Artículos de investigación

Los titubeantes inicios de la arquitectura moderna en España se asocian habitualmente con la labor de algunas figuras muy conocidas: Carlos Arniches y Martín Domínguez, Luis Lacasa o Fernando García Mercadal ayudaron con sus obras a introducir las vanguardias en el país. Es menos conocida su labor de difusión en prensa no especializada. Entendieron que formar a la sociedad española para que se inclinara a aceptar las nuevas ideas en materia arquitectónica era una condición indispensable para lograr que estas propuestas calaran. La herramienta que utilizaron para alcanzar este objetivo fue la prensa escrita no especializada. A través de algunos de los artículos que pusieron a disposición del público generalista en periódicos como El Sol o La Gaceta Literaria, es posible trazar una perspectiva fiel de cómo la sociedad española recibió los primeros planteamientos arquitectónicos auténticamente modernos.

Es innegable que incluso hoy en día, casi noventa años después de la exposición organizada por el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1932 bajo el nombre “The International Style: architecture since 1922” , los arquitectos de todo el mundo tienden a identificar el Estilo Internacional con un tipo de arquitectura que aún es particularmente moderna y parte de nuestra contemporaneidad. La confusión se produce tanto en términos de materialización como desde un punto de vista historiográfico, y este artículo tiene como objetivo encontrar las razones por las cuales una etiqueta, para muchos no muy afortunada, ha sobrevivido durante casi un siglo, pasando por todo tipo de análisis y personas que han revisado el evento y la arquitectura vinculada a esta dinámica. Una mirada más cercana a la historia de la arquitectura desde entonces podría ayudar a aclarar cómo los historiadores, empezando por el propio Henry-Russell Hitchcock, uno de los comisarios de la exposición junto con Philip Johnson, han sido muy críticos con el término y sus negativas consecuencias aun cuando este ha sobrevivido parcialmente gracias a su capacidad para fusionarse y confundirse con la etiqueta más general de la arquitectura moderna.

Este artículo investiga el uso que Jørn Utzon hace de los espacios intersticiales en Can Lis, y cómo por medio de ellos permite que la vivienda esté conectada de forma más intensa no solo con el mar que proporciona el horizonte a la casa, sino también con la tierra, con los árboles y con el viento, creando en realidad, un altar doméstico. Estos espacios intermedios intensifican la experiencia sensorial del ser humano en su modo de vivir la casa haciendo que todos los sentidos intervengan en la experiencia arquitectónica. El artículo también analiza cómo en la vivienda mallorquina, el maestro danés hace uso de sus experiencias con la "arquitectura aditiva" y las plasma de forma magistral creando espacios que nunca muestran el mar de forma simple, sino que configuran filtros que proporcionan al hombre diferentes umbrales de preparación a la línea del agua. Estos espacios de transición, al mismo tiempo, lo conectan con la naturaleza cercana construyendo un recorrido complejo a través de espacios vacíos, patios y lugares porticados.

La fábrica de harina y pasta Leões, que fue una de las empresas más importantes del Alentejo, es un ejemplo típico de las fábricas de molienda europeas que surgieron en la Europa del siglo XIX. Fue una de las 31 fábricas modernas construidas en los distritos de Beja, Évora y Portalegre entre finales del siglo XIX y la década de 1930. Fue construida en 1916 en Évora. En 1993, la falta de competitividad de la fábrica llevó a su cierre y, después de algunos años de abandono, en 1998, la Universidad de Évora, siguiendo el ejemplo de otras universidades, adquirió el edificio para que pudiera albergar la Escuela de Arte y Arquitectura. La búsqueda de los orígenes de la fábrica ha sido uno de los principales objetivos de los investigadores que trabajaban en este campo. Sin embargo, todavía no estaba disponible el material que ayudase a examinar este caso de estudio por completo. En este artículo pretendemos analizar en primer lugar, los orígenes de la fábrica de Leões y sus características técnicas y arquitectónicas, y en segundo lugar, la renovación del edificio como la Escuela de Arte y Arquitectura de la Universidad de Évora.

Convencidos de la pertinencia de la aplicación de lo paramétrico en Arquitectura, su presencia nos interesa aquí por una cuestión distinta de lo flamante digital: Pensando en los inicios, la consideración hipotética de existencia de otra igualmente rica teoría e historia paramétricas pre y protodigitales mucho menos exploradas y que nos conciernen asimismo definitivamente. Esto es, reclamar acerca de la memoria paramétrica, sobre su tradición y sensibilidad incluso aun intuida, más allá de dimensiones exclusivamente computacionales, para no confundir su progreso solamente con un mero avance digital. Pues, tras hacer una observación general de la producción más reciente, paralelamente a obras sobresalientes, se percibe a veces conflicto en trabajos apenas de aspecto, en consideración abreviada del enorme potencial paramétrico. De fetiche de pura creación asombrosa en una cultura de la retórica de lo recién estrenado, como consecuencia de circunstancias, tal vez, emanadas de actitudes que postergan la historia. No obstante, no se pretende de ningún modo el listado exhaustivo ni tampoco lineal de entradas sino, más bien, la reflexión que reivindica su importancia.

Ramón Pajares Pardo, arquitecto cántabro afincado en Jaén, proyectó en 1956, vinculado a su aún inacabada iglesia de Cristo Rey, un pequeño quiosco de prensa situado en el Parque de la Victoria de Jaén, en una privilegiada situación urbana en relación con el entorno arquitectónico en desarrollo. De líneas sencillas y modernas, empleaba un mínimo de elementos para acotar y jerarquizar el espacio: sobre un muro de piedra y otro de ladrillo dispuestos ortogonalmente se apoyaba una delgada visera en continuidad formal con el segundo, de menor altura. La ubicación de un pilar de apoyo delimitaba el espacio cerrado así como el ámbito público, abierto y protegido bajo la visera. La recreación de estos elementos (muro de piedra, muro de ladrillo, visera, ámbito cerrado) mediante el mecanismo del recortable de papel sirvió de campo de experimentación sobre el que sentar las bases, a modo de episodio piloto, para una serie de recortables dedicados a la arquitectura: el recortable del quiosco de prensa reproduce este triedro espacial explorando las posibilidades de transformación del plano papel (dos dimensiones) en volumen (tres dimensiones).

En este texto se emplean dos alusiones al origen. Por un lado, que ante cualquier variación de las formas sociales y políticas, el contenido universal del derecho de la mujer a la plena visibilidad resulta invariable y éste se convierte en un ideal transmisible para cada nueva generación. La introducción refleja el interés de la mujer por asentar su dedicación profesional en el trabajo pretérito de sus colegas femeninas. El derecho a la visibilidad configura un ideal cuya universalidad no está condicionada por la historia y es por tanto re-comprensible y transmisible con un sentido intersubjetivo idéntico para siempre y desde el origen. Por otro lado, al ajustarnos a un acontecimiento concreto, el origen de la Bauhaus, toma relevancia el hecho de que la reivindicación por la visibilidad de la mujer, aun siendo universal, está sujeta a periodos de aceleración. Así, el presente resulta ser en intensidad una filial de 1919, aunque ambos momentos estén separados por cien años. Cobran por tanto un sentido especial los testimonios aquí reflejados de dos alumnas del primer periodo de la Bauhaus, porque ellas representan una participación sin la cual la historia de la Bauhaus no sería concebible.

El Museo de Zamora fue la primera obra de Emilio Tuñón y Luis Moreno García-Mansilla tras abandonar el estudio de Rafael Moneo. Pese a tratarse de una obra primeriza muestra una madurez propia de arquitectos con una sólida formación, y supuso el comienzo de una carrera en la que cada obra se ha apoyado en la anterior, formando una familia de proyectos con unas características comunes. En este artículo se quiere analizar el proyecto, y cómo se puede leer la obra posterior de sus autores a través de las operaciones que definen la configuración proyectual, espacial y constructiva del museo de Zamora. Se trata de estudiar la continuidad en el discurso de sus autores y trazar un recorrido sobre su obra desde las decisiones de proyecto del museo zamorano y la interpretación de estas en el resto de proyectos.

Las vanguardias artísticas constructivistas del primer cuarto del siglo veinte quisieron romper con el arte tradicional y quitarle las emociones personales y el subjetivismo. Buscaron un arte objetivo y científico a partir de un vocabulario hecho con los elementos resultantes de la destrucción inicial. Quisieron crear un elementalismo de las formas basado en un código universal y eterno, estructuralista, que validara sus obras y que estuviera por encima de las diferencias entre los distintos grupos y las diferentes tendencias y países. Con ese elementalismo estructuralista pretendieron nada menos que construir un nuevo universo y un nuevo ser humano salvado de la tragedia.

En los albores de la segunda década del siglo XX, Kasimir Malevich emprendió un nuevo rumbo artístico en su pintura que concluyó en la abstracción absoluta. Obstinado por descubrir un arte alejado de los cánones existentes y de cualquier referencia histórica, su obra exploró la planitud de la figura y la relación dinámica de las partes, elementos que constituyeron la estructura básica del Suprematismo. El paso posterior en su práctica artística fue el suprematismo tridimensional, en principio desarrollado a través de pinturas con su serie denominada “Planites” y posteriormente con la construcción de modelos tridimensionales de yeso que denominó “Arquitectones”. Malevich entendía que a raíz del avance tecnológico y de las nuevas demandas sociales, el arte moderno ya no podía ser pictórico ni imitativo, debía ser arquitectural. Los Arquitectones constituyen una reflexión arquitectónica que prioriza el estudio de las formas por encima de cualquier condicionante funcional, porque Malevich entendía que el valor de un trabajo artístico reside únicamente en la sensibilidad expresada.

En este texto abordamos una evaluación crítica sobre las aportaciones de iniciación del arquitecto zaragozano Daniel Olano, acotadas en el cambio de década entre los setenta y los ochenta. Entendemos que estas primeras obras, a pesar de la extensión de su catálogo, son una muestra válida y convincente que sirve para comprender cómo y por qué se produce la consolidación de un nuevo lenguaje sobre la arquitectura aragonesa, en tan singular momento histórico. A pesar de que las grandes obras de este arquitecto (aquellas que, a todas luces, sirvieron para cambiar la fisonomía de la ciudad de Zaragoza) vendrían en momentos posteriores, podemos decir, sin temor al equívoco, que éstas anclan su raíz conceptual en otras de menor escala, pero de intensidad equivalente, cuya muestra presentamos y exponemos a continuación. El conjunto de obras sobre las que trabajamos, pertenecientes a la primera etapa de producción de Daniel Olano, es un buen ejemplo para reconocer el profuso y valioso trabajo de este “arquitecto de provincias”; quien, hasta la fecha, no ha sido adecuadamente considerado por la historiografía que se ocupa de la crítica arquitectónica contemporánea en nuestro país.

La relación entre arquitectura y paisaje que Walter Burley Griffin y Marion Mahony Griffin plantean, sitúa al individuo en un lugar intermedio en el que debe ser considerado como parte activa capaz de equilibrar el respeto por el entorno natural y sus anhelos por formar parte de él. El arquitecto se convierte en una figura clave al interpretar lo esencial del medio natural y conseguir que sus construcciones contengan aquello que lo caracteriza para ser una parte más, integrándose y condensando su verdadera identidad. El empleo de la piedra como material constructivo característico en su obra permite trazar un recorrido en el que se muestra la evolución de su tratamiento a través de la técnica como elemento diferenciador. De las primeras obras en los Estados Unidos hasta el prototipo de vivienda mínima planteado en Australia, se produce un proceso de investigación personal que trata de ensalzar la naturaleza hasta definir una pieza prefabricada capaz de contener en su fabricación los rasgos distintivos que definen la razón de ser del entorno en el que se va a implementar. Como materia natural manipulada por la acción del hombre, generando una relación dual en la que las partes contienen al todo y viceversa.

Escasez y celeridad en la España de los años 50 concentran el proyecto de vivienda social en los sistemas dimensionales y programáticos de la unidad habitacional, muy depurada y eficaz para los nuevos poblados en las periferias, pero obligada a posponer la atención a los espacios públicos y equipamientos de los barrios. En la década siguiente, el proyecto se desplaza desde el núcleo familiar a las necesidades colectivas y a la capacidad del espacio del común para atender a una realidad sociológica más exigente. Dos significativos proyectos no construidos, junto a otros que sí lo fueron, señalan esta breve transición del sistema vecinal hasta la irrupción del privado en la vivienda a gran escala. Los arquitectos que trabajan para la “Constructora Benéfica Hogar del Empleado” proyectan una larga serie de colonias que son antecedentes eficaces hacia discursos más sofisticados en torno al concepto de lo colectivo, cuyo estudio muestra una línea de evolución que mantiene la calidad sin perder continuidad argumental: los proyectos para la Unidad Vecinal “Costa Rica” en Madrid y el Plan para la finca “El Serrallo” en Granada pueden leerse como prototipos de esta mirada nueva.

Cincuenta años después de su muerte, la relevancia que Mies van der Rohe mantiene para la historia de la arquitectura es definitiva. Donde otros han interpretado un Mies técnico, uno metafísico o uno posmoderno, aquí estas tres interpretaciones convergen en un Mies minimalista. A través de la arquitectura del minimalismo, concepto del cual se da una definición particular, en las próximas páginas se pretende analizar la práctica de Mies en general y del Pabellón Alemán de Barcelona en particular. Como se verá, el Pabellón representa un momento culminante en la trayectoria del minimalismo, cuyo inicio situamos en la arquitectura industrial del siglo de la Ilustración. De la mano de recursos que suelen ser pasados por alto en las revisiones de su trabajo, como la primera experiencia profesional de Mies, su formación filosófica y su pensamiento dialéctico, esta reflexión parte de la lógica contenida dentro de su célebre frase "menos es más", una lógica que mantiene fuerza vital hasta la actualidad. A través del minimalismo, en la conclusión se vislumbra el carácter prototípico de Mies.

La fotografía que Pierre Jeanneret compone y toma entre 1953-1956 en el patio trasero de su casa en Chandigarh, es uno de los muchos ejemplos para entender cómo lo aprendido y entendido por parte del arquitecto, ante su llegada en India en 1951, fue fundamental a la hora de proyectar y construir en la nueva capital del Punjab. E Este artículo propone un análisis crítico y descriptivo de la fotografía a partir de la información recopilada en documentos y fotografías originales del autor, para hacer explícitas algunas relaciones de lugar, orden y significado; y cómo estas resultan en la construcción del espacio doméstico propio del lugar.

En el año 1963, el arquitecto británico Francis Pym resultó vencedor en el concurso para completar la Galería de Arte de Belfast, un monumental edificio neoclásico proyectado por James Cumming Wynnes como consecuencia de un concurso anterior convocado en 1914. El orden clásico que poseía el edificio inicial fue reinterpretado radicalmente en la propuesta de Pym, ideada por un pequeño equipo de su estudio que incluía al arquitecto en prácticas Paddy Lawson, quien adquirió posteriormente el rol de arquitecto local y se ocupó de materializar las ideas del concurso, especialmente después de la renuncia de Pym a seguir liderando el proyecto en 1968. Con la denominación de Ulster Museum desde los años sesenta, la arquitectura concebida por Pym y Lawson se convirtió en una de las obras emblemáticas de la modernidad, en una triple lectura: como revisión de la idea de monumentalidad, generando un nuevo orden estratigráfico y dinámico que convive en continuidad con la solidez académica del orden precedente; como asimilación local de la expresión brutalista presente a escala internacional en aquel momento y como la integración de una fábrica histórica dentro de un proyecto moderno, reconociendo y respetando su valor patrimonial y actuando con las herramientas del presente.

En el centenario del nacimiento de Julio Cano Lasso se hace necesaria una visión hacia una de sus facetas menos estudiadas, la de urbanista. En el valle de Elviña, Coruña, que sueña con ser metrópoli regional al amparo del Plan de Desarrollo focaliza bajo el paraguas del Estado y del Plan General de Corrales y Molezún sus principales bolsas de crecimiento. Interesado por el lugar y por el paisaje, Cano Lasso pone orden y coherencia a una ciudad que amenaza con agotar la práctica totalidad de su término municipal en los explosivos años 60. Orden natural y orden arquitectónico se fusionan en dos proyectos del arquitecto firmados en el año 1967 que buscan, más allá de crear ciudad, crear paisaje.

El presente artículo propone una nueva manera de entender el concepto orden arquitectónico, ampliando su alcance tradicional para adaptarlo al carácter sistémico e híbrido de la arquitectura contemporánea. ¿Es posible pensar en un orden arquitectónico que vaya más allá de las meras consideraciones geométrico-formales? ¿Un concepto de orden más sistémico e integrador que incorpore también la dimensión ambiental, social y/o virtual/digital de la arquitectura? ¿Qué recursos y estrategias de diseño pueden resultar relevantes en la construcción de este nuevo orden? El texto aborda estas cuestiones mediante una aproximación teórico-práctica que integra diferentes posicionamientos, tendencias y ejemplos en un discurso coherente y sintético que reconecta el concepto de orden con las experiencias y los retos del diseño arquitectónico contemporáneo.

Los Pueblos de Colonización Agraria de nueva planta realizados por el arquitecto José Luis Fernández del Amo al cobijo de las actuaciones emprendidas por el Instituto Nacional de Colonización (INC) en los años 50-70 muestran un amplio e inagotable despliegue de estrategias proyectuales que, pese a sus múltiples variantes, convergen en el establecimiento del orden a través de la ausencia. Así, la potencia de la Arquitectura de Colonización de Fernández del Amo subyace veladamente en cada uno de los espacios no construidos que configuran la ordenación de estos pequeños núcleos rurales donde el arquitecto madrileño realiza, además, una síntesis de tradición y modernidad en todos los aspectos imaginables. En Vegaviana, quizás la más conocida y reconocida obra de Fernández del Amo para el INC, se ponen en práctica muchos de los recursos e ideas que no pudo materializar en otros trabajos para hacer de esta población una obra clave que nos ayuda a comprender los órdenes de trabajo en la ciudad desde el vacío.

La ciudad es un sistema complejo de organización y comunicación. La correcta lectura de su mecánica evolutiva requiere entender necesariamente sus particulares estructuras de orden, las que naturalmente subvierten las ideas tradicionales que tenemos al respecto, o al menos, escapan de las nociones estrictas de orden que observamos en las herramientas de planificación y diseño urbano tradicionales. En este sentido, el objetivo principal de este documento se concentra en establecer una aproximación a los conceptos de caos, complejidad, y entropía urbana; como principios fundamentales para dilucidar la naturaleza del orden evolutivo en nuestras ciudades. La ciudad es un sistema dinámico que, como tal, no configura un orden estático, por lo que se hace necesario situar la discusión bajo principios que han sido materia de reflexión y estudio de otras disciplinas como la física, la biología, y la química, pero que de manera natural, orbitan el quehacer organizacional de la ciudad como sistema dinámico d e orden.

En torno a 1950, la comunidad sueca residente en Madrid encarga al arquitecto Mariano Garrigues la construcción de la Casa de Suecia. Con relación a su programa de necesidades, el edificio debía albergar un hotel de viajeros, en sus plantas superiores; oficinas comerciales, en las intermedias, y el Centro Escandinavo y otros servicios complementarios, en las inferiores. Con relación a sus aspectos representativos, debía erigirse como un referente de la cultura escandinava, ofreciendo en su interior un ambiente genuinamente nórdico. El objeto específico de este estudio es la planta baja: un lugar complejo que se constituye no sólo como soporte constructivo del edificio, sino también como su alimento funcional y simbólico; donde se produce la intersección entre los flujos de la ciudad y los usos de plantas superiores, y donde, además de las múltiples funciones que allí tienen cabida, los accesos se resuelven aprovechando el desnivel del terreno. El artículo propone tres argumentos clave para comprender los órdenes establecidos en este tablero de juego: una estructura diáfana de acero laminado (cuadrícula), una concepción del espacio en movimiento (itinerarios) y una presencia activa de los muebles (objetos), como mediadores vitales entre la construcción y las personas.

Este artículo trata de interpretar la obra arquitectónica de Juan Daniel Fullaondo, tan poco atendida y divulgada, y de señalar su indudable interés y su valor. Al hacerlo, muestra también su disconformidad con el propio Fullaondo, que ya se veía a una edad muy temprana cerrando el ciclo vital antiexpresivo y antitrágico según el conocido esquema de Jorge Oteiza. Señalamos, por el contrario, que Fullaondo siempre fue expresionista, lo que, por una parte, lo deja sumido para siempre en una tarea sin resolver, pero por otra lo muestra como un luchador tenaz, con un espíritu anclado a una cultura vigorosa que lo movió a crear sin descanso sin cerrar una trayectoria coherente, sino múltiple y renacida.

Lucho Miquel inició su andadura como arquitecto en el Poblado Dirigido de Fuencarral C, colaborando con José Luis Romany en los proyectos de los mercados del barrio y proyectando con Antonio Vallejo y Fernando Ramón un centro cívico que nunca se construyó. Así mismo, el arquitecto reformó y habitó durante treinta años una de las viviendas unifamiliares diseñadas por Romany. En todos estos proyectos, que van desde la escala urbana hasta el diseño de mobiliario, se hace patente la influencia tanto del racionalismo orgánico de Romany como del brutalismo inglés. En ellos se conjuga perfectamente la racionalidad constructiva y estructural, que muchas veces adquiere gran protagonismo formal, con una notable sensibilidad en el uso de los materiales y con una acertada inserción en su entorno. Los proyectos de Miquel en el Poblado Dirigido de Fuencarral muestran una gran madurez en el joven arquitecto y enriquecen decisivamente el proyecto de Romany, llevando al límite todas sus posibilidades.

Este texto propone una investigación centrada en la obra de Rafael de la Joya Castro y Manuel Barbero Rebolledo, una pareja de arquitectos cuyos prometedores inicios fueron merecedores de gran atención por parte de las principales publicaciones especializadas, tanto nacionales como internacionales. Sin embargo, con el paso del tiempo su trayectoria profesional acabó por caer en el olvido. El punto de partida para el análisis de sus construcciones serán los centenares de negativos que durante cuarenta años captaron sus obras, inmortalizadas por la cámara del fotógrafo madrileño Juan Pando. Mediante una atenta revisión a su archivo fotográfico, se pretende invitar a la contemplación y el análisis de su legado arquitectónico para así recuperar la memoria de aquellos malogrados proyectos.

La década de los años cuarenta del s. XX supuso un gran cambio para la arquitectura española debido al conflicto de la Guerra Civil. La ciudad de León no se mantuvo al margen de esta alteración. Como ejemplo de ello hemos seleccionado la figura del arquitecto Ramón Cañas y del Río y dos de sus obras más representativas como son la Casa Arriola y el Edificio Ceremonias. Dos proyectos que nos servirán para confrontar y posteriormente verificar las disparidades estilísticas existentes entre ambas edificaciones a pesar de haber sido concebidas por el mismo autor en un corto intervalo temporal. Desde un racionalismo incipiente y primario poniendo en valor “lo moderno”, lo que supuso una verdadera ruptura con el ortodoxo academicismo, hasta dar un paso atrás y volver a la concreción de axiomas historicistas, presuntamente derivados de la implantación de un nuevo régimen obsesionado con la búsqueda de una arquitectura nacional que representase los valores institucionales de la autarquía. La realidad fue que modernidad y tradición no se encontraban tan alejadas en la obra de Ramón Cañas, pues el historicismo no fue más que una máscara al racionalismo implícito en su trabajo.

La obra de Salvador Fábregas ha pasado desapercibida fuera de círculos expertos. Su producción arquitectónica ha formado parte del paisaje urbano y turístico de Gran Canaria creado desde los años 60 hasta nuestros días. Conocido entre compañeros como un maestro del hormigón, su obra va más allá: ha logrado grandes hitos desde viviendas unifamiliares, así como en establecimientos turísticos, entonces en pleno desarrollo en la isla de Gran Canaria; hasta sus últimos trabajos en edificación y restauración de inmuebles de uso religioso, donde se evidencia la calidad y reflexión de su obra; y lo colocan en línea con otras producciones de arquitectura en España que sí han disfrutado de fortuna crítica y divulgación.

El artículo se propone realizar un análisis crítico del Gran Hotel en Almería (1968) del arquitecto y catedrático Fernando Cassinello (1928-1975). Además, se situará esta obra en el contexto económico y social de la periférica provincia de Almería, y también dentro del ámbito tipológico de establecimientos hoteleros que durante el desarrollismo se construyeron en España. A finales de los años sesenta, la provincia de Almería se encontraba en unas condiciones de aislamiento por falta de infraestructuras de comunicación y empezaba a ser conocida en el resto del país por su actividad cinematográfica, principalmente por los spaghetti western. Para facilitar el alojamiento de las estrellas de cine se promovieron varios hoteles. El Gran Hotel, que disfruta de vistas al mar, está situado en una posición privilegiada en la ciudad, y se presentaba como un moderno edificio en la línea de los que se estaban construyendo en todo el Mediterráneo para el desarrollo de la nueva economía nacional: el turismo. Tenía la voluntad de pertenecer a la segunda generación del Movimiento Moderno, es decir, aquella que aceptaba los preceptos de la estricta modernidad pero que incorporaba las peculiaridades, sistemas y artesanías locales.

En el límite entre el ensanche norte de Madrid y el paseo de la Castellana coexistían, en una misma manzana, tres fincas palaciegas que fueron objeto de varias intervenciones en el tiempo, en la conversión de la Castellana a escenario de poder. La primera de ellas (Fernández-Shaw, 1935-1944), consistió en englobar uno de esos palacios con dos nuevos edificios: Residencias Riscal y la casa-palacio para don Luis Ruiz Cobanera. La segunda (Bescós y Moneo, 1972-1977), permitió la construcción de la nueva sede de Bankinter, preservando el segundo palacio. Por fin, la tercera (Lamela, 1974-1979), supuso la sustitución del tercer palacio por el edificio Pirámide. En una cuarta parcela situada entre los tres palacios, Mariano Garrigues construyó Fortuny 14 (1956-1962): un lujoso bloque de pisos, donde el arquitecto ubicaría su propia casa. Tras hacer un repaso del emplazamiento (escenario) y los edificios cercanos (compañía), se plantea el estudio de esta obra desde su forma y materialidad (carácter) y desde su puesta en escena y funcionamiento interno (diálogos). Fortuny 14 formaría parte de este intrincado escenario desde un silencioso segundo plano, sin ser su protagonista y revelando una sensibilidad nórdica que es afín a la modernidad norteamericana de posguerra.

Síntesis de una asociación profesional entre J. Gowan y J. Stirling, el pabellón para el colegio Brunswick condensa las estrategias y herramientas de trabajo aplicadas en los proyectos realizados por ambos entre 1956 y 1963, y adelanta otras que posteriormente emplearán de manera individual. Un lenguaje personal caracterizado por una actitud inclusiva, en la que la visión idealista de la primera etapa del Movimiento Moderno, descubre el potencial de la arquitectura popular inglesa, industrial y doméstica, como una fuente de referencias desde la que proponer una alternativa. Ante la progresiva deshumanización de la disciplina, Gowan y Stirling abogan por un cambio mediante un sistema de órdenes compatibles y no excluyentes entre sí. La relación con el entorno, la geometría y la organización funcional del proyecto, y la reinterpretación de los elementos y sistemas constructivos; son tres aspectos desde los que realizar un análisis de este proyecto. Una obra de segundo orden que posee un valor didáctico adicional al mostrar de forma clara la metodología de sus autores. Una respuesta racional que admite variaciones plásticas desde la intuición, que repercuten de nuevo sobre la primera admitiendo a ambas como posibles.

La morfología urbana de las ciudades japonesas tras la ruptura de la burbuja económica de finales del siglo XX sufrió el crecimiento exponencial de un proceso de densificación que dio lugar a la aparición de numerosas parcelas de reducido tamaño y diversas formas. Este suceso ha puesto a nuestra disposición un legado de arquitectura ligera que ha debido aprender a solucionar el encuentro con la inevitable aparición de intersticios. Este artículo recoge las experiencias del trabajo arquitectónico surgido en las décadas posteriores, que lucha contra el enclaustramiento del espacio urbano, encontrando espacios potenciales en los desajustes surgidos entre los distintos límites, e intenta vislumbrar las oportunidades que ofrece el vacío intercalado entre el espacio privado y el público, entre la casa y la ciudad.

El Museo de Arte Moderno Louisiana (1958) representa una época de esplendor arquitectónico en Dinamarca. Concebido como una obra integral donde coexisten arquitectura, arte y paisaje, ejemplariza la convivencia de tradición y modernidad, y ofrece una extraordinaria conexión con la naturaleza. Sus arquitectos, Jørgen Bo y Vilhelm Wohlert, reúnen talentos y principios diferentes, pero comparten concepciones arquitectónicas, permaneciendo de trasfondo su identidad danesa. El objetivo de este artículo es identificar qué figuras y especiales características son responsables de su identidad danesa y revelar mediante qué estrategias de diseño se potencia la relación con el entorno natural, asuntos sobre los que falta un estudio específico completo. Se despliegan las enseñanzas de los maestros daneses que condujeron a Dinamarca hacia la modernidad, mediante un recorrido detenido por Louisiana. Se esclarecen las intenciones de sus autores, su modo de abordar el ejercicio proyectual y entender la arquitectura. Además, se contribuye al entendimiento de la arquitectura danesa de posguerra, que como representante del Regionalismo del Norte ejemplariza la lucha contra la falta de carácter de la arquitectura. En la era de necesaria reflexión sobre la relación hombre-naturaleza y el papel mediador de la arquitectura, Louisiana ofrece una oportunidad para un futuro arquitectónico mejor.

Esta es la historia de la desconocida presencia en China de un arquitecto madrileño en las décadas de mayor esplendor de la ciudad de Shanghái. Comenzó su trayectoria en la Filipinas española, triunfó en la China pre-comunista y su fama lo llevó a Hollywood y México. En sus tres décadas de prolífica carrera, Abelardo Lafuente realizó proyectos de todo tipo para clientes diversos en cinco países de dos continentes. Por tanto, estamos ante una figura tan singular y única que el estudio de su obra heterodoxa y ecléctica en un entorno tan aislado y diferente del europeo hace que este arquitecto, sólo mencionado póstumamente por Blasco Ibáñez y Fernando Chueca-Goitia, sea ahora de obligado conocimiento para todo aquel que quiera entender la arquitectura que exportaba España a principios del siglo XX así como los orígenes de una metrópolis como Shanghái y el porqué de la existencia de un reducido grupo de audaces empresarios españoles que prosperaron en tan adversas condiciones.

Emilio Moya Lledós (1894-1943) tuvo la oportunidad de pertenecer al grupo de arquitectos españoles, encabezados por Leopoldo Torres Balbás, que durante la II República plantearon un nuevo tratamiento y uso del patrimonio edificado. Su prematura muerte interrumpió un proceso solo recuperado muchos años después. El artículo pretende mostrar la coherencia de su trabajo profesional con el método empleado en la etapa de formación, tanto en la Escuela de Arquitectura como en la Academia de España en Roma, donde estuvo pensionado. También se busca la coherencia entre el ejercicio de la profesión y la biografía del protagonista, cuya infancia y juventud transcurrieron en el barrio de Chamberí, en Madrid, y su madurez en Italia, España, y en continuo recorrido por Europa. Como investigador del patrimonio, Moya Lledós transmitió sus conocimientos en la misma Escuela de Arquitectura de Madrid. La enseñanza sobre el patrimonio que nos han legado nuestros antepasados puede ser aplicada a la ciudad actual puesto que esta ha llegado a un punto crítico.

La crisis sanitaria actual, arrojando luz sobre la fragilidad del sistema capitalista y las consecuencias de la mercantilización de las viviendas, nos está ofreciendo la oportunidad de volver a reflexionar, desde una perspectiva renovada, sobre cuestiones que, ya analizadas en un pasado reciente, reafirman su vigencia y cobran más actualidad en los tiempos difíciles que estamos experimentando. El presente artículo pretende proporcionar algunas claves de lectura que nos ayuden a interpretar críticamente los desafíos planteados por la crisis actual para imaginar nuevas naturalezas domésticas. Y lo hace refutando y cuestionando, a través de una serie de ejemplos, las falacias sobre las que se fundamentan muchas medidas inspiradas en la green economy y que afectan la manera en la que se realizan o modifican nuestros entornos construidos. Sobre la base de una renovada conciencia ecológica, que considera la vida desde una más amplia perspectiva no antropocéntrica, se pretende demostrar la posibilidad (y necesidad) de una reformulación de las propias bases epistemológicas de la arquitectura.

Durante todo el año 1935, Wells Coates trabajó en el proyecto y la construcción de una casa estudio para sí mismo, reformando un antiguo estudio de artista en el 18 de Yeoman’s Row, Londres. Era un momento muy delicado de su vida y un espacio mínimo, un verdadero reto personal. Consiguió realizar uno de los más brillantes ejercicios de optimización espacial de su tiempo. Condensó en menos de 60m2 su trayectoria hasta aquel momento con especial intensidad, desde su raíz industrial, la experimentación con nuevos materiales y formas, y el ajuste dimensional, hasta su afinada sensibilidad emocional, formada en la tradición oriental. Además, Coates encontró en aquel espacio reducido pero de notable altura la ocasión perfecta para poner a prueba el sistema de organización espacial en sección que estaba empezando a desarrollar, y que se ha convertido con el tiempo en su aportación más trascendente a la arquitectura moderna inglesa.

El presente artículo aborda la trayectoria académica, como docente e investigadora, y profesional, como gestora y experta asesora, de la arquitecta y profesora de Urbanismo y Ordenación del Territorio de la Universidad Politécnica de Madrid, Inés Sánchez de Madariaga. El estudio de sus aportaciones para incorporar la perspectiva de género a esta disciplina y a la arquitectura, con especial atención al transporte, la movilidad y la vivienda, sectores estratégicos para la economía y la corrección de la desigualdad, se efectúa con el objetivo de evidenciar y poner en valor la condición precursora de las mismas, las cuales constituyen no solo una referencia obligada en los múltiples trabajos desarrollados posteriormente en nuestro país y a escala internacional, sino también un auténtico estímulo tanto para abrir nuevos caminos en las políticas, teorías y prácticas urbanísticas como para operar cambios en la realidad de nuestro entorno, físico y cultural. El método utilizado ordena, clasifica, pondera y ejemplifica sus diferentes y numerosas aportaciones por áreas de innovación, en el entendimiento y convencimiento de que es precisamente este rasgo el que caracteriza su trayectoria, premio “Matilde Ucelay” 2021 del Grupo MITMA, galardón que reconoce la labor en favor de una sociedad más inclusiva y equitativa.

Con la incorporación de jóvenes mujeres estudiantes a las escuelas superiores alemanas, tras la Primera Guerra Mundial, un orden establecido simbólico tendrá que ser revisado. Surgen las estudiantes como un nuevo modelo que durante el siglo XX va a cimentar la identidad de la mujer profesional. Wera Meyer-Waldeck y Hilde Weström estudian arquitectura en dos instituciones diferentes, la Bauhaus y la Escuela Técnica Superior de Berlín Charlottenburg. Aunque sus periodos de formación no llegan a solaparse, el nazismo y la guerra suponen para ellas un periodo difícil. Tras la Segunda Guerra Mundial, sus carreras profesionales se tocarán por primera y última vez en 1957, en la Interbau de Berlín. El espíritu de un nuevo modo de habitar, promovido desde la muestra “La ciudad del mañana”, fue defendido por ellas con una doble implicación: como responsables de unas instalaciones habitacionales expositivas y como asesoras técnicas ante la ciudadanía. Estas arquitectas constituyeron el nexo de unión, a través de su labor didáctica en temas de vivienda y tiempo libre, entre los visitantes de la muestra y las nuevas teorías para incentivar una vida más saludable y participativa en el interior de los hogares.

El presente trabajo, sin pretensión alguna de exhaustividad, examina muy brevemente las contribuciones de un conjunto de arquitectas italianas que se pueden definir como ‘pioneras’ no sólo a nivel cronológico, es decir por haber sido las primeras en protagonizar la escena o el debate arquitectónico en Italia desde principios del siglo XX, sino también por haber marcado nuevos horizontes en la profesión, enriqueciéndola y planteándola de manera diferente. Tras una breve contextualización histórica, se analizan más detenidamente los perfiles de algunas de ellas, empleándolos como pretexto para reflexionar sobre los aspectos de sus aportaciones que abordan temas de gran actualidad y que permiten avanzar no sólo en la redefinición de su papel historiográfico, nombrándolas y visibilizando su trabajo, sino también en la redefinición de los propios criterios que legitiman su inclusión en una renovada perspectiva histórico-crítica, que socava el canon, delineando genealogías alternativas y proporcionando otros referentes para las nuevas generaciones.

Ludwig Mies van der Rohe trasladó su experiencia como arquitecto al aula, no solamente difundiendo su filosofía arquitectónica, sino también haciendo que, en muchas ocasiones, los alumnos participaran en sus propios procesos de búsqueda. Este artículo busca arrojar luz sobre la figura de Vera Jansone, la primera mujer que se graduó en el programa de posgrado del Illinois Institute of Technology bajo la dirección de Mies, en 1952, y su tesina fin de máster, oculta hasta ahora, titulada “An Art’s Club”. El análisis se centra en los dos aspectos más importantes de la tesina fin de máster de Jansone, la función y la estructura. El proyecto de Jansone no solamente constituye la única aproximación a la tipología funcional de club de arte bajo la supervisión de Mies, sino que además contiene un análisis de las alternativas estructurales que hacen posible su construcción. Considerando el número y el contenido de las tesinas de posgrado que versan sobre centros relacionados con el arte, se postula que la tesis de Jansone representa una parte fundamental del proceso de búsqueda hacia la claridad estructural liderado por Mies, y que continuaría persiguiendo la siguiente generación de arquitectos en IIT.

Este artículo aborda la historia (e historias) en innovación en el diseño de viviendas en los Países Bajos desde la posguerra, y en ella, el rol desempeñado por algunas arquitectas. El texto recoge el trabajo de varias arquitectas holandesas, algunas reconocidas en su momento, otras completamente desconocidas. Primero, Augustine Schreuder-Gratama, una de las primeras estudiantes en Delft en los años 20, y el Comité Asesor de Mujeres (VAC) para la vivienda social, y concretamente, su rol como promotoras de exposiciones de viviendas en el contexto de la industrialización de viviendas en los años 50, en el que otras organizaciones han sido consideradas pioneras. La obra de Luzia Hartsuyker-Curjel representa el período de democratización durante los 70 y los 80. Entre otras cuestiones, la arquitecta propuso una “vivienda no jerárquica” basada en la crítica feminista a la familia nuclear. Finalmente, el artículo presenta el trabajo de Ineke Hulshof entre la década de 1990 y principios del s. XXI. Por último, este artículo sostiene que la contribución de estas profesionales de la arquitectura en los Países Bajos continúa siendo subestimada.

En Francia, como en otros países europeos, el paisajismo constituye un campo relativamente feminizado tanto a nivel de estudios como en el ámbito profesional. Este artículo resume la evolución de las mujeres en el campo del paisajismo francés y cómo su presencia y aportaciones han sido clave en la consolidación de la profesión. El texto recoge los principales nombres que contribuyeron al reconocimiento de este ámbito como una profesión independiente, al establecimiento de los currículums docentes o a la gestión del paisajismo desde la potente administración francesa. Nombres como los de Ingrid Bourne-Cloppenburg, Isabelle Auricoste, Marguerite Mercier, Caroline Baudelot, Caroline Mollie o Claire Corajoud permiten entender no sólo el papel precursor de las mujeres en los campos de diseño y planificación espacial, sino la propia historia de estas disciplinas, su construcción y evolución y cómo han llegado a constituirse y entenderse como tales en la actualidad.

La ciudad de Viena es considerada como una de las mejores ciudades donde vivir. En buena parte, las políticas de vivienda, su sistema de transporte público y el enfoque de su urbanismo están detrás de esta alta valoración. Esta mirada diferente de Viena hacia la arquitectura y el urbanismo ha estado caracterizada por la incorporación de la perspectiva de género y por una notable participación de mujeres, de manera muy especial entre las décadas de 1990 y 2000. En este artículo se repasan los últimos 40 años de la arquitectura y el urbanismo de Viena a través de algunas de las principales arquitectas y urbanistas que han contribuido a su alta calidad de vida. Mujeres que, tanto desde las instituciones, como desde la práctica profesional y el ámbito académico, han sido precursoras de una planificación espacial sensible a las necesidades cotidianas y la experiencia específica de las mujeres en la ciudad.

Las crisis que afectan a la sociedad global contemporánea subrayan la necesidad de una reflexión sobre el diseño. El estudio presenta una interpretación de la obra del arquitecto Pierre Jeanneret para las casas gubernamentales de Chandigarh. Éstas, proyectadas con la función de acoger a muchas personas de diversas clases sociales, son el centro de la disertación, en la que, partiendo de la escala del barrio, una serie de proyectos han traducido el clima y la cultura en herramientas y materiales del proyecto. Por lo tanto, a través de la presentación de las soluciones, se pondrán de relieve las relaciones entre la composición, el uso de materiales locales, la técnica y la tradición, esbozando un enfoque sistemático y atento al sitio, interpretando el lugar en una perspectiva moderna. Por último, la investigación presenta una reflexión sobre cómo el proyecto de Pierre Jeanneret para los espacios domésticos puede mostrar un enfoque potencialmente actualizado, en el que las necesidades relacionadas con la crisis climática pueden traducirse en oportunidades para el proyecto. Esto pone de relieve la dificultad actual de presentar una respuesta de diseño sistemática, para la que se espera el desarrollo de una sensibilidad de diseño como la que presenta Pierre Jeanneret.

En este artículo presentamos una revisión crítica sobre la trascendencia de la aportación teórica del arquitecto Melvin Villarroel Roldán para comprender la configuración, la imagen e idiosincrasia del paisaje urbano y arquitectónico de la Costa del Sol. Para ello fundamentaremos nuestro discurso en la capacidad de ensoñación gráfica empleada por Villarroel, gracias a la cual, fue capaz de definir un lenguaje propio sobre el que se ha vertebrado buena parte de la singularidad atmosférica y fenológica de la costa marbellí. Su habilidad en el empleo del dibujo, utilizado como herramienta técnica para la resolución de conflictos técnicos o espaciales y, en paralelo, como mecanismo desde donde desplegar estrategias para la promoción y el marketing de su arquitectura, le otorgó la capacidad para adjudicarse encargos que, pasadas varias décadas, vaticinan la transformación del paisaje y la tipología de este enclave geográfico.

Al observar cómo se ha formado la periferia gallega, se establece que la transformación del territorio en torno a las ciudades principales, el modo de construir ciudad y la forma de habitarla fueron alterados radicalmente durante la época de la dictadura (1939-1975) y a través de proyectos de financiación pública, particularmente en base a polígonos residenciales. A diferencia de los construidos en las grandes ciudades españolas, en los polígonos gallegos su emplazamiento cerca del borde urbano y la lentitud en su construcción cambió la forma de transformar el espacio libre rural y urbano. Las consecuencias de este proceso influyeron en la forma actual de las ciudades gallegas, y son claves a tener en cuenta para planificar su futuro desarrollo. En este artículo se resumen las distintas fases de la formación y transformación de la periferia gallega a partir del conflicto entre el planeamiento municipal y los proyectos estatales, en tres períodos principales: Entre 1939-1959, cuando se parceló el suelo rústico y se construyeron pequeños polígonos residenciales en el borde urbano; de 1960-1967, cuando se planificaron y reservaron grandes cantidades de suelo, y de 1967-1976, cuando se desarrolló parte del suelo de reserva mediante la construcción de infraestructuras y polígonos.

Las viviendas de Lina Bo Bardi y Ray Eames —la Casa de Vidrio y la Case Study #8— nos transportan a mundos construidos en los límites de la arquitectura moderna del siglo pasado. Ambas construyen una suerte de paisajes de naturaleza, objetos y nuevas domesticidades que armonizan tradición e innovación. En 1946 el matrimonio Bardi se traslada de Europa a Brasil y explora sus paisajes culturales adentrándose en su exuberante naturaleza. Los Eames recorren Estados Unidos para reconocer aquella naturaleza americana invisibilizada por la modernidad: las dos creadoras reformularán lo doméstico con objetos recolectados de sus ulteriores viajes. Ambas parejas aspirarán a convertir los avances tecnológico-vernáculos y la manera de habitar en un instrumento de diseño de su tiempo. Lina Bo Bardi situará su casa en el punto más elevado del Jardín de Morumbi donde divisará la avenida Paulista de São Paulo, la Case Study House #8 se implantará a un lado de un camino arbolado entre las montañas de Santa Mónica y el océano Pacífico. Sus jardines de paisajismo casual y sendos hogares se metamorfosearán en paisajes vitales y gabinetes de curiosidades domésticos con “bellas historias” donde festejar la vida en la naturaleza de la que forman parte.

Pocas veces un artista tiene la posibilidad de diseñar un espacio urbano con total libertad creativa, guiado simplemente por su instinto e inspiración. El parque escultórico Alcalde Gonzalo Ordóñez, situado en la localidad de O Porriño (Pontevedra), fue creado por el artista Vicente Vázquez Canónico (Gijón, 1937) con el beneplácito de la administración local a principios de la década de los noventa. El presente artículo se adentra en el proceso creativo/constructivo de una obra que pone de relieve los difusos límites entre Arquitectura, Arte y Urbanismo, y que por su singularidad se convierte en una de las pocas de su especie en nuestro país, aún por reconocer y valorar.

La necesidad de transformación y regeneración del entorno habitado, sobre todo las áreas urbanas, a través de la recuperación de hábitats renaturalizados, ha centrado el debate arquitectónico más reciente, con propuestas como urbanismo ecológico, arquitectura bioclimática e infraestructura verde. Sin embargo, la construcción de un hábitat inclusivo, centrado en el cuidado de todas las personas y del entorno vivo, enfoque que se relaciona, e incluso coincide, con la perspectiva de género, debería ser considerado el punto de partida para las demás acciones de sostenibilidad, preservación y regeneración de los entornos. El artículo enfoca una estética del cuidado, a través de una arquitectura que cuida el paisaje habitado, explorando corrientes emergentes y obras reconocidas, entre ellas las de Lina Bo Bardi y de Anne Lacaton y Jean-Philippe Vassal.

Este artículo presenta por primera vez una serie de viviendas construidas por la pionera arquitecta holandesa Wilhelmina Jansen, la única de las primeras egresadas en tener su propio estudio de arquitectura. Su práctica arquitectónica se nutrió de su participación activa en numerosas redes de mujeres y su labor en el Comité Asesor de Mujeres VAC, una organización de mujeres voluntarias que asesoró al Municipio de Rotterdam sobre la vivienda y el medio ambiente. Las casas de Jansen representan un concepto de modernidad donde las formas eran pensadas y experimentadas desde una precursora perspectiva feminista. Pese a estos valores, su obra está ausente de la historiografía de la arquitectura moderna holandesa narrada en base a figuras masculinas y objetos icónicos. Su descubrimiento es resultado de una intensa investigación en sus archivos personales, entrevistas y el relevamiento de las obras. Paradójicamente, desde los márgenes de la modernidad las obras de Jansen han innovado en discusiones que hoy son centrales como la arquitectura con perspectiva de género.

El desarrollo y la transformación de la ciudad contemporánea depende de múltiples factores, aunque casi siempre su resultado funciona como respuesta a la lógica capitalista. El diagrama contemporáneo urbano de una red de focos activados por los nuevos movimientos de la población hacia la periferia basada en una infraestructura para una movilidad no radial, permite especular un nuevo paradigma de ciudad, que rompe con la dualidad tradicional de centro y periferia y abre camino para unas formas de vida más sostenibles e inclusivas que incorporen cuerpos, espacios y tiempos ligados a imaginarios de cuidados más que humanos. Tomando como caso de estudio la ciudad de Madrid, este artículo se centra en analizar el fenómeno del policentrismo urbano, mostrando cómo la necesidad y el deseo de habitar conduce a diversas comunidades a apropiarse de nuevos espacios de oportunidad que mediante distintas tácticas de colonización permiten especular un futuro urbano en el cual una secuencia de movimientos de población y cambios espaciales transforman el sistema neoliberal de crecimiento de las ciudades.

La arquitectura responde necesariamente a una función, y es ahí donde se encuentra la principal diferencia respecto al resto de las artes. Lo que la tradición moderna instala es la integración de las artes, y es desde la segunda mitad del siglo XX que surgen una serie de arquitectos(as) que se desplazan a estas. Planteamos que existe una serie de arquitectos(as)-artistas que además de ampliar el campo de la profesión, realizan lo que denominamos arquitectura-expandida , que es la creación de obras artísticas con un marcado sustento teórico en la formación de arquitecto(a) del artista, logrando obras de carácter arquitectónico pero alejadas de la arquitectura como la conocemos ya que carecen de función, cuestión primordial para esta. Revisamos los casos de Alfredo Jaar y Francis Alÿs, y concluimos que estos artistas, quienes comparten el hecho de ser arquitectos, realizan cada uno a su manera, arquitectura-expandida en la periferia de la profesión.

El cambio de paradigma cultural que se estaba fraguando a finales de los años sesenta va a contraponer dos modos diversos de entender la idea del muro, uno heredado de la ortodoxia moderna y otro desarrollado por la contracultura. Esa oscilación, de la esencia a la apariencia, coincidirá con la crisis del movimiento moderno. Es en este contexto en el que surge la propuesta contracultural norteamericana como reacción estética, que dotará a los espacios de una nueva sensualización, alterando la idea del límite. El presente artículo indaga en la iconografía fílmica que se produjo en torno a la descomposición del muro y, en consecuencia, del espacio. En ella se refleja la metamorfosis en la concepción superficial del cerramiento a través de procesos de textilización, biomorfización y disolución.

El presente artículo busca establecer continuidades, rupturas, variantes e invariantes en las diversas representaciones y los códigos estilísticos de las propuestas habitacionales de interés social en la Ciudad de Buenos Aires, Argentina, y sus alrededores entre 1915 y 1955. El problema habitacional en este territorio surge, como en el resto de las grandes ciudades, a fines del siglo XIX y comienzos del siglo XX como consecuencia de la industrialización de la economía y a las migraciones urbanas que dieron lugar a la formación del proletariado. Asimismo, el debate en torno a la problemática habitacional se corresponderá a diversas representaciones morales e intelectuales que irán variando a lo largo de esos cuarenta años. La arquitectura de índole social estuvo caracterizada en esa época por diversas maneras de hacer y pensar el hábitat popular, y junto con ello, las formas de representación y lenguajes estéticos acordes con sus ideas. El análisis de esta relación entre representaciones discursivas y construcciones estilísticas en periodos políticos distintos nos permitirá elaborar una diacronía del hábitat popular y analizar los vínculos entre la divulgación de la arquitectura como medio estilístico de los imaginarios urbanos.

Las últimas décadas han dejado una renovada concepción de la ruina condicionada por la lógica de la sociedad contemporánea. Estas ruinas podemos encontrarlas, por ejemplo, en el derribo de edificios industriales de escala desmesurada. Sin embargo, están exentas de sus valores históricos y enigmáticos por haberlas visto nacer y su coexistencia en el presente. En estas ruinas, no es la fuerza de la naturaleza quien las formaliza, más bien es el trabajo estéticamente despreocupado del operario el que comienza a darles forma, quien establece el procedimiento a seguir más adecuado para ejecutar su completo derribo siguiendo directrices puramente técnicas. Este artículo trata de desentrañar precisamente cómo el derribo de construcciones industriales obsoletas puede enseñarnos, como un día lo hicieron las ruinas del mundo clásico, a buscar un nuevo sujeto estético. Como caso de estudio se explora el derribo del silo de barras de grafito de la central nuclear de Vandellòs I, Tarragona. El operario, paradójicamente alejado de cualquier disciplina estética, halla con su incesante trabajo inesperados episodios que pueden llevarnos a nuevos puntos de partida: ¿podemos encontrar la belleza en el proceso de derribo de la industria? ¿Es, entonces, este derribo un posible sujeto que debemos considerar para proyectar?

Se habla, como en el título, de juegos de palabras y referencias cruzadas. Si la estética estudia la manera de interpretar los estímulos sensoriales que recibimos del mundo, dicho conocimiento sensible obedece a un modo determinado de ser adquirido por los sentidos. Hemos establecido juicios estéticos desde lo clásico a obras modernas, cuando lo conveniente sería reconocer y aplicar los valores nacidos de la Modernidad. Frente a la experiencia de lo sublime, la estética de lo cotidiano de Yuriko Saito; frente a la belleza del objeto de arte exclusivo, la sensibilidad de valorar el fondo como entidad equivalente a ese objeto. Es decir, una estética negativa, A-estética, fundamentada en este “fondo” como condensador de una alternativa que responde a la complejidad exponencial de lo real. Lo negativo se abre así a la multiplicidad frente a la unicidad positiva de los parámetros estéticos tradicionales. El objeto arquitectónico se disuelve de ese modo en el fondo de un espacio vacío como marco común de lo cotidiano. Abierto, transformable, indeterminado son ahora los valores de referencia. Menos estética kantiana y más no-estética moderna podría ser la estrategia hacia una nueva conciencia medioambiental.

La escenografía, cuyo fin es generar espacios para la representación teatral, es una disciplina vinculada a la arquitectura. Aunque diferentes autores han desarrollado proyectos en este campo a lo largo de la historia, lo cierto es que los arquitectos de hoy se mantienen, por lo general, alejados de él. Por ello, este artículo se detiene en el estudio de los principales conceptos alrededor de la plástica teatral, prestando especial atención a la estética en relación con el espacio escénico. Se plantea el análisis crítico de cuatro casos con el fin de examinar de manera transversal el perfil del arquitecto-escenógrafo y de evaluar la estrategia estética estilística de cada una de las propuestas. En concreto, se estudian escenificaciones diseñadas por Gae Aulenti, João Mendes Ribeiro, Concha Fernández Montesinos y Juan Ruesga, cuyos trabajos se enmarcan en el panorama teatral del último siglo. La investigación permitirá conocer con mayor profundidad cuál es el valor de la estética en el diseño escenográfico y cómo influye en la comunicación entre el equipo creativo y el público.

En los años veinte la higiene social se sirvió de los constructos ideales de familia higiénica, arquitectura y cultura higiénica para ser vista como una ciencia social referida al homo hygienicus. El higienismo es el protagonista de la implantación de la sanidad provincial y municipal en el desarrollo de la “arquitectura de salud”. Dentro de la estrategia populista de Primo de Rivera es destacable la política de construcción de casas baratas para mejorar las condiciones de vida de las clases más humildes, así como la creación de escuelas de primera enseñanza en los municipios, en el intento de evitar los conflictos sociales. Exponemos el caso de la ciudad de Elche como representativa del Mediterráneo para explicar cómo la vivienda-taller se extiende al resto del hábitat y se funde el contexto personal y familiar con el laboral, con consecuencias importantes para la salud. Por tanto, como objetivo de la investigación pretendemos establecer la conexión entre vivienda y salud en el período de 1923 a 1930.

El desarrollo de la arquitectura moderna en Latinoamérica, y en particular en Chile, plantea incógnitas que distan mucho de estar resueltas. No obstante, en medio del gran caudal de investigaciones, publicaciones y estudios sobre el tema, es posible vislumbrar nuevas miradas que contribuirían a una comprensión más amplia y profunda del fenómeno que marcó por completo el desarrollo de la arquitectura y la ciudad en el siglo XX. El presente texto indaga en un aspecto que, desde nuestra perspectiva, no ha sido suficientemente estudiado en el desarrollo de la arquitectura del siglo recién pasado en Chile: el color en la arquitectura moderna. Preguntas como: ¿Cuál es el rol del color en la arquitectura moderna?, ¿Cómo se manifiesta el color en las diversas etapas del desarrollo de dicha arquitectura? no han sido aún suficientemente abordadas y menos aún respondidas. Estimamos que estas preguntas son necesarias, por cuanto advertimos, como hipótesis, que la Primera Modernidad en Chile (décadas de 1930 y 1940) es de una arquitectura fundamentalmente monocroma, y la Segunda Modernidad (décadas de 1950 y 1960), es policromática. Este fenómeno, que transformó por completo la expresión de la obra moderna, lo hemos denominado "la revolución del color".

En el contexto de una progresiva norteamericanización de Venezuela, Carlos Raúl Villanueva (1900-1975), que se formó en la Escuela de Bellas Artes de París, desarrolla en Caracas, entre los años 1943 y 1945, la Reurbanización de “El Silencio”. En esa oportunidad, Villanueva organiza el espacio público en consonancia con la idea de ciudad que promueve el Plan Monumental de Caracas (1939), del francés Maurice Rotival (1892-1980). Posteriormente, entre 1952 y 1956, Villanueva, como director de la Sala Técnica del Banco Obrero, desarrolla el conjunto de urbanizaciones del Plan Cerro Piloto que, en el contexto de la idea de ciudad fragmentada y de suburbios, sigue el espíritu del Plan Regulador de Caracas (1951), del californiano Francis Violich (1911-2005). Los desajustes y contradicciones que se terminarían de expresar en Caracas, una ciudad de origen hispano, a la que la modernidad le llegaría, primero, vía urbanismo francés y, luego, en forma de urbanismo norteamericano, fueron motivo para que Villanueva, en los últimos años de su vida, nunca dejara de lamentarse por aquello que él mismo llamó el caos urbano de la ciudad de Caracas.

En este artículo abordamos una mirada reflexiva sobre las estrategias proyectuales ensayadas por el arquitecto danés Jørn Utzon en algunas de sus obras más trascendentes y significativas. Así, planteamos la revisión crítica de su lenguaje para, desde un posicionamiento hermenéutico, comprender cómo hace uso, una y otra vez, de su vasto conocimiento sobre geometría descriptiva. Con ello consigue resolver importantes problemas, tanto de naturaleza escalar, programática y funcional, como de raíz mecánica y estructural, ejecutiva y de puesta en obra. Al ver los dibujos de Utzon, por ser tan finos, sintéticos y elegantes, nos pueden pasar desapercibidas las complicadas consideraciones que éstos encierran. Utzon transforma en algo sencillo y legible situaciones que son realmente complicadas. Con nuestro análisis extraemos las ideas sustanciales que dirimen la importancia del dibujo técnico como plataforma comunicativa desde donde trabaja este arquitecto para, de acuerdo con la profundidad abstracta de su pensamiento, comprender el valor pedagógico de su forma de ejercer la profesión.

1938, Segovia, pequeña capital de provincias, sometida a éxodo demográfico y abandono, embalsamada física y espiritualmente en el pasado. Con crecimiento urbano polarizado desde el norte, fortaleza sobre acantilado inexpugnable vigilante de la Vieja Castilla, recuerdo de grandezas; hacia el sur con la llegada del ferrocarril medio siglo antes como símbolo de oportunidad de progreso. Silvestre Manuel Pagola, arquitecto de provincias, con trayectoria de estilos eclécticos ligados a la fantasía del lugar. Nicomedes García, hombre masa, emprendedor y optimista. Una casa en la cabecera del ferrocarril, mirando allá en lugar de acá. Vivienda-hotel en homotecia a la fortaleza, nuevo mascarón de proa. Enorme oportunidad para reflejar los cambios sociales posibles en su época. Arquitectura libremente racionalista y piedra de toque de una trayectoria mayor. ¿Qué ocurriría con la obra de Pagola de no existir esta vivienda? ¿Qué historias contamos con las arquitecturas? ¿La puesta en valor de la arquitectura moderna radica en sus -ismos?

Desde que en 1882 se descubriera el bacilo de la tuberculosis, se desencadena una carrera científica por vencer a una enfermedad que se convirtió en la primera mitad del siglo XX en la primera causa de mortalidad en España. Una de las medidas para luchar contra esta enfermedad fue la puesta en marcha por parte del Patronato Nacional Antituberculoso de un ambicioso plan de construcciones que consiguiera crear una completa red de sanatorios donde alojar y atender en las mejores condiciones posibles a los enfermos. Estudios como los del doctor Bassols o Valenzuela comenzaron a crear las bases documentales para establecer y dar a conocer tanto a médicos como arquitectos los lugares y condiciones más idóneas para construir estos sanatorios. ¿Dónde se construyeron finalmente estos gigantes de la sanidad española? ¿En qué situación se encuentra actualmente este legado arquitectónico y cultural de nuestra historia? Muchas de las piezas hoy heredadas y diseminadas por todo lo ancho del territorio español se encuentran en un alarmante estado de abandono. Este artículo pretende otorgar justicia a todo el conjunto de la operación de diseño y construcción del PNA sacando a la luz una obra realmente espectacular que recorre toda la geografía española.

El plan de estudios de 1957 supone, dentro de los sucesivos planes de estudios de los arquitectos en España desde que se creara la Escuela Especial de Arquitectura en 1844, una rareza. No solo es el primero que, junto al de 1956, elimina el acceso a través del curso selectivo, sino que es también, hasta la fecha, el único que ofrece un último año auténticamente diversificado en el que ya tienen cabida especializaciones tan vigentes hoy como la restauración y rehabilitación y los aspectos energéticos de la edificación. Analizaremos cómo los arquitectos españoles, cómodos en una inercia dorada que duraba desde poco después del final de la Guerra Civil y anteponiendo a cualquier otra cuestión la narrativa del creador individual de la que eran herederos, rechazaron esta incipiente diversificación profesional en aras del mantenimiento de una propiocepción idealizada que, pocos años después (en los setenta) empezaría a mostrar evidentes signos de agotamiento. Lo harán, y este es el postulado principal del presente artículo, utilizando el proyecto arquitectónico idealizado, fruto del trabajo del creador heroico, como refugio al que retornar ante las inestabilidades y los interrogantes propios de la evolución profesional de la que, de alguna manera, siempre han procurado huir.

La posibilidad de entender el significado de la estrategia proyectual en arquitectura radica en descubrir cuáles son los principios abstractos que ordenan las operaciones concretas que determinan las características formales y espaciales de un hecho arquitectónico. El presente artículo busca poner de manifiesto el valor poético y estético que tiene el orden técnico como principio fundamental de una estrategia. Para esto se estudia la obra de Paulo Mendes da Rocha —como personaje relevante del contexto disciplinar iberoamericano—, y se plantean seis incógnitas que —a manera de indicios— ponen en evidencia la relación entre los órdenes técnico, diagramático y simbólico en arquitectura. Este referente expresa de manera contundente dos aspectos fundamentales de la disciplina: 1. El sentido esencial de la arquitectura en su condición primitiva, es decir, el establecimiento de un lugar en el mundo como parte de una continuidad territorial; 2. El sentido presencial del proyecto como evidencia de un orden técnico, es decir, la tensión constructiva se traduce en el registro estético del hecho arquitectónico. En este orden de ideas, la estrategia proyectual de Mendes da Rocha deviene en una arquitectura de carácter paradigmático, es el resultado de una tensión dinámica entre una esencia representacional y una presencia diagramática.

¿Qué entendemos por masa en arquitectura? ¿Estamos seguros de referirnos a la misma cosa? La polisemia que se le atribuye dentro y fuera de la disciplina hace que convenga aclararlo para evitar algunos equívocos, o acaso para aumentar más la confusión. Los diccionarios definen en sus primeras acepciones a la masa como la magnitud física que expresa la cantidad de materia de un cuerpo. Masa es distinto de peso. No son sinónimos, aunque nuestro uso común tienda a convertirlos en tales. Por masa también se entiende algo que se aplica en gran cantidad: producción en masa, cultura de masas, destrucción masiva, y también hormigón en masa, vivienda en masa. Este texto repasa brevemente algunos episodios históricos y propone unas notas breves sobre la cantidad de materia –lo sólido y lo ligero– en arquitectura, descubriendo una acepción olvidada pero más ajustada y convincente de lo que la masa significa para la arquitectura.

Tanto en arquitectura como en escultura, la creación del encofrado o molde, según sea el caso, es de vital importancia, desde lo técnico hasta lo estético. Y tanto en las obras de Rachel Whiteread como de Jorge Otero-Pailos, el molde es capital. En la primera, como algo efímero que es parte del proceso de creación; y en el segundo como parte de la obra misma. Whiteread trata de manera indirecta con la arquitectura mediante la ejecución de obras que solidifican el espacio, conteniendo el vacío. Otero-Pailos, por su parte, trata directamente con la arquitectura, mediante la preservación de edificios y monumentos históricos, logrando como resultado de este trabajo, una obra artística que se desenvuelve en la búsqueda conceptual de la solidificación de la atmósfera, develando esta como objeto cultural.

Los pozos hindúes han sido analizados desde diversos puntos de vista: histórico, religioso, cultural o constructivo. Sin embargo, un estudio en cuanto al espacio como materia de trabajo de la Arquitectura no ha sido realizado todavía y es éste el objetivo central del texto. Se expone una investigación hecha por el autor sobre los principales condicionantes espaciales: la tradición religiosa hindú y musulmana, el culto al Ganges, las consideraciones climáticas, resolver el almacenamiento del agua y la delimitación del espacio público para entender cómo una idea arquitectónica traduce una idea teológica a través del agua y de la sombra. Es por tanto el pozo un lugar de conexión entre el ser humano y su anhelo de trascendencia. Este inventario de las ideas arquitectónicas está refrendado por el levantamiento in situ de dos pozos arquetípicos por el autor que constituyen planos inéditos hasta la fecha. Estos planos y el entendimiento de la materia que da forma a la idea son el valor más importante del artículo.

Como hicieron Robert Venturi, Denise Scott Brown y Steven Izenour con Las Vegas; John Wilson utiliza lo existente y su singularidad como hilo conductor. Abraza la realidad en lugar de negarla, y utiliza lo imprevisible como metodología de trabajo. Lo hace preguntándose en cada episodio sobre una temática concreta. En el segundo capítulo de la primera temporada (2020) de su serie documental How to… que se titula “¿Cómo montar un andamio?” se pregunta sobre la cantidad de andamios que hay en Nueva York y las causas de que esto sea así. Explica que en 1979 hubo un accidente donde una persona falleció a consecuencia de un desprendimiento de una fachada. Esta desgracia tuvo como respuesta la aprobación de la Ordenanza municipal número 10 en 1980, y que, en 1998, se promulgara la Ley Local 11 que afecta aproximadamente a 16.000 edificios en toda la ciudad. En la teoría, un edificio con andamios está siendo inspeccionado o reparado activamente. En la práctica, en Nueva York, 285 andamios llevan “activos” más de 5 años. ¿Cómo se ha llegado a esta situación? ¿Qué efectos tiene esta materialización? El presente artículo propone dar respuestas a estas cuestiones.

El residuo, como materia resultante del excedente de su continua transformación, y la inmaterialidad de la materia, como categoría que, en palabras de Ortega y Gasset, subsume la circunstancia de la misma materia a una circunstancia de carácter más general, son las dos posiciones liminares que el presente artículo se propone analizar. Se seguirán las relaciones que se establecen entre residuo, materia y arquitectura tomando como ejemplos algunas de las arquitecturas generadas durante el siglo XX. Una elección que, además de operativa por cuestiones claras de espacio, desea referirse especialmente a aquel momento a partir del cual se implica la industria en la arquitectura y que, arrancando a mediados del siglo XIX, se consolida durante el siglo XX y llega hasta nuestros días.

La evolución de los sistemas constructivos ha derivado en una nueva concepción de la belleza en arquitectura, cuyo factor determinante se ha trasladado desde la tectónica y la tradición hacia los aspectos que vienen dados por la transmisión de energía de los espacios que se generan con su entorno. Esta nueva mirada sobre los edificios, entendidos como ambientes en lugar de como espacios limitados, no puede olvidar el contexto en el que se produce la arquitectura, condicionado por la crisis energética y la situación de emergencia climática. Por eso en este texto se pretende señalar la necesidad de considerar las materias técnicas de la enseñanza de la arquitectura como una herramienta imprescindible para conseguir una arquitectura eficaz. Una arquitectura que consiga integrar de un modo transversal todas las áreas de conocimiento será el modo de alcanzar esa belleza termodinámica.

La cartografía visual del territorio es la fuente documental más valiosa a la hora de entender los procesos de transformación del paisaje urbano o natural. Durante el siglo XX y antes de la utilización extensiva de las imágenes satelitales y de los sistemas digitales de fotogrametría, la fotografía analógica aérea, cenital u oblicua, era la única herramienta capaz de llevar a cabo esa ambiciosa tarea.   En España, la compañía familiar Paisajes Españoles —fundada en 1957 y que llegó a contar con más de 70 trabajadores, 8 aviones y 11 delegaciones— se convirtió en la principal responsable de la construcción del legado visual de la transformación moderna del territorio, la ciudad y la arquitectura durante la segunda mitad del siglo XX. Ubicado en Madrid, el archivo físico de Paisajes Españoles es depositario de aproximadamente 1.310.000 negativos y una base de datos digitalizada de fotografías aéreas realizadas a lo largo de más de 65 años.   El texto presenta este paradigmático y mayormente desconocido archivo como caso de estudio y principal depositario de una memoria colectiva específica que ha de servir de referente de ese necesario equilibrio entre conservación, difusión e interpretación transversal del relato transformador de la modernidad.

En ocasiones, las circunstancias naturales de la vida nos fuerzan a deshacernos de ropa, de vajillas, de muebles, de libros, documentos… objetos físicos testigos de nuestra historia. Sin embargo, su eliminación no borra los recuerdos, quedando estos anclados en nuestra memoria. Con los archivos de arquitectura ocurre lo mismo, de una manera menos drástica o teatral, pues en algunas ocasiones, los planos, bocetos y demás documentos producidos por un/a arquitecto/a, se pueden entender como el primer paso de un proceso que ha culminado con la obra construida, más relevante y transcendente que los dibujos de la fase de diseño. Sin embargo, existe un instinto hacia la conservación de estos documentos, con una finalidad difusa, ¿la de recordar? ¿la de transcender? ¿la didáctica? La figura de Belén Esparza y su peculiar manera de conservar su propio archivo muestra cómo la mirada femenina sobre las decisiones que rotan en torno al hecho de gestionar un archivo diverge de la masculina, teniendo un enfoque más poético y personal, pero también más pragmático. Su propia historia influye y se plasma en un proceso que renueva el I Do, I Undo, I Redo , acuñado por Louise Bourgeois.

Se presentan los resultados preliminares del trabajo de catalogación de la colección Nuestras Arquitectas del Archivo de la Sociedad Central de Arquitectos de Argentina. Se trata de 78 carpetas de correspondencia de las socias con la entidad que incluyen casi 800 piezas datadas entre 1922 y 1974: fichas de inscripción de las socias con datos y fotografías, currículums, recortes de periódicos, correspondencia de diferentes temáticas (pago de cuotas, participación en eventos y congresos de la especialidad, invitaciones a reuniones o comisiones técnicas con instituciones gubernamentales). El objetivo principal del proyecto es el de poner en valor el fondo y hacerlo accesible para visibilizar las primeras arquitectas argentinas. El tratamiento de colecciones con criterios archivísticos, cuyas descripciones sean accesibles mediante la web, permitirá poner a disposición del público en general y a quienes investigan los contenidos con la intención de ampliar el conocimiento sobre la historia de la profesión.

El lugar o territorio donde se aloja un archivo determina nuestra comprensión del material allí encontrado e influye en el rumbo que tomará la investigación. A partir de las disquisiciones de Allan Sekula sobre el territorio representado en los archivos fotográficos, este artículo elabora su idea en relación con un archivo, muy poco estudiado, de fotografías de prensa censuradas que muestran la destrucción de Londres durante la Segunda Guerra Mundial. Desde la sala de consulta del archivo fotográfico del Imperial War Museum, que hasta 2020 se ubicaba en esta misma ciudad, se describe cómo el archivo no se define únicamente por su contexto taxonómico, histórico o institucional. En este conciliador espacio de lectura se rastrean nuevos territorios conectados temporal y espacialmente, que revelan historias diferentes a propósito del archivo, sus fotografías y la ciudad. Según Eduardo Cadava, esto nos invita a reflexionar sobre las correlaciones entre las consecuencias de los bombardeos mostradas en las fotografías, los archivos y la contienda. Tras la reubicación del archivo fuera de la ciudad, también se reflexiona sobre su territorialidad digital, particularmente respecto de la imposibilidad de aprendizaje situado, únicamente factible cuando las fotografías se revisitan en el territorio que las vio nacer.

Las aportaciones de las mujeres en el ámbito de la arquitectura y urbanismo han estado siempre presentes, aunque desde la historiografía oficial hayan sido negadas y silenciadas tras una aparente neutralidad y universalidad en la construcción de los relatos históricos. Cuando se habla de las pioneras de la Comunidad Autónoma del País Vasco (CAPV) se hace referencia a arquitectas que nacieron en esta región de la península pero que, sin embargo, ni se formaron ni ejercieron la profesión en tierras vascas. De aquí surge la duda: ¿quiénes fueron las verdaderas precursoras que participaron en la configuración de las ciudades en el País Vasco? ¿No se está ocultando una vez más la existencia de otras profesionales? Los fondos archivísticos y documentales, en particular los expedientes de obras, son fuentes de información fiable e imprescindible. En este artículo, se revelarán los resultados obtenidos de esta búsqueda documental a través del recorrido por las obras de estas pioneras invisibilizadas. Se verá cómo emerge la primera arquitecta María del Carmen Mostaza Martínez que inició su carrera profesional en Bilbao entre 1966 y 1968 y que, hasta el presente, ha permanecido oculta.

Por su carácter minoritario y disperso, las personas y grupos LGTBIQ+ carecen de genealogías heredadas. Como concepto y como práctica política, estas son esenciales para fundamentar la transmisión de saberes que garanticen su supervivencia como comunidad. Por ello, la teoría y el activismo queer se han esforzado en conformar archivos que atesoraran la memoria de la disidencia y la imaginación de alternativas a jerarquías y normatividades que han tratado de disciplinar lo excepcional y lo extraño. Recientemente, los medios digitales han favorecido proyectos de carácter participativo que, a través de páginas webs y aplicaciones, rescatan y consignan el legado de varias generaciones LGTBIQ+, a la vez que sitúan sus conocimientos y experiencias en el territorio mediante la confección de atlas y cartografías de espacios seguros y significativos para dichos colectivos. Este artículo aborda tres casos de archivos digitales que ayudan a trazar genealogías de la resistencia, la sociabilidad o la celebración de la diferencia y la diversidad. Los tres ejemplifican distintos modos de armar y cuidar registros de espacios queer , así como de catalizar ecologías capaces de desafiar el relato hegemónico heteropatriarcal y capitalista que ha determinado los modos de ser y estar en el espacio público del Norte Global.

Este texto es una visión general del estudio histórico y arquitectónico, así como de la práctica de archivar los lavaderos públicos de Porto utilizando cartografía sensible. Se presenta el contexto histórico del estudio, así como la justificación para estudiar los lavaderos desde el punto de vista de la estética, las tipologías y el patrimonio cultural. En Porto, estos fragmentos del trabajo de las mujeres en diversos entornos urbanos están abandonados y en ruinas, a pesar de que siguen presentes en la memoria de las habitantes. Este trabajo de archivo se va transformando en un trabajo artístico, autoetnográfico y de interpretación, que mezcla lo personal y lo público, pero que también sirve de base para la investigación en arquitectura y urbanismo: ¿cómo preservar la memoria de los lavaderos? Este trabajo se inscribe en la historiografía feminista de los últimos años, que pretende recuperar la presencia de la mujer trabajadora y su historia en el espacio público.

Presentamos en este artículo una revisión crítica sobre la aportación proyectual de Andrés Perea Ortega, en el caso que nos ocupa, filtrada a través del estudio del Archivo Histórico Provincial de Tenerife. Para desarrollar esta tarea partimos del entendimiento global del contexto general de su trabajo donde, como sabemos, se conjuga la inquietud experimental de este singular arquitecto junto a la solvencia técnica y ejecutiva de un experimentado constructor. Reflexionando a través de la lectura comparada de este edificio en relación con otras piezas de su catálogo, conseguimos decantar un conjunto de prescripciones que sirven, además de para conocer mejor este edificio, para entender correctamente la manera en la que Perea afrontaba los encargos. Así, ahondando en la solución definida para Tenerife asumimos el cómo y el porqué de otros edificios diseñados por Perea mientras que, analizando las condiciones urbanas, paisajísticas, formales, funcionales o constructivas de esta obra, vislumbramos enseguida que podemos agrupar su legado en familias proyectuales claramente reconocibles.

Las artes escénicas son disciplinas vivas, originadas desde una idea transformable durante un largo período de ensayos, hasta su concepción final representada en un breve tiempo frente a un público receptor de una experiencia sensorial. ¿Es posible archivar una experiencia? Una serie de estrategias plásticas condicionadas por las decisiones formales, técnicas y funcionales influyen sobre los sentidos, además de apelar a las emociones de las personas asistentes con la materialización de otras realidades. ¿Qué conjunto de documentos define lo efímero? Esta investigación plantea el debate ante la necesidad de conservación de las artes vivas una vez exhibidas, a partir de su transferencia a una documentación en la que el propio documento es representación de la obra escénica. En primer lugar, se exponen las características necesarias de este tipo archivístico; a continuación, la información imprescindible que añadir a dicho archivo histórico para preservar el acontecimiento; y para finalizar, ejemplificarlo desde la experiencia del autor en el Teatro Real.

Este artículo presenta momentos significativos de la historia del Archivo de Arquitectura de la Biblioteca de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Madrid (UPM) y de su compromiso con la docencia y el patrimonio arquitectónico: su inicio como museo de carácter docente que, muy temprano, tuvo la voluntad de trascender el ámbito universitario, el paso de “museo” a “archivo” al poner en valor la serie y el contexto documental o la incorporación de las tecnologías de la información. Actualmente los fondos están disponibles en abierto en la plataforma Archivo Histórico Digital de la Biblioteca de la UPM (AHDB) con más de 16.000 objetos digitales que los usuarios pueden descargar sin estar registrados ni pertenecer a la universidad. El compromiso es el mismo pero, gracias a las nuevas herramientas, la visibilidad es mayor.

Con el giro archivístico, el archivo se convirtió en un concepto central en la investigación de los procesos de la memoria, aunque también de las prácticas del arte, ya que coleccionar implica también seleccionar y crear con archivos, cuya lógica está nutrida por diversidad de fuentes. El presente artículo revisa una serie de ideas exploratorias acerca de la interpretación y aproximación al lenguaje de la obra “El final ruso” (The Russian Ending, 2001) de la artista Tacita Dean —una obra de arte de archivo— que se abre a la ambigüedad, diversidad de miradas y variados enfoques del espectador.

El desarrollo de la industria española a comienzos del siglo XX tuvo en las infraestructuras hidroeléctricas uno de sus máximos exponentes. Pronto aparecieron poblados levantados ex novo para dar cobijo al personal que atendía a estos equipamientos, todos ellos planificados y ajenos a la espontaneidad, radicados principalmente en el medio rural y, ordinariamente, con altos estándares de diseño y calidad. Buena parte de ellos, hoy abandonados, representaron quizá la mayor innovación arquitectónica en el medio rural, bien adscritos al lenguaje vernáculo, bien a propuestas entroncadas en la modernidad. Esta certeza nos parece motivo suficiente para abordar su examen. Nos proponemos el estudio del poblado del Esla, levantado junto al Salto de Ricobayo (Zamora), con la particularidad de que se trata de la primera vez que se accede tanto a fuentes y archivos de Iberdrola en la provincia de Zamora como del obispado de la diócesis zamorense para este menester. Analizamos el conjunto edificado y su planeamiento urbano, sus arquitecturas más significativas e icónicas y paralelamente promovemos su puesta en valor a partir del descubrimiento de sus valores más relevantes.

Este artículo examina la interrelación entre diversas fuentes de datos y metodologías para la investigación del patrimonio industrial en la región Noroeste de Buenos Aires (NOBA). A través de un caso de estudio de la industria harinera del siglo XIX, se evidencia cómo estas fuentes (documentos históricos, fotografías, planos, mapas, entrevistas y trabajo de campo), en conjunto, facilitan la comprensión del desarrollo industrial, las transformaciones arquitectónicas y la construcción de identidades territoriales. Además, se destacan los desafíos y oportunidades metodológicas que estas herramientas ofrecen para la preservación de la memoria colectiva y la gestión del patrimonio regional, contribuyendo al conocimiento y la toma de decisiones.

Este texto aborda el análisis arquitectónico del fondo compuesto por la fuente gráfica realizada por la Comisión Provincial de Regiones Devastadas en la provincia de León, recuperado en el 2015 y custodiado en el Archivo Histórico Provincial de León. El objetivo de la investigación es la indagación de la fuente y puesta en valor de la arquitectura de Reconstrucción y Reparaciones efectuada desde 1940 a 1957 fundamentalmente en el norte de la provincia de León, a través de su evolución legislativa, el lenguaje constructivo empleado por parte de sus arquitectos, la funcionalidad de las obras, la adecuación a un marco geográfico concreto, y el carácter propagandístico que asumió la institución para el impulso del Régimen franquista.

La noción de valor en el patrimonio ha evolucionado significativamente desde el siglo XX, desde una visión enfocada en el valor estético e histórico de los monumentos a una comprensión más amplia que incluye dimensiones comunitarias, paisajísticas y ambientales. Este artículo analiza la integración de estos conceptos a través del estudio de documentos clave de la UNESCO e ICOMOS, como la Convención sobre el Patrimonio Mundial (1972), la Carta de Burra (1979, revisada en 1999) y la Recomendación sobre el Paisaje Urbano Histórico (2011). Se examina cómo estas instituciones globales han redefinido los criterios de valoración patrimonial, incorporando enfoques participativos y sostenibles. Asimismo, se abordan los desafíos actuales en la gestión del patrimonio, como el cambio climático y la inclusión de perspectivas decoloniales. A partir de este análisis, el artículo propone una reflexión crítica sobre la necesidad de adaptar continuamente los marcos normativos frente a estas transformaciones conceptuales y sus implicancias prácticas.

Este artículo analiza la relación entre el patrimonio inmaterial peruano, entendido como una construcción cultural de la memoria, y la obra de los arquitectos Juvenal Baracco, Guillermo Málaga y Emilio Soyer. A través del estudio de sus proyectos, se identifican factores clave en la configuración de la forma y el espacio, los cuales emergen de su interacción con el lugar, la tradición arquitectónica local y la memoria colectiva. Su trabajo cuestiona los principios de la arquitectura moderna internacional, proponiendo una reinterpretación contemporánea que, a través del mestizaje de influencias, se desarrolla con libertad y sin imposiciones estilísticas. Así, su obra ha tenido un impacto significativo en el desarrollo de la arquitectura peruana del siglo XXI, al tiempo que contribuye a la construcción de un nuevo patrimonio arquitectónico.

El artículo analiza el estatuto del lugar como herramienta metodológica para la identificación y preservación del patrimonio territorial en la costa norte del Perú, con énfasis en Lambayeque. Frente a amenazas como la urbanización descontrolada y la expansión agroindustrial, se propone un enfoque territorialista que reconozca el territorio como un sistema dinámico en el que convergen valores materiales e inmateriales. A través de una metodología que combina revisión bibliográfica y análisis de casos, se examina cómo el estatuto del lugar permite interpretar las características identitarias del territorio y regular su transformación de manera sostenible. Se abordan cuatro aspectos clave: la relación entre patrimonio y territorialización, el estatuto del lugar como instrumento de regulación, la participación ciudadana en la gestión territorial y ejemplos de Lambayeque que ilustran estos procesos. El estudio concluye que integrar el estatuto del lugar en la planificación territorial contribuye a la sostenibilidad del patrimonio, refuerza la cohesión social y permite modelos de desarrollo basados en la identidad local. Este enfoque ofrece una alternativa para abordar problemáticas similares en otros territorios con alto valor patrimonial.

El deporte de la pelota valenciana ha estado siempre estrechamente vinculado a la arquitectura y el urbanismo a través de su espacio de juego. En sus inicios, las partidas disputadas en la calle aprovechaban la morfología de la urbe para su desarrollo. Sin embargo, tras su prohibición, el juego se trasladó a los trinquets, canchas con elementos compositivos muy característicos cuya forma influye directamente en el desarrollo de las partidas. Con el tiempo, estos espacios han evolucionado, adaptándose a nuevas necesidades, lenguajes y realidades urbanas sin perder su esencia tradicional. Este artículo analiza y define las distintas partes de la cancha de juego, su morfología, origen histórico y las variantes que han surgido en los últimos años. Asimismo, pone en valor la importancia de la ubicación del trinquet dentro de la ciudad, examinando las tendencias actuales y su impacto en la percepción de estos espacios, no solo como escenarios deportivos, sino también como parte del patrimonio cultural. De este modo, se evidencia la simbiosis entre tradición y modernidad en la conservación y evolución de este deporte.

En el siguiente artículo se aborda la relación entre el patrimonio y la cronotopía, un concepto que une el tiempo (cronos) y el lugar (topos). La cronotopía puede entrelazarse con el uso de las Tecnologías de la Información y la Comunicación (TIC) para reinterpretar la relación entre lo urbano y el patrimonio cultural ya que es esencial para entender cómo los elementos patrimoniales evolucionan, se preservan a lo largo del tiempo y en diferentes contextos, como la arquitectura y la gestión del patrimonio. Las TIC han transformado nuestra relación con el tiempo y el espacio, permitiendo explorar bienes patrimoniales sin viajar. La integración del cronotopo en la planificación urbana y la preservación del patrimonio es crucial para garantizar que las futuras generaciones puedan disfrutar y aprender de los tesoros culturales que heredamos.

En pleno desarrollismo español en nuestro país vivimos suficientes episodios de demolición del patrimonio arquitectónico en aras del progreso. La consideración social por la herencia atesorada desde antiguo era exigua y triunfaban los deseos de irracional y onírica modernidad, como si ésta implicase pasar página sobre nuestro pasado. El derribo de la iglesia románica del Carmen del Camino de Zamora en 1967 para la construcción de un edificio de viviendas y su reconstrucción es muestra de este fenómeno. Abordamos este caso estudiando las alternativas arquitectónicas propuestas y la solución definitiva del templo, poniendo el acento en la documentación proyectual y administrativa con el fin de rastrear, siquiera de soslayo, las ideas, decisiones y pretensiones relativas a la consideración de este bien patrimonial más allá de su mera materialidad.

La península de Yucatán presenta una morfología singular originada a través de procesos fisicoquímicos, desarrollando así la formación de piedras calcáreas transformadas por los primeros grupos humanos en elementos constructivos. Particularmente, los habitantes de la región centro oriental han utilizado la piedra y la madera como sus principales materiales de construcción, legando métodos y técnicas arquitectónicas para la planificación urbanística, destacando el levantamiento de edificaciones monumentales civiles y religiosas con la finalidad de exhibir el nuevo orden social. Estas expresiones culturales reflejan la creatividad de los constructores mayas, quienes adaptaron y crearon espléndidos edificios, testigos de la historia regional. En nuestros días, el patrimonio arquitectónico maya se ha clasificado en dos tipos: arqueológico, referido a las construcciones legadas del esplendor precolombino, y la arquitectura histórica, referente a las construcciones de la época de dominación española, así como las edificaciones de las centurias posteriores a la configuración del estado nacional.

Los órganos provinciales de ejecución de la política de las Falanges Juveniles y Secciones de Encuadramiento que se originaron durante la posguerra española tenían la pretensión de intervenir en la infancia y la juventud en función de su situación social y geográfica. Tras el paso de la enseñanza obligatoria el control de los adolescentes estuvo supervisado en el contexto de los trabajadores de las ciudades por los centros urbanos. En el caso que nos ocupa, focalizaremos la atención en los “Hogares Rurales”, que consistían en centros de reunión y formación nacional del Frente de Juventudes (FJ), como referentes de los muchachos del ámbito rural. Además de los valores morales inherentes a la configuración de esta entidad, se planteó la construcción de edificaciones con diferentes tipologías y variantes, con una distribución interior jerarquizada y funcional, así como exteriores donde la propaganda y la simbología fueran sus señas de identidad características.

Desde mediados del siglo pasado, el implacable proceso de desindustrialización ha ido dejando tras de sí un escenario de paisajes asolados, edificios vacíos, extraños artefactos metálicos, y kilómetros de redes ferroviarias y otras infraestructuras abandonadas. La aproximación a estos restos difíciles ha sido, y es, muy compleja, y a menudo la solución más sencilla ha sido el derribo. Tampoco desde los campos de la arquitectura y el urbanismo este acercamiento se ha hecho siempre con la atención y el respeto que merece esa parte de la historia. Mediante la revisión de publicaciones, jornadas y congresos, el artículo tratará de exponer cuál ha sido en líneas generales esta aproximación desde los años 70, teniendo como telón de fondo la evolución de la valoración de estos restos desde el punto de vista patrimonial y el nacimiento de las primeras asociaciones en su defensa. Esta lectura paralela, casi cronológica, permitirá poner en cuestión algunas actuaciones a la luz de un contexto más amplio y, desde la posición actual, valorar si existe un cambio en la aproximación desde la arquitectura hacia esta realidad.

La irrupción del discurso patrimonial en el debate arquitectónico contemporáneo es reciente, a menudo impulsado por la búsqueda de ocasiones para el proyecto, más que por la preocupación por la conservación de los bienes patrimoniales. Su evolución se produce en paralelo a la redacción de las Cartas de la tutela del patrimonio, que han alargado este concepto a ámbitos espaciales y culturales cada vez más amplios, tangibles e intangibles, con vinculación social a través de la memoria colectiva. A partir de la década de 1970, la crisis energética estimula la práctica del “reúso” de edificios abandonados, empezando inicialmente por los de carácter industrial. Este concepto, explorado por Giancarlo De Carlo y Lacaton y Vassal, entre otros, abre las puertas a un entendimiento patrimonial integrado en la teoría arquitectónica desde la definición del significado cultural. Si el acto de restaurar remite a un sector técnico especializado, el reúso apela a un ejercicio profesional responsable y comprometido con los valores patrimoniales intrínsecos a todas las épocas. Es lo que defiende el Proyecto TRAHERE, cuyo caso de estudio es el Madrid postindustrial situado en las antiguas terrazas del río Manzanares, a través de la Exposición “Entre río y raíles” (CentroCentro, Madrid, 29/09/2022-15/01/2023).

El reconocimiento del patrimonio inmaterial conlleva, de forma implícita, diferentes puntos de contacto con la construcción de las identidades, propia de cualquier colectivo social que reivindique una herencia cultural. Con el objeto de explorar tales relaciones, el presente texto utiliza tres momentos históricos cuyo interés radica en significar un punto de inflexión en la conciencia de la modernidad: la Revolución francesa, la Segunda Revolución Industrial, y la Revolución digital. Partir de la conciencia histórica del patrimonio, avanzar en los cambios que supuso la Segunda Revolución Industrial y, finalmente, atender a la transformación en términos de tiempo y espacio que ha comportado el llamado tercer entorno, nos permite establecer las necesarias conexiones entre la construcción del patrimonio inmaterial y las dinámicas contemporáneas de voluntad identitaria.

La participación puede definirse como una práctica social donde cada ser humano, al formar parte de eventos públicos, construye identidad, apropiación y pertenencia; características de por sí inherentes al patrimonio por ser el contenedor de la memoria colectiva de un pueblo. Por lo tanto, participación ciudadana y patrimonio comparten cualidades que podrían hacer que la conjunción de ambos repercutiera positivamente en la gestión de las ciudades históricas. Pese a la introducción de cambios legislativos para intentar flexibilizar la participación, en la práctica aún queda mucho por hacer. Y es que, aunque se realiza un esfuerzo por integrar la voz de la ciudadanía en planes y programas, lo habitual es que el activo humano que mantiene el corazón antiguo de nuestras ciudades ni se contemple en normativas ni pueda participar en modelos de transformación urbana. Si bien la participación conforma un escenario complejo, es necesario comenzar a abordarlo de manera real, práctica y eficiente para que todos los actores sociales trabajen conjuntamente en la elaboración de propuestas que superen las tensiones entre tradición y modernidad, entre nostalgia y olvido, y obtener así centros vivos, diversos, incluyentes y sostenibles.

Can Lis comienza en un acantilado donde encontramos excavada una cueva. Desde esta gruta, y su relación con el mar, nace el proyecto. Se entiende una premisa poética para la investigación en el artículo: los elementos arquitectónicos que dan forma a Can Lis ya estaban en el lugar y Utzon únicamente se aprovechó de ellos gracias a la mirada del arquitecto. A través del estudio detallado de estos elementos —Acantilado, Árbol y Cueva— y mediante una nueva planimetría elaborada in situ, se aporta una visión en conjunto de la casa nunca vista hasta ahora. Además, nueva documentación fotográfica, vía dron y desde el mar, realizada por los autores, nos hace comprender la eterna relación de la arquitectura con el lugar. Miramos la Casa entonces como una revelación de la Naturaleza, que es nuestro mejor patrimonio.

El territorio declarado Paisaje Agavero y las antiguas instalaciones industriales de tequila en Jalisco, México, es un sitio con grandes flujos de turismo, desde que fue inscrito en la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO en 2006, como ejemplo emblemático de paisaje cultural. Se pretende describir y analizar el proceso de su declaración como patrimonio mundial, así como el proceso de mercantilización que ha transformado el territorio, cuestionando su impacto benéfico en la región. El método seguido fue: delimitación del objeto de investigación; construcción del esquema de investigación; identificación, análisis y fichado de fuentes de información; diseño de esquema de exposición de resultados; codificación de fichas de trabajo y redacción. Se concluyó que la inscripción como Patrimonio Mundial acentúa su valor cultural excepcional y testimonial histórico, pero su mercantilización niega su autenticidad y sostenibilidad. Es necesario colocar como eje central la promoción de estrategias que valoren su significación patrimonial, pero que sean sostenibles sin comprometer su esencia cultural ni su integridad natural.

El artículo analiza el papel del patrimonio como herramienta para fomentar el pensamiento crítico en la formación de futuros docentes de Educación Infantil y Primaria en Andalucía. A partir de una experiencia didáctica desarrollada en la Universidad de Córdoba y la Universidad de Granada, se promueve una comprensión crítica del patrimonio, su valor identitario y su dimensión social. La metodología empleada se basó en el análisis de problemáticas patrimoniales locales y en la elaboración de propuestas educativas, buscando activar la conciencia cívica del alumnado. El estudio destaca la necesidad de una formación docente más sólida y contextualizada en educación patrimonial, capaz de integrar el patrimonio en la enseñanza como un recurso para construir ciudadanía crítica, inclusiva y comprometida con su entorno social y cultural.

El artículo explora la relación entre el patrimonio inmaterial y el entorno construido a partir del estudio de las escenas de la música electrónica de baile. Se cuestiona la disociación entre lo material y lo inmaterial en la configuración del patrimonio cultural y propone una mirada capaz de entender estas manifestaciones no solo desde lo musical, sino como paisajes culturales que se construyen desde la idea de territorio. A través del análisis del caso concreto de la música mákina en Cataluña, destaca cómo la dispersión geográfica, el uso del automóvil y la tecnificación del espacio construyen una espacialidad específica vinculada a la experiencia que propone esta manifestación cultural. Esta perspectiva permite comprender el papel activo del entorno en la producción de experiencias colectivas, desbordando la noción de patrimonio inmaterial como algo puramente intangible. Se propone así una revisión crítica de los marcos teóricos del patrimonio, abogando por una lectura integrada del espacio y las expresiones culturales.

Este artículo propone una lectura crítica del patrimonio urbano a partir del estudio de los descampados de Alicante, entendidos como territorios menores, bastardos e improductivos, que forman parte activa del imaginario. Frente a la lógica patrimonial tradicional basada en la monumentalidad, la utilidad o la belleza, se reivindica aquí un patrimonio menor que emerge desde los márgenes de la ciudad, donde coexisten ruinas, prácticas informales, biodiversidad y usos no normativos. A través del análisis del caso de las Lagunas de Rabasa —un solar de más de 400 hectáreas resultado de una renaturalización espontánea tras su abandono industrial— se pone en valor la potencia política, ecológica y simbólica de estos vacíos urbanos. La investigación combina trabajo de campo, análisis cartográfico, fuentes técnicas y mirada psicogeográfica, para establecer las bases de un Atlas menor de descampados, entendido como archivo crítico. Estos espacios, lejos de ser residuos del planeamiento, funcionan como zonas autónomas y laboratorios urbanos, donde lo informal y lo afectivo generan nuevas formas de ciudad. El artículo defiende su reconocimiento como patrimonio legítimo, no desde su utilidad, sino desde su capacidad cultural, social y política.

La coincidencia temporal de la construcción de dos casas en paisajes bioculturales marítimos como el Atlántico y el Mediterráneo, por parte de David Chipperfield y Álvaro Siza, permite contrastar el habitar contemporáneo en relación con los acervos culturales y naturales de ambos contextos geográficos. Topografía, clima, luz y agua son interpretados desde dos aproximaciones que valoran esas tradiciones constructivas y antrópicas frente al mar, atendiendo a los entramados de bienes de distinta escala y naturaleza. Estas dos miradas desembarcan en las costas de Corrubedo (1996-2002) y Mallorca (2002-2007) respectivamente para experimentar la domesticidad abordando relaciones como arquitectura y agua, lo universal y lo local, o lo singular y lo anónimo. La confluencia programática, espacial y temporal de estas dos viviendas invita a desarrollar una metodología de arquitectura comparada que derive en una síntesis con la que seguir alimentando la crítica contemporánea. El objetivo es identificar dos miradas foráneas a esos acervos culturales y paisajísticos —construidos y naturales— reinterpretados por dos propuestas domésticas concluyendo en cómo la relación entre agua y arquitectura sirve no sólo para repensar modos singulares de habitar junto al mar, sino renovadas formas de entender la contemporaneidad desde una modernidad revisada.

En este artículo presentamos un estudio pormenorizado sobre las singularidades formales, estructurales y constructivas definidas por José de Yarza García en la capilla del colegio de los Marianistas de Zaragoza. Con el paso de los años, esta singular edificación se ha transformado en uno de los registros simbólicos que manifiestan cómo fue la consolidación del pensamiento moderno en Aragón. Abordamos una prospección analítica que, además de poner el foco sobre los aspectos funcionales y tipológicos de la propuesta, ahonda en el valor de la innovación ejecutiva de su puesta en obra. El diseño de la estructura, resuelto a través de un sistema de cables tensados que conforman una superficie de doble curvatura, unido a la metodología constructiva empleada para levantar el templo, poco común en este entorno geográfico, certifican el porqué de la trascendencia de este pequeño edificio. Además, presentamos evidencias que demuestran que el trabajo de Yarza deriva de una labor silente, la cual, a través de investigaciones personales acumuladas a lo largo de muchos años, permitió que el avance de la arquitectura aragonesa de la segunda mitad del siglo XX produjese piezas de gran valor para la comprensión de la ciudad del presente, bajo inspiraciones y referencias reconocibles.

La premisa inicial de este artículo es la consideración de este complejo, concebido específicamente como un manifiesto que explique tanto su arquitectura como la capacidad de trabajo del estudio sin necesidad de palabras, como proyectado y habitado desde las diversas capas de memoria que han conseguido plegarse sobre un proyecto muy sintético.

La memoria colectiva se materializa en el territorio perpetuando, en ocasiones, desigualdades estructurales que requieren ser deconstruidas mediante nuevos marcos normativos. Este artículo analiza la integración de la perspectiva de género en la legislación territorial a través del caso de estudio del anteproyecto de la Ley Integral de Ordenación del Territorio de Asturias (LOITA). Mediante una metodología mixta que incluye un cuestionario segregado por género (N=161, correspondientes a los cuestionarios válidos y completos) en el municipio rural de Grado, se evalúan cinco indicadores: población, movilidad, cuidados, vivienda y seguridad. Los resultados revelan brechas significativas, destacando el acceso al transporte público (+19 % a favor de los hombres) y la modificación de itinerarios por miedo (+14 % en mujeres). Se propone una «Matriz de brechas de género» como herramienta metodológica para traducir estos diagnósticos sociológicos en directrices prescriptivas de planificación. Se concluye que la legislación territorial, nutrida por la participación ciudadana, constituye un instrumento clave para superar el urbanismo androcéntrico y diseñar territorios más equitativos.