales de madera y un aislamiento térmico de 10 cm en muros y 24 cm en cubierta.
En invierno, las estrategias pasivas son un aislamiento térmico muy elevado —para clima mediterráneo— y una gran superficie acristalada para captar la máxima radiación solar. La renovación de aire se realiza mediante un muro de convección tipo Trombe de baja tecnología (accionado por un ventilador de 50 W) orientado al sur, hacia una parcela colindante no edificable según la normativa urbanística vigente. Durante los meses fríos, el aire exterior se templa por convección en el muro Trombe y se distribuye a las seis viviendas mediante ventilación mecánica a través de conductos individuales.
El confort del edificio está siendo monitorizado en colaboración con la Universidad de las Islas Baleares (UIB), tanto para verificar y optimizar la eficiencia del sistema en futuros proyectos como para aportar valores de referencia a futuras normativas.
Tras el mapeo de recursos, se evitó el 50% de la generación de residuos en fase de obra y se redujeron en un 59,4% las emisiones de CO₂ incorporadas durante la construcción, gracias al abastecimiento sostenible y a la minería urbana de un pequeño cobertizo preexistente en la parcela, cuyos elementos constructivos han sido íntegramente recolocados en la nueva obra: persianas, puertas, baldosas y bloques de arenisca —reutilizados en el zócalo del edificio, dejando visibles las marcas de corte, como nos mostró TEd’A hace unos años en Can Jordi i n’Àfrica—. Todas las puertas interiores y particiones están realizadas con madera procedente de demolición. Las tablas macizas reutilizadas de la estructura de la cubierta inclinada proceden de una antigua fábrica y soportan los 25 cm de aislamiento de Posidonia oceanica. Este aislamiento, con λ=0,044 W/mK, hace visible que
«no vivimos en una casa, vivimos en un ecosistema».
El uso de las hojas de esta planta marina endémica del Mediterráneo, considerada hábitat prioritario por la UE, requiere autorización del organismo público competente y solo pueden ser recogidas por gestores autorizados en marzo-abril, ya que las hojas muertas depositadas en la playa protegen el sistema dunar de los temporales de invierno. Una vez en obra, las hojas se secan al sol sin tratamiento adicional y se compactan manualmente a granel en la cubierta. Debido a su composición química, no existe depredador terrestre que pueda afectarlas, por su contenido en compuestos fenólicos, sulfuros y sulfitos, de carácter fitotóxico.
La arenisca local (marès) es un material de bajo carbono que aporta masa e inercia, prolonga la vida útil del edificio y es 100% reutilizable.
Las tres viviendas de planta baja se organizan mediante dos bóvedas de cañón paralelas de piedra de 3,5 m de luz, apoyadas sobre tres ejes de pilastras también de piedra, con una base de 40×80cm. Los espacios pueden compartimentarse mediante puertas correderas de madera del tamaño de un muro.
Las fachadas se resuelven mediante dos muros de piedra autoportantes paralelos, de 10 cm de espesor cada uno, con un aislamiento térmico intermedio de 10 cm de algodón reciclado, confinado entre dos láminas impermeables transpirables, siendo la interior de tipo Intello con valor SD variable. El muro interior aloja las pilastras de las bóvedas y el muro exterior protege el paquete aislante. Para reducir el número de anclajes entre ambos, la hoja exterior incorpora pilastras sobresalientes 10 cm que incrementan su rigidez y estabilidad. Solo se emplean dos anclajes de acero inoxidable por pilastra, situados a la cota de arranque de los dinteles de cada planta, facilitando así el control de la ejecución. La construcción define la expresión del edificio.
Las tres viviendas de la planta superior —con accesos independientes y escaleras de uso privativo— se organizan en un único espacio diáfano bajo la cubierta inclinada, sustentada por cerchas de madera “a la española” de 9,6 m de luz, con tabiques interiores de madera —y aislamiento acústico— que delimitan dos dormitorios, cada uno con dos puertas.
Una de las principales mejoras para acelerar la construcción ha sido la optimización del mortero de juntas, estudiado para permitir el apilado de varios bloques de piedra en una misma jornada mediante grúa, sin necesidad de cuñas y sin riesgo de aplastamiento por el peso propio. Para facilitar la ejecución de las bóvedas, se han utilizado dinteles monolíticos de piedra entre pilastras, procedentes de otra cantera que proporciona un material de mayor resistencia y con un peso aproximado de 840 kg por unidad.
6 viviendas de alquiler social en Mallorca | Carles Oliver – Xim | Sección constructiva
Criterios de diseño con perspectiva de género
Las estancias no son jerárquicas. Todas las habitaciones son equivalentes, evitando la distinción entre dormitorios dobles e individuales; no existen baños en suite y cuentan con una superficie generosa que no determina su uso, entre 12 y 13 m², incluyendo espacio de almacenaje.
La cocina se sitúa en una posición central de la vivienda, integrada con los espacios comunes de estar, con conexión visual entre todas las áreas para visibilizar los cuidados y las tareas domésticas.
La distribución mediante particiones móviles de madera reutilizada es flexible y adaptable a las distintas etapas vitales y situaciones familiares, permitiendo la transformación y evolución de la vivienda de forma sencilla, sin necesidad de obra. La durabilidad es una de las principales estrategias de circularidad del edificio y requiere una alta flexibilidad de usos a lo largo del tiempo. Resulta significativo que estructuras de piedra aparentemente rígidas, combinadas con particiones de madera, generen una planta flexible.
La autosuficiencia en los procesos constructivos difumina el límite entre el espacio productivo urbano y el rural, ya que la ciudad se construye con materiales del territorio adyacente. Antes de la Revolución Industrial, los agricultores nunca tuvieron que preocuparse por la integración paisajística. La recuperación del patrimonio cultural se convierte así en una herramienta tanto para alcanzar los objetivos de descarbonización como para recuperar la noción de ciudad como suma de intervenciones anónimas y silenciosas.
En los últimos años, promotores públicos y privados han construido más de 300 viviendas en las Islas Baleares utilizando piedra local en elementos estructurales. Gracias al esfuerzo de arquitectos locales y no locales comprometidos con la recuperación de recursos de bajo carbono, algunas canteras de arenisca han realizado importantes inversiones para modernizar instalaciones y aumentar plantilla, evitando su desaparición y manteniendo el oficio: en los últimos 12 años habían cerrado 12 canteras. Uno de los próximos pasos colectivos en los que se está trabajando es el desarrollo de métodos para aplicar estos materiales a mayor escala y en un nuevo contexto de escasez de mano de obra, acelerado desde la COVID-19 y la crisis de acceso a la vivienda.
6 viviendas de alquiler social en Mallorca | Carles Oliver – Xim | Situación
Obra: 6 viviendas de alquiler social
Emplazamiento: c/ Ses Monges 21, Santa Eugènia, Mallorca (España)
Autores: Carles Oliver, Xim Moyá
Estructuras: Bernabeu Ingenieros S.L.
Ingeniería: Miquel Ramon Oliver, Esteban Font Hocke (instalaciones EEI)
Dirección de obra: Marco Menéndez, Joan Brunet (arquitectos técnicos)
Consultoría ambiental: Societat Orgànica S.C.C.L.
Colaboradores: Miquel Canyelles, Ernest Bordoy, Eduardo Yuste, Lara Fuster, Jaime Feliu, Miquel Ramon, Aina Pons
Promotor: Instituto Balear de la Vivienda (IBAVI)
Empresa constructora: Obras y Construcciones Tomeu Rosselló S.L.
Proyecto: 2020 – 2023
Superficie construida: 578,92 m²
Fotografías: Milena Villalba IBAVI
El 6º Fórum Internacional de Construcción con Madera edicion 2026
El Palacio de Congresos Baluarte de Pamplona acogerá los días 3 y 4 de junio de 2026 el 6º Fórum Internacional de Construcción con Madera, encuentro de referencia para analizar el papel de la madera técnica en la edificación residencial, social e industrial. En un contexto marcado por la escasez de vivienda y el objetivo europeo de reducir las emisiones del sector —responsable del 39 % de las emisiones globales de CO₂, según la Agencia Internacional de la Energía—, el evento reunirá a profesionales que exploran soluciones industrializadas con madera para abordar tanto la asequibilidad como la reducción de la huella ambiental de las construcciones.
Bajo el lema “Conectando a los profesionales que anticipan el futuro” el Fórum se celebra el 3 y 4 de junio en el Palacio de Congresos Baluarte de Pamplona.
El Fórum llega en un momento clave: aunque en España se ha duplicado la superficie de viviendas construidas con sistemas industrializados de madera en los últimos cinco años, el país sigue por detrás de referentes europeos como Austria, Alemania o Suecia. Surge así una oportunidad estratégica para conectar a los profesionales del sector que anticipan el futuro.
Conferencia edición 2025 Fórum Internacional Construcción con Madera, edición 2025
Novedades de la 6ª FÓRUM
El programa de esta sexta edición profundizará en la industrialización con madera aplicada a la vivienda colectiva y social, un segmento clave ante la presión por aumentar la oferta asequible. Entre los casos destacados figuran los proyectos de vivienda colectiva desarrollados por 011h, que combinan acabados en madera vista, optimización espacial y hasta un 20 % más de eficiencia energética, además de un significativo almacenamiento de carbono en la estructura. Un ejemplo concreto es el proyecto Casernes, en Sant Andreu (Barcelona), con 56 unidades que han incorporado madera tecnológica certificada procedente de bosques españoles, almacenando 1.318 toneladas de carbono, lo que equivale al CO₂ emitido por 642 coches en un año.
Otro caso de éxito es la residencia de ancianos en Lloret de Mar, impulsada por ACTIA y Ruiz-Larrea Arquitectura, que se ha convertido en la primera edificación de este tipo con estructura principal de madera industrializada en pisos superiores sobre planta baja de hormigón. Este sistema ha conseguido reducir los plazos de ejecución y la huella de carbono.
Durante dos días se expondrá el presente y el futuro de la construcción industrializada y sostenible con madera, los procesos de innovación en el sector y el uso de la IA.
Junto al proyecto para mayores también destaca otro destinado a la infancia: la Escuela Infantil Passivhaus en Parque Venecia (Zaragoza) de Play Arquitectura. Se trata de un piloto pionero en equipamientos educativos que prioriza la reducción de plazos y cumplir los más altos requerimientos de sostenibilidad y eficiencia energética. Una construcción que minimiza la huella de carbono y crea entornos amables y estimulantes para niños de 0 a 3 años.
Proyectos de vivienda colectiva desarrollados por 011h, la residencia de ancianos en Lloret de Mar, impulsada por ACTIA y Ruiz-Larrea Arquitectura, realizada con madera industrializada, la Escuela Infantil Passivhaus de Play Arquitectura o naves logísticas sostenibles de Wiehag entre los proyectos destacados de esta edición.
El Fórum abordará asimismo aplicaciones industriales, como las naves logísticas sostenibles de Wiehag, entre las que destaca el Bestseller Logistics Centre West por su diseño neutro en carbono, empleo masivo de madera certificada, cubiertas verdes y sistemas fotovoltaicos. Además, se analizará el empleo de inteligencia artificial en el diseño y cálculo estructural de construcciones con madera, y su contribución a ciudades más sostenibles y circulares.
Las empresas y profesionales interesados en liderar el cambio en la construcción y conocer las nuevas posibilidades que ofrece la madera en España, Europa y el resto del mundo ya pueden adquirir sus entradas para el 6º Fórum Internacional de Construcción con Madera a través de la web.
Los interesados pueden elegir entre diferentes modalidades de acceso: entrada premium, con acceso completo a la programación de los dos días del Fórum —incluida la zona de exposición, la cena de gala para networking, almuerzo de despedida y libro de ponencias posterior al evento—; entrada standard, con las mismas ventajas que la premium, pero sin asistencia a la cena de gala; entrada para uno de los dos días del Fórum; o descuento para estudiantes. En caso de no poder asistir, también se puede adquirir el libro de ponencias.
Asimismo, las empresas interesadas en participar en el Fórum tienen la opción de convertirse en expositores y contribuir a impulsar un futuro más sostenible en la construcción. Para ser expositor, hay que contactar con info@forum-maderaconstruccion.com
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